Architettura Take Away

20.000 visitatori!!!

noreply@blogger.com (Susy Di Monaco @ architettura take away) — Wed, 25 Apr 2012 21:16:00 +0000

Grazie da Architettura Take Away!!!

Anche il Design "si è rotto"?

noreply@blogger.com (Susy Di Monaco @ architettura take away) — Mon, 09 Apr 2012 17:00:00 +0000

Che ne pensate? Forse alcuni designer giocano a creare oggetti rotti per volerci inviare un messaggio, una provocazione?
O forse è solo divertimento a sperimentare.
Esistono una quantità di oggetti creati appositamente rotti, frantumati, ridotti a pezzi, esplosi.
E sembra non essere una novità se guardiamo nel passato al lavoro di Gaudì, che ricopriva di frammenti di maioliche rotte a caso, parte dei suoi progetti.

Il designer norvegese Hans Bleken Rud è l'ideatore di "Scheisse", una lampada a sospensione che richiama la classica lampadina, ma "rotta".
Una sorta di esperimento sulla luce e le ombre che il designer voleva evidenziare, un gioco di positivi e negativi ricavato da queste forme spezzettate.
Un effetto sicuramente originale, un "omaggio" alla lampadina, simbolo dell'antica illuminazione che esplode e ci ri-illumina in una versione nuova

© Hans Bleken Rud

Chi di noi da piccolo non ha rotto un vaso? Chissà se ispirandoci ad un'idea del genere, la mamma avrebbe apprezzato :)
"Vase of Phases" di Studio Dror, sono 3 vasi che sono stati ridotti in frantumi, e poi incollati.
Praticamente vasi davvero rotti, e riassemblati.
Sono i vincitori dell' "IF Product Design Award 2006", e sono parte della collezione permanente dello "Staatliches Museum für Angewante Kunst" a Monaco, e dell' "Eretz Israel Museum" in Tel Aviv.

© Photo: Andrew Zuckerman

Un oggetto particolare è la"Less lamp" del designer spagnolo Jordi Canudas.
La lampada è un guscio di fine ceramica.
L'idea del designer è che ognuno può rompere a piacere la lampada in vari punti, per far uscire la luce, infatti è fornita di martello appuntito disegnato dallo stesso Canudas.

© Jordi Canudas

"Crack of Thunder Plate" del designer londinese Reiko Kaneko, sono piatti di ceramica, decorati con un motivo che rappresenta una linea discontinua che li attraversa, come se i piatti dovessero rompersi all'improvviso.

© R.Kaneko

Il designer israeliano Itay Ohaly ha illustrato una serie di esperimenti su sedute chiamati "Fratture".
L'artista ha sperimentato la rottura di diversi tipi di materiali come il legno, il cartone, la pietra, il vetro, etc.
Ha voluto osservare come essi si comportano ad essere manipolati, spezzati, modellati e strappati.

© Italy Ohaly

"Wounded Vase" della designer Muinire Kirmaci sono vasi in ceramica che riportano vari tagli.
Tagli che vogliono indicare delle cicatrici che, come ci indica l'artista, "sottolineano la fragilità dell'amore". L'artista ha presentato questi vasi in una mostra dal tema "Love with Care".

© Muinire Kirmaci

E, visto che si è appena chiusa la settimana pasquale, vi lascio con l'uovo del designer tedesco Ingo Maurer, ispirato dall'uovo di Piero Della Francesca.
Un'installazione composta da cinque gusci d'uovo e cento chili di alluminio.
L'artista ha voluto chiudere la luce all'interno dei gusci, e ci dice che "L'uovo è origine della vita, è forma perfetta, è idealità." e "una cosa che è bella può essere anche distrutta, e rimanere perfetta."

© Ingo Maurer

Un insolito designer artigianale: useDesign

noreply@blogger.com (Susy Di Monaco @ architettura take away) — Sun, 11 Mar 2012 20:30:00 +0000

Perché insolito? Perché il designer Luca Scarpellini di useDesign è un designer artigianale molto originale, sempre alla ricerca di oggetti vecchi, di scarto, riciclati, per poi ricrearne di nuovi dando loro una funzione diversa.
Luca è un designer curioso, stimolato continuamente da ciò che lo circonda, il suo laboratorio sembra una "clinica per oggetti", dove lui assembla e modifica le sue creazioni.
Abbiamo scambiato due chiacchiere con Luca, leggete cos'ha da dirci!

Luca, "useDesign" è un nome che attira, vuoi spiegarci che messaggio vuoi comunicare?

useDesign è un gioco di parole. Come tutto, nel mio lavoro e nella mia vita, esso è la fusione di più significati che trovano una nuova formula per definire un concetto. L’inglese mi ha prestato due parole: “use” e “design”, parole che ho cercato di fondere in un'unica che ne contenesse una terza: “used”. Queste tre parole, assieme, esprimono il significato del mio lavoro, cioè oggetti di design con una chiara e semplice funzionalità che prendono vita da oggetti usati.

Come nasce useDesign, passione per oggetti vecchi, abbandonati, riciclati...?

useDesign nasce dalla morbosa curiosità riguardo alla vita passata, a noi sconosciuta degli oggetti abbandonati. Vi siete mai chiesti cosa abbia dovuto sopportare o quale tipo di esistenza abbia avuto un vecchio aspirapolvere abbandonato al freddo e allo sporco di un mercatino delle pulci? Avete mai tentato, inutilmente, di dedurne il passato osservando ed analizzando i graffi e le ammaccature che lo caratterizzano?

Sono stato sempre affascinato dai mercatini dell’usato e dai ferrivecchi da ben prima della nascita di useDesign. Spesso andavo in questi posti magici solo per godere dello spettacolo che regolarmente mi si presentava agli occhi. Era un po’ come andare in piazza o al parco e incontrare altre persone. Ogni oggetto mi parlava, o meglio, tentava di comunicare qualcosa, che però non riuscivo a capire fino in fondo. Credo che gli oggetti abbandonati abbiano tanto da dire, ma che usino un linguaggio che a noi non è del tutto comprensibile, per cui non riusciamo a percepirne il reale contenuto.
Molte persone scelgono, volontariamente o meno, di ignorare questi messaggi per quieto vivere, o per non farsi distrarre dalla normale vita quotidiana.
useDesign è nata in funzione di un’affannata ricerca di risposte.

Come ti è venuta l'ispirazione per creare una linea di design dal riciclo?

Il primo pezzo di design che ho creato era un regalo per una ragazza: una bilancina trasformata in lampada, verniciata di fucsia metallizzato. Dopodiché, nell’arco di un anno ho realizzato altri quattro prodotti: un orologio/telefono verde e due fermalibri/ferri da stiro, anch’essi verdi e una lampada/moka blu, tutti realizzati come regali per persone speciali.
Avevo ottenuto degli oggetti interessanti, e sotto la spinta di amici e curiosi decisi di lanciarmi in quest'avventura, realizzando la prima linea di prodotti, creando il marchio ed organizzando una mostra a Ravenna. Dato il successo di quest’ultima, mi convinsi di proseguire il mio lavoro e continuare a produrre oggetti da materiale di recupero. Il resto è storia.. ;-)

Possiamo dire che useDesign è una rivisitazione dell'usato, o c'è qualche altro ingrediente essenziale?

Io definisco il mio lavoro come un “funerale in grande stile”, una degna sepoltura di tutto quello che gli oggetti usati si trascinano dalla loro precedente vita. useDesign non parte dal voler dare nuova vita, ma dal voler cancellare gli ultimi barlumi di quella già trascorsa. Questo è il motivo per cui ogni oggetto che esce dal mio laboratorio è verniciato oppure sabbiato. L’ingrediente che rende useDesign unico nel panorama contemporaneo è proprio questo aspetto, seppur estremo, dell’interpretazione di design.

Come lavori gli oggetti che trovi interessanti, quali sono le fasi del tuo lavoro: scelta pezzi, pulitura, montaggio, assemblaggio, etc.

Come ho appena detto, verniciature e sabbiature sono le fasi più importanti del mio lavoro, forse ancora più importanti della scelta stessa dell’oggetto di partenza.
Per esempio, una delle mie ultime collezioni, la linea 27gradi, è nata da una serie di ventole industriali trasformate in orologi. La scelta dell’oggetto di partenza era quasi casuale, forse banale e non programmata, ma la sorpresa nel trovare una piccola scritta sotto lo sporco durante la fase di sabbiatura ha reso questa linea unica e carica di significato.

Il sabbiare, ma anche il verniciare, sono fasi di ricerca importanti che mi aiutano a scoprire i materiali e gli oggetti, un po’ come se denudarli o seppellirli mi permettesse di conoscerli nel profondo. Esistono diversi tipi di oggetti usati: quelli che semplicemente mi incuriosiscono e quelli che invece mi “chiamano” e mi attirano fino ad innamorarmene. Entrambi gli aspetti sono importanti nella fase di scelta del pezzo usato da lavorare e implicano un diverso attaccamento ad esso e quindi, una diversa azione di restyling.

Dai tuoi pezzi mi sembra di capire che ogni oggetto per te ha varie possibilità di essere utilizzato. Quando scegli un oggetto, tu riesci a vedere subito il prossimo utilizzo che avrà, oppure ne rimani affascinato e poi in seguito decidi come assemblarlo?

Generalmente cerco proprio quegli oggetti che mi attirano maggiormente e nella maggior parte dei casi mi lego ad un particolare oggetto immediatamente dopo averlo scorto tra i rottami. E’ l’oggetto stesso che mi sceglie, in un certo modo.
Nella maggior parte dei casi riesco a visualizzare la nuova funzione, e spesso anche il colore o la finitura, al primo sguardo, ma non sempre l’oggetto viene trasformato subito. Ci sono oggetti nel mio laboratorio che attendono di essere trasformati da anni, ma dei quali non ho ancora avuto la giusta ispirazione. Alcuni prodotti invece sono stati ormai standardizzati nel corso del tempo, come accade per le lampade da tavolo con le pistole giocattolo della linea childhood e perciò, quando le trovo nei mercatini, le raccolgo in vista di una futura produzione.

