Заглавное фото: Сцена из спектакля «Пять вечеров»- photo © Deda Sasha

Хрупкость иллюзий и цена обмана
Александр Володин на израильской сцене. «Пять вечеров» в театре «Лестница» — попытка разбить капсулу времени и исследовать саму природу лжи.
Тель-Авив, театр Нико Нитая | 25 июня и 30 июля 2026 года, 19:30

Независимый театр «Лестница» вновь представляет спектакль «Пять вечеров» по знаменитой пьесе Александра Володина. Новые показы пройдут 25 июня и 30 июля на сцене театра Нико Нитая в Тель-Авиве.
Эта постановка обрела жизнь благодаря разрешению сына драматурга, Владимира Лифшица, живущего в США. После 2022 года он ограничил право на исполнение произведений своего отца на территории России, однако для израильской труппы сделал исключение, дав не просто официальное согласие, но и теплое творческое напутствие.

Сцена из спектакля «Пять вечеров» — photo© Lev Gelfand

Режиссер спектакля Григорий Кофман (Берлин) смотрит на володинский текст, написанный в 1959 году, не сквозь призму сентиментальной советской мелодрамы, а как на жесткий исторический диагноз. 1959 год — это условная точка «оттепельного» покоя, хрупкое затишье, наступившее после глобальных катастроф первой половины века, сталинского террора, репрессий и войны. Кофман, родившийся в Ленинграде в том же 1959 году и окончивший тот же Технологический институт, где когда-то учились володинские персонажи, определяет ту эпоху как иллюзию благополучия, за фасадом которой скрывались глубокие, еще не зажившие травмы общества.

Для режиссера этот спектакль стал попыткой разбить «капсулу времени», преодолеть консервирующую ностальгию и вытащить из-за глянцевого советского интерьера живое, страдающее человеческое лицо. В постановке нет стремления досконально воссоздать советский быт ради узнаваемых деталей. Напротив, авторы обнажают внутреннюю суть сюжета, благодаря чему сценическое пространство превращается в пронзительную метафору одиночества.

Художник-постановщик Михаил Карягин намеренно отказался от бытописательства и буквального воспроизведения ленинградской коммуналки. Визуальный мир спектакля выдержан в строгой, почти монохромной гамме. На сцене главенствует серый — подлинный оттенок послевоенной изношенности, ленинградского зимнего неба, усталости, безнадежности и исторического оцепенения. Вся сценография строится на тончайшей игре этих нюансов, безошибочно передающих внутреннее состояние героев. Подобная серая партитура становится главным визуальным камертоном повествования о любви, обмане, затаенных желаниях и неслучившемся счастье.

Сцена из спектакля «Пять вечеров» — photo © Deda Sasha

Пространство в этих застывших в срезе времени «Пяти вечерах» организовано минималистично: условная стена, окно, очертания квартиры. Весь интерьер и плотность володинской атмосферы воссоздаются за счет простых, но символичных вещей. Обычная белая простыня становится здесь главным элементом трансформации — она превращается то в скатерть, то в двери, то в обеденный стол или постель. Этот самостоятельный, лаконичный образ остро подчеркивает хрупкость, незащищенность и временность человеческого пристанища в скудном послевоенном мире.

Одна из главных осей спектакля — радикальное изменение восприятия времени и возраста. По сюжету главным героям — Ильину (Руслан Барабанов) и Тамаре (Анна Гланц-Маргулис) — всего по 36–37 лет. По современным меркам это молодые люди в самом расцвете сил. Однако за их плечами — война, блокада и семнадцать лет разлуки. Трагедия этого поколения заключалась в том, что к своим тридцати пяти годам они были внутренне выжжены и изнурены настолько, что чувствовали себя стариками, доживающими век и утратившими надежду. Встреча через много лет становится для них настоящим шоком: вопреки внутреннему оцепенению, она буквально реанимирует их способность чувствовать, желать и надеяться.

Параллельно спектакль исследует сдвиг в отношениях между поколениями. Структура советской семьи 1950-х годов предполагала жесткую внутреннюю иерархию и строгую бытовую дисциплину. Отношения между Тамарой и ее племянником Славиком (Илья Иванус) строится на глубинном послушании, подчинении младшего старшему, которое являлось органической частью кодекса выживания. С дистанции сегодняшнего дня очевидно, что такая модель в наши дни невозможна, и современный зритель видит на сцене архетип ушедшей эпохи, где послушание было единственной доступной формой защиты близких.

Сцена из спектакля «Пять вечеров «- photo © Lev Gelfand

Особое место в концепции Григория Кофмана занимает исследование самой природы лжи. Главный герой, Ильин, возвращается в город своего прошлого и начинает изобретать вымышленную, преувеличенно успешную биографию главного инженера, скрывая свою реальную работу шофера. Володинский текст исследует разницу между бытовым, подлым враньем и экзистенциальной необходимостью скрывать правду. Перед нами разворачивается сложнейшая этическая дилемма: Ильин лжет не из корысти или трусости, а из глубокого чувства собственной уязвимости. Его обман — это защитная броня, отчаянная попытка спасти остатки человеческого достоинства в мире, который ломает человека через колено. Это ложь во спасение другого от унизительной жалости, и в то же время — точный диагноз эпохи, где говорить правду о себе было смертельно опасно. Спектакль исследует, как этот вынужденный обман едва не доводит Тамару до крайностей, ставя её перед мучительным выбором между столь удобным вымыслом и столь суровой реальностью.

Исполнитель роли Ильина — Руслан Барабанов, выпускник легендарной мастерской Вениамина Фильштинского. Он более пятнадцати лет проработал в труппе БДТ имени Товстоногова — того самого театра, где в 1959 году состоялась историческая премьера «Пяти вечеров» в постановке Георгия Товстоногова. Огромный опыт Барабанова и его укорененность в этой великой театральной традиции удивительным образом рифмуются с контекстом независимой израильской сцены, где володинский текст очищается от советского сентиментализма и превращается в актуальный, живой разговор о человеке в безжалостном потоке истории.

Сцена из спектакля «Пять вечеров» -photo © Deda Sasha

В этом спектакле заметна слаженность актерской игры — сложно кого-то выделить отдельно, настолько артисты зависят друг от друга, работая как единый, слаженный организм. Кажется, что они даже дышат в одном ритме.
Однако нельзя не сказать об Анне Гланц-Маргулис — без неё этого проекта просто не было бы. Она его позвоночник, стержень, руководитель, и, в какой-то степени, движущая сила. Она же исполняет главную роль — Тамары, которая в её исполнении предстает женщиной, поначалу замкнутой, прячущейся в саму себя от ударов судьбы. Но благодаря этим пяти + вечерам (в спектакле шесть вечеров, –но это уже спойлер), она раскрывается, словно бабочка, вылупляющаяся из кокона одиночества и забот. Тамара превращается в желанную, любящую женщину, идущую к своей цели и сбрасывающую свои серые покровы. Тамаре в исполнении Анны Гланц-Маргулис удается преодолеть саму себя. И когда это случается, в действии спектакля происходит перелом: зрители вместе с персонажами начинают верить в то, что чудо сближения и чудо любви обязательно случится.
Впрочем, все актёры в этой постановке абсолютно убедительны. Но женщины — это всегда женщины, поэтому нельзя не отметить Дану Кучеровскую и Александру Макарскую, исполняющих роли Зои и Кати. Они играют настолько точно и верно, что веришь: их героини могли быть только такими. Дане и Александре удалось воссоздать характеры и типажи конца 1950-х годов — эпохи, которую они сами не знали и не могли знать, родившись намного позже. Но им и их персонажам веришь абсолютно.

Действующие лица и исполнители:
Ильин: Руслан Барабанов
Тамара: Анна Гланц-Маргулис
В спектакле участвуют: Дана Кучеровская, Михаил Лернер, Александра Макарская, Илья Иванус.

Постановочная группа:
Режиссер: Григорий Кофман
Художник: Михаил Карягин
Световое решение: Михаил Чернявский, Инна Малкина
Музыкальное оформление: Григорий Кофман, Михаил Суд
Автор проекта: Анна Гланц

Даты: 25 июня и 30 июля 2026 года, 19:30
Место проведения: Театр Нико Нитая, ул. Тель-Гиборим, 5, Тель-Авив
Заказ билетов по телефону: 054-633-6334 или онлайн: https://bit.ly/5vecherov
Театр «Лестница» в Facebook: facebook.com/profile.php?id=61584656456588

Текст — Маша Хинич. Фото: © Lev Gelfand, © Deda Sasha.

Верхнее фото: Гай Минтус. Photo by Yossi Zwecker

Особый праздничный концерт по поводу завершения нынешнего сезона Большой симфонической серии в Центре сценических искусств в Герцлии пройдет 28 июня 2026 года. Гостем концерта станет знаменитый пианист-виртуоз, композитор и импровизатор Гай Минтус.
В концерте примет участие Хайфский симфонический оркестр под руководством маэстро Амоса Тальмона.

Этот концерт представляет джазовую традицию сквозь призму академической перспективы, демонстрируя, как музыкальная свобода по-разному проявлялась сто лет назад в совершенно разных странах.
В концерте прозвучит темпераментная «Кубинская увертюра» Джорджа Гершвина, написанная после его поездки в Гавану в 1932 году. Композитор был настолько очарован местными уличными ансамблями, что привез в Нью-Йорк полный арсенал традиционных кубинских ударных инструментов - маракасы, бонго, гуиро, клаве. Хайфский симфонический оркестр воссоздаст карибские ритмы, словно перенося слушателя на оживленные латиноамериканские площади.

Связующим звеном музыкального диалога станет «Сердце» (на иврите - «Лев») - короткое, импульсивное сочинение израильского пианиста и композитора Гая Минтуса. Гай Минтус исполнит фортепианную партию в собственном произведении и в знаменитой Rhapsody in Blue Джорджа Гершвина.
Второе отделение вечера, в котором целиком будет исполнена Джазовая сюита № 2 Дмитрия Шостаковича, перенесет слушателей на противоположную сторону планеты.
Ноты этой сюиты, написанной в 1938 году для Государственного джаз-оркестра СССР во главе с Виктором Кнушевицким (старшим братом знаменитого виолончелиста Святослава Кнушевицкого), были утеряны в годы Великой Отечественной войны. О дальнейшей судьбе произведения существуют разные свидетельства, но то, что мы теперь знаем под имением Второй джазовой сюиты (включая всемирно известный «Вальс № 2», прославившийся благодаря тому, что Стэнли Кубрик использовал его в своем кинофильме «С широко закрытыми глазами»), скорее всего, было скомпоновано Шостаковичем в послевоенное время.

Амос Тальмон. Photo by Lev Gelfand

«Этот год стал крайне тяжелым из-за двух витков войны с Ираном, - говорит руководитель серии маэстро Амос Тальмон. - Тем не менее, нам удалось провести пять программ благодаря двум симфоническим оркестрам - Иерусалимскому и Хайфскому. И конечно же благодаря поддержке слушателей, приходивших в зал даже в дни крайнего напряжения. Поэтому я с нетерпением и оптимизмом жду финального вечера этого сезона, который состоится в Центре сценических искусств в Герцлии».

Пианист-виртуоз, композитор и импровизатор Гай Минтус – один из самых ярких новаторов современной израильской и международной сцены. Авторитетное американское джазовое издание DownBeat дает его искусству восторженную оценку: «Его смелые переосмысления каждого трека возносят слушателя к вершинам, с которых эти мелодии открываются словно впервые». А газета The New York Times отмечает: «Минтус сливает воедино разнородные интонации и ритмы с таким совершенным изяществом, что можно подумать, будто все они зародились в одном и том же месте».
Минтус - обладатель престижных наград, среди которых Премия имени Леонарда Бернстайна, вручаемая за выдающиеся достижения в академической музыке, и приз зрительских симпатий конкурса пианистов на джазовом фестивале в Монтрё (Montreux Jazz Festival). Он одинаково свободно чувствует себя в самых разных амплуа. Как классический солист Минтус регулярно сотрудничает с крупнейшими европейскими коллективами. В его послужном списке - выступления с Симфоническим оркестром Пражского радио в историческом зале Сметаны в Праге, а также масштабный проект с Оркестром Западногерманского радио (WDR) в «Концертхаусе» (Дортмунд). Там Минтус представил публике свою оригинальную версию Тройного концерта Бетховена - смелый эксперимент, соединивший строгую классическую оркестровку великого немца с живой, сиюминутной джазовой импровизацией.

Гай Минтус. Photo by Yossi Zwecker

Гай Минтус активно гастролирует по всему миру и со своим джазовым Guy Mintus Trio. Коллектив получил международное признание благодаря уникальным трактовкам классического наследия. Их альбом «A Gershwin Playground», выпущенный на авторитетном немецком лейбле ENJA Records, стал важным событием в мире современного джаза, перевернув привычные представления о том, как могут звучать стандарты Джорджа Гершвина в XXI веке. Музыкант выходил на такие культовые сцены мира, как «Карнеги-холл» и «Линкольн-центр» в Нью-Йорке, «Кеннеди-центр» в Вашингтоне, «Театро Массимо» в Палермо и, конечно, на престижные сцены в Израиле.

*****

8-й концерт Большой Симфонической серии
28 июня 2026, 20:00. Центр сценических искусств в Герцлии
Хайфский симфонический оркестр
Дирижер - Амос Тальмон
Солист - Гай Минтус (фортепиано)
В программе:
Джордж Гершвин. «Кубинская увертюра»
Джордж Гершвин. Rhapsody in Blue
Гай Минтус. «Сердце»
Дмитрий Шостакович. Джазовая сюита № 2
Заказ билетов - в кассе Браво: https://best.kassa.co.il/announce/86324

Парковка на территории Центра для посетителей концерта бесплатная

Текст: Маша Хинич
Фото: Лев Гельфанд, Йоси Цвекер
Пиар-агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting

Заглавная иллюстрация: Художественные проекты - Карина Люмьер, куратор Эля Коэн (Фотографии Алекса Пергамента)**

Искусство и коллаборации на Кременицки. Ярмарка искусств и дизайна «Свежая краска» (Fresh Paint) 2026 в Тель-Авиве
24–29 июня 2026 года
Технический центр «Кременицки» **

Совместно с муниципалитетом Тель-Авива - Яффо
При поддержке финансово-страховой группы Harel и международной страховой компании ZURICH

[caption id=“attachment_54006” align=“alignnone” width=“620”]Работа Ури Клосса (“Теплица”)[/caption]

«Теплица» для независимых художников («хамама)
Как и каждый год, 47 художников, участвующих в «Теплице», прошли строгий профессиональный отбор, включавший оценку независимой приемной комиссии и личные интервью с кураторами ярмарки - Ифат Гурион и Раз Шапира.
В состав отборочной комиссии 2026 года вошли:

• Ирис Ницан Авиви - руководитель направления искусства в Фонде Эдмонда де Ротшильда;

• Д-р Шахар Фредди Кислев - художник;

• Матан Орен - директор центра «ТЛВ Тарбут» в Кирьят ха-Млаха;

• Моника Лави - генеральный директор и главный куратор Музея искусства Готтесмана;

• Сиван Сабаг Зеленски - филантроп и арт-предприниматель;

• Саша Сербер - художник и лектор;

• Шахар Молхо - куратор современного искусства в Тель-Авивском музее изобразительных искусств.

Художники «Теплицы» 2026:
Игорь Микуцкий, Ольга Стаднюк, Ори Клосс, Ури Шарон, Ор Шарблис Ход, Эли Шпильман, Алек Ваксман, Амир Коэн, Анхель Хай Арвив, Эфрат Липкин, Белла Хавацкин, Далит Лапид, Дана Танхаузер и Йоав Фиш, Даниэль Артель, Дафна Амира, Хадар Реувен, Валерия Ганзман, Вероника Федорова, Зив Бальбирский, Таль Дотан, Таль Хагай, Талия Сиван, Лилах Сегал, Лири Сандель, Мирьям Драт, Михаил Иванов, Михаль Алькалай, Михаль Яари, Мика Чесно, Мария Фейгин и Гайя Блури (Студия Yarentak), Наталья Волкова, Ной Азури, Ноа Цур, Ноам Амар, Ноам Кобиси, Ноам Решеф, Наама Пелег, Саша Никитина, Идо Маром, Эйнав Цайхнер, Роми Коэн Нордман, Рони Биндер, Шелли Браун, Шелли Бергер, Шай Коэн Арбель и Шири Розенберг.
Все участники представят законченные оригинальные серии работ, большинство из которых были созданы специально для ярмарки.
В пространстве «Теплицы» будут демонстрироваться видеовизитки, созданные для художников-участников. Этот проект объединяет визуальное искусство, израильское виноделие и гастрономию при поддержке винодельни Teperberg и в сотрудничестве с журналом «Портфолио».

На входе в секцию «Теплицы» будет представлена выставка Премии Израиля Макова для перспективных авторов. Лауреат премии 2025 года Шломит Гофер покажет свою новую персональную экспозицию (куратор - Раз Шапира).

Рядом с «Теплицей», при поддержке Harel и ZURICH, откроется тройная выставка «Львицы» (кураторы - Ифат Гурион и Раз Шапира). Три художницы представят проекты, созданные как отклик на события 7 октября, каждая через призму своего женского и материнского опыта:

• Гефен Баркаи создала десятки миниатюрных копий сгоревших домов из своего родного кибуца Гвулот.

• Селия Коэн написала реалистичные портреты матерей похищенных израильтян.

• Амира Лев перерабатывает тревогу матери, чей сын воюет в Газе, через трудоемкие, почти сизифовы художественные техники.

[caption id=“attachment_54008” align=“alignnone” width=“620”]Свежий дизайн - Михал Тахарлев (Фотография - Айя Винд)[/caption]

**
Свежий дизайн (Ицув Тари)**
Участников этой секции отобрали Ифат Гурион и Таль Голани (куратор и руководитель направления дизайна Fresh Paint) при участии экспертного совета: Майи Дваш (куратор и исследователь культуры), Галит Гаон (руководитель программы кураторства в дизайне в колледже Шенкар), Лиоры Розин (дизайнер, куратор и лектор академии Бецалель) и Лирон Шварц-Гилат (заместитель генерального директора по дизайну и продажам компании Tollman’s).
В этом году в секции дизайна примут участие 50 дизайнеров на 34 стендах. Будут показаны специальные коллаборации, премьеры предметов интерьера и лимитированные коллекции в самых разных материалах: текстиль, керамика, стекло, освещение, дерево и др. Около половины участников - молодые авторы, выставляющиеся на ярмарке впервые, часть из которых окончили обучение только в прошлом году.

[caption id=“attachment_54005” align=“alignnone” width=“620”]Ави Бен-Шошан и Тамар Айзенберг, лауреаты премии Цви Йемини в области дизайна (фото Омера Фридмана).[/caption]

Премия имени Цви Йемини в области дизайна
В 2026 году впервые вручается новая премия, созданная для поощрения инноваций и оригинальных идей в израильском дизайне. Она включает денежный грант в размере 30.000 шекелей, кураторское сопровождение, личный менторинг от изобретателя и предпринимателя Цви Йемини, а также отдельный выставочный стенд на ярмарке.
Первым победителем стал проект Plaid (Тамар Айзенберг и Ави Бен-Шошан) - модульная система форм для литья керамики. Она позволяет создавать самые разные трехмерные объемы - от утилитарных предметов до пространственных арт-объектов, переосмысляя традиционные промышленные методы и подчеркивая саму структуру соединений.

Павильон Design Art
Еще одна премьера года - павильон Design Art, посвященный уникальным коллекционным предметам на стыке искусства и дизайна, выпущенным в единственном экземпляре или строго ограниченным тиражом. Здесь представлены около 20 авторов:

• Яаков Кауфман - серия кожаных масок из одинаковых прямоугольных кусков, создающих разные образы-лица.

• Альби Царфати (Aqua Creations) - настенный светильник с многоцветными отражениями и журнальный стол, ведущий материальный диалог с керамикой Мааян Бен-Йоны.

• Галь Гаон - кресло ‘Pebble’ и скульптура ‘Big Bird’, сочетающие природные формы с архитектурной монументальностью.

• Ирена Гольдберг - кофейные столы ‘Dahlia’, соединяющие геометрическую графику и художественные материалы.

• Эрез Нави Пана - проект «Шелк мира» (Peace Silk), текстиль из коконов, которые шелкопряд покинул самостоятельно - этичная альтернатива шелковой промышленности.

• Гил Шмерлин - алюминиевые структуры, исследующие композиции света и цвета, меняющиеся при движении зрителя.

• Dell’Ariccia Leibovitz Architects - стол из серии Piramide (дуб и стекло), исследующий баланс между весом и иллюзией парения.

• Адир Якоби - функциональные объекты Ancient Future , соединяющие архаичные скульптурные формы из глины с современной обработкой.

• Йони Чечик - серия световых скульптур ‘Raw Lamps’, сочетающая необработанный камень (Dragon Stone) с чистыми световыми сферами.

• Рахель Лапидот и Саги Маман (Seek Love) - предметы из серии «Флюидная мебель», изучающие границу между телом и вещью.

• Джой Горовиц - текстильный проект «Сквозь ткань», построенный на абстрактных цветовых полях (сочетание цифровой и трафаретной печати).

• Гилат Блум - текстильная инсталляция из вертикальных канатов, соединяющая ручное плетение и архитектурную форму.

• Тамар Никс - трехмерный текстильный объект в виде вязаной спиральной колючей проволоки, превращающий символ преграды в мягкий домашний предмет.

• Элия Блох - стеклянная скульптура, имитирующая завернутую в ткань картину, исследующая тему защиты и скрытой памяти.

• Студия Yarentak (Мария Фейгин и Гайя Блури) - монументальный тафтинговый ковер, вдохновленный эстетикой кружева и мягкой женственностью.

• Студия fe (Мики Ман) - эксклюзивная коллекция коллекционной металлической мебели (консоли и скульптурный свет).

• Ноам Довер и Михаль Цедербаум - стеклянные объекты, созданные методом выдувания в горячие формы, на стыке ремесла и цифрового моделирования.

• Талия Ловатон - серия кожаных сосудов ‘TRACE’, переносящая контуры женского тела в аморфные формы методом ручного натяжения кожи.

• Камеа Дивон х Адам Шлеви - гибридные стеклянные сосуды, выдуваемые в формы из стекла, вырезанные гидроабразивным методом.

• Даниэль Эликаям - серия керамических объектов ‘Wrinkled’, ставящая под сомнение идеалы безупречной красоты через эстетику изъяна.

• Веред Тендлер Даян и Эли Элишар - работа «Старое - это новое новое», объединяющая глину и натуральную люффу в контексте экологии.

• Ходая Бен Элияху - серия стеклянных кубков и флаконов в форме клубники, выдуваемых прямо в формы из настоящих ягод.

[caption id=“attachment_54007” align=“alignnone” width=“620”]Свежий дизайн — Павильон Друзей Центра Эдмона де Ротшильда (фото справа налево: Майкл Швадрон, Галь Коплик, Нета Коэн)[/caption]

Коллаборации с институтами культуры и академиями
В зоне дизайна в этом году представлены три крупных проекта:

1. Павильон выпускников Центра Эдмонда де Ротшильда: Новые работы трех авторов, получивших гранты на производство коллекций. Галь Коплик исследует изгибы и движение; Амит Наор представляет функциональные музыкальные инструменты из керамики; Ори Шифрин Анави разрушает границы между дизайном и скульптурой нетрадиционными техниками.

2. Кафедра дизайна текстиля колледжа Шенкар: Павильон выпускниц, где Алиса Андерсон работает с шерстяным волокном, Нофар Торен сочетает ткачество и шелкографию, а Реут Цукербергер использует промышленное вязание и 3D-печать.

3. Программа Made in Bezalel (Академия Бецалель, Иерусалим): Проект Эден Зейтун посвящен культуре одноразового пластика; Юли Дар создала серию трансформируемых колец; Дана Бернхард представляет инсталляцию из консервных банок в виде шпрот, а Асаф Ир Шай и Нога Кемхаджи - проект воздушного змея с посланием небу.

Также в павильоне дизайна 2026:

• Serge Tiroche Contemporary совместно с Vintagerie Jaffa впервые в Израиле представляют масштабный павильон ‘Mid Century Art & Design’: оригинальная винтажная мебель 1950–70-х годов (коллекция Амита Канфи, преимущественно Скандинавия) в диалоге с израильским абстрактным искусством того же периода (Леа Никель, Ори Райзман, Ицхак Данцигер, Моше Купферман, Рафи Лави). Здесь же дебютирует ручная керамика Ора Шломо Дахана.

• Ариэль Цукерман - новая тотемная версия коллекции модульного света OR и премьера графической серии ‘Pythagoras’.

• Давид Шац - дебютная коллекция бренда Bala : лаунж-мебель из цветных ПВХ-лент, сплетенных вокруг поролона (вдохновлено агрокультурой).

• iota - коллекция Rope Collection’ переносящая промышленный альпинистский канат в плоскость домашнего и уличного текстиля.

• Михаль Тахарлев - сосуды из тысяч слоев ткани, вырезанных лазером и сшитых в 3D-структуры.

• Ноам Киш и Сима Гил (Студия Simonu) - фарфоровые объекты с ручной росписью.

• Студия Нира Меири - минималистичные светильники из актуальных современных материалов.

• Студия NOV (Ади Эзер и Йотам Шифрони) - кинетический свет, формой которого может управлять сам зритель.

• Шауль Коэн - концептуальный проект «Сувенирная лавка для страны без туристов».

• Роза Рахели Файерман и Гриша Зилбер - серия стеклянных светильников «Прозрачные» в виде облаков и звезд.

• Шира Керет (Ceremonials) - современная иудаика в рамках проекта «Ритуальные предметы».

• Авив Мор Йосеф - серия напечатанных на 3D-принтере объектов с уникальной пластикой материала.

• Гай Джана - керамика, навеянная цветением в приграничных с Газой районах ( Отеф Аза), как символ надежды и исцеления.

• Дуду Дахан (Студия Цруфим) - проект «Рыбная лавка», скульптуры из меди, дерева, керамики и сеток.

• Рони Сассон и Шир Шараби (Зе Нияр) - вазы из бумаги и натуральных пигментов.

• Лирон Йосеф (Room of Ceramics) - настольные скульптуры-трансформеры из глины.

• Мэй Орен Кан (monc) - минималистичные керамические персонажи с элементами японского дизайна.

• Ноам Розенберг (Студия NoRo) - многослойные глиняные скульптурные формы.

• Студия NACHSHON - коллекция мебели 2026 года (модульные системы хранения, столы, диваны из стали, дерева и кожи).

• Иדו Янко Мербер (IYMD STUDIO) - авторская мебель, созданная под личные истории заказчиков.

• Эден Охана - мебель из переработанных промышленных элементов и остатков материалов.

• Омер Леви - геометрический воздушный свет из сварной сетки.

• Инбар Зар - минималистичные кинетические объекты.

• Перах Питерсе - светильники из ротанга с 3D-печатью и керамические держатели для украшений.

• Карин Койфман (kariniti) - прочные мешки для хранения из переработанной крафт-бумаги.

• Керем Камински (Студия JUDA) - современные защитные амулеты из кориана, стекла и металла.

• Юваль и Майя Таль (Студия Rack and Tack) - проект «Старый материал - новая форма» (эргономичная мебель для динамичных рабочих пространств).

• Студия Шаблуль - светильники из грунтоцемента (утрамбованной земли), ржавчины и стекла.

• Тамар Алон - светильники из ткани, окрашенной индиго с применением воска.

• PULP - интерактивный павильон Paper Playground совместно с иллюстраторами Ювалем Робичеком и Изхаром Коэном (огромные стены-раскраски, экспериментальные столы для графики от LAMY).

Особый проект: Зохар Лев Афтелон - керамистка из кибуца Беэри, чей дом был полностью сожжен 7 октября. Она представит серию фарфоровых кубиков-домиков ручной формовки, на которых напечатаны фрагменты воспоминаний (пейзажи Беэри, рисунки ее погибшего отца). Выставку сопровождает видеозапись сбора осколков на руинах. Куратор - д-р Зива Ялин.

• Проект TARTAN (Рахели Шарфштейн и Арит Гордон): Серия концептуальных зеркал с переплетенной структурой, трансформирующих окружающее пространство.

  [caption id=“attachment_54011” align=“alignnone” width=“620”] Художественные проекты — Симха Эвен Хен в галерее Lemon Frame (фотография Илана Амихая)[/caption]

Галереи и арт-проекты
В этой зоне представлены кураторские экспозиции, персональные и групповые выставки ведущих израильских галерей:

• Эля Коэн представляет два стенда: DIALOG X JOMO MUSEUM (диалог художников-репатриантов и коренных израильтян) и Liminality (персональная выставка Карины Люмьер, куратор - Серж Тирош).

• Шоши Чехановер - два пространства: персональный проект Рони Яффе (исследование израильско-еврейской ментальности через поп-культуру) и выставка «Отсюда и оттуда» (Асаф Цур и Яна Ступ совместно с Мерав Лави Бекин).

• Программа «Шемеш» (куратор - Пьяметта Мартаньи): Выставка «Девять голосов Юга» - работы художниц из приграничных регионов, посвященные теме психологической стойкости. Также Мартаньи курирует выставку «Аль-Бейти» (Зловещее/Недомашнее) авторов Орны Орен Израэли, Хагит Бен Якар Шехтер и Таль Гольдман.

• Тамар Ламдан и Кармит Шайн (Two Curators): Выставка Лирана Вардиэля «Ханейни» («Вот он я») - фигуративная геометрия и оригами.

• Ирис Эльханани и Михаль Рафаэли Кадури: Проект «Интимное пространство» (Анна Лукашевская, Роман Гульман и Фуад Агбария).

• Гили Ситон: Персональная выставка Йоава Бренера Realms Uncharted (трехмерные рельефные абстракции).

• Керен Гельман: Проект Матана Скопски - 162 автопортрета, созданных за 5 месяцев изоляции в студии (миф о Нарциссе).

• Михаль Красны: Выставка «Жизнь коротка, даже когда она длинна» (Тамар Грин, Мерав Коэн, Линой Ландау, Дрор Калиш).

• Михаль Шапира: Графика Рана Рохмана.

• Гай Перл (Галерея Энгель): Серия живописи «Море».

• Галерея Орит Вашди: Групповая выставка фотографии и ready-made (Томер Аппельбаум, Ницан Гилади, Дафи Хагай, Рони Мораг, Илан Пелед, Тали Рацкер).

• ZED Gallery (куратор - Кфир Зив): Выставка «Материальная культура» (живопись, скульптура, видеоарт).

• The L Gallery (кураторы - Катя Синицына и Илана Элада Мататов): Выставка Гиля Горена «Выбор видеть» (кинетические объекты и коллажи).

• Галерея Corridor: Работы Даны Коэн, Авинадава Бегина, Асафа Гама ха-Коэна, Таэра Джави и др.

• Галерея Lemon Frame: Сменяемая экспозиция (Симха Эвен-Хен, Хана Илан Юнас, Шули Борнштейн Вольф, Хен Сунго, Авнер Шер).

• Галерея современного искусства Mika: Работы Шарон Блу, Лео Рэя, Грегори Ваттена (трехмерные боксы с улицами Тель-Авива), Нира Хадара, Амира Старика.

• Галерея современного искусства Zemack: Коллективный стенд художников галереи.

• Центр гравюры Готтесмана (кибуц Кабри): Выставка оригинальных эстампов 2025–2026 годов «Свежее из-под пресса».

• Иерусалимская мастерская шелкографии (Сеדнат ха-Хадпас): Коллекция графики мастеров (Моше Гершуни, Ларри Абрамсон, Хила Лулу Лин, Асаф Бен Цви, Эти Абергель).

• Sheetrit & Wolf Gallery: Живопись и бумажная скульптура (Миша Рапопорт, Йосеф Бубкер, Кармель Илан, Элизабет Лекур).

• Шай Альфия и Томер Натаниэль Леви (Галерея SALT): Пространство в стиле яффской квартиры-галереи с работами авторов и коллекционным дизайном XX века (Гаэтано Пеше и др.).

Программа перформансов: Fresh Paint LIVE!
Каждый день на ярмарке будет проходить меняющаяся «живая» программа под кураторством Даны Херес. В ней задействованы артисты перформанса, танца, музыки и мультидисциплинарного искусства:

• В выходные на площадке выступят студенты колледжа Семинар ха-Кибуцим под художественным руководством Шахара Маркуса.

• Среди ключевых участников: Ярден Эликаям (перформанс массовой реанимации), Галь Левинсон (исследование границ вращения), Наама Зоар (интерактивная лаборатория плетения), Яфит Битон (сканирование траекторий движения аудитории), Ирит Штернберг (интуитивное рисование) и трио в составе Шани Авиви, Ширы Матусевич и Ротем Блутштейн с перформансом вокруг резервуара с водой.

  [caption id=“attachment_54009” align=“alignnone” width=“620”] Художественные проекты - Элла Озан. Кураторы: Йоад Бар Ной и Наама Клейман [/caption]

Особые спонсорские проекты

• smart (Кольмобиль): кВ уличной зоне ярмарки разместится урбанистическая инсталляция дизайнера Рахели Шарфштейн (Studio Reish), в которую интегрированы электромобили smart #3 и семейный smart #5.

• Тамбур: к 90-летию компании бренд совместно с ассоциацией «Выйти из коробки» представит масштабный арт-объект и коллекцию дизайнерских жестяных банок от ведущих иллюстраторов.

• HEDONISM: компания, отвечающая за конструкции ярмарки, инициировала создание функционального пространства отдыха. Объект строится в рамках еврейско-арабского сотрудничества художницей Рагад Суад и художником Асафом Гамом ха-Коэном (куратор - Яара Раз-Хаклаи).

Продажа билетов на Fresh Paint 2026 и на экскурсии по ярмарке уже открыта на официальном сайте https://www.freshpaint.co.il/

Всё иллюстрации предоставлены пресс-службой ярмарки «Свежая краска».
До встречи на ярмарке!

Верхнее фото: Юваль-Вайнберг. Photo © Lena-Semmelrogen

Израильский Вокальный Ансамбль под руководством дирижера Юваля Вайнберга представляет в июне программу, в центре которой находится произведение «Музыкальные похороны» («Музыкальное погребение» / Musikalische Exequien) Генриха Шютца, созданное в 1636 году. В дополнение к нему прозвучат мотет Иоганнеса Брамса «На что свет дан страдальцу?» (Warum ist das Licht gegeben dem Mühseligen), сочинение Miserere Джеймса Макмиллана и произведение Voluntas tua Георгия Стоянова. Хотя эти сочинения написаны в совершенно разные эпохи, все четыре ставят в центр человеческий дух и вопрос о том, как принять то, что невозможно принять. В этом раскрывается специфика хорового пения, сочетающего глубокие тексты с музыкой, затрагивающей струны души. Это музыкальный и духовный опыт, посвященный темам потери, веры, утешения и человеческому вопросу «почему?».
Концерты пройдут с 26 по 30 июня в Хайфе, Иерусалиме, Тель-Авиве, Раанане, а также в формате прямой онлайн-трансляции.

Юваль Вайнберг, дирижер и музыкальный руководитель Хора службы Радиовещания Штутгарта (Хора Радио Штутгарта) и Европейского молодежного хора Eurochoir, приезжает в Израиль уже третий сезон подряд и на сей раз представляет необычную программу:

Генрих Шютц (1585–1672) - «Музыкальное погребение», ор. 7 (Musikalische Exequien, op. 7)
Центральным событием программы является произведение Генриха Шютца «Музыкальное погребение» (Musikalische Exequien). Шютц, немецкий композитор раннего барокко, собрал стихи из Ветхого и Нового Заветов, посвященные смерти и утешению оставшихся, и написал в 1635 году сочинение, состоящее из переплетающихся хоровых и сольных партий. Оно предназначалось для заупокойной службы Генриха II, графа из города Гера (Gera) в центральной Германии. По сей день Musikalische Exequien считается одной из самых значимых жемчужин немецкого раннего барокко.
Программа включает три части произведения:
I. Наг я вышел из чрева матери моей (I. Nacket bin ich von Mutterleibe kommen)
II. Кто мне на небесах? (II. Herr, wenn ich nur dich habe)
III. Господи, ныне отпускаешь раба Твоего (III. Herr, nun lässest du deinen Diener)

Иоганнес Брамс (1833–1897) - Мотет ор. 74 № 1 «На что свет дан страдальцу?» (Warum ist das Licht gegeben dem Mühseligen)
Наряду с сочинением Шютца будет исполнено еще одно центральное произведение немецкого репертуара - мотет Иоганнеса Брамса, где используются слова из Книги Иова (3: 20–23). Брамс, знавший хор как инструмент, облекает слова Иова в драматическую музыку, в центре которой стоит вопрос «почему» («На что свет дан страдальцу и жизнь огорченным душею?»). Музыка Брамса несет утешение и надежду, а завершаются пять частей произведения хоралом, что является данью уважения Брамса мотетам И. С. Баха.

Джеймс Макмиллан (род. 1959) - «Помилуй меня, Боже» (Miserere)
Программа не ограничивается двумя духовными произведениями немецкой традиции. В этот раз ансамбль также исполнит Miserere («Помилуй меня, Боже, по великой милости Твоей») современного шотландского композитора Джеймса Макмиллана. Макмиллан - один из самых плодовитых и успешных авторов Британских островов. Он много пишет для хора, и его произведения исполняются по всему миру. Этот псалом получал музыкальное воплощение у разных композиторов в разные эпохи. Одним из самых известных является Miserere, написанное в XVII веке итальянцем Грегорио Аллегри исключительно для исполнения перед Папой Римским в Сикстинской капелле в Ватикане. Версия Макмиллана доступна, коммуникативна и эмоциональна. Его стиль - тональный и мелодичный, он сочетает древнюю традицию церковного письма с разнообразным использованием современных вокальных техник и вниманием к тексту.

Георгий Стоянов (болг. Георгий Стойнов, род. 1985) - «Да будет воля Твоя» (Voluntas Tua)
Четвертое произведение программы - Voluntas tua современного болгарского композитора Георгия Стоянова. Оно отсылает к «Страстям по Матфею» И. С. Баха и вопросу, который нередко задает каждый верующий: «Боже мой, Боже мой! Для чего Ты меня оставил?».
Четыре произведения разных эпох ставят в центр человеческий дух и вопрос, актуальнее которого нет: «Как можно принять то, что не укладывается в сознании? / Как принять то, что невозможно принять?». В этом заключается сила хорового пения, объединяющего глубокий текст и музыку, проникающую в душу.

Юваль Вайнберг - дирижер и музыкальный руководитель Хора Штутгартского управления вещания (Хора радиовещательной службы Штутгарта) и Eurochoir - Европейского молодежного хора. Вайнберг также является главным приглашенным дирижером Хора норвежских солистов и приглашается в качестве дирижера в профессиональные хоры Европы.
Юваль начал свою музыкальную карьеру в качестве певца в хоре «Ли-Рон» в Герцлии. После этого он изучал оркестровое дирижирование в Музыкальной школе Бухмана-Мехты в Тель-Авиве и хоровое дирижирование в Высшей музыкальной школе Ханса Эйслера в Берлине и Норвежской музыкальной академии в Осло. В последние годы он руководил проектами в качестве приглашенного дирижера Хора Шведского радио, Мюнхенского камерного оркестра, Collegium Bach Berlin и другими, а также регулярно приглашается дирижировать хором Баварского радио и хором Берлинского радио.

[caption id=“attachment_53986” align=“alignnone” width=“620”] האנסמבל הקולי הישראלי - צלם צור קוצר. Израильский Вокальный Ансамбль. Фото - © Цур Коцер[/caption]

Приглашенные музыканты (инструментальное сопровождение):
Авиад Штир - орган
Офира Заккай - теорба
Таль Арбель - виола да гамба

Расписание концертов - июнь 2026
Хайфа - Греко-мелкитский собор святого Илии (Церковь Мар Элиас): пятница, 26 июня 2026 года, в 12:00 дня.
Иерусалим - Шотландская церковь / Церковь Святого Андрея: суббота (на исходе субботы), 27 июня 2026 года, в 20:00.
Тель-Авив - Тель-Авивский музей изобразительных искусств (Тель-Авивский музей искусств): понедельник, 29 июня 2026 года, в 20:00.
Прямая трансляция - онлайн-зал: понедельник, 29 июня 2026 года, в 20:00.
Раанана - Городской центр музыки и искусств (Ха-Мишкан ха-Ирони ле-Музика ве-Омануйот): вторник, 30 июня 2026 года, в 20:00.

Билеты можно приобрести на сайте Израильского вокального ансамбля ivocal.co.il или по телефону 074-7012112
Страница в Facebook: https://www.facebook.com/TheNewIsraeliVocalEnsemble
Канал на YouTube: https://www.youtube.com/user/TheNIVE1

Фото предоставлено пресс-службой Израильского вокального ансамбля.

В воскресенье, 21 июня 2026 года в 20:00 в зале «Раппопорт» в Хайфе состоится реситаль пианиста Даниэля Чобану – лауреата серебряной медали Конкурса Рубинштейна 2017 года и любимца публики (это официальный статус!).

Даниэль Чобану – один из ярчайших исполнителей фортепианной музыки нового поколения. Внутренний голос и внешний звук: музыкальный диалог с собой и с миром – так можно сказать о Чобану, заявившем о себе на международной концертной сцене еще 10 лет назад, в 2016 году, когда он завоевал золотые медали на Международном фортепианном конкурсе UNISA в Южной Африке и Международном фортепианном фестивале BNDES в Рио-де-Жанейро. Год спустя он получил приз зрительских симпатий и серебряную медаль на конкурсе имени Рубинштейна в Тель-Авиве.

Выпускник Королевской шотландской консерватории, он прошёл через все сита мировых пианистических конкурсов. Переломной вехой, взлётом в его исполнительской карьере стал конкурс имени Рубинштейна, на котором выдающийся молодой пианист получил восторженные оценки жюри и публики. Помимо великолепной техники, жюри отметило его артистическую харизму, умение держать зал, устанавливать контакт с публикой.
После яркого выступления и восторженных оценок жюри и публики на Конкурсе имени Рубинштейна пианист получил целый ряд выгодных контрактов. Его профессиональный перфекционизм был особо отмечены специалистами и любителями музыки. Он выступает много и с огромным успехом, исполняет разнообразный репертуар – как классический, так и джазовый, элегантно переходит от тонкой лирики к юмору и делает это легко и весело. Его модный, современный, нескучный, живой стиль исполнения делают его востребованным у самой взыскательной аудитории. Нью-йоркский критик отмечал: «Чобану любит яркие аккорды. Немногие пианисты могут сделать звук «Стэнвея» столь же прекрасным».
Даниэль Чобану очень востребован сегодня на концертных площадках мира. Сам пианист так определяет собственный исполнительский стиль: «Коктейль из классики, леденцов и фейерверков фортепианной музыки».

Даниэль Чобану в 2010 году был принят в Королевскую шотландскую консерваторию. Все годы учебы пианист с успехом выступал на различных международных фортепианных конкурсах, среди них – конкурс пианистов в Мори (Шотландия), Международный конкурс в Бромсгрове (Великобритания), Международный конкурс пианистов имени Аделии Алиевой (Франция), Международный конкурс пианистов Андре Дюмортье (Бельгия) и Международный конкурс пианистов в Монрон-ле-Бене (Франция). Чобану выступал с симфоническим оркестром Королевской шотландской консерватории, Филармоническим оркестром Марокко и Королевским шотландским национальным оркестром.
Чобану также выступал в Карнеги-холле в Нью-Йорке, Эльбфилармонии в Гамбурге, Гевандхаусе в Лейпциге и Концертхаусе в Берлине, а также гастролировал по Японии, Китаю, Тайваню, Южной Африке и Бразилии. В сезоне 2020-21 он был объявлен первым приглашённым артистом Филармонического оркестра имени Джордже Энеску в Бухаресте на три сезона.

Концерт Даниэля Чобану организован Хайфским кружком камерной музыки.
Хайфский кружок камерной музыки (החוג למוסיקה קאמרית בחיפה /The Haifa Chamber Music Society‎) был основан музыкантами-любителями, иммигрировавшими в Эрец-Исраэль в 30-е годы прошлого века из Европы и обосновавшимися в Хайфе, на Кармеле.
Поначалу это были дружеские сходки и музицирование в домашнем кругу, но со временем круг их поклонников становился все шире, и в октябре 1949 года эти музыкальные встречи превратились в постоянные концерты. Так возник «Кружок камерной музыки в Хайфе».
Музыканты начали выступать в Бейт-ха-Рофе, позже — в зале колледжа Вицо, а после того, как в Хайфе был построен «Аудиториум» и музей имени Феликса Тикотина — концерты перенесли в их более просторные залы.
Выступления «Кружка камерной музыки» пользовались большой популярностью, при полном аншлаге, немалую часть слушателей составляла молодежь и дети-ученики музыкальных школ Хайфы.
В разные годы в составе ансамбля играли известные в Израиле и мире музыканты: Пнина Зальцман, Хаим Тауб, Узи Визель, Йонатан Зак, Жан-Пьер Рампаль, Иерусалимский квартет и другие.
«Кружок камерной музыки» дает в сезон порядка сорока концертов и сотрудничает с такими известными коллективами, как ансамбль «Солисты Тель-Авива», Израильский Вокальный Ансамбль, а также коллективы, исполняющие музыку в стиле барокко, — оркестр «Барокада», Иерусалимский оркестр барокко и другие.
Кружок проводит две серии камерной музыки. Концерты одной из серий проходят в в зале музея имени Тикотина, а второй — в зале «Раппопорт».

*****

Фортепианный вечер. Даниэль Чобану. Реситаль в Хайфе
Дата и время начала: воскресенье, 21 июня 2026 года, 20:00
Открытие дверей: 19:40
Адрес: Центр Раппопорта, проспект Ха-Наси, Хайфа, Израиль
В программе:
Константин Сильвестри (1913–1969). «Вакханалия»
Людвиг ван Бетховен (1770–1827).Соната для фортепиано № 14 до-диез минор, соч. 27 № 2, «В духе фантазии» («Лунная»)
Фридерик Шопен (1810–1849). Баллада № 1 соль минор, соч. 23
Эрик Сати (1866–1925). 3 гноссиены
Ференц Лист (1811–1886). Сонет Петрарки № 104 из цикла «Годы странствий», Второй год: Италия, S. 161/5
Ференц Лист (1811–1886). Мефисто-вальс № 1, S. 514

Заказ билетов: https://www.eventer.co.il/3klnf

Даниэль Чобану — photo © — Янник Гранмон (Yannick Grandmont). Снимок был сделан во время выступления румынского пианиста Даниэля Чобану на Международном конкурсе пианистов в Монреале (CMIM) в 2017 году. Фото предоставлено Haifa Chamber Music Society.

Фейсбук Хайфского кружка камерной музыки (החוג למוסיקה קאמרית בחיפה / The Haifa Chamber Music Society‎) https://www.facebook.com/profile.php?id=61566166994050.

Все фото и иллюстративные материалы предоставлены Иерусалимским фестивалем лирической оперы

Десять мер красоты были отпущены миру - девять из них, согласно Талмуду, достались Иерусалиму. В этом городе, который Иегуда Амихай поэтически назвал портом на берегу вечности, классическая музыка обретает особое, почти сакральное измерение. Иерусалимский фестиваль лирической оперы (Jerusalem Lyric Opera Festival), зародившийся как частная инициатива, за годы своего существования превратился в традицию и стал одним из ключевых элементов летней культурной карты Израиля. В этом году фестиваль пройдет с 26 по 30 июля.

