Camera Obscura

If you take a photograph, di Valentina Maistri

Valentina Maistri — Sun, 27 Jan 2013 21:02:30 +0000

Senza filtri per l’odore, senza pareti per i colpi al cuore.

A volte lascio che la mia mente spazi libera. È per me un atto di coraggio.

Il sentimento che più spesso mi accompagna è l’angoscia.

Quella sensazione di cadere nel vuoto senza riuscire a portarsi dietro niente, senza essere capaci di aggrapparsi per rallentare la caduta.

Ho paura di dimenticare, dimenticarmi un gesto, un sorriso, un profumo.

Di lasciare che qualcosa, qualsiasi cosa, scivoli fuori dalle mie mani, sfugga alla mia percezione. Il mio modo di affrontare questo, di affrontare me stessa, sono le fotografie.

Mi aiutano a rendere tangibile quello che mi circonda, sono un promemoria per la mia angoscia : “enjoy the little things”.

Vivi delle piccole cose, assapora ogni momento, crogiolati in ogni emozione.

Rimango perplessa davanti ai grandi gesti, ho sempre di gran lunga preferito quel piccolo particolare, quel dettaglio che pochi notano, che solo chi ha voglia di guardarsi attorno percepisce. Spesso sorrido di questa mia attenzione, mi fa sentire parte di un èlite : l’èlite di chi non ha voglia di perdersi niente, di quei fortunati a cui basta poco per ritrovare se stessi.

È questo che ci fa andare avanti, che ci aiuta a crescere.

Le mie foto da una parte riproducono il bisogno della mia mente di rappresentare quello che provo, per affrontarlo, per ricordarlo, per amarlo. Dall’altra costituiscono un tentativo di imprigionare un attimo, un momento non definito che nel tempo dello scatto assume un significato particolare.

Congela l’istante, l’emozione, evoca un ricordo. Senza maschere, senza filtri.

Così le mie foto, come me, sono “spaccate in due” tra il passato ed il presente.

Ho sempre avuto il terrore di vivere a metà : sospesa in un limbo di un “forse” grigiore.

Non ho mai creduto alle parole sussurrate, né alle pacche sulle spalle. Penso che la vita vada vissuta con energia, passione e coraggio. Per questo bisogna sapersi esporre : all’amore, all’odio, alle passioni alle proprie emozioni, alle critiche, agli altri. Sbilanciarsi. Attenti a non cadere nell’indifferenza, degli altri, o nella nostra apatia.

Non lasciarsi trasportare dagli eventi, liberarsi dalla routine e dalle abitudini, attenti a non farsi imprigionare dalle regole del vivere comune.

Per questo sono sempre stata quella che doveva per forza andare oltre al limite, esagerare. Giocavo con il fuoco anche quando non andava fatto .

Per sentire la vita scorrere nelle vene, l’adrenalina, la follia dell’attimo e l’inquietudine dell’attimo seguente, i polmoni aperti, il cuore che scoppia.

Questa inquietudine mi fa muovere, mi aiuta a scoprire chi sono, mi fa camminare, mi mette alla prova in continuazione. Lungo questa strada mi sono aggrappata alla fotografia e non sono caduta nel vuoto.

Le emozioni si amplificano, i ricordi vengono imprigionati nella tela della nostra memoria. Niente viene perso, lasciato in balia del tempo. Tutto è dove dovrebbe essere. Così come deve essere.

Adoro il confronto con “l’altro”, l’incontro e lo scontro. Vedere le cose in un’altra prospettiva, imparare ad ampliare il modo in cui percepisco il mondo. Esplorare emozioni che non mi appartengono. Creare un contatto.

Credo molto nell’amicizia, nel legame che si forma tra persone che condividono un pezzo della loro storia. Sono i tratti di queste persone che mi fanno impazzire e non riuscirei a smettere di guardare. Sono i loro occhi e i loro modi che mi affascinano.

Sono le loro emozioni che stravolgono le mie.

Passo molto tempo ad osservare le persone, mi invaghisco della loro mimica, mi immagino la loro storia, i loro pensieri, la loro giornata.

Ho sempre amato i volti in particolare, li prediligo di gran lunga ai paessaggi. Solitamente fotografo persone amiche, la loro storia non mi è sconosciuta e attraverso la macchina mi immagino di riuscire a catturare un pezzo di quello che sono, io, loro, complici di aver colto insieme l’attimo.

Ma alle volte mi capita di voler cercare il particolare, il dettaglio o l’ emozione che non è chiara nemmeno nella mia testa, per questo mi capita di camminare per ore, da sola, cercando.

Nel momento in cui scatto la fotografia è tutto più definito. Sorrido sollevata.

Anche se non sempre viene come me la ero immaginata. Ma ciò rende tutto solo più affascinante : mi offre un’altra percezione.

Ho sempre creduto che una fotografia dovesse emozionare chi la guarda, ora penso che prima di tutto debba emozionare chi la scatta. È una visione forse un po’ egoistica dell’arte, ma soprattutto ne è una visione umile, senza pretese, semplice e senza fronzoli come dev’essere.

Fotografo per me, per mantenere in equilibrio il mio animo instabile, lunatico.

Le maschere mi hanno sempre incuriosito. Ti coprono, ti nascondono, ti proteggono : lo trovo ridicolo. Se qualcosa sta sul tuo viso necessariamente ti impedisce di respirare, di vivere.

La fotografia è il mio modo per togliermi la maschera, per essere me stessa, per stare nuda davanti a tutta la scuola.

Senza filtri per l’odore di sigaretta, senza pareti per i colpi al cuore.

Mettermi a nudo non mi spaventa, mi incuriosisce affrontare il futuro, è inevitabile, è il passato che mi inquieta. In qualche modo non sono mai riuscita a chiudere i ricordi nei cassetti, a sigillarli in una bottiglia in modo da averli lì, nel mio bagaglio, non sulla mia strada. Il mio subconscio prova spesso a rimuoverli, ma ovviamente non si possono mai cancellare, ci sarà sempre un colore, un odore, un’atmosfera che te li riporta alla mente, che te li sbatte in faccia con cattiveria togliendoti il respiro.

A volte sono le fotografie di oggi ad evocare ciò che accadde ieri. Quando succede sono pronta ad affrontarlo, quando vedo che con la mia fotografia ho il controllo della situazione allora non fa così paura. Detto io legge, non il mio subconscio, non la mia coscienza.

Così riesco a camminare guardando in avanti. A lasciare scivolare dietro le mie spalle ciò che non dovrebbe più condizionarmi ma che fa parte di me e lo farà sempre.

Così imbocco nuovi sentieri.

Adoro mettermi alla prova in questo modo.

Tutto ciò mi fa sentire viva, mi aiuta a dare un senso alle emozioni.

In questo modo riesco ad organizzare quello che provo, ad affrontarlo qualora sia necessario. Mi basta uno scatto, e quello che prima era caotico e indistinto d’improvviso assume una forma, un colore, un odore. Nel momento in cui capisci ciò che senti allora non è così difficile starci davanti.

Una fotografia non è lo scopo, non fotografo per fare una bella foto, ma essa è per me il tramite attraverso il quale il mio inconscio si lega alla realtà, per il quale le mie emozioni diventano concrete.

Attraverso le immagini mi metto a nudo, rinchiudo in esse una parte di me per poi osservarla. Analiticamente mi scruto come davanti a uno specchio, evidenzio i punti di forza e i difetti, ciò che andrà limato e ciò che invece dovrà essere esaltato. Nessuno dovrebbe compiacersi di se stesso, ma questo modo mi prendo cura della mia anima, mi voglio più bene.

Londoners over the border, di Elettra Paolinelli

Elettra Paolinelli — Wed, 09 Jan 2013 14:48:56 +0000

Una storia su Canning Town, Londra, UK. Reportage realizzato nell’agosto 2012 da Elettra Paolinelli.

Internauta alla continua ricerca di oggetti di mio interesse, come oggi si fa rovistando tra le informazioni multimediali ricercate su Google, Youtube e Facebook, ho cercato nel mondo.

Manovich sostiene che il mondo oggi sia una raccolta infinita e destrutturata di immagini, testi e altri record di dati; ed è nel mondo che ho trovato il database per raccontare una storia, una storia che narrasse l’assenza, una storia a proposito del vuoto, una storia che descrivesse la mancanza.

Questa è la storia di un “gap”, una storia sull’alienazione.

Vivevo a Londra, precisamente a Canning Town, ad Est della City.

Ogni sera tornavo a casa stanca e con gli occhi rossi, come me, frotte di pendolari si accalcavano sulla metro gremita, affollando lo spazio claustrofobico. Alla fermata “Canning Town” scendevano quasi tutti, e lì il flusso prepotente di uomini e donne si biforcava. Molti prendevano la mia strada, ma nessuno si parlava; tutti continuavano a camminare a passo spedito quasi ci fosse qualcuno ad inseguirli o stesse cominciando a piovere; ognuno a viso abbassato, molti con le cuffie alle orecchie. A volte incrociavo gli occhi stanchi di quegli abitanti-zombie, e quell’istante fugace mi faceva scorgere per un attimo la loro anima triste; alcuni consumavano bevande in piedi, avvicinandosi alla fermata del bus, altri chiaccheravano al cellulare o leggevano il giornale della sera, ma nessuno mi parlava mai. Quella massa multiforme di persone si disperdeva tra le viuzze, entravano dentro abitazioni sudate di umido, e venivano ingoiati da ascensori che sembravano serpenti famelici, ma nessuno si salutava, nessuno accennava un sorriso, nessuno si conosceva.

Nella strada verso casa respiravo l’odore acre delle ciminiere vicine, sentivo lo sfrigolio dei cavi elettrici sulla mia testa, e le sneakers ai miei piedi grattavano l’asfalto ritmiche, vedevo le finestre illuminate e sagome di persone che si muovevano all’interno di quei rettangoli luminosi, quasi fossero fotografie in movimento, ma erano tutti soli, sempre.

Vedevo micro-storie, micro-mondi dispersi in un magma di confusione e desolazione, vedevo esseri umani tristi e soli e incapaci di intessere relazioni, ognuno nel suo guscio, la sua piccola “monade”, la propria stanza.

La memoria che ho di questi luoghi e che ho cercato di raccontare attraverso il mezzo fotografico è una memoria grossolana, cruda e crudele, memore solo di cio che è a dismisura d’uomo, memore solo del caos di quelle notti calme, di quei luoghi paradosso, luoghi in cui il silenzio è sordità.

La mia percezione di questo quartiere si legava al concetto di violenza tenera, di angoscia tranquilla, di urlo silenzioso.

Come potevo raccontare tutto questo? La fotografia diventò così il mio unico strumento di narrazione di una quotidianità esasperata, disperata.

L’impressione visiva che Canning Town mi dava di se stessa, era di un luogo frammentario e disgregato, senza strutture, un pastone omogeneo di singolarità locali, distribuite casualmente.

Essa era per me assimilabile a una discarica opaca, impenetrabile allo sguardo, un luogo del caos, dove le tracce si confondevano, corpi e indizi scomparivano.

Solo la fotografia fermava per me gli unici attimi di senso, in questo panorama liquido e magmatico.

Di giorno ripercorrevo i luoghi di Canning Town secondo una modalità ondivaga, che tuttavia andava costruendo una sovrapposizione di storie, una stratificazione di vite ed eventi che diventavano mano a mano leggibili grazie alla rilettura di questi in chiave fotografica.

Questa “Londra oltre i confini” andava prima di tutto percepita, respirata, vissuta, e solo in un secondo momento raccontata per mezzo di fotografie.

Solo vivendo questi luoghi riuscivo a comprendere a pieno la loro anima, la loro essenza, la loro storia, bloccandoli in “frame” per mezzo delle mie fotografie, quasi si trattasse di un film che io avevo bisogno di bloccare per comprendere, digerire, vedere, discernere.

Il racconto diventava sempre piu intimo ed intento a ricercare le ragioni alienanti nei comportamenti piu semplici, quotidiani e radicati, nelle pieghe nascoste e insospettate delle storie umane.

Mi aggiravo con la mia macchina fotografica tra le stradine e i cavalcavia, le zone residenziali e i grattacieli, cercando un’omogeneità impossibile e documentando l’urbanistica fantasiosa, l’abbandono delle aree comuni, l’edificazione di fortezze private.

