OLTRE IL MURO: ARTE e FOTOGRAFIA

SHIN PYU

2012-01-28T08:00:00.000+01:00

Suona la campana, apro gli occhi, intorno è ancora buio. Non sono nella mia casa. Oggi è il mio primo giorno di “samanera” (noviziato). Mi trovo in uno stanzone con altri 9 novizi, non siamo più considerati bambini perché il “shin pyu” segna il nostro passaggio all’età adulta. Mi chiamo Zarli , ho otto anni.

Ci alziamo e indossiamo il nostro “shanga” , la tonaca arancione che mi è stata consegnata ieri e che mi accompagnerà per i prossimi mesi. Un “Hpongyi” mi fa segno di mettermi in fila dietro agli altri. Mi accodo e tutti con la nostra ciotola usciamo dal monastero con il sorgere del sole.
Passiamo di casa in casa e troviamo donne e uomini che ci attendono con un mestolo di riso. Anziché essere noi a ringraziare loro per il dono, sono loro che abbassano la testa ed a mani giunte pregano e ci ringraziano.

Il giro per il paese dura tanto tempo quanto il sole ci mette ad alzarsi. La mia ciotola è stata riempita da riso e da qualche piccolo pacchettino. Al rientro la fila si scioglie, le ciotole vengono consegnate e l’atmosfera diventa leggera come aria. E’ l’ora del bagno e con piacere scopro che il lavarsi, che ho sempre considerato un noioso dovere, diventa un momento di svago. L’acqua fredda che dalla testa scende fino ai piedi ci inebria, si ride e si scherza. Il riso raccolto durante l’elemosina mattutina diventa il nostro pasto, l’unico della giornata.

I pacchettini contengono dei piccoli giochi e dei lecca lecca. Quelli rimangono a noi. Durante le ore calde c’è chi legge, chi studia, chi si riposa e chi prega. Quando il sole non è più così torrido, un altro novizio mi chiama ed insieme ad altri monaci più grandi cominciamo a giocare a pallone. Un hypongyi ci chiede se vogliamo scendere al villaggio. E’ festa oggi e ci sono le giostre. Io vivo in campagna e non le ho mai viste le giostre. Saliamo tutti sul furgoncino aperto. Pochi chilometri ed eccoci di fronte alle giostre.

E’ uno spettacolo di colori, di allegria e spensieratezza. C’è la ruota che gira, la giostra con le macchinine e tanta gente che passeggia, mangia e fa acquisti. Anche noi tiriamo fuori i nostri lecca lecca e ci mescoliamo tra la folla. Non abbiamo molto tempo perché dobbiamo essere di ritorno per la preghiera della sera. Però è bello passeggiare liberamente. Tutti ci guardano con rispetto e noi ci sentiamo già grandi.

Dopo un solo giro del villaggio è già ora di tornare. Risaliamo sul camioncino ancora pieni di risate. Rientrati al monastero però veniamo richiamati alla compostezza e sempre in fila entriamo nella Pagoda del monastero. Niente più sorrisi, solo devozione e preghiera.

E’ ora di andare a letto. Mi sdraio sulla stuoia e ripenso alla giornata. Penso alla mia mamma che mi manca. Dopotutto è solo il mio primo giorno da grande.
Il racconto è dei giorni nostri ma sarebbe stato lo stesso 10 o 100 anni fa.
Birmania, Marzo 2011

all images © Renata Busettini

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LA SATIRA POLITICA E SOCIALE DI JAMES GILLRAY

2012-01-27T08:00:00.001+01:00

James Gillray (o anche Gilray) (Chelsea, 13 agosto 1757 – Londra, 1º giugno 1815) è stato un disegnatore inglese.
Egli fu caricaturista, stampatore ed incisore famoso per le sue acqueforti con soggetti di satira politica e sociale, pubblicate soprattutto tra il 1792 e il 1810… seguito

Great Stream from a Petty Fountain, 1797

The French Invasion, James Gillray 1793

Louis XVI taking leave of his Wife and Family, 1793

Titianus Redivivius, 1806 Mary Provis's Venetian Secret

A Family of Sans-Culottes refreshing after the Fatigues of the Day 1792

Tiddy-Doll, il grande panettiere francese, tira fuori un'altra infornata di re, mentre il suo aiutante Talley fa l'impasto (1806)

Very Slippy Weather (Tempi molto scivolosi), 1808

Charles James Fox in revolutionary dress flogs William Pitt as the streets run with blood

and figures (Canning and Jenkinson) hang from the street lamps.

(Published 20th October 1796)

MONSTROUS CRAWS, at a New Coalition Feast (Il Re, la Regina ed il Principe di Galles siedono attorno ad una scodella piena di ghinee e se le versano in bocca con il mestolo. - Incisione all'acquatinta di James Gillray del 29 maggio 1787)

A Voluptuary under the Horrors of Digestion (Un epicureo negli orrori della digestione)

Temperance Enjoying a Frugal Meal (La temperanza si gode un pasto frugale)

The Cow-Pock—or—the Wonderful Effects of the New Inoculation! (La pustola della mucca - ovvero - I meravigliosi effetti della nuova vaccinazione). Stampa del 1802

La gotta

DOUBLÛRES of Characters; – or – striking Resemblances in Phisiognomy. – "If you would know Mens Hearts, look in their Faces" (Controfigure; - ovvero - Impressionanti rassomiglianze fisionomiche - "Se volete leggere nel cuore degli uomini, guardateli in faccia"), 1º novembre 1798

LIGHT expelling DARKNESS, – Evaporation of Stygian Exhalations, – or – The SUN of the CONSTITUTION, rising superior to the Clouds of OPPOSITION. (La luce caccia le tenebre - Evaporazione delle esalazioni dello Stige- ovvero - Il Sole della Costituzione si eleva sopra le nuvole dell'Opposizione)

"BEGGING no ROBBERY; i.e. Voluntary Contribution; or John Bull escaping a Forced Loan" (1796)

"'The FRIEND of the PEOPLE', and his Petty-New-Tax-Gatherer, paying John Bull a visit" (May 28, 1806)

"More PIGS than TEATS, or the new Litter of hungry Grunters sucking John Bull's old Sow to death" (March 5, 1806)

"A Great Stream from a Petty-Fountain; or John Bull swamped in the Flood of new-Taxes; Cormorants Fishing the Stream" (May 9, 1806)

"Broad-Bottom Drones storming the Hive, Wasps, Hornets & Bumble Bees joining the Attack" (May 2, 1808)

The Hopes of the Party, prior to July 14th by James Gillray

James Gillray, Integrity Retiring From Office! (1801)

The Republican Attack by James Gillray (1795).

"The Plum Pudding in Danger" oil on Canvas.

