Bitácora De Vuelo

Cómo Discutir Con un Profesional o Especialista del Comic.

2011-04-30T02:25:21Z

Si pretendes sostener una conversación moderadamente civilizada con un profesional o lector especialista de comics,debes estar preparado.Lo más seguro es que topes con quien te topes,sin importar su edad o especialidad,ya habrá leído todo lo habido y por haber,y tenga una opinión inalterable e indiscutible (o al menos pretenderá que así sea).Si no deseas perder la paciencia o desencantarte de los comics,sólo sigue estas indicaciones.

Instrucciones

No intentes impresionar a nadie mencionando al talento más nuevo o el "maestro" más indiscutible.Límitate sólo a lo que conoces.Clávate en un estilo o tema en particular,o fundamenta un gusto ecléctico justificado en la historia de la cultura popular...lo que sea que te guste a tí,pero a tí.Si intentas mencionar a un talento desconocido o un líder de tendencia u opinión,lo más seguro es que el profesional en cuestión salga con que lo tiene de contacto en el Fáizbuq,o tantitito peor:se ponga en plan político e intente evangelizarte para que le des la razón de que sólo sus talentos y gurús admirados son los que valen.
Ordena tus ideas antes de hablar,y habla con honestidad.El sello más notorio de un profesional o especialista del comic es un tono muy defensivo,gestado de una mezcla entre arrogancia condescendiente e incertidumbre de no saber si alguna vez su afición servirá para algo.No esperes respeto,pero no por ello adoptes actitudes de falsa tolerancia,que nadie le está haciendo favores a nadie,ni nadie le debe nada a nadie.
Lee el trabajo de autores locales y extranjeros.Frecuenta blogs,acude a convenciones,tianguis culturales y presentaciones.Trata de probar una serie o novela gráfica nueva cada semana.Cuando esos fundamentalistas empiecen a inevitablemente rezongar que si los superhéroes apestan o que los niños compran más juegos pirata que revistas,recuérdales que hay actividad,metas y vida más allá del tarado de Alan Moore,el imbécil de Scott Kurtz y el pinche Batman bailando en batitanga bajo la luna llena con ínfulas de novela de pasta dura publicada por Vertigo (edición limitada,por supuesto) .
Aliméntate sanamente y cuida tu apariencia.A punta de alimentarse a base de papitas,refrescos y comida barata,muchos profesionales del comic carecen de una nutrición adecuada para soportar una conversación prolongada.Es fácil sobrepasarlos simplemente con paciencia y una resistencia física impecable.La apariencia es sólo un detalle estético,pero no por ello dejes de cepillarte los dientes,recortarte el cabello y las uñas y nunca ponerte la misma prenda más de 2 días seguidos.Bien que mal,medio millón de años de evolución dicen que eres humano,no un animalito.
Métete a la escena por que de veras te gustan los comics.Expresa el gusto,alegría y emoción que los chistes y aventuras evocan.Por que vale,hacer dibujitos mientras me pretende meter un mensaje pseudoaleccionador o de crítica social forzada,mientras se añaden lamentos de que "la industria" está muerta o peroratas triunfalistas de que el internet hará que Gutenberg se revuelque en su tumba puede que garantice ser entrevistado en otros medios,invitado a eventos y mencionado por la fanboyada,pero ¿Cuánto puede perdurar eso realmente? ¿Qué tanto rescatará o revolucionará al final?

PD.-Absolutamente todos los profesionales y especialistas del comic son autodidactas y autonombrados.Y por otra parte,millones de viejitos necios en los asilos alrededor del mundo demuestran que la experiencia acumulada no necesariamente traen prestigio y sabiduría

formspring.me

2011-04-02T18:22:10Z

Que consejos das para hacer un comic en colaboracion con alguien que vive muy lejos?

Hay suficiente como para armar un tutorial o escribir un manual completo.Pero así de bote-pronto,sugeriría lo siguiente:
—Hazte de una cuenta en PayPal y de una cuenta bancaria donde puedas enviar y recibir transferencias electrónicas (aún si el proyecto no tenga fines de lucro,en algún momento a fuerzas necesitarás mover lana)
—Aclara desde un inicio con tu(s) colaborador(es) las responsabilidades precisas que tendrán cada uno
—Cumple con dichas responsabilidades.Si vas a dejar de hacerlo por X o Y razón,avisa al menos con 1 semana de anticipación
—Comunicación continua y cordial.De cajón va una apertura para aceptar opiniones —y correcciones— de todo tipo sobre lo que hagas
—Elabora borradores y bocetos de todo y discútelo por anticipado antes de hacer cualquier versión final
—Si la distancia lo requiere,domina el idioma y referencias culturales necesarias.Y en caso necesario,consigue un reloj con el huso horario correspondiente

Ask me anything,whatever (beware:I have answers for everything)

Tutorial:Cómo Ajustar Manualmente La Presión En Una Tableta Wacom

2011-02-21T03:55:14Z

Si utilizas una pluma digital marca Wacom,probablemente ya habrás caído en cuenta que sin importar qué tan suave ajustes la sensibilidad de presión,hace falta casi tallar la pluma para lograr un trazo del 100%.No es necesariamente una cuestión de diseño de fábrica de los aparatos,sino es más bien un asunto vinculado directamente con los drivers,pues éstos están diseñados para ajustar la curva de respuesta,pero no realmente la fuerza con que se presiona la punta de la pluma.
Existe una solución:ajustar manualmente las preferencias.A continuación va un tutorial de cómo hacerlo.

NOTA PREVIA:No soy programador.Recién descubrí el método y sólo transcribo y comparto el dato tal como me lo pasaron,así que no puedo ofrecer consultas más allá de lo aquí expuesto,o de cómo aplicar el método a tabletas y sistemas operativos que no sean Wacom/Cintiq,Windows y/o Mac OS X.Conste pues.

PASO 1
Antes que nada,asegúrate de tener los drivers actualizados de tu modelo de tableta.Si no es así,ve a wacom.com,descarga e instala según el modelo que tengas.

PASO 2
Abre el panel de preferencias de la tableta y ajusta el control de presión a la mitad.Dale aceptar y ciérralo —suena obvio ésto último,pero conste que si no cierras el panel de control,va a sobreescribir todos los ajustes manuales que hagas más adelante,y pues será como si no hubieras hecho nada.Ya en esas,y por comodidad,cierra todas las aplicaciones que no estés usando.

PASO 3
En Windows:
Ve a Settings > Control Panel > Administrative Tools > Services.Marca "TabletServiceWacom" y desactívalo dándole "Stop".
En Mac OS X:
Abre el Monitor de Actividad (si no lo ubicas,usualmente está en el folder de "Utilidades",dentro del de "Aplicaciones").En la barra de búsqueda ponle "Tablet" y dale "Salir" o "Forzar Salida" a todos los procesos activos correspondientes (usualmente son 2).

PASO 4:
Localiza las preferencias de tu Wacom.

En Windows usualmente la ruta donde está es:
C:\Documents and Settings\mcox\Application Data\WTablet\Wacom_Tablet.dat
Si no lo ves,chanx quedó guardado en otro directorio...búscalo entonces,pero de que está,está.
En Mac OS X,la ruta es:
[Nombre de Usuario] > Librería > Preferences > com.wacom.wacomtablet.prefs
Fíjate bien que estés en la carpeta de usuario,no en la de Macintosh HD.Si tu máquina tiene más de un usuario registrado,asegúrate de estar en el directorio correcto (y cuando termines,de repetir luego todo el proceso para cada usuario también,si es que éstos utilizan también la tableta).

Ya que ubicaste el documento,haz un respaldo y ponlo en folder aparte,por si acaso cambias de parecer o si cajeteas las cosas y quieras empezar de nuevo.

PASO 5
Abre el documento de preferencias que encontraste con un editor de texto (en Mac OS X hazlo preferentemente con el TextEdit).En el mar de códigos que veas,busca la palabra "Threshold".Abajito de donde esté,están las líneas de código con las preferencias de la punta de la pluma (y del botón borrador,si es que lo tiene).

El código en específico que buscas es uno que dice algo como ésto:
PressureCurveControlPoint 40 0 512 512 1023 1023
Los números están colocados por pares,y cada par significa lo siguiente:
40 y 0 = Indica que debes hacer una presión de 40 unidades para generar una respuesta de cero.Dicho de otro modo,cualquier presión menor a 40 no generará clicks ni trazos ni nada.Es el seguro que evita que hagas clicks accidentales con roces leves,así que no lo cambies si no es bajo tu propio riesgo y responsabilidad.
512 y 512 = El límite de presión mínima.Una presión de 512 unidades es igual a una respuesta de 512.
1023 y 1023 = Límite máximo.1023 unidades,respuesta de 1023.

Okey pues,lo que hay que hacer ahora es cambiar las unidades de presión para que obviamente ya no tengas que presionar tanto ni desgastar prematuramente las puntas de la pluma.Así que ajusta las unidades a un 75% de lo que tienen ahora.La línea debe quedar entonces parecida a ésto:
PressureCurveControlPoint 40 0 383 512 768 1023

Ojo al detalle:los pares de números no son exactos,pueden variar según el driver y modelo en particular de tu pluma y tableta.Si ese es el caso,toma al 2º número como punto de referencia,y calcula tus porcentajes para cambiar el 1er número de cada par.Redondea las cifras,no uses fracciones decimales.Ya en esas,si lo crees pertinente,puedes utilizar otro porcentaje mayor o menor a 75% según juzgues qué tan ligero o pesado sea tu modo de trazar.Pero normalmente,con un 75% está bien.

PASO 6:
Salva los cambios del documento y ciérralo.A luego,vuelve a activar los procesos que apagaste en el Paso 3.Si quieres irte más directo y a la segura,simple y sencillamente reinicia tu sistema.
Y con eso ya es todo.Ahora utiliza tu tableta y verás que ya no necesitas tallar tanto la punta para obtener clicks o trazos del 100%.
Si no estás conforme,bueno pues,vuelve a desactivar los procesos según el Paso 3,y sustituye el documento de preferencias con el respaldo que ya habías sacado,ya sea para dejar todo como antes o para volver a ajustar tus porcentajes.

¡Ojalá te resulte útil el proceso!

(Descarga esta página como PDF)

¿Alguien habrá ya notado que...?:

2011-02-14T16:02:34Z

¿Alguien habrá ya notado que el consejo/reclamo de «Para mejorar,hace falta más variedad en el (medio del) comic» no se refiere necesariamente a temas,géneros o incluso personajes,sino más exactamente a los realizadores y lectores involucrados?

formspring.me

2011-01-17T03:29:29Z

Cual es tu adaptacion de libro a pelicula favorita? y de comic a pelicula?

De libro a película,a nivel concepto,la serie de El Planeta De Los Simios;y a nivel historia per se,Trainspotting.
De comic a película,en plan concepto general,Superman;y en plan historias concretas,un empate entre The Crow y Kaliman.

Ask me anything,whatever (beware:I have answers for everything)

Convocatoria:XII Concurso de Comic de ACUP

2011-01-15T02:55:16Z

ACUP (Asociación Cultural Universitaria Palentina) ha rolado el aviso de su concurso de comic.
Las bases correspondientes son:

XII Concurso COMIC ACUP 2011
BASES:
1º .- Podrán participar todas aquellas personas individualmente o en grupo que no sean profesionales.

2ª .- Se admitirán obras en cualquier idioma.

3ª .- El/los autor/es concede/n permiso para la publicación de su obra en GARABATO 2.0, revista digital de comic, así como para la inclusión de subtítulos en castellano si el idioma original no fuera el citado.

4ª .- La extensión mínima será de 4 páginas. No existe extensión máxima.

5ª .- El formato en que deben ser presentadas las obras es de 1024x768 pixeles con 72 pixeles/pulgada. Se admiten formatos de compresión RAR y ZIP y las imágenes en JPG. En el nombre del fichero deberá figurar el título de la obra.

6ª .- La obra se remitirá al correo electrónico acup@acup.es, siendo el título del correo “Concurso de COMIC ACUP 2011: y el título de la obra”.

7ª .- El autor/es deberán consignar en otro fichero adjunto los siguientes datos del concursante: Título de la obra. Nombre del autor/es Nacionalidad. Teléfono Correo electrónico de contacto.

8ª .- No podrán ser presentadas obras ya premiadas en otros concursos.

9ª .- El plazo de presentación finalizara el 21 de Marzo de 2011.

10ª .- El jurado estará formado por 3 o 5 personas. En ningún caso, un miembro del jurado podrá participar en el concurso.