Основанный в 2019 году благодаря усилиям пианистки, исследовательницы итальянской оперы и преподавателя Высшей Академии музыки Еврейского университета д-ра Софии Мазар, фестиваль отмечает в нынешнем сезоне свое пятилетие. Художественное руководство подчеркивает, что в нынешний непростой период, полный неопределенности, музыка остается тем самым светом и опорой, которые возвращают жизни устойчивость. За несколько лет проект вырос в масштабную институцию: сегодня Jerusalem Lyric Opera входит в авторитетную международную ассоциацию Opera Europa, объединяющую более двух сотен ведущих оперных домов и фестивалей мира, включая лондонский Ковент-Гарден и миланский Ла Скала.
Jerusalem Lyric Opera работает в течение всего года. Ассоциация занимается образовательными программами, международными проектами, мастерскими для молодых исполнителей и профессиональным развитием музыкантов. Летний фестиваль становится итогом этой непрерывной деятельности - ее наиболее заметной частью.
Музыкальный руководитель фестиваля д-р София Мазар в одном из разговоров объясняла, что сама идея проекта возникла из очень простого наблюдения. Ни один оперный театр не способен вместить весь спектр процессов, происходящих сегодня в мировом музыкальном искусстве. Появляются новые режиссерские подходы. Меняется способ работы с классическим репертуаром. Возникают постановки, заставляющие иначе взглянуть на произведения, которые десятилетиями казались давно изученными и понятными. И возникло желание создать пространство, где израильская публика могла бы встречаться с этим процессом напрямую.
Опера меняется вместе со временем, осваивает новые художественные языки, позволяет режиссерам спорить с традицией, пересматривает собственные каноны и продолжает говорить о вещах, которые не меняются: о любви и власти, страхе и свободе, человеческой уязвимости и стремлении преодолеть собственные о
раничения.Оперное искусство по природе своей синтетично и массово по арсеналу используемых средств. Именно поэтому миссия фестиваля видится организаторам не просто в демонстрации вокального мастерства, но в создании пространства для подлинного культурного диалога. Фестиваль решает одновременно три задачи: знакомит израильскую публику с европейскими исполнительскими трендами, открывает новые имена в рамках международной летней студии (Summer Opera Studio) и демонстрирует приглашенным зарубежным интендантам, дирижерам и директорам театров высокий уровень местной музыкальной культуры.
Программа юбилейного фестиваля, который пройдет с 26 по 30 июля, сознательно уходит от проторенных путей, предлагая репертуар от филигранного барокко Генделя и Вивальди до психологических драм XX века, от масштабных оперных полотен Верди до камерных интеллектуальных программ. В этом году в Иерусалиме соберутся международные и израильские солисты, а инструментальную основу фестиваля обеспечат ведущие оркестровые коллективы страны.

Главные сценические события: Моцарт и Верди
Центром театральной программы этого лета станут две полноценные оперные постановки, представляющие стол разные музыкальные миры - венскую классику и итальянский романтический психологизм.

«Так поступают все» (Così fan tutte) В. А. Моцарта
27 июля на сцене Иерусалимского театра будет представлена третья, завершающая часть великой трилогии Вольфганга Амадея Моцарта и либреттиста Лоренцо Да Понте. Эта опера, традиционно вызывающая массу споров своей кажущейся легкомысленностью, в данной интерпретации предстает как тонкий психологический эксперимент.
Помещая героев в экстремальные эмоциональные ситуации, режиссер Джан Паоло Мартелли и дирижер Эйтан Шмайсер обнажают истинную человеческую природу. Это история о потере иллюзий и взрослении души, где каждый персонаж неизбежно узнает, кем он является на самом деле.
Партии исполняют международный состав солистов: Лорин Мартинес (Фьордилиджи), Антония Мотора и Кинерет Илли (Дорабелла), Авишаг Хаэцни и Лирон Гивони (Деспина), Георг Вирбан (Феррандо), Амит Амар и Дмитрий Негримовский (Гульельмо), Тристан Агер (Дон Альфонсо).
Музыкальное сопровождение - оркестр «Израильская Камерата. Иерусалим», один из ведущих камерных коллективов страны, созданный в 1983 году Авнером Бироном.

«Травиата» Дж. Верди
29 июля фестиваль обращается к вершине оперного реализма - «Травиате» Джузеппе Верди. Это сочинение ознаменовало перелом в творчестве композитора: впервые в основу либретто лег не мифологический или исторический сюжет, а скандальный современный роман Александра Дюма-сына. Верди вывел на сцену реальных людей с их неприкрытыми болями, показав трагедию чувств в жестких рамках социальных условностей XIX века.
Режиссер Андрей Мунтеану и бельгийский дирижер Патрик Батон предлагают прочтение, очищенное от мелодраматических штампов, возвращая драме Виолетты Валери ее первоначальную трагическую остроту. В заглавной партии выступит Наталья Роман, партию Альфреда исполнит Милен Божков, в роли Жоржа Жермона - Михаль Партика. Также в спектакле задействованы Девидас Стапонкас (Барон Дюфоль), Дмитрий Негримовский (Маркиз д’Обиньи), Тристан Агер (Доктор Гренвиль), Сергей Бартенев (Гастон) и Рейчель Баркан-Вайнер (Флора).
Постановка пройдет при участии хора JLOF (Хора Иерусалимского Лирического Оперного Фестиваля) и оркестра Израильская Камерата. Иерусалим, известного своими нетривиальными трактовками классического репертуара.

Камерные и тематические программы: от барокко до авангарда
Помимо масштабных оперных вечеров, фестиваль предлагает серию тщательно выстроенных камерных концертов, каждый из которых исследует определенную грань вокальной музыки.

Музыка мифа (Гендель, Телеман, Вивальди): Дневной концерт 26 июля в Музее Библеских стран обращается к истокам оперного жанра. Эпоха Возрождения возвела античный миф в абсолютный творческий стандарт, а барокко наполнило его невероятной декоративной и эмоциональной экспрессией. В исполнении солистов и ансамбля Velum под руководством д-ра Софии Мазар прозвучат арии, ставшие фундаментом европейской вокальной традиции.

Страх и вера: женские голоса Второй мировой войны: Особая, глубоко драматическая страница фестиваля (28 июля). Программа посвящена судьбам женщин-композиторов, чье творчество совпало с катастрофами XX века. Жизнь Ильзе Вебер обрвалась в Аушвице; Юлия Вейсберг погибла в блокадном Ленинграде; Эльза Баррейн была активным участником французского Сопротивления; нидерландские композиторы Генриетта Босманс и Рози Вертхайм были вынуждены скрываться, но не оставили творчество. Их музыка - документ стойкости человеческого духа.

Ночной концерт (Символизм и чувственность): Вечер 28 июля в «Бейт-Шмуэль» посвящен зыбкому, мистическому миру музыки рубежа веков и модернизма. В фокусе внимания - Клод Дебюсси (фрагменты оперы «Пеллеас и Мелизанда»), Рихард Штраус, Бела Барток, Золтан Кодаи и Дьёрдь Лигети. Этот мультимедийный проект, созданный при поддержке Венгерского культурного института, соединит вокал, костюмы и видеоарт.

Кабаретный формат: Шоу «Пиратка Дженни»: В противовес академизму, этот проект (29 июля в центре «Гармония») ломает привычные границы вокального вечера, превращая классический реситаль в театральный перформанс. Программа родилась в творческом инкубаторе Иерусалимского театра «Хан» и исследует эстетику зонг-оперы и музыкального театра XX века.

Подробное расписание фестиваля
Воскресенье, 26 июля
Открытие фестиваля
11:00 – «Миф, музыка и наследие» (совместно с выставкой о Древний Греции и Риме – концерт проходит в различных залах музея).
Концерт музыки Генделя, Телемана и Вивальди

Музей Библейских стран
Исполнители: Моника Шварц (сопрано), Карин Файнгольд (сопрано), Данит Беркович (сопрано), Ной Шило (сопрано), Рейчель Баркан-Вайнер (меццо-сопрано), Амит Амар (баритон), Тристан Агер (бас-баритон). Оркестр Velum под управлением д-ра Софии Мазар.
В программе: Шедевры эпохи барокко, арии из опер и духовные сочинения.
Экскурсия по музею.

19:30 – «Неаполитанское празднество»
Культурный центр «Гармония»
Исполнители: Стас Давидов (тенор) и его ансамбль.
В программе: Неаполитанские песни.

Понедельник, 27 июля
11:00 - Утренний концерт: Камерная музыка Брамса и Шумана
Площадка: Музыкальный центр «Гармония»
Исполнители: Левана Херц (сопрано), Карин Файнгольд (сопрано), Рейчель Баркан-Вайнер (меццо-сопрано), Марта Маталон (меццо-сопрано), Шуламит Сарид (виолончель), д-р София Мазар (фортепиано).
В программе: Романтические вокальные циклы, песни и камерные инструментальные сочинения Иоганнеса Брамса и Роберта Шумана, отражающие их личный и творческий союз.

18:30 - Концерт «Магия Моцарта»
«Театрон Иерушалаим»
Исполнители: Левана Херц (сопрано), Ной Шило (сопрано), Карин Файнгольд (сопрано), Рейчель Баркан-Вайнер (меццо-сопрано), ансамбль Bel Canto. За фортепиано - д-р София Мазар.
В программе: Компактная тридцатиминутная программа-реситаль, включающая самые яркие арии и ансамбли из опер «Свадьба Фигаро», «Волшебная флейта» и «Так поступают все».

19:30 - В. А. Моцарт. Опера «Так поступают все» (Così fan tutte)
«Театрон Иерушалаим»
Исполнители: Полное сценическое исполнение. Международный состав солистов, оркестр «Израильская Камерата. Иерусалим». Дирижер - Эйтан Шмейсер, режиссер - Джан Паоло Мартелли.

Вторник, 28 июля
15:00 - «Страх и вера: женские голоса Второй мировой войны»
Музей Библейских стран
Исполнители: Мария Елич (сопрано), Рейчель Баркан-Вайнер (меццо-сопрано), Анна Зельдин (флейта), д-р София Мазар (фортепиано).
В программе: Сочинения Ильзе Вебер, Юлии Вейсберг, Эльзы Баррейн, Генриетты Босманс, Рози Вертхайм.

19:00 - Барочная ночь: Арии Генделя и Вивальди
«Бейт-Шмуэль»
Исполнители: Моника Шварц (сопрано), Лорейн Грюнштейн (сопрано), Рейчель Баркан-Вайнер (меццо-сопрано), д-р София Мазар (фортепиано).
В программе: Изысканные инструментальные и вокальные диалоги, вокальные шедевры эпохи барокко, включая сочинения И. С. Баха и Г. Ф. Генделя.

20:00 - Ночной концерт: Музыка тайны и страсти
«Бейт-Шмуэль»
Исполнители: Данит Беркович (сопрано), Карин Файнгольд (сопрано), Левана Херц (сопрано), Ной Шило (сопрано), Тристан Агер (бас-баритон). Оркестр Velum под управлением д-ра Софии Мазар.
В программе: Костюмированное сценическое действо с видео-артом и легким угощением. Прозвучат произведения К. Дебюсси, Р. Штрауса, Б. Бартока, З. Кодаи, Д. Лигети. Проект реализован совместно с Венгерским культурным институтом.

Среда, 29 июля
11:00 - Камерный концерт к 153-летию Сергея Рахманинова
Музыкальный центр «Гармония» (Harmonia Music Center | Coresh St.1).
Исполнители: Вероника Одинцова-Медведева (сопрано), Наталья Роман (сопрано), Карин Файнгольд (сопрано), д-р София Мазар (фортепиано).
В программе: Романсы и вокальные миниатюры Сергея Рахманинова, представляющие собой вершину позднего русского романтизма.

18:30 - Концерт Viva Verdi
«Театрон Иерушалаим»
Исполнители: Оделия Шалев (сопрано), Карин Файнгольд (сопрано), Рейчель Баркан-Вайнер (меццо-сопрано), Антония Мотора (меццо-сопрано), Джахмай Ривера (тенор), Мордехай Текаи (тенор), д-р София Мазар (фортепиано).
В программе: Панорама вокального наследия Джузеппе Верди - драматические арии, дуэты и масштабные ансамбли из ключевых опер композитора.

19:30 - Театральное шоу «Пиратка Дженни» (Pirate Jenny Show)
Музыкальный центр «Гармония» (Harmonia Music Center | Coresh St. 1).
Кросс-жанровый перформанс на стыке классического реситаля и драматического театра, созданный совместно с лабораторией Иерусалимского театра «Хан».

19:30 - Дж. Верди. Опера «Травиата» (La Traviata)
«Театрон Иерушалаим»
Исполнители: Полное сценическое исполнение. Международные солисты, хор JLOF, оркестр Израильская Камерата. Иерусалим. Дирижер - Патрик Батон, режиссер - Андрей Мунтеану.

Четверг, 30 июля
19:00 - «Нимфы, сирены и ведьмы оперной сцены»
Музей итальянского еврейского искусства
Исполнители: Моника Шварц (сопрано), Данит Беркович (сопрано), Рейчель Баркан-Вайнер (меццо-сопрано), Ной Шило (сопрано), Гиль Хай (сопрано), д-р София Мазар (фортепиано).
В программе: Галерея мифических и сказочных женских образов в мировой оперной литературе - от соблазнительниц до колдуний.

20:30 - Вечер классической оперетты
Сергиево подворье
Исполнители: Карин Файнгольд (сопрано), Ной Шило (сопрано), Левана Херц (сопрано), Рейчель Баркан-Вайнер (меццо-сопрано), Антония Мотора (меццо-сопрано), Сергей Бартенев (тенор), Тристан Агер (бас-баритон), д-р София Мазар (фортепиано).
В программе: Финальный праздничный аккорд фестиваля под открытым небом. Избранные сцены, дуэты и арии из венских и французских оперетт: «Летучая мышь» И. Штрауса, «Принцесса цирка» и «Сильва» И. Кальмана, «Джудитта» Ф. Легара, «Прекрасная Елена» Ж. Оффенбаха.

В фестивале участвуют два оркестра.
Израильская Камерата. Иерусалим - ведущий камерный оркестр страны, основанный в 1983 году дирижёром Авнером Бироном; за почти четыре десятилетия работы выступал в Карнеги-холле, берлинской Филармонии, Консертгебау в Амстердаме.
Собственный оркестр фестиваля - Velum Orchestra под управлением д-ра Софии Мазар. Velum Orchestra специализируется на гибком академическом сопровождении и редких камерных партитурах
Velum Orchestra
Программы: Барочные программы, Ночной концерт, камерные проекты.
О коллективе: под руководством Софии Мазар. В составе - ведущие израильские инструменталисты (Фаина Метелица, Иосиф Новиков, Ротем Тель Шахар, Анна Зельдин и др.).
Израильская Камерата. Иерусалим
Программа: Постановка оперы Моцарта «Так поступают все» (27 июля).

Фестиваль проходит на нескольких исторических и культурных площадках Иерусалима - в «Театрон Иерушалаим» (ул. Давида Маркуса, 20), Музее Библейских стран (ул. Шмуэля Стефана Вайза, 21), «Бейт Шмуэль» (ул. Элияху Шама, 6), Центре Гармония (ул. Кореш, 1), Музее итальянского еврейского искусства (ул. Хилел, 27) и в Сергиевом подворье (ул. Элени ха-Малка, 13).Подробная программа и заказ билетов на сайте фестиваля Lyric Opera Jerusalem https://lyric-opera.org/index.php?l=en&v=fest***

https://lyric-opera.org/
https://www.facebook.com/jiom.org.il/
https://t.me/jerusalemlyricopera
https://www.instagram.com/jerusalemlyricopera/***

Все фото и иллюстративные материалы предоставлены Иерусалимским фестивалем лирической оперы

*Photos by ©Paulo Lacerda

«Лети, мысль, на золотых крыльях; лети, отдыхая на горах и холмах, туда, где воздух напоен теплом и нежностью, сладостным ароматом родной земли!».*** - Так звучит первый куплет знаменитого хора из третьего акта оперы «Набукко», написанной в 1841 году Джузеппе Верди.
Израильская опера представляет «Набукко» Джузеппе Верди в грандиозной постановке бразильского режиссера Андре Хеллер-Лопеса. Дирижер - маэстро Карло Монтанаро из Италии, признанный одним из самых ярких интерпретаторов итальянского оперного репертуара. Эта постановка, созданная совместно с оперным театром Minas Gerais (Бразилия), описывает на сцене масштабную библейскую драму о разрушении Иерусалима и Вавилонском пленении с участием хора, оркестра и солистов из Израиля и со всего мира. Представления состоятся в Оперном театре Тель-Авива С 12 по 27 июня 2026 года.**

Невозможно отмечать 40-й сезон Израильской оперы, не внеся в его репертуар эпическое произведение Верди - оперу «Набукко» Верди, которая, как никакая другая, выражает вечное стремление народа Израиля к своей земле и неугасимую надежду на свободу. Хор пленных «Va, pensiero», парафраз библейского псалма «На реках вавилонских», стал во всем мире гимном независимости и молитвой о свободе. Сегодня эта музыка звучит особенно значимо.
Бразильский режиссер еврейского происхождения Андре Хеллер-Лопес, осуществивший несколько постановок этой оперы в Европе и Латинской Америке, впервые представит ее в Израиле, завершая таким образом свой личный творческий круг.
В постановке участвуют ведущие солисты Израиля и мира, Израильский симфонический оркестр Ришон ле-Циона и хор Израильской оперы.

Ópera Nabucco. Photo by © Paulo Lacerda

Есть музыкальные произведения, неизменно вызывающие эмоциональный отклик, слезы восторга, множество ассоциаций, душевный жар. Такова опера Верди «Набукко» и знаменитый хор еврейских изгнанников из III акта «Va, pensiero» - самый красивый из оперных хоров, ставший музыкальным символом свободы.
В «Набукко» рассказывается о разрушении Иерусалима Навуходоносором (Набукко) в 586 году до нашей эры, об изгнании евреев, вавилонском пленении и вместе с тем - о свободе, вере и надежде, о попытке еврейского народа преодолеть трагедию.

Известно, что эта опера на библейский сюжет по либретто Темистокле Солера была политическим «заказом» - Верди сочинял оперу, подчеркивая ситуацию в раздробленной Италии, призывая к восстанию против австрийской оккупации и консолидации государства. Эта опера стала символом Рисорджименто в Италии - борьбы за воссоединение и независимость страны. А хор рабов из «Набукко», ставший неофициальным гимном Италии, считается одним из самых патриотических музыкальных пассажей итальянской истории, и, повторим еще раз, самым красивым произведением оперного хорового репертуара благодаря страстному драматизму, эмоциональной и ассоциативной музыке, мотивам ярости, борьбы, фанатизма, откровенности, силе страстей и свободы.

Премьера «Набукко» с грандиозным успехом прошла 9 марта 1842 года в театре «Ла Скала» в Милане. Верди в один день стал знаменитым. Эта опера была третьей по счету, но первым действительно успешным произведением композитора, закрепившим славу тогда 28-летнего Верди среди итальянцев. Только в 1842 году опера «Набукко» была представлена 57 раз, а всего Верди написал 25 опер. «С оперы «Набукко» действительно началась моя творческая карьера», - писал Верди**.** Именно «Набукко» стала сочинением, после которого Верди, переживший провал двух ранних своих опер и личную трагедию (смерть жены и двух дочерей), воспрял духом и вновь вернулся к творчеству, а первая исполнительница роли Авигайль - Джузеппина Стреппони - стала второй его женой.

Ópera Nabucco. Photo by © Paulo Lacerda

«Это была революция в музыке, о которой до сих пор никто и не помышлял. Характер партитуры был настолько нов, настолько неизвестен, стиль так стремителен, так необычен, что вызвал всеобщее ошеломление. Певцы, хор, оркестр, услышав эту музыку, преисполнялись необыкновенного энтузиазма, - писал современник маэстро Артур Пужен. - Скажу больше: работать в театре было невозможно, поскольку и на сцене во время репетиций, и за сценой постоянно собирались служащие, рабочие, художники, осветители, машинисты, возбужденные тем, что они слышали, и, оставив свою работу, внимали с открытым ртом тому, что происходило на сцене. Когда заканчивался фрагмент, они обменивались впечатлениями, и чаще всего слышалось выражение «Это новое безумство!».

Обратить внимание на либретто Темистокле Солеры «Навуходоносор» уговорил Джузеппе Верди импресарио театра «Ла Скала» Мерелли. Что же касается хора рабов, то вот легенда: «Однажды в руках у Верди оказывается либретто Темистокле Солеры. Случайно выроненное, оно открывается на странице с хором пленных иудеев, написанным на основе псалма «При реках вавилонских». Впоследствии этот хор прозвучит на открытии «Ла Скала» после Второй мировой войны. Этот же хор сотни людей под руководством Тосканини исполняли на похоронах Верди в 1901 году, а затем, в 1957-м и на похоронах Тосканини. Критики называли «Набукко» драмой для хора - так велико его значение в опере.

Поразительно, но опера «Набукко» предвосхитила революционные открытия в исторической, археологической науке. В год постановки оперы в «Ла Скала» археолог Ботта, французский консул в Мосуле, занимавшийся энтомологией и бывший не столько ученым, сколько удачливым кладоискателем, приступил к раскопкам древнего поселения близ Ниневии. Вслед за первым открытием последовали и другие. Древняя вавилонская цивилизация обретала определенные черты. То, что казалось лишь библейской притчей, мифом, вдруг сделалось очевидной реальностью. Вавилон с его архитектурой, культурой и ее носителями обрел историческую достоверность.

А первым, к кому попало либретто Солера, был немецкий композитор Отто Николаи, посчитавший его непригодным для музыкального воплощения. После отказа писать по этому либретто Николаи создал оперу под названием «Il proscritto», которая катастрофически провалилась в марте 1841 года, и Николаи был вынужден аннулировать контракт с «Ла Скала». «Набукко» же начал период триумфов Верди, продолжавшийся до конца его деятельности в театре.

Ópera Nabucco. Photo by © Paulo Lacerda

О режиссере и концепции
Режиссером постановки стал Андре Хеллер-Лопес - один из самых заметных и востребованных режиссеров на современной международной оперной сцене, впервые сотрудничающий с Израильской Оперой Он обучался по программе Merola в Опере Сан-Франциско, а затем в программе для молодых артистов Королевского оперного театра Ковент-Гарден в Лондоне и был удостоен премии Britten100Award. В его режиссуре «Набукко» становится не просто масштабным историческим эпосом, но и человеческой драмой о власти, вере, крахе и надежде. Новая постановка, созданная в сотрудничестве с оперным театром Minas Gerais в Бразилии, сочетает в себе театральную мощь с современным прочтением истории беженцев, изгнанников и народов, ищущих дом и принадлежность.
Говоря о «Набукко», режиссер описывает оперу как «произведение, затрагивающее вопросы идентичности, общины, веры и непрерывных изменений».
По словам Андре Хеллера-Лопеса*:** «Еврейский народ - это общество, состоящее из множества голосов, традиций, воспоминаний и образов мышления, и именно это изобилие вопросов, сомнений и споров является частью того, что определяет еврейский народ на протяжении поколений». Андре Хеллер-Лопес также подчеркивает, что «сами герои оперы - это не застывшие или одномерные персонажи, а люди, находящиеся в непрерывном процессе изменений и развития, колеблющиеся между фанатизмом, бунтом, верой, состраданием и надеждой».
Кроме того, Андре Хеллер-Лопес отмечает, что для него как для еврея «постановка «Набукко» в рамках 40-го сезона Израильской оперы - это особенно важный и глубоко личный момент».*
Он связывает историю своей семьи в Европе с чувством «возвращения» в Израиль и рассказывает, что вдохновение для визуального оформления постановки родилось еще во время его первого визита в Тель-Авив и знакомства с экспонатами в Музее диаспоры (АНУ). Для Хеллера-Лопеса «Набукко» - это произведение о людях, живущих между прошлым и будущим, и об обществе, которое продолжает строиться и меняться постоянно.

Ópera Nabucco. Photo by © Paulo Lacerda

Итальянский дирижер Карло Монтанаро, дирижировавший в Израильской опере в прошлых сезонах постановками «Богемы» и «Лючии ди Ламмермур», привносит на сцену всю страсть, драму и глубину вердиевской музыки.
Карло Монтанаро говорит: «Быть дирижером - это объединять людей для создания музыки. Речь идет о том, чтобы руководить оркестром с точностью, страстью и творческим подходом. Речь идет о том, чтобы донести свое видение до музыкантов и вдохновить их на лучшее выступление».
Карло Монтанаро - итальянский скрипач и дирижер. Его конек - итальянские оперы от бельканто до веризма, а также избранные произведения из французского репертуара. С легкой руки Зубина Меты, «открытый» и опекаемый им еще со времен учебы, Монтанаро, начиная с 2001 года, дирижирует оперными постановками и концертами на всех крупных площадках мира - в Ла Скала, Баварской государственной оперe, Парижской национальной опере, Немецкой опере в Берлине, Франкфуртской опере, Дрезденской опере Земпера, Опере Тель-Авива и т.д. С 2011 по 2014 год Карло также был музыкальным руководителем Театра Вельки в Варшаве.

Хор Израильской оперы под руководством Итая Берковича исполняет одну из самых обширных и знаковых хоровых партий в творчестве Верди. В «Набукко» хор - это голос целого народа: эмоциональный и идейный центр всей оперы, ставший основой для хоровых партий, которые Верди будет развивать и расширять в своих последующих произведениях.

Постановочная группа:
Дирижер: Карло Монтанаро
Ассистент дирижера / Дирижер хора: Итай Беркович
Режиссер: Андре Хеллер-Лопес
Сценограф: Ренато Теобальдо
Художник по свету: Надав Барнеа
Художники по костюмам: Мария Бутусова, Марсело Маркес

Солисты:
Набукко: Миколай Залесинский / Йонуц Паску
Абигайль: Елена Михайленко / Юлия Васильева
Измаил: Павел Петров
Захария: Вазген Газарян / Годердзи Джанелидзе
Фенена: Рахель Френкель / Шай Блох
Верховный жрец: Одед Райх / Пнини Леон Грубнер
Абдалло: Эйтан Дрори /Давид Гольдберг
Анна: Шакед Струль / Далия Беспрозванная / Екатерина Михаэли

Симфонический оркестр Ришон ле-Циона
Хор Израильской оперы
Опера исполняется на итальянском языке
Субтитры: иврит и английский
Перевод субтитров: Исраэль Овал
Продолжительность спектакля - около двух с половиной часов с антрактом

Даты представлений:
Пятница, 12.6, начало в 13:00
Воскресенье, 14.6, гала-вечер, начало в 19:30
Понедельник, 15.6, начало в 20:00
Вторник, 16.6, начало в 20:00
Четверг, 18.6, начало в 20:00
Пятница, 19.6, начало в 13:00
Воскресенье, 21.6, начало в 18:00
Понедельник, 22.6, начало в 20:00
Среда, 24.6, начало в 18:00
Четверг, 25.6, начало в 20:30 - закрытый показ в рамках «Белой ночи»
Суббота, 27.6, начало в 20:30

Информация и приобретение билетов в кассе Оперного театра по телефону 03-6927777 или в кассе «Браво»: https://best.kassa.co.il/announce/86205

Текст подготовила Маша Хинич
Photos by © Paulo Lacerda
Пиар-агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting

Как только банк узнает, что один из владельцев счета потерял дееспособность (инсульт, деменция, тяжелая авария), счет немедленно блокируется. Адвокат и медиатор Виктория Ройтман (тел. 054-768-6304) подчеркивает: “банку безразлично, что вам нужно платить за машканту, аренду или покупать лекарства, так как по закону право подписи исчезает вместе с дееспособностью.”

Подготовить документ, способный предотвратить эту катастрофу, имеют право только специально сертифицированные Министерством юстиции адвокаты. Для максимального комфорта клиентов адвокат Виктория Ройтман проводит процесс оформления документов прямо на дому по всей стране.

Родство само по себе не дает прав. В Израиле дети не могут распоряжаться деньгами родителей, а супруги — счетами друг друга без официального юридического статуса. Вы окажетесь с заблокированным счетом, на котором лежат ваши же сбережения, но не сможете снять ни шекеля. Единственный путь, который в такой ситуации предложит государство — назначение опекуна (апотропус). Это означает постоянные унизительные отчеты перед чиновниками за каждую покупку и годы бюрократии.

Выход из ситуации — продолжительная доверенность (ипуй коах митмашех). Это ваш юридический щит, который оформляется один раз, пока вы здоровы и полны сил.

Что дает этот документ:

• Мгновенный доступ: Доверенное лицо получает права на счет без судов и затяжных процедур.

• Ваши правила: Вы заранее сами решаете, на что именно пойдут деньги (ваше лечение, помощь внукам, содержание дома).

• Защита от государства: Никаких назначенных опекунов и проверок со стороны социальных служб.

Не ждите кризисного момента. Подписать продолжительную доверенность можно исключительно находясь в ясном сознании. Завтра может быть слишком поздно.

Адвокат Виктория Ройтман Сертифицированный специалист по оформлению продолжительной доверенности (ипуй коах митмашех).

Телефон / WhatsApp: 054-768-6304

Впервые в театре Гешер - спектакль на русском языке в постановке Дмитрия Крымова!

В травмпункте встречаются люди из разных миров и времен. Среди них – две актрисы, которые готовятся играть «Марию Стюарт». Постепенно разговоры превращаются в саму пьесу: и старая история о власти, ревности и казни начинает происходить здесь и сейчас. Когда все заканчивается смертью, жизнь продолжается – и все возвращается на круги своя.

«Bloody Mary» Дмитрия Крымова – не инсценировка и не иллюстрация Шиллера. Это новый мир, мир художника, выстроенный, сконструированный из осколков кровавого сюжета, из нашей явной или неявной памяти о нем и сегодняшних реалий, в которых «Мария Стюарт» становится поводом для серьезного разговора.

Вымышленные персонажи – гротескные, почти цирковые, люди-символы – на наших глазах обретают кровь и плоть. Маска трескается, клоунада оборачивается исповедью, а образ – живым телом. В этом театре смешное всегда соседствует с трагическим, а игра становится формой существования и способом рассказа о нашей такой запутанной жизни.

Дмитрий Крымов – один из самых влиятельных режиссеров своего поколения – волшебник сцены, безжалостно разбивающий любую догму. Его театр существует по законам воображения и игры – игры опасной, предельно абсурдной, той, за которой всегда стоит жизнь. Здесь фантазия обнажает реальность, ее тайные и скрытые смыслы.

«История Марии Стюарт давно стала мифом. В нашем спектакле две актрисы пытаются сыграть эту историю, одновременно разбираясь со своей старой ненавистью друг к другу и чередой совершенно невероятных происшествий. Честно говоря, не знаю, чем еще можно вас завлечь. Приходите!». – Дмитрий Крымов

«В этом году театр Гешер отмечает 35-летие. Для нас это не просто юбилей, а повод вспомнить людей, которые создали этот театр вместе с Евгением Арье, его талант, смелость и веру в то, что театр способен менять жизни.

Впервые с нами работает Дмитрий Крымов – режиссер, чьими работами мы много лет восхищались. Особенно символично, что эта встреча происходит именно в юбилейный год. А на сцене – Саша Демидов и Женя Додина, артисты, стоявшие у истоков театра. Мне кажется, это лучший подарок Гешеру к его 35-летию». – Генеральный директор театра Гешер Лена Крейндлина

Первый спектакль - 21 июня 2026.
Продолжительность спектакля - один час 30 минут без антракта

Творческая группа

• Пьеса и постановка: Дмитрий Крымов

• По мотивам «Марии Стюарт»: Ф. Шиллера

• Сценография и костюмы: Катя Эрдени

• Драматургия: Катя Сосонская

• Музыкальная редакция и звук: Михаил Вайсбурд

• Свет: Глеб Фильштинский

• Ассистент режиссера: Катерина Визитей

Актеры

• Первая бабушка / Королева Елизавета: Исраэль (Саша) Демидов

• Вторая бабушка / Мария Стюарт: Евгения Додина

• Медсестра: Полина Пахомова

• Велосипедист / помреж: Никита Гольдман

• Человек, пронзенный шпагой: Никита Олейников

• Внучка первой бабушки : Рут Сендерович

• Внук второй бабушки: Итай Тарханов

• Водолаз / суфлер: Борис Репетур

• Гримеры, костюмеры:: Полина Пахомова, Никита Олейников, Рут Сендерович, Итай Тарханов

Билеты здесь

В июле 2026 года на сцене Израильской филармонии в рамках летнего фестиваля состоится премьера музыкально-театральной постановки «Алиса» в постановке и в исполнении Анатолия Вайсмана, при участии камерного состава Израильской филармонии и с «песочным» видеорядом Марины Сосниной. «Алиса в стране чудес» - совместный литературно-музыкальный проект продюсерской компании ArtUp и Израильской Филармонии.
Есть книги, которые человечество опрометчиво записало в детские - и потом всю жизнь взрослые делают вид, что перечитывают их исключительно ради детей. «Алиса в Стране чудес» как раз из этой категории. В семь лет ее читают ради кролика с часами, в двадцать - ради абсурдного карнавала, в сорок начинают подозревать, что Кэрролл знал что-то важное. А к пятидесяти понимаешь, что это не сказка, а практическое руководство по жизни.

Анатолий Вайсман выступает на сей раз в двойной роли: как режиссер постановки и как исполнитель. Его «Маленький принц» с камерным составом Израильского филармонического оркестра доказал, что Анатолий Вайсман работает с литературной классикой с уважением и с пронзительной искренностью.На сцене Анатолий Вайсман существует так, будто театр изобрели только что - с интеллектуальной точностью и почти детской уязвимостью. Именно этого требует Кэрролл.

Второе чудо спектакля - песочная анимация Марины Сосниной, уже сотрудничавшей с Анатолием Вайсманом над «Маленьким принцем». В эпоху, когда мы буквально живем внутри цифровых экранов, песок возвращает искусству живое дыхание. На глазах у зрителя линия превращается в профиль, профиль - в дерево, дерево - в лабиринт, лабиринт - в Чеширского кота. Мир возникает из движения рук и тут же исчезает. В этой текучести есть своя глубокая философия: все непрочно, все меняется, но всегда можно начать заново. Для «Алисы», построенной как сон с постоянно меняющимися декорациями, изменчивый песок - самый точный визуальный язык.

Музыкальную ткань спектакля создает Камерный состав Израильского филармонического оркестра. Выбор композиторов - Чайковский, Григ, Дворжак, Мендельсон, Эльгар - обещает прозрачность, блеск и безупречную форму, способную удерживать хаос, не притворяясь, что его не существует. Собственно, это и есть то, чем занимается настоящее искусство в непростые времена.

Создатели обещают спектакль для всей семьи. Детям достанется приключение с превращениями. Взрослым - редкая возможность узнать собственную жизнь в зеркале абсурда и, как ни странно, почувствовать от этого облегчение. А тем, кто пришел просто вздохнуть, - полтора часа красоты.

******

Премьера музыкально-театральной постановки «Алиса в стране чудес»
Тель-Авив, Израильская филармония, зал «Цукер»
Пятница, 24 июля 2026, 12:00
Режиссура и исполнение: Анатолий Вайсман
Песочная анимация: Марина Соснина
Художница по аксессуарам: Саша Хахан
Живая музыка: Камерный состав Израильского филармонического оркестра
В программе: музыка Чайковского, Грига, Дворжака, Мендельсона, Эльгара.

Билеты - на официальном сайте Art UP https://artup.co.il/event/208/
Фейсбук - https://www.facebook.com/ArtUp.il/

Заглавное фото: сцена из балета “Красная Жизель”. Фото - © Евгений Матвеев

Балет – субстанция эфемерная. Музыку можно записать, текст – напечатать, живопись – воспроизвести. Балет живет только в момент исполнения, только в зале, только в данный момент в данном пространстве. Именно поэтому разговор о новой «Красной Жизели» Бориса Эйфмана пока эфемерен, ибо увидеть ее мы сможем на сцене Тель-Авивского оперного театра в сентябре 2026 года.
Санкт-Петербургский академический театр балета Бориса Эйфмана возвращается в Израиль с двумя разными программами. Первая – «Красная Жизель», балет, который Эйфман пересочинил заново спустя почти тридцать лет после премьеры. Вторая – «Eifman Gala» – панорама театра балета Бориса Эйфмана за несколько десятилетий работы.

Сцена из балета “Красная Жизель”. Фото - © Евгений Матвеев

«Красная Жизель» в данном случае отнюдь не реставрация, а «пересочинение».
26 августа 2025 года в Петербурге состоялось рождение новой версии: не обновленной редакции, не освеженной постановки, а принципиально иного спектакля, хотя и на прежнем материале. Хореограф заново создал постановку. За почти тридцать лет, прошедших с первого показа, он не переставал думать об Ольге Спесивцевой – одной из тех фигур русского балета, о которых знают все, кто знает о балете хоть что-нибудь. Прима, равной которой в исполнении «Жизели» не было, – это не преувеличение, а убежденность балетных критиков начала XX века. И одновременно – судьба, в которой слились революция, эмиграция, личные катастрофы и, наконец, двадцать лет в психиатрической клинике под Нью-Йорком. Абсолютное одиночество на финише блестящей жизни.
Эйфман, по его собственным словам, был потрясен, когда узнал подробности жизни Ольги Спесивцевой. И этот первоначальный импульс – потрясение – лег в основу балета. Но спектакль никогда не был биографической иллюстрацией, а скорее был попыткой обобщить: судьба Спесивцевой у Эйфмана – судьба многих талантов, вынужденных покинуть Россию, пережить трагический исход. В этом нарративе «Красная Жизель» – балет не о конкретной женщине, а о том, что происходит с человеком, когда история врывается в частную жизнь и перемалывает ее.
В новой версии хореографическая партитура изменена значительно. Часть сцен упразднена, часть написана заново. Сценография также другая – она подстроена под современные возможности сцены.

Сцена из балета “Красная Жизель”. Фото - © Евгений Матвеев

Для версии «Красная Жизель» 2025 года В. Окуневым созданы новые декорации и костюмы, а Г. Фильштинским - оригинальная световая партитура.
Борис Эйфман переосмысляет сюжетные коллизии и обогащает хореографическую ткань. Результатом стал иной спектакль на прежнюю тему, так что нынешнюю «Красную Жизель» можно с полным правом назвать абсолютной премьерой.
Что остается неизменным – так это сама история, рассказанная языком тела. Балет начинается в революционном Петрограде, проходит через эмиграцию и заканчивается в стенах клиники. Музыкальная основа – Чайковский, Шнитке, Бизе: совершенно разные миры, слои времени и психологического состояния героини. Художник спектакля – Вячеслав Окунев, свет – Глеб Фильштинский и сам Борис Эйфман.
Американская критика в свое время называла «Красную Жизель» эпическим психологическим триллером, формой балета-повествования, доведенной до совершенства. Тель-авивская публика, которая видела предыдущую версию, в ближайшем сентябре получит возможность наблюдать, как тридцатилетний путь хореографа с этим материалом пришел к новой вершине.

Eifman Gala.Фото - © Adnrey Stepanov

«Eifman Gala»
Гала-вечер – формат, к которому многие относятся снисходительно. Но «Eifman Gala» устроена иначе – это двухактная концертная программа, в которой фрагменты из разных спектаклей выстроены в драматургическую структуру: не просто «лучшее из», а попытка показать эволюцию театра как единого художественного организма.
В программе – фрагменты из «Анны Карениной», «Родена, ее вечного идола», «По ту сторону греха», «Чайковского. PRO et CONTRA», «Русского Гамлета», «Страстей по Мольеру, или Маски Дон Жуана», «Чайки. Балетной истории» и других спектаклей. Для тех, кто видел эти балеты целиком, гала – возможность пересмотреть ключевые сцены в другом контексте. Для тех, кто не видел, – навигатор по репертуару, панорама вместо программки.
Важно знать, что содержание этой программы обновляется. Это не заложенная однажды и затем тиражируемая программа – каждый раз в нее входят новые фрагменты. Что именно войдет в сентябрьскую тель-авивскую программу, выяснится только в зале.

Eifman Gala.Фото - © Adnrey Stepanov

Борису Эйфману в этом году исполняется 80 лет. Театр, который он основал в 1977 году в Ленинграде, существует уже почти полвека – и все эти годы остается его личным проектом в буквальном смысле: Эйфман самостоятельно ставит, работает с труппой, переделывает старые спектакли. Это - редкость в мире балета.
Его метод – психологический театр, выраженный средствами классического и современного танца. Его темы – великие судьбы, литературные герои, исторические фигуры, загнанные между своей природой и обстоятельствами. Его язык – эмоциональный, иногда избыточный, всегда узнаваемый. Публика ходит на Эйфмана десятилетиями, что само по себе самый весомый аргумент любви и уважения к этому хореографу.

*****

Представления Театра балета Бориса Эйфмана состоятся в Оперном театре Тель-Авива, в рамках балетной серии.

«Красная Жизель»
Балет Бориса Эйфмана на музыку П. И. Чайковского, А. Шнитке, Ж. Бизе.
Художник: Вячеслав Окунев.
Свет: Глеб Фильштинский, Борис Эйфман.
Премьера: 28 января 1997 года
Премьера новой версии: 26 августа 2025 года
Видео: https://www.youtube.com/watch?v=SK_bo_3x-3k

Даты:
Четверг, 3 сентября 2026 в 20:00;
Пятница, 4 сентября в 13:00;
Суббота, 5 сентября в 18:00.
Билеты в кассе «Браво»: https://best.kassa.co.il/announce/86288 или в кассе Оперного театра по телефону: 03-6927777

«Eifman Gala»
Вторник, 8 сентября в 20:00;
Среда, 9 сентября в 20:00;
Четверг, 10 сентября в 20:00.
Видео: EIFMAN GALA - Official Trailer https://www.youtube.com/watch?v=mGRqiC_i1Cs
Билеты: https://best.kassa.co.il/announce/86289 или в кассе Оперного театра по телефону: 03-6927777

Фотографии: ©Евгений Матвеев, ©Андрей Степанов, ©Юлия Михеева, ©Михаил Вильчук
Текст подготовила Маша Хинич
Пиар-агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting

Заглавное фото: Rafael Skorka - © Michael Pavia; Cj Wuֹ_ © Kyle Flubacker**

Оркестр «Симфонет Раанана».
10-й абонементный концерт
От озера Sun-Moon до озера Байкал
Даты и время концертов:
23 мая 2026 года, суббота, 21:00
24 мая 2026 года, воскресенье, 20:00
Место проведения: Городской центр искусств и музыки (ул. а-Пальмах, 2-алеф)
Исполнители:
Дирижер - Си-Джей Ву (Тайвань / Дания)
Фортепиано - Рафаэль Скорка
В программе:
Ян Сибелиус: «Грустный вальс» (Valse triste), соч. 44 № 1
Цезарь Кюи: Сюита № 3, соч. 43 «В народном духе» (Dans le style populaire)
Вольфганг Амадей Моцарт: Концерт для фортепиано с оркестром № 23 ля мажор, KV 488
«Тайваньская сюита» - тайваньские народные песни в симфонической аранжировке**

Оркестр «Симфонет Раанана» рад принять у себя харизматичного дирижера Си-Джей Ву и пианиста Рафаэля Скорку в концертной программе, богатой красками и народным колоритом со всех уголков земного шара. Этот вечер объединяет три мира народной музыки в оркестровом воплощении: от меланхоличного, парящего вальса Сибелиуса и сюиты «В народном духе» Цезаря Кюи до захватывающей «Тайваньской сюиты», завершающей концерт звуками Дальнего Востока. В центре программы - Концерт № 23 для фортепиано с оркестром В. А. Моцарта, одно из самых любимых и поэтичных произведений в классическом репертуаре.

Чтобы описать Фортепианный концерт № 23 ля мажор (K. 488) - одновременно блестящее и глубокое сочинение, - можно процитировать Оливье Мессиана: «Он стоит в одном ряду со всеми фортепианными концертами; это, безусловно, самый совершенный из всех, если не самый красивый!» Наполненный мягким тоном и эмоциональными мелодиями, этот концерт является настоящим сокровищем. Его Адажио, одна из самых красивых страниц во всем фортепианном репертуаре, никогда не оставляет зрителей равнодушными. Именно на эту партитуру Анжелин Прельжокаж поставил хореографию «L’abandon», знаменитый летающий поцелуй в третьем акте его балета Le Parc. Этот великолепный па-де-де прекрасно иллюстрирует чувства, которые вызывает этот шедевр.
Поселившись в Вене в качестве «свободного художника», не обремененного службой, Моцарт в восторге написал отцу: «Конечно, здесь фортепианная страна!» Действительно, нигде тогда не играли, не слушали и не печатали столько фортепианной музыки. Венские мастера активно строили и совершенствовали инструменты. Именно с фортепиано в наибольшей степени были связаны планы Моцарта как исполнителя, композитора и педагога. За четыре года он написал пятнадцать концертов, среди которых и 23-й.
Как указано в составленном Моцартом каталоге, сочинение было закончено 2 марта 1786 года - одновременно с оперой «Свадьба Фигаро» (за два месяца до ее премьеры) и за три недели до завершения создания следующего фортепианного концерта. Композиция была частью серии трех абонементных концертов, исполнявшихся той весной, где сам автор выступал в качестве солиста.
К этому произведению удивительно подходят слова из другого письма Моцарта: «Именно концерты являются чем-то средним между слишком трудным и слишком легким, в них много блеска, они приятны для слуха, но, конечно, не впадают в пустоту».
Концерт написан для фортепиано и оркестра, состоящего из одной флейты, двух кларнетов, двух фаготов, двух валторн и струнных. Как и в более поздних работах Моцарта, количество духовых инструментов здесь сбалансировано и соответствует количеству струнных.

Об исполнителях:

Cj Wuֹ. Photo - © Kyle Flubacker

Си-Джей Ву - харизматичный дирижер нового поколения, получившая признание благодаря своему динамичному искусству и многогранности как в симфоническом, так и в оперном репертуаре. В сезоне 2024/25 она была выбрана для участия в Институте женщин-дирижеров при Далласской оперной труппе, где сотрудничала с ведущими профессионалами и дирижировала программой из избранных оперных сцен.
В 2021 году маэстро Риккардо Мути лично выбрал ее для участия в своей Итальянской оперной академии, где она работала над оперой «Набукко» в в Милане. Впоследствии она была приглашена заменить маэстро Мути, который не смог выступить на показах в Равенне и Римини.
Си-Джей Ву принимала участие в крупнейших международных конкурсах и мастер-классах, а также в программе для женщин-дирижеров Концертного оркестра BBC.
В 2023-2024 годах Си-Джей занимала пост ассистента дирижера в Тайваньском филармоническом оркестре. В период с 2021 по 2024 год сотрудничала со многими известными коллективами, среди которых Копенгагенский филармонический оркестр, Датская синфониетта, симфонические оркестры Ольборга и Орхуса, Южно-Датский филармонический оркестр и Симфонический оркестр Хельсингборга в Швеции.
Си-Джей Ву является лауреатом нескольких престижных наград, включая первую премию на Конкурсе дирижеров Музыкальной ассоциации британских китайцев (BBCA) в Великобритании и победу в проекте «Иоганнес Брамс» Филармонического оркестра имени Джоаккино Россини в Италии.
Под ее управлением выступали ансамбль современной музыки Psappha в Манчестере и Athelas Sinfonietta в Копенгагене. Она также сотрудничала с камерным оркестром Manchester Camerata, оркестрами Northern Ballet Sinfonia, North East Wales Sinfonia, Симфоническим оркестром Саварии, Филармоническим оркестром Русе, Пражской синфониеттой, Моравским филармоническим оркестром, Филармоническим оркестром Брашова и многими другими.
Будучи по первому образованию скрипачкой, Си-Джей играла во многих профессиональных оркестрах Тайваня и была приглашенным концертмейстером Тайбэйского филармонического молодежного оркестра. Она является основателем и художественным руководителем Тайбэйского ансамбля камерной музыки и струнного квартета «Рейн».
Си-Джей Ву получила степень магистра по специальности «симфоническое дирижирование» в Королевском северном колледже музыки (RNCM) в Великобритании и сольный диплом Королевской датской академии музыки.

