Películas B

Horrible High Heels (1996)

2012-05-22T15:30:00.000-04:30

El día de hoy reseñaremos por primera vez en este blog una película hongkonesa calificada como Category III. Para quienes no estén familiarizados con el término, se trata de una categoría creada por el gobierno de ese país en donde se engloban a todas aquellas producciones con alto contenido de sexo y violencia. Digamos que sería equivalente a una mezcla de las categorías R y NC-17 que la MPAA emplea en los Estados Unidos.

El estreno de esta categoría, que en sí misma es también considerada como un género, quizás pudimos haberlo realizado con una película más popular, existiendo títulos más conocidos y de mayor calidad como Ebola Syndrome o The Untold Story, pero fue esta y no otra la que casi por azar llegó a mi reproductor. Horrible High Heels, o Ren pi guo zheng xie por su título original en cantonés, nos muestra la historia de un asesino que sueña con algún día tener su propia zapatería. Que la siguiente imagen me sirva de evidencia si queda alguna duda entre la audiencia:

Para extenderme un poco más en los detalles del argumento, Horrible High Heels es una macabra historia sobre zapatos elaborados con piel humana proveniente de las víctimas de cierto asesino psicópata llamado Wang. No es sino hasta superada la mitad de la película que obtenemos confirmación sobre la identidad del asesino, pero desde el primer momento que aparece en escena es imposible no sospechar que se trata de él.

La trama es bastante confusa, por ejemplo no queda del todo clara la relación entre Wang y el grupo de mafiosos comandados por un asiático malencarado en silla de ruedas, ni por qué la policía se centra en unos pequeños fabricantes de zapatos si aquella pandilla pareciera estar distribuyendo a todo el país calzado fabricado con cuero humano. Una posible explicación a semejante historia esquizofrénica pienso yo que la encontramos en el hecho de que para su realización, la película contó con hasta tres directores; ya en el pasado hemos hablado de otros casos como ese y el resultado siempre es igual de caótico.

No obstante, los amantes a esta clase de cine no solemos detenernos ante una trama absurda e inconexa mientras haya otras cosas con qué entretenerse y ese es el caso con Horrible High Heels. Para empezar, como buena película Cat III hay una buena dosis de desnudos y sexo, compuesta por dos violaciones, dos relaciones consensuadas y una masturbación femenina durante un sueño. Las mujeres participantes en dichas secuencias corresponden al fenotipo típico de la mujer asiática, delgadas y nada voluptuosas, pero son agradables a la vista.

En cuanto al gore, para serles franco esperaba encontrarme con escenas más sangrientas, pero a pesar de ello en cada muerte el villano ayuda mucho con su sadismo. Además, la falta de sangre durante los asesinatos en cierto modo se compensa con una disparatada secuencia final cargada de acción en donde abundan los disparos y las explosiones.

Pero la escena que realmente hace memorable a Horrible High Heels y debería darle una buena idea de la clase de película es aquella en donde vemos al asesino con una foto de la mujer amada, a la cual le ha hecho un orificio a la altura de la boca y la ha pegado al culo de un ganso. Ustedes se podrán imaginar con qué fines.

Hablando de escenas concretas, otra impactante y que representa a la perfección a esta película es el momento en el que Sherry, la protagonista, toma a un rehén con la ayuda de un cuchillo:

Como pueden apreciar, se trata de una habitación cerrada. ¿Saben cómo hace la policía para rescatar a la víctima? El oficial a cargo de la operación le grita "¡Sherry, cuidado atrás!" Ella le cree, se voltea y evidentemente pierde el control de la situación. Por increíble que parezca les juro que así tal cual ocurre.

Si un argumento absurdo, un mal doblaje y pésimas actuaciones no son un problema para ustedes, se las recomiendo abiertamente. Como curiosidad, la película es presentada como una versión china de Texas Chainsaw Massacre; quitando una vaga asociación con el cuero y que en una escena aparece una motosierra, no puedo pensar en alguna otra relación con la película estadounidense.

Ya para cerrar esta reseña, otra imagen de nuestro genial asesino haciendo de las suyas.

Eat and Run (1987)

2012-05-14T08:37:00.002-04:30

El género de comedia no es habitual en este blog, pero el día de hoy hablaremos de una no muy conocida producción estadounidense titulada Eat and Run.

La película es del estilo de Airplane! ("¿Y dónde está el piloto?" para Latinoamérica) o cualquier otra película similar de Leslie Nielsen, no tan hilarante como las del ya fallecido actor, pero recurriendo siempre al chiste fácil con situaciones exageradas en donde no faltan los policías ineptos y cándidos momentos sexuales. En el caso de Eat and Run la trama gira en torno a un extraterrestre que se encuentra en nuestro planeta y que gastronómicamente tiene predilección por lo italiano, mas con ello no me refiero a la cocina sino a su gente.

El extraterrestre, bautizado posteriormente por las autoridades como Murray Creature, tiene un aire a Tor Johnson (Plan 9 From Outer Space, entre otras) y va por ahí sembrando el terror en la comunidad italiana de los Estados Unidos a medida que devora a sus integrantes. Dicho personaje es interpretado por Pat Ryan, quien falleciera a temprana edad en 1991, y si bien acá se limita a emitir sonidos carentes de significado, tal vez lo recuerden de otras películas de culto como Street Trash, Class of Nuke 'Em High o The Toxic Avenger.

Su contraparte es el oficial Mickey McSorely (Ron Silver), un detective que no es tomado en serio por su jefe y que debe actuar por sí solo si quiere detener a esta criatura proveniente del espacio exterior. Finalmente lo consigue, pero el abogado defensor se muestra sumamente hábil y consigue presentar a su cliente ante el juez como todo un angelito.