IL REALE MERAVIGLIOSO

2012-01-26T15:00:00.002+01:00

Pittura naif dell'America latina
20 gennaio - 15 luglio 2012

Il reale meraviglioso è l'esposizione che il Museo Popoli e Culture dedica alla recente donazione di opere pittoriche provenienti dall'America Latina.
Sei paesi rappresentati - Brasile, Guatemala, Haiti, Santo Domingo, Honduras, El Salvador - 16 artisti, 35 opere esposte: questi i numeri di un'esposizione che non ha le pretese di essere enciclopedica, ma che intende valorizzare il variegato, colorato e intenso mondo dei pittori naïf latino americani. Un mondo reale, fatto di cose concrete e quotidiane come il lavoro, la foresta, il mercato, le feste di villaggio, ma reso meraviglioso, magico e variopinto dalle visioni ingenue e autonome di questi artisti.
I dipinti, pur essendo molto diversi uno dall'altro e presentando stili personali ben delineati e distinguibili, sono accomunati da forte vitalità e ottimismo: queste immagini positive e carnevalesche, generate dall'estro creativo di idraulici, barbieri, garagisti, agricoltori, cuochi..., sono prive di riferimento a tradizionali studi accademici. Gli artisti-artigiani che le hanno concepite hanno dunque saputo dar vita a uno stile senza appartenere a una scuola, possedendo una visione del mondo senza "ismi" di riferimento.

Joseph Jasmin, il pittore più allegorico di Haiti, ha scelto gli animali quali protagonisti unici e simbolici dei suoi dipinti, tanto da essere soprannominato "l'animalista francescano di Haiti". Jasmin ama gli animali con una passione degna di San Francesco e il mondo animale, come quello vegetale e minerale, è per lui espressione di un'unica forza vitale in continua metamorfosi. Sempre rimanendo in ambito haitiano - sezione più consistente all'interno della mostra -

Préfète Duffaut trasforma il piccolo villaggio natale di Jacmel in una città immaginaria surreale, animata da un movimento ascensionale che la rende pura materia innalzata verso il cielo; mentre

Alexandre Grégoire è autore di scene di vita quotidiana urbana e campestre trasposte in un mondo bucolico e fiabesco.

José Antonio Velasquez (Honduras), è considerato il primo pittore naïf dell'America Latina con esposizioni organizzate in tutto il mondo. Dipinge con stile minuzioso, degno di un miniaturista, le tegole e i sentieri sassosi della sua città, facendo del cane nero presente in tutti i suoi quadri una sorta di firma che autentica il suo lavoro.

Francisco Domingo da Silva (Brasile) incarna perfettamente lo stereotipo del pittore naïf: analfabeta, vagabondo, autodidatta, così povero da non poter acquistare il materiale per dipingere, scoperto casualmente dal mecenate straniero che ne intuisce le grandi potenzialità e finito poi amaramente nel declino personale e artistico. Invitato e premiato alla XXIII Biennale di Venezia nel padiglione del Brasile
Quest'arte folkloristica e simbolica è dotata di tutta l'energia ancestrale connaturata al termine "primitivo"; l'ottimismo e la vitalità comuni a tutte queste rappresentazioni testimoniano la permanenza di una generosità e di un immaginario che i popoli più ricchi del mondo occidentale sembrano invece aver perduto da tempo. Il dovere del pittore naïf non è soltanto quello di scrivere per immagini la cronaca del suo popolo, ma anche di aiutarlo, con ottimismo radicale, nell'incessante lotta per l'esistenza.
Nell'ambito della mostra verranno inoltre proposte visite guidate e serate di approfondimento a cura dei collezionisti.

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PORTE E FINESTRE DI CRAZY MADNESS

2012-01-26T08:00:00.000+01:00

all images © crazy madness

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APPUNTI VISIVI DI UN VIAGGIO CHIAMATO VITA

2012-01-25T15:00:00.005+01:00

Un omaggio ad una mia amica su fb che considero una filosofa della fotografia. Ogni scatto di Diana M. Cardillo ha dentro di sé, oltre al valore artistico, anche un profondo significato sociale e culturale. La strada rimane il luogo ideale per fissare momenti di vita e questa artista della fotografia sa cogliere perfettamente gli aspetti umani, ironici, politici determinanti le varie situazioni rappresentate dal suo occhio fotografico. La poetica delle immagini unita alla didascalia della fotografia stessa danno ulteriore risalto alla intelligenza artistica di Diana M. Cardillo.

Street

Cosa resta della rivoluzione culturale...

BaT- MoBiLe

Il respiro degli alberi

Andine

"Se vuoi sapere se un Paese è ben governato, ascolta la musica" (proverbio cinese)

Rainy Day

L'EquiLIBRIsta

Bologna...chi dice che è un buco di città?!

Amorino…Where is LoVe ??!!!

Di sesso femminile

Pop Love

All images © Diana M. Cardillo

Per gentile concessione dell’autrice
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SAM LUDDEN CERAMIC SCULPTURE

2012-01-25T08:00:00.000+01:00

“My name is Sam Ludden. I started making pottery twelve years ago while on work experience with Paul Melser. Subsequently, with advise from Paul, I began training as a potter under Ross Mitchell-Anyon at Wanganui Polytechnic for my Diploma in Ceramic Design & Production. After graduation I was drawn to travel overseas.”

“During my travels I managed to work as a potter in the South of France (Biot), the Czech Republic (Cesky Krumlov) and England (Lake District). In "Travelling Back" my father Mick Ludden tells the tale of our personal discoveries as we wandered the UK and Europe.”

sam ludden

MI RE I LA

2012-01-24T15:00:00.003+01:00

Tre note musicali

L'Aggiunta di una "l" fa di queste 3 note un nome di donna. Mirella. Basta l'aggiunta di una lettera e le tre note diventano sinonimo di Forza, Amore, Dedizione.

Mirella 71 anni

Alle sue spalle 43 anni vissuti insieme all'unica persona che abbia mai amato, 43 anni di condivisione, di difficoltà superate insieme, di sorrisi e di momenti belli; una famiglia, una casa, valori trasmessi. Ma è ormai da alcuni anni che le sue giornate sono cicliche e monotone, ma con dedizione, forza e amore, (Mi Re La) prova a guardare avanti… finché c'è vita c'è speranza… dall'altra parte però i ricordi si consumano giorno dopo giorno, lentamente inesorabili.
MI-RE-LA è la storia dell'amore di una donna per il proprio marito, ritrovatasi all'improvviso ad affrontare da sola la più grande difficoltà mai vissuta, fatta di speranze e incredulità, angoscia e rassegnazione, dolore e impotenza.
Sono 35,6 milioni le persone con demenza oggi nel mondo
Il dato è destinato quasi a raddoppiare nei prossimi vent'anni con 65,7 milioni di malati nel 2020 e 115,4 milioni nel 2050. I paesi più colpiti sono: Cina, India e America Latina. Il 58 per cento delle persone con demenza vivono nei paesi in via di sviluppo, saranno il 71 per cento nel 2050. Sebbene la demenza colpisca prevalentemente le persone anziane, vi è una crescente consapevolezza di casi che iniziano prima dei 65 anni. Dopo i 65 anni, la probabilità di essere colpiti da demenza raddoppia circa ogni 5 anni. Le persone affette da demenza, i loro familiari e amici sono colpiti a livello personale, emozionale, finanziario e sociale. La mancanza di consapevolezza è un problema globale. Una giusta comprensione dei costi della società causati dalla demenza e di come impattino sulle famiglie, sui servizi sanitari e sociali e sui governi potrebbe aiutare ad affrontare questo problema. "‑‑‑È fondamentale che i Governi e i politici di tutto il mondo prendano atto che il costo della demenza continuerà a crescere ad un tasso allarmante e che vi è la necessità di operare per migliorare i servizi di assistenza e supporto, il trattamento e la ricerca sulla demenza in tutte le regioni del mondo." (tratto da"Rapporto Mondiale Alzheimer 2010"). Il lavoro vuole raccontare la sindrome di Alzheimer attraverso gli occhi di chi questa sindrome la vive veramente in prima persona, ovvero il familiare che accudisce il malato. In maniera particolare in questa malattia, chi accusa un forte trauma non è solamente il malato ma più che altro i familiari che lo assistono. Il riuscire ad accettare uno "spegnimento" progressivo psico-cognitivo della persona amata, non è sempre facile ed il più delle volte impossibile.