In questo quartiere nessuno era vicino di nessuno, e ogni casa, ogni persona era una singola entità disgregata dal contesto; nessuno si conosceva e tutti accuratamente si evitavano l’un l’altro. Ogni casa esibiva almeno due o tre grosse antenne paraboliche, quasi fossero bandiere pirata da sventolare sui tetti e qualcuno aveva murato addirittura le finestre dei piani inferiori. Di cosa avevano paura? Questo quartiere-dormitorio di giorno si trasformava in un quartiere fantasma dove rare apparizioni umane scandivano il mio lento peregrinare. Le persone si guardavano i piedi, guardavano i messaggi sul proprio Blackberry, ma non si guardavano mai attorno. Io invece mi fermavo, guardavo le case, le strade vuote e scattavo fotografie, avevo come l’impressione di essere la prima a rivolgere l’attenzione a quei luoghi di periferia. Mi sentivo come un’esploratrice che campiona per la prima volta la giungla vergine e come tale cercavo di capire le abitudini dei suoi abitanti, usi e costumi di un popolo così diverso da me. Ma ogni sforzo di comprensione era vano, ogni contatto bruscamente interrotto.

In questo rumore ottico in cui le relazioni scomparivano ed assieme ad esse il contesto si dissolveva, in questo spazio senza memoria in cui tutti i fenomeni diventavano virtuali, pensai che era inutile cercare un senso, perchè in esso si generavano significati fantasma, pure allucinazioni, causate dall’inerzia percettiva.

L’atto del fotografare diventava così sempre più un atto di documentazione, e mi appellavo con urgenza sempre maggiore alla potenza mostratrice della fotografia, a quella sua capacità congenita di additare la realtà, di dire solamente “Hic et Nunc”.

Non volevo dare un’interpretazione a ciò che vedevo, volevo solo dire: “Questo è quello che sta succedendo qui e ora”. Mi appellavo all’inconscio tecnologico di Vaccari, eppure la mia anima essendo lì presente non poteva che influenzare i miei scatti. Come secondo i principi della meccanica quantistica l’osservatore influenza l’esperimento, così nei miei scatti c’era molto più “me” di quanto volessi. Tuttavia quel modo di fare e intendere la fotografia, forse il più primordiale, quello che si illudeva di catturare la pura e semplice realtà, e che invece proponeva personalissime visioni, è forse da considerarsi oggi il più efficace per descivere una realtà, uno stato d’animo, una situazione in essere per cui è difficile trovare le parole.

Nel mio reportage, quando le parole risultarono fallaci nel descrivere la realtà, la pura immagine fotografica divenne per me l’unico mezzo possibile di narrazione del reale.

Testo e fotografie di Elettra Paolinelli.

Fotografie di sogni, di Sara Bugoloni

Fabiano Busdraghi — Tue, 20 Nov 2012 16:28:30 +0000

Testo di Sara Bugoloni e Virginia Sommadossi, fotografie di Sara Bugoloni.

Una delle cose più difficili da imparare per chi lavora con le immagini è il paradosso di come molte volte la realtà per essere recepita come tale, debba essere snaturata in qualche modo. Di solito si fanno prove su prove per capire quanto forzare la mano per avere il ritorno sperato, sono quasi formule matematiche facilissime da sbagliare.

Un concetto simile potrebbe essere applicato al ricordo. I filtri immaginifici che mettiamo al nostro cervello quando ricordiamo, seppur distanti da dati oggettivi di realtà, danno la vera idea di quello che è stato quel preciso momento. Sono le contingenze, le sensazioni, le emozioni che vanno a lavorare sul dato di realtà riempiendolo del significato reale.

Gli scatti di Sara sembrano attingere proprio ai ricordi. Sono sequenze isolate di una storia complessa ma perfettamente sintetizzata nel minuscolo istante del suo click.

Certe sue finte imperfezioni analogiche, le sfocature, la saturazione nelle sue immagini vanno ben oltre quello che pensiamo solo di “vedere”, fino a farci “sentire” qualcosa di più profondo.

Sara ha un’incredibile capacità di veicolare mondi emotivi: il suo, quando scatta paesaggi che odorano di vita, ma anche quello delle persone che sceglie di fotografare.

Avviene in questo modo una ridefinizione dei campi emozionali ed estetici dove l’immagine non sembra più lavorata dagli strumenti fotografici ma da quelli della mente.

Non è un caso che i soggetti delle foto siano ragazze che con lei hanno condiviso pezzi di vita, e non modelle scelte attraverso criteri di fisicità.

In qualche modo il tema della realtà, dell’amicizia, del cammino da percorrere e dei luoghi dove stare, del passaggio dall’adolescenza all’essere donna sono impliciti in ogni suo scatto.

In alcuni di essi è facile immaginare una specie di simbiosi tra fotografa e soggetto che si ritrovano ad avere quasi sempre la medesima età, in altre sembra che da un momento all’altro quei visi abbiano voglia di raccontarti o mostrarti le loro vite, i pensieri più profondi, le necessità, le voglie.

Che ritragga volti o paesaggi non ha importanza, l’intensità delle storie che vi sono dietro sembrano essere un filo organico e potente legato anche ad ognuno di noi tanto da farci cadere, così come accade al cinema o a teatro, in un processo di immedesimazione naturale, da farci credere che quelle foto appartengano anche ai nostri più intimi ricordi.

di Virginia Sommadossi

Faccio molto spesso dei sogni. E li ricordo, a differenza di molte persone.

Non sono quasi mai bei sogni, non sono quasi mai tranquilli. Vengo condizionata dagli eventi, dalle persone, dalle sensazioni. A fine giornata metto tutto nel frullatore, condisco con una bella dose di subconscio e lascio che la mente annebbiata dal sonno faccia il resto.

Al mio risveglio annoto il mio sogno: annoto le impressioni, annoto le sensazioni o solo un frammento, un’immagine, una frase.

Ho sognato Eni, la ragazza con cappotto e capelli blu: l’ho sognata nella sala da pranzo di una bellissima casa. Solo che non l’ho sognata a tavola. Lei si era nascosta dietro una grande tenda bianca e tutti l’avevano scambiata per un fantasma. Eni ama l’acqua, ama il mare. Eni cambia colore di capelli a seconda dei periodi della sua vita.

Le ho chiesto se c’era un posto che secondo lei era particolare. Lei mi ha portato in un antico cimitero, vicino ad un’alta chiesa. Prima di iniziare abbiamo fumato una sigaretta, immaginando le storie della gente sepolta là sotto. Ho fatto allontanare Eni per farle una foto, e quando è tornata mi ha detto: ” Mentre ero laggiù si sono mossi dei fiori.. Se ci pensi stiamo camminando su un sacco di corpi”.

Ci siamo spostate in piscina, il riflesso verdino della luce attraverso l’acqua, l’odore di cloro e il vapore che saliva leggero.

Il costume rosso, il rumore di un corpo che infrange la superficie lisca dell’acqua, il trucco sbavato e i capelli bagnati, in una mattinata nuvolosa d’ottobre.

Le mie foto sono impregnate di questi odori, colori, rumori; sensazioni che vorrei fare uscire e colpire chi le vede, rievocando le medesime emozioni.

Leggo molto. Leggo dei libri e immagino nella mia testa delle scene, immagino i personaggi, il colore dei capelli del protagonista e il sapore del tè che sta bevendo.

Alcune frasi del libro si imprimono nella mia testa, alcuni passaggi diventano scene della mia vita, alcuni modi di fare diventano miei.

Adoro i dettagli, potrei vivere di dettagli, li colleziono. La trama di una sciarpa, la cicatrice sul dorso di una mano, le lentiggini di un naso e il colore di una foglia.

Sono quei dettagli che rendono tutto reale, vivo, tangibile.

Vivo di quei dettagli che caratterizzano la mia vita, la mia gioventù.

La giovinezza è un periodo bellissimo e terribile allo stesso tempo.

Siamo degli ossimori, siamo contrari accostati, costantemente divisi tra due elementi, tra sensazioni, tra stati mentali, oscilliamo attirati da poli opposti e spesso sbagliati. Siamo consapevolmente incoscienti, condizionabili ma sicuri, mutevoli ad ogni sguardo e paurosamente unici.

Pensiamo di essere consapevoli di ciò che stiamo attraversando ma in realtà non lo capiremo finché non sarà finito.

Funziona sempre così: si fa fatica ad apprezzare il valore delle cose finché non le si può più avere.

Ho il bruttissimo vizio di proiettarmi in avanti nel tempo, di pensare a “dopo”, a “domani”. Faccio fatica ad essere presente hic et nunc, se non in rare occasioni.

Le fotografie servono ad ancorarmi al presente, ad avere la parvenza di aver catturato e fermato qualcosa per sempre. Come il soffio di vento tra i capelli di una persona, quel vento che non soffierà mai più nello stesso modo tra quei capelli, perché il momento è così effimero da non ritornare mai più.

Le immagini sono la prova di esserci stata, in quel momento, in quel posto, con quelle persone e quello sguardo e quel sentimento nell’anima. Quella prova che nessuno, nemmeno io, potrà dimenticare.

Parlare delle mie foto è come parlare di me, perché ognuna di esse racchiude una parte di me stessa.

di Sara Bugoloni

Jefferson Hayman: una New York sospesa nel tempo

Alessandra Barlassina — Mon, 15 Oct 2012 17:12:26 +0000

Towards Brooklyn, stampa al platino, cm 12,7x17,8
© Jefferson Hayman
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Testo di Alessandra Barlassina, fotografie di Jefferson Hayman.

New York per molte persone è la città dei sogni, il posto dove tutto è possibile. Il suo skyline è il simbolo di ciò che rappresenta e delle possibilità che promette.

I grattacieli che sfidano il cielo fanno sognare obiettivi e vette che qui appaiono raggiungibili, possibili.

Jefferson Hayman fotografa le vie di New York City, scorci di Central Park, il Ponte di Brooklyn, il celebre skyline di Manhattan. La New York saldamente presente nell’immaginario di ognuno, nota. Ma Jefferson Hayman riesce a presentarcela in una veste nuova.

La personale visione dello skyline nelle sue fotografie rievoca una New York City di un’epoca passata, nell’era in cui la città consolidava e si affermava come capitale mondiale.

Against Nature, cianotipo, cm 67,5x46
© Jefferson Hayman
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Le stampe in bianco e nero, monocromatiche e le condizioni atmosferiche rimandano subito a scene di un film noir: appare un mondo di pioggia, impermeabili, sigarette e Pollock.

Hayman cattura una New York profondamente personale, una New York sognante; interessato a rappresentare, più che uno scorcio vero e proprio, l’idea di cosa sia New York, cosa è stata e cosa continuerà a essere e rappresentare.

Non ci si sofferma sul grattacielo, sulla strada o sulla vista, quello che interessa è l’aura della città, il suo profumo di possibilità da cogliere, di energia positiva. Tutto questo fermento è fotografato ma come allontanato in un’epoca sospesa, nota ma non conosciuta.

La New York di Jefferson Hayman, con le sue mille luci, è calma – quiet.

The Union Path, stampa al platino, cm 14x9,5
© Jefferson Hayman
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Il bianco e nero è già un’astrazione rispetto al nostro modo di vedere a colori. La frenesia della città è come filtrata da una patina del tempo che la allontana mantenendola però riconoscibile e parte della nostra contemporaneità: una sorta di cronaca classica del presente – chronicling the present in a classic way.

Lo spettatore si trova spaesato, vive una sorta di ossimoro nel riconoscere il soggetto contemporaneo a sé ma allo stesso tempo vedendolo filtrato dal tempo, mitigato, rasserenato.

Jefferson Hayman ha iniziato a fotografare gli edifici di New York per poterli poi disegnare ma ad affascinarlo era l’aria delle città, quell’aria che rimaneva impressa sulla pellicola ma non pervadeva il disegno. Lasciò così carta e matita per dedicarsi alla fotografia.

Fin da subito la scelta è stata per il bianco e nero. In un mondo di colori pop e tinte pulp, le sue fotografie sembrano uscire da un’altra epoca. Racchiudono intrinsecamente un sentimento nostalgico, una calma classica.

Sunset, Stampa alla gelatina ai sali d’argento, cm 16x31,5
© Jefferson Hayman
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Jefferson Hayman utilizza le tecniche di stampa tradizionali: carte salate, stampe al platino, cianotipi e gelatine ai sali d’argento. Questi antichi processi danno alle sue fotografie una patina storica, un sapore antico che pone lo spettatore di fronte a un ossimoro visivo: immagini della quotidianità contemporanea trattate come se fossero immagini del secolo scorso, una sorta di macchina del tempo che conduce in una dimensione fuori dal tempo.

