Bitácora De Vuelo

Del Paralelismo Entre Comics y Discos...

2009-11-04T03:46:33Z

Supongo 2 o 3 gentes allá afuera se estarán preguntando a qué vinieron los posts previos sobre la industria disquera (aparte de llenar espacio durante no 1,ni 2,ni 3 o 4 entregas,sino por 5 en total).Bueno,pues desde mi punto de vista personal y mi formación en mercadotecnia básica,pese a que la industria y el mercado del comic se suelen vincular como una modalidad de la industria editorial,siempre he sentido que su modelo de mercado,en la práctica,es más afín a la industria discográfica.

Las compañías disqueras se enfocan en venderle al público discos,cuando el público en realidad desea consumir música.De un modo muy similar,las editoriales y numerosos realizadores (demasiados,si me preguntan) aparentemente tienen una obsesión poco sana en venderle al público revistas o libros,cuando lo que el público consume son historias.Casualmente,ambas industrias se han dado un encontronazo con el internet,en el sentido de que saben que ahí su distribución es global,pero nomás no acaban de encontrar el modo de comercializarse,y la misma fijación en comercializar productos más que contenidos,no les deja sacarle todo el jugo a los nuevos canales...creo ya lo había mencionado antes:demasiados comics online son elaborados pensando en que ya serán compilados e impresos eventualmente,y con ello,se van sobre el tradicionalismo fácil de hacer tiras y páginas estáticas,pudiendo sacarle provecho a los hiperlinks,los gifs animados,los sonidos y otros tantos elementos que las páginas impresas no tienen.Y eso,nomás a nivel formato físico —si entramos a formatos narrativos,hay que tomar en cuenta que no es lo mismo un ritmo de,digamos,5 páginas de corrido en una sesión,que las mismas 5 páginas a cuentagotas de 1 por semana.Incluso la mejor historia del mundo puede volverse la más aburrida o confusa si no se adapta bien su ritmo narrativo.
Ojo que con todo ésto no estoy insinuando que un canal sea mejor que otro,como luego les re-encanta politizar y polarizar a más de uno.Simplemente estoy enfatizando el hecho de que medios distintos se rigen por reglas distintas,por que al final,no son meramente canchas o ligas distintas,sino deportes diferentes.Si entendemos que las diferencias entre medios no implican ninguna superioridad técnica o moral,es posible caer en cuenta que ningún formato,por novedoso que sea,desplazará o "matará" por completo a otro.El error radica más bien en no entender aquel viejo consejo de nunca poner todos los huevos en una sola canasta.

Formatos aparte,más que una supuesta desaparición de lo análogo ante lo digital,la evolución de las industrias y mercados apunta a que más bien lo que está desapareciendo es la figura del editor-productor.Antes,para darse a conocer,un creativo dependendía de afiliarse a una compañía productora,la cual se clavaba el copyright y se reservaba el privilegio de imponer reglas y tomar desiciones de un modo paternalista.Hoy eso ya no es necesario,lo cual es bueno desde un punto de vista de liberalismo creativo...pero obviamente no es agradable para quienes estaban del lado cómodo de la mentada relación paternal.Los padres dictatoriales que están perdiendo hijos que los mantengan,y los hijos inadaptados que no saben tomar una desición por su cuenta,son hoy los que más reniegan de los cambios de tendencias,y los más propensos a autoflagelarse con el látigo del "es que la industria está muerta (ahora soy huérfano,¡Alguien adópteme!)".
Más aún:al ver que desaparece el rol que creían tener,es cuando caen en problemas de identidad o en la apatía disfrazada de falsa esperanza en la llegada de un líder mesiánico (o de menos,vaca sagrada) al cual copiarle sus estrategias y/o delegarle todas las desiciones y responsabilidades (¿Alguien notó cómo nadie confiaba en mercadear MP3s hasta que no llegó Apple con el iPod y la tienda iTunes? ¿Y alguien notó cómo pese a existir desde al menos 5 años antes,nadie en México tomaba en serio al webcomic hasta que no vieron a Bachan autenticarlo a punta de hacer tiras de El Bulbo en Wordpress? ¿Mejor viejo por conocido que nuevo por conocer? ¿Dónde caraxo quedó el espíritu de aventura de la humanidad?).

Volviendo un poco a la diferencia de vender productos burdos cuando la gente quiere el contenido,tenemos el punto adicional que el público también busca comprar experiencias.Si el video nunca desplazó al cine,es por que a la gente le gusta todo lo que implica ir hasta el cine,comprar palomitas y sentarse en una sala oscura con cientos de pelados más (muy aparte,claro,de que sin cine,el video no tendría materia prima).Lo mismo aplica con los discos y los comics...cuando la raza los compra,busca también comprar las experiencias alrededor de ellos.Y no hablo nomás de la experiencia de ir a buscarlos,descubrirlos o comprarlos,sino de compartirlos,regalarlos,sentarse a disfrutarlos en una tarde lluviosa,o incluso perderlos a manos de un amigo o ex-novi@ que nunca más lo devolvió.Ergo el valor sentimental y de coleccionismo que se les da a las cosas (el de a de veras,no el creado artificialmente por las empresas cuando venden ediciones limitadas a más del quíntuple de su precio regular).
El éxito del iPod y el iPhone no radica en la música en formato MP3 —que de hecho,es comprimido y de fidelidad de media a baja.Su verdadero triunfo,fue que en un solo aparato caben las portadas de los discos,las letras de las canciones,la información completa de los realizadores,videos,juegos,navegación por internet e incluso cámara fotográfica,llamadas telefónicas y todas las aplicaciones que uno quiera con usos diversos.No será valor sentimental del todo,pero como valor agregado,no es nada despreciable.El verdadero triunfo del comic por internet,será el día en que ofrezca tantos o más valores agregados...de ahí que hasta el momento,aunque hay tecnología suficiente para desarollar lectores portátiles de texto digital,aún no pega ninguno,pues ninguno ofrece nada adicional lo bastante significativo e inmediato.
Más a fondo,el propio webcomic todavía podría ofrecer más,pero no lo hace.Hasta ahora,los realizadores de webcomic son demasiado conservadores.Los propios bloggers saben qie no todo es escribir y complementan sus posts con fotos,videos o incluso MP3.Hoy en día,se puede usar todo eso únicamente como pie de página de un texto...¿Porqué no en un comic,para ofrecer una experiencia más elaborada? Con una jodida,los propios comics de épocas pasadas ofrecían incluso más experiencias interactivas,a través de las cartas de lectores,los artículos informativos,los dibujos publicados,el reto de completar una colección,los concursos y los clubes oficiales de lectores.¿Alguien puede mencionarme un (¡UNO!) comic contemporáneo,análogo u online,que ofrezca alguna experiencia remotamente similar? (el coleccionismo de portadas variantes,y los flamewars entre blogs o facciones de fanboys no cuentan...son experiencias añadidas,vale,pero no son sustanciosas).

Antes las presentaciones en vivo eran el mayor ingreso de los músicos.Cuando los discos predominaron,los conciertos sólo sirvieron para promocionar los discos.Hoy que los discos pierden fuerza,las presentaciones predominan a la par que los festivales (eso,por que ya pocos grupos e interprétes tienen tanto material como para hacer un show completo,pero esa es otra historia).Al comic quizá le hace falta entonces volver también a su escencia original.Las tiras online parecen retomar la ruta original de las tiras de diario...pero sin los diarios.Lo cual es tan lógico como querer hacer un recital en vivo,y no dejar entrar al público.El punto es que cuando el comic mismo era sólo un complemento a otro contenido mayor,lo lógico sería que el comic,si pretende adoptar el formato breve,se asociara con otro contenido que respalde su forma breve y efímera.Pero son las horas en que ningún webcomic se ha asociado con algún portal web,revista online o de menos un blog de interés general.Prefiere aislarse en una burbuja,donde los únicos lectores de los webcomics son otros autores de webcomics,u otros allegados a la misma microindustria.

Y es que al final,para que algo tenga un mínimo valor monetario,de entrada debe tener un valor práctico y/o emocional.Por que el público no es tonto,y podrá comprar mucha basura por impulso espontáneo o inercia,pero sabe que obtendrá una satisfacción a cambio.Si la satisfacción se negará a pagar el precio inflado y la conseguirá de un modo u otro...¿O qué:a poco ninguno ha hecho hasta lo imposible por ir a un concierto o leer un comic que de un autor que de veras le interesa?

Epílogo:
Sólo para redondear el punto del valor que se le da un contenido por encima del valor material,una gráfica original del proyecto Arboretum de David Byrne,sobre la música.Ahí que quede,con el comentario de que lo mismo aplica para el comic (a'i por si necesitan argumentos para valorar/defender al medio,aparte del ya aburrido sonsonete ensayado de «es que el comic es profundo,es arte,y hay hasta comics para público adulto e inteligente»).

Industria Disquera V

2009-10-23T15:51:27Z

PARTE 5 DE 5:EL MERCADO ACTUAL
-Según cifras obtenidas por la agencia Nielsen SoundScan,el país donde se consume más música grabada es Estados Unidos,pues se estima que únicamente ahí se concentra más del 30% de las compras de música análoga y digital a nivel mundial.La segunda posición le corresponde a Japon,con un 19% aproximado;seguido de Reino Unido con apenas un 9%.Sin embargo,según cálculos de la Alianza Internacional de la Propiedad Intelectual,si se tomaran en cuenta las copias pirata y las grabaciones vendidas en los mercados negro y gris,China se colocaría a la cabeza como el mayor consumidor de música,abarcando un 20% del mercado mundial. México ocuparía el 2º lugar con un 14%,mientras que Italia y Rusia compartirían el 3er lugar con un 12% cada uno.

-A finales de la década de los 90’s,en internet surgieron los programas de intercambio directo y anónimo de archivos,mejor conocidos como peer-to-peer.El más popular de todos fue Napster,creado en 1999,y enfocado específicamente a la búsqueda e intercambio de música en formatos digitales.El sistema tuvo una gran aceptación pues le permitió a un gran número de usuarios conseguir copias de música descontinuada o fuera de su alcance por una razón u otra.Sin embargo,a mucha gente vinculada con la industria disquera no le agradó el hecho que también se intercambiaran de manera gratuita álbumes que aún estaban oficialmente en venta.A inicios del 2000,la banda Metallica descubrió que una grabación de su canción ‘I Disappear’ estaba circulando a través de Napster aún antes de que saliera oficialmente a la venta como parte de la banda sonora de la película Misión:Imposible 2.El caso motivó que la banda entablara una demanda legal contra Napster,a la que pronto se unieron todas las compañías disqueras afiliadas a la RIAA.

-Para el 2001,las aciones legales obligaron a Napster a cerrar sus puertas bajo cargos de infracción a los derechos de autor y la exclusividad de marcas comerciales.A partir de ese momento,la industria disquera acusó directamente al intercambio de música por internet como la causa directa del declive en ventas de discos.Pero pese a que se siguieron entablando numerosas demandas contra individuos y redes de usuarios,las ventas no sólo no se recuperaron de su caída,sino que ésta continuó,y la imagen pública de las disqueras se vió gravemente perjudicada.Más todavía,diversos estudios y censos demostraron que el intercambio gratuito de música no disminuía las ventas,sino que al contrario,las fomentaban al permitir que el público se reencontrara con música olvidada o descubriera propuestas nuevas,y entonces se animara a buscar y adquirir los discos correspondientes.

-La prueba definitiva de que el internet no era el origen del problema surgió en el mismo año del 2001,cuando se fundó la tienda iTunes de música digital.En su momento mucha gente puso en duda que el público estuviera dispuesto a pagar por archivos digitales,por no compararse con la tangilidad de comprar discos palpables.Pero al final,el nuevo modelo comercial resultó efectivo y pronto las ventas de archivos digitales se equipararon a las de discos,aunque no lograron frenar el declive generalizado de ventas de la industria disquera.Sea como sea,hoy en día las disqueras han modificado sus planes de ventas,para contemplar también la distribución por internet.

-Si bien la música digital en formato MP3 ha ganado gran popularidad en el mercado,aún no se ha vuelto una norma nueva debido a que para crear archivos compactos,es necesario sacrificar parte de la calidad del sonido.De hecho,existe la opinión generalizada de que la música grabada por medios digitales no se compara con la fidelidad auditiva obtenida en medios magnéticos o análogos.Para efectos prácticos,el sonido de los CDs y MP3s ha sido descrito como ‘frío’,mientras que el de los discos de vinyl se ha catalogado como más ‘cálido'.Pero aunque ciertamente los discos análogos pueden registrar un amplio rango de frecuencias de sonido, el oído humano sólo es sensible a un límite entre los 20 y los 20,000 Hertz,por lo que es física y humanamente imposible diferenciar un sonido digital de uno análogo.De cualquier forma,en años recientes los discos de vinyl han recuperado la popularidad suficiente como para convertirse en un nuevo mercado especializado para coleccionistas,DJs y profesionales de la música en general.

-A causa de la caída en ventas de copias,hoy en día los músicos obtienen sus mayores ingresos a través de las presentaciones en vivo y la venta de mercancía oficial.Luego entonces,firmar contrato con una disquera ha perdido importancia a comparación de asociarse con promotores o colectivos de artistas similares.Por otra parte muchas disqueras han empezado a ofrecer únicamente contratos de manufactura y distribución de los discos,sin comprometerse a cubrir los gastos de promoción.Una consecuencia derivada de esta situación es que en años recientes cada vez menos artistas están obligados a crear álbumes completos para poder darse a conocer.En vez de eso,tienen la libertad de producir y promover por su cuenta uno o varios sencillos,y recurrir a las disqueras única y exclusivamente cuando poseen el material o el renombre suficiente para producir un album completo.