Nato a Roma nel 1973, si dedica principalmente alla fotografia di reportage dopo aver partecipato ad un corso tenuto dal fotografo Dario De Dominicis, a cui sono seguiti vari workshop tra cui quello con Francesco Cito. Inizialmente fotografo di studio, in collaborazione con Antonio Arminio, si avvicina sempre di più al reportage di stampo sociale, anche grazie alla frequentazione di Officine Fotografiche. Ha conseguito il Master di Reportage presso l'accademia di fotografia John Kaverdash di Milano. Con Ostiense25 e [IM]POSSIBILE, che l'ha visto impegnato in prima persona, ha esposto a Fotoleggendo 2006 e 2008. Nel 2007 Ostiense25 è entrato a far parte del Festival Internazionale della Fotografia di Roma 2007. Oltre al reportage sociale e non, dedica particolare attenzione anche alla fotografia antropologica, seguendo numerose manifestazioni, per catturarne le tradizioni. Collabora attualmente con il Collettivo fotografico WSP tenendo corsi e laboratori di fotografia.
Premi e riconoscimenti
- Primo Premio nella sezione "Ritratto" nel Concorso Fotografico "Monopoli di Stato".
- Secondo Premio nel Concorso Fotografico Nazionale "Città di Cusano Milanino" con il lavoro "playnostation".
- Menzione speciale nel Concorso Fotografico Nazionale Monteriggioni - Medioevo.
- Un Argento e due Bronzi ad Orvieto Fotografia 2009 - FIOF Professional Photography Awards nella sezione Reportage.
- Quattro Bronzi ad Orvieto Fotografia 2010 - FIOF Professional Photography Awards nella sezione Reportage.
- Primo Premio assoluto al National Geographic Italia 2009 nella sezione "PERSONE".
- Secondo classificato al National Geographic International 2009.
- Primo Premio al Contest Photoaid 2010.
- Primo Premio 10° edizione 2010 della settimana della fotografia a Castelnuovo di Garfagnana (LU) - "Portfolio dell'Ariosto".
- Vincitore di categoria sezione "Reportage" al FIOF 2011.
- Vincitore di categoria sezione "Storia" al FIOF 2011.
- Primo premio assoluto fotografo dell'anno FIOF 2011.
- Vincitore World.Report Award 2011.
Pubblicazioni
"Natal de Cuba" su Witness Journal.
www.faustopodavini.eu

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Mi-Re-l-La. © Fausto Podavini

Ancora un prezioso riconoscimento per il lavoro MiRelLA, di Fausto Podavini, fotografo e docente del Collettivo WSP. Vince nella categoria Humanitarian Documentary il primo premio del concorso The Worldwide Photography Awards.
Sito internet: www.faustopodavini.eu

MINIMALISM

2012-01-24T08:00:00.000+01:00

Gilles Bonugli Kali

Artista fotografo vive a Marsiglia, Francia.

La mia direzione vita ha sempre seguito questo idioma: la diversità ha un senso, per me la natura, gli animali, gli uomini e anche l'universo non potrebbe esistere senza la diversità. La varietà di piante, alberi, gatti, stili di musiche, etnie umane ed ogni altra cosa fanno il senso dell'esistenza.

All images © Gilles Bonugli Kali

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HALF LIFE DI MICHAEL ACKERMAN

2012-01-23T15:00:00.000+01:00

Half Life è il terzo album di Michael Ackerman. Dopo "City Time End" (1999), un viaggio attraverso la caotica città di Varanasi, in India, e poi "Fiction" (2001), dove va in frantumi l'unità di luogo in una sequenza di immagini che sembrano essere stati fatti in fretta tra New York e l’Europa, in "Half Life" ritratti e paesaggi emergono dal buio pesto e Ackerman sa aggiungere un tipo di illuminazione surreale. L’approccio di Michael Ackerman non comporta intenzioni documentarie, dimostra solo il proprio modo di guardare il mondo, fatto di sentimenti di tenerezza, amore, solitudine e ansia, mentre l'obiettivo sottolinea dubbi e ossessioni. Half Life forma una narrazione in cui passato e presente si fondono in un approccio soggettivo che offusca tutti i punti di riferimento temporale e geografico.

all images © Michael Ackerman

ISPANTOS DI DARIO COLETTI

2012-01-23T08:00:00.000+01:00

“Per me la Sardegna è un organismo. Un organismo cosciente, attraversato da un sistema di comunicazione invisibile, efficace. Una entità maschile e femminile contemporaneamente. A volte rassegnata come può esserlo chi ha milioni di anni di esperienza, a volte ribelle,
combattiva come un adolescente appena affacciato alla società alla ricerca di una soluzione immediata, di una rivoluzione. Di questo organismo il territorio è il primo valore che va difeso. Si può offendere una terra sfruttandola in modo intensivo, senza controllo, con spirito di saccheggio, cercare il massimo del beneficio personale e immediato nel minor tempo possibile. Se sposassimo una idea di progresso siffatta che cosa lasceremo ai nostri nipoti? Tutti gli elementi costitutivi di un territorio vanno salvaguardati, il mare, le coste, le pianure, le piante, gli animali, la montagna. Anche l’elemento uomo va salvaguardato, assieme alle suemanifestazioni; ogni gruppo che popola il mondo ha diritto alla propria libertà e dignità e a conservare, se crede, il suo patrimonio di codici e segni, di usanze e consuetudini. Durante il mio viaggio spesso mi è tornata alla memoria la vita di Chico Mendes, siringueiro brasiliano che difendeva il diritto degli Indios amazzonici a vivere nel proprio territorio con le proprie usanze, secondo le proprie regole e in armonia con il proprio ambiente naturale. Chico, che è stato assassinato dai latifondisti e dal profitto indiscriminato, sognava un mondo di differenze dove le diverse sfumature culturali avessero potuto dar vita ad un progresso infinito basato sul confronto tra i popoli, sognava un mondo dove ogni uomo non fosse privato della propria dignità e della propria autodeterminazione, del proprio orgoglio e della propria libertà. Il suo spirito ha guidato il mio lavoro.”

Dario Coletti

All photos © Dario Coletti

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ARTWORKS BY ARTIST ADAM PEREZ

2012-01-22T08:00:00.001+01:00

IL SEGRETO DI SAN SPERATE

2012-01-21T08:00:00.001+01:00

È difficile spiegare quale sia il segreto di San Sperate, spiegare perché – tacendo i centinaia di nuovi residenti e le decine e decine di muralisti – persone e artisti diversissimi tra loro come il grande fotografo Pablo Volta o il jazzista Don Cherry, il regista dell’Odin Teatret Eugenio Barba o attori come Roberto Benigni, Dario Fo e Arnoldo Foà abbiano deciso di trasferircisi, o trascorrerci dei periodi o, semplicemente, dopo esservi stati ospiti, si siano perdutamente innamorati di questo paese che non è bagnato dal mare, non ha montagne meravigliose alle sue spalle, non può vantare laghi o musei di grandi dimensioni dentro i quali immergersi.
C’è qualcosa,ci deve essere qualcosa che spieghi questo successo, dicono…
san sperate

San Sperate è un paese assolutamente originale. La sua particolarità consiste nell’avere i muri dipinti ed essere arredato da sculture e opere d’arte.
Il muralismo a San Sperate.
La storia del Paese Museo inizia intorno agli anni ’60 quando prendono vita numerose iniziative in campo artistico e culturale. Nel ’67 arriva il riconoscimento di Paese Museo grazie soprattutto ai muri dipinti con i murales che lo abbelliscono e lo rendono unico e originale.
Sono circa 350 i murales realizzati con tecniche varie, distribuiti per tutto il paese che ospita nel suo territorio numerose manifestazioni culturali, artistiche, teatrali e musicali.
I muri di San Sperate insomma raccontano al visitatore il grande fermento culturale che il paese visse negli anni ’60.
Attualmente San Sperate ha contatti con le accademie d’arte più importanti d’Europa.
Pinuccio Sciola e le origini del muralismo.
Il muralismo a San Sperate ha inizio nella seconda metà degli anni sessanta grazie all’attività dell’artista Pinuccio Sciola, nato e cresciuto nel paese.
Dopo gli studi al liceo Artistico di Cagliari, frequentato grazie ad una borsa di studio conseguita per un concorso di scultura, Pinuccio Sciola soggiorna per lunghi periodi in Europa, in Spagna prima e a Parigi poi e in tal modo perfeziona il suo percorso di crescita e sperimentazione, confrontandosi con i movimenti artistici dell’epoca. Vivendo e respirando il fermento culturale europeo sviluppa il suo talento naturale fino a diventare un apprezzatissimo ed eclettico artista- scultore, ora di fama internazionale.
Rientrato a San Sperate, vince le iniziali diffidenze dei suoi concittadini e imbianca con la calce bianca le pareti di alcuni muri, di un paese fino allora dedito solo all’agricoltura e digiuno d’arte.
Grazie al suo entusiasmo e alla sua forte azione coinvolgente ed aggregante riesce a far entrare nel paese le novità artistico-culturali di matrice europea e insieme ad esse il potere dell’immagine che gradualmente prende forma e forza.
Nuovi messaggi, fermenti di una rivoluzione culturale attuata col pennello, così venivano dipinti sulla calce bianca e i loro colori vivaci trasmettevano un sempre maggiore fervore facendo dilagare l’entusiasmo.
I semplici muri di fango si trasformano e diventano una officina in cui vivere e raccontare i colori della vera storia.
Così il paese inizia a cambiare volto e questo attrae numerosissimi personaggi del mondo artistico e culturale, nazionale ed internazionale, che in vario modo danno il loro contributo alla evoluzione culturale, politica e socio economica che determina il cambiamento di quello che era un piccolo e anonimo centro sardo in un “paese museo” oggi unanimemente apprezzato.
Gruppi spontanei si attivano per restaurare e imbiancare i muri che diventano “tele” su cui in breve tempo, muralisti di tutto il mondo, messicani, statunitensi, spagnoli, tedeschi, ungheresi, giapponesi, dipingono murales con i più diversi soggetti.
Particolarmente colpita dall’esperienza vissuta a San Sperate la pittrice Hansi Bhon sente il bisogno di trasmetterla con racconti e immagini in un libro che pubblica a Londra agli inizi degli anni ’70.
Questa attività inventata da Sciola ha un effetto prorompente e trova il pieno consenso sia della popolazione che dei personaggi di spicco della cultura dell’epoca e così si diffonde anche in altri centri dell’isola.
Gli artisti che vi hanno partecipato e contribuito poi a diffonderne la fama anche fuori dall’isola tanto che nel 1976 l’intero paese riceve il prestigioso invito alla Biennale di Venezia.
Un piccolo centro della Sardegna ottiene così il riconoscimento per l’attività artistica nel senso più ampio del termine, il movimento non si ferma infatti solo ai dipinti di vario genere e soggetto, ma fa vivere al paese l’arte nelle sue più svariate e arricchenti manifestazioni; gruppi teatrali, giornalisti e intellettuali, fotografi, archeologi, musicisti, attori e poeti, artisti locali, nazionali ed internazionali frequentano San Sperate e si incontrano alla Biennale per testimoniare l’identità culturale isolana e la sua piena sintonia con le avanguardie artistiche dell’epoca.

murales in sardegna

FOTOGRAFIA, TORNA MENOTRENTUNO

2012-01-20T15:00:00.000+01:00

Lo sguardo dei giovani sull'Europa che cambia. In mostra a Sassari 400 immagini

L'età contemporanea raccontata da chi la vive in tutta la sua pienezza, dai contemporanei per eccellenza: i giovani. Venti fotografi provenienti da ogni parte d'Europa chiamati dall'associazione Su Palatu a confrontarsi su uno dei temi più scottanti del nostro tempo, la violenza. Ma forse è solo un gioco linguistico, una provocazione, la traccia - «Giovane Violenza», appunto - scelta dai curatori Salvatore Ligios e Sonia Borsato come filo conduttore della terza biennale di fotografia Menotrentuno. Perché per i venti protagonisti (tutti sotto i trentun anni) della rassegna che apre oggi alle 18 nel Museo del Novecento e del Contemporaneo di Sassari, «Giovane Violenza» non significa necessariamente violenza giovanile. Sì, in qualche caso, ma il senso che molti hanno dato ai propri reportage è nel titolo del saggio di Sonia Borsato, «I want to break free», dal brano cantato da Freddie Mercury, quasi un inno liberatorio: voglio irrompere libero. «Uno strappo - scrive la curatrice - nella cortina di una realtà preconfezionata, la doverosa ribellione dei figli verso i padri».

© Hedberg Casper _ Kenya

Sono quattrocento le immagini al centro di Menotrentuno, venti per ciascun fotografo. Gli autori sono Mikel Bastida (Spagna), Anna Fabricius (Ungheria), Alexandra Demenkova (Russia), il duo Max Pinckers e Quinten De Bruyn (Belgio), Raffaele Fasiello (Italia), Andrea Gjestvang (Norvegia), Nikola Mihov (Bulgaria), Joao Pina (Portogallo), Andreas Laszlo Konrath (Gran Bretagna), Bieke Depoorter (Belgio), Darko Stanimirovic (Serbia), Casper Hedberg (Svezia), Agnes Eva Molnar (Ungheria), Marin Hock (Belgio), Johan Bavman (Svezia), gli italiani Lorenzo Maccotta, Marcello Fauci, Paolo Marchi e Silvia Pazzola. Chiude il Gruppo Prospekt, composto ancora da cinque italiani (Barbara Baiocchi, Luca Ferrari, Francesca Mancini, Francesco Merlini e Michele Palazzi).

© Pina João_ Bande giovanili

«Giovane Violenza» chiude il cerchio della terza biennale di fotografia Menotrentuno. Come nelle precedenti edizioni, si tratta della mostra che presenta i migliori lavori già visti singolarmente a partire dalla scorsa estate in venti centri dell'isola. La novità è che non è più Villanova Monteleone, e precisamente Su Palatu, a ospitare l'esposizione conclusiva. Le ragioni sono note: tra l'associazione omonima che ha guidato il centro d'eccellenza per la fotografia e l'amministrazione comunale non ci sono più le condizioni per portare avanti una collaborazione durata dieci anni. Quali che siano le ragioni, resta il fatto che Su Palatu - intesa ora come associazione, non più come luogo fisico - non ha avuto difficoltà a trovare ospitalità da altre parti. Ed è successo in breve tempo, grazie alla Provincia di Sassari e alla presidente Alessandra Giudici, in uno spazio prestigioso qual è l'ex convento del Carmelo, nel luogo che diventerà il Museo del Novecento e del Contemporaneo.

© Mihov Nikola _ Tene fronte

«Siamo orgogliosi di aver collaborato a questo progetto, che rafforza la nostra intenzione di creare a Sassari un polo per le arti», ha detto ieri la Giudici. Per Ligios l'esperienza di Villanova è ormai alle spalle: «Dieci anni fa mi fu chiesto di dare vita a un progetto culturale che attirasse l'attenzione sul paese. Proposi un centro per la fotografia. I risultati sono arrivati. Se il nostro aiuto non serve più non ne facciamo un dramma».
Per la cronaca, l'allestimento della mostra è costato appena seimila euro. Sino al 26 febbraio (apre dalle 16 alle 20, chiusura domenica e lunedì).

© Bastida Mikel _ Teatri di guerra

© Bavman Johan _ Albino

© De Bruyn Q.-Pinckers M. _ Lotus

© Alexandra Demencova _ Fedor

© Depoorter Bieke _ Forse domani

© Fabricius Anna _ La follia accanto

© Fauci Marcello _ Al di là del mare

© Gjestvang Andrea _ Gioventù finnica

© Gruppo Prospekt _ Contestazione studentesca

© Hock Marin _ Tristezza altra

© Konrath A.L. _ Tott'umpare

© Maccotta Lorenzo _ Orune blues

© Marchi Paolo _ Exquèroes

© Molnar A.E. _ Guerre civili

© Pazzola Silvia _ Sulla bellezza

© Fasiello Raffaele _ In controluce

© Stanimirovic Darko _ Gazela Rom

Fonte

ARTIST JOHN HOLYFIELD

2012-01-20T08:00:00.001+01:00

John Holyfield è ampiamente considerato uno dei migliori artisti contemporanei afro-americani. È nato nel 1969 ed è stato cresciuto dalle sue nonne di Clarksburg, West Virginia, dopo essere rimasto orfano da bambino. Nonostante le prove e tribolazioni che ha vissuto da giovane, John Holyfield ha iniziato a studiare Graphics Design alla Howard University e alla University of Washington, D.C., dopo che il suo interesse e il talento nell'arte sono stati scoperti.

Il lavoro di John Holyfield è noto per catturare l'essenza della vita rurale e si concentra principalmente sui temi senza tempo della famiglia e delle tradizioni, patrimonio, cultura e spiritualità. Quando cerca ispirazione per nuove opere d'arte, disegna comunemente dai suoi ricordi d'infanzia, dalle storie della nonna e della Chiesa Battista . Una grande quantità del suo lavoro è pervaso da un sentimento meridionale e folk. Uno dei principali motivi per cui si concentra su questi temi è dovuto alla sua convinzione che questi sono i componenti culturali che rendono unici gli afro-americani. Egli sente veramente che la "Black Experience" è speciale e lavora diligentemente per catturare l'essenza “Black Experience” visivamente sulle tele.

Per quanto riguarda il suo stile, John ammette, che egli fu influenzato più da Norman Rockwell, Ernie Barnes e Frederic Leighton. Da Norman Rockwell, ha appreso l’abilità di raccontare storie narrative attraverso l'arte. Da Ernie Barnes, ha imparato a catturare il movimento utilizzando figure di forma allungata e distorta nelle sue composizioni. Da Frederic Leighton, ha imparato a utilizzare le ombre e la luce per creare accattivanti e splendide opere d'arte.

L’arte è lo scopo di John nella vita, e lui è grato di essere stato in grado di trovare il suo scopo in giovane età. Sente come se l'arte fosse la sua voce e un'estensione del suo sé fisico e spirituale. I fan del suo lavoro costantemente dicono che dipinge con la maturità di un artista molto più anziano. Uno delle sue principali speranze e obiettivi è che le persone utilizzeranno il suo lavoro per evocare i ricordi delle proprie esperienze personali di infanzia e di vita e che la sua arte influenzerà il cuore e le menti delle passate, presenti e future generazioni.

Potete trovare il lavoro di John Holyfield in centinaia di gallerie in tutto il mondo e online presso The Black Art Depot. Il suo lavoro è anche apparso in molti libri per bambini ed adulti ed ha anche adornaro le pareti di diversi television show.

holyfieldstudio

POUPETTE E LE SUE AMICHE

2012-01-19T15:00:00.001+01:00

Intervista a Federica Toppan

di Raffaela Coppari

L’arte esalta il suo aspetto ludico, e lo fa ricorrendo alla moda: in quest’ottica nascono i deliziosi Art Toys di Federica Toppan.
Una diversa dall’altra, cucite e dipinte a mano, lePupétte, eleganti bambole di stoffa, sono il frutto di una ricerca personale capace di coniugare, ancora una volta, la moda all'arte, restituendo così alla prima il suo significato originario: quello artistico.
Le prime 10 Pupétte sono anziane signore glamour, ispirate alla nota Poupette de Il tempo delle Mele - film che, a suo modo, ha segnato una intera generazione - prodotte con il supporto diQuattrocentometriquadri, l’associazione culturale anconetana che si propone di operare in un’ottica di massima libertà di contributi (letture, mostre, happening, workshops, concorsi) e che indaga - attraverso l’arte contemporanea, la leggerezza ed una sana inquietudine - aspetti effimeri e significati profondi della dimensione umana, nel tentativo di coglierne il senso aggiunto.
Raffaela Coppari/ Federica, tu hai lavorato per anni come disegnatrice di moda, creando anche alcune collezioni come stilista. Come nasce l'idea delle Pupétte?
Federica Toppan/ Apparentemente le Pupétte s'ispirano alle ben più note Pigotte; molti stilisti si cimentano nella creazioni di quest'ultime, i cui ricavati vanno in beneficenza, ma a me piaceva l'idea di rivisitarle in maniera del tutto diversa e personale, dando loro una connotazione che ci riporta, sì, alle vecchie bambole di pezza - quelle con cui giocavano le nostre nonne, per intenderci - ma, al contempo, attualizzarle con un tocco glamour: cappellini fatti all'uncinetto, lana in cachemire, bottoni accuratamente selezionati sullo stile di ogni bambolina.
RC/ Il nome richiama la Poupette de Il tempo delle Mele: perchè ti sei ispirata a lei?
FT/ Quando studiavo Arti Plastiche a Parigi, abitavo a casa di una signora francese molto simile a Poupette, l’arzilla ed elegantissima nonnina del Tempo delle Mele. Madame Moniqueaveva circa ottant’anni, ma nello spirito ne dimostrava non più di una ventina: ex professoressa di Filosofia, era stata sposata con un archeologo e viveva in un appartamento tipicamente parigino, le cui finestre si affacciavano lungo la Senna e da cui si poteva vedere Notre Dame da una parte, e la BibliotecaNazionale dall'altra.
Le Pupétte sono un omaggio a lei, a Parigi e a tutto ciò che quel periodo ha significato per me.