Trovi stimolante che grazie al tuo design, le persone possano portare nelle loro case nuove oggetti di vecchia manifattura?

Assolutamente sì. Spesso definisco il mio lavoro come una sorta di arte funzionale, un'arte la cui peculiarità sia quella di realizzare sculture che abbiano una ben definita funzionalità. È proprio questo collocamento di useDesign a metà strada tra arte e design che la rende molto particolare e diversa dagli altri marchi di design del riuso. Ed è anche il motivo per cui i designer normalmente mi accusano di fare arte e gli artisti mi accusano di fare design. Vivo in una terra di mezzo, convinto che un giorno la gente possa pienamente capire questo settore e possa vedere i miei prodotti come vere e proprie sculture funzionali.

Pensi che in un futuro prossimo il tuo design diventi un design di punta?
Pensi che si ritornerà all'antico, all'usato, e sempre di più al riciclo?

Beh, negli ultimi anni assistiamo ad un sempre più compreso e radicato spirito del riuso e del riciclo. I giornalisti pubblicano sempre più volentieri i prodotti di riuso collocandoli allo stesso livello dei prodotti di design industriale. Questo fa ben sperare in vista di un futuro in cui finalmente i designer e gli artisti del riuso avranno una loro ben definita corrente artistica.

Interessante...e i tuoi pezzi sono unici, come da collezione, o produci anche più pezzi uguali?

Al momento attuale useDesign si compone di 8 linee di prodotti, alcune delle quali composte da pezzi la cui realizzazione può essere serializzata. La maggior parte delle nostre opere però sono pezzi unici secondo diverse modalità.
La linea childhood per esempio, composta da lampade realizzate con vecchie pistole giocattolo, è una linea in cui l’idea rimane costante, mentre ogni modello è diverso dagli altri; la linea 27gradi è una serie limitata e numerata di 21 orologi apparentemente uguali; la linea underSkin invece consiste in oggetti pensati per essere ripetibili in maniera sempre uguale. La linea di prodotti che caratterizza maggiormente useDesign è la linea luxury. Questa collezione è composta invece da pezzi unici, numerati da 1 a 24. Esistono infatti solamente 24 versioni diverse dello stesso oggetto, che sia una lampada con una moka o un asciugacapelli oppure un orologio con un ferro da stiro.

Hai un laboratorio, un atelier, dove si possono visionare i tuoi prodotti?

I prodotti useDesign nascono nel mio laboratorio -30 metri quadrati nelle aperte campagne romagnole nei dintorni di Forlì- per poi essere venduti ed esposti in tutta Italia. Sul nostro sito web www.usedesign.it potete trovare tutti i punti vendita tramite i quali attualmente distribuiamo i nostri pezzi unici e le nostre serie limitate. Normalmente i prodotti non sono esposti in laboratorio, ma organizzo continuamente mostre sul territorio nazionale ed internazionale presso gallerie d’arte e locali. Si può consultare il nostro sito web ed iscriversi alla newsletter dalla pagina “contatti” per rimanere sempre aggiornati sulle nostre attività, mostre e sui nuovi prodotti e punti vendita.

Ringraziamo Luca per aver scambiato due chiacchiere con noi ed averci accompagnato in questa visita nel suo originale modo di coniugare arte e design.

Dove trovare Luca e come contattarlo?

sede: Via del Bosco 6/a, 47122, Forlì (FC)
telefono: (+39) 339 1042325
fax: (+39) 0543 728078
sito web: www.usedesign.it

Le foto utilizzate in quest'articolo sono una gentile concessione di useDESIGN©

Incontri con i designer artigianali: L'Atelier Design Trasparente

noreply@blogger.com (Susy Di Monaco @ architettura take away) — Thu, 26 Jan 2012 17:20:00 +0000

E con il nuovo anno apriamo una nuova rubrica:

Incontriamo per voi i designer che si definiscono "Artigianali".
Designer che lavorano i loro prodotti, uno ad uno e non in serie industriale.
Sta nascendo una nuova idea del design, un concetto più personale, controllato in ogni minimo dettaglio dagli stessi designer che lo producono.
Benvenuti in questa nuova dimensione del Design.

Il primo appuntamento è con i designer Emiliano Brinci e Francesca Soluzioni nel loro Atelier.
Ebbene sì, abbiamo incontrato i simpatici designer di "Design Trasparente".
E, tra una chiacchiera e l'altra, è nata l'idea di rendervi partecipi del nostro incontro.
Una bella chiacchierata sul design artigianale ed il lavoro che svolgono in Atelier.
Vi va di sentire cosa ci siamo detti? Allora mettetevi comodi e...buona lettura!

Com'è nato Design Trasparente: passione per il metacrilato e per le materie plastiche?

Io e Francesca ci siamo conosciuti nel 2004, quando per motivi di lavoro abbiamo cominciato a collaborare sporadicamente. Io progettavo stand per un società di Roma, Francesca invece aveva aperto da poco il suo laboratorio di lavorazioni di materie plastiche.
Due percorsi progettuali diversi, ma con molti punti in comune.
Questo è stato il nostro approccio e l’inizio della collaborazione.

Progettando insieme, confrontandoci, parlando ogni giorno, abbiamo notato che entrambi avevamo la passione per la ricerca e le materie plastiche e le forme rigorose che si possono realizzare con semplici lavorazioni, contrapposte alla vivacità dei colori.
Abbiamo capito di essere due ARTIGIANI/DESIGNER.

Artigiano non inteso semplicemente come una figura con abilità tecnica e manuale, ma colui che persegue per sé e per la propria personale soddisfazione, la ricerca dell’opera quasi perfetta, del buon lavoro fatto con arte, intelligenza, sapienza manuale e conoscenza, che va contro la mediocrità e il “basta che sia fatto”.

Un design artigianale si inserisce facilmente nella realtà dei designer aziendali?
Ed in quanto a vendita di prodotti, come vi siete inseriti nel mondo commerciale del design?

Vorrei sdoganare lo stereotipo dell’artigiano di bottega, circondato da apprendisti e con la matita sull’orecchio.
Essere artigiani/designer significa vestire i panni d’attento osservatore; vuol dire guardare al passato puntando all’avvenirismo Made in Italy, così come implica pure l’essere dotati di capacità tanto manuali quanto tecniche.
I nostri prodotti sono progettati con il CAD, tagliati con macchine a controllo numerico e rifiniti tutti a mano.
Questo significa niente stampaggi industriali, niente serie illimitate.
Questo significa fare le cose con arte: sapienza manuale e conoscenza -approccio tipico del fare artigianale- ottimizzando forma, funzione, ed estetica -approccio tipico del designer industriale.

I nostri oggetti sono tutti simili ma mai uguali tra di loro.
In un periodo storico come quello attuale, dove università e scuole private ogni anno “sfornano” centinaia e centinaia di designer e creativi che si immettono in un mercato ormai saturo e in crisi come quello industriale; dove le aziende non hanno più il tempo e denaro per investire e scommettere su nuovi progetti, l’unica via d’uscita è pensarsi come una micro-impresa, ed iniziare la via dell’autoproduzione.

Se non siamo i primi a credere in noi stessi chi altro lo può fare?
Non è facile, noi lo abbiamo sperimentato sulla nostra pelle.
Bisogna acquisire abilità tecniche, investire soldi, trovare un'idea, saper padroneggiare i nuovi mezzi di comunicazione e lavorare sul proprio nome, che deve diventare il proprio personal brand.
Riguardo alla commercializzazione dei prodotti, in pochi anni siamo riusciti ad aprire un Atelier online e offline, dove vendiamo il nostro design - e quello di altri Artigiani/Designer come noi - e ad acquisire alcuni punti vendita in Italia.

Lavorate i vostri prodotti in un atelier: dove avete imparato la lavorazione del metacrilato?

A questa domanda ci piace rispondere evocando l’immagine della pianta che deve consolidare le radici.
Ogni abilità tecnica si acquisice con l’esercizio.
Motivo per il quale abbiamo lavorato, per anni, fianco a fianco con chi il mestiere lo conosceva bene, assimilando, come spugne, quello che nessun libro di testo ti può insegnare: l’esperienza manuale.

Se doveste raccontare il vostro percorso in pochi punti dal vostro inizio in atelier ad oggi, come lo descrivereste?
(esempio: avete iniziato montando l'officina, comprato i macchinari, imparato a lavorarli, e presentati alle aziende)

Ti descriviamo sinteticamente la ricetta che bisogna seguire per realizzare un progetto come il nostro.
- Prendete un pizzico di macchinari, uno spicchio di computer e iniziate a condirli con un abbondante numero di pratiche fresche.
- Dopo aver mixato tutto e frullato bene i vari ingredienti, versate il contenuto in un recipiente abbastanza grande da contenere tutto.
- Finito l’impasto, bisogna aggiungere un litro di tecnica, mezzo litro di design, una bustina di esperienza e un cucchiaino di creatività.
- Infornate tutto per almeno 5 anni a circa 200°
- A cottura terminata aggiungere scaglie di social network, un pizzico di blog, una serie di eventi a proprio gusto con un abbondante spruzzata di passaparola.
- Impiattate il tutto su un bel network e servitelo ancora caldo accompagnato da una serie di distributori e punti vendita freschi .

Direi simpatica ed esauriente la vostra ricetta! :)
E...oltre al design, le vostre passioni come creativi?

Quando non pensiamo “al design” nutriamo il nostro corpo e la nostra anima.
Mangiando, leggendo, bevendo, passeggiando e ascoltando musica.

Un consiglio per i giovani designer artigianali?

I momenti di crisi sono periodi in cui possono nascere opportunità interessanti per chi ha creatività e la voglia di emergere.
Non perdete troppo tempo, iniziate oggi a realizzare quello che state pensando di fare.

Avete mai organizzato dei Workshop?

Sì, abbiamo organizzato, durante manifestazioni di settore svoltesi a Roma, dei workshop per fa conoscere meglio, a progettisti e semplici curiosi, le potenzialità dei prodotti plastici.

Bene ringraziamo Emiliano e Francesca, per essere stati qui con noi, e per averci illustrato il loro lavoro.
E vi invitiamo a fare un giro nel loro creativo Show Room a Roma.

-Dove trovare Emiliano e Francesca e come contattarli?

show room: Piazza Scotti, 23 - 00151 - Roma - info@designtrasparente.com
atelier: +39 06.31.05.66.51

blog: http://designtrasparente.blogspot.com/
sito web: http://www.designtrasparente.com/

e-mail: Emiliano Brinci: emiliano@designtrasparente.com
Francesca Soluzioni : francesca@designtrasparente.com

Le foto utilizzate in quest'articolo sono una gentile concessione dell'Atelier Design Trasparente ©

Un Albero eco

noreply@blogger.com (Susy Di Monaco @ architettura take away) — Fri, 23 Dec 2011 15:00:00 +0000

All'insegna di un natale in eco-design, vi segnalo un'iniziativa lanciata lo scorso anno e ripresa quest'anno dal designer francese Fabrice Peltier.

Un albero fatto di cartone e bottiglie reciclate, dove una parte del costo andrà al WWF.

Auguri eco a tutti voi!
da "Architettura Take Away"

Il design attratto dai frattali

noreply@blogger.com (Susy Di Monaco @ architettura take away) — Wed, 23 Nov 2011 17:45:00 +0000

Un frattale, una forma ripetuta all'infinito, cambiando scala.
Sappiamo cos'è un frattale, ma applicarlo al design, all'architettura e all'arte in generale assume un'altra dimensione... è come se sottolineasse che quella forma è esatta perchè ripetuta all'infinito.
Molti designer ed artisti ne rimangono affascinati: un continuo di geometrie in varie scale che si susseguono in un intreccio unico.

Ad esempio, in queste sculture di ceramica la designer irlandese Nuala O'Donovan, crea vari intrecci frattali di figure geometriche.
Un lavoro minuzioso e complesso, le sue ceramiche si possono apprezzare nelle varie esposizioni che l'artista presenta in tutto il mondo .
L'artista racconta "Spero che questo aspetto del mio lavoro evochi anche la qualità transitoria degli organismi viventi, che unisce le tracce della storia, il presente e il futuro, nei modelli che compongono le loro superfici e forme."
"Teasel Standing"
"Coral Fragment"

"Coral Figure of Eight.."

© Nuala O'Donovan

Nato da una serie di schizzi di un cubo è "Fractal 23" del designer Takeshi Miyakawa.
23 cassetti che si aprono sulle facce del cubo, è così che il designer ritrova lo spazio.
Un ripetersi di cubi dentro al cubo dividendo una geometria in altre parti più piccole.

© Takeshi Miyakawa

"Module Platform" del designer Wertel Oberfell, è un tavolino creato da moduli frattali, che imita i modelli di crescita di un albero.
I moduli si possono accostare, hanno una struttura cava, il che significa risparmio di materiali, meno rifiuti e riparmio di energia nel processo produttivo.
È realizzato in materiale ABS (Acrilonitrile Butadiene Stirene), una resina stirolica termoplastica.

© MGX

"Foglie" di Matali Crasset, è una foglia che si dirama in altre, generando una struttura per una lampada.
Il designer dice di "non voler copiare la natura, ma di voler testimoniare la sua magnificenza"

© Matali Crasset

Costituita da un frattale in metallo smaltato che si avvolge attorno ad una luce, la lampada "Raiz lamp" del designer Edoardo Perri per Avant Craft di Whomade fa parte di una serie di prodotti ispirati ai frattali che il designer ha creato.

"Fractal Arcal e Cumulus lighting" sono tre illuminazioni della disegner Sara Ivanyi.
Una sorta di ragnatela-frattale che avvolge la luce, creando giochi d'ombra molto suggestivi.
Queste nuvole di fili in metallo verniciato e gomma appartengono alla serie "Drawing Light".

© Sara Ivanyi

Oltre agli oggetti, alcuni artisti hanno creato anche delle installazioni ispirandosi ai frattali.

Come l'artista torinese Carlo Maria Maggia, che crea sculture frattali in acciaio e specchi stratificati, sculture che si mimetizzano in un gioco di forme che si intersecano.

© C. Maria Maggia

Molto particolari sono le strutture dell'architetto Marc Fornes, che elabora strutture complesse con studi realizzati al computer.
Forme geometriche che si ripetono in un gigantesco frattale.

© Marc Fornes

E vi lascio con "Evening Line", un'istallazione presentata alla Biennale di Venezia del 2008 dell'artista Matthew Ritchie, in collaborazione con gli architetti Aranda-Lasch e i designers del gruppo Arup.
Una geometria frattale che utilizza come modulo un tetraedro in alluminio verniciato in epoxy nero, che si ripete in varie dimensioni, occupando lo spazio tridimensionale.
Evening Line fa parte di un grande progetto al quale l'artista Matthew Ritchie sta lavorando da anni.

© Matthew Ritchie

(ART21)

Il design ci illumina con trame naturali.

noreply@blogger.com (Susy Di Monaco @ architettura take away) — Fri, 21 Oct 2011 21:25:00 +0000

Che la natura sia una fonte di ispirazione lo sappiamo bene, vari designer hanno sempre cercato di simulare qualche forma naturale nelle loro creazioni, ma molte volte ricadevano nella banalità...
Un'illuminazione che imita le trame o le forme naturali va considerata in un ambito più ampio, alla base ci deve essere uno studio della struttura elementare della forma naturale, non semplicemente ripeterla come immagine estetica.
Ho voluto inserire questo post perchè mi è piaciuta l'idea della "Hyphae Lamp", una lampada che sembra evocare il corallo studiando la struttura di una foglia.
Ho trovato anche altre lampade realizzate seguendo trame naturali, basandosi su studi interessanti.

Cominciamo proprio con la "Hyphae Lamp" disegnata dai Nervous System Studio

Ispirati dalle venature delle foglie, i designer hanno creato simulazioni 3D, utilizzando semplici algoritmi.
Studiando i principi fisici della crescita, hanno così creato strutture organiche.

Una rete di nodi che in fase di crescita si fondono tra di loro.
Il materiale utilizzato è il nylon, ogni colata genera un modello unico.

vari modelli in 3D

Altri esempi di lampade che si ispirano a modelli naturali, fanno parte della collezione dei designer di "MGX Materialise".
Un esempio è la "Bloom Lamp" del designer Patrick Jouin's , una lampada studiata con cerniere per aprirsi come un fiore.

Si può dosare la quantità di luce diffusa che si vuole dare all'ambiente.

La lampada è un unico pezzo, e quando non si utilizza si richiude su se stessa come un bocciolo con i suoi petali.

Una lampada da un disegno naturale particolare è la "Quin" della designer Bathsheba Grossman, una sorta di dodecaedro, il solido che Platone attribuiva alla natura.

MGX materialise

"Cirrata Octopus Lamp" del designer Markus Johansson, è realizzata in corian.
Una lampada snodabile che imita i tentacoli del polpo.

Ed infine vi lascio con un esperimento curioso e dolce, la Godoy Lab, del designer Emiliano Godoy, che imita il bocciolo di un fiore.
Una lampada ecosostenibile, realizzata con otto spicchi di zucchero cotto.
L'esperimento da parte del designer consiste nello studiare la durata della vita di un prodotto rispetto al materiale impiegato.

Siamo arrivati a 10.000!!!

noreply@blogger.com (Susy Di Monaco @ architettura take away) — Sun, 16 Oct 2011 14:51:00 +0000

Ebbene sì, siamo in 10.000!!
Architettura Take Away ringrazia tutti voi che siete passati su questo blog!
Certo mi piacerebbe una vostra più attiva partecipazione con commenti e cose varie, ma arrivare a 10.000 visite in un blog di architettura e design è un bel traguardo, ancora GRAZIE!!!

Anche l'architettura gioca a nascondino

noreply@blogger.com (Susy Di Monaco @ architettura take away) — Thu, 06 Oct 2011 21:20:00 +0000

Eh sì, anche l'architettura a volte gioca a nascondino.
Ve ne sono tante di architetture che si mimetizzano, interrate, che si confondono con l'ambiente circostante, architetture che vogliono sparire.
Affascinanti nel loro genere, lasciano spazio all'immaginazione nel capire se la scelta di realizzare un'architettura così sia legata all'estetica nel rispetto del contesto e del territorio, o sia basata su un criterio funzionale, un bisogno di sistemare la struttura interrata, o nasconderla.
Fatto sta che queste architetture creano un gioco di mistero, non svelandosi subito allo spettatore.
Alcune di queste hanno suscitato la mia curiosità...

Un esempio di architettura nascosta è la "Bolton Eco House" dei Make Architects.
Una casa ecologica costruita con materiali tradizionali e locali, che con la sua forma di fiore ed i suoi volumi interrati, si inserisce perfettamente nel paesaggio.

La eco-casa utilizza energia fornita da pannelli fotovoltaici e da una turbina eolica, inoltre una pompa di calore geotermica produce riscaldamento.
La Bolton Eco House è stata presa come esempio in un piano presentato dal governo britannico per future case, per avere zero emissioni di carbonio.

© Make Architects

Un altro progetto interrato e nascosto è il "Klima Hotel", dell'architetto Matteo Thun, questo progetto è parte di un ampliamento del vecchio hotel.

L'ampliamento si integra pienamente nel contesto naturale del "Prato dello Stelvio".
Gli ambienti sfruttando le pendenze naturali della collina, sono seminterrati, disposti su terrazzamenti dai quali fuoriescono solo i tetti-cupola che forniscono luce ed evitano il surriscaldamento delle camere.

© Matteo Thun

Rimanendo ancora in tema di case nascoste, i Patkau Architects di Vancouver nel 2010 hanno vinto un concorso per la progettazione di sei cottage nella riserva naturale circostante la Fallingwater House di Frank Lloyd Wright in Pennsylvania.
I sei cottage sono immersi nel paesaggio della Riserva Naturale di Bear Run e forniscono alloggio ai visitatori coinvolti in programmi educativi dell'Istituto Fallingwater.

La giuria ha così motivato la scelta di questo progetto come vincitore: "La sua forza non è solo in ciò che è incluso, ma in ciò che viene lasciato fuori" [nel paesaggio].

© Patkau Architects
Diciamo la verità: ma voi cosa progettereste accanto alla Casa sulla Cascata di Wright? :)

Un altro aspetto interessante sono le architetture fuori terra che si mimetizzano per scomparire, come la "Capsula Alpina" presentata da "Ross Lovegrove Studio", in Alta Badia.
Questa capsula è una sorta di rifugio per alpini, fornita di energia da pannelli fotovoltaici, con una turbina eolica ad asse verticale.

Il progetto è stato un esperimento per studiare futuri alloggi isolati, ma tecnologicamente attrezzati in tutto.
La capsula Alpina è un'unità abitativa con soggiorno, bagno e zona contemplazione.
L'interno della capsula è stato studiato per dare un effetto di design morbido, infatti le superfici sono ricoperte di pelle bianca imbottita.
Lo studio voleva creare uno spazio chiuso che avesse costantemente contatto con il paesaggio esterno.

La capsula è rivestita esternamente di una superficie a specchio per far rimbalzare i raggi infrarossi, proteggendo l'interno dal surriscaldamento.
L'involucro interno invece è trasparente, per permettere ai fruitori di godersi il paesaggio circostante.

La turbina eolica è formata da otto petali che sono i pannelli fotovoltaici.
Un'energia sufficiente può essere fornita in qualsiasi condizione metereologica, ma in caso di vento forte o neve, i pannelli si richiudono, ruotando sul perno.

Ed infine vi lascio con "Truffle" (La Trufa-Il Tartufo) di Ensamble Studio, una sorta di progetto-esperimento.
È un modulo abitativo che si nasconde nel paesaggio, costruito nel 2010 in una località spagnola con materiali naturali ed artificiali.

Per costruirlo, è stata scavata una buca nel terreno, ammassando la terra sul perimetro.
In seguito il volume è stato riempito con balle di fieno che sono state ricoperte di cemento, ed infine il tutto è stato ricoperto di terra.
Dopo un certo tempo la terra è stata rimossa, e con dei macchinari sono stati realizzati dei tagli per aprire questa sorta di bozzolo. Al suo interno sono stati trovati il fieno ed il terreno che erano stati compressi dal cemento.
I materiali, compenetrandosi tra di loro, con il passare del tempo hanno scambiato le loro proprietà, dando alla luce una massa amorfa, con un interno inusuale.
Per svuotare il tutto si son fatti aiutare da un vitello che ha mangiato gran parte del fieno per un anno.

foto fasi di progetto
Truffle così aveva subito dei cambiamenti non solo come materiali nelle fasi costruttive, ma anche come fasi, passando da massa vegetale a rifugio per animali per poi diventare un modulo abitativo.
Gli interni si ispirano al "Cabanon" di Le Corbusier.

foto progetto finito

© Ensamble Studio

Chiudo il post scusandomi con i lettori più assidui di non essere stata molto presente negli ultimi tempi.
Mi riprometto di riprendere il blog più frequentemente, aspettando i vostri commenti che per me sono un interessante spunto di discussione.

Architetture Aliene

noreply@blogger.com (Susy Di Monaco @ architettura take away) — Sat, 30 Jul 2011 22:30:00 +0000

Perchè "Architetture Aliene"?
Perchè ultimamente vedo sempre più architetture difficili da identificare, sembrano venute da chissà quali mondi sconosciuti, ed invece escono dalla mano di qualche architetto inventivo ed estroso.
A prima vista sembrano delle belle opere scultoree però, analizzandole, mi rendo conto che non rispettano molti parametri dell'architettura.
Certo qualcuno può osservare che se alla creatività mettiamo delle regole, l'architettura muore.
Questo è vero, però credo che progettare senza pensare ad un minimo di contesto, di fruibilità, di spazio adatto a quel tipo di struttura, preoccupandosi solo di estetica, inevitabilmente farà nascere degli ingegni macchinosi ed estrosi, come queste architetture che vi mostrerò.
In questo post però mi piacerebbe avere anche delle vostre opinioni, su cosa ne pensate di queste nuove architetture, definite da me "Aliene".

Generalmente sono considerate futuristiche, hanno un loro fascino strutturale ed estetico, utilizzano materiali nuovi, nascono da sperimentazioni di programmi al computer, tutto ciò è molto stimolante ed interessante, ma quanto davvero possono essere chiamate architetture, e rispettano i codici lasciati dai padri dell'architettura?
L'immagine in basso, che mi ha fatto riflettere e spinto a scrivere questo post, è tratta dal libro "Design Futures" del designer Bradley Quinn.

Un esempio di queste architetture è "Terreform One", dello studio Archinode, progettato dall'urbanista Mitchell Joachim.
Sembrano delle meduse aliene che gallegiano, ma sono come dirigibili per passeggeri, con sedili che distano a pochi cm. dal suolo, mantenuti da una sorta di tentacoli.

L'urbanista sostiene che i "Soft Blimp Bumper Bus", possono migliorare l'efficienza del traffico di un 30%, e sono eco-compatibili.
Pensati per la NY futura, sono una visione della viabilità molto diversa da quella che conosciamo oggi. L'urbanista non ha creato solo questi bus-meduse, ma un vero e proprio modello di città futuristico per NY.

La Bionic Tower, dello studio LAVA Laboratory for Visionary Architecture, è una torre organica, con una struttura particolare.
Sembra rivestita della pelle di qualche rettile alieno, ed invece è basata su architettura parametrica (ne abbiamo già visto qualche esempio in questo mio precedente post), e la facciata è automatizzata per quel che riguarda il sistema di ventilazione, l'accesso solare, e la raccolta delle acque.
Costruita con nuovi materiali che sono capaci di reagire agli agenti esterni, come temperatura, pressione, umidità, inquinamento e radiazione solare, la Bionic Tower è una sfida verso il futuro.

Sembrano automi bionici applicati ad un edificio antico, in realtà sono gli Eco-Pods, di Höweler+Yoon Architecture e Squared Design.
Sono delle capsule modulari da applicare ad edifici abbandonati che contengono microalghe, le quali sono capaci di assorbire anidride carbonica trasformandola in ossigeno, per ridurre l'inquinamento.
Le capsule vengono spostate da bracci meccanici che prendono energia dalle stesse alghe.
Secondo gli architetti risolverebbe due problemi; il degrado urbano e l'inquinamento.

Una città anfibia?
Ci ha pensato l' architetto belga Vincent Callebaut, che si è divertito a progettare Lilypad, una sorta di isola futuristica autosostenibile.
In un'epoca dove si analizza il futuro delle città preoccupandosi dell'aumento del livello del mare che sarà provocato dallo scioglimento dei ghiacciai per surriscaldamento globale, l'architetto ha pensato a queste città gallegianti autosufficienti.
La forma si ispira ad una ninfea, dalla quale prende il nome.
Lilypad, inoltre, ha zero emissioni di carbonio, utilizzando energie rinnovabili come quella solare, la termica, la fotovoltaica, l'idraulica, l'eolica, e dispone anche di una stazione di energia delle maree, di energia osmotica, di biomassa e fitodepurazione.
L'ecopolis anfibia viaggia sulle acque, inseguendo gli oceani ed adattandosi alle stagioni.

Ed infine chiudo il post con un'altra medusa, però con un occhio che sovrasta il tutto.
Chiamato Blob la piovra, dei Future Systems, ha vinto nel 2007 il concorso per la Czech National Library.
L'edificio non ha angoli e si modella adagiandosi sul terreno, i cechi si dicono soddisfatti del design perchè Praga desidera architetture futuriste.
Aspetti importanti come l'illuminazione naturale sono stati messi in primo piano dagli architetti, i quali sono riusciti ad averla durante il 70% delle ore di apertura della biblioteca.

Blob, è un progetto rimasto su carta per colpa di continue controversie e mancanza di finanziamenti.
E rimarrà solo un caro ricordo del progettista Jan Kaplický.

Courtesy Photo

Un Design con Tessuto

noreply@blogger.com (Susy Di Monaco @ architettura take away) — Fri, 08 Jul 2011 19:00:00 +0000

L'altro giorno fantasticavo sul tessuto e cercavo oggetti originali di design, ho trovato alcune cose particolari.

Come "Flame", e "Clit", della designer Alexandra Tsoukala, che ho scelto per voi. Sono in tessuto morbido, e fanno parte della sua collezione di lampade.

O la lampada "Industry", del design Jonas Wagell, una lampada con diffusore in nylon, struttura pieghevole in alluminio e paralume di tessuto imbottito.
Il designer ne ha fatto vari versioni in colori differenti.

Oltre alle lampade ho trovato dei vasi come "Fabric Vase" di Italia Indipendent, vasi in tessuto termonastrato.
Il termonastrato è un nuovo tipo di tessuto che viene utilizzato nell'abbigliamento per sport acquatici e di montagna, quindi resistente all'acqua e, lavorandolo, accoppiandolo ad una membrana, crea una sua propria struttura pieghevole.

Oppure i vasi "V20" di Change, laboratorio di design. Fabbricati anch'essi con un tessuto resistente all'acqua, sono parte di una collezione unica, alla quale hanno collaborato vari artisti di tutto il mondo.
Il tessuto che riveste i vasi è stato tagliato in pezzi e cucito per essere modellato direttamente, creando il vaso.

Oltre ad oggetti, vi sono anche dei pannelli murali in tessuto per l'arredamento di interni.
Dello studio londinese Anne Kyyrö Quinn, sono in vari tipi di tessuto, e si ispirano a texture naturali e organiche.

Infine abbiamo un tessuto unico, utilizzato per farne oggetti di design: "Indruk", un filato ricavato dai fogli di giornale, creato dallo studio olandese della designer Greetje van Tiem per la Design Academy di Eindhoven in Olanda.

La carta da giornale, trasformata in filato, diventa molto resistente, e lo studio ha pensato di lavorarla per crearne tappeti, sedute, tende ed altro.
Nei tappeti soprattutto il filato diventa una vera struttura resistente perchè viene tessuto incrociando i vari fili.

Con una sola pagina di giornale, la designer riesce ad ottenere 20 metri di filo.

E vi lascio con una frase della designer:
"Today’s news, tomorrow’s textile"

Bamboo per un'architettura sostenibile

noreply@blogger.com (Susy Di Monaco @ architettura take away) — Thu, 02 Jun 2011 08:50:00 +0000

L'altro giorno cercavo di documentarmi sul bamboo. Il bamboo è una pianta originale dell'Asia, vanta mille specie differenti ed il suo fusto resistente e flessibile si presta bene a varie tipologie da costruzione. Nel corso di questa ricerca mi sono imbattuta in uno studio che ha realizzato vari progetti con questo materiale.
Lo studio in questione è TYIN Tegnestue, uno studio norvegese che ha realizzato progetti eco-sostenibili in Asia in collaborazione con la popolazione e gli enti locali.
Trovo interessante da parte di questo gruppo la volontà di realizzare strutture con materiali poveri come il bamboo, e riuscire a conciliare l'estetica e la funzione con la necessità.
Il loro lavoro dovrebbe essere d'esempio a tutti noi, dovremmo imitare questa consapevolezza nel fare per chi ha bisogno.
Loro si sono dedicati all'Asia, stanno dando il loro contributo a popolazioni bisognose, utilizzando le risorse del posto, sono riusciti a realizzare tipologie costruttive utili al vivere quotidiano; una biblioteca, degli alloggi, un negozio, etc.

"Soe Ker Tie House" in Noh Bo, Tailandia, è uno di questi progetti.
Alloggi-dormitori per bambini.
Nel 2010 il progetto ha vinto la medaglia d'argento per l'architettura sostenibile.

Vi posto il testo originale

"La TYIN è un’organizzazione no-profit che lavora attraverso l’architettura nel campo umanitario. Il nostro obiettivo è quello di costituire progetti strategici che possano migliorare la vita delle persone in condizioni disagiate. Grazie ad un’ampia serie di collaborazioni con le popolazioni locali, ci auguriamo che i nostri progetti possano avere un impatto che vada al di là delle strutture materiali.

Nell’inverno 2008 la TYIN si è recata a Noh Bo, un piccolo villaggio sul confine thailandese- birmano, per progettare e costruire case per i bambini profughi Karen. Il conflitto in Birmania, che dura da 60 anni, ha costretto centinaia di milioni di persone a fuggire dalle proprie case. Il conflitto continua a lasciare molti bambini orfani e con poche speranze per il futuro.
Un paio di mesi prima della partenza ci mettemmo in contatto con Edna Ole Jørgen, di Levanger, Norvegia. Edna nel 2006 avviò un orfanotrofio a Noh Bo che necessitava ora di altri letti. Nato come riparo per 24 bambini, ora l'orfanotrofio è una casa per quasi 50. Il progetto per la Soe Ker Tie si è concluso nel febbraio 2009.

L'intento principale del progetto era quello di ricreare ciò che questi bambini avrebbero avuto in situazioni più normali. Volevamo che ogni bambino avesse il proprio spazio privato, una casa per vivere ed uno spazio circostante dove poter interagire e giocare. Questi sei dormitori sono la nostra risposta. Per il loro aspetto sono stati soprannominati Soe ker Tie Hias dagli operai Karen, ovvero la casa delle farfalle.

La tecnica della tessitura del bamboo, usata sulle facciate posteriori e laterali, è la stessa usata nelle case e nell’artigianato locale. La maggior parte del bamboo viene raccolto entro pochi chilometri dal posto. La forma speciale del tetto delle case del Soer Ker Tie permette un'efficace ventilazione naturale e allo stesso tempo serve a raccogliere l’acqua piovana. Questo rende la zona intorno al complesso più utilizzabile durante la stagione delle piogge, poiché dà ai bambini
un area migliore per il gioco e la vita sociale.

La costruzione, in legno massiccio, è stata prefabbricata e assemblata sul posto, usando bulloni per assicurare una ragionevole precisione e solidità. Sollevando le costruzioni da terra, su quattro fondamenta impiantate su vecchi pneumatici, i problemi di umidità e di decomposizione sono stati prevenuti.

Dopo sei mesi di apprendimento reciproco con gli abitanti di Noh Bo, speriamo di aver lasciato qualcosa di utile e di aver apportato un’ importante esperienza ai nostri progetti futuri.
Principi importanti come rinforzi, economizzazione dei materiali e prevenzione all’umidità potrebbero portare ad una tradizione ancora più sostenibile per le costruzioni Karen nel futuro."

-Testo originale di TYIN Tegnestue
-Fotografie di Pasi Aalto_TYIN Tegnestue

Architetti: TYIN Tegnestue
Localizzazione: Noh Bo, Tak, Tailandia
Project team: Pasi Aalto, Andreas Grøntvedt Gjertsen, Yashar Hanstad, Magnus Henriksen, Line Ramstad, Erlend Bauck Sole
Cliente: Ole Jørgen Edna
Progetto: 6 dormitori
Budget: 68.000 NOK (Approx. 7.000 €)
Anno: Novembre 2008 – Febbraio 2009
Fotografie: Pasi Aalto

L'Architettura si ricopre di verde

noreply@blogger.com (Susy Di Monaco @ architettura take away) — Wed, 11 May 2011 10:00:00 +0000

F.L.Wright diceva: «Un medico può seppellire i propri errori, ma un architetto può solo consigliare al cliente di piantare rampicanti.»

Beh, spero proprio che al giorno d'oggi, questa tendenza di ricoprire l'architettura di verde non sia celare un'architettura ormai scarna e priva di nuove idee, spero invece che sia una maniera per voler integrare il verde nell'architettura, foderando le pareti interne di architetture di muschio, piante e quant'altro.
C'è chi li chiama, giardini verticali, chi green wall, ma il succo è lo stesso: ricoprire una parete con piante o crearne una nuova.
Ultimamente questa tendenza sta trovando la sua applicazione in hotel, negozi, musei, ed in tutte le strutture ricettive che vogliono dare un tocco "green" alla loro estetica.

Anticamente molte case ed edifici si ricoprivano d'edera per scelta o semplicemente perchè lasciati alla natura, ed era un effetto visibilmente piacevole, la natura entrava a contatto con l'architettura; monumenti, chiese, palazzi storici si ricoprivano a volte di tralci d'edera, certo non comodo dal punto di vista strutturale, visto che l'elemento vegetativo spesso intralciava i lavori di ristrutturazione, ma pur sempre rimaneva un elemento evocativo.
Oggi chissà, forse volendo imitare il passato, o per una scelta da parte dell'architetto di non voler dimenticare la natura, si sta scegliendo sempre più di introdurre il verde nell'architettura, dagli edifici eco-sostenibili a quelli bio-architettonici, ed ora introducendo il "verde verticale".

Vediamo un po' di esempi :
Ann Demeulemeester Shop a Seoul in Corea del Sud, dei Mass Studies Architetects, è un esempio di come un'architettura può essere foderata di verde, come un velluto.

Il muschio che riveste le pareti crea un netto contrasto con le parti lasciate volutamente in bianco. Il verde è come se si modellasse sui muri.

Un altro store che ha utilizzato pareti verdi, è Anthropologie in Regent Street a Londra dei designer Biotecture, che con i suoi living wall, ha stupito i designer alla ricerca di tocchi verdi.
I suoi muri "viventi" sono dotati di 11.000 piante da interno in 15 varietà differenti, compresa quella "ragno" che, oltre a creare un fantastico effetto, migliorano la qualità dell'aria. Per irrigare queste piante si utilizza l'acqua piovana proveniente dal tetto.

E termino con un concept: il Symbiotic Green Wall, dei designer K. Jung e H. Kelly Choi.
Si tratta di un muro eccologico, che ha la funzione di monitorare l'impatto ambientale di un cantiere edile.

Il muro, oltre ad avere la normale funzione di separare il cantiere dalla strada, ha una funzione di purificazione.
È formato da un doppio strato con un'intercapedine dove viene raccolta l'acqua piovana che viene purificata e fornita al cantiere.
Un'altra parte di acqua viene invece destinata al verde installato sulla parete esterna.
Infatti i designer hanno pensato di creare un piccolo ecosistema sulla parete esterna, delle aree dedicate al verde, ed altre dedicate agli uccelli, dove questi possono nidificare.
In questa maniera si può controllare se il Symbiotic Green Wall stia svolgendo la propria funzione ecologica contro l'inquinamento del cantiere, perchè solo se non c'è inquinamento gli uccelli potrebbero vivere sul muro.

La parete esterna del Symbiotic Green Wall, è dotata anche di luci, e sedili per i passanti. Il concept diventa così una sorta di muro interattivo, che potrebbe sostituire i normali e polverosi recinti di cantiere, evitando che le persone si allontanino dall'opera in corso.

Un Uovo di Pasqua per il Giappone...

noreply@blogger.com (Susy Di Monaco @ architettura take away) — Sun, 24 Apr 2011 00:16:00 +0000

Eastern Eggs è una campagna di sensibilizzazione nei confronti del Giappone, a seguito della catastrofe dello Tsunami, organizzata da TBWA London.
Eastern Eggs sono uova di design in legno e decorate da vari artisti. Le uova possono essere comprate sul sito Eastern Eggs ed il ricavato andrà alla Croce Rossa Britannica per il Japan Tsunami Appeal

"Le uova di Pasqua sono un simbolo di rinascita e principio di una nuova vita.
Nel corso sei prossimi mesi ed anni il Giappone dovrà ricostruire.
Non solo un paese, ma case, famiglie e vite."
Eastern Eggs

Tempo e Design: orologi insoliti

noreply@blogger.com (Susy Di Monaco @ architettura take away) — Wed, 30 Mar 2011 13:56:00 +0000

Voglio parlarvi di Tempo e Design, perchè è un argomento che mi ha sempre interessato.
Sin dalle epoche remote il Tempo ha affascinato gli uomini: dall'antica misurazione con clessidre e meridiane fino agli orologi odierni, l'uomo ha sempre cercato di misurare il tempo con quanta più precisione possibile.
Secondo Platone il Tempo era l'immagine mobile dell'eternità.

Mi chiedevo quindi se esistono orologi particolari al giorno d'oggi, e ne ho scovati vari davvero insoliti.

Ve ne presento alcuni, come il Manifold Clock, ideato da Cameron e Klinger dello Studio VE. Il Manifold è un orologio con le lancette applicate ad una striscia di Tyvek. Le lancette, girando per segnare l'ora, fanno in modo che la striscia crei delle spirali-ventaglio.
Un orologio molto creativo che potrebbe tranquillamente sostituire un quadro su di una parete, per l'effetto di giochi di colore che crea.

Una versione simile è il Fan Clock, del giovane designer Stanislav Katz, che si è ispirato ad un modello di disegno cinese. Le lancette, muovendosi, aprono un ventaglio di colore come a sottolineare il tempo che passa.

Altro orologio insolito è il Meaning of Time, del designer Bomi Kim. È un orologio formato da un cilindretto centrale che ha due fori, uno per l'ora ed uno per i minuti, nei quali si possono inserire vari oggetti, che sostituiranno le lancette.
Si possono inserire rametti, matite, e tutto ciò che la fantasia ci suggerisce, una maniera semplice e simpatica per personalizzare il nostro orologio.

Sembra una sorta di meridiana il Bulbdial-Clock, di Ironic Sans. Costituito da un paletto centrale e tre fonti di luce che girano su tre anelli, sfrutta le ombre per segnare l'ora. Il primo anello, quello interno, compie un giro al minuto, quello centrale ad ogni ora, e quello esterno ruota ogni 12 ore.
In questa maniera vengono gettate le ombre dalle fonti di luce sul paletto centrale, e si determinerà l'ora esatta.
Una versione moderna dell'antica meridiana, che ha sempre affascinato gli appassionati di orologi, l'unico inconveniente è che non funziona alla luce del sole, strana ironia.

Ed infine vi saluto con un orologio umano, che più che un orologio è un concept, l'Human Clock di Romain Laurent, l'orologio fatto con le persone...

Anche il Design festeggia l'Italia

noreply@blogger.com (Susy Di Monaco @ architettura take away) — Thu, 17 Mar 2011 14:10:00 +0000

Anche il Design ha pensato di festeggiare l'Italia oggi, Auguri Italia!

Il designer Alessandro Dubini ha creato per i 150 anni dell'Italia, l'appendiabiti Aster, con il quale è stato premiato dal Good Design Awards 2010.
Aster, prodotto dalla marca Zanotta, è stato realizzato in nastro di acciaio verniciato.

Per questa festività, Edra ha prodotto la poltrona Vermelha dei fratelli designer Campana.
Edra ha una la lavorazione artigianale abbastanza complicata in quanto la seduta è stata realizzata con vari intrecci. Ci son voluti ben cinquecento metri di una corda particolare per "tessere" questa seduta, una corda internamente fatta di acrilico ed esternamente rivestita di cotone.

Per L'Unità D'Italia, invece, Piero Fornasetti ha pensato al tris di vasi Fratelli d'Italia, decorati con tre facce che richiamano il volto-icona del suo Design.

E concludo con l'opera "Stracci d'Italia" dell'artista Michelangelo Pistoletto che sarà presentata alla Torre Cilindrica del castello Normanno svevo a Salemi, città dove fu issata nel 1860, da Garibaldi, la prima bandiera del tricolore.

Acqua ed Eco-Design

noreply@blogger.com (Susy Di Monaco @ architettura take away) — Sun, 13 Feb 2011 22:39:00 +0000

In questi giorni umidi e con pioggia riflettevo sull'acqua e la sua utilità, così ho pensato di cercare un po' di idee interessanti e al riguardo ho trovato vari progetti ed idee eco-sostenibili.L'acqua, si sa, è un elemento vitale insostituibile, molti ricercatori stanno lavorando a vari progetti per conservare, purificare o riciclare l'acqua.

Partiamo da idee su piccola scala, come il purificatore di acqua C-Water del designer Chao Gao che utilizza una tecnica di filtrazione dell'acqua mediante evaporazione e condensazione, utilizzando i raggi solari.
C-Water è un oggetto sottile fornito di serbatoio, si può far galleggiare sull'acqua del mare, dove ad un'estremità entra l'acqua la quale, evaporando con il calore del sole, crea gocce di condensa che vengono raccolte dalla sezione a fisarmonica, che a sua volta fa scendere l'acqua nella sezione apposita. Può essere anche compattato ad altri C-Water per ottenere un serbatoio più grande.

Un'idea semplice che ha vinto il secondo premio all'IIDA, l'Incheon International Design Awards 2010, organizzato ad Incheon nella Corea del Sud, praticamente potrebbe diventare un kit di sopravvivenza per viaggiatori.

Ma parliamo di dispositivi di purificazione dell'acqua su vasta scala.
Bisogna dire che un aspetto molto importante da considerare quando si parla di acqua, è quello dei paesi sottosviluppati, dove vi è un'attenta ricerca da parte di studiosi e designer volta a trovare una maniera per fornire acqua.

Savior Bud dei designer Kim Hyo e Seol Ah Sun, è un sistema di raccolta dell'acqua e purificazione della stessa dalle foglie degli alberi.

Presentato al Seoul Design Fair 2010 è stato pensato specialmente per l'Africa, dove l'acqua che vi si trova non è utilizzabile.

Savior Bud si attacca alle estremità dei rami degli alberi e ne chiude le foglie come una pinza, diventando una sorta di mini serra. Le foglie devono essere di tipo largo, l'umidità rilasciata da queste in 4 ore riempirà una tazza d'acqua, basta girare come un rubinetto la parte inferiore del dispositivo per far scendere l'acqua.

Un altro sistema è Rain Drops del designer Evan Gant, che raccoglie e purifica l'acqua piovana.
Nei paesi sottosviluppati è di estrema importanza avere acqua pulita a disposizione, perchè lavarsi le mani in quei paesi può ridurre il tasso di mortalità, che deriva molto spesso da malattie trasmesse per acqua infetta.
Rain Drops, raccoglie l'acqua piovana dalla grondaia del tetto con semplici bottiglie in plastica (PET), un sistema semplice ma ingegnoso. Le bottiglie vengono attaccate a dei beccucci in plastica che sono collegati alle grondaie, così l'acqua scende direttamente nelle bottiglie.
E da qui inizia la purificazione, perchè l'acqua trovandosi nelle bottiglie di plastica è sottoposta al processo SODIS (solar water disinfection), cioè viene disinfettata dai microorganismi patogeni grazie al calore e ai raggi UV del sole.

Il metodo SODIS, rispetto ad altri metodi di purificazione dell'acqua, è quello che presenta numerosi vantaggi, sia dal punto di vista economico dato il bassissimo costo, quasi nullo, sia dal punto di vista della manutenzione non necessaria, è estremamente facile da utilizzare, non dipende da macchinari, ed è utile in zone isolate.

Rain Drops è stata l'idea vincitrice del concorso Design for Poverty

Poi abbiamo IARA, un sistema di approviggionamento di acqua potabile, ideato dallo studio Baita Design, che raccoglie e purifica l'acqua piovana rendendola potabile, utilizzando il sistema di evaporazione.

Praticamente raccoglie l'acqua sporca in cinque bottiglie esterne, e per evaporazione e condensazione depura l'acqua che viene immessa poi nella bottiglia centrale.

Adottando foglie larghe come quelle di banano, si può avere maggior raccolta di acqua piovana.

Iara può essere anche trasportabile come un trolley, comodo per spostarsi a grandi distanze.

E concludo con una simpatica performance sul riciclaggio delle bottiglie in PET che Stuart Haygarth ha realizzato per Design Miami 2007.
Si tratta di "Drop", un lampadario realizzato con basi di bottiglie di plastica di acqua raccolte nell'aereoporto di Stansted a Londra; in tutto circa 1800 bottiglie.
L'artista ha voluto sottolineare l'aspetto del riciclaggio, creando un'opera fatta di centinaia di bottiglie vuote di plastica che lasciamo ovunque, e fa notare che le bottiglie di plastica sono ormai "littering" (elementi di imbrattamento) dei nostri paesaggi.
Per realizzare il Drop Chandelier, Haygarth ha tagliato le basi di moltissime bottiglie, per poi metterle in un contenitore per cemento contenente sabbia ed acqua e tramite un processo ha ottenuto una plastica sabbiata, con effetto di vetro smerigliato.

La realizzazione è stata una performance esibita in diverse mostre, con la partecipazione del pubblico che ha contribuito a lasciare la propria bottiglia di plastica vuota

Restauro: Considerare la bellezza del manufatto con la sua patina storica o rifarlo affinchè sembri nuovo?

noreply@blogger.com (Susy Di Monaco @ architettura take away) — Wed, 19 Jan 2011 23:33:00 +0000

Tempo fa mi sono trovata in una discussione su Facebook riguardante il restauro delle Terme del Corallo a Livorno.
A distanza di tempo vorrei prendere spunto da quella discussione per parlare di Restauro, una disciplina delicata che riguarda gli architetti ed i conservatori del patrimonio storico; credo che affronterò quest'argomento in una serie di post.
In questi post parlerò delle mie sensazioni sul Restauro di acuni monumenti e siti archeologici che ho potuto vedere da vicino durante alcuni viaggi che ho compiuto.
Non vorrei ora stare a spiegare tutta la teoria del Restauro, ma credo sia giusto dare alcuni cenni storici.