11ª .- El concurso está dotado con un único premio de 400 €. El jurado se reserva la potestad de declarar desierto el concurso.

12ª .- Toda duda o cuestión sobre las bases que se plantee será resuelta por el jurado o en su caso por la organización del concurso.

13ª .- El fallo del jurado será inapelable.

Comentario Casual Del Día:Modestia

2011-01-04T21:13:13Z

Ser modesto es de ganadores. Ser humilde es de perdedores. Ambos son meramente estados del ego que implican status cultural, así que ultimadamente ninguno es tan importante.

Sin embargo, tienen su utilidad en ámbitos de diplomacia.
—CokeTalk,en respuesta a la pregunta de '¿Es importante la modestia? ¿Y hay acaso diferencia entre modestia y humildad?'

Un cliché dice que en esta vida,hay que tener un hijo,plantar un árbol,y escribir un libro.Si se refiere a algo el enunciado,es al hecho de que la vida es relativamente efímera,y que la única forma efectiva de perdurar es hacer algo que permanezca después de que uno cuelgue los tenis.Ahora bien,toda actividad creativa se resume en 2 objetivos básicos:expresar algo y precisamente,perdurar el mayor tiempo posible como testimonio del creador correspondiente.La capacidad de permanencia de una obra es entonces el punto formal que separa a las obras genéricas de los trabajos artísticos,y lo que separa al arte a su vez de las obras clásicas y referentes culturales que guían a la civilización humana.

Es de este modo en que entonces llegamos al obvio punto de que todo artista o creativo que se precie de serlo,no puede ser humilde,ni tampoco hay razón alguna para exigírselo.Generalmente la falta de humildad es tratada como si fuera un defecto —o más específicamente,el solo hecho de proyectar el ego es visto como algo terrible,y siendo la falta de humildad una fasceta de eso mismo,pues automáticamente se le censura y le recrimina.
El ego por sí mismo no es malo en absoluto.En lo que a creatividad implica,tampoco puede negársele.Pedirle a un creativo que omita su ego es una reverenda estupidez,pues es precisamente su individualidad como persona la herramienta principal que le permite tener una voz única.Para obras totalmente libres de ego,ahí están los productos de maquila apegados a manuales,instructivos y hojas de modelos:estáticos,genéricos y carentes de toda imaginación.

El punto es,que el ego es precisamente la pasión que motiva a un creativo a esforzarse por perdurar y destacar sucesivamente,por encima del resto de la humanidad,de sus colegas,y con suerte,ya por encima de artistas,maestros y cúspides de una disciplina dada.¿Cuál sería entonces la necesidad de auto-humillarse con la humildad,valga la redundancia? ¿Qué clase de depuración y esfuerzo se puede esperar de alguien que se autoidentifica como "un simple obrero" y se estanca en el conformismo? Tantito peor si se navega con bandera de inferioridad,pero con la intención de fondo de exagerar entonces una superioridad moral (que esa es la trampa de la modestia:humillarse como persona para pretender exhaltarse como espíritu...cuando desde un inicio lo que se están discutiendo y valorando son obras).

Para tomarse siempre en cuenta,¿no?

El Post Obligatorio Del 75º Aniversario De La DC

2010-12-28T02:38:49Z

El 2010 vino a ser el año en que la DC comics completó 75 años de existencia.Que estrictamente hablando,deberían ser 76 años,considerando que la compañía se fundó realmente en otoño de 1934 bajo el nombre de National Allied Publications.El porqué de elegir el año siguiente como fecha oficial de fundación,se remite al hecho de que febrero de 1935 fue la fecha de portada de la 1er publicación de la editorial:la revista tamaño tabloide New Fun:The Big Comic Magazine.Ahora bien,la relevancia de esta publicación resulta histórica a su vez.Originalmente,los comics estaban disponibles únicamente en las páginas de los periódicos,en forma de tiras diarias y páginas dominicales,así que mucha gente se habituó a recortar las tiras y guardarlas en albumes,para luego leerlas más tarde,de corrido.En 1934,varios editores decidieron capitalizar la tendencia,ofreciendo de una vez compilaciones de tiras cómicas,reimpresas en forma de revista.
En su momento hubo escepticismo de que el público quisiera pagar por comics que ya consumía de manera "gratuita" en los diarios —entrecomillado,pues a fin de cuentas los periódicos igual se compraban,pero las tiras cómicas teórica y básicamente eran un pequeño valor agregado,dado que ultimadamente el contenido neto por que se pagaba,eran las noticias.Sin embargo,las revistas de reimpresiones resultaron un éxito tremendo,particularmente entre el público infantil y otros sectores de la población que no tenían acceso directo a los diarios,o bien simplemente no les interesaba chutarse un bonche completo de noticias sólo para leer 2 o 3 tiras.Los mayores beneficiados fueron los sindicatos de tiras cómicas,que pese a su denominación,más que organizaciones laborales fueron (y son aún) una suerte de agencias de representación y redistribución.Los sindicatos básicamente le rentaban a los diarios,semanarios y magazines los derechos correspondientes para imprimir las tiras cómicas y cartones editoriales que administraban.Como resultado,una misma tira se imprimía en varios diarios y revistas a la vez,sin importar que eso representara una competencia demasiado directa entre publicaciones.Y aquí es donde entra la relevancia del New Fun:The Big Comic Magazine,pues resulta que esta revista fue la 1ª que publicó tiras cómicas propias,exclusivas y sin sindicatos de por medio.Evidentemente la revista,al ofrecer una propuesta única en el mercado,logró hacerse de un nicho propio,pero más importante fue que vino a demostrar que los comics,en su calidad de obras,podían publicarse por canales propios,alternos a panfletos o como simples piezas de relleno de espacio en periódicos.Por otra parte,como la National publicaba sus propias tiras,se embolsa todas las ganancias,sin necesidad de mocharse con los sindicatos.Fue así como nació el formato y canal del comic book,revista seriada,panfleto o como se le guste llamar.

En su momento,el modelo propuesto por la National Allied Publications se tomó como un mero experimento...exitoso,sí,pero poco serio y muy probablemente efímero.Los sindicatos integraban una industria muy grande y lucrativa,así que al final controlaban muy directamente toda la producción de comics,tanto en lo económico como en lo creativo.De hecho,la propia National complementaba su negocio con la publicación de noveletas pulp,dejando a los comics originales como un mero negocio secundario.
La situación sin embargo,cambió en 1938,cuando la National gestó un género y estilo exclusivo de las revistas de comics:los superhéroes,con la publicación del primer comic de Superman en Action Comics #1.De ahí pa'l real,el resto fue historia:la National cambió el Allied Publications de su nombre para convertirse en National Comics.Más tarde,por razones fiscales y administrativas,se fusionó con su subsidiaria Detective Comics,haciendo que se impusiera coloquialmente el nombre abreviado de DC,mismo que terminó siendo adoptado de modo legal y formal en 1977.

Hoy en día,la DC es la editorial de comics más antigua y en activo.En combinación con la Marvel,controla el 80% del mercado de comics —al menos el mercado directo,claro está,dado que los webcomics,las tiras de diario y los cartones políticos se manejan muy aparte.
En la actualidad resulta que la DC no la pasa tan mal,siendo un líder de mercado,pero definitivamente podría estarle yendo mejor,pues lleva ya rato de bajada y tratando de afianzar su rumbo.Bien que mal,la DC puede tomarse fácilmente como un muestreo inmediato del estado de la industria del comic.

La antigüedad de la DC,al igual que el medio del comic,representa su mayor triunfo en el sentido de lo que que representa una tradición cultural de ya varias décadas,y 3 que 4 glorias pasadas en forma de éxitos comerciales.Pero el triunfo es también su tragedia,en cuanto a una dificultad de adaptarse y tratar de mantener un lugar en una industria del entretenimiento cada vez más acelerada,segmentada,y ávida de espectáculos a gran escala.Aquí cabe señalar que desde la década de los 50's,tras sobrevivir a los embates de la censura y la imposición del Comics Code Authority,la DC —que ya desde entonces podía regodearse de empresa veterana— decidió regirse por una política empresarial de corte firmemente conservador.Si bien la editorial no dejó de tener varios momentos de experimentación e innovación en la industria,lo cierto es que su forma de acercarse a los comics se ha caracterizado por una cautela extrema (lo que facilitó que su mayor competencia,la Marvel,se colgara la bandera del liberalismo,aunque las más de las veces tal actitud se limite únicamente a reaccionar a lo que hace la DC,sin proponer realmente nada exclusivo).
El tradicionalismo es un seguro de estabilidad creativa y administrativa,pero a largo plazo acarrea dificultades de adaptación al entorno.

Durante su año de aniversario,la DC se la pasó haciendo diversos ajustes editoriales y de personal,principal y notablemente en los puestos directivos.No tiene mucho caso enumerarlos todos,pero de particular atención están los anuncios del cierre de los subsellos Wildstorm y Zuda.
Cuando una editorial de comics adquiere a otra,normalmente es para tomar control de sus propiedades intelectuales.Pero cuando DC absorbió a Wildstorm,su interés recayó más bien en sacarle jugo a los recursos humanos,dígase igualmente el personal administrativo establecido en la zona de California,y el personal creativo,particularmente el especializado en postproducción editorial digital.Tan fue así el asunto,que los personajes y títulos de Wildstorm nunca volvieron a ser éxitos de ventas tan pronto pasaron a manos de DC.Podría decirse que hubo un claro desperdicio de oportunidades,al no haberse dado ningún aprovechamiento de propiedades intelectuales.No obstante,la realidad de las cosas es que ninguna propiedad intelectual no es nada sin nadie que la maneje.Y no por nadaes que,al final,Jim Lee,de propietario y editor en jefe de Wildstorm,hoy es co-editor de DC.

Zuda a vez,para muchos en su momento fue como la revindicación definitiva de los webcomics como medio de expresión,y su posible 1er paso hacia la consolidación comercial.Pero desde un inicio se hizo evidente que la DC no deseaba explorar nuevos canales,sino crear una granja de talento de donde cosechar nuevas propiedades.En ese sentido el fracaso del proyecto se volvió evidente desde el momento en que decidieron someter a los comics al voto del público.El problema,como suele ocurrir en el internet,es que más que medir los méritos técnicos y creativos,terminó como una competencia de simpatía y popularidad.Hubo varias situaciones de autores que respaldaron sus votos con campañas de proselitismo en redes sociales e incluso anuncios pagados en otros sitios web.Más aún,el triunfalismo típico del entorno del webcomic quedó rápidamente desmentido cuando el objetivo final del proyecto era el de publicar los comics en formato de novela gráfica.Ésto acarreó una notable ausencia de rumbo creativo,pues las propuestas de Zuda siempre se desenvolvieron en un formato difuso,en el que no se supo nunca si eran tiras seriadas,extractos de novelas o episodios piloto —añadámosle una interfaz en Flash (teóricamente para desalentar la piratería) poco amigable con los usuarios y los bots de buscadores,y el resultado fue una iniciativa confusa donde lo único relevante era la oportunidad de conseguir un contrato laboral de medio pelo.Zuda al final se canceló,y aunque la DC anunció la creación de una nueva división digital,lo único confirmado hasta ahora es que su único interés en la web es como un mero canal de redistribución de lo que ya previamente produce de modo impreso.Pero ultimadamente,ese es un vicio que aqueja al menos al 80% de los webcomics,que están demasiado basados en los formatos,géneros y modelos económicos de los medios impresos,sin acabar de saber cómo sacarle el mayor provecho al internet.

DC Comics en la actualidad es un sello editorial,propiedad de DC Entertainment,subsidiaria a su vez sucesiva de la Warner Bros. Entertainment y de Time-Warner.DC Comics abarca también a los subsellos Vertigo,DC Archive Editions y Mad Books,aparte de ejercer control administrativo (mas no editorial) sobre la revista MAD.A lo largo de su historia,ha adquirido las propiedades intelectuales de All-American Publications,Charlton Comics,Fawcett Comics,Flex Comix,Quality Comics y Wildstorm Productions.Ha sido también licenciatario de personajes y obras de WaRP Graphics,Will Eisner,Impact Comics (Archie Comics),Les Humanoïdes Associés,y diversos títulos manga a través del hoy desaparecido subsello CMX.DC posee también una compañía de juguetes y artículos de colección,denominada como DC Direct.