Industria Disquera IV

2009-10-23T02:09:50Z

PARTE 4 DE 5:INFRAESTRUCTURA ECONÓMICA
-Hasta el siglo XVIII,el mejor método de subsistencia al que podía aspirar un compositor,era conseguir el patrocinio directo de un clérigo o un aristócrata.Wolfgang Amadeus Mozart buscó independizarse de este sistema al dedicarse a publicar por su cuenta sus partituras,con miras a ofrecerlas al público en general.Esta estrategia resultó tan efectiva,que Mozart se convirtió también en el 1er caso histórico de un músico que siguió generando jugosas ganancias después de muerto.Y es que su viuda se dedicó a revender las partituras de Mozart a varios editores,y a rentar varias piezas inéditas para numerosos recitales póstumos.Mas todavía,después de escribir una biografía de su esposo,la viuda tuvo a bien incluir una partitura inédita,a modo de gancho de ventas.

-El proceso de grabar música,distribuirla y venderla implica invertir cantidades significativas de dinero y esfuerzo.Muy pocos músicos poseen dichos recursos de modo directo,y es por ello que existen las disqueras,las cuales aportan los medios necesarios a cambio de una parte de las ganancias y beneficios generados tras comercializar la música grabada.Para este efecto,las disqueras tienen a bien adquirir una parte o la totalidad de los derechos de copia de una obra, también conocidos por el nombre colectivo de copyright,y representados por el símbolo internacional de una letra ‘C’ encerrada en un círculo.Es importante notar que los derechos de autor se aplican únicamente sobre la música en su calidad de obra original. La música ya grabada y copiada es formalmente considerada un producto aparte,el cual es susceptible de convertirse en parte de una marca registrada,la cual es propiedad exclusiva de la disquera.De ahí entonces la razón que la gran mayoría de las disqueras sean particularmente celosas con los modos en la música grabada es copiada o redistribuída.

-Las compañías disqueras no son entidades únicas,pues usualmente son a agrupan varias empresas asociadas o subsidiadas.Si bien todas estas empresas comparten la misma identidad corporativa,cada una suele enfocarse a un aspecto específico de la comercialización de la música de modo relativamente autónomo.Así por ejemplo, dentro de una disquera existen empresas dedicadas a producir discos,otras que se dedican a distribuirlos,y otras que administran las marcas y derechos de la música en DVDs o medios electrónicos.Un gran número de disqueras especializadas en algún estilo de música en particular existen como subsidiarias de consorcios más poderosos,pero por motivos comerciales o meramente prácticos,mantienen una identidad corporativa aparte.A estas compañías se les denomina formalmente como subsellos.

-La labor de una disquera no se limita únicamente a fabricar y vender discos de música grabada.Toda vez que un album es producido y lanzado al mercado,las disqueras se dedican a buscarles a los músicos oportunidades para hacer presentaciones en vivo.En ocasiones puede ocurrir también que las disqueras mismas se dediquen a organizar por si mismas las presentaciones de los músicos, dependiendo de qué tanto les interese apoyar su carrera,o incluso administrarla por completo.En algunas vertientes como el pop o la música bailable,esta práctica es considerada como conveniente e idónea,pero en otros casos como el rock o el hip hop es muy mal visto,por comprometer la libertad creativa al cederle demasiado control a los empresarios de una disquera.

-Aunque la música grabada es formalmente propiedad de una disquera,los derechos de autor acreditan a los músicos a recibir un porcentaje de las ganancias en forma de regalías.Por lo general las regalías sólo cubren un periodo de tiempo relativamente corto e inmediato al momento en que un album sale al público.Pasado ese periodo, los discos oficialmente pasan a formar parte de un catálogo y la producción de copias nuevas se detiene,dando lugar a los discos agotados o descontinuados.Por supuesto,existen los casos excepcionales donde la demanda por parte del público es continua y logra mantener buenos niveles de ventas incluso después de que los músicos se han retirado o fallecido.Las regalías son uno de los puntos de mayor dcontroversia ante la distribución de música por internet,pues los archivos digitales no se descontinuan nunca,y de hecho han vuelto a poner en circulación música que oficialmente no debería estar más en circulación.

-Según cálculos estimados,hasta el 2005 el valor del mercado de la música se ubicaba entre los $30 y los $40 mil millones de dólares.Esta cifra contempla las ventas combinadas de CDs, DVDs, discos de vinyl y archivos en MP3.Sin embargo, conviene mencionar que aproximadamente desde el año de 1998,el mercado de la música se ha venido contrayendo a razón de aproximadamente un 17% anual.El declive obviamente ha afectado directamente a las ganancias que obtienen las disqueras,pero quienes se han visto más afectados al momento,son otros negocios.Muchas tiendas de discos,agencias artísticas y estudios de grabación han tenido que cerrar sus puertas,a la vez que buena parte de las revistas especializadas han tenido que dejar de imprimirse y convertirse en portales informativos por internet.Se estima que a menos que no ocurran cambios significativos en el mercado,el declive no se detendrá al menos en los próximos 5 o 6 años.

-Aunque la caída de las ventas de la industria disquera es un hecho generalizado,ha sido difícil tratar de definir cuáles son sus causas,lo que ha dificultado también encontrar estrategias efectivas para remediar la situación.Muchas suposiciones y conjeturas se han creado al respecto,y muchas acciones se han implementado,algunas más efectivas que otras.

Industria Disquera III

2009-10-22T03:04:02Z

PARTE 3 DE 5:MÚSICA E INTERNET
-El album con el mayor número de copias vendidas a nivel mundial,es el Thriller de Michael Jackson,pues según cálculos aproximados,ha vendido 50 o 100 millones de copias,y aún contando.El único otro album que se acerca a esos niveles de ventas,es el Back In Black de AC/DC, con un estimado de 42 millones de copias.Pero si a obras completas vamos,según el libro Guinness,la discografía de los Beatles es la más redituable, con aproximadamente 1,000 millones de copias.Según datos de la RIAA,la Asociación de la Industria Disquera Americana,Elvis Presley también llegó a igualar o incluso superar esa misma cifra.Si consideramos un empate,el 2º lugar corresponde entonces al grupo ABBA,que se calcula ha vendido aproximadamente 370 millones de copias de su música.

-Cuando la música grabada acaparó el mercado anteriormente dominado por la música escrita en partituras,las compañías disqueras se definieron formalmente como empresas productoras de bienes materiales.Y es que a fin de cuentas,su negocio concreto era el de venderle discos al público,pese a que propiamente,lo que le interesaba a éste último,era adquirir el contenido intelectual,o sea,la música. Desde ya varios años,muchos críticos y analistas habían señalado que el costo de los álbumes era proporcionalmente caro para lo que la gente adquiría o las ganancias que obtenían los músicos.Sin embargo,todo se justificaba con los costos necesarios para manufacturar los discos,y para mantener toda la infraestructura completa de distribuidores, publicistas,agentes de ventas y demás prestadores de servicios dentro de la industria musical.Así pues,el modelo comercial no sólo era aceptado,sino reconocido como una norma inalterable.

-Cuando el internet se abrió al público en general,uno de sus mayores atractivos fue su capacidad de manejar contenidos informativos a nivel multimedia. Fue sólo cuestión de tiempo para que la gente empezara a intercambiar entre sí archivos de sonido,y de ahí,el intercambio de música fue no sólo natural,sino inminente.Para cuando las conexiones se volvieron más rápidas y los archivos digitales se hicieron más compactos y prácticos,el internet se convirtió en un canal económico y confiable para escuchar y obtener música.No tardaron entonces en surgir acusaciones de fomento a la piratería, que hasta la fecha se mantienen de manera recurrente.En contraste y compensación,un gran número de músicos se vieron radicalmente beneficiados al poder darle difusión masiva a su música,sin recurrir a los gastos masivos derivados de producir y distribuir discos.

-La efectividad de la distribución y promoción por internet hizo que surgieran las disqueras online,también conocidas como netlabels.Aunque la tecnología actual facilita que un músico produzca y distribuya sus obras sin necesidad de intermediarios,el internet es un medio exageradamente amplio donde es muy fácil perderse entre los millones de contenidos disponibles.Luego entonces,la función de un netlabel es ofrecer sus servicios para facilitar que la música llegue de manera efectiva al público correspondiente.Para tal efecto,una disquera online puede ofrecer la música a través de un portal propio,o bien redistribuyéndola en otros sitios especializados en música.La netlabel es usualmente también responsable de digitalizar y formatear la música de modo adecuado.

-Las disqueras online recurren a diversas aproximaciones para generar ganancias. Algunas ofrecen la música para ser descargada de modo completamente gratuito, beneficiándose más bien de ofrecer sus servicios de representación a los músicos,o de la publicidad pagada en sus portales web. Otras compañías optan por ofrecer sólo algunas canciones a modo de muestra gratis,y entonces vender los álbumes completos,ya sea como descargas a cambio de un pago simbólico,o bien como discos tradicionales a precio de rebaja.Aún no existe un modelo único de negocios,por lo que la gran mayoría de las netlabels optan por combinar dos o más de los métodos anteriores.Las disqueras online por lo general están especializadas en el género de la música electrónica,pero en la medida que se han ido consolidando,han empezado a ampliar su cobertura hacia otros géneros.

-Algunas netlabels aceptan ofrecer la música de modo gratuito,bajo las únicas condicionante de que siempre se respeten los créditos autorales correspondientes,y que el uso que se le de a la música descargada no incluya la reventa,la post-producción o cualquier otra explotación comercial.A las empresas que apoyan esta filosofía se les ha llamado Sellos de Código Abierto,pues su modelo de distribución está inspirado directamente en el utilizado por los programadores de software libre.Para estos sellos,los derechos de copia y distribución de la música representan un lastre,pues limitan mucho la experimentación creativa y la libertad de expresión en general.El objetivo principal de estas disqueras no es el de vender copias de la música,sino meramente distribuirla al mayor número posible de personas,para que así los intérpretes ganen exposición masiva y puedan entonces ser contratados para hacer presentaciones en vivo o colaborar con otros creativos en nuevos proyectos,como musicalizar puestas en escena o cortometrajes.

-Independientemente de sus modelos particulares de negocios,es de esperarse que las compañías disqueras se dediquen exclusivamente a producir copias de la música,difundirlas y promoverlas.Pero en la práctica, el mercado de la música resulta inmenso e implica un gran número de facturas que determinan no sólo cómo se debe comercializar la música,sino cuáles deben ser sus formatos.

Industria Disquera II

2009-10-21T04:07:10Z

PARTE 2 DE 5:DISQUERAS INDEPENDIENTES
-En el año de 1948,la disquera Columbia lanzó al mercado el disco de vinyl de 12 pulgadas,mejor conocido como LP.La capacidad máxima de este formato fue de 23 minutos de sonido por cada lado,lo que significó que durante los años posteriores,los álbumes de música constaran en promedio de 12 canciones.De esa docena de temas,el sencillo principal usualmente era colocado al inicio del lado B para compensar la pausa obligatoria al darle vuelta al disco.Al inicio del lado A se colocaban entonces 2 canciones que potencialmente podían llegar a ser sencillos,y la 3ª posición era reservada para una balada.Hoy en día,los CDs pueden contener más canciones y no necesitan darse la vuelta,pero muchos álbumes aún siguen el formato empleado por los discos de vinyl.

-Según su definición estricta y actual,una disquera independiente es toda aquella compañía dedicada a producir y distribuir álbumes de música,y que no está bajo el control de ninguna de las llamadas 4 Grandes corporaciones disqueras.En la práctica,el concepto de disquera independiente es más rebuscado,pues implica también ciertas consignas y tradiciones de resistencia contracultural.Podría parecer que son de origen moderno,pero sus antecedentes se remontan hasta la década de los 40’s.En aquél entonces,los empresarios dedicados a producir discos empezaron a volverse muy selectivos a la hora de ofrecer contratos a los músicos, dándole prioridad a aquellos que gozaban del renombre suficiente para garantizar un mínimo de ventas seguras.Obviamente muchos intérpretes quedaron segregados por no ser tan célebres por sí mismos,aunque la música que hacían sí gozaba de gran popularidad a nivel de estilo o género.

-El auge de vertientes como el jazz,el blues y la polka,provocó que empezaran a proliferar diversas compañías que como sello de marca adoptaron la especialización en algún género específico. Estas compañías se enfocaron en lanzar tirajes moderados de copias,que aunque no se comparaban con los volúmenes manejados por las compañías más comerciales,a cambio ofrecían la ventaja de ser ventas más o menos seguras,al estar dirigidas a audiencias cautivas.A causa de su estrategia de vender relativamente copias,a muchos de estos sellos disqueros se les empezó llamar coloquialmente disqueras pequeñas,aunque dicho adjetivo no necesariamente era representativo del tamaño de las compañías o la magnitud de sus recursos comerciales.Por su vínculo con el jazz y el blues,las disqueras pequeñas fueran las que literalmente vieron nacer al rock n’ roll y el rockabilly, estableciendo desde entonces una relación simbólica entre la música y la idea de marginalidad respecto a las disqueras más comerciales.