Ogni opera è evocativamente presentata in cornici antiche, realizzate dall’artista stesso o da mastri artigiani che ne completano il sapore.

Central Park Winter, stampa alla gelatina ai sali d’argento, cm 28x28
© Jefferson Hayman
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La cornice è vista da Jefferson Hayman come un abito per la fotografia, tra le due deve esserci armonia. E qui si torna al concetto di classico: per Hayman l’intento è di creare bellezza, intesa come armonia tra le parti.

Tra fotografia e cornice si crea un unicum indissolubile.

Tutte le fotografie hanno piccole edizioni limitate ognuna però con caratteristiche e misure diverse che rende così ogni esemplare unico e originale.

Domino Sugar Factory, stampa alla gelatina ai sali d’argento, cm 16x9,5
© Jefferson Hayman
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Le fotografie di Jefferson Hayman ritraggono vedute di New York City, nature morte che spaziano dagli oggetti di uso quotidiano a teschi, marine e ritratti: rappresentano un diario visivo della sua quotidianità.

L’interesse nei suoi scatti è rivolto sia a ciò che è presente, sia a ciò che è assente, come a ricordarci che la realtà è un di più. Va oltre. Ad arricchire il presente non è solo ciò che fisicamente c’è ma anche la sua assenza. In un mondo di calma fuori dal tempo.

Tree Central Park, stampa al platino, cm 17x11
© Jefferson Hayman
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Guardando le sue foto si va oltre il soggetto ritratto. È come se sapesse rendere universale il particolare e allo stesso tempo infondere nel particolare l’universale.

Uno scatto di New York City è come se contenesse in sé il significato della città, del futuro, dell’America con tutto quello che comporta nell’immaginario collettivo.

Ognuno può leggere un’attesa, un’aspettativa, un desiderio, una promessa nuova e diversa.

Le fotografie di Jefferson Hayman parlano ad ognuno in maniera differente e diretta.
I suoi lavori sono una sorta di time capsules capaci di portarci in un’altra epoca, in una realtà parallela, in un mondo garbato, informale. Hayman stesso forse è un uomo di un’altra epoca: gentile e garbato. Un fotografo gentiluomo che gira per New York City con uno sguardo attento e penetrante. Capace di far emergere il lato più nostalgico e malinconico di ogni soggetto, che sia la città o un ritratto.

Warren Street, stampa alla gelatina ai sali d’argento, cm 21,5x15
© Jefferson Hayman
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Jefferson Hayman vive a Tappan, a pochi chilometri da Manhattan, è un americano. Nonostante questo la sua sensibilità per il passato, per un tempo perduto, la sua attenzione alla bellezza armonica e il suo sentimento nostalgico ne fa emergere una sensibilità europea.

Il suo vivere il nostro presente e saperlo sincreticamente coniugare con un passato fascinoso lo porta a saper creare lavori che danno allo spettatore una vera alternativa. Ciò che è rappresentato è l’oggi ma con un’attenzione e sensibilità di ieri.

West Side Fire, stampa al platino, cm 7,5x14
© Jefferson Hayman
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Jefferson Hayman ci suggerisce un nuovo modo di vedere, di ricordare. E questo suggerimento serpeggia per le vie di New York in cui ci accompagna in un viaggio nel tempo e nello spazio facendoci riscoprire ciò che ben conosciamo e facendolo gustare in modo nuovo.

Se poi per puro caso si troverà anche un dirigibile nel cielo sarà la conferma ulteriore che un po’ di poesia è ciò che manca.

Per suggerire delle riflessioni non è necessario scioccare, Jefferson Hayman cerca di farlo realizzando oggetti, unicum, creando bellezza. E’ il desiderio di creare qualcosa di bello a muoverlo.

Sarà quindi la bellezza a salvare il mondo. Fëdor lo sapeva già.

Stripes, stampa ai sali d’argento, cm 17,8x14
© Jefferson Hayman
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Dal 25 ottobre al 23 novembre 2012 sarà possibile vedere dal vivo la prima personale italiana di Jefferson Hayman presso la galleria RBcontemporary di Milano.

In mostra saranno presenti più di quaranta lavori tra vedute di New York, nature morte, marine e ritratti.

Per ulteriori informazioni e fotografie si visiti il sito di Jefferson Hayman e della galleria RBfineart

Un fotografo per caso, di Steven Nestor

Steven Nestor — Wed, 12 Sep 2012 06:16:01 +0000

Testo di Steven Nestor, foto di Michael e Steven Nestor.

Che si tratti del trascorrere degli anni, dei luoghi esotici o dell’estetica che le caratterizza, queste immagini scattate da mio padre quando aveva 43 anni sono diventate una testimonianza toccante del viaggio di una persona che stava attraversando il mondo per un breve periodo di tempo. Oggi, con una maggiore diffusione della fotografia tramite siti come Flickr e la nostalgia fabbricata di Hipstamatic, le immagini di una persona che faceva foto ben prima dell’arrivo dell’epoca digitale e di internet assumono un’importanza particolare. Queste immagini analogiche venivano scattate per il mondo domestico e in più non venivano manipolate. Venivano scattate semplicemente quando se ne presentava l’opportunità. L’idea che un giorno avrebbero potuto essere accessibili ad un pubblico globale era semplicemente al di là dell’immaginazione.

Per cominciare è necessario tenere in considerazione che mio padre non era fotografo nel senso proprio del termine. In pratica la pubblicazione di queste immagini automaticamente eleva e ridefinisce la persona dietro la macchina fotografica come fotografo, sebbene lo sia stato solo per un breve periodo di otto mesi della sua vita. Che io sappia queste sono le uniche immagini in esistenza, sia prima che dopo il periodo in esame.

Di dimensioni 90x90mm, le stampe originali furono tenute in due album fotografici con date e cronache scritte a mano sul retro delle stampe o su una legenda a parte. I negativi furono immagazzinati separatemene in soffitta in una scatola, sempre nelle buste originali del laboratorio. Lo scopo del mio lavoro con questo archivio personale è di raggruppare tutte le immagini in un corpo (o testimonianza) unico e di ri-presentarle e quindi offrire un rilettura e recontestualizzazione. Chiaramente non è dello stesso calibro del lavoro di un’artista come Vivian Maier, così cosciente del ruolo della fotografia e del fotografo. Questa piccola (ri)presentazione di circa 130 fotogrammi è ben diversa in scopo, abilità, soggetto ed estetica. Lo scopo principale di questo fotografo era di registrare i suoi viaggi e spostamenti in paesi stranieri aperti solo a pochissimi visitatori. In oltre, il pubblico previsto per le immagini era la famiglia o degli amici stretti, con un vocabolario del tipo “guarda questo”, “era”, “mi hanno detto che” e via dicendo.

Entrambi questi album fotografici sono caratterizzati dalla natura guidata delle fotografie all’interno dei confini del viaggio. Prima c’è il fotografo come turista nell’Europa sovietica e poi come giovane tenente nel Cipro del Nord in turno di servizio con l’ONU, dove la documentazione fotografica fu guidata da dettami degli obblighi militari e dalle escursioni programmate. Entrambi i viaggi hanno implicato l’attraversamento di confini e frontiere appena nati dai turbolenti avvenimenti recenti e dove la storia non aveva ancora deciso dove formare le frontiere degli stati.

È anche importante sapere che le immagini presentate sono per la maggior parte notevolmente più grandi rispetto agli originali e non tagliate (i bordi delle stampe del laboratorio coprono l’estremità dell’immagine sul negativo). Sono anche più “ricche” in confronto alle stampe originali del laboratorio, prive di rigore, anche se il restauro è stato limitato al minimo (alcune immagini in bianco e nero e a colori vennero stampate a mano nel 2007). Questo lavoro – di cui qui viene presentato solo un campione – è una revisione di un corpo di immagini più grande, benché i titoli e l’ordine siano rimasti fedeli all’originale.

Si noti anche l’uso della fotografia a colori durante il primo viaggio. In seguito ai risultati ottenuti, ci fu la deliberata intenzione di abbandonare il bianco e nero durante il turno di servizio militare. Perché? Venivano percepiti “meglio” i risultati a colori così come l’arrivo del digitale è stato visto come un “progresso”? Ho anche notato che mentre il periodo di Cipro viene supportato con documenti e lettere, l’ordine delle immagine nel loro album fotografico non è cronologico, e i mesi sostituiscono le date precise del giro europeo. Forse le foto monocromatiche invitano alla parola scritta più che quelle a colori.

Gli anni e luoghi in questione sono anche interessanti per quanto riguarda i soggetti presenti o al contrario assenti. La Guerra Fredda era diventata calda in Vietnam, Israele aveva recentemente sconfitto i suoi vicini nel primo dei tanti conflitti che sarebbero seguiti e il Nord Irlanda stava piano piano scivolando verso una protratta guerra intestina. Per esempio, dove sono in queste immagini le tracce della Primavera di Praga del 1968? Dov’è quell’atmosfera pungente catturata così vivamente di Koudelka? Era passato solo un anno. Chi c’era in quel carro armato giordano, diventato poi un trofeo, quando fu distrutto? Erano passati solo un paio d’anni. Se non fosse per questi negativi ritrovati, questo fotografo sarebbe rimasto anonimo come l’equipaggio del carro armato.

A livello umano sarei anche curioso di sapere chi sono le poche persone presenti nei fotogrammi. Chi sono quelle donne sul ponte di Praga? Erano gente del luogo o viaggiatori come mio padre? Trovo anche interessante quel braccio pesante presente nella foto della Porta di Brandeburgo e la donna che attraversa per sbaglio il fotogramma a Minsk. E quegli uomini che passeggiano sulla strada di Beirut; Qual’era l’impatto della Guerra Civile sulle loro vite? Furono messi l’uno contro l’altro? Come ultima curiosità, mi piacerebbe sapere quanti fotogrammi esistono di questo fotografo per caso. Quanti fotogrammi aveva scattato, che sia per sbaglio o meno?

Come estensione parziale e conclusione di questo lavoro, durante il mese di aprile del 2008 andai a Berlino con un provino dei negativi in bianco e nero della stessa città 39 anni prima. Volevo sapere se sarebbe stato possibile ritrovare le strade fotografate da mio padre. Il punto di partenza più ovvio era la Porta di Brandeburgo. Mi sono posizionato in un posto approssimativo dove fu scattata la foto originale, ma come prevedibile il luogo era notevolmente cambiato dopo la caduta del muro nel 1989: non più un luogo isolato tra due sfere ideologiche totalmente opposte. Comunque, “ri-fotografando” la Porta ero cosciente di non essere stato “fedele” all’originale. Invece di una giornata calda di Agosto, era un giorno piovoso, il luogo era affollato, urbanizzato e pieno di macchine.

Ciononostante, quando il giorno successivo arrivai sul Karl-Marx Allee, rimasi meravigliato da come fosse subito riconoscibile, proprio come nella foto originale. C’era ancora l’attraversamento pedonale e l’illuminazione pubblica. Perfino le lastre di pietra e le teche erano rimaste inalterate. Libero dalla folla e dalla pioggia, mi trovavo nello stesso punto a guardare un ambiente a malapena cambiato, ed attraverso una macchina fotografica molto simile (6×6) stavo affrontando un “mondo perso” che mi aspettavo essere completamente inaccessibile e assente. È difficile esprimere la sensazione profonda di quel collegamento visuale su una lastra di pietra qualsiasi, che era diventato all’improvviso una specie di nodo o punto di ingresso spazio-temporale. L’unica modifica significativa erano gli alberi ormai cresciuti. Dopo, mentre consideravo questa situazione imprevista, mi venne in mente una frase di Camera Lucida, dove Barthes descrive l’impressione che una foto del fratello minore di Napoleone aveva avuto su di lui: “Sto guardando gli occhi che guardarono l’imperatore” (Barthes, 1981: 3).

Dodici anni dopo che queste foto furono scattate, non lontano da Beirut, fu il fotografo stesso a venir preso da uno dei tanti vortici eterni del Libano. E mentre il titolo il fotografo per caso può suonare come una esagerazione – o addirittura persino ironico – le decisioni sull’uso del colore e sulla composizione alla fine avvicinano veramente mio padre al titolo di “fotografo”, per quanto per un periodo di breve durata .

Si visiti il sito di Steven Nestor per ulteriori informazioni e fotografie.

Il Parco, di Steven Nestor

Steven Nestor — Tue, 07 Aug 2012 09:28:18 +0000

Testo e foto di Steven Nestor.

