Bajo el Signo de Libra

Eterno George Moustaki

noreply@blogger.com (Javier Arnott Álvarez) — Fri, 24 May 2013 19:04:00 +0000

En 1968 compone el que será su primer gran éxito "Le Métèque" símbolo de mayo del 68. Era un retrato de él mismo en el que denunciaba el rechazo a la diferencia. En 1970 ya era una estrella consagrada.

Instrumentista, cantante, compositor, poeta, los temas de George Moustaki han sido cantados por los más grandes: Piaf, Reggiani, Barbara, Dalida, Montand... Temas, que no solamente marcaron una época sino, que se han convertido en auténticos himnos de vida, y todo un referente para muchos de nosotros que crecimos con sus canciones y su voz cálida, suave, acompañado la mayoría de las veces sólo con su guitarra.
Hoy el mundo es un lugar un poco más inhóspito con la marcha de una de las últimas grandes leyendas del arte, la cultura y la poesía, pero él ya es como sus canciones, eterno.

"Era dueño de una dulzura infinita y enorme talento, era como todos los poetas, alguien diferente, porque al final siempre será la diferencia la que lleva al talento."

Juliette Gréco

"Le Métèque"

Avec ma gueule de métèque
De Juif errant, de pâtre grec
Et mes cheveux aux quatre vents
Avec mes yeux tout délavés
Qui me donnent l'air de rêver
Moi qui ne rêve plus souvent
Avec mes mains de maraudeur
De musicien et de rôdeur
Qui ont pillé tant de jardins
Avec ma bouche qui a bu
Qui a embrassé et mordu
Sans jamais assouvir sa faim

Avec ma gueule de métèque
De Juif errant, de pâtre grec
De voleur et de vagabond
Avec ma peau qui s'est frottée
Au soleil de tous les étés
Et tout ce qui portait jupon
Avec mon cur qui a su faire
Souffrir autant qu'il a souffert
Sans pour cela faire d'histoires
Avec mon âme qui n'a plus
La moindre chance de salut
Pour éviter le purgatoire

Avec ma gueule de métèque
De Juif errant, de pâtre grec
Et mes cheveux aux quatre vents
Je viendrai, ma douce captive
Mon âme sur, ma source vive
Je viendrai boire tes vingt ans
Et je serai prince de sang
Rêveur ou bien adolescent
Comme il te plaira de choisir
Et nous ferons de chaque jour
Toute une éternité d'amour
Que nous vivrons à en mourir

Et nous ferons de chaque jour
Toute une éternité d'amour
Que nous vivrons à en mourir

"Cuando llegué a Europa venía con pasaporte griego y la nacionalidad griega no tenía ningún prestigio. ¡Los griegos eran emigrantes profesionales! Tenía problemas en todas las fronteras; aunque llevara los documentos en regla, me preguntaban qué iba a hacer allí. Lo que me gusta de la Unión Europea es poder viajar por los 27 países sin papeles. El resto no tanto, no me gusta que todo se parezca"

George Moustaki

"Milord"
Letra: Georges Moustaki. Musica: Marguerite Monnot 1959

"Ma solitude"

"Ma liberté"

Ma liberté
Longtemps je t'ai gardée
Comme une perle rare
Ma liberté
C'est toi qui m'a aidé
A larguer les amarres
Pour aller n'importe où
Pour aller jusqu'au bout
Des chemins de fortune
Pour cueillir en rêvant
Une rose des vents
Sur un rayon de lune

Ma liberté
Devant tes volontés
Mon âme était soumise
Ma liberté
Je t'avais tout donné
Ma dernière chemise
Et combien j'ai souffert
Pour pouvoir satisfaire
Toutes tes exigences
J'ai changé de pays
J'ai perdu mes amis
Pour gagner ta confiance

Ma liberté
Tu as su désarmer
Toutes Mes habitudes
Ma liberté
Toi qui m'a fait aimer
Même la solitude
Toi qui m'as fait sourire
Quand je voyais finir
Une belle aventure
Toi qui m'as protégé
Quand j'allais me cacher
Pour soigner mes blessures

Ma liberté
Pourtant je t'ai quittée
Une nuit de décembre
J'ai déserté
Les chemins écartés
Que nous suivions ensemble
Lorsque sans me méfier
Les pieds et poings liés
Je me suis laissé faire
Et je t'ai trahi pour
Une prison d'amour
Et sa belle geôlière

"Il y avait un jardin"

"Hiroshima"

Par la colombe et l'olivier,
Par la détresse du prisonnier,
Par l'enfant qui n'y est pour rien,
Peut-être viendra-t-elle demain.

Avec les mots de tous les jours,
Avec les gestes de l'amour,
Avec la peur, avec la faim,
Peut-être viendra-t-elle demain.

Par tous ceux qui sont déjà morts,
Par tous ceux qui vivent encore,
Par ceux qui voudraient vivre enfin,
Peut-être viendra-t-elle demain.

Avec les faibles, avec les forts,
Avec tous ceux qui sont d'accord,
Ne seraient-ils que quelques-uns,
Peut-être viendra-t-elle demain.

Par tous les rêves piétinés,
Par l'espérance abandonnée,
À Hiroshima, ou plus loin,
Peut-être viendra-t-elle demain,
La Paix !

"Les amours finissent un jour"

"En Mediterranée"

Dans ce bassin où jouent
des enfants aux yeux noirs,
il y a trois continents
et des siècles d'histoire.
Des prophètes des dieux,
le Messie en personne.
Il y a un bel été
qui ne craint pas l'automne,
en Méditerranée.

Il y a l'odeur du sang
qui flotte sus ses rives,
et des pays meurtris
comme autant de plaies vives.
des îles barbelées,
des murs qui emprisonnent.
Il y a un bel été
qui ne craint pas l'automne,
en Méditerranée.

Il y a des oliviers
qui meurent sous les bombes,
là où est appaure
la première colombe.
Des peuples oubliés,
que la guerre moissone.
Il y a un bel été
qui ne craint pas l'automne,
en Méditerranée

Dans ce bassin je jouais
lorsque j'étais enfant,
j'avais les pieds dans l'eau,
je respirais le vent.
Mes compagnons de jeux
sont devenus des hommes.
les frères de ceux-là
que le monde abandonne,
en Méditerrané.

Le ciel est endeuillé
par-dessus l'Acroppole,
et liberté ne se dit plus
en espagnol.
On peut toujours rêver
D'Athènes et Barcelone.
Il reste un bel été
qui ne craint pas l'automne,
en Méditerrané.

http://www.creatweb.com/moustaki/

(1964-1982) Poetas en Revolta Contra un Mar Gris

noreply@blogger.com (Javier Arnott Álvarez) — Mon, 20 May 2013 16:00:00 +0000

"L’Automanifest" (1967), Antoni Padrós

Se ha inaugurado en el Arts Santa Mònica, la exposición la muestra comisariada por Vicenç Altaió y Julià Guillamon "La Revolta Poètica (1964-1982)"

En palabras de Julià Guillamon y Vicenç Altaió entre 1964 y 1982 aquí se produjo una renovación cultural que tuvo como protagonistas a la poesía y los poetas. Años marcados por la crisis y el final del franquismo, durante los cuales los poetas se propusieron un estallido de imaginación y creatividad frente a la mediocridad imperante.

"Corrandes d'exili"

Una nit de lluna plena
tramuntàrem la carena
lentament, sense dir re.
Si la lluna feia el ple
també el féu la nostra pena.

L'estimada m'acompanya
de pell bruna i aire greu
(com una marededeu
que han trobat a la muntanya).

Perquè ens perdoni la guerra,
que l'ensagna, que l'esguerra,
abans de passar la ratlla,
m'ajec i beso la terra
i l'acarono amb l'espatlla.

A Catalunya deixí
el dia de ma partida
mitja vida condormida;
l'altra meitat vingué amb mi
per no deixar-me sens vida.

Avui en terres de França
i demà més lluny potser,
no em moriré d'enyorança
ans d'enyorança viuré.

En ma terra del Vallès
tres turons fan una serra,
quatre pins un bosc espès,
cinc quarteres massa terra.
"Com el Vallès no hi ha res".

Que els pins cenyeixin la cala,
l'ermita dalt del pujol;
i a la platja un tenderol
que bategui com una ala.

Una esperança desfeta,
una recança infinita.
I una pàtria tan petita
que la somio completa.

Pere Quart

La exposición "La Revolta Poètica 1964-1982" nos acerca a lo sucedido en el mundo cultural, tanto del pop como la poesía visual, el arte conceptual, los poemas objeto, los festivales folk, los festivales de poesía, las revistas de creación, las utopías editoriales. Y nos hace sentir la voz de poetas desde Marta Pessarrodona, Narcís Comadira o Francesc Parcerisas a Carles Hac Mor, Biel Mesquida o Enric Casasses. Fruto de un trabajo de investigación que ha permitido, con un lenguaje dinámico recrear el clima aquellos años y conectarlos con la actualidad. sacando a la luz una gran cantidad de material inédito manuscrito y mecanografiado, fotografías, dibujos, revistas, libros ilustrados.

Bernardette Serrahima y Francesc Parcerisas en el puerto de Ibiza 1974

La exposició arranca en 1964, cuando la cultura anglosajóna comienza a sustituir a la francesa como referente de los nuevos poetas que hacen de lectores de filología hispánica en las universidades inglesas. El movimiento pop y su conexión con el realismo poético de Gabriel Ferrater, Marta Pessarrodona, Narcís Comadira y Francesc Parcerisas así como el nacimiento de pop catalán: Guillermina Motta "Los snobs" de Marta Pessarrodona y Pau Riba conecta con el folk americano.

Els snobs

Tenen la constant de la inconstància,
tenen el costum de coses noves,
no tenen regles que els limitin,
però no falta mai qui els imiti.

Els snobs,
pobrets els snobs,
tantes coses com se’ls deuen en als snobs.

Parlen d’una angoixa que no senten,
parlen d'una nàusea que no coneixen,
parlen fins i tot de supervivència
sense saber tan sols què és l’existència.

Citen en Sartre i en Pavese,
canten Brassens i Jacques Brel,
ignoren olímpicament
tot el que sigui normal i corrent.

No tenen forces suficients
per a alimentar un al·licient;
no tenen forces suficients
per a seguir l'establert corrent.

S'hauria de crear, s'hauria d’inventar
una nova terra per a ells;
s'hauria de crear, s'hauria d'inventar
una nova comprensió per a ells.

A ells, que idolatren sols el moment, els snobs,
jo els faria un monument, als snobs.
Jo que no puc donar consells
perquè jo, jo sóc amb ells.

Marta Pessarrodona - Guillermina Motta

Noia de porcellana

Noia de porcellana
buscava una ànima dintre teu
i això era com buscar
papallones blanques damunt la neu.

Noia de porcellana
la teva entranya és plena de vent
una brisa de maig
amb pètals de rosa és aire innocent.

Noia de porcellana
tot el teu cos és un recipient
a punt per ser omplert d'aigua
i posar-hi un lliri quan ve el bon temps.

Noia de porcellana
buscava força en el teu parlar
i això era com buscar
papallones blaves damunt la mar.

Noia de porcellana
d'una mirada et van trencar un braç
semblaves indignada
com una santa sense beats.

Noia de porcellana
tota ets tan fràgil que t'has tancat
sota d'una campana
que sona dolça i és de cristall.

Noia de porcellana
buscava llum en la teva pell
i això era com buscar
papallones d'aire allà on bufa el vent.

Noia de porcellana
tens la mirada ben transparent
la pell de cel·lofana
i la carn translúcida i repel·lent.

Noia de porcellana
què vols que et donin no donant res
ets freda i inhumana
i et preocupes de cinc a set.

Pau Riba

Se revisa la influencia en la poesía de aquellos años del movimiento hippy y el uso de referentes de la cultura de masas en la obra de Pere Gimferrer y Terenci Moix. La revuelta poética se presenta en paralelo a la subversión plástica de Antoni Padrós (que colabora en los primeros libros de Marta Pessarrodona), Eduard Arranz-Bravo (que establece una relación de complicidad con Francesc Parcerisas que se traduce en varios proyectos comunes) o Albert Porta (Zush / Evru).

Pere Gimferrer yTerenci-Moix en la Plaça Universitat (1965)

Antoni Llena, Eugènia Balcells, Carlos Campos Mundó, Santi Pau, Carles Santos, Francisco Torres, Benet Rossell, Jordi Pablo, Antoni Muntadas y Fina Miralles.

Catifa de papers pintats (1967), Antoni Llena, MACBA

Petjades (1976), Fina Miralles, Museu d'Art de Sabadell

La poesía concreta, se hace eco de la crisis del lenguaje propia del siglo XX, el poema se convierte en objeto. Cada uno de sus componentes es sometido a un análisis crítico que cuestiona la naturaleza misma de la poesía, los medios de producción cultural y la relación del poeta con sus lectores.

"Homenatge a Bruegel el Vell"

En aquesta nit nostra té cada cop més interès parlar
tots junts de la carícia dels vestits que desllinden
l'home del món, la carn de l'instrument de treball.
Perquè estem recordant el vell Bruegel i els seus
primaverals blaus que allunyen els camps
i l'or polsós del blat i dels capells de palla,
els ramats indòcils com fulles de coure
i el glaç i la neu del poble que pateix
l'hivern i la injustícia d'una terra
feta a mida d'una llei senyorial.
(Recordeu que va néixer el 1528 a la ciutat de Breda.)
Parlem de l'exemple del vell Bruegel
perquè l'amor al treball i a la vida de l'oci,
amb camperols sorruts que juguen a bitlles
i patinadors que rellisquen i cauen de cul,
té totes les expressions més belles en la mà
del mestre flamenc. En aquesta nit fosca
en un minso país com el nostre encara s'esmunyen
idealistes cabòries del que hauria d'ésser i no és.
I ell, Bruegel el vell, mort en plena verema,
agafà uns color i amb els dits del cor
ens proposà la història de tota l'estètica:
'jo pinto la vida dels homes'.
Descobriu-vos el cap.

Homes que es banyen", Francesc Parcerisas

El pop y lo conceptual, la experiencia lisérgica y el rigor minimalista confluirán en los dos grupos de publicaciones más significativas de principios de los setenta: la revista Tarotdequinze y la col·lecció 1068. Las dos salidas del taller de serigrafía Aiguadevidre, de Jaume Vallcorba, Pucci Vilurbina y Oriol Treserra. En el ambiente politizado de finales del franquismo, revistas y festivales proponen una subversión imaginativa.

En el caso de la colección 1068, que fue la primera aventura editorial de Jaume Vallcorba, cada uno de los cinco libros utiliza un formato, un tipo de papel y un tratamiento gráfico diferente. La revista Tarotdequinze utiliza también diferentes papeles y tipografías para transmitir un mensaje de libertad creativa.

Un antecedente de este estallido de formas y colores es el "Grup de Folk" que en los últimos años de la década de los setenta fue una alternativa a la Nova Cançó.

Hoja de propaganda del "Primer Festival Popular de Poesía Catalana" (diseño: Juan Llopis)

En abril de 1970 se celebró en Barcelona el "Primer Festival Popular de Poesía Catalana", con la intervención del poeta Pere Quart, figuras destacada de la resistencia cultural antifranquista. La primavera de 1975, en La Universidad Autónoma de Barcelona, se organiza el "Gespa-Price", un happening multitudinario que refleja una nueva actitud ante el hecho poético, el lenguaje y la lucha política.

Cartel del Césped Price diseñado por Vitrola, 1975.

En este apartado se reviven y se confrontan estos dos festivales. A partir de las dos películas que se filmaron (una, en 35 mm. Pere Portabella, la otra, en 8 mm. El grupo de Tarotdequinze) y de toda la documentación que se conserva: las convocatorias, los carteles, las cartas de respuesta y los testimonios de los que participaron.

"Nocturn Per a Acordió"
A Josep Aragay

Heus aquí: jo he guardat fusta al moll.
(Vosaltres no sabeu
què és
guardar fusta al moll:
però jo he vist la pluja
a barrals
sobre els bots,
i dessota els taulons arraulir-se el preu fet de l'angoixa;
sota els flandes
i els melis
sota els cedres sagrats.

Quan els mossos d'esquadra espiaven la nit
i la volta del cel era una foradada
sense llums als vagons:
i he fet un foc d'estelles dins la gola del llop.

Vosaltres no sabeu
què és
guardar fusta al moll:
però totes les mans de tots els trinxeraires
com una farandola
feien un jurament al redós del meu foc
I era com un miracle
que estirava les mans que eren balbes

Vosaltres no sabeu
què és
guardar fustes al moll
Ni sabeu l'oració dels fanals dels vaixells
-que són de tants colors
com la mar sota el sol:
que no li calen veles).

Joan Salvat-Papasseit

Litografía de Joan Miró

Se presentan dos proyectos teatrales nacidos en la Universidad Autónoma de Barcelona, en contacto con los poetas del Gespa-Price: "Nocturno para acordeón", el primer espectáculo del grupo Dagoll-Dagom sobre textos de Joan Salvat Papasseit y "Quiriquibú" de Teatre de l'Escorpí sobre textos de Joan Brossa.

Taula de poetes | Foto de Pilar Aymerich

Los poetes Miquel de Palol, Jaume Creus, Antoni Tàpies-Barba, Xavier Bru de Sala, Miquel Desclot, Vicenç Altaió y Ramon Balasch fotografiados por Pilar Aymerich en una mesa redonda de la revista Serra d'Or de febrero de 1974.

Los poetas de los setenta se agrupan en proyectos editoriales que toman como modelo colecciones históricas como "La Mirada" o "Club dels Novel·listes", dirigidas por los propios creadores. En 1973 aparece Llibres del Mall, en 1974 Poesia Tres i Quatre y la colección Ausiàs March, en 1975 la colección Cristalls, en 1976 Guaret, en 1977 Tafal, en 1979 Poesia dels Quaderns Crema.

Cubiertas diseñadas por Joan-Pere Viladecans

Las principales editoriales de poesía colaborarán con los artistas: especialmente Joan-Pere Viladecans que durante casi diez años hizo las cubiertas de Llibres del Mall. Cada libro, un emblema con figuras geométricas, vectores, números y letras.

Llibres del Mall y Quaderns Crema serán dos opciones opuestas: modernismo y postmodernismo, la poesía al servicio de un proyecto nacional o como retorno al orden.

En 1980 se publican dos antologías que estudian la revuelta poética de los setenta: "Las últimas tendencias de la poesía catalana (1968 - 1979)" de Vicenç Altaió y Josep M. Sala-Valldaura y "La nueva poesía catalana" de Joaquín Marco y Jaume Pont. Las diferentes opciones estéticas, vinculadas a grupos y editoriales, se radicalizan: experimentalismo, vanguardismo, posmodernismo, subjetivismo, romanticismo, formalismo.

"Bruixa de dol" (1977)
Maria-Mercè Marçal

I
ZODÍAC

Lligo els records i tanco la maleta:
que engoleixi aquest llast l'avenc marí.
Que els peixos cusin la boca d'un destí
amarinat en aigües de desfeta.

Fem joc de nou a l'estranya ruleta
i llancem daus inèdits al camí.
Lladres gasius, amb el foc per botí,
cremem el darrer full de la llibreta!

Cal que encertem, amb l'ai de la sageta,
l'arbre i el cor, la fulla i el verí
i ens fem penyora d'amor a la bestreta.

I, conjur del mal astre, a l'endeví,
apuntem cels, amb pinzell de poeta
on fan la trena el cranc i l'escorpí.

III

Aquest mirall em diu que sóc ben sola
i no hi fa res que el trenqui en mil bocins.
He enfilat el carrer trist que va a escola
i em marco, amb guix, entorn, els meus confins.

La lluna riu, dins la nau que s'endola.
I jo sembro amb pedretes els camins
que em duen cap a mi, nit meva endins.
Baixo al meu pou, amb bleix de corriola.

Tu, lluna, rius, i em vesteixo de lluna.
M'arrenco el collaret d'agres estrelles
i el mar se les empassa d'una a una.

I et prenc el cor segur amb què cabdelles
el teu destí, per fer, amb cartes velles,
un solitari nou sobre la duna.

Miquel de Palol, Biel Mesquida, Maria-Mercè Marçal, Narcís Comadira, Carles Hac Mor, Feliu Formosa, Francesc Parcerisas y Enric Casasses.

Portada del número 5 de Neon de suro, Miquel Barceló

"Homenatge a Joan Vinyoli"

Veig un gran foc.
Al bosc, els arbres
van caient, d’un a un,
amb parsimònia.

Cada branca és una atxa
que il·lumina el pas,
ara desfet.

Les dones del rodal
han anat totes a buidar
els pous i a escolar les cisternes.

A la cruïlla de la nit amb l’albada
l’alosa entreté debades el cant
del rossinyol.
El rou cendreja,
aclapara els badius.

El matí inflama la ginesta.
La consigna s’estén de boca en boca:
«Tots volem habitar prop de la mar!»

Lluís Urpinell

La experimentación de las revistas Èczema, Blanc d’Ou i Neon de suro, vinculadas a la vanguardia artística, y las principales tendencias de la poesía de texto, a partir de documentos originales de Antoni Marí, Miquel Desclot y Maria-Mercè Marçal.

"Pètals de Caps Blaus"

I quan la llengua sigui morta
—la llengua morta—
com sabrem les coses?
Les veurem?
La llengua tacte
acaronarà les formes
sense nom
sense sentit.

Biel Mesquida

Nota: No todo el material aquí presente forma parte de la exposición.

+ Información:

http://www.artssantamonica.cat/
http://www.fundaciopalau.cat/fundacio-palau/ca.html
http://www.lletra.com/
http://www.nuvol.com/noticies/quan-erem-hippies/

Pierre Bourdieu - Argelia años 50

noreply@blogger.com (Javier Arnott Álvarez) — Thu, 16 May 2013 22:05:00 +0000

"sensación de culpabilidad y de sublevación ante tanto sufrimiento e injusticia".

La estancia del sociólogo Pierre Bourdieu en Argelia en los años cincuenta, cuando estalla la guerra de liberación contra Francia, nos deja un impactante documento gráfico en las fotografías que tomó. Un retrato del ecosistema social y etnográfico que da la medida del desarraigo y de la crudeza de las condiciones de vida de un país en búsqueda de su independencia. No estamos por tanto ante un trabajo meramente fotográfico, sino ante un estudio sociológico en el que las fotografías documentan los roles sociales y sus cambios, el mundo de la pobreza de los campesinos, los niños sin futuro en un documento que perteneciendo al pasado nos trae imágenes que bien podían estar tomadas hoy en día.

"La mirada de etnólogo comprensivo que he dirigido a Argelia pude dirigirlahacia mí mismo, a las gentes de mi país, hacia mis padres, al acento de mi padre, de mi madre, y recuperar todo ello sin drama, que es uno de los grandes problemas de todos los intelectuales desarraigados, atrapados en la alternativa del populismo o, por el contrario, de la propia vergüenza ligada al racismo de clase. He puesto en gentes muy similares a las de la Cabilia, gentes con las que pasé la infancia, la mirada de obligada comprensión que define la disciplina etnológica. La práctica de la fotografía, primero en Argelia, después en Béarn, ha contribuido mucho, acompañándola, a esta conversión de la mirada que suponía –creo que la palabra no es demasiado fuerte– una verdadera conversión. La fotografía es, en efecto, una manifestación de la distancia del observador que registra y que no olvida lo que registra (lo que no siempre es fácil en las situaciones familiares, como el baile), pero supone también toda la proximidad del familiar, atento y sensible a los detalles imperceptibles que la familiaridad le permite y le impulsa a captar e interpretar sobre el terreno (¿no se dice del que se comporta bien, cordialmente, que es «atento»?), a todo eso infinitamente pequeño de la práctica que escapa a menudo al etnólogo más atento. Está ligada a la relación que siempre he mantenido con mi objeto, del que nunca he olvidado que se trataba de personas sobre las que yo ponía una mirada que de buen grado, a no ser por temor al ridículo, llamaría afectuosa, y con frecuencia tierna»."

Extracto de la entrevista realizada por Franz Schultheis, publicada en Camera Austria (1975)

+ Información:

http://pierre-bourdieu.blogspot.com.es/
http://www.circulobellasartes.com/fich_libr/Argelia. Imágenes del desarraigo

Marià Fortuny i Marsal: Una Pasión Personal

noreply@blogger.com (Javier Arnott Álvarez) — Mon, 06 May 2013 22:05:00 +0000

Autorretrato (1858), MNAC

Marià Fortuny (1838-1874), figura emblemática del s.XIX de vida breve pero intensa, fallecería con tan sólo 36 años. Realizó más de 350 obras y miles de dibujos y grabados, como los magníficos: Il contino (1861), La odalisca (1861), El coleccionista de estampas (1866), La vicaria (1870) o El vendedor de Tapices (1870) que le proporcionaron éxito y reconocimiento. Todas ellas y muchas más, hasta un total de 45 obras de las cuales 28 pertenecen a la colección del MNAC, forman parte de la exposición "Fortuny, el mito" que puede verse en Reus, su ciudad natal, hasta el 7 de septiembre en el Museo de Reus. Por su parte El Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC) con motivo de la conmemoración del 175 aniversario del nacimiento de Fortuny, ha organizado una muestra monográfica sobre "La batalla de Tetuán" en la que se exponen cerca de doscientas obras preparatorias para una de sus obras más emblemáticas.

Il contino (1861), MNAC

La Odalisca (1861), MNAC

La Batalla de Tetuán (1863-65), MNAC

"Rodeada de un aura de veneración romántica, la gran tela de La batalla de Tetuán (1863-1865) pintada por Mariano Fortuny se ha convertido en un icono de nuestro imaginario cultural. La fascinación que ha ejercido, y sigue ejerciendo, desde su llegada a Barcelona en 1875, la ha convertido en una de las creaciones artísticas más apreciadas de nuestro pasado reciente. La obra rezuma un dinamismo, una vivacidad de colores, una veracidad inusual en un tipo de pintura que es deudora de los convencionalismos y las servitudes académicas. Esta visión poco ortodoxa, escasamente fiel a las estructuras del género, se ha convertido en una manifestación singular e innovadora en el contexto de la pintura del siglo XIX. A pesar de ello, es una obra sin acabar que ocasionó el desencanto de su autor al devenir en un reto no conseguido."

Jordi À. Carbonell y Francesc M. Quílez, comisarios

Baños de Tánger (1862), MNAC

Familia Marroquí (1862), MNAC

Herrador Marroquí (1863), MNAC

Mi fascinación por la obra de Marià Fortuny nace desde el primer momento que vi una reproducción de su obra, y creo recordar que fue en mi más tierna infancia. Posteriormente con mi traslado a Barcelona esa fascinación se vería acrecentada al poder observarla en directo, en el entonces Museo de Arte Moderno sito en donde ahora se encuentra el Parlament de Catalunya ( antiguo arsenal de la Ciutadella del s. XVIII, obra de Jorge Próspero de Verboom) desde entonces no me abandonaría nunca, asistiendo a la primera antológica de su obra que tuvo lugar en 1989 en el Palau Macaya (obra de 1901 de Puig i Cadafalch) de la mano de la Caixa y la que posteriormente organizaría el MNAC en 2003 en las que se pudieron ver obras dispersas por diversas colecciones.

El Coleccionista de Estampas (1866), MNAC

Playa Africana (1867), MNAC

El Vendedor de Tapices (1870) Museu de Montserrat

Creo que viendo esta selección de la obra de Marià Fortuny queda claro el porqué de una fascinación que aún perdura intacta en el tiempo, el preciosismo de los detalles, la luminosidad del color que te atrae inexorablemente a recrearte en las obras y el aire de verdad que respiran.

No estamos ante un Orientalismo fantasioso, ante un imaginario a medida, estamos ante la obra de un hombre que se enamoró de lo que vio y lo traspasó al lienzo o al papel, que recreó con intensa fidelidad los detalles, cosa que queda atestiguada por la cantidad de dibujos preparatorios y esbozos, tanto de personajes como de detalles arquitectónicos.

Lo más increíble de esta historia es el hecho de que tendrá una continuación de igual valor y fascinación en la figura de su hijo Mariano Fortuny i Madrazo, pero esa es otra historia.

Herrador Marroquí (1870), MNAC

La masacre de los Abencerrajes (1870), MNAC

La Vicaria (1870), MNAC

Paisaje de Granada (1871), MNAC

Desnudo en la playa de Portici, su hijo Mariano Fortuny Madrazo (1874) El Prado

Los hijos de Marià Fortuny en el Salón Japonés (1874), El Prado

Niño en Portici (1874), MNAC

Coincidiendo con el año Fortuny el MNAC ha comenzado una campaña de crowfunding o micromecenazgo a fin de poder adquirir "La pregaria", un maravilloso y exquisito dibujo de carácter orientalista, datado entre 1871 - 1872.

"La Plegaria"
Técnica: Pluma, aguada de tinta marrón y negra con gouache sobre papel
Dimensiones: 61,7 x 44,5
Precio solicitado: 45.000 €

http://www.mnac.cat/actualitat/Tú puedes ser un mecenas

+ Información:

http://www.mnac.cat/exposicions/'La batalla de Tetuán' de Fortuny. De la trinchera al museo
http://ca.wikipedia.org/wiki/Marià Fortuny_i_Marsal
http://www.reus.cat/anyfortuny

La Mirada de Lehnert & Landrock

noreply@blogger.com (Javier Arnott Álvarez) — Thu, 02 May 2013 22:05:00 +0000

Lehnert Rudolf (1878-1948) y Landrock Ernst (1878-1966) tal vez sean en estos momentos los autores de la más conocida y monumental obra fotográfica pictorialista sobre Egipto y el Magreb. Escenas de género, retratos, paisajes y hermosos desnudos, siempre conforman una colección fotográfica de gran belleza, con innegables cualidades poéticas.Una mirada alejada de la realidad, ya que le enfermedad, la pobreza, etc, quedan excluidas, para darnos una imagen de carácter un tanto onírica o idealizada, pero no por ello falta de valor. Lehnert & Landrock nos ofrecerán una imagen de marcado corte clásico, enmarcada en el orientalismo, pero con una concepción totalmente actual.

Todas las fotografías de Lehnert y Landrock se firmaron "L & L". Estrictamente hablando, Lehnert fue el fotógrafo. Pero, Landrock, fue el empresario que las hizo posibles. Corrió con los gastos de la apertura de primera tienda que se fundó en Túnez y después, tras de la Primera Guerra Mundial, la que se abrió en El Cairo. Dirigió el laboratorio, organizó las caravanas de Lehnert al desierto y a los oasis, y comercializó las fotos.Y no imaginaba que su sentencia de 1904: "Mis fotografías seguirán utilizándose dentro de 200 años", se acabaría convirtiendo en toda una realidad.

+ Información:
http://lehnertandlandrock.net/
http://www.aubonheurdujour.net/
http://www.culturagay.it/Il vicino oriente, Lehnert & Landrock
http://www.intermale.nl/lehnert.html
http://homodesiribus.blogspot.com.es/2011/09/rudolf-lehnert et ernst-landrock
http://xa2cu.blogspot.com.es/2008/09/lehnert & landrock

De Despedidas y Reencuentros

noreply@blogger.com (Javier Arnott Álvarez) — Mon, 29 Apr 2013 22:05:00 +0000

"Despedidas" de Yōjirō Takita
Año: 2008
País: Japón
Directos: Yojiro Takita
Guión: Koyama Kundo
Música: Joe Hisaishi
Fotografía: Takeshi Hamada
Reparto: Masahiro Motoki, Tsutomu Yamazaki, Ryoko Hirosue, Kazuko Yoshiyuki, Kimiko Yo, Takashi Sasano, Tôru Minegishi, Tetta Sugimoto, Yukiko Yachibana,Tatsuo Yamada

Oscar 2008: Mejor película de habla no inglesa

Un ritmo pausado y preciosista envuelve esta sensible historia. La historia de Daigo Kobayashi, un violoncelista que pierde su empleo al disolverse la orquesta donde tocaba, lo que le lleva a regresar a su pueblo natal en compañía de su esposa. Allí consigue un empleo como embalsamador. A partir de aquí la historia cobra su auténtica dimensión al tener que enfrentarse no sólo a sus propios miedos y al rechazo que dicho trabajo le causa, sino también al de su entorno incluido el de su esposa. Y así se nos irá descubriendo todo un mundo de sensibilidad, delicadeza y amor que hará caer las barreras.

"Caminando" de Hirokazu Koreeda
Año: 2008
País: Japón
Directos: Hirokazu Koreeda (AKA Hirokazu Kore-eda)
Guión: Hirokazu Koreeda (AKA Hirokazu Kore-eda)
Música: Gonchichi
Fotografía: Yutaka Yamasaki
Reparto: Abe Hiroshi, Natsukawa Yui, You, Takahashi Kazuya, Kiki Kirin, Yoshio Harada, Susumu Terajima

Continuando con esta pequeña entrada dedicada a dos películas japonesas que me impactaron por su enorme sensibilidad está "Aruitemo, Aruitemo" (Still Walking). Otra joya cinematográfica nipona, curiosamente rodada también en 2008. El reencuentro de una familia con motivo del decimoquinto aniversario de la muerte del hermano mayor, periodo en el que se han producido ligeros cambios en la percepción y sentimientos de los diversos personajes, cambios a los que deberán hacer frente, amores, rencores aflorarán de forma inesperada fluyendo suavemente en medio de una atmósfera de aparente tranquilidad. Hirokazu Koreeda nos permite asistir a un pausado juego de emociones tormentosas en medio de un mar en calma.

Dos auténticas maravillas para un fin de semana de buen cine sobre sentimientos y relaciones.

Regresando sobre Miguel Ángel Rojas

noreply@blogger.com (Javier Arnott Álvarez) — Thu, 25 Apr 2013 22:05:00 +0000

"En mi obra no existe el realismo mágico, no quiero dejarme acaramelar por esa posición"

Miguel Ángel Rojas

Han pasado tres años desde que en la entrada "La sacralidad artística de Miguel Ángel Rojas" me aventuré en la obra de quien es considerado uno de los más grandes artistas colombianos. Una obra que indaga y revisa constantemente los conflictos socio-políticos y culturales, drogas, doble moral, hipocresía, injusticia, guerra, que afligen a la sociedad actual y que constantemente hace referencia a las diferencias económicas y sociales debidas a políticas públicas equivocadas o a la ausencia de ellas que lo único que logran es acentuarlas. Una obra alejada de cualquier síntoma de amabilidad que bajo ningún concepto da soluciones, sólo nos expone, visualiza el problema y por ello más necesaria que nunca.

Previamente:

http://bajoelsignodelibra.blogspot.com.es/la sacralidad artistica de miguel ángel rojas

Guido Reni (1575-1642)

noreply@blogger.com (Javier Arnott Álvarez) — Mon, 15 Apr 2013 22:05:00 +0000

Autorretrato, Galleria degli Uffizi (1635)

Guido Reni (Italia, 1575-1642) es una de las grandes figuras en el panteón de la historia del arte. Nacido poco después del Concilio de Trento, por el cual la Iglesia Católica propuso cambios radicales en las artes a fin de, mediante una sabia combinación de emotividad y teatralidad, generar la propaganda suficiente para combatir al creciente protestantismo. Reni se convirtió en uno de los principales defensores de la nueva estética, que contaba historias a través del uso de las grandes figuras tanto religiosas como históricas, estamos hablando del Barroco.

Santa Cecilia, Norton Simon Museum of Art, Pasadena (1606)

David con la cabeza de Goliat, Musée du Louvre (1604-1606)

Matanza de los inocentes, Pinacoteca Nazionale di Bologna (1611)

El triunfo de Sansón, Pinacoteca Nazionale, Bolonia (1611-12)

San Sebastián, Musei Capitolini, Roma (1615)

San Sebastián, Genova, Musei di Strada Nuova - Palazzo Rosso (1615-16)

A mediados del siglo XVI los artistas manieristas dominaban la escena artística, sus obras cargadas de una extravagante ostentación extravagante eran asociadas por el naciente protestantismo a los errores de la Iglesia Católica. El Concilio de Trento propondrá convertir el arte en un medio para acercarse al pueblo y adoctrinarlo, hemos de pensar que la inmensa mayoría de la gente era analfabeta, por lo cual qué mejor medio que el arte lleno de efectismo para llegar a la población y adoctrinarla. Guido Reni era en aquellos momentos un estudiante en una de las escuelas de arte más exitosas y de mayor repercusión en los estudios académicos, la Accademia degli Incamminati, que llegó a dominar el nuevo clima artístico y cuya influencia ha llegado hasta nuestros días.

St. Sebastián, Museo del Prado (1617-19)

Bautismo de Cristo, Kunsthistorisches Museum, Viena (1623)

Hipómenes y Atalanta, Museo del Prado (1618-19)

St. Sebastián, Auckland Art Gallery Toi o Tāmaki (1625)

El rapto de Deianira, Musée de Louvre (1617-19)

Alegoría del amor sacro y profano, Palazzo Spinola, Genova (1623)

La academia fundada por los hermanos Carracci abogó por una nueva estética, la cual quedará resumida en un soneto compuesto por Agostino Carracci para Niccolò dell'Abbate.

Quien quiera ser pintor con maestría
dé a sus dibujos línea romana,
con movimiento y sombra veneciana
y el colorido de la Lombardía.

De Miguel Ángel la terrible hombría,
la natural postura del Tiziano,
como Correggio puro y soberano,
de Rafael la pulcra simetría,

del Tibaldi reparto y decorado,
del Primaticcio docto el inventar,
del Parmigiano el grácil modelar.

Sin tanto estudio el fin será logrado
solamente, imitando el peregrino
arte de nuestro amigo Niccolino.

Caridad, Metropolitan Museum of Arts (1629-30)

El Arcángel San Miguel, Santa Maria della Concezione dei Cappuccini, Roma (1636)

San Juan el Bautista en el desierto, Dulwich Pictures Gallery, Londres (1636-37)

Alma Bendita, Musei Capitolini, Roma (1640-42)

Cleopatra, Museo del Prado (1640)

San José con el niño Jesús,Hermitage Museum, St. Petersburg (1635)

Alumno aventajado de la Accademia degli Incamminati fue el boloñés Guido Reni. A la edad de veinte años entró en la Academia y fue pronto el preferido de Ludovico. En cambio Annibale comprendió en seguida que aquel muchacho sabía demasiado, Guido Reni al notarlo dejaría la Academia marchando a Roma donde sería aclamado y patrocinado por Cardenales y Papas. La obra de Reni es todo un espectáculo de belleza que se mueve entre lo onírico y lo poético, además del creador de toda una serie de límpidos desnudos que exaltan el poder de la juventud.

+ Información:

http://es.wikipedia.org/wiki/Guido Reni
http://www.independent.co.uk/arrows of desire-how did st sebastian become an enduring homoerotic icon
http://www.artcyclopedia.com/artists/guido reni

La Mirada de Imogen Cunningham

noreply@blogger.com (Javier Arnott Álvarez) — Thu, 11 Apr 2013 22:05:00 +0000

Self-portrait (1933)

Imogen Cunningham (1883-1976) es reconocida como una de las grandes fotógrafas norteamericanas. En 1901, tras haber adquirido por 15 $ su primera cámara, comenzó la que puede ser considerada la más larga carrera fotográfica en la historia de dicho medio.

The dream (1910)

The wood beyond the world (1910)

Ben Butler (1910)

Roi o the dipsea trail 3 (1918)

On Mount Rainier (1915)

Agave Design 2 (1920)

Water Hyacinth (1920)

Cunningham tras un periodo de fuerte influencia pictorialista fijó su atención en el desnudo, así como en las formas que tomaban las plantas que crecían en el jardín trasero de su casa. Los resultados fueron asombrosos, un cuerpo impresionante de trabajos compuesto por formas audaces y absolutamente contemporáneas. Estas obras se caracterizan por la precisión visual que no es científica, en la que las líneas y las texturas quedan perfectamente articuladas por la incidencia de la luz natural.Cunningham también destacará por su intuición a la hora de encara el retrato intuitivo del retrato.

Edward y Margarethe, 10 (1923)

Black and white lilies (1925)

Two sisters (1928)

Colletia cruciata 7 (1929)

Magnolia blossom (1925)

Three dancers, Miss College (1929)

John Bovington 2 (1929)

Martha Graham, 2 (1931)

Frida Kahlo (1931)

En 1932 será cofundadora, junto a un pequeño grupo de fotógrafos que incluía a Edward Weston y Ansel Adams, del "F64" en San Francisco. Un grupo que pasa por ser considerado como los pioneros en la renovación de la fotografía en la costa oeste de USA.

Two callas (1929)

Newsboy (1939)

Nude (1939)

Unmade bed (1957)

Stan (1959)

Rainwater on Oregon Beach (1967)

Hen and Chikens (1930)

On your head (1929)

Phoenix recumbent (1968)

Self-portrait (1906)

+ Información:

http://www.imogencunningham.com/
http://www.photoliaison.com/imogen_cunningham/Imogen_Cunningham.htm
http://www.exposicionesmapfrearte.com/cunningham/

"Murillo & Justino de Neve: The Art of Friendship"

noreply@blogger.com (Javier Arnott Álvarez) — Mon, 01 Apr 2013 22:05:00 +0000

Me ha resultado un tanto sorprendente el hecho de enterarme de que, desde el 6 de Febrero hasta el 19 de Mayo, el más católico de nuestros grandes pintores barrocos, Bartolomé Esteban Murillo, conquista Londres desde la Dulwich Picture Gallery.

1660-65, Adoración de los Magos, Toledo Museum of Art, Ohio

1660-65, San Juan con un cordero, National Gallery, London

1660-65, Joven con una cesta con fritas (El verno), Scottish National Gallery

1660-65, Inmaculada Concepción de los Venerables o de Soult, Museo del Prado

1660-70, San Juan Bautista en el desierto, National Gallery, London

"Murillo & Justino de Neve: The Art of Friendship" una gran exposición del genio del s. XVII centrada en la relación del artista con su protector y amigo, Don Justino de Neve, canónigo de la catedral de Sevilla. Ambos establecieron una relación profesional, artista y mecenas, que acabaría transformándose en una auténtica amistad y dio lugar a algunas de las pinturas más ambiciosas y bellas del genio Sevillano.

1663, El sueño del patricio y su mujer, Museo del Prado

1665, La chica de las flores, Dulwich Picture Gallery

1665, Cristo tras la flagelación, Museum of Fine Arts, Boston

1665, Inmaculada del El Escorial, Museo Nacional del Prado, Madrid

1665, Retrato de Don Justino de Neve, Londres, The National Gallery

1664-65, La Fé o la Iglesia Triunfante, Farringdon-Collection-Trust

Tal vez esta sea una gran ocasión para posicionar la figura de Murillo, el cual siempre aparece en un segundo plano tras Velázquez, personalmente creo que es injusto ya que ambos toman caminos diferentes y no son comparables, pero ambos son genios de igual envergadura.

1667-68, Bautismo de Cristo, Capilla de San Antonio, Catedral de Sevilla

1670, Niño Jesús durmiendo sobre la cruz con dos ángeles, Graves Art Gallery, Sheffield

1670, San Pedro penitente, Colección privada

1670, Tres Chicos, Dulwich Picture Gallery

1675-80, Virgen del Rosario, Dulwich Picture Gallery, London

1678, La Virgen con el Niño Jesús repartiendo pan a los peregrinos, Museum of Fine Arts, Budapest

+Información:

http://www.dulwichpicturegallery.org.uk/

Dirk Alvermann - Argelia

noreply@blogger.com (Javier Arnott Álvarez) — Thu, 28 Mar 2013 23:05:00 +0000

En los años 50 Dirk Alvermann, con tan sólo 18 años, llega a Argelia desde Túnez emocionado ante los hechos que están ocurriendo, la lucha del pueblo argelino para liberarse del colonialismo. Alvermann irá más allá de lo previsible, ya que se unirá a una unidad del E.L.N. logrando captar imágenes impactantes. El resultado de este trabajo tardaría una década en ver la luz, ya que no sería hasta los años 60 que el libro de Alvermann vería la luz debido a ser considerado un alegato contra el colonialismo demasiado fuerte para occidente, así como un tema demasiado embarazoso para un Adenauer en busca de una reconciliación con Francia.

+ Información:

http://lejournaldelaphotographie.com/archives/dirk-alvermann-algeria
http://www.sophot.com

J. S. Bach: Misa en si menor

noreply@blogger.com (Javier Arnott Álvarez) — Wed, 27 Mar 2013 18:25:00 +0000

Hans Holbein. El cuerpo de Cristo en la tumba, 1521. Kunstmuseum Basel, Basel,

Comenzamos unos días muy especiales, la Semana Santa, días cargados de significados espirituales y a la vez días cargados de música, porque nunca el ser humano fue tan prolífico y creó páginas tan bellas como aquellas que sirvieron para glorificar a Dios. En estas fechas en que la liturgia católica llama al recogimiento y a la reflexión sobre nuestras vidas y lo que hacemos con ellas, así como al hecho de lo transitorio de este mundo y la banalidad de los bienes acumulados, ya que los sudarios carecen de bolsillos, así como la esperanza en la redención y el tránsito a un mundo mejor, es cuando los compositores más se han volcado en crear páginas de una inigualable belleza que nos elevan sobre lo mundano y nos acercan a lo mejor de nosotros mismos.

...................................
¿Ves la gloria del mundo?
Es gloria vana;
nada tiene de estable,
''todo se pasa.''
..................................

Fragmento de "Nada te turbe" de Santa Teresa de Jesús

Si hay un maestro en este arte sin lugar a dudas ese fue J. S. Bach, es imposible no sentirse cautivado por la belleza de sus obras y por el hecho de sentirnos elevados en infinitos y gloriosos acordes que nos hacen despegar de este mundo y mirar a nuestro alrededor de otra manera.

La pieza escogida tal vez sea una de las más bellas salidas de este genial compositor, La Misa en si menor, BWV 232, conocida también como Gran Misa Católica.

Monteverdi Choir

English Baroque Soloist

Dirección: John Eliot Gardiner.

Esta obra es una obra cargada de simbolismo en todas y cada una de sus partes, así desde el primer Kyrie de la Misa en si menor que consta de dos partes. La primera la conforman los 4 compases iniciales; la segunda consta de 122. Si sumamos 4+1+2+2 nos da como resultado el número 9, símbolo que significa la Trinidad (3x3) y así esta norma de combinación numérica y simbológica se irá repitiendo a lo largo de toda la obra como podréis descubrir en esta página: http://www.filomusica.com/J.S.Bach: Misa en si menor.

La Esfera Cultural: Bajo el signo de libra

noreply@blogger.com (Javier Arnott Álvarez) — Fri, 22 Mar 2013 18:59:00 +0000

Hoy esta especie de hijo caprichoso que es mi blog, "Bajo el signo de libra", ocupa el espacio del blog de los viernes en el estupendo "La Esfera Cultural". Desde aquí quiero dar las gracias por tan maravillosa reseña.

La Esfera Cultural: Bajo el signo de libra: Me gustan los blogs de los que se definen como "eclécticos por naturaleza". Así es Javier Arnott Álvarez. De hecho en su cabecera...

Aprovecho para comunicaros, algo que algunos seguramente ya habréis notado, y es que el nivel de actualizaciones ha pasado a ser de una por semana, y aleatoriamente dos, esto se debe a la imposibilidad, por motivos de tiempo de realizar las consabidas dos entradas, tal vez es que sea demasiado exigente, tanto en el material a enseñar como en los textos, pero prefiero disminuir el número de posteos a bajar la calidad que me he impuesto. De momento tranquilos que este blog sigue adelante.

Roberto Montenegro

noreply@blogger.com (Javier Arnott Álvarez) — Mon, 18 Mar 2013 23:05:00 +0000

Roberto Montenegro Nervo (1885-1968), Pintor mexicano, grabador, ilustrador y escenógrafo. En 1903 empezó sus estudios de pintura en Guadalajara con Félix Bernardelli, quien a su vez sería el impulsor de la publicación de las primeras ilustraciones de Montenegro en la "Revista Moderna", una revista promotora del movimiento modernista de América Latina y en la que escribiría su primo el poeta Amado Nervo. En 1905 se matriculó en la Escuela Nacional de Arte en Ciudad de México, donde Diego Rivera estaba estudiando, ganó una beca para estudiar en Europa. Tras dos años de residencia en Madrid, Montenegro, se trasladó en 1907 a París, donde continuó sus estudios y tuvo su primer contacto con el cubismo, conociendo a Picasso, Braque y Gris.

Tras un breve regreso a México, Montenegro regtesó a París. Con el estallido de la Primera Guerra Mundial se trasladó a Barcelona y de allí a Mallorca acompañando a Gándara, donde, durante cuatro años, vivió como pescador además de trabajar en la decoración mural del Casino de la Palma. En 1917 sus ilustraciones decoran una edición infantil de "La lámpara de Aladino" publicada en Barcelona. En 1918 y 1919 expone sus obras en Madrid y este último año sale a la luz en Londres el álbum de dibujos "Vaslav Nijinsky, an Interpretation in Black, White and Gold".
Durante su estancia en Europa asimiló diversas influencias, en particular del simbolismo y del Art Nouveau, tanto Aubrey Beardsley como William Blake la dejarían una profunda huella.

1907, Puerto de Venecia

1911, Palenque

1911, Vino de Consagrar

Odalisca

1921, Retrato de Gabriel Ferná-Ledezma

De regreso a México, Montenegro trabajó en estrecha colaboración con José Vasconcelos, Secretario de Estado de Educación Pública durante la presidencia de Álvaro Obregón en la década de 1920, a quien siguió fielmente en sus ideas innovadoras en cuanto al arte muralista, convirtiéndose en la figura preeminente de esta expresión artística, puesto que posteriormente perdería en favor de Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros debido a la politización de los contenidos murales. En 1921 fue nombrado Jefe del Departamento de Artes Plásticas de la Secretaría de Educación Pública.
fue invitado por Vasconcelos para decorar las paredes del antiguo convento de San Pedro y San Pablo en la ciudad de México. La primera de estas obras, ejecutadas en 1922 fue el Árbol de la Vida, mural sobre el origen y el destino del hombre. Así mismo diseñará dos vitrales influenciados por el arte popular: El Jarabe tapatio y la Vendedora de periódicos. Estos trabajos fueron seguidos por dos murales más en el mismo edificio: el Festival de la Santa Cruz (1923-4), en representación de la fiesta popular del 3 de mayo celebrado por los albañiles y canteros, y Resurrección (1931-3).

1928, Alegoría del ángel del viento o ángel de la paz

1939, Síntesis

1941, Momento actual

1942, La primera dama

Los bañistas

1944, Homenaje a Chirico

1945, Retrato de Alfonso Reyes

1949, Desesperación

1952, Xipe

Aunque Montenegro afirmó ser un "subrealist" en lugar de un surrealista, en sus obras mezclará realidad y fantasía, como quedó demostrado en las obras que presentó en 1940 en la Exposición Internacional del Surrealismo celebrada en el Galería de Arte Mexicano en la Ciudad de México. En su obra posterior Montenegro desarrolló un estilo abstracto, aunque nunca perdió su interés por el arte popular, prehispánica y colonial. También fue un excelente retratista, desde 1940 hasta la década de 1960 produjo una serie de espléndidos autorretratos en los que se muestra reflejado en un espejo convexo, combinando elementos del Manierismo y el arte popular. Ha ilustrado libros, incursionó en el diseño escénico, trabajando para el ballet y el teatro. En 1934 creó el Museo de Arte Popular en el recién inaugurado Palacio de Bellas Artes en Ciudad de México, convirtiéndose en su primer director.

1965, Naturaleza muerta con granada

1969, El hijo pródigo

En 2007 se estrenó el documental "Los murales perdidos de Roberto Montenegro" dirigido por Jorge Prior, basado en la investigación llevada a cabo por de Esperanza Balderas. Una aportación más al trabajo de recuperación de esta insigne figura del arte mexicano que por desgracia ha ido cayendo en un cierto nivel de olvido. En el documental se repasan los murales Resurrección, Fiesta de la Santa Cruz y El árbol de la vida o de la ciencia.

Dirección: Jorge Prior
Producción: TV UNAM y Producciones Volcán

+ Información:

http://www.conaculta.gob.mx/Roberto Montenegro, el poeta del pincel
http://www.museoblaisten.com/Roberto Montenegro
http://es.wikipedia.org/wiki/Roberto Montenegro

"Quatuor pour la fin du temps" de Olivier Messiaen

noreply@blogger.com (Javier Arnott Álvarez) — Sun, 17 Mar 2013 00:01:00 +0000

Hacía tiempo que no publicaba nada relacionado con la música, y por una extraña razón la vuelta a esta sección se produce de la mano de Olivier Messiaen y su "Quatuor pour la fin du temps" (Cuarteto para el fin del tiempo). Una obra que también hacía bastante tiempo que no escuchaba.
Obra compuesta por Messiaen en el campo de prisioneros Stalag VIII-A en Görlitz a donde había sido trasladado tras caer prisionero, en mayo de 1940, durante la Segunda Guerra Mundial en el frente de Verdún.

La obra fue compuesta para los cuatro instrumentos que encontró disponibles en el campo de concentración: piano, violín, violonchelo y clarinete. Estrenada en 1941 por Messiaen y sus amigos prisioneros ante una audiencia de prisioneros y vigilantes.

Richrad Stoltzman (clarinete)
Pamera Frank (violín)
Yo-Yo Ma (violonchelo)
Peter Serkin (piano)

Apoc. 10, 1 -7

SE HA CUMPLIDO LO ANUNCIADO POR LOS PROFETAS

[1] Vi después a otro ángel formidable que bajaba del cielo envuelto en una nube; el arco iris rodeaba su cabeza, su cara era como el sol y sus piernas como columnas de fuego. [2] En la mano tenía un librito abierto. Colocó el pie derecho sobre el mar y el izquierdo sobre la tierra [3] y gritó su anuncio con voz tremenda, parecida al rugido del león; al momento los siete truenos entregaron su propio mensaje. [4] Yo me preparaba a escribir lo que habían dicho los siete truenos, cuando una voz desde el cielo me dijo: «Guarda en secreto las palabras de los siete truenos, no escribas nada.» [5] Entonces el ángel que había visto de pie sobre el mar y la tierra levantó su mano derecha al cielo [6] y juró por el que vive por los siglos de los siglos, el que creó el cielo, la tierra, el mar y cuanto hay en ellos: «Ya no habrá más demora; [7] apenas se oiga el sonido de la trompeta del séptimo ángel, se habrá cumplido el plan misterioso de Dios, tal como lo había hecho esperar por medio de sus siervos los profetas.»

Seducidos por el Arte: Pasado y presente de la fotografía

noreply@blogger.com (Javier Arnott Álvarez) — Thu, 14 Mar 2013 17:49:00 +0000

Seducidos o abducidos por el arte?, esta es la cuestión que uno se plantea tras visitar la exposición del CaixaForum. Un viaje a través del mundo de la fotografía desde sus inicios, a principios del s.XIX, hasta hoy en día y su interrelación con el mundo de las artes tradicionales.
Retratos, paisajes, naturalezas muertas, desnudos son presentados desde el punto de vista tradicional, pero la mirada es completamente diferente, ya que pasado y presente se entremezclan generando conexiones y refrendando el imaginario colectivo occidental de las artes clásicas y su pervivencia en las obras de vanguardia. Una visión que refuerza la universalidad del canon tradicional.

Ignace-Henri-Théodore Fantin-Latour. La riqueza Rosy de junio, 1886

Adolphe Braun. Ramo de malvarrosa (Etude de Fleurs), hacia 1857

Ori Gersht. Blow Up Untitled 5, 2007

Luis Meléndez. Naturaleza muerta con manzanas, uva, melones, pan, jarra y botella, c. 1771

Evelyn Hofer. Jarrón de Oaxaca con berenjena, Nueva York [Naturaleza muerta, nº 2], 1997

No obstante, en unos momento en que el mundo de la fotografía está plenamente consolidado, no deja de sorprender esta yuxtaposición, ya que parece una búsqueda de justificación a la inclusión de la fotografía en el mundo de las bellas artes a base de los nexos de unión entre la fotografía y los grandes maestros de las artes tradicionales. Tal vez sea debido a que la exposición parte de una de una pinacoteca, "The National Gallery" (Londres) en la que el mundo de la fotografía ha estado ausente hasta este momento.

Émile Jean-Horace Vernet. Batalla de Jemappes, 1821

Luc Delahaye. US Bombing on Taliban Positions, 2001

John Constable. The Cornfield, 1826

Richard Billingham. Hedgerow (New Forest), 2003

Eugène Delacroix. La muerte de Sardanapalo, 1827

Tom Hunter. Muerte de Coltelli, 2009

En lo personal creo interesante la idea, no tanto como justificación y sí como elemento generador de un discurso que avala la continua interrelación entre las diferentes disciplinas artísticas y la curiosidad que puede despertar el hecho de comparar la fuentes de donde beben muchos de los creadores. A nadie se le escapa la interrelación entre los artistas pertenecientes a diferentes corrientes creativas así que por qué no entre dos disciplinas diferentes la pintura y la fotografía. Una reafirmación de esa sensación de déjà vu que tenemos ante la visión de ciertos trabajos, que no es más que la transposición a los momentos actuales de obras clásicas.

Thomas Couture. Romans in the Decadence of the Empire, 1847, Musee d’Orsay

Oscar Gustav Rejlander. The two ways of Life, 1857

Thomas Gainsboroughg. Mr. and Mrs. Carter, 1747-1748

Martin Parr. Signos de los tiempos, Inglaterra, 1991

Jean-Auguste-Dominique Ingres. Mujer estirada, 1808

Richard Learoyd.

James Anderson (?). El grupo de Laocoonte, 1855-65

Richard Learoyd. Hombre con tatuaje de un pulpo, 2011

Jan Lievens. Retrato de Anna Maria van Schurman, 1649

Maud Sulter. Calliope, 1989

CaixaForum Barcelona (21 Febrero 2013 – 19 Mayo 2013)

+ Información:

http://obrasocial.lacaixa.es/nuestroscentros/caixaforumbarcelona/seducidosporelarte_es.html

La Mirada de Roman Vishniac

noreply@blogger.com (Javier Arnott Álvarez) — Sat, 09 Mar 2013 00:25:00 +0000

Roman Vishniac retratado por Philippe Halsman, Nueva York, 1967

La Mirada de Roman Vishniac (19 de agosto de 1897 en Pavlovsk - 22 de enero de 1990 en Nueva York) es la mirada de su propia vida. La vida de un judío de origen ruso que documentó las condiciones de vida de los suyos, primero en el este de Europa, después bajo la Alemania Nazi y finalmente en la diáspora que siguió a la segunda Guerra Mundial durante la posguerra en U.S.A, lugar donde sería reportero y retratista.

1933, Mara, hija de Vishniac, delante de un cartel electoral de Hindenburg y Hitler, "El mariscal y la lucha corporal con nosotros por la paz y la igualdad de derechos", Wilmersdorf, Berlin

1935, Muchacho entre la leña en el sótano de su vivienda, Krochmalna Street, Varsovia

1935, Niñas

"These are the faces of children I embraced and kissed and loved. I cannot imagine that they are dead, that none would survive... A million and a half children among the six million... But this I knew... I wanted to save their faces, not their ashes."

Testament to a Lost People

1935, tropas Nazis marchando cerca del Arsenal, en frente de la Catedral de Berlín.

1935-36, Calle de Berlín con la esvástica al fondo

1935-38, Hombre comprando arenques, envueltos en papel de periódico, para una comida de Shabat

1935-38, Chaim Simcha Mechlowitz, agricultor y curtidor, Vysni Apsa

1935-38, escolares, Mukacevo

1935-38, abuelo y nieta, Varsovia

1935-38, chicos y libros

"The Jews of the shtetls that Tolstoy remembered were saints... the people I photographed were saints. So now, in 1983, I tell the world: When you learn about Goethe, don't forget to study the Holocaust, too"

Testament to a Lost People

1935-38, Niña regresando de la tienda con una olla de sopa y una botella de leche

1935-38, Un anciano de la aldea, Vysni Apsa

1937-38, Padre llevando a su hijo al primer día de cheder (escuela primaria judía), Mukacevo

1938, vendedores callejeros, Varsovia

El trabajo fotográfico de Roman Vishniac es la memoria de un mundo que fue fulminado de forma tan catastrófica como vil y cruel.

1937, Entrada al Gueto, Cracovia

1941, Marc Chagall

1947, Esperando los paquetes en el AJDC, Campo de personas desplazadas de Schlachtensee, Zehlendorf, Berlin

1951, Albert Einstein

+ Información:

http://vishniac.icp.org/
http://www.icp.org/museum/exhibitions/roman-vishniac-rediscovered
http://www.nytimes.com / A Closer Reading of Roman Vishniac
http://en.wikipedia.org/wiki/Roman_Vishniac

"Pandémica y Celeste" Jaime Gil de Biedma

noreply@blogger.com (Javier Arnott Álvarez) — Mon, 04 Mar 2013 23:05:00 +0000

Quaeris, quot mihi basiationes

tuae, Lesbia, sint satis superque.

quam magnus numerus Libyssae harenae

lasarpiciferis iacet Cyrenis,

oraclum Iouis inter aestuosi

et Batti ueteris sacrum sepulcrum;

aut quam sidera multa, cum tacet nox,

furtiuos hominum uident amores;

tam te basia multa basiare

uesano satis et super Catullo est,

quae nec pernumerare curiosi

possint nec mala fascinare lingua.

Preguntas cuántos besos tuyos, Lesbia,

Me satisfacen y superan.

Cuan grande es el número de arena libia,

Rica en laserpicio*, que se extiende por Cirene,

Entre el oráculo del tempestuoso Júpiter

Y el sagrado sepulcro del viejo Bato**;

O cuantas estrellas observan, cuando la noche calla,

Los furtivos amores de los hombres;

Tantos besos le satisfacen y le sobran

Al loco de Cátulo, que los curiosos

Jamás podrán contarlos

Ni mancillarlos con sus malas lenguas.

Catulo, VII

Afrodita de Milo, Museo del Louvre, París. Afrodita Urania (Celeste)

"Pandémica y Celeste"

Imagínate ahora que tú y yo
muy tarde ya en la noche
hablemos de hombre a hombre, finalmente.
Imagínatelo,
en una de esas noches memorables
de rara comunión, con la botella
medio vacía, los ceniceros sucios,
y después de agotado el tema de la vida.
Que te voy a enseñar un corazón,
un corazón infiel,
Desnudo de cintura para abajo,
Hipócrita lector - mon semblable - mon frère!

Porque no es la impaciencia del buscador de orgasmo
quien me tira del cuerpo hacia otros cuerpos
a ser posible jóvenes:
Yo persigo también el dulce amor,
el tierno amor para dormir al lado
y que alegre mi cama al despertarse,
cercano como un pájaro.
¡Si yo no puedo desnudarme nunca,
si jamás he podido entrar en unos brazos
sin sentir -aunque sea nada más que un momento-
igual deslumbramiento que a los veinte años!.

Para saber de amor, para aprenderle,
haber estado solo es necesario.
Y es necesario en cuatrocientas noches
- con cuatrocientos cuerpos diferentes -
haber hecho el amor. Que sus misterios,
como dijo el poeta, son del alma,
pero un cuerpo es el libro en que se leen.

Y por eso me alegro de haberme revolcado
sobre la arena gruesa, los dos medio vestidos,
Mientras buscaba ese tendón del hombro.
Me conmueve el recuerdo de tantas ocasiones...
Aquella carretera de montaña
y los bien empleados abrazos furtivos
y el instante indefenso, de pie, tras el frenazo,
pegados a la tapia, cegados por las luces.
O aquel atardecer cerca del río
desnudos y riéndonos, de hiedra coronados.
O aquel portal en Roma en vía del Babuino.
y recuerdos de caras y ciudades
apenas conocidas, de cuerpos entrevistos,
de escaleras sin luz, de camarotes,
de bares, de pasajes desiertos, de prostíbulos,
y de infinitas casas de baños,
de fosos de un castillo.
Recuerdos de vosotras, sobre todo,
o noches en hoteles de una noche,
definitivas noches en pensiones sórdidas,
en cuartos recién fríos,
noches que devolvéis a vuestros huéspedes
un olvidado sabor a sí mismos!
La historia en cuerpo y alma, como una
imagen rota,
de la langueur goutée a ce mal d'être deux.
Sin desprecia
- alegres como fiesta entre semana -
las experiencias de promiscuidad.

Aunque sepa que nada me valdrían
trabajos de amor disperso
si no existiese el verdadero amor.
Mi amor,

Íntegra imagen de mi vida,

sol de las noches mismas que le robo,
su juventud, la mía,
- música de mi fondo -
sonríe aún en la imprecisa gracia
de cada cuerpo joven,
en cada encuentro anónimo,
iluminándolo. Dándole un alma.
Y no hay muslos hermosos
que no me hagan pensar en sus hermosos muslos
cuando nos conocimos, antes de ir a la cama.

Ni pasión de una noche de dormida
que pueda compararla
con la pasión que da el conocimiento,
los años de experiencia
de nuestro amor.
Porque en amor también
es importante el tiempo,
y dulce, de algún modo,
verificar con mano melancólica
su perceptible paso por un cuerpo
- mientras que basta un gesto familiar
en los labios,
o la ligera palpitación de un miembro,
para hacerme sentir la maravilla
de aquella gracia antigua, fugaz como un reflejo.

Sobre su piel borrosa,
Cuando pasen más años y al final estemos,
quiero aplastar los labios invocando
la imagen de su cuerpo
y de todos los cuerpos que una vez amé
aunque fuese un instante, deshechos por el tiempo.

Para pedir la fuerza de poder vivir
sin belleza, sin fuerza y sin deseo,
mientras seguimos juntos
hasta morir en paz. Los dos,
como dicen que mueren los que han amado mucho.

Jaime Gil de Biedma

Afrodita de Cnido, copia romana del original griego de Praxíteles. Colección Ludovisi. Afrodita Pandemos (Común).

La Mirada de Eugeni Forcano

noreply@blogger.com (Javier Arnott Álvarez) — Thu, 28 Feb 2013 23:05:00 +0000

Foto: J.M. Saurí

Eugeni Forcano (Canet de Mar, 1926) , Premio Nacional de Fotografia 2012. Es, como tantos otros creadores, un fotógrafo que llega a la profesión por la concatenación de una serie de acontecimientos. Su vida dará un giro radical cuando en 1934 gana el concurso de fotografía de la revista Destino, desde entonces no pararán de encargarle reportajes. Comienza a trabajar en el mundo publicitario para empresas como Myrurgia, Dupont y Warner entre otras. Desde 1995 un problema de salud le mantiene apartado de la primera fila, ya que a nivel privado sigue realizando fotografías.

1961, La paloma de Cristo, Hogares Mundet. Barcelona

1960, Desmoronado. Calle de Copons. Barcelona

1961, Cruel sinrazón de la palma y el laurel. Barceloneta. Barcelona

1961, Lectura compartida. Plaça de Catalunya. Barcelona

1962, Ahora viene el cobrador. Barracas de Montjuïc. Barcelona

1961, Colegiales

"Busco l'emoció. Si no m'emociono, no puc disparar. El reportatge és un moment feliç que no es repeteix, ja pots disparar milers de fotos, que si no surt no surt"

Eugeni Forcano

1962, El pan nuestro de cada día. Calle Valldonzella, Barcelona

1962, el reto industrial. Avenida del Paral·l - Calle Abat Safont, Barcelona

1963, Haciéndose el hombrecito. Plaza de Toros de las Arenas, Barcelona

1964, Buscarse la vida. Santa Llúcia. Barrio Gòtic. Barcelona

1963, La mirada insondable. Montjuïc, Barcelona

1963, Una mujer optimista. Avenida del Paral·l, Barcelona

"La fotografia ha estat per a mi un camí d'emocions i sentiments, de somnis i fins i tot d'utopia, el reportatge ha fet possible poder acostar i descobrir la gent, sobretot l'anònima i sense veu"

Eugeni Forcano

1964, Exisencialista. Calle de los Comtes, Barcelona

1964, Sotanas. Barri Gòtic, Barcelona

1965, La inocencia en la ventana. Calle de les Semoleres, Barcelona

1965, Sorpresa!. Bajada de Sant Miquel, Barcelona

1966, El futuro en la mirada. Barceloneta. Barcelona

1967, Josep Pla. Casa del Sr. Vergés, Barcelona

+ Información:

http://www.eugeniforcano.info/
http://www.bcn.cat/arxiu/fotografic/forcano/00_index_es.html
http://ccaa.elpais.com/ccaa/La història s'escriu amb imatges.
http://xa2cu.blogspot.com.es/2010/07/eugeni forcano
http://xacc.blogspot.com.es/2012/11/eugeni forcano II

Robert Burns (1759 - 1796), J. D. Salinger & John Steinbeck

noreply@blogger.com (Javier Arnott Álvarez) — Mon, 25 Feb 2013 23:05:00 +0000

Retrato de Burns, por Alexander Nasmyth, 1787

Robert Burns (1759 - 1796) es considerado como uno de los pioneros del movimiento romántico, tras su muerte se convirtió en una fuente de inspiración para los fundadores del liberalismo y del socialismo, y un icono cultural en Escocia y entre la diáspora escocesa en todo el mundo. Su vida y obra es casi un objeto de culto nacional en Escocia, y su influencia ha sido fuerte en la literatura escocesa.
Pero qué tiene en común este poeta romántico con escritores como J. D. Salinger y John Steinbeck, a primera vista parece que nada, pero no es así.

"Coming through the rye"

Coming through the rye, poor body
Coming through the rye,
She draiglet a’ her petticoatie.
Coming through the rye

Gin a body meet a body
Coming through the rye;
Gin a body kiss a body,
Need a body cry?

Gin a body meet a body
Coming through the glen;
Gen a body kiss a body,
Need the world ken?

Jenny’s a’ wat, poor body;
Jenny’s seldon dry;
She draiglet a’ her petticoatie,
Coming through the rye.

(1782)

Este poema de Robert Burns serviría a J. D. Salinger tras una ligera adaptación de un fragmento para dar título a "Catcher in the rye" que aquí se tradujo como "El guardián entre el centeno". Aquí abajo la traducción del poema.

A través del centeno, pobre chica,
A través del centeno,
Arrastraba las enaguas.
A través del centeno.

Si dos personas se encuentran
A través del centeno,
Si dos personas se besan.
¿Tiene alguien que llorar?

Si dos personas se encuentran
A través de la cañada;
Si dos personas se besan,
¿Tiene el mundo que saberlo?

Jenny es una pobre chica empapada;
Jenny casi nunca esta seca;
Arrastraba las enaguas,
A través del centeno.

Pero este no sería el único caso en el que un poema de Robert Burns sirviera de inspiración para una obra posterior. "To a Mouse, on Turning Her Up in Her Nest with the Plough" serviría para que en 1937 John Steinbeck diera título a su novela "Of Mice and Men" (De ratones y hombres).

"To a Mouse, on Turning Her Up in Her Nest with the Plough"

Wee, sleekit, cow'rin, tim'rous beastie,
O, what a panic's in thy breastie!
Thou need na start awa sae hasty
Wi bickering brattle!
I wad be laith to rin an' chase thee,
Wi' murdering pattle.

I'm truly sorry man's dominion
Has broken Nature's social union,
An' justifies that ill opinion
Which makes thee startle
At me, thy poor, earth born companion
An' fellow mortal!

I doubt na, whyles, but thou may thieve;
What then? poor beastie, thou maun live!
A daimen icker in a thrave
'S a sma' request;
I'll get a blessin wi' the lave,
An' never miss't.

Thy wee-bit housie, too, in ruin!
It's silly wa's the win's are strewin!
An' naething, now, to big a new ane,
O' foggage green!
An' bleak December's win's ensuin,
Baith snell an' keen!

Thou saw the fields laid bare an' waste,
An' weary winter comin fast,
An' cozie here, beneath the blast,
Thou thought to dwell,
Till crash! the cruel coulter past
Out thro' thy cell.

That wee bit heap o' leaves an' stibble,
Has cost thee monie a weary nibble!
Now thou's turned out, for a' thy trouble,
But house or hald,
To thole the winter's sleety dribble,
An' cranreuch cauld.

But Mousie, thou art no thy lane,
In proving foresight may be vain:
The best-laid schemes o' mice an' men
Gang aft agley,
An' lea'e us nought but grief an' pain,
For promis'd joy!

Still thou are blest, compared wi' me!
The present only toucheth thee:
But och! I backward cast my e'e,
On prospects drear!
An' forward, tho' I canna see,
I guess an' fear!

(1785)

"A un ratón de campo, al sacarlo de su madriguera con un arado"

Pequeña, sedosa, temerosa bestia arrinconada
¡Qué gran pánico hay en tu pecho!
No tienes por qué huir tan presuroso,
con tanto alboroto
No es mi intención correr tras de tí
con azada homicida.

Siento de veras que el dominio del hombre
Haya roto el pacto que la Naturaleza establece,
y justifique la errada opinión
Que te hace mirar atónito
pobre compañero nacido de la tierra.
E igualmente mortal.

No dudo, no obstante, que es posible que robes
¿Qué importa?, pobre criatura, ¡tienes que vivir!
Una espiga ocasional de una gavilla
es pequeña pretensión.
¡Me daré por contento con el resto
Y ni la echaré en falta!

De tu pequeña casita, también en ruinas,
sus frágiles paredes los vientos esparcen
Y no hay, ahora, para construir una nueva,
Hierba recién cortada!
¡Y los vientos miserables de diciembre están al caer,
tan severos como vivos!

Tú que viste los campos quedar desnudos y yermos
Y cómo el duro invierno se echaba encima
Y aquí, calentito, a salvo de la tormenta
Pensaste que te quedarías
hasta que el cruel labriego pasó
y arrancó tu refugio.

Ese pequeño montón de hojas y ramujos
te había costado unas cuantas roeduras agotadores
Ahora te han dejado, después de todo tu esfuerzo
Sin casa ni hogar
Para soportar los chorreantes aguaceros del invierno
Y el frío rocío de la mañana.

La Fuerza silenciosa de Liu Xia

noreply@blogger.com (Javier Arnott Álvarez) — Thu, 21 Feb 2013 23:05:00 +0000

Liu Xia & Liu Xiabo

Poeta, pintora y fotógrafa Liu Xia ha sido, desde hace más de tres décadas, una figura notable en la escena artística contemporánea china . Hoy en día, por desgracia, es más conocida como un símbolo del desagrado del gobierno chino con su esposo el disidente y Premio Nobel en 2010 de los derechos humanos Liu Xiaobo. Aunque nunca fue acusada o condenada, Liu Xia está bajo arresto domiciliario desde que su esposo fue nombrado para el Premio Nobel.

El trabajo de Liu Xia está prohibido en China desde 1989, a pesar de que no participó en los hechos de Tiananmen y tampoco firmó la Carta 08, manifiesto liberal que desencadenó última y más larga pena de prisión de su marido, el Premio Nobel Liu Xiaobo, condenado en diciembre de 2009 a 11 años de reclusión. Estas fotografías, extrañamente inquietante y conmovedoras revelan verdades profundas sobre la China de hoy son un alegato contra la represión y falta de libertad del pueblo. Verdades silenciosas que rompen los muros y logran hacernos estremecer.
Hasta el 24.03.2013 se pueden ver en el Castell de Montjuïc.

+ Información:

http://brooklynrail.org/2012/03/artseen/liu-xia-the-silent-strength-of-liu-xia
http://en.wikipedia.org/wiki/Liu Xia
http://www.es.amnesty.org/temas/presos-de-conciencia/china-liuxiaobo-liuxia/
http://barcelonacultura.bcn.cat/es/descubre/la-fuerza-silenciosa-de-liu-xia,-en-el-castillo-de-montjuic
http://www.eldiario.es/politica/Liu-Xia-Montjuic-fotografias-China

Los Diarios de Karl Maria Kertbeny

noreply@blogger.com (Javier Arnott Álvarez) — Mon, 18 Feb 2013 23:05:00 +0000

Karl Maria Kertbeny (ca.1865)

Los diarios de Karl Maria Kertbeny son una inestimable fuente de conocimientos, no tanto por el texto en sí, como por las anotaciones, notas cortas en las que reflejaba su cotidianidad: a qué hora se levantaba, que tiempo hacía, de cuanto dinero disponía y a quién le debía dinero, si tenía que ir a la casa de empeños, con quien se encontraba y dónde, a quien escribió y de quien esperaba cartas, cuando regresó a su casa. Entre 1864 y 1868, también podemos encontrar evidencia de la correspondencia regular entre Kertbeny y Karl Heinrich Ulrichs. El primero de los diecisiete volúmenes que conforman esta correspondencia fue escrito en Bruselas, el último fue escrito 1881 en Budapest. A partir de 1870 las anotaciones desaparecen debido a la enfermedad que le impide escribir.
Kertbeny preferió escribir sus notas personales en alemán mientras residió en Bruselas, tras llegar a los lugares de habla germana cambia el idioma de sus diarios al húngaro. Este uso del lenguaje de forma diferenciada podría servir al propósito de mantener un cierto nivel de secretismo.

Desde el principio, son frecuentes las notas sobre su vida íntima que incluyen referencias a sus amistades con otros hombres siendo más frecuentes en el periodo en que Kertbeny tenía entre 40 y 45 años, antes de que en 1870 cayera gravemente enfermo. En relación con este tema, sobre todo entre 1865 y 1868, se nota la imposición de la auto-censura la aparición de borrones llegó a ser muy frecuente, en algunos de ellos las palabras originales aún son legibles. Las referencias de Kertbeny a otros hombres son dignas de mención por su cantidad, frente a las escasas referencias femeninas. La primera de este tipo de notas la podemos encontrar en el volumen de 1864: "2FR chico guapo.", "Muchacho bonito", o "Hubert, un chico hermoso". A principios de 1865 se menciona a un hombre llamado Hubert varias veces. Por ejemplo: "Hubert ausente por tres días", o "Hubert no vino otra vez!". También hay otras referencias sin nombre: "Chico maravilloso, pero no ..", "con ese chico todo es verdadero", "Me quedé mirando a ese hermoso niño". Al final del año se queja de la gonorrea. En 1866, todavía en Bruselas, se refiere a un "Berlinés hermoso", pero el final de la frase se vuelve ilegible (30 de enero). En febrero, cuando Kertbeny ya se encuentra en Düsseldorf, y a continuación en Colonia, las tachaduras son más frecuentes: "el joven peluquero", "peluquero hermoso", "muy enamorado del muchacho ... [tachado] "- y por encima de ella visiblemente:" lo hubiera hecho "," El barbero hubiese ido, pero no le quiero ". Luego continúa: "peluquero seducido, ¿Qué va a salir de esto?"; "Lajos vino, lo hicimos, taller", "Lajos no vino ".

A partir de finales de agosto, el tachado aumenta, a partir de este momento y hasta el final del año, casi todos los días se hace referencia a un János y más tarde a un hombre llamado Jancsi, posiblemente el apodo de János: "János no está en un buen estado de ánimo", "János está aquí, pero no funciona", "János mostró su ..."; "János lo hizo por mí". A partir de mediados de octubre, el nombre de Jancsi es legible en un montón de sitios: "Jancsi lo hizo por mí", "Jancsi no vino, ¿cuál es el problema? ¿Qué saldrá de esto?, Vino sobre las 10 ". Durante noviembre y diciembre se habla de Jancsi casi continuadamente: "Jancsi tocó para mí, temor de mi vecino, un teniente, note mis juegos matutinos", "Jancsi lo hizo por mí", "Jancsi [ilegible] Es una situación muy peligrosa, porque se oye todo de una habitación a la otra. " En el primer semestre de 1867, en Colonia: ". [Tachado] horror, sí [tachado] el pobre muchacho está enfermo ¿Cuál será el final?".

Sin embargo, a principios del mes de febrero se inician nuevas preocupaciones: "Horribles noticias! Numa fue detenidodo y se vio obligado a hacer de todo ¿Qué pasará? Gran temor!, "días terribles [... ] pesadillas horribles. He quemado todas las cartas peligrosas. ". Kertbeny tenía miedo de verse afectado debido a su relación con Ulrichs. A partir de este momento, casi todos los días, menciona su temor y las tachaduras se incrementan. El 16 de abril, se queja de la siguiente manera: "[ilegible] se ha perdido, y habrá hablado de mi, ¿qué pasará?, estoy devastado" (16 de abril). Ulrichs había sido detenido por segunda vez en 1867 en torno a la fecha de la nota. Kertbeny menciona en su diario que Ulrichs fue puesto en libertad el 13 de julio tras "aproximadamente ochenta y seis días" lo cual hace que la fecha estimada de arresto sea el 18 de abril, este mismo año la casa de Ulrichs en Burgdorf sería allanada por la policía, procediendo a la incautación de material altamente sensible "todo lo relacionado con 'Uranismo ... su correspondencia, y una lista de Urnistas (que incluía 150 nombres de Berlín ) ... [que] fueron enviados al Ministerio de Exteriores en Berlín ". A finales de abril Kertbeny se refiere a la detención de Ulrichs: "Numa está atrapado otra vez". (27 de abril). Tres días después, nuevamente hace referencia, muy probablemente, a Ulrichs y al resultado del escrutinio de su casa: "Este hombre me pone en el más horrible peligro. Han encontrado todas las ponencias" (30 de abril). El volumen de los diarios de 1868 Kertbeny comienza con una breve reseña de lo que probablemente fueron los eventos más importantes del año anterior. Aquí podemos encontrar las siguientes notas:. ". 4 de febrero - Numa es capturado de nuevo, [febrero] 5 - Quemé mis escritos; [abril] 18 - Vi [Jancsi] Groonen tiempo pasado; [abril] 23 - Numa es arrestado otra vez, le escribí a Numa; [abril] 27-Principio. de los días horribles hasta el 28 de mayo;!. 1 de mayo - mal momento, más horrible y el miedo".

From The Double Life of Kertbeny by Judit Takacs, G. Hekma (ed.) Past and Present of Radical Sexual Politics, UvA – Mosse Foundation, Amsterdam, 2004.

Y así podemos seguir leyendo una vida vivida en medio de la continua zozobra, situación de la que no le salvaba el hecho de mantener amistad con personajes como: Heinrich Heine, George Sand, Alfred de Musset, Hans Christian Andersen o los Hermanos Grimm. No sólo pendiente del día a día sino de la posible delación, del chantaje, unos diarios que son un inestimable documento para asomarnos a la precaria situación en que vivían los homosexuales en el s.XIX

+ Información:

http://frounch.blogspot.com.es/the secret life of kertbeny
http://www.policy.hu/takacs/pdf-lib/TheDoubleLifeOfKertbeny.pdf

Alberto García-Alix: Autorretrato

noreply@blogger.com (Javier Arnott Álvarez) — Thu, 14 Feb 2013 23:05:00 +0000

Autorretrato con el cuerpo herido (1981)

Alberto García-Alix (León, 1956) presenta en Barcelona la exposición "Autorretrato", una selección de fotografías en la que recorre su vida en imágenes. La muestra puede verse en "La Virreina, Centre de la imatge" hasta el 5 de mayo. "Me da un poco de vergüenza esta exposición de autorretratos. Me da mucho pudor", "Hay veces que me miro y no me reconozco. Me pregunto: ¿este soy yo?"

Nicotina (1982)

Autorretrato con la mano herida (1983)

Autorretrato con mocasines (1988)

"Hacer fotografía no me da ningún pudor. Tener la cámara en la mano tiene un sentido depredador, con intencionalidad, y por eso siempre rechazamos a alguien que quiere hacernos una foto, porque desconocemos su intención".

Alberto García-Alix

Autorretrato con chaleco (1989)

Autorretrato (1989)

Donde muere mi calle (1987)

Mi habitación en Estación 14 (1997)

"Comencé sin casi referentes fotográficos y he evolucionado en paralelo a la evolución de mi vida. He evolucionado aprendiendo a escuchar mi voz interior y los años me han hecho más preciso, conciso".

Alberto García-Alix

Mis botas (2000)

Autorretrato en Budapest (2000)

Al final del pasillo (2001)

Autorretrato. Mi lado femenino, 2002

Con la cara alta (2003)

Asomado al espejo (2009)

Todo (2010)

Un instante de silencio eterno, 2010

Collage (2012)

Diálogo con cuervo (2012)

Previamente:

http://bajoelsignodelibra.blogspot.com.es/2006/11/alberto garcía-alix
http://bajoelsignodelibra.blogspot.com.es/2008/12/alberto garcía-alix "de donde no se vuelve"

+ Información:

http://lavirreina.bcn.cat/
http://xacc.blogspot.com.es/seguim-la-virreina-alberto-garcia-alix

Ludwig von Hofmann, una cierta mirada

noreply@blogger.com (Javier Arnott Álvarez) — Mon, 11 Feb 2013 23:05:00 +0000

La obra de Ludwig von Hofmann se extiende a lo largo de un período de unos sesenta años, caracterizándose por una combinación de diversas escuelas que abarca desde el romanticismo al modernismo. Su trabajo combina la tradición del idealismo pictórico alemán con las corrientes artísticas francesas, siendo considerado escandaloso en su época. El hilo conductor de su obra es la recuperación de una Arcadia perdida, el hombre en perfecta conjunción y armonía con la naturaleza en perfecta armonía con fuertes regustos míticos.

Idolino (1892)

1910, Die Quelle

1915, Jóvenes y caballos en la fuente

Ludwig von Hofmann fue miembro fundador del grupo "Los Once" y de la Secesión de Berlín (1898), la primera rebelión abierta contra las tradiciones académicas que allanó el camino para la creación de los movimientos como el Expresionismo. Hofmann fue también miembro fundador de la revista de la influyente revista de artes, Pan, a la que contribuyó con numerosas ilustraciones a Pan, incluida la portada. Al tiempo que la reputación de Ludwig von Hofmann crecía, aumentaba su círculo de conocidos y asociados que incluia a: Arnold Böcklin, Edward Munch, Max Klinger, Gerhard Hauptmann y Stefan George. En 1898, nada menos que Rainer Maria Rilke le dedicó dos de sus poemas a su arte "Spiel" (Juego) y "Die Bilder entlang" (A lo largo de las imágenes).

Ludwig von Hofmann nació en Darmstadt el 17 de agosto de 1861. Hijo de Karl Hofmann y Cornelia Hofmann, de soltera von Kekulé Stradonitz. Su padre un alto funcionario público prusiano estuvo al cargo de las negociaciones de paz entre el Gran Ducado de Hesse y del Reino de Prusia durante la guerra de los Ducados (Guerra autro-prusiana), llegando a ser presidente de la cancillería imperial, y uno de los más cercanos colaboradores de Bismarck. Karl von Hofmann fue nombrado caballero por el emperador alemán en Wiesbaden el 29 de abril de 1882.
Ludwig von Hofmann, en marzo de 1899, contraerá nupcias con su prima, Eleonore von Kekulé Stradonitz - cuya madre, Anna von Kekulé Stradonitz, mantuvo estrechos lazos de amistad con el círculo de Cosima Wagner en Bayreuth. Su matrimonio no tuvo hijos. En 1935, la pareja adoptó a Blandine von Wenden (1926-1943), ahijada de Eleonore, que vivía permanentemente con los Hofmanns desde 1934. Blandine era la hija del escritor Egas von Wenden (1880-1939) y María Cosima condesa Gravina (1886-1929), cuya madre Blandine, de soltera Bülow, era hija del primer matrimonio de Cosima Wagner y Hans von Bülow.

No obstante la contemplación de la obra de Ludwig von Hofmann nos lleva a realizarnos un sinfín de preguntas. Es sobresaliente la gran cantidad de desnudos masculinos que aparecen en sus lienzos, no obstante nada en su vida nos lleva a sospechar la existencia de posibles inclinaciones homoeróticas. Por otra parte tambien existe desnudos femeninos, hemos de recordar que era algo bastante natural en el arte alemán de esa época. Sin embargo hay varios detalle bastante curiosos, sobre los que John Coulthart me ha hecho reparar, la cantidad de dibujos relativos a Ganímedes, tema recurrente de los Uranistas, así como de niños bañándose o jinetes desnudos. la admiración de Thomas Mann, por su trabajo, y al menos un esbozo de un chico de Capri, una isla con una larga tradición como lugar de vacaciones favorito para los homosexuales ricos y famosos de Europa. Todo ello intencionado o no nos hace suponer en como mínimo una posible bisexualidad, lo que ya no es especulativo es el el hecho de que su obra pertenece al mundo de la mirada homoerótica.

+ Información:

http://www.johncoulthart.com/the art of ludwig von hofmann
http://xa2cu.blogspot.com.es/ludwig von hofmann
http://xacc.blogspot.com.es/2012/12/ludwig von hofmann
http://leopoldest.blogspot.com.es/ludwig von hofmann
http://www.lvh-archiv.ch/
http://homodesiribus.blogspot.com.es/ludwig von hofmann
http://www.saxonia.com/galerie/999998.htm

La Mirada de Rafael Sanz Lobato

noreply@blogger.com (Javier Arnott Álvarez) — Thu, 07 Feb 2013 23:05:00 +0000

Foto: Julián Martínez/EFE

Nacido en Sevilla, en 1941, Rafael Sanz Lobato, es el vivo reflejo de los avatares de España, En 1941 se trasladó a Madrid con sus padres. Se dedicó a la pintura hasta los 15 años. En 1956 compró su primera cámara fotográfica, la cual junto a su seiscientos cambiarán para siempre su forma de ver y entender la vida.
En 1961 ingresó en la Real Sociedad Fotográfica donde fundará junto a Carlos Miguel Martínez, Donato de Blas, Nieto Canedo, Serapio Carreño, Mordí Landa, Carlos H.Corcho Botella y José Blanco Pernía, el grupo La Colmena, un intento de equilibrar la dictadura de la R.S.F en ese momento dominada por el grupo La Palangana. Tras la desaparición de La Colmena, formó junto con Vila Massip, Sanchís Soler, Juan Antonio Sáez López y Carlos Hernández Corcho, El Grupo 5.

En 1971 rompió sus vínculos con la R.S.F de Madrid debido al trasfondo político existente y por sus diferencias con Gerardo Vielba que silenciaria a toda una generación de fotógrafos. No obstante la importancia de su obra y su valor como testimonio etnográfico de la España rural y su tradiciones le llevará a recibir en 2004 la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes y en 2011 el Premio Nacional de Fotografía.

"Yo entonces era fotógrafo de fin de semana y a diario trabajaba en una empresa americana de aparatos de compresión. No trabajábamos los sábados y a primera hora cogía mi coche, mi dos nikons compradas a plazos y elegía un sitio del mapa: los caballos de Galicia, los toros de la vega... y ahí empezó mi documentalismo antropológico. Era el 72, el año en el que compré el coche. Un fin de semana hacía las fotos y otro las revelaba. Fueron 15 o 16 años frenéticos, disfrutando muchísimo y trabajando más"

1967, El maletilla

1966, Carabaña

1969, Camuñas,Toledo

1970, San Lorenzo de Sabucedo

1971, Miranda del Castañar

1971,Viernes Santo 24 mujeres enmantilladas en la Semana Santa de Bercianos de Aliste Zamora

1971, Bercianos de Aliste

"Nunca he manipulado ni alterado lo que estaba ocurriendo. Se nota. Lo huelo a tres kilómetros. Cuando veo fotografías en las que percibo esa manipulación, me enfado muchísimo. Y lo veo muchas veces"

Gabriel Cualladó

1986, Perejaume

1986, Chema Madoz

Alberto García Alix

+Información

http://www.revistaojosrojos.com/rafael-sanz-lobato/
http://xacc.blogspot.com.es/2011/10/rafael-sanz-lobato.html