-Conforme el rock n’ roll y el rockabilly se fueron popularizando, muchas disqueras pequeñas empezaron a ser absorbidas por los consorcios disqueros, lo cual se tradujo en la imposición de nuevos controles empresariales sobre los músicos.Con tal de preservar su libertad creativa, durante la década de los 60’s varios grupos optaron por crear sus propias empresas disqueras.Así por ejemplo,los Beatles fundaron Apple Records,los Rolling Stones crearon la Rolling Stones Records,y Elton John fue el dueño absoluto del sello Rocket.Eventualmente esos sellos fueron absorbidos también por los grandes consorcios,pero asentaron un precedente de que la única vía efectiva para la experimentación creativa,era que los músicos se administraran y distribuyeran por sí mismos.

-Para la década de los 70’s,surgió la cultura punk,la cual popularizó la filosofía del DIY o Hazlo Tú Mismo.Considerando que pocas disqueras estaban abiertas a producir discos de bandas de rock punk,dichas bandas optaron por grabar por su cuenta, surgiendo así numerosas disqueras independientes.Esta nueva generación de compañías independientes se caracterizó por hacer de la marginación comercial su bandera de identidad,de modo que muchas se negaron a fusionarse con las grandes corporaciones en nombre de mantenerse fieles a su postura anti-comercial.En este sentido,el principio de que las bandas de rock se afiliaran sólo con disqueras independientes se convirtió en un valor muy apreciado a nivel sub y contracultural. Recíprocamente,a las disqueras independientes se les empezó a apreciar por ser una plataforma confiable para propuestas novedosas y creativas.

-En la década de los 80’s,el modelo de negocios de las disqueras independientes quedó tan generalizado y establecido dentro de la industria de la música,que los grandes consorcios fundaron varias subsidiarias a imagen y semejanza de los sellos pequeños.Hoy en día,muchas disqueras independientes poseen recursos y alcances suficientes como para equipararse con empresas bien establecidas a nivel comercial, lo que ha provocado que en ocasiones el criterio para aplicar el adjetivo de ‘independiente’ se preste a subjetividades y debates de todo tipo.En años recientes,sin embargo,la popularización de la música distribuída por internet y la oposición por parte de frentes comerciales como la Asociación de la Industria Disquera Americana o RIAA,ha introducido un nuevo criterio.Para cada vez más gente,el concepto de independencia se ha empezado a asociar no con los géneros musicales o el volumen de copias,sino con la desición voluntaria de no afiliarse a grupos como la RIAA.

-Las compañías dedicadas a producir y comercializar música son denominadas como disqueras más por tradición que por otra cosa.Y es que ya es de sobra conocido que hoy en día,la música puede almacenarse no nada más en discos,sino en computadoras,chips de sonido e incluso teléfonos celulares.Pero aunque la tecnología es ya de uso común,paradójicamente la industria de la música ha encontrado varias dificultades para adaptarse a ella.

Industria Disquera I

2009-10-19T21:12:00Z

PARTE 1 DE 5:ANTECEDENTES
-Enrico Caruso es reconocido como el más grande cantante de ópera de todos los tiempos.Esta reputación sin embargo,no surgió debido a su talento como tenor,sino al simple hecho de que fue uno de los primeros cantantes que decidió grabar discos fonográficos cuando recién se habían inventado.En 1902,grabó 10 canciones a cambio de la entonces exorbitante cantidad de £100 libras esterlinas.En pocos meses,las ventas de sus discos generaron una ganancia neta de £15,000 libras.La fama de los discos de Caruso catapultó la venta de fonógrafos a tal grado,que periodistas de la época frecuentemente formularon la pregunta retórica de «¿Fue Caruso quien hizo al fonógrafo,o fue acaso el fonógrafo el que hizo a Caruso?».

-La música,al igual que otras invenciones humanas,es tan antigua que se desconoce dónde y cuándo fue su origen exacto.De cualquier forma,la música siempre ha sido una parte muy importante de la vida de numerosas culturas,y por tal motivo siempre existió la inquietud por preservar los ritmos y sonidos de un modo,si no permanente,al menos lo bastante duradero para poder escuchar una misma pieza más de 2 veces.Los primeros intentos para conservar los sonidos de un modo más o menos tangible,se remontan al año 2000 A.C.,cuando los sumerios crearon varias tablillas de barro con instrucciones textuales para que los músicos pudieran recrear melodías predeterminadas en la lira.Siglos más tarde,los griegos y romanos utilizaron sistemas parecidos de notación musical,pero sobra decir que los resultados eran sumamente rudimentarios,pues la transcripción por escrito de la música era muy rebuscada y no contemplaba indicaciones respecto a los tonos y ritmos exactos que debían usarse al tocar.

-La música no se logró transcribir formalmente por escrito sino hasta el siglo XI,cuando el monje benedictino Guido d’Arezzo inventó la escala musical de 7 notas,utilizadas hasta la fecha.Con este sistema,la música finalmente pudo preservarse por escrito,primero en pergaminos y eventualmente en forma de libros.A consecuencia de esta situación, los músicos y compositores empezaron a comercializar su música exactamente igual que como lo hacían los dramaturgos, novelistas y poetas,o sea,a través de la publicación y venta de libros.Entre los siglos XVII y XIX,el desarrollo de la música como negocio estuvo dominado exclusivamente por los editores de partituras,pues ellos decidían qué sí y qué no se publicaba. Podría parecer abusivo,pero el papel impreso por sí mismo no era la música,y para escucharla sólo podía hacerse en vivo.Así pues,el mayor volumen de ganancias a mediano y largo plazo, correspondía a los conciertos,bailes y recitales donde se presentaban los músicos en vivo.

-Las cosas cambiaron radicalmente a inicios del siglo XX,con la invención del fonógrafo.La tecnología finalmente permitió no sólo preservar el sonido de manera íntegra,sino que ofreció también la opción de replicarlo en cuantas copias fueran necesarias.Sobra decir que ésto cambió radicalmente el medio de la música,pues el mayor negocio ya no fue publicar partituras ni tocar en vivo,sino vender el mayor número de discos.Aún así,la nueva industria discográfica heredó muchos de los métodos y estrategias utilizados por la industria editorial.Por ejemplo, para poder guardarlos en libreros,los primeros discos se protegían con carpetas similares a los álbumes fotográficos,lo que derivó en que a los conjuntos de varias canciones similares se les llamara también álbumes.

-Sin embargo,el cambio más radical que acarreó el surgimiento de las compañías discográficas,fue que al industrializar la elaboración de copias de la música,se implementó el concepto de marca registrada. Originalmente,la publicación de libros de partituras estaba regida únicamente por la venta y renta de derechos autorales de copia y distribución.La elaboración de discos siguió dependiendo de estos derechos,pero quedó también subordinada a la necesidad de apegarse a la identidad corporativa relacionada con la marca registrada en turno.Adicionalmente,hay que notar el hecho las marcas registradas tienen la función de ser estrictamente exclusivas,pues su función es identificar no sólo a una empresa,sino a todos los productos y servicios producidos por la misma.

-Conforme las marcas registradas cobraron cada vez más importancia,también lo hizo el concepto de que los músicos se volvieran empleados exclusivos de una compañía en particular. Evidentemente ésto acarreó una cierta seguridad económica, pero también impuso varias limitantes a la hora de crear música fuera de la identidad de una empresa,o fuera de la compañía misma.Hasta mediados de los 90’s,la industria disquera era dominada por 6 macrocorporaciones internacionales:la EMI,la Sony,la BMG,la WEA,la PolyGram y la MCA.Hoy en día,sólo quedan 4 firmas lidereando la industria, pues PolyGram y la MCA se fusionaron para formar Universal Music,y la BMG a su vez fue absorbida por Sony.Las ahora llamadas ‘4 Grandes’,actualmente controlan poco más del 70% del mercado mundial de la música,ya sea de modo directo o a través de alguno de sus múltiples subsellos.

-Respecto al 30% restante del mercado mundial de la música,éste se encuentra repartido entre un amplio número de disqueras que por la escala de sus recursos y sus filosofías particulares,se les conoce como disqueras pequeñas o independientes.¿Pero cuál es exactamente su independencia,y qué las coloca en un lugar aparte al resto de las compañías disqueras?

Semana de Musiquita Comiquera - Out Where The Truth Lies

2009-10-11T15:45:55Z

Out Where The Truth Lies - Exchange (4 MB)

*Descarga disponible hasta por 3 semanas o antes si es que se gastan el bandwidth.

Para el último día de esta semana,nada más apropiado que la música relacionada con un personaje de tiras dominicales.En 1991,se produjo la serie animada The Legend Of Prince Valiant,basada por supuesto,en la tira —o más precisamente,página— creada por Hal Foster.La serie tuvo unos guiones y storyboards como pocas veces se han visto en series de dibujos animados...lamentablemente,los diseños de personajes como que buscaban demasiado emular los trazos de Foster,sin tomar en cuenta las limitaciones de la animación,la cual tampoco salió muy bien librada que digamos.En todo caso,otro punto que rescató a la serie fue el soundtrack,creado por el dueto de new age/jazz Exchange.La música logra recrear de manera efectiva una atmósfera medieval a través del uso de instrumentos electrónicos,sin caer en los clichés que el new age ha desgastado —específicamente,el de influencia celta.Para el tema principal de la serie,se contó con la participación de la voz de Marc Jordan;y aunque para efectos del intro sólo se utilizó aproximadamente un minuto,el tema completo abarca 4 veces esa duración,y pues hélo acó posteado.

Ah,y por supuesto,no podía faltar la letra:

A whisper in my ear
A voice so strong and clear
Upon this beach I see
A million grains of sand
And I believe we are destined
Bound to survive against all odds

Out where the truth lies,
I will follow
Out beyond this barren surround
I cry without a sound
Out where the truth lies,
I will follow my eyes into the sun

Sometimes I lie awake
I dream of everyone
Who walked the path I take
Who ran beneath the sun
And I believe it's my destiny
Bound to survive against all odds

Out where the truth lies,
I will follow
Out beyond this barren surround
I cry without a sound
Out where the truth lies,
I will follow my eyes into the sun

And I believe we are destined
Bound to survive against all odds

Out where the truth lies,
I will follow
Out beyond this barren surround
I cry without a sound
Out where the truth lies,
I will follow my eyes into the sun

Out where the truth lies,
I will follow
Out beyond this barren surround
I cry without a sound
Out where the truth lies,
I will follow my eyes into the sun

Out where the truth lies,
I will follow my eyes into the sun...

Semana de Musiquita Comiquera - Tema de Batman

2009-10-10T15:32:05Z

Batman Theme - The Mighty Atomics (3.4 MB)

*Descarga disponible hasta por 3 semanas o antes si es que se gastan el bandwidth.

Si a temas clásicos vamos,definitivamente uno de esos es el tema de Batman compuesto por Neil Hefti para la serie de TV de mediados de los 60's.En la serie se utilizaron de hecho 2 versiones distintas del tema,una interpretada por el propio Hefti con una banda pequeña (utilizada propiamente en el intro y los créditos del show),y otra por Nelson Riddle al frente de una orquesta de jazz completa (utilizada en el soundtrack y como sencillo oficial).
Toda banda de surf que se precie de serlo,ha tocado el tema al menos una vez,ya sea en plan de chacota o como parte de su repertorio.De entre las numerosas versiones en ese estilo,la aquí presentada corresponde a los Mighty Atomics —a veces erróneamente acreditados como los Atomics a secas,pero esa es una banda experimental de punk-electrónica que creo ya ni existe.Como quiera que sea,esta versión sobresale por los solos de batería,potentes cuales golpes de ametralladora,y que le dan a la rola un nuevo brío bailable.

Semana de Musiquita Comiquera - The Murderess

2009-10-09T16:13:31Z

The Murderess - Kim Fox (3.9 MB)

*Descarga disponible hasta por 3 semanas o antes si es que se gastan el bandwidth.

Usualmente cuando a un comic se le hace un soundtrack completo,es por que ha sido adaptado a cine o TV.Pero un caso curioso es el soundtrack de Witchblade,el cual es un soundtrack pensado para musicalizar los primeros 11 o 12 números de la serie.Sin embargo,la estructura del disco no es del todo apegada al ritmo narrativo del comic,siendo más similar a un album conceptual,pues presenta una narración abstracta basada muy libremente en la simple premisa del comic,y hasta ahí.
En el soundtrack hay un poco de todo:punk,metal y electrónica,y participan Megadeth,Peter Steele (Type O Negative),Miho Hatori (Gorillaz),Subcircus y Kat Bjelland (Babes in Toyland) y Kim Fox.A esta última corresponde el tema seleccionado,una baladita jazz con reminiscencias de género negro.
Chequen nomás la letra:

Evil lurks in the night
In alley ways the cats will fight
The hungry mouse will take a bite
Better run for your life

Shadows by the setting sun
That hides the hand that holds the gun
Consider their souls the lucky ones
It's all in a day's fun
It's all in a day's fun

I can't control this urgent need
Rips through my skin until I bleed
Oh, murderess
The murderess

Fearless young, afraid to die
With vulture's eyes they seek out life
Why so fearful of the other side?
Now the choice is all mine

So beautiful, my love
So beautiful, my love
Soaked in a pool of blood

I can't control this urgent need
Rips through my skin until I bleed
Oh, murderess
The murderess

If one day by chance we meet
In stranger's bed, on dirty streets
When hope is lost, when love is beat
Forgive me, God, I am weak

Safe in the arms of death
I am the murderess

Semana de Musiquita Comiquera - Snoopy vs The Red Baron

2009-10-08T15:08:07Z

Snoopy vs The Red Baron - The Royal Guardsmen (2.8 MB)

*Descarga disponible hasta por 3 semanas o antes si es que se gastan el bandwidth.

