Es gibt wenige Kulturen und Nationen, die sich derart mystifizieren und in einen sagenhaften Schleier hüllen, wie die Vereinigten Staaten von Amerika. Wenn ich es genau bedenke, markieren diese wohl den unangefochtenen Höhepunkt der Ausbildung eines Staatsmythos, der nicht nur Sinnbild einer ganzen Gesellschaft, sondern auch zum glorifizierten Ideal manch anderer (westlicher) Nationen wurde. In der Tat kennen wir Deutschen den American Way of Life besser als die kulturellen Eigenheiten anderer Nationen, haben wir doch durch Film und Fernsehen ausreichend Gelegenheit, ihn kennenzulernen oder gar zu verinnerlichen.

Umso interessanter ist es dann, diese so oft gehuldigten Legende ungeschönt sehen zu können. Während die typische Gesellschaftskritik schnell in ewig gleich lautende Platitüden verfällt und es nicht schafft, den Kern der Dinge zu erfassen, tauchen hin und wieder pointierte, emotionsfreie Kritiken auf, die mehr als nur den oberflächlichen Fingerzeig wagen und tatsächlich den so undurchdringlich scheinenden Schleier des American Way of Life durchdringen.

Ein gelungenes Beispiel hierfür sind die Fotografien der beiden Zürcher Künstler Taiyo Onorato und Nico Krebs, die in der aktuellen Ausstellung „The great unreal“ bei den Kunstagenten gezeigt wird. Auf mehreren Roadtrips durch die Vereinigten Staaten nahmen Onorato und Krebs immer wieder die unzähligen Phantasmen unter die Lupe, die unser Bild von diesem Land prägen, und beschwören mit ihren zumeist inszenierten, doch aber stets real wirkenden Dioramen einen Mythos, den wir zwar zu kennen glauben, jedoch nicht als Realität oder Illusion erkennen können. Bild und Bildmotiv verschmelzen so zu einem geisterhaften Wesen, das nicht mehr greifbar ist.

„Car 2″, © Taiyo Onorato & Nico Krebs (c.o. Kunstagenten)

Das Fotografenduo Taiyo Onorato & Nico Krebs lebte den Traum vieler Amerikaner und Touristen: ein Roadtrip durch das ganze Land. Währenddessen wurden sie auf die vielen Orte aufmerksam, die unsereins für Filmsets eines typischen Hollywood-Streifens halten würde. Erst als sie wiederkamen und erneut eine solche Tour in Angriff nahmen, erstellten sie ihre Arbeiten, für die sie verschiedene Techniken der Bildmanipulation einsetzten. Jedoch nicht etwa Photoshop oder dergleichen: Onorato und Krebs setzten neben ihrem fotografischen Know-How und Pappkulissen auch Collagetechniken ein.

Dabei ist die einzige ungestellte Fotografie gleichzeitig die interessanteste: In „Biggest cross in Texas“ wählen die beiden Künstler eine Perspektive, die das hell erleuchtete Kreuz einer texanischen Kirche mit einem einfachen Strommasten in Bezug setzt und die Rolle der Kirche im säkularisierten Amerika hinterfragt. Während sich das Kreuz aufrecht und strahlend auf dem trockenen Wüstenboden empor streckt, hat das morsche Holz des schief stehenden Masten schon bessere Tage gesehen. „In god we trust“, wie es so schön heißt, wird hier greifbar.

Die restlichen Fotografien – etwa dreißig an der Zahl – entstanden dagegen unter Zuhilfenahme manipulativer Methoden. So wird in „Car 2″ das Symbol des modernen Amerikas schlechthin, nämlich das Auto, in einen Heiligenschein gehüllt. Vor einem typischen Motel in Szene gesetzt wird in „Car 2″ wiederum auf den nicht minder typischen Roadtrip-Tourismus angespielt, der schließlich auch Grundlage der ganzen Fotoserie ist.

„Wires“, © Taiyo Onorato & Nico Krebs (c.o. Kunstagenten)

Dann gibt es jedoch die Werke in „The great unreal“, die die Serie am meisten prägen. In Arbeiten wie „Wires“ setzen Onorato & Krebs ihre Manipulationen so geschickt ein, dass nicht klar wird, was Illusion und was Realität ist. Man sieht auf dieser Aufnahme einige Strommasten in einer wüsten Gegend, deren Kabel und Abspannleinen wie Strahlen in alle Richtungen auslaufen und so den Eindruck provozieren, dass an diesem Foto etwas nicht stimmen kann. Allein, dieses Gefühl bleibt, ist es doch nicht möglich, auszumachen, welche der Kabel und Stahlseile tatsächlich echt sind und welche nur Illusion sind.

Dadurch wird das gesamte Motiv infrage gestellt und verliert trotz seiner durchaus realen Grundlage jegliche Wahrhaftigkeit. Die Arbeiten des Künstlerduos greifen auf diese Weise diverse Facetten des so vielfach proklamierten Bildes von den USA auf und hinterfragen sie durch ihre subtilen Verfremdungen, sodass letztlich die real abgebildete Illusion, d.h. jene Täuschung, die unsere Vorstellung dieses Landes ausmacht, mit der von Onorato und Krebs hinzugefügten Illusion verschmelzen.

Ebenso wird in diesen Arbeiten eine zweite, eine parallele Realität erschaffen, die eins wird mit der existenten, vorfindbaren Realität. Obgleich die beiden Künstler sehr einfache und feine Verfremdungen vornehmen, schaffen sie es doch, die verschiedenen Ebenen der Täuschung so eng miteinander zu verbinden, dass nicht mehr erkennbar ist, was wahrhaftig und was artifiziell ist. Wenn etwa ein entsprechend bemaltes Stück Pappe vor einer Horizontlinie zu einem endlosen Highway wird oder die Collage diverser „typisch amerikanische“ Gebäude und Rohbauten zu einem geschickt zusammengesetzten, fiktiven Straßenzug wird, offenbaren sich erst die Ansichten, die wir vom American Way of Life haben.

Dabei gehen die beiden Fotografen alles andere als plump und prätentiös vor. Ihre Arbeiten scheinen stets nüchtern und schlicht, sind in gedeckten Farben gehalten und sprechen mit einem zeitlosen Unterton, der ihnen eine überaus ruhige Stimmung verleiht. Selbst eine Aufnahme von Autoreifen, die einen Hügel herunterstützen, wie es die Büffelherden in den unzähligen Western-Filmen zu tun pflegen, ist von einer eigenartig ruhigen, doch energiegeladenen Ruhe erfüllt, die wiederum an den Stil von „Spiel mir das Lied vom Tod“ und ähnlichen Klassikern erinnert.

Diese ernste Stille ist es, die den Arbeiten in „The great unreal“ erst ihre außerordentliche Klasse verleiht. Gepaart mit dem Verwirrspiel aus Illusion und Realität und dem Verzicht auf digitale Methoden der Manipulation entsteht die einzigartige Atmosphäre dieser Werke. Daher kann ich nur meine ausdrückliche Empfehlung für diese Ausstellung aussprechen, die wohl mit Recht kürzlich von artinfo.com zu einer der „Five shows to see around the world“ erklärt wurde. In jedem Fall möchte ich behaupten, dass es sich hierbei um eine der besten Berliner Ausstellungen der zweiten Jahreshälfte handelt.

Wer sich selbst ein Bild von „The great unreal“ machen will, der hat
noch bis zum 25. September bei den
Kunstagenten Gelegenheit dazu,
immer mittwochs bis samstags von 14:00 bis 19:00 Uhr,
in der Linienstraße 155 in 10115 Berlin.

Unabhängig von „The great unreal“ wurde mir in den vergangenen Wochen wieder einmal klar, wie stark das glorifizierte Bild vom American Way of Life auch unsere Kultur prägt. Wenn wir im Kino einen Hollywood-Film sehen, dann folgen wir nicht etwa an der Erzählung einer Geschichte, die ebenso amerikanisch, wie deutsch oder japanisch sein könnte. All diese Filme handeln von typisch amerikanischen Legenden: the American Dream oder etwa der selbstlose Kampf eines Einzelnen für die Demokratie/das Wohl oder die Bürger Amerikas. Andere sind amerikanische Großstadtmärchen, die wieder und wieder den Charme New Yorks oder Los Angeles‘ beschwören und allmählich einen Mythos formen, in den sich wenig andere Städte hüllen können.

Auch wenn dies nur ein Beispiel ist, denke ich, sind wir mit der amerikanischen Kultur so gut vertraut als wäre sie unsere eigene, und vielleicht haben wir auch schon Teile davon assimiliert und in unsere integriert. Dann sind es jedoch Filme wie „Bowling for Columbine“ oder Künstler wie Marilyn Manson, die mich mit ihrer intelligenten Kritik an dieser illusorischen Kultur beeindrucken und daher auch aufzeigen, dass diese rein amerikanische Angelegenheit eigentlich viel deutscher ist, als ich mitunter vermutete.

Die Isländer führen ein beschauliches Leben dort oben im Norden, so weit entfernt vom Festland. Selten dringen Nachrichten aus der kleinen Republik in die restliche Welt, und wenn, dann geht es um gestörten Flugverkehr oder das neuste Sigur-Rós-Album. Eine Angelegenheit, die zwar auch in Deutschland publik wurde, doch gemessen an ihrer Brisanz, kaum Beachtung fand, war der große Bankencrash 2008, der bis heute die isländische Gesellschaft prägt.

Stand die isländische Krone im Oktober 2007 noch bei einem Wechselkurs von 85 für einen Euro, ist sie heute nur noch halb so viel wert. Die Arbeitslosigkeitsrate betrug im 2. Quartal 2010 neun gegenüber zwei Prozent im Dezember 2007, entsprechend sank auch die Stimmung über die Jahre in den Keller. Am 8. Dezember 2008 kam es nach langen, von der ganzen Gesellschaft getragenen, öffentlichen Protesten schließlich zur gewaltlosen Stürmung des isländischen Parlaments durch dreißig Demonstranten, woraufhin neun von ihnen festgenommen und von den Abgeordneten angezeigt wurden.

Die wahllos herausgepickten Angeklagten warten bis heute auf ihr Urteil, das harte Freiheitsstrafen wegen Störung der Parlamentsbetriebs beinhalten könnte. Unter ihnen befinden sich auch zwei Künstler, die die großen Namen in der isländischen Kunstszene um sich versammelt haben, um eine Soli-Ausstellung für die „Reykjavík 9″ auf die Beine zu stellen: „The mob against the prosecution“.

Video von der Vernissage zu „The mob against the prosecution“

Politisch tagesaktuelle Kunst war mir aus Deutschland bisher fremd. In meinen Augen schien dieses Land nicht mehr als die manchmal feingeistigen Karikaturen in den großen Tageszeitungen hervorzubringen. Echte politische Kunst habe ich bisher vermisst. Die Isländer sind in diesem Punkt scheinbar ein wenig anders gestrickt, vielleicht liegt es auch nur an ihrer Krisensituation, von deren Ausmaß wir in Deutschland verschont blieben. Jedenfalls reagierte die isländische Kunstszene zügig auf den Prozessauftakt und setzte mit einer öffentlich viel beachteten Ausstellung im Living Art Museum (Nýló), der Instanz für isländische Gegenwartskunst, ein weithin sichtbares Zeichen.

Das Who ist Who der dortigen Kunstszene, insgesamt 23 Künstler, erstellte zu diesem Anlass Arbeiten und sprach damit seine Solidarität mit den neun Angeklagten aus. Anderthalb Monate lang wurden die Werke ausgestellt, fanden Performances und Diskussionsrunden zum Thema statt. Die Ausstellung fand in den Medien große Beachtung und es bleibt abzuwarten, ob sie ihren Zweck erreichen wird.

The mob against the prosecution

Als ich einige Tage vor Ende der Ausstellung das Nýló besuchte, waren die Werke bereits in einen Nebenraum umgezogen. Dort formten sie einen überaus verdichteten Haufen aus Kunst, scheinbarem Müll, Europaletten und Absperrband unter punktueller Spotbeleuchtung, sodass es anfangs schwer fiel, die vielen Eindrücke einzuordnen, die dieses chaotische Konglomerat bot. In diversen Winkeln rangen Videoinstallationen um Beachtung und zwischen all dem Müll versteckten sich die Werke, die zuvor noch an den Museumswänden hingen.

Doch das Chaos hatte System. Was sich da abspielte, war ein lautes politisches Aufbegehren: Hier wurde die dystopische Vision des Überwachungsstaates heraufbeschworen, dort der aussichtslose Kampf gegen die Obrigkeit geführt und anderswo die Absurdität und Banalität kleinlicher Rechthaberei karikiert. Alles hübsch eingebettet in den Alltagsmüll, der in einer Krisensituation wie dieser anfällt: zerknüllte „Inspired-by-Iceland„-Plakate als Zeichen des hoffnungsvollen Vertrauens auf die Einnahmequelle des Tourismus, alte, überschüssige Baumaterialien als Mahnmal für den durch die Krise zerstörten Bauboom sowie Paletten und Verpackungsmaterial als Symbol für den durch das Außenhandelsdefizit nachhaltig geschwächten Exportsektor.

The mob against the prosecution („Paradísarmissir“: „Das verlorene Paradies“)

Hier häuft sich an, was einst die isländische Wirtschaft vorantrieb, Überreste einer einst so schillernd aufsteigenden Ökonomie. Dazwischen und mitunter nicht leicht zu erspähen, braut sich der Protest zusammen. Subversiv, doch lautstark dringen diese Stimmen aus den Trümmern hervor und formieren sich zu einer Kraft, die ihre Forderungen selbstbewusst vorträgt: Entmachtung der Verantwortlichen, Schutz der bürgerlichen Interessen, Solidarität mit den neun Angeklagten.

Als auf meiner Reise durchs Hochland der Überlandbus wegen eines Motorschadens im Niemandsland liegen blieb, erzählte mir der Busfahrer viel darüber, wie die Isländer die nun schon seit Jahren andauernde Krisensituation erleben. Er schilderte mir die bezeichnende Anekdote vom Bauprojekt „Höfðatorg“, einem 72m hohen, gläsernen Büroturm im Zentrum Reykjavíks. Während des großen Baubooms errichtet, trieb die Krise die Eigentümer in den Ruin. Bis heute bleibt das Gebäude ungenutzt und leer und erinnert, wie er mir sagte, immer wenn die Sonne durch die Glasfassaden scheint, an den schnellen Aufstieg und Fall der isländischen Wirtschaft.

Aus seinen Ausführungen und Beispielen wurde klar, dass die Isländer ihre derzeitige Lage mit viel Schmerz hinnehmen müssen. Sarkasmus und Galgenhumor trösten kurz über die allgemeine Verbitterung hinweg, Zusammenhalt und die Besinnung auf alte Werte fokussieren auf das Licht am Ende des Tunnels.

Die Isländer machen eine schwere Zeit durch. Ein Volk, das sich seit jeher durch seine Einigkeit auszeichnet, steht nun geschlossen hinter den Forderungen der Demonstranten, die einst beinahe täglich auf dem Austurvöllur, dem Vorplatz des Parlaments, gegen die gescheiterte Wirtschaftspolitik auftraten. Dass ein wahllos herausgegriffener Teil jener Leute nun hohe Freiheitsstrafen für ein Vergehen erwarten muss, das in den Augen der meisten Isländer nur dem Bürgerrecht, jederzeit Zutritt zum Parlament zu erhalten, entspricht, erzeugte freilich weitere Proteste.

Beeindruckend war für mich jedoch, dass diese Solidaritätsbewegung auch in Windeseile die Kunst erfasst hatte. Politische Kunst war mir aus Berlin bisher nicht bekannt. Für die Isländer scheint Kunst vielleicht mehr als hier als Meinungsinstrument zu dienen, das im Gegensatz zu den etablierten Medien einen anderen, vielleicht volksnäheren Kanal öffnet. Interessanterweise sollte sich dieser Eindruck in einem weiteren Projekt des Nýló bestätigen: „Old news“ – dazu später mehr.

The Icelanders lead a quite placid life in the far north, far away from the mainland. It’s rare that news from this small country travel all the way to Europe and when it happens, it’s about disrupted air traffic or the latest album by Sigur Rós. One issue we heard in Germany about but that – measured by the importance – didn’t attract much attention was the big bank crash in 2008, that shaped the Icelandic society until today.

In october 2007 one Euro (one $ resp.) was worth 85 ($: 118) Icelandic krones, whereas today’s worth is halved. The unemployment rate in the second quarter of 2010 is nine per cent, in December 2007 it was only two per cent. Considering this, the mood dropped likewise. On December 8th, 2008, after long public protests, that were supported by the whole people of Iceland, thirty protesters gained access to the parliament, whereupon nine of them were arrested and later accused by the members of parliament.

The randomly picked accused still wait for their judgement, that could include severe prison sentence for disturbing the parliament. Among these are two artists who rallied the Who is Who in the Icelandic art scene round themselves in order to organize a solidary exhibition for the „Reykavík 9″. „The mob against the prosecution“.

Video of the opening of „The mob against the prosecution“

In Germany, political, up-to-the-minute art was new to me. In my opinion, this country doesn’t produce more than the sometimes quite clever cartoons in the big daily papers. I missed real political art. Icelanders seem to make no pretence of such topics, it’s probably because of the critical situation, that Germany didn’t experience at such a rate. However, the Icelandic art scene reacted rather fast on the start of the trial and, with a highly respected exhibition at the Living Art Museum (Nýló), which is the instituton for Contemporary Icelandic Art, set an example, that aimed for the public discussion.

The Who is Who of Icelandic art, altogether 23 artists, made works for this exhibition and declared their solidarity with the nine accused. For one and a half month the pieces were exhibited, performances and discussion forums held. The show attracted much attention in the media and it still remains to be seen whether it gains its end.

The mob against the prosecution

A couple of days ago before the exhibition was to end, I visitied Nýló. The pieces were moved to an adjoining room where they formed an highly condensed bunch of art, apparent trash, euro-pallets and barrier tape; all lit by spots, so it was difficult to get an overview of this chaotic agglomeration of vivid impressions. Video installations and all the pieces, that once hung on the museum’s walls, hid in this huge pile of trash.

But there was a certain system in the chaos. It was a loud, political clamour: There, the dystopian vision of the surveillance state was conjured up, and here, the desperate battle against the authorities fought or the absurdity and banality of petty bossiness caricatured. This was positioned in between everyday’s rubbish which piles up in a critical situation such as this: crumpled-up Inspired by Iceland posters as a symbol for the hopeful faith in tourism as a source of revenue, spare construction material as a memorial for the building boom, that was destructed by the crisis, and pallets and wrapping material as a sign for the permanently weakened export sector.

The mob against the prosecution („Paradísarmissir“: „Paradise lost“)

All the things that once pushed Iceland’s economy pile up here, now being the mere remains of times long since over. In between and hardly to recognize protest emerges. Subversive, but strident voices shout from these ruins und form a new power that confidently demands it claims: disempowerment of those being in charge, protection of civil interests and solidarity with the nine accused people.

During my trip through the highlands the intercity coach had a breakdown in the midst of nowhere. The driver told me much how Icelanders bear the crisis for a couple of years now. He recounted the distinctive anecdote of the building project „Höfðatorg“, a 72m high, glassy office tower in the city centre of Reykavík. It was built during the big building boom but when the crisis struck, the owner was ruined. Until today the building remained unused and vacant, thus, how the driver said, reminding on the rise and sudden fall of Iceland’s economy when the sun shines through the glass facades.

Considering to his stories and examples it was clear to me, that the Icelandic people has to bear the actual situation with great grief. Sarcasm and gallwos humour may shortly console for the bitterness, strong company and the search for older values help to focus on the light at the end of the tunnel.

The Icelanders have a rough trot. A people, which is known for its unity, supports now the demands of the protesters, who once almost daily gathered at Austurvöllur, the square in front of the parliament, to demonstrate against the failed economic policy. For most Icelanders, randomly picking people from a crowd of protesters, that now have to face severe sentence, is an outrage, because its considered to come under the lawful right to always get access to the parliament. Of course, this leads to new protests.

It was impressive to see how fast artists caught up with this movement of solidarity. I didn’t know any political art from Berlin. It seems, that for Icelanders, art is a way to express one’s opinions as a counter-concept to media, that is more down-to-earth. Interestingly enough, this impression was about to be affirmed by another Nýló project: „Old news“ – of which more later.

Eigentlich fuhr ich diesen Sommer für eine Trekkingtour nach Island, doch natürlich kam alles anders als geplant, und so verbrachte ich wegen einer Verletzung am Knie die letzten acht Tage in der Hauptstadt Reykjavík. Wie sich schnell herausstellte, war das kein Grund zur Traurigkeit, denn die nördlichste Hauptstadt der Welt bot, anders als ihre beschauliche Größe vermuten lässt (gerade einmal 120.000 Einwohner leben dort), eine große Auswahl an Galerien, Museen und Kunst im Allgemeinen.

Schnell fiel mir auf, dass es gar nichts gab, was ich über zeitgenössische Kunst aus diesem Land wusste, und wenn man einmal Ólafur Elíasson außen vor lässt, dürfte das auch für das restliche Kontinentaleuropa der Fall sein. Wie sich allerdings bald zeigte, ist die mangelnde Beachtung für die Kunst vom Polarkreis alles andere als gerechtfertigt und so fasste ich den Entschluss, dieses Land von seiner künstlerischen Seite kennenzulernen und hier im Blog zu dokumentieren.

Mithilfe von Doro, Direktorin des Center for Icelandic Art und Kuratorin Birta vom Living Art Museum gewann ich schnell einen Einblick in die isländische Gegenwartskunst und konnte mir in den folgenden Tagen ein Bild von den thematischen Eigenheiten und Tendenzen machen. Ich besuchte alle Galerien und Kunstmuseen in Reykjavík, lernte dabei viele Kuratoren und Künstler kennen und kehrte bald mit dem Gefühl heim, dass in der isländischen Kunstszene eine lebendige Aufbruchstimmung herrscht und Raum für neue Ideen und Experimente besteht, wie ich es zuvor auch aus Berlin kannte.

@ i8 Gallery (Ausstellung von Elín Hansdottír)

Frucht dieser acht Tage Reykjavík sind meine Beobachtungen, die ich in den kommenden Wochen hier dokumentieren möchte. Obgleich die isländische Gegenwartskunst zu vielseitig ist, um sie in so kurzer Zeit erfassen zu können, möchte ich Künstler und ihre Arbeiten vorstellen, die nach meinem Dafürhalten in irgendeiner Weise als repräsentativ für diesen Ort und diese Zeit gelten können oder mir aus sonstigen Gründen interessant erscheinen.

Aufmerksame Beobachter der deutschen Blogosphäre werden festgestellt haben, dass es bereits ambitionierte Projekte über isländische Musik und über isländischen Streetstyle gibt, hier folgt nun das Portrait über den Kunsthotspot am Polarkreis.

Allerdings möchte ich gar nicht erst versuchen, eine gültige Aussage über die isländische Kunst der Gegenwart im Allgemeinen zu treffen. Selbst die Forschung hat dazu noch keine Beschreibungen oder Analysen hervorgebracht und so bleibt mir zur Recherche nicht viel mehr als das Internet, die Kuratoren und Künstler selbst sowie die einzigen drei Ausgaben des einzigen isländischen Kunstmagazins, das in den letzten Jahren existierte (und mittlerweile auch nicht mehr erscheint).

Nach jetzigem Stand wird es in den kommenden Wochen wenigstens zehn zweisprachige Artikel (deutsch und englisch) zu diesem Thema geben, darunter eine, vielleicht auch zwei Verlosungen von isländischer Kunst. Morgen geht’s schon los, dann stelle ich euch politische Kunst in Krisenzeiten vor.

Actually, I was going to Iceland this summer for a hiking trip, but of course everything went differently than originally planned, so I stayed in the capital Reykjavík for eight days due to a knee injury. As it quickly turned out, this was no reason to be upset because the northernmost capital in the world offered – considering its quite small size of only 120.000 inhabitants – a huge range of galleries, museums and art in general.

It soon occurred to me, that I didn’t know anything about contemporary art from this country and, apart from Ólafur Elíasson, this is certainly the case for the rest of continental Europe. However, it got soon apparent that this lack of attention for the art from the polar circle was not justified so I made the decision to get to know this country from its artsy site instead and to document it here in this blog.

With the help of Doro, director of Center for Icelandic Art and curator Birta of Living Art Museum I gained an insight in Icelandic Contemporary Art and had the chance to get an idea of the topical character and tendencies. I visited every gallery and art museum in Reykjavík, got to know many curators and artists and returned home with the feeling, that there is an atmosphere of departure in Icelandic art scene which is driven by the open-minded attitude towards new ideas and experiments, just how I already knew it from Berlin.

@ i8 Gallery (Elín Hansdottír exhibition)

The result of these eight days in Reykjavík were my observations that I will document here in the weeks to come. Though Icelandic Contemporary Art is too multifaceted to comprehend it in such a short time, I want to introduce artists and their work, that are in my opinion somewhat representative for this place and this time or that seems otherwise interesting to me.

Those that are attentive observers of the German blogosphere have surely noticed, that there are already ambitious projects about Icelandic music and Icelandic street style (both in English) -: this is the portrait about the art hot spot at the polar circle.

However, I don’t want to try to make a valid point on Icelandic Contemporary Art in general. Even research has not found any descriptions or analyses yet, so for my research I can only rely on the Internet, the curators and artists and the only three issues of the only Icelandic art magazine, that was published in the last years (and doesn’t exist anymore).

As matters stand, there will be published at least ten articles on this topic in English and German as well. Among these, there will be one or maybe two raffles of Icelandic Art. Tomorrow’s the start: I will write about political art in times of crisis.

In seinem bisher mehr als anderthalbjährigen Bestehen hat dieses Blog viel erlebt: Es hat oft Lob erhalten, hat viel Kunst in aufbereiteter Weise vorgestellt, zwischendurch seine thematische Ausrichtung eingeschränkt und über die Zeit sein Profil geschärft wie auch an Professionalität gewonnen (naja, ob das so stimmt, sei mal dahingestellt). Jetzt, zwanzig Monate später, stehen weitere Neuigkeiten vor der Tür: Castor & Pollux steht in neuem Gewand vor euch, ist jetzt auch an Facebook angeschlossen und darf einen vielversprechenden Ausblick in die Zukunft wagen.

Mehr dazu und wieso und warum überhaupt gibt es nach dem Klick!

Ein neues Layout für Castor & Pollux

Die wohl offensichtlichste Neuerung besteht im Redesign des Blogs. Nach all der Zeit des Bloggens fiel mir auf, dass sich die Lesegewohnheiten der Leser verändert hatten: Mehr denn je bestimmt nun Ungeduld und das Verlangen nach neuen, ansprechenden Informationen das Verhalten des Besuchers. Wenn eine Website nicht innerhalb von wenigen Sekunden einen Eyecatcher bieten kann, hat sie schon verloren. Wie geht man also als Webseitenbetreiber auf diese Entwicklung ein?

Das übliche Blogmodell ist hierfür denkbar ungeeignet: Da die Artikel untereinander angeordnet sind, häufig längere Absätze die eigentlichen, die Aufmerksamkeit erregenden Stellen, nämlich Bilder und Überschriften, trennen, ist der User gezwungen, eine Weile zu scrollen, um sich ein Bild von dem Blog zu machen. Dies kostet Zeit. Zeit, die der Besucher nicht hat (bzw. denkt, dass er sie nicht hätte). Wenn er das Blog noch nicht kennt, so werden maximal die ersten drei, vielleicht auch vier Artikel darüber entscheiden, ob er bleiben oder zur nächsten Seite übergehen wird. Die Drop-Off-Rate ist also in der vertikalen Artikelanordnung entsprechend hoch – ein Problem, das meiner Vermutung nach besonders Kunstblogs betrifft.

Die Idee: Dem Besucher mehr Eyecatcher auf einmal anbieten. Hierzu bietet sich etwa eine horizontale Anordnung der Artikel an. Mit heutzutage üblichen Bildschirmen sind so zwei, drei oder gar mehr Artikel auf einmal sichtbar und können schneller überflogen werden. Daraus folgt wiederum, dass die Wahrscheinlichkeit steigt, dass der Besucher hängen bleibt und zum Leser, vielleicht auch zum wiederkehrenden Leser oder gar Abonnent wird.

Andererseits habe ich mich einfach am alten Layout satt gesehen. Etwas Neues musste her. Obgleich es über die Zeit viel Lob für das Layout gab, ist es Zeit für einen Tapetenwechsel. Der aufmerksame Beobachter wird erkennen, dass manche Details das Redesign überstanden haben, andere in abgewandelter Form aufgegriffen wurden. Corporate Design halt. Es hat eine gefühlte Ewigkeit gedauert, um das neue Layout fertigzustellen, v.a. Unikram kam immer wieder dazwischen.

Noch ist das Design nicht vollends fertig, doch aber schon für die Nutzung recht brauchbar. Wenn ich einen praktikablen Weg finde, dass bei Klick auf „Den restlichen Artikel lesen“ dieser noch auf derselben Seite erscheint, wird das noch ergänzt. Sonst handelt es sich nur um technische Dinge, die u.U. noch nachgebessert werden müssen.

Was hältst du vom neuen Design? Sind dir vielleicht Layout– oder technische Fehler aufgefallen? Lass es mich wissen!

(via)

Castor & Pollux jetzt auch mit voller Facebookunterstützung

Lange Zeit habe ich beobachtet, wie andere Blogs die Einbindung von Facebook zu Social-Media-Zwecken nutzen. Anfangs skeptisch behielt ich die aus dem Boden schießenden Fan-Pages und die nun allgegenwärtigen Like-Buttons im Auge und kam letztlich zu dem Schluss, dass daran mehr Gutes als Schlechtes sei. Die Castor-und-Pollux-Fan-Page existiert zwar schon ein Weilchen, doch erst mit dem neuen Layout ließ sich auch ein Weg finden, die Like-Buttons zu implementieren. Auch hier wird es sicherlich noch Anpassungen geben, doch zum jetzigen Stand läuft soweit alles gut.

Bleibt nur noch eines zu sagen übrig: Werde Fan von Castor & Pollux und mache fleißig Gebrauch von den Like-Buttons, um deine Freunde auf neue Artikel aufmerksam zu machen!

Bald auch in deinem Kiez

Was kommt

Ich habe in diesem Jahr noch viel vor mit diesem Blog! Inspiriert durch meinen Besuch auf der Insel am Polarkreis, sitze ich derzeit an einer mehrteiligen Reihe über zeitgenössische isländische Kunst und die Kunstszene Reykjavíks. Mit Hilfe von Doro, Direktorin des Center for Icelandic Art und Birta, Kuratorin des Living Art Museum habe ich einen guten Einblick in diesen in Kontinentaleuropa so unbekannten, doch desto lebendigeren Kunsthotspot gewinnen können und werde hier ab übermorgen viel zu berichten haben.

Außerdem werde ich zusammen mit dem ebenfalls so kunstversessenen Kopf hinter Die Unschuld in Person ein neues Kunstblog mit bisher ungekanntem Konzept eröffnen. Seid gespannt.

Daneben werde ich euch in den kommenden Monaten zu exklusiven Führungen einladen, weiterhin Kunstbücher und sogar Kunstwerke verlosen. Doch alles zu seiner Zeit…

Los jetzt! Werd Fan bei Facebook!

Es gibt immer wieder Künstler, die mich nicht mehr loslassen, deren Werk sich durch einen bestimmten Charakter auszeichnen, der meist schwer in Worte zu fassen, doch aber immer mitreißend, bezaubernd, atemberaubend ist. Einer von ihnen ist zweifellos auch Zhang Huan, zumindest gemessen daran, dass er in diesem Monat schon zwei Mal bei Ganymed auftauchte.

Ich könnte mich in seiner Werkübersicht verlieren. Überall wohin man blickt, tauchen neue Schätze auf, funkeln neue Beispiele seines so unverwechselbaren Stils. Huan ist im besten Sinne ein chinesischer Künstler, jedenfalls deckt sich der Charakter seiner Werke sehr gut mit meinem Bild von chinesischen Tugenden: streng, aber mild, präzise und ausdrucksstark, doch aber keinesfalls laut kommt seine Kunst daher.

Kürzlich erst wurde ich auf „Family tree“ aufmerksam: Huan ließ hierzu sein Gesicht so lange mit den Texten einiger bekannter chinesischer Legenden beschreiben, bis die Zeichen verschwammen, die Schrift unleserlich wurde, das einzelne Wort unter der Last der vielen anderen erstickt, Huans Gesicht nicht mehr zu erkennen war. Eine Allegorie auf die staatlich verordnete, kulturelle Monotonität im modernen China?

„Family tree“, © Zhang Huan

Ein Mann mittleren Alters schaut mit ernster Miene, augenscheinlich asiatischer Herkunft. Großaufnahme, jeder Stoppel auf seinem kahlen Kopf ist zu erkennen. – Ein typisches Selbstporträt, wie Zhang Huan es zu schaffen pflegt. Allerdings wird der Begriff „Selbstporträt“ diesen Aufnahmen nicht gerecht, ist es doch nie Huan selbst, der im Mittelpunkt seiner Arbeiten steht. Er ist bestenfalls der Darsteller seiner Werke, spielt jedoch nie die Hauptrolle. Huan fungiert in seinen Arbeiten als Leinwand für seine eigene Kunst. Mal wird er durch Anlegen eines Anzugs aus Rinderfleisch zur Farce eines Bodybuilders, ein anderes Mal erscheint er mit Schriftzeichen auf seinem Körper und Tierknochen um seinen Leib und erinnert so (zumindest mich) an klassische Eucharistiedarstellungen.

„Family tree“, © Zhang Huan

Auch „Family tree“ reiht sich in die lange Liste solcher Arbeiten ein, in denen Huan seinen Körper als Medium nutzt, um seine Kunst und die Aussagen dahinter zu transportieren. Hierzu ließ er sein Gesicht von ausgebildeten Kalligraphen einen Tag lang mit verschiedenen traditionellen, chinesischen Legenden beschreiben, bis dieses am Abend gänzlich schwarz war. Die Schreiber waren angehalten, trotz der zunehmend schlechten Lesbarkeit weiter wie gewohnt zu schreiben, solange, bis Huans Gesicht mit einer dicken, glänzenden Farbschicht überzogen war.

„Family tree“, © Zhang Huan

Morgens, also zu Beginn der Performance, sind die Zeichen noch gut zu unterscheiden. Sie erobern Huans Gesicht wie ein unbeschriebenes Papier, können atmen, ihre Bedeutung frei und klar zum Ausdruck bringen. Mit der Zeit füllt sich die begrenzte Fläche, die Zeichen drängen sich mehr und mehr, ringen um Platz, bleiben aber doch weiterhin erkennbar.

„Family tree“, © Zhang Huan

Irgendwann ist jedoch der Punkt erreicht, wenn das geschriebene Wort zu einem chaotischen Haufen wird, nur einzelne Striche und Formationen aus der Menge herausstechen und einen Anhalt darauf geben, dass es sich eigentlich um eine Unzahl Schriftzeichen handelt. So füllt sich Huans Gesicht immer mehr mit weiteren Informationen, die sich immer dichter unter die bereits niedergeschriebenen drängen und letztlich, am Abend des Tages, alles ersticken, jegliche Bedeutung vernichten und die eigentlich so schillernden Legenden in ein stummes Nichts überführen. Auch das Gesicht selbst verändert sich, ist über die Zeit immer schwerer zu erkennen, bis es schließlich ganz im Meer der Zeichen untergeht.

„Family tree“, © Zhang Huan

Zhang Huan spielt bewusst mit dem Lebenszyklus von der Geburt bis zum Tod, vom unbefleckten, unbeschriebenen Neugeborenen bis zum Greis, der durch seine Erziehung und Sozialisierung, sein ganzes Umfeld geprägt wurde und schlussendlich ein Abbild der gesellschaftlichen Normen und Tendenzen verkörpert. Er reduziert dies auf den Tageszyklus: Wenn er am Morgen noch das Kleinkind ist, das eine eigene, erkennbare Persönlichkeit hat, und zusehends durch äußere Einflüsse geprägt wird, wird er doch bald zu einen alternden Mann, der am Ende des Tages sein Gesicht, seine Identität verloren hat.

„Family tree“, © Zhang Huan

Mit diesem glänzenden, schwarzen Gesicht ist Huan nicht mehr zu erkennen; es könnte jeder andere sein, der da unter der starren Maske der kulturellen Einflüsse erstickt. Diese langsame Erstarrung wird nur noch dadurch gesteigert, dass das hochrepetitive Beschreiben der immer gleichen Fläche mit den immer gleichen Texten sich zu einem fließenden Geschehen formt, welches zielstrebig auf die gänzliche Unterdrückung jeglicher Spuren seiner Persönlichkeit hinarbeitet. Es ist ein langsamer Prozess, der in „Family tree“ abläuft, der dafür allerdings umso unaufhaltsamer auf sein Ziel hinsteuert.

„Family tree“, © Zhang Huan

Huan schreibt hierzu:

More culture is slowly smothering us and turning our faces black.

Demzufolge erstickt jeglicher kultureller Einfluss die persönlichen Eigenschaften, die einen Menschen ausmachen, macht ihn gleich und uniformiert ihn zunehmend, sodass er durch seine kollektive Prägung seine Individualität verliert. (Ein dystopischer Gedanke, der sonst nur im gegenteiligen Sinne geschildert wird: Sonst ist es die Abwesenheit von Kultur, die zur Uniformierung und Kollektivierung einer Gesellschaft führt, s. etwa THX 1138.) Der Mensch gleicht sich nach Huans Ausführung seinen Genossen an, verliert jegliche Merkmale seiner Persönlichkeit, verkommt zum kleinsten Träger einer kollektiven Bewegung, die stumm und gespenstisch dem ihr indoktrinierten Weg folgt.

„Family tree“, © Zhang Huan

Damit zeichnet Huan allerdings ein Bild vom modernen China, das sich durch ein staatlich verordnetes Kulturprogramm auszeichnet, welches in einem zwanghaften Rahmen über politisch zweckmäßige und wertlose Kultur urteilt und damit die nationale Identitätsbildung vorantreibt. Das chinesische Volk wird mit einem kleinen Kanon an ausgesuchter Literatur, Musik und Kunst erzogen und unterhalten, welcher der Obrigkeit für ihre Interessen an einem großen, sozialistischen Volkskörper passend erscheinen. Darüber hinausgehende Bildung, auch solche in Eigeninitiative, wird mangels Verfügbarkeit an entsprechenden Quellen verwehrt und so kommt jedem Bürger dieselbe (kultur-)geschichtliche Bildung zu, was letztlich nicht etwa der Entfaltung der eigenen Persönlichkeit, sondern nur der Ausbildung eines homogenen Volkskörpers dienlich wird.

Was „Family tree“ jedoch so unverwechselbar „chinesisch“ macht, sind nicht etwa die entsprechenden Schriftzeichen oder der Umstand, dass Huan nun mal Chinese ist. Es ist diese ernste Ruhe, zugleich aber der strenge und entschlossene Ausdruck, mit der diese Performance auf jenes tradierte Bild vom alten Kaiserreich Chinas zurückgreift. Zugleich ist es erst diese stille Entschlossenheit, die „Family tree“ wie auch anderen Performances Huans ihre unvergleichliche Energie verleiht. Welche Form kann wohl besser geeignet sein, ein so chinesisches Thema wie dieses anzusprechen?

In diesem Blog las man bisher nur meine Sicht als Kunstrezipient, mitunter auch als –konsument auf Beispiele zeitgenössischer Kunst, die keinen expliziten, inhaltlichen gemeinsamen Nenner hatten. Eine Perspektive also, die die Kunst und den künstlerischen Prozess retrograd betrachtet und die gegenteilige Dimension, die Sicht auf das künstlerische Schaffen und seine Ursprünge denkbar schwierig erfassen kann. Aus diesem Grund war dies auch selten Thema in diesem Blog und wenn, dann auch nur, weil mir Quellen vorlagen, die diesen Teil des künstlerischen Prozesses dokumentierten und glaubhaft wiedergaben.

Im Zuge meines seit Bestehen von Castor & Pollux stetig wachsenden Interesse an der Kunst, das zuletzt darin gipfelte, dass ich mich als Gasthörer der Kunstgeschichte weitaus mehr begeistern und auch spürbar bessere Leistungen erbringen konnte als in meinem eigentlichen Studienfach, wuchs auch das Interesse an eben jener anderen Seite der Kunst, nämlich die der Kunstschaffenden und –betreuenden. Obgleich ich kein „gelernter“ Kunstwissenschaftler oder gar Künstler, auf diesem Gebiet viel mehr ein Laie und Autodidakt bin, der keinen fundierten Hintergrund aufweisen kann, wachsen doch in mir Ideen heran, die man vielleicht sogar als künstlerische Ausdrucksformen beschreiben kann.

Grundlage dieser Ideen ist eine Haltung gegenüber der Kunst, viel mehr eine Meinung davon, welchen Kurs die Kunst von heute nehmen muss, wenn man sie wie ich als Spiegel der gegenwärtigen gesellschaftlichen, politischen und philosophischen Entwicklung, jedoch auch als logische Fortsetzung der bisherigen Tendenzen und Strömungen begreift. Ich entwickelte eine konkrete Ansicht davon, was die Kunst von heute leisten müsse, um dieser Forderung gerecht zu werden und war erst kürzlich erstaunt, zwei Künstler zu finden, die sich eben dieser Idee bereits nähern. Meine ganz persönlichen Avantgardisten? Die Ikonen meines kommenden, möglicherweise auch noch so naiven künstlerischen Schaffens?

„Sooting Plexiglas“, 2007 © Daniel Adam Turner

Meiner nebulösen Erinnerung zufolge war es Büchner, vielleicht auch Goethe in seinen Briefen an Lenz, der bereits vor grob 200 Jahren feststellte, dass alle künftigen literarischen Anstrengungen nichts Neues mehr hervorbringen können würden, dass jedes Schrifttum dazu verdammt sei, nur alte Erzählungen, Prototypen und Konstellationen aufzugreifen und mit neuen Namen und Orten auszukleiden. Es sei bereits alles geschrieben, was von literarischer Bedeutung sei. In der Tat folgten danach nur eine Handvoll Schriftsteller, die es vollbrachten, Novitäten zu erschaffen.

Einen ähnlichen Eindruck gewann ich schnell von der zeitgenössischen Kunst, die sich im eklektischen Dickicht der sog. Post-Moderne verliert und mangels frischer, neuer Ideen damit zufrieden gibt, möglichst gewitzt auf Künstler vergangener Tage zu verweisen und deren Schaffen bestenfalls in einen neuen Kontext bringt. Obwohl ich die Post-Moderne als logische Antwort auf die teils irrsinnigen Entwicklungen der Moderne anerkenne, stellte sich für mich schnell das Gefühl ein, dass Stillstand herrscht und sich eine habituelle Trägheit eingeschlichen hat, die den oben formulierten Anforderungen an die Kunst nicht mehr gerecht werden kann.

Meine persönliche Antwort auf die Einsicht, dass der unausweichliche Zeitpunkt nahe sei, wo alle Anstrengungen in eklektizistischen Orgasmen gipfeln würden, wo das Spiegelkabinett des Kopierens und Referenzierens ein undurchsichtiges Gemäuer errichtet, das keinen Anhalt auf das Reale gibt und dadurch fragil und hohl wird, bestand darin, dass alles Erschaffen im Sinne eine Neugenerierung vergebens sei. Erschaffen ist demnach aussichtslos, weil selbst ohne besseres Wissen stets künstlerische Ergebnisse entstehen, die wenigstens ungewollt nur die Aussage dessen wiederholen, was bereits vorhanden ist. Man kann nicht mehr Kunstwerke erschaffen, deren Ausdruck oder Intention genuin sind, man kann nur noch neue Formen finden, in die man die alten Themen hineinpresst.

Man kann diesen Drang nach Innovation freilich kritisieren, kann manieristische Interludien als wiederkehrende Elemente des kunsthistorischen Zeitstrahls auffassen, doch führt dies in meinen Augen nicht zu einem Kunstverständnis, das nach obiger Formulierung den heutigen Anforderungen gerecht wird.

Da ich also das Erschaffen als künstlerischen Prototyp für unzeitgemäß befinde, stellt sich die Frage nach der Alternative. Meine Auffassung sieht bildende, d.h. abbildende Kunstformen -: Abbildungen von real existierenden Dingen wie auch von Emotionen und Intentionen, die dem Künstler zu eigen sind, im Allgemeinen Dinge, die im Kunstwerk reflektiert werden – als Teil dieses Erschaffens an. Auch jene junge Kunstströmung, die sich von der Kunst, die bedeutet, entfernt, stattdessen funktioniert, sehe ich als subtile, unprätentiöse Form des Erschaffens an.

Die Antwort darauf ist das ins Gegenteil verkehrte Prinzip des Erschaffens, die Zerstörung. Die Zerstörung als künstlerisches Grundprinzip bricht mit der eklektischen Unart, in ihr sehe ich die ultimative Manifestierung der bedeutungsfreien, d.h. nicht bildenden, nicht abbildenden Kunst, die nicht bedeutet, die nicht will und die nicht funktioniert, die sich von den Grundelementen der Kunst des 20. Jahrhunderts verabschiedet und eigene Wege geht. Dabei ist die Zerstörung, wie ich sie meine, nicht mit Ikonoklasmus gleichzusetzen, denn sie kann alle Dinge, Gegenstände oder Ideen zum Ziel haben.

Dadurch, dass man etwas zerstört, sei es ein Ding oder nur ein Gedanke oder eine Idee, entzieht man ihm neben all seinen Eigenschaften zwangsläufig auch seine Bedeutung, macht es gleich mit der allgegenwärtigen Asche all der anderen Dinge oder Gedanken oder Ideen und hüllt es in das Hintergrundrauschen, das alles umgibt. Unkenntlichkeit und Gleichmachung sind die letzten Ziele der Zerstörung, die der Grundlage des Erschaffens, nämlich der Differenzierbarkeit gegenüber dem Andersartigen, entgegen wirken.

Die größte Schwachstelle meiner Argumentation sehe ich darin, dass ich stillschweigend zwischen einem strengen Dualismus dieser beiden Extreme ausgehe und mir bisher keine tieferen Gedanken über mögliche weitere Dimensionen gemacht habe, ging ich diesem skizzenhaften Entwurf einer möglichen Tendenz der künstlerischen Entwicklung nach.

Selbst wenn diese Überlegung sich als logisch ausgereift erweisen sollte, ist doch noch nicht geklärt, ob dieses Gedankenexperiment den realen Bedingungen standhalten kann, die ich wie eingangs beschrieben in der Reflektion der heutigen gesellschaftlichen, politischen und philosophischen Bewegungen sehe. Möglicherweise ist diese Frage auch nur zu klären, wenn schon konkretere Eigenschaften der Zerstörung definiert wurden. Ein bloßer Verweis auf gegenwärtige Tendenzen, die der Natur der Zerstörung nahe stehen, wie etwa sozialer Raubbau, politische Abkühlung und Verhärtung und andere Zeichen der allgemeinen Degradierung scheint mir nicht zweckgemäß, weil nicht für diese Tage genuin genug. Viel mehr, sollte sich dieses Konzept als bloßes Formenspiel, nur als reaktionäre Antwort auf die Akteure der Post-Moderne erweisen, wäre seine Daseinsberechtigung, nämlich seine Verankerung in der Realität, infrage gestellt. Die Folge wäre eine tote, rein akademische Stilrichtung, die unfähig ist, den Geist ihrer Zeit zu atmen.

Dies ist der argumentative Punkt, an dem ich mich derzeit befinde. Ob das künstlerische Konzept der Zerstörung tatsächlich zeitgemäß ist, ist also auch für mich noch offen. Dennoch ist dies eine Idee, auf die ich mich bereits in jetzigen, bisher lediglich nur hypothetisch existierenden Entwürfen für eigene Werke konzentriere.

Claude Rutault bei der Arbeit an „Définition/Méthode“ im Jahre 1985 (via)

Umso interessanter war es daher für mich, auf zwei Künstler zu stoßen, die diese Idee nach meiner Beobachtung ebenfalls entwickelten und sich ihr bereits in ihren Werken annäherten.

Als ich neulich ein wenig auf Kunstwebseiten herumstöberte, fiel mir der junge amerikanische Künstler Daniel Adam Turner auf, in dessen Arbeiten die Zerstörung seit wenigstens vier Jahren als Thema auftaucht. So türmte er im Jahre 2006 35 Gemälde zu einem Scheiterhaufen auf und setzte sie daraufhin in Brand. Nachdem das Feuer abgebrannt war, blieb von den Leinwänden nicht mehr als ein paar verkohlte Fetzen zurück.

Die Rahmen überstanden das Feuer als schwarze Gerippe, als entseelte, von jeglicher Bedeutung befreite Leichen einstmaliger Gemälde. Turner anonymisiert damit diese 35 Bilder, entzieht ihnen Motiv, Stil, Stimmung und Charakter. Diese Gemälde haben keine Bedeutung mehr, sie erfüllen keinen Zweck mehr, sie sind bloße Hinweise auf eine andersartige, eine beschreibbare Vergangenheit. Dadurch sind die Überreste dieser Werke nicht mehr voneinander zu entscheiden, alles ist Asche, alles ist Staub und geht wieder zur Erde zurück.

Turner überlässt diese Ruine sich selbst, er klärt nicht, was kommen kann oder soll. Er lässt jede Möglichkeit offen und erzeugt durch das Herausstreichen der Endlichkeit in seinem Werk auch einen leisen, dumpfen Unterton, der das Entsetzen überdauert. Ob Turner jedoch ein Provokateur ist, kann ich nicht beurteilen, Fakt ist jedoch, dass seine Arbeit manch einen Sammler und Connaisseur schockieren mag.

„Définition/Méthode“, © Claude Rutault

Einen anderen Ansatz verfolgt Claude Rutault nunmehr seit wenigstens 25 Jahren: Der Franzose bittet Künstlerkollegen zur Übersendung eines ihrer Werke, woraufhin Rutault dieses in derselben Farbe überstreicht, die die Wand haben wird, an der es einmal hängen wird. Rutault ordnet diese dann wie in gewöhnlichen Ausstellungen an und ergänzt sie um kleine Tafeln derselben Farbe, die als stumme Beschriftung der Gemälde dienen.

Einer der Künstler, die eine ihrer Arbeiten an Rutault abtraten, ist der Isländer Birgir Andrésson, bekannt für seine kühne, radikale Malweise, der 2006 sein farbenfrohes Gemälde „Colour Proof #2″ opferte. Rutault übermalte es in unschuldigem Weiß und versetzte die Leinwand somit zurück in ihren jungfräulichen Zustand, als ob sie wieder bereit wäre, Farbe und Leben aufzunehmen.

Claude Rutault bemächtigt sich in seiner Serie „Définition/Méthode“ nicht nur der Werke anderer Künstler, er verliebt sie sich auch ein, macht sie einander und dem White (Green, Red…) Cube gleich. Auch er raubt ihnen jeglichen Charakter, auch er nimmt ihnen ihre Bedeutung und ihre Absicht. Obgleich unter der neuen Farbschicht das Bild Andréssons weiter existiert und prinzipiell wiederherstellbar ist, kann es doch nicht zur Wirkung des Gesamtwerk beitragen, ist quasi verstummt. Als Andrésson das von ihm zur Verfügung gestellte Gemälde erneut sah, distanzierte er sich von seinem ehemaligen Werk, das nun nach seiner Auffassung ein autonomes Leben führe.

Indem Rutault ein Gemälde eines Künstlers wählte, in dessen Werken Farbigkeit eine große Rolle spielt, und es gänzlich ins Gegenteil verkehrte, maximierte er den Umfang der Veränderung und damit den Grad der Zerstörung. Einen Pollock weiß zu tünchen ist etwas anderes als ein Gemälde von Yves Klein mit Schwarz zu übermalen. Die Ergebnisse aus Rutaults Neumodellierung beziehen also ihre Energie nicht nur aus der Gleichheit mit der Wand, sondern auch durch ihren Kontrast mit dem verwendeten Gemälde. Dadurch balancieren sie zwischen der Harmonie mit dem Danach und der Dysharmonie mit dem Davor

Vergleicht man die Arbeiten von Daniel Adam Turner und Claude Rutault mit meinen Überlegungen, so wird man manches wiederfinden. Der Wechsel von Spezifizierbarkeit zu Indifferenzierbarkeit ist bei beiden integraler Bestandteil der Arbeit, ebenso die Freihheit von Bedeutung, Absicht oder Funktion. Zwar stellen beide Beispiele ikonoklastische Werke dar, dennoch berührt das nicht die Forderungen, wie ich sie oben formuliert habe.

Daraus ergeben sich folgende Fragen: Sind meine Überlegungen möglicherweise alt und bereits von anderen gedacht, habe ich vielleicht nur eine Stilrichtung entworfen, die bereits vor wenigstens 25 Jahren ihre Taufe feierte? Gibt es andere Beispiele, die meinem Manifest genügen? Was weiß die Forschung darüber und wie ordnet sie etwa die Arbeiten Rutaults in den historischen Kontext ein?

Dies sind Fragen, die ich (auch mangels entsprechender Ausbildung) nicht beantworten kann. Möglicherweise ist das Konzept der Zerstörung schon einige Jahrzehnte alt, vielleicht auch aus anderen Beweggründen als den meinigen entstanden. Auf der anderen Seite könnte Turner und Rutault andere Motive dazu bewegt haben, zerstörerische Elemente für ihr künstlerisches Schaffen zu verwenden.

Ich bin mir unsicher. Falls jemand weitere Beispiele oder die wissenschaftlichen Hintergründe kennt, Argumentationslücken oder Fehler entdeckt hat, würde ich mich freuen, wenn er sie mit mir (und den Lesern dieses Blogs) teilen würde! Schreib einen Kommentar!

Es ist gar nicht so lange her, da schrieb ich über eine Fotoserie, die mir aus persönlichen Gründen sehr ans Herz ging: Es war die Reihe „Marzahn“, die der Fotograf Gerrit Engel Ende der Neunziger in eben jenem Berliner Ostbezirk aufnahm, dem bundesweit ein trauriger Ruf vorauseilte. Marzahn ist aber auch gleichzeitig meine Heimat und so lag es nicht fern, dass Engels Fotos, die Marzahn von einer bis dahin vielleicht unbekannten, viel harmloseren, vielleicht sogar schönen Seite zeigen, mich nicht nur ansprachen, sondern auch intensive Gefühle auslösten. Was dies im Einzelnen war, beschrieb ich ja bereits.

Vor Kurzem traf ich mich mit Gerrit Engel (der übrigens im vergangenen Jahr in der Pinakothek der Moderne ausstellte) auf einen Spaziergang durch Marzahn, wo ich ihm in einem Interview einige Fragen zu seiner Fotoserie und dem dazugehörigen Bildband stellte. Darin sind 82 hochauflösende Fotos mit drei einleitenden Texten von einer Marzahnerin, eines Bauhistorikers und Architekturkritikers enthalten. Ich verlose ein Exemplar des mittlerweile vergriffenen sowie ein weiteres Buch über Kunst im öffentlichen Raum in Marzahn – mehr dazu sowie natürlich das Interview gibt es jedoch erst nach dem Klick.

Gerrit Engel im Interview (*)

Hallo Gerrit, vielen Dank, dass du dich für dieses Interview bereit erklärt hast. Du warst vor elf Jahren hier und hast Marzahn abgelichtet, wie es damals war. Stell dich doch einfach mal kurz vor.

Ich bin Gerrit Engel, Geburtsjahr 1965, in Westdeutschland aufgewachsen und sozialisiert, habe Architektur und Fotografie studiert, arbeite als Fotograf und war 1999 das erste Mal in Marzahn. Zunächst wurde ich durch einen Sammler und Freund animiert, hierher zu kommen, der hier Häuser saniert hatte, weil dessen Firma für Betonbau und Sanierung hier beschäftigt war. Für den habe ich zunächst einige Umbaumaßnahmen dokumentiert und habe dabei den Bezirk kennengelernt und meine ersten Eindrücke gesammelt.

Was waren das für Eindrücke?

Das waren eigentlich positive Eindrücke. Ich kannte natürlich wie viele Leute, die noch nicht in Marzahn waren, den Bezirk vom Namen her. Man verband damit Vorstellungen von einer großen, unwirtlichen Plattenbausiedlung und hatte eigentlich erstmal das negative Image im Hinterkopf.

Was gehörte da genau dazu? Was prägte das Bild von Marzahn außerhalb der Bezirks– und Stadtgrenzen?

Natürlich die Probleme, die in allen Großsiedlungen vorherrschen, wie etwa die soziale Isolation, Gewalt, Verrohung: Die Effekte, die sich einstellen, wenn viele Menschen auf engem Raum leben. Dinge also, die ich mit anderen Großsiedlungen verband und dort auch kennengelernt hatte.

In deinem Bildband „Marzahn“ erscheint der Bezirk für meine Begriffe in einem anderen Licht. Da ist nicht etwa das klischeeträchtige, grau in grau gehaltene Plattenbaugebiet zu sehen, da werden auch Personen und Szenen abgebildet, in denen Marzahn fast schon als kleines Idyll, als ein Ort dargestellt wird, wo man ein kleines, beschauliches Leben verbringen kann. Hast du das denn auch in dieser Art erlebt oder das ist nur mein persönlicher Eindruck?

Die Fotos, die ich dort gemacht habe, spiegeln in der Tat das wieder, was ich dort vorgefunden habe, was sich dann nicht mit dem Image der Großsiedlung Marzahn gedeckt hat: nämlich durchaus jene Qualitäten, die Marzahn damals hatte und auch immer noch hat, die sich auch in den Fotos widerspiegeln.

Mir ist aufgefallen, dass im Vergleich zu späteren Arbeiten von dir auch Personen auftauchen. Deine Serie „Berlin“ kommt etwa ganz ohne Menschen aus. Welche Intentionen waren dafür verantwortlich?

Im „Berlin“-Projekt fokussiere ich nur auf diese Gebäude, isoliere sie aus dem städtischen Kontext und lasse sie wie Personen erscheinen, die sie für mich auch sind: Personen, die durch ihre Gestalt gereift sind und eine Persönlichkeit entwickelt haben. Marzahn dagegen habe ich als Siedlung wahrgenommen. Um zu sehen, wie alles zusammenhängt, waren die Menschen natürlich nicht auszuklammern. Ich habe in diesem Buch auch einzelne Gebäude herausgelöst, im Großen und Ganzen wollte ich jedoch mit einer zusammenhängenden Fotoarbeit einen Eindruck vermitteln, der diese Siedlung beschreibt.

Ohne Titel, aus der Serie „Marzahn“, © Gerrit Engel

Du hast mir auch im Vorfeld erzählt, dass du eine sehr lange Vorbereitungsphase hattest. Wie sah das aus, wie bereitet man sich auf ein solches Projekt vor, in dem man allen bereits bestehenden Klischees zum Trotz einen Ort wahrheitsgemäß darstellen will?

Ich hatte ja wie schon erwähnt bereits Berührungspunkte, so war ich schon einige Male hier, ohne das Fotoprojekt im Hinterkopf gehabt zu haben, wobei ich schon erste Eindrücke sammeln konnte und auch die ersten Bildideen bekommen hatte. Als sich dann dieses Buchprojekt, das von Anfang an solches geplant war, herauskristallisierte, habe ich auch versucht, Kontakt zu den Bewohnern herzustellen und sie auch kennenzulernen. Ich hatte dann über Freunde, die hier Leute kannten, den Kontakt hergestellt und Menschen gefunden, die das Leben hier repräsentierten.

Ich kann mir vorstellen, dass nicht alle Leute, die du in Marzahn getroffen hast, dein Projekt befürwortet haben. Da kommt zehn Jahre nach dem Mauerfall ein Wessi nach Marzahn und will – vielleicht argwöhnischen Stimmen zufolge – an alte Vorurteile anknüpfen. Wie fiel im Nachhinein die Resonanz aus, als die Fotos fertiggestellt und dann auch veröffentlicht wurden?

Das ist natürlich auch eine Sache der Perspektive. Für mich als jemand, der die DDR als Außenstehender erlebt hat, hatte dieses Land, an dessen Leben ich nicht teilnehmen konnte auch einen gewissen Reiz. Ich hatte auch durch meine Familie, die in Berlin und Ostberlin wohnte, ein Interesse an diesem anderen Leben und versuchte eine Vorstellung von diesem anderen Leben zu bekommen. Insofern habe ich mich auch für den ursprünglichen Zustand Marzahns interessiert. Zu dem Zeitpunkt, wo ich begonnen hatte zu fotografieren, war Marzahn im Umbruch begriffen. So begann man etwa, die Gebäude energieeffizient zu sanieren, was auch mit einem Verlust an Gestalt einherging, das heißt dass die Ablesbarkeit der Vorfertigung als Plattenbauten verloren ging, aus der ja auch eine gestalterische Qualität entstand und wo auch die Architekten versucht haben diese zu entwickeln. Man sah dies jedoch nicht so an, man sah das Bild nach der Sanierung als das Positive, das Erstrebenswerte und das, was dann in meinen Augen verloren ging, nicht als schön und erhaltenswert an. Das war wiederum etwas, was nach Erscheinen meines Buchs von Kritikern als etwas angesehen wurde, was in ihren Augen nicht als schön galt. Man hat dann auch vereinzelt vorgeworfen, dass ich als Westdeutscher doch gar nicht wisse, wovon ich spreche. Doch wie das so oft ist, hat man als Außenstehender vielleicht doch eine andere Perspektive, die manchmal auch hilfreich ist, um Dinge zu zeigen, für die andere Leute keine Augen mehr haben, wenn es dann zu spät ist und diese Dinge verschwunden sind und worüber man dann vielleicht doch froh ist, wenn jemand Außenstehendes sie festgehalten hat.

Das Haus, in dem aufwuchs, wie es heute aussieht

Als ich deine Bilder kürzlich sah, flammten in mir alte Erinnerungen auf, weil doch Dinge festgehalten wurden, die Marzahn beschreiben, wie es war und jetzt mitunter nicht mehr existiert. Wir sind jetzt schon eine ganze Weile durch den Bezirk gelaufen und du warst seit 1999 auch nicht nur einmal wieder hier. Wie würdest du denn die Entwicklung beschreiben, die du hast, wenn du jetzt, elf Jahre später durch Marzahn läufst?

Von der Bausubstanz hat sich diese Entwicklung natürlich fortgesetzt. Die energetische Sanierung ist vorangeschritten, überall wurden auf die Wände Wärmeplattenverbundsysteme aufgebracht. Auch auf die Giebelwände, die damals in meinen Augen sehr interessant gestaltet waren. Man hatte ja versucht, aus der Not eine Tugend zu machen und mit den wenigen Mitteln, die man vielleicht hatte, eine gestalterische Qualität zu erzielen. Das ist größtenteils verloren gegangen, man sieht im Grunde genommen nicht mehr den originalen Zustand der Gebäude. So gesehen hat sich das Bild Marzahns grundlegend geändert und sieht jetzt aus wie eine Großsiedlung in den alten Bundesländern auch. Das könnte genauso eine Siedlung eine Siedlung in Stuttgart oder Bremen sein. Das was mich interessiert hat, weswegen ich auch hergekommen bin, das Exotische, das gibt es nicht mehr, weil so wie die Wiedervereinigung viele Dinge egalisiert hat, hat sie diese Siedlung auch egalisiert. Das ist eine ganz normale Siedlung, jedoch mit vielen positiven Errungenschaften der Sozialstruktur, die sich hier erhalten hat. Nach wie vor leben hier viele soziale Schichten zusammen, um es platt zu sagen wohnt hier der noch der Busfahrer neben dem Professor. Dieser Pioniergeist, der hier sicherlich in der Bevölkerung vorhanden war, der durch den Mangel der ersten Jahre, etwa an öffentlichen Einrichtungen zustande kam, bewirkte, dass man sich hier zusammenfinden musste um den Bezirk zu verschönern und zu entwickeln; dieser Pioniergeist hat sich auch ein bisschen herübergerettet.

Auch Kunst im öffentlichen Raum war ein Thema (*)

Ist das nur ein Aspekt der Entwicklung, die du siehst, oder gibt es auch Punkte, die auch dein künstlerisches Herz erwecken, oder ist dieser Bezirk jetzt ein langweiliger Ort geworden (Gerrit lacht), aus dem diese künstlerischen Farbtupfer verschwunden sind?

Mich reizen natürlich immer noch diese Dinge. Wir sitzen jetzt gerade auf diesem Spielbrett aus Beton, was ein Stück Kunstwerk im öffentlichen Raum in Marzahn ist und was unsaniert und seinem Alter entsprechend ausschaut. Solche Orte wecken nach wie vor mehr als die neueren Dinge mein Interesse, die hier entstanden sind. Ich bin da eher auf der Spurensuche der sozusagen untergegangenen Gesellschaft. Diese Dinge interessieren mich mehr und haben auch eine gewisse Magie für mich.

Marzahn ist in den elf Jahren seit der Veröffentlichung deines Bildbandes ein großer Wandel widerfahren: Der Leerstand ist ein großes Problem, die Geburtenraten sinken und so werden auch immer mehr Gebäude abgerissen oder abgebaut. In Marzahn Nord gibt es ein Projekt, wo man die Bausubstanz soweit reduziert hat, dass ein überraschendes Ergebnis entstand: Auf einmal entstanden sehr wohnenswerte Gegenden im mediterranen Flair, die auch in der Fachwelt über die Grenzen Berlins hinaus eine hohe Resonanz erzeugt haben, und wahrscheinlich in Marzahn noch weiter aufgenommen und nachgeahmt werden.

Das Projekt, das du genannt hast, habe ich mir noch nicht angeschaut, insofern kann ich darüber nicht urteilen. Ansonsten stimmt es natürlich, dass diese Probleme, die in der heutigen Gesellschaft in solchen Großsiedlungen bestehen, natürlich auch hier entstehen. Die Menschen können sich ihren Wohnraum selbst suchen und es gibt auch anderswo in Berlin vergleichbar günstige Wohnungen, sodass es dieses klassische Problem von Großsiedlungen auch hier gibt. Wenn wir jetzt hier sitzen, weiß ich als Außenstehender allerdings nicht, ob sich so viel im Lebensgefühl geändert hat.
Ich war allerdings sehr von der Freundlichkeit der Leute beeindruckt, auch und gerade die Offenheit der Kinder. Soweit ich weiß, gibt es auch immer weniger Kinder hier. Als ich hier fotografiert habe, gab es sehr viele Kinder, die auch von überallher kamen und mich fragten, was ich da mache.

Ohne Titel, aus der Serie „Marzahn“, © Gerrit Engel

Du bist in der Zeit hier gewesen, als ich auch genau in dem Alter der auf den Fotos auftauchenden Kinder war. Ich war damals elf, zwölf Jahre alt und habe meine Kindheit auch auf diesen Fotos wiedererkannt. Diese Abbildungen riefen in mir schlummernde Erinnerungen wieder hervor, Erinnerungen an eine Kindheit, die sehr schön und unbekümmert war. Hattest du denn auch den Eindruck, dass Marzahn entgegen seines Rufs als sozialer Brennpunkt ein Ort war, wo Kinder ganz normal aufwachsen können?

Das war kein unwirtlicher Ort, der kinderfremd oder ungeeignet für Kinder war. Es gab ja auch viele Spielplätze, Sportplätze und Ähnliches, Domizile, die Kinder brauchen, um Kind zu sein. Diese Dinge trugen vielleicht auch dazu bei, dass diese Zeit rückblickend als eine schöne Kindheit betrachtet wird. Für mich war als Erwachsener nichts Negatives oder Kinderunfreundliches zu beobachten.

Abschließend interessieren mich noch deine aktuellen Projekte: Wo wird man dich demnächst sehen können?

Ich arbeite gerade an einem Buch über Schinkels Bauten in Berlin und Potsdam, das wahrscheinlich zur Buchmesse in Frankfurt erscheinen wird. Danach werde ich ein Buch über den Palast der Republik herausbringen, weil ich da in einem langen Projekt den Abriss dokumentiert habe und dies in einem Buch zusammenfasse. Daneben gibt es noch vier Ausstellungsprojekte, die mich in nächster Zeit erwarten.

Wird man dich auch in Ausstellungen in Berlin wiedersehen können?

In Berlin nicht, jedoch in Leipzig. Am 9.11. wird es in der Spinnerei eine große Gruppenausstellung mit Berliner und Leipziger Künstlern geben. Dann habe ich in September in Madrid und in November in Rotterdam und in München eine Ausstellung.

Dann danke ich dir vielmals für das Interview, für dein Kommen nach Marzahn -

Bitte schön! (er lacht)

Vielen Dank!

Zur Verlosung

Verlosung: Bildband Marzahn und Katalog über Kunst im öffentlichen Raum in Marzahn-Hellersdorf

Den gegebenen Anlass will ich nutzen und jeweils ein Exemplar von Gerrit Engels mittlerweile vergriffenem Bildband „Marzahn“ (Fotos daraus gibt es ja im obigen Text, sowie hier und hier) und einen Katalog über Kunst im öffentlichen Raum in Marzahn-Hellersdorf verlosen. Schreib dazu einfach bis zum 15. September einen Kommentar mit einer gültigen E-Mail-Adresse und gib deinen Wunsch für eines der Bücher an!

* Entschuldigt bitte, dass die Fotos hier im kitschigen Schwarz-Weiß erscheinen. Ich vergaß leider, den SW-Modus meiner Kamera auszustellen.

In diesem Blog habe bereits einige Male meinen Hang zu Soundinstallationen durchscheinen lassen, jedenfalls sind diese hier wohl überproportional vertreten. Künstler wie Janet Cardiff & George Bures Miller etwa sind der Grund, warum mich diese kleine Sparte der Gegenwartskunst so fasziniert. Da werden allein durch die Kraft des Klanges und die Eigenheiten des Raumes ungeahnte Atmosphären erschaffen, die mit rein visuell kommunizierender Kunst selten erreicht werden.

Jacob Kirkegaard ist einer dieser Klangkünstler und gehört ganz nebenbei zu denen, die mich schon seit einiger Zeit besonders und auch nicht mehr loslassen. Anfang des Jahres empfahl ich bereits seine Soundinstallation „Haus der Mahre“ im KW Institute und nun hat mich eine weitere seiner einzigartigen Klangarbeiten begeistert:

Für „Phonurgia metallis“ nutzt er hauchdünne Metallplatten, um die Resonanz des Raumes einzufangen und hörbar zu machen. Ergebnis sind überwältigende Klangsphären, die sich dem Raum und seinen Schwingungen anpassen. Mehr dazu, natürlich auch Klangbeispiele gibt’s nach dem Klick.

„Phonurgia metallis“, © Jacob Kirkegaard

Das Prinzip der ein Meter messenden, quadratischen Metallplatten ist so simpel, wie genial: Neben der minimalen Eigenschwingung nehmen die Platten auch Luftschwingungen im Raum auf, welche durch angebrachte Kontaktmikrophone erfasst und dann verstärkt werden können. Die so erzeugten Klänge werden zurück auf die Platte übertragen, die dadurch als Kontaktlautsprecher dient und sich wiederum per Resonanz selbst beeinflusst. Kleinste Änderungen der Luftschwingungen im Raum, etwa durch umhergehende Besucher können damit also in eine Klangform übertragen und wiedergegeben werden.

Das Erstaunliche daran: Die nur 1mm dünnen Metallplatten unterscheiden sich in Abhängigkeit des verwendeten Metalls. Eisen etwa erzeugt relativ hohe Sinustöne, Kupfer einen recht dunklen Klang und Messing wiederum liegt irgendwo dazwischen:

Kupfer („Cuprum“) beispielsweise klingt folgendermaßen:

Messing („Aurichalcum“) wiederum gänzlich anders:

„Ferrum“, © Jacob Kirkegaard

Eisen („Ferrum“):

Diese Klanggebilde lassen sich als akustischer Spiegel des Raumes verstehen, in dem sie entstehen. Nicht nur, dass die polierten Metallplatten einen visuellen Hinweis darauf geben, die Natur der Klangerzeugung in „Phonurgia metallis“ gibt dies ebenfalls wieder. Dadurch, dass selbst geringe Luftströme und unterschwellige Geräuschquellen mittels der Metallplatten verstärkt und resoniert werden können, ergibt sich ein interaktive Klanginstallation, die allein das verarbeitet, was um sie herum abläuft.

Dennoch stehen auch die Eigenschaften der Platten selbst im Vordergrund: Die spezifischen Material– und Schwingungseigenschaften der verschiedenen Metalle führen zu höchst unterschiedlichen Mustern, die etwa für Kupfer einen gleichmäßigen, gedämpften Klang, für Messing dagegen ein zyklisch anschwellendes Geräusch beinhalten. Der Künstler selbst bezieht sich hierin auf die historische Lehren der Phonologie, die jedem Element, jedem Körper einen eigenen akustischen Charakter zuweisen, der ihnen innewohnen soll.

Interessanter finde ich jedoch den Gedanken, dass (in „Phonurgia Metallis“) das Abbild vom Spiegel, nicht etwa vom Abgebildeten abhängt. Obgleich jede der drei Metallplatten sich im selben Raum befindet, also nach einfachem Verständnis alle dasselbe wiedergeben müssten, unterscheiden sich doch die Klänge stark voneinander. Eine unsichtbare und auch unbeeinflussbare Komponente des Systems entfaltet hier eine Wirkung, die maßgeblich über das Ergebnis entscheidet.

Gibt es womöglich gar keinen Spiegel, der keinen Einfluss auf die Reflektion nimmt, der nicht in die Entstehung des Abbildes eingreift? Wieviel dessen, was ein Spiegel jeglicher Art generiert, deckt sich mit dem, was zuvor Vorlage war? Kirkegaards „Phonurgia metallis“ legt zumindest nahe, dass diese Aspekte nicht zu vernachlässigen sind.