1,000 Fans

2010-12-11T02:57:11Z

A guisa de continuación y en relación al post anterior,Kevin Kelly,editor de la revista Wired,realizó en su momento un artículo donde planteó una teoría propia para medir el progreso en negocios independientes —principalmente online— según una cifra concreta.La teoría de Kelly (artículo original acó,y traducido al español también) hoy por hoy es conocida popularmente como 'de los 1,000 fans',y su enunciado formal es el de:

Un creador, sea un artista, músico, fotógrafo, artesano, actor, animador, diseñador, videasta o escritor –en otras palabras, cualquiera que produzca obras de arte– necesita tener sólo 1,000 Fans Verdaderos para ganarse la vida.

El concepto de 'Fan Verdadero' resulta muy subjetivo,por no decir que el término mismo es incorrecto,pues insinua la existencia de fans falsos,apócrifos o qué se yo.Pero previendo ésto,Kelly proporciona también su propia definición:

Un Fan Verdadero es alguien que comprará todas y cada una de las cosas que produzcas. Ellos recorrerán 200 kilómetros para verte cantar. Ellos comprarán la reedición en box set super deluxe de alta resolución de tus cosas aun cuando tengan la versión de baja resolución. Ellos han establecido un Google Alert especialmente para tu nombre. Ellos guardan en sus favoritos la página de eBay en la que aparecen tus ediciones descatalogadas. Ellos te hacen firmar sus copias. Ellos compran la camiseta, la taza y el sombrero. Ellos no pueden esperar a que saques tu próximo trabajo. Ellos son fans verdaderos.

Ergo,que más que fans verdaderos,es más preciso y menos subjetivo hablar de fans leales.En todo caso,la idea teórica es que cada uno de esos 1,000 fans se gaste al año únicamente el salario mínimo de 1 día en los productos que el creativo ofrezca.El resultado son ganancias anuales por 1,000 salarios mínimos diarios,o sea,más que suficiente para sustentar al creador en cuestión por 365 días.

La cifra de 1,000 fans,para efectos prácticos,es proporcionada únicamente como un número mínimo y redondo.No se descarta que en un momento dado se acumulen más fans leales,o que éstos gasten más dinero que el que gana un obrero por 8 horas de trabajo,pero eso implicaría ya escalas de éxito comercial,y la teoría pretende únicamente proporcionar un parámetro según el cual se pueda determinar el punto donde un hobby o trabajo de media jornada pueda dar el salto a ocupación remunerada de tiempo completo.La teoría no contempla contenidos,fama,sofisticación de estilos o calidad de mano de obra,únicamente indica cuál es la meta aspiracional para llegar a un nivel de subsistencia,si no totalmente desahogado,al menos lo bastante cómodo para una persona promedio —y ojo al detalle de que,precisamente,el millar de fans es en sí un promedio estimado.

La teoría de los 1,000 fans ha sido adoptada abiertamente como modelo económico por un gran número de creativos activos en internet —bloggers y realizadores de webcomics,principalmente.La razón se remite al hecho de que para hacerse de 1,000 fans leales es necesario establecer,por principio de cuentas,una relación directa y continua con la audiencia en general,y casualmente el internet facilita esta dinámica.Eso,y el hecho adicional de que un sitio web típico,aún siendo sumamente pinchurriento y sin ninguna promoción,como mínimo alcanza entre las 600 u 800 visitas al mes.O en el caso de redes sociales,una persona promedio acumula entre 200 o 500 contactos casuales,así que llegar a hacerse conocer ante 1,000 individuos es relativamente sencillo,pero sobre todo,posible.A razón de irse modestamente,ganando un fan diario,la idea es alcanzar una profesión remunerada en aproximadamente 3 años.
Todo,en teoría,claro está.

En la práctica,muchos creativos de todo tipo han alcanzado la ansiada meta de convertir sus hobbies en su fuente primaria de ingresos.Algunos incluso lo han logrado exclusivamente por vía del internet,e incluso únicamente ofreciendo a la venta camisetas,posters y memorabilias por el estilo,dándose el lujo de ofrecer sus obras originales de manera totalmente gratuita.Pero todos éstos casos,estadísticamente resultan mínimos y no confirman la teoría,antes al contrario,la desmienten un poco.De hecho —y algo que muchos entusiastas de la teoría pasan por alto— algún tiempo después de lanzar su teoría,Kelly buscó verificarla,lanzándose a la búsqueda de algún artista que basara su subsistencia en el apoyo de 1,000 fans leales.¿El resultado? Que no encontró a ninguno en concreto.
El caso es que hacerse de 1,000 fans no es tan fácil como parece,pues se presenta una situación irónica:la lealtad absoluta se gana mediante el contacto directo con los fans,pero a más tiempo se invierta en convivir con los fans,menos tiempo queda para crear obras nuevas,y ya no se diga producir copias o mercancías susceptibles de venderles a los fans.

La teoría de los 1,000 fans contempla inversiones de salarios mínimos.En la práctica,lo cierto es que los fans más leales y clavados se gastan más que un salario mínimo,pero ahí radica precisamente otra falla del modelo económico.Y es que resulta que los artistas que han logrado sustentarse únicamente gracias a sus fans,lo hacen vendiéndoles productos exclusivos y costosos,cuando la idea de la teoría es que los productos sean más bien cuantiosos y baratos.Aquí entonces entramos al escabroso territorio de los costos de manufactura,y a la hipótesis optimista de que todos y cada uno de los productos en venta sean comprados hasta agotar existencias,literalmente.Las ediciones limitadas y las impresiones sobre demanda ayudan mucho a reducir los costos de producción,pero reducen también el margen de ganancias que un creativo podría conseguir —o incrementan los costos para el público (los gastos de envío y de mantenimiento de un sitio web al final también cuentan,sólo por decir algo).Aún si dichos costos se anticipan,no dejan de ser un gasto adicional,si no económico,nuevamente de tiempo y recursos que el artista en turno no está utilizando en crear obras nuevas.

A nivel estadística y sociología,existe el Número de Dunbar o Regla del 150,que se refiere al hecho de que el tamaño de todo círculo social,está limitado a un tope de 150 miembros.Cuando se acumulan más individuos de esos,éstos empiezan tener dificultad para identificarse con los demás,limitando la estrechez de los lazos.Consecuentemente,mantener contacto directo con 1,000 fans leales resulta matemática y humanamente imposible.Claro,herramientas como Fáizbuq,Twitter,DeviantArt,Flickr y similares facilitan acumular y darle seguimiento a más del millar de contactos,pero al final,el tope de atención de veras directa será sólo para con 150.Con el resto de la gente el contacto se volverá paulatinamente apersonal y distante,llegando a un punto donde lo más que puede aspirar un creativo,es que sus mensajes se conviertan en un ruido de fondo o incluso spam,perdido en un océano de mensajes irrelevantes de qué desayunaron unas tantas personas,y qué le pasó a la tía Chonita de otras tantas.
Por otra parte,especializarse en un número compacto de fans leales implica desestimar a los fans casuales.Formalmente,y para que el modelo de los 1,000 fans sea realmente efectivo —y no olvidemos que hablamos de eficacia comercial— por cada fan leal,deben existir al menos entre 20 o 50 fans casuales,y otro tanto de espectadores que no necesariamente son fans pero igual consumen cosas.
No está entonces de más tomar todo ésto en cuenta,a la hora de hacerse de una audiencia,y cultivar dentro de ésta fans dispuestos a pagarle a uno.

10,000 Horas

2010-11-29T02:17:50Z

Malcolm Gladwell (escritor del The New Yorker) es el creador de una teoría según la cual el éxito en cualquier profesión puede medirse según un criterio concreto y preciso.La unidad de medida que utiliza para tal efecto es de tiempo,para más señas,10,000 horas.La teoría de Gladwell dice que no importa si se es escritor,programador o levantador olímpico de pesas,para poder considerarse como uno de los mejores dentro de una ocupación,es necesario acumular exactamente 10,000 horas de práctica dedicada en la materia.

Volviendo la vista hacia el entorno del comic,vale entonces preguntar:¿Cuántos de los realizadores actualmente activos han completado al menos un 25% del tiempo citado? Aquí podríamos quizá entrar entonces en un debate sobre el peso que debe otorgársele a la trayectoria,pero ojo al detalle que la teoría habla sólo de práctica,no de mera experiencia acumulada.O por decirlo de otro modo,hay quienes les gusta aprender echando a perder sobre la marcha y en público,pero no son necesariamente mejores que quienes han practicado en privado y no salen al escenario sino hasta que sienten estar listos.Y pa'l caso,existen muchos veteranos con trayectorias notorias,pero con una práctica mínima pues nunca estudiaron ni experimentaron lo aprendido,sólo se limitaron a apegarse a un método o fórmula que luego repitieron una y otra vez como autómatas.

Volviendo al 25% de las 10,000 horas de práctica,hablamos de al menos 2,500 horas de pruebas y sobre todo,errores.Con ésto tenemos que la obvia diferencia entre un novato y un bragado,es que el 1º aún está cometiendo más errores que aciertos,y por eso no se vale otorgarles los mismos beneficios y criterios de éxito que a uno de los llamados profesionales en la materia.Conste también que entonces ésto no implica una mayor comodidad para los veteranos,sino por el contrario,una exigencia mayor de aciertos en todo lo que hace.

¿Pero qué hay entonces de aquellos que alcanzan el éxito al primer intento? ¿De los autores exageradamente jóvenes como para creerles que llevan sus 10,000 horas acumuladas? ¿Es talento nato? ¿Prodigios? Pues nada,si se observa con mayor atención,es posible notar que tal vez no tengan las 'horas de vuelo' requeridas,pero invariablemente alguien que sí las tiene,seguro les está dando un empujón tras bambalinas.Ya sea un realizador veterano que lo ha adoptado como aprendiz,un editor capaz que funge como autor intelectual o un típico uso de compadrazgos y deudas de favores,pero el punto es que el triunfo no es gratuito,y alguien a fuerzas está invirtiendo horas de práctica dura y entendimiento lógico de las causas y efectos.

Pero hoy en día las cosas han cambiado mucho.Por principio de cuentas,la tendencia ha sido la de eliminar intermediarios,y el público ahora puede distinguir con mayor objetividad si lo que está consumiendo son las 10,000 horas de práctica creativa de un autor o las 10,000 horas de un buen staff de ventas.Por no mencionar que es más factible ver quién ha invertido sus horas de esfuerzo de manera honesta,y quién anda metido nomás por puro oportunismo o necedad de hacer bulto y creer que pertenecen a algo.

Entre los realizadores y 3 que 4 de sus seguidores,existe la noción de que sólo el talento creativo puro merece ser recompensado con el triunfo.Esta convicción resulta falsa,cuando es evidente que ningún primerizo,por prodigioso que sea,logra sobresalir así de bote-pronto y a la primera.Si un realizador está obteniendo únicamente 5 lectores,no es por que el público sea una runfla ignorante que le gusta la basura y debe ser (re)educado artísticamente para apreciar "lo bueno y de calidad" (sic).
¡Por favor! Para evangelizar,ahí están los predicadores de la TV por cable.
Si un realizador sólo tiene 5 lectores,muy seguramente es por que contrario a lo que crea,aún no acumula la experimentación y práctica previa suficiente.No importa si crea merecer tener millones de lectores,al final todo se resume a que a la mayoría de la gente realmente no le importa lo que haga,pues lo que hace está aún lleno de fallas.Sean técnicas,estilísticas,temáticas,comerciales o de lo que gusten y manden,pero falta la pericia que sólo se obtiene invirtiendo estudio y práctica.
De un modo alterno,es también común que el más mínimo progreso sea sobrevalorado —como con el triunfalismo exagerado de quienes alaban al webcomic y desestiman todo lo impreso (cuando paradójicamente,elaboran los mismos webcomics con miras a imprimirlos más tarde).El triunfo no es gratuito,y su precio no es el talento,sino la inversión de tiempo y esfuerzo.Si uno está consciente de que no las ha invertido,por pura integridad y honestidad,más vale detenerse a observar si no es que alguien más ha puesto las horas requeridas.Ésto dicho sea,para que al final,nadie se sorprenda de ver al final a otro viviendo en la mansión con piscina que uno juraba y perjuraba que se iba a comprar con su triunfo.

Hace 313 Semanas...

2010-11-13T02:09:07Z

...o lo que es lo mismo,ya 6 años en total,ocurrió que esta plataforma inició transmisiones.Y aún sigue al aire,para bien o para mal.

De los 4 blogs que padroteo,éste se ha convertido en el más esporádico.No obstante,se mantiene también como el más visitado.Lo cual sin duda revela que su perduración,más que un producto de la constancia —o la terquedad— es el resultado de haber encontrado una voz que aporta ideas únicas y útiles.Digo,sólo eso es lo que cuenta al final en el océano que es la totalidad de la blogósfera,y la competencia directa con los otros blogs y actividades que tengo (por que conste:no cobro nada por venir a escribir acó,ni mucho menos se le cobra a nadie por estar al pendiente o accesar a los ya bastantes archivos acumulados).

Y como ya es prácticamente ritual,es obligación decir de manera pública y sincera,«MUCHAS GRACIAS».Por que a fin de cuentas,las ideas,opiniones y obviedades vertidas acó son sólo palabras en tanto no se comparten.Y eso ocurre precisa y exclusivamente cuando alguien llega y tiene el interés de leer y aprender.Eso es lo bonito del asunto.Ya sea que estén checando ésto vía Feedburner,RSS directo,friendlists o directamente en el sitio,tómense unos minutos para regodearse.La ocasión de celebración es suya,si no por tiempo acumulado,al menos por la libertad de pensamiento y criterio.Si esa capacidad de elección no vale celebrarse,entonces no sabría qué entonces.

De nueva cuenta,gracias profundas.
Y ojalá sigamos viéndonos a lo largo del próximo año de transmisiones.

10 Cosas Para Considerar Antes de Autopublicar

2010-11-07T20:12:51Z

La autopublicación permite que un escritor controle cada aspecto de la creación y promoción de su libro. Es una opción llamativa para los creativos que poseen la confianza y tiempo para sumergirse en una labor así de grande. Pero muchos escritores entran al proceso sin saber qué esperar, apoyándose en sus experimentadas habilidades de investigación para aprender los tejes y manejes de la industria editorial. Antes de que te sumerjas demasiado, lee la siguiente lista de 10 cosas que hay que considerar antes de autopublicar y determina si estás listo para el reto.

1. La tasa de éxito es minúscula
Muy pocos auto-editores alcanzan el éxito por que simplemente no saben qué están haciendo. En muchos casos, carecen de la previsión y perseverancia requerida para ser un autopublicador. Algunos de los problemas comunes con los que se topan los autoeditores primerizos incluyen la negación a solicitar la ayuda que necesitan, el uso de portadas poco profesionales y títulos débiles, hacer tirajes de más y una mercadotecnia floja. Hace falta mucho tiempo y esfuerzo para escribir, imprimir y comercializar un libro, así que planea de manera acorde.

2. Hazlo por las razones correctas
Debido al nivel de riesgo implicado, es certero meterse en el proceso sin esperar ganar dinero. En otras palabras, no esperes que la autopublicación se convierta en tu principal fuente de ingresos —si es que genera algún ingreso. Aparte, no autopubliques por que sientas que no requieres de nadie más. Si tu libro ha sido rechazado por varios editores, entonces quizá podría requerir un cambio o dos.

3. Sirve tener un nicho
Los autoeditores más exitosos son expertos en un campo con una audiencia específica reducida. Si ya te has hecho de un renombre en ese nicho, quizás a través de pláticas o artículos y textos previamente publicados, y si tienes al menos una audiencia modesta, entonces puedes comercializar tu libro directamente a esa misma gente. Los profesores en alguna materia con frecuencia utilizan esta estrategia pues no pretenden de inmediato comercializar de manera masiva sus libros.

4. Vas a estar administrando un negocio
Eso significa que requerirás de papeles. Necesitarás saber cuál será el costo de la operación —como verás más abajo— y necesitarás hacerte de una estrategia de mercado si pretendes alcanzar a una audiencia más allá de la modesta que ya tengas establecida. Como editor, necesitarás de crearte un nombre que incluya 'libros', 'ediciones' o 'editorial' para que la gente sepa qué representas.

5. Vas a necesitar dinero
Autopublicar es una gran inversión. Además del costo de impresión, un dinero debe apartarse para el marketing y contratar a un corrector, ilustrador y/o diseñador gráfico. Una casa editorial tradicional normalmente se responsabiliza de estos costos, pero desde el momento en que estarás haciéndolo todo por tu cuenta, ahora serán tu responsabilidad. Asegúrate de investigar y establecer un presupuesto de antemano para que no te encuentres ningún problema financiero inesperado.

6. Seguirás necesitando de un editor
Como no estarás afiliado a una casa editorial, necesitarás buscar un editor que supervise tu trabajo y ofrezca consejos sabios. Los autopublicadores contratan editores freelance para que realicen dichas tareas —ellos se aseguran que tu libro sea interesante y legible. La decisión final en todo sigue siendo tuya, pero su experiencia será necesaria si la tuya es poca o inexistente.

7. Conoce los detalles
Antes de que tu libro llegue a las tiendas, necesitará un Número de Libro de Standard Internacional (ISBN) y un número de catálogo. El ISBN facilita que los libreros identifiquen el título entre sus vastos inventarios de libros. Puedes obtener uno en RR Bowker Company. El número de catálogo permite que tu libro llegue a las librerías.

8. Las ventas serán tu trabajo
Como ya se dijo previamente, los autoeditores deben saber cómo administrar un negocio. Para que un negocio sea exitoso, debe tener un eficiente equipo de ventas —en este caso, ese eres tú. Necesitarás convencer a las librerías tradicionales, las online, los distribuidores y mayoristas de que tu libro es vendible. Es importante saber que diferentes vendedores requieren de diferentes porcentajes de las ventas, así que no esperes que cada uno pida la misma cantidad. Y recuerda, la paciencia es una virtud —tus libros no volarán de inmediato de los anaqueles.

9. El respeto será difícil de ganar
Si tienes suerte para hacerte respetar, será bien merecido. Los reseñistas suelen ignorar a los libros autopublicados por que los autoeditores suelen ser amateurs que, honestamente, producen trabajos poco llamativos. Será toda tu responsabilidad hacer que tu trabajo sea notado por los reseñistas, distribuidores y lectores. El proceso por el cual compongas tu libro ayudará a determinar qué tanto éxito tendrá.

10. Nunca será demasiado tarde para que le vendas tu libro a un editor comercial
Si logras llegar a tu mercado con éxito y demuestras que hay potencial de que alcances una audiencia mayor, entonces una editorial comercial posiblemente demuestre interés en encargarse del título. Ésto no siempre significa que lo empujarán hasta la estratósfera de ventas. Asegúrate de que la gente con la que trabajas esté tan interesada como tú en promover los libros que tienes —de lo contrario, la transacción carecerá de sentido.

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*Traducción de un texto original de Carol Vertz,posteado en el blog de Liberal Arts Colleges, el día 28 de septiembre de 2010.
Carol Vertz es profesora online y blogger.

formspring.me

2010-10-20T02:31:14Z

¿Cuál crees que es el próximo escenario para las novelas gráficas, los autores podrán vender sus obras a las editoriales o ya no será posible? Y segundo. ¿De qué forma logrará ingresos un autor sin una editorial que lo promocione y lo distribuya?

Pues desde hace 2 o 3 años pa'ca,las editoriales ya no reciben propuestas de series,sólo novelas gráficas.Que a la mera hora,creo sólo SLG y Oni sí están publicando todo en libros de primera instancia,pues el resto está optando por acomodar las obras en miniseries,e-comic o webcomic,y ya después,viendo la respuesta del público,valoran si sí sacan el libro o no.
Si a eso le echamos que de por sí casi todas las series las andan redactando en tramas preconcebidas para ser compiladas en TPB,pues es claro que habrán novelas gráficas para rato,y en tanto así sea,habrán editoriales.

Ahora bien,la promoción y distribución ya desde hace rato no es responsabilidad de la editorial.Image Comics,por ejemplo,se compromete a publicarte,anunciarte en el catálogo de Diamond y hacerla de representante informal,pero todo lo que son comunicados de prensa,presentaciones en convenciones,publicidad,entrevistas,memorabilias y demás,ya son bronca tuya como autor,o en el último de los casos,de tu agente artístico si es que cuentas con uno.
En teoría todos los ingresos deben salir de las ventas directas de copias,y de la renta de anuncios.Pero en la práctica,publicar implica muchísimas mermas chiquitas que se van acumulando,y aún un éxito de ventas puede apenas si salir tablas.
Para sacar ingresos,pues están los recursos que muchos creativos sin estrellato o exclusividad vienen practicando desde al menos inicios de los 80's:dobletear proyectos;freelancear en el periodismo,la ilustración o la animación;vender originales;vender autográfos o sketches;ofrecer conferencias o cursos;bordar ropones o ya de plano lo que caiga.Venga,ultimadamente,por algo incluso Jack Kirby y Stan Lee,siendo quienes eran,terminaron haciendo cosas para la TV como Thundarr y Striperella,respectivamente.

Ask me anything,whatever (beware:I have answers for everything)

Escalas y Valoraciones De La Industria Del Comic

2010-10-11T03:04:55Z

En los días de la muy invocada "época de oro" de la industria mexicana del comic,se manejaban tirajes exagerados.Es de hecho una de las primeritas características que salen a colación —el hecho de que décadas atrás,los comics se medían en millones de copias semanales.
Pero claro,también la inversión necesaria para publicar un miserable capítulo de una serie era francamente ridícula.Y es que no sólo hablamos de los honorarios del guionista,del trazador,el entintador y su correspondiente editor…estaban también los correspondientes asistentes personales/aprendices/chalanes de cada uno de ellos,secretarias,impresores,bodegueros,voceadores,publicistas y un largo etcétera de intermediarios.Ergo,que el volumen de copias no era nomás un chispazo de éxito:se trataba de una necesidad práctica,pues literalmente,eran muchas bocas por alimentar.Por causa de este motivo,había también necesidad de un criterio muy selectivo.Nadie podía darse el lujo de experimentar o publicar algo con una calidad reducida,pues toda la inversión apostada podía perderse y no recuperarse nunca.

¿Y qué criterio se aplicaba? ¿Cómo se sabía cuando un comic garantizaría ganancias acordes a la inversión que se le metía?
Teóricamente,cuando se veía talento de por medio.Y a quien le correspondía juzgar al talento,era a los ejecutivos a cargo:los editores.No hay novedad en el asunto,pues a la fecha aún es así en muchos entornos.Lo que es más,incluso en otros medios como la música,la TV o el cine,donde manda productor,no gobierna artista alguno.
Evidentemente el sistema ha fallado,en vista de que el comic,al igual que la mula vieja de la canción popular de los 30's,ya no es lo que era.Cada quién tiene su teoría o chivo expiatorio favorito para tratar de explicar la situación:la TV,los videojuegos,la piratería,el analfabetismo funcional,la pérdida de valores morales,la malicia de enemigos organizados en mafias,o lo que sea.
Talento no falta,es lo que suele reiterarse una y otra vez.Cierto.Pero evidentemente dicho talento es insuficiente,cuando las obras de mayor éxito y/o culto por estos rumbos no pasan de ser obras derivativas,genéricas y del montón en otros mercados similares.Ni se ubican tampoco en las escalas que imperaban en los 'buenos viejos tiempos'

El modelo de industria que guía al medio del comic,sugiere que el talento honesto y sólido es el que se gana el derecho a sobresalir.Sin embargo,ésto no se limita al puro talento creativo —hay quienes en la práctica,lo suyo es talento para la autopromoción,las relaciones públicas,la persuación,la perseverancia continua,las ventas o cualquier otra cosa.Es talento válido y efectivo,pero en un momento dado entramos en problemas cuando no hay objetividad y se le confunde con la creatividad pura.Ésto desafortunamente es demasiado común,y así llegamos a un punto donde pocos autores y obras logran perdurar en calidad de proverbiales garbanzos de a libra,mientras el resto no pasan de llamaradas de petate,proyectos con salidas en falso,historias inconclusas o modas efímeras.Por que al final,el talento es sobredimensionado o mal aprovechado.

Lo que hay es un distanciamiento entre los extremos escenciales del comic:el lector y el(los) autor(es).Los autores fácilmente olvidan que si pueden continuar haciendo lo que hacen,es por que alguien está consumiendo lo que hacen.En vez de eso,los autores se concentran únicamente en hacer comics para mantener a las empresas editoriales,para ser invitados a eventos culturales,para ser reconocidos como líderes de opinión,para ser aprobados por otros líderes de opinión,y claro,para alimentar su vanidad.
Cuando la audiencia demuestra su desacuerdo inclinándose a otras opciones,¿qué pasa? Nada,que tales opciones alternas se convierten en chivos expiatorios («los videojugos están matando al comic»),o los lectores son acusados veladamente de traidores a su cultura,su patria y hasta su familia.O si no,de plano no son bajados de ignorantes,indignos de entender lo que los,oh magnánimos autores,están haciendo.
A veces,puede que los lectores ofrezcan su opinión honesta de qué no les gusta y qué podría mejorarse,por que venga,de veras quisieran que todo cambiara para bien.Pero entonces,1 de 2:o los autores se hacen de oídos sordos,o se lo toman como un ataque personal,y terminan alienando a posiblemente los únicos 4 o 5 lectores con la buena voluntad suficiente de querer mejorar las cosas.

Algunos autores han entendido de modo empírico o instintivo la situación,y de ahí se han refugiado en la autopublicación o en el internet.Su volumen de difusión es de moderado a modesto,pero a cambio su conección con su público es directa…más de lo que cualquiera se podría imaginar.De esa conección se ha podido generar prosperidad,al darle a los lectores exactamente lo que quieren y necesitan,y que éstos a su vez retribuyen de modo equitativo y leal.Lamentablemente,muchos otros no lo entienden,y asumen que el éxito es milagroso y radica únicamente en los formatos,canales y estilos,cual si de fórmulas se tratase.Ya ven,hace tan sólo unos pocos años atrás,todo mundo le tenía fe a las novelas gráficas como panacea de salvamento de la industria.Hoy se les encienden veladoras a las tiras web.Cuando se vea que eso no brillaba tanto como parecía,seguro que todos los huevos se pondrán en la canasta de las interfaces en HTML5,en los teléfonos celulares,o qué se yo.Y lo único que se perpetuará es un ciclo incestuoso y aislado,donde los autores se darán palmadas mutuamente en la espalda por descubrir un estilo o canal nuevo de éxito,cerrando los ojos al hecho de que todas las panaceas que usaron antes no funcionaron,y que mientras tanto,su audiencia paulatinamente no deja de alejarse en más de un sentido.

La industria ha cambiado,y de hecho no ha dejado de hacerlo.La tiranía de los productores editoriales ya no tiene lugar en la ecuación,y el poder está en manos de la audiencia.Ésto beneficia enormemente no sólo a la industria,sino al comic mismo en su rol de plataforma de expresión.Ojalá más gente lo note y lo respete,en vez de proyectar culpas en enemigos imaginarios,o de encerrarse más en un aislamiento onanista donde los únicos consumidores disponibles,son los mismos creadores de siempre,encerrados en sí mismos.

Que Se Muera El Pasado

2010-09-28T02:53:14Z

O Tempora O Mores...

«El pasado no tiene ninguna importancia.El presente no tiene ninguna importancia.Sólo el futuro importa.Pues el pasado es lo que el hombre no debería de haber sido.El presente es lo que no debería ser.El futuro es lo que son los artistas.»
—Oscar Wilde.

Es muy fácil comparar las obras modernas con sus contrapartes clásicas del pasado.Y de ahí es todavía aún más fácil caer en la conclusión fácil de que el material antiguo es de alguna forma superior al más moderno.Pero dicho punto de vista,generalmente es completa y absolutamente erróneo.

Un gran número de lectores,escritores especializados y uno que otro creador muchas veces vitorean todo lo pasado,sin la más mínima idea de qué están hablando realmente,y sólo dejándose llevar por la inercia de la cultura general,más la irrefutabilidad de que todo lo que sobrevive a la prueba del tiempo,lo hace por algo.
Okey,ese mérito en particular es suficiente para toda clase de valoraciones y reconocimientos técnicos,simbólicos o sentimentales.Pero hay que tomar siempre en cuenta un detalle:todas las obras,y en especial las de índole creativo,son siempre productos de su entorno y su tiempo,y esos son siempre diferentes.Tan pronto una obra se descontextualiza de dicho entorno,sus mensajes e intenciones pueden cambiar radicalmente,perdiendo su capacidad de mantener la atención del grueso del público.Eso pasa con las modas precisamente:si expiran,es por que se salen del contexto en donde encajaban.Vale,hay modas que logran perdurar de manera artificial o natural durante años o décadas...pero eso es por que se adaptan y modifican a sus nuevos entornos.Luego entonces,al cambiar,en realidad se convierten en otra cosa nueva y distinta.Bugs Bunny lleva más de 70 años en circulación,pero el Bugs que hoy aparece en los bumpers del Cartoon Network y la mercancía oficial de la Warner,es radicalmente distinto al Bugs regordete de la década de los 40's.O al Bugs de ojos tiernos de Chuck Jones en los 50's.O al Bugs que jugaba basket con Michael Jordan en los anuncios de Nike™.Tan así,que uno de esos no sentía empacho de trasvestirse o hacer chistes racistas,mientras que los otros nunca lo hicieron ni lo volverían a hacer.Por que,vuelta a lo mismo,son productos de épocas distintas.

Las sociedades y culturas evolucionan y cambian continuamente,y lo que era relevante para una generación,puede no serlo para la siguiente.Obviamente entonces cada generación va a considerar prioritario únicamente aquello a lo que se (mal)acostumbró a darle importancia.Lo cual es totalmente válido,pero no por ello se van a subestimar los nuevos valores.Tampoco es excusa de caer en la holgazanería de no ejercer la objetividad y aplicar un criterio ante el entorno.Es muy fácil decir que las obras modernas son malas o pésimas por no admitir que uno no tiene la voluntad de verlas con más detenimiento.O ya no digamos hacer una comparación más adecuada.Si comparamos,digamos,un webcomic al azar con las tiras de Calvin & Hobbes,es predecible que las tiras del niño malcriado y su amigo imaginario muy seguramente se verán mejor elaboradas,más relevantes y más exitosas.Pero pa'l caso,Calvin & Hobbes de antemano y en su momento,fue un éxito de ventas,y no es justo entonces compararlo con una tira web que muy probablemente no está en ese caso.Si a esas vamos,habría que comparar a la tira web anónima con otra tira anónima de la época de Calvin & Hobbes.Y ahí entonces,con toda honestidad,es entonces muy probable que se pueda notar que entonces,si Calvin & Hobbes triunfó,fue por que todas las demás tiras cómicas producidas en la misma época,eran genéricas,chambonas y francamente aburridas.Ergo,que Calvin & Hobbes —ni ningún otro éxito de antaño— no revindica automáticamente a todos los productos de una época pasada.

Ahora,otra cosa:una cosa es la relevancia cultural,y otra muy distinta establecer un vínculo con la audiencia.Mozart o Wagner son clásicos y una referencia obligatoria,pero no por ello en los salones de baile o conciertos la gente se arremolina para escuchar minuets o marchas operísticas.¿Porqué limitarse a eso,cuando hay más opciones para escoger,como el folk,el rock punk,el metal,el trance y las cumbias? ¿Y porqué quedarse sólo con la música,habiendo cines,videos,revistas,TV,celulares e internet?
Seamos objetivos:si el Spider-man de Stan Lee y John Romita llegó al status de fregonería non plus ultra,es por que su única competencia directa eran reimpresiones de la 1ª época de los X-men,y comics de la 1ª alineación de los Teen Titans (la cual de por sí sólo se venía refriteando a sí misma desde 1955).Si el mismo Spider-man se volviera a introducir al mercado actual,es poco probable que repitiera sus logros.No cuando hay un Scott Pilgrim,un Naruto y un Umbrella Academy con un vínculo más directo con la misma audiencia...audiencia que,por cierto,no sólo tiene nuevos intereses,sino que resulta más diversa,y aparte,ya ha visto de antemano a todos los imitadores posteriores del Spider-man,así que conoce todas sus fórmulas y clichés.

El tiempo pasa.La gente cambia.La tecnología se moderniza.La humanidad evoluciona.Y para bien o para mal,todo eso significa logros y progreso en general.Buenos o malos,negarlos,significa paradójicamente negar también la valía de las aportaciones del pasado.
Ahora,claro,si alguien desea seguir haciendo cosas emulando los métodos y estilos del pasado,pues venga,muy del gusto de cada quién.Pero de eso,a confundir la nostalgia con técnica o pericia,sermonear que todo lo pasado era mejor,o lamentarse que ya no se ejerce tanta influencia o se tiene tanta compenetración con la audiencia como antes,hay ya una enorme distancia,y una falta de visión que corre el grave riesgo de trastocarse en fundamentalismo y un estancamiento que lo único que producirá,es olor a podredumbre.
Basta de vivir en el pasado,añorando glorias caducas o anunciando su obvio estado cadavérico.Más allá de todo eso,el mundo está lleno de muchas más obras nuevas y no menos meritorias.Más todavía,ahora todo mundo puede participar,y no sólo una casta de unos pocos que acaparan todas las herramientas y recursos para crear o liderear opiniones.

El pasado ha muerto.Próspera pero corta vida al presente,para que siga existiendo el futuro.

(Y ya ultimadamente,si hoy odian a Lady Gaga,el Spider-man divorciado por Satán y el traje nuevo de la Wonder Woman,no pierdan de vista que dentro de 10 o 15 años,se volverán a poner de moda gracias a la bola de nostálgicos que van a añorar los 'buenos viejos tiempos'...¿No creen entonces que más vale ir apreciando las cosas por lo que son de una vez,antes de que tengan que tragárselas en la 2ª vuelta? Nomás digo...)

La Inevitable Sutileza De Recomendar

2010-08-18T02:23:49Z

El comic desde hace rato dejó de ser un pasatiempo barato.No que se compare con coleccionar vinos,restaurar autos clásicos o asistir regularmente a conciertos de estadio,pero a un lector promedio le cuesta invertir algo de su tiempo y dinero para conseguir sus revistas,libros,fanzines,etc..La inversión es lo bastante significativa para no querer correr riesgos adquiriendo un comic de chambón a pésimo.Así que ante la siempre persistente inquietud de elegir qué leer después,o por dónde entrarle a un nuevo autor o género,está la no menos persistente opción de hacer y pedir recomendaciones.

Pedir recomendaciones se hace todo el tiempo,de manera formal y casual.Dar recomendaciones,sin embargo,es una labor delicada y exige bastante responsabilidad —misma que muy pocos se animan a echársela.Existen de hecho muchas muletillas para zafarse fácilmente:«lee lo que te guste»,«a'i,lo que te llame la atención y ya aplica tu criterio»,«¿Qué fue lo último que leíste? (para recomendarte algo igual)».
Y no es que tales argumentos no sean válidos,al contrario,hacen bien en justificarse en que,al final,cada quien a nivel personal elige lo que le gusta y lo que no.Pero incurren en obviedades y aparte,al final el punto clave es que si alguien está solicitando una sugerencia,es por que desea aventurarse en terrenos desconocidos y salir de lo que ya ha visto antes,tal vez hasta el hartazgo.Si sólo le interesara seguir con lo que ya conoce,pa'l caso no pediría sugerencias y mejor re-leería lo que ya tiene.
Ahora bien,si alguien evade hacer recomendaciones,puede ser por que no confía en su propio criterio (maldita sea la humildad),o por que evidentemente no le gusta que quien le pidió la recomendación regrese más tarde a recriminarle haberle recomendado algo que no le gustó (no tanto por el reclamo en sí,sino por la insinuación de que el recomendador no tiene objetividad o buen gusto).

Hoy en día,sitios desde Amazon.com y Last.FM hasta Fáizbuq y Twitter se rigen mediante algoritmos de lógica elemental.Cosas del tipo:«Si te gustó ésto,puede que te guste esto otro»,o «A tus contactos les gusta este autor,tal vez a tí también».La intención es buena,está basada en la lógica de similitud de gustos y no niego que haya proporcionado resultados para alguien.Pero el sistema es poco flexible y propenso a errores,dado que no hay criterios de por medio,sólo conteos de popularidad.En mi experiencia particular,y como ejemplo,estoy harto de que Twitter me restriegue la cuenta de Warren Ellis (sus comics no me desagradan,pero no tanto para seguir a su persona) y que Faizbuq insista en sugerirme que le dé un 'Like' a las páginas de Woody Allen y Quentin Taratino (al margen:las películas de esos pretenciosos tienen el don de ponerme de malas en automático…no niego sus méritos técnicos y culturales,pero nomás no me gustan ni entretienen.Punto).

El punto clave de una recomendación efectiva es entonces el criterio.No aplicado en virtud de gustos o méritos técnicos,sino de necesidades particulares.Es fácil recomendar Watchmen por que es un libro que de antemano ha sobrevivido a la prueba del tiempo y ha recibido 2 o 3 halagos públicos por su manufactura.Pero de ahí a encasillarlo como el mejor comic de todos los tiempos es exagerar.Y de ahí a recomendárselo como primer lectura a un novato,es una mentada de madre.Simple sentido común por encima de la lógica concreta:para que a alguien le guste un discurso de deconstrucción de los superhéroes,por principio de cuentas deben interesarle los superhéroes,o de menos conocer los convencionalismos del medio del comic para entender dónde caraxo está la originalidad del libro y porqué debería importarle.

Para hacer una recomendación certera,hace falta hacer algunas preguntas personales a quien la solicita.Pero reitero,no para darle pan con lo mismo y estancarla,sino para expandir sus horizontes y ante todo,satisfacer lo que busca en ese momento preciso.Por que sí,claro,los buenos comics son siempre buenos y recomendables,pero el mismo libro puede no emocionar igualmente a 2 personas distintas.Adicionalmente,el mismo libro puede emocionar de modo diferente a una persona según si lo lee en este momento justo o dentro de 3 o 6 meses.Venga,que no es lo mismo leer Spider-man a los 10 años,que hacerlo a los 25.
Ahora bien,conste que leer un comic tampoco es nomás por puro placer.Sentarse a leer es placentero,cierto,pero un comic puede leerse para carcajearse un rato,meditar sobre los imponderables de la condición humana,sentir algo de empatía en un momento de soledad o depresión,perder el tiempo en algo o qué se yo.Una buena recomendación implica conocer este tipo de necesidades y saber atenderlas.

También hace falta entender que para entrarle a un comic nuevo —o para el caso,cualquier forma de narrativa— usualmente se hace únicamente a través de 4 puertas:los personajes,la ambientación,el lenguaje y la trama.Cada comic es más fuerte en una de esas 4 cosas.Por ejemplo,los comics de la Marvel obviamente están más apoyados en los personajes y la ambientación que en las tramas.Los webcomics biográficos no tienen tramas precisamente originales,pero su lenguaje fascina a muchos.Y así nos seguimos.Claro,los comics excelentes,son fuertes en los 4 aspectos al mismo tiempo,pero su misma igualdad hace que ningun aspecto sirva como entrada principal.Que es el caso de lo que ocurre,por ejemplo,con los fans de los superhéroes:al estar habituados a enfocarse en los personajes,no es tan fácil que den el salto al BD o el comic biográfico si no se les presenta un personaje bastante icónico.Igualmente,para interesar a un fan de la retórica,hay que presentarle un comic bien redactado en lo visual y lo literario,no ofrecerle un relato de época sólo por ser relativamente realista,ni darle una trama rebuscada donde debe memorizarse una continuidad con familias,amigos y villanos relacionados entre sí en el curso de 3 generaciones.Puertas distintas satisfacen necesidades distintas,pues —sin que ninguna sea necesariamente superior a las demás,importantísimo entenderlo.

Finalmente,hacer recomendaciones certeras requiere también de intuición y suerte.Reiterando,una misma obra emociona de manera distinta según el momento en que llega.Es de humanos cambiar de opinión,y lo que a uno le castraba hace un par de años,igual para ahora lo aprecia de modo distinto —y viceversa.Nunca se sabe cual libro,revista o autor en particular le cambiará la vida a quién,y ultimadamente el gusto se rompe en géneros.
Cosa de tomarlo en cuenta a la hora de recomendar algo en favor o en contra,nada más.

Poner Puntos Finales Tiene Su Gracia

2010-07-22T02:23:02Z

Un gran número de ideas se convierten en anteproyectos,o incluso llegan,de hecho,a desarrollarse en forma como obras.Todo empieza con harto entusiasmo de parte del autor,y apoyo de parte del público en potencia.

Y súbitamente,esas cosas nunca llegan a mostrarse al público.
O lo que es peor,se quedan a medio vuelo.

Es un problema que aqueja a todos los creativos en un momento u otro.Vale,es normal.Pero cuando lo único que produce alguien son obras a medias,en más de un sentido,ya hablamos de un vicio grave de mediocridad en el mejor de los casos,y de apatía en el peor de los escenarios.Y ya para entrar en una depresión crónica,baste con observar detenidamente que la escena creativa local está retacada de blogs abandonados,webcomics inconclusos,series regulares con un «continuará…» que nunca llega,anuncios en falso,directores cuyo único portafolio es un solo video,one-hit wonders,autores de una sola fórmula o estilo,y un largo e-té-cé.
¿Qué ocurre entonces? Y más importante aún:¿Se puede remediar?
La respuesta es afirmativa.Pero implica atacar el problema por partes.

«Es que no tengo tiempo»
El mayor obstáculo del creativo para terminar un proyecto…y también su pretexto más recurrente.Es obvio que las labores creativas llevan tiempo —y mucho,si acaso su depuración de temas,técnicas y estilos es cuidada y sofisticada.Nadie lo niega.La bronca,sin embargo,es la tendencia a sobreestimar las capacidades propias,y asumir que todo se hará con rapidez o incluso con inmediatez automática.
Es muy fácil desestimar el tiempo,y más cuando uno anda encarrerado con el entusiasmo inicial.Pero ya al poner las manos a la obra,oh decepción,uno se topa con que toma más tiempo del que se asumía.De ahí,pasamos a que el proyecto se empieza a relegar en favor de otras actividades más provechosas e inmediatas,como el empleo,comer,dormir,ir al baño,visitar a los parientes,jugar videojuegos,ver repeticiones de series de TV,usar el Twitter para chattear y otras actividades por el estilo.Y al final,salimos con que no hay tiempo para todo.
Decir que no se tiene tiempo,es válido sólo para quienes de antemano ya están realizando 4 o 5 proyectos simultáneos,y están apalabrados para hacer otros 9 durante el próximo mes —y aún así,se dan su tiempo para todo.Si alguien con 1 mísero anteproyecto dice que no tiene tiempo,entonces lo más seguro es que sea un pretexto gratuito,que sólo dice que el creador en cuestión carece del más mínimo sentido de la planeación.Y si lo tiene,es obvio que en sus planes entra de todo,pero su proyecto no es ninguna prioridad.Y si el proyecto no es prioritario para su propio autor,ni de chiste le interesará al público.

El empujón inicial.
Gibran Jalil Gibran escribió una fábula sobre una zorra y su sombra.Resulta que una mañana,una zorra salió de su madriguera de madrugada,y al ver su sombra alargada en el suelo,se dijo a sí misma que cazaría un camello para el desayuno.
La zorra caminó toda la mañana,y no pudo cazar ningún camello.Siendo ya mediodía,el sol estaba en el cenit,y la zorra volvió a ver su sombra.Al verla ahora chiquita,la zorra se dijo a sí misma «Bueno,quizá me conformaré con un ratón».

Lo mismo pasa al iniciar un proyecto.Al principio,la idea inicial suena como algo que vale la pena,y que en un descuido podría ser el siguiente fenómeno cultural que desbanque de un jalón a Star Wars,Mafalda,los Thundercats y Chespirito.Es enorme,así que hay que hacerlo a la de ya.Pero sobre la marcha,todo se desinfla,y a veces,lo que era una cruzada personal,se torna en un trabajo forzado,una obligación moral o una tortura de la que uno no ve la hora de zafarse.
Ésto va un tanto en relación con el tópico del tiempo,pues a más se alarga la labor aplicada a un proyecto,más aburrida y desmotivante se torna.La culpa nuevamente no es del tiempo,sino del creativo que no planea bien sus cosas,y se anticipa al hecho de que más allá de toda impresión inicial,va a tener que administrar sus energías para hacer algo.Eso,o de menos balancear objetivamente sus ideas,y determinar honestamente si ese gran proyecto que tiene es algo a lo quiere dedicarle 2 horas diarias durante las próximas 5 o 10 semanas de su vida.

Confianza
A veces,incluso los planes más infalibles fracasan antes de concretarlos.Y otras tantas ocasiones,los planes más improvisados funcionan casi por sí solos.
¿Suerte? No,más bien se trata de confianza en uno mismo como creador.Si se está seguro de cuáles son las capacidades propias,es más sencillo aplicarlas,sin subestimarlas o sobredimensionarlas.También es más sencillo resolver los accidentes y obstáculos ocasionales que pudieran afectar a los planes.Por que venga,para algunos,los obstáculos ocasionales son augurios de que hay que abortar la misión de inmediato.Y para otros,son sólo molestias pasajeras que uno siempre podrá resolver.

Calendarización
Si uno ya hizo planes,no está de más añadirles una fecha de entrega…y cumplirla.
Vale,que los deadlines se supone sólo los imponen los editores y los clientes que pagan por adelantado.Pero todos los proyectos los requierenpor muy personales e informales que sean.
Imponerse una fecha de entrega y tomarla en serio implica asumir un compromiso con uno mismo y con la obra,y le otorga un significado —lo que ayuda a contrarrestar todo posible sentimiento de apatía.También refuerza la confianza en las capacidades personales.
No hace falta que sea una fecha exacta,pero de menos sí debe ser regular,para no perder ritmo ni ímpetus.

Contemplar un fin…y un reinicio.
Al iniciar algo,sea lo que sea,es difícil visualizar el polo opuesto.Venga,cuando uno ve a un recién nacido,en lo último que se piensa es en cuando esté agusanado y empujando margaritas desde una pijama de madera.Pero hay que hacerlo.
Todas las cosas tienen un fin,así que el objetivo de toda obra creativa ha de ser llegar al mismo.Con ésto,estiéndase lo mismo un final narrativo,como uno práctico,como generar ganancias,acumular exposición,expresar una idea,provocarle celos a un rival o lo que sea.Evidentemente,llegar al fin que sea,va de la mano con los deadlines,y se deriva de la planeación y todo lo demás mencionado líneas arriba.

Finalmente —valga la expresión— anticipar un final significa precisamente hacerse a la idea de que después del fin ya no hay nada más.Ya se hizo,ya se obtubo algo,y que quede en santa paz,sin alargarlo de más,ni convertirlo en una obra inconclusa o a medio cocinar.Incluso en el caso de hacer una serie regular,por algo las entregas se estructuran en capítulos o sagas concretas,y por algo hay cierres de temporada.
¿Que hay energías e ideas para más? Pues adelante.Pero mejor para otro proyecto nuevo,¿no? Más valen 2 obras terminadas que una sola que nunca estará cerrada y sólo alimentará vanamente las expectativas de una audiencia cautiva a la fuerza.

formspring.me

2010-07-17T16:28:11Z

Cuando estabas en la editorial de la hoja verde, ¿cual eran los títulos Marvel o DC que mejor tiraje tenían?, ¿cuál era el límite para decir 'ahi muere'? Saludos!

Pues los tirajes siempre fueron más o menos homogéneos,realmente no había mucha diferencia.Ahora,si te refieres más bien a circulación vendida,de Marvel,definitivamente los que mejor se la llevaban eran los especiales de los X-men (la serie regular también se movía bien,pero obviamente tenía sus etapas de subidas y bajadas).
De DC,JLA era lo más solicitado,seguido de Superman.

El tope manejado para cancelaciones usualmente eran las 3,000 o 4,000 copias.Pero la verdad,variaba mucho según el tipo de serie,y más por que los títulos que les iba mal en los expendios de revistas,luego se recuperaban en la venta directa en los MundoVid —y viceversa.En todo caso,si tras 3 o 4 meses continuos una serie no daba señas de tener una circulación aceptable a nivel ventas o entre el público (caso de las que se convirtieron en flip-books),ya se le daba cuello definitivo.

Ask me anything,whatever (beware:I have answers for everything)

Post Obligatorio a Salud del Deceso de Harvey Pekar

2010-07-13T03:26:56Z

Por andar haciendo cosas que no,esta madrugada me tocó recibirla abrazando el retrete y regurgitando cosas.Fue casi como un augurio muy apropiado,pues rato después,al checar el Twitter,con lo primero que me topo fue con ésto:

Harvey Pekar, RIP http://blog.cleveland.com/metro/2010/07/cleveland_comic-book_legend_ha.htmlMon Jul 12 15:22:11 via webTom Spurgeon
comicsreporter

Y por supuesto,ésta es la parte donde 20% de la audiencia manifiesta pena,y otro 20% no sabe del todo qué ocurre,pero deduce el impacto e igualmente expresa pena por inercia.El 60% restante,simplemente se pregunta:¿Quién caraxo es Harvey Pekar y porqué debería importarme como con las muertes recientes de Frazetta y Gabriel Vargas?

Pues vale.Harvey Pekar era un Don Nadie.Tuvo a bien hacer un comic de culto,llamado American Splendor,y ese fue su único mérito,pues nunca hizo novelas gráficas (bueh,hizo una en colaboración con su esposa),ni tuvo contrato con la DC o la Marvel.Estrictamente,fue un autor mediocre.Pero en esa mediocridad radicó su grandeza.Por que de no haber sido por Pekar,la novela gráfica Maus nunca habría existido.Muy probablemente,el sello Fantagraphics tampoco se habría fundado nunca (o tal vez sí,pero nunca habría definido a su vez a los comics literarios y de autor).No vayamos fuera del internet:sin Harvey Pekar,no existirían webcomics como éste,éste otro,éste de acó,o...bueh,sí,incluso como éste otro.Y eso,sin que sus propios autores estén siquiera conscientes de la deuda que tienen con Pekar.

Mencioné que Pekar era un Don Nadie.En su caso no es un insulto,es realmente la única descripción que le ajusta.Era un simple archivista en una oficina de Cleveland,genérica,como tantas otras que hay alrededor del mundo.Era cínico y amargado con la sociedad y las monsergas de la vida diaria...igual que muchos otros adultos en su situación —qué diablos,como todo mundo nos hemos sentido alguna vez,no nos hagamos.Su vida realmente no le interesaría a nadie,por común,mundana e incluso un poco pesimista.Y sin embargo,Pekar agarró sus vivencias y anécdotas,y con ayuda de dibujantes de todo tipo,las hizo en comic.Necesitaría verificar si alguien más antes que él introdujo el genéro de narrativa autobiográfica al medio del comic,pero aún si no fue así,de menos definió muchas de sus reglas.En medio de eso,Pekar contribuyó de paso a que los comix de los 60's y 70's hicieran una transición limpia hacia lo que hoy son los comics alternativos e indy...resulta que Pekar autopublicaba sus comics,así como lo ven (ahí influyó,por supuesto,su amistad con Robert Crumb,pero los méritos del Harvey siempre fueron propios).

Ahora,Pekar era amargado cual limón agrio y desvergonzado como pocos.Guardando sus debidas distancias,podría definirse a Pekar como el Bukowsky de los comics (y aquí aclaro que Bukowsky se me hace más inflado que Tarantino y Arjona juntos).Sin embargo,Pekar nunca abusó del melodramatismo ni de la autolástima...de hecho —y aquí se nota porqué eligió expresarse a través del comic— tenía un fino sentido de la ironía,y entre sus rezongos y frustraciones de ruco prematuro,también supo contrastar valores como la generosidad,la amabilidad y la amistad,a través de esos destellos que saltan en las vidas de todo mundo.Harvey Pekar no fue realmente un escritor profundo,pero sí fue humano,en toda la extención de la palabra.No es exageración que leer los comics de American Splendor son de esas experiencias que les mueven el tapete a más de uno.También es de esas obras que en otros provoca indignación,y eso también es bonito —es casi imposible mantenerse estoico ante la obra.

Quiero suponer que de acó ya animé a 2 o 3 para leer American Splendor,de a perdis por cultura general.Por mí no se detengan,y cáiganle a cualquier copia que encuentren...como ya mencioné,hacía básicamente anécdotas sueltas,así que no hay continuidades ni puntos únicos de entrada.Muchos de sus comics más recientes fueron publicados por Dark Horse,y la DC sacó algunos más.Si tienen amigos y conocidos a los que quieren acercar al comic y convencerlos de su potencial narrativo,en vez de enjaretarles Watchmen,dénles American Splendor (altamente recomendado para quienes son fans de Mafalda).
O si lo prefieren,busquen la película de American Splendor...es una de las mejores adaptaciones que se han hecho del comic al cine (aunque no está basada directamente en los comics,pero ultimadamente,ambas cosas están basadas en la vida de Pekar).
Les dejo el trailer correspondiente —cuenta casi toda la trama,pero la película igualmente es bonita y emotiva (de vez en vez sale por cable).

(link para quienes leen vía RSS y Google Buzz:youtu.be/APpxQm7sH5k)

Descansa en paz,Harvey Pekar,y gracias por todo.

Fragments

2010-07-09T03:54:54Z

¡La antología de comics Fragments ya está disponible a la venta!
¿Porqué debería interesarte? Bueno,pues por que en 44 páginas presenta 10 historias de artistas diferentes y sí,yo estoy entre ellos (con una pequeña fábula sobre la luna,por si acaso te lo preguntabas).
Pero la mejor parte es que todas las ganancias serán donadas a Save The Children,una organización enfocada a ayudar niños en necesidad de mejores condiciones de vida.

Puedes informarte más del proyecto —y adquirir el libro,por supuesto— en el sitio web oficial:FragmentsComic.org

*cross-post de everyueveryme

¿Es Realmente Necesaria La Supervisión Editorial y El Éxito Comercial?

2010-07-07T02:14:00Z

El gran triunfo del comic independiente,es que absolutamente cualquiera puede llegar y hacer un comic.Y la mayor tragedia,sin embargo,es que precisamente cualquiera llega y hace un comic…con resultados no precisamente artísticos,propositivos u originales.
Lo cual ha llevado a que surja la idea de que deben imponerse controles de calidad.Lo cual nos lleva al punto en que resulta que los únicos comics autopublicados que valen la pena son,los webcomics que eventualmente se imprimen a través de una editorial establecida;los comics elaborados por autores con experiencia previa (si es con algún renombre,mejor);y los comics con un gran número de seguidores,o de menos los que están avalados por alguna autoridad moral,dígase lo mismo vaca sagrada que líder de opinión o algún editor despistado.

¿Ésto implica acaso que los comics autopublicados,alternativos,independientes o web son inferiores a los industrializados,impresos y comerciales?
Ciertamente,la ausencia de editores y controles de calidad significa que hay una mayor afluencia de principiantes,chambones,viciados,retrógradas y otros tantos autores que justifican la existencia de mecanismos de censura.Pero tampoco se puede negar que hay gemas y genialidades que nunca habrían salido a la luz si el medio no fuera así de abierto.Y es que a fin de cuentas,por mucha autoridad que tenga un editor o la mayoría democrática del pública,ninguno es infalible —pregúntenle a cualquier autor con más de 5 años activo,y él puede hablar a fondo de cómo hay 'editores improvisados' y cómo es que 'el público sólo consume porquerías y ni sabe lo que quiere'.

Ahora,por otra parte,cuando se trata de expresiones creativas,no todo tiene que ser preciso,depurado y "con mensaje".Aquí me permito traer de vuelta una gráfica previamente posteada:

La gráfica explica la evolución de los ciclos y criterios creativos.Resumiendo a grandes rasgos:el arte simple,animista,tradicional y popular (sector azul),conforme gana complejidad,orden y depuración,rebasa los niveles artesanales y de mera maquila,para llegar a las (a)doradas escalas del arte clásico y sublime (rojo).Pero al romper el orden estricto y añadir más elementos aún,el arte clásico entra al ámbito de la libre experimentación,el modernismo y la abstracción (amarillo).Y en esa experimentación,es inevitable un retorno a la simplificación y a la falta de estructuras.En ese caos de lo grotesco y hórrido (verde) habita la falta de técnicas,la baja estofa y el arte barato por el que nadie da 2 quintos…pero de ahí es de donde ya nacerán los nuevos valores que guiarán a los gustos y criterios populares.

Ahora bien,ojo al detalle que lo hórrido y abiertamente feo es todo lo opuesto al arte clásico y bello,pero no por ello es menos creativo.Una falta de técnica y estilo puede ser parte de un aprendizaje experimental en busca de nuevas formas de expresión…o puede ser por sí misma una propuesta nueva,completamente diferente a todo lo clásico,lo comercial y lo formulista.Caso por ejemplo,del género del horror,el performance o el 99% de los webcomics actualmente al aire.
Con ésto,conste también que no se trata de abogar pidiendo tolerancia,cuando lo que debe haber es respeto.Tolerar implicar una actitud un tanto condescendiente desde una posición moralmente superior,y si el arte es subjetivo,es por que ultimadamente no reconoce jerarquías.Probablemente en un momento dado cosas como la experiencia o la facilidad para manejar una herramienta le den ventaja a alguien,pero sólo desde un punto de vista técnico y muy en concreto.De ahí en fuera,todo es igualmente válido.

Algo más:la popularidad,el éxito comercial,la supervisión editorial o el apego a fórmulas probadas tampoco son garantías de certeza.El mismo sistema del cine comercial que da abrigo a las películas de Pixar,es el mismo que le paga sus sueldos a Uwe Boll,Michael Bay y M. Night Shyamalan.El mismo sello de prestigio que es la DC con Sandman,Dark Night Returns o Camelot 3000,también es el sello que trajo al mundo los eventos Bloodlines y Millenium,la sobreexposición de Batman y The Rise Of Arsenal,sólo por mencionar algo.De que hay cosas horrendas incluso en los sectores creativos más controlados y probados,las hay también.
No obstante,las meteduras de pata en estos sectores son más estrepitosas,pues ahí,los errores y provocaciones gratuitas cuestan carreras y negocios.El público tiene una atención corta,pero una memoria larga que no perdona los errores y los castiga severamente si los editores no son hábiles para las relaciones públicas y el control de daños.Es mucha presión,ergo que se prefiera apostar a la segura y limitar los riesgos derivados de la experimentación.

¿Y los webcomics,fanzines,e-comics y similares? Son un territorio libre.Lo cual ciertamente puede aterrar a los tradicionalistas y conformistas,pero es lógico dado que ellos ya controlan el resto de los frentes creativos,así que obviamente al entrar en terrenos de lo caótico y hórrido,se sobreentiende que están fuera de su elemento.Por otra parte,el hecho de que en los sectores independientes y alternativos aparentemente exista una mayor proliferación de la creatividad horrenda y mal elaborada,no es que los errores y fracasos sean más perdonados o se den en mayor volumen.Estadísticamente,son más o menos la misma cantidad que en todos lados…pero simplemente se mantienen más tiempo por que su control de daños no es tan exigente.Dicho de otro modo:en un frente popular y comercial,la propuesta de un comic gore protagonizado por trasvestis comunistas radicales no pasa de una novela gráfica o una miniserie —y poniendo el caso de que sea una serie,de menos cambian al equipo creativo o la cancelan.En el frente de lo autopublicado,la misma propuesta puede durar meses o años al aire.Claro,la propuesta puede perdurar únicamente motivada por la necedad del autor(es) y quizá nunca genere ganancias,pero ahí puede incluso alcanzar un status de culto (quizá no tanto por su manufactura sino por su trayectoria acumulada,pero culto a fin de cuentas).Es el precio a pagar por seguir los principios de prueba y error,de aventar de todo contra la pared hasta ver cuál cosa es chicle y pega —y si ese chicle pega,bueh,ya llegará la hora en que los otros frentes lleguen y empiecen a mascarlo.
Pero hasta que eso ocurra,sólo es cosa de esperar y darle tiempo a las cosas.

Ultimadamente,ya luego surgirá algo más experimental,caótico y aberrante que desplace las cosas y mantengan el ciclo,pues,renovándose cíclicamente.

Disfruten,pues,de los comics hechos con las patas y que no aportan nada.No serán así por siempre.Y eso es lo bonito.

formspring.me

2010-07-07T01:59:08Z

1. ¿Qué disfrutas más?, ¿la redacción, el guinizaje, o la ilustración/cómic?. 2. ¿Consideras aun viable (y redituable) la publicación del cómic (de licencia y original) en México?, ¿por qué hablas del crack del manga?

1) Así en general,el dibujo me llena más y no es tan rígido con cosas como la gramática o la ortografía...pero por ahora,las letras son las que pagan el grueso de la renta y las galletas de animalitos nuestras de cada día.Dejémosle entonces que es un empate técnico (al menos por ahora).

2) Viable,siempre lo ha sido.Redituable,también,pero ahí hace falta aplicar estrategias básicas de marketing,mismas que no se pueden aplicar si los autores las desconocen y son demasiado cabeza-duras como para admitir acercarse a quien sí las domina.Ahora que también ojo al detalle que una cosa es hacer redituable al comic,y otra querer hacerse rico siguiendo las leyes de lo-cáido-cáido y del mínimo esfuerzo.Cuestión de expectativas realistas,pues.

Del manga,pues tras todo Boom siempre llega un Crack o desaceleración,por que ultimadamente nada es eterno.Y pues por acó,los niveles de ventas ya bajaron,DC ya le dió cuello al sello CMX,Viz ya despidió a una buena parte de su plantilla laboral,y TokyoPop ya tiene rato que dejó de recibir propuestas nuevas como en un inicio.La influencia y el impacto,claro,se quedan.Pero la racha de éxitos,oficialmente ya bajó.

Ask me anything,whatever (beware:I have answers for everything)

Convocatoria:Concurso Caligrama de Cuento Fantástico

2010-06-21T15:58:10Z

2o CONCURSO CALIGRAMA DE CUENTO FANTÁSTICO
Tras la magnífica respuesta a la primera convocatoria lanzada por Caligrama Editores el año pasado, en el que tuvimos más de 400 participantes residentes en más de una decena de países, nos permitimos invitar nuevamente a los interesados en participar en la 2a Convocatoria Nacional de Cuentos de Horror, Fantasía y Ciencia Ficción bajo las siguientes:

BASES
1a El premio
Consistirá en la publicación de una antología con cuentos del género fantástico (horror, fantasía o ciencia ficción) escritos por los 10 mejores autores concursantes. Adicionalmente los autores recibirán un pago de regalías de acuerdo a las ventas de ésta antología.

2a El concurso
Constará de tres etapas:

Primera etapa Microrrelatos (del 28 de junio al 10 de agosto)
Los autores que deseen participar tendrán que realizar su registro vía correo electrónico a: contacto[arroba]caligrama[punto]com[punto]mx del 28 de junio al 16 de julio de 2010, el cual deberá contener los siguientes datos:
1. Título ó Subjet: 2a. Convocatoria Caligrama 2010
2. Contenido: Nombre completo, seudónimo, mail de contacto, lugar de residencia (ciudad, estado, país), género del microrrelato, título del microrrelato y archivo adjunto con el mismo.

El archivo adjunto deberá ser creado bajo las siguientes especificaciones:
En el primer renglón deberá escribirse el título del microrrelato, en el segundo renglón deberá escribirse el seudónimo del autor, el microrrelato iniciará a partir del tercer renglón. El archivo tendrá una longitud máxima una hojas tamaño carta, redactado en Word, empleando interlineado de 1.5 líneas, fuente Arial a tamaño 10, y posteriormente convertido a PDF.
Si el archivo enviado no está en formato PDF , automáticamente será eliminado.

Ejemplo:
Archivo adjunto : Las_batallas_de_shantik.pdf
Nombre: Carlos Gutiérrez López
Seudónimo: naruto24
Mail de contacto: naruto@gmail.com
Lugar de residencia: Guadalajara, Jalisco, México
Género: Ciencia Ficción
Título del microrrelato: Las Batallas de Shantik

· Las estadísticas sobre la cantidad de concursantes y sus lugares de origen serán publicadas semanalmente en la página de la editorial www.caligrama.com.mx durante el período de recepción
· Los microrrelatos concursantes serán leídos por un comité editorial que elegirá a los 30 mejores como finalistas, tomando en cuenta su originalidad, el interés de la historia, la ortografía, el correcto manejo del idioma y que estén orientados a un público de adolescentes y adultos
· Los autores finalistas serán anunciados el día 10 de agosto en el sitio de la editorial

Segunda etapa Cuentos Cortos (del 11 de agosto al 5 de octubre)
· En esta segunda etapa los finalistas concursaran con un cuento corto (relacionado o no con su microrrelato), con una longitud de entre tres y cinco hojas tamaño carta, empleando interlineado de 1.5 líneas en Word y fuente Arial a tamaño 10 y posteriormente convertido a PDF. Al igual que en la etapa anterior, el primer renglón estará destinado al título del cuento corto, y el segundo al seudónimo del autor, el cuento corto iniciará a partir del tercer renglón
· Del 16 al 30 de agosto se realizará el envío de los cuentos cortos, nuevamente al correo contacto[arroba]caligrama[punto]com[punto]mx, utilizando el mismo formato que en la etapa anterior
· Los cuentos cortos concursantes serán publicados en línea a partir del día 7 de septiembre
· A partir de esta fecha y hasta el día 28 de septiembre, el público en general podrá leer los trabajos. Todos los participantes podrán votar por su cuento corto favorito (sólo por uno de ellos y que no sea de su autoría)
· Se elegirá a 10 ganadores, cuyos cuentos cortos hayan sido los más votados
· El anuncio de los ganadores se hará el día 5 de octubre en el sitio de la editorial

Tercera etapa Cuentos (del 6 de octubre al 29 de octubre)
· Los ganadores tendrán hasta el 29 de octubre para presentar a la editorial un cuento (relacionado o no con su micro-relato, o su cuento breve) con una extensión de entre 15 y 25 hojas tamaño carta, empleando interlineado de 1.5 líneas en Word y fuente Arial a tamaño 10 y posteriormente convertido a PDF, utilizando el primer renglón para el título del cuento y el segundo para el seudónimo del autor
· Deberán entregarlo personalmente o enviarlo a las instalaciones de la editorial tanto en formato digital (usando Microsoft Word), como en formato impreso
· Estos trabajos serán incluidos en una antología que será publicada en el primer trimestre del 2011 y promovida el resto del año en diferentes eventos literarios

3a El premio
Podrá ser declarado desierto en caso de que la editorial juzgue que los trabajos no tienen la calidad suficiente para ser publicados.

4a Podrán
Concurrir a este premio todos los escritores de cualquier nacionalidad que presenten trabajos originales e inéditos, escritos en lengua española.

5a Los cuentos
Deberán ir acompañados de una carta en la que el autor, además de incluir sus datos, declare que: 1) la obra es inédita, 2) los derechos de edición, de traducción y de representación de derechos subsidiarios no han sido cedidos anteriormente, y 3) no ha sido presentada con anterioridad a otro premio o concurso de cualquier país cuyo fallo no se haya producido. El incumplimiento de cualquiera de estas tres condiciones en las obras premiadas conllevará la no publicación del manuscrito por parte de Caligrama Editores, que emprenderá las oportunas reclamaciones frente al autor por daños y perjuicios.

6a Los autores
Ganadores suscribirán un contrato de edición y de representación para la venta de derechos subsidiarios y de traducción normalmente establecidos por Caligrama Editores. La editorial enviará modelos de los contratos de edición y representación a todos ganadores para su revisión, y estos pueden declinar su firma, eximiendo a Caligrama Editores de cualquier responsabilidad sobre la edición e impresión de sus cuentos. Los derechos de autor se pagarán de acuerdo a los porcentajes establecidos en los mencionados contratos de edición y de representación.

7a La editorial
Se esforzará en vender los derechos de traducción de la obra ganadora al máximo número de lenguas y países.

8a La participación
En este premio implica la aceptación de todas sus bases. Los autores presentados y Caligrama Editores se someterán a los juzgados y tribunales de México, D.F. en el caso de que se produjeran diferencias que tuvieran que ser dirimidas judicialmente.
***
Para cualquier información relacionada con este premio, los interesados pueden ponerse en contacto con la editorial al:
Tel/Fax.: 5663-2882
contacto[arroba]caligrama[punto]com[punto]mx
www.caligrama.com.mx

El Gremio Unido...¿Por Quién Será Vencido?

2010-06-17T02:42:21Z

Los alegatos de los foros web.El chilaquil visual del MáizPeis.La tomadura de pelo del Hi5.La intrusividad y chisme-andando del Fáizbuq.Los telegramas del Twitter.Y así nos seguimos por todo lo largo y ancho de la web.El caso es que si en algo se ha especializado el entorno,es en volverse social.Incluso el sitio más chiquito y chilapastroso cuenta con una opción para recibir comentarios —respaldados con recursos de Disqus,OpenID o Gravatar— o de menos un botón para re-twittear o darle ‘Like’ en Fáizbuq.

Personalmente,soy un asocial (que no antosocial,conste),así que no encuentro del todo cómoda la tendencia.No obstante,muy independientemente de eso,hay que admitir que en ocasiones se abusa mucho del principio de interactuar con el objetivo de integrar comunidades.

Existen varios foros dedicados al comic.Son buenos lugares para conversar sobre el estado de la industria,los defectos del mercado,los nuevops lanzamientos,o simplemente debatir si los Padrinos Mágicos le ganan o no al Dr. Strange haciendo hechizos.Sin embargo,si uno checa,resulta que los comics no son el único tema de conversación,como pudiera parecer.De hecho,el comic rara vez es el verdadero tema de conversación,y lo que más impera,son las pláticas autorreferenciales a las comunidades de cada foro.Más en específico,el tema central son los ‘clientes regulares’,los visitantes que visitan los foros con regularidad y sólo se hablan entre sí,ignorando —e incluso censurando— a todos los newbies que ingenuamente llegan y tratan de hablar de,pues,comics.

Es una tendencia generalizada que ocurre en todas las comunidades online.Aunque muchas se originan pretendiendo adoptar una postura incluyente,objetiva y no tendenciosa,eventualmente terminan evolucionando al punto de enfocarse únicamente en sí mismas,existiendo sólo porque sí y ya no por el interés inicial.Un grupo de,digamos,fans de Jis y Trino,con el paso del tiempo dejan de hablar sólo de sus tiras cómicas y sus firmas de autográfos,y terminan hablando de si el miembro fulanito se peleó con el miembro menganito,de si otros otros 2 miembros van a celebrar sus cumpleaños el mes que entra,de los videos chuscos del YuTubi que se han estado rolando mutuamente,y cosas por el estilo.Al final,un anuncio de cuándo sale el próximo tomo compilatorio de El Santos,termina volviéndose una línea de chistes locales de la comunidad.Lo cual,al final,es sólo paja y ruido.

Muchos foros,para medio controlar las cosas,suelen crear canales off-topic para temas misceláneos,donde la raza pueda conversar de otras cosas.Pero sale peor,pues lo que pretende ser un espacio para la informalidad casual,se vuelve una sala de juntas donde los miembros de la comunidad se segregan y van concordando en las reglas no-escritas que determinarán qué opiniones aprobarán o rechazarán dentro de la comunidad.Y el grupo de usuarios,se convierte en una unidad compacta...y aislada.En su punto más alto,suele ocurrir que al final,las conversaciones temáticas son guiadas por 4 o 5 líderes de opinión,que son los únicos que aportan nuevos temas,mientras el resto sólo son espectadores pasivos,y reservan sus aportaciones sólo para interactuar con sus compadres del foro.
Y conste que por foro no nomás se trata de los tableros de mensajes,sino de los comentarios en blogs,círculos del Twitter,del Fáizbuq y demás.

No es que sea malo hacer amigos y echar la chacota con ellos,o conversar de quién se acaba de casar o quién le dijo a quién que le apestaban las bisagras.Pero es de esperarse que cuando alguien visita un webcomic o se anota en un grupo de Faizbuq,pues que el tema de plática sean el webcomic o el tópico que originó al grupo.Alguien a quien le interesa compartir técnicas de distribución no tiene porqué caraxo chutarse en participar en una votación para eligir al ganador de un concurso comunitario de dibujo,ni en leer chistes sebos de Chuck Norris,tomar partido en el flamewar más reciente o ver las fotos de cuando el miembro menganito visitó a sus tíos en San Tarandécuaro de las Tolvaneras.Por cosas así,la neta y personalmente,ya ni leo los comments en los blogs,pues rara vez aportan algo al post original y son sólo los mismos visitantes de siempre hablando sólo de sí mismos en una pequeña burbuja particular.

Ahora,por otra parte,no se trata nada más del internet.Pasa también en las interacciones ‘análogas’,por decirles así.Mientras muchos alegan que la solución a todas las broncas económicas y existenciales del medio del comic sería que todos los autores se unieran,yo al menos sólo puedo obviar que,en honor a la verdad,el problema es que los autores ya están demasiado unidos entre sí.Uno ya no puede leer un comic sin toparse con un pinche chiste local del caraxo —chiste que a su vez,se remite a un flamewar de comments en un blog alrededor de un post publicado 6 meses atrás.Para enterarse de las convocatorias,hay que atenerse a seguir ya no a un canal,sino a un líder de opinión.Las críticas nunca se toman a bien,a no ser que emanen de un contacto o una vaca sagrada pre-aprobada por la comunidad.Las invitaciones a reuniones de presentación o trabajo se anuncian como abiertas,pero acuden y participan los mismos regulares de siempre,que para colmo comparten el mismo estilo de expresión (y a veces comparten hasta las mismas opiniones).

Y conste,que no tiene nada de malo tener amigos o palancas.Se vale...pero...leer un comic o hacerlo debería tratarse sólo de eso,nada más.No de mezclar el placer con los negocios a lo bruto,ni obligar a nadie a integrarse a una clica,hacer una familia ahí y participar de sus dramas intracomunitarios pretendiendo que afectan a la totalidad del medio.

Consejo Para Estudiantes de Artes Gráficas

2010-06-11T15:21:27Z

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*Traducción de una gráfica original de Caldwell Tanner,posteado en su sitio web,el día 30 de septiembre de 2009.
Caldwell Tanner es ilustrador,humorista y colaborador de CollegeHumor.com