Por si fuera poco, tras el triunfo judicial y su consiguiente acogida por la sociedad de aquel país, el señor Criatura le roba la novia al pobre McSorely, quien es nada más y nada menos que la jueza que estuvo encargada de llevar su caso. A partir de ahí empiezan a vivir un idilio, paseando románticamente por la ciudad, si bien puede decirse que la pareja no compartía los mismos intereses y que Mickey McSorely no cesará en su empeño por hacer entrar en razón a su viejo amor.

Evidentemente esta película no ofrece una fórmula innovadora, pero es entretenida para pasar el rato. La típica comedia dominguera de TV.

Necropolis (1987)

2012-04-04T15:32:00.000-04:30

¿Recuerdan a LeeAnne Baker en Mutant Hunt? Probablemente no porque tuvo un pequeño papel como androide, pero es ella quien protagoniza en Necropolis, interpretando a una bruja sedienta de venganza. LeeAnne Baker, una rubia platinada nacida en 1966 y que estudió actuación en la Universidad de Nueva York según su biografía en IMDb, participó en varias películas de bajo presupuesto entre 1986 y 1987 para después abandonar el sueño de convertirse en estrella de cine.

Es extraño que una película titulada Necropolis no tenga ninguna escena en un cementerio, pero así de caprichoso es el mundo del cine. La película inicia en el pasado a finales del siglo XVII en donde la bruja Eva rapta a Dawn durante su boda para darla en sacrificio a Satanás, no obstante, el esclavo Henry hace acto de presencia, mata a Eva y la envía directo al infierno. Si llegan a verla se preguntarán cómo inferí todo eso si en ningún momento lo explican, debo confesarles que hice trampa y solamente traduje lo que dice la sinopsis original.

Como les decía, de vuelta al presente y en plena ciudad de Nueva York, Eva ha retornado al mundo de los vivos y planea completar el ritual que le otorgue la vida eterna. Ya saben ustedes, lo típico en esas circunstancias, incluso necesita sacrificar a una virgen para lograr su cometido.

Mala y sexy. Una combinación letal.

Mientras busca a la virgen en cuestión, Eva se divierte en las calles de Nueva York succionando la vida de todo aquel que se cruce en su camino no sin antes controlar su mente para que cometa algún asesinato o se suicide. Sobre cada una de sus víctimas deja una sustancia pegajosa que el sacerdote atina a definir como ectoplasma; aunque lo más sorprendente de ese sacerdote no es su conocimiento de la ciencia básica sino el hecho de que siendo cristiano se la pase hablando de reencarnación y vidas pasadas. Todo con tal de dejar claro por qué él y los otros dos actores principales se llaman igual que los personajes que aparecen al comienzo de la película

Así como hay un sacerdote dispuesto a combatir el mal, Necropolis cuenta también con el típico policía incrédulo que un principio acepta que todas las muerten han sido por causa natural y que no se convence plenamente hasta que no ve morir a una de las criaturas diabólicas bajo el poder de la cruz.

El tipo de aspecto pendenciero es el policía a cargo de la investigación. Para seguir con los clichés es hijo de inmigrantes italianos.

Y hablando de succionar, en Necropolis hay mucho de eso gracias al six-pack de senos con el que la protagonista alimenta a sus lacayos infernales.

Ya sé lo que están pensando, mejor que el mutante de tres tetas de Total Recall.

Evidentemente que Necropolis es una mala película, actores aficionados, una trama para nada innovadora, la fotografía tiene un aire a película SOV y los únicos planos abiertos son unos en donde muestran al World Trade Center; sin embargo, digamos que tiene ese encanto característico de las producciones de los años '80 y eso debería hacerla entretenida para cualquier amante de este tipo de cine.

2-Headed Shark Attack (2012)

2012-03-27T19:26:00.000-04:30

Desde el momento que empecé a disfrutar de estas películas de animales con esteroides producidas por The Asylum o SyFy Channel supe que me estaba negada toda salvación cinematográfica.

La historia como se podrán imaginar, hayan visto o no otras películas del género, no da para mucho. Como es habitual, tenemos a una criatura con un apetito proporcional a su tamaño, que en esta ocasión se trata de un tiburón de dos cabezas, y seguidamente conocemos a los incautos protagonistas de la historia, en el caso de 2-Headed Shark Attack un profesor y sus estudiantes realizando un viaje en altamar.

Al tratarse de un monstruo marino, 2-Headed Shark Attack cuenta con el añadido de poder disfrutar de principio a fin de mujeres en traje de baño. Las hay para todos los gustos: delgadas o fuertecitas, blancas o negras, altas o bajas. Destaca principalmente Carmen Electra, cuyo papel se limita a ser la esposa del capitán, broncearse y pegar un grito por aquí y otro por allá.

La otra figura del reparto es la hija de Hulk Hogan, Brooke, quien tiene una mayor participación en la historia y no lo hace nada mal. Además, me parece que con el paso de los años (¿o de las cirugías?) ha ido mejorando su aspecto y contribuye a amenizar la experiencia.

La película no cuenta con el toque de humor de Sharktopus y le falta cierta profundidad a los personajes, que en 2-Headed Shark Attack se limitan a ser torpes y morir, pero a pesar de ello me resultó muy entretenido ser testigo de este cúmulo de despropósitos. De hecho a continuación les ofreceré una lista de las situaciones que más llamaron mi atención:

Cuando divisan el atolón en el que transcurre la mayor parte de la película, una de las estudiantes más fastidiosas del grupo ve una pequeña estructura de madera y exclama algo como "¡Civilización!". En la siguiente toma se aprecia que todavía se encuentran lejos del atolón y era imposible detallar algo.
Imperdible ver los intentos por soldar el casco del barco para que este deje de hacer agua. Especialmente cuando lo hace Kate (Brooke Hogan) habiendo dicho previamente que nunca había soldado ni buceado.
Siguiendo con el tema de la soldadura, la primera persona que se sumerge para intentar arreglar el barco, Laura (Morgan Thompson), es atacada por el tiburón mordiéndola este en la pierna izquierda. En la toma posterior la pierna está bien y ni siquiera sangra.
En medio de la tensión que se está viviendo, dos señoritas y un caballero se van a un lugar solitario del atolón y comienzan con los preliminares de un trío a la orilla de la playa. Se que ve ellos están de pie y que la marea es baja, pero a pesar de ello, un tiburón gigante que al comienzo de la película lo vemos destrozar una embarcación, llega sigilosamente y los devora.