El comic como medio es capaz de generar imágenes icónicas que trascienden incluso a las historias mismas donde se desarrollan.Una de esas,definitivamente es la imagen de Snoopy sentado sobre su perrera,mientras imagina ser un aviador de la 1ª Guerra Mundial.
En 1966,la misma imagen inspiró a la banda The Royal Guardsmen a crear una canción a tan solo 4 semanas después de que apareciera por 1ª vez el Snoopy aviador en la tira dominical de Peanuts.La canción fue un hit inmediato,y también le valió a la banda enfrentarse a una demanda por parte de Charles Schulz por usar el nombre de Snoopy —claro que tampoco ayudó mucho que a los Royal Guardsmen se les hizo fácil intentar fabricar otros hits instantáneos al hacer otras 3 o 4 canciones con menciones gratuitas a Snoopy.Por cierto,la canción también fue censurada en Australia e Inglaterra,por el uso de la palabra bloody —la cual es altisonante por esos rumbos.
Y pues va la letra completa:

Achtung!
Jetzt wir singen zusammen die Geschichte
Über den schweinköpfigen Hund
Und den lieben Red Baron

After the turn of the century
In the clear blue skies over Germany
Came a roar and a thunder men have never heard
Like the scream and the sound of a big war bird

(Eins, zwei, drei, vier...)
Up in the sky, a man in a plane
Baron von Richthofen was his name
Eighty men tried and eighty men died
Now they're buried together on the countryside

Ten, twenty, thirty, forty, fifty or more
The bloody Red Baron was rollin' out the score
Eighty men died tryin' to end that spree
Of the bloody Red Baron of Germany

(Left, two, three, four...)
In the nick of time, a hero arose
A funny-lookin' dog with a big black nose
He flew into the sky to seek revenge
But the Baron shot him down
"Curses, foiled again!"

Ten, twenty, thirty, forty, fifty or more
The bloody Red Baron was rollin' out the score
Eighty men died tryin' to end that spree
Of the bloody Red Baron of Germany

Now, Snoopy had sworn that he'd get that man
So he asked the Great Pumpkin for a new battle plan
He challenged the German to a real dogfight
While the Baron was laughing, he got him in his sight

That bloody Red Baron was in a fix
He'd tried everything, but he'd run out of tricks
Snoopy fired once and he fired twice
And that bloody Red Baron went spinning out of sight

Ten, twenty, thirty, forty, fifty or more
The Bloody Red Baron was rollin' out the score
Eighty men died tryin' to end that spree
Of the bloody Red Baron of Germany

Well, ten, twenty, thirty, forty, fifty or more
The Bloody Red Baron was rollin' out the score
Eighty men died tryin' to end that spree
Of the bloody Red Baron of Germany

Semana de Musiquita Comiquera - Ghostrider

2009-10-07T16:06:42Z

Ghostrider - Rollins Band

En lo que a adaptaciones de comics a acción real se trata,una de la películas más decorosas es The Crow,basada en la novela gráfica homónima de James O'Barr.El soundtrack de la película es una joyita por cuenta propia,y prácticamente obligatorio en toda colección de rock que se precie de llamarse como tal.
Sin embargo,no toda la música del album está basada en el personaje original o en viñetas de la película,y tal es el caso de la participación de Henry Rollins y su banda,que tuvieron a bien echarse una rola dedicada a Ghost Rider —titulada como Ghostrider (todo pegado) para capotear a los abogados de la Marvel,pero la letra deja más que claro que se habla de la versión de los 70's de dicho personaje.Nomás por redondear la ironía,cabe recordar que el Ghost Rider fue basado a su vez en el multicovereado clásico country Ghost Riders In The Sky...ésto,claro,cuando el personaje original era un justiciero tipo Llanero Solitario,cuya gracia era vestirse de blanco y fingir ser un fantasma para espantar malandrines,que como bien describiera Bob Kane,son una runfla supersticiosa y cobarde.

Esta rola va sin link de descarga porque ultimadamente el disco no es tan difícil de conseguir.Pero como quiera que sea,va la letra:

Alan Vega. Suicide. Ghostrider. Ghostrider.

Ghostrider, motorcycle hero
Ghostrider, motorcycle hero
Baby, baby, baby, baby, he's blazing away!
Like the star, star, stars in the universe, yeah!

Baby, baby, baby, baby, he's looking so cute, yeah!
Riding around in a blue jumpsuit, yeah!
Baby, baby, baby, baby, he's screaming the truth!
America is killing its youth

I see them trying, dying, choking, drowning, going down, going down
I see you dying, dying
Oh... You don't wanna break apart Ghostrider's heart

He's riding through your town with his head on fire
He's riding through your town with his head on fire
Halo burning. Eyes are crying. Halo burning. Eyes are crying.
Ghostrider, Ghostrider, Ghostrider, Ghostrider
Keep riding
Never stop riding
Hey, hey, don't forget to burn, don't forget to burn
Burn with fire. With fire, fire, fire, fire!
With fire! Yeah!

Semana de Musiquita Comiquera - Waiting For a Superman

2009-10-06T15:56:47Z

Foto original de Gregg Segal

Waiting For a Superman (Flaming Lips cover) - The Brooke

En su album The Soft Bulletin,los Flaming Lips tuvieron a bien dedicarle una canción a Superman —no es uno de sus grandes hits,pero igual es un trabajo impecable de melodía y una letra que narra una historia completa,como suele ser el estilo de los Flaming Lips.
Ahora,añadámosle a la mezcla a The Brooke,cuya gracia es ser simple y sencillamente una chica con su guitarra acústica,y cuyo hobby es tocar covers y subir los videos a YouTube.Pero en esa simplicidad,hay de por medio talento de sobra para hacer música desgarradoramente evocadora.Su versión de Waiting For a Superman es prueba de ello.Si les gusta la rola,pues está disponible —junto con su repertorio completo— en descarga gratis via Last.FM.
Y pues a'i nomás,va la letra:

I asked you a question
I didn't need you to reply
Is it gettin' heavy?
But then I realized
Is it gettin' heavy?
Well I thought it was already as heavy as can be

Is it overwhelming
To use a crane to crush a fly?
It's a good time for Superman
To lift the sun into the sky

'Cause it's gettin' heavy
Well I thought it was already as heavy
As can be

Tell everybody
Waitin' for Superman
That they should try to hold on
Best they can
He hasn't dropped them
Forgotten
Or anything
It's just too heavy for Superman to lift

Is it gettin' heavy?
Well I thought it was already as heavy as can be

Tell everybody
Waitin' for Superman
That they should try to hold on
Best they can
He hasn't dropped them
Forgotten
Or anything
It's just too heavy for Superman to lift

Semana de Musiquita Comiquera - Cumbia de Spider-man

2009-10-05T16:01:42Z

Classique!

(Cumbia de) Spider-man - Fuego Indio (3 MB)

*Audio disponible hasta por 3 semanas o antes si es que se gastan el bandwidth.

El tema original de la serie animada de Spider-man de 1967 es referencia obligada,no sólo del personaje,sino de superhéroes en general.Se le han hecho muchos covers y arreglos —lo mismo en plan formal que en parodia.
Pero ninguna le llega a la grandeza de la versión del grupo (Musicalísimo) Fuego Indio,a medio camino entre la cumbia y la música electrónica en MIDI.Las palabras sobran,así que a'i nomás denle click al player,o descarguen el MP3 —confío en que no harán la macuarrada de ponerlo de ringtone en el celular o sobreexponerlo si es que les da por hacer podcasts.
Enjoy!

No Confundir Comunitario Con Social

2009-10-01T22:00:17Z

Existe un gran diferencia entre las comunidades y las sociedades.Diferencia que puede ser ilustrada así:

A la derecha,tenemos el ejemplo de sociedades.Para una mejor idea,la comparación más clara e inmediata serían sitios de la llamada web 2.0,como Flickr o DeviantArt.Todos los miembros inscritos publican contenidos en una dinámica pasiva.En teoría,buscan expresarse públicamente ante el mundo.Pero hay un par de problemas:
A) Usualmente los primeros —y a veces,los únicos— en enterarse son gente dentro de la misma sociedad de miembros;y
B) Los miembros comparten los contenidos,pero no necesariamente lo hacen esperando una reacción (pese a lo que dictan las leyes de la física de que a toda acción le debe corresponder una reacción opuesta y proporcional).

Las sociedades basan sus dinámicas no tanto en el intercambio,sino en la necesidad de pertenencia.Si todos los amigos y conocidos de uno están en Facebook,¿Porqué no uno mismo? ¿Para qué arriesgarse a ser el único incomunicado (léase:excluído)?
La consecuencia que acarrean estas dinámicas,es lo que muestra la imagen:como nadie espera una verdadera respuesta,todos y cada uno andan en su rollo,que en muchos aspectos es exactamente el mismo,y ni en cuenta.En medios creativos,ésto resulta fatal,pues al no haber diálogo y discusión de ideas,éstas se estancan.Vale,hay una multitud de voces,pero,¿Qué caso tienen si todas dicen exactamente lo mismo?
Este fenómeno explica el reiteracionismo de temas y estilos (el recurrente 'pan con lo mismo'),y la percepción errónea de que la uniformidad de voces es lo mismo que unanimidad de opiniones.O peor aún:el dogma de que sólo uniformizando los criterios y las opiniones se garantiza la evolución de un entorno —como si los cambios,adaptaciones y renovaciones fueran lo más nefasto que podría ocurrir.

A la izquierda,tenemos el ejemplo de una dinámica de comunidad.En este escenario,lo importante es que los miembros entablen conversaciones...que hagan cuestionamientos,discutan entre sí e intercambien puntos de vista.La dinámica,por supuesto,no es absolutamente ideal,pues la naturalidad de los intercambios es muy vulnerable y depende directamente de la empatía y equidad de condiciones —que los diálogos sean estrictamente de igual a igual,pues.Y es que la bronca es cuando se percibe un escalonamiento de niveles,ya que el trabajo es que alguien tenga un poco de autoridad moral en una materia,para que el asunto se fastidie por completo,y el diálogo se convierta en una cátedra unilateral,y la dinámica se reduzca a un burdo 'dime con quién te relacionas,y te diré si eres relevante'.
Aún así,el punto clave es que el diálogo es el ingrediente escencial para hacer que una idea crezca y evolucione,al nutrirse de otras ideas nuevas.La verdadera pluralidad que le da razón de ser al derecho a la libertad de expresión.

Dar el salto de sociedad a comunidad es engañoso.Porque una cosa es participar en un diálogo público,y otra hacerlo con la intención consciente de escuchar a los interlocutores —y ya no digamos aprender de ellos.La web está infestada de foros de mensajes y blogs de gran afluencia,pero donde los participantes no le dan continuidad a las ideas iniciales,sino meramente aglutinan sus propias ideas por no sentirse excluídos (y muchas veces sin darse cuenta que luego todas esas ideas y opiniones ni siquiera son propias,sino comunes dentro de la colectividad).

Los integrantes de una sociedad poseen ideas y las usan sin saber dónde se originaron,dando origen a toda clase de inicios y revoluciones en falso que obviamente nunca llegan a ningún lado.Es el espejismo de las lluvias de ideas y proyectos colectivos que empiezan con ansias de alcanzar proporciones bíblicas,y terminan en simples embotellamientos que nomás culminan en stress,apatía galopante y el aislacionismo del tipo 'es que yo no hago obras para complacer a los demás'.
Y ojo al detalle,que la cosa tampoco es de 'sí,sí,coopero contigo,¿pero tú qué me vas a dar?'.Si por compra-venta de servicios se trata,mejor contratar personal externo en vez de buscar afiliarse e identificarse con una colectividad.Porque también,y ultimadamente,si hay algo peor que un estancamiento de ideas,eso es un creativo incapaz de definirse a su obra o a sí mismo si no es en función del entorno donde es —o cree ser— aceptado...y donde en realidad,sólo hace lo equivalente a hablar en voz alta dentro de un cuarto a oscuras.

¿Qué Significa Un Símbolo...?

2009-09-16T20:58:34Z

-La 1er bandera que tuvo un diseño tricolor,fue la bandera de Holanda,creada en 1572.Los colores de dicha bandera son naranja,blanco y azul,sin embargo,cuando muchos otros países decidieron copiar la idea de usar 3 colores,en vez de naranja utilizaron rojo.A la fecha,la combinación azul,blanco y rojo es la más recurrente en muchas banderas alrededor del mundo,especialmente desde que dicha combinación de colores fuera popularizada entre 1789 y 1794,tras los acontecimientos de la Revolución Francesa.De hecho,el estilo de tres colores verticales de la bandera francesa fue la inspiración directa para el diseño tricolor de las banderas de Costa Rica,República Dominicana,Irlanda,Haití,Italia y México.

-Según las normas de la ONU,izar una bandera al revés (de cabeza) es un símbolo de que se solicita ayuda internacional ante una emergencia.Sin embargo,en términos militares,cuando un ejército no tiene una bandera propia para reclamar una plaza conquistada,se acostumbra también izar al revés las banderas de los enemigos vencidos.

- Originalmente,los colores de la bandera mexicana significaban verde para la independencia,blanco para la religión católica,y rojo para la unión y mestizaje entre europeos y americanos.Cuando Benito Juárez secularizó al estado,impuso que el blanco ahora simbolizaba unidad,el verde esperanza,y el rojo la sangre de los héroes nacionales.Desde la instauración en 1984 de la Ley Sobre el Escudo,la Bandera y el Himno Nacionales,los colores no tienen ya ningún significado oficial.

-El color negro,políticamente hablando,representa negación a todas las ideologías y partidos políticos,que a saberse,tienden a distinguirse entre sí mediante colores,como el verde para los ecologistas,el azul para los derechistas,el rojo para los comunistas,etc.Luego entonces,las banderas negras representan a la anarquía,y más específicamente al activismo anárquico,pues una bandera negra tiene también un significado directamente opuesto a las banderas blancas,pues el blanco simboliza no la paz,sino que es un símbolo universal de la rendición ante un poder o autoridad superior.Dicho sea de paso,los piratas y bucaneros usaban banderas negras precisamente para anunciar que no estaban subordinados a ningún gobierno o política.En contraste,el movimiento lésbico-gay-bisexual-trasvesti adoptó una bandera con los 7 colores del arcoiris para simbolizar la tolerancia y unidad social sin importar ideologías.
Una bandera rojo con negro,no significa huelga,sino simpatía con el sindicalismo,que a fin de cuentas,retoma ideas del activismo anárquico (representado por el negro) y el comunismo (representado por el rojo).Algunas otras variantes populares son la bandera negro con verde de los movimientos ecologistas radicales;y la negro con rosa a favor de los derechos gay y de la mujer.

-El Escudo Nacional de la bandera mexicana fue diseñado originalmente por Antonio Gómez,originario de Pénjamo,Guanajuato.El diseño actual fue creado por Francisco Eppens Helguera,originario de San Luis Potosí,en 1968.El águila real,la serpiente de cascabel,y el nopal,obviamente simbolizan la profecía que llevó a los aztecas a fundar Tenochtitlan en el lago de Texcoco —representado directamente con su glifo nahuatl original bajo el nopal.Bajo el lago hay 2 ramas,una de encino y otra de laurel,que representan respectivamente el martirio y la victoria.

-Ahora que como dato de trivia,el águila real y la serpiente de cascabel no aparecen en absolutamente ningún códice prehispánico,y en realidad los verdaderos animales de la leyenda azteca eran un gavilán (según algunos ornitólogos,específicamente se habría tratado de un caracara,considerando localización geográfica y sus hábitos alimenticios) y una culebra de agua (las serpientes de cascabel no son verdes,y difícilmente existen en zonas lacustres).
Lo del águila y la serpiente se debe más bien a los típicos errores de traducción del nahuatl al español durante la época de la Conquista,y a la posterior idealización y exaltación de los símbolos.

Los 22 Páneles de Wally Wood (Que Siempre Funcionan)

2009-09-13T20:41:26Z

Wally Wood hizo comics de ciencia-ficción,bélicos,horror,romance,superhéroes y comedia.Para ayudarse en su labor diaria,tuvo a bien elaborar una serie de bosquejos que le servían de referencia rápida para resolver secuencias de diálogo sin acción.Su asistente,Paul Kirchner,recopiló los bosquejos en un juego de 3 hojas fotocopiadas.
Años más tarde,Larry Hama,asistido por Robby Carosella,tomaron las fotocopias y las montaron en una sola plana,que fue entonces nombrada oficialmente por Hama como Los 22 Páneles de Wally Wood (Que Siempre Funcionan).Esa plana ha seguido circulando en forma de fotocopias y scans,pues ha seguido siendo una buena referencia para darle variedad y ritmo a las secuencias que de otra forma sólo mostrarían 2 figuras estáticas hablando.

A continuación,una revisión de los páneles en cuestión:

¡¡Los 22 Páneles de Wally Wood Que Siempre Funcionan!! ¡O algunas maneras interesantes de agregarle variedad a esos aburridos páneles donde algún escritor tarado pone a un montón de personajes sin gracia ocupando espacio y hablando durante página tras página!
Cabeza grande	Close-up extremo
Parte posterior de la cabeza (Sólo) Parte de la cabeza	Perfil Sin fondo
Trama mecánica (gris) claro Primer plano a oscuras	Panel abierto Objeto completo —auto, avión
Todo en negros	Un objeto grande Mano, arma, lámpara, teléfono...
Figura completa —panel abierto	Silueta en negativo —Negros o trama mecánica Fondo abierto
Figura pequeña Trama mecánica	Profundidad
Plano (en) picado Proyectar sombras	Forma de 'L' Silueta
Diagramación a nivel ocular	Luz lateral o cenital (desde arriba)
Reflejo	Enmarcar
Fondo de trama mecánica clara y siluetas	Tercer plano
(Extra) Periódico o televisión (pegar tipografía de diario real)	Contraste

* Click en el thumbnail para scan de la versión original a tamaño grande (1500 x 1145 px):

El Post Obligatorio Sobre La Adquisición De Marvel Por Disney

2009-09-01T04:01:46Z

Pues sucesivamente la Twitósfera,la blogósfera,la forósfera y la redósfera no han dejado de mencionar la noticia.Pero por si alguien de chiripa no se ha enterado,resulta que la Disney anunció hoy que adquirió a Marvel Entertainment por $4 mil millones de dólares.

Obviamente,creo entonces ésta es la parte donde me pongo a resaltar las implicaciones y obviedades del caso :

Así como los estudios de cine hacen películas basadas en comics no por que estén descubriendo sus méritos narrativos,sino por que nomás buscan al público cautivo,pues lo mismo pasa acó.No es secreto que Disney,como consorcio del entretenimiento,no es precisamente conocida por producir contenidos dirigidos al target de niños/adolescentes/jóvenes adultos interesados en la acción/aventura.Marvel es un líder en ese campo...la ecuación es obvia.Más que invertir en una compañía,se trata de una compra de una audiencia cautiva —una audiencia cautiva de escala global (de hecho,nótese que en los comunicados de prensa,se enfatiza más el catálogo de personajes de la Marvel,que el hecho de que publica comics con ellos).
La adquisición de compañías de comics completas no es nueva.La DC en su momento absorbió a la Charlton,a Wildstorm y la Fawcett.Más aún,en los 70's se especulaba incluso que Marvel podría haber adquirido a su vez a la DC,antes de que ésta fuera adquirida finalmente por Time-Warner.La Marvel estubo también a punto de ser adquirida por la DC cuando se declaró en quiebra en los 90's...pero al final fue adquirida por ToyBiz,y cuando Marvel recuperó su estabilidad,terminó adquiriendo a su vez a ToyBiz.Previo a ese merequetengue,Marvel adquirió a Malibu Comics.Pasa todo el tiempo,como se puede notar.
Disney es un consorcio de filosofía conservadora,pero no es propiamente muy practicante de las exclusividades o el control creativo demasiado estricto.En los 90's por ejemplo,el sello Gemstone publicaba los comics relacionados con Mickey Mouse y el Pato Donald.Con Marvel,sacaba comics basados en sus películas y series de TV del momento (Aladdin,Darkwing Duck,TaleSpin,la Bella y la Bestia,etc.).Y por su cuenta publicaba el magazine Disney Adventures,donde llegaron a incluirse comics originales de gente como Evan Dorkin,Sergio Aragonés,Landry Walker y Jeff Smith.En años recientes sobresalen contratos simultáneos de comics con SLG (Tron,Gargoyles,[Alice in] Wonderland),Boom! Studios (The Incredibles,Los Muppets),Gemstone (que seguía con Mickey y Donald,aunque hace unos meses al parecer perdieron la licencia) y Tokyopop (Kingdom Hearts).A ésto añadámosle todavía los comics de Disney producidos en Italia (WITCH) y Escandinavia (Pato Donald,si mal no recuerdo).Es obvio que en lo sucesivo Marvel tendrá acceso preferencial a las licencias de Disney,pero es poco probable que en una de esas todos los comics de Disney salgan a través de Marvel —y falta que Marvel se interese en explotar la vena de comics infantiles usando las licencias de Disney...podría hacerlo,pero no olvidemos tampoco que el interés de Disney es llegarle al público fan de los golpes y las explosiones,no expandirse más en lo infantil/familiar.
Marvel ha ido ganando terreno en la industria del entretenimiento gracias a sus películas y chácharas relacionadas,pero no es secreto tampoco que el mercado del comic cada vez se reduce más y más.Ergo,la inyección de lana es su beneficio más inmediato para sostenerse,y seguir apóstandole con fuerza al cine,la TV y los videojuegos.De ahí ya luego viene el acceso preferencial a la infraestructura multimedia y mercadológica de Disney.De hecho,al saberse la noticia en Wall Street,las acciones de Disney bajaron,pero las de Marvel subieron —dedúzcase entonces quién se espera que gane más con la maniobra.

Y pues nada,ya todo lo demás es pura especulación...habrá que esperar de aquí a que acabe el año para ver qué estrategias se arman y si se contemplan cambios directos en el mercado del entretenimiento.A ver qué pasa,pues.

Las 7 Portadas De Carmine Infantino Que Siempre Venden

2009-08-30T23:43:21Z

Carmine Infantino fue uno de los creativos del comic que definió la estética de la etapa/corriente de la Época de Plata.
En 1967,Infantino se ocupó de dibujar todas las portadas de los comics de la DC,debido al simple hecho de que los comics con portadas suyas se vendían más.Obviamente más de una vez le preguntaron cuál era su secreto para hacer portadas tan llamativas como para motivar al público a comprar las revistas.La respuesta de Infantino siempre fue que él tenía una lista de 7 elementos gráficos,"científicamente comprobados" (sic) para elevar las ventas de un comic.

¿Que cuáles eran dichos elementos? Dos puntos y aparte:

¡Dinosaurios!
¡Gorilas!
¡Motocicletas!
¡La ciudad en llamas (o destruída)!
¡El color púrpura!
¡El héroe llorando (derrotado)!
¡Una pregunta directa al lector,como "¿Porqué está llorando el héroe?"!

Reclutando Caperucitas —The Red Project Wants You!

2009-08-25T04:30:32Z

Como algunos ya sabrán,tengo a bien mantener The Red Project —un blog dedicado exclusivamente a Caperucita Roja.Y a partir de hoy,dicho blog oficialmente está aceptando colaboraciones.
Si eres un ilustrador(a),fotógrafo(a),diseñador(a),cosplayer o simplemente una persona creativa,y has creado una Caperucita propia,sólo lánzate a la página de submissions,sube tu arte,¡Y muéstralo al mundo!

(* crosspost de mi sketchlog)

El Post Obligatorio Del 60º Aniversario De Condorito

2009-08-10T04:21:26Z

·······
Condorito, original de -U!
(imagen via el «Blog This» de Flickr).

Pues resulta que esta semana,Condorito cumple 60 años de existencia.Teclearía algo alusivo,pero la agencia AFP ya hizo un artículo bastante completo al respecto al que hay muy poca cosa que agregar o corregir...digo,lo único que podría agregar al respecto,serían datos de trivia irrelevantes como el apellido de Doña Tremebunda (Vinagre),el nombre del caballo de Condorito (Mandíbula),el nombre del amigo boliviano de Condorito (Titicaco),el personaje al que sustituyó Don Máximo Tacaño (Don Jacoibo,que era un estereotipo judío y fue retirado del comic por políticamente incorrecto),el nombre del cirquero (Pipo Corales) o cuál de los pueblos vecinos de Pelotillehue es un poblado real de Chile (Cumpeo).

Por supuesto,está la tira sindicalizada para diarios.Pero el trabajo de arte no es precisamente sobresaliente...la neta,hasta parece tratarse de calcas o de collages con imágenes de stock.Y el sitio web oficial...dejémoslo en un 'la intención es lo que cuenta'.

Pero si de compartir algún contenido interesante se trata,mejor que sean los pocos conocidos —fuera de Chile al menos— cortos animados de Condorito,producidos por el Canal 13 de Chile en los 80's (y sí,los cortos son adaptaciones directas de chistes clásicos de los comics de Condorito):

Para ver el resto de la totalidad de los cortos,a'i nomás sigan los links:
Parte 2
Parte 3
Parte 4
Parte 5

¿El Fin De Los Grandes Revolucionarios Creativos...?

2009-08-01T00:17:31Z

La brecha que separa al arte del diseño,la artesanía y la maquila,es que las obras de arte son únicas,personales e irrepetibles como tales —ergo el alto valor comercial y sentimental que puede alcanzar una pieza original,aún cuando carezca de toda utilidad práctica.Hoy en día las obras de arte casi no existen,especialmente cuando resulta que la creatividad no puede darse el lujo de carecer de uso práctico,y de hecho tiene la obligación moral de ser producida en serie y reproducida masivamente para su publicación ante una audiencia (el show debe continuar y nunca detenerse,como dicta la filosofía circense).
La singularidad del arte en tiempos antiguos lo hizo limitado,y por lo tanto,se volvió un signo de status:sólo los ricos podían pagarlo (los más pudientes incluso 'compraban' a los artistas mismos bajo contratos de mecenazgo),sólo los más cultos podían interpretarlo y valorarlo.Y así,la creatividad artística se volvió el oro molido del pensamiento humano.Pero las cosas cambiaron con la Revolución Industrial y la cultura de masas.Cuando las reproducciones de las obras creativas no sólo se volvieron fieles sino idénticas —o incluso superiores técnicamente— a los originales,el valor de las obras artísticas cambió.Y así,hoy en día no hay ya tantos catedráticos de arte,pero abundan los coleccionistas y fans.Y hoy en día,más que mecenas,los artistas se asocian con agentes artísticos que ya no pagan sin cobrarse antes una comisión.En esta evolución,surgieron también un gran número de intermediarios directos e informales por igual,los cuales han convertido en un espejismo el principio de que existan obras 100% personales.
El cine,la TV,la radio,los comics,los magazines,la música y cualquier otra forma de expresión moderna,para bien o para mal,son obras grupales por simple necesidad técnica.Invariablemente implican la labor de varios colaboradores e intermediarios que,siendo justos,deberían compartir créditos autorales.No importa cuánto insista el medio del cine en hablar de que hay 'cine de autor',los directores a cotón requieren de un equipo técnico y de un reparto artístico,mínimo.Y lo mismo va para todos los demás medios —con editores,correctores de estilo,asistentes de dirección,maquetadores,productores,operadores,etc.

Para evitar complicaciones,el criterio usual para adjudicar créditos autorales se remite a reconocer preferencialmente a quien tuvo la idea inicial de una obra (el creador),o bien a quien le tocó coordinar la gestalt para que todos los involucrados actuaran con fluidez (el líder intelectual).Es en este 2º escenario cuando ocurre entonces que una obra no necesariamente pertenece a los creativos sino a las compañías —y por compañías entiéndase no sólo las entidades industriales o corporativas,sino los colectivos artísticos,los estudios,las comunas,etc.Más todavía:las audiencias en ocasiones integran compañías informales que controlan el rumbo de obras creativas en modos no menos eficientes.Existen muchos casos de personajes y obras de ficción que han sido alterados con el fin de actualizarlos o modernizarlos,pero al final vuelven a su punto inicial (vulgo:"clásico") por exigencia de parte del público (y viceversa:muchos remakes y actualizaciones existen por presión externa de ajustar las obras a las modas en boga).

De que existen quienes hacen su lucha por oponerse a la colectividad creativa y mantenerse lo más personal posible,los hay.Pero el entorno,estando predispuesto a las obras colectivas,no suele prestarles atención suficiente.Es entonces que invariablemente los creativos tienen la necesidad paradójica de afiliarse a alguna colectividad para darse a notar entre la multitud.Quien no se afilia a una moda o un movimiento artístico,colabora en una antología.Y quien no hace lo anterior,de menos se integra a una comunidad online donde todos son creadores,todos se entienden y todos son audiencia cautiva (con todos los vicios que eso implica).

Paradójicamente,el valor artístico de una obra suele recaer mucho en su sello de autenticidad,en la firma o estilo único del poseedor del copyright correspondiente,dígase creador o líder intelectual en turno tras la obra.Y sin embargo,la experiencia colectiva impone compartir y sincronizar estímulos,criterios y las concepciones.Todos aprueban a los autores con visiones personales,pero sólo si dichas visiones concuerdan con las de una colectividad...las visiones demasiado personales,privadas e individuales carecen de todo interés o resultan demasiado incomprensibles.El internet es un ejemplo inmediato:en numerosos sitios web,desde Amazon hasta Facebook,el sistema es capaz de identificar a los individuos en algún sector,y ofrecer recomendaciones diversas acordes a la personalidad.Los procesos cognitivos y sensoriales individuales como mecanismos de convivencia.Una utopía de criterios democráticos sin líderes designados,pero sí con un orden preestablecido y severo que castiga con la censura de la marginación a quien no entra al aro.El creativo completamente autónomo,diferente de los demás en su perspectiva de las cosas,es considerado incapaz de entablar un diálogo.Con suerte se le respeta como a un orador capaz de proponer discursos profundos,pero rara vez se le acepta en una posición de equidad recíproca.

El individualismo es un animal arrinconado que muerde y manotea a quien se le acerque.Se desconfía de la sola posibilidad de que el estilo o las ideas se 'comprometan' ante la necesidad de complacer a la colectividad.Pero las interconexiones colectivas son cada vez más complejas,y lo que parece una visión personal a veces es el estilo de una colectividad a la que el creativo pertenece incluso sin estar consciente de ello —a fin de cuentas,quien no se identifica con una cosa,lo hace con otra.En mercadotecnia es bien sabido que el éxito comercial no depende de los productos en sí,sino del modo en que se encaminan a un nicho de mercado.No por nada los refrescos carbonatados se anuncian sólo con niños y jóvenes,mientras que las botellas de agua apelan a yuppies vigoréxicos.
Las votaciones colectivas y 'democráticas',la lluvia de ideas,los jams,los cadáveres exquisitos...pensamientos y opiniones —y criterios— en conjunto.

Hoy en día,todo el mundo imita a alguien más.Detrás de cada individuo,hay una trayectoria de influencias sin acreditar y plagios traperos.Es inconcebible que alguien tenga una idea de manera individual.La experiencia cultural así lo demuestra,y ese es el criterio colectivo.Algunos lo toleran (si se identifican con el individuo) y otros lo denuncian (si se autonombran escépticos de la originalidad o peor,defensores del copyright).Pero invariablemente,los creativos individuales generan desconfianza.Al parecer todo mundo ha olvidado que no son las ideas las que hacen a una obra,sino el modo en que se expresan y el modo en que se combinan entre sí para adaptarse a un contexto dado.Aunque quizás existe la posibilidad de que toda resistencia a la masividad sea pura nostalgia romántica,y que la creatividad singular e individual,sea obsoleta para la cultura popular moderna.

21 Artistas Que Cambiaron Los Comics Mainstream (para bien o para mal)

2009-07-24T03:35:23Z

(10 puntos a quien reconozca al trazador de este promo)

A.V. Club ha publicado una lista de 21 artistas que cambiaron los comics mainstream —o dicho de otro modo,los 21 estilos más imitados y/o referenciales dentro de lo que implica la identidad gráfica del comic.
A decir verdad es una lista sumamente sólida y bien justificada en su criterio.Lo bastante como para ser incluso una guía básica para todo entusiasta/lector/fanboy/whatever del comic,en el sentido de que toda buena colección debería tener al menos una obra de cada uno de los autores listados.

Por supuesto,la lista se presta también a un sano ejercicio de crítica y discusión...en mi opinión,Rob Liefeld y Todd McFarlane quedaron muy abajo,y Chris Ware debió quedar fuera para cederle su lugar a Scott McCloud (no dibujará mucho en el mainstream,pero ultimadamente sus libros sobre teoría del comic han influenciado a millones de trazadores,para bien o para mal).Y pues los 3 grandes ausentes de la lista,en mi opinión,son Alex Toth (que no tendrá tantos fans,pero ultimadamente su estilo de entintar y encuadrar creó escuela),John Romita padre (su estilo fue referencia obligatoria durante buena parte de los 60's,70's e incluso parte de los 80's),y Wally Wood (aunque él con ciertas reservas,considerando que en su momento le dió la espalda al mainstream y se clavó más en la marginalidad).Aunque bueh,más que ausentes,quizá lo más justo sería decir que se trataría de los siguientes en el recuento,de haber sido más larga la lista.

El link está líneas arriba,pero si no les interesa clickar (que lo recomiendo:repito,la lista está bien justificada en su criterio),pues acó va el recuento de los enlistados:

1. Jack Kirby
2. Steve Ditko
3. George Pérez
4. Alex Ross
5. Mike Mignola
6. Carmine Infantino
7. Greg Land
8. George Tuska
9. Jim Lee
10. Carl Barks
11. Dan DeCarlo
12. Steve Rude
13. Will Eisner
14. Joe Kubert
15. Rob Liefeld
16. Todd McFarlane
17. Chris Ware
18. Basil Wolverton
19. Harvey Kurtzman
20. Neal Adams
21. Bill Sienkiewicz

Cómo Ser Feliz En El Trabajo,Explicado En Una Gráfica:

2009-07-14T15:21:43Z

*adaptación de una gráfica en inglés originalmente creada por Bud Caddell

El diagrama original va acompañado de unas notas que aportan aclaraciones extra:

No podemos determinar cómo hacer dinero suficiente de las cosas que queremos hacer,y hacemos realmente bien.Constantemente me sorprende todo lo que puede monetizarse.Y en la web,hay un mercado para casi cualquier cosa.Pero este problema requiere que re-identifiues rápidamente tu posicionamiento y el tipo de clientes a los que servirás.Con frecuencia,nos fijamos en una sola dirección desde el principio (por que estamos desperados en solidificar nuestro negocio) y perdemos la oportunidad de experimentar radicalmente con el mercado.

Hemos encontrado cosas que queremos hacer,y por las que nos pueden pagar,pero no somos los mejores en el negocio.La mediocridad no es una estrategia sustentable.Ser capaz de reconocer tus propias debilidades es una fuerza profunda,y actuar para mejorar lo que haces esla llave para cualquier clase de crecimiento y estabilidad a largo plazo.Encuentra al mejor talento y róbale.Aprende cómo es que tus competidores manejan sus negocios,y cópiales lo que funciona.

Nos hemos topado con cosas que la gente quiere que hagamos,que hacemos bien (o al menos mejor que la competencia) pero que no queremos hacerlas.Ésta es quizá la trampa más fatal para cualquier negocio en que he trabajado.Éstas son las sirenas que te llaman a naufragar.Desangrarás a tu mejor gente,dejarás de amar lo que haces,y perderás la pasión que construyó tu negocio en primer lugar.Empieza a decir 'No'.

Como acotación extra de mi parte,puedo obviar que el diagrama y sus notas no sólo aplican a pequeñas empresas —díganse negocios o freelanceo— sino a prácticamente cualquier contexto laboral.Adicionalmente,en el ámbito de actividades creativas,capitalizar no sólo abarca acumular dinero,sino exposición (vulgo:fama).La exposición no necesariamente debe ser personal,pero mínimo hace falta para las obras creada,así que hay que saber capitalizarla también...al menos para no caer en la excusa fácil y lela de la falsa modestia,y en la autoflagelación del «es que hay talento pero al público y los editores/productores sólo les interesa [pagar por] el estiércol».

Cómo hacer famoso a tu personaje —El arte de la creación, promoción y licencia

2009-06-21T21:13:13Z

¿Has entrado alguna vez a una tienda y notado que un personaje en particular está repentinamente en todas partes? Emily The Strange es un gran ejemplo. Un día la noté en algo en una tienda, tal vez un sticker o un set estacional. Se veía familiar, pero no estaba muy seguro de si la había visto antes. Unos pocos meses después la vi aquí de nuevo, quizás en una camiseta. ¡Y luego un año más tarde estaba en cualquier y toda cosa que pudiera llevar tinta! "¿Cómo ocurre eso?" me pregunté. ¿Cómo 'el mundo' repentinamente descubrió esta creación artística y más importante, cómo 'el mundo' decidió que le importaba lo bastante como para que hubieran dos millones de productos diferentes con ella en ellos? ¿Cómo le hizo para de ser una idea en la mente de alguien, repentinamente ser esta criatura omnipresente en toda clase de mercancía? Y creo que la pregunta más importante para mí fue, ¿Cómo le hizo su creador? ¿Cómo consiguió que todas esas compañías firmaran todos esos acuerdos de manufactura? Tal vez me obsesioné con tratar de resolver este acertijo de cómo lograr esa clase de éxito con un caracter de creación propia. ¿Porqué? ¡Por que soy un creador de personajes y quería hacerlo también!

Emily es sólo un ejemplo. He visto lo mismo suceder con otras creaciones como Ruby Gloom, Hello Kitty, Happy Bunny, los diseños de Tokidoki, Ugly Dolls y un montón de otros más. Así que obviamente hay algo que muchos artistas han logrado hacer. La verdad sea dicha, nunca he tenido ese tipo de éxito con mis creaciones y realmente me mataba que pareciera tan fácil de lograr para otros. Me propuse tratar de averiguar cómo le hacían. El cómo puede uno tomar un personaje que ha creado, presentar dicho personaje al mundo y que el personaje camine por su cuenta. Con eso me refiero a que la propia popularidad del personaje lo impulse lejos. Y por supuesto, por que todos necesitamos comer, y por que a nadie le gusta un empleo aburrido, le eché el ojo a cómo hacer eso lucrativo, posiblemente hasta un sustento.

Mi búsqueda inició hace más de una década. He tenido un éxito modesto y he aprendido mucho en el proceso. Y como indudablemente hay miles de creadores como yo allá afuera que también ansían ver a sus caracteres amados por muchos, compartiré lo que he descubierto y daré algunos tips sobre... cómo hacer a tu personaje famoso.

1) El Caracter:

Pasión:
No sé si esto importe o no cuando se trata de ser exitoso, pero cada caracter que he creado, lo he hecho por amor. Tengo un profundo lazo emocional con mi primer personaje de comic, Chi-chian. Y el más reciente, Deady. Diablos, de veras los amo a todos ellos. Y eso eso lo ayuda y motiva a uno durante el proceso. Por que son como mis niños, lucharé con uñas y dientes por ellos contra todo mal. Pero si estás demasiado apegado a tus personajes muy probablemente no tomarás a bien cuando alguien te pida que los modifiques de algún modo o que los censures. Nunca he creado un personaje de comic sólo para sacar dinero de él (y espero nunca hacerlo) así que no puedo hablar de cómo hacer eso. Pero lo que sí puedo decir es que si amas a tus caracteres tanto como yo amo a los míos, muy probablemente tendrás por adelantado la pasión por luchar. Y créeme, ¡La vas a necesitar!

¿Quién es tu audiencia?:
Pregúntate algunas cosas básicas sobre tu caracter, como, "¿A quién le gustará?" Ya sabemos que tú la amas, pero ¿Les gustará a los chicos? ¿Al público en general? ¿A alguien aparte de tí?

Originalidad:
¿Es tu personaje original? Si tu caracter es, digamos, "una adorable niñita muerta", es altamente probable que toda respuesta que recibas será, "se parece mucho a Lenore". Así que asegúrate de que lo que has creado es lo bastante único como para que la gente no lo compare constantemente con algo más que ya existe.

(Una semana antes de que el peluche de Deady saliera, entré a una tienda y ví los peluches de Teddy Scares en exhibición. Casi me da un infarto. Aparentemente el mundo era lo bastante grande para más de un osito de felpa malvado, sin embargo una vez perdí un gran acuerdo de juguetes de vinyl por que me dijeron que Deady era muy similar a Gloomy Bear).

Así que mantente original. Pero tén en mente que el lado opuesto es válido también. Si tu caracter es tan diferente que nada se le compara en absoluto, te las vas a ver muy duras tratando de vender la idea, pues en muchos casos, la gente que hace los acuerdos comerciales carece de creatividad y visión (ya hablaré de eso más adelante). Si tu superheroína es, pongamos, "una chica mitad japonesa que vive en Manhattan en el siglo XXXI después de la guerra entre Nueva York y Nueva Jersey, que porta un traje de materia viviente que tiene un ojo sobre su seno derecho, y que puede transformarse en un perro gigante para defender Manhattan de zombies con orugas en sus cabezas que intentan matar cucarachas de 2.40 m de alto con acentos rusos"...¡QUE TENGAS BUENA SUERTE!

Conoce a tu caracter:
Necesitas entender a tu caracter antes de empezar. Si tienes bastante suerte como para presentárselo a una compañía de juguetes o una editorial de comics, etc., muy probablemente te harán preguntas sobre él o ella. Ten las respuestas. Escribe una lista de los rasgos de tu personaje, sus gustos y disgustos. Imprime una hoja (de preferencia a color. Puede ser sólo una fotocopia a color en este punto) que tenga una imagen de tu caracter y una descripción de su personalidad.

Ejemplo: "Es lindo, es pachoncito, ¡Y te almorzará! El más grande mal de la galaxia ha escapado del encierro en su planeta y se ha disfrazado como un osito de felpa en la Tierra, ¡Y así nació Deady! Le gusta comer gatos (aunque nadie lo ha visto hacerlo) y espantar niños" ,etc... etc...

Mientras más conozcas a tu caracter, mejor serás al promoverlo ante quienquiera que se lo estés presentando.

2) El tiempo lo es todo:
Aún el mejor personaje, sin importar qué tan vibrante o único o entretenido sea, no puede confrontar las dificultades de triunfar si sale en el momento incorrecto. Una de las cosas que he aprendido es que las tendencias no ocurren por casualidad. Se gestan en las convenciones comerciales. ¿Has entrado a un centro comercial y notado que repentinamente todo lleva piratas encima? ¿O ninjas? ¿O calaveras? ¿O hadas? Parece una sopresa para nosotros, el público en general. Nos preguntamos, ¿Cómo sabían todos ellos que debían poner piratas en sus camisetas al mismo tiempo? ¡Bueno, si vas a convenciones comerciales, verás qué es lo que estará en boga un año antes de que salga a los mostradores!
¡Durante mucho tiempo estaba tan confundido! En un punto diseñé una línea de muñecas de haditas en un tiempo cuando las hadas estubieron de moda. No podía entender porqué nadie estaba interesado en hablar conmigo de haditas. Lo que no sabía era lo que los manufactureros sí. Ellos habían ido a convenciones el año anterior y vieron que las hadas ya estaban quemadas y el año siguiente sería todo sobre ninjas.

Así que aunque no sea tu culpa, si presentas una atractiva Princesa Pirata, sin importar qué tan sorprendente sea, recibirás una respuesta del tipo, "los pirates ya fueron. ¿Tienes algo más?" ¿Y luego, qué?

Tristemente, a menos que te la pases creando personajes sólo para seguir una tendencia y capitalizarla, no hay realmente un modo de saber si el tiempo será correcto para tu caracter. A menos que, por supuesto, empieces a ir a convenciones y veas lo que se anuncia. (más de eso más adelante).

3) Haz contacto:
Muchos de mis primeros contratos se dieron por que hice algo ridículamente simple: fui al sitio web de alguien y apreté el botón de contacto. Sí, así de simple. Caminaba por un Hot Topic y vi al personaje de Ruby Gloom en un montón de camisetas. Era super linda y gótica y tenía un look realmente original. Ví la etiqueta para ver quién hacía las camisetas. Era una compañía llamada Mighty Fine. Cuando llegué a casa fui a su sitio web. Vi que también hacían camisetas de dos artistas a los que respeto, Roman Dirge y Junko Mizuno. Así que apreté el botón de contacto. Les mandé un mensaje que decía algo como, "Me llamo Voltaire. Soy artista. Soy fan del trabajo de Roman y Junko. Mi trabajo vive en el mismo tipo de mundo. ¿Les interesaría agregar algunos de mis diseños a su línea?". Recibí una respuesta de Guy,el presidente de la compañía. No recuerdo si él estaba ya familiarizado o no con mi trabajo, pero estaba dispuesto a mostrarle a Hot Topic un par de mis diseños. Y un par de semanas más tarde, ya había una camiseta de Deady a la venta en Hot Topic. Esa fue mi primer pieza de Deady en algo y poder decirle a la gente que Deady estaba en camisetas de Hot Topic, definitivamente ayudó a abrir la puerta a otras oportunidades. Así que si nunca lo he dicho, déjenme decirlo ahora, "¡Gracias Guy! ¡Muchas, muchas gracias por ayudar a que Deady tuviera un comienzo!" Y eso fue sólo la primer maravillosa cosa que este hombre hizo por mí, pero ya luego hablaré de eso.

Tengo otra breve historia de 'contacto' que quisiera compartir. Ocurrió alrededor de un año más o menos después de que había sacado uno o dos comics de Deady. Estaba en uno de mis conciertos y se me acercó una chica portando un pequeño llavero de oso de plástico en su cinturón. Le pregunté por él. Se le llamaba "Qee" (pronúncises KI) y lo vendía una compañía llamada Toy2R. Inmediatamente fui a la tienda japonesa cerca de mi casa y compré un montón. Descubrí que eligen diez o más artistas un par de veces al año para diseñar sus versiones de su oso y luego lanzarlos en lo que llaman una "serie de artista". Mi siguiente parada fue su sitio web. Nunca lo olvidaré. Eran las tres de la mañana. Había tomado mucho café. Fui al sitio de Toy2R y apreté el botón de contacto. Teclée algo como, "Me llamo Voltaire. Tengo un comic llamado Deady. Mi personaje es un oso y aparentemente ustedes hacen un juguete que es un oso. Veo que eligen varios artistas al año para poner sus diseños en su oso. ¿Les interesaría hacer un qee de DEADY? Estoy seguro que los lectores de mi comic les interesaría comprarlo".
Me respondieron como en quince minutos. Era Raymond Choy, el presidente de la compañía. Aparentemente había visto los anuncios de los comics de Deady en el catálogo PREVIEWS de [la distribuidora] Diamond al igual que los anuncios de las camisetas de Deady. Creo que se dió cuenta de que trabajo muy duro en promover a mi caracter y vió que había gente que ya sabía quién era y concordó en que debíamos hacer un qee de Deady.
El primero que hicimos fue un qee de Deady de dos pulgadas y media en un llavero. Los lanzamos en la Comic Con del 2003, me parece. Según recuerdo se agotaron y he estado haciendo juguetes con ellos desde entonces. Nunca olvidaré la llegada al centro de convenciones. Raymond me abordó afuera. Era la primera vez que lo veía. Excitado, me dijo, "¡Sr. Voltaire! ¡¡¡Mucha gente vestida de negro está haciendo cola para comprar su juguete!!!"

Y eso me lleva a la siguiente pieza importante del rompecabezas...

4) Todo se trata de números
He sido muy suertudo pues he trabajado con dueños de negocios receptivos como Raymond y Guy, que entienden lo que hacen, entienden lo que es bueno y malo y son artistas por cuenta propia. Pero honestamente, casi todos los contratos que se hacen allá afuera tienen poco o nada qué ver con qué tan bonito sea tu arte.

Se trata de números, nene. Créeme cuando digo que por cada vez que alguien fue lo bastante amable para responder mi email cuando apreté el botón de contacto en su sitio web, han habido docenas que no lo han hecho. ¿Y porqué? Por que simplemente no estaban convencidos de que tuviera el poder de vender montones de unidades. Afrontémoslo. El arte es arte y los negocios son negocios. No es nada personal, de veras. El hecho es que un negocio, como una compañía juguetera por ejemplo, es una banca. Van a gastar decenas de miles de dólares en convertir un personaje en juguete. Y quieren su dinero de vuelta, con una ganancia. Es una inversión. Así que, realmente, ¿Escogerán a un caracter del que todos han escuchado y querrán comprarlo, como, digamos, Mickey Mouse? ¿O van a jugarse altas sumas de dinero en tu "Princesa Pirata Panquecito", de la cual nadie fuera de tu pequeño círculo de amigos ha oído hablar? ¿Qué harías tú? A decir verdad, no respondas eso pues eres un artista y tu corazón te guía. Los negocios no son para gente con corazones (ni almas al parecer, la mayoría de las veces). Lo juro, he estado en juntas con gente que no tienen la más absoluta idea de qué es bueno o malo y francamente, no les interesa. Pero están endiablamente seguros de qué es lo que se venderá. Y eso obviamente serán las licencias grandes. Superman, Mickey, Pokemon, etc...

No lo tomes personal. Realmente no puedes. Es decir, eres un artista como yo, así que no te detendré si empiezas a llorar y pones a tocar el Black Parade y gritas lo injusto que es el mundo (¡Yo he hecho todo eso!). Pero eso no va a ayudar. Así que, okey, ¿Qué lo hará?

5) Cultiva tu audiencia:
El meollo del asunto es que el dinero habla. Si puedes mostrarle a la gente que si considera convertir a tu personaje en un comic o un juguete o una serie de TV recuperarán cada centavo incrementado un millón de veces, ya tienes el contrato en la bolsa. No te molestes en decirles cuán maravillosa es tu creación. No te molestes en decirles qué profunda y significativa es la historia. Lo que necesitas mostrarles es que ya tienes un X número de gente esperando comprar lo que sea que estén manufacturando. Esa es
la gente a la que tú les llamarás "fans" y ellos les llamarán "consumidores".

Así que, ¿Cómo pasas de hacer un dibujo de un personaje que amas a tener varios miles de fans?

El Internet
A riesgo de sonar como un viejo quejiche, cuando yo empecé a crear personajes, el internet no existía (o al menos no era usado por el público en general). Mi primer, Chi-chian, fue concebida en 1989. El mundo (fuera de mis sufridos amigos que tenían que escucharme hablar de ella todo el tiempo) no conoció a Chi-chian sino hasta casi diez años más tarde cuando el comic de Chi-chian salió alrededor de 1997. Mi otro otro universo que había creado, "Oh My Goth!" empezó como un ashcan. Para aquellos de ustedes que no sepan qué es eso, tomen una hoja de papel, y dibujen un comic por los dos lados. Llévenla al centro de copiado. Sáquenle varios cientos de copias y dóblenlas para hacer pequeños mini-comics. ¿Y cómo se enteraba la gente de que existía, se preguntarán? Los repartía entre la gente de los antros Dark. Y juntaba direcciones postales de personas y se los mandaba [los comics]. Así. En un buen año, podía llegarle a un par de cientos de personas.

Ustedes ahora la tienen más fácil. En estos días, cualquiera puede iniciar un sitio web y llegarle a millones. Así que haz eso. Haz un sitio y dedícalo a tu caracter. Pon imágenes de tu personaje, historias, juegos, y si puedes solventarlo, haz una animación en Flash. Empieza una tira semanal. Escribe un blog. Dale a la gente una razón para regresar una y otra vez, no por que así se los pidas, sino por que es entretenido.

Junta direcciones de email en tu sitio. Inicia una lista electrónica para que toda vez que tengas nuevas sobre tu caracter les puedas enviar un newsletter.
Empieza una página de Myspace. Empieza una página de Facebook. Empieza una página de Youtube. Llégale a cientos y luego llégale a miles y luego a decenas de miles. Y si lo que proporcionas en esas páginas es entretenido, sin duda atraerás gente. Y esa gente se harán fans de tu personaje. Hay personas que consiguen contratos de TV por que tienen millones de visitantes en sus blogs. Hay un tremendo poder allá afuera. Úsalo.

Promueve tu sitio web. Créeme, el tráfico no se crea solito. Únete a foros de mensajes. Si tu personaje es una muñeca, únete a foros de muñecas. Si tu personaje es un metalero, únete a foros de heavy metal. Charla con la gente ahí. Pon links a tu sitio web. Invita a la gente a que vaya a echar un ojo. Recuerda, deben venir por que es entretenido, no nomás por que tú quieres que lo hagan.

Ahora cuando vayas a esa junta y la compañía juguetera/ de TV/comics te pregunte cuánta gente conoce a tu personaje, mándales un link a tu página de Myspace o tu blog. Si hay suficiente gente ahí, ya podrías conseguir un trato.

Haz stickers y volantes
El internet no borró por completo al mundo real (¡aunque eso empieza a parecer según mi primer blog! ¡Rayos, sí que es largo!). La gente aún pasa la mayor parte de su tiempo caminando por el planeta. Ayúdales a descubrir a tu personaje haciendo volantes de tu sitio web y déjalos en tu cafetería local. Como ya había mencionado, mis primeros comics de Oh My Goth! fueron hechos a mano en un centro de copiado. Los repartí en antros, los dejé en tiendas de ropa, los dejé en cafés. ¡Eventualmente, la gente me paraba en la calle para preguntarme cuándo salía el siguiente número! A nadie le gustan los comerciales y nadie quiere un volante anunciando algo, así que hazlo divertido. Hazlo como un comic de un solo panel, haz un poema corto o una historia. Dale a la gente una experiencia que puedan disfrutar sin costo y puede que se tomen la molestia de que al llegar a casa te busquen en la red.

¡Los stickers son baratos! Haz algunos con tu caracter y pégalos por todos lados. Dáselos a tus amigos, repártelos en conciertos, en la escuela, en el centro comercial. Asegúrate de poner discretamente tu sitio web en ellos por si la gente tiene curiosidad de saber más.
¡Puedes hacer 250 stickers a blanco y negro en http://contagiousgraphics.com/ por tan sólo $23 dólares! ¡Venga, ya la hiciste! ¿Quieres ser famoso? ¿Quieres ser millonario? Tienes que gastar dinero para hacer dinero y los stickers son el modo más barato de correr la voz en el mundo real.

También puedes hacer volantes satinados a 4 tintas con tu personaje al frente e información al reverso. Si está bien diseñado, ¡Puedes enganchar a alguien desde ahí mismo! ¡Consigue 250 de esos aquí: http://4over4.com/postcards.aspx por sólo cuarenta dólares! Puedes conseguirlos también más baratos si le buscas pero a mí realmente me gusta esta compañía. Su impresión es grandiosa y su servicio al cliente es excelente. Y sus tiempos de entrega son excelentes para holgazanes como yo.

Promueve una noche:
Los clubes nocturnos siempre están buscando arte para volantes. Ofrécele a tu antro local arte gratuito de tu personaje. Los promotores de Dark e Industrial en la ciudad de Nueva York tienen que hacer un volante nuevo cada semana. Créeme, se vuelve difícil encontrar arte después de un rato. Si tu personaje es un pequeño murciélago, tal vez pueden presentar tu arte en el volante con una frase como "Stickers gratis de (inserta el nombre de tu murciélago aquí)". La misma fórmula puede funcionar con cualquier género: techno, rap, rock, metal, etc...

Consigue anuncios:
Cuesta un millón de dólares poner un anuncio en la revista People, ¡Pero ninguno de nosotros lee esa mugre de todos modos! Las revistas más chicas y alternativas tienen tarifas de anuncios más razonables de lo que cress. Pon un anuncio en Gothic Beauty, o Clutter, o Juxtapoz. Un pequeño anuncio con arte de tu personaje y tu dirección web puede costarte un par de cientos de morlacos, quizá bastante menos. Pero hazlo bien, que estás jugando con dinero de verdad aquí. Quieres asegurarte de que atraiga tráfico a tu sitio así que debe ser atrayente.

Mercancía:
Eventualmente, vas a tener que hacer algún tipo de mercancía. Hacer un webcomic semanal toma mucho tiempo y no reditúa (por que lo estás regalando gratis). Pero si añades una camiseta a tu sitio para que la gente pueda comprarla, bien puedes empezar a sacar dinero de tu caracter, y además, usar una camiseta con tu personaje en ella, le da a la gente un sentido de comunidad que no obtienen con sólo mirar tu comic online, quizá por que está ocurriendo en el mundo real y está de hecho sobre sus cuerpos.
Una pequeña advertencia, sin embargo, no hagas TONELADAS de ellas. Si apenas estás empezando, no necesitas 300 camisetas. Si puedes encontrar a alguien que haga 50 de ellas, es probablemente un buen comienzo.

6) Convenciones:
Hace unos pocos años, estaba en casa en Nueva York y recibí una llamada de Guy, de Mighty Fine. Me dijo, "¿Qué harás para hoy?" Estaba trabajando en una cosa u otra. Él me dijo, "Encuéntrame en el Jacob Javitts Center, te voy a cambiar la vida". Okey, ahora bien, no estoy acostumbrado a que la gente me diga que me va a cambiar la vida y soy un neoyorquino cínico después de todo así que me intrigó qué tenía él en mente. ¡Pensé que quizá me había conseguido una cena con Tim Burton y Bjork desnuda! Como quiera que fuera, fui allá. Me encontró afuera, me dió un gafete y entramos. Había un enorme letrero en el lobby que decía "Muestra de Licencias". No tenía idea de qué significaba.
Así que caminamos por la muestra y adentro habían todos estos stands y pabelones. DC comics estaba ahí. Tenían al batimóvil colgado del techo y Disney había construído un gran castillo. Marvel comics tenía un área enorme igual que Hanna Barbera y Cartoon Network. Guy me dijo, "Bien, ¿Qué te parece?" Le dije que todo era muy interesante pero que no tenía idea de qué tenía que ver conmigo. Él me dijo, "Mira alrededor. Todo mundo aquí es alguien que crea personajes. Igual que tú. Seguro, muchos de ellos son super-famosos, pero la única diferencia entre algo como Mickey Mouse y tu Deady es qué tanta gente los conoce". Luego me dijo que años antes él y su esposa habían rentado un pequeño stand en la muestra. "Pegamos imágenes de nuestros personajes Ruby Gloom y French Kitty a la pared. Era todo lo que teníamos. Firmamos un par de contratos y de ahí nos seguimos". Y francamente, los llevó a crear un imperio. Ví la luz y nunca dejaré de agradecerle por tomarse el tiempo de mostrarme y enseñarme el término "licencia".

Resumiendo, en estas exhibiciones, tipos que representan a manufactureros que hacen cosas como toallas para manos y pasta dental caminan de stand en stand. Su misión es encontrar algo que ayude a que sus productos se vendan mejor. Vale, la pasta dental genérica se puede vender bien, pero pónle a Superman en ella, y ¡POW! Tendrás a millones de niños implorando a sus padres por ella pese a que el contenido del tubo no ha cambiado en nada.
Al año siguiente, conseguí un stand. No mentiré, ¡Es exageradamente costoso! Cuesta como cinco mil dólares por un stand de tres por tres metros. Lo llené con mis CDs y camisetas y juguetes de vinyl de Deady y me quedé ahí y esperé. Montones y montones de gente llegó y entabló conversaciones y y uno de esos resultó ser un caballero llamado Gary Fox, quien era presidente de una compañía de juguetes de peluche llamada Toy Network que atendía a la industria de juegos y entretenimiento. Eso significa que ellos hacen los premios que se ven en máquinas tragamonedas y parques de diversiones. Y, adivinaron, firmamos un contrato para hacer a Deady y las Pocket Goths, por lo cual estoy eternamente agradecido. Ahora, Deady podría estar en cada parque de diversiones en el país.

Así que si has desarrollado tu personaje, si has creado una base de fans y estás listo para dar el siguiente paso, enfáticamente te recomiendo que exhibas en una convención de licencias. ¡Podrías encontrar a tu caracter en una toalla de playa en Sears!

Las Convenciones:
Mientras tanto, deberías exhibirte en convenciones. San Diego Comic con, Dragoncon en Atlanta, NYC Comic Con, etc... Conseguir un stand en estos eventos te pondrá en frente de decenas de miles de personas. Y hay chance de que haya gente que encuentre a tu caracter interesante y quiera saber más. ¡Ten cosas para vender por que hay mucha gente en estas ondas y están ahí para comprar cosas! ¡Y si vendes bastantes camisetas u otra cosa, ya te pagaste los gastos! ¡Si hiciste tu tarea y tienes una base de fans, cubrirás tus gastos Y ADEMÁS llevarás algo de pan de cada día a casa! (no literalmente, por supuesto)

Aparte, he notado que si vas a muchas de estas cosas, conoces a los otros exhibidores. Ese stand junto al tuyo podría ser DC comics o Kidrobot. Si ves a estos cuates una y otra vez, conseguir una cita con ellos es tan fácil como asomar tu cabeza a su stand y decir, "hey, ¿Tienen un momentito para ver algo?" Y déjame decirte que esto puede ser invaluable.

Señalización:
Sólo una rápida nota sobre las convenciones... He visto a algunas personas gastar miles para conseguir un stand, viajar a la ciudad donde es la convención, reservar un cuarto de hotel, empacar toda su mercancía y luego tirar todo a la basura por que simplemente no tuvieron un buen letrero que permitiera a la gente saber que estaban ahí. ¡La señalización lo es todo! Si tienes una buena pancarta, grande y colorida, con tu nombre o el de tu personaje y tal vez algunas buenas imágenes, despertará la curiosidad de la gente y vendrán a ver. Hay TONELADAS de cosas ocurriendo en estas convenciones lo que significa que la atención de los consumidores está siendo jalada en un millón de direcciones diferentes. Así que tienes que encaminarlos y tienes que hacerlo desde el pasillo.

¡Las damas buenotas en ropa entallada trabajando en tu stand también funcionan muy bien!

7) Prepárate para el rechazo
Hagamos un pequeño ejercicio. Consigue un martillo. Ahora pon tu pulgar en una mesa. Azota el martillo tan fuerte como puedas sobre tu pulgar. Anda, hazlo. Okey, ahora hazlo de nuevo. Y de nuevo. Okey, bien. De nuevo. Y ahora, de nuevo. Okey, ahora voltea el martillo para que el lado afilado apunte hacia abajo, y arremete contra tus genitales tan fuerte como puedas. Ahora haz eso varios cientos de veces y puede que ya estés listo para esta parte de tu jornada.

En el proceso de presentar tu personaje al mundo y trabajar para conseguir contratos, vas a experimentar toda una vida de rechazo. Y te vas a poner muy, muy enojado y muy, muy triste y va a doler.
Por favor entiende que crear un personaje y esperar que algún día sea un nombre de marca es exactamente igual que formar una banda y esperar ganar un Grammy algún día. Se puede, pero será un largo, difícil, terrible y doloroso camino y puede que nunca llegues a la meta. Y la peor parte será el rechazo.

Si te identificaste con el inicio de este blog y amas a tu personaje, entonces es probablemente seguro decir que lo sientes como parte de ti. Bueno, déjame decirte que la gente te verá a la cara y te dirá que no les gusta. Se sentirá como si alguien te dijera, "Tus hijos son feos". Y de veras, de veras dolerá. Como dije antes, son negocios y no no puedes tomártelo personal. Pero lo harás. Te sobrepondrás, esperemos, y lo mostrarás a alguien más. Y te dirán, "Tus hijos son feos". Y desearás matarlos y te preguntarás porqué el mundo es un lugar tan cruel y porqué Emily The Strange, de quien repentinamente me he dado cuenta que es un fusil de la niña en Nate the Great, es tan famosa pese a ser un concepto tan simple y porqué tu caracter que es tan rico, y tan significativo y tan adorable sigue siendo rechazado. Y querrás renunciar. Y podrás renunciar. Y eso será todo.

Pero si no lo haces... te darás cuenta que tal es la vida de alguien que crea personajes. Es sólo un día de tantos. Y por que son tus hijos, seguirás peleando. Y prevalecerás.

Voltaire
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*Traducción de un texto original de Voltaire,posteado en su blog el día 2 de junio de 2009.
Su real malignidad Voltaire radica en la ciudad de Nueva York y es animador,músico,diseñador,ilustrador e ídolo juvenil.

El Meme De Moda,El Meme De Novedad,Bara'-Bara'...

2009-06-08T15:19:24Z

Normalmente en esta plataforma la política mexicana está vetada —por que ultimadamente es un tópico distinto a los usualmente cubiertos acó,no por otra cosa.
Sin embargo,algo que sí entra,son los memes de internet,y en consideración a quienes me han preguntado por el más trendy actualmente,pues a continuación expongo lo siguiente:

Disclaimers de rigor para quienes les gusta ~~juzgar~~ tomar las cosas de donde de vienen:

La democracia es el gobierno de las mayorías.Si el gobierno falla,¿De quién es la culpa entonces,hijos míos?
Quien dice que la casta política no representa al pueblo,tiene razón a medias.No lo representa,por que son un reflejo igualito.
Las mayorías que controlan el territorio no han hecho nada por mí,¿Debo resolverles yo la vida entonces?
La democracia es el único sistema donde la gente obtiene no los gobiernos que necesita,sino los que merece.
Las acciones pesan más que las protestas (y si ya dije que lo hago,lo hago por que lo hago)
Yo no soy conservador,ni liberal,ni librepensador,ni ateo,ni me gusta el soccer:soy asocial,politeísta y anarquista verde («expect the best,be prepared for the worst,fuck what others think & do your own thing»).
...este...no,ya nada...