::: taller uno :::

Fin de semestre!!!

noreply@blogger.com (Taller Uno) — Sun, 21 Jun 2009 04:42:00 +0000

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A continuación publicamos las fotos de nuestra entrega final.
Puedes descargar las imágenes desde el widget o en este link.

Gracias a todos los miembros del taller.uno 2do. semestre 2008 / 2009:
Traian Brâulete + Marco Castro + Marco Chiriboga
Andre Cueva + Stephanie Egas + Reynaldo Espinoza
Estefanía Jácome + Ma. Belén Novillo + Pablo Pérez + Ana Tarira.
Muchas gracias por su esfuerzo, buen trabajo y suerte en el taller dos!!!
Belén

LINKS: Más sobre nuestra muestra en archinect: 1 | 2

Objetified: diseño + diseñadores + ususarios

noreply@blogger.com (Taller Uno) — Wed, 10 Jun 2009 01:06:00 +0000

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Trailer de Objetified de Gary Hustwit | Via Objetifiedfilm.com.

Fin de Semestre !!!

noreply@blogger.com (Taller Uno) — Mon, 15 Dec 2008 04:10:00 +0000

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Invitación a nuestra muestra de trabajos finales en el Aula 102 de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Artes de la PUCE.

Gracias a todos los miembros del taller.uno 1er. semestre 2008 / 2009:
Leslie Aguayo + Gabriela Andrade + Carlos Cabeza de Vaca
Marco Castro + Juan Carlos Chango + Gabriela Cisneros
Andrea Endara + Cristina Escudero + Stephane Gallegos
Diego Llasag + Raúl Recalde + Diego Salazar
Juan Francisco Terán + Karla Urgilez.
Buen trabajo y mucha suerte en el taller dos!!!
Belén

LINKS: Más sobre nuestra muestra en archinect.com y
24-7 designheaven

Glosario 2 :: La línea

noreply@blogger.com (Taller Uno) — Tue, 07 Oct 2008 03:56:00 +0000

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El Glosario Nº2 (252 KB / Archivo PDF), elaborado por Gabriela Cisneros, Andrea Endara y Karla Urgilez, incluye los siguientes términos: línea, longitud, grosor, intensidad, dirección y semiótica.

Cartier-Bresson y la Regla de los Tercios

noreply@blogger.com (Taller Uno) — Sat, 27 Sep 2008 17:59:00 +0000

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Comentarios sobre el uso de la Regla de los Tercios en la obra fotográfica de Henri Cartier-Bresson expuesta en la National Portratit Gallery.

En esta imagen se observa a Carson McCullers y George Davis. Carson McCullers fue una exitosa escritora estadounidense, quien después de su fracaso matrimonial, vivió junto a George Davis, editor de la revista Harper's Bazaar.

Cartier-Bresson usa a la perfección la Regla de los Tercios para retratar a la pareja: en la intersección de la horizontal superior y la vertical izquierda, donde se ubica uno de los puntos de atención, se situa la casa; mientras que el paisaje de fondo, se encuentra dentro de los espacios centro y derecho superior. Los personajes fotografiados se encuentran debajo de la horizontal inferior, y sus rostros en la intersección de la vertical izquierda y la horizontal inferior.

Con esta fotografía, el autor transmite a los observadores una especial comunicación entre la pareja, así como una comprensión entre los mismos. Además, en la composición del paisaje se percibe tranquilidad y armonía.

Cristina Escudero y Diego Llasag sobre el retrato de "Carson McCullers and George Davis" de 1946.
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Henri Cartier-Bresson, nacido en 1908 en Normandía, desarrolló un apasionado interés por el arte como adolescente; fue poco a poco envolviéndose en este mundo, hasta convertirse en un gran fotógrafo.

John Huston se desenvolvió en varias actividades: boxeador, periodista, novelista, militar, criador de caballos, cazador, coleccionista de arte; en esta foto, Cartier-Bresson enfatiza las manos y ojos del personaje.