Los críticos de The Asylum suelen burlarse de la baja calidad de su CGI, pues en esta oportunidad no se conformaron con eso y se atrevieron a hacer también un tiburón de caucho.

Súper frase memorable: "Two heads is twice as many teeth" (Dos cabezas son el doble de dientes)
Hay continuos terremotos en el atolón provocados por el tiburón golpeando el arrecife de coral que le sirve de base al islote. En algunas tomas abiertan se ven palmeras cayendo y agua que aparece por todos lados, pero al volver al primer plano todo luce completamente normal.

Si el actor que hace de capitán y profesor de los estudiantes les resulta conocido, es porque se trata de Charlie O'Connell, hermano del más famoso Jerry O'Connell, quien en su día fuera el protagonista de la serie que en Latinoamérica se conoció como "Mi identidad secreta".

Trailer:

Terrified (1963)

2012-03-20T06:07:00.000-04:30

Esta poco conocida película filmada en blanco y negro durante el año 1962 fue el último trabajo como director de Lew Landers, quien falleció unos meses antes del estreno de su obra.

Al principio me costó seguir la trama porque había mucho diálogo y el audio del DVD no es el mejor, sin embargo creo que al final logré darle sentido a todo lo que quiso representar Lew Landers en Terrified. La película comienza con una escena en donde vemos a un hombre que está siendo enterrado vivo en cemento a manos de un misterioso encapuchado.

De allí nos trasladamos a una cafetería en donde conocemos, entre otros, a David y Marge, la pareja protagonista. Por alguna razón que no me quedó clara, ellos deciden ir a Ghost Town a visitar a un borrachín apodado Crazy Bill, que es el cuidador del lugar. Ese pueblo fantasma es de lo más peculiar, pues tiene el aspecto de un pueblo del Viejo Oeste e incluye un cementerio, ni idea de qué justificación tendría su existencia en el mundo real, pero aquí en el mundo del celuloide imagino que fue un set empleado para rodar otra película y Landers quiso aprovecharlo para Terrified.

Pero no nos distraigamos y busquemos al loco Bill. Demasiado tarde, ha sido brutalmente asesinado:

Instantes después arriba al lugar de los hechos Ken, amigo de los protagonistas, quien al ser puesto al corriente se lo toma con tranquilidad y dice grosso modo con la ineptitud habitual que caracteriza a algunos libretistas del cine B: "Yo me quedaré por acá a ver si encuentro al asesino". David y Marge por su parte se marchan a buscar al sheriff. De más está decirles que es el asesino quien lo encuentra a él y empieza a aterrorizarlo por todo el lugar, jugando al gato y al ratón con el pobre Ken. Sin ser nada realmente escalofriante, es de los momentos más entretenidos de Terrified.

En un primer momento creen que quien está detrás de todas esas fechorías es un tal Joey que es hermano de Marge y que pareciera haberse fugado de una institución psiquiátrica; eso último no me quedó del todo claro, pero lo que nosotros los espectadores sí sabemos es que ese Joey es la víctima de la escena inicial. ¿Entonces quién es el hombre que se oculta detrás de la máscara y que pareciera no conocer límites en su sadismo?

No encontré un trailer para Terrified, pero pueden ver la escena de apertura con lo del cemento.

Disco Dancer (1982)

2012-03-18T12:47:00.000-04:30

¿Qué puede esperarse de una producción india de los años '80 que tiene al baile como punto de inspiración? Más bailes, un vestuario más escandaloso y una buena dosis de peleas callejeras.

El argumento de Disco Dancer relata la historia de Anil, un niño que va por las calles de su pueblo cantando las canciones que ha aprendido de su mentor. En uno de sus paseos, acompañado solamente por su guitarra y su madre, entra a una casa para cantar con una niña, pero la alegría se interrumpe abruptarmente cuando los descubre P.N. Oberoi, el padre de la pequeña. El poderoso e influyente señor Oberoi convence a la policía de que la guitarra era de su propiedad y que madre e hijo se la habían robado, por lo que en consecuencia la madre de Anil debe cumplir una condena en la cárcel.

Una vez que la madre es puesta en libertad, son señalados y sometidos al escarnio por la gente de su propio pueblo y deciden marcharse para iniciar una nueva vida, no sin que antes Anil jurara vengarse algún día de toda la gente que le había hecho daño a él y a su progenitora.

Después de mucho sufrimiento la suerte finalmente le sonríe a Anil y es descubierto por un productor musical que hasta ese entonces era el manager de la estrella del momento, un tal Sam. Anil adopta el nombre artístico de Jimmy y Sam, quien casualmente es hijo del señor Oberoi, cae rápidamente en el olvido por culpa del éxito de la nueva figura musical.

David Brown, cazatalentos y manager de Sam y, posteriormente, de Jimmy.

Durante la primera parte de la película (Disco Dancer cuenta oficialmente con un intermedio a los 75 minutos) predomina el melodrama con lo ya les mencioné acerca del pasado del protagonista y su lucha por convertirse en un bailarín y cantante de renombre. Aunque a pesar de ello destaca una escena de acción donde los matones del señor Oberoi le están dando una golpiza a Jimmy y este reacciona como una fiera al instante que destruyen su guitarra.