Il Phoenix Park di Dublino, più piccolo del Bois de Boulogne di Parigi, ma più grande del Central Park di New York, è uno dei più grandi parchi pubblici al mondo. Creato nel 1662 da re Carlo II per la caccia al cervo, sopravvive pressoché intatto, miracolosamente, da 350 anni. Un fatto tanto più notevole se si considera l’atteggiamento a volte un po’ “distaccato” della Repubblica Irlandese nei riguardi delle sue bellezze naturali e dei siti storici (in particolare quelli del tempo dell’Impero Britannico). Sia giusto o no, è stata avanzata all’Unesco la proposta di dichiarare Phoenix Park patrimonio dell’Umanità.

Per gran parte della mia vita, comunque, nel parco non sono entrato se non in auto quando avevo necessità di attraversarlo, oppure quando volevo visitare lo zoo situato presso l’ingresso principale. Solo nel 2007 cominciai ad andare nel parco e ad esplorarlo. Questo ritardato interesse si spiegava col mio appartenere a quella generazione di Irlandesi che per mentalità erano portati a rivolgersi verso l’estero, snobbando (non sempre senza ragione) quasi tutto quello che avevano a disposizione in patria. Passati cinque anni da quelle mie prime visite, i caratteri e la dimensione del parco continuano a colpirmi. Nonostante sia molto vasto e a tratti selvaggio, è possibile sentire e vedere il parco semplicemente come uno spazio verde aperto, con aree dedite alle più’ svariate attività, e come un luogo di scambi (non sempre leciti). Nella sua immensità, offre pace al viandante e possibilità di fuga dalla città frenetica rinchiusa entro le sue mura perimetrali. Dalla maggior parte del parco, Dublino si vede poco o niente, mentre dominano due maestose strutture di religione e di impero, la Croce Papale e il monumento a Wellington. Se, per scelta, non mi sono dedicato agli altri manufatti del parco, ebbene, questi due non è veramente possibile ignorarli.

Cominciai nel 2008 a esaminare il monumento di Wellington. Coi suoi 62 metri di altezza, l’obelisco ricorda un irlandese di nascita, il primo Duca di Wellington, con le sue vittorie di Waterloo e dell’India. È il più grande obelisco d’Europa, e sarebbe stato ancora più alto se il finanziamento pubblico non fosse venuto meno. Circondato da un ampio spazio aperto, è il naturale semaforo e il punto di smistamento per escursionisti solitari e di gruppo, per gente dedita a picnic e a partite di calcio. Attira i cultori di storia e di architettura, ma – io penso – sono in maggior numero quelli che ci vanno perché è una enorme struttura con gradini sui quali sedere ed un basamento sul quale arrampicarsi. Se a vedere l’obelisco ero abituatissimo, fotografarlo è stata invece una sfida, in quanto mi ha richiesto molta concentrazione per sviluppare una nuova impressione e dimenticare la vecchia. Dovetti poi estendere al resto del parco la de-familiarizzazione ma questo fu, in qualche modo, più facile, almeno all’inizio, dato che ampia parte rappresentava per me solo il nome di un luogo.

Quando Papa Giovanni Paolo II visitò l’Irlanda nel 1979, disse messa al Phoenix Park, dove era presente un terzo della popolazione irlandese prevalentemente cattolica. C’ero anche io, giovanissimo. Alzarsi con mio padre prima dell’alba e poi il treno per Dublino – questi i miei ricordi – e al parco gli scouts che convogliavano le ondate senza fine dei fedeli in arrivo. E qualcuno che sveniva, e la radio sintonizzata per sapere i movimenti del Papa. E il mio shock quando vidi la quantità gigantesca di escrementi nelle fosse sottostanti ai bagni provvisori. L’Irlanda era una nazione povera, con strade cattive e scarpe fruste, ma quel parco e l’Irlanda erano in quel momento al centro del mondo e ancora oggi una enorme croce bianca domina una collinetta nel punto dove era collocato l’altare. Oggi l’Irlanda non ha più l’ambasciatore del Vaticano, e la Chiesa Cattolica sembra implodere in una agonia inesorabile. Ma alla base della croce un mazzo di fiori è spesso presente, offerto dai riconoscenti Polacchi di Dublino.

Al di là di queste due maestose strutture, circa un terzo del parco è coperto da alberi tipo quercia, faggio, ippocastano, con una quantità di habitat naturali. Dato che in Irlanda la foresta, specie di latifoglie, è rara, tutta questa varietà, sia in bosco ceduo, sia in nodosi esemplari isolati, mi attrae e mi affascina particolarmente. Circondata come è da una città di circa un milione di abitanti, c’è qualcosa di inaspettato in quella presenza, così come nel vagare dei cervi. Così come c’è qualcosa di strano nella tipologia di quegli alberi, che uno si aspetterebbe di trovare lontano dalla città. Nella mia esplorazione del parco, all’inizio prevedevo di scattare in molti luoghi diversi, così da costruire una specie di mappa del parco. Invece, malgrado la dimensione del parco (o forse proprio per questa) sono spesso ritornato negli stessi punti a ri-fotografare lo stesso albero.

Il Parco ha significato, per me, immergermi nella vastità del suo spazio e cercare di trovare un senso nel suo volume al di là di storia e statistiche. Piuttosto che sull’ultimissimo tipo di fotografia digitale, ho scelto di andare sull’analogico (pellicole e formati). È stato usato in prevalenza un formato medio (quadrato), ma mi è anche capitato di usare pellicole scadute da tempo, una vecchia pellicola 126 e una macchina Vrede senza obbiettivo. Sentivo che tutto questo mi avrebbe aiutato ad ancorare la mia visione e il mio lavoro a questo parco vecchio di 350 anni. Usare queste tecnologie fotografiche obsolete mi ha portato all’estremo opposto delle frontiere tecnologiche. Il risultato: una rappresentazione a mio senso più autentica di questo enorme spazio storico. Non ho tentato di nascondere la mia ombra in qualche immagine, così lasciando una piccola traccia della mia personale presenza in questo lavoro. Inoltre, ho scelto di produrre qualche immagine sfuocata, anche per riflettere la mia personale miopia (oltre che per scelta estetica).

Questo lavoro ha voluto dire mettere in memoria la foresta e tutto ciò che nel produrlo ho incontrato. Andare sul terreno ed essere completamente assorbito dal luogo e dal momento, anche se il Phoenix Park stesso sempre sarà più grande nel confronto con il Parco.

Per ulteriori informazioni e altre fotografie si visiti il sito di Steven Nestor.

Recensione di East of West LA, di Kevin McCollister

Fabiano Busdraghi — Mon, 09 Jul 2012 08:40:42 +0000

Copertina del libro East of West LA © Kevin McCollister
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Non sono mai stato a Los Angeles.

Eppure è una città di cui più o meno tutti abbiamo una mappa visiva, costruita sugli innumerevoli film e serie televisive americane che volenti o nolenti hanno impregnato la nostra infanzia, se non anche l’età adulta. Quando penso a Los Angeles la prima immagine che mi viene in mente sono le palme, e l’azzurro del cielo nelle giornate di sole. Calore e intenso traffico cittadino. Splendide ragazze in abiti succinti, fiammanti macchine sportive. Le classiche ville americane con la piscina dal fondo blu, i barbecue nel giardino. I ricchi e i vip, le star sulla bocca di tutti. E naturalmente la famosa scritta Hollywood che capeggia bianca in cima alla collina, simbolo indiscutibile del sogno americano.

Non sono mai stato a Los Angeles, e non posso dire quanto questa rappresentazione corrisponda al vero. Ma poco importa. Anche i lavori fotografici che mi vengono in mente vanno spesso nello stesso senso, oscillando fra il lusso legato all’industria dello spettacolo e il sole della California. Non che questa sia una critica. Fotograficamente è interessante lavorare sulla specificità di un luogo, esplorare la sua essenza e le sue contraddizioni, gli elementi che lo caratterizzano. Ma è allo stesso tempo interessante avere una visione diametralmente opposta, agli antipodi di quella che costituisce l’immaginario collettivo.

Warehouse © Kevin McCollister
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Il libro East of West LA del fotografo e poeta Kevin McCollister è esattamente questo. Al di là del fatto che buona parte delle foto sono state scattate di notte, la maggior parte dei paesaggi urbani del libro sono tetri e oscuri, come se l’illuminazione notturna venisse risucchiata in modo misterioso, come se i luoghi, le case e le strade volessero negare in qualche modo l’abbagliante radiosità del giorno. Strade deserte, case dalle imposte tutte chiuse, ponti e cavalcavia che si distaccano appena sul cielo notturno, misteriosi costruzioni, luoghi tetri e vagamente inquietanti. I colori sono scuri, la paletta ricorda certi procedimenti fotografici di inizio secolo, alcune fotografie pittorialiste di Steichen, giocate su marroni scuro, ombre profonde, verdi riflessi appena visibili, colori densi e desaturi.

A far da contrappunto ai paesaggi urbani, diversi ritratti, visivamente molto diversi, in stile frontale, moderno e distaccato. Fotografie diurne, dai colori naturali, l’approccio documentario, obiettivo. Fotografie di barboni, marginali, ubriaconi, mendicanti, malati mentali, storpi, musicisti… personaggi particolari o pittoreschi, inquietanti o commuoventi. Perché nessun luogo è tale senza le persone che lo vivono, nessuna città può esser esplorata senza descrivere le persone che la abitano. Ritratti franchi e sinceri, di tutta l’umanità infinita che riempe le strade delle grandi città.

Betty and Darla © Kevin McCollister
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Il libro East of West LA è il frutto di lunghe peregrinazioni di Kevin McCollister, nella città in cui vive da vent’anni. L’atto di camminare, lo spostarsi a piedi, la lentezza del movimento e l’errare senza meta di un viaggio alla ricerca di se stessi è centrale nel libro.

Di solito non ho un programma, cammino seguendo le luci dei semafori, la prima che trovo verde.

L’esplorazione, la fascinazione per il paesaggio urbani, per i misteri della città, sono evidenti. Nella fotografia contemporanea iper-concettualizzata e cerebrale, è un piacere sfogliare un libro dove non si debba per forza fare i conti con un impianto concettuale che di fatto costituisce l’unico valore delle fotografie, indipendentemente dal contenuto formale. East of West LA è semplicemente il ritratto di una città, dove l’aspetto emotivo, la curiosità e la sensibilità di Kevin McCollister sono la linea guida che unifica luoghi, persone e situazioni eterogenee.

LA river © Kevin McCollister
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A mio avviso, al di là del fatto che East of West LA fornisce un’immagine di Los Angeles lontana dai cliché e dall’immaginario collettivo, il vero valore del libro si trova appunto nella visione personale di Kevin McCollister, nel suo modo di interpretare la realtà, di selezionare nella caotica varietà offerta dal paesaggio urbano lo spunto, le storie che decide di raccontare. East of West LA è un libro che si pone all’interfaccia fra la fotografia documentaria e la fotografia artistica, è quindi naturale porre l’accento sulla visione personale del fotografo, sul come il suo approccio modifichi la mappa e la percezione di una città.

All’inizio del libro si trova un breve saggio introduttivo, con alcuni estratti delle poesie di Kevin McCollister. Dove il vagare, il muoversi a piedi costituisce il filo conduttore, il film visivo che si spiega ai suoi occhi durante gli spostamenti da un punto all’altro della città.

Echo Park Boathouse © Kevin McCollister
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Posso sentire la sporcizia
nell’aria e sto
camminando verso nord,
ci sono quasi,
camminando, camminando verso nord.

Personalmente mi sarebbe piaciuto poter leggere più poesie, che le parole e i testi avessero lo stesso peso delle immagini, alternando fotografia e poesia. Ma Kevin McCollister spiega che la fotografia è la naturale evoluzione della sua pratica poetica, che le sue poesie ormai sono le fotografie stesse, versi in immagini.

Jerome © Kevin McCollister
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Per quanto riguarda infine l’aspetto tecnico, East of West LA di Kevin McCollister è un libro di 60 pagine di formato 15x20cm. Molte fotografie hanno una dimensione contenuta, caratteristica che mi piace particolarmente, essendo sempre più attratto dai piccoli formati. Le immagini piccole infatti aumentano la sensazione di intimità e raccoglimento che si sposa benissimo con gli scatti notturni e le atmosfere silenziose che impregnano i paesaggi urbani del libro.