Rafael Skorka. Photo - © Michael Pavia

Рафаэль Скорка, фортепиано
Рафаэль Скорка (родился в 1988 году) - лауреат третьей премии Первого Международного фортепианного конкурса в Харбине (Китай, 2018). Также в июле 2021 года он был удостоен наград за лучший дуэт и лучшее исполнение музыки барокко на Международном фортепианном конкурсе в Кливленде (США).
Скорка окончил Иерусалимскую академию музыки и танца со степенью бакалавра, а также Кливлендский институт музыки (США), где получил степени магистра и доктора в области музыки.
В настоящее время Рафаэль Скорка активно сотрудничает в качестве пианиста и концертмейстера с Израильской оперой и оперной студией «Мейтар». Кроме того, он регулярно выступает в качестве приглашенного независимого артиста в составе Израильского филармонического оркестра.
Пианист принимал участие в крупнейших международных музыкальных фестивалях, в числе которых Летняя академия фестиваля в Вербье (Швейцария, 2012) и камерная программа для фортепиано и струнных инструментов в рамках фестиваля Равиния (США, 2009-2011).
Скорка выступал со многими оркестрами Израиля, включая Иерусалимский симфонический оркестр, Израильский симфонический оркестр Ришон ле-Циона, Симфониетту Беэр-Шевы и другие.
Рафаэль является победителем и призером различных израильских конкурсов. Среди его наград: специальный приз за выдающееся исполнение на конкурсе «Авив» в Тель-Авиве (2018), первая премия на конкурсе «Фортепиано навсегда» в Ашдоде (2009) и вторая премия на конкурсе «Молодой артист» в Иерусалиме (2008).
В период с 2003 по 2014 год Рафаэль Скорка ежегодно становился стипендиатом Американско-израильского культурного фонда.

*****

Справки, информация и заказ билетов: www.symphonette.co.il
Телефон для справок: 09-7457773
Страница в Facebook: Symphonette Raanana
YouTube-канал: @symphonetteR

Текст подготовила: Маша Хинич
Фото: © Kyle Flubacker, © Michael Pavia
Пиар-агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting

Многие русскоязычные израильтяне совершают одну и ту же опасную ошибку. Они обращаются к юристу, составляют завещание, кладут его в сейф и с облегчением выдыхают, считая, что полностью защитили себя и своих близких от любых проблем.

Но давайте смотреть правде в глаза: завещание начинает работать только после вашего ухода. А что будет, если вы живы, но из-за инсульта, возрастной деменции или внезапной аварии потеряли способность принимать решения и обслуживать себя? В этот момент ваше тщательно составленное завещание - это просто бесполезная стопка бумаги.

Адвокат Виктория Ройтман (тел. 054-768-6304) объясняет: “Именно в таких ситуациях семья сталкивается с настоящим кошмаром. Банковские счета блокируются, а распоряжаться имуществом становится невозможно. Чтобы спасти положение, семье придется пройти через унизительную процедуру получения приказа об опекунстве (апотропуса)”.

Чтобы этого избежать, необходимо заранее оформить совершенно другой документ.

Составлять его имеют право исключительно адвокаты, прошедшие специальную сертификацию Министерства юстиции. Для максимального удобства клиентов Виктория проводит весь процесс оформления прямо на дому, выезжая в любую точку страны.

Единственный законный инструмент, который защищает вас при жизни - это продолжительная доверенность (ипуй коах митмашех).

В чем принципиальная разница:

● Защита здесь и сейчас: В отличие от завещания, этот документ создается именно для жизни. Он вступает в силу, когда вы еще живы, но нуждаетесь в юридической защите и помощи.

● Сохранение активов: Ваши доверенные лица (супруг, дети) смогут беспрепятственно управлять вашими финансами, оплачивать лечение, сиделок и счета из ваших же средств, без обращений в суд.

● Никакого апотропуса: Государство не вмешивается в дела вашей семьи, не назначает внешних опекунов и не требует от ваших детей унизительных финансовых отчетов за каждую покупку.

Оформить продолжительную доверенность можно исключительно находясь в ясном уме и здравой памяти. Не откладывайте этот шаг до наступления кризиса - тогда система просто не оставит вам выбора.

Адвокат Виктория Ройтман сертифицированный специалист по оформлению продолжительной доверенности (ипуй коах митмашех).

● Телефон: 054-768-6304 / WhatsApp

● Адрес: Ротшильд 107, Петах Тиква (רוטשילד 107, פתח תקווה), индекс: 4933327

● Сайт: https://roitman.co.il/

Верхнее фото: © Liz Schneider-Cohen

Знаменитый балетный коллектив из США Peridance Company NY под руководством хореографа Игаля Пери выступит в Хайфе, Герцлии и Иерусалиме с 29 июня по 5 июля 2026.
Peridance Company NY не первый раз приезжает в Израиль. Танцевальный коллектив мирового уровня уже несколько раз выступал у нас в стране. Сегодня, спустя долгие месяцы вынужденного культурного затишья и изоляции, мы становимся свидетелями события не только художественного, но и символического: впервые с начала войны в Израиль приезжает на гастроли международный коллектив первой величины.

Нынешние гастроли Peridance Company NY - четвертый визит известного балетного коллектива в нашу страну. Для израильской публики это не только возможность увидеть живой современный танец высокого уровня, но и долгожданная встреча с работами хореографа, который вырос в Израиле и стал одной из самых влиятельных и уважаемых фигур в танцевальной столице мира – в Нью-Йорке.
Игаль Пери никогда не обрывал связей с Израилем: его постановки в разные годы украшали репертуар «Бат-Шевы» и «Бат-Дор», он был постоянным гостем фестиваля в Кармиэле и фестивалей в Центре Сюзан Далаль в Тель-Авиве. Приезд его компании именно сейчас - это жест солидарности и напоминание о том, что искусство способно прокладывать мосты.

Photo — © Liz Schneider-Cohen

История Peridance - это, по сути, история жизни самого Игаля Пери, его личная одиссея. Израильтянин, который четыре десятилетия назад отправился покорять Бродвей и Манхэттен, сумел создать в Нью-Йорке не просто успешный коллектив, а колоссальную образовательную и творческую организацию. «Нью-Йорк Таймс» неизменно называет его работы «благословенно изобретательными», отмечая в них редкую гармонию, о которой, по словам критиков, «можно только мечтать».
Творческий путь Игаля Пери начался в легендарном фольклорном ансамбле «Кармон», что заложило в его творчество именно израильскую энергию. Затем последовала работа в Bat Dor Dance Company, где Пери посчастливилось работать с титанами мирового танца - Алвином Эйли, Бенджамином Харкарви, Джоном Батлером и Ларом Любовичем. Переехав в США в начале 1980-х, Пери мгновенно интегрировался на американской сцену: он занимал пост балетмейстера в Dennis Wayne’s Dancers, ставил спектакли для Нью-Йоркской оперы и венесуэльского Caracas Ballet.
Особая страница его биографии - работа в Европе. Пери ставил хореографию для спектаклей миланской «Ла Скала», включая мировую премьеру оперы Кшиштофа Пендерецкого «Потерянный рай». Одновременно он руководил балетным отделением знаменитого Jacob’s Pillow в Массачусетсе в начале 1980-х. В 1983 году он открыл Peridance Center на Юнион-Сквер. Сегодня это один из крупнейших танцевальных центров Нью-Йорка, где обучаются тысячи студентов. А год спустя родилась Peridance Contemporary Dance Company. За сорок с лишним лет PCDC прошла путь от скромного дебюта на Riverside Dance Festival до регулярных сезонов в таких престижных нью-йоркских залах, как Lincoln Center, BAM и Joyce Theater. За это время компания показала более 75 новых хореографических работ, став стартовой площадкой для десятков молодых талантов. Сам Игаль Пери создал для своей труппы более пятидесяти произведений, каждое из которых отличается его фирменной музыкальностью и тонким психологизмом.

Photo - © Liz Schneider-Cohen

Израильским зрителям будет представлена программа «Intersections» («Пересечения»). Это название полностью оправдывает свою суть, представляя не просто набор эффектных номеров, но сложную драматургическую конструкцию, в которой пересекаются разные культуры, темпераменты и философские подходы к телу. Программа представляет творчество четырех хореографов, четыре абсолютно разных взгляда на то, каким должен быть танец в 21-м веке.

Юэ Инь. «Just Above the Surface»
Открывает вечер работа хореографа Юэ Инь, чье имя сегодня звучит в числе самых популярных в США. Ее авторская техника FoCo Technique - это уникальный сплав традиционного китайского классического танца, элементов фольклора и жесткой структуры современного балета. Юэ Инь, выпускница Шанхайской академии танца и магистр NYU Tisch School of the Art, создала балетное полотно для восьми танцовщиков, где физическая запредельность встречается с восточной созерцательностью. Это танец «чуть выше поверхности», где каждое движение кажется продолжением дыхания, но требует при этом филигранной техники и почти атлетической выносливости. Музыкальное оформление Мишеля Банабилы и коллектива MachineFabriek создает атмосферу осязаемого напряжения, которая держит зал в гипнотическом состоянии все 23 минуты действия.

Марко Гёке . «Firebird» («Жар-птица»)
Особым событием для израильских зрителей станет показ работы одного из самых титулованных хореографов Европы - немца Марко Гёке. Его «Жар-птица» на музыку Игоря Стравинского - радикальный вызов классической традиции. Гёке, чьи работы входили в репертуар Stuttgart Ballet и Scapino Rotterdam, известен своим уникальным, «дерганым», невероятно интенсивным стилем. Его «Жар-птица» - не сказочный персонаж, а сгусток чистой энергии и человеческой боли. Стиль Гёке узнаваем мгновенно: виртуозная работа кистей рук, мелкая дрожь, нервные импульсы, прошивающие тела исполнителей. Он не ищет «красивых линий» в привычном понимании, а ищет правду момента и состояния. Это балетный экспрессионизм, требующий от артистов Peridance не только технического совершенства, но и предельной эмоциональной обнаженности.

Майк Тайюс. «With You»
Совершенно иную, свежую и дерзкую энергию привносит Майк Тайюс из Лос-Анджелеса. Его дуэт «With You» («Вместе с тобой») - динамичный, местами головокружительный диалог, в котором танец перетекает в акробатику и физический театр. Тайюс, работающий на стыке циркового искусства и современного перформанса, создал гимн человеческой близости. Его работа добавляет в программу легкость и калифорнийскую свободу.

Игаль Пери. «Hora Mine» и «Meadows»
Смысловым стержнем программы являются работы самого Игаля Пери - «Meadows» и долгожданная премьера «Hora Mine» («Моя Хора»). Последняя постановка имеет для хореографа почти сакральное значение.
Буквально накануне израильских гастролей, в Нью-Йорке состоялась премьера этой работы, в которой мастер, спустя десятилетия жизни в Америке, возвращается к образу, зашитому в ДНК каждого израильтянина. Хора для Пери - не просто фольклорный элемент, а символ коллективной памяти и неразрывной связи с землей.
«Это произведение соединяет меня напрямую с Израилем, - говорит Игаль Пери. - Тело, музыка, двигательная память, на которой я вырос - всё это в какой-то момент сошлось в одной точке. Что может быть естественнее хоры - нашего народного танца - как источника вдохновения в этот сложный Период жизни?».
«Hora Mine» - попытка переосмыслить энергию кругового танца через призму современного контекста. В ней слышен ритм сегодняшнего дня, в ней есть место и боли, и невероятной силе. Сопровождает ее работа «Meadows» - элегантная, лиричная постановка, выстроенная на характерной для Пери музыкальности, где танец дышит в унисон с музыкой Малера и Равеля.

Peridance Company NY - это коллектив, где каждый артист привносит свою культурную биографию в общий рисунок танца. Peridance сегодня - это не просто компания с «пропиской» на Юнион-сквер в Нью-Йорке, а интернациональный проект, в составе которого работают артисты из США, Италии, Китая, Южной Кореи, Индии и Израиля.
За последние шесть лет гастрольные туры компании охватили более 48.000 зрителей по всему миру - от Сеула до Буэнос-Айреса. Их возвращение в Израиль – как уже было сказано, четвертое по счету - воспринимается как возвращение домой.
Влияние Пери как педагога также невозможно переоценить. С 1995 года он преподает в престижной Джульярдской школе, проводит мастер-классы в Королевском балете Швеции, Национальном балете Китая и Нидерландском национальном балете. Этот академический бэкграунд чувствуется в каждом движении его танцовщиков - в чистоте линий, в осознанности жеста, в безупречном чувстве формы.

*****

Photo - © Rachel Neville

Гастроли Peridance Company NY пройдут с 29 июня по 5 июля 2026 в трех городах Израиля.
Музыка: Игорь Стравинский, Морис Равель, Густав Малер, Каэтану Велозу и современные композиторы
Свет - Брант Мюррей
29 июня, понедельник, 20:30. «Аудиториум», Хайфа
1 июля, среда, 20:30. Центр сценических искусств Герцлии
2 июля, четверг, 20:30. Центр сценических искусств Герцлии
3 июля, пятница, 13:00. Центр сценических искусств Герцлии
4 июля, суббота, 21:00. Центр сценических искусств Герцлии
5 июля, воскресенье, 20:30. Зал «Шеровер», Иерусалимский театр, Иерусалим

Билеты: https://best.kassa.co.il/announce/85683

Программа длится около 70 минут с антрактом.

Официальный сайт компании: https://www.peridance.com/

Трейлер гастрольной программы: https://www.youtube.com/watch?v=K3Gz7dekRJw

Текст подготовила Маша Хинич
Фотографии - © Rachel Neville, © Liz Schneider-Cohen
Пиар-агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting

Оригинальная сценическая интерпретация бессмертного произведения, созданная специально для Израильского балета удостоенным многочисленных наград хореографом Константином Уральским. Он приносит на сцену утонченный неоклассический подход, сочетание строгой классической техники с современной эмоциональной глубиной. Константин известен своей уникальной способностью «визуализировать музыку» — черту, которая определяет его хореографию как в высшей степени музыкальную и структурно сложную. Спектакль основан на знаменитой музыке Бизе в музыкальной обработке маэстро Гиля Шохата, который умеет делать классику современной. Его аранжировка — это драматический и современный взгляд на известную музыку.

Гиль Шохат — photo by © Fabris Bittan

Если вы думали, что знаете о «Кармен» всё, то это не так. Мы видели академичную классику в Опере, экспрессивное фламенко, гастрольные коллективы из разных стран, различные воплощения «Кармен» на израильской сцене. Но «Израильский балет» ставит «Кармен» впервые, хотя, казалось бы, тема исчерпана, а кастаньеты пора сдать на склад. Но труппа «Израильского балета» решилась представить еще одну «Кармен» - не в попытке пересказать сюжет Мериме, а в попытке разобраться в том, как сохранить внутреннюю свободу под прессом обстоятельств; представить спектакль о столкновении человека с ритмом судьбы.

Хореограф Константин Уральский пришел к этой премьере уже с несколькими балетами «Кармен» в послужном списке. Он ставил различные версии «Кармен» в США в начале 1990-х, потом в Челябинске, Астрахани и вдругих странахю Тель-авивская версия — это неоклассика в чистом виде: виртуозность пуантов, смешанная с острым, плакатным языком современного движения. Уральский не пытается играть в историческую достоверность. Его Кармен — не этнографический персонаж, а манифест свободы.
Почему нас до сих пор волнует история женщины, которая предпочла смерть подчинению? В Израиле слово «свобода» перестало быть абстракцией из учебника истории. Мы живем в режиме «здесь и сейчас», между сводками новостей и попытками сохранить внутренний стержень под внешним давлением.
«Кармен» Уральского — это рассказ про право быть самой собой, даже если тебя поджидает фатум, рассказ о стремлении Кармен к личной независимости без оглядки на последствия — воплощенный в полутора часах энергии, точности и живой классики. Эта постановка — о страсти на краю пропасти человеческих судеб и поступков и о желании быть свободным.
Хореограф говорит: «Когда я слушаю музыку, я сразу вижу движение. Я ее не слышу, я ее вижу». Для него «Кармен» в «Израильском балете» — это мировая премьера совершенно новой концепции.

Konstantin Uralsky — photo by © Marina Vatanskaya

Константин Уральский — лауреат множества премий, но по духу остается экспериментатором, который в 1990-х рискнул оставить Большой театр ради поиска собственного стиля. Выпускник Московского академического хореографического училища, Уральский попал в труппу Большого театра. Еще будучи артистом, он окончил балетмейстерский факультет ГИТИСа. В 1991 году Уральский прерывает карьеру танцовщика в Большом театре и уезжает в США, где работает в Нью-Йорке, Колорадо и Айове. Позже в его творческой географии появятся Болгария, Украина, Косово и даже Боливия.
В 2008 году Уральский возглавил балет Челябинского театра оперы и балета. Именно там он поставил «Ромео и Джульетту», «Жар-птицу» и авторский балет «El Mundo de Goya» о жизни Гойи.
В 2011-м начался его астраханский период. Уральский фактически с нуля создавал балетную труппу в только что открытом Астраханском государственном театре оперы и балета. Он открыл балетную школу, приглашал педагогов, формировал репертуар — от «Лебединого озера» до авангардных постановок, таких как «Пиаф. Я не жалею ни о чем» и «Андрей Рублев».

*******

Израильский балет. «Кармен»
Хореография – Константин Уральский
Музыка: Жорж Бизе
Музыкальная обработка и редакция: Гиль Шохат
Музыкальное сопровождение записано оркестром «Симфонет Раанана»

Расписание премьерных показов:
Модиин: 02.06.2026, Гейхал ха-Тарбут
Герцлия: 06.06.2026, Центр сценических искусств
Реховот: 14.06.2026, городской Дворец культуры — Гейхал ха-Тарбут ирони
Иерусалим: 17.06.2026, Театрон Иерушалаим (зал «Шеровер»)
Хайфа: 27.06.2026, Аудиториум
Ришон ле-Цион: 29.06.2026, Гехал Меир ле-Тарбут
Ашкелон: 07.07.2026, Гейхал ха-Тарбут
Петах-Тиква: 09.07.2026, Гейхал ха-Тарбут
Кфар-Саба: 16.07.2026, Гейхал ха-Тарбут

Билеты: best.kassa.co.il/announce/Кармен-Израильский-балет

Сайт Израильского балета — הבלט הישראלי

Текст: Маша Хинич
Фото: Гиль Шохать — photo © Fabris Bitton
Константин Уральский — photo © Марина Ватанская
Пиар: MashaHinichPR & Sofia Nimelstein PR & Consulting

Израильский симфонический оркестр Ришон ле-Циона представит в мае новую программу «Россини/Мендельсон». На концертах прозвучат: Увертюры к операм «Севильский цирюльник» и «Итальянка в Алжире» Джоаккино Россини, Концерт для скрипки с оркестром и Симфония №4, «Итальянская» Феликса Мендельсона.
Продирижирует концертами маэстро Ярон Готфрид (Израиль). Скрипичный концерт Мендельсона исполнит Лилия Почитари из Германии.
Концерты состоятся 20 мая в Тель-Авиве, 24 мая в Ришон ле-Ционе и 25 мая в Реховоте.

Майские концерты Симфонического оркестра Ришон ле-Циона посвящаются памяти Меира Ницана (1932–2024), легендарного мэра Ришон ле-Циона, занимавшего этот пост на протяжении четверти века с 1983 по 2008 год.
Меир Ницан останется в памяти как человек, посвятивший свою жизнь созиданию на благо города и его жителей, а также как лидер, сформировавший его культурный облик. Он считал, что сила города - не только в инфраструктуре, но и в духовной и культурной жизни. В 1988 году Ницан инициировал создание Израильского симфонического оркестра Ришон ле-Циона - одного из важнейших его свершений. Он понимал, что оркестр - это не только организация, призванная сделать классическую музыку доступной для широкой публики и предоставить рабочие места музыкантам-репатриантам, но и предмет городской гордости. Благодаря его настойчивости оркестр стал ведущей культурной организацией, представляющей город в Израиле и за границей. Наряду с этим Ницан был один из инициаторов создания Дворца культуры Ришон ле-Циона, который сегодня носит его имя. Оркестр хранит память о нем с глубоким уважением и благодарностью.

ירון גוטפריד צילום שי סקיף[/caption]

**Ярон Готфрид, дирижёр **
Ярон Готфрид - известный израильский дирижер, а также композитор, аранжировщик и педагог. Лауреат Премии премьер-министра для композиторов (2014), лауреат Премии за выдающиеся достижения в культуре (2003–2007) и член Центра искусств Макдауэлл в Нью-Гэмпшире, США.
Его произведения исполняются в Израиле и за рубежом и публикуются международным издательством Sikorski наряду с работами таких композиторов, как Шостакович, Губайдулина и Пярт. Сочинение Ярона Готфрида для фортепиано «La Folia» было выбрано в качестве одного из обязательных произведений для участников 17-го Международного конкурса пианистов имени Артура Рубинштейна в 2023 году. Среди его работ – также джазовая интерпретация «Картинок с выставки» Мусоргского для джазового трио с оркестром, прозвучавшая в десятках концертов по всему миру. Маэстро Готфрид дирижировал ведущими оркестрами, включая Израильский филармонический оркестр, Израильский симфонический оркестр Ришон ле-Циона, Оркестр Западногерманского радио (WDR) в Кельне, оркестр Orchestra del Maggio Musicale во Флоренции, Портлендский камерный оркестр, Китайский национальный филармонический оркестр и Пекинский симфонический оркестр. Также он выступал как солирующий пианист в турах по Китаю с теми же и другими коллективами.
С 2022 года Ярон Готфрид является музыкальным руководителем серии концертов «Музыкальное путешествие вне рамок» совместно с Симфоническим оркестром Ришон ле-Циона. Помимо этого, он основывал и руководил музыкальными программами различных фестивалей и концертных циклов.
Как педагог Ярон Готфрид основал факультет композиции, аранжировки и дирижирования в музыкальной школе «Римон» в Рамат ха-Шароне и возглавлял его в 2013–2021 годах. С октября 2021 года он занимает пост руководителя музыкальной школы в Академическом центре Оно.

Lilia Pocitari © Clara Evens

Лилия Почитари, скрипка
Скрипачка международного класса Лилия Почитари родилась в Кишиневе и в настоящее время проживает во Франкфурте-на-Майне. Первую музыкальную степень она получила в Школе музыки Бухмана-Меты Тель-Авивского университета, а вторую - в Высшей школе музыки имени Ханса Эйслера в Берлине. К настоящему моменту Лилия Почитари стала лауреатом не менее 20 международных конкурсов, последним из которых стал конкурс в Сеуле в прошлом году, где она заняла второе место.
Когда она завоевала первую премию на Всемирном конкурсе имени Бартока в Будапеште в 2023 году, ее описывали как «артистку, чья чувствительность, природный авторитет и виртуозность очаровывают как жюри, так и публику». Действительно, помимо первой премии, жюри Академии Листа единогласно присудило ей специальный приз за лучшее исполнение современного произведения.
Карьера Лилии привела ее в самые престижные концертные залы Европы, где она играла с Симфоническим оркестром Сан-Ремо, Венским камерным оркестром, оркестром Concerto Budapest, Симфоническим оркестром Венгерского радио и другими коллективами. Лилия играла под управлением именитых дирижеров, таких как Зубин Мета, Юлиан Рахлин, Андраш Келлер, Янош Ковач и Деляна Лазарова, привнося в свои выступления то, что критики называют «идеальным балансом между интеллектуальной ясностью и страстью».
Лилия также активно выступает как камерный музыкант, играя на скрипке работы Никола Бергонци 1779 года и пользуясь смычком французского мастера Франсуа Никола Вуарена, предоставленными ей инвестиционной компанией Alfa Capital.

О программе
**Джоаккино Россини (1792–1868) Увертюра к опере «Севильский цирюльник» **
К 39 годам на счету Россини было 39 опер, и в конце того же года он сказал «баста» и начал готовить изысканные обеды для своих друзей. Как он все успел? В 14 лет у него уже была готова первая опера «Деметрио и Полибио». Если добавить к этому мнение исследователей о том, что он обычно завершал оперу за две-три недели, то 25 лет творчества объясняют это количество. Что касается качества, в нем также нет сомнений: после «Танкреда» и «Севильского цирюльника» прозвище Россини сменилось с «маленького немца» (прозвища, данного ему за любовь к Гайдну и Моцарту) на «итальянского Моцарта».
В 1824 году французский писатель Стендаль писал: «За последние двенадцать лет в светских беседах от Москвы до Неаполя и от Парижа до Калькутты не было имени более частого, чем Россини». Опера «Севильский цирюльник» была завершена, когда Россини было 24 года, став его семнадцатой оперой. Трудно поверить, но премьера в театре «Арджентина» в Риме 20 февраля 1816 года была кошмаром: инструменты расстраивались, певцы пропускали вступления, один из солистов поскользнулся и растянулся на сцене, по которой вдруг начал бродить незваный кот. Но это были мелочи. Главным были выкрики сторонников его предшественника, композитора Джованни Паизиелло, которые считали, что его версии «Севильского цирюльника» вполне достаточно, и зачем миру еще одна? Но начиная со второго исполнения, и по сей день «Севильский цирюльник» является оперным шедевром.
И еще кое-что: увертюру к «Севильскому цирюльнику» Россини уже использовал ранее для двух других опер. Но поскольку в его время увертюра не обязана была быть тесно связана с сюжетом, повторное использование мало кого шокировало.

**Феликс Мендельсон-Бартольди (1809–1847) Концерт для скрипки с оркестром ми минор, соч. 64 **
Этот концерт Мендельсона - эталон лиризма и виртуозности. На протяжении полутора веков он остается венцом концертных программ и студийных записей.
Пианист-виртуоз Феликс Мендельсон был другом детства скрипача-виртуоза Фердинанда Давида. В 1835 году, когда Мендельсон стал руководителем лейпцигского Гевандхауза, он назначил Давида первой скрипкой оркестра, а в 1843 году, при основании Лейпцигской консерватории, Давид стал первым членом ее коллектива. В 1838 году Мендельсон писал другу: «Этой зимой я напишу для тебя скрипичный концерт. В голове крутится что-то в ми миноре, и это начало не дает мне покоя». Однако концерт появился только в 1844 году, и даже тогда композитор провел бесчисленное количество консультаций со скрипачом, чтобы адаптировать произведение к возможностям и ограничениям инструмента. В марте 1845 года состоялась премьера. Солировал Давид, а оркестром Гевандхауза дирижировал датчанин Нильс Гаде.

**Джоаккино Россини «Итальянка в Алжире». Увертюра **
Долгое время создатели опер черпали сюжеты из драм греко-римского пантеона богов, из саг и интриг королей и вельмож. Или фантазировали о Востоке, помещая свои сюжеты в экзотические края: «Аида» и «Набукко» Верди, «Мадам Баттерфляй» и «Турандот» Пуччини, «Искатели жемчуга» Бизе, «Семирамида» и «Итальянка в Алжире» Россини. Таков ориентализм в европейском романтизме. В 1813 году, когда Россини взялся за сюжет «Итальянки в Алжире», он был рад идти по стопам Моцарта, создавшего за тридцать один год до этого «Похищение из сераля». В «Итальянке в Алжире» с либретто Анджело Анелли тоже есть гарем. Увертюра, подаваемая на оперных сценах мира как аперитив к произведению, обрела в музыкальном мире статус самостоятельного концертного произведения.

Феликс Мендельсон-Бартольди Симфония № 4 («Итальянская») ля мажор, соч. 90 Мендельсон воспитывался в богатом и пропитанном культурой берлинском доме.
Он преуспел не только в музыке, но и в живописи, и в языках. Помимо немецкого, на котором изысканно говорили ассимилированные Мендельсоны, он знал французский, английский и итальянский. Он много читал и переписывался на них, и они служили стимулом для его путешествий. Впечатления от поездок отражались в его музыке так же, как и в картинах. Путешествие на Британские острова породило «Шотландскую симфонию» и увертюру «Гебриды» («Фингалова пещера»), а странствия по «стране сапога» - от Милана, Флоренции и Венеции до Неаполя и Капри привели к созданию «Итальянской симфонии». Ее написание началось в Италии, завершилось в Германии, а премьера состоялась в Лондоне в мае 1833 года.
Именно 24-летний Мендельсон дирижировал концертом Лондонского королевского филармонического общества, которое заранее пообещало ему гонорар в 100 фунтов стерлингов. В течение следующих двух лет (до 1834 года) Мендельсон внес в партитуру несколько поправок, но не спешил с ее публикацией. Только в 1849 году, через два года после его смерти, была впервые исполнена отредактированная версия, и только в 1851 году она была напечатана.

*****

**Израильский симфонический оркестр Ришон ле-Циона
Дирижёр: Ярон Готфрид
Солистка: Лилия Почитари (скрипка) **
Джоаккино Россини. Увертюра к опере «Севильский цирюльник»
Феликс Мендельсон. Концерт для скрипки с оркестром, ми минор, соч. 64.
Джоаккино Россини. Увертюра к опере «Итальянка в Алжире»
Феликс Мендельсон. Симфония №4, «Итальянская», ля мажор, соч. 90

Тель-Авив. Оперный театр имени Шломо Лахата
Среда, 20.5.26, 20:00
Ришон ле-Цион, «Гехал ха-Тарбут» имени Меира Ницана
Воскресенье, 24.5.26, 20:00
Реховот, зал «Бейт ха-Ам»
Понедельник, 25.5.26, 20:00

Билеты в кассе «Браво»: https://best.kassa.co.il/announce/85501

После концерта в Ришон ле-Ционе состоится открытая встреча с музыкантами оркестра под руководством Баруха Аскарова, где у публики будет возможность задать вопросы, получить пояснения и заглянуть за кулисы концерта.

Текст подготовила Маша Хинич
Photos by ©Clara Evens, ©Shay Skiff
Пиар-агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting

Верхнее фото: Julian Rachlin, Conductor/Violin/ Photo: Marco Borggreve

Юлиан Рахлин вновь прилетает в Израиль, подтверждая, что личное присутствие музыкального руководителя и его прямое участие в жизни Иерусалимского симфонического оркестра остаются для него безусловным приоритетом.
Майские концерты ИСО под руководством маэстро Юлиана Рахлина состоятся, в Герцлии (в рамках Большой симфонической серии), в Иерусалиме и в Ашдоде с 17 по 20 мая 2026 года. В программе майских концертов: Пятая симфония Густава Малера, Двойной концерт Иоганна Себастьяна Баха (BWV 1060) и сочинение «Festive Pulse» Беньямина Юсупова.

Юлиан Рахлин. Photo by Evgeny Evtiukhov

В новой программе Рахлин выступает в двух ипостасях — как виртуозный солист в барочном концерте Баха (в ансамбле с гобоистом оркестра Ниром Гавриэли) и как масштабный дирижер-философ в Пятой симфонии Малера. Недаром о нем пишут: «Музыкант мирового уровня как на подиуме, так и с инструментом в руках» (Knight Classical).

Нир Гавриэли: ©Sagit Friedman Hallel

Вечера открывает Двойной концерт Баха для гобоя и скрипки с оркестром (BWV 1060). Юлиан Рахлин выступает здесь в двойной роли — солиста и дирижера — в диалоге с гобоистом оркестра Ниром Гавриэли.
История создания концерта Баха для гобоя и скрипки с оркестром — захватывающий музыкальный детектив. Рукопись его оригинальной партитуры не сохранилась. То, что мы слышим сегодня, является реконструкцией. Исследователи полагают, что концерт был написан в Лейпциге в 1730-х годах. В то время Бах руководил студенческим обществом Collegium Musicum, которое давало еженедельные концерты в кофейне Циммермана. Для этих выступлений требовалось много светской музыки. Поскольку времени на сочинение с нуля часто не хватало, Бах перерабатывал свои ранние произведения. Мы знаем об этом шедевре благодаря версии для двух клавесинов (BWV 1060a), но музыковеды единодушно признали в «первоисточнике» диалог гобоя и скрипки. В реконструированном виде концерт вернул себе первоначальный блеск: мягкий, тембр гобоя идеально контрастирует с виртуозной и острой скрипичной техникой. Эта партитура требует от исполнителей кристальной ясности — в прозрачной фактуре барокко слышна каждая деталь.

Беньямин Юсупов — photo ©Рина Юсупов

Продолжит программу «Festive Pulse» Беньямина Юсупова, композитора, чье имя неразрывно связано с ИСО. Занимая позицию штатного автора столичного оркестра (Composer-in-Residence), он пишет музыку, идеально учитывающую уникальный почерк и возможности коллектива. Как следует из названия («Праздничный пульс»), центральную роль здесь играет ритм. Композитор мастерски работает и с «плотностью» звука: оркестровая ткань то становится прозрачной, то сгущается до мощных, энергичных кульминаций. Юсупов известен своим умением объединять традиции Востока и Запада. В «Festive Pulse» это проявляется в сложной, почти математической точности ритмических структур, которые при этом сохраняют живую, эмоциональную окраску.

Во втором отделении прозвучит Пятая симфония Густава Малера (1901–1902). Она родилась в переломный момент, когда жизнь Малера напоминала остросюжетный роман. Работа над ней началась в тиши его летней виллы в Майерниге, но за спокойным фасадом скрывалась личная драма: незадолго до этого композитор едва не умер от внезапного внутреннего кровотечения. Столкновение со смертью отразилось в первых же тактах симфонии — в ее знаменитом Траурном марше. Однако мрак быстро сменяется светом. В период работы над Пятой симфонией Малер встретил Альму Шиндлер. Возможно, что именно его стремительная влюбленность и женитьба радикально поменяли эмоциональный ландшафт произведения. Знаменитое Adagietto — четвертая часть симфонии — фактически стало любовным письмом к Альме, написанным на языке музыки.
Малер в Пятой отказался от словесных текстов, которые он использовал в предыдущих симфониях. «Слушатель должен сам пройти этот путь», — считал он. Композитор так фанатично стремился к совершенству, что возвращался к партитуре Пятой до конца своей жизни, постоянно пересматривая инструментовку. В итоге мир получил одно из самых сложных и совершенных произведений в истории музыки — симфонию, которая за час с небольшим проводит слушателя от похоронной процессии к торжествующему гимну жизни.

*****

JSO by Boris Shachnovich

Иерусалимский симфонический оркестр.
Дирижер и солист-скрипач — Юлиан Рахлин
Солист — Нир Гавриэли (гобой)

Программа:
И. С. Бах: Концерт для гобоя и скрипки ре минор, BWV 1060
Б. Юсупов: «Festive Pulse»
Г. Малер: Симфония № 5 до-диез минор

Продолжительность: около двух часов (с антрактом)

Воскресенье, 17 мая, 20:30. Центр сценических искусств Ашдода
Вторник, 19 мая 2026, 20:00. Центр сценических искусств Герцлии (в рамках Большой симфонической серии Амоса Тальмона)
Среда, 20 мая, 19:30. «Театрон Иерушалаим», зал «Генри Краун»

Билеты в кассе «Браво»: https://best.kassa.co.il/announce/85977, а также на сайте Иерусалимского симфонического оркестра: https://jso.smarticket.co.il/ru/

Фотографии:
Юлиан Рахлин: ©Marco Borggreve, ©Evgeny Evtiukhov,
Оркестр: ©Борис Шахнович
Нир Гавриэли: ©Sagit Friedman Hallel
Портрет Беньямина Юсупова — ©Рина Юсупов
Автор текста: Маша Хинич
Пиар-агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting

Ярмарка пройдет при поддержке группы Harel Insuranc&Finance и международного страхового гиганта ZURICH, в сотрудничестве с муниципалитетом Тель-Авива — Яффо. Ярмарка «Свежая крска» — Fresh Paint («Цева Тари») — крупнейшее ежегодное событие в мире искусства и дизайна в Израиле, после успеха прошлого года и теплых отзывов публики, в этом году вновь пройдет в уникальном здании, которое ранее служило операционным центром Электрической компании в Тель-Авиве — Техническом центре Кременицки.

Photo — Ariel Efron

С 24 по 29 июня 2026 года в Тель-Авиве вновь откроется ярмарка искусства, которая соберет талантливых художников, дизайнеров и представит креативные проекты, охватывающие широкий спектр современных тем — от живописных до социальных. Одна из целей «Свежей краски» — стремление укрепить израильскую арт-сцену в текущих условиях нынешней реальности. Возможно, именно поэтому ярмарка служит мостом между художниками, коллекционерами и зрителями, предоставляя уникальное пространство для самовыражения и обмена идеями. В этом году организаторы удивят посетителей не только выставочными проектами, но и инновациями, отражающими дух времени.

С каждым годом Fresh Paint становится все более заметным культурным событием, объединяющим лучшие творческие силы Израиля и предоставляющим платформу для новых открытий и уникальную возможность увидеть искусство в его самом живом и динамичном проявлении, познакомиться со значимыми выставками и проектами, отражающими актуальные тенденции в израильском искусстве. В этом году, как и в прошлом, ярмарка пройдет в комплексе Кременицки – бывшем опустевшем здании Электрической компании, выкупленном Тель-Авивским муниципалитетом, но ещё не решившим, что же с ним делать.

Photo — Shiri Atchich

Ярмарка существует с 2009 года, Тель-Авивский муниципалитет поддерживает её с 2011 года, так что нынешняя – уже 18-я по счету. Для тех, кто еще там не был: это впечатляющий индустриальный комплекс, расположенный между жилым районом Бицарон и офисными зданиями улицы Игаль Алон, в нескольких минутах ходьбы от станции поезда «Ха-Шалом» и станции легкорельсового транспорта. Экспозиции ярмарки займут просторный ангар и прилегающие открытые площадки, что позволит посетителям насладиться этим пространством до того, как оно будет снесено и перестроено в жилой, деловой и торговый квартал.

Fresh Paint ежегодно предоставляет платформу и поддержку местному творческому сообществу, объединяя его с широкой и разнообразной аудиторией. В основе деятельности ярмарки лежит вера в силу культуры формировать лучшее будущее — обновлять, волновать и дарить всем нам вдохновение, надежду и жизненные силы для творчества.

***Рон Хульдаи, мэр Тель-Авива — Яффо: «*Это непростые времена для Государства Израиль и всего израильского общества. Но именно в такие дни нам нужны культура и искусство — те чудесные очки, через которые можно вглядываться в прошлое или мечтать о будущем. Мы в Тель-Авиве — Яффо привержены искусству и настаиваем на его важности в любой ситуации, как в будни, так и в чрезвычайные периоды. Потому что искусство — это рецепт душевного здоровья, а оно является не роскошью, а жизненной необходимостью. Я приветствую возвращение Fresh Paint — ярмарки, которая дает искусству право звучать, выражать позицию и вести значимый диалог».

Хен Ариэли, заместитель мэра и куратор по вопросам культуры: «Наше партнерство с Fresh Paint с первого дня её основания базируется на понимании того, что культура — это фундамент свободы, необходимый демократическому обществу. Ярмарка является местом, где израильское искусство получает достойную сцену без фильтров, и для нас она служит либеральным и ценностным компасом».

Доктор Гай Роткопф, председатель правления Harel Insurance: «Мы рады продолжению сотрудничества с группой Fresh Paint. Это партнерство подчеркивает нашу приверженность поддержке местного творчества и укреплению связи с сообществом художников и творцов в Израиле».

Ярмарка «Свежая краска» — Fresh Paint, основанная Шарон Тиллингер и Ифат Гурион, является главным ежегодным событием в мире искусства Израиля. Уже почти два десятилетия ярмарка продолжает знакомить публику с успешными и многообещающими художниками, инновационным дизайном и неожиданными идеями. Она позволяет приобретать работы лучших художников Израиля, выявляя и взращивая следующее поколение местных талантов.

Продажа билетов начнется в течение мая.

Дополнительная информация на сайте ярмарки: www.freshpaint.co.il
Страница в фейсбуке — https://www.facebook.com/freshpaint
Инстаграм — https://www.instagram.com/freshpaintartfair/

Все фотографии предоставлены пресс-службой Fresh Paint Fair

Заглавное фото: дирижер Михаил Меринг (© Michael Pavia) и скрипач Нитай Цори (© Dan Lev). Предоставлено пресс-службой оркестра «Симфонет Раанана»**

Оркестр «Симфонет Раанана». Концерт № 8
Произведения Антонина Дворжака
Михаил Меринг - дирижёр
Нитай Цори - скрипка
Антонин Дворжак: Концерт для скрипки с оркестром ля минор, соч. 53
Антонин Дворжак: Симфония № 8 соль мажор, соч. 88**

Речь идёт о двух сочинениях Антонина Дворжака, написанных почти в один и тот же период его жизни - и именно это делает их сопоставление особенно интересным. Оба произведения принадлежат зрелому периоду творчества композитора, и в обоих он отходит от немецкой симфонической строгости, формируя собственный уникальный язык. Эти опусы также отражают время, когда Дворжак окончательно утвердился как мастер, сумевший органично соединить европейскую академическую традицию и чешскую национальную интонацию.

Концерт для скрипки с оркестром ля минор, соч. 53
Это сочинение было создано в 1879–1880 годах - в момент, когда Дворжак уже получил международное признание, во многом благодаря поддержке Иоганнеса Брамса. Концерт предназначался для выдающегося скрипача Йозефа Иоахима, однако тот, несмотря на активное участие в редактировании партии, так и не исполнил его публично.

Симфония № 8 соль мажор, соч. 88
Симфония была написана позднее - в 1889 году, в период полной творческой зрелости композитора. Она создавалась в его загородном доме в Богемии, и это пасторальное настроение напрямую ощущается в её светлом и вдохновенном звучании.

[caption id=“attachment_53526” align=“alignleft” width=“361”]Михаил Меринг. Фото - © Michael Pavia[/caption]

Михаил Меринг - дирижёр
Михаил Меринг родился в Москве в 1991 году и начал свой музыкальный путь как кларнетист под руководством Ивана Мозговенко в Школе имени Гнесиных. В дальнейшем он развивал свое мастерство в Версальской консерватории у профессора Филиппа Купера и на протяжении многих лет удостаивался премий на престижных международных конкурсах. Затем он обратился к изучению дирижирования в Московской государственной консерватории имени П. И. Чайковского у профессора Владимира Понькина, а также получил наставничество от маэстро Михаэля Клаузы. Следует также отметить продолжительное влияние мастер-классов Софии Рахлин в Вене, сыгравших важную роль в формировании дирижёрской техники Меринга.
Дирижёрская карьера Меринга получила дополнительный импульс с его назначением ассистентом маэстро Эвана Роджистера в совместной постановке «Лоэнгрина» Вагнера в Большом театре и Метрополитен-опера. Его дебют в Большом театре включал дирижирование операми «Директор театра» Моцарта и «Пимпиноне» Телемана - обе постановки были высоко оценены критикой.
Меринг выступал с ведущими коллективами, среди которых Симфонический оркестр Польского радио, Силезская филармония, Токийский филармонический оркестр и оркестр Большого театра. Его динамичный музыкальный подход и выдающиеся лидерские качества продолжают завораживать публику, укрепляя его реноме одного из самых интересных дирижёров своего поколения.
В настоящее время он является ассистентом музыкального руководителя Юлиана Рахлина в Иерусалимском симфоническом оркестре, внося значительный вклад в его художественные успехи.
После особенно успешного сезона 2024–2025 годов, включавшего дебюты в Венской государственной опере и с Израильским филармоническим оркестром, текущий сезон 2025–2026 включает новые творческие проекты с медной духовой группой ИФО, Иерусалимским камерным оркестром, оркестром «Симфонет Раанана» и другими коллективами. Меринг продолжает тесное сотрудничество с Иерусалимским симфоническим оркестром и возвращается к выступлениям с Израильским филармоническим и Израильским камерным оркестрами. Его предстоящий график включает концерты в Польше, Литве, Германии, Австрии и других странах Европы.
Важной вехой в его развитии стала работа в Большом театре в качестве ассистента маэстро Тугана Сохиева над высоко оценёнными постановками опер «Мазепа» Чайковского и «Дон Жуан» Моцарта.
Как кларнетист Меринг выступал солистом с юного возраста на престижных мировых сценах. Среди его достижений - премии на известных конкурсах, таких как Международный конкурс имени Жака Лансло в Японии и Международный конкурс имени Белы Ковача в Венгрии. В 2023 году Меринг был удостоен премии на Международном дирижёрском конкурсе имени Гжегожа Фительберга - одном из самых значительных и требовательных состязаний в мире. Кроме того, он получил специальные награды на Международном дирижёрском конкурсе в Гонконге, что подтвердило его статус восходящей звезды мирового дирижирования.

[caption id=“attachment_53525” align=“alignleft” width=“362”]Нитай Цори. Фото - © Dan Lev[/caption]

Нитай Цори - скрипка
Скрипач и альтист Нитай Цори - концертмейстер оркестра «Симфонет Раанана», один из самых известных музыкантов Израиля. Он широко выступает как в стране, так и за рубежом в качестве солиста, участника камерных ансамблей и оркестрового лидера. Его обширный репертуар простирается от эпохи барокко до наших дней, включая множество произведений израильских композиторов, написанных специально для него. Нитай Цори также является основателем Alexander Piano Trio.
Как солист Цори играл со многими прославленными коллективами, в том числе с оркестром Римской оперы, Оркестром радио и телевидения Любляны, Симфоническим оркестром Балеарских островов в Пальма-де-Майорке, Тбилисским городским оркестром и Оркестром Ванкувера. Помимо работы концертмейстером в Раанане, он дирижировал Национальным симфоническим оркестром Украины, оркестром «Синфоника Кастилья и Леон» в Испании, Камерным кибуцным оркестром, Musica Nova Consort и «Ансамблем XXI века».
В сотрудничестве со своим братом, известным виолончелистом Хилелем Цори, и пианисткой Михаль Таль, Нитай Цори основал ансамбль «Клуб израильской камерной музыки», который активно действует на протяжении последнего десятилетия и удостоен премии имени Партоша.
Выросший в музыкальной семье, Нитай Цори начал заниматься под руководством своего отца, Цви Цори. Он с отличием окончил Музыкальную академию имени Рубина в Тель-Авиве по классу скрипки, после чего продолжил обучение в консерватории Сан-Франциско.
В настоящее время Нитай Цори преподает искусство игры на скрипке в Музыкальной школе имени Бухмана-Меты при Тель-Авивском университете. Он также руководит группой молодых талантов в Музыкальном центре Мишкенот Шеананим в Иерусалиме и работает с Молодежным филармоническим оркестром.

*****

Оркестр «Симфонет Раанана»
Концерт № 8 - «Любовная песнь Богемии». Произведения Антонина Дворжака
Дирижёр: Михаил Меринг
Скрипка: Нитай Цори
Программа:
Антонин Дворжак: Концерт для скрипки с оркестром ля минор, соч. 53
Антонин Дворжак: Симфония № 8 соль мажор, соч. 88
Даты концертов:
Четверг, 30.4.2026, в 20:00
Суббота, 2.5.2026, в 21:00
Концерты пройдут в Городском центре музыки и искусств Раананы (ул. Пальмах, 2-алеф).
Заказ билетов по телефону: 09-7457773 или на сайте оркестра: www.symphonette.co.il
Страница оркестра в Facebook: facebook.com/symphonette.raanana

Текст подготовила: Маша Хинич
Фотографии: © Dan Lev, © Michael Pavia (предоставлены пресс-службой оркестра «Симфонет Раанана»)
Пиар-агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting

Финал XVIII Международного конкурса пианистов имени Артура Рубинштейна, который должен был состояться в мае 2026 года, перенесен и пройдет с 3 по 9 сентября 2026 года в Тель-Авивском музее изобразительных искусств и в филармоническом зале «Гейхал ха-Тарбут» имени Чарльза Бронфмана.

Решение о переносе финала продиктовано стремлением провести заключительные этапы именно в Израиле. Из-за логистических трудностей, вызванных текущей ситуацией в сфере безопасности, и возможных ограничений Службы тыла на количество зрителей, организаторы сочли сентябрь наиболее подходящим временем для обеспечения безопасности и высокого художественного уровня мероприятия.
Шесть финалистов будут разделены на две группы по три человека; каждый вечер будет выступать одна из групп.

Расписание финальных этапов:
Оркестровый финал (с камерным оркестром «Израильская Камерата Иерусалим»): 3 и 5 сентября, Тель-Авивский музей изобразительных искусств.
Камерный финал: 4–5 сентября, Тель-Авивский музей изобразительных искусств.
Оркестровый финал (с Израильским филармоническим оркестром): 7–8 сентября, «Гейхал ха-Тарбут», Тель-Авив.
Церемония награждения и концерт лауреатов: 9 сентября, «Гейхал ха-Тарбут», Тель-Авив.

«Мы считаем первостепенно важным проведение финальных этапов Конкурса Рубинштейна именно в Израиле, перед местной публикой и в том культурном пространстве, где конкурс родился и вырос», - говорит Ариэль Коэн, руководитель конкурса. «Решение о переносе финала было непростым, оно продиктовано ответственностью перед участниками. Именно это позволяет нам гарантировать проведение конкурса на самом высоком уровне, сохранив уникальный художественный и международный дух нашего мероприятия».

Отборочные этапы конкурса пройдут в запланированные сроки - с 28 апреля по 4 мая - в Академии Кронберга (Германия). Это решение принято, чтобы не нарушать планы 42 пианистов, которые готовились к состязанию более года.
I этап (сольные выступления): 28 апреля – 1 мая.
II этап (сольные выступления): 2–4 мая.
Ведение программы, интервью, дискуссии в антрактах и управление прямой трансляцией будут осуществляться из Тель-Авивского музея изобразительных искусств. Все этапы конкурса будут транслироваться в прямом эфире на официальном сайте: arims.org.il.

Участники и жюри
В этом году в конкурсе принимают участие 42 пианиста из разных стран: 5 из Израиля, 11 из Китая, 5 из Южной Кореи, 3 из России, 2 из Болгарии, 2 из Великобритании, а также представители Украины, США, Беларуси, Грузии, Японии, Латвии, Испании, Польши, Португалии, Чехии, Канады и Швейцарии. Среди участников 7 женщин и 35 мужчин. Возраст самого молодого конкурсанта - 18 лет, средний возраст - 25 лет.
Жюри вновь возглавит прославленный пианист и педагог, профессор Арье Варди. В состав жюри также вошли: Марта Аргерих, Даниэль Баренбойм, Ефим Бронфман, Акико Эби, Тайсир Элиас, Иэн Фонтейн, Павел Гилилов, Йохевед Каплински, Элла Милх-Шериф, Пётр Палечны и Су Чжан Син..

О программе финала
В финале участники исполнят фортепианные трио совместно со скрипачкой Саидой Бар-Лев и виолончелистом Хилелем Цори, а также фортепианные концерты с оркестрами «Израильская Камерата. Иерусалим» (дирижер Авнер Бирон) и Израильским филармоническим оркестром (дирижер Йоэль Леви).
Международный конкурс пианистов имени Артура Рубинштейна был основан в 1974 году по инициативе Якова (Яши) Быстрицкого. Конкурс устанавливает исключительно высокие стандарты и служит мировой платформой для молодых талантов, обладающих интеллектуальной зрелостью и яркой индивидуальностью.

Расписание проведения XVIII Международного конкурса пианистов имени Артура Рубинштейна (2026 год)
27 апреля
Торжественное открытие и Гала-концерт открытия.
Место проведения: Casals Forum, Академия Кронберга (Германия).

28 апреля - 1 мая
I этап (сольные выступления).
Участвуют все 42 конкурсанта, сольные программы продолжительностью 35–40 минут.
Академия Кронберга (Германия).

2-4 мая
II этап (сольные выступления).
Участвуют 16 отобранных пианистов, сольные программы продолжительностью 50–60 минут.
Академия Кронберга (Германия).

3 и 5 сентября
Финал: Оркестровый финал («Классический концерт»). 6 участников.
Выступления с камерным оркестром «Израильская Камерата. Иерусалим» под руководством дирижера Авнера Бирона.
Место проведения: Тель-Авивский музей изобразительных искусств.

4-5 сентября
Камерный финал («Камерная музыка»). 6 участников.
Исполнение фортепианных трио совместно со скрипачкой Саидой Бар-Лев и виолончелистом Хилелем Цори.
Тель-Авивский музей изобразительных искусств.

7-8 сентября
Оркестровый финал («Большой концерт»). 6 участников.
Выступления с Израильским филармоническим оркестром под руководством дирижера Йоэля Леви.
Зал имени Чарльза Бронфмана (Гейхал ха-Тарбут), Тель-Авив.

9 сентября
Церемония награждения и Гала-концерт победителей.
Выступления лауреатов с оркестром «Израильская Камерата. Иерусалим» под руководством дирижера Авнера Бирона.
Зал имени Чарльза Бронфмана (Гейхал ха-Тарбут), Тель-Авив.

Сайт конкурса - https://arims.org.il

Страница в фейсбуке на русском языке - https://www.facebook.com/ArthurRubinsteinPianoCompetition

Иллюстрации предоставлены ассоциацией Конкурса Артура Рубинштейна

Пиар-агентство: Masha Hinich PR & Sofia Nimelstein PR & Consulting

Верхнее фото - Revоlution Orchestra © PHOTOGRAPHER MOSHE CHITAYAT

«Революционный оркестр» («Тизморет а-Маапеха») представляет оригинальную программу «Бах. Революционная версия». Единственное шоу состоится в субботу 16 мая 2026 года в Оперном театре Тель-Авива.
Художественные руководители оркестра Зоар Шарон и Рой Оппенгейм относятся к Баху не как к историческому лицу, а как к живому собеседнику: «Мы не стремимся разобрать его музыку и собрать заново. Мы вступаем в разговор с Бахом и его сочинениями. Нам интересно, что произойдет, когда наши музыканты 21-го века обратятся к его произведениям». «Революционный оркестр» превращает полифонию Баха в современное многоголосие мира, совершая своего рода «революцию» внутри канона и «общается» с Бахом, как с нашим современником, предлагая новую версию великой музыки.
Результат - сочинения на основе Баха, где классика встречается с бразильскими ритмами, литургика Баха звучит на иврите, а индийская флейта бансури соседствует с электронным looper. Слушателям предлагается музыка барокко в вариациях 21-го века, основанная на интерпретациях и оригинальных аранжировках произведений Баха, с элементами импровизации и использованием таких инструментов, как бансури, флейта най, аккордеон, looper и т.д. «Революционный оркестр» отказывается от консервативного подхода, предпочитая вступить с великим классиком в живой, современный диалог, используя инструменты, стили и язык 21 века, создавая своего рода еврейскую оду Баху.
Всё это складывается в музыкальный микс, где музыка Баха становится собеседником и партнёром. Некоторые из важнейших и наиболее известных инструментальных и вокальных произведений Баха послужили отправной точкой для создания оригинальных израильских сочинений специально для этого проекта. Дальнейшие аранжировки, включающие игру солистов, хоровое пение и сольные вокальные партии, создают особый синтез: стиль Баха с его величественной структурой переплетается с современным мировым звучанием, современными музыкальными элементами и новыми оригинальными текстами на иврите, написанными к произведениям, изначально созданным как литургическая музыка.

Revоlution Orchestra © PHOTOGRAPHER MOSHE CHITAYAT

Первая часть программы «Бах. Революционная версия» - это три сочинения для солистов, интерпретации музыки Баха современными израильскими музыкантами.

Йонатан Керен, известный скрипач и композитор, лауреат многочисленных премий, написал оригинальный концерт для скрипки, оркестра и looper. Looper позволяет записывать и наслаивать фразы в реальном времени, и таким образом исполнитель сам по себе превращается в небольшой оркестр с собственными ритмами, гармониями и многоголосием. За основу Йонатан Керен взял Третью партиту ми мажор, но в его версии Бах звучит как бы изнутри дигитального пространства: знакомая мелодия разрастается, множится, вступает в полифонию сама с собой.

Флейтистка Лили-Анн Бецалель (флейта бансури, флейта най и поперечная флейта), прошедшая путь от академической сцены до изучения восточных инструментов, исполняет сочинение Зоара Шарона для бансури, флейты най и оркестра. Музыка Зоара Шарона перекликается с Партитой ля минор для флейты соло, но из барочной строгости вырастает плавное звуковое путешествие, где макамы соседствуют с баховскими интонациями. В этой музыке есть ощущение пространства - из Лейпцига 18 века слушатели внезапно оказываются в Индии или Персии, не замечая, что музыка пересекает границы.

Салит Лахав (аккордеон, флейта) - мультиинструменталистка, участница и основательница ансамбля бразильской музыки «Chorola», в совместной работе с композитором Авнером Кельмером создала произведение, начинающееся с утонченной версии концерта для клавесина фа минор - одного из самых лиричных и трогательных концертов в истории музыки, исполняемого ею на аккордеоне и переходящего в бразильский ритм фохо. Мелодия, которую она исполняет на аккордеоне, звучит неожиданно современно, а затем плавно переходит в бразильский, живой, пульсирующий ритм, в котором меланхолия Баха обращается в танец.

Вторая - центральная часть концерта - посвящена вокальной музыке, вдохновленной кантатами и хоралами, величием сложнейших полифонических духовных сочинений. Композитор Гай Фратти и поэт Шахар Шамай написали трехчастное произведение - «Творение», «Драма» и «Примирение» на оригинальные тексты на иврите, перекликающееся с выдающимися баховскими кантатами и хоралами. Это сочинение исполняет вокальный ансамбль «Моран» под управлением Тома Карни при музыкальном руководстве Наоми Фаран. Эта часть - не стилизация, а попытка переправить духовную энергию Баха на другую языковую и культурную почву. Музыка остается полифонической и напряженной, но слова, звучащие на иврите, создают новое пространство смысла, где баховская структура музыки соединяется с израильской эмоциональностью.

Финалом вечера, объединяющим всех солистов и хор, станет Concerto Grosso Йонатана Керена - композиция, в которой солисты и хор вступают в игру отражений. Здесь нет привычного соперничества между оркестром и сольными инструментами: всё построено на чередовании реплик, диалогах и совместном звучании, и тогда концерт превращается в общее музыкальное высказывание, даже в общее дыхание.

Музыканты оркестра собирают воедино разные миры - от барокко до современной электроники, от камерного звучания до почти театральной экспрессии, когда техника и живое исполнение не противопоставлены, а дополняют друг друга. За пространственным звучанием следит звукорежиссер Валери Котлер, превращая зал в акустический лабиринт, где каждый тембр находит своё место.

Revоlution Orchestra © PHOTOGRAPHER MOSHE CHITAYAT

****

«Бах. Революционная версия». «Революционный оркестр»
Дирижер: Рой Оппенгейм
Солисты:
Йонатан Керен (скрипка, looper), Лили-Ан Бецалель (бансури, най флейта), Салит Лахав (аккордеон, флейта)
Хор «Моран»
Дирижер ансамбля: Том Карни
Руководитель ансамбля: Наоми Фаран
Звукорежиссер: Валери Котлер | Звук и свет: Маджента | Технический менеджер: Дани Фишоф

Посмотреть видео: https://youtu.be/rpf5_yx6ZPo

Суббота, 16.05.2026, 20:00. Оперный театр Тель-Авива

Программа длится восемьдесят минут без антракта и сопровождается субтитрами.

Билеты в «Браво»: https://best.kassa.co.il/announce/83885

Фотографии: Моше Читиайт
Текст: Маша Хинич
Пиар-агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting

Театр Гешер откроет 35-й сезон премьерой «Дома Бернарды Альбы»

23 апреля в театре Гешер состоится премьера спектакля «Дом Бернарды Альбы». Постановка по пьесе знаменитого испанского драматурга Федерико Гарсиа Лорки открывает 35-й сезон театра. Режиссер – Идо Кольтон. В главной роли – Эфрат Бен-Цур.

«Дом Бернарды Альбы» – это история о свободе, которая подавляется дома, и о тех немногих, кто осмеливается выглянуть в окно и мечтать о другой жизни. Дом – это крепость, которая защищает, пока однажды не превращается в тюрьму.

После смерти мужа Бернарда Альба объявляет «чрезвычайное положение». Прикрываясь моралью, честью и единством семьи, она вбивает клин между своими пятью дочерьми и устанавливает режим страха и жесткого контроля. Насилие маскируется под порядок, а домострой – под защиту от угроз внешнего мира. Но не все дочери готовы это принять.

«Дом Бернарды Альбы» станет второй постановкой Идо Кольтона в театре Гешер после спектакля «С кем бы побегать», премьера которого состоялась в 2025 году. В спектакле заняты: Эфрат Бен-Цур, Офир Цвайгенбом, Михаль Вайнберг / Ирит Бенедек, Тали Осадчи, Карин Серуя, Лилиан Шели Рут, Николь Подвальный, Дар Розенбаум, Ноа Карми.

«Впервые я прочитал “Дом Бернарды Альбы” Федерико Гарсиа Лорки, когда мне было шестнадцать. Это стало для меня потрясением. Великие пьесы рождаются в моменты, когда общество начинает предпочитать послушание свободе, тишину – правде, а страх – свободе выбора. В этом смысле пьеса Лорки – не просто история, а предупреждение о том, к чему может прийти общество, если страх и контроль заставляют молчать. Она напоминает нам, что борьба за свободу начинается не на полях сражений, а внутри дома – в сердце, в голосе, который стремится быть услышанным.

Я хотел бы посвятить эту постановку одной выдающейся женщине – моей матери, у которой я научился смелости говорить, даже когда это неудобно слышать», – говорит режиссер спектакля Идо Кольтон.

Федерико Гарсиа Лорка считался опасной фигурой из-за своих либеральных взглядов, критики власти и своей гомосексуальности. Пьеса «Дом Бернарды Альбы» была написана в 1936 году; два месяца спустя автор был убит, а место его захоронения до сих пор неизвестно. Пьеса была поставлена лишь в 1945 году и с тех пор стала мировой классикой.

Спектакль на иврите с субтитрами на русском языке.

Премьера: 23, 24, 25 апреля 2026 года.

Заказ билетов: Дом Бернарды Альбы - Театр Гешер, спектакли в Тель-Авиве

**
Израильская опера представит «Саломею» Рихарда Штрауса, шедевр, основанный на скандальной пьесе Оскара Уайльда, в трактовке известного израильского режиссера Итая Тирана. Спектакли пройдут с 8 по 18 мая в Оперном театре Тель-Авива.**

Итай Тиран создал эффектную, смелую и гипнотическую постановку в футуристическом духе «Звёздных войн». Он участвовал в дизайне сцены, подготовки эскизов декораций, аксессуаров, костюмов! Отмеченная многочисленными наградами постановка возвращается на сцену спустя семь лет после премьеры, вновь погружая зрителя в чувственный и завораживающий мир одной из величайших опер мирового репертуара. Как и на премьерных показах, дирижирует музыкальный руководитель Израильской оперы Дан Эттингер.

Пьеса Оскара Уайльда, впервые представленная в Париже в 1896 году, воспламенила воображение Рихарда Штрауса. Третья опера композитора стала поворотным пунктом на его творческом пути и принесла ему международное признание. Благодаря масштабной оркестровке, новаторскому музыкальному языку и непрерывному драматическому напряжению, «Саломея» вызвала бурю эмоций, с самого начала столкнулась с цензурными трудностями, но быстро стала вехой в истории музыки - произведением, которое продолжает потрясать и гипнотизировать зрителя даже спустя 120 лет после премьеры. Библейская история о принцессе Саломее, потребовавшей от царя Ирода за свой танец голову пророка, прочтена как экспрессивная драма, полная метафор, символики, энергии, красоты, экзотики и чувственности.

Действие разворачивается при дворе Ирода. В центре сюжета Саломея, дочь Иродиады, жены Ирода, и падчерица царя - загадочная и бескомпромиссная, не покоряющаяся законам мужского мира и готовая заплатить любую цену за свою страсть. Иоанн Креститель, названный тут своим настоящим иудейским именем Йоханаан, брошен Иродом в темницу за обличение пороков Иродиады. Пророк пробуждает в Саломее неистовую страсть, но когда она пытается соблазнить его, он отвергает ее. Ирод, в момент, обнажающий его собственную мрачную тягу к падчерице, требует, чтобы Саломея станцевала для него, обещая взамен исполнить любое ее желание. «Танец семи покрывал» - кульминация оперы - дает Саломее право требовать и получить на серебряном блюде отсеченную голову Йоханаана. Ария Саломеи - одна из самых леденящих душу и незабываемых сцен в оперном искусстве. Ирод, охваченный ужасом от увиденного, приказывает своим воинам убить ее. Но в спектакле Итая Тирана найден более эффектный и соответствующий характеру музыки финал: героиня убивает себя, а рабы, вместо того, чтобы выполнить приказ Ирода, убивают его самого.

«Саломея – это свет в темном царстве, - подчеркивает режиссер. – Она ищет смысл в происходящем в этом мрачном мире, где разрушены и отношения между людьми, и вся система моральных ценностей, где светит не солнце, а луна. И именно луна становится одной из фокусных точек нашей постановки».

Хореограф Ренана Раз представляет свою концепцию «Танца семи покрывал» - одного из самых знаменитых эпизодов оперы Р. Штрауса. «Для нас танец Саломеи – это ритуал, некий акт, в котором раскрывается ее сила, проявляются поиски ею смысла жизни», - говорит Итай Тиран.

Вместе с Даном Эттингером, Итаем Тираном и Ренаной Раз над постановкой работали: сценограф Эран Ацмон, художник по костюмам Орна Сморгонски, художник по свету Ави Йона Буэно (Бамби) и видеохудожник Йоав Коэн. Видеоработы Йоава Коэна вдыхают жизнь в образ луны, превращая ее в активного и угрожающего участника сценического действа.

В постановке принимают участие ведущие солисты из Израиля и разных стран мира. Среди них сопрано Мари Уэбб в роли Саломеи, бас-баритон Ионуц Паску в роли Йоханаана, теноры Чарльз Уоркман и Вольфганг Швайнингер в роли Ирода, меццо-сопрано Наташа Петрински и Эдна Прохник в роли Иродиады, а также Аарон Блейк и Эйтан Дрори в роли Наработа.

Израильская опера благодарит зарубежных солистов, прибывших в Израиль в это непростое время, и ценит их преданность и глубокую, бескомпромиссную веру в важность и силу искусства.

*******

Израильская опера предоставляет возможность познакомиться с людьми, стоящими за постановкой: режиссером, всей постановочной командой и солистами, а также услышать музыкальные фрагменты оперы.

Среди особых мероприятий:

● Вступительные лекции за час до начала каждого спектакля. Вход бесплатный для обладателей билетов.

● Экскурсии за кулисы в четверг, 14 мая, в 18:45, и в воскресенье, 17 мая, в 16:45.

● Опера TalkBack: открытая встреча, которая состоится по окончании трех спектаклей в фойе на втором этаже Оперного театра, в понедельник, 11 мая, четверг, 14 мая, и воскресенье, 17 мая.

*******

Рихард Штраус. «Саломея». Одноактная опера. Исполняется на немецком языке с титрами на иврите и английском

Представления пройдут с 8 по 18 мая 2026 года в Оперном театре Тель-Авива.

Участники постановки:

Израильский симфонический оркестр Ришон ле-Циона и Израильской оперы

Дирижер – Дан Эттингер (17 мая оперой продирижирует Нир Ротем)

Постановщик – Итай Тиран

Солисты:

Саломея (сопрано) - Николь Шевалье/ Мари Уэбб,

Йоханаан (бас-баритон) – Йонуц Паску

Ирод, тетрарх Иудеи (тенор) – Чарльз Уоркман / Вольфганг Швайнингер

Иродиада, его жена (меццо-сопрано) - Эдна Прохник / Наташа Петрински

Нарработ, молодой сириец, начальник стражи (тенор) – Аарон Блейк / Эйтан Дрори

Паж (альт) – Рона Шрира / Тамара Навот

Первый иудей - Энтони Уэбб

Второй иудей - Рон Зильберштейн

Третий иудей - Кристиан Штурм

Четвертый иудей - Ади Эзра

Пятый иудей - Яир Полищук

Первый солдат - Кирилл Одинцов

Второй солдат - Ноах Бригер

Первый назаретянин - Юрий Кисин

Второй назаретянин / Каппадокиец - Йоав Аялон

Раб - Рафаэль Апфель

Продолжительность спектакля: около 1 часа 45 минут (без антракта).

Даты спектаклей:

Пятница, 8 мая, в 13:00

Суббота, 9 мая, в 20:30

Понедельник, 11 мая, в 20:00

Вторник, 12 мая, в 20:00

Четверг, 14 мая, в 20:00

Пятница, 15 мая, в 13:00

Воскресенье, 17 мая, в 18:00

Понедельник, 18 мая, в 20:00 – гала-вечер

Информация и приобретение билетов в кассе Оперного театра по телефону 03-6927777 или в кассе «Браво»:

https://best.kassa.co.il/announce/85905

Текст подготовила Маша Хинич

Фотографии © Йоси Цвекер

Пиар-агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting

Международный цирк HUBA CUBA - гастроли в Израиле начинаются 22 апреля, через два месяца после запланированной ранее даты

Несмотря на сложную реальность последних лет, в Израиль прибыл большой международный цирк – живой, с настоящим шатром, настоящими артистами и настоящим адреналином, который возникает тогда, когда эквилибрист делает нечто невозможное прямо у вас над головой, и вы это видите своими глазами. Гастрольное турне HUBA CUBA – нового кубинского цирка – продлится в Израиле весь 2026 год, в путешествии с севера на юг страны. Начнется, снова несмотря на сложную реальность последних двух месяцев, после того как 30 артистов цирка решили остаться в Израиле во время войны и не возвращаться на родину. Они продолжали жить в цирковом шатре, расположенном в Хайфском заливе — районе, который особенно пострадал от обстрелов. Артисты выполняли все указания и бежали в укрытие при каждой тревоге - они называют его «бункером». В промежутках между сиренами они продолжали тренироваться, чтобы поддерживать форму и качество цирковых элементов. Это уже само по себе - не само собой разумеется.
Цирк HUBA CUBA возвращается с выступлениями в Хайфе - именно на том месте, где он остановился в начале войны. Время тогда остановилось, а сейчас надо вернуться… Быстро досчитаем до ста, вуаля, и! И цирк HUBA CUBA возобновит показы в Хайфе начиная с ближайшего Дня Независимости - первое представление пройдет в среду, 22 апреля в 11:00. Цирк останется в Хайфе до 30 мая и даст 30 представлений по выходным, на Лаг ба-Омер и на Шавуот.
В июне цирк переедет в Афулу, где даст 20 представлений. Июль - Кфар-Саба, август - Нетания, а в сентябре–октябре, включая праздники Тишрей, цирк HUBA CUBA будет выступать в парке Яркон в Тель-Авиве. В ноябре переедет в Беэр-Шеву, а на Хануку завершит свое турне рядом с Ашкелоном. Из-за ограничений, связанных с войной и невозможностью выступать в дни Пурима и Песаха - главных цирковых «праздников» - продюсеры приняли решение скорректировать расписание, чтобы за оставшееся время добраться до всех уголков страны.
будет странствовать по стране– так что, если ближайшие показы не совпадают с вашими планами, скорее всего, цирк сам приедет к вам. Это, пожалуй, одна из самых приятных особенностей проекта: он не требует от зрителя далеко ехать.
С Днём независимости!

Организаторы решились на масштабный проект: большой цирковой шатер будет странствовать по Израилю, представляя зрителям международную труппу артистов из Кубы и Колумбии. Речь идет о десятках воздушных гимнастов, акробатов, танцовщиков и клоунов, большинство из которых прибыли с Кубы, часть – из Колумбии. Их объединяет не только высокий профессиональный уровень, но и необыкновенный темперамент.

HUBA CUBA – это не «цирк как в детстве». Это цирк, которого не было в вашем детстве. Потому что такого ещё не было. В программе HUBA CUBA – полеты под куполом, рискованная акробатика, пластическое искусство тела, трюки, балансирующие на грани возможного, и традиционные кубинские танцы. Визуальный и звуковой мир спектакля навеян атмосферой улиц Гаваны - столицы Кубы. Музыка, которая вызывает мурашки. Движения, которые выглядят как импровизация, хотя за ним стоят годы серьезной работы. Энергия, которую сложно описать словами, но легко почувствовать, когда сидишь в зале и вдруг обнаруживаешь, что уже несколько минут не смотришь в телефон и даже не думаешь о нем. Особую роль в спектакле играют клоуны. Именно они ведут зрителей через всё представление – от пролога и до финала. Клоунские репризы соединяют воздушные номера и акробатические блоки, держат темп и умудряются быть одновременно смешными и точными.

Важная деталь, о которой стоит сказать отдельно: в шоу нет животных. Это принципиальное решение организаторов. Всё, что происходит на арене – это мастерство, физическая подготовка и темперамент. Организаторы подчеркивают, что речь идет не просто о цирковом представлении, а о встрече с кубинской культурой, смелостью, ритмом и весельем – с тем, что оставляет зрителей одновременно изумленными и счастливыми. Именно в такой последовательности: сначала изумление, потом счастье -это не рекламный оборот, а точное описание того, что происходит со зрителями, когда они выходят из шатра после двух часов кубинского карнавала под крышей израильского цирка.

Шоу рассчитано на зрителей всех возрастов – от двух лет и до 120. Это семейное представление в самом широком смысле слова: дети восхищаются полетами под куполом, взрослые следят за точностью акробатических элементов, пожилые зрители узнают в кубинских ритмах что-то давно знакомое и дорогое. Каждый находит в этом спектакле своё.

****

HUBA CUBA
Режиссер израильской версии – Омер Замари. Израильская продюсерская компания – «Тевет афакот».

Даты и города:
Хайфа и Крайот, комплекс «Хуцот а-Мифрац» – с 22 апреля по 30 мая 2026 года включительно, включая День Независимости, Лаг ба-Омер и Шавуот.
Стоимость билетов – от 50 до 129 шекелей, с учетом различных скидок. Продажа на выбранные даты уже открыта.
Билеты: https://www.kupat.co.il/show/circus
Трейлер: https://www.youtube.com/watch?v=OLDzon7Puco

Все фотографии - © Ася Лях – предоставлены компанией «Тевет афакот».

Верхний снимок - Nofar Yacobi, soprano - Photo by Haim Kimchi

Оркестр «Симфонет Раанана» представляет программу «О романтике и страсти»: в этот вечер на сцену выйдут выдающиеся израильские музыканты: дирижёр Давид Зеба, пианист Михаэль Зерцекель и сопрано Нофар Яакоби. В программу включены знаковые произведения венских классиков, мастеров итальянской оперы и яркий образец музыкального театра XX века - сочинения Бетховена, Моцарта, Верди и Бернстайна.

В программе:
Людвиг ван Бетховен
Концерт для фортепиано с оркестром № 2 си-бемоль мажор, соч. 19.
Это сочинение относится к раннему периоду творчества Бетховена и было завершено в конце 1790-х годов. По своей стилистике концерт близок к традициям Моцарта и классицизма, однако в нём уже отчётливо проявляется самобытный почерк композитора — его темперамент и гармоническая смелость.

Вольфганг Амадей Моцарт
Увертюра к опере «Свадьба Фигаро». Стремительное и яркое полотно, написанное без традиционного медленного вступления, виртуозно передаёт азарт и комедийную интригу оперы. Сегодня увертюра является одним из самых узнаваемых и часто исполняемых симфонических фрагментов в мировом репертуаре.
Ария Деспины «In uomini, in soldati» из оперы «Так поступают все женщины». Ироничный монолог служанки Деспины пронизан скепсисом в отношении мужской верности. Сцена выдержана в блестящей комедийной интонации, характерной для жанра опера-буффа.
Арии Царицы ночи из оперы «Волшебная флейта». Знаменитые шедевры вокального искусства, требующие от сопрано предельного мастерства. Арии известны виртуозными колоратурами, филигранной техникой и драматическим накалом.

Джузеппе Верди
Прелюдия к опере «Травиата». Одно из наиболее глубоких оркестровых вступлений Верди. Музыка сразу погружает слушателя в атмосферу лирической драмы, становясь тонким отражением судьбы Виолетты — хрупкой любви, обречённой на трагический финал.
Ария Джильды «Caro nome» из оперы «Риголетто». Поэтичная сцена из первого акта, в которой главная героиня предаётся грёзам о первой влюблённости. Ария считается эталоном лирического сопранового репертуара благодаря своей нежности и мелодической чистоте.

Леонард Бернстайн
Ария Кунигунды «Glitter and be Gay» из оперетты «Кандид». Блестящий номер, в котором Бернстайн мастерски соединил сложность классической оперной арии с острой сатирической интонацией. Виртуозные пассажи здесь служат средством передачи комичного самолюбования героини, что сделало этот фрагмент настоящим хитом мировых подмостков.

Давид Зеба. Photo © Yossi Zweker

Об исполнителях
Давид Зеба - дирижёр
Уроженец Хайфы. Получил степень магистра с отличием (Magna Cum Laude) по специальностям «композиция» и «вокал» в Академии музыки имени Рубина в Тель-Авиве. Автор музыки и аранжировок для театров, опер, хоров и оркестров. Исполняет сольные партии в ораториях и операх, выступает как дирижёр и пианист в Израиле и за рубежом. Участвовал во многих постановках Израильской оперы в качестве пианиста, солиста и переводчика.
В настоящее время является штатным дирижёром оркестра «Симфонет Раанана», дирижирует в Израильской опере, является музыкальным руководителем двух хоров и руководит оперной студией в Иерусалимской академии музыки и танца. Написал произведение «Алиса в стране чудес» для Израильской оперы, которое было исполнено под его руководством и получило высокие оценки критиков. В 2015 году представил оперу «Матери», которая с успехом шла в Израильской опере.

Михаэль Зерцекель - фортепиано
Родился в 1980 году в Ростове (Россия), начал заниматься на фортепиано в возрасте семи лет. В десять лет переехал в Москву для обучения в Центральной музыкальной школе при Консерватории имени П. И. Чайковского. В 1995 году завоевал первую премию на Конкурсе имени Скрябина в Москве. Также является лауреатом конкурсов имени Эммануэля Дюрле (Антверпен), конкурса в Пучсерде (Испания) и конкурса в Монтеррее (Мексика). В 2008 и 2011 годах занимал первые места на конкурсах Иерусалимской академии музыки и танца.
Обучался у профессора Василия Ермакова в Москве, в Израиле - у Риты Лисухиной и профессора Ицхака Каца. Продолжил обучение у профессоров Ярона Розенталя, Биньямина Орена и Виктора Деревянко. Активно выступает как солист с ведущими оркестрами Израиля и даёт сольные рециталы. Стипендиат фонда «Цфонот Тарбут», при поддержке которого выпустил компакт-диск, получивший положительные отзывы критиков.

Нофар Яакоби - сопрано
Критики описывают её как «блестящую, захватывающую и убедительную исполнительницу с виртуозным комедийным блеском». Начала учиться игре на фортепиано в пять лет, позже влюбилась в оперу во время пения в девичьем хоре. Недавно выступала в Карнеги-холле с Четвёртой симфонией Малера, пела партию Цербинетты («Ариадна на Наксосе» Р. Штрауса) в Израильской опере, партию Царицы ночи в венской «Фольксопер», партию Амура («Орфей и Эвридика» Глюка) в Театре Массимо в Палермо и Лизетты («Ласточка» Пуччини) в оперном театре Новары.
Нофар - лауреат престижной премии Респиги (2023), первой премии на Международном конкурсе имени Риты Гор (2022) и обладательница пяти наград конкурса Spazio Musica (2021). Озвучила вокальную партию в ивритской версии фильма Disney «Красавица и чудовище» (2017). Выступала на ведущих сценах мира, включая Мюнхен (Гертнерплац), Торонто (Кернер-холл) и Калгари-оперу. Выпускница студии «Мейтар» Израильской оперы, программы для молодых певцов в Калгари (Канада) и школы Гленна Гульда в Торонто. Окончила школу музыки имени Бухмана-Меты при Тель-Авивском университете. Стипендиат многочисленных фондов, включая Американо-израильский культурный фонд и фонд Азриэли. Создательница международного проекта музыкальной солидарности совместно с итальянской телерадиокомпанией RAI.

*****

Даты концертов:
Четверг, 23 апреля 2026, 20:00
Суббота, 25 апреля, 21:00
Городской центр музыки и искусств, ул. Пальмах 2-алеф, Раанана
Билеты: по телефону 09-745-7773 или на сайте оркестра: www.symphonette.co.il

Страница в Facebook: Symphonette Raanana https://www.facebook.com/symphonette.raanana

Текст подготовила: Маша Хинич
Фото: © Haim Kimchi, Yossi Zweker (предоставлены пресс-службой оркестра «Симфонет Раанана»)
PR-агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting

Заглавное фото — BOLERO X. House of dance by Teatro Colon

BOLERO X – постановка знаменитого хореографа Шахара Биньямини. В представлении принимают участии 50 танцоров House of Dance и музыканты «Революционного оркестра».
Музыку к балетному спектаклю сочинил израильский композитор Ариэль Блюменталь, построивший собственный звуковой мир под вдохновением знаковых партитур Стравинского, Дебюсси и Равеля.

Представления состоятся в Оперном театре Тель-Авива, c 25 по 28 мая 2026.
Три одноактных балета в программе одного вечера.

Bolero X. Photo © Ascaf

В основе BOLERO X – три столпа балетного модернизма. Первая часть трилогии, APRIL, навеяна «Весной священной» Нижинского, вторая, ARISE, ведет диалог с его же «Послеполуденным отдыхом фавна», третья, BOLERO X, переосмысливает каноническое «Болеро», которое ассоциируется у нас в первую очередь с Бежаром.
Три произведения, определившие развитие танца в ХХ веке, получают новое прочтение в авангардной хореографии и в живом оркестровом звучании. Шахар Биньямини, известный своими масштабными концептуальными работами, предлагает очень своеобразную интерпретацию культового «Болеро» Мориса Равеля, где гипнотический ритм и нарастающая кульминация превращаются в мощный ритуал – в неумолимой, точной и органичной человеческой механике, в безупречном сочетании традиционной балетной техники и элементов современного танца. В BOLERO X культовая партитура Мориса Равеля 1928 года пульсирует заново. Биньямини препарирует ее ДНК, растворяет время, сплетая историю с настоящим, с общим дыханием и мощью исполнителей. Его главный инструмент, как и у самого Равеля, – повторение. Но если в музыке повторение служит структурным средством нагнетания напряжения, то Биньямини использует его хореографически, эмоционально и философски. Повторение становится силой, обнажающей новые слои смысла в отголосках и вариациях, расходящихся по ансамблю волнами. «X» в названии означает не только умножение, но и точку пересечения – там, где история встречается с настоящим, индивидуальное сливается с коллективным, а музыка воспламеняет движение. Из этого пересечения вырастает захватывающее драматическое путешествие между современным танцем и оркестровой музыкой – диалог культовых произведений с новым прочтением.

«Болеро» давно является частью повседневного звучания нашей жизни. Этот неуклонный, постепенно нарастающий музыкальный поток гипнотизирует, захватывает, доводит напряжение до предела. Шедевр Равеля приближается к столетнему рубежу, и в руках Шахара Биньямини пульсирующая энергия его музыки, внутренний накал и неостановимое движение «Болеро» обретают еще большую силу и масштаб. На этой основе Шахара Биньямини объединяет 50 танцоров House of Dance и музыкантов «Революционного оркестра», выстраивая вечер как цельную драматургию – от ритуального импульса к пробуждению желания, и далее к гипнотическому нарастанию ритма, напряжения, страсти.
«BOLERO X» Шахара Биньямини стало международной сенсацией – постановка была показана на ведущих сценах мира, в Германии, Канаде, Франции, Китае и других странах. BOLERO X продолжает международное турне, включающее показы в Оперном театре Антверпена, Teatro alla Scala в Милане, Bunkamura Hall в Токио, The Soraya в Лос-Анджелесе, Elisabeth Theater в Ванкувере, Армянском оперном театре и Словацком национальном театре. В мае 2026 «BOLERO X» впервые будет представлено в Израиле.

Первая часть – APRIL
В первой части вечера Шахар Биньямини создает произведение, в основе которого – новый взгляд на знаменитый балет «Весна священная». Хореография разворачивает ритуальное, вневременное пространство, где внутренний импульс сталкивается с коллективным действием, рождая чувственно-мистический обрядовый опыт. Специально для этого произведения Ариэль Блюменталь написал оригинальную музыку, соединив акустические инструменты с электроникой, гитарами, необычными ударными и синтезаторами.
Исполнители: танцевальный коллектив House of Dance и «Революционный оркестр».

Вторая часть – ARISE
Во второй части вечера Шахар Биньямини обращается к культовому произведению «Послеполуденный отдых фавна». Хореография движется по тонкой, мистической и чувственной линии между минимализмом и одиночеством, между притяжением и отстраненностью. Возникает вневременное пространство, где тело становится воспоминанием – как тоска, как порыв.
Исполнители: танцевальный коллектив House of Dance и «Революционный оркестр».

Photo © Udo Mittelberger

Третья часть – BOLERO X
Финальная часть вечера, BOLERO X – хореографическая версия культовой музыкальной структуры, выстроенная на принципах повторения, накопления и нарастания. Это действие в движении, неуклонно меняющее оттенки и темп, сосредоточенное на контрасте между одиночкой и толпой, между контролем и самоотдачей, между дисциплиной и телесной страстью. Из точности и повторения вырастает захватывающий, почти ритуальный физический опыт, в котором все линии вечера сходятся в единой кульминации.
Исполнители: танцевальный коллектив House of Dance и «Революционный оркестр».

Shahar Binyamini. Photo by David Haas

Шахар Биньямини – один из самых ярких израильских танцовщиков и хореографов на международной сцене, чьи работы исполняются ведущими балетными и современными труппами в Европе, Азии, Северной и Южной Америке и на Ближнем Востоке. В своих постановках он обращается к классическим музыкальным произведениям, предлагая их новое пластическое прочтение. После многих лет работы в труппе «Бат-Шева» и сотрудничества с ведущими мировыми коллективами, а также с певицей SZA, Биньямини представляет в Израиле постановку одновременно личную, универсальную и эмоционально мощную.
Шахар Биньямини родился в 1988 году в городе Лод. С 2007 по 2013 годы танцевал в ансамбле «Бат-Шева». Сегодня развивает самостоятельную карьеру – танцует, занимается хореографией и другими видами искусства. Его работы можно увидеть в театрах и галереях в Израиле и за рубежом. Из последних работ: постановка Bound для Royal Swedish Ballet в Стокгольме; Kulukulupa – дуэт в исполнении Эри Накамуры и Биньямини, впервые представленный на фестивале The Diver и далее – в рамках программы «В гостях у «Бат-Шевы» в 2015 году; инсталляция Wall to Wall Carpeting – результат сотрудничества с Лиат Сегаль, художницей, использующей в своей работе новые медийные технологии.
В 2013 году вместе с профессором Эйтаном Гроссом из Института Вайцмана Биньямини организовал творческую группу TnuDa, в которую входят танцоры, хореографы, студенты и ученые. Участники проекта вместе танцуют и исследуют взаимоотношения научных и творческих процессов.
Среди недавних проектов Шахара Биньямини – новая хореография для Friedrichstadt-Palast в Берлине, выступления с собственной труппой и специальный заказ для Expo 2025 в Осаке.

Ariel Blumentha. Photo by Tal Givony

Ариэль Блюменталь – композитор и музыкальный продюсер, руководитель отделения музыки для кино и телевидения в колледже «Римон». За 20 лет творческой работы в Лос-Анджелесе Блюменталь работал с Lionsgate, Fox International Channels, NatGeo и другими над постановками в США, Европе, Японии, Китае и Израиле. Писал музыку для сериалов каналов Кан 11, Решет, Hot, yes. Лауреат премии Чикагского оркестра за композицию.Его произведения исполнялись Израильским филармоническим оркестром, Иерусалимским симфоническим оркестром, хором Сан-Диего, Тайваньским национальным оркестром и др.

*******

APRIL — Весенний обряд
ARISE – Послеполуденный отдых фавна
BOLERO X

Хореография, декорации и костюмы: Шахар Биньямини
Дирижер: Рои Оппенгейм
Композитор: Ариэль Блюменталь
Музыкальные руководители: Рои Оппенгейм и Зоар Шарон
Все спектакли пройдут в Оперном театре Тель-Авива
Продолжительность спектакля: около полутора часов
Исполнители: танцевальный коллектив House of Dance и «Революционный оркестр»

25 мая 2026, понедельник — 20:00
26 мая, вторник — 20:00
27 мая, среда — 17:00
28 мая, четверг — 18:00

Билеты в кассе Оперного театра Тель-Авива по телефону 03-6927777 или в «Браво»: https://best.kassa.co.il/announce/85498

Посмотреть видео: https://youtu.be/eSvn80YzNDk

Текст — Маша Хинич
Photos by ©Ascaf, ©David Haas, ©Tal Givony ©Udo Mittelberger, ©Teatro Colon, ©Yanai Yechiel
Пиар-агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting

Заглавное фото: Ронит Барнага , «Обращение к музам», 2025. Фотография предоставлена художницей

Музей Эрец-Исраэль — MUZA
Биеннале искусств и дизайна Тель-Авива 2026
«Труды и дни»
С 22 апреля 2026 года по 30 ноября 2026 года

«Труды и дни» — это исследование коллекции музея. Проект, над которым кураторы и художники работали два года — проект, соединивший людей, творчество, материалы, чувства.
Биеннале искусств и дизайна Тель-Авива 2026 «Труды и дни» в MUZA показывает картину общества за последние 3 года через разнообразие материалов, медий, мировоззрений и даже возрастов (от 26 лет до 92) художников, и также разнообразие отношения к крафту и дизайну. И к тому же, это биеннале нового формата — без иерархии, с тождественным отношением к различным направлениям и с показом социальных изменений через искусство.
Реальность сегодня такова, что можно попытаться скрыться от нее, углубившись в поиск символов и аллегорий, но может лучше все-таки обратиться к реальности — к её образам и цветам, к ее идеям и к ее осмыслению через ремесло и материальность, через релевантность и профессионализм, через вдохновение, исследования, отражения, действия. И повторю еще раз – через коллекции музея.

Веред Ааронович. Девочка с крыльями, 2023. Фото: Михаэль Лиран

Более 200 работ и проектов израильских художников и дизайнеров будут представлены на третьей биеннале в музее Эрец-Исраэль — MUZA, основная тема которой — «Труды и дни». Наряду с центральной выставкой в павильоне Ротшильда экспонаты биеннале будут представлены и в других залах музея, в павильонах постоянных коллекций и на других площадках MUZA. Также в программе биеннале: академические «теплицы», экскурсии, встречи в галереях, международный симпозиум и мероприятия для всей семьи.

Первая биеннале искусств и дизайна Тель-Авива «От первого лица. Вторая натура» прошло в MUZA в 2020 году и стало синонимом свежего актуального взгляда на сцену крафта и дизайна в Израиле, черпая немало вдохновения из многолетней приверженности музея материальной культуре Эрец-Исраэль. Вторая биеннале в MUZA прошла весной 2023 года под тезисом «Человек — мера вещей».

С того времени израильское общество пережило и переживает одно из самых драматических потрясений в своей истории. Нынешняя биеннале откликается на эту реальность через произведения, исследующие место творчества в моменты кризиса и отражающие ощущения срочности, стойкости и временности. Область крафта и дизайна во всех своих проявлениях раскрывается не только как художественное высказывание, но и как живая созидательная сила — и общественная и социальная. Творчество предстает здесь как акт ответственности — перед человеком, общиной и средой, а также как пространство материального, технологического, исследовательского и практического знания, которое продолжает меняться, развиваться и переосмысляться.

Noy & Tamir. Следующая битва (Часть III). Фото: Daniel Hanoch Photographer

Тема биеннале 2026 года «Труды и дни» взята из названия эпической поэмы древнегреческого поэта Гесиода «Труды и дни» (VIII в. до н.э.) — одного из древнейших размышлений о «труде», о «деле», понимаемом не только как физическое усилие или ремесло, но и как экзистенциальный акт существования и нравственный поступок.
Написанная как практическое руководство к достойной и справедливой жизни, Ἔργα καὶ Ἡμέραι — эта дидактическая эпическая поэма — обретает сегодня новый смысл: творческий труд открывается как осознанная и неустанная практика стойкости, а порой и сопротивления, — возникающая из стремления предупреждать, защищать и исцелять. В произведении автор обращается к своему брату Персу, прославляя честный труд, критикуя несправедливость и описывая пять эпох человечества. Кстати, согласно Гесиоду, человечество деградирует, и начав с золотого века, когда люди жили как боги, без труда и страданий, «докатились» до века «железного» — современного самому Гесиоду, и нам с вами. Непрерывный труд, несправедливость, страдания. Гесиод говорит, что сам желал бы родиться раньше или позже — настолько тягостна эта эпоха. Мы уже заметили…
Но вернемся к биеннале, к его центральной выставке, которая пройдет в павильоне Ротшильда и которая объединяет более 200 работ и исследовательских проектов в широком диапазоне материалов, медиа и практик — от керамики, стекла и текстиля до промышленного дизайна, визуальной коммуникации, фотографии, видео-арта, а также до экспонатов, сочетающих традиционные ремесла с новыми технологиями, локальное искусство с современным мышлением, материальные процессы с социальной вовлеченностью с акцентом на материальные исследования и экспериментальные практики.

Евгения Кирштейн. «Колумбарий профессий», 2025. Фотография предоставлена художницей.

Экспозиция выстроена вокруг тематических векторов, посвящённых труду, природе, идентичности и культурной памяти, времени и преемственности, исследованию и процессу, а также понятиям дома, накопления и принадлежности. На верхнем уровне павильона Ротшильда экспозиция сосредоточена вокруг архетипической форма кувшина или в широком смысле — сосуда как центрального концептуального и пространственного символа. Сосуд — одновременно форма, след и символическая точка для ориентации, соединяющая тело и космос — воплощает понятия вместимости, непрерывности и стойкости.

Работы для биеннале «Труды и дни» отбирались профессиональным жюри совместно с кураторами биеннале. В состав жюри вошли: проф. Ури Бартель, руководитель магистерской программы по промышленному дизайну в Академии «Бецалель»; д-р Эран Эрлих – мультидисциплинарный художник, лектор и куратор, бывший заведующий кафедрой керамики и стекла в Академии «Бецалель»; Юваль Эциони — старший преподаватель кафедры текстильного дизайна в колледже «Шенкар»; Рула Хури — независимый куратор; а также Ади Шабтай Папо — директор ассоциации художников «Йоцрим бе-Яшаль» и галереи B.Y5.

Исследовательские проекты в павильонах постоянных коллекций:
Исследовательский дух, пронизывающий биеннале, особенно подчеркивается в павильонах постоянных коллекций MUZA, для которых были разработаны уникальные проекты в рамках сотрудничества между кураторами музея и художниками. Эти проекты возрождают археологические, исторические и этнографические собрания музея через призму современного взгляда, предлагая живой диалог между материальной культурой прошлого и актуальными творческими практиками.

Экспозиция биеннале. Фото: Daniel Hanoch Photographer

Музей Эрец-Исраэль (MUSA): новые проекты в павильонах.
Музей представляет серию выставок и художественных проектов, развернутых в тематических павильонах. Проекты современных художников вступают в диалог с археологическими и этнографическими коллекциями, предлагая новый взгляд на историю материальной культуры, идентичность и память.

Павильон керамики
Куратор: Елена Эльгарт-Шарон
Проекты: «Пустота в теле керамики (Lacuna)» — доктор Шломит Бауман;
«Пустые записи» — Талья Мукмелль

Павильон Александер (история почты и филателии)
Куратор: Рахель Бонфиль
Проект: Overprint Song — Гай Саги

Павильон нумизматики имени Кадмана
Куратор: др. Йоав Фархи
Проект: Знак — Монета — Идентичность — Studio RAG (Рами Решти и Алон Канчук)

Экспозиция биеннале. Фото: Daniel Hanoch Photographer

Павильон стекла
Куратор: Анриетта Элиэзер Бруннер
Проекты: Оселок — Шахар Кедем
О слезах и дыхании — Лилах Читайят

Павильон «Человек и его труд»
Куратор: д-р Эли Коэн-Сассон
Проекты: Нет снимка — нет человека — Михаль Браур
Преемственность — Studio Reddish (Наама Штейнбок и Идан Фридман)
Эпоха чуда — Навет Ицхак

Фойе зала им. Клячкина
Куратор: Раз Самира
Открытки из прошлого — Вера Владимирски

Павильон фольклора и еврейской культуры
Куратор: Майя Коэн-Моссек
Проекты:
Надежды Пандоры — Софи Абу-Шакра
Под ковром — Рони Йехезкель

Тель-Касила
Куратор: Елена Эльгарт-Шарон
Проект:
Курган — Карим Яхья

Экспозиция биеннале. Фото: Daniel Hanoch Photographer

Академические «теплицы»:
Биеннале искусства и дизайна последовательно представит четыре академических «теплицы» под руководством ведущих израильских вузов. Проекты демонстрируют уникальные подходы и позволяют заглянуть в закулисье рабочих и творческих процессов, основанных на глубоких исследованиях.
Три из них будут представлены в галерее «Мигдаль», еще один — в центре Эдмонда де Ротшильда в Тель-Авиве.
«Питательная среда» — «Шенкар». Междисциплинарный проект кафедры промышленного дизайна, дизайна ювелирных изделий им. Алис Готесман и школы визуальных коммуникаций.
«Вымышленные истины» — Академический колледж менеджмента (Михлала ле-Минхаль), школа дизайна и инноваций.
Craft X Tech — Хайфский университет, школа дизайна, кафедра дизайна моды.
«Трансформация следов» — Центр Эдмонда де Ротшильда. Теплица будет представлен по адресу: бульвар Ротшильда, 104, Тель-Авив.

Мероприятия и события:
Биеннале 2026 года будет сопровождаться академическим каталогом на иврите и английском языке, блогом и аудиогидом.
Программа включает разнообразные форматы: мастер-классы, лекции, кураторские экскурсии, встречи с художниками, междисциплинарные проекты, перформансы и международную конференцию. Ряд мероприятий с участием публики пройдет в саду «Бустан MUZA» им. Джека, Джозефа и Мортона Манделя.

Гиль Омер, генеральный директор MUZA: «Нынешняя биеннале — это воплощение миссии нашего музея: быть живым и актуальным общественным пространством, которое лелеет современное искусство, опираясь при этом на свои исторические фонды. Как культурный институт, мы стремимся к непрерывному диалогу с обществом, в сердце которого мы существуем. Я убежден, что именно в этом неразрывном переплетении творчества, музейных коллекций, научных исследований и взаимодействия со зрителем и заключается истинная роль Музея Эрец-Исраэль в Тель-Авиве в наши дни».

Раз Самира, заместитель директора и главный куратор: «Мы с волнением открываем третью Биеннале, которая уже стала значимой традицией для нашего музея. Эта традиция призвана раскрыть широчайший спектр направлений искусства, дизайна и крафта, отражая сложный комплекс чувств и настроений, охвативших нас после событий 7 октября. Биеннале выводит на авансцену текстиль, ювелирное дело и керамику — направления, которые порой не находят постоянного пристанища в музейных стенах, но здесь обретают центральное значение.
В этом году мы решили включить в экспозицию исторические артефакты из наших архивов: они вступают в живой резонанс с современными работами, создавая новый диалог между прошлым и настоящим. Тот же принцип прослеживается и в различных павильонах музея, где история встречается с современностью, наполняя друг друга новыми смыслами».

Экспозиция биеннале. Фото: Daniel Hanoch Photographer

Кураторы биеннале:
Анриэтта Элиэзер Бруннер:* «Творчество никогда не бывает нейтральным. Каждый созидательный акт отражает дух своего времени, свидетельствуя о том, как художники и творцы реагируют на напряженность, тревоги и чувство безотлагательности, пронизывающие наше настоящее. В реальности, полной потрясений и неопределенности, биеннале предлагает иной ритм — более медленный, осязаемый и размеренный. Мы стремимся видеть в ремесле и дизайне не просто художественное самовыражение, но технологии сопричастности и ответственности. Это формы мышления через работу с материей; действия, в которых материалы и трудовые процессы раскрываются как обширные пласты знаний. Само созидание здесь предстает как живая сила — сила, с помощью которой мы помним, проживаем боль, исцеляем, мечтаем и продолжаем творить».*

Галит Гаон: «Проведение биеннале в стенах музея, хранящего уникальные, значимые коллекции местной материальной культуры, позволило нам выстроить в музейном пространстве три круга взаимодействия. Первый — это центральная экспозиция, представляющая современные высказывания на главную тему выставки. Параллельно с ней мы инициировали тринадцать захватывающих проектов, ставших результатом диалога между исследованием и творчеством: кураторы музея и дизайнеры совместно изучали фонды, чтобы создать на их основе новые произведения. Мы верим, что эти новые объекты, рождающиеся с каждой биеннале, со временем станут частью постоянной коллекции, образуя преемственный цикл — «вещь, порожденная вещью».
Третий, академический круг — это приглашение к дискуссии: факультеты дизайна вступают в разговор с посетителями о процессах творчества, вдохновении, переосмыслении и сохранении наследия. Вместе эти три направления формируют триединство времени: будущее, настоящее и прошлое сосуществуют в пространстве выставки, утверждая музей как ведущую платформу, объединяющую все временные измерения».

Экспозиция биеннале. Фото: Daniel Hanoch Photographer

Избранные имена:
Среди работ, представленных как в павильоне Ротшильда, так и в других залах и павильонах музея, можно найти произведения Веред Ааронович, Яэль Олиэль, Йонатана Ульмана, Энатеш Ялау, Ронит Баранги, Арье Берковича, Висаль Джубран Аль-Укби, Зейнаб Джербии, Мирьям Гамбурд, Май Даас, Инбаль Хоффман, Улы Зейтун, Рафата Хаттаба, Ади Яир, Нобуйи Ямагучи, Итая Яакова, Варды Ятом, Шарон Моро, Эреза Неви Паны, Фуги Наим, Ури Самета, Яэль Ацмони, Хайми Феничеля, Веред Камински, Рецинг Цанг, Эстер Кнобель, Дафны Кафман, Барака Ротема, Таль Шошан, Бориса Шпейзмана и многих других.

В биеннале также включены групповые и совместные проекты, среди которых: коллектив «Зман Тгува» (Время реакции); коллектив «Адраба»; группа «Хилуф Хомарим» (Обмен веществ), состоящая из девяти дизайнеров, творцов и лекторов; HiWAT — проект искусства и дизайна для африканских женщин, ищущих убежище в Израиле; Iota — дизайн ради социальных перемен и другие.

****
Музей Эрец-Исраэль — MUZA
Биеннале искусств и дизайна Тель-Авива 2026
«Труды и дни»
С 22 апреля 2026 года по 30 ноября 2026 года
Генеральный директор MUZA — Гиль Омер
Заместитель генерального директора и главный куратор MUZA — Раз Самира
Кураторы биеннале — Анриетта Элиэзер Бруннер, Галит Гаон
Дизайн экспозиции — Омри Бен-Арци, студия OBA
Графический дизайн и брендинг — Коби Леви, «Лига»

Тель-Авивская биеннале искусства и дизайна проводится при содействии муниципалитета Тель-Авива-Яффо.

Сайт музея — https://www.eretzmuseum.org.il
https://www.eretzmuseum.org.il/en/exhibitions/the-tel-aviv-biennale-of-crafts-and-design-2026/
Фейсбук — https://www.facebook.com/eretzmuseum
Инстаграм — https://www.instagram.com/eretzisraelmuseum

Все иллюстрации предоставлены пресc-отделом музея Эрец-Исраэль — MUZA

Quartet Rishonim — Photo© Yoel Levy

После сорока тяжелых и полных тревоги дней Симфонический оркестр Ришон ле-Циона приглашает на весенний камерный концерт. В программе — два шедевра, воплощающие в себе все многообразие чувств: от меланхолии до радости.
Квартет ре минор Моцарта — единственный, написанный композитором в минорной тональности. В его четырех частях запечатлено напряженное внутреннее странствие, которое, по сложившейся традиции Моцарта, отмечено ярким оперным драматизмом.
Фортепианный квинтет Дворжака с первых аккордов увлекает нас в стихию звуков и танцев Богемии — родины композитора, покоряя своим размахом и чувственным порывом.
Программа концерта будет исполнена квартетом «Ришоним» и пианистом Евгением Брахманом.

Струнный квартет «Ришоним» — один из самых авторитетных камерных ансамблей Израиля, чей творческий путь неразрывно связан с историей израильского исполнительского искусства. Коллектив был основан в 1993 году по инициативе выдающегося маэстро Ноама Шерифа и объединил ведущих солистов Симфонического оркестра Ришон ле-Циона (оркестра Израильской оперы).
За десятилетия совместной работы квартет выработал уникальный творческий почерк, сочетающий академическую безупречность с глубокой эмоциональной выразительностью. Сегодня в состав ансамбля входят признанные мастера: Гилад Хильдесхайм (скрипка), Дотан Таль (скрипка), Ирит Ливне (альт) и Раз Коэн (виолончель).
Репертуар «Ришоним» охватывает широкий спектр — от классических основ Гайдна, Моцарта и Бетховена до сложных партитур композиторов XX века, таких как Шостакович и Равель. Особое место в их деятельности занимает популяризация израильской музыки: ансамбль является признанным интерпретатором сочинений Эдена Партоша, Мордехая Сетера и своего основателя Ноама Шерифа.
Квартет — постоянный участник крупнейших музыкальных форумов страны и мира. Их выступления украшают программы таких фестивалей, как «Шубертиада» (Израиль), «Цлилим ба-Мидбар» в Негеве и престижный международный фестиваль в Шлезвиг-Гольштейне (Германия). Ансамбль регулярно дает концерты в Иерусалимском музыкальном центре и в тель-авивском зале «Цавта».

Пианист Евгений Брахман — Фото © Олег Сухарев

Пианист Евгений Брахман родился в 1981 году в Нижнем Новгороде в музыкальной семье. Первый сольный концерт он дал в 7 лет. В 2001 году, в возрасте 20 лет, окончил Нижегородскую консерваторию, а затем прошёл аспирантуру в Московской консерватории — в классе легендарного Льва Наумова, одним из его последних учеников.
Международная карьера началась в 1996 году с победы на Concours Musical de France в Париже. В 1997-1998 годах он получил стипендию Фонда Ростроповича и выступил на фестивале в Карнеги-Холле в Нью-Йорке. В 1999 году последовал главный триумф: первая премия конкурса им. Дино Чиани в театре Ла Скала. Жюри возглавлял Рикардо Мути, в его состав входили Марта Аргерих, Мишель Берофф, Александр Лонквих, Фу Цун, Сергей Доренский и Фанни Уотерман. После этого Брахман выступал в самом Ла Скала, в Тонхалле в Цюрихе, в Концертхаусе в Вене и на ведущих европейских фестивалях. Награды на конкурсах в Кливленде, Новом Орлеане, Рио-де-Жанейро и Тбилиси открыли ему двери к сотрудничеству с ведущими оркестрами мира.
В 2011-2012 годах он успешно гастролировал с Московским симфоническим оркестром по Южной Корее, в том числе, выступил в Сеульском арт-центре, а также дал концерты в США, Бразилии, Австрии и Швейцарии. В качестве солиста сотрудничал с оркестром Ла Скала, Борнмутским симфоническим, Королевским шотландским симфоническим и Венским камерным оркестрами. Среди его партнёров по камерной музыке — Дора Шварцберг, Анастасия Чеботарёва, Денис Шаповалов, Борис Андрианов, Марк Дробинский.
В 2002 году EMI Classics выпустила его первый диск — «Марта Аргерих представляет Евгения Брахмана» — с сонатами Моцарта, Бетховена и Листа; запись была удостоена премии Diapason d’Or. В 2003 году вышел второй диск — живая запись с фестиваля в Лугано.

*****

Моцарт | Дворжак. Камерная серия. Камерный концерт
«Гейхал аТарбут», зал «Аудиториум», Ришон ле-Цион
Пятница, 17.4.26, в 12.30
Кофе и легкие угощения с 11:30
В программе:
Моцарт. Струнный квартет ре минор
Дворжак. Фортепианный квинтет
Участники:
Квартет «Ришоним»:
Раз Коэн — виолончель
Ирит Ливне — альт
Дотан Таль — скрипка
Гилад Хильдесхайм — скрипка
Евгений Брахман — фортепиано
Художественный руководитель Камерной серии: д-р Раз Коэн

Заказ билетов по телефону 03-9484840 или на сайте קאמרי בצהרי שישי— מוצרט דבוז‘ק

Фото: Йоэль Леви, Олег Сухарев
Пиар—агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting

XVIII Международный конкурс пианистов имени Артура Рубинштейна состоится в этом году, несмотря на ситуацию и вызовы времени, но будет проведен в измененном формате
Первые два этапа конкурса пройдут в те даты, которые и планировались: с 28 апреля по 4 мая. Сольные выступления конкурсантов состоятся в Музыкальной Академии Кронберга в Германии. Организационный центр, а также трансляция всей программы, интервью и дискуссии в перерывах будут базироваться и транслироваться в специальных эфирах из Тель-Авивского музея искусств.
По решению жюри в конце второго этапа шесть финалистов прибудут в Израиль для участия в финальном туре, который пройдет с 8 по 14 мая в Тель-Авивском музее искусств и в филармоническом зале имени Бронфмана (Гейхал ха-Тарбут). В случае если обстоятельства не позволят участникам прибыть в страну, финальный этап будет отложен на более поздний срок.

Художественный руководитель конкурса Ариэль Коэн отмечает: «В период, когда реальность сложна и хрупка, музыка становится опорой. Она позволяет нам продолжать путь, верить и сохранять связь друг с другом. Культура не останавливается. В дни неопределенности у музыки есть глубокая задача — напоминать нам о том, кто мы и что нас объединяет. Проведение конкурса в этом году — не только музыкальное событие, но и свидетельство стойкости. Конкурс Рубинштейна проводится благодаря глубокой приверженности музыкальному совершенству и силе человеческого духа. Ассоциация конкурса представила гибкую программу действий, стремясь дать возможность 42 пианистам, готовившимся к этому событию более года, проявить свой талант, и позволить музыке звучать – в Израиле и во всем мире.
Мы были приятно удивлены желанием сотен пианистов участвовать в конкурсе, несмотря на ситуацию с безопасностью. Это свидетельствует о престижном статусе конкурса Рубинштейна в мире.
Обычно конкурсанты выбирают произведение из трёх сочинений израильских композиторов, как правило специально заказанных конкурсом. На этот раз мы решили представить участникам и публике подборку из десяти произведений для фортепиано, написанных еврейскими композиторами в период Холокоста. Это замечательные и глубоко интересные произведения, которые несомненно обогатят художественную палитру репертуара конкурса. Каждый участник должен выбрать одно произведение, которое будет исполнено в первом или втором туре».

Все этапы конкурса будут транслироваться в прямом эфире на сайте: arims.org.il

Кевин Чен. Фото: Рафи Далуйя

Программа и даты: 28 апреля — 15 мая 2026 года

28 апреля — 4 мая: I и II этапы (Кронберг, Германия).
8-9 мая: финальный камерный этап. Выступления двух групп по три участника (Тель-Авивский музей искусств).
10-11 мая: финальный оркестровый этап с участием Израильской Камераты. Иерусалим (Тель-Авивский музей искусств).
13-14 мая: финальный оркестровый этап с Израильским филармоническим оркестром (Гейхал ха-Тарбут им. Чарльза Бронфмана, Тель-Авив)
15 мая: Церемония награждения и концерт лауреатов

Подробная информация:
Регистрация на XVIII конкурс побила все рекорды. Более 500 пианистов начали процесс подачи заявок; 200 из них выполнили все требования. В результате для участия в конкурсе были отобраны 42 пианиста: среди них пять конкурсантов из Израиля, одиннадцать из Китая, пять из Южной Кореи, трое из России, двое из Болгарии, двое из Великобритании, двое из Германии и по одному представителю из следующих стран: Украина, США, Беларусь, Грузия, Япония, Латвия, Испания, Польша, Португалия, Чехия, Канада и Швейцария. Семь участников — женщины, тридцать пять — мужчины. Самому молодому конкурсанту — 18 лет; средний возраст — 25. Полный список участников приведён ниже.

Жюри вновь возглавит профессор Арье Варди. В состав жюри вошли: Марта Аргерих, Даниэль Баренбойм, Ефим Бронфман, Акико Эби, Тайсир Элиас, Ян Фонтейн, Павел Гилилов, Йохевед Каплински, Элла Милх-Шериф, Пётр Палечны, Су Чжан Син.

Первые два тура будут посвящены сольным фортепианным концертам. В камерном финале конкурсанты исполнят фортепианные трио с участием скрипачки Саиды Бар-Лев и виолончелиста Хилеля Цори, а в оркестровом финале — фортепианные концерты с оркестром «Израильская Камерата. Иерусалим» и с Израильским Филармоническим оркестром.

Список участников:
Пётр Алексевич, 26 лет, Польша
Роберт Били, 28 лет, Чехия
Рэйчел Брин, 29 лет, США
Алис Бурла, 29 лет, Канада
Доминик Шамо, 30 лет, Швейцария
Роман Федюрко, 21 год, Украина
Итамар Файнберг, 23 года, Израиль
Юньюн Го, 22 года, Китай
Саймон Хайе, 21 год, Германия
Хасан Игнатов, 22 года, Болгария
Ибрагим Игнатов, 22 года, Болгария
Томас Келли, 27 лет, Великобритания
Владислав Хандогий, 24 года, Беларусь
Сон Хён Ким, 23 года, Южная Корея
Максимо Клецун, 20 лет, Португалия
Станислав Корчагин, 32 года, Россия
Луванцзы Ли, 18 лет, Китай
Тянью Ли, 22 года, Китай
Сяосюань Ли, 24 года, Китай
Ин Ли, 28 лет, Китай
Чжэсян Ли, 20 лет, Китай
Даумант Лиепиньш, 31 год, Латвия
Лиор Лифшиц, 22 года, Израиль
Педро Лопес Салас, 28 лет, Испания
Цзиaкин Луо, 26 лет, Китай
Филипп Лынов, 27 лет, Россия
Цзясинь Мин, 30 лет, Китай
Сандро Небиеридзе, 25 лет, Грузия
Чинхён Пак, 30 лет, Южная Корея
Амир Рон, 25 лет, Израиль
Ён-Хо Шин, 19 лет, Южная Корея
Йонас Старк, 27 лет, Германия
Юл Сан, 25 лет, Южная Корея
Уайнона Инъо Ван, 29 лет, Китай
Дайсуке Яги, 22 года, Япония
Чивон Ян, 24 года, Южная Корея
Юаньфань Ян, 29 лет, Великобритания
Цзялинь Яо, 27 лет, Китай
Фанчжоу Е, 25 лет, Китай
Дмитрий Юдин, 24 года, Россия
Яали Закен, 21 год, Израиль
Идо Зеэв, 27 лет, Израиль

Конкурс пианистов имени Артура Рубинштейна был основан в 1974 году по инициативе Якова (Яши) Быстрицкого, после того как Рубинштейн согласился дать конкурсу своё имя. Его цель заключалась в том, чтобы соединить имя и художественное наследие Артура Рубинштейна с культурной жизнью Израиля.
Конкурс устанавливает особенно высокие стандарты и предоставляет международную сцену для развития карьеры молодых и талантливых пианистов. Задача жюри — отобрать пианистов высочайшего уровня, обладающих интеллектуальной зрелостью, способностью к эмоциональному выражению, владением разными стилями и индивидуальностью, выделяющей их среди остальных участников.
Фортепианный конкурс имени Артура Рубинштейна — один из ведущих в мире конкурсов пианистов. Победа в нем открывает двери для выступлений в важных мировых залах и является прекрасной стартовой точкой для сольной карьеры. Многие из победителей этого конкурса стали международными звездами.
С момента создания конкурса в 1974-м году по инициативе Якова Быстрицкого в сотрудничестве с Артуром Рубинштейном, возглавлявшим жюри первых двух конкурсов, организация и динамика подобных конкурсов в мире существенно изменились. В свое время конкурс Артура Рубинштейна был одним из немногих международных музыкальных конкурсов в мире. Сегодня практика таких конкурсов стала повсеместной. Тем не менее, конкурсу имени Артура Рубинштейна на протяжении уже более чем полувека удалось сохранить уникальный характер, стиль и главное — ту неповторимую и узнаваемую ауру, которая позволяет находить новые молодые таланты, формировать новое поколение музыкантов.
Конкурс за эти годы получил полное признание профессиональных музыкантов. За прошедшие годы было проведено семнадцать конкурсов; в них приняли участие около семисот пианистов, из которых около шестидесяти стали лауреатами. Всего членами жюри были более двухсот всемирно известных музыкантов (напомним такие имена, как Марта Аргерих, Пнина Зальцман, Дмитрий Башкиров, Элисо Вирсаладзе, Лазарь Берман, Владимир Крайнев); общий призовой фонд составил более полумиллиона долларов; сотни волонтеров помогали и помогают конкурсу, не говоря уже о многочисленных зрителях, поддерживающих музыкантов на всех трех этапах.

Сайт конкурса — https://arims.org.il

Страница в фейсбуке на русском языке — https://www.facebook.com/ArthurRubinsteinPianoCompetition

Иллюстрации предоставлены ассоциацией Конкурса Артура Рубинштейна
Пиар—агентство: Masha Hinich PR & Sofia Nimelstein PR & Consulting

Организаторы решились на масштабный проект: большой цирковой шатер будет странствовать по Израилю в течение всего года, представляя зрителям международную труппу артистов из Кубы и Колумбии. Речь идет о десятках воздушных гимнастов, акробатов, танцовщиков и клоунов, большинство из которых прибыли с Кубы, часть – из Колумбии. Их объединяет не только высокий профессиональный уровень, но и необыкновенный темперамент. Гастроли уже начались и в преддверии Пурима проходят в Хайфе, в комплексе «Хуцот а-Мифрац». Трудно придумать более подходящий момент: праздник, который сам по себе про карнавал, костюмы, радость и некоторый хаос. Показы в Хайфе и Крайот продолжаются до 14 марта 2026 года включительно, в том числе и в дни Пурима, создавая особую атмосферу праздничного ожидания и живого, настоящего чуда.

С 20 марта по 11 апреля 2026 года цирк переедет в Тель-Авив, в комплекс «Спортек Цафон». Этот период включает пасхальные каникулы – то есть, именно тогда, когда все ищут, куда пойти с детьми, чтобы провести время вместе, ярко, шумно и радостно.
После Тель-Авива гастрольный маршрут продолжится: Беэр-Шева, Ашкелон, Рош а-Аин, Кфар-Саба, Нетания, Афула и другие города. Цирк будет странствовать по стране в течение всего года – так что, если ближайшие показы не совпадают с вашими планами, скорее всего, цирк сам приедет к вам. Это, пожалуй, одна из самых приятных особенностей проекта: он не требует от зрителя далеко ехать.

HUBA CUBA – это не «цирк как в детстве». Это цирк, которого не было в вашем детстве. Потому что такого ещё не было. В программе HUBA CUBA – полеты под куполом, рискованная акробатика, пластическое искусство тела, трюки, балансирующие на грани возможного, и традиционные кубинские танцы. Визуальный и звуковой мир спектакля навеян атмосферой улиц Гаваны – столицы Кубы. Это музыка, которая вызывает мурашки. Это движение, которое выглядит как импровизация, хотя за ним стоят годы серьезной работы. Это энергия, которую сложно описать словами, но легко почувствовать, когда сидишь в зале и вдруг обнаруживаешь, что уже несколько минут не смотришь в телефон и даже не думаешь о нем. Особую роль в спектакле играют клоуны. Именно они ведут зрителей через всё представление – от пролога и до финала. Клоунские репризы соединяют воздушные номера и акробатические блоки, держат темп и умудряются быть одновременно смешными и точными.

Важная деталь, о которой стоит сказать отдельно: в шоу нет животных. Это принципиальное решение организаторов. Всё, что происходит на арене – это мастерство, физическая подготовка и темперамент. Организаторы подчеркивают, что речь идет не просто о цирковом представлении, а о встрече с кубинской культурой, смелостью, ритмом и весельем – с тем, что оставляет зрителей одновременно изумленными и счастливыми. Именно в такой последовательности: сначала изумление, потом счастье. Это не рекламный оборот, а точное описание того, что происходит со зрителями, когда они выходят из шатра после двух часов кубинского карнавала под крышей израильского цирка.

Шоу рассчитано на зрителей всех возрастов – от двух лет и до 120. Это семейное представление в самом широком смысле слова: дети восхищаются полетами под куполом, взрослые следят за точностью акробатических элементов, пожилые зрители узнают в кубинских ритмах что-то давно знакомое и дорогое. Каждый находит в этом спектакле своё.

****

HUBA CUBA
Режиссер израильской версии – Омер Замари. Израильская продюсерская компания – «Тевет афакот».

Даты и города:
Хайфа и Крайот, комплекс «Хуцот а-Мифрац» – по 14 марта 2026 года включительно, в том числе в дни Пурима
Тель-Авив, комплекс «Спортек Цафон» – с 20 марта по 11 апреля 2026 года включительно, включая пасхальные каникулы
Далее в течение 2026 года: Беэр-Шева, Ашкелон, Рош ха-Аин, Кфар-Саба, Нетания, Афула и другие города

Стоимость билетов – от 50 до 129 шекелей, с учетом различных скидок. Продажа на выбранные даты уже открыта.

Билеты: https://www.kupat.co.il/show/circus
Трейлер: https://www.youtube.com/watch?v=OLDzon7Puco

Все фотографии - © Ася Лях – предоставлены компанией «Тевет Сратим».

В 2026 году «Гешер» отмечает свое 35-летие: три с половиной десятилетия дерзких идей, художественных открытий и бескомпромиссного поиска.

В апреле 1991 года в израильском театральном мире произошло знаковое событие – спектакль «Розенкранц и Гильденстерн мертвы». Новаторскую адаптацию пьесы Тома Стоппарда представила группа молодых репатриантов во главе с режиссером Евгением Арье – так родился театр «Гешер». Публика встретила постановку восторженными аплодисментами. Сегодня, спустя 35 лет, «Гешер» – один из ведущих театров страны, неотъемлемая часть израильской и мировой культуры.

Театр чтит память своего основателя и художественного руководителя. Юбилейный, 35-й год начался с символического события: открытия мемориальной доски Евгению Арье. Он ушел из жизни четыре года назад, оставив бесценное культурное наследие и навсегда вписав свое имя в историю израильской и мировой сцены. Установка памятной доски и церемония открытия прошли при поддержке мэрии Тель-Авива–Яффо.

Театру Гешер 35 лет: гордимся прошлым, шагаем в будущее

В 2026 году «Гешер» отмечает свое 35-летие: три с половиной десятилетия дерзких идей, художественных открытий и бескомпромиссного поиска.

В апреле 1991 года в израильском театральном мире произошло знаковое событие – спектакль «Розенкранц и Гильденстерн мертвы». Новаторскую адаптацию пьесы Тома Стоппарда представила группа молодых репатриантов во главе с режиссером Евгением Арье – так родился театр «Гешер». Публика встретила постановку восторженными аплодисментами. Сегодня, спустя 35 лет, «Гешер» – один из ведущих театров страны, неотъемлемая часть израильской и мировой культуры.

Театр чтит память своего основателя и художественного руководителя. Юбилейный, 35-й год начался с символического события: открытия мемориальной доски Евгению Арье. Он ушел из жизни четыре года назад, оставив бесценное культурное наследие и навсегда вписав свое имя в историю израильской и мировой сцены. Установка памятной доски и церемония открытия прошли при поддержке мэрии Тель-Авива–Яффо.

Театр продолжает жить, храня традиции и продолжая творческий поиск. Среди премьер нового сезона – произведения Достоевского, Лорки, Чехова, Шекспира, Шиллера, Дюрренматта, Гоголя и Бомарше, оригинальные пьесы и инсценировки Рои Хена, Итая Тирана, Ариэля Бронза, Авдотьи Смирновой, Неты Рот, Ори Янива и других авторов.

Без имени

• «Дом Бернарды Альбы» Федерико Гарсиа Лорки. Режиссер – Идо Кольтон. В спектакле заняты Эфрат Бен-Цур, Михаль Вайнберг, Ирит Бенедек, Тали Осадчи, Карин Серуя, Николь Подвальный, Офир Цвайгенбом, Ноа Карми, Лилиан Шели Рут.

• «Конец света» – «мюзикл-буфф или апокалиптические видения» авторства Ори Янива, Михаэля Штерна и Неты Вайнер. Режиссер – Рони Бродецки. Музыкальная сатира об экзистенциальных страхах, национальных обсессиях, соленых огурцах и воскрешении мертвых. Пьеса написана специально для театра «Гешер».

• «Братья Карамазовы» – новая пьеса Рои Хена по мотивам романа Достоевского в постановке Итая Тирана. Впервые на израильской сцене – адаптация одного из важнейших произведений мировой литературы.

• «Bloody Mary» – новая работа Дмитрия Крымова, одного из ведущих режиссеров Европы. В главных ролях: Исраэль (Саша) Демидов и Евгения Додина. Пьеса написана специально для театра «Гешер». Спектакль посвящен памяти Евгения Арье и будет представлен в рамках фестиваля Jaffa Fest.

• «Прикованный» – документальный мюзикл. Автор и режиссер – Ариэль Бронз, исполнитель главной роли в спектакле «Души», а также один из ведущих мастеров перформанса. Это его первая постановка в театре «Гешер». Премьера состоится на фестивале Jaffa Fest.

• «Сон в летнюю ночь» Уильяма Шекспира. Режиссер – Ноам Франк. Бессмертная пьеса в новой зажигательной постановке.

• «Суд над Федрой» по мотивам трагедии Жана Расина. Инсценировка и постановка Авдотьи Смирновой, ранее поставившей в театре «Гешер» спектакль «Не тот свет».

• «Гоголь. Сватовство» по пьесе Николая Гоголя «Женитьба». Режиссер – Алексей Золотовицкий. Инсценировка – Нета Рот. Новое реалити-шоу, современная версия культовой комедии Гоголя.

• «Визит дамы» – новое прочтение пьесы Фридриха Дюрренматта «Визит старой дамы». Автор адаптации – Рои Хен. Трагифарс о справедливости, морали и разлагающей силе денег. Режиссер – Сапир Хеллер.

• «Дядя Ваня» – инсценировка и постановка Александра Молочникова. Режиссер нашумевшего спектакля «Преступление и наказание» возвращается в «Гешер» с острой современной трактовкой пьесы Чехова.

• «Женитьба Фигаро» по пьесе Бомарше, опере Моцарта и спектаклю «Женитьба Фигаро» в постановке Евгения Арье. Новый совместный проект театра «Гешер» и Израильского симфонического оркестра Ришон-ле-Циона. Режиссер – Амир Й. Вольф, дирижер – Дан Эттингер.

«Гешер» продолжит активную международную деятельность. В этом году театр возвращается в Париж со спектаклем «Ричард III», затем постановка отправится в Будапешт на фестиваль MITEM и на Шекспировский фестиваль в румынском городе Крайова. Спектакль «Не тот свет», недавно гастролировавший по Северной Америке, в этом году увидят европейские зрители – в Германии, Нидерландах, Латвии, Финляндии и Эстонии. Постановки «Преступление и наказание» и «Анна Каренина» будут показаны на Кипре. Спектакль «Души» примет участие в ряде европейских фестивалей.

В 2025 году при поддержке мэрии Тель-Авива–Яффо в театре прошел ремонт: установлены современные звуковые и световые системы, отремонтировано фойе. Модернизация здания совпала с открытием станции трамвая, расположенной рядом – теперь зрителям обеспечен удобный и легкий доступ из разных районов центра страны.

Молодежная «Студия Гешер» открылась шесть лет назад премьерой «Кто со мной». Сегодня артисты, сделавшие в студии свои первые профессиональные шаги, стали частью основной труппы театра и уверенно заявляют о себе на большой сцене

спектаклем «С кем бы побегать», пробуют себя в драматургии, режиссуре и других областях театрального искусства.

Генеральный директор театра «Гешер» Лена Крейндлина:

«Нам тридцать пять лет. Мы рады вступить в свой юбилейный год открытием мемориальной доски в честь основателя театра, режиссера Евгения Арье. Он создал и вырастил «Гешер», отдавая ему душу и сердце, мастерство и профессионализм. Память о нем всегда будет с нами. Мы с благодарностью оглядываемся назад и с уверенностью смотрим вперед, ищем собственный путь, прислушиваясь к духу времени – так, как это всегда делал Арье. Жизнь меняется и меняется театр, появляются новые имена и новые спектакли, продолжаются смелые эксперименты и постоянный поиск. Неизменным остается главное: мы ценим и бережем наш дом. Дом, который построил Евгений Арье».

Репертуар театра «Гешер» 2026-2027 гг.

«Дом Бернарды Альбы»

Федерико Гарсиа Лорка

Постановка: Идо Кольтон

В спектакле заняты: Эфрат Бен-Цур, Михаль Вайнберг / Ирит Бенедек, Тали Осадчи, Карин Серуя, Николь Подвальный, Офир Цвайгенбом, Ноа Карми, Лилиан Шели Рут.

Дом – это крепость, которая тебя защищает, пока однажды не превращается в тюрьму.

Когда у Бернарды Альбы умирает муж, она объявляет «чрезвычайное положение». Прикрываясь моралью, честью и единством семьи, она вбивает клин между своими пятью дочерями и устанавливает режим страха и террора. Насилие маскируется под порядок, а домострой – под защиту от угроз внешнего мира. Не все дочери готовы это терпеть.

Это история о свободе, которая начинается дома, и о тех немногих, кто осмеливается выглянуть в окно и мечтать о другой жизни.

Федерико Гарсиа Лорка считался опасной фигурой из-за своих либеральных взглядов, критики власти и своей гомосексуальности. Пьеса «Дом Бернарды Альбы» была написана в 1936 году; два месяца спустя автор был убит, а место его захоронения до сих пор неизвестно. Впервые пьеса была поставлена лишь в 1945 году и с тех пор стала мировой классикой.

Премьера: апрель 2026

«Конец света»

Мюзикл-буфф или апокалиптические видения

Авторы: Ори Янив, Михаэль Штерн, Нета Вайнер

Постановка: Рони Бродецки

Музыка: Нета Вайнер

В спектакле заняты: Ори Янив, Нета Рот, Нета Вайнер, Юваль Янай, Карин Серуя, Ави Азулай, Гилад Клеттер, Шир Саяг и другие.

Когда реальная ядерная угроза висит в воздухе, а время неумолимо истекает, правительство Израиля объявляет последний национальный план спасения: массовое и коллективное соблюдение шаббата, которое приведет Мессию – а вместе с ним и апокалипсис.

Чрезвычайное положение, масштаб момента и всеобщая паника делают свое дело. Мобилизуются все. Все – кроме Йоэля.

В разгар кризиса сорока лет Йоэль впервые в жизни решает пойти против течения. Этот частный выбор стремительно перерастает в безумное путешествие в самую сердцевину израильской идентичности – путешествие, в кульминации которого на его хрупких плечах оказывается судьба всего человечества.

Музыкальная сатира об экзистенциальных страхах, национальных обсессиях, соленых огурцах и воскрешении мертвых.

Премьера: июль 2026

«Братья Карамазовы»

По мотивам романа Федора Достоевского

Инсценировка: Рои Хен

Режиссер: Итай Тиран

Федор Карамазов – развратный, жестокий и циничный отец — находится в токсичных отношениях со своими четырьмя сыновьями: страстным и жестким Дмитрием, потерянным интеллектуалом Иваном, верующим и сострадательным Алешей, и Смердяковым – отвергнутым сыном, рожденным вне брака.

Убийство отца стоит в центре сюжета, однако Достоевский ясно дает понять: вопрос заключается не только в том, кто совершил убийство, но и в том, кто несет моральную ответственность за преступление, зародившееся задолго до его фактического совершения.

В своем последнем романе – вершине творчества – великий писатель исследует самые фундаментальные темы: веру, свободу, вину и семью, и изображает мир, в котором у человека есть свобода выбора – а значит, виновен.

Этот роман, опубликованный в 1880 году, задает важнейшие вопросы и нам, сегодня: будут ли вечно «отцы есть кислый виноград, а у детей на зубах оскомина»?

Сможем ли мы избавиться от насилия, навязанного предыдущими поколениями? Сможем ли мы спасти себя от прошлого? Возможно ли избежать крови?

Премьера: сентябрь 2026

Bloody Mary

По мотивам «Марии Стюарт» Ф. Шиллера

Пьеса и постановка: Дмитрий Крымов

В спектакле заняты: Евгения Додина, Исраэль (Саша) Демидов, Полина Пахомова, Никита Гольдман, Итай Тарханов, Рут Сендерович, Борис Репетур, Никита Олейников.

Спектакль на русском языке.

В травмпункте встречаются люди из разных миров и времен. Среди них – две актрисы, которые готовятся играть «Марию Стюарт». Постепенно разговоры превращаются в саму пьесу: и старая история о власти, ревности и казни начинает происходить здесь и сейчас. Когда все заканчивается смертью, жизнь продолжается – и все возвращается на круги своя.

Bloody Mary Дмитрия Крымова – не инсценировка и не иллюстрация Шиллера. Это новый мир, мир художника, выстроенный, сконструированный из осколков кровавого сюжета, из нашей явной или неявной памяти о нем и сегодняшних реалий, в которых «Мария Стюарт» становится поводом для серьезного разговора.

Вымышленные персонажи – гротескные, почти цирковые, люди-символы – на наших глазах обретают кровь и плоть. Маска трескается, клоунада оборачивается исповедью, а образ – живым телом. В этом театре смешное всегда соседствует с трагическим, а игра становится формой существования и способом рассказа о нашей такой запутанной жизни.

Дмитрий Крымов – театральный режиссер, покинувший Россию после вторжения в Украину и живущий в Нью-Йорке. Один из самых влиятельных режиссеров своего поколения – волшебник сцены, безжалостно разбивающий любую догму. Его театр существует по законам воображения и игры – игры опасной, предельно абсурдной, той, за которой всегда стоит жизнь. Здесь фантазия обнажает реальность, ее тайные и скрытые смыслы.

Премьера состоится в рамках фестиваля Jaffa Fest 2026

«Прикованный»

Документальный мюзикл

Автор и режиссер: Ариэль Бронз

В спектакле заняты: Лейб Лев Левин, Ноа Карми, Полина Пахомова / Наташа Манор, Никита Гольдман, Тали Осадчи / Михаль Вайнберг, Офир Цвайгенбом.

Все слова и песни в спектакле – это дословная, «один к одному», расшифровка диалогов, записанных и снятых 01.06.17 в офисах Фонда социального обеспечения переживших Холокост, в момент, когда Бронз приковал себя к ножке стола – как акт протеста против бюрократической волокиты, через которую его отец, переживший Холокост, был вынужден пройти, добиваясь права на участие в флагманском проекте фонда – переоборудовании ванны в душевую кабину.

«Прикованный» – это призыв к пробуждению, требующий реальных, прямых и немедленных действий, чтобы помочь тем пережившим Катастрофу, кто все еще на этом свете. Этот призыв особенно важен именно потому, что речь идет о теме, которая, казалось бы, находится в самом центре израильского консенсуса. Выбор жанра мюзикла продиктован стремлением создать контраст между холодным, гипер реалистичным, лишенным воображения миром – и миром эскапистской фантазии, где возможно все.

Ариэль Бронз – один из самых заметных авторов в области перформанса и театра в Израиле, исполнитель главной роли в спектакле «Души», впервые выступает в качестве режиссера в театре Гешер.

Премьера состоится в рамках фестиваля Jaffa Fest 2026

«Сон в летнюю ночь»

Уильям Шекспир

Постановка: Ноам Франк

«Сон в летнюю ночь», бессмертная пьеса Уильяма Шекспира, в новой, зажигательной постановке.

Мы приглашаем вас прогуляться по закоулкам самого сюжета.

Вас ожидает свадьба года! Жених и невеста взволнованы, юные гости уже в пути, а жители города, в честь торжества, репетируют новую пьесу. В ночь перед свадьбой все отправляются в зачарованный лес – волшебное путешествие среди снов, фей, колдовства и несчастной любви.

В компании молодых актеров театра, вы – зрители станете частью нового опыта: вы пройдете вместе с героями через множество разных пространств и отправитесь в самое сердце театрального леса.

Песнь любви и гимн театру во всех его проявлениях – спектакль, наполненный музыкой, танцами и любовью!

Премьера: октябрь 2026

«Суд над Федрой»

По мотивам произведения Расина

Постановка: Авдотья Смирнова

«Федра» – возможно, самая знаменитая пьеса о запретной любви в истории мирового театра. И без всяких оговорок самая легендарная женская роль в драматургии. Напряженные бесконечные монологи о роке, трагические рассуждения о воле богов и бессилии человека, месть, клевета, запоздалое раскаяние – все это, конечно, классика.

Новый взгляд на старый сюжет о Федре и Ипполите – это попытка увидеть смешное в трагическом и наоборот. Кому из наших современников можно доверить роль античного хора? Чем мог бы увлечься Ипполит в наши дни вместо охоты? Что вообще сегодня можно называть запретной любовью? И не является ли всякая неразделенная любовь – запретной?

Время действия этой истории – вчера, сегодня, завтра. Всегда. Как и полагается в трагедии.

Премьера: ноябрь 2026

«Гоголь. Сватовство»

По пьесе Николая Гоголя «Женитьба»

Инсценировка: Нета Рот

Постановка: Алексей Золотовицкий

Новое реалити-шоу «Сватовство»

Современная версия культовой комедии Николая Гоголя.

Все ищут любовь. Почему? Непонятно – потому что нам так сказали.

Как ищут? Раньше – через сватов.

Сегодня – Tinder в лучшем случае, реалити-шоу в худшем.

Наша и так паршивая реальность превратилась в самую настоящую дистопию, а смысл, который искал Гоголь, мы так и не нашли. Принцип остался тем же – все смешны, нарциссизм торжествует, а самый важный вопрос остается без ответа: а может быть, несмотря ни на что, мы достойны любви.

Премьера: февраль 2027

«Визит дамы»

По мотивам пьесы Фридриха Дюрренматта «Визит старой дамы»

Автор: Рои Хен

Постановка: Сапир Хеллер

Трагифарс о справедливости, морали и разлагающей силе денег.

Клэр возвращается в маленький городок, где прошло ее детство. С тех пор как она покинула эту периферию, минуло много лет. Из бедной и наивной девочки она превратилась в богатую, изощренную женщину, у которой есть все, о чем только можно мечтать, но ее обуревает жажда мести.

Она предлагает жителям города простую и ужасающую сделку: сумму денег, которая спасет город, в обмен на смерть Альфреда Ила – мужчины, которого она боготворила в юности, который предал ее и предопределил ее судьбу. Она так и не смогла его простить. Сначала горожане отвергают это аморальное предложение, но постепенно, почти незаметно для самих себя, начинают его взвешивать и оправдывать убийство во имя социальной необходимости.

Новая версия Рои Хена вдыхает свежую жизнь в классическую пьесу и исследует то, как травма формирует нашу жизнь и цену мести.

Сапир Хеллер, израильтянка, работающая в Германии, ранее с большим успехом поставила в театре Гешер спектакль «Мамаша Кураж и ее дети».

Премьера: сентябрь 2027

«Дядя Ваня»

Антон Чехов

Сценическая редакция и постановка: Александр Молочников

В спектакле заняты: Анатолий Вайсман (Белый), Эфрат Бен-Цур, Дорон Тавори, Шломи Бертонов, Ариэль Бронз, Офир Цвайгенбом и другие.

Профессор Серебряков — мыслитель и общественный деятель – возвращается домой из своих поездок со своей второй женой Еленой и объявляет всем, что деньги закончились и усадьбу необходимо продать. Дядя Ваня и его племянница Соня, всю жизнь проработавшие на профессора и его идеи, потрясены этим известием. Доктор Астров беспрерывно пьет и с горькой иронией наблюдает за окружающими, но его снова и снова тянет в этот дом. Неразделенные влюбленности пробуждают подавленные чувства, старые обиды всплывают на поверхность и грозят разрушить все.

Александр Молочников, поставивший в театре Гешер спектакль «Преступление и наказание», возвращается с острым и современным прочтением чеховской классики. Это трезвый и критический взгляд на людей, которые продолжают цепляться за мечту – даже когда мечта умерла, даже когда ясно, что эта мечта требовала огромных жертв и принесла страшное опустошение. Это история о людях, которые всю жизнь трудились ради общей цели, страстно верили в правоту своего пути, но теперь кажется, что смысл утрачен, значение ускользнуло, оставив лишь привкус несбывшегося. Было ли все напрасно? Можно ли еще что-то исправить?

Премьера: март 2027

«Женитьба Фигаро»

Совместный проект с Израильским симфоническим оркестром Ришон-ле-Циона

по пьесе Бомарше, опере Моцарта и спектаклю в постановке Евгения Арье.

Режиссер: Амир Й. Вольф

Дирижер: Дан Эттингер

Одна из самых взрывных и влиятельных пьес в истории театра – блестящая комедия, скрывающая в себе политический динамит.

Действие разворачивается в течение одного бурного, полного интриг дня во дворце графа Альмавивы. Фигаро, остроумный слуга, готовится жениться на Сюзанне, но граф пытается воспользоваться своей властью и положением, чтобы помешать свадьбе и заполучить невесту себе. Вокруг этого конфликта плетется сеть лжи,

переодеваний, подмен личностей и старых счетов – комедия ошибок, приводящая к разоблачению лицемерия сильных мира сего.

За внешней легкостью сюжета Бомарше выдвигает на сцену опасную для своего времени мысль: простой человек умнее, нравственнее и достойнее своего господина. Фигаро говорит от имени целого сословия, уставшего от привилегий, и в его монологах уже слышится дыхание надвигающейся Французской революции.

После успеха сотрудничества с Израильским симфоническим оркестром Ришон-ле-Циона в постановке «Онегин. Примечания», показанной на фестивале Jaffa Fest в прошлом году, было принято решение продолжить совместную работу и вновь соединить на одной сцене оперных певцов и драматических актеров в сопровождении живого оркестра.

Премьера: июль 2027

Фото предоставлены пресс-службой театра «Гешер»

Верхнее фото: Айелет Коэн и Сучан Ким в опере “Дон Паскуале”, фотограф © Хуан Сочер

Комическая опера «Дон Паскуале» Гаэтано Доницетти будет представлена в Иерусалиме при сотрудничестве Иерусалимского симфонического оркестра, проекта Opera Piccola и Opera in Williamsburg, Virginia – оперного театра, основанного и возглавляемого Наамой Захави-Эли. Опера в концертном исполнении, костюмированная, со сценическими аксессуарами и элементами мультимедиа. Концерт состоится в воскресенье, 1 марта, в 19:30, в зале имени Генри Краун в Иерусалимском театре.

В преддверии Пурима Иерусалимский симфонический оркестр совместно с Opera Piccola представляет комическую оперу «Дон Паскуале» Гаэтано Доницетти в яркой, игровой постановке, в которой использованы мультимедийные фрагменты из спектакля Opera in Williamsburg, Virginia, созданного и возглавляемого Наамой Захави-Эли.
В центре оперы в трех действиях – история Дона Паскуале, «последнего холостяка», который в зрелом возрасте внезапно решает жениться на юной девушке, чтобы не оставить состояние своему племяннику Эрнесто. Эрнесто любит Норину – вдову, независимую и остроумную, – однако дядя намерен устроить ему «правильный» брак и тем самым ломает судьбы обоих. На помощь влюбленным приходит доктор Малатеста – одновременно врач Паскуале и друг молодых. Вместе с Нориной он разыгрывает хитроумный спектакль внутри спектакля: фиктивная «идеальная невеста» превращает дом Паскуале в пространство управляемого хаоса – ровно настолько, чтобы заставить старика отказаться от брачной затеи и вернуть свободу тем, кого он хотел подчинить своей воле.
В этой постановке Дон Паскуале – наследник уважаемой обеспеченной семьи, человек старого уклада, проживший с матерью до глубокой старости. Его сестра связала судьбу с американским офицером, и теперь в «итальянский» дом приезжает внук – учиться и временно жить у дяди. Норина в этой версии – редактор туристического издания; знакомство происходит по работе, однако Паскуале презирает людей труда, и этот социальный нерв придает комедии современную интонацию.

Айелет Коэн и Сучан Ким в опере “Дон Паскуале”, фотограф © Хуан Сочер

Отдельный пласт истории связан с тем, как израильтянка открыла оперный дом в Вильямсбурге, штат Виргиния. Различные жизненные обстоятельства давно привели Нааму Захави-Эли в этот университетский город. Летом 2006 года, когда она приехала в Израиль навестить родителей, она познакомилась в Тель-Авиве-Яффо с International Vocal Arts Institute – мастер-классами Джоан Дорнеманн. С 2007 года она регулярно посещала постановки института и в течение пяти лет не пропустила ни одной. В 2012 году Наама Захави-Эли основала Opera in Williamsburg.
Первых исполнителей она нашла благодаря поддержке Джоан Дорнеманн – баритона Карлоса Конде и дирижера Хорхе Пароди. Уже в 2012 году совместно была поставлена опера «Любовный напиток». Хорхе Пароди по сей день продолжает дирижировать в Opera in Williamsburg, одновременно возглавляя школу дирижирования и оперную программу в Хьюстоне, преподавая в Джульярдской школе и дирижируя в оперных театрах США и других стран. Захави-Эли выпускает две оперные постановки в год. По ее словам, ключ к выдающемуся оперному спектаклю – лучшие вокалисты, дирижер и режиссер. Среди выбранных ею певцов немало израильтян – в том числе сопрано Айелет Коэн и бас Юрий Кисин, участвующие и в нынешнем проекте.

С баритоном Сучханом Кимом Захави-Эли сотрудничает с 2014 года. Видеозаписи опер с его участием на YouTube набирают сотни тысяч просмотров. Сучхан Ким – уроженец Пусана, исполнивший более пятидесяти партий на сценах США и Южной Кореи. Он выступал с San Francisco Opera, Merola Opera, Opera Philadelphia, Opera Atlanta, Opera Sarasota, Opera Grand Rapids и в Carnegie Hall, участвовал в мировых премьерах произведений композиторов Ricky Ian Gordon и Matthew Aucoin.

Связь с Богданом Михаем возникла через израильского дирижера Эйтана Шмайссера. Богдан Михай – лирический тенор, tenore di grazia – тип голоса, необходимый для опер Доницетти, когда гибкость и изящество звучания важнее силы. Он учился в Италии у сопрано Миреллы Френи, получил стипендию имени Николая Гяурова и имеет степень магистра по bel canto Университета Трансильвании. Его дебют состоялся в 2007 году в Национальной опере Бухареста в партии Альмавивы в «Севильском цирюльнике». В дальнейшем он выступал в Штутгарте, Дрездене, Deutsche Oper Berlin, Théâtre du Châtelet, Gran Teatre del Liceu, Opéra de Montréal и Большом театре, участвовал в фестивалях в Пезаро, Мартина-Франка, Зальцбурге и Баден-Бадене – с Берлинским филармоническим оркестром под управлением сэра Саймона Рэттла. Среди недавних выступлений – Оперный театр Дубая и Suntory Hall в Токио.

Yuri Kissin by Ernest Aranov

Юрий Кисин – бас. Родился в Сибири, репатриировался в Израиль в 1990 году. Был участником оперной студии Парижской оперы и работал во многих постановках Парижской оперы, включая «Евгения Онегина», «Парсифаля», «Сказки Гофмана», «Риголетто», «Макбета» и другие. Юрий Кисин регулярно выступает в оперных театрах Монпелье, Тулузы, Ренна, Тулона, Дижона, Нанси, Бордо, а также в Израильской опере. С большим успехом исполнил Лепорелло в «Дон Жуане» в Сиднейском оперном театре.
В настоящее время участвует в постановках «Иоланта» и «Дибук» в Израильской опере.
В Opera in Williamsburg, Virginia участвует в постановках с 2018 года.

Айелет Коэн – сопрано. Родилась в Иерусалиме. Училась в Музыкальной академии в Иерусалиме и в Сан-Франциско. Лауреатка и стипендиатка Фонда Шарет. Приглашалась как солистка в оперные проекты в Сан-Франциско, Беркли, Окленде, Сакраменто, в Verismo Opera, на Римский оперный фестиваль и другие площадки. Выступала в концертах по США и Израилю с различными симфоническими оркестрами. Основала в Лоде проект Opera Piccola. Исполнила главную партию в опере «Ребенок видит сон» в Израильской опере и в монодраме «Дневник Анны Франк», получив высокие отзывы критики.

Давид Миллер – дирижер. Уроженец Тель-Авива, начал играть на виолончели в пять лет, играл в оркестре школы «Тельма Йелин». Выпускник школы музыки имени Бухмана-Меты, где учился дирижированию у маэстро Вага Папяна, а виолончели – у Гилеля Цори. Дирижировал оркестрами в Израиле, Германии и Италии. Работал ассистентом дирижера в постановках «Мадам Баттерфляй», «Итальянка в Алжире», «Богема» и «Паяцы» в Израильской опере и в европейских оперных театрах.

****

David Miller by Wolfgang John

Иерусалимский симфонический оркестр в сотрудничестве с Opera Piccola и Opera in Williamsburg, Virginia
«Дон Паскуале» Гаэтано Доницетти
Либретто – Гаэтано Доницетти и Джованни Руффини
Дирижер – Давид Миллер
Норина – Айелет Коэн, сопрано
Дон Паскуале – Юрий Кисин, бас
Доктор Малатеста – Сучхан Ким, баритон
Эрнесто – Богдан Михай, лирический тенор
Постановка – Наама Захави-Эли. Новая редакция н базе постановки Карлоса Конде

Воскресенье, 1 марта, 19:30, зал имени Генри Крауна, Иерусалимский театр.
Исполнение на итальянском языке – с субтитрами на иврите и английском. Продолжительность – два с половиной часа с антрактом.

Билеты: https://www.jso.co.il/en/concert/don-pasquale/ или https://best.kassa.co.il/announce/85259

Текст подготовила Маша Хинич
Photos by © Yoel Levi, © Ernest Aranov, ©Wolfgang John, Subhra Bhattacharya, Juan Socher
Пиар–агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting

«Боже, даруй бессмертие дали морской,
Вышине голубой,
Придорожной траве
На песчаной канве,
И молитве людской…».

HANNAH - музыкально-документальный спектакль о Ханне Сенеш - будет показан 24 февраля и 4 марта на русском и 5 марта на иврите в театра Тму-На в Тель-Авиве. Спектакль о человеке за символом, история о девушке, которая мечтала стать писательницей, а стала парашютисткой. Мечтала о любви, но была одинокой. Свободно владела четырьмя языками, но вела дневник на только что выученном иврите. Мечтала о доме в Эрец-Исраэль, но погибла в венгерской тюрьме. Это история об одной любящей семье, пытающейся уцелеть в мясорубке XX века. Спектакль сразу снимает привычную рамку героического нарратива вокруг образа Ханны Сенеш и создает единое пространство из ее дневников, писем, стихов и музыки.

Это спектакль не о героизме, а о внутреннем мире Ханны, ставшей знаковым символом. Все знают о ее подвиге, все знают слова песни «Эли, Эли», но многие ли представляют, кем на самом деле была эта девушка, цитировавшая «вся тьма в совокупности не может погасить одной свечи, но одна свеча освещает всю тьму» - стихи, ставшие девизом, лозунгом и, возможно, утешением. Но подвиг не должен превращать Ханну Сенеш в музейный экспонат. Собственно говоря, это и есть цель спектакля – показать живого человека, едва ли не подростка, идя вслед за дневником Ханны, в котором она рассуждает и о цикличности истории, и о чувстве застывания, о войне, которая преследует ее и в Европе, и в Эрец-Исраэль, и о неразрешимых вопросах. Темы, звучащие в дневнике: алия, предназначение, разрозненность нации, ценность человеческой жизни и Бога. Вопросы вечные, нерешенные, вопросы внутреннего мира, сопротивляющегося внешнему.
Спектакль идет от обратного принятому: он превращает памятник в биографию, возвращает истории судьбу живого человека, девушку, мечтавшую стать писательницей: «Меня не оставляет желание стать писательницей. Каждый вечер я молюсь Богу, чтобы он одарил меня литературным талантом… написать что-нибудь хорошее - чувство изумительное! Поэтому за писательскую профессию стоит бороться». И тут же, рядом: «Я всего лишь пятнадцатилетняя девушка, погрязшая в мелочах жизни и ведущая борьбу главным образом с самой собой. А это самая трудная борьба…».

[gallery size=“full” ids=“52977,52985,52984,52982,52981,52980,52979,52978,52991”]

HANNAH - еще и музыкальное действо, в котором звучит современная авторская музыка, написанная на стихи Ханны Сенеш. У каждой главы ее жизни - своя песня. Визуально спектакль - оживающий дневник: на сцене разворачивается свиток, где в реальном времени выкладываются коллажи, фотографии, письма, даты, а образы проецируются на экран на всю ширину сцены - актеры оказываются внутри этого свитка.
И еще одна линия спектакля - «Синяя птица» Метерлинка, одна из любимых книг Ханны Сенеш. В спектакле появляется образ Синей птицы, ведущий диалог с Ханной и событиями ее жизни, персонаж вне времени, существующий на стыке реальности и поэзии, как символ неуловимого счастья: «Летом я прочитала «Синюю птицу» Метерлинка… В ней утверждается, например, что смерти не существует, так как мертвых можно оживить, вспоминая о них».

Исторический же контур таков: Будапешт, семья драматурга Белы Сенеша, ранние стихи, рост антисемитизма и путь к сионистской молодежи, алия в сентябре 1939 года, учеба, кибуц Сдот-Ям, затем вступление в отряд парашютистов Хаганы. Дальше - арест, допросы, пытки, отказ выдать код, самоучитель по ивриту в тюрьме, отказ просить помилования. И последнее письмо друзьям: «Идите вперед, не сходите с нашего пути. Боритесь до конца, пока не наступит день свободы, день победы нашего народа».

Премьера спектакля HANNAH прошла в декабре 2025 года в театре Тму-На, а работа на ним началась по приглашению Европейской академии Януша Корчака в Мюнхене. В 2024 году на фестивале «Длинная ночь еврейской музыки» была показана 40-минутная версия на английском языке. Спектакль создан в трёх языковых версиях - на иврите, английском и русском.

Русскоязычные показы пройдут 24 февраля и 4 марта. 5 марта будет показана версия на иврите, приуроченная к Пуриму, проводящая параллели между образами Эстер и Ханны. Перед показом 24 февраля пройдет разговор зрителей с искусствоведом и историком с Асей Фикс - о времени, пространстве и смыслах спектакля.

Команда спектакля:
Режиссёр спектакля - Евгения Натанова
Композитор и музыкальный продюсер - Антон Вараксин
Художник по свету - Илья Герчиков
Художник видео - Илья Делятицкий
Художница по костюмам и сценограф - Беата Ферштман
Саунд-продюсер - Антон Вараксин
Тех. директор, звукорежиссер - Евгений Янов
Исполнительный продюсер - Мария Лернер
Креативный продюсер - Янита Назарова
В ролях:
Ханна - Софа Чудновская
Синяя Птица - Юрий Казанцев
Брат Ханны - Григорий Каценельсон
Мама Ханны - Мария Мекаева

Заказ билетов: https://www.tmu-na.org.il/?CategoryID=220&ArticleID=6237
Для зрителей от 12 лет и старше
Мероприятие в фейсбуке 24 февраля: https://www.facebook.com/events/1431193701990118
Мероприятие в фейсбуке 4 марта: https://www.facebook.com/events/4135454706730703
Страница спектакля - https://www.facebook.com/hannahseneshplay

Фотографии: © Faina Kra, © Deda Sasha, © Екатерина Свиридова

Верхнее фото: Michael Lessky - by Astrid Kenny, Luca A. d’Agostino Phocus Agency

9 марта, в понедельник, в Центре сценических искусств Герцлии состоится 4-й концерт Большой симфонической серии. В концерте прозвучат произведения Иоганнеса Брамса, Мориса Равеля, Роберта Шумана. Продирижирует мартовским концертом австрийский дирижер Михаэль Лесски, который приезжает в Израиль по приглашению маэстро Амоса Тальмона. Напомним, что Амос Тальмон является основателем и музыкальным руководителем Большой симфонической серии в Герцлии. В концерте примет участие Хайфский симфонический оркестр. Солист-виолончелист - Харан Мельцер.

Все сочинения, которые прозвучат в этот вечер, представляют разные этапы европейского музыкального романтизма XIX - начала XX век. Для всех характерны яркие эмоции, лирическая глубина и мастерское оркестровое письмо, все - вершины симфонического жанра. Композиторы развивают в них традиции Бетховена и Шуберта, сочетая структурную строгость с чувственной насыщенностью – от импрессионизма и модернистской иронии, до превращения венского вальса в апокалиптическое видение распада прекрасной эпохи.

Собственно говоря, почему Большая симфоническая серия в Герцлии так названа? Именно потому, что в программу каждого из ее концертов входит та или иная великая симфония из классического наследия. И на сей раз, в начале марта, то будет 3-я симфония Иоганесса Брамса. С нее и начнем. Третья симфония фа мажор, op. 90, Иоганнеса Брамса была написана летом 1883 года в Висбадене и стала одним из самых концентрированных и значительных высказываний композитора на вершине его творческой зрелости. Работа над партитурой шла удивительно быстро, что, впрочем, не исключает использования более ранних эскизов, прежде всего в первой части. Сам Брамс несколько иронично намекал на это в письме издателю Фрицу Зимроку, признаваясь, что старые нотные листки времен юности могут снова пригодиться.
В начале 1880-х годов Брамса уже воспринимали как ведущего симфониста Германии и Австрии, фигуру, вокруг которой сформировался круг преданных исполнителей и слушателей. Особое место среди них занимал дирижер и пианист Ганс фон Бюлов, назвавший Брамса третьим великим «Б» немецкой музыки после Баха и Бетховена. Именно Бюлову и посвящена эта симфония.
Ее премьера состоялась 2 декабря 1883 года в Вене под управлением Ганса Рихтера и вызвала бурную и противоречивую реакцию. В отличие от осторожного признания Первой симфонии и мгновенного триумфа Второй, Третья расколола публику. Такая поляризация была не случайной: симфония прозвучала на фоне обострившегося после смерти Рихарда Вагнера противостояния между «брамсианцами» и «вагнерианцами».
Современники нередко называли Третью симфонию героической, а исследователи ХХ века подчеркивали ее контрастность и внутреннюю напряженность. В ней соединяются драма и пастораль, лирика и эпос, восторг и сомнение. В любом случае, это сочинение стало одной из ключевых вершин лирико-психологического симфонизма конца XIX века и одним из самых личных, многозначных произведений Брамса.

«La valse» Мориса Равеля – произведение, в котором традиционная форма венского вальса постепенно разрушается, превращаясь в напряженный и почти гротескный звуковой поток. Эта музыка часто воспринимается как отражение распада привычного европейского мира после Первой мировой войны. La valse написан в 1920 году. Равель задумывал его еще до войны как посвящение венскому вальсу, но события изменили замысел. Произведение получилось двойственным – это одновременно восхищение вальсом и реквием времени. Старая Европа с ее балами и церемониями рухнула в хаосе войны…

]Haran Meltzer. Photo by Miri Davidovic

Концерт для виолончели с оркестром Роберта Шумана – сочинение, исполненное глубокой лирической сосредоточенности. Концерт создан в 1850 году, в период, когда композитор уже находился на пороге душевной болезни. Это произведение стало его единственным виолончельным концертом и одним из последних крупных сочинений.
Шуман отказался от традиционной концертной формы с виртуозными каденциями и противопоставлением солиста оркестру. Он предпочел интимное, почти камерное высказывание, где виолончель и оркестр существуют в постоянном диалоге, переплетении голосов. При жизни композитора концерт не получил признания – публика ждала блеска и эффектности. Но со временем именно сдержанная искренность, отказ от внешнего лоска ради внутренней правды сделали произведение одним из важнейших в виолончельном репертуаре.

Продирижирует мартовским концертом австрийский дирижер Михаэль Лесски, который уже выступал в Израиле с Иерусалимским и Хайфским симфоническими оркестрами.
Он родом из музыкальной венской семьи. Дирижерское мастерство постигал под руководством Карла Эстеррайхера в Венской музыкальной академии, часто ассистируя Клаудио Аббадо в Венской государственной опере, а также работая с Молодежным оркестром имени Густава Малера. Помимо этого, он изучал право, фортепиано, орган, церковную музыку и теорию джаза в Вене.
В 1995 году вместе с Австро-Венгерским филармоническим оркестром имени Гайдна он триумфально дебютировал в Венском Музикферайне, исполнив «Сотворение мира» Гайдна. Это выступление положило начало череде блестящих концертов с такими шедеврами, как Реквием Верди, Месса до минор Моцарта, «Те Деум» Брукнера, Реквием Брамса и многочисленными произведениями французского и итальянского репертуара.
В 1997 году Михаэль Лесски основал Венский молодежный филармонический оркестр, который под его руководством стал, по определению австрийского радио ORF и ежедневной газеты «News», австрийским «элитным оркестром следующего поколения». В сезонах 1999 и 2000 годов Михаэль Лесски также дирижировал успешными постановками «Волшебной флейты» и «Набукко», благодаря которым Оперный фестиваль в Санкт-Маргаретене утвердился как второй по величине оперный фестиваль под открытым небом в Европе.
В 2003 и 2004 годах Лесски с его оркестром были официальными «культурными послами» Австрии в Китае. К Моцартовскому году 2006 его избрали дирижером новой постановки «Так поступают все» в Вене, а Хосе Каррерас выбрал его для своей новой программы «Belle Epoque» с записью компакт-диска и гала-концертом в венском «Концертхаусе».
В 2015 году Михаэль Лесски становится гостем фестиваля в Равелло (Италия) и впервые выступает в Южной Америке, в Sala São Paulo и в Национальном театре Лимы с Четвертой симфонией Малера и Скрипичным концертом Берга. Прекрасный знаток литературы и театра, Михаэль Лесски часто сочетает музыку и текст в своих программах с участием актеров или полусценических постановках.
В 2017 году он был награжден австрийским Почетным крестом за заслуги в области науки и искусства. В 2018 и 2019 годах Лесски выступал в качестве приглашенного дирижера Мальтийского филармонического оркестра и Симфонического оркестра SODRE в Монтевидео. В 2020 году состоялся его дебют с Иерусалимским симфоническим оркестром в Израиле, а в 2022 году он выступал с Симфоническим оркестром Хайфы с программой из произведений Брамса, Мендельсона и Россини.

Haran Meltzer. Photo by Miri Davidovich

Харан Мельцер – солист-виолончелист Израильского филармонического оркестра. Помимо этого, он неоднократно сотрудничал с ведущими израильскими коллективами, среди которых Израильский камерный оркестр, «Камерата Иерусалим», ансамбль «Солисты Тель-Авива», Израильская симфониетта Беэр-Шевы и Ашдодский симфонический оркестр. Мельцер - лауреат и призер многих международных и национальных конкурсов, в том числе Международного конкурса виолончелистов в Италии.

*****
Большая симфоническая серия в Центре сценических искусств Герцлии
Концерт № 4
Хайфский симфонический оркестр
Дирижер: Михаэль Лесски (Австрия)
Солист: Харан Мельцер, виолончель
Музыкальный руководитель: Амос Тальмон

В программе:
Морис Равель. Хореографическая поэма для оркестра La valse
Роберт Шуман – Концерт для виолончели с оркестром
Иоганнес Брамс – Симфония № 3

Понедельник, 9 марта. Начало в 20:00
Билеты: https://best.kassa.co.il/announce/85344

Photos: Michael Lessky - Luca A. d’Agostino Phocus Agency
Haran Meltzer - by Miri Davidovich
Текст: Маша Хинич
Пиар-агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting

Верхнее фото – © Rivka Mizrahi

Яркая постановка «Дон Кихота» Людвига Минкуса легендарного хореографа Мариуса Петипа в исполнении труппы Израильского балета будет показана 11 февраля в Кирьят-Хаиме и 18 февраля в Герцлии.

«Казалось, это носится сама радость и скачет само веселье» – так описывал испанские народные танцы автор романа «Дон Кихот» Мигель де Сервантес. Красные плащи тореадоров, переборы гитары, стук кастаньет, распахнутые веера – все это иллюстрирует очарование «балетной Испании». Испания – это взмах руки и поворот головы! Балет «Дон Кихот» с одной стороны виртуозен, с другой – даёт танцовщикам свободу в оттенках передачи настроения главных героев, Базиля и Китри. Но несмотря на лёгкость сюжета, предъявляет высокие требования к технике исполнителей: сложные вариации, прыжки, фуэте, дуэты. Всё это требует от артистов точности, координации и чувства партнерства.11 февраля в «Театрон а-Цафон» в Кирьят-Хаим и 18 февраля в Герцлийском Центре сценических искусств пройдут два представления балета «Дон Кихот»
Людвига Минкуса в исполнении Израильского балета.

Сюжет «Дон Кихота» прекрасно известен по роману Сервантеса, однако одноименный классический балет фокусируется не на фигуре рыцаря, а на любовной истории Китри, дочери трактирщика, и цирюльника Базиля, чьим брачным планам пытается помешать отец девушки, намеренный выдать её за состоятельного дворянина. Дон Кихот и его спутник Санчо Панса остаются важными персонажами, но их роль больше комическая: рыцарь видит в Китри свою Дульсинею и следует за ней, становясь свидетелем развития истории. В либретто, разработанным самим Петипа, взяты лишь отдельные эпизоды из второй части романа, что позволило Мариуса Петипа построить стройную сценическую драматургию, где в ярком калейдоскопе сменяются деревенская площадь, таверна, цыганский лагерь, сны и свадьба.

Photo by © Maya Neeman

Балет впервые был поставлен Мариусом Петипа в Москве в 1869 году. Музыку к «Дон Кихоту» написал Людвиг Минкус. Через два года спектакль был показан в Петербурге в расширенной пятиактной версии, где соединились образы Китри и Дульсинеи, и с тех пор «Дон Кихот» прочно вошёл в репертуары ведущих театров. В 1900 году хореограф Александр Горский создал новую редакцию этого балета, сделав постановку более динамичной и приблизив её к живому театральному действию. Классические балетные труппы нашего времени обычно используют именно этот вариант с вариациями, накопленными поколениями исполнителей.
Особенность «Дон Кихота» – в соединении классического танца с характерными испанскими номерами. Мариус Петипа, много путешествовавший по Испании, изучал местные танцы и использовал их в балете: сегидилью, фанданго, па тореадора, номера цыган, корриды, пантомиму. Минкус же написал музыку, которая поддерживает этот танцевальный ритм и создаёт атмосферу праздника.

Постановка Израильского государственного балета сохраняет традиционную структуру и одновременно использует ресурсы современной сцены, предлагая свежий взгляд на оформление и свет. Декорации создают ощущение южного города, где всё действие разворачивается на залитой солнцем площади, в шумной таверне, в лагере цыган, а в сцене сновидения Дон Кихота появляется фантастический мир дриад и Купидона. Костюмы подчеркивают испанский колорит, включают традиционные элементы – веера, пышные юбки, яркие плащи, шляпы тореадоров.

История постановок «Дон Кихота» в Израиле не так уж велика, и каждый показ становится заметным событием для публики. Обращение к «Дон Кихоту» Израильского балета – не только дань традиции, но и возможность показать мастерство солистов и кордебалета в этой постановке с ее зажигательными испанскими характерными танцами и изысканными классическими па.

*******

Photo – © Maya Iltus

**
Людвиг Минкус. «Дон Кихот»
Израильский балет**
Адаптация – Юлия Левин по хореографии Мариуса Петипа и Александра Горского
Сценография – Батья Сегаль, Михаэль Пик
Художница по костюмам – Маргарита Александрова
Художник по свету – Ури Форг
Дизайн кукол – Шмуэль Шохат
Продолжительность – 2 часа

Представления состоятся:
Кирьят-Хаим, 11.02.2026 , среда, 20:00, Театрон а-Цафон,
Герцлия, 18.02.2026, среда, 20:0, Центр сценических искусств Герцлии

Заказ билетов в кассе «Браво»: https://best.kassa.co.il/announce/%D0%98%D0%B7%D1%80%D0%B0%D0%B8%D0%BB%D1%8C%D1%81%D0%BA%D0%B8%D0%B9-%D0%B1%D0%B0%D0%BB%D0%B5%D1%82-%D0%94%D0%BE%D0%BD-%D0%9A%D0%B8%D1%85%D0%BE%D1%82

Ссылка на видео (© Рои Шальтиэли) https://vimeo.com/854318887

Photos: © Maya Neeman, ©Maya Iltus, ©Rivka Mizrahi
Пиар–агентство: Masha HInih PR & Sofia Nimelstein PR & Consulting

На фото- верхний ряд - слева направо: Гай Минтус (© Karine Mahiout), Идан Тендлер (© Урия Элькаям), Йоав Гинай (© Лиор Касон), Давид Зеба (© Yossi Zwecker ). Нижний ряд: Нитай Цори (© Дан Лев), Йонатан Перельман (© Офер Амрам ), Яэль Левита (© Йехуда Свидер), Лиор Лифшиц (© Dalia Gal Sverdlin). Все фото предоставлены оркестром «Симфонет Раанана»

«Тысяча звуков Севера» - зимний выпуск 2026. Фестиваль музыки и природы в отеле «Айяла» в Верхней Галилее. 3-5 февраля 2026
«Тысяча звуков Севера» - новый фестиваль классической музыки, проходит второй раз при сотрудничестве оркестра «Симфонет Раанана» c сетью отелей «Исротель» гостинице «Айяла», расположенной в кибуце Аелет а-Шахар в Верхней Галилее. После успеха первого фестиваля в прошлом декабре вскоре стартует февральская зимняя версия фестиваля 2026 года.

Сотрудничество между оркестром «Симфонет Раанана» и сетью «Исротель» привело к появлению нового, особого даже на фестивальной карте Израиля, события, сочетающего различные произведения в исполнении музыкантов из нескольких стран, прогулки, экскурсии и природу Галилеи.
Фестиваль со столь поэтичным названием предлагает уникальные музыкальные переживания в пасторальной северной атмосфере и включает концерты, камерные вечера и разнообразные музыкальные события плюс, естественно, само пребывание в первоклассном отеле. Мероприятие предназначено для любителей классической музыки и обещает три дня, наполненный культурой, отдыхом и звуками музыки.

Зимние фестивали классической музыки на природе представляют собой уникальный формат культурного события. В отличие от традиционных концертных залов, такие фестивали погружают слушателей в особую атмосферу, где музыка становится частью природы, а природа - вдохновением для музыкальных произведений. Это синтез культурного переживания и активного отдыха, когда между концертами классической музыки гости могут наслаждаться экскурсиями, прогулками и знакомством с местными достопримечательностями. Суть таких фестивалей заключается в создании целостного опыта, где музыка не существует изолированно, а становится частью более широкого диалога между искусством, человеком и природой. Программы объединяют разнообразные музыкальные жанры - от сольных фортепианных концертов и оперных арий до камерных вечеров и кинематографических мелодий. При этом, пасторальная атмосфера, зимние пейзажи и возможность прогулок по окрестностям, превращают фестиваль в событие, где отдых, музыка и эстетическое наслаждение сливаются воедино, создавая незабываемые впечатления для любителей классической музыки и природы.] גיל שוחט תמונה קרדיט פבריס. Гиль Шохат. Photo -© Фабрис.

Коротко о программе февральского фестиваля:
Молодой израильский пианист-виртуоз Лиор Лифшиц в сольном концерте с произведениями Гайдна, Скрябина и Шумана, а также во Втором фортепианном концерте Бетховена, совместно с главным дирижером оркестра «Симфонет Раанана» Давидом Зеба, и сопрано Яэль Левита, которая исполнит подборку арий из популярных опер.
Гиль Шохат представит концерт, выстраивающий диалог между завораживающей природой и произведениями классических композиторов, вдохновленными ею, в сопровождении захватывающих фильмов о природе Рои Галица, фотографа дикой природы и гида экстремальных путешествий, лауреата премий BBC и National Geographic.
Гай Минтус, международно признанный пианист, выступит с программой «От Моцарта до Гершвина».
Также состоится концерт, посвященный любимым мелодиям и песням из кинофильмов и мюзиклов, под управлением и в аранжировках Йонатана Перельмана и при участии ведущего Йоава Гиная, с вокалистами Тали Кецеф и Иданом Тендлером.
Кроме того, гостей фестиваля ждут экскурсии и путешествия по региону: от наблюдения за птицами на озере Агмон а-Хула до захватывающих джип-туров между долиной Хула и Голанскими высотами.

Подробная информация и бронирование пакетов проживания:
*5585 или на сайте Isrotel: https://www.isrotel.co.il/eventssale/northsounds/

Программа фестиваля «Тысяча звуков Севера Фестиваль» в отеле «Айяла» 3.2.2026-5.2.2026
Вторник 3.2.2026
16:00-17:00 - Музыкальная встреча в лобби отеля – трио музыкантов

20:00 - От Моцарта до Гершвина Оркестр «Симфонет Раанана»
Дирижер Давид Зеба
Пианист Гай Минтус
Разнообразная программа, охватывающая столетия и континенты при участии пианиста Гаем Минтусом, под управлением штатного дирижера оркестра «Симфонет Раанана» Давида Зеба.
Фрагменты из фортепианных концертов Моцарта, «приправленные» шедеврамии Гершвина, такими как “Someone to Watch Over Me”, “I Got Rhythm”, “Soon” и вариации на “Рапсодию в стиле блюз”.

21:30 Элегия природе
Оркестр «Симфонет Раанана»
Дирижер и пианист Гиль Шохат
Нитай Цори, скрипач и концертмейстер оркестра «Симфонет Раанана»
Завораживающие отношения между искусством музыки и природой очаровывали великих композиторов, и они оставили музыкальные шедевры, описывающие струи воды, тишину ледников, зимние бури и даже лунный свет. В этом особом концерте маэстро Гиль Шохат представит музыкальные произведения о природе в новых аранжировках и оркестровках. Концерт будет сопровождаться видеофрагментами захватывающих съемок природы, созданных как уникальный коллаж в контексте музыкальных произведений международным фотографом дикой природы Рои Галтцем.
Антонио Вивальди: из «Четырех времен года» - «Лето» и «Зима»
Людвиг ван Бетховен: Соната «Лунный свет» до-диез минор, соч. 27 № 2 (в версии для фортепиано с оркестром Гиля Шохата)
Морис Равель: «Игра воды» для фортепиано соло
Лист: «Снежные вихри», Трансцендентальный этюд № 12
Эдвард Григ: «Пер Гюнт» – Сюита для оркестра

Среда 4.2.2026
10:30 Экскурсии и прогулки. Наблюдение за птицами в Агмон а-Хула - тур в крытых повозках, посещение центра для посетителей Агмон а-Хула, легкий полдник. Захватывающие джип-туры между долиной Хула и Голанскими высотами, включая остановку в живописном месте у воды, посещение старого поселения Йесод а-Маала, включая старую синагогу, причал рыбаков, улицу основателей и посещение фермы специй.

16:30 Реситаль пианиста Лиора Лифшица
Гайдн: Соната си минор, № 32
Скрябин: Соната № 3 фа-диез минор
Шуман: Фантазия до мажор, соч. 17

טלי קצף_אריאל וייס. Тали Кецеф. Фото - © Ариэль Вайс

20:00 Музыка из фильмов и мюзиклов
Оркестр «Симфонет Раанана»
Дирижер Йонатан Перельман
Сопрано Тали Кецеф
Тенор Идан Тендлер
Ведущий Йоав Гинай
Ностальгический праздник песен, музыки, театра и кино.

21:30 Первая любовь
Оркестр «Симфонет Раанана»
Дирижер и ведущий Давид Зеба
Пианист Лиор Лифшиц
Сопрано Яэль Левита
Бетховен: Концерт для фортепиано № 2 и избранные оперные арии.
Сольвейг ждет Пера Гюнта - свою юношескую любовь, Лауретта хочет выйти замуж за Ринуччо, а Норина способна на любую проделку, чтобы обхитрить дона Паскуале и выйти замуж за Эрнесто. Знаменитые арии и песни о первой любви, и Второй фортепианный концерт Бетховена, юношеское произведение, написанное в очаровательном классическом стиле.

Четверг 5.2.2026 9:30
Экскурсии и прогулки. Захватывающие джип-туры между долиной Хула и Голанскими высотами, включая остановку в живописном месте у воды, посещение старого поселения Йесод ха-Маала, включая старую синагогу, причал рыбаков, улицу основателей и посещение фермы специй. Вторая группа: Наблюдение за птицами в Агмон а-Хула - тур в крытых повозках, посещение центра для посетителей Агмон а-Хула, легкий полдник. Отъезд домой.

Информация по телефону 09-7457773 и сайте оркестра: www.symphonette.co.il
Страница оркестра в Фейсбуке – https://www.facebook.com/symphonette.raanan

Текст подготовила Маша Хинич
Фотографии предоставлены пресс-службой оркестра «Симфонет Раанана»
Пиар–агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting

В марте 2026 года в десяти городах Израиля пройдут гастроли легендарной аргентинской труппы Los Potros Malambo со спектаклем Freedom - шоу, где древний танец гаучо маламбо впервые обретает законченную драматургическую форму. Freedom - это не фольклорная реконструкция и не этнографический концерт, а современный театр, построенный на жестком, ритмичном языке мужского танца, рожденного в пампасах Южной Америки.

За четверть века существования Los Potros Malambo прошли путь от семейного проекта до одной из самых узнаваемых аргентинских трупп в мире. Они выступали на главных сценах США, Европы и Азии, работали с Cirque du Soleil, появлялись в телешоу Дженнифер Лопес и Марка Энтони, представляли свою страну на государственных торжествах. Но главное - они изменили саму грамматику аргентинского фольклора, доказав, что маламбо может быть не просто виртуозным танцем, а полноценным драматургическим высказыванием.
Маламбо - старше танго, резче фламенко и брутальнее любого современного танца. Аргентинский фольклорист Вентура Линч ещё в 1883 году определял его как «поединок мужчин, которые по очереди отбивают ритм ногами под музыку». Это был турнир, арена, на которой гаучо - южноамериканские ковбои - оспаривали славу лучших танцоров. Никакой сентиментальности, никаких слов - только удары каблуков по земле, барабанный бой и бешеная энергия состязания.
Маламбо зародился в начале 17-го века в бескрайних пампасах Аргентины, где гаучо вели полукочевой образ жизни, пасли скот и собирались у костров под открытым небом. Танец был способом утвердить своё мастерство, продемонстрировать силу и выносливость. В нём нет партнеров - только соперники. Нет мелодии - только ритм. Нет сюжета - только состязание: кто быстрее, точнее, выносливее.
«Маламбо в нашей пампе - это нечто подобное галопу одичавшего стада», - писал поэт Атахуальпа Юпанки. Эта метафора точно передаёт природу танца: он стихийный, неукротимый, первозданный. Хосе Эрнандес в своей эпической поэме «Мартин Фьерро» 1872 года, ставшей национальным символом Аргентины, вложил в уста героя-гаучо слова: «Я - сын бескрайних равнин, гаучо рождённый и взращенный; для меня весь огромный мир мал, поверьте, мое сердце может вместить его весь». Эти строки могли бы стать эпиграфом к маламбо.

В 21-м веке маламбо превратился во взрывной пластический театр, сохранив при этом свою исходную природу: соревновательную, физическую, предельно телесную. Каждое выступление - это по-прежнему поединок, даже если он разыгрывается на театральной сцене под софитами, а не у костра в пампе.
Основатели труппы Los Potros Malambo, братья Хавьер и Исаак Гарделья, выросли в семье, где фольклор был а образом жизни. «Я родом из семьи с севера Аргентины, из Сантьяго-дель-Эстеро и Тукумана, - говорит Хавьер. - Я вырос под звуки чакареры, гато, самбы, эмпанад, гитар и бомбо. Всё это часть моего детства. Танец всегда присутствовал в моей семье - кто не танцует, тот поёт, а кто не поет - отбивает ритм».
Хавьер, родившийся в 1979 году, начал танцевать в три года. В пять лет родители отдали его в класс фольклорного танца, увидев в мальчике природные способности. Уже в шесть лет он взял в руки бомбо - традиционный аргентинский барабан - и болеадорас, метательные шары гаучо. Вместе с дядей они создали группу Los duendes del malambo и начали давать представления. Позже группа расширилась, получила новое название Los demonios del malambo, и в одиннадцать лет Хавьер впервые вышел на серьёзный конкурс.
«Там я увидел ребят, которые танцевали потрясающе, и попросил родителей отдать меня в настоящий балет, - рассказывает он. - Так началась моя конкурсная жизнь». *
В восемнадцать лет, в 1999 году, Хавьер выиграл главный приз на легендарном фестивале в Коскине - самой престижной сцене для аргентинских танцоров и музыкантов. «Это была магическая сцена, о которой мечтаешь, - говорит он. - То, что в тот вечер творилось в Коскине, было для меня невероятно. Это наполнило меня энергией и желанием продолжать танцевать».

*

Его младший брат Исаак, появившийся на свет в 1990 году, с детства черпал вдохновение у старшего. Он изучал маламбо и народные танцы у великих мастеров, но главным его учителем был Хавьер. Вместе они не просто освоили маламбо - они подарили ему новую хореографический лексикон и новый алфавит выразительных движений.
Сегодня в труппе Los Potros Malambo братья работают как единый механизм: Хавьер отвечает преимущественно за хореографию, Исаак - за ритмику, маламбо и работу с болеадорами, традиционным метательным оружием гаучо из плетёных ремней с грузилами на концах.

В конце 2000-х годов, после успешных гастролей по Италии и победы на множестве престижных фестивалей, братья Гарделья приняли радикальное решение, которое изменило траекторию их карьеры и саму природу маламбо. «Ещё какое-то время мы продолжали участвовать в конкурсах, пока в 2010-м не сказали: “Хватит!”, - рассказывает Хавьер. - Тогда мы начали оформлять своё шоу, добавлять в него элементы фламенко, выступать в разных театрах и участвовать в спектаклях других компаний».
Они начали работать с ведущими артистами Аргентины - Морой Годой, Эрнаном Пикином, Фатимой Флорес и известными певцами. Маламбо перестал быть замкнутым жанром и превратился в основу сложного театрального языка, способного рассказывать истории.

«Я немного занимался классикой, джазом, фламенко, степом, - объясняет Хавьер, - я всегда был танцовщиком. Но моя дисциплина - маламбо, и я всегда стараюсь, чтобы в хореографии наших шоу сохранялась его сущность». Эта верность корням при открытости к диалогу с другими танцевальными традициями стала фирменным стилем Los Potros Malambo.
Международное признание пришло неожиданно. В 2012 году труппа получила приглашение участвовать в телевизионном шоу Q’Viva!, которое вели Дженнифер Лопес и Марк Энтони. «Однажды наш друг рассказал, что есть работа в США, - вспоминает Хавьер. - Мы прошли аудиции, сняли видео и вдруг появляется Дженнифер Лопес. Только тогда мы узнали, что это было реалити-шоу. Мы хотели взорваться, танцевали со всей страстью! В итоге выбрали всех нас».
За Q’Viva! следили более 30 миллионов зрителей по всему миру. Это был прорыв: маламбо, танец аргентинских гаучо, вышел на мировую арену. В 2014 году Los Potros Malambo были приглашены стать частью программы Signum Cirque du Soleil - высшее признание в мире современного циркового искусства. В 2016 году по приглашению министерства культуры Аргентины труппа выступала на торжествах в честь 200-летия независимости страны, а ещё через несколько месяцев была приглашена в национальное реалити-шоу Argentina Baila, где Хавьер работал хореографом и тренером.

За четверть века существования Los Potros Malambo гастролировали в Италии, Германии, Франции, США и Китае, завоевали множество наград на крупнейших национальных фольклорных и танцевальных фестивалях и доказали, что аргентинский фольклор может конкурировать с любой формой сценического искусства на равных.
«В шоу я люблю выходить на сцену с бомбо, не ударяя в него, - рассказывает Хавьер. - Я иду медленно, и люди замолкают. Мне не нужно играть, чтобы уже начать танцевать». Этот момент тишины перед первым ударом - и есть начало ритуала. Танцовщик уже танцует, просто надевая сапоги. Зритель уже присутствует, просто входя в зал.
На основе этой философии Хавьер создал семинар под названием «Пусть твой танец станет ритуалом», где учит соединяться с душой через движение. «Я стараюсь, чтобы наш танец был ритуалом для связи с тем, как мы чувствуем себя эмоционально, духовно, - объясняет он. - Я чувствую, что это важно, чтобы мы могли “проживать” наш танец и чтобы наш танец был чем-то волшебным. Танец исцеляет, музыка исцеляет. Если тебе плохо и ты включаешь музыку или начинаешь танцевать, что-то меняется».

*Все фото: © Pablo Mekler
*
Спектакль Freedom, который труппа привозит в Израиль, - кульминация 25-летнего творческого пути Los Potros Malambo. В его центре - история дикого жеребца, вырванного из табуна. Любовь превращает его в человека, но столкновение с властью и насилием ставит вопрос о цене подчинения и выборе свободы. Этот сюжет проживается исключительно через танец - через ритм, удары каблуков, дыхание, физическое напряжение. Никаких слов, никаких пояснений. Только тело, звук и движение.
Хореографическая структура опирается на традиционные элементы маламбо - сапатеадо (чечётка каблуками), сепильядос (скользящие шаги), мудансас (вариации ритмических рисунков), дуэльные формы, - но органично включает элементы фламенко, танго и современной пластики.
Особое место в спектакле занимает работа с болеадорами - старинным метательным оружием гаучо, состоящим из плетёных ремней с круглыми камнями или грузилами на концах. В руках танцоров Los Potros Malambo болеадоры превращаются в инструмент хореографии и перкуссии одновременно. Отбивая такт, жонглируя, создавая сложные ритмические рисунки, танцоры демонстрируют координацию, ловкость, мастерство и удаль аргентинских гаучо.
«Bailamos como somos», - говорят аргентинцы. «Танцуя, мы проявляем свою сущность». В спектакле Freedom эта сущность обнажена до предела: свобода как внутренний выбор, танец как способ существования, ритм как связь с древнейшей памятью тела.

Гастроли Los Potros Malambo в Израиле
19–29 марта 2026 года
Города: Ашкелон, Хайфа, Тель-Авив–Яффо, Петах-Тиква, Аэропорт-Сити, Кирьят-Моцкин, Кармиэль, Беэр-Шева, Иерусалим, Ашдод

Заказ билетов:
Касса Браво: *3221 или 072-275-3221
https://fgk.kassa.co.il/announce/84806

Организатор: FGK Production
Фото и видео: ©Pablo Mekler

Фрагмент спектакля: https://www.youtube.com/watch?v=Q2JuW2bCAKA

Иерусалимский симфонический оркестр и знаменитый маэстро из США маэстро Константин Орбелян представят в феврале 2026 программу «Porgy and Bess». В Иерусалиме, Хайфе и Тель-Авиве прозвучат лучшие произведения Джорджа Гершвина, включая оперу «Порги и Бесс» в концертной версии, «Кубинскую увертюру», а также Джазовую фортепианную рапсодию № 2, которая будет исполнена в Израиле впервые. В концертах примут участие ведущие солисты «Метрополитен-опера» Брайан Мейджор и Латония Мур.

В этом году отмечается 250-летие независимости США. В честь этого американский дирижер Константин Орбелян планирует исполнить лучшее из наследия американских композиторов и американской музыкальной традиции, в том числе, оперу «Порги и Бесс» Гершвина. Именно Гершвин первым внедрил в оперный жанр чисто американские музыкальные элементы – джаз, блюз, спиричуэлы. И именно он был одним из первых, кто обратил внимание на то, насколько проницаемы границы между популярной и серьезной музыкой. Став мировым хитом, музыка оперы Джорджа Гершвина вошла в репертуар тысяч музыкантов.

История зарождения замысла «Порги и Бесс» такова: как-то ночью Джорджа Гершвина мучила бессонница, и он решил немного почитать. Раскрыв написанный в 1924 году роман писателя-южанина Дюбоса Хейворда «Порги» о жизни афроамериканцев в Южной Каролине, он с первых страниц ощутил удивительную силу его поэтических образов. Читал до четырех часов утра, а в воображении уже возникали мелодии. Утром Гершвин написал Хейворду письмо о своем намерении сочинить оперу. Это произошло в 1926 году, но осуществление замысла потребовало времени. Для начала Гершвин отправился в Чарльстон (Южная Каролина), где записывал негритянскую музыку, стремясь достоверно передать ее дух в будущей опере, хотя его еврейское происхождение с российскими корнями заставляло многих сомневаться в том, сумеет ли он изобразить жизнь чернокожих американцев на Юге США.
В марте 1932 года Хейворд получил от Гершвина еще одно письмо с признанием: «В поисках сюжета для композиции я вновь вернулся к мысли положить «Порги» на музыку. Это выдающаяся пьеса о народе». Гершвин писал оперу двадцать месяцев, используя мелодии спиричуэлов и ритмы джаза, и все это время был уверен, что она станет лучшим его произведением. На последней странице рукописи стоит дата: 23 августа 1935 года. Однако работа над оперой продолжалась и во время репетиций и завершилась лишь за день до премьеры.
30 ноября 1935 года в «Колониэл-театре» в Бостоне состоялась премьера. Публика приняла новую оперу с еще большим энтузиазмом, чем прежние сочинения Гершвина.
За полтора года опера выдержала 124 представления в «Элвин-театре» – любой автор оперы из классического репертуара мог бы этому позавидовать! Правда, надежды братьев Гершвин на материальный успех не оправдались: они потеряли более 10 тысяч долларов, вложенных в постановку. Впрочем, к тому времени Джордж и Айра, автор текстов многих произведений своего младшего брата, были вполне обеспечены благодаря двадцати созданным ими мюзиклам.
В 1958 году опера была экранизирована режиссером Отто Премингером. Среди ее исполнителей мы встречаем легендарные имена: Луи Армстронг и Элла Фицджералд, Рей Чарльз и Милт Джексон, Майлз Дьюи Дэвис и Оскар Питерсон.
Сам Гершвин, отдававший себе отчет в значении созданного им произведения, писал на страницах The New York Times: «Мое мнение таково: помимо всего прочего, опера должна быть развлечением. В ней должны присутствовать все элементы удовольствия. Работая над «Порги и Бесс», я знал, что сочиняю оперу для театра и что без песен она не будет ни театром, ни развлечением. Такова моя точка зрения».

Константин Орбелян – photo by Jonas Danielevicius

Константин Орбелян (племянник своего тезки, известного армянского композитора Константина Агапароновича Орбеляна) родился в Сан-Франциско в семье армянских эмигрантов и дебютировал как вундеркинд-пианист с Симфоническим оркестром Сан-Франциско в возрасте 11 лет. После окончания Джульярдской школы он начал карьеру пианиста-виртуоза, включавшую выступления с крупнейшими симфоническими оркестрами США, Великобритании, Европы.
В настоящее время маэстро Орбелян занимает должность генерального и художественного директора Нью-Йоркской городской оперы и продолжает служить главным дирижером Каунасского городского симфонического оркестра в Литве.
Он работал с ведущими мировыми артистами, включая Рене Флеминг и Дмитрия Хворостовского, Элину Гаранчу, Анну Нетребко и Йонаса Кауфмана, Сондру Радвановски, Изабель Леонард, Стивена Костелло, Лоуренса Браунли и Сару Коберн, Барбару Фриттоли и Джозефа Каллеха. Орбелян выступал с известными пианистами Даниилом Трифоновым и Энн Мари Макдермотт, а также с легендарным Ваном Клиберном. Константин Орбелян работает на лучших сценах мира, включая «Карнеги-холле.
В его активе более 80 компакт-дисков, выпущенных на лейбле Delos.
По отзыву журнала The Audio Critic, «Орбелян – звезда: игра его оркестра отличается страстностью и точностью выражения». Это в полной мере относится к его обширной дискографии современной камерной и симфонической музыки, а также оперным записям и выступлениям с выдающимися вокалистами – всего более 30 дисков, выпущенных американской фирмой Delos.

Пианист Дмитрий Юдин занимается музыкой с пяти лет. За время обучения в МССМШ имени Гнесиных стал лауреатом многих международных музыкальных состязаний. В апреле 2018 года пианист был удостоен серебряной медали XVII Молодежных Дельфийских игр России. Он участвовал в VI детском фестивале искусств «Январские вечера» в Музее-квартире Святослава Рихтера, Международном фестивале юных музыкантов «Утренние звезды» в Швейцарии и Австрии, стал лауреатом 5-го Московского международного фестиваля молодых пианистов имени Г. Г. Нейгауза. Юдин выступал в концертных залах Украины, Германии, Швейцарии, Австрии, Казахстана, Литвы, Латвии, Франции и США, играл со многими оркестрами.

Латония Мур – photo by Coco Jourdana

Латония Мур – американская оперная певица-сопрано, родившаяся в Хьюстоне, штат Техас. Считается одной из ведущих сопрано современности. Она дебютировала на сцене «Метрополитен-опера» в марте 2012 года в партии Аиды и с тех пор исполняла крупные роли, включая Сирину в «Порги и Бесс», как в «Метрополитен-опера», так и на других ведущих оперных сценах мира. Мур трижды становилась лауреатом премии «Грэмми» за лучший оперный диск вместе с «Метрополитен-опера» за записи «Порги и Бесс» (2021), «Fire Shut Up in My Bones» (2023) и «Champion» (2024). Она получила высокую оценку критиков за исполнение заглавных партий, а также за другие роли в операх Верди, Пуччини и современных композиторов.

Брайан Мейджор – photo by Ezra Bailey

Брайан Мейджор – американский оперный баритон, известный своим бархатным голосом и выразительным артистизмом. Он получил музыкальное образование в Morehouse College, Boston University и Michigan State University и является лауреатом ряда вокальных конкурсов. Впервые Мейджор вышел на сцену «Метрополитен-опера» в 2022 году, исполнив партию барона Дюфоля в «Травиате». В его репертуаре широкий спектр ведущих партий в оперных театрах Соединенных Штатов и за рубежом. В сезоне 2024-2025 годов он дебютировал в заглавной партии в опере «Набукко» в Teatro Municipal de São Paulo, выступил в роли Амонасро в «Аиде» с Boston Lyric Opera и возвратился на сцену «Метрополитен-опера» в партиях Сторожа в «Die Frau ohne Schatten» и Гардинера в «Moby-Dick». Мейджор активно выступает и как сольный концертный исполнитель.

*****

Иерусалимский симфонический оркестр
Лучшие произведения Джорджа Гершвина
Дирижер: Константин Орбелян
Пианист: Дмитрий Юдин
Ведущие солисты «Метрополитен-опера»:
Брайан Мейджор, баритон (Порги)
Латония Мур, сопрано (Бесс)
Хор Tel Aviv Collegium Singers под руководством Ишая Штеклера
Пианист Дмитрий Юдин

В программе:
«Кубинская увертюра»
Джазовая фортепианная рапсодия № 2 (впервые в Израиле)
Концертная версия оперы «Порги и Бесс»

16 февраля, 19:30, Хайфа, зал «Раппопорт»
18 февраля, 19:30, Иерусалим, зал «Генри Краун»
19 февраля, 20:00, Тель-Авив, зал «Смоларш»

Билеты в «Браво»: https://best.kassa.co.il/announce/83820

Photos: Константин Орбелян by Jonas Danielevicius
Латония Мур – by Coco Jourdana
Брайан Мейджор – by Ezra Bailey
Текст – Маша Хинич
Пиар-агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting

Заглавная иллюстрация: Генрих Семирадский (Henryk Siemiradzki). «Шопен играет на фортепиано в салоне князя Радзивилла» (Chopin Playing the Piano in Prince Radziwill’s Salon) 1887.jpg**

Юбилейная Шубертиада возвращается в Ришон ле-Цион: концерт камерной музыки в честь 20-летия фестиваля.
30 января, 12:30, Гейхал а-Тарбут, Ришон ле-Цион.
В пятницу, 30 января, в полдень любители классической музыки смогут окунуться в атмосферу романтической Вены XIX века. Зал Дворца культуры Ришон ле-Циона откроет свои двери для уникального камерного концерта в рамках юбилейной, 20-й Израильской Шубертиады - фестиваля, который за два десятилетия стал неотъемлемой частью культурной карты страны.**

Израильская Шубертиада, ежегодный музыкальный марафон, посвященный творчеству гениального австрийского композитора Франца Шуберта, в этом году отмечает свой 20-й юбилей. То, что начиналось в 2007 году как концерт-марафон в Культурном центре Эйнав в Тель-Авиве при участии одиннадцати израильских музыкантов, превратилось в масштабное культурное событие, охватывающее музыкальные центры по всей стране.
Фестиваль приурочен ко дню рождения композитора - Франц Шуберт родился 31 января 1797 года. В соответствии с традицией «Шубертиад», проходивших в Вене при жизни композитора около двухсот лет назад, эти концерты призваны возродить атмосферу венских салонов, где друзья Шуберта собирались в частных домах, чтобы послушать его музыку, пообщаться и отметить творчество гения, который так и не успел обрести заслуженную славу при жизни.

История Шубертиад уходит корнями в начало XIX века. Франц Шуберт, непривлекательный внешне и небогатый, не был популярной фигурой в Вене своего времени. Королем музыкальной жизни тогда был Бетховен, чьим поклонником являлся и сам Шуберт, хотя они никогда не были знакомы близко. Композитору как-то предложили встретиться с великим маэстро, но он отказался, сославшись на то, что у него «нет достойной одежды для встречи с Бетховеном».
На протяжении всей своей короткой жизни - Шуберт умер в возрасте тридцати одного года, не успев создать собственную семью - ему помогали состоятельные друзья, поклонники его музыки. Они время от времени собирались в частных домах, чтобы послушать произведения, написанные для струнных инструментов и фортепиано. Эти встречи были далеки от формата традиционного концерта - люди слушали музыку, пили, ели, общались, создавая особую атмосферу камерности и теплоты.

Сегодня Шубертиады проводятся в нескольких странах мира. Самая известная из них проходит, конечно, в Австрии и считается одним из самых значимых музыкальных событий в мире. Есть также Шубертиады в Германии и других странах. Израильская Шубертиада заняла достойное место в этом ряду, став важной частью культурной жизни страны и взяв на себя миссию распространения очарования и уникальности наследия композитора.
Концерт в Ришон ле-Ционе представит слушателям программу, составленную из жемчужин камерной музыки Шуберта. Центральное место в программе занимает знаменитый Октет фа мажор для струнных и духовых инструментов - масштабное произведение, которое считается одной из вершин камерной музыки композитора.

Кирилл Одинцов. Photo Yossi Zwecker

Наряду с октетом прозвучат четыре песни для баритона и ансамбля в специальных оригинальных аранжировках. Их исполнит молодой баритон Кирилл Одинцов, чья биография сама по себе представляет интересную историю культурных мостов между странами.

Кирилл Одинцов. Photo Yossi Zwecker

Кирилл Одинцов - баритон, родившийся в России, в настоящее время является участником программы молодых артистов Израильской оперы. Его профессиональный оперный дебют состоялся в 2024 году на сцене Израильской оперы, где он исполнил партии Монтероне и Слуги в «Риголетто». Это выступление стало важной вехой в его карьере, открыв ему дорогу к масштабному драматическому репертуару на крупной оперной сцене.
Свое вокальное образование Одинцов начал в Государственном музыкальном колледже имени Гнесиных в Москве, продолжил в Российском институте театрального искусства и в настоящее время завершает обучение по программе бакалавриата в Иерусалимской академии музыки и танца. С 2024 года он является лауреатом стипендии Фонда Америка-Израиль.
В сезоне 2024 года певец выступил в роли Комиссара в опере «Диалоги кармелиток» в Израильской опере, исполнил партию Дона Бальфура в опере «Любовь к трём апельсинам», пел партию Моралеса в «Кармен» с Иерусалимской лирической оперой. В предстоящем сезоне 2025 года ему предстоит исполнить партии в «Ариадне на Наксосе», «Турандот» и «Отелло».
Одинцов тяготеет к драматическому репертуару и активно развивает свое вокальное и сценическое мастерство. Его участие в Шубертиаде - прекрасная возможность продемонстрировать мастерство в жанре лидер, классических вокальных произведений, в которых Шуберт был непревзойденным мастером.

Концерт представит слушателям Израильский камерный проект - ансамбль выдающихся музыкантов, собравшихся специально для исполнения программы фестиваля. В составе: Корбиниан Альтенбергер и Коби Малкин (скрипки), Гай Бен-Циони (альт), Михаль Корман (виолончель), Давид Сантос-Лук (контрабас), Тиби Цайгер (кларнет), Мор Бирон (фагот), Итамар Лешем (валторна) и Кирилл Одинцов (баритон).

Художественным руководителем проекта и редактором серии концертов выступает доктор Раз Коэн - виолончелист, который инициировал и основал фестиваль вместе с Даниэлем Гортлером, Йоси Шифманом и Мири Шамир. Из года в год доктор Коэн возвращается к музыке Шуберта, открывая новые грани его творчества и находя свежие способы представить это наследие современной публике.

Говоря об особом вкладе Франца Шуберта в мировое музыкальное наследие, невозможно не упомянуть его огромное влияние на развитие жанра лидер - классических вокальных произведений, песен на стихи немецких романтиков: Гёте, Шиллера, Вильгельма Миллера и других. Конечно, песни писали и до Шуберта, но именно он поднял этот жанр на новую высоту и проложил дорогу своим гениальным последователям - Шуману, Брамсу, Мендельсону, а впоследствии и французским композиторам, таким как Дебюсси.
Шуберт создавал песни на протяжении всей жизни. В его наследии насчитывается более шестисот сольных песен. Интересно, что в историю вокальной лирики он вошел с песнями на стихи Гёте, а закончил свою короткую жизнь песнями на слова Гейне. Два его цикла - «Прекрасная мельничиха» и «Зимний путь» - стали новой страницей в истории вокальных жанров.
Композитор не был вундеркиндом - он начал писать музыку в шестнадцатилетнем возрасте и творил в общей сложности пятнадцать лет. Это вдвое меньше, чем у Моцарта, который начал сочинять в шесть лет. Но, как и Моцарт, Шуберт сразу записывал партитуру на бумагу, что объясняет то огромное количество произведений, которые он успел создать: 676 песен, 9 симфоний и 9 опер, 15 струнных квартетов, 21 соната для фортепиано - почти тысяча произведений! Это трудно вообразить.
Очарование Шубертом не проходит уже двести лет. Он прежде всего изумительный мелодист, очень особенный, уникальный. Музыка Шуберта отражает интеллектуальный дух Вены романтической эпохи, и волшебство его творчества остается несомненным для слушателей всех поколений.

Израильская Шубертиада продолжает свой традиционный «Зимний путь» по музыкальным центрам страны, из года в год возвращаясь в полюбившиеся залы. Почти всегда в фестивале принимают участие музыканты из-за рубежа, что делает каждый концерт особенным событием.

****

Камерный концерт в полдень - Шубертиада
30 января, 12:30, Гейхал а-Тарбут, Ришон ле-Цион

Заказ билетов https://best.kassa.co.il/announce/84309

Текст - © Маша Хинич
Photo by © Yossi Zwecker
Пиар-агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting

Наряду с исполнением шедевров мировой классики, Израильская опера видит свою культурную миссию и в заказе новых произведений на иврите, и в сотрудничестве с местными композиторами и постановщиками, и в диалоге с источниками еврейской и израильской культуры. К своему 40-летнему юбилею театр готовит особую премьеру. 18 февраля 2026 на сцене в Тель-Авиве прозвучит первая оперная адаптация на иврите одной из величайших классических пьес еврейской культуры - «Диббука» Ан-ского, осуществленная Йосефом Барданашвили.

Любовь и смерть - что еще нужно для настоящего театра! «Диббук» - краеугольный камень идишского и израильского сценического искусства. Как и любой классический спектакль, он затрагивает универсальные темы: отношения мужчины и женщины, верность, измена, жизнь и смерть, материя и дух. «Диббук» - это и полемика с религиозным фанатизмом и, в данном случае, художественный вызов привычной «сакральности» текста, разговор о памяти, вере и невозможности «изгнания» прошлого.

С конца 1990-х годов «Диббук» в театре все чаще перестает быть «мистической легендой» и становится сценой конфликта - религиозного, политического, судьбоносного.

В пьесе «Диббук, или Меж двух миров» Шлойме-Занвла Раппопорта (Ан-ского) рассказывается история любви Ханана и Леи, описывается вторжение диббука (души Ханана) в тело Леи, церемония его изгнания (экзорцизм) и смерть как возможность соединения двух любящих душ в следующем мире. Созданию пьесы предшествовало несколько этнографических экспедиций по черте оседлости (1912-1914), организованных Ан-ским с целью документирования еврейского фольклора. Считается, что встреча с неким раввином, умевшим изгонять демонов и диббуков, вдохновила Ан-ского на создание мистической истории любви.

Photos by © Йосси Цвекер

С момента первой постановки и особенно после исторической постановки 1922 года Евгением Вахтанговым с участием Ханны Ровиной «Диббук» стал вневременной еврейской классикой. Постановка 1922 года - веха в истории еврейского театра, и благодаря ей, по сути, и возник сам театр «Габима». За более чем сто лет пьеса была адаптирована бесчисленное количество раз для балета, кино, телевидения. На этот сюжет написаны две оперы, одна из них на идиш. И вот - новая опера «Диббук», первая на иврите.

Прошлое никогда не исчезает бесследно - оно только меняет форму. Центральный конфликт пьесы - нарушение клятвы, данной отцами героев. Но если взглянуть шире, это и образ нашего времени: эпохи разрушенных обещаний и размытых моральных ориентиров. Ан-ский словно предупреждает: любое нарушение внутреннего закона возвращается эхом, и расплачиваться за это приходится уже следующим поколениям.

«Диббук» - одно из самых популярных произведений, написанных о еврейской жизни, особенно о духовной», - говорит композитор Йосеф Барданашвили. Для него «Диббук» - второе произведение, созданное по заказу Израильской оперы. Первым была опера «Путешествие на край тысячелетий», написанная двадцать лет назад.

В либретто Идо Риклина, который также стал режиссером этой постановки, в центре находится образ Леи. Она показана поначалу как упрямый и бунтующий ребенок, а затем – как молчаливая и послушная девушка под властью отца-богача. Встреча с Хананом, бедным, дерзким юношей с бурной душой, потрясает ее мир и пробуждает любовь, которой не суждено продлиться долго.

В оригинальной пьесе Лея мечется между миром живых и миром мертвых, в опере же она разрывается между двумя другими мирами: авторитарным, консервативным, который представляет ее отец, и миром чувства, страсти и свободы, воплощенным в Ханане, готовом бросить вызов и ближайшему окружению, и божественному порядку, но находящем смерть в попытке изменить судьбу. И в этот момент рождается диббук. Через голос мертвого Ханана Лея может впервые выразить свой гнев, страсть и бунт против отца, раввинского истеблишмента и мира, который ограничивал и заставлял ее молчать.

Photos by © Йосси Цвекер

Идо Риклин формулирует свое прочтение Ан-ского так: «История диббука повествует о душе мертвого юноши, завладевшего телом девушки. Но я не думаю, что диббук приходит из мира мертвых. Он – из глубины измученной и придавленной души Леи. Не голос мертвого Ханана слышен из уст Леи – это голос ее самой».

Музыкальный путь лауреата множества премий израильского композитора Йосефа Барданашвили начался в 1960-х годах в Советской Грузии и продолжается по сей день. В его новой опере слышны отзвуки грузинских напевов и ашкеназских синагогальных молитв, идишских пуримшпилей, советского музыкального авангарда, влияния Малера и Мессиана, а также предыдущих произведений самого Барданашвили, включая сценическую музыку, которую он сочинил для постановки «Диббука» в театре «Габима» (1998).

– «Диббук» - это исключительная пьеса, говорящая об абсурде в жизни, о явлениях, которые мы не способны понять, - говорит композитор*. - Опера длится около двух с половиной часов - это большое сочинение, но прежде всего это потрясающая история невероятной любви. И печальная, как то обычно бывает в оперном жанре.*

Во всех нас есть затаившийся диббук, о существовании которого мы и не подозреваем. Иногда его высвобождение приводит к печальному исходу, а иногда порождает новые энергии. Я очень надеюсь, что мы все - как личности и как общество - в конце концов избавимся от диббука и будем жить нормальной жизнью.

Израильская опера создает поразительную по красоте постановку, - продолжает Барданашвили. - Над спектаклем работают лучшие художники: драматург, режиссер, дизайнеры. В нем участвует впечатляющая команда солистов. И конечно, превосходный оркестр с одним из лучших дирижеров в мире».

Дан Эттингер, музыкальный руководитель Израильской оперы, дирижирующий постановкой «Диббука»: «В своей новой опере Йосеф Барданашвили создал захватывающее и гипнотическое сочетание музыкальных миров: реалистического мира восточноевропейского местечка с его персонажами и с их музыкальными мотивами, ведущими сюжет, и параллельно –эмоциональный, космический и даже мистический музыкальный мир, окутывающий весь сюжет. Музыка Барданашвили богата, увлекательна, разнообразна, в ней множество оркестровых красок, она бросает вызов певцам своими вокальными требованиями и вместе с либретто Идо Риклина создает захватывающее драматическое напряжение с первых нот оперы до ее завершения».

«Диббук». Премьера. К 40-летию Израильской оперы
Композитор: Йосеф Барданашвили
Либретто и постановка: Идо Риклин
Музыкальный руководитель и дирижер: Дан Эттингер

Художница-постановщица: Хайке Шееле (Германия)

Художник по костюмам: Орен Дар

Хореограф: Хилель Коган

Художница по свету: Ади Шимрони

В мировой премьере «Диббука» участвуют ведущие солисты Израильской оперы:
Алла Василевицкая (сопрано) – Лея
Одед Райх (баритон) – Ханан
Яэль Левита (сопрано) – Нищенка
Йонуц Паско (баритон) – Сендер, богатый торговец, отец Леи
Рона Шрира (контральто) – Фрида, служанка в доме Сендера
Тамара Навот (меццо-сопрано) – Батья
Эфрат Барам Акоэн (сопрано) – Гител
Яир Полищук (баритон) – Цадик (Праведник)
Эйтан Дрори (тенор) – Ашер
Кирилл Одинцов (баритон) – Энох
Инбаль Бриль (сопрано) – Первая омывальщица
Галь Кохав (меццо-сопрано) – Вторая омывальщица
Ярден Киперман (сопрано) – Банщица и Третья омывальщица

В спектакле заняты Хор Израильской оперы под управлением Итая Берковича, Израильский симфонический оркестр Ришон-ле-Циона и 12 танцоров.

Опера исполняется на иврите (с английскими субтитрами)

Продолжительность спектакля - два с половиной часа

Расписание спектаклей
Среда, 18 февраля, 19:30 - премьера
Пятница, 21 февраля, 13:00
Суббота, 22 февраля, 20:00
Понедельник, 23 февраля, 20:00
Среда, 25 февраля, 18:00

Дополнительная информация и покупка билетов в кассе Израильской оперы: 03-6927777 или в «Браво»: https://best.kassa.co.il/announce/84985

Текст подготовила Маша Хинич

Photos by ©Йоси Цвекер

Пиар-агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting

Верхнее фото - by ©Michael Pavia

**
Израильский симфонический оркестр Ришон ле-Циона с новой программой «Корильяно/Бетховен» в феврале**

Ритм - вот что объединяет этот вечер. Именно пульс, удар, движение, а не только гармонии и мелодии. Израильский симфонический оркестр Ришон ле-Циона представляет новую программу «Корильяно/Бетховен». Концерты состоятся с 3 по 5 февраля в Ришон ле-Ционе, Тель-Авиве и Реховоте.
В программе: Концерт для ударных и струнного оркестра «Кудесник» современного американского композитора Джона Корильяно, увертюра «Кориолан» Бетховена и Седьмая симфония Бетховена. Солист - перкуссионист Том Бецалель.

Концерт открывается произведением американского композитора Джона Корильяно. Джону Корильяно - 88 лет, он лауреат пяти премий «Грэмми» и «Оскара» за музыку к фильму «Красная скрипка» (где, к слову сказать, использовал ритмическую фигуру из 2-й части 7-й симфонии Бетховена), обладатель Пулитцеровской премии и премии Гравемайера. «Кудесник» - его концерт для ударных и струнного оркестра - десятый в серии концертов Корильяно для солиста. Когда композитору предложили написать концерт для перкуссиониста, он признавался, что испытал некий дискомфорт. Исполнитель на ударных в центре внимания? Музыкант, который играет не на одном инструменте, а на десятках? У многих из них даже нет определенной высоты звука, не говоря уж о протяженном тоне, как у скрипки или трубы. Но именно этот вызов и увлек Джона Корильяно.
Корильяно называет себя наследником Сэмюэля Барбера, Аарона Копланда и того же Бернстайна, упоминает влияние Кшиштофа Пендерецкого, но подчеркивает: его приоритеты - романтическое чувство и мелодичность. Благодаря этому он остается одним из самых исполняемых современных композиторов. Его музыку играют Джошуа Белл, Йо-Йо Ма, Джеймс Голуэй. Его сочинениями дирижируют Зубин Мета, Даниэль Баренбойм, Марин Олсоп.

]
Tom Bezalel - photo by © Michael Pavia

В этом концерте перкуссионист - доминирующая фигура, связывающая различные группы оркестра. Солист вечера - Том Бецалель, главный тимпанист Израильского симфонического оркестра Ришон ле-Циона. Том еще в юности играл в Израильском молодежном духовом оркестре, параллельно со службой в оркестре ЦАХАЛа начал учебу у мастера ударных инструментов Алона Бора. В 2007 году его приняли в Оркестр Западно-Восточного дивана под управлением Баренбойма, в 2010-м он занял первое место в конкурсе солистов Академии музыки и танца в Иерусалиме, а в 2011-2015 годах обучался в классе солистов у немецкого мастера Петера Задло. С осени 2014 года Бецалель - главный тимпанист Израильского симфонического оркестра Ришон ле-Циона. Он выступал с Израильским филармоническим оркестром, филармоническими оркестрами Мюнхена и Грузии, оркестром Баварской государственной оперы. Сотрудничал с Баренбоймом, Булезом, Дудамелем, Метой, Нагано, Петренко. Играл в Карнеги-холле, Ройял Альберт-холле, филармонических залах Берлина и Кельна, Музикферайне в Вене, Театро Колон в Буэнос-Айресе, зале Чайковского в Москве. Том изучает традиционные ритмические идиомы - бразильскую игру на пандейру, барабанные традиции народа эве в Гане, японскую перкуссию, ближневосточное ударное искусство. С 2018 года он официальный представитель компании Marimba One.

После «Кудесника» Корильяно прозвучит увертюра Л.В. Бетховена «Кориолан».
Венский драматург Генрих фон Коллин положил в основу своего «Кориолана» одну из трагедий Шекспира. Но у Шекспира Кориолан погибает от рук заговорщиков, у Коллина падает на собственный меч, а в музыке Бетховена угасает и растворяется. Бетховен называл эту увертюру «музыкой гнева». Образ Кориолана был необычен для композитора: герой борется не за свободу народа, а против него.
Работал Бетховен над увертюрой в непростое для него время. 1805 год принес композитору разочарования. В апреле первое публичное исполнение Третьей симфонии вызвало неодобрение публики. В конце ноября прошли провальные премьерные спектакли «Фиделио» - оперы, на которую Бетховен возлагал большие надежды. В те дни композитор, чтобы развеяться, посетил придворный Бургтеатр, где шло представление драмы Коллина «Кориолан». Драматург подарил Людвигу книжечку с текстом пьесы, выразив надежду, что маэстро захочет положить ее на музыку. «Кориолан» действительно произвел на композитора сильное впечатление.
Первое исполнение «Кориолана» состоялось во дворце венского мецената князя Карла Лихновского в марте 1807 года. Увертюра была хорошо принята слушателями, восхищался ею и князь Франц Лобковиц. Будучи членом театральной дирекции, он поспособствовал возвращению «Кориолана» Коллина в репертуар Венского придворного театра, и 24 апреля 1807 года трагедия была вновь поставлена с увертюрой Бетховена.

**Вторая часть вечера - Симфония № 7 Л.В.Бетховена. **
Работа над ней была начата, вероятно, в 1811 году, а закончена 5 мая 1812-го. Лето 1811 и 1812 годов Бетховен по совету врачей проводил в Теплице - чешском курорте, славящемся целебными горячими источниками. Глухота его усилилась, он смирился со своим ужасным недугом и не скрывал его от окружающих, хотя и не терял надежды на улучшение слуха.
Симфония посвящена графу Морицу Кристиану Иоганну фон Фрису, венскому меценату, в доме которого Бетховен часто выступал как пианист. Премьера состоялась 8 декабря 1813 года под управлением автора в благотворительном концерте в пользу воинов-инвалидов в зале Венского университета. В исполнении участвовали лучшие музыканты, но центральным произведением концерта была отнюдь не эта «совсем новая симфония Бетховена», как объявляла программа. Им стал финальный номер - «Победа Веллингтона, или Битва при Виттории», шумная батальная картина. А Седьмая симфония прошла незамеченной. Один из критиков назвал ее «сопровождающей пьесой» к «Битве при Виттории».
Вызывает изумление, что эта сравнительно небольшая симфония, теперь столь любимая публикой, кажущаяся прозрачной, ясной и легкой, могла вызвать непонимание музыкантов. Фортепианный педагог Фридрих Вик, отец Клары Шуман, считал, что лишь пьяница мог написать такую музыку; директор-основатель Пражской консерватории Дионис Вебер объявил, что автор ее вполне созрел для сумасшедшего дома. Ему вторили французы: Кастиль-Блаз назвал финал «музыкальным сумасбродством», а Фетис - «порождением возвышенного и больного ума». Зато для Глинки она была «непостижимо прекрасной», а Ромен Роллан писал о ней: «Симфония ля мажор - само чистосердечие, вольность, мощь. Это безумное расточительство могучих, нечеловеческих сил - расточительство без всякого умысла, а веселья ради - веселья разлившейся реки, что вырвалась из берегов и затопляет все». Сам же композитор ценил ее очень высоко: «Среди лучших моих сочинений я с гордостью могу указать на ля-мажорную симфонию».

Evan-Alexis Christ by Julian Scherer

**
Продирижирует этой программой Эван Алексис Крист.** Он родился в Лос-Анджелесе, в семье музыкантов греческого происхождения, вырос в Лас-Вегасе. Эван Алексис Крист начал свою музыкальную карьеру как гобоист и пианист, затем изучал математику и композицию в Гарвардском университете и дирижирование в Лейпцигской консерватории. Крист был главным дирижером оперного театра в Вюрцбурге. С 2020 года является постоянным дирижером Софийской оперы. Крист также часто работает с оперными театрами в Германии. Кроме того, Крист сотрудничал с оркестрами Загреба, Санкт-Галлена, Мадейры и Люксембурга. Эван Алексис Крист уже выступал в Израиле с Израильским симфоническим оркестром Ришон ле-Циона и Иерусалимским симфоническим оркестром.

Концерт посвящен памяти Рафаэля Файгельсона, перкуссиониста Израильского симфонического оркестра Ришон ле-Циона. Рафаэль родился в семье музыкантов в Риге. Музыкальные способности Рафаэля проявились в раннем возрасте: он пел в детском хоре, а затем, выбрав ударные инструменты, стал самым юным музыкантом - в возрасте всего 14 лет - в оркестре Рижской оперы. Когда в Ригу прибыл Арам Хачатурян, чтобы дирижировать своим балетом «Гаянэ», он высоко оценил игру Рафаэля на маримбе. В 1979 году семья Файгельсон эмигрировала в Израиль, и Рафи сразу получил здесь признание. Рудольф Баршай пригласил его выступать с Израильским камерным оркестром. С 1995 года Рафаэль был исполнителем на ударных инструментах Израильского симфонического оркестра Ришон ле-Циона и выступал также в Израильской опере. Он был высоко ценим и очень любим своими коллегами по профессии.

****

**Корильяно/Бетховен **

Программа:
Джон Корильяно: Концерт для ударных и струнного оркестра «Кудесник»
Людвиг ван Бетховен: Увертюра «Кориолан», до-минор, соч. 62
Людвиг ван Бетховен: Симфония № 7 ля мажор, соч. 92

Израильский симфонический оркестр Ришон ле-Циона
Дирижер: Эван Алексис Крист
Ударные и тимпани: Том Бецалель

Вторник, 3 февраля, 20.00, Ришон ле-Цион, зал «Гейхал Меир ле-Тарбут»
Среда, 4 февраля, 20.00, Оперный театр Тель-Авива,
Четверг, 5 февраля, 20.00, Реховот, зал «Бейт а-Ам»

Билеты: https://best.kassa.co.il/announce/84808

Текст подготовила Маша Хинич
Photos by ©Michael Pavia, Julian Scherer
Пиар-агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting

Верхнее фото: Benjamen Hochman - Photo © Omri Ben David; Tel Aviv Wind Quintet - photo © Dan Erez

Суббота, 7 февраля 2026 года | 20:00 | Концертный зал Тель-Авивской Консерватории
Продолжительность: около 2 часов (с антрактом)
В 19:15 - предконцертное выступление ученических джазовых ансамблей (зал Ран Барон)

Исполнители:
Рои Амоц - флейта
Дмитрий Малкин - гобой
Дани Эрдман - кларнет
Итамар Лешем - валторна
Надав Коэн - фагот
Биньямин Хохман - фортепиано

Программа:
Дариюс Мийо - Соната для флейты, гобоя, кларнета и фортепиано, соч. 47 (1918)
Александр фон Цемлинский - Юмореска для квинтета деревянных духовых (1939)
Франсис Пуленк - Секстет для квинтета деревянных духовых и фортепиано (1932)
Морис Равель - «Гробница Куперена» (переложение для деревянного духового квинтета: Мейсон Джонс)
Вердина Шлёнски - Первая часть из Дивертисмента для квинтета деревянных духовых (1952)
Лео Смит - Секстет для квинтета деревянных духовых и фортепиано (1932)

Произведение Вердины Шлёнски исполняется в честь 80-летия со дня основания Консерватории. Шлёнски входила в число преподавателей фортепиано Консерватории в 1951-1958 годах.

Программа концерта посвящена музыке эпохи «слома» - периоду между двумя мировыми войнами. Это время поиска новых смыслов между памятью о прошлом и тревогой перед будущим. В концерте объединены произведения, созданные в драматичную эпоху между Первой и Второй мировыми войнами, а также в первые годы после них. Это музыка времени разлома - исторического, эстетического, человеческого. В ней сосуществуют ирония и скорбь, ясность формы и внутреннее напряжение, память о прошлом и тревожное предчувствие будущего. Композиторы, представленные в программе, по-разному отвечают на опыт катастрофы и перелома, но всех их объединяет поиск нового музыкального языка и нового смысла искусства в мире, утратившем устойчивость.

[caption id=“attachment_52686” align=“alignnone” width=“620”]Tel Aviv Wind Quintet - photo © Dan Erez[/caption]

**
Тель-Авивский квинтет**
Основанный в 2009 году, ансамбль - квинтет деревянных духовых инструментов - стал со временем одним из ведущих камерных коллективов Израиля. Квинтет ежегодно дает десятки концертов в Израиле, активно гастролирует (Швейцария, Германия, Китай, США) и уделяет особое внимание популяризации израильской музыки. Коллектив - лауреат Премии Союза исполнителей (2011), выпустил два успешных альбома (2016, 2018).

[caption id=“attachment_52687” align=“alignnone” width=“620”]Benjamin Hochman - photo © Omri Ben David [/caption]

Биньямин Хохман (фортепиано)
Израильский пианист и дирижер Биньямин Хохман, дебютировавший в Карнеги-холле в возрасте 24 лет и сделавший в последние десятилетия успешную международную карьеру, возвращается в Центр камерной музыки в Консерватории «Штрикер». Он - лауреат премии Avery Fisher Career Award от Линкольн-центра в Нью-Йорке, регулярно выступает на крупных площадках по всему миру, включая Берлин, Вену, Париж, Амстердам, Санкт-Петербург, Лиссабон, Токио и т. д. Биньямин Хохман - также постоянный гость престижных фестивалей, в том числе фестиваля в Сполетто, в Санта-Фе, Вербье, Люцерне и Фестиваля Израиля в Иерусалиме. Хохман выступает с ведущими оркестрами мира (Нью-Йоркский, Чикагский, Пражский филармонические) под руководством таких маэстро, как Густаво Дудамель и Кент Нагано. Он - представитель компании Steinway, преподаватель Bard College Berlin.

Подробно о программе

Дариюс Мийо - Соната для флейты, гобоя, кларнета и фортепиано, соч. 47 (1918).
Мийо создавал эту сонату в Рио-де-Жанейро, находясь на дипломатической службе. Хотя позже Бразилия вдохновит его на сочинение «Тоска по Бразилии», эта соната остается глубоко европейской и тревожной. Она демонстрирует фирменную «политональность» Мийо - когда инструменты играют в разных тональностях одновременно. В четырех частях сонаты пасторальная легкость начала постепенно сменяется жесткой энергетикой трелей, а финал погружает слушателя в мрачную, почти пророческую атмосферу, предвещающую драматические перемены в судьбе Европы.

Александр фон Цемлинский - Юмореска для квинтета деревянных духовых (1939).
Это произведение - удивительный пример того, как великий мастер может сохранять ясность духа в самые темные времена. Цемлинский, наставник Шёнберга и ключевая фигура венского модерна, написал «Юмореску» уже в эмиграции в США. Несмотря на статус «учебного произведения» (написанного отчасти ради заработка), пьеса полна венского изящества, прозрачности и той тонкой музыкальной иронии, которая была свойственна композиторам, потерявшим старый мир, но сохранившим свое мастерство.

Франсис Пуленк - Секстет для квинтета деревянных духовых и фортепиано (1932).
Секстет Пуленка - настоящий манифест парижского духа 1930-х годов. Пуленк, enfant terrible французской музыки, черпал вдохновение не в академических залах, а в шуме улиц, мюзик-холлах и кафе. Секстет поражает резкой сменой настроений: агрессивные, почти механические ритмы внезапно прерываются моментами щемящей, «сладкой» меланхолии. Это музыка контрастов, где язвительный юмор и нарочитая простота становятся формой защиты от сложности окружающего мира.

Морис Равель - «Гробница Куперена» (переложение для квинтета).
Это произведение - не просто дань уважения великому клавесинисту барокко Франсуа Куперену, но и один из самых трогательных памятников Первой мировой войне. Равель, сам прошедший через фронт, посвятил каждую часть сюиты своим друзьям, погибшим в сражениях. Но здесь нет траурных маршей; музыка наполнена светом, легкостью и грацией старинных танцев. Равель считал, что «мертвые и так достаточно печальны в своем вечном безмолвии», поэтому его память о них - это живой, виртуозный и невероятно элегантный танец.

Вердина Шлёнски - Дивертисмент для квинтета деревянных духовых (1952).
Вердина Шлёнски - уникальная фигура, ставшая первой профессиональной женщиной-композитором Израиля. Ученица Нади Буланже и Эдгара Вареза, она привнесла в израильскую музыку рафинированный европейский авангард и французский неоклассицизм. Первая часть ее Дивертисмента - это блестящая демонстрация «галльского стиля»: прозрачная фактура, остроумие и безупречное чувство формы. Исполнение этого сочинения - дань уважения её педагогическому вкладу в развитие Тель-Авивской Консерватории.

Лео Смит - Секстет для квинтета деревянных духовых и фортепиано (1932).
Судьба Лео Смита - одна из самых трагических страниц музыкальной истории: блестящий нидерландский композитор погиб в Собиборе в 1943 году. Его Секстет, написанный в один год с секстетом Пуленка, поражает своей жизненной силой. В нем слышны отголоски импрессионизма Дебюсси и неоклассицизма Мийо. Это искрящаяся, кокетливая и невероятно светлая музыка, которая сегодня воспринимается с особым чувством - как свидетельство торжества таланта и красоты над разрушительной силой истории.

Билеты:
https://www.icm.org.il/event/tlvwq0226/
https://icm.pres.global/order/661

Молодежь до 21 года: вход свободный при наличии свободных мест
Молодежь от 22 до 35 лет: 45 шекелей

Центр камерной музыки | Израильская консерватория
Сезон 37 | 5786 год | 2025-2026
www.icm.org.il

Аудиториум Консерватории
Продолжительность концерта: около двух часов, включая антракт

Фото (credit © Dan Erez, © Omri Ben David) - предоставлено Центром камерной музыки при Израильской консерватории

«Новым временам» (Modern Times) Чарли Чаплина исполнилось девяносто лет. Вышедшая на экраны в 1936 году картина стала прощальным немым фильмом Чаплина и едкой сатирой на мир технологий времен Великой депрессии.
Спустя девять десятилетий после премьеры этой гениальной ленты «Революционный оркестр» («Тизморет а-Маапеха») под художественным руководством Зоара Шарона и Рои Оппенгейма представляет оригинальный проект: шедевр Чарли Чаплина «Новые времена» будет демонстрироваться на большом экране в сопровождении оркестра, который вживую исполнит оригинальный симфонический саундтрек, написанный самим классиком мирового кинематографа. За дирижерский пульт встанет Рои Оппенгейм. Представления состоятся 19 и 22 февраля в Оперном театре Тель-Авива, 7 и 8 марта в Центре сценических искусств Герцлии и 18 апреля в зале «Аудиториум» в Хайфе.

Фильм Чарли Чаплина «Новые времена» – вечная классика, заставляющая вновь задуматься о моральной цене технического прогресса. Это уже вторая встреча «Революционного оркестра» с Чаплином после большого успеха «Золотой лихорадки».
Изначально задуманный как звуковой, со всеми прописанными диалогами, фильм «Новые времена» в итоге стал немым по осознанному выбору режиссера.
Сама идея Чаплина выпустить немой фильм в 1936 году, когда звуковое кино стало уже нормой, была смелой и рискованной. К тому времени наличие звука в кинотеатрах воспринималось уже естественно. У Чаплина было два пути: продемонстрировать нечто совершенно невиданное или действовать по отработанной схеме. Он выбрал третье – сознательно остаться в немом кино, но наполнить его новыми смыслами.

«Фильм «Новые времена» интересен мне своим отношением к технологиям вообще и к звуковому кино в частности, – говорит дирижер оркестра Рои Оппенгейм. – Несмотря на то что фильм вышел почти через десять лет после появления звукового кино, Чаплин сознательно выбрал симфоническую партитуру и минимум диалогов, представляя в фильме конфликт между человеческим и технологическим через саундтрек. Человеческие голоса звучат только через устройства – динамики, радио, экраны, тогда как чувства и эмоции сохраняются в музыке и пантомиме. В кульминационный момент, в бессмертной сцене, когда Бродяге нужно петь, его возлюбленная шепчет ему: «Пой, слова не важны!» – и Чаплин нарушает кинематографическое молчание всей своей карьеры. Он поёт… Это гениальное решение, на мой взгляд, которое делает его персонажа универсальным и заостряет послание: в мире, где машины говорят, а люди вытеснены на обочину, музыка – это голос, несущий чувство», – подытоживает Оппенгейм.

Картина, названная лучшей в кинокарьере Чаплина и включенная в Национальный реестр кинофильмов США, стала не только очередным появлением Маленького Бродяги на экранах. Она следовала самому духу времени, в котором создавалась, – духу эпохи Великой депрессии на фоне новой индустриальной революции в Старом и Новом Свете. Одна из самых запоминающихся сцен: Бродяга на конвейерной ленте попадает в бесконечный круговорот механизмов. Этот эпизод стал символом поглощения личности механической системой. Но Чаплин прекрасно показал, что человеческий дух и желание жить свободно не могут быть побеждены, даже когда система делает всё, чтобы превратить человека в винтик механизма.
Чарли Чаплин сам написал музыку к фильму, что было редкостью для режиссеров того времени. Музыка отличается от других кинематографических произведений того периода тем, что она не является просто сопровождением для действия на экране, а вполне может существовать сама по себе.

Зоар Шарон, художественный руководитель Революционного оркестра: «Мы приглашаем публику насладиться кино в его наивысшем проявлении – вслушаться в фильм и увидеть музыку. И, одним словом, – улыбнуться. В этом фильме Чаплин попросил своих партнеров по созданию саундтрека – Альфреда Ньюмана, Эдварда Пауэлла и Дэвида Раксина – сочинить любовный мотив, вдохновленный музыкой Пуччини. Эта мелодия обрела слова только через 18 лет, в 1954 году, и превратилась в известнейшую песню Smile. Какое наслаждение – услышать первоисточник, прочувствовать тот самый момент, когда эта прекрасная музыка была написана».

Действительно, лирическая тема из «Новых времен спустя годы стала основой песни Smile: в 1954 году к ней были добавлены слова, превратившие её в хит, прославленный исполнением Нэта Кинг Коула. При этом есть две версии происхождения этой мелодии: одни считают, что она была написана Пуччини в 1911 году в Италии, другие – что её написал русский композитор Лев Чернецкий, эмигрировавший во Францию. Точно известно одно: она стала очень популярной в Европе в первой половине XX века.
Кстати, еще об одной песне из этого фильма: в эпизоде в ресторане Чаплин исполняет так называемую Nonsense Song «Titine» – первую звучащую реплику его героя на экране. В фильме он поет на смеси псевдо-итальянского, псевдо-французского и других языков, то есть это намеренно бессмысленный текст. Мелодия Чаплиновской «Titine» (которую сегодня все знают как «По улице ходила большая крокодила»,) заимствована из французской песни «Je cherche après Titine», популярной в мюзик-холлах с 1917 года. Автор музыки – Лео Данидерфф; оригинальные французские слова написали Bertal, Maubon и Lemonnier.

Фильм «Новые времена» снимался три с половиной года и стал самым дорогостоящим проектом Чаплина на тот момент: он потратил на него более 1,5 миллионов долларов, что было огромной суммой для того времени. Некоторые считали его шедевром, другие – слишком длинным и слишком эмоциональным. Картина была запрещена в ряде стран из-за социальной критики. В Германии её запретили на 25 лет, а в США на Чаплина завели дело в ФБР. В Советском Союзе фильм шёл в большом прокате и показывался в полной версии, которая впоследствии была урезана самим режиссёром.
Любопытная деталь: в эпизоде с демонстрацией в толпе можно увидеть три плаката, написанные на русском языке: «Стойте за свое», «Свабода» (именно так) и «Свабода или же смерт. Союз». А главную женскую роль в «Новых временах» (Гамин) сыграла актриса Полетт (Полин) Годдар, партнёрша и гражданская супруга Чаплина на тот момент, позже ставшая его женой.

Новый проект продолжает увлекательный диалог «Революционного оркестра» с большим экраном, начатый предыдущими постановками – такими как «Казаблан», «Золотая лихорадка» и «Проект Анимация». Зрителей ждут юмор, эмоции и магия симфонической музыки, звучащей в реальном времени. Особенно сегодня, в эпоху революции искусственного интеллекта, фильм о противостоянии человека и машины звучит как никогда современно и актуально.

«Революционный оркестр», созданный 22 года, все время представляет новые оригинальные проекты. Этому уникальному в своем роде оркестру удалось совершить небольшую (но громкую) музыкальную революцию благодаря новому формату выступлений. Оркестр постоянно выступает на различных фестивалях в Израиле и работает с выдающимися музыкантами израильской сцены.

*****

Революционный оркестр и фильм «Новые времена» Чарли Чаплина
Дирижер: Рои Оппенгейм
Художественное руководство: Зоар Шарон и Рои Оппенгейм
Даты и места представлений:
Оперный театр Тель-Авива:
19 февраля и 22 февраля в 20:00
Центр сценических искусств Герцлии:
7 марта в 18:00 и 8 марта в 20:30
Зал «Аудиториум» в Хайфе:
18 апреля в 21:00

Посмотреть видео: https://www.youtube.com/watch?v=9jYDT0TpTLU

Билеты в «Браво»: https://best.kassa.co.il/announce/84988

Photo and video by:
Modern Times © Roy Export S.A.S.
Music for Modern Times Copyright © Roy Export Company Ltd and Bourne Co.
Charlie Chaplin TM© Bubbles Incorporated S.A

Текст – Маша Хинич

Пиар-агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting

Верхнее фото: Photo Credit Michal Vach

Кибуцный ансамбль современного танца и его художественный руководитель и хореограф Рами Беэр представляют постановку «Зихрон дварим» – Aide Memoire.
Балетные спектакли приурочены к Международному дню памяти жертв Холокоста.
31 января, а также 1 и 2 февраля 2026 на сцене Оперного театра Тель-Авива.

Спустя тридцать лет после премьеры на сцену возвращается одно из основополагающих произведений израильского современного танца. «Зихрон дварим» хореографа Рами Беэра, созданное в 1994 году, вновь будет показано зрителям с 31 января по 2 февраля в Оперном театре Тель-Авива. Балетные спектакли посвящаются Международному дню памяти жертв Холокоста и Дню освобождения Освенцима.
Этот балет рассказывает не об истории, а о памяти тела. Показывает телесное напряжение как ощущение мира, как внутренний шепот. Рами Беэр, представитель второго поколения переживших Катастрофу, исследует не сами события Катастрофы, а то, как память о ней передается через тело, через жесты, дыхание, реакцию, страх, молчание, ритмы жизни. И поэтому, этот балетный спектакль построен как череда телесных всплесков, сбоев, повторов, обрывов – структура травматической памяти, врезавшейся в кожу и высеченной в теле. Тридцать лет спустя после премьеры хореографический текст Рами Беэра снова складывается в ясную, неуловимо дрожащую фразу о том, как память Катастрофы продолжает звучать в телах, в голосах, в дыхании тех, кто родился уже после войны.

Photo Credit Michal Vach

«Зихрон дварим» – своеобразный обет памяти, воплощенный не в словах, а в движении. Из этого опыта, из телесного знания и родился спектакль, ставший одним из символов современного израильского танца.​ Память в «Зихрон дварим» не подчиняется линейному времени. На сцене нет привычного повествования, нет героев или антигероев. Вместо них существуют тела, которые помнят, даже если забыты слова. В этом спектакле нет прямых цитат, нет сцен, которые пытаются «воссоздать» конкретный эпизод из хроники Катастрофы, и именно поэтому эта работа так точно отражает то, чего не передаст ни один документальный кадр. Ассоциативные связи между звуком, светом, жестом запускают в зрителях свой механизм воспоминаний, даже если все, что им известно – рассказы других и строки из книг.

Название «Зихрон дварим» – Aide Memoire – французское выражение, означающее «памятка», «то, что помогает помнить» – приобретает буквальный смысл. Воспоминания в этом балете создают не сюжетную линию, а очерчивают память как внутренний механизм, который невозможно отключить или стереть. Внутренний архив продолжает существовать физически – в телах следующих поколений. И важно подчеркнуть, что публика, пришедшая на этот балет, попадает не на урок истории и не на «постановку о Холокосте». «Зихрон дварим» – спектакль, в течение которого на сцене вновь и вновь выстраивается мир, давно исчезнувший и, в то же время, каждый раз рождающийся заново.

Рами Беэр вырос в кибуце Гаатон в Западной Галилее, основанном выходцами из Европы, пережившими Катастрофу. В детстве его родители предпочитали не говорить о прошлом, но наполнили дом искусством и музыкой, воспитали детей в духе кибуцных ценностей, начали новую жизнь. Только когда Беэр стал подростком и начал задавать вопросы, они начали рассказывать о пережитом. Педагогом Рами Беэра была легендарная Йеудит Арнон, выжившая в Освенциме, основательница Кибуцного ансамбля современного танца, лауреат премии Израиля. Арнон прошла через Краковское гетто, Освенцим и лагерь Плашов, где отказалась танцевать перед немцами. В бараках она танцевала после многочасовых наказаний на морозе и поклялась: если останется в живых, посвятит себя танцу. В середине 1950-х годов она создала в кибуце центр обучения танцу, который позже стал полноценным балетным ансамблем.

Photo Credit Udi Hilman

Рами Беэр начал заниматься в «Доме танца» Арнон ещё ребенком, присоединился Кибуцному ансамблю современного танца в 1980 году, а с 1996 года является его художественным руководителем. За четыре десятилетия Беэр создал более сорока хореографических работ, и его имя стало синонимом политически осмысленного, визуально богатого и предельно честного израильского танца – иногда провокационного, на грани или даже за гранью физических возможностей танцовщиков.

«Зихрон дварим» с момента премьеры стал частью международного репертуара ансамбля. Спектакль показывали в Венгрии к семидесятой годовщине уничтожения венгерских евреев, в Норвегии при открытии Института исследований Холокоста в Осло – в бывшем доме Видкуна Квислинга, норвежского коллаборациониста. Кибуцный ансамбль выступал с этой работой в Италии, США и в десятках других стран. Критики называли спектакль «произведением, которое нельзя пропустить». В The New York Times писали: «Хореографический лексикон Беэра основан не на отдельных шагах или жестах, а на игре и движении всего тела, и его труппа прекрасно обучена этому многофункциональному языку. Преданная отдача танцовщиков и чистота хореографии покорят вас».

В «Зихрон дварим» Рами Беэр достиг полного единства, полного слияния между движением, музыкой и сценографией, существующими здесь в совершенной согласованности. Беэр создает на сцене завораживающие образы. Задняя часть сцены выполнена из высоких деревянных панелей с полками, на которых танцовщики сидят, движутся, исчезают. То, что происходит за стенами и между ними, не менее важно, чем то, что разворачивается на авансцене. Беэр не пытается документировать события. Он работает с ассоциативными связями, с образами, движущимися как в кинематографическом флешбеке. Одна за другой на сцене разворачиваются ассоциации, заимствованные из «телесной» памяти новых поколений, соприкоснувшихся с рассказами и свидетельствами тех, кто был там – в аду. Спектакль начинается с «крика» – мощной музыки, звуков выстрелов, шума колес поезда, резких и быстрых движений. Но есть и моменты тишины. Моменты легкой, почти цирковой музыки – и этот контраст оказывается сильнее любой мелодии.

Photo Credit Udi Hilman

«Зихрон дварим» – это балет не только о Катастрофе, – говорит Беэр. – Это произведение затрагивает вопросы, связанные также и с нынешней жизнью и современной реальностью. Оно о насилии, войнах и их влиянии на наши жизни. Я создал этот танец, чтобы прокричать: прекратите насилие, прекратите Катастрофы!».

В 2026 году, когда «Зихрон дварим» возвращается на сцену, мир переживает новые потрясения, а Беэр продолжает создавать работы, обращенные к современникам: его недавний спектакль «Коль адам» («Голос человека») был создан во время войны и политических потрясений в Израиле, когда каждый выражал своё мнение в соответствии со своим голосом. «Я создал свое соло, а мой личный голос интерпретируется танцовщиками, а затем и аудиторией, – объясняет Беэр свой подход. – Я бросаю в зал ниточку из запутанного клубка, которая приведет их к определенной точке, к моим чувствам, к моему видению».

Кибуцный ансамбль современного танца
Коллектив был основан в 1970 году Йеудит Арнон. Базируется в кибуце Гаатон в Западной Галилее. Рами Беэр руководит ансамблем с 1996 года. Коллектив проводит по полгода на гастролях по всему миру, оставшееся время – в кибуце, где расположены репетиционные залы. Труппа известна визуально насыщенными, политически настроенными работами, сочетающими современную хореографию с театральными и музыкальными элементами.

Рами Беэр
Хореограф, художественный руководитель Кибуцного ансамбля современного танца, член кибуца Гаатон. Представитель второго поколения переживших Холокост. За сорок лет создал более сорока хореографических произведений. Бывший десантник ЦАХАЛа, участник Первой Ливанской войны. Один из наиболее известных израильских хореографов своего поколения, чьи работы показываются на ведущих мировых сценах и фестивалях.

Photo Credit Udi Hilman

*******
«Зихрон дварим» – Aide Memoire. Хореограф: Рами Беэр
Кибуцный ансамбль современного танца
Продолжительность: около 65 минут
Спектакли состоятся в Оперном театре в Тель-Авиве в рамках балетного абонемента Израильской оперы.
Даты:
31 января 2026, суббота, 17:00
1 февраля 2026, воскресенье, 20:00
2 февраля 2026, понедельник, 20:00
Дополнительная информация и заказ билетов по телефону: 03-6927777, а также в кассе «Браво»: https://best.kassa.co.il/announce/83332

Текст – ©Маша** Хинич
Photos by Michal Vach, ©Udi Hilman
Пиар–агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting**

Фестиваль производителей: от бутиковых виноделен до крафтовых дистиллерий и пивоварен

«Истина в вине» - эта максима, придуманная ещё древними римлянами и многократно повторенная поэтами всех времен и народов, отражает лишь часть реальности. Ибо истина не только в вине - она ещё и в пиве, в коньяке, виски, ликерах и многих других алкогольных напитках. Так что у человечества есть огромный выбор возможностей познать истину, а заодно испытать множество положительных эмоций.
Сегодня это стало делом вполне доступным, особенно в нашей благословенной стране, где производство хмельных напитков ведет своё начало из глубокой древности, а теперь достигло мирового уровня благодаря современным технологиям и, самое главное, любви к процессу. Прежде чем приступить к делу, уточним - воспользовавшись модным словом «дисклеймер», - что дальше речь пойдет исключительно об алкоголе израильского производства.
Старожилы (то есть те, кто в Израиле родился или прожил значительную часть сознательной жизни) хорошо помнят, каким был выбор алкогольных напитков 30-40 лет назад. Если отбросить небольшое количество импортных брендов, наименования израильского алкоголя можно было пересчитать по пальцам. Наши соотечественники в поисках качественного алкоголя отправлялись в Чехию - чтобы выпить пива, во Францию и Италию - за вином, а ради виски, коньяка и ликеров штурмовали Duty Free.
Сегодня картина иная: в Израиле действуют более 350 виноделен, производящих вино мирового уровня, около трех десятков дистиллерий, работающих на уровне лучших мировых образцов, и примерно полсотни пивоварен, варящих пиво не хуже зарубежных коллег.
И сегодня наша задача - познакомить израильтян со всем этим богатством.
В конце этого месяца, 28 и 29 января, в комплексе «Маарава» в кибуце Гааш, в пятнадцати минутах езды от Тель‑Авива, амбициозный проект DRINK.IL откроет двери для любителей алкоголя всех мастей и жанров, а также для профессионалов - импортеров, сомелье, владельцев баров и журналистов, ищущих связи и новые контракты. Профессионалов в эти два дня ждут в залах «Маарава» с 15:00 до 18:00, а затем - до самой поздней ночи - начнётся дегустация, общение и знакомство с новыми вкусами и ароматами для всех желающих, успевших приобрести билеты. О билетах - чуть позже, а пока попробуем рассказать, в чём особенность и уникальность этого события.
Это праздник алкоголя во всех его проявлениях. Замечательный шанс провести вечер в большой компании, где каждый найдет напиток себе по вкусу - будь то виски, коньяк, вино, пиво или медовуха. Кроме того, это именно израильский алкоголь, а значит, придя сюда, вы поддержите отечественного производителя. Согласитесь, уже этих двух причин достаточно, чтобы посетить флагманское событие проекта DRINK.IL.
Список участников насчитывает десятки брендов - от крупных производителей до самых камерных, бутиковых виноделен, винокурен и пивоварен. Познакомимся с некоторыми из них.

Винодельни
Винодельня «Псагот», основанная в 2003 году в горах к северу от Иерусалима, начиналась как небольшой семейный проект, но со временем превратилась в одного из самых заметных производителей израильского вина. Её виноградники расположены на известняковых террасах региона Биньямина, на высоте 700–900 метров над уровнем моря, что обеспечивает концентрированный вкус и яркий характер ягод. Сегодня «Псагот» производит более 600-750 тысяч бутылок в год, причём более 70% отправляется на экспорт в десятки стран мира. Вина винодельни регулярно получают международные награды, а сама «Псагот» продолжает подчёркивать связь с местным терруаром и историей региона.
Винодельни «Эмек ха‑Эла», «Шило» и «Камиса» иллюстрируют три разные истории израильского виноделия, но их объединяет глубокая связь с землёй и стремление раскрыть характер местного терруара.
«Эмек ха‑Эла», расположенная в живописной долине между Иерусалимом и побережьем, работает в регионе, который часто называют «израильской Тосканой» благодаря идеальному климату для винограда и высокой концентрации виноделен. Здесь делают ставку на классические международные сорта и чистый, элегантный стиль.
«Шило» сочетает традиции и современность, создавая насыщенные, выразительные вина, которые регулярно получают международные награды, а «Камиса» - небольшая камерная винодельня, работающая в духе бутика: ограниченные партии, ручной труд и внимание к каждой бочке. Вместе эти винодельни создают панораму израильского виноделия - от крупных хозяйств до семейных проектов, от классики до эксперимента.
Винодельня HaYotzer также будет представлена на DRINK.IL. Для тех, кто ещё не знаком с ней: это не просто очередная израильская винодельня. Филипп Лихтенштейн - представитель восьмого поколения французской семьи виноделов - создаёт вина из уникальных средиземноморских сортов, таких как гренаш, кариньян и марселан. Он выдерживает их в дубовых бочках, подобранных специально для каждого вина, формируя вкусовой профиль, который уже был высоко оценён и отмечен наградами в Израиле и по всему миру. Благодаря сочетанию мастерства и великолепного винограда с залитых солнцем склонов рождается вино как настоящее искусство.

Пивоварни
Пивоварни White Rabbit, Alexander и Fass демонстрируют, насколько многослойной стала израильская крафтовая сцена. White Rabbit, молодой тель-авивский проект, делает ставку на современное хмелевое пиво: яркие IPA, сочные ароматы и технологичный подход, который позволяет работать на уровне мировых трендов. Alexander, напротив, представляет собой одну из самых устойчивых и узнаваемых пивоварен страны: здесь варят нефильтрованное и непастеризованное пиво в духе европейских традиций, делая акцент на качестве сырья, чистоте стиля и стабильности вкуса - не случайно их сорта регулярно получают международные награды. Fass, расположенная в кибуце Гшур на Голанах, дополняет эту картину более камерным, авторским подходом: пиво варят небольшими партиями, уделяя внимание ингредиентам и стилевой точности; в постоянной линейке - пшеничное пиво, лагер и портер, а также сезонные релизы. Вместе эти три пивоварни создают живую панораму израильского крафта - от экспериментальной «новой волны» до классики, от лёгких ароматных сортов до насыщенных тёмных вкусов.

Еще об одной небольшой пивоварне следует рассказать особо. Это Tomer Beer - небольшая израильская пивоварня, созданная в память о Томере Нагере, бойце бригады Голани, погибшем 7 октября, защищая базу Кисуфим. Томера вспоминают как спокойного, доброго и увлечённого человека, который умел радоваться жизни и любил всё, что создаётся руками - в том числе пиво. Он интересовался разными стилями, пробовал новое, обсуждал вкусы с друзьями и относился к пивоварению как к творчеству. После его гибели семья и друзья решили продолжить то, что приносило ему радость, и превратили его увлечение в живой, тёплый проект.

Пиво Tomer Beer варят небольшими партиями, честно и без лишних украшений - так, как мог бы это делать сам Томер. В линейке есть лёгкий Blonde, ароматный American Pale Ale, более хмелевой IPA, а также сезонные сорта, в которых команда позволяет себе экспериментировать. Каждое пиво здесь - это не просто напиток, а маленькая история о человеке, который верил, что хорошие вещи создаются с вниманием, теплом и душой.
Назовём ещё одного производителя из Пардес-Ханы - пивоварню Shevet. Здесь делают крафтовое пиво с уникальными вкусами: от мягкого лагера до экзотического IPA. Каждое пиво рождается здесь из мировых ингредиентов, но при этом остаётся напитком с ярко выраженной израильской душой.

Дистиллерии
Раньше их называли винокурнями, сегодня же принято международное название - дистиллерии. Давайте познакомимся с некоторыми из тех, кто будет представлен на DRINK.IL.
Milk & Honey (M&H) - первая израильская дистиллерия односолодового виски, решившая доказать, что настоящий single malt может рождаться не только в туманной Шотландии, но и под ярким тель-авивским солнцем. Основанная в 2012–2013 годах, она работала под консультированием доктора Джима Свана, специалиста по дистиллериям в жарком климате. Израильская жара ускоряет созревание, и именно это стало фирменной чертой M&H: виски здесь получается ярким, насыщенным и зрелым для своего возраста. Сегодня дистиллерия - международный бренд, чьи релизы получают награды, включая титул World’s Best Single Malt 2023.

Milk & Honey. Фото - Шахар Блайзер

В линейке M&H - несколько направлений. Classic Single Malt отражает базовый стиль дистиллерии. Серия Elements показывает влияние разных типов бочек - Sherry, Peated, Red Wine Casks. Apex - экспериментальная вершина ассортимента, где используют редкие бочки и нестандартные выдержки. Есть и релизы, выдержанные в бочках израильских виноделен, подчеркивающие связь с местным терруаром. Всё это делает M&H одной из самых интересных дистиллерий нового мира виски.

Дистиллерии Hollander, Olgar и Arava показывают, насколько разнообразным и смелым может быть израильский мир крепких напитков. Hollander, расположенная в мошаве Бейт‑Меир в Иудейских горах, - семейная дистиллерия с европейскими корнями, специализирующаяся на фруктовых дистиллятах, шнапсе и ликёрах, созданных из местных фруктов. Olgar - небольшая бутиковая дистиллерия на севере Израиля, где создают ликёры, фруктовые дистилляты и шнапсы из 100% местных фруктов, выращенных в Галилее и на Голанах; производство полностью ручное и камерное. Arava - семейная дистиллерия в пустынной Араве, работающая с локальными ингредиентами региона; здесь создают джин, арак и другие напитки небольшими партиями, вдохновляясь климатом и природой южной пустыни.
Дистиллерия «Голан», расположенная на Голанских высотах (что легко понять по названию), предлагает для дегустации линейку напитков: Golani 40° - виски из двух злаков (пшеница и солод ячменя), выдержанный в бочках из-под каберне, шардоне и нового американского дуба; Golani Black 46° - виски из двух злаков, выдержанный в новой обожжённой бочке из американского дуба; а также израильский сухой джин.

Познакомим читателей ещё с одним брендом - Mead In Israel, дистиллерией, которая производит медовуху ручной работы. Это один из древнейших алкогольных напитков, но здесь он создаётся с использованием современных технологий. Медовуха производится на основе натурального мёда, воды и дрожжей. Содержание алкоголя - 10–15%, а вкусовой диапазон широк: от сухих до сладких вариантов, с выдержкой не менее года. Производство основано исключительно на местных ингредиентах - мёде из израильских пасек (не подвергавшемся нагреву), а также местных фруктах и специях.

Сигары
Хороший виски и хорошая сигара всегда находят общий язык: они подчёркивают аромат друг друга, смягчают острые углы, раскрывают скрытые ноты. Виски добавляет тепла и глубины, сигара - структуры и ароматики, и вместе они создают тот самый редкий момент, когда вкус превращается в ритуал. Именно в этой точке пересечения - между ремеслом, атмосферой и вниманием к деталям - и появляется мир Guri Cigars.
Guri Cigars - израильский бренд, основанный в 2022 году двумя энтузиастами, превратившими своё увлечение сигарами в полноценное производство и импорт премиальных сигар. Бренд делает ставку на ручную работу, классические методы скрутки и тщательно отобранный табак, создавая сигары, которые задумываются как опыт, а не просто продукт. В линейке - разные форматы и смеси, от мягких и кремовых до насыщенных и пряных, разработанные для разных настроений и сочетаний. Эти сигары создаются так, чтобы не перебивать виски, а подчёркивать его - будь то мягкий медовый single malt или более мощный дубовый релиз. Guri предлагает сигары, которые раскрывают напиток и превращают сочетание в спокойный, красивый ритуал.

Это лишь малая часть производителей израильского алкоголя, представленных на DRINK.IL. Любить напитки - значит интересоваться тем, из чего они рождаются. Вино невозможно оценить без понимания земли, на которой вырос виноград. Виски - без золотого ячменя, который становится основой дистиллята. Ликеры - без фруктов, в которых уже заложен будущий вкус. Путешествуя по стране, оглянитесь: вы не сможете не заметить, сколько здесь виноделен, дистиллерий и пивоварен, создающих качественный местный алкоголь. Но за каждым из этих напитков стоят люди, которые каждый день ферментируют, дистиллируют, варят и создают новые вкусы, вкладывая в это труд и внимание к деталям.
Если вам хочется узнать больше о местных напитках - от новых дистиллерий до виноделен и пивоварен - самое время сделать отметку в календаре: 28 и 29 января, кибуц Гааш, комплекс «Маарава», с 15:00 до 24:00.

Важная информация
Организаторами DRINK.IL выступают комплекс «Маарава» и шеф‑повар Ран Шмуэли, мастер‑дистиллятор Томер Горен, компания «Найя Афакот» Зеева Гилада - продюсера Whisky Live Tel Aviv, Октоберфеста, Мидберна и Фестиваля Акко, а также Омри Имбер, одна из ключевых фигур израильского сообщества любителей алкоголя, основатель групп «Любители алкоголя» и «Любители виски», владелец сайта Bakbookim.com, соединяющего производителей, импортеров и потребителей.*****

Практическая информация
Даты: 28–29 января 2026 года
Место: комплекс «Маарава», кибуц Гааш
Часы работы: 15:00–24:00
Профессиональная аудитория: 15:00–18:00
Стоимость входного билета: от 149 шекелей (включает фирменный бокал и первые 3 дегустации)
Дополнительные купоны:
10 шекелей за один или 45 шекелей за сет из пяти.
Важно: вход строго 18+, удостоверение личности обязательно.
Сайт: https://go-out.co/event/drinkil

Facebook: https://www.facebook.com/profile.php?id=61575134665067

С 15:00 до 18:00 двери открыты для профессионалов.

DRINK.IL - технологически выверенное пространство: система оплаты купонов работает через NFT и QR‑коды. Достаточно поднести телефон к бутылке - и покупка совершена.

Кроме того, всё купленное на стендах не придётся носить с собой: заказы будут ждать владельцев в выставочном магазине на выходе.

Как добраться
Парковка на территории - свободная.До кибуца Гааш можно добраться:

• на автомобиле;

• общественным транспортом - автобусами 601, 604, 606, 608, 699,

• а также через ближайшие железнодорожные станции Бейт‑Йегошуа и Герцлия.

Для тех, кто за рулём: съезд на развязке Ха‑Шарон или Гааш/Шфаим с Прибрежного шоссе приведёт прямо к «Маараве».

24 января 2026 года в 19:30 в зале «Раппопорт» в Хайфе состоится хайфский концерт юбилейной Израильской Шубертиады, которая в этом году отмечает двадцать лет своей деятельности и возвращается в особенно насыщенном и праздничном формате.

В этот вечер на сцену выйдут музыканты ансамбля «Израильский камерный проект» и молодой баритон Кирилл Одинцов. Программа концерта выстроена вокруг двух масштабных камерных полотен для расширенного ансамбля. Прозвучат два октета для струнных и духовых инструментов. Первый принадлежит Францу Шуберту и считается одной из вершин камерной музыки XIX века. Второй написан современным немецким композитором Йоргом Видманом в 2004 году и ведёт тонкий диалог с шубертовской традицией, заимствуя у неё интонационные и структурные импульсы.

Наряду с этими сочинениями Кирилл Одинцов исполнит шесть песен Шуберта в оригинальных аранжировках для голоса и ансамбля. Эти камерные вокальные страницы добавляют программе особое измерение, позволяя услышать Шуберта не только как симфониста камерного жанра, но и как великого мастера Lied, чья песенная лирика стала одной из опор европейской музыкальной культуры.

В составе «Израильского камерного проекта» в концерте принимают участие Корбиниан Альтенбергер и Коби Малкин - скрипки, Гай Бен-Циони - альт, Михаль Корман - виолончель, Давид Сантос-Лук, контрабас, Тиби Цайгер, кларнет, Мор Бирон, фагот, Итамар Лешем, валторна. Музыкальный руководитель серии – доктор Раз Коэн.

Кирилл Одинцов, российско-израильский баритон и участник программы молодых артистов Израильской оперы, в последние годы активно выступает на ведущих оперных и концертных сценах страны. В хайфском концерте Шубертиады он предстанет именно в камерном амплуа, где его голос включён в тонкую ткань ансамблевого звучания.

*****
Шубертиада 2026 в Хайфе
Музыкальный руководитель: д-р Раз Коэн
Кирилл Одинцов – баритон
Музыканты «Израильского камерного проекта»

В программе:
Йорг Видман - Октет для струнных и духовых
Франц Шуберт - Шесть песен Lied для баса и ансамбля
Франц Шуберт - Октет фа мажор D.803 для струнных и духовых

Когда и где:
Субботний вечер, 24.1, 19:30, зал «Раппопорт», Хайфа
Бульвар ха-Наси, Хайфа. Начало в 19:30, открытие дверей в 19:10.

Заказ билетов:
https://www.eventer.co.il/dwlnf
Код скидки: 4040

Почему женщин на руководящих должностях по-прежнему меньше, чем мужчин

В 1985 году Лена К. пыталась поступить на режиссерский курс в один из московских театральных вузов. Мастер отказал ей в приеме сказав: «Я не хочу видеть студентОК на своём курсе. Режиссура - это мужская профессия!»

Прошло 40 лет, но количество женщин на мужском игровом поле по-прежнему мало.

Для примера рассмотрим сферу IT в Израиле.
Инфографика наглядно показывает нам разрыв в присутствии мужчин и женщин в высокотехнологичной сфере, особенно на руководящих позициях.

Инфографика создана автором с использованием AI специально для Spektr.press

Последние годы я много занимаюсь женским лидерством и карьерным рост в IT. Выступаю, занимаюсь менторингом, в том числе и в международной программе Women in Technology (WIT) от Microsoft

Картина по-прежнему удручающая. Женщины при равных или даже превосходящих исходных данных по-прежнему проигрывает мужчинам в карьерном росте.
Мужчины подаются на должность даже при 10% совпадении с требованиями вакансии. Женщины НЕ подаются при 80% совпадении! Мотив все тот же: «Я недостаточно хороша!»

На проводимых мною менторских встречах, как личных, так и групповых, повторяется один и тот же сценарий: «Да, я попала в эту корпорацию/на должность/проект… , но это случайно, любой бы смог так же…»

Синдром самозванца рулит!

Им страдают русскоязычные женщины по всему миру, коренные израильтянки, репатриантки, приехавшие в Израиль детьми. Молодые девушки, только начинающие свой путь в IT, и женщины за 40 с солидным послужным списком за плечами. Несмотря на разный бэкграунд, болезнь одна: женщины себя не ценят!

Причина - в вековой патриархальной модели общества. Да, мы, боевые девчонки, многого добились о времен Скарлетт О’Хара, подвергшейся остракизму за то, что села в упряжку и взяла в руки вожжи, заменив ушедших воевать мужчин. Но как только война закончилась, вековые устои снова отправили ее в детскую и спальню.

Да, во время Второй мировой будущая королева Англии села за руль грузовика, а американские женщины массово встали к станкам - но стоило отгреметь победным салютам, как “отчаянные домохозяйки” снова оказались в фартуке с поварешкой в руках.

В своей книге «Почему их так мало? Женщины в науке, технологиях, инженерии и математике» (Why So Few? Women in Science, Technology, Engineering, and Mathematics), авторы исследования Кэтрин Хилл (Catherine Hill), Кристианн Корбетт (Christianne Corbett) и Андресс Ст. Роуз (Andresse St. Rose) пишут: разрыв в математических способностях между мальчиками и девочками рождается в культурных стереотипах и образовательной среде, а не во врожденных различиях. И приходят к выводу: изменение образовательной среды и культуры может радикально увеличить представительство женщин в STEM.

1. Стереотипы и эффект стереотипной угрозы (stereotype threat)

• Даже упоминание стереотипа «мальчики лучше в математике» снижает результаты девочек на тестах.

• Если экзаменатор говорит, что девочки и мальчики одинаково способны, разрыв исчезает.

• Стереотипы снижают стремление девочек к карьере в STEM в долгосрочной перспективе.

2. Убеждения об интеллекте (фиксированное и развивающее мышление)

• Девочки с «фиксированным мышлением» (интеллект как врожденное свойство) чаще сдаются при трудностях.

• «Развивающее мышление» (интеллект развивается усилиями) защищает: девочки воспринимают вызовы как возможность учиться.

• В американской культуре математика подаётся как «талант», а не как навык — это особенно вредит девочкам.

Инфографика создана автором с использованием AI специально для Spektr.press

Стеклянный потолок внутри нас

Я по образованию астроном, но ни наукой, ни даже техникой никогда не занималась. Пошла работать в газету, репортером в отделе науки. Естественнонаучное образование открывало мне двери в научно исследовательские учреждения. Меня принимали как свою, потому что знали: в отличии от коллег, закончивших только журфак, я не буду писать про развесистую клюкву.

Потом я переехала в Израиль и тут профессиональная стезя тоже выписывала замысловатые кренделя: работала журналистом, турагентом, банковской служащей и даже секретарем в адвокатской конторе. По-прежнему никакой науки и техники.

Во время эпидемии ковида я случайно наткнулась на программу Women in Technology (WIT) от Microsoft и решила: «Чем черт не шутит! Все бегут в IT, может мне тоже надо?» Меня приняли! Сначала в качестве менти. Моим ментором была девушка в два раза младше и наши сферы деятельности никак не соприкасались! «Чем же я смогу вам помочь?» - недоуменно спросила моя наставница на первой встрече. «Я же совершенно не знакома с вашей сферой!». На что я радостно заверила ее, что это - замечательно! Именно то, что нужно! На стыке таких разных занятий мы обязательно найдем что-то, нам нужное! Так и случилось! Стало абсолютно ясно, что мне совершенно не надо бежать вместе со всеми ни в сторону техписа, ни в сторону тестирования. Но! Оказалось, что мои сильные скиллы - в области наставничества, и на следующий поток WIT я подалась уже в качестве ментора!

Моя тема: женское лидерство и карьерный рост в IT. Я вдохновляю и молодых девушек и взрослых женщин - тех, кто страдает от эйджизма, быть дерзкими и идти в неизведанное! Я говорю им: «В крайнем случае - вас не возьмут. Но если вообще не подаваться на вакансию, то неуспех - 100%. Так дайте же вашей удаче шанс!»,

Мы живем в прямом смысле слова волшебную эпоху! Широкий доступ к онлайн-образованию, знакомства с людьми, живущими на другом конце света, возможность работать на иностранную компанию, не выходя из собственного дома. Не ограничивайте себя, девочки! Пользуйтесь всеми преимуществами современного мира, не тушуйтесь, будьте смелыми, дерзайте!

Ваша Таня Томер

Инфографика создана автором с использованием AI специально для Spektr.press

Примечания:
* Статья была написана в рамках проекта «применения AI в журналистике» для издания https://spektr.press/ при поддержке посольства Германии в Риге.

* AI здорово облегчил жизнь при сборе информации, статистических данных, создании инфографики. Но все остальное автор написала сама, своим «человечьим» языком.

Источник*

Nikolai Lugansky. Photo by © Marco Borggreve

«Луганский играет с такой легкостью и изяществом, что кажется, будто клавиатура исчезает, оставляя только чистую эмоцию».*
Gramophone***

Николай Луганский не первый раз приезжает в Израиль – этого феноменального пианиста ждут и любят у нас в стране. Во второй половине января он исполнит 1-й фортепианный концерт Шопена с Иерусалимским симфоническим оркестром. Концерты пройдут 21 января в Ашкелоне и 22 января в Иерусалиме.
За дирижерским пультом – маэстро Станислав Кочановский, руководитель оркестра NDR Radiophilharmonie в Ганновере.

Два фортепианных концерта были окончательно завершены Шопеном в 1830 году. За два года до того на композитора произвело сильнейшее впечатление варшавское выступление Иоганна Непомука Гуммеля, которого тогда называли «Наполеоном фортепиано». Не менее ощутимым оказалось воздействие Никколо Паганини, выступавшего в Варшаве в 1829 году. В тот же период Шопен начал собственные зарубежные поездки: он побывал в Берлине и Вене, где не только с успехом представлял публике свои сочинения, но и соприкасался с музыкальной и культурной средой этих городов, обогащая себя новыми впечатлениями, ставшими важным стимулом его творческого подъема.
На Международном конкурсе пианистов имени Фридерика Шопена, проходящем в Варшаве с периодичностью раз в пять лет, каждому участнику финального тура предписано исполнить один из двух фортепианных концертов польского классика. Какой именно концерт прозвучит, решает сам конкурсант – и выбор этот нельзя назвать простым: оба сочинения позволяют в полной мере продемонстрировать блеск виртуозной техники, оба пленяют изяществом и выразительной мелодичностью… Они создавались почти в одно и то же время, и даже их нумерация возникла не по хронологии, а в силу обстоятельств: концерт ми-минор был завершен позднее фа-минорного, однако вышел в свет раньше, вследствие чего именно ему досталось обозначение Первого.
В Первом концерте Шопена поражает сочетание юношеской пылкости и невероятного мастерства формы. Это музыка о первой любви, но написанная гением, который уже все понимает о жизни» – так говорит об этом произведении Николай Луганский, один из ведущих интерпретаторов музыки Шопена среди современных пианистов.

Nikolai Lugansky. Photo by © Marco Borggreve

Для Николая Луганского музыка Шопена – это не только романтика, но и четкая логика, изящество и строгость. 1-й концерт ми-минор Шопена занимает особое место в его репертуаре. Критики часто отмечают, что Луганскому удается избежать «салонности», превращая этот концерт в масштабное полотно с глубоким философским подтекстом.]
Диск с его записью этого концерта с Симфоническим оркестром Финского радио получил восторженные отзывы. Критики, в частности, отмечали, что Луганский достигает почти нереальной, «лунной» прозрачности звука.
На знаменитом фортепианном фестивале La Roque d’Anthéron во Франции Луганский исполнял Шопена под открытым небом. Видеозаписи этих выступлений, размещенные на YouTube, стали хрестоматийными для любителей классической музыки.
Сам Луганский говорил в одном из интервью, что, исполняя этот концерт, он стремится к идеальному пению на инструменте, подражая искусству bel canto, которым так восхищался сам Шопен.
По мнению редакции авторитетного журнала Gramophone, Николай Луганский – «блестящий пианист, оказавший огромное влияние на стиль современного фортепианного исполнительства». Луганский известен своими интерпретациями Рахманинова, Прокофьева, Шопена и Дебюсси. Он получил множество наград за записи и художественные достижения.
Пианист сотрудничал с такими дирижерами, как Кент Нагано, Юрий Темирканов, Манфред Хонек, Джанандреа Нозеда, Василий Петренко, Лахав Шани. Его приглашают ведущие международные оркестры: Берлинский филармонический, Лондонский симфонический, Нидерландский филармонический, Филармонический оркестр Радио Франции, Шведский радиосимфонический, Оркестр Радио Nacional de España и многие другие, а также самые престижные фестивали мира – в Аспене, Тэнглвуде, Равинии, Вербье…

Станислав Кочановский, руководитель оркестра NDR Radiophilharmonie в Ганновере с сезона 2024/25, признан одним из самых утонченных и проницательных дирижеров своего поколения. Его интерпретации сочетают музыкальную глубину и стилистическую ясность. Он известен своим искренним уважением к музыкантам.

Станислав Кочановский. Photo by © Marco Borggreve

Одинаково владея и симфоническим, и оперным репертуаром, Кочановский выступал со многими ведущими оркестрами мира, включая Королевский оркестр Концертгебау, Венский симфонический, Израильский филармонический, Симфонический оркестр NHK, Дрезденскую филармонию, Национальный академический оркестр Санта-Чечилия, Кливлендский оркестр, Филармонический оркестр Лондона, Национальный симфонический оркестр в Вашингтоне.

Он дирижировал более чем тридцатью операми, в том числе такими, как «Пиковая дама» и «Евгений Онегин» в «Опернхаусе» (Цюрих), «Иоланта» в Maggio Musicale Fiorentino и «Князь Игорь» в Голландской национальной опере (Амстердам). Он сотрудничал с режиссерами-новаторами, обнаруживая глубокое понимание сценических и вокальных нюансов.С 2017 года Кочановский является постоянным гостем фестиваля Вербье, дирижирует как концертными постановками опер, так и симфоническими программами.Он также дирижирует многими другими коллективами, такими, как Национальный симфонический оркестр Дании, Филармонический оркестр Радио Нидерландов, Филармонический оркестр Монте-Карло, CBSO в Бирмингеме, ONB в Брюсселе, Junge Deutsche Philharmonie, Симфонический оркестр Финского радио и Национальный оркестр Французского радио.

*****

Иерусалимский симфонический оркестр. Фото by Boris Shachnovich

Иерусалимский симфонический оркестр
Дирижер: Станислав Кочановский
Солист: Николай Луганский (фортепиано)

Среда, 21.1.26, 20.00, зал «Гейхал а-Тарбут», Ашкелон
Четверг, 22.1.26, 19.30, зал «Генри Краун», Иерусалимский театр

Сергей Прокофьев. Сюита из балета «Золушка»
Фридерик Шопен. Фортепианный концерт № 1, ми-минор, оp. 11
Наама Перель-Цадок. «И ее голос не был услышан». Мировая премьера

Заказ билетов на концерт в Иерусалиме: https://best.kassa.co.il/announce/84804

Заказ билетов на концерт в Ашкелоне: https://bit.ly/4r7VkZ5

Текст подготовила Маша Хинич
Photos: Nikolai Lugansky by Marco Borggreve
Stanislav Kochanovsky by Marco Borggreve
JSO by Boris Shachnovich
Пиар–агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting

На фото слева направо: Гидеон Бартелер (photo by Avital Peleg) - гитара, Зив Кожукаро - дирижер (photo by Dani Machlis), Йонит Шакед Голан - вокал (photo by by Yoel Levi), Гилад Добрецки - ударные (photo by Julian Scherer).

**Кем была Мерседес Соса, объяснять нет нужды, - ее знают и любят все. Мерседес Соса - это чудо, легенда и символ. **
А вот что такое FriendSymphony, пожалуй, надо объяснить: это новый цикл камерных концертов в неформальной обстановке, организованный Симфоническим оркестром Ришон ле-Циона; музыкальные вечера в иной атмосфере, форма досуга, располагающая к общению с друзьями при участии лучших исполнителей и ансамблей. Организаторы концертов серии FriendSymphony составили короткие и увлекательные программы, посвященные творчеству Элвиса Пресли, Фрэнка Синатры, латиноамериканской и испанской музыке. Они передают музыкальное богатство, не забывая при этом про бар и напитки (первый напиток - за счет организаторов).

Все концерты этой серии проходят в зале Friends (бывший зал «Мофет») по адресу: улица Ротшильд 61, Ришон ле-Цион.
Ближайший концерт пройдет в воскресенье 11 января 2026 года.
«Аргентина, любовь моя» - трибьют-концерт, посвященный песням Мерседес Сосы.
Певица Йонит Шакед Голан исполнит знаменитые песни легендарной латиноамериканской певицы и культурного символа целого континента - Мерседес Соса - в оригинальных аранжировках композитора и дирижёра Зива Кожукаро.
Музыка этого вечера вдохнёт новую жизнь в «великую душу Южной Америки» - голос, который стал сердцебиением целого континента и навсегда остался в памяти миллионов слушателей. Концерт строится как диалог между песенным наследием Мерседес Соса и аргентинской культурой танго - соединение народного, коренного начала Аргентины, которое воплощала Соса, с европейским, итальяно-испанским танго Астора Пьяццоллы.
Участники концерта:
Зив Кожукаро - дирижер
Йонит Шакед Голан - вокал
Гидеон Бартелер - гитара
Гилад Добрецки - ударные
11 января 2026 года, воскресенье, 21:00
Билеты на концерт «Аргентина, любовь моя» можно приобрести по ссылке: https://best.kassa.co.il/announce/84850

В конце февраля в рамках этой серии в зале Friends состоится ещё один необычный концерт - «Петя и волк для взрослых».
«Петя и волк» - знаменитейшее произведение композитора Сергея Прокофьева было написано для детей на основе народной сказки. Однако, на самом деле, смысл этой музыки - не в сюжете, а в инструментальном составе.
В программу концерта «Петя и волк для взрослых» включены шедевры, освещающие состав оркестра и уникальные характеры инструментов и оркестровых групп.
Среди произведений: Вивальди - «Лето» из цикла «Времена года»; Чайковский - «Вальс цветов» из балета «Щелкунчик»; Штраус - увертюра к оперетте «Летучая мышь»; Прокофьев - «Петя и волк» - центральное произведение вечера в специальной версии для взрослых.
Участники:
Ярон Готфрид - дирижёр
Шира Цемах - скрипка
Одед Сандаш - чтец
24 февраля 2026 года, вторник, начало в 21:00

Ещё один концерт серии FriendSymphony назван «Когда классика встречает джаз».
Союз классической музыки и джаза - это история о свободе и границах, о традиции и новаторстве, о месте, где встречаются звук и дерзкие мечты.
В специальной программе, вмещающей множество стилистических и временных рамок, джазовый пианист и композитор Гай Минтус исполнит классические произведения с джазовыми интонациями и джазовые пьесы в классическом прочтении.
В концерте прозвучат произведения Моцарта, Бетховена и Гершвина в сочетании с израильскими песнями.Участники:
Идо Шпитальник - дирижер
Гай Минтус - фортепиано
Эран Харди - контрабас
Йонатан Розен - ударные
3 июня 2026 года, среда, начало в 21:00

Заключительный концерт цикла FriendSymphony этого сезона пройдёт в августе. «От израильской песни - к The Beatles».
Вечер музыки и ностальгии, в котором песни легендарной группы The Beatles встречаются с лучшими образцами израильской эстрады.
В программе - произведения Саши Аргова, Моше Виленского, Йони Рехтера, Дани Сандерсона, Идана Райхеля и других.
Все симфонические аранжировки были написаны студентами отделения композиции для сцены и экрана Музыкального колледжа Кирьят-Оно.
Ярон Готфрид - дирижёр
Участники: певцы и музыканты школы музыки Академического колледжа Оно
4 августа 2026 года, вторник, начало в 21:00

Заказ билетов: https://best.kassa.co.il/announce/84850

Photos by Julian Scherer, Yoel Levi, Avital Peleg, Dani Machlis

Пиар-агентство: Sofia Nimelstein PR & Consulting

На фото: Роман Рабинович. Photo - © RYAN HK

Вариации Гольдберга Баха в исполнении Романа Рабиновича. Концерт в Израильской консерватории 9 января 2026 года

«Любезный Гольдберг, сыграй-ка мне какую-нибудь из моих вариаций».
Граф Кайзерлинг
«Ох, эта музыка. Вариации Гольдберга. Там есть одна мелодия, в самом конце, в очень медленном темпе, очень простая и печальная, но такая щемяще прекрасная - невозможно передать ни словом, ни рисунком, ничем иным, только самой музыкой, такой удивительно красивой в лунном свете. Лунная музыка, светлая, далекая, возвышающая».
Дж. Фаулз. «Коллекционер»

В программе утреннего концерта 9 января - одно из самых монументальных и философских произведений в истории мировой музыки в исполнении блестящего пианиста, лауреата международных конкурсов Романа Рабиновича.
«Гольдберг-вариации» Баха - один из величайших шедевров Баха, вселенная, заключенная в рамки одной темы и тридцати преображений. Это музыка, требующая от исполнителя не только безупречной техники, но и глубокой интеллектуальной зрелости. Роман Рабинович предложит свою интерпретацию этого произведения, дополнив его современным израильским прочтением темы ностальгии от маэстро Йоава Тальми.

Пианист Роман Рабинович открывает сезон фортепианных вечеров, в котором принимают участие музыканты, отобранные для престижной программы Building Bridges https://buildingbridges-andrasschiff.com/, основанной сэром Андрашем Шиффом в 2014 году. Рабинович, победитель 12-го Международного фортепианного конкурса имени Артура Рубинштейна в 2008 году, регулярно выступает в качестве солиста с ведущими оркестрами США и Европы, включая Шотландский национальный оркестр, Симфонический оркестр Сиэтла, Парижский камерный оркестр, Пражский симфонический оркестр и другие. Он давал концерты в таких залах, как Вигмор-холл в Лондоне, Гевандхаус в Лейпциге, Метрополитен-музей в Нью-Йорке, Кеннеди-центр в Вашингтоне, и принимал участие в фестивалях в Марлборо, Люцерне и «Пражской весне».
«Вариации Гольдберга» исполняются Романом Рабиновичем в последние сезоны по всему миру, в том числе в Вигмор-холле в Лондоне.

«Вариации Гольдберга» Баха были опубликованы в 1741 году как четвертая часть цикла Clavier-Übung (упражнения для клавира) и назывались тогда «Ария с различными вариациями для клавесина». Имя виртуоза Иоганна Готлиба Гольдберга связали с этим произведением лишь в 1802 году, когда Иоганн Николаус Форкель опубликовал биографию Баха.
Согласно легенде Форкеля, российский посланник в Саксонии граф Кайзерлинг часто страдал от бессонницы и просил Баха написать для его домашнего музыканта Готлиба Гольдберга «успокаивающую и жизнерадостную музыку», чтобы скрасить бессонные ночи. Хотя достоверность этой истории часто ставится под сомнение, она прочно закрепила за шедевром его название. Ария, лежащая в основе вариаций, - это элегантная сарабанда самого Баха, на основе которой он выстроил величественную конструкцию, поражающую своим разнообразием и гармонией.
По словам Форкеля, «граф Кайзерлинг, бывший посланник России в Саксонии, часто бывал в Лейпциге. Среди его слуг находился молодой и талантливый человек - Иоганн Готлиб Гольдберг, клавесинист, ученик Вильгельма Фридемана Баха [старшего сына Баха], а позднее и самого Иоганна Себастьяна Баха. Граф страдал бессонницей и слабым здоровьем, и Гольдберг, который проживал в его доме, должен был оставаться в соседней комнате и облегчать страдания своего господина музыкой. Когда граф попросил Баха сочинить для Гольдберга несколько клавирных пьес, Бах решил написать цикл вариаций - форму, которая ранее его особенно не привлекала. Однако родился шедевр. Граф был настолько восхищен, что назвал произведение «моими вариациями». Он часто говорил: «Дорогой Гольдберг, сыграй мне одну из моих вариаций». Вряд ли Бах когда-либо получал столь щедрое вознаграждение за свои сочинения: граф подарил ему золотой кубок и сто луидоров».

О произведении Йоава Тальми:
В рамках празднования 80-летия Консерватории концерт 9 января откроет пьеса «Тоска» из цикла «Настроения» Йоава Тальми. Дирижер и композитор Йоав Тальми - один из самых успешных израильских музыкантов, лауреат премии премьер-министра (2013) и премии АКУМ (2018).
Еще в 1969 году на фестивале в Тэнглвуде (США) Тальми получил Премию Кусевицкого для молодых дирижёров, а в 1973 году стал лауреатом конкурса молодых дирижеров Фонда Руперта в Лондоне. В 2007 году министр культуры и науки Израиля присудил Тальми Премию Франка Пелега «за многолетнюю художественную деятельность на высоком уровне, за выдающиеся достижения и вклад в музыкальную жизнь Израиля».
Тальми родился в кибуце Мерхавия в 1943 году и с ранних лет изучал фортепиано, композицию и дирижирование: сначала в Консерватории Тель-Авива и в Музыкальной академии имени Рубина в Тель-Авиве, затем в Джульярдской школе в Нью-Йорке. «Душевные состояния» были написаны для фортепиано соло в 2019 году и включают пять миниатюр, отражающих различные состояния души - в духе романтической традиции циклов коротких характерных пьес для фортепиано.

*****

Пятница, 9 января 2026, 11:30
Концертный зал Израильской консерватории музыки
Роман Рабинович (Израиль / Канада) - фортепиано
Программа:
Йоав Тальми: «Тоска», из цикла «Душевные состояния»
Иоганн Себастьян Бах: Вариации Гольдберга, BWV 988
Билеты: https://www.icm.org.il/event/rabinovich0126/
Молодёжь до 21 года: вход свободный (при наличии свободных мест в зале)
Молодёжь 22–35 лет: 45 шекелей
Центр камерной музыки
Сезон 37 | 5786 год | 2025–2026
www.icm.org.il

О проекте Building Bridges https://buildingbridges-andrasschiff.com/, в рамках которого до конца сезона в Центре камерной музыки Израильской консерватории в Тель-Авиве пройдут концерты еще трех пианистов:

«Сольный концерт - это как визитная карточка: в ней вы музыкальным языком рассказываете, кто вы есть, что в данный момент пробуждает ваше любопытство, какие сверхмузыкальные идеи для вас важны. Я прошу всех любителей музыки слушать с открытым сердцем и открытыми ушами и желаю всем участникам много радости в открытии этих молодых талантов".
Сэр Андраш Шифф.

Даже после окончания престижной консерватории молодым музыкантам бывает нелегко успешно утвердиться на международном музыкальном рынке: независимо от таланта и технического совершенства, им, как правило, недостаёт концертной практики и доступа к важным профессиональным сетям. Именно здесь вступает в действие наставническая программа сэра Андраша Шиффа Building Bridges, в рамках которой с 2014 года он целенаправленно и последовательно поддерживает молодых пианистов.
Каждый сезон Андраш Шифф, который сам построил свою международно признанную карьеру без «трамплина» в виде побед на крупных конкурсах, отбирает трёх одарённых пианистов с яркими музыкальными индивидуальностями и в сотрудничестве с conc.arts berlin (https://concarts-berlin.de/) организует для них сольные концерты на концертных площадках и фестивалях по всей Европе. Целью является поддержка молодых артистов в создании связей и формировании личной профессиональной сети.
Особое внимание уделяется разработке концертных программ, которые сэр Андраш Шифф формирует в тесном диалоге с музыкантами. Эти программы должны отражать не только пианистическое мастерство, но и художественное любопытство и идеи участников. На каждый концерт приглашаются агентства артистов, организаторы концертов, представители звукозаписывающей индустрии, коллеги-музыканты и журналисты, пишущие о музыке.
Отобранные музыканты уже завершили обучение и участвовали в различных престижных конкурсах. Тем не менее они находятся лишь в начале своего профессионального пути, и участие в Building Bridges даёт им возможность с самого начала выстраивать своё будущее на прочной и перспективной основе. С 2014 года в рамках программы было поддержано 22 пианиста, которые уже сделали заметные карьеры.

Фото ( credit RYAN HK) – предоставлено Центром камерной музыки при Израильской консерватории