Una pequeña muestra de todos los pillos que conspiran para acabar con Jimmy.

Tras el intermedio se incrementa la tensión entre Jimmy y P.N. Oberoi. Ahora nuestra estrella es el novio de la hija y se la ha llevado a vivir a su casa, además que no desaprovecha la menor ocasión para devolver las ofensas pasadas a don Oberoi.

Por ello P.N. Oberoi no cesa en su empeño por deshacerse de una vez por todas de Jimmy y eso nos deja en consecuencia los mejores momentos de la película como una electrocución con guitarra eléctrica, piernas fracturadas, guitarrafobia, un francotirador en el Festival Internacional de Disco Dancers y la consiguiente venganza de Jimmy.

Para ser honesto, la película me resultó aburrida durante la primera mitad. No obstante, tras el intermedio se vuelve demencialmente mala y genial, con situaciones tan absurdas y exageradas que la hora restante me pasó volando. Asimismo debo destacar la información mencionada en el artículo dedicado a Disco Dancer en la Wikipedia, en donde indican que en su día la película fue un éxito en la Unión Soviética, Turquía, el sur de Asia y el Lejano Oriente.

Gammera the Invincible (1966)

2012-03-12T09:21:00.002-04:30

Gammera the Invincible tiene como peculiaridad ser la única película en blanco y negro dentro de la saga de otro de los tantos monstruos que han sembrado el terror en el territorio japonés.

La calidad del DVD es pobre, como si la cinta hubiese sido transferida directamente desde un VHS sin recibir restauración alguna. Sumando al hecho de que no existen subtítulos en español, les diría que si planean verla háganlo directamente en YouTube donde se encuentra disponible en su totalidad: youtube.com/watch?v=qrMwfX79AIw.

Pero los estoy invitando a ver una película que a lo mejor no saben ni de qué va, así que para ello debemos dejarnos de rodeos y entrar en materia. El punto de partida es un lugar común en las historias de esos años, valiéndose de la tensión propia de la Guerra Fría para presentarnos a unos pilotos estadounidenses que derriban a un avión soviético que se había desviado de su curso. El avión transportaba unas bombas de hidrógeno y al precipitarse a tierra la explosión liberó a una criatura que había estado hibernando durante millones de años bajo el hielo.

Dicha criatura no podía ser otra que Gammera, una tortuga que no necesita ser ninja para hacerse respetar, puesto que es lo suficientemente fuerte para derribar edificios, echa fuego por su boca como un dragón y puede transformarse en platillo volador.

La película es de corta duración, como se imaginarán no hay mucho que exprimirle a una trama así, simplemente vemos a Gammera dejando a su paso caos y destrucción al tiempo que los científicos y los militares hacen todo lo que está a su alcance para detenerlo.

Me dio la impresión que, como en muchas otras películas de esos años, todo lo concerniente a los militares estadounidenses, la ONU y la Guerra Fría, fue agregado posteriormente para hacer la película más atractiva para el público de aquel país. Por lo que me puse a investigar y efectivamente, Gammera The Invincible fue editada a partir de una producción japonesa titulada Daikaijû Gamera.

Sin entrar en detalles respecto al desenlace de esta película de más está decirles que sí es invencible Gammera, no en vano a esta le han sucedido 11 películas (Wikipedia) con la gigantesca tortuga como protagonita. Aunque algo sí que perdió, una M, por lo que los amigos pasaron a conocerla como Gamera.

Eegah! The Name Written in Blood (1962)

2012-02-01T11:22:00.003-04:30

Probablemente Eegah sea una película sobre la cuál ya habrán leído en infinidad de páginas y por esa razón inicialmente no era mi intención reseñarla, pero tras haberla visto me resulta imposible no dedicarle unas líneas.

Lo primero que me llama la atención es que no sé dentro de qué género catalogarla. En IMDb se aventuraron a clasificarla como un musical y cine fantástico, al tiempo que en FilmAffinity coinciden con el atributo fantástico y agregan la etiqueta de terror. Lo mismo pudieron describirla como comedia no intencionada y no habría sido incorrecto.

Para quienes no están familiarizados con el argumento de Eegah, todo comienza con una jovencita llamada Roxy que se dirige en auto a pasar la noche en el club, paseo que se ve interrumpido cuando en la carretera se le atraviesa un aterrador gigante peludo. Roxy es bastante tozuda y no deja en paz a su papá y a su novio hasta que estos finalmente acceden a perseguir al gigante con el que ella se topó, si bien ellos no están del todo convencidos de su existencia.

No me quedó claro en qué ciudad de los Estados Unidos se desarrolla la película, pero por lo visto se trata de un lugar mágico al sur de California en el que colindan la civilización y un desierto inhóspito que le sirve de guarida a un cavernícola gigante, quien habita en una acogedora cueva en compañía de los cadáveres momificados de sus antepasados.

Después que el trío de protagonistas ubica en la arena unas huellas gigantes y en consecuencia el relato de Roxy adquiere veracidad, su padre, Robert Miller, decide ir por su cuenta en busca de esta misteriosa criatura, con tal mala suerte que es la criatura quien lo encuentra a él y termina de prisionero en su cuevita del horror.

Roxy y Tom Nelson, su novio, son tan torpes como el señor Miller y no hace falta mucho esfuerzo para que Tom pierda a Roxy en un descuido, siendo esta capturada por la criatura tal y como le ha ocurrido a muchas otras mujeres a lo largo de la historia del cine. El rapto sirve al menos para que la hija se reencuentre con su padre y para que ella afeite a Eegah, que es el nombre que le asignan al gigante por ser el vocablo que repite con mayor frecuencia.