En aquel año (1946), Huston destacó como director y guionista: sus manos eran su principal herramienta de trabajo, con ellas podía escribir y plasmar sus ideas en sus guiones; al igual que sus ojos, que le permiten ver como sus escritos se iban desarrollando poco a poco.

Por esta razón, encontramos que en la foto los ojos están ubicados en el tercio central, donde cruza el eje horizontal superior con los ejes vertical izquierdo y vertical derecho. Sus manos se encuentran en el eje horizontal inferior, sobre los puntos de intersección de los ejes verticales.

Andrea Endara y Karla Urgilez sobre el retrato de "John Huston" de 1946.
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+ Información adicional sobre Henri Cartier-Bresson: Artsy.net

Glosario 1 :: El punto

noreply@blogger.com (Taller Uno) — Sat, 27 Sep 2008 04:10:00 +0000

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El Glosario Nº1 (160 KB / Archivo PDF), elaborado por Leslie Aguayo, Gabriela Andrade y Stephanie Gallegos, incluye los siguientes términos: punto, puntillismo, formatos DIN, gramaje, signo e ícono.

La gestalt: ejemplos cercanos

noreply@blogger.com (Taller Uno) — Thu, 14 Aug 2008 04:41:00 +0000

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A continuación publicamos el ensayo fotográfico de Cristina Arias y Andrea Vega sobre la presencia de los Principios de la Gestalt en el Mercado La Carolina.

Puedes descargar las imágenes desde el widget (1. da un click en la esquina superior derecha de la imagen // 2. selecciona la opción DOWNLOAD) o en este link.

Gestalt en los cartoons

noreply@blogger.com (Taller Uno) — Thu, 14 Aug 2008 00:43:00 +0000

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Comentario sobre la aplicación de un Principio de la Gestalt en la configuración de personajes y su influencia en la percepción de cualidades.

Según el Principio de la Buena Continuidad, preferimos los contornos lisos y continuos, sobre aquellos con cambios abruptos (p. ej.: líneas onduladas en lugar de líneas quebradas).

En el cartoon Los Padrinos Mágicos, podemos ver que Cosmo (personaje central), prácticamente no tiene cambios bruscos en el contorno de la cara y el cuerpo: nos da una sensación amigable. Por otra parte, el Profesor Crocker tiene rasgos más abruptos; su cara tiene contornos rectos y angulados y esto le da una personalidad poco confiable.

La aplicación de este principio busca establecer una asociación entre la forma del personaje y sus cualidades, y así poder distinguir fácilmente entre buenos y malos.

Sebastián Almeida + Andrea Eguiguren + Vladimir Romero, alumnos del taller.uno segundo semestre 2007 / 2008

A jugaaar!!!

noreply@blogger.com (Taller Uno) — Sun, 03 Aug 2008 05:26:00 +0000

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Energy-hungry mice es un juego en línea del Science Museum.

Analizando el espacio

noreply@blogger.com (Taller Uno) — Sat, 02 Aug 2008 07:12:00 +0000

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Comentario sobre el uso del espacio ilusorio en la obra de Edward Hopper.

En la pintura Nighthawks de 1942, Edward Hopper genera un espacio ilusorio. La idea de profundidad se da a partir de la variación de tamaños y la superposición de formas.

Las variaciones de textura hacen que el efecto se acentué: los colores oscuros y con mayor textura se aplican a las formas en primer plano, mientras que los colores claros y con menor textura a los objetos en segundo plano.

Además, el uso de tonos más oscuros para el fondo (detrás de los personajes sentados en la barra), resalta los elementos bañados con luz.

Sebastián Almeida + Andrea Eguiguren + Pablo Mayorga, alumnos del taller.uno segundo semestre 2007 / 2008

Hay 50 maneras de ayudar...

noreply@blogger.com (Taller Uno) — Fri, 01 Aug 2008 07:59:00 +0000

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En 50 ways to help the planet se sugiere una lista de cambios necesarios para conseguir una diferencia importante: usar baterías recargables, fósforos en lugar de fosforera, imprimir en ambos lados de la hoja…

Tutorial: ¿Qué es un RSS?

noreply@blogger.com (Taller Uno) — Thu, 08 May 2008 21:21:00 +0000

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Tutorial sobre RSS (Really Simple Syndication) | Via Common Craft.

Analizando la línea

noreply@blogger.com (Taller Uno) — Mon, 24 Mar 2008 04:14:00 +0000

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Comentarios sobre dibujos de la colección del Metropolitan Museum.

Las líneas que conforman el dibujo en su mayoría son delgadas y de grosor medio. Estas se combinan especialmente para dar tonos y relieves obscuros, mientras que son dispersas en lugares claros. Se reconocen trazos medios y largos; los trazos cortos son mínimos y complementarios. Se combinan líneas rectas y curvas; son trazadas a mano, su cuerpo es irregular y sus extremos son curvos. Algunas secciones del dibujo parecen ser de intensidad fuerte, por repetición y acumulación de líneas; en su mayoría los trazos serían tenues aunque no demasiado.

De Francesco Salviati podría decirse que, como pintor de principios del Renacimiento, se ve una especie de paso del Clasicismo, que se le reconoce en su forma manierista de manejar los retratos y por su influencia de los maestros clásicos, a una forma mucho más humanista - renacentista de abordar temas religiosos, que dominaron su temática.

Aunque el dibujo representa a Juan El Bautista, nos da una sensación mucho más contemplativa del cuerpo humano del mencionado santo que de su divinidad en sí. Cambio radical en relación a los cuadros religiosos de épocas pasadas.

Pedro Endara sobre "Saint John the Evangelist" de Francesco Salviati
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La obra tomada, marca el uso de las líneas largas, medianas y curvas, combinadas en la representación de las diferentes facciones del retrato. La intensidad tenue y fuerte junto con las extremidades en punta son explicables porque la técnica usada para las sombras es el sfumatto, que rebaja las líneas hasta hacerlas casi imperceptibles, lo que origina el realismo del rostro. La tenue presión en el dibujo es obtenida gracias al clarión, un material similar al carboncillo, que puede atenuarse por completo con la fricción de los dedos o difuminador.

La fuerza de ciertos trazos no es perceptible a simple vista, pero en el acercamiento la presión usada para que la línea no desapareciera al momento de esfumar es notoria, y contribuye a la definición de la figura.
La forma total es completamente regular, por el paralelismo de las líneas; mantiene la pasividad de los cuerpos, despierta familiaridad y expresa dulzura.

La imagen que pertenece a la Virgen María fue pintada por Leonardo Da Vinci, el máximo exponente del Renacimiento. El título del cuadro (en italiano Santa Anna Metterza) resulta bastante curioso, puesto que representa tres generaciones en una sola imagen: María, su madre y Jesús.

En el tiempo en el que fue realizada esta pintura, las líneas usadas son tenues por tratarse de romper el esquema bizantino ortodoxo que se mantuvo hasta antes del Renacimiento. Además, por la técnica usada, la representación busca acercarse lo más posible al realismo iconográfico.

Pablo Mayorga sobre "Head of the Virgin in Three-Quarter View Facing Right" de Leonardo da Vinci
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En esta pintura podemos observar que en el cabello de la virgen, el perfil del rostro, la nariz, los ojos y la boca las líneas son irregulares y curvas. El cuerpo de las líneas en toda la pintura es irregular, ya que el borde de el arriba comparado con él de abajo es dentado). Las líneas tienen extremidades curvas.

El grosor de la línea del cabello es medio; grueso en el perfil, párpados, labios, de la punta de la nariz hacia abajo, las pupilas y el cuello. La longitud en todo el cabello es larga; también el perfil. Es corta en los ojos, los labios, la nariz y las cejas. Hay más detalle en el cabello de la virgen (tercios superiores izquierdo y central y en el tercio inferior derecho).

En el cabello la intensidad aumenta en la parte superior (tercios superiores izquierdo y central) y bajo el rostro de la virgen (en el tercio inferior derecho). Aumenta mucho en las pupilas, aumenta en los párpados sobre todo al final de ellos, también en las cejas, en las fosas nasales, de la punta de la nariz hacia abajo (en el tercio medio central); en los labios y bajo ellos, en el cuello (tercio inferior izquierdo) y sobre todo en el perfil del rostro.

Leonardo da Vinci, famoso pintor, escultor, arquitecto, ingeniero y científico del Renacimiento, tiene un estilo más libre. Defiende la naturaleza con fidelidad, sin tratar de mejorarla; su ideal fue representar la figura humana. Tenía la técnica de modelar las formas a través del contraste de luces y sombras, así como el sfumato, la técnica con la que difumina los contornos, y así logra esta pintura.

Andrea Vega sobre "Head of the Virgin in Three-Quarter View Facing Right" de Leonardo da Vinci

Comentarios sobre Pixel Fixer

noreply@blogger.com (Taller Uno) — Tue, 04 Mar 2008 07:00:00 +0000

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Visitamos la muestra fotográfica Pixel Fixer y analizamos cómo funciona la Regla de Tercios en estas imágenes. [Imagen afiche: Claudia Hidalgo]

Se puede ver que por medio del uso de la Regla de los Tercios, se logra equilibrar la foto, debido a que la atención está en el cuadrante medio superior; aquí se encuentran el rostro y la nuca del modelo. Como la nuca y el rostro se hallan en los puntos de tensión, se crea un monologo que da más dramatismo a la foto y muestra el uso correcto de la regla. Podemos ver que en la parte inferior de los cuadrantes medio e izquierdo se encuentran productos de maquillaje; esto forma un apoyo que da mayor estabilidad visual a la imagen.
Sebastián Almeida sobre Prólogo de Daniela Gonzáles

Es evidente el uso de la regla de tercios en esta fotografía, por el refuerzo del bloque central del pez y bloques laterales inferiores de los elementos secundarios y casi invisibles. El uso del centro sirve para adecuar la imagen al atractivo general; que agrade a pesar de la falta de sentido de la misma. También se observa como la ventana, ubicada en los bloques derechos superior y central, afianza el equilibrio de la composición alterado por la imagen del pez dorado, y compensan el peso ejercido por el muro que cubre todos los bloques izquierdos. Una composición fotográfica equilibrada a totalidad.
Pablo Mayorga sobre Sábado 3:16 de Galo Semblantes

Seurat, la óptica y el diseño

noreply@blogger.com (Taller Uno) — Tue, 04 Mar 2008 04:15:00 +0000

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Sobre la relación entre el Puntillismo y la Comunicación Visual.

Georges Seurat inició el movimiento artístico del Puntillismo, que consiste en aplicar pinceladas en forma de puntos de color puro yuxtapuestos, para lograr la máxima luminosidad, coloración y armonía. Lo esencial de esta técnica, radica en desentrañar los secretos del color, es decir, por medio de manchas circulares de un solo tono, crear muchos más; se retoman los hallazgos de la Óptica sobre la forma en que percibimos los colores.

Para la comunicación visual esto sirve de mucho, pues hay que considerar que el punto, por simple que sea, puede transmitir ideas complejas si es combinado correctamente. Una imagen impresa está formada por partes que interactúan entre sí o puntos de color puro; al entender el funcionamiento de cada parte, vamos a poder comprender mejor el conjunto.
Ma. Fernanda Salazar, alumna del taller.uno primer semestre 2007 / 2008

Pequeños cambios, grandes diferencias

noreply@blogger.com (Taller Uno) — Fri, 29 Feb 2008 02:31:00 +0000

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Unscrew America muestra lo que pasaría si haríamos un pequeño cambio en nuestros consumos...

Fin de semestre!!!

noreply@blogger.com (Taller Uno) — Wed, 23 Jan 2008 08:07:00 +0000

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Invitación a nuestra muestra de trabajos finales en el Centro Cultural PUCE.

Dentro de los eventos y muestras del Salón del Diseño 2008, presentamos nuestra Exposición de Fin de Semestre en el Centro Cultural de la Universidad Católica. La muestra permaneció abierta desde el miércoles 16 hasta el viernes 18 de enero de 2008.

Gracias a todos los miembros del taller.uno 1er. semestre 2007 / 2008:
José Columbus + Vanessa Contero + Isaac Flores
Danilo García + Alejandro Guerra + Juan Ángel Jácome
Estefanía Leiva + Andrés Navas + Ma. Fernanda Salazar
Cristina Segovia + Carolina Tapia + Andrés Zambrano.
Buen trabajo y suerte en el taller dos!!!
Belén

A continuación publicamos las fotos de nuestra entrega final.
Puedes descargar las imágenes desde el widget o en este link.

La gestalt: ejemplos cercanos

noreply@blogger.com (Taller Uno) — Sun, 16 Dec 2007 21:00:00 +0000

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Comentario sobre la aplicación de dos Principios de la Gestalt dentro de un Casino y cómo influyen en la percepción del espacio.

En los casinos se aplican Principios de la Gestalt como el de Semejanza. Las máquinas tragamonedas son muy parecidas en sus formas y detalles: comparten colores como el verde oscuro, vino, negro y dorado e imágenes asociadas con la fortuna como monedas, billetes y hasta oro. Este vínculo nos hace agruparlas como unidades perceptuales similares: todas parecen cumplir la misma función, que es la de apostar, pero tienen menús diferentes.

Otro principio de la Gestalt presente en el casino es la Buena Continuidad. Al ver los contornos lisos de las paredes, alfombra roja, sillas redondeadas, cordones de terciopelo para separar ambientes o para bloquear el paso, nos sentimos cómodos.

Con estas formas de organizar el espacio y los elementos, se logra que el que el usuario se sienta en un ambiente amigable y sin restricciones; un lugar donde se le permite actuar de forma diferente.

Mezclas en vivo

noreply@blogger.com (Taller Uno) — Sun, 16 Dec 2007 07:30:00 +0000

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Imágenes de la composición "Los elementos pelean" de Juan Jácome.

A continuación, publicamos algunos ensayos fotográficos de nuestra sesión junto con Lenín y Danilo de Orate o la mitad de la banda Escaparate. Puedes visitar su sitio y oir algunas de las canciones que tocaron en vivo.

Fotografiamos elementos que nos recuerdan a puntos, líneas, planos y espacios. Los hicimos dormir, caer, pelear, envidiar, bailar, despegar e irse. Ensayos de Juan Jácome, Danilo García y Andrés Navas.

Ecodiseño: los primeros productos

noreply@blogger.com (Taller Uno) — Mon, 26 Nov 2007 02:41:00 +0000

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Estos son algunos de los productos desarrollados por los alumnos del taller.uno, con el profesor Fernando Álvarez.

Billetera hecha con fundas plásticas :: Carolina Tapia
El único material utilizado para la elaboración esta billetera fueron fundas plásticas: alrededor de 40 fundas de diferentes colores. Con estas fundas tejí un cordón de muchos metros, él mismo que puede ser utilizado en la construcción de diversos productos. La idea nació de la problemática que causa el exceso de basura causado por las fundas plásticas, la utilización de estas en la construcción de productos es una buena solución.

Bolsas :: Cristina Segovia
Estas bolsas son hechas a base de cartón y fundas plásticas recicladas. Han sido creadas para servir como una envoltura para regalo. El proceso para su elaboración consiste en: buscar un cartón resistente y fácil de cortar y doblar. Posteriormente, debemos hacerle huecos utilizando un cautín
Por otra parte, recortar tiras de fundas plásticas de varios colores y realizar trenzas , hasta obtener largas trenzas de colores llamativos.
Por último, pasar las trenzas por los huecos de los lados y por los del centro.

Aretes y llaveros :: Vanessa Contero
Durante el proceso reciclamos, reutilizamos y reducimos.
Reciclar: Las latas son objetos desechados y fueron recicladas y procesadas para poder trabajarlas.
Reutilizar: En este caso, las latas no van a cumplir la función de contener algún líquido sino que van a pasar a ser objetos de bisutería y de adorno.
Reducir: Las latas fueron aprovechadas al máximo sin utilizar gran cantidad de energía, los pedazos sobrantes fueron desechados de una manera en la que no pudieran causar daño a las personas y sin que generen un gran impacto ambiental.

Androide andrógino 100% reciclado :: Juan Ángel Jácome + Andrés Zambrano
Arte-objeto elaborado con materiales desechados metálicos, con excepción de la parte superior, el interior de las manos y las uniones.
Este proyecto dio como resultado una forma de representación de lo ligados que estamos a nuestros desechos, pero a su vez, lo cerca que estamos de soluciones creativas en las cuales sea posible el mejor aprovechamiento de éstos.
La idea es comenzar una producción que mantenga presente, desde su idea inicial, tanto el ciclo de vida de los productos, como la necesidad de protección y conservación de los recursos.
Androide a la venta!!! Si deseas obtener más información contáctate con nosotros.

La gestalt: ejemplos cercanos

noreply@blogger.com (Taller Uno) — Sun, 25 Nov 2007 07:00:00 +0000

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Hemos preparado una presentación descargable sobre los prinicipios de reconocimiento y agrupamiento de la Gestalt. A continuación publicamos los ensayos fotográficos de Vanessa Contero, Ramiro Guerra y Cristina Segovia sobre la prescencia de dichos principios en sus casas y en la tienda de su barrio.

Uso de la textura: libros para niños

noreply@blogger.com (Taller Uno) — Thu, 22 Nov 2007 04:45:00 +0000

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Comentario sobre el libro Los pelagatos a trabajar! de Fred Chapotat.

La mayoría de páginas tienen fotografías de texturas táctiles. Son materiales reales que crean figuras; pero para ponerlas en el libro, fueron capturadas como imágenes bidimensionales. Sin embargo, todas ellas provocan la sensación visual de textura.

Las figuras están hechas de materiales como sogas, papel, cartón, etc.; por lo que sus superficies parecen rugosas y decoradas. Los colores varían mucho, pero la mayoría son opacos. La superficie de las figuras parecer ser dura, pues la mayoría de sus materiales se ven rígidos.
Ramiro Guerra

Analizando el espacio

noreply@blogger.com (Taller Uno) — Thu, 22 Nov 2007 02:30:00 +0000

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Revisamos la obra de Ernst Kirchner y Edgar Degas: proponemos un análisis sobre el uso del espacio, considerando las circunstancias históricas que cada uno vivió.

Degas utiliza el espacio ilusorio, como se puede observar en el cuadro llamado Ballet Class. Esto se hace evidente con la señora sentada en la silla y las bailarinas a su lado, que parecen estar muy cerca del observador, a diferencia de las bailarinas que están en el espejo, que parecen estar muy lejos. Este efecto de lejanía se logra porque los colores de las primeras bailarinas son fuertes y los de las de atrás son menos intensos y, también, con el cambio de tamaños: las primeras más grandes que las últimas.

El espacio del cuadro Combats de Kirchner es liso, ya que las figuras humanas tienen la misma textura y su tamaño es similar: parecen estar sobre un mismo plano.

Degas tuvo como influencia los trabajos clásicos de Ingres y románticos de Delacroix; en mi opinión, esto también influye en su uso del espacio, ya que las bailarinas y demás figuras están ubicadas ni muy cerca ni muy lejos, sino en un espacio adecuado y delicadamente distribuido.

Kirchner utilizó mucho espacios positivos y negativos, líneas marcadas, colores puros inspirados en el arte primitivo; todo esto reflejaban la agitación y el movimiento de la gran ciudad moderna donde habitaba. Más tarde, durante la Primera Guerra Mundial de 1914, fue movilizado y sufrió una grave crisis nerviosa. La misma que se vio reflejada en sus obras: sus formas y expresiones, uso del espacio y colores y texturas.
Ma. Cristina Segovia

Edgar Degas usa la superposición de formas: unas están detrás de otras y esto crea cierto efecto de profundidad. También recurre al cambio de tamaño; unas bailarinas son más grandes que otras, parece como si unas estuviesen delante y otras atrás. Este efecto se refuerza con el cambio de color y textura que tienen las formas: la bailarina de “adelante” tiene un color en su vestuario más cálido que las de “atrás”. Las formas que se encuentran en su pintura tienen sombra lo cual las hace mucho más reales y les da volumen. Degas utiliza este tipo de efectos porque fue fotógrafo amateur. También tuvo influencias del arte renacentista y esto se ve reflejado en el uso del color y el espacio ilusorio. Todo parece muy real, es como si nos asomáramos a una ventana.

Kirchner utiliza un tipo de espacio liso: sus obras no parecen reales, no tienen ninguna profundidad. Esto debió ser por que fue un artista expresionista que estaba en contraposición al impresionismo, y trataba de deformar la realidad. Lo que quería expresar tiene mucho que ver con el uso del espacio: no quería que todo se vea tan perfecto como cuando nos asomamos a una ventana, sino, expresar nervios y sentimientos que se dieron a causa de la primera guerra mundial.
Carolina Tapia

Analizando la textura

noreply@blogger.com (Taller Uno) — Sat, 03 Nov 2007 21:21:00 +0000

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Visitamos la exposición "El país de los trazos" del Centro Cultural Artes (Veintimilla 560 y 6 de Diciembre) y analizamos cómo los ilustradores utilizan la textura.

El vestido de la ratoncita tiene un detalle en el borde; se trata de un encaje y es una textura rugosa, decorada, opaca y blanda. Este tipo de textura es táctil natural accesible, ya que el encaje no fue modificado de ninguna manera y es muy sencillo identificar a simple vista este material.
Carolina Tapia sobre “Ratón Pirata” de Camila Fernández

Esta ilustración fue realizada utilizando acrílico. Si observamos la figura que forma la silueta de un niño con las manos hacia arriba, nos damos cuenta de que es una textura visual decorativa porque si borramos la textura, la forma queda igual y no desaparece. Además, se puede observar, que debido a los efectos del acrílico, la textura que percibimos es rugosa, dura, opaca en el fondo y en la figura también.
Estefanía Leiva sobre “Historias Espectrales” de Bladimir Trejo

La imagen o forma analizada en esta pintura es el personaje que viste de rojo, y tiene una mascara. Las texturas de esta obra son tanto visuales como táctiles: visuales porque cada una de las partes que conforman el personaje nos hacen recordar ciertas percepciones táctiles. A su vez, posee textura táctil porque el soporte en donde fue pintada la obra y la pintura, poseen textura perceptibles al tacto.

La textura táctil es natural accesible y natural modificada. Natural accesible porque al tocar sólo la pintura (y más en donde hay grandes concentraciones) se reconocen texturas duras y lisas. Pero si se toca en donde todavía el soporte es perceptible, hay una textura natural modificada, ya que se puede sentir ambos, tanto el soporte como la pintura.

La verdad es difícil reconocer si las texturas visuales usadas son decorativas o espontáneas. Para estar seguro de esto hubiese sido necesario estar en el proceso completo de la obra, solo así podría saber si las distintas partes fueron dibujadas previamente y luego aplicadas textura (decorativa), o si la misma textura es la creadora de las partes (espontánea).
Juan Ángel Jácome sobre "Segundo acto rojo" de Marco Chamorro

WOOD: texturas con materiales orgánicos

noreply@blogger.com (Taller Uno) — Sat, 03 Nov 2007 05:00:00 +0000

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En el sitio de Laura Wood se expone el proyecto Stain. Laura consigue texturas y diferenciar la figura del fondo, a través de manchas de café.