Oggi giorno le parole Restauro, Ristrutturazione e Conservazione sono entrate a far parte del quotidiano, ma quanto si sa realmente su questi concetti?
E, davvero tutti gli specialisti del campo possono vantare la loro professionalità quando hanno a che fare con il Restauro?

Parlare oggi di Restauro significa prendere atto delle distinte teorie che si sono susseguite o accavallate nel corso dei secoli, vi sono state molte tesi antagoniste, molti storici hanno dato vita a trattati contrapposti, questo ha fatto sì che attualmente il Restauro è una disciplina che si appoggia ad interventi nettamente in conflitto tra loro.

Anticamente il Restauro veniva visto solo come una sorta di manutenzione dell'edificio.
È alla fine del '700-inizi '800 che si è cominciato a vedere il Restauro anche dal punto di vista di conservazione del manufatto. In questo periodo vi sono stati vari esponenti importanti di questa dsciplina, ognuno di loro ha apportato dei concetti e delle teorie innovative nel campo, ma non c'è mai stata una visione oggettiva e generale di tale materia.
Due erano le tendenze sul Restauro: una che tendeva ad un "Restauro stilistico", un ripristino del bene architettonico rifacendo e sostituendo le parti mancanti, tra gli esponenti maggiori di questo tipo d'intervento va citato Viollet-Le-Duc; un' altra forma di Restauro preferiva un intervento che si distingueva, cioè le parti mancanti dovevano poter essere notate.
A queste due teorie si contrapposero le idee degli storici Ruskin e Morris che erano contro i restauri, in quanto danneggiavano l'edificio, ed esteticamente non si notava più la patina del tempo e non restavano parti autentiche.

L'800 ha segnato delle linee guida per il Restauro; fino ad oggi si sono susseguite altre figure principali che si sono schierate a favore di un tipo o dell'altro di conservazione, apportando alcune innovazioni come ha fatto lo storico Giovannoni che ha suddiviso il Restauro in varie categorie, classificandolo in base alle necessità. Secondo la sua teoria abbiamo ad esempio un Restauro di consolidamento, che mira alla staticità strutturale dell'edificio, o un Restauro che rimuove tutte le superfetazioni, le parti non originali aggiunte nei vari secoli all'edificio che ne cambiano l'aspetto, ed ancora, un Restauro di completamento che serve a sostituire le parti andate perdute con parti riconoscibili.
Insomma, i nostri beni architettonici hanno subito da parte di questa disciplina molteplici interventi e quasi sempre in contraddizione tra loro. Al giorno d'oggi è praticamente difficile incontrare un'opera architettonica ben restaurata, purtroppo di mezzo vi sono anche conflitti politici ed economici, che creano ancora più problemi attorno a questa disciplina.

Ma ora iniziamo a parlare del Complesso Liberty delle Terme del Corallo a Livorno, che ho citato all'inizio; un esempio come tanti di un manufatto storico fatiscente del nostro Paese, abbandonato a se stesso.

Una meraviglia di opera architettonica dell'800 lasciata a marcire e dimenticata, un pezzo del puzzle del nostro patrimonio.
Nella discussione sul manufatto notai che molti parlavano di restaurarlo, volendo farlo tornare alle sembianze originarie.
E qui inizia la parte complicata: bisogna andare con i piedi di piombo con questo tipo di Restauro, oggi molti beni del patrimonio restaurati sembrano nuovi e finti.
Prima di arrivare a conclusioni che sembrano le più ovvie o le più affascinanti, bisogna tener conto di altri parametri che possono influenzare il Restauro intero.
Bisogna cercare di capire la fatiscenza del bene architettonico da cosa deriva, se è solo una patina storica che si è creata con il passare degli anni e gli interventi che il manufatto ha subito, o se vi è stata una degenerazione dovuta a cause ambientali, o ancora se vicende come guerre etc. ne hanno alterato l'aspetto.

Bisogna vedere la parte strutturale in che condizioni versa, verificare se la vegetazione può aver intaccato il manufatto con le radici, insomma prendere atto ed essere consapevoli del tipo di intervento che si adotterà. Bisogna porre maggiore attenzione anche ai tipi di intonaci o pitture che si utilizeranno, avere attenzione anche nel voler per forza rifare gli affreschi. Un manufatto architettonico con la sua patina storica è molto suggestivo così per come appare; bisognerebbe cercare di intraprendere un intervento quanto meno invasivo possibile, per continuare a leggere e ad apprezzare l'epoca storica nel quale esso ha vissuto.

Per chi abbia trovato interessanti queste riflessioni preliminari, continuerò il discorso in altri, prossimi post.

L'Inverno nel Design

noreply@blogger.com (Susy Di Monaco @ architettura take away) — Wed, 05 Jan 2011 10:36:00 +0000

Le vacanze natalizie sono finite, ma siamo ancora all'inizio dell'inverno, ed ho trovato oggetti originali che interpretano il freddo ed il gelo...

Icedrop Candle, è un portacandele realizzato a mano in vetro trasparente, di Mehtap Obuz.
Si può appoggiare sul bordo di uno scaffale o di un tavolo e l'effetto è straordinario, dà la sensazione di ghiaccio che si scioglie.

Il Portafrutta Fruit Bowl del designer Gijs Bakker, realizzato in acciaio, è ispirato ad una goccia d'acqua che cade...

Outofstock ha ideato "Winter Arrives", una serie di sgabelli dove il cuscino delle sedute simula uno strato di neve che vi si è accumulato.

Tra le sedute abbiamo anche quella a forma di slittino...

Outofstock è un gruppo di designer di diversi paesi che collaborano con sede principale a Stoccolma, i loro progetti sono originali ed ispirati ai giovani.

Infine abbiamo l'installazione "Winter Project 1972" realizzata dallo studente di comunicazione visiva Adrian Merz, che si è inventato con migliaia di post-it bianchi di ricoprire tutto l'arredamento del living. Così ha dato la sensazione di un ambiente invernale, ha anche realizzato un kit fai da te, per imitare questa soluzione originale.

E concludo augurandovi di passare queste fredde giornate invernali creando e realizzando le vostre ispirazioni...

Auguri!!!

noreply@blogger.com (Susy Di Monaco @ architettura take away) — Fri, 24 Dec 2010 21:08:00 +0000

Auguri a tutti voi!!!

Architettura Take Away

Aspettando il Natale con il Design

noreply@blogger.com (Susy Di Monaco @ architettura take away) — Sat, 18 Dec 2010 09:22:00 +0000

Bene, ormai manca poco al Natale, e parliamo di design natalizio...

Ricercando un po', ho trovato vari oggetti originali, come le lampade da terra Slide-Lightree, della designer Loetizia Censi. In polietilene stampato, hanno la forma dell'abete di natale, simpatiche da collocare in terrazza o in casa per illuminare le nostre serate festive.

Simpatico è anche Il Panettone in versione Pantone, ideato dallo Studio londinese Purpose. Realizzato in 5 colori della paletta Pantone, è un'idea carina per il classico panettone sotto l'albero, ed una scusa per i patiti del design per portarlo in tavola durante le feste.

Le lampade Astro di Metal Lux, in metallo cromato con vetri trasparenti, sembrano ricordare le arricciature dei fiocchi dei regali.

Lo studio cileno gt2P ha creato per il natale 2010 Twin Shelves, scaffali bianchi modulari con forme morbide, ottenute con un design parametrico, utilizzando la geometria Voronoi. Da punti digitali si sono convertite le forme in oggetti reali.
Realizzati in MDF laccato, questi scaffali possono essere anche uniti ed essere utilizzati come librerie, o come ripiani per riporre oggetti, libri e quant'altro.

Ed infine le Christmas Pudding Bin Bags, dei designer Wieden e Kennedy, un'idea insolita per il dopo cena delle feste, quando ci si ritrova con molte buste riempite di spazzatura fuori la porta di casa. Allora perchè non rendere la cosa simpatica, utilizzando queste buste con disegnato su un pudding natalizio...

Le Foglie di Design non sono decidue

noreply@blogger.com (Susy Di Monaco @ architettura take away) — Sat, 04 Dec 2010 10:38:00 +0000

È ancora Autunno, e le foglie cadono. Guardando gli alberi, in questi giorni mi sono chiesta se nel campo del Design le foglie continuano ad ispirare gli artisti ed i designer, così ricercando ho trovato qualcosa di interessante...

L'artista Fabrizio Corneli ha pensato a questa poltroncina "Foglia" realizzata in lamiera e tondini di ferro verniciati in verde, con cuscini in dacron e cotone verde. La forma richiama una foglia piegata, la poltroncina è stata oggetto di molte esposizioni da parte dell'artista.

Questi piatti a forma di foglia sono della Designer Nao Tamura, che si è ispirata alla natura nella sua tradizione giapponese. Questi piatti-foglia somigliano alle foglie del ciliegio, sono in silicone vellutato ed, essendo anche flessibili, possono essere arrotolati attorno al cibo o piegati; sono adatti a lavastoviglie e microonde, ed ottimi anche per pic-nic all'aperto.
La designer, che lavora a New York, con questo piatto "Seasons" ha vinto il premio al Salone Satellite 2010 nel campo del food design. Ogni piatto ha una forma e dimensione diversa, così da creare una suggestiva composizione naturale a tavola.

"Dew Drop" è un innaffiatoio originale, formato da una foglia che irriga le piante con il principio della condensazione, estraendo con un dispositivo l'acqua dall'aria. Si mette la foglia artificiale nel vaso e si collega alla spina, in questo modo si crea condensa sulla foglia che ricade nel vaso mantenendo sempre le nostre piante irrigate.
Un'idea simpatica del designer Jacky Wu soprattutto per quando si va in vacanza e non si possono innaffiare le piante, però se in casa vi è un condizionatore il sistema non funzionerà, in quanto l'aria condizionata rimuove dall'aria il vapore acqueo.

Tent Husky, del giovane designer ceco Ondřej Václavík, è una tenda da campeggio che richiama la forma di un ramo con le venature di una foglia, creando sia una struttura flessibile che si adatta bene all'esterno, piegandosi al vento, sia una forma stabile che si inserisce tranquillamente nella natura.