Esos momentos en la caverna nos dejan una escena memorable en la que Roxy ve un dibujo en la pared y dice "Papá, mira este dibujo. Soy yo en mi auto". Ustedes posiblemente no me vayan a creer, pero esta es la obra en cuestión:

Con Roxy paseándose de aquí para allá con una falda diminuta, era cuestión de tiempo para que a Eegah se le despertaran los instintos más básicos e intentara tomarla por la fuerza, consiguiendo únicamente perder a sus dos presas.

Llegado a ese punto me preguntaba qué harían para rellenar la media hora de metraje que restaba y no tardé en conocer la respuesta. Eegah bajó de su colina y en un par de pasos llegó a la ciudad en búsqueda de su amada Roxy y aterrorizando a todo el mundo. La chica por su parte se hallaba completamente ensimismada pensando en su grandulón, lo cual como ustedes sabrán es una reacción habitual y muy normal en toda mujer que acaba de salvarse por muy poco de ser violada. ¿Llegará a tiempo la policía para interrumpir el tan esperado reencuentro?

Como curiosidad mencionar que la dirección y el guión de esta película aparecen acreditados a un tal Nicholas Merriwether, quien no es más que Arch Hall Sr., que a su vez interpretó el personaje de Robert Miller apareciendo en los créditos como William Watters. Eso es algo que ya hemos visto en otras películas emblemáticas del cine Z, pero acá tiene el añadido de que siempre se las arregló para conseguirle un papel protagónico a su hijo en todas sus películas. Eegah no fue la excepción y Tom Nelson fue encarnado por Arch Hall Jr. y su insoportable cara de galán de gasolinera.

Arch Hall padre e hijo, dos generaciones unidas por el cine de bajo presupuesto.

Resumiendo, el cinéfilo ávido de celuloide de ultra bajo presupuesto no quedará defraudado con Eegah. En esta cinta encontrará una historia absurda, escenas que no son relevantes al desarrollo de la trama, diálogos vacíos, personajes que siempre toman malas decisiones y tres canciones cantadas guitarra en mano por Arch Hall Jr.

La imagen del DVD es bastante buena considerando que se trata de una película de muy bajo presupuesto que de seguro en su día no fue preservada debidamente. Con respecto al audio sí tengo mis reservas y les recomiendo que la vean con los subtítulos en español que se consiguen en la red.

The Hand (1960)

2012-01-23T12:15:00.000-04:30

El día de hoy hablaremos de una oscura película británica de apenas 1 hora de duración, que si bien en IMDb aparece listada dentro del género de terror, yo la catalogaría simplemente como una historia de crimen y misterio.

La película inicia en el pasado, 14 años previos a la fecha de su exhibición, con un trío de soldados británicos que han sido capturados en territorio birmano por parte de las tropas japonesas. El líder de la misión nipona les exige enérgicamente a cada uno de ellos que revele información crítica sobre sus compañeros de batalla, y ante su negativa, vemos cómo en castigo les amputa la mano derecha. Ese vendría a ser el único aspecto terrorífico de The Hand.

De vuelta a 1960, un policía encuentra en la calle a un indigente con su mano derecha recientemente amputada. Este hombre, llamado Charlie Taplow, es trasladado a un hospital y dos oficiales son asignados al caso para descubrir qué historia se esconde detrás de esa amputación.

Para su sorpresa descubren que el hombre aceptó de buen grado a perder su mano derecha a cambio de 500 libras esterlinas y que el peculiar procedimiento fue llevado a cabo en una hospital. La víctima fallece (asesinada presumiblemente) y entre sus pertenencias encuentran además una pista que los dirige al sitio en donde fue realizada la operación.

La situación conforme avanza no hace más que complicarse. Mientras los oficiales se disponían a interrogar al médico responsable de la intervención y a una enfermera, el galeno prefirió evitarse mayores complicaciones y se suicidó. Por lo que en ese punto acumulan ya dos muertes y siguen sin saber absolutamente nada.

En un golpe de fortuna consiguen rastrear una llamada telefónica hecha al doctor que acaba de quitarse la vida y arriban al domicilio de un hombre al que le falta el mencionado miembro. En ese punto es posible que ustedes piensen que han dado con el asesino, pero es cuestión de horas para que ese sospechoso pase a engrosar la lista de víctimas.

A partir de allí lo que queda es la típica carrera contra el tiempo para seguir atando cabos y descubrir quién es el misterioso Roberts, autor de todos esos crímenes. Incluyendo un desenlace con persecución e intercambio de disparos.

La historia es algo confusa, de hecho no queda claro el motivo por el cual era necesaria la mano del indigente, salvo que haya sido simplemente para causarle malestar a uno de los sobrevivientes de la guerra, y el giro irónico del final es totalmente predecible. Razón por la cual la mayoría de las críticas que leí sobre The Hand son negativas, sin embargo a mí me entretuvo a pesar de esos fallos. Lo único que hubiera modificado es inicio, dejando todo lo concerniente a la escena retrospectiva en Birmania para el final de la película y así aumentar el misterio en torno a las manos amputadas.

Las trompetas del apocalipsis (1969)

2012-01-09T13:03:00.002-04:30

Iniciamos el año hablando de un poco conocido giallo, una coproducción italo-española dirigida por Julio Buchs y bautizada originalmente como "Las trompetas del apocalipsis". Con un título tan sugerente para una película de este género, uno pensaría que para los otros mercados se habrían limitado simplemente a traducirlo; no obstante, en Italia fue comercializada bajo el nombre de "I caldi amori di una minorenne" (que no veo qué relación guarda con el argumento de la película), en el Reino Unido como Again (¿de nuevo qué?) y para Estados Unidos como Perversion Story. El título estadounidense fue una elección desafortunatada a todas luces, dado que fue el mismo nombre que recibió el mismo año Una sull'altra, película de mayor difusión dirigida por Lucio Fulci.

