Jazz & Rock

John Pizzarelli anuncia shows no Brasil em 2012

noreply@blogger.com (Daniel) — Wed, 23 May 2012 01:28:00 +0000

O guitarrista e vocalista John Pizzarelli está de volta ao Brasil para divulgar o seu novo álbum: Double Exposure. John anunciou em seu site oficial as datas dos shows em setembro. Ele irá passar por São Paulo, Rio de Janeiro e Fortaleza. Até o momento não tenho maiores informações, algo até compreensível, visto que está um pouco longe.

Em breve vou entrar em contato com as casas de shows, para ver se consigo alguma informação antecipada, em relação aos preços dos ingressos e quando vão começar a ser vendidos.

As atualizações serão postadas nesse post.

John Pizzarelli (Setembro 2012)

21 - São Paulo - Paulistano Club
22 - São Paulo - Sesc Pompeia
23 - SãoPaulo - Sesc Pompeia
25 - São Paulo - Bourbon Street Club
28 - Rio De Janeiro - Miranda Club
29 - Rio De Janeiro - Miranda Club
30 - Fortaleza - Teatro Iguatemi

Site Oficial: John Pizzarelli

"Marina" (Carlos Ruiz Zafón)

noreply@blogger.com (Daniel) — Sat, 19 May 2012 17:50:00 +0000

Ficha Técnica:

Título: Marina
Escritor: Carlos Ruiz Zafón
Gênero: Romance
Lançamento: 2011
Páginas: 262 páginas
Acabamento: Brochura
Editora: Suma

Caros leitores

Apesar de ficar um bom tempo sem postar dicas de leitura, continuo lendo meus livros. E um dos últimos livros que eu tive o prazer de ler foi “Marina”, do escritor espanhol Carlos Ruiz Zafón. Lançado originalmente em 1999, o livro só foi chegar em terras tupiniquins ano passado, tudo isso por uma questão judicial que impedia que esse e outros livros fossem lançados pelo mundo. E eu que já tinha lido “A Sombra do Vento” e “O Jogo do Anjo”, dois dos melhores livros que li na vida, não iria perder a chance de ler “Marina”. O livro é voltado para um publico mais jovem, tem uma abordagem mais simples, porém com a mesma magia que Zafón apresentou nos outros dois livros. Em uma nota no inicio do livro, o escritor explica isso.

“Em maio de 1980, desapareci no mundo por uma semana. No espaço de sete dias e sete noites, ninguém soube do meu paradeiro. (...) Uma semana depois, um policial à paisana teve a impressão de conhecer aquele garoto; a descrição batia. O suspeito vagava pela estação de Francia como uma alma penada numa catedral de ferro e névoas. O policial me abordou com um ar de romance de terror. Perguntou se meu nome era Óscar Drai e se era o rapaz que havia sumido sem deixar rastros do internato onde estudava. (...) Na época, não sabia que, cedo ou tarde, o oceano do tempo nos devolve as lembranças que enterramos nele. Quinze anos depois, a memória daquele dia voltou para mim. Vi aquele menino vagando entre as brumas da estação de Francia e o nome de Marina se acendeu de novo como uma ferida aberta.”

E assim começa o livro. O pano de fundo escolhido por Zafón não poderia ser diferente. A cidade de Barcelona, na década de 70. Época em que Barcelona era uma miragem de avenidas e becos, onde, só de cruzar a soleira de uma portaria ou de um café, uma pessoa poderia viajar para trinta ou quarenta anos antes. Um dos personagens principais é o menino Óscar Drai, que tem apenas 15 anos e mora em um internato. Naquele tempo o bairro de Sarriá conservava um aspecto de um pequeno povoado encalhado à margem de uma metrópole modernista. O internato vivia em meio a uma cidadela de jardins, fontes, tanques lodosos, pátios e pinheirais encantados. Ao seu redor, edifícios sombrios hospedavam piscinas cobertas por um véu fantasmagórico de vapor, ginásios enfeitiçados de silencio e capelas tenebrosas onde as imagens dos santos sorriam sob o reflexo do círios. Era nas suas horas vagas, entre uma aula e outra, que Óscar costuma desbravar as ruas da cidade. É foi durante um desses passeios ocasionais, que o jovem acabou indo parar em uma rua deserta, com grandes casarões aparentemente abandonados. Encorajado pela curiosidade, Óscar decide ir mais a fundo e passa pelo portão de um dos casarões. Hipnotizado por um som celestial, uma melodia que ele não conseguia identificar, mas que o que prendia e o fazia seguir a frente. Óscar resolve entrar no casarão, vê uma silhueta aprisionada ao gramofone em frente à lareira. Em sua primeira investida, o jovem acaba se assustando e sai em disparada do casarão, levando um relógio. Nos dias que se seguiram, os dois acabam virando companheiros inseparáveis e em meios a pensamentos, se sente encorajado a voltar ao casarão, dessa vez com seu amigo JF. Sem coragem suficiente, eles recuam e Óscar se vê novamente com o relógio em seu bolso e prepara uma nova investida em busca de uma resposta talvez, só que dessa vez sozinho. Porém o que estava preparado para Óscar era muito mais do que ele poderia imaginar, na sua volta ao casarão, ainda na rua ele encontra uma menina encantadora: Marina.

Bom não vou entrar em grandes detalhes, até porque é bem capaz de eu acabar contando o livro inteiro, principalmente por ser uma história fascinante e que prende o leitor do inicio ao fim. Em “Marina”, o leitor que já conhece os outros livros do Zafón, vão se deparar com uma história empolgante, com toques de suspense e aventura. Zafón leva o leitor a um labirinto que parece infinito, onde a cada novo personagem que surge, a história parece ganhar um novo desenrolar. Óscar e Marina criam um laço afetuoso, para o jovem Óscar foi um sonho, sim, daqueles que não temos vontade sair ou simplesmente coragem para abrir os olhos. Um livro fascinante, com uma dose melancolia inexplicável e ao mesmo tempo cativante. Boa leitura.

Marcus Miller - Estival Jazz Lugano 2008

noreply@blogger.com (Daniel) — Sat, 19 May 2012 00:45:00 +0000

Garimpando pela internet, acabei me deparando com essa show do baixista Marcus Miller, no Estival Jazz Lugano 2008. Miller é acompanhado pelo tecladista Federico Gonzalez Pena, o baterista Jason "JT" Thomas e pelo excelente saxofonista Alex Han, que apesar de ter apenas vinte anos na época, demostrou uma maturidade musical monstro ao lado do Miller.

Dizer algo sobre o baixista Marcus Miller é praticamente chover no molhado, logo soa previsível demais qualquer elogio a ele nesse show. Em um set list com apenas 8 músicas, Miller e sua banda presenteia o público com um jazz fusion de primeiríssima qualidade, tocando músicas do seu último álbum como "Blast" e "What is hip?" e outras mais antigas e bem conhecidas como "Phanter" e "Power". Também não poderia deixar de citar a clássica "Jean Pierre", do trompetista Miles Davis e uma releitura de "Higher Ground" do músico Stevie Wonder, e "When I Fall In Love", que registra um dos pontos altos do show, em uma apresentação memorável, com Miller deixando baixo de lado para tocar clarinete alto e por fim um dueto com o jovem Alex Han.

Em uma hora e treze minutos de show, Marcus Miller mostra porque é um dos grandes baixistas de jazz da atualidade, não só por ele tocar absurdamente bem, com uma técnica de slap perfeita, mais por agregar músicos de qualidade a sua volta. Se você curte jazz fusion, tem que assistir esse show. Boa audição.

Set List

01. Pluck (Interlude) / Blast
02. Higher Ground
03. Jean Pierre
04. Panther
05. When I Fall In Love
06. Power
07. Just Like A Woman
08. What Is Hip?

Site Oficial: Marcus Miller

Cantoras de Jazz: Jovens e Talentosas

noreply@blogger.com (Daniel) — Fri, 18 May 2012 22:36:00 +0000

O universo jazzístico é um dos mais diversificados do meio musical e para conhecê-lo completamente seria necessária uma vida inteira e de pura dedicação. Sem a internet esse processo em busca do conhecimento ficaria bem mais complicado, porém hoje o que você precisa ter além da internet é apenas o interesse por novidades. Eu não sou um conhecedor profundo do assunto, mais nesses 5 anos em que me dedico ao jazz, conheci algumas preciosidades e gostaria de compartilhar. Nesta lista o foco principal será as novas cantoras de jazz.

Na história do jazz existiram excelentes cantoras e das que eu conheço posso citar: Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Nina Simone, Sarah Vaughan, Etta James, Diane Schuur, Rosemary Clooney e Cassandra Wilson.

Porém de uns tempos para cá, passei a não só ouvir cantoras clássicas, mais também a procurar por novos talentos. E o resultado tem sido surpreendente. Para não ficar uma postagem muito extensa, vou dividi-la em partes e postar durante as próximas semanas. Com isso vocês ganharam tempo para procurar os cds e com isso conhecer melhor o trabalho delas. Vale lembrar, que o que pode ser conhecido para uns (que certamente vão reconhecer), para outros esses posts tende a ser novidade e essa é a intenção, provocar a curiosidade em cada um e claro, dar novas opções para quem procura por boa música.

SARA GAZAREK

Jovem e talentosa. Ela vem arrancando elogios da crítica especializada por onde passa. Com apenas dois álbuns de estúdio gravados, “Yours” (2005) e “Return To You” (2008) e um ao vivo, Sara teve seu primeiro reconhecimento logo no primeiro álbum, onde foi parar no Top 10 na Billboard Traditional Jazz e bateu todos os recordes de músicas compradas via download no iTunes. É considerada uma das melhores cantoras da nova safra do jazz. O que chama atenção é a sua voz, pois nada adiantaria somente o talento. Uma voz cativante, carregada de emoção e afinadíssima. Sara têm como influências, cantoras consagradas como, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, Billie Holiday, Abbey Lincoln, entre outras. O seu conhecimento musical também impressiona, prova disso é as músicas que estão presentes em seu trabalho. Na época em que lançou o álbum “Yours”, Sara tinha apenas 25 anos e isso não a intimidou, foi buscar seu repertório em clássicos que ficaram conhecidos décadas antes dela nascer. Como por exemplo: “Cheek to Cheek”, “Ev’ry Time We Say Goodbye” e foi além, fez um medley com as músicas dos Beatles. É por isso que considero Sara Gazarek uma talentosa nata, com muito potencial a ser explorado e que ao longo dos anos vamos nos acostumar em ouvir esse nome.

Sara Gazarek - "Let's Try This Again" (Return To You)

MELODY GARDOT

A história dessa jovem foi modificada por causa de tragédia que aconteceu na sua vida. Aos 19 anos Melody teve um grave acidente, foi atropelada por um automóvel quando retornava de bicicleta a sua casa. Resultado: múltiplas-fraturas na região pélvica, cervical e da cabeça. Para recuperar alguma de suas antigas habilidades cognitivas, o seu médico recomendou que fizesse o uso da música como terapia. Foi presa a um leito que ela compôs e gravou as canções do EP intitulado “Some Lessons:The Bedroom Sessions”, foi vendido via internet e também chamou a atenção da rádio local. Isso não a impediu de continuar seu belíssimo trabalho e já tem três álbuns de estúdio e um ao vivo. O melhor na minha opinião é “Worrisome Heart” (2008). A música dessa jovem cantora tem como base o jazz, folk e o blues. Melody canta com uma voz suave e emocionante. Apesar do momento especial em sua vida e na sua carreira, aonde consegue mostrar ao mundo o seu valor e talento, a jovem ainda sofre com as conseqüências daquela tragédia. Melody é mais uma grata surpresa aos amantes do jazz e da boa música.

Melody Gardot - "Worrisome Heart" (Worrisome Heart)

Melody Gardot - "Baby I'm A Fool" (My One And Only Thrill)

MADELEINE PEYROUX

Madeleine já tem uma carreira musical consolidada. Nasceu em Athens, na Geórgia, mais passou a sua adolescência e parte da juventude na França. Começou cedo na carreira, pois aos 15 anos já cantava em bandas de jazz e blues de Paris. É cantora, compositora e violonista. É considerada como uma das maiores vozes do jazz moderno e no meio jazzístico seu jeito de cantar é comparada ao da Billie Holiday. Medaleine vem evoluindo e muito na sua carreira, nos primeiros álbuns seu repertório era baseado muitas vezes em stantards do jazz e blues, era considerada como uma excelente interprete. Isso mudou radicalmente no último álbum “Bare Bones” (2009), onde ela arriscou e passou a compor, mesmo que em parceria ainda. O resultado é um álbum recheado de novidades. Desde o instrumental, de extrema qualidade, porém não muito inovador, mais é possível notar um leve flerte com o rock e rhythm & blues, e também canções não tão carregas de melancolia (como era comum nos outros álbuns). Destaque para as músicas “River of Tears”, música que ela fez ao se despedir do pai que faleceu há alguns anos e “Instead” uma canção cativante e que é calcada no blues. Madeleine é o tipo de cantora que faz um excelente trabalho e no entanto não está na direção dos holofotes do jazz como por exemplo Norah Jones. Mais a qualidade dessa jovem e experiente cantora é reconhecida mundialmente e continua surpreendendo os amantes do jazz a cada lançamento. Vale a pena conferir.

Madeleine Peyroux - "Instead" (Bare Bones)

Madeleine Peyoroux - "Don't Wait Too Long" (Careless Love)

Até a próxima. Abraços

The Haunted - The Haunted (1967)

noreply@blogger.com (Daniel) — Thu, 17 May 2012 02:49:00 +0000

Artista: The Haunted
Título: The Haunted
Gênero: Garage Rock
Lançamento: 1967

Por Thiago Lucena

Entre tantas bandas dos anos 60 que tentavam pegar carona no sucesso dos Beatles e Rolling Stones algumas só queriam tocar, mostrar seu som e se divertir. Com guitarras mais sujas e pegadas mais fortes surgia o garage rock, na tradução literal, rock de garagem, ou seja, a música se caracterizava pela crueza sonora de bandas de garagem, sem polimentos ou adornos no resultado final do som. Um bom exemplo da gama de bandas que faziam esse som está nas várias cenas da época, em especial na surgida em Detroit, que trouxe ao mundo bandas como MC5 e The Stooges, ícones do estilo. Porém, fora dos Estados Unidos e mais acima do Atlântico, uma banda também começava a chamar atenção. O The Haunted foi uma das primeiras bandas canadenses a chamar atenção fora do país. A banda de Montreal apareceu em uma coletânea americana chamada Pebbles, Volume One: Artyfacts from the First Punk Era, nos moldes da famosa Nuggets, que compilava bandas americanas undergrounds de garage e punk do meio para o final dos anos 60, sim americanas, mas o Haunted estava lá, com seu single de maior sucesso, a faixa 1-2-5.

A banda lançou somente um álbum em 1967, um misto de sons autorais e alguns covers, entre eles uma versão bem legal de Out of Time do Rolling Stones. O disco tem momentos especiais como a já comentada 1-2-5, que deu a banda o reconhecimento obrigatório e o primeiro lugar em um festival no Canadá, as enérgicas I Can Only Give You Everyting e Horror Show, as mais sentimentais Untie Me e Out of Time e covers inusitado em francês, segunda língua do país natal do grupo, de Purple Haze do Jimi Hendrix e Talk Talk do The Music Machine. No álbum também tem blues, psicodelia, quebradeira, calmaria, tudo o que uma banda precisa pra se divertir esses caras fizeram com louvor. The Haunted não vai nem teve propósito algum de mudar a vida nem os caminhos do rock, mas eles sabiam o que queriam e conseguiram mostrar que existia rock de garagem fora dos Estados Unidos.

O álbum original continha 9 faixas e ficou fora de catálogo por muito tempo, sendo reeditado em CD em 2009 com vários bônus interessantes totalizando no final 22 faixas, um verdadeiro arquivo musical obrigatório da banda que por algum motivo injusto ficou de fora da seleção da Nuggets, mas teve sua importância reconhecida pelos fãs dos bons sons garageiros e do rock sincero.

Track List

01. 1-2-5
02. Shake
03. Horror Show
04. Untie Me
05. I Can Only Give You Everything
06. Eight O’Click This Morning
07. 1-2-5 (Original Version)
08. Out Of Time
09. Searching For My Baby
10. A Message to Pretty
11. Twist
12. Montreal Blues
13. Porquoi (Talk Talk)
14. Vapeur Mauve (Purple Haze)
15. Come On Home
16. I’m a Man
17. Run Down Every Street
18. Land of Make Believe
19. An Act of Leisure
20. No More Lovin
21. Mona
22. I’m Just Gonna Blow My Little Mind to Bits

The Haunted - 1-2-5

The Haunted - Vapeur mauve

The Haunted - I Can Only Give You Everything

Iron Maiden no Rock in Rio 1 (1985): o histórico e atrapalhado show.

noreply@blogger.com (Daniel) — Tue, 15 May 2012 00:52:00 +0000

Trago até vocês uma postagem (antiga) do site Minuto HM , publicada pelo autor Eduardo Bianchi Rolim e que na época autorizou gentilmente que eu postasse o conteúdo no meu blog Musicólatras. Para ilustrar melhor a postagem, eu utilizei duas fotos que foram postadas no Blog Fligth 666 .

Esta postagem é sobre o show do Iron Maiden na primeira edição do festival em 1985, que alias foi um dos melhores na minha opinião em questão dos shows. Bom sem mais delongas, aproveite e leia com atenção esse post repleto de informação sobre esse lendário show da Donzela em terras tupiniquins.

Por Eduardo Bianchi Rolim

Galera,

faz tempo que estou para falar desta histórica apresentação da banda aqui no blog, dívida esta que tenho comigo e falei no post que fiz especificamente sobre o Rock In Rio 1 (que recomendo a leitura antes mesmo da deste post, caso ainda o caro leitor ainda não a tenha feito). Sei também que devo muitas coisas por aqui, mas vamos pagando com calma

Portanto, o foco aqui será falar um pouco do que temos disponível no segundo DVD oficial do Live After Death (oficial = oficial mesmo, não aquele que foi lançado aqui no Brasil e ficou por um tempo nas bancas de jornais, fato este que chegou ao conhecimento da banda que, por sua vez, acionou os responsáveis aqui no Brasil para interromperem imediatamente as vendas – e pedindo aos que compraram para efetuar a devolução do item não-autorizado. Aliás, tem até legenda das letras das músicas naquele DVD, hoje item de colecionador).

Com base nas imagens feitas na época pela Rede Globo, o show disponibilizado neste DVD não traz o setlist completo da noite executado pela banda que pela primeira vez aterrissava em nosso país (na verdade, na América do Sul). A qualidade da imagem é também compatível com o quem viveu a era dos VHS – e, para tentar me fazer bastante claro, a gravação em “EP”. A qualidade do som segue a mesma linha, é irregular em termos de volume. Em resumo, o material é bastante precário mas obviamente é um registro de suma importância para a banda, fãs e até mesmo para o nosso país em termos musicais.

De qualquer forma, temos sempre o YouTube, não? E, assim, vou também trazer um pouco das outras músicas do show, para felicidade geral da nação que curte um “rock pauleira do satânico Iron Maiden”. Calma, leia o texto para entender este comentário…

O Iron Maiden, que foi a única banda internacional que se apresentou apenas uma vez no evento, teve a honra de abrir para um dos shows mais marcantes da história de todas as edições do Rock in Rio e, por que não dizer, do Brasil: o Queen. Mas isso é papo para uma outra oportunidade (nem podemos considerar como uma pendência minha, hein? Hehehe).

A Wikipedia gringa informa que o show do Maiden começou exatamente “2 Minutes To Midnight”, ou, como me refiro sempre carinhosamente à música, “23:58 PM”. A banda estava simplesmente na World Slavery Tour 84/85, do disco Powerslave (1984), em uma tour que foi gigantesca em todos os sentidos ajudou a banda a se consolidar (ainda mais) não só na cena heavy metal, mas na música como um todo.

Os fatos que apresentarei abaixo (não posso aqui falar de algo que ocorreu quando eu tinha 3 anos de idade, então o que será apresentado são apenas fatos que podem ser vistos no vídeo em questão – claro que quem viveu esta época e quiser contribuir comentando neste post, é sempre muito bem-vind0) estarão mais focados em um dos membros da banda: o Bruce.

Explico: os pontos que falarei abaixo envolvem diretamente o Air Raid Siren e podem, talvez, serem “justificados”, “explicados” de várias maneiras, que tentarei fazer mais ao final do post. Antes que voem tomates e afins em mim, para quem não me conhece, saiba que o texto não tem qualquer objetivo de CRITICAR o homem que admiro e considero até mesmo uma grande inspiração de vida para mim. Mas os fatos estão lá e hoje chegam a ser engraçados…

Foto: Blog Flight 666
Sem mais delongas, vamos lá: o Iron Maiden ganha o palco com a primeira faixa do seu lançamento da época, Aces High. A banda estava vestida como se vestiu durante toda esta tour (as clássicas roupas dos anos 80, que praticamente todas as bandas usavam): Bruce com sua calça amarela, com meias por cima, correntes em um cinto de caveira, aparentando ansiedade. Seu vocal está ainda contido (em relação ao que se ouve na sequência do show) e até mesmo um pouco tímido nestes primeiros minutos no palco (comparando-se com o Bruce que conhecemos), coisa que praticamente some durante esta própria primeira música da noite.

Depois do segundo solo da música, Bruce não está tão perto assim do microfone, pois foi interagir com o enorme público que recebia muito bem a banda… ele calcula o tempo e corre para buscá-lo e continuar, claro, cantando. Ele volta, fica perto do Nicko e, quando vai pegar seu microfone, apesar de não ter chegado tão em cima da hora, ele vê Adrian bem colado ao pedestal, atrapalhando-o. Bruce dá um cutucão no guitarrista, que trocam olhares do tipo “que foi?” (Adrian) e “sai daí” (Bruce). Era um sinal da noite atrapalhada que ainda viria…

Minuto Hora de 2 Minutes To Midnight. Bruce bate palmas e suas palmas são respondidas por um empolgado público. Ele parece estar bem mais solto e aquela ansiedade inicial parece ter ficado para trás. “Cantem comigo”, grita Bruce para abrir o refrão…

No solo de Murray, Bruce aproveita para soar o nariz… estaria Bruce resfriado / gripado na noite? A verdade é que Bruce parece estar um pouco fanho neste show – em alguns momentos dá para notar isso – o que não compromete seu alcance vocal. O solo de Adrian chega e Nicko toca a música em um estilo bem diferente do de hoje, levantando a mão esquerda para marcar na caixa. Muito interessante.

As guitarras, que estão excelentes como no disco de estúdio, começam a se destacar, algo que se notou por todo o show.

Bruce diz “boa noite” e mexe com o público, sua marca característica. Anuncia a próxima música, desta vez do “Piece of Mind album for ya”…

A música é The Trooper: Bruce diz algo talvez em Português (“louco todo”?) e a banda incendeia o público e entrega uma linda versão da música, com a banda dando uma verdadeira aula em suas atribuições. Mas é no meio do solo de Adrian que vem a curiosidade: Bruce começa a chamar alguém (JT?), no microfone aberto mesmo, em tom de reclamação. A reclamação continua e invade o solo de Murray. “Turn up my mic, I’m talking to you, you stupid (?)…”.

Bruce pede que algo seja ligado, mexido, em seu microfone, aparentemente, culminando em um xingamento final de Bruce. Alguém se candidata a comentar o acontecimento e as falas de Bruce por ali? Algum problema mesmo em seu microfone, visto que Bruce praticamente engole o “cabeção” nos gritos finais…

Ele brinca rapidamente com uma pequenina bandeirinha do Reino Unido (fãs atuais nem imaginam esta cena, talvez) e nitidamente se “embanana” com seu pedestal na hora de pegá-lo para o movimento final da música. Mas cabe ressaltar como Bruce cantou esta música, em uma palavra: espetacular!

Já na (outra) obra-prima da noite, Revelations, que já falamos tanto por aqui no blog, Bruce chega pulando o retorno com uma guitarra em mãos. Sim, uma guitarra. Na época da clássica formação da banda, com “apenas” 2 guitarristas, ele fazia uma simples base da música enquanto os guitarristas dobram o maravilhoso início desta maravilhosa música deste maravilhoso disco.

Foto: Blog Flight 666
Mas convenhamos: Bruce mostra que como guitarrista é mesmo uma das maiores vozes do heavy metal (entre inúmeros outros talentos) . Até ajeitar a palheta ele ajeita, de maneira meio desengonçada, o que é muito engraçado. Ao término desta introdução, Bruce agita o público para gritar nas pausas da música… aquela parte do “tan, tan, tan… YEAH… tan, tan, tan, YEAH”. Ele faz isso levantando sua guitarra para indicar ao público o momento exato para participação. Bruce sempre foi brilhante nesta conexão com o público. Mas nesta noite, em uma dessas levantadas, Bruce bate a cabeça da guitarra em seu rosto, fazendo sangrar imediatamente. Ele sai correndo e volta ainda meio tonto, com sangue escorrendo, para continuar cantando a música. Engraçado e METAL ao mesmo tempo, hehehe.

Ele bota primeiro a mão direita perto do olho e nota que está sangrando… ele grita seu “Hey” e olha para a outra mão, com sangue, e neste momento é possível ver o corte entre o olho esquerdo e o nariz, enquanto o sangue continua escorrendo até quase a boca e ele cantando a sua música de maneira espetacular… um grande momento do show, sem dúvida. O cinegrafista global deve ter percebido isso, pois a câmera fica em close nele por bastante tempo. Em tempo: coitado do Bruce!

As duas fotos abaixo foram tiradas da minha TV mesmo, para tentar mostrar o resultado da “guitarrada”. Graças ao bom Deus Metal que não foi no olho dele.

O público parece ter aprendido o momento de gritar e responde muito bem a Bruce, desta vez sem guitarra… a imagem da Globo filma Murray ao invés de Adrian, durante o solo deste último.

Com a maravilha do YouTube, hoje temos acesso inclusive ao material que não foi colocado no DVD, como Flight Of Icarus. Esta música eu particularmente já tive a chance de ouvir Bruce cantando na última tour solo dele no nosso país (com Adrian Smith na banda), tour esta do disco Chemical Wedding, no Via Funchal, em São Paulo, em 1999).

Ainda, eu adoraria ver o Maiden voltar a incluir em um setlist atual – que tal no lugar de Fear Of The Dark, principalmente em cidades onde a banda se apresenta com mais frequência? Enfim, muito bom ter acesso a este material, já que a música foi outro ponto alto do show. E lá está Bruce de novo, de frente para a bateria, olhando para sua direita e falando “Hello?” no microfone, enquanto os maravilhosos solos de guitarra se iniciam. Nitidamente, ele não está feliz o técnico de som e seu microfone...

… coisa que se confirma na épica e mais longa música da banda (até hoje): Rime Of The Ancient Mariner. Bruce continua inconformado com o volume de seu microfone e, logo no início da música, ele pede por 3 vezes um “up” em seu mic.

Pouco se ouve o baixo de Harris na parte que temos a narração. Ouve-se alguns sons metálicos meio estranhos. A lembrança, de qualquer forma, é de emocionar, bem como a boa resposta do público. As explosões nitidamente surpreendem o público brasileiro e a performance geral da banda é magnífica. Grande momento. Bruce dá um show a parte com seu vocal em excelente forma, mas as guitarras gêmeas e a cozinha mostram a coesão desta fantástica banda.

Bruce já se posiciona estrategicamente para descer a escadinha para a abertura de outra obra-prima, a faixa-título do então álbum de trabalho lançado. Na época, inclusive conferindo a versão da música na Long Beach Arena, do Live After Death, a característica explosão / fogo ao lado direito do palco (esquerdo do público) não acontecia logo que Bruce começa a cantar a música, como a banda fez nos shows da Somewhere Back in Time Tour, mas sim quando chegava o refrão. Na dúvida, confiram a versão em vídeo no Live After Death.

E o que deveria ter acontecido não ocorre nos instantes que antecedem o refrão. Bruce canta “Tell me why I had to be a Powerslave… I don’t wanna die, I’m a God, why can’t I live on?” e ainda não aparece na parte elevada do palco. Ele solta um “come on” como se fosse dando o sinal (“vai agora, pô”) e finalmente a explosão acontece para ele surgir com a também tradicional máscara.

O público responde bem, gritando, mas ainda é tempo para mais duas surpresas / trapalhadas do nosso amado vocalista: Bruce deixa o microfone cair ao ficar brincando de passá-lo de uma mão para outra, e perde o tempo da música…ele pega o microfone, ainda com um pouco de fogo no chão…

… fogo? Mas AINDA? Ainda. Aquelas chamas, que já deveriam ter sumido há um certo tempo, não se apagaram por completo e Bruce, cantando o refrão da música, olha para baixo, como se não conseguisse acreditar naquilo dando errado, e começa a pisar para apagar o foguinho que ainda estava por ali, com seu pé direito… ele se estica para apagar um que estava mais longe bem na parte do “and he will die toooo – se estica e demora a cantar – OOOOHHH”. A cena é, no mínimo, hilária.

Mas Bruce ainda iria se embananar um pouquinho mais em Powerslave. A música se desenvolve, os solos, o milagre da volta / do retorno , tudo… Bruce volta e… ele erra a parte da música, voltando a cantar “When I was living this lie” ao invés de “Now I am cold but a ghost”. Ele se liga nesse erro muito rapidamente e emenda um “Now I’m in my veins”, sem perder o tempo da música, e volta a cantar corretamente… “Silent the terror”… hehehe!

Mais para o final, Bruce acena para provavelmente o mesmo que reclamara em The Trooper, mas acena positivamente, como indicando que seu problema com o microfone estava resolvido. Nem moral ele teria mais para reclamar naquele momento, né? Hahaha.

O show também possui um raro solo de guitarra (o Maiden não inclui mais solos há muito anos) de Murray – solo este excepcionalmente técnico, com Nicko jogando baquetas a um público em êxtase – e depois fazendo um acompanhamento na bateria meio, sei lá, escola de samba? Não entendo até hoje o que Nicko tentou fazer / preencher ali com Murray. Outro momento no mínimo estranho…

Hora do satanismo, da música do diabo (calma, já está chegando a hora disso ficar esclarecido no texto): 666. A introdução da música é respondida de maneira empolgante pelo público, que vibra com a chegada do clássico, seguindo a euforia com a chegada do fantástico riff e da perna esquerda de Bruce que não para de se mexer. Falando no Bruce, após o primeiro refrão com uma resposta muito alta do público, Bruce deve estar realmente exausto, com muito calor, pois dá aquela respirada / assoprada no microfone, nitidamente recuperando o fôlego. O que se ouve é um belo “assoprão” no microfone, hehehe. Depois, enquanto os riffs que antecedem os solos tomam conta do palco, ele ajeita seu microfone no pedestal, fazendo com que o barulho dessa “ajeitada” seja ouvido muito claramente.

Outro grande momento do show é o Bruce indo buscar o Murray para colocá-lo em seus ombros, logo após o solo dele, para delírio do público, enquanto Adrian abre o segundo solo e a banda se reúne no centro do palco. Uma cena espetacular!

A música vai chegando ao final.. “666, the one for you and me…”. Mas ainda é tempo para mais um probleminha envolvendo Bruce. Ele até conseguiu cumprir o que cantaria – “I will return…” – mas somente após o fio do microfone ser devidamente encaixado de volta, fazendo-o perder mais uma vez o tempo da música e o “I’m coming back”. O microfone ainda dá uma falhada em “possess your body”, talvez com ele novamente mexendo no fio (a imagem não está nele neste momento).

A banda emenda Hallowed Be Thy Name, aquela música que ponho a mão no peito sempre que começa – um hino do heavy metal. Bruce senta estilo “indiozinho” e despeja sua potente e contagiante voz nesta música incrível. Mas, mais uma vez, Bruce pede “up”, “up” em seu microfone. Ele vai ao microfone, fala algo e não sai nada. Ele volta a cantar e manda, mais uma vez, um “up”, abaixa a cabeça e faz um “mini-discurso”, mostrando todo seu descontentamento… “otherwise”, “somebody else” e “all right?” são as únicas coisas que consigo ouvir, pois as guitarras estão muito altas. Alguém se arrisca a comentar o que ele discursou ali?

Ele grita um “yeah” que a música não tem e continua lá balbuciando, reclamando. Simplesmente ele não para de falar e falar, reclamar e reclamar, enquanto a banda continua tocando a música de maneira impecável. Bruce aparenta estar morto de cansaço no momento que volta a cantar.

Ele volta a abaixar a cabeça e falar (!!!). Desta vez, um “don’t worry, don’t apologize, it’s all right” e mais alguma coisa- estaria ele, então, com um ponto? O papo, de qualquer forma, continua… Bruce solta aquele famoso “scream for me, Rio… scream for me, scream for me…” e, depois, comanda a reação / gritos do público, como ele faz de maneira ímpar.

Em Iron Maiden, não encontrei nada “gritante”. E como é legal ver o Bruce ainda cantando bem perto do chefe Steve, acompanhado da entrada da histórica encarnação do Eddie múmia pulando pelo palco. Grande momento!

Agora, bom mesmo é o vídeo global que achei, que segue a mesma linha da entrevista histórica com Freddie Mercury, em que a Globo faz uma “entrevista” com um tal “Brian” Dickinson, o vocalista do Iron Maiden. Certo, Globo? Mais uma? A reportagem é aberta com o famoso “e agora, rock pauleira – para os metaleiros, um pouco mais do satânico Iron Maiden, com a participação especial e muito bem humorada de Eddie, o monstro”.

A banda volta para o bis. “Eu quero todo mundo louco este noite”, grita Bruce para introduzir Run To The Hills. A resposta do público nesta música é incrível, com todos com os braços para os lados, girando camisetas, camisas e tudo que está por perto. E cantando a música também, claro, com Bruce incentivando com seu “cantem comigo” em duas oportunidades.

Reparem na velocidade que Harris imprime com sua mão direita alucinada durante o solo de Murray. É de dar gosto… apenas o final da música é um pouco diferente…

“Todo mundo, hey”… Running Free é talvez a melhor música para se ter idéia da quantidade de gente que estava naquela mágica noite. Bruce separa o público para gritarem com ele… o público canta “Ruuuun”, ao invés de gritarem mesmo. Bruce tenta pronunciar algumas palavras em nossa língua que simplesmente não é possível entender. Imaginem nesta época, ao-vivo, para um público ainda não acostumado. Mas a coisa vai bem, principalmente para gritarem o nome da música.

A última música da banda foi Sanctuary, com a tradicional parada para Bruce mostrar toda sua potência vocal. Ele aproveita para ganhar de vez o público, provocando-o para cantar com ele o “yeah” (coisa que Freddie Mercury fez de monte na noite também) – de novo: já pararam mesmo para pensar que, em uma noite neste país, Bruce Dickinson e Freddie Mercury dividiram um palco, ambos em grandíssima fase? Bruce continuou interagindo com o público de maneira singular, com seu “cantem comigo”.

O show termina com Bruce e os “boys” agradecendo a banda. Bruce está visivelmente esgotado. O público grita “Iron, Iron, Iron” e as imagens que se seguem são de um tradicional festival de heavy metal, com muito empurra-empurra e pessoas indo de um lado para o outro, além de muita gente desmontando o palco da Donzela e preparando o terreno para a seguinte magistral apresentação da noite, que seria comandada pelo genial Freddie Mercury e Cia. Ltda.

E assim chegava ao fim a brilhante primeira apresentação do Iron Maiden em solo nacional. Os apontamentos que fiz acima, hoje engraçados, mostram, para mim, que havia sim muita ansiedade, nervosismo e pressão atrás da banda. A banda estava estranhando o clima brasileiro, não há como negar. Os ingleses não estavam acostumados com nada parecido com o que viram por aqui, inclusive considerando as questões climáticas.

Bruce e seu técnico de som não tiveram a noite mais brilhante da vida deles, coisa que acontece com todo mundo. Somam-se aí outros fatos, como o cansaço acumulado da extensa World Slavery Tour. Alguns pontos também podem ser considerados, hoje em dia, meio amadores.

Mas é muito importante dizer que, apesar de “trapalhadas” da noite, este registro da banda é, até hoje, um dos mais importantes do heavy metal em nosso país, não apenas em termos de Rock in Rio, mas em termos de música em geral, além de ser considerado pela própria banda como um dos shows mais importantes e marcantes de toda a carreira, até hoje.

O Rock in Rio 1 teve uma importância direta e indireta muito grande na sociedade da época e abriu caminho para grandes festivais que passaríamos a ter por aqui.

E, graças a ele, a banda conheceu e gostou do nosso país, local que hoje considera fundamental para suas tours. Ainda bem!

Up The Irons!

Setlist - Iron Maiden / Rock in Rio - 11 de janeiro de 1985

Intro – Churchill’s Speech
Aces High
2 Minutes To Midnight
The Trooper
Revelations
Flight Of Icarus
Rime Of The Ancient Mariner
Powerslave
Guitar Solo (Dave Murray) + Nicko McBrain
The Number Of The Beast
Hallowed Be Thy Name
Iron Maiden
Run To The Hills
Running Free
Sanctuary

Eduardo Bianchi Rolim
Minuto HM - http://minutohm.com

Hardbone - This Is Rock 'N' Roll (2012)

noreply@blogger.com (Daniel) — Sat, 12 May 2012 20:49:00 +0000

Os leitores do Jazz & Rock certamente já tiveram a chance de ouvir o som da banda alemã Hardbone, já que meses atrás postei um review do álbum debut, Dirty 'N' Young (2010). Pois bem, os caras estão de volta e com a mesma pegada avassaladora.

O álbum This Is Rock’n’Roll (2012) saiu do forno há poucos dias e posso dizer que é um dos candidatos a figurar nas listas de melhores do ano. Em vista do debut, a banda manteve a mesma proposta, como letras que abordam temas como álcool, mulheres e rock’n’roll, riffs e solos marcantes e bem trabalhados, refrões grudentos e a influencia do som do AC/DC. O destaque fica por conta da produção, que nesse segundo álbum está mais profissional. O vocal do Tim Dammann soa mais agressivo nesse trabalho, mesclando entre um timbre rouco e agudo. Os guitarristas Sebastian e Tommy mostram um entrosamento monstro nas músicas, sendo que Sebastian é o responsável por boa parte dos solos, enquanto Tommy se encarrega da base e dos riffs. Uma parceira perfeita. Juntos o baixista Wolfgang Pohl e o batera Caim Grandt, fazem a cozinha perfeita, algo essencial em uma banda de rock’n’roll.

O álbum começa com “Bottlemate”, um rock’n’roll sem frescuras e que serve para mostrar a proposta do Hardbone e o que o ouvinte vai encontrar ao longo do álbum. Tim Dammann solta a voz, com seu timbre agressivo, enquanto os guitarristas Sebastian e Tommy dão as boas vindas, com riffs e um solo bem trabalhado. Sem dar tempo para recuperar o fôlego, “Wild Nights” surge na sequencia mantendo a pegada rock’n’roll e com um pouco mais de peso. “Girls & Gasoline” é uma das melhores faixas do álbum e que tem um refrão grudento demais e fácil de ser memorizado. A levada dessa música nos remete os velhos tempos do AC/DC, com um duo de guitarras que beira a perfeição. “Grave Digger” começa com uma intro de batera e baixo, e um grunhido do Tim Dammann. Não sei exatamente sobre o que essa música fala, mais como o Grave Digger é uma importante banda alemã, pode ser que essa letra faça referencia aos caras. “One Night Stand”,começa alucinante, a pegada é a mesma das anteriores, um rock’n’roll visceral, com Tim cantando muito e vale destacar o backing vocal, feito pelo baixista Wolfgang. A faixa-titulo “This Is Rock’n’Roll” não poderia ser diferente, com um andamento mais cadenciado, os caras mostram como se fazer rock’n’roll nos dias de hoje e principalmente, que ele continua mais vivo do que nunca. O refrão dessa música soa quase como um grito de guerra. Dammann parece ter reservado o melhor do seu vocal para essa música, variando seu vocal com agudos agressivos e até um trecho onde ele fala com uma voz rouca. Nas outras faixas não há muito o que analisar de diferente, a exemplo das músicas já citadas, a banda mantem a mesma pegada rock’n’roll em “Fat Cat”, “Young Blood” e “Hellelevator”. O diferencial fica por conta da “The Only Thing”, um rock blues, com um andamento cadenciado e arrastado, uma música muito foda.

Se no debut Dirty 'N' Young (2010), os alemães do Hardbone já arrancaram boas criticas da mídia especializada, This Is Rock’n’Roll (2012) vem para firmar ainda mais o nome dos caras na busca por um lugar ao sol. Por outro lado, o surgimento de novas bandas da qualidade do Hardbone, serve para mostrar que o rock’n’roll está mais vivo e fortalecido do que nunca. O Hardbone é mais uma banda que tem muito potencial e que bebe da fonte sagrada, chamada AC/DC. Enfim. Se você ainda não conhece o som desses caras, não sabe o que está perdendo. Boa audição.

Track List

01. Bottlemate
02. Wild Nights
03. Girls & Gasoline
04. Grave Digger
05. One Night Stand
06. This Is Rock ‘N’ Roll
07. Fat Cat
08. The Only Thing
09. Young Blood
10. Hellevator

Tim Dammann - Vocals
Sebastian Kranke - Lead Guitar
Tommy Lindemann - Rhythm Guitar
Wolfgang Pohl - Bass
Caine Grandt - Drums

Hardbone - Wild Nights

Hardbone - Girls & Gasoline

Site Oficial: Hardbone

B.B. King confirma nova turnê pelo Brasil

noreply@blogger.com (Daniel) — Fri, 11 May 2012 23:32:00 +0000

O lendário guitarrista B.B. King confirmou uma nova turnê pelo Brasil ainda este ano. A partir do dia 29 de setembro, ele fará quatro shows no País.

Confira o roteiro de shows de B.B. King pelo país:

29 de setembro - Rio de Janeiro – Vivo Rio
02 de outubro – Curitiba - Teatro Guaira
05 de outubro – São Paulo – Via Funchal
06 de outubro – São Paulo – Via Funchal
07 de outubro – São Paulo – Bourbon Street Music Club

Os valores dos ingressos ainda não foram divulgados. Porém a venda começa na próxima segunda-feira (14). Em breve maiores novidades nesse post.

A última visita do ícone do Blues ao Brasil havia sido em março de 2010, quando se apresentou em São Paulo, Rio e Brasília.

Fonte: Estadão.

Site Oficial: BB King

Todo mundo já esqueceu o que aconteceu no Metal Open Air?

noreply@blogger.com (Daniel) — Fri, 11 May 2012 00:12:00 +0000

Muito se falou sobre o Metal Open Air, desde o anuncio do casting, que contava com bandas de peso no cenário internacional e nacional. Tudo apontava para o que seria o maior festival de metal da américa latina, os dias 20,21 e 22 de Abril, tinha tudo para ficar marcado na história e na memória dos fãs. Bom não é preciso dizer o que todos já sabem, o festival foi um verdadeiro fracasso. Apesar de não ter postado nada relacionado ao MOA aqui no Jazz & Rock, por falta de tempo, fiquei por dentro de tudo que aconteceu, mesmo que a distância, já que eu não pretendia ir ao festival. Pois bem, muito se falou nos dias pós festival, inclusive com explicações totalmente sem nexo. Bandas e fãs relataram tudo que aconteceu, no festival e nos bastidores com a produção. Exatas 3 semanas depois, quase não se fala das consequências desse fiasco. E hoje o Ricardo Seelig, do excelente Collectorsroom, escreveu um texto justamente sobre isso, sobre o esquecimento dos fatos, ou simplesmente a opção de não querer mais tocar nesse assunto. Bom segue o texto, autorizado gentilmente pelo Ricardo, para que eu pudesse publica-lo aqui no Jazz & Rock.

Por Ricardo Seelig (#collectorsroom)

Amanhã, dia 11 de maio, completaremos três semanas do maior fiasco da história do heavy metal aqui no Brasil. Amanhã, dia 11 de maio, fará três semanas que o festival Metal Open Air teve início. Amanhã, dia 11 de maio, fará três semanas que as dezenas de shows prometidos se transformaram em um festival de cancelamentos, desrespeito e falcatruas com as bandas, os profissionais contratados e, principalmente, com o público.

Hoje, porém, apenas três semanas depois do maior 171 da história do metal brasileiro, ninguém fala mais nada sobre o ocorrido. Hoje, apenas TRÊS SEMANAS depois! Meros 21 dias! Nessas horas, é de se pensar que os irresponsáveis por trás do festival de atrocidades que foi o MOA e o público que, aparentemente, gostou de ser enganado por eles, realmente se merecem.

Se não, vejamos. Cansei de ler comentários em sites e redes sociais de pessoas que foram ao festival dizendo que, pelo preço que pagaram pelo ingresso, estava de bom tamanho ver as bandas que conseguiram assistir. Sim, você leu corretamente: pagaram por quarenta bandas, mas estão felizes por terem visto apenas treze. Sei lá, mas, pessoalmente, acho que isso é caso de interdição por incapacidade mental.

Além disso, qualquer matéria publicada sobre o assunto está repleta de comentários do tipo “ah, já deu”, “como vocês são chatos”, “parem de falar nisso”. Não, não paramos! Não dá pra alguém parar de falar no que aconteceu! Esqueceram que os campings estavam localizados em estábulos? Esqueceram da falta de estrutura? Esqueceram da falta de segurança? Esqueceram da falta de higiene? Esqueceram do que foi prometido e não foi cumprido?

Enquanto isso, resenhas claramente direcionadas para isentar uma das partes surgiram em sites de projeção nacional - leia aqui . Uma das (ir)responsáveis pelo MOA, a Negri Concerts, continua promovendo shows com, aparentemente, casas cheias, como se nada tivesse acontecido e não estivesse envolvida nas falcatruas do festival. Além disso, posta em seu site notas onde tira o seu da reta e joga tudo nas costas da outra (ir)responsável, a Lamparina Produções - leia aqui . Uma das porta-vozes da Negri, ciente da imensa bola fora que deu, mudou o seu sobrenome nas redes sociais e agora assina, estranhamente, com um até então inédito “Mello”. Já o dono da empresa, que antes discursava aos quatro ventos, sumiu de circulação e não é mais visto online. Dá até para criarmos um jogo intitulado Por Onde Andará o Produtor do Evento, que tal?

Aqui, é preciso fazer um elogio público para a matéria publicada na última edição da Roadie Crew sobre o Metal Open Air. Escrita por Maicon Leite, que esteve e acompanhou pessoalmente tudo o que aconteceu no Maranhão, mostra um posicionamento claro da revista em relação a tudo o que aconteceu, fato raro na nossa mídia especializada, que geralmente não diz o que precisa ser dito porque fulano de tal é amigo do ciclano e por aí. Mas isso não aconteceu na matéria da Roadie Crew, que critica veementemente os absurdos do MOA e faz revelações até então inéditas da relação da revista com o Wacken Open Air. Parabéns, mais uma vez, pela forma como publicaram o texto.

Amanhã fará três semanas que o sonho do Metal Open Air virou um pesadelo. Não se esqueça disso. Nunca. Se você foi ao MOA, vá atrás dos seus direitos. Se não foi, o mínimo que você tem que fazer é não dar as caras em shows promovidos tanto pela Negri Concerts quanto pela Lamparina Produções. Ou, se achar melhor, não faça nada e assine embaixo da fama de acomodado que o brasileiro possui. O que você prefere?

Créditos: Collectorsroom

When the Sun Goes Down Vol. 3: That's Chicago's South Side (2002)

noreply@blogger.com (Daniel) — Thu, 10 May 2012 20:07:00 +0000

Artista: Vários artistas
Título: WTSGD: The Secret ]History of Rock & Roll - That's Chicago's South Side
Gênero: Blues
Ano de Lançamento: 2002
Selo/gravadora: Sony/Bmg (Bluebird Records)

Por Ricardo Seiti

Terceiro álbum da série When the sun goes down: The secret history of Rock & Roll,que mostra a trajetória do Blues desde seu surgimento até os dias atuais.

Como o próprio nome da coletânea diz, a cidade de Chicago foi um dos principais locais onde o Blues se modernizaria. Fenômenos econômicos, sócio-culturais e o advento e fim da 2ª guerra ocasionaria uma grande migração da população do sul dos Eua aos grandes centros.

Sairiam de cena os instrumentos e elementos folclóricos iniciais do Blues para dar lugar ao piano, guitarra elétrica, bateria, contrabaixo. O Blues deixava de ser uma música de raiz, um lamento nas cidades do rio Mississipi para se tornar um meio de diversão nos grandes centros urbanos.

Pete Wheatstraw, um dos pioneiros nessa nova fase, ainda bem apegado ao Delta Blues, tocava seu piano de forma bem peculiar, como se estivesse dedilhando um violão.

Nessa fase podemos notar a quase ausência do violão e o abuso no uso do piano, símbolo da modernização do Blues, assim como o contrabaixo.Também os vocais, que se tornariam menos lamuriosos, passando a ser mais roucos e agressivos, já antevendo o advento do rockabilly. As gravações vão de 1931 a 1942.

Track List

01. That's Chicago's South Side (Burns Campbell Orchestra Sam Theard)
02. Peetie Wheatstraw (Peetie Wheatstraw)
03. Devil's Island Gin Blues (Roosevelt Sykes)
04. Sail On, Little Girl, Sail On (Bumblebee Slim)
05. Black Gal, What Makes Your Head So Hard? (Joe Pullum and R. Cooper)
06. I Lost My Baby (Lil Johnson)
07. Keep Your Hands Off Her (Big Bill Broonzy)
08. When the Sun Goes Down (Leroy Carr)
09. Selling My Pork Chops (Memphis Minnie)
10. Every Day I Have the Blues (Pine Top)
11. Sweet Sixteen (Walter Davis)
12. Honky Tonk Train Blues (Meade Lux Lewis)
13. Trouble In Mind (Richard M. Jones)
14. He Roars Like a Lion (Merline Johnson)
15. Prowling Night Hawk (Robert Lee McCoy)
16. Good Morning School Girl (Sonny Boy Williamson)
17. You Got to Fix It (Speckled Red)
18. Bucket's Got a Hole in It (Washboard Sam)
19. Bottle It Up and Go (Tommy McClennan)
20. Key To the Highway (Bill "Jazz" Gillum)
21. Don't You Lie to Me (Hudson Whittaker)
22. What Is That She Got (Johnny Temple)
23. Going Down Slow (St. Louis Jimmy)
24. Hobo Blues (James "Yank" Rachel)
25. He's a Jelly Roll Baker

Destaques desta terceira coletânea:

Joe Pullum, com "Black gal, what makes you head so hard?", de 1934. Com seu vocal cool e agudo, Joe Pullum se sobressaía no Blues, às vezes acompanhado até de 02 pianistas. A música é de Joe Pullum porém a figura no vídeo é de Blind Lemon Jefferson.

Meade Lux Lewis, com "Hank tank trains Blues, de 1936. Música instrumental, com sua natureza incisiva para o surgimento do rockabilly, muito parecida com o estilo de Jerry Lee Lewis.

Lonnie Johnson, com "He's a Jelly Roll Baker", de 1942. Uma das figuras mais simpáticas e queridas do Blues, Johnson também usava o piano de forma bem tímida, sobressaindo-se sua boa técnica no violão.

Southern Rock Brasil Collection: Vol 1 e 2 (2012)

noreply@blogger.com (Daniel) — Sun, 06 May 2012 01:06:00 +0000

O site Southern Rock Brasil , idealizou essa super coletânea, dividida em dois volumes, com o melhor do southern rock internacional e nacional. Agradeço ao Filipi Junio, por autorizar que eu divulgasse a coletânea aqui no Jazz & Rock. Aproveitem a oportunidade de conhecer um pouco mais sobre esse gênero fascinante que é o southern rock. Boa Audição. E claro, ouviu e gostou? Não se esqueça de deixar a sua opinião nos comentários.

Por Filipi Junio

O Southern Rock Brasil sempre está a procura de novas coisas e é com orgulho que lançamos "Southern Rock Brasil Collection Volume 1", uma coletânea online gratuita com o melhor do Southern Rock. Essa é mais uma iniciativa que visa divulgar o Southern Rock e as ótimas bandas que fazem parte de estilo. Agradeço aos membros das bandas e managers que me autorizaram a tornar tudo isso realidade.

Track List

01. Blackberry Smoke - Good One Coming On
02. Drive-By Truckers - Used To Be A Cop
03. The Outlaws - Green Grass And High Tides
04. SwampDaWamp - Lady
05. Trailer Trash Tramblers - Rodeo
06. Sam Morrison Band - Whiskey
07. Redwest - Fire Me
08. Dertybird - Edna
09. State Line Mob - Holding You (Next to Me)
10. The 484 South Band - Mississippi
11. Rebel Pride - Survivor

Download - Clique Aqui

Então lhes apresento a Southern Rock Brasil Collection Volume 2 - Brazilian Bands - O melhor do Southern Rock, Southern Metal e Folk brasileiro. Como já diz o título, essa coletânea não é exclusivamente dedicada ao Southern Rock. Nesse segundo volume temos Southern Metal, Hillbilly, Southern Rock e Folk.

Guardei duas surpresas para esse segundo volume: uma faixa do novo álbum da Hogjaw e uma da Fifth On The Floor, ambas deveriam ter entrado no primeiro volume, mas as bandas me responderam depois que eu já tinha publicado a coletânea.

A coletânea é composta por por onze faixas e o uso delas foi autorizado pelas bandas.

Track List

01. The Outside Dog - "Open D Blues" (Alternative Version)
02. Razonator - "Poseidon"
03. O Celeiro das Rochas - "Fim de Jogo"
04. Tallene - "Esse é o preço de ter pelo que lutar"
05. Eric Taylor - "Winter Comes"
06. O Bando do Velho Jack - "Dois Caminhos"
07. Fabulous Bandits - "A Herança"
08. Phillip Long - "Nobody's Happy"
09. Phillip Nutt - "Keepsake"
10. The Outside Dog - "Seven Reasons"
11. Razonator - "Prayer f Road"
12. Eric Taylor - "Black River"

Download - Clique Aqui

Site Oficial: Southern Rock Brasil

James Gang - Bang (1973)

noreply@blogger.com (Daniel) — Wed, 02 May 2012 23:40:00 +0000

Por Thiago Lucena

O ano é 1973, a banda James Gang perdia mais um guitarrista, Domenic Troiano, entre tantos que passaram pela banda, antes dele o lugar era ocupado por Joe Walsh, que deixou a banda para se juntar ao Eagles. O nome da vez era o prodígio Tommy Bolin, que entre muitos projetos havia formado a Zephyr, que chegou a abrir alguns shows para o Led Zeppelin. E foi por causa desse guitarrista americano que comprei esse disco. Com Bolin, a banda gravou seu sexto álbum, que apesar de não ter sido o mais vendido, é o preferido entre os puristas e admiradores, além de ser o mais eclético da discografia do grupo.

Desde o rock n´roll de Standing in the Rain, das pitadas pop e do belo solo de Ride The Wind e da descompromissada Got no Time for Trouble, passando pela hipnótica Devil Is Singing Our Song até Must be Love, que parece ter sido transportada direto dos anos 50. Alexis é uma bela balada setentista, que prima pela beleza e simplicidade, lendo a letra, arrisco que é uma singela homenagem a uma jovem garota que algum integrante, talvez o nosso Guitar Hero, conheceu durante uma turnê, destaque para o bonito solo de Bolin. A dobradinha Rather Be Alone With You e From Another Time nos presenteia com o melhor momento do álbum, a primeira um soul totalmente à capela desaguando, já na seguinte, em uma desenfreada percussão funk com grooves psicodélicos e um refrão grudento que vai ficar na sua cabeça por um bom tempo, a minha preferida do disco. O álbum encerra com Mystery, uma belíssima canção acústica muito bem acompanhada de um competente arranjo de cordas.

Tommy Bolin deixaria a James Gang para entrar no Deep Purple e gravar o clássico Come Taste the Band em 1975, falecendo no ano seguinte, consequência de uma overdose, aos 25 anos. Um disco excelente e que prima pela variedade musical, basta uma audição para notar o leque de estilos e ritmos que recheiam essa gema dos anos 70.

Track List

01 Standing In The Rain
02 Devil Is Singing Our Song
03 Must Be Love
04 Alexis
05 Ride The Wind
06 Got No Time For Trouble
07 Rather Be Alone With You (Song For Dale)
08 From Another Time
09 Mystery

James Gang - Devil Is Singing Our Song

James Gang - From Another Time

John Pizzarelli "Double Expoure" via Streaming

noreply@blogger.com (Daniel) — Tue, 01 May 2012 21:54:00 +0000

O guitarrista John Pizzarelli, divulgou no Facebook três músicas do seu novo álbum, que será lançado agora em Maio. As músicas divulgadas são, "I Feel Fine" dos Beatles, "Traffic Jam" do James Taylor e "Walk Between Raindrops", que eu creio ser do Donald Fagen, mais não tenho certeza. As músicas podem ser ouvidas via streaming. Boa Audição.

Site Oficial: John Pizzarelli

When The Sun Goes Down: The Secret History Of Rock & Roll - The Frist Time I Met The Blues (2002)

noreply@blogger.com (Daniel) — Tue, 01 May 2012 17:59:00 +0000

Artista: Varios Artistas
Título: When the Sun Goes Down: The Secret History of Rock 'n' Roll - The Frist Time I Met The Blues.
Gênero: Blues
Ano de lançamento: 2002
Selo/gravadora: Sony Bmg (Bluebird Records)

Por Ricardo Seiti

Segundo disco da série When the Sun Goes Down: The Secret History of Rock & Roll, apresentando os grandes músicos do Blues na época pré-2ª guerra mundial. Como o próprio comentário do álbum diz, ao pensarmos em Blues (do início, claro) logo pensamos na imagem do violonista triste e solitário, mas as músicas deste disco mostram como o Blues era muito mais abrangente.

O Blues ensaiava algumas aproximações com o Jazz - a cantora e multi-instrumentista Victoria Spivey tinha em suas gravações vários instrumentos de sopro e músicos vindo do Jazz, assim como Genevieve Davis, Lizzie Miles, Edna Winston e outras. A presença feminina e a ligação do Blues com o Jazz suavizava então o gênero, até então quase que essencialmente masculino e marginal.

À parte também do Blues tradicional, havia as Jug Bands, como a Gus Cannon Jug Stompers e Memphis Jug Band, com suas variedades sonoras e instrumentos como Banjo, Harmônica, Violão, Kazoo e Jug (uma espécie de garrafão que soprado emitia notas graves como um contrabaixo, na época ainda nem usado no Blues).

Já em um estilo mais moderno, predominando o piano, estilo Blues de Chicago, Little Brother Montgomery cantava "The First Time I Met The Blues", que influenciaria Buddy Guy, que por sua vez seria uma das inspirações de John Lee Hooker, que depois inspiraria Eric Clapton. As gravações vão de 1927 a 1936.

Destaques desta segunda coletânea:

Gus Cannon Jug Stompers, com "Viola Lee Blues", com sua variedade sonora e instrumentos folclóricos e o vocal potente de Noah Lewis.

Furry Lewis, com "Judge Harsh Blues".Furry era um guitarrista e vocalista de slide guitar meio limitado, mas com sua técnica simples e eficiente e vocal sofrido teria grande influência no Blues. Ninguém menos que Keith Richards, dos Stones, o redescobriu e virou seu fã, convidando-o a abrir alguns shows dos Rolling Stones na início dos anos 80.

Blind Willie McTell, com "Statesboro Blues".Apenas Bob Dylan uma vez disse: "ninguem nunca cantou o Blues como Blind Willie Mctell".Depois dessa, não há muito o que acrescentar. Quem ouvir a voz rouca de Blind Willie McTell terá a impressão de estar ouvindo Janis Joplin.

30 de Abril: Dia Internacional do Jazz

noreply@blogger.com (Daniel) — Mon, 30 Apr 2012 03:32:00 +0000

A Agência das Nações Unidas para a Educação, Ciência e Cultura (Unesco), comemorou a partir da última sexta-feira, 27, o primeiro Dia Internacional do Jazz. A data, passa a ser incorporada no calendário da Unesco todo dia 30 de Abril. A iniciativa é do pianista americano Herbie Hancock, que é destaque no evento de inauguração em Paris, com encontros de músicos e admiradores do gênero de todo o mundo.

Segundo os organizadores da celebração, o objetivo da data é destacar "as virtudes do jazz como instrumento educativo e como força de paz, de diálogo e cooperação entre os povos".

Para comemorar essa data tão especial, as comemorações tiveram inicio na última sexta feira (27) na sede da Unesco em Paris, com shows, mesas redondas, oficinas e conferências. Os eventos terão a participação de nomes como o próprio Hancock, Barbara Hendricks e Ellis Wynton Marsalis. Já em Nova York, a festa terá continuidade na sede da ONU também com Hancock, Dee Dee Bridgewater, Diane Reeves, Romero Lubamo, Esperanza Spalding, Angelique Kidjo e Zakir.

Warren Haynes Band - Tear Me Down

noreply@blogger.com (Daniel) — Fri, 27 Apr 2012 22:27:00 +0000

O multifacetado e incansável guitarrista Warren Haynes acabou de lançar um novo álbum ao vivo: Live at the Moody Theater (2012). O álbum é duplo e foi lançado em cd e dvd. Depois do lançamento do Man in Motion (2011), seu último trabalho de estúdio, Warren saiu em uma espécie de tour.

Live At The Moody Theater, foi gravado em Austin, Texas. No set list antigos sucessos da sua carreira e claro, as músicas do seu novo álbum. O incansável Warren, é acompanhado por Ron Johnson no baixo, Terence Higgins na bateria, Nigel Hall nos teclados, Ron Holloway no saxofone e Chakour Alecia nos vocais.

Ainda não ouvi o álbum na integra, mais assim que ouvir, volto com uma resenha. Por enquanto, fica o vídeo da música Tear Me Down. Mais uma vez Warren Haynes, mostra por que é um dos melhores guitarristas do mundo. Esse cara é literalmente incansável e faz tudo com excelente, seja no Allman Brothers, no Gov't Mule ou na sua carreira solo.

No site Paste Magazine , você pode ouvir o álbum via stream.

Boa Audição.

Site Oficial Warren Haynes

Fanny Adams - Fanny Adams (1971)

noreply@blogger.com (Daniel) — Wed, 25 Apr 2012 00:00:00 +0000

Artista: Fanny Adams
Título: Fanny Adams
Gênero: Hard Rock / Blues-Rock
Ano de lançamento: 1971

Quero agradecer ao Thiago Lucena pela contribuição com o Blog Jazz & Rock. E aproveitar para dizer que ele é o mais novo colaborador do blog. Então podem esperar ótimas resenhas e dicas excelentes de rock anos 60,70,80, entre outros gêneros. Bem vindo a equipe Thiago. Sinta-se em casa.

Por Thiago Lucena

Quando se tem fileiras de aquisições esperando sua vez para serem ouvidas acaba-se adiando a descobertas de pérolas que causam aquela sensação de "por que não conhecia isso antes?". Aconteceu com esse CD, que comprei em Julho do ano passado, em uma viagem ao exterior, e estava calmamente esperando sua vez de mostrar sua importância, não no Rock, mas na minha coleção. Mas chegou sua hora e ele não me decepcionou. Formado no final dos anos 60 por músicos experientes da Nova Zelândia e Austrália, lançaram esse disco no inicio dos anos 70 e foi muito bem recebido pelos críticos australianos, que, segundo o encarte, chegaram a anunciar que essa seria a melhor banda do mundo durante três semanas.

A faixa Ain´t no loving left, que abre o disco com louvor, é um bluesão pesado e arrastado, perfeito cartão de visitas do disco, e provavelmente a música perfeita para abrir os shows da banda na época. A segunda faixa, Sitting on top of the room, apresenta um clima sombrio até cair em uma levada funk, com o baixista Teddy Toi dando o ar da graça até voltar ao mesmo ritmo introspectivo que lembra bastante Atomic Rooster. O grupo pode ser definido como uma banda de blues-rock, com riffs criativos e introduções cativantes, como nas músicas Yesterday was today e Got to get a message to you. A música You don´t bother me, o riff que conduz a música intercalando com uma base de guitarra limpa, tem tudo pra ser a preferida de muitos que ouvirem o álbum e também evidencia a competência do vocalista Doug Parkinson. A simplicidade técnica no instrumental de Mid morning madness do guitarrista Vince Maloney, que já fez parte da banda de apoio dos Bee Gees nos anos 60, encanta os ouvidos nesse som com refrão bem encaixado e levada contagiante, porém devidamente cadenciada. Devia ser a música que era cantada em uníssono pelos fãs nos shows da banda.

They´re all losers honey fecha o álbum com chave de ouro, blues tradicional, descontraída e conduzida de uma forma que nos faz acreditar que foi, propositalmente, feita para ser alongada nos encerramentos dos shows, com jams hipnóticas e acalouradas, lembra muito as peripércias dos irmãos Allman. Um disco que nunca teve pretensão de entrar na lista dos clássicos, mas deve ser ouvido com atenção, pois com certeza vai causar empolgação e felicidade nos fãs dos bons sons setentistas.

Track List

01. Ain't No Loving Left
02. Sitting On Top Of The Room
03. Yesterday Was Today
04. Got To Get A Message To You
05. You Don't Bother Me
06. Mid Morning Madness
07. They're All Losers, Honey

Fanny Adams - "Ain't No Loving Left"

When the Sun Goes Down: The Secret History of Rock 'n' Roll

noreply@blogger.com (Daniel) — Mon, 23 Apr 2012 01:25:00 +0000

Artista: Varios Artistas
Título: When the Sun Goes Down: The Secret History of Rock 'n' Roll
Gênero: Blues
Ano de lançamento: 2002
Selo/gravadora: Sony Bmg (Bluebird Records)

Por Ricardo Seiti

Primeiro de uma ótima série de 04 discos, essencial para quem quiser conhecer um pouco mais os primórdios do blues e seus vários sub-gêneros. Ao longo dos 04 álbuns, cerca de 100 artistas nos apresentam o blues a partir de seu surgimento,oriundo dos cânticos primitivos dos escravos nas plantações de algodão no sul dos Estados Unidos até sua chegada a Chicago e sua transformação para o rockabilly e o rock'n'roll.

A série foi muito elogiada pela crítica e imprensa musical, quando lançada em 2002.As gravações são da Bluebird Records, na época um braço da gravadora RCA Victor,que na década de 30 era responsável por lançar artistas "menos rentáveis", nos casos os músicos do blues. A RCA Victor foi recentemente adquirida pela Sony/Bmg.

A coletânea apresenta uma excelente qualidade sonora (quem pesquisa o blues de raiz da década de 20 e 30 sabe como o som é precário) e faz observações detalhadas sobre cada música, como data de gravação, seus músicos e instrumentos,além do cenário sócio-econômico e cultural e fotos da época.

Nas músicas deste primeiro álbum, que vão de 1926 a 1941, o que chama a atenção para nós, blueseiros do século 21,acostumados com o blues elétrico, é a rusticidade e ingenuidade dos instrumentos e elementos usados pelos músicos da época. Além é claro do violão, banjo, acordeon, harmônica, violino e eventualmente piano, outros instrumentos praticamente extintos como o jug, kazoo e washboard e uma certa aproximação com a música gospel nos apresentam uma pequena amostra da importância que o blues viria a ter para a música mundial.

Destaques desta primeira coletânea: (Videos no final do post)

Robert Petway, com "Catfish Blues", de 1941: Assim como Robert Johnson, Robert Petway teria carreira curta porém importantíssima para o blues. Apesar de ter gravado apenas 16 músicas, seu vigoroso dedilhado ao violão e seu vocal potente influenciaria muitos músicos, como John Lee Hooker e Muddy Waters.

The Carter Family, com "Wooried man blues", de 1930: As irmãs Maybelle Addington, Sara Dougherty e seu marido Alvin Pleasant Delaney Carter tiveram uma grande contribuição para o blues, com seu ótimo trabalho vocal influenciado pelo gospel e a boa técnica ao violão de Maybelle.

Amede Ardoin e Denus Mcgee, com "Les Blues de Voyage", de 1934: O violino, tocado por Denus Mcgee, já era comum no blues, mas o acordeon executado por Amede Ardoin com influências do Cajun (estilo musical difundido por imigrantes vindos da França) viria a enriquecer ainda mais o blues.

Track List

01. Robert Petway - Catfish blues
02. Big Joe Williams - Baby, please don't go
03. Leadbelly - Ham an' eggs
04. Big Bill Broonzy - Mississipi River Blues
05. Trixie Butler - Just a good woman through with the blues
06. Milton Brown & his Musical Brownies - Garbage man blues
07. Bukka White - The Panama limited
08. Tommy Johnson - Cool drink of water blues
09. Leadbelly - The midnight special
10. Carter Family - Wooried man blues
11. Amede Ardoin & Denus Mcgee - Les blues de voyage
12. Andrew & Jim Baxter - K. C. railroad blues
13- Rev. J. M Gates - Somebody's been stealin'
14. Alberta Hunter - Beale street blues
15. Noah Lewis - Devil in the wood pile
16. Gus Cannon's Jug Stompers - Walk right in
17. Julius Daniels - Ninety-nine year blues
18. Bessie Tucker - Got cut all to pieces
19. Gus Cannon's Jug Stompers - Feather bed
20. Julius Daniels - Can't put a bridle on that mule this morning
21. Deford Bailey - Davidson county blues
22. Frank Crumit - Frankie and Johnny
23. Taskiana Four - Dixie Bo-bo
24. Paul Robeson - Sometimes I feel like a motherless child
25. The Hall Johnson Choir - St. Louis Blues

Robert Petway, com "Catfish Blues", de 1941.

The Carter Family, com "Wooried man blues", de 1930

Amede Ardoin e Denus Mcgee, com "Les Blues de Voyage", de 1934

Edwa Space Zone - Coffee is Ready (2012)

noreply@blogger.com (Daniel) — Mon, 16 Apr 2012 02:09:00 +0000

Semana passada recebi um e-mail do guitarrista Eduardo Araneda, pedindo para divulgar o seu álbum. Edwa Space Zone, é o nome do seu projeto. As composições e criações musicais do Eduardo, são baseados inteiramente em jamming e improvisação. A sonoridade traz uma mescla de elementos do psicodélico, jazz, rock, space. O álbum Coffee is Ready (2012), foi produzido pelo próprio Eduardo, que além de compor todos os arranjos, também toca todos os instrumentos, com exceção da bateria. Segundo o próprio Eduardo, me disse no email, tudo isso é feito de maneira experimental e improvisada, já que ele é músico amador e a música é na verdade um hobbie para ele.

Agradeço ao Eduardo por enviar o material e também por permitir que eu divulgasse e postasse o álbum dele gratuitamente para download. Espero que gostem do álbum Coffe is Ready. Boa Audição a todos.

Track List

01. Coffee is ready
02. Times Square
03. The inner road
04. Condor's Fly

DOWNLOAD CLIQUE AQUI

Site Oficial: Eduardo Araneda

Accept - Stalingrad (2012)

noreply@blogger.com (Daniel) — Fri, 13 Apr 2012 00:39:00 +0000

Artista: Accept
Título: Stalingrad
Gênero: Heavy Metal
Ano de lançamento: 2012
Selo: Nuclear Blast

O Accept figura entre as bandas expoentes de heavy metal na Alemanha. Formado em 1968, a banda se manteve na ativa até meados de 1997, quando encerrou as atividades. Naquela ocasião a banda já havia lançado onze álbuns de estúdio e cinco ao vivo, sob os comandos do frontman Udo Dirkschneider e do guitarrista Wolf Hoffmann. Em 2005 a banda ensaiou um retorno, apesar de realizar alguns shows pelo mundo, o Accept anunciou que era hora de tirar férias dos palcos. Em 2009 e reformulado, o Accept ressurge, dessa vez com uma novidade, a chegada de um novo vocalista: Mark Tornillo. Junto com ele, a banda manteve praticamente a mesma base, com Wolf Hoffmann (guitarra solo), Herman Frank (guitarra ritimica), Peter Baltes (baixo) e Stefan Schwrzmann (bateria).

Em 2010 a banda entrou em estúdio para gravar o álbum Blood of the Nations (2010), que confirmou que dessa vez o retorno era triunfal. O vocalista Mark Tornillo surpreendeu e provou ter sido a escolha certa, seu vocal agressivo e poderoso, acabou dando um toque diferenciado ao som do Accept, isso sem falar dos demais músicos, que entraram de cabeça no novo projeto e mostraram que não estavam ali de brincadeira. Eu inclusive fui conhecer o Accept através desse álbum, e mesmo curtindo muito, acabei esquecendo de resenha-lo.

E agora, passado dois anos, o Accept volta à tona com mais um álbum bombástico e que tem tudo para estar entre os melhores lançamentos do ano: Stanlingrad (2012). Produzido por Andy Sneap, mesmo produtor do álbum anterior. Bom musicalmente a pegada é a mesma, um heavy metal vigoroso e moderno, com o vocalista Mark Tornillo confirmando a boa fase, cantando muito, o mesmo posso dizer dos guitarrista Wolf e Herman, juntos eles dão uma aula de como se faz heavy metal, com riffs e solos inspiradíssimos e consistente, em partes mesclando até mesmo elementos do hard rock. A cozinha fica por conta do baixista Peter Bates e do batera Stefan Schwarzman, que apesar de não esbanjar uma técnica refinada, não há como negar a contribuição marcante dos dois, o destaque vai para o Peter, que em meio as músicas consegue aparecer mandando bem entre uma linha ou outra de baixo. Um fato interessante e que eu não poderia deixar de falar, é sobre a temática do álbum, que como o próprio nome sugere, é praticamente todo baseado na batalha mais sangrenta da II Guerra Mundial, a batalha de Stalingrado. Enfim, é um assunto que me fascina, ainda mais quando é acompanhado pelo heavy metal.

Stanligrad (2012) traz um repertório com dez músicas, todas fodasticas. O álbum começa com “Hung Draw and Quartered”, um heavy metal visceral e na velocidade certa, com Mark mandando ver no vocal agressivo e hora com gritos rasgados, e claro a presença marcante das guitarras. Na sequencia a faixa-titulo “Stalingrad”, que foi uma das divulgadas antes do lançamento e traz a marca do Accept, guitarras com linhas melódicas e riffs precisos, backings vocals ao fundo, um refrão grudento e um detalhe para o hino russo no meio da música. “Hellfire” também merece destaque, com um ótimo trabalho dos guitarristas Wolf e Herman , a música em si tem uma pegada muito consistente. Sem dar tempo para respirar a banda manda a excepcional “Flash to Bang Time”, uma injeção de adrenalina, com riffs e solos avassaladores, o com Mark Tornillo mostrando mais uma vez que está na sua melhor forma. Uma das melhores músicas do álbum. “Shadow Soldiers” começa bem cadenciada, com uma introdução feita no violão e guitarra limpa, apesar de logo ganhar peso, sua cadência é mantida, embalada por uma pegada mais melódica, o ponto alto fica por conta dos coros. Outra música cadenciada é “Twist Of Fate”, dessa vez com destaque para o vocalista Mark Tornillo, que manda muito bem na variação dos timbres do seu vocal. Na sequencia a bombástica “The Quick And The Dead”, heavy metal com uma pegada rápida, com direito a guitarras melódicas e solos matadores, até o baixista Peter Bates arrisca um solinho. “The Galley”, encerra o álbum em grande estilo, uma música com uma pegada que nos remete ao bom e velho hardão, deixando a sensação de que o álbum acabou rápido demais e tentando o ouvindo a apertar o play novamente.

Apesar de conhecer apenas os dois trabalhos recentes do Accept, não há como negar que eles estão em uma ótima fase e mostrando que voltaram com um apetite avassalador, com uma pegada de banda iniciante e creio que isso seja um dos fatores pelo excelente trabalho dos caras. Recomendo álbum para quem curte heavy metal, independente de conhecer o Accept ou não, é um álbum que vale e muito a pena ser ouvido. Um trabalho primoroso e que certamente irá figurar entre os melhores desse ano. Fica a dica. Boa Audição.

Track List

01. Hung, Drawn And Quartered
02. Stalingrad
03. Hellfire
04. Flash To Bang Time
05. Shadow Soldiers
06. Revolution
07. Against The World
08. Twist Of Fate
09. The Quick And The Dead
10. The Galley

Accept - Stalingrad

Site Oficial: Accept

Status Quo - Retrospective (2000)

noreply@blogger.com (Daniel) — Sat, 07 Apr 2012 01:26:00 +0000

Por Ricardo Seiti

Ótima coletânea da banda britânica Status Quo, com 20 faixas, escolhidas de seus álbuns de 1972 a 1986. Um detalhe impede a banda de ser reconhecida como uma das mais longevas da história do rock, como os Stones: também começaram em 1962, mas com o nome de The Spectres. Em 1966, mudaram para Traffic Jam, tocando um som meio psicodélico, meio confuso, até que, com pouca repercussão na mídia, caiu a ficha de Francis Rossi, seu guitarrista e fundador: sua vocação era definitivamente o rock'n'roll.

Rebatizada com o atual nome Status Quo e com a chegada de um grande amigo de Francis, Rick Parfittt, também guitarrista e vocalista, em 1967 a banda começava sua grande escalada. Com o álbum "Piledriver", em 1972, competindo com o rock progressivo, punk, heavy metal, hard rock, new wave e várias outras vertentes, o grupo apostou na simplicidade e autenticidade do rock, contando também com Alan Lancaster no contrabaixo e John Coglan na bateria.

Nas músicas, nada de longas introduções, solos entediantes, paradinhas chatas, teclados mirabolantes, experimentalismos. O que valia era a diversão. Na ativa até hoje, o Status Quo nos presenteia sempre com algum grande álbum. Com suas melodias açucaradas e enérgicas, se colocar um solo um pouco mais longo no meio da música, estraga. Sua pouca exposição na mídia com certeza se deve ao fato de não seguirem modismos e tendências, sempre correndo por fora.

Quando se apresentam lotam ginásios e arenas com seu público cativo e fiel, ávidos pelo puro e verdadeiro rock. É emocionante ver roqueiros de 15 a 50 anos cantando e vibrando com suas músicas

Em tempo: neste ano o Status Quo completa 50 anos na ativa!

Track List

01. What You're Proposin'
02. Rockin' All Over The World
03. Whatever You Want
04. Caroline
05. Break The Rules
06. The Wanderer
07. Dear John
08. Ol' Rag Blues
09. Rollin' Home
10. Red Sky
11. Dreamin'
12. Speechless
13. Too Far Gone
14. Rockers Rollin'
15. Can't Give You More
16. Down Down
17. Roll Over Lay Down
18. Rolling Home
19. Paper Plane
20. Claudie

Status Quo - Rockin' all over the world (ao vivo em 1977)

Status Quo - Whatever you want (ao vivo em Knebworth, 1986)

Status Quo - Down down (ao vivo em Glastonbury, 2009)

Site Oficial: Status Quo

Gabriela Pepino - "Let me Do It"

noreply@blogger.com (Daniel) — Thu, 05 Apr 2012 12:10:00 +0000

Semana passada recebi por email a dica de uma jovem cantora de jazz brasileira, chamada Gabriela Pepino. Eu não conhecia o trabalho dela, mas em uma rápida busca no youtube e o site oficial da cantora, bastou para constatar que se trata de uma jovem muito talentosa. E em se tratando de Brasil, temos que valorizar esses talentos, ainda mais quando envolve jazz/blues. O release abaixo, foi escrito por Mauro Ferreira, e me enviado por email pela pessoa que deu a dica. Enfim, não tem muito o que dizer, leiam o release, assistam o video e claro, acessem o site oficial dela para conhecer um pouco mais da carreira e ouvir as outras músicas do primeiro álbum da Gabriela.

Por Mauro Ferreira

"I wanted to sing a jazzy song / But they wouldn't let me do it / Let me do it, hum, let me do it", suplica, com sua voz quente, Gabriela Pepino no refrão de Let me Do It, música de autoria da artista mineira que batiza e abre seu primeiro disco, lançado pelo selo Ultra Music. Basta ouvir a primorosa gravação desta composição para não restar dúvidas de que Gabriela Pepino pede no refrão para fazer o que sabe. Let me Do It, o álbum, apresenta uma cantora e compositora no domínio pleno e precoce de sua Arte. Uma intérprete hábil no canto de temas de jazz (já defendidos por ela em festivais dedicados ao gênero), blues, soul e pop. Ritmos que sintetizam as influências musicais desta cantora diplomada na Escola de Canto Babaya - em Belo Horizonte (MG) - e pós-graduada na Berklee College of Music, a escola de música mais conceituada dos Estados Unidos, para onde Gabriela Pepino rumou em 2004, quando ainda contabilizava 17 anos.

Impressiona em Let me Do It - disco idealizado e produzido pela própria Gabriela Pepino sob a direção musical do guitarrista Gilvan de Oliveira, autor dos arranjos - a técnica da cantora. A maestria com que suinga e atinge as notas com leveza é típica de veteranos. Contudo, a essa técnica lapidada na última década, o CD alia o requinte instrumental da gravação. Músicos como o baterista Lincoln Cheib, o baixista Adriano Campagnani e o citado Gilvan de Oliveira fazem a cama para que Gabriela Pepino deite e role no canto deste repertório soa absolutamente natural em sua voz. "Fiz neste disco o que eu sempre quis fazer. Eu me preparei muito para gravá-lo e cheguei pronta, sabendo o que queria. A influência do jazz, do blues e do soul é natural. Desde pequena, eu canto em inglês e escuto esses gêneros no meu cotidiano", frisa Gabriela Pepino.

Sim, a veia norte-americana da artista pulsa em Let me Do It de forma natural. O uso recorrente de backing-vocals - todos em fina sintonia com o canto da artista em If I Lived in France, outro tema da lavra de Gabriela Pepino, que cita na letra símbolos do país que abriga a Torre Eiffell - evoca a alma da música norteamericana de outros tempos. Com sua textura orgânica, Let me Do It tem um clima vintage, reverenciando com frescor o som de outras eras em seu repertório essencialmente autoral. My Dream Is You, uma das baladas do disco, exemplifica o apuro dos arranjos - em especial na disposição das cordas da Orquestra de Cordas Sesi-Minas - e a pegada pop de algumas faixas. "O pop também é forte em mim. Mas é pop dos anos 70. Eu deveria ter nascido em outra época", brinca Gabriela Pepino.

De outra época - e do repertório de um ícone feminino do universo pop - vem I Don't Wanna Fight, sucesso de Tina Turner. O tema de Lulu Lawrie (a cantora britânica Lulu, do hit To Sir, With Love), Billy Lawrie e Steve DuBarry foi gravado pela cantora em 1993 no álbum What's Love Got to Do with It, trilha sonora do homônimo filme. Trata-se do último grande sucesso de Tina, rebobinado com habilidade por Gabriela Pepino, sem cair na imitação do registro original da música. Ainda fora da seara autoral que domina Let me Do It, o disco fecha com Someone to Light Up my Life, versão em inglês de Se Todos Fossem Iguais a Você (Antonio Carlos Jobim e Vinicius de Moraes), marco inaugural que abriu em 1956 a monumental parceria de Tom com Vinicius.

A música soberana de Jobim tem seu sotaque universal realçado por Pepino num disco que dialoga com as tradições do soul e do rhythm and blues em temas cantados em inglês como Change e Headache, outras duas inéditas autorais da artista. Tradições abordadas com um feeling orgânico, sem os timbres artificiais e mecânicos das gravações atuais. Mérito potencializado pela mixagem (capitaneada por Henrique Soares Martins no Ultra Estúdio, em Belo Horizonte, onde o disco foi gravado de agosto a outubro de 2011) e pela masterização feita pelo conceituado engenheiro de som Tom Coyne no Sterling Sound, o não menos conceituado estúdio de Nova York (EUA). O apuro técnico na finalização do disco faz com que os sons e instrumentos estejam bem delineados - são perceptíveis as linhas do baixo, por exemplo - sem que a voz de Gabriela Pepino saia jamais do primeiro plano.

É espantosa a naturalidade com que a artista encara um blues como Dose of Scotch (Gabriela Pepino), como se estivesse ambientada em um cabaré dos anos 20 ou 30. O senso rítmico da intérprete também salta aos ouvidos nas interpretações de músicas como Baby (Gabriela Pepino) mais uma prova da inspiração e do talento natural da artista como compositora. A extensão da voz lapidada em aulas de canto é perceptível nas passagens mais altas da balada Unexpected (Gabriela Pepino).

Outra balada do repertório autoral, Deepest Shadow (Gabriela Pepino), chama atenção e se diferencia no disco por trazer a participação de Marina Machado, cantora cultuada no universo pop mineiro. O dueto de Marina com Gabriela resulta harmonioso e valoriza uma canção cheia de vida, pronta para ganhar as paradas.

Como a iniciação de Gabriela Pepino na música, a opção por cantar e compor em inglês acabou sendo natural. "Foi maior do que eu! Essas músicas, que já venho compondo há quatro anos, foram saindo em inglês e já chegaram praticamente com melodia e harmonia prontas", relata Gabriela Pepino.

Em tempos de músicas e cantoras estéreis, programadas para seguir o ritmo do momento, Let me Do It aplica injeção de vitalidade e honestidade no mercado viciado. Gabriela Pepino é uma cantora de verdade que faz música de verdade. Como nos velhos tempos. A História - e o sucesso da saudosa Amy Winehouse (1983 ?? 2011) corrobora a tese - tem sido favorável a quem segue essa trilha retrô com alma. Let Gabriela Pepino Do It!

Site Oficial: Gabriela Pepino

Black Sabbath - Paranoid (1970)

noreply@blogger.com (Daniel) — Sat, 31 Mar 2012 17:57:00 +0000

Apesar de curtir muito heavy metal e muitas bandas consideradas sagradas, o Black Sabbath é uma banda que eu nunca tive muito interesse em conhecer a principio. Com o passar dos anos e o envolvimento com o heavy metal, fui conhecendo melhor o som da banda e acabei focando mais nos álbuns que tinham o eterno Dio nos vocais e acabei deixando os outros de lado. Minha visão em relação ao Black Sabbath começou a mudar drasticamente quando comecei a ler o excelente livro Heavy Metal – A História Completa, do escritor Ian Christe. Apesar de ter uma boa noção de como iniciou o heavy metal, foi através desse livro que tive a dimensão exata e principalmente da importância que o Sabbath teve para o nascimento do heavy metal.

O Black Sabbath foi praticamente à pedra fundamental para o heavy metal. Eram profetas criados à margem da sociedade inglesa, eles eram desempregados, socialmente desprezíveis e ainda moralmente suspeitos. Em 1970 a banda já havia lançado o álbum Black Sabbath, um álbum que chocou e trouxe revolução à música. Flutuando entre harmônicos zumbidos, a dimensão aterrorizante da música cresce até o clímax na mesma medida em que o juízo final persegue o relutante protagonista. A história macabra, digna de Edgar Allan Poe, contada por uma revoada de guitarras, bateria e um microfone crepitante. Assim o Black Sabbath, inspirou imediata admiração, cativou o publico completamente e também afetou a banda de modo tão irreversível, em meio à entorpecida inocência, percebeu-se levada por uma força misteriosa em direção ao sucesso. Não demoraria até se libertasse de suas origens, saindo do rock’n’roll para explorar a recém-conquistada liberdade de inovadores como Miles Davis.

O Sabbath e seus membros cultivavam uma imagem horripilante – embalada pela bruxaria e pelo misticismo de ocasião, acorrentados a bem combinadas cruzes prateadas – que deu a banda a fama de pretensos satanistas e ainda rendeu um ou outro protesto público por parte dos defensores da igreja. Antes deles, astros do rock haviam encantado a opinião publica com flores, desfiles e promessas de mudar o mundo. O Black Sabbath avançou ao fim dessa procissão, ainda professando a necessidade de amor, mas avisando aos errantes que não haveria volta a um ingênuo estado de graça.

No fim dos anos 60, o cenário do rock passava por um verdadeiro turbilhão de acontecimentos e beirava a decadência. Fatos como as quatro mortes ocorridas no show dos Rolling Stones, no Altamont Receway, em dezembro de 69, chocaram a comunidade do rock e deixaram os jovens desiludidos com os ideias pacifistas. Depois disso em abril 1970, enquanto o Sabbath estava bem posicionado nas listas dos mais vendidos, Paul MacCartney anunciava a efetiva separação dos Beatles e ainda Jonis Joplin, Jimi Hendrix e Jim Morrison, em vez de confortar seu publico nesse mundo já tão incerto, morreriam de overdose em menos de um ano. A geração “paz e amor” que havia criado a contracultura, agora já cansada e frustrada, voltava em hordas para onde havia nascido ou ia em direção as montanhas – qualquer coisa que exorcizasse os pesadelos descomunais da utopia que havia entrado em colapso. Esse era o cenário no final dos anos 60.

Em meio a isso, o Sabbath parecia fortalecer-se, apesar de tais adversidades, e nunca fingia ter respostas para além das ocasionais exortações de amor ao próximo. Embora retratados como pobres coitados e desordeiros, o álbum de lançamento da banda logo alcançou a lista dos dez mais vendidos da Inglaterra. Em sua turnê inaugural pelos EUA, planejada em meados de 1970, foi cancelada graças ao julgamento de Manson, pois o clima do país era de pouca hospitalidade com tipos aparentemente perigosos. Então a Vertigo Records, tanto tentou que acabou conseguindo extrair mais material inédito d abanda, ao interromper a tour e recrutá-los para outro período de gravações em setembro de 1970.

Então bem mais entrosada e com propósito criativo intensificado a banda emergiu depois de dois dias de gravação com o seu álbum mais vendido, o poderoso Paranoid (1970), do qual saíram as músicas “War Pigs”, “Paranoid” e “Iron Man”.

Embora Paranoid (1970) mantivesse o assustador espirito do Black Sabbath, as propostas do segundo álbum eram menos místicas e mais tangíveis. Ozzy Osbourne, obcecado por temas como estrago e perda de controle, discorre sobre os males do vício em “Hand of Doom”, guerra nuclear em “Eletric Funeral” e trauma psicológico causado pela guerra em “Iron Man”. Assim como a impressionante faixa-titulo, a alma de “Paranoid” ainda parecia vir de uma publicação ocultista, Walpurgis, cuja a letra suscitava imagens como “as bruxas em missas negras” e “os feiticeiros da morte”. Quando gravada para o álbum Paranoid (1970), entretanto, a música foi levemente reescrita e virou “War Pigs”, um cataclísmico hino antiguerra, que acusava políticos de enviarem jovens pobres para fazer o trabalho sujo no lugar dos bancos e da nação.

Os membros do Sabbath agora tinham experiência não apenas como músicos, mas como porta-vozes de uma geração. Se a mudança aconteceria via música, o letrista Geezer Butler entendeu que teria de combater tudo que era feio logo na linha de frente. As novas músicas do Black Sabbath buscavam paz e amor, mas não nos moldes de Donovan e Jefferson Airplane, e, sim, na endurecida realidade de campos de batalha e fornos humanos. Ozzy Osbourne despejava as letras como em um transe, lendo mensagens dotadas de muita verdade.

Paranoid (1970) foi uma espécie de âncora para o heavy metal. Se antes a banda tinha uma proposta aterrorizadora em suas letras, nesse álbum isso não aconteceu com tanta ênfase, fato é que a banda buscou uma variedade, abordando temas bélico-politicas e de ficção cientifica, tudo girando em torno de uma critica severa.

O Black Sabbath teve uma importância sem precedentes para o heavy metal, que naquele tempo até existia, mas não era ligado a um gênero musical. Sem o Black Sabbath, a expressão "heavy metal", seria apenas um acidente poético, a profecia vazia contida no texto escrito por milhares de macacos brincando de máquinas de escrever, tentando escrever a Bíblia.

Track List

01. War Pigs
02. Paranoid
03. Planet Caravan
04. Iron Man
05. Electric Funeral
06. Hard of Doom
07. Rat Salad
08. Fairies Wear Boots

Ozzy Osbourne (vocal)
Tony Iommi (guitarra)
Geezer Butler (baixo)
Bill Ward (bateria)

Black Sabbath - Paranoid

Black Sabbath - Iron Man

** O texto em sua maioria foi retirado do livro “Heavy Metal – A História Completa” do escritor Ian Christe **

John Pizzarelli: Novo álbum "Double Exposure"

noreply@blogger.com (Daniel) — Sat, 31 Mar 2012 00:29:00 +0000

Uma ótima notícia para os fãs do John Pizzarelli, ele está preparando um novo álbum, "Double Exposure", que deverá ser lançado nos próximos meses. Pizzarelli deverá seguir a mesma fórmula que o consolidou como um grande interprete. Há rumores de que o novo álbum terá 13 canções populares e uma mescla de jazz / pop. Entre as canções a “I Feel Fine” dos Beatles, “In Memory Of Elizabeth” do Allman Brothers, “Traffic Jam” do James Taylor, “Free Man In Paris” do Joni Mitchell, o hit “Diamond Girl” do Seals & Crofts.

Bom agora resta aguardar novas informações sobre o álbum "Double Exposure" e claro, torcer por uma tour e shows em São Paulo, como foi o ano passado.

Enquanto isso assistam o vídeo de divulgação.

Encontrei essas informações no site Voice of America.

Banda Black Rio - Maria Fumaça (1977)

noreply@blogger.com (Daniel) — Sat, 24 Mar 2012 17:29:00 +0000

Artista: Banda Black Rio
Título: Maria Fumaça
Gênero: Fusion (samba-jazz-funk)
Ano de lançamento: 1977
Selo/gravadora: Atlantic/Wea

Tenho recebido alguns comentários de leitores dizendo que não encontram o link para download ou então pedindo para re-upar o álbum. Por isso quero reforçar o que eu já disse anteriormente: O Jazz & Rock não disponibiliza mais links para download. Não adianta insistir. Quem acompanha o blog a um certo tempo, já sabe o motivo que me levou a tomar tal decisão.

Em relação a situação atual do Jazz & Rock, sei que as atualizações estão cada vez mais esporádicas, pelo fato de eu não ter mais ânimo para escrever e também pela falta de comentários, acho que isso é algo que aflige todo blogueiro que ainda insiste em perder o seu tempo postando as coisas para os outros. Então se as pessoas não se interessam em interagir, em perder alguns minutos para deixar um comentário sobre o álbum e não só para encher o saco pedindo link, quem sou eu para continuar perdendo o meu tempo, né? Mais enfim.

No mais quero novamente agradecer ao Ricardo Seiti, que tem me enviado as resenhas semanalmente, agradeço imensamente a sua colaboração.

Por Ricardo Seiti

Disco de estréia da incrível banda fusion carioca Black Rio, lançado em 1977.

Neste início, com certeza o carro-chefe do álbum foi a música-título "Maria Fumaça",
na época o tema de abertura de uma novela da Rede Globo chamada "Locomotivas".

Com seu ritmo e energia empolgantes, a banda tentava emplacar no Brasil na década de 70 um dos gêneros musicais mais ricos e populares da década, o fusion. Foi a aposta da banda e da gravadora em popularizar por aqui o estilo, em alta na nos Estados Unidos e Europa.

Roqueiros e jazzistas se divertindo juntos, a aproximação entre jazz, rock, soul e funk era um mundo novo a ser desbravado. Mas a Black Rio ia um pouco além disso: tínhamos uma grande vantagem em relação aos gringos,o nosso samba, com seus instrumentos de percussão afro-brasileiros e nordestinos. Incorporando às músicas instrumentos como o pandeiro, cuíca, agogô e triângulo,a Black Rio abria alas para o verdadeiro fusion brasileiro.

Formada pelo líder Oberdan Magalhães (saxofone), Cláudio Stevenson (guitarra), Jamil Joanes (baixo), Cristóvão Bastos (teclados), Lúcio (trombone), Barrosinho (trompete) e Luis Carlos (bateria), a Black Rio foi bastante cultuada na Europa e até no Japão.

Ao ouvir o disco, temos a impressão de ser alguma grande banda internacional de fusion da época (tipo Weather Report), até entrar o elemento surpresa: a batida evolui para o samba, e entram em cena cuíca, pandeiro, agogô e triângulo, tornando aquele som meio experimentalista em um convite para a dança.

Como muitos gênios que não tiveram o devido reconhecimento em seu tempo,
a Black Rio teria vida curta e só gravaria mais dois discos: "Gafieira Universal" (1978) e "Saci Pererê" (1980), encerrando suas atividades em 1984, com a morte de seu fundador, Oberdan Magalhães em um acidente automobilístico.

Em 1999, quinze anos após, William Magalhães, filho de Oberdan, já com certa carreira iniciada na cena musical, reativa os trabalhos da banda, totalmente renovada, com exceção de Lúcio (trombone) da formação original.Nessa nova fase, partem para um estilo mais universal, acrescendo o hip hop e até rap, lançando o disco "Movimento", segundo a mídia, com grande aceitação no exterior, principalmente na Inglaterra, onde recebe o nome de "Rebirth".

Mas por enquanto vamos ficar com essa primeira fase mais romântica e revolucionária da banda.

Track List

01.Maria Fumaça
02.Na Baixa do Sapateiro
03.Mr. Funky Samba
04.Caminho da Roça
05.Metalúrgica
06.Baião
07.Casa Forte
08.Leblon Via Vaz Lobo
09.Urubu Malandro
10.Junia

Black Rio - Maria Fumaça

Black Rio - Mr. Funky Samba

Site Oficial: Black Rio