Il giovane designer ha studiato design all'Accademia di Praga, ed il progetto della tenda Husky è stato presentato al Designblok di Praga.

Al posto dei classici Post-it, il designer coreano Jong-hwan Kim ha inventato delle foglie adesive Leaf-it dove prendere appunti o da utilizzare come segnalibri. Queste piccole foglie adesive sono state utilizzate anche per alcune installazioni artistiche.

Installazione Martino Design a Bologna

Un mondo di Codici a Barre | || |||| |

noreply@blogger.com (Susy Di Monaco @ architettura take away) — Sat, 20 Nov 2010 10:30:00 +0000

Siamo in un mondo di Codici a Barre, i Bar Code, l'idea nacque da Norman Joseph Woodland nel 1948, per soddisfare l'esigenza del suo datore di lavoro che voleva automatizzare le operazioni di cassa. I primi esperimenti utilizzarono un codice Morse, disposto in senso verticale, che fu poi sostituito dai codici a barre ovali. Nel tempo ci si accorse che le barre ovali creavano sbavature in stampa, così Woodland nel 1973 presso l'IBM sviluppó dei codici a barre lineari, gli"UPC" (Universal Product Code).
I codici attulamente più utilizzati sono l' EAN (European Article Number) ed il Farmacode o codice 32.

Dopo anni di codici a barre semplici, oggi alcuni studi di grafica come lo studio Design Barcode Team, di Tokyo, ha inventato Bar Code Revolution, nuovi modelli di codici a barre. Questi designer usciti dalla solita routine dei rettangoli con barre, hanno creato dei nuovi codici a barre, più fantasiosi, mantenendo sempre le bande nere strette e larghe codificate da numeri, ma riuscendo a modellarle per creare vari disegni.
Premiati con il Good Design Award nel campo del Design della Comunicazione, il Design Barcode Team, ha modificato il concetto del semplice codice a barre; esso non rimane così più solo un semplice codice che il laser deve leggere, ma diventa un simbolo per il prodotto o per il packaging, una maniera divertente per poter aggiungere pubblicità al prodotto.

Seguendo il loro esempio mi son divertita a creare un codice a barre per il logo del blog.

Attualmente molti designer si stanno sbizzarrendo con i codici a barre creando oggetti o prodotti commestibili. È il caso di "Chocode", un cioccolatino ideato dal Food Designer Paolo Barichella con la collaborazione del pasticcere Pierpalo Magni. Si tratta di una tavoletta di cioccolato la cui confezione di carta ha come disegno il codice a barre, che praticamente diventa un motivo estetico e funzionale per il packaging del cioccolatino.

Un altro originale oggetto è questo porta CD del designer Marián Laššák, costituito da bande di un codice a barre, dove si possono inserire i CD ad altezze differenti.

Barcode Chandelier di Mobilet design Studio, è un lampadario che si ispira al codice a barre. Tagliato al laser, è in acrilico trasparente e nero.

I radiatori Zavar richiamano anche loro il motivo dei codici a barre. Realizzati in acciaio, hanno varie bande piatte con diversi spessori. Sicuramente un radiatore originale che si appresta ad essere inserito in ambienti moderni e creativi.

Beep Mug, del design irlandese Colin O'Dowd, è una tazza dove il codice a barre diventa motivo di disegno estetico della tazza stessa quindi, oltre ad essere funzionalmente comodo, è anche una maniera diversa di concepire il codice a barre.

Ritroviamo il codice a barre anche sui cristalli per i box doccia. Del designer Antonio Lupi è Ornè Barcode, un disegno eseguito con decoro Duroglass su cristalli trasparenti.

Insomma un invasione di codici a barre che, oltre a svolgere la loro funzione, stanno diventando sempre più un motivo estetico per molti prodotti, a volte diventando il packaging stesso dell'oggetto.

Ed infine, perchè no, anche nella natura possiamo ritrovare i codici a barre. I designer dello studio Art Lebedev si sono divertiti a riprodurli in questi poster, buona visione!

Biomimetica in Architettura e Design

noreply@blogger.com (Susy Di Monaco @ architettura take away) — Fri, 05 Nov 2010 10:40:00 +0000

Cos'è un'architettura o un design Biomimetico?
È uno studio che ispirandosi alla natura, sperimenta digitalmente, estrapolando da essa parametri biologici e biomeccanici, nuove forme, che verranno poi riprodotte nella realtà con modelli costruibili, tutto ciò per migliorare le tecnologie umane attuali.
La Biomimetica si riferisce alla natura come Modello Misura e Guida, e ne studia e svela i misteri finora nascosti a noi per mancanza di strumenti adeguati.

Sperimentare la biomeccanica e la biologia della natura significa ottenere nuovi modelli di materiali, adatti a scopi unici, questi modelli vengono generati da software che controllano la forma che si sta ottenendo.
Le prime ricerche biomimetiche sono state effettuate negli anni '90, dal Centre for Biomimetics dell'Università di Reading in Inghilterra ed il Centre for Biomimetics and Natural Technologies (CBNT) dell'Università di Bath; da lì si mossero i primi passi verso una ricerca ed una sperimentazione che ha ricavato dalla natura ispirazioni adatte a formulare nuove strutture. Staccandosi dalla pura e semplice imitazione della natura, la Biomimetica è andata oltre, studiandone la genetica ed i suoi codici, cercando di simularne gli aspetti meccanici e biologici.
La natura nell'arco dei millenni ha saputo selezionare ciò che era più durevole ed efficiente, ha selezionato forme, tessuti, sostanze e materie che sempre più si comportano davanti ai nostri occhi come misteri da esplorare.
Applicare e studiare oggi la Biomimetica in architettura significa vederla evolvere, potrebbe essere una nuova svolta per l'architettura, l'esplorazione di forme finora sconosciute.

Ecco alcuni esempi di design e di architetture Biomimetiche.

Matsys nato nel 2004, è uno studio di design dove sperimentano nuovi tipi di materiali e texture nell'ambito della Biomimetica, come ad esempio alcune strutture realizzate con aggregazioni di cellule-moduli a forma di esagono, a nido d'ape, che vengono classificate come geometrie Voronoi.

Questa ricerca, svolta presso l'Architectural Association (AA) di Londra, sviluppa il sistema a nido d'ape che si adatta a varie esigenze spaziali.
Realizzate in gesso e tessuti elastici, queste strutture si prestano ad essere modellate a piacimento. Con l'aiuto di un software si inseriscono i dati fisici necessari a sviluppare la struttura, il software crea una nube di punti che poi vengono tradotti nelle cellule tridimensionali

C-Wall è un'altra struttura di aggregazione a nido d'ape studiata da Matsys nel 2006, sperimentando come nell'altra struttura le geometrie Voronoi, che qui sono utilizzate per tradurre e materializzare dati provenienti da simulazioni di particelle e dai dati dei punti base. Questi verranno trasformati in cellule tridimensionali, poi dispiegate in fogli bidimensionali e tagliate con tecnologia CNC, per poi essere riassemblata in dimensioni maggiori.

Studio di diagramma per C-Wall

Un altra ricerca da Matsys è stata effettuata con P-Wall, realizzato con gesso e materiali elastici, per studiarne l'effetto acustico e quello visivo. Qui i punti base generati dal software hanno delimitato la posizione dei tasselli che delimitano l'elasticità delle cassaforme, in queste è stato colato il gesso, che si espande sotto il peso del liquido stesso, e così vengono create una serie di pannelli, dove il liquido colato si espande e prende la propria forma.
Nella realizzazione finale si notano le ombre prodotte dal muro che sono la scala dei grigi che il software aveva realizzato.

Lo studio HOK collabora con Biomimicry Guild, un'organizzazione fondata da biologi che aiuta architetti ed ingegneri a risolvere le problematiche che incontrano nelle strutture, avvicinandoli alla Biomimetica; in questo momento è l'unico gruppo che si dedica a ciò.
Hanno studiato insieme un progetto per la futura città di Atlanta, studiando una sorta di pelle per questi edifici, cellule che si comportano come foglie, assorbendo CO2, acqua ed energia solare, per produrre ossigeno e raccogliere l'acqua per la rete idrica cittadina.

Insomma l'architettura in un futuro potrebbe sempre più assecondare la natura e mimetizzarsi con essa, imitandone parametri fisici e biologici.
Anche se siamo solo all'inizio di un nuovo modo di fare architettura, possiamo ritenerci soddisfatti di saper di poter raggiungere traguardi unici finora inesplorati.

Tempo di zucche...zucche originali

noreply@blogger.com (Susy Di Monaco @ architettura take away) — Thu, 28 Oct 2010 20:18:00 +0000

...è tempo di zucche, e ne ho trovate alcune originali,

Questo è un mio omaggio alla zucca, con etichetta Pantone 021C

Queste zucche invece sono dell'artista Alessandro Amato che ne ha fatto delle lampade originali. Intagliando il guscio delle zucche è riuscito ad ottenere degli effetti particolari inserendo poi una luce al suo interno.
L'artista utilizza zucche della famiglia delle Cucurbitacee, che hanno la caratteristica di essere molto dure dopo essere state essiccate per 2-3 mesi, in questo modo diventando legnose si prestano anche meglio alla lavorazione.

Il designer Laurel Young si è sbizzarrito nel riproporre le zucche sulle sue tazze, di due colori, nero ed arancio, riportando sia all'interno che all'esterno disegni.

Queste foto ritraggono l'artista coltivatore Robin Upton, che vive nel sud Inghilterra, ha ereditato dal padre la passione di coltivare le 50 diverse specie di zucche, che hanno sul loro terreno, ed ha anche un'altra una passione, comporre disegni con le zucche come se fossero degli enormi mosaici, ogni anno partecipa al festival delle zucche che si celebra nel Sussex.

Photo -Reuters-

Ed infine abbiamo anche una zucca-borsa di Dona e
cappellini a forma di zucca di Leigh-Anne.
Photo -Visions-

E con questo post vi auguro un divertente Halloween ed un felice Ognissanti.