La película comienza sin mayores preámbulos, con un hombre suicidándose al saltar por la ventana de su casa. Minutos más tarde descubrimos en una noticia en la prensa que ese hombre era un conocido profesor de música de apellido Stone y acto seguido un tipo raro con peluca sale corriendo como si hubiera tenido una premonición. No le sirve de mucho, puesto que llega justo para ver a una rubia tomar una salida similar con idéntico resultado.

Pero que los actores de una película se suiciden con semejante facilidad puede convertirse a la larga en un problema para el director de la película, quedándose eventualmente sin personal para sus escenas. Por lo tanto decide que los personajes hagan otras cosas antes del siguiente suicidio y es allí cuando entra en escena Richard (Brett Halsey). Richard, un hombre de la Marina, es el hermano de la señorita que voló ante la impotencia del individuo de peluca sospechosa y llega a su casa sin tener idea de lo sucedido. Lo peor de todo es que le traía un pesado regalo, el cual transportó con mucho esfuerzo desde el puerto y lo deja abandonado en la calle ante el impacto de la noticia. No es que tenga alguna relevancia para la trama, pero si el director quiso perder varios minutos en eso, me pareció oportuno malgastar unas líneas con lo mismo.

Esta señorita es poco más que un extra, pero nada como una cara bonita para alegrar una reseña.

Allí es recibido por Helen, interpretada por la actriz italiana Marilù Tolo, quien compartía vivienda con la ahora difunta Katherine. Richard se niega a creer que su hermana haya podido suicidarse y sospecha que fue un asesinato. Helen tampoco está del todo convencida respecto a la versión oficial de los hechos y recuerda vagamente algo extraño que le dijo su amiga la última vez que la vio con vida; por lo que ambos deciden descender al inframundo londinense e investigar. Director español, reparto internacional y una historia que se desarrolla en Londres, súmenle una reseña escrita 40 años más tarde desde Venezuela y lo único que falta es un lector asiático.

Este mendigo que toca lo que pareciera ser una zanfona, se le aparece en todas partes al protagonista.

El resto de la película se va con Richard atando cabos respecto a las dos muertes e intentando descifrar qué relación podrían guardar con cierta composición musical titulada "Las trompetas del Apocalipsis". Abundan las callejuelas oscuras e imprevisibles, los hippies y las peleas a puñetazos. Entre todo destaca la nada leal Fanny, interpretada por Romina Power y quien en esta ocasión guarda un fuerte parecido con Sasha Grey:

Las trompetas del apocalipsis tiene un gusto a película mala que no le permite competir al mismo nivel junto a producciones más afortunadas de Dario Argento, Umberto Lenzi o el ya mencionado Lucio Fulci, pero a mí me hizo pasar un rato entretenido. Si son amantes del giallo no creo que sea una pérdida de tiempo que vean esta película.

The Human Centipede II (Full Sequence) (2011)

2011-12-27T14:50:00.000-04:30

Lo prometieron y cumplieron. Tom Six junto a su esposa Ilona presentaron en el 2011 la continuación a The Human Centipede (First Sequence), trayendo en esta oportunidad una película mucho más violenta y transgresora.

Esta secuela tiene como peculiaridad el hecho de estar filmada en blanco y negro y que está presentada de un modo que la hacen ver como si se tratara de una historia real. Martin (Laurence R. Harvey), el protagonista, es un obsesivo fanático de la película The Human Centipede y un buen día decide secuestrar gente para crear su propio ciempiés humano, no de tres sino de doce partes.

A mi modo de ver, en donde pudiera fallar la película es en requerir en demasía que el espectador recurra al recurso de la suspensión de la incredulidad; si bien es cierto que la ambigüedad del final podría justificar plenamente todas esas situaciones. Pero como yo prácticamente no tengo estándares, puse de mi parte y disfruté bastante la película, incluso puedo decirles que logró hacerme sentir incómodo durante el armado del ciempiés.

Martin no se complicó la vida como el Dr. Heiter, él simplemente engrapó la boca de unos a las nalgas de los otros.

Cuando me refiero a la necesidad del espectador de pasar por alto ciertos aspectos, no lo digo por el hecho de aceptar como válida la posibilidad de que se realice una cirugía de ese estilo, eso creo que ya todo lo asumimos tras haber visto la primera parte; sino a los pormenores que sostienen la trama. Martin, un hombre con retraso mental y abusado sexualmente por su padre, trabaja en lo que pareciera ser la taquilla de un estacionamiento durante el horario nocturno; allí es donde captura a la mayoría de sus víctimas y nadie se da cuenta de sus movimientos a pesar de los disparos, gritos, rastros de sangre y, presumiblemente, autos abandonados en el lugar. Incluso un bebé permanece allí durante al menos un par de días. Lo mismo aplica para las muertes que ocurren en su casa o al hecho de que sea capaz de contratar a Ashlynn Yennie, una de las protagonistas de la primera película, haciéndose pasar por un empleado de Quentin Tarantino. Pero lo dicho, atentos al final.

Con ustedes, la desafortunada señorita Yennie.

El trabajo de cámara en The Human Centipede II es estupendo, es raro decirlo de una película con una temática como esta, pero los primeros planos y los ángulos elegidos por Tom Six y David Meadows fueron excelentes. Amén de un excelente trabajo por parte del equipo de maquillaje. La decisión de editar la película en blanco y negro también me pareció correcta, confiriéndole a la película una atmósfera más desoladora. Aunque debo decir que me hubiera gustado poder ver a color el último tramo de la película para así disfrutar del gore en todo su esplendor.