RC/ Abbiamo parlato di come è nata l’idea, ma come nasce materialmente una Pupétte? Da cosa inizi: dall’abito, da un’immagine?
FT/ Mi piace anzitutto disegnare un costume e caratterizzare il personaggio con le espressioni del volto necessarie - passaggio importante per dare all’abito un preciso stile. Per questo, quando nasce una Pupétte, la prima cosa che completo è il viso: perché mi permette di dare alla bambola un’espressione, una personalità distintiva, che poi tento di esaltare con il colore dei capelli, con il cappellino ed il resto dell’outfit.
Quando si lavora in un Ufficio Stile per un’azienda, in genere, si disegna su fogli prestampati in cui il volto del figurino è sempre lo stesso, fotocopiato mille volte, ma questo è il famigerato sistema della moda: si disegnano i bozzetti velocemente perché il tempo è denaro, e tutto è perfettamente in linea con le logiche del mercato, che inesorabilmente ci conduce verso l’omologazione.

Io tento di fare esattamente l’opposto, perché credo che questo sistema - traslato anche alla vita in generale - ci abbia abbruttiti sotto troppi punti di vista, appiattendo la fantasia. Bisognerebbe ritrovare il gusto di fare le cose e di farle bene in ogni fase, in ogni particolare, perché è nel processo creativo che si realizza un’opera, è il procedimento ciò che ci porta a concretizzare un lavoro che abbia un cuore, che abbia un’anima.
Sono infatti fermamente convinta che se lavori con sentimento, passione e devozione, è molto difficile che questo non si avverta nel risultato finale.

RC/ Gli abiti di ogni Pupétte sono cuciti a mano da te. Come scegli un materiale piuttosto che un altro?
FT/ Realizzo ogni Pupétte esattamente come se stessi realizzando un abito o un costume. Quando disegno un figurino, tento sempre di far sì che ogni particolare (dalla linea, ai tessuti, agli accessori) sia collegato al resto, perché è il risultato complessivo ciò che conta.
Mia madre faceva la sarta ed io, quando non disegnavo, mi divertivo a giocare con i bottoni: ne aveva una scatola enorme, ed io passavo il tempo a selezionare quelli che secondo me erano i più belli. Ora, con le Pupétte, faccio la stessa cosa: seleziono i bottoncini! E, con la stessa meticolosità, seleziono anche tutto il resto, in base alla personalità che tento di infondere alla Pupétte.
RC/ Quale immagini che sia il pubblico delle Pupétte?
FT/ Le Pupétte possono essereapprezzate sia dalle bambine che dagli adulti, in particolar modo da quelli che, come me, guardano al passato con un pizzico di nostalgia, che ripensano al Tempo delle Mele, alle musiche di Richard Sandersone Vladimir Cosma, ai Modern Talking e ad Irene Cara, agliWham! e a David Bowie, e che sono cresciuti con Fame e conFlashdance, quando andavano di moda i capelli cotonati, gli scaldamuscoli ed i colori fluorescenti dei giubbotti... Per questo le Pupétte sono un po’ retrò nello stile e riprendono la moda anni ’80, lì in agguato, in attesa di tornare a brillare sulle passerelle.
Certo, so bene che occorre sempre attualizzare il prodotto pensando a ciò che piace in questo momento ed a ciò che potrebbe piacere nei prossimi anni, ragion per cui cercodi operare rivolgendo uno sguardo al passato ed uno al futuro, all’interno del quale mi auguro che una creazione come la Pupétte - che di tecnologico ha ben poco - possa almeno regalare una dimensione di nuova spensieratezza.
RC/ Le tue Pupétte vengono esposte e distribuite da una galleria di arte contemporanea, la Quattrocentometriquadri Gallery. Che tipo di rapporto c’è, secondo te, tra Arte e Moda?
FT/ Che l’arte e la moda siano strettamente collegate, nonostante la vetusta opinione dei puristi, è assodato. Personalmente, credo che sia interessante la contaminazione dell’una con l’altra - ed in generale la contaminazione tra le discipline dà spesso spunti interessanti.
Numerosi artisti si sono occupati della moda: alla base di molti progetti dei più interessanti fashion designers c’è un concetto, e cioè che la moda è un luogo privilegiato dell’ibridazione tra i linguaggi, un ripensamento del rapporto tra il corpo e le sue modalità di produrre senso, tra il corpo e il suo desiderio. Il mito dell'unicità dell'opera ha da tempo lasciato il posto a una concezione nuova dell'arte, trasformando notevolmente anche il ruolo e la funzione dell'artista. Del resto, temi e tecniche devono adeguarsi ad un mondo in continua metamorfosi.

Dunque, sebbene il sottile legame tra arte e moda sia oggetto di dibattito sin dalla fine dell’Ottocento nelle figure dei primi couturiers - artisti/artigiani che consideravano le loro creazioni vere e proprie opere d’arte - è proprio a partire da quello spirito che penso alla moda come parte fondamentale della culturacontemporanea, e alla creatività degli stilisti come essenza artistica a tutti gli effetti.
RC/ Arte contemporanea e Moda: 3 riferimenti per te significativi in questi ultimi anni?
FT/ Incredibile l’esposizione al Metropolitan Museum di New York dedicata ad Alexander McQueen, la mostra al Musée des Arts Décoratifs di Parigi che presenta le opere di Hussein Chalayan e l’esposizione degli abiti-scultura di Issey Miyake.
RC/ Le Pupétte avranno altre serie? Hai già delle idee?
FT/ Mi piacerebbe farne diventare una linea vera e propria, che ripercorra questo stile: borsette con Pupétte dipinte, stole, mantelle, sciarpe, cappellini all'uncinetto...
Ma è ancora presto, magari - qui sait? - per il prossimo Natale!
Federica Toppan
Nel 1994 entra all’Accademia di Belle Arti di Bologna, e nel corso del quarto anno vince una borsa di studio presso l’Université des Arts Plastiques di Parigi, dove frequenta il Corso di Scenografia. Dopo il diploma accademico in Pittura, con tesi sulla Stilizzazione dell’Immagine femminile nelle artiﬁgurative dal primo ’900 ai giorni nostri, comincia a collaborare come disegnatrice e come aiuto-stilista per aziende di Bologna e Rimini. Nel 2002 inizia a lavorare come docente di Disegno nella provincia di Ancona ed a collaborare presso la sartoria delTeatro delle Muse di Ancona. Nel 2005 ha partecipato alla mostra I Designers delle Marche presso la Mole Vanvitelliana. Collabora come sarta serale, oltre che con il Teatro delle Muse, con lo Sferisterio Opera Festival e con il Teatro Stabile delle Marche.
Tra le altre collaborazioni come assistente ai costumi si segnalano: "Gianni Schicchi" di Puccini, regia di M. Mazzoni,Teatro Nazionale di Sarajevo; “Sogno di una notte di mezza estate” di W. Shakespeare, regia di A. Bernard, Teatro Rainerum, Bolzano; "I Monologhi della vagina", regia di G.Teodoro, Teatro Sperimentale, Ancona; “L’ombra di Federico”, film in costume, regia di Marco Cercaci, costumi di Giovanni Gobbi.
Quattrocentometriquadri gallery - Art Toys presenta
PUPETTES di Federica Toppan
Associazione culturale QUATTROCENTOMETRIQUADRI
Via Magenta, 15 - Ancona
www.quattrocentometriquadri.eu
Fonte

PORTRAITS by ALESSANDRO ZUEK SIMONETTI

2012-01-19T08:00:00.001+01:00

Nato a Bassano del Grappa nel 1977, vive a NYC dove si è trasferito due anni fa. Laureato presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia non ha seguito studi legati alla fotografia, ma utilizzato il mezzo fotografico sin da quando si avvicinò alle culture di nicchia di strada, quali lo skate e la musica punk nei primi anni '90. Alessandro collabora con realtà nazionali e internazionali legate alla cultura e all’arte nonché con Brand quali Carhartt, 55dsl, Bijules, Zooyork. Il più delle volte le sue foto utilizzano supporti non legati alla tradizionale concezione di fotografia, allargando immagini su wallpaper e installando le stesse in luoghi pubblici o gallerie. Il suo lavoro è rappresentato da Jarach Gallery, Venezia.

all images © alessandro zuek simonetti

Fonte

YES RASTA DI PATRICK CARIOU

2012-01-18T15:00:00.002+01:00

all images © patrick cariou

http://www.patrickcariou.com/
http://www.ilpost.it/2011/03/23/richard-prince-fotografie/
http://www.repubblica.it/speciali/arte/recensioni/2012/01/02/news/citazioni_l_arte_come_la_musica_ora_si_pagano_i_diritti_d_autore-27487428/
http://hyperallergic.com/22424/cariou-prince-pick-side/

REALISTIC PAINTINGS BY DAVID JON KASSAN

2012-01-18T08:00:00.000+01:00

David Jon Kassan. Immergendosi nella sua materia, Kassan è in grado di fondere la sua pittura con la vita ed il realismo. Il realismo di Kassan segue le filosofie apprese dalla Ashcan School of American Realist. Le influenze di Kassan sono varie; citando Robert Henri e John Sloan come sue influenze primarie nella filosofia e nella materia in oggetto. Per quanto riguarda lo stile e la tecnica egli cita pure, come influenze, Antonio Lopez Garcia, Mark Rothko, Franz Kline e Clyfford Still .

http://davidkassan.com/

Fonte

MUTABILES NIMPHAE

2012-01-17T15:00:00.000+01:00

Roberto Kusterle è nato nel 1948 a Gorizia.
Dagli anni Settanta lavora nel campo della arti visive, dedicandosi sia alla pittura sia alle installazioni. Dal 1988 inizia ad interessarsi alla fotografia che è diventato il suo principale mezzo espressivo. Vive e lavora a Gorizia.

All images © Roberto Kusterle

http://www.robertokusterle.it/

MÁSCARAS E CARNAVAL - MUSÉE DAPPER, PARIS

2012-01-17T08:00:00.000+01:00

Fino al 15 julho de 2012

Per la prima volta, il Museo Dapper riunisce opere tradizionali dell’Africa sub-sahariana e caraibica. Questi momenti forti sono vissuti come rituali, momenti condivisi, in cui rafforzare i legami di gruppo.
La mostra offre un'occasione unica per esplorare le assonanze tra maschere africane e carnevali nei Caraibi e in Guyana.
Esaminando queste maschere, costumi e acconciature, abbiamo una buona testimonianza di quueste atmosfere uniche.

NIGERI ABoki

Masque-cimier

Bois, fibres végétales, fer, tissu et pigments. H. : 26 cm

Ancienne collection de Charles Ratton

Musée Dapper, Paris. Inv. n° 0474

Tabwa
République démocratique du Congo
Masque kiyunde
Bois, cuivre et pigments H. : 39 cm
Acquis de Mme Jean Verheyleweghen
Musée royal de l’Afrique centrale, Tervuren. Inv.

AngolaKongo / Vili
Masque et costume ndunga
Bois, pigments, raphia et plumes. H. : 185 cm
Acquis du Rotterdamsche Diergaarde, 1939
Wereldmuseum, Rotterdam. Inv. n° MvVR 28547
© Collection Wereldmuseum , Rotterdam , pa ys-bas ,photo Erik Hesmer g.

Cameroun Bamileke

Masque kungan

Bois et pigments. H. : 45 cm

Ancienne collection de Charles Ratton. Acquis en 1930

Museum Rietberg, Zurich. Inv. n° RAF 723

Salam pasu République démocratique du Congo
Masque mukish
Fibres végétales et pigments. H. : 64 cm
Collecté par Jules Auguste Fourche. Acquis en 1946
Musée royal de l’Afrique centrale, Tervuren. Inv. n° EO.0.0.43155
Photo Jo Van de Vyver , MRAC Tervuren ©
Collecté par Jules Auguste Fourche. Acquis en 1946
Musée royal de l'Afrique centrale, Tervuren. Inv. n° EO.0.0.43155
Photo Jo Van de Vyver, MRAC Tervuren ©

KUBA
RÉPUBLIQUE DÉMOCRATIQUE DU CONGO
Masque moshambwooy
Bois, tissu, cauris, perles, métal, plumes, poils et pigments
H. : 47 cm (masque) ; H. tot. : 246 cm
Musée royal de l’Afrique centrale, Tervuren. Inv. n° EO.0.0.15365
PHOTO STUDIO ROGER ASSELBERGHS FRÉDÉRIC DEHAEN,
MRAC TERVUREN ©

Nigeria Yoruba , Costume egungun
Tissu, métal et miroirs. H. : 158 cm
Musée international du carnaval et du masque, Binche
Inv. n° 90/1949
© Photo d’Olivier Desart pour Le Musée international du Carnaval

Martinique - Masque de Diable rouge

Créé par Georges Grangenois, en décembre 1997

Chanvre, casque de moto, cornes et queues de boeufs, fil électrique,

grillage, mâchoire de requin, miroirs, plastique et pigments. H. : 69 cm - Collection particulière

Martinique - Maryann lapo fig

Créé par le groupe Psyché, en 1993

Feuilles de bananier séchées et divers matériaux

H. : 170 cm - Collection particulière

VUVI - GABON
Masque
Bois, fibres végétales et pigments - H. : 32 cm

GUADELOUPE
Ville : Basse-Terre
Mas a kongo du groupe Voukoum, 2009
© Photo Hugo «irieson» Mercader.© Photo de Zak Ové , 2004.
© Archives Musée Dapper – Photo Hughes Dubois .

Musée Dapper - 35 bis, rue Paul Valéry - 75116 Paris / 01 45 00 91 75

http://www.dapper.com.fr/

IL “VIAGGIO” DI FLAVIO PIRAS PASSA DALLA POSTA

2012-01-16T15:00:00.000+01:00

L'artista usa anche timbri, cartoline, buste, francobolli per collocare l'opera nel tempo e nello spazio

Flavio Piras

Timbri, cartoline, buste, francobolli… elementi che ricorrono nell'opera di Flavio Piras come un rimando costante al valore simbolico del viaggio. Secondo il diretto interessato, nato nel 1956 a Piscinas Giba (Cagliari) ma dal 1962 residente ad Asti, il gesto di “affrancare” l'opera assume “il valore centrale di convalida ad affrontare l'incerto e in qualche modo misterioso percorso che le permetterà di arrivare a destinazione”. Un gioco di rimandi -viene aggiunto in questa intervista a “Vaccari news”- con “il riguardante, messaggio che viene lanciato al mondo (pragmaticamente, spedito), che l'artista invita a recepire e che diviene al tempo stesso da esperire, attraverso la visione. In alcune composizioni, il francobollo e il timbro diventano il cuore dell'opera e per questo vengono collocati in posizione centrale rispetto allo spazio che li contiene. Entrambi sono simboli di un accreditamento che sposta l'opera dalla dimensione sospesa e onirica dell'arte in direzione del reale, collocandola nel tempo e nello spazio: il viaggio, che si realizza dentro e fuori l'opera, può ora avere inizio”.
Il principio compositivo si caratterizza appunto per l'applicazione di elementi cartacei in un supporto a sua volta di carta, sui quali imprime caratteri marchiati a fuoco o mediante timbri ad inchiostro.
L'opera si articola sul terreno dell'esplorazione attorno ai temi di forma-materia-concetto, applicati al valore del viaggio e alla trasfigurazione dei confini tangibili dell'oggetto in corrispondenze concettuali. Dal punto di vista della tecnica, rimanda ad archetipi vagamente primordiali, riscontrabili nell'utilizzo dadaista che fa dei materiali. Una forza interiore esala dalle composizioni, dando vita ad un universo di rimandi ed allusioni a tematiche, talvolta estremamente critiche, corrose dall'incedere del tempo e dalle tormente esistenziali.
Al suo attivo Piras ha una lunga carriera espositiva, avendo cominciato molto presto: la prima mostra personale si svolse nel 1977 alla galleria “La fornace” della città piemontese, passando poi a Torino, Milano, Bologna, Ferrara, Venezia, Palermo… Nel carnet, pure diverse esperienze all'estero, in particolare in Belgio, e poi a Tokyo, Amsterdam, Pechino, Seoul. Al periodo haitiano è collegata un'esperienza particolare, alla quale risalgono numerose foto, installazioni ambientali e le serie di “light box”: queste ultime sono tutte corredate di un francobollo, apposto come suggello alla firma.
Nel 2006 ha voluto l'Associazione fondo “Giov-Anna Piras”, in memoria della madre Giovanna e della sorella Anna, con l'obiettivo di condividere, in un unico luogo pubblico, una grande collezione privata, rendendo fruibili opere d'arte e risorse culturali che diversamente non sarebbero state condivisibili da molti. L'idea, più che avere una mostra permanente, è proporre un allestimento o due all'anno, ogni volta diversi. In seguito la struttura si è impegnata nell'attività conservativa: ecco il laboratorio Lcr Piras, per il restauro della fotografia e dei supporti cartacei. Oltre alle opere pittoriche, scultoree e alle installazioni, ospita altre collezioni: di vini storici, libri rari e prime edizioni, giocattoli d'epoca, vinili da amatore.
E poi, c'è la collaborazione con il gruppo Art hotel Italia: Piras ne coordina da anni la direzione artistica, a cominciare dagli allestimenti espositivi e dagli arredi di design. Spesso espone proprie opere, tra cui quelle che contengono riferimenti postali.

Drappo della Corsa del Palio di Asti 2008.

Omaggio a Picasso N°7, tecnica mista su tavola + materiali appartenuti e provenienti dallo studio di Picasso, 2008.

New Spirit, tecnica mista su telone da camion, fine anni '90, collezione privata

Tre tecniche miste, due senza titolo, dell'artista; la prima risale al 1989 ed è inserita nella serie “Venezia riflessioni”. La seconda, del 1991, appartiene alla “Haiti today”; presenta tracce di incendio perché “pone Haiti come metafora di terra bruciata, una terra di fuoco, dove quest'elemento rappresenta, ad un tempo, una basilare fonte di sostentamento e uno strumento di lavoro insostituibile”. L'ultima, del 2009, è “Futuristi contro la fotografia”; qui “il francobollo e il timbro diventano il cuore dell'opera e per questo vengono collocati in posizione centrale rispetto allo spazio che li contiene”

Fonte

E ORA TANGO

2012-01-16T08:00:00.001+01:00

Pablo Corral Vega photographer

Il favoloso tango visto nella quotidianità della vita argentina

Nato in Ecuador nel 1966, Pablo Corral Vega pubblica le sue foto sulle più importanti riviste internazionali. Nel 1994 ha diretto il progetto Discovering Ecuador riunendo 38 tra i più importanti fotoreporter provenienti da 11 paesi del mondo.
Ha creato, inoltre, Harmonia Terra Foundation, associazione benefica che pubblica libri sulla geografia, la cultura e la conservazione del patrimonio naturalistico dell'America Latina.
Apprezzato per la sua conoscenza della cultura di appartenenza, è autore di numerosi volumi fotografici. Corral vega è laureato in legge e in scienze politiche presso l'Università Cattolica dell'Ecuador in Quito, dove risiede tuttora.
nationalgeographicstock.com
photography.nationalgeographic.com
pablocorralvega.net

LE DAME E LE BALLERINE DI PIERRE CARRIER-BELLEUSE

2012-01-15T08:00:00.002+01:00

Pierre Carrier-Belleuse (1851-1933)

Pierre Carrier-Belleuse (1851-1933) :
3 panneaux peints figurant des danseurs et musiciens.
3 huiles sur toile signées et datées 1904.

FAUSTO MELOTTI IN MOSTRA AL MADRE

2012-01-14T15:00:00.001+01:00

Fino al 9 aprile del 2012 presso il MADRE a Napoli si può visitare una grande mostra antologica dedicata a Fausto Melotti (Rovereto 1901 - Milano 1986) a cura di Germano Celant e organizzata in collaborazione con l’Archivio Fausto Melotti.
Riconosciuto da tempo, sia a livello nazionale che internazionale, come i suoi contemporanei Alexander Calder, Alberto Giacometti, Louise Bourgeois e Lucio Fontana, quale figura chiave nell’ambito della scultura moderna e contemporanea, Melotti si è contraddistinto per essere stato, sin dagli inizi degli anni trenta, tra i più significativi protagonisti del rinnovamento e dello sviluppo del linguaggio plastico e materico. La particolare capacità con cui l’artista è riuscito a coniugare la tradizione classica con gli interessi per le avanguardie europee, la conoscenza scientifica con una particolare sensibilità musicale, il talento scultoreo con quello di ceramista, la raffinata abilità letteraria e creatività poetica con la ricercatezza del disegnatorequalità che hanno contribuito ad affermarlo come uno dei talenti artistici più rilevanti del XXI secolo.

a cura di Germano Celant

SCULTURA N.11 1934

SENZA TITOLO 1955

SENZA TITOLO 1958

SENZA TITOLO 1950

LA SPOSA DI ARLECCHINO 1979

BLACK AND WHITE by MIGUELCARVALHO79

2012-01-14T08:00:00.000+01:00

Autor: Miguel Carvalho, Vila do conde, Portugal

Taxi

These boots are made for walking..

Stone Street

Rua do socorro, Vila do Conde

Smoking Pipe

City Hall

Somerset House

Tate

Untitled

The room

Azenha2

Azenha3

Dancing Water

Senhor da pedra

Zoom it

Taking control

Rock Lines

Fishing

Killing Time

Contemplation

Fonte