La stampa è ottima, su una splendida carta matte vellutata che restituisce ottimi neri profondi e densi. Sono sempre sorpreso nel vedere quanti libri, anche di fotografi molto noti, siano stampati superficialmente, mostrando in maniera evidente la trama a mezzo tono della stampa, allora che oggi è possibile stampare in ottima qualità ad un prezzo contenuto. Del resto East of West LA di Kevin McCollister costa solo 20$.

Fourth St Arch © Kevin McCollister
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Per concludere, East of West LA di Kevin McCollister è un delizioso libretto di ottima qualità che offre un ritratto alternativo, intimo e personale di Los Angeles, lontano dal bagliore e dal lusso dei cliché, ma perso nei sogni, nella fantasia e nella sottile poesia che nasce camminando da solo nella notte in una città sconosciuta.

Grazie a Kevin McCollister per avermi generosamente inviato il suo libro per scrivere questa recensione. Se hai realizzato un libro fotografico e vuoi un articolo come questo, puoi spedirmelo e ne pubblicherò una recensione sulle pagine di CO-mag.

Dedica del libro East of West LA © Kevin McCollister
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CO-mag è su Facebook e Google Plus

Fabiano Busdraghi — Tue, 03 Jul 2012 15:24:50 +0000

CO-mag finalmente ha una pagina Facebook e una Google+ page!
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La presenza di CO-mag sui social network fa un passo avanti (anzi due): finalmente abbiamo una pagina Google Plus e Facebook.

Per quanto riguarda i contenuti, credo che scriverò dei brevi aggiornamenti sulla fotografia sia su FB che G+, ogniqualvolta sarebbero troppo lunghi per Twitter. Pubblicherò anche tutti i nuovi articoli del sito su FB, ma non su G+ perché questa funzionalità non è ancora supportata. In questo modo le pagine Twitter, Facebook e Google Plus di CO-mag avranno tutte un contenuto diverso.

Detto questo, sono sempre attento ad ogni consiglio dalla parte dei lettori. preferite gli aggiornamenti di FB su Twitter o al contrario ripubblicare tutti i tweet su FB? O ancora dei contenuti completamente diversi su ognuno dei social network?

Nuovo layout di Camera Obscura!

Fabiano Busdraghi — Sun, 01 Jul 2012 18:30:32 +0000

Original layout of CO-mag
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Il nuovo layout di CO-mag è finalmente online, per favore visitate CO-mag per scoprire tutte le novità!

Quando ho creato CO-mag scelsi un layout grigio disponibile nella sezione dei temi di wordpress. Un anno dopo riscrissi interamente il codice, creando un’impaginazione minimalista e veloce. Nonostante questo le differenze visive rispetto al layout precedente erano minime. L’impaginazione attuale invece è una vera e propria rivoluzione per CO-mag. Ecco un’introduzione a tutte le nuove funzionalità:

Migliore esperienza visiva. Il sito è più elegante e professionale. Ogni articolo è associato ad un’icona cliccabile che appare sull’homepage, nella barra laterale, nella pagine di ricerca e in tutti gli archivi. Lo sfondo bianco e il carattere più grande facilitano la lettura degli articoli più lunghi.

Migliore navigazione. Ogni post è classificato per categoria, parole chiave, data, fotografo descritto nell’articolo e autore dello stesso. È possibile esplorare il sito seguendo ognuna di queste tassonomie¹. I link si trovano all’inizio e ala fine di ogni articolo. All’inizio e alla fine di ogni pagina si trovano anche i link per l’articolo precedente/successivo e le varie pagine degli archivi.

Facile accesso ai contenuti interessanti. Se si apprezza un articolo, molto probabilmente si troveranno interessanti anche i post correlati che si trovano alla fine di ogni articolo. Nella barra laterale di ogni pagina si trovano invece 3 pratiche liste con i post più popolari (numero di visite), più commentati e più recenti.

Condividi e socializza. Vuoi condividere un articolo? I bottoni per i network sociali sono all’inizio e alla fine di ogni post. Stessa cosa per un meccanismo più performante per abbonarsi ai feed.

Migliori discussioni. Hai scritto un commento e vuoi sapere cosa diranno gli altri visitatori? Puoi ricevere tutti i futuri commenti nella tua posta oppure iscriverti al feed con i commenti di un unico post. Inoltre CO-mag supporta i commenti nidificati, in modo che sia ancora più facile seguire le conversazioni del sito.

Oltre a tutto questo, decine di piccole migliorie, traduzione completa del tema, correzioni di errori e via dicendo. Son sicuro che vi piaccia!

Dunque, cosa ne pensate? Il ritorno dei lettori è più che benvenuto, la vostra opinione è sempre particolarmente importante. Qualche funzionalità aggiuntiva che vorreste vedere su CO-mag? Fatemelo sapere e farò del mio meglio per migliorare ancor più il nuovo layout di CO-mag.

Anche se c’è ancora bisogno di qualche correzione, soprattutto a causa di alcuni problemi legati al plugin wpml. Con un po’ di fortuna tutti gli errori verranno presto risolti.

Camera Oscura è su Twitter, seguici!

Fabiano Busdraghi — Mon, 11 Jun 2012 13:26:13 +0000

Segui Camera Obscura su Twitter @co_mag
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Camera Obscura è finalmente su Twitter! Il nuovo layout del sito (prossimamente online) avrà diverse comode icone per condividere contenuti sui social network e per iscriversi ai feed, quindi è inutile che mi metta a modificare il layout attuale. Detto ciò, naturalmente potete già seguire CO-mag su Twitter!¹

Il canale Twitter di CO-mag è molto di più di un semplice flusso RSS. Per cominciare, posterò frequentemente link ai portfolio di ottimi fotografi e argomenti rilevanti nel mondo della fotografia. Ciò che rende CO-mag un po’ speciale è che vengono pubblicati soprattutto articoli lunghi e approfonditi. A volte però vorrei condividere un link con una breve descrizione, ma non lo faccio per rispettare la linea editoriale di CO-mag. Ebbene, Twitter è veramente perfetto per questo tipo di brevissimi post e sarà un ottimo strumento complementare.

Per di più, ciò che mi piace di Twitter è che rende possibile l’interazione diretta con gli amministratori di un sito e permette di umanizzare la percezione di ciò che sta dietro ad una pagina web. Allora twitterò qualche dietro le quinte sullo sviluppo di CO-mag e altre attività ad legate alla rivista. Naturalmente potrete interagire e socializzare!

Inoltre mi son sempre chiesto come poter rendere gli archivi più accessibili. I visitatori di CO-mag tendono a leggere soprattutto gli ultimi articoli con i feed reader e quelli più popolari attraverso i motori di ricerca, senza esplorare più di tanto l’archivio. Sebbene questa sia una tendenza comune un po’ a tutti i blog, è veramente un peccato, perché ci sono tantissimi splendidi articoli nell’archivio che aspettano solo di esser letti. Quindi, seguendo CO-mag su Twitter, riceverete regolarmente dei retweet (il tweet inizia con nostalgia) pescati aleatoriamente fra tutti gli articoli più vecchi di un anno.

Infine, non perderete mai i nuovi articoli (il tweet inizia con new post) e aggiornamenti (il tweet inizia con post edited).

Quindi non esitate, seguite follow CO-mag on Twitter!

Per convenienza il canale Twitter di CO-mag sarà scritto quasi esclusivamente in inglese

CO magazine ha 5 anni!

Fabiano Busdraghi — Wed, 06 Jun 2012 16:21:40 +0000

Charles Demuth - I saw the figure 5 in Gold, 1928
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Camera Obscura oggi compie cinque anni!

Inizialmente l’idea era lanciare il nuovo layout e dominio oggi stesso, in modo che fosse la più grande novità di questo quinto anni di vita di Camera Obscura. Purtroppo deve fare ancora un po’ di programmazione e verifica che tutto funzioni al meglio, seguita dalla traduzione dell’intero tema in cinque lingue. Di fatto, pubblicare Camera Obscura in più lingue, rende il tutto più difficile. Il tema di WordPress è molto più complesso, non tutti i plugin funzionano correttamente e tradurre tutto porta via tantissimo tempo. In ogni caso, spero che il nuovo layout sarà presto online!

Globalmente Camera Obscura sta andando molto bene, il numero di visite e lettori isritti al feed è in costante aumento. grazie mille a tutti i visitatori per il vostro continuo interesse verso la fotografia e l’arte!

Volete sapere qual’è l’articolo in italiano che è stato letto più volte durante gli ultimi dodici mesi? Ecco qui: i dolorosi autoritratti di David Nebreda.

Per quanto riguarda il futuro, a parte l’iminente nuovo layout, mi piacerebbe aumentare il numero dei contributi esterni nonché degli editori regolari (contattami se vuoi diventare un editor ufficiale di CO) e occuparmi dei social network, condividendo Camera Obscura almeno su twitter, facebook e Google+. E voi, cosa vorreste vedere su Camera Obscura durante il prossimo anno? Scrivete un commento e se possibile cercherò di realizzare i vostri desideri.

Quindi restate tutti connessi per un nuovo anno all’insegna della grande fotografia contemporanea!

Intervista con Aline Smithson

Fabiano Busdraghi — Sat, 28 Apr 2012 10:20:39 +0000

Intervista con Aline Smithson, photografa artista e curatrice di Lenscratch, un blogzine dedicato alla fotografia contemporanea.

Fabiano Busdraghi: Dopo aver lavorato come redattrice gomito a gomito con i grandi nomi della fotografia di moda, sei tu stessa diventata una fotografa e artista di successo. Oggi sei anche la redattrice di Lenscratch, uno dei blog fotografici più letti al mondo, una lettrice di portafoglio e curatrice per diverse riviste e gallerie. Infine, intraprendi diverse attività didattiche in forma di workshop e conferenze.

© Aline Smithson
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Un cliché romantico ricorrente vorrebbe che un artista debba concentrare tutte le sue energie unicamente sulla creazione artistica. Personalmente penso che una serie eclettica di occupazioni renda la vita più ricca e interessante, ma -per esempio nel mio caso personale- è facile finire per fare troppe cose e non finirne mai nessuna. Di conseguenza, a volte ho paura che intraprendere troppe attività diverse possa in qualche modo diluire la produzione artistica. Al tempo stesso una vita stimolante, rende possibile la produzione di opere d’arte interessanti.

Pensi che tutte le tue attività possano sostenere e migliorare la creatività artistica? O tutti i differenti aspetti della tua vita professionale e artistica sono solo diverse manifestazioni del tuo amore per la fotografia? O forse le varie esperienze sono semplicemente i risultati dei tuoi interessi eclettici?

Aline Smithson: Onestamente, non sono sicura che le mie attività, sostengano o migliorino il mio lavoro… in realtà, penso che mi impediscano di svolgerlo, nel senso che ho meno tempo per creare e concentrarmi su me stessa. In verità, certi giorni ho solo voglia di gettare la spugna, soprattutto quando vedo tutti gli incredibili progetti in fase di creazione nel mondo della fotografia. È stimolante e allo steso tempo deprimente vedere:

quanti fotografi lavorino oggigiorno;
quanto sia alto il livello di ciò che fanno;
quello che si può ottenere con un iPhone.

Ma niente di tutto questo mi impedisce di continuare a produrre, o influenza il lavoro che faccio. Ho una forza nella mia visione personale, ma questo non vuol dire che non mi capiti di sbavare sul lavoro degli altri fotografi.

Il mio entusiasmo per la fotografia -unito al mio desiderio di comprendere e restituire alla comunità fotografica- è il motore dietro alla produzione di tutto quello che faccio. Quando ho iniziato a scrivere il mio Lenscratch, doveva essere un luogo dove condividere i miei nuovi lavori e le mie idee; ma dopo pochi mesi, mi sono annoiata all’idea di me, me, e solo me. Ho allora iniziato a considerarlo come un’opportunità per imparare tutto ciò che riguarda la fotografia contemporanea, e questo naturalmente insieme ai miei lettori. Inoltre, visto il mio percorso di insegnante, ho pensato che i miei studenti sarebbero potuti crescere più facilmente con una dose giornaliera di fotografia in più.

Quando sento di avere troppe cose in ballo, faccio un po’ di spazio, mi prendo una settimana senza distrazioni, faccio le pulizie nel mio ufficio, creo qualcosa di nuovo, leggo un po’ di articoli e riparto da zero. Vorrei che potessimo avere almeno un giorno alla settimana senza e-mail … sono le e-mail che stanno cominciando veramente a uccidermi.

Fabiano Busdraghi: Hai trionfato in ogni campo che hai esplorato. Quale pensi sia la chiave del tuo successo?

Aline Smithson: duro lavoro, non prendermi troppo sul serio, essere curiosa, gentile e professionale. Dire grazie a ogni mano che mi ha sostenuto. Celebrare le persone intorno a me. Rimanere fedele alla mia visione del mondo. Non mi ricordo se l’ho detto, il duro lavoro?

Fabiano Busdraghi: Personalmente, penso che sia molto difficile promuovere il mio lavoro fotografico. Mi piace ogni fase del processo di creazione, ma la promozione è un aspetto quasi spiacevole. Lo so è necessario. È un peccato chiudere le mie foto in una scatola o nel disco duro di un computer, regolarmente mi obbligo a fare un po’ di auto pubblicità. Quando succede, mi sembra che tutte le mie energie e il mio tempo vengano completamente risucchiate, non lasciando più spazio per la creazione. Recentemente ho assistito ad una conferenza sulla fotografia emergente al Festival Circulations, e ne ho approfittato per chiedere a tutti i fotografi presenti come facessero per trovare un equilibrio fra creazione e promozione. Senza eccezioni, la risposta di tutti è che promuovere il proprio lavoro è estremamente difficile, ed effettivamente richiede moltissimo tempo.

Sei d’accordo con questa affermazione? Nel tuo caso personale, come fai a bilanciare la diffusione con la creazione? Cosa consiglieresti a un fotografo emergente per gestire l’aspetto promozionale dell’attività fotografica?

Aline Smithson: La promozione è come l’esercizio fisico … non ti piace, ma è necessario farlo! Dico sempre ai miei studenti che dovrebbero produrre lavori che saranno entusiasti di promuovere per i prossimi 10 anni. Dopo aver terminato un corpus fotografico, si dovrà lottare per anni per metterlo sotto i riflettori del mondo della fotografia. Dopo un intenso 2011, ricco di mostre e di viaggi, ho fatto marcia indietro e quest’anno sto presentando le mie foto unicamente se la giuria o i luoghi sono veramente d’interesse. Non sto saltando su tutti i baracconi che passano. Si deve pensare a questo viaggio come una strada lunga, e non abbiamo bisogno di correre né presentarsi ad ogni festa. Ho sputato sangue per anni, facendo presentazioni, bussando a tutte le porte, frequentando le letture di portafoglio, niente di ciò che ho realizzato è venuto senza uno sforzo enorme. Ma la vita è fatta così, e non possiamo sempre avere la stessa concentrazione o energia per creare e promuovere il nostro lavoro. Una volta che lo ammetti a te stesso, ti senti decisamente meglio. Cerco di vedere le cose a lungo termine, se un anno faccio un sacco di mostre, è bene rallentare l’anno successivo. Abbiamo veramente bisogno di tempo per non fare auto-promozione. Salto di continuo dalla promozione alla creazione… alla fine ho finito per abituarmi a questo ritmo.

Ma è effettivamente una scocciatura dover promuovere costantemente il proprio lavoro. Sembra si stia continuamente sventolando una bandiera gridando: “Guarda, guarda il mio lavoro” ed è una cosa che odio. Il trucco è circondarsi di una comunità solidale e quando qualcuno sventola la propria bandiera, lo celebri come se fosse te stesso. Come fotografi, siamo veramente fortunati ad avere la quantità di opportunità a nostra disposizione per diffondere il nostro lavoro nel mondo. Ci sono incredibili organizzazioni come Center e Photolucida che supportano totalmente fotografi emergenti, e molte gallerie e centri espositivi che offrono tantissime opportunità fotografiche. Inoltre le opportunità su internet sono infinite. Io suggerirei di fissare degli obiettivi ragionevoli… sottoporre qualcosa una volta a settimana … una cosa da poco on-line, e una cosa importante una volta al mese. Ma dedicare comunque più tempo a produrre lavori di qualità.

Fabiano Busdraghi: La recente crisi finanziaria mondiale ha influito in qualche modo sul tuo lavoro? Qual’è la tua strategia professionale in questi anni difficili? Ancora una volta, hai qualche suggerimento per i fotografi e gli artisti emergenti?

Aline Smithson: Per essere onesti, ci sono pochissimi fotografi d’arte che possono realmente vivere del proprio lavoro. La maggior parte sono insegnanti, lavorano principalmente in un altro campo o sono in pensione. Sto insegnando sempre di più, ho un’agenzia di stock, ho un agente che inserisce il mio lavoro in spettacoli televisivi e film, e cerco di inventare un sacco di piccoli espedienti in modo da aggiunge qualcosa alla fine del mese. Sto vendendo la stessa quantità di foto rispetto a prima, -e sto vendendo bene in Europa- ma le gallerie si stanno prosciugando, il che è molto, molto triste. È tempo di creare un nuovo modello di vendita. Sembra che la fascia bassa e alta continuino a vendere, ma la gamma media è al contrario molto immobile. Inoltre la tecnologia ha reso un po’ tutti un fotografo, quindi le persone fondamentalmente danno via di tutto e di più.

Fabiano Busdraghi: Ho curato Camera Obscura durante gli ultimi cinque anni, e in un certo senso ancora mi chiedo perché lo sto facendo. Naturalmente conosco la risposta, non è solo per diffondere la cultura fotografica, ma soprattutto si tratta di un modo per continuare a pensare ed esercitare la mia mente. Una sorta di ginnastica per il cervello. In ogni caso, la questione resta per me importante, e mi piace porla a tutti gli autori di blog che incontro.

Puoi descrivere il motivo per cui ha deciso di iniziare il blogzine Lenscratch e perché lo continui a pubblicare ancora oggi? Perché scrivere blog è un’attività importante per un fotografo?

Aline Smithson: troppo spesso mi chiedo perché sto ritagliando così tanto del mio tempo per promuovere altre persone. La notte, dopo un cocktail o due, quando sto per addormentarmi mi ricordo che non ho scritto l’articolo per domani e mi impongo di farlo. Ho fissato uno standard molto alto decidendo di pubblicare un articolo al giorno. Certo si tratta di una regola che posso cambiare in futuro, ma scrivere ogni giorno è davvero, come dici tu, una palestra del cervello. Scrivendo ogni giorno, diventa via via più facile. Una volta ho letto che le star delle soap opera hanno una memoria incredibile, perché devono imparare quotidianamente decine di pagine di dialoghi, e lo fanno come se niente fosse.

Ho anche incontrato o tessuto legami con centinaia di fotografi grazie a Lenscratch e quando posso aiutarli ulteriormente lungo la loro strada verso il successo, la cosa mi rende molto felice. Non voglio che il mio viaggio fotografico sia una spedizione in solitario, voglio con me un’allegra banda d’amici, e il blog mi ha dato proprio questo. Ho sentito dire da fotografi che hanno lavorato in isolamento, che è veramente fantastico quando qualcuno dedica il proprio tempo per apprezzare il loro lavoro e informarsi a dovere. Ecco qualcosa che vale veramente la pena.

Fabiano Busdraghi: tutti saranno d’accordo se dico che Internet è uno strumento formidabile per diffondere un lavoro fotografico a un pubblico davvero ampio. Ma allo stesso tempo ho la sensazione che è abbastanza difficile utilizzarlo per convertire la semplice diffusione del lavoro dell’artista in un business concreto. Voglio dire, una mostra in una galleria d’arte di solito viene visitata da qualche centinaia di persone al massimo, ma spesso un certo numero di questi acquisteranno le stampe in mostra. Un portfolio on-line può essere visitato migliaia di volte ogni mese, ma quanti visitatori sono veramente interessati a comprare le opere d’arte suddette? Le riviste cartacee generare denaro, ma la maggior parte dei blog sono tenuti per passione, senza nessun compenso economico. Mi sembra che, anche se Internet è un veicolo perfetto per diffondere il nome di un fotografo, ciò non implica necessariamente che sarà più facile per questi vendere il proprio lavoro, ovvero guadagnarsi da vivere con le proprie opere d’arte.

Qual è la tua opinione su questo argomento? Pensi che sia veramente utile per i fotografi spendere così tanto tempo ed energie per diffondere il proprio lavoro su Internet o sarebbe meglio dedicarsi alla promozione nel mondo reale?

Aline Smithson: Beh, in definitiva, il lavoro deve essere da urlo, e alla fine conta poco come la notizia venga fuori. Nel mondo commerciale, il pendolo sta tornando indietro verso strumenti promozionali tradizionali: cartoline, ecc, visto che i direttori artistici sono stanchi del diluvio di newsletter e mailing promozionali che ricevono quotidianamente. Internet diffonde il tuo lavoro in tutto il mondo in un batter d’occhio, molti fotografi che ho pubblicato sul mio blog sono stati contattati il giorno successivo da ogni parte del mondo, dimostrando un grande interesse per il loro lavoro. Non è mai potuto accadere con la posta ordinaria. Non abbiamo ancora un’idea precisa della quantità di opportunità offerte da Internet oggigiorno: nuove riviste, blog e siti di vendita online fioriscono quotidianamente. Potremmo passare tutta la vita scendendo nelle tane dei bianconiglio delle opportunità da esplorare o da presentare.

Se vuoi far andare in giro per il mondo il tuo lavoro, la mostra in una galleria non dovrebbe essere il tuo obiettivo principale. Pubblicare il tuo lavoro in una rivista ad ampia diffusione o in un blog molto seguito lo metterà sotto agli occhi di tantissime persone in giro per il mondo. E solo dopo potrai cominciare a pensare alle gallerie…

Sto vendendo proprio grazie a tale esposizione mediatica. Le gallerie che mi rappresentano possono solo trarre vantaggio dalla diffusione delle mie fotografie e dalla mia attività di auto-promozione. Il mio amico Cole Thompson vende direttamente dal suo sito, e -quando gli ho chiesto chi erano i suoi collezionisti- mi ha risposto che la maggior sono fotografi essi stessi. Credo che quando Jen Beckman ha iniziato 20×200, ogni fotografo stava collezionando immagini dal suo sito. Quindi tutto ciò che rappresenta visibilità, orientata al pubblico fotografico, alla fine paga. Ci aiutiamo reciprocamente.

Fabiano Busdraghi: Un altro aspetto sorprendente di Internet è la quantità di contenuti disponibili e come questo influisca sul nostro approccio all’informazione. Ricevo ogni giorno decine di messaggi nel mio lettore di feed, ed è difficile trovare il tempo e la concentrazione per leggere attentamente ciascuno di questi. Un ben noto comportamento dei visitatori di un sito Internet è che tendono a eseguire una scansione della pagina invece di leggerla come farebbero con un libro. Certo, c’è un sacco di rumore rispetto all’informazione utile, e dobbiamo trovare strategie per filtrarlo rapidamente, ma mi accorgo che -anche limitandomi alle informazioni di alto livello- queste restano comunque troppo abbondanti per essere assimilate. A mio parere questo determina una sorta di consumismo culturale, e la tendenza a leggere superficialmente ogni testo, indipendentemente dalla qualità delle informazioni in esso contenute.

Sei d’accordo con questa descrizione della fruizione di Internet? È ancora utile scrivere lunghe e approfondite analisi o sarebbe meglio limitarsi unicamente a Twitter? Cosa si potrebbe fare per invertire questa tendenza?

Aline Smithson: io sono uno di questi scanner. Trovo difficilmente il tempo per leggere altri blog, e sono sempre stata una persona attratta soprattutto dalle foto, e questo ancora prima di leggere l’articolo stesso. Penso anche che ognuno di noi soffra della sindrome da deficit di attenzione. Il miei figli parlano e scrivono in un nuovo linguaggio e il mondo intero sta solo cercando la prossima frase fatta. Scrivere il blog è uno dei pochi momenti al giorno in cui mi concentro completamente su me stessa. Altrimenti sto sempre facendo un milione di cose allo stesso tempo e non sono mai totalmente concentrata su una cosa precisa. Purtroppo non ho il tempo di digerire lunghi articoli approfonditi, ma leggo i tweets … e sono pienamente consapevole che sto digerendo il fast food della fotografia, il che non è che mi piaccia molto.

Non so come cambiare la cosa… in realtà, penso che la situazione peggiorerà sicuramente. Sono preoccupata per gli effetti che tutto questo può avere sui nostri figli. Visto che sono cresciuta senza un computer, sento come una marea di pressione tecnologica che mi attacca di continuo le calcagna. So che i miei figli non lo vivono affatto in questo modo, e vedono ogni nuova invenzione e applicazione come qualcosa da gustare con piacere.

Fabiano Busdraghi: Sono particolarmente interessato alle storie di vita vissuta, gli aneddoti e i dietro le quinte. Puoi scegliere qualche foto dal tuo portfolio un po ‘speciale e raccontare la sua storia?

Aline Smithson: L’immagine Harmony è stata creata quando ero nella mia prima fase di apprendimento della fotografia. Uno dei miei insegnanti mi aveva detto che avevo bisogno di sorvegliare attentamente quello che stavo per fotografare per trovare la luce giusta. Questo non è sempre facile con i bambini piccoli fra i piedi. Così, ero in vacanza con la mia famiglia e stavo guidando sulla strada lungo la costa della California. Pioveva e quando ho superato un cartello che diceva “Harmony” ho subito saputo che era una grande scatto. Ho fatto un’inversione a U selvaggia sull’autostrada 101 e accostato mentre mio marito e i miei figli mi gridavano addosso come pazzi. Sono saltata fuori con la mia macchina fotografica giocattolo e ha questa foto. Non ho mai più seguito il consiglio del mio insegnante.

Lexie con il pavone è un’immagine che ho avuto in testa per molto tempo. Sono sempre stata affascinata dalle immagini di Lewis Carroll di bambini, e mi piace l’idea del colore, delle testure e oggetti di scena esotici che aggiungono alla bellezza di una composizione. Inoltre non guasta che per caso posseggo un pavone imbalsamato. Lexie abita lungo la strada e assomiglia molto a mia figlia quando aveva la sua età, inoltre ha quell’anima un po’ all’antica che aggiunge grande spessore al ritratto. Ciò che lo spettatore non vede è che la madre di Lexie, la sorella minore, e il cugino tredicenne venuto dal Midwest, sono seduti dietro di me pensando: “Ma cosa diavolo sta combinando questa donna!”. Nella pratica fotografica moderna, credo che abbiamo perso il gusto delle cose belle e il desiderio di creare bellezza. Sentivo che era arrivato il momento di crearne un po’.

Non posso farne a meno, di tanto in tanto mi piace essere un po’ irriverente. Questa natura morta, il dito medio, mi ha sempre fatto ridere.

Nonostante mi piaccia produrre fotografie intense e significative, amo ugualmente creare qualcosa dal nulla, e soprattutto immagini stravaganti. Questa foto, Hugos a Hollywood, è stato scattata quando ho reso visita a un’amica che soggiornava in un hotel veramente classe, subito prima di partecipare ai Golden Globes. Semplicemente è “successo” che avevo con me tre delle mie bambole Hugo e si son godute i resti della sua colazione a letto.

E infine, amo talmente questo ritratto di Elizabeth Taylor —tanto il colore che la posa— che volevo trovare un modo per celebrarlo. Ho iniziato a creare una piccola serie di ritratti nei libri che amo, chiamato ritratti di ritratti. E questo è intitolato Liz e le rose.

Per ulteriori informazioni, si prega di visitare il sito di Aline Smithson o abbonarsi a Lenscratch, un blogzine dedicato alla fotografia contemporanea.

Appunti Psicovisivi, di Pavlove der Visionär

Pavlove der Visionär — Sun, 22 Apr 2012 10:53:28 +0000

Testo e foto di Pavlove der Visionär.

Incipit

Vi vorrei raccontare una storia, la storia di Pavlove il cane o meglio il cane di Pavlov e come da questo strano gioco verbale due anni fa ebbe inizio Inneres Auge¹. Forse non tutti ricorderanno a cosa mi riferisco quando cito il cane di Pavlov, rinfrescherò la memoria ai più sbadati. Pavlov fu un fisiologo russo che alla fine dell’ottocento studiò i riflessi condizionati dei cani, una sorta di approccio scientifico per capire il funzionamento degli organismi viventi anche in relazione al proprio ambiente vitale. Non ho mai stimato quest’uomo che trattava gli animali come cavie, tuttavia mi ispirò per lo sviluppo di un progetto fotografico che pochi mesi dopo avrei deciso di chiamare Inneres Auge.

L’idea di crearmi un alter-ego che andava in qualche modo ad invertire i sopracitati ruoli cane-scienziato, oramai noti nella storia dell’etologia, mi affascinava molto, avrebbe reso il mio progetto più distaccato ed oggettivo. Un cane, Pavlove, avrebbe così iniziato a studiare fotograficamente i comportamenti umani da cui era incuriosito.

L’Uomo in controluce nello spazio

Volevo approfondire visivamente alcune questioni che da sempre mi affascinano: le persone, gli spazi e le conseguenti relazioni che nascono dall’interazione tra i due. Come interagiscono le persone con i luoghi da loro vissuti quotidianamente? Qual è il fattore che ne definisce i reali equilibri? Sono le persone ad influenzare i luoghi o viceversa? Più erano le domande che mi ponevo più mi interessava provare ad andare a fondo della questione. Cercai di capire se ci fosse una scienza che studiasse la relazione tra persone e spazi, per prenderne spunto o quantomeno aver un’idea di massima dell’argomento. Incappai nelle teorie della cosiddetta Architettura abitativa, troppo poco emotive per darmi una risposta esauriente.

Decisi di focalizzare il mio lavoro circoscrivendolo ad una cerchia mirata di persone da analizzare in modo da non cadere in grossolani errori deduttivi. Avrei preso in considerazione la categoria di “giovani creativi viventi in Milano”, intendendo per creativi persone capaci di creare o inventare qualcosa di nuovo applicato a qualsiasi ambito lavorativo. Avrei cercato di analizzare visivamente i più disparati ambiti della creatività fotografando gli stessi creativi negli spazi da loro vissuti. Un approccio quasi psicologico ad un lavoro che fin ad ora aveva ben poco di fotografico.

Ego

Da questi presupposti Pavlove der Visionaer, identità sconosciuta ai molti, iniziò a sviluppare concretamente il progetto Inneres Auge. Crearsi un alter-ego avrebbe in qualche modo ostacolato la comunicazione con le persone che volevo coinvolgere nel progetto, ma lo trovavo un elemento fondamentale: chi contattavo non aveva in nessun modo la possibilità di crearsi nessun preconcetto sul mio conto. In questo modo emergeva il lavoro fotografico, l’idea, mentre il resto passava in secondo piano. Questa scelta dell’anonimato, anche se all’apparenza un’inutile rigidità che spesso faceva desistere le persone da me contattate, si è rivelata una scelta strutturale incidente e utile a garantire la sicurezza di coinvolgere persone realmente motivate a prendere parte al progetto.

De Rerum Natura

L’organizzazione dei ritratti è stata la fase più delicata. Mi ero imposto di essere il meno invasivo possibile, dovevo essere una presenza-assenza, una sorta di registratore visivo inserito in un contesto quotidiano in cui una persona vive lo spazio, il suo spazio. Questa decisione incideva molto sulla tecnica fotografica di realizzazione del lavoro che, è stato eseguito in digitale con una Canon 5dMark II ed ha sfruttato unicamente la luce naturale degli ambienti. Mi interessava infatti che la luce diventasse insieme alla persona ritratta e allo spazio un elemento caratteristico del lavoro, motivo per cui ho apportato gli orari esatti di scatto a tutte le didascalie delle foto.

Ad occhi chiusi

L’ultimo elemento di cui vorrei parlare è la scelta di chiudere gli occhi a tutti i creativi ritratti. In questo progetto volevo emergesse, come ho già detto, la relazione tra persone e spazi e allo stesso tempo mi piaceva l’idea di trovare un filo conduttore che unisse tra loro i creativi coinvolti. Avevo fatto alcuni esperimenti durante i primi ritratti senza grandi risultati fino a quando la risposta non venne da sé.

Un creativo mi disse che per timidezza, nonostante gli piacesse molto il mio lavoro, avrebbe fatto molta fatica a farsi ritrarre e sarebbe stato probabilmente innaturale e rigido. Provai a fargli degli scatti ad occhi chiusi: subito il suo volto si rilassò lasciando la posa innaturale e tesa per un espressione tranquilla: riviveva finalmente il suo ambiente.

Dopo questi scatti capii che gli occhi chiusi erano la direzione che dovevo seguire. Facendo chiudere gli occhi mettevo le persone in una condizione di rilassamento, quasi meditativa. Chiedevo loro di percepire con gli altri sensi lo spazio circostante cercando in qualche modo di entrarci in sintonia. Capito come interagire con i creativi ritratti, la strada è stata tutta in discesa, bisognava solo focalizzare di volta in volta gli spazi, studiarli attentamente e carpire il momento di maggiore sintonia tra la persona ed il suo luogo. Quel feeling che si crea solo con le cose a te care, con gli spazi che conosci bene perché in fondo ti rappresentano e tu rappresenti loro.

La storia dietro le quinte

L’idea di questo progetto è nata nel 2009 tra Berlino e Milano le due città tra cui mi dividevo in quel periodo. Questa è la principale motivazione per cui il mio sito Pavlove der Visionär è nato in lingua tedesca. Per il mio dottorato di ricerca in comunicazione stavo realizzando una tesi sul concetto di cultural planning. Ho quindi passato mesi a leggere libri sulla gentrificazione e sulle teorie del rinnovamento e miglioramento urbano, rendendomi sempre più conto di quanto la cultura sia in grado di rigenerare e trasformare gli spazi. Per questo iniziai a rimanere affascinato dalle persone, in particolare i cosiddetti creativi, e l’ambiente in cui vivono e lavorano. I luoghi riflettono la personalità di coloro che li abitano ed è molto forte la relazione che si viene a creare.

Nel 2010 ho lavorato a Milano in uno spazio che promuove l’arte contemporanea. Ogni giorno mi relazionavo con creativi di svariata tipologia e capii che sarebbe potuto essere interessante fotografarli all’interno dei loro ambienti lavorativi. Tutti i creativi fotografati furono fin da subito interessati al mio lavoro e al fatto di dover posare ad occhi chiusi, era un’idea così particolare che mi permise di trovare fin da subito persone disposte ad essere coinvolte. Il progetto si è sviluppato a Milano, Roma ed è in proseguimento anche a Berlino. Non è esiste una reale fine del progetto, il lavoro proseguirà naturalmente e probabilmente si concluderà con altrettanta naturalezza.

Epilogo

Pavlove è tante cose, non è solo Inneres Auge, dal quale nascerà presto anche un’applicazione per Itunes. Un nuovo progetto è già in corso. Rizzate le orecchie e chiudete gli occhi².

Per ulteriori informazioni si prega di visitare il sito di Pavlove der Visionär.

Occhio interiore n.d.r.
Un ringraziamento speciale a Emanuele Cucuzza per il suo aiuto in questo progetto.

Recensione di “Edward Burtynsky”, collana Quaderni CMC

Fabiano Busdraghi — Thu, 12 Apr 2012 19:59:02 +0000

Copertina del libro "Edward Burtynsky" della collana Quaderni CMC
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Qualche mese fa un amico mi aveva invitato a Barcellona per visitare la mostra di Edward Burtynsky, uno dei suoi fotografi preferiti. Invito che purtroppo dovetti rifiutare. Ieri sera però mi ha almeno fatto vedere il catalogo della mostra.

- Sai, gli ho scritto una mail lamentandomi che non c’erano più copie del catalogo.

- E loro?

- Si sono scusati. Al che io ho insistito, dicendo che era veramente un peccato. Allora me l’hanno spedito.

- Gratis?

- Si, gratis!

Innanzitutto quindi complimenti a Teclasala, facessero tutti così il mondo della fotografia sarebbe decisamente più bello.

Tiro fuori il catalogo dalla busta e noto che non è scritto né in spagnolo, né in catalano.

- Guarda che non è un semplice catalogo, ma un libro edito dal Centro Culturale di Milano.

Un po’ sorpresi dal fatto che un libro italiano sia finito in una mostra a Barcellona, per poi esser girato al mio amico, ci mettiamo a sfogliare il quaderno, e mi dico che è una buona occasione per scriverne una breve recensione. In passato ne ho già fatte per Camera Obscura, ma solo quando i fotografi stessi mi hanno gentilmente regalato il loro libro in cambio appunto di una recensione: per esempio The Chronicles of Time di Giacomo Costa o Camera Architectura, di Gabor Ösz. Da un bel po’ di tempo invece ho in testa di scrivere una recensione di tutti i miei libri di fotografia, che ho piano piano accumulato nel corso del tempo. Il Quaderno CMC Edward Burtynsky mi sembra quindi la buona occasione per cominciare.

Innanzitutto le caratteristiche tecniche: il libro è abbastanza piccolo, formato 19,5×22,5cm, 102 pagine e costa 28€. L’impaginazione è sobria e piacevole e la stampa corretta.

Per quanto riguarda le immagini niente da ridire, le fotografie di Edward Burtynsky sono splendide come sempre. In ogni caso nessuna sorpresa, né in male né in bene, si tratta di una specie di piccola retrospettiva di buona parte dei lavori di Edward Burtynsky: mine, cave, fiumi di nikel, deforestazione lungo i binari della ferrovia, demolizioni navi e via dicendo; con in più un estratto del suo lavoro recente sulla fuga di petrolio nel Golfo del Messico. Personalmente non sono un amante delle antologie, preferisco un libro per argomento, ma il Quaderno CMC Edward Burtynsky è comunque un discreto riassunto dell’opera di questo grande fotografo.

Il libro è inoltre accompagnato da un saggio di Giuseppe Frangi e un’intervista a cura di Enrica Viganò.

Personalmente il saggio non mi entusiasma poi tanto. Sebbene sia ben scritto e molto piacevole da leggere, secondo il mio personale modo di vedere la citazione di Dante e gli aneddoti su Michelangelo nella cave di Massa Carrara poco o nulla hanno a che vedere con Edward Burtynsky. Certo sono riferimenti dotti e fatti affascinanti, ma l’unico legame con il fotografo è il luogo stesso di Massa Carrara, peraltro visitato episodicamente nella totalità del suo lavoro. Allora perché non infilarci dentro anche Botero e tutti gli altri artisti che hanno usato i famosi marmi? In ogni caso, pur lasciando tranquillo Michelangelo, nel complesso -ben inteso sempre a mio vedere- tutto il saggio mi sembra più un esercizio di stile e una raffinata dimostrazione di cultura enciclopedica, più che una vera analisi e descrizione dell’opera di Edward Burtynsky.

Ben diversa invece l’impressione derivata dall’intervista che accompagna il Quaderno CMC Edward Burtynsky, la maggior parte delle domande sono pertinenti e le risposte del fotografo articolate e sagge. Al di la della posizione molto equilibrata sulla questione ambientale, mi è particolarmente piaciuta l’onesta intellettuale nel descrivere certi aspetti agli inizi della sua carriera:

Neanche mia madre ci credeva: quando all’inizio degli anni ’80 mi sono girato il Nord America a fotografare le miniere mi diceva:”chi potrebbe mai voler comperare queste fotografie per appenderle in casa?”. E in effetti io non sapevo se prima o poi la gente avrebbe comprato le mie opere per appenderle sulle pareti e soprattutto non sapevo se avrebbero mai chiamato il mio lavoro “arte”.

Edward Burtynsky

Mi pare evidente che la creazione artistica sia, innanzitutto, una questione di passione. Immagino il giovane Edward Burtynsky girare per le miniere con la sua macchina tipicamente americana tutta polverosa e piena zeppa di materiale fotografico. Sono pronto a scommettere che lo faceva non tanto perché doveva scattare una nuova serie per la sua galleria a Londra, o perché doveva assolutamente trovare un’idea per creare una nuova ed originale opera d’arte, ma soprattutto perché gli piaceva. Sarà poi la posterità, o perlomeno il lavoro che si è accumulato nell’arco di una vita, a decidere che si tratti di arte o meno.

Una parte dell’intervista invece mi fa un po’ sorridere: quando si disquisisce sull’infinita ricchezza di dettagli delle fotografie fatte col banco ottico. Peccato che le stampe viste a Paris Photo un paio di anni fa fossero abbastanza deludenti da questo punto di vista, tirate troppo grandi per avere appunto la ricchezza dettaglio che meriterebbero.

I sensi di colpa del voyeur, ovvero “antichambre avec vues” di Elene Usdin

Fabiano Busdraghi — Wed, 04 Apr 2012 13:03:36 +0000

© Elene Usdin
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Giusto di fronte a keyhole di Erwin Olaf, un’altra galleria di Art Paris espone un’installazione che supera la tipica bidimensionalità fotografica: antichambre avec vues d’Elene Usdin.

In fondo allo spazio dedicato alla galleria Esther Woerdehoff infatti, è stata costruita un’intera stanza all’interno della quale sono disposti vari oggetti e fotografie. Elene Usdin, prima di diventare fotografa e illustratrice, ha studiato arte decorativa, formazione che si riflette nel suo lavoro successivo. Elene Usdin costruisce quindi buona parte dei decori, degli abiti e degli accessori che utilizza nelle sue fotografie. In questo caso sono esposti insieme alle stampe proprio alcuni degli oggetti utilizzati nelle fotografie, il tutto realizzato con estrema cura.

© Elene Usdin
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La sensazione è che di fatto per Elene Usdin l’opera artistica non si limiti alla fotografia in sé, gli oggetti e la loro realizzazione non sono dei semplici strumenti necessari unicamente al prodotto finale, al contrario tutto il processo creativo, nelle sue varie fasi e sfaccettature, costituisce nel complesso l’opera artistica. Ecco quindi che nella antichambre avec vues di Elene Usdin fotografie, abiti, decori, muri e tutta la stanza stessa, si trovano globalmente sullo stesso piano, in maniera indissociabile, costituendo appunto l’installazione artistica, intesa come opera nella sua totalità.

© Elene Usdin
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Si entra camminando su un lungo e soffice tappeto rosso, posato nel mezzo della morbida moquette blu a motivi floreali. La stanza stessa è tutta giocata nelle tonalità del blu e dell’azzurro: i pannelli con trompe-l’œil, le mura dipinte a tinta unita e la carta da parati che fa pendant con gli arabeschi della moquette.

Vari oggetti riempono la stanza: delle sedie e poltrone sulle quali sono posati degli abiti da altra epoca, ma con un tocco di fantasia moderna, valigie sovrapposte, lampade, pantofole e calzettoni, scrigni e cofanetti. La cura dei dettagli è stupefacente. Lungo le due pareti laterali sono invece esposte le fotografie di Elene Usdin.

© Elene Usdin
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Vari personaggi femminili -tutti autoritratti messi in scena- in posa in una camera d’hotel. antichambre avec vues nasce infatti come il seguito naturale della collaborazione iniziata con photo d’hôtel, photo d’auteur, un interessante progetto lanciato da HPRG: giovani fotografi emergenti vengono invitati a passare una notte in una stanza d’hotel, alla fine della quale dovranno scegliere un’unica fotografia e un testo ispirati dalla loro esperienza. Elene Usdin, cui è stata data carta bianca per la creazione della sua installazione, ha associato un personaggio famoso ad ogni stanza d’hotel in cui si è trovata: Giuseppina di Beauharnais all’Hôtel des Grands Hommes, George Sand a l’Hôtel Panthéon, Simone de Beauvoir a l’Hôtel Design Sorbonne, Isadora Duncan à l’Hôtel Jardin de l’Odéon e infine Juliette Récamier a La Belle Juliette. La serie di fotografie è quindi costituita dagli autoritratti di Elene Usdin, che immagina come queste cinque donne famose si sarebbero comportate nell’intimità della camera d’hotel che è stata loro attribuita.

© Elene Usdin
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I personaggi delle foto di Elen Usdin, sono ripresi per lo più sul letto della loro camera, o su di una poltrona, a volte in situazioni incongrue e vagamente ironiche, come l’imperatrice Giuseppina, la poltrona su cui è quasi sdraiata, posata sopra al letto dalle lenzuola immacolate. Quasi tutte stanno dormendo, o perlomeno si trovano in posizione allungata, anche se spesso fanno vagare le gambe in posizioni curiose, quasi si annoiassero e manifestassero il proprio languore giocando col proprio corpo.

© Elene Usdin
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Quello della gambe in movimento è anche il tema del video in stop motion intitolato les Impatiences, che è il nome popolare usato in francese per la sindrome di Ekbom. Nella parete centrale della camera ricostruita in antichambre avec vues infatti non ci sono fotografie, il tappeto rosso conduce dritto ad una porta, nella quale sono praticati due fori, un po’ come nei film erotici a sfondo voyeuristico. Dietro a questi viene proiettato appunto il video les Impatiences di Elene Usdin.

[C'é un video che non può essere mostrato in questo feed.Visita la pagina dell'articolo per poter vedere il video.]

Nei muri ai lati della porta sono praticate due fessure, bordate da una sottile cornice rossa. Dietro a queste sono esposte due fotografie di nudo, sempre tratte dalla serie di autoritratti di Elen Usdin ambientati nelle camere d’hotel. La posa è decisamente classica, ricordano le cartoline erotiche della belle époque, allora considerate come immagini puramente pornografiche mentre oggi farebbero quasi sorridere. Eppure, mentre guardo attraverso la fessura nel muro, mi sento proprio come un voyeur da film di una volta, con un misto di eccitazione vagamente morbosa e sensi di colpa, come se il cinema, internet, le pubblicità e soprattutto le mostre di fotografia non contenessero fotografie infinitamente più osé di questa. Faccio vagare lo sguardo sulle gambe nude, il deretano in bella mostra, la fessura del sesso e mi sembra proprio di fare qualcosa di estremamente trasgressivo, mi sento esattamente come immagino si sentissero i nostri nonni e bisnonni di fronte a fotografie come questa.

© Elene Usdin
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Inizio a pensare che il fatto di guardare attraverso un foro sia qualcosa che risuona con prepotenza con il mio modo di sentire, oltre al recente keyhole di Erwin Olaf, mi viene subito in mente l’esperienza con le autochrome alla mep. Come se in tutti questi casi potessi guardare attraverso un’apertura su un altro mondo, in senso quasi psichedelico. Idea di cui non sono il solo a subire il fascino, tanto per citare l’esempio più famoso, non a caso i Pink Floyd in the wall chiedevano ripetutamente “C’è qualcuno là fuori?”. Come se di fatto i fori sfruttati come stratagemma espositivo, potessero veramente proiettarci in una realtà diversa, in un mondo altro, al di fuori della sfera esistenziale corrente.

© Elene Usdin
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Il semplice espediente della fessura, il modificare quello che è il modo di guardare, trasforma in maniera prepotente tutta la percezione fotografica. Un’immagine che forse non mi avrebbe colpito in modo particolare, si trasforma invece in un’esperienza molto più vasta e complessa. È in atto una vera e propria trasfigurazione della fotografia. Il fatto di inserire un’immagine fotografia in un’opera tridimensionale, in un’installazione artistica, ne riscrive completamente le modalità di fruizione, rendendo l’esperienza visiva molto più completa e potente, immergendoci non solo fisicamente e soprattutto emotivamente nel cuore di un’opera artistica.

© Elene Usdin
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Le analogie con quello che l’esperienza vissuta con keyhole di Erwin Olaf è evidente. In entrambi i casi si tratta di guardare attraverso un’apertura, che sia il buco della serratura o il foro di un voyeur poco importa. Le due opere sono praticamente gli unici esempi di esposizione fotografica presente ad Art Paris che va al di là della classica esposizione bidimensionale. In entrambi i casi la riscrittura della modalità visiva si è tradotta in una forte risposta emotiva da parte mia, in cui il senso di colpa è uno degli elementi principali. Cosa sicuramente voluta, visto che le due installazioni giocano sui temi estremamente vicini di vergogna e voyeurismo.

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La cosa divertente è che nel grande padiglione di Art Paris, la galleria Rabouan Moussion che espone keyhole di Erwin Olaf e la galleria Esther Woerdehoff che espone antichambre avec vues sono praticamente una di fronte all’altra. Mi viene subito in mente un caso analogo, quando a Paris Photo sex di Atta Kim e coït di Frédéric Delangle erano esposti praticamente dirimpetto. Eppure in questo caso, oltre alle considerazioni sempre valide citate ne l’ironia del nuovo, vale la pena sottolineare che -al di là delle analogie- sebbene le due installazioni esplorino temi vicini, il risultato, il messaggio, la realizzazione visiva, sono completamente diverse. Nessunissima impressione quindi di ridondanza, le due installazioni sono perfettamente complementari. In ogni caso, uno dei maggiori interessi dell’arte contemporanea, è appunto vedere dove approdano due artisti diversi intenti a lavorare sullo stesso tema.

Per ulteriori informazion su antichambre avec vues, oltre al sito di Elene Usdin, si visiti l’annuncio della mostra sul blog HPRG.

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