Escenas memorables:

Martin masturbándose con papel de lija.
Martin estimulando el vientre de los integrantes del ciempiés para crear una sinfonía de gases.
Violación a una mujer con el pene del agresor recubierto con alambre de púas.
Parto en un auto con el bebé quedando debajo de los pedales y su cabeza siendo aplastada al pisar el acelerador.

¿Lo mejor? Que tentativamente en el 2013 veremos The Human Centipede III (Final Sequence).

Nota: si deciden adquirir esta película, eviten en la medida de lo posible la edición británica o la australiana del DVD, así como la versión estadounidense disponible en Video On Demand, puesto que en los tres casos se trata de la versión censurada. En esa no verán, entre otras cosas, lo del papel de lija ni el alambre de púas.

Tomb of Torture (1963)

2011-12-11T19:22:00.001-04:30

Titulada originalmente como Metempsyco en el país donde fue producida, esta poco conocida película italiana comparte un elemento característico con SS Girls y otras películas de los años '60 y '70: al menos uno de los participantes empleó un seudónimo anglosajón. En este caso lo hicieron las siguientes personas (entre paréntesis su nombre real):

Director: William Grace (Antonio Boccaci, en su único trabajo como director)
Guionistas: Anthony Kristye (el mismo Antonio Boccaci) y Johnny Seemonel (Giorgio Simonelli)
Actores: Annie Albert (Annie Alberti), Thony Maky (Adriano Micantoni), Mark Marian (Marco Mariani) y Elizabeth Queen (Flora Carosello)

Tomb of Torture inicia de forma inmejorable con dos señoritas aventurándose a curiosear en el castillo que perteneció a la condesa Irene, quien desapareciera sin dejar rastro alguno 20 años atrás poco antes de casarse con Raman. Allí contemplan el retrato de la condesa y son sorprendidas por la nueva dueña del sitio, la condesa Elizabeth, que les ordena marcharse de inmediato.

Pero una cosa es decirlo y otra hacerlo. El castillo es todo un laberinto y la escapatoria se complica estando de por medio un tipo siniestro, desfigurado y peludo. Estos primeros minutos son sin duda los mejores de Tomb of Torture, combinando un castillo gótico, dos jovencitas indefensas, instrumentos de tortura y el ya mencionado Igor de turno.

Al día siguiente sus cuerpos son hallados por la policía y el levantamiento de los cadáveres coincide con el regreso al pueblo del Dr. Darnell y su hija Anna; quien no solo guarda un impresionante parecido con la condesa Irene sino que cada noche es atormentada por pesadillas que recrean la suerte que corrió la prometida de Raman.

Eran tan parecidas que eligieron a la misma actriz para interpretar ambos personajes.

A partir de allí la película se torna algo lenta y bastante predecible como para resultar efectiva como obra de terror, teniendo que echar mano en varios momentos del recurso de la mujer dando alaridos para transmitir algo de miedo a la audiencia. No obstante, pudiera ser del agrado de todo aquel cinéfilo con debilidad por aquellas historias de terror con estética gótica como ciertos clásicos de Hammer.

Apartando la atmósfera general de terror, hay pequeños toques de comedia por parte de George, el reportero que se enamora de Anna. Primero cuando la conoce mientras ella se da un baño en el río y luego cuando se deshace del policía para regresar al castillo y buscar a su amada.

Por lo demás, lo que resta es el desenlace de la historia cuando una noche Anna entra en un profundo trance que le hace visitar el castillo y tras ella acuden Raman y George intentando salvarla de los peligros que allí la aguardan.

En conclusión, ni tan mala como para ser divertida ni lo suficientemente buena como para ser interesante.

Trailer:

SS Girls (1977)

2011-12-08T13:01:00.001-04:30

El día de hoy les hablaré de una maravilla que vi en días pasados: Private House of the SS, como aparece en los créditos del DVD que llegó a mis manos, pero que también es conocida bajo el nombre de SS Girls o por el título original en italiano de Casa privata per le SS. Eso sí, maravilla si son amantes del exploitation en general y en concreto del subgénero de nazisploitation.

La película fue dirigida y escrita por quien a la postre terminaría siendo un grande del género, pero que para ese entonces solamente había dirigido otra película: Bruno Mattei. Si a alguno de ustedes el nombre no le suena de nada, podría deberse a que a lo largo de su carrera siempre publicó sus obras bajo seudónimos, siendo el más famoso de ellos el de Vincent Dawn. Sin embargo con SS Girls optó por la opción más habitual durante esa época y simplemente le dio un toque anglosajón a su nombre, presentándose como Jordan B. Matthews.

Si algo hay que reconocerle a Mattei es que, para alegría nuestra, estuvo trabajando de lleno en lo que más le apasionaba hasta el final de sus días. Al menos así de memoria no me viene a la mente ningún otro director filmando en pleno siglo XXI películas del subgénero Women In Prison (The Jail: The Women's Hell, año 2006). Lamentablemente en el 2007 las complicaciones que surgieron tras una operación para extirparle un tumor en el cerebro aceleraron su muerte y nos dejó cuando tenía ya 75 años de edad.

Pero dejemos a Mattei descansando en paz y centrémonos en su obra. Como es de preverse, una película de este estilo no es que destaque por su argumento; no obstante, pese a ello cuenta con una trama más o menos definida. Un general del Tercer Reich (Ivano Stacioli) le pide a un subalterno, Hans Schellenberg (Gabriele Carrara), que reclute a las mejores diez prostitutas que la guerra le permita conseguir y que las entrene para una misión de altísimo nivel: seducir a un grupo de generales para ganarse se confianza y hacerlos confesar que conspiran contra Hitler.

En el Tercer Reich todo era diversión.

Completada con éxito la primera misión, a este joven oficial le asignan una nueva tarea, la cual también implica deshacerse de unos de militares que atentan contra la armonía de la Alemania nazi: un tal Oscar, un tuerto y despiadado asesino al que se considera responsable de numerosos crímenes de guerra, y sus dos matones, igual de feos que él.

Al pobre Hans, un oficial nazi tan entusiasta como perturbado, el éxito cosechado en las dos misiones se le sube a la cabeza e inmediatamente se ve como el próximo Führer de Alemania. Con su mente ocupada en sus delirios de grandeza y en la atracción que siente hacia una de las prostitutas, comete el craso error de rechazar las insinuaciones sexuales de Frau Inge; quien, herida, decide ir adonde el general Berger y revelarle las verdaderas aspiraciones de Hans. El general procede de acuerdo con las circunstancias y lo invita cortesmente a quitarse la vida.

Y si el puesto del Führer no está vacante, siempre puede ser Papa.

Los primeros minutos de la película son casi surreales. En ellos podemos apreciar a las chicas recibiendo un entrenamiento intensivo en distintas áreas: se les ve practicando ballet, esgrima e iniciándose en el manejo de las armas de fuego. Esas imágenes se alternan con el perfeccionamiento de sus artes amatorias, donde el trío conformado por el profesor Jurgen (Luciano Pigozzi), Frau Inge (Marina Daunia) y Hans las preparan para situaciones extremas. En consecuencia vemos a una de las meretrices teniendo relaciones con un jorobado, a otras sometidas a situaciones BDSM y a otra acariciando a un perro (un pastor alemán, faltaría más).

Además, las señoritas son todas de buen ver, que al final es lo que importa en estas películas. La mayoría de ellas visten ligueros y/o pantymedias, y los nostálgicos se sentirán complacidos por la buena dosis de vello púbico que disfrutarán gracias a los varios desnudos frontales que nos obsequia Bruno Mattei.

Tal vez esos primeros minutos sean los más impactantes de SS Girls, pero las actuaciones ridículas y exageradas nos acompañan a lo largo de los 90 minutos. Es impresionante por ejemplo la forma en que la gente muere. A Hans le basta con herir en un costado a Frau Inge con una daga para acabar con su vida; para después montar todo un espectáculo haciéndose el harakiri. O el general Berger, que pareciera suicidarse pegándose un tiro en el pie, cuestión que queda en anécdota nada más al abrirse el plano y ver que toda la gente que estaba bebiendo y bailando dos minutos, antes yace muerta en el salón. Así de fácil moría la gente en el Tercer Reich.

En primer plano el general Berger con aire de Bogart. Al fondo a la izquierda, un culo.

La edición del DVD es bastante buena y forma parte de un 3 en 1 junto a SS Experiment Love Camp y SS Camp Women's Hell. Como dato curioso mencionar que probablemente el DVD fue creado tomando audio y video de distintas versiones, puesto que hay una línea en la que un nazi tuerto combina el español y el italiano al decir "Maledetta hija de puta" y al final Ana enuncia sus líneas en italiano. El resto de la película está doblada al inglés.

No encontré un trailer para esta película, pero pueden ver la escena del Papa nazi, la cual les dará una muy buena idea del tipo de cine que encontrarán en SS Girls.

Al filo del terror (1990)

2011-11-27T09:28:00.001-04:30

El mes de noviembre llega a su fin y con preocupación veo que solamente he publicado una reseña. Tantas películas buenas esperando por ser vistas y comentadas y yo perdiendo el tiempo en banalidades como trabajar. Así que no perdamos más tiempo y entremos en materia, a ver si incluso me da tiempo de publicar otra reseña antes de cerrar el mes.

Al filo del terror es una película mexicana de terror basada en la historia de Armando Sánchez, un ventrílocuo venido a menos y sus muñecos, Sonrisas, Tristón, Mosquete y Darío, a quienes culpa de sus recientes fracasos. Con un razonamiento tan extraño, ustedes están en todo su derecho de pensar que este hombre no es más que un demente; pero hay algo que hay que reconocerle a El Griego, que es el nombre artístico empleado por Armando Sánchez, sus muñecos no necesitan tener una mano metida en la espalda para cobrar vida.

La única que lo sabe a ciencia cierta es Karla, la hija de El Griego, quien juega con ellos y los considera sus amigos, además de sufrir desconsoladamente cada vez que su papá se molesta y los castiga. Un día El Griego la descubre hablando fluidamente con los muñecos y antes de aceptar que realmente tienen vida, lo que piensa es que su hija heredó el talento de su padre. Pero hacerla su socia fue algo que nunca le pasó por la mente; con su carrera pendiendo de un hilo, se le ocurre la brillante idea de usar a su hija como muñeco, encerrándola en el sótano de su vieja casa para mantenerla aislada del mundo cuando no hace de marioneta. Ya pueden imaginarse a la gente exclamando "¡Ay, pero si ese muñeco parece humano!"

Necesité pocos minutos para saber que la película sería demencial. En primer lugar porque no crean que los muñecos cobran vida haciendo gala de lo último en tecnología de animación para la fecha, son simples enanos disfrazados ganándose el pan encerrados en un baúl. Lo otro es porque en "Al filo del terror" participan dos actores que ya estuvieron en una de las favoritas de este blog, "El único testigo": Alfredo Wally Barrón (Don Alonso aquí, Don Avelino en aquella) y Roberto Cañedo (el tío Andrés en esta y el Padre Muñoz en la otra)

Del resto no puedo decirles mucho porque sería revelar detalles importantes de la trama, pero pienso que pueden suponer más o menos lo que sucede: al principio el plan funciona de maravillas y El Griego se convierte en una estrella aclamada a nivel mundial. Sin embargo, un entrometido empieza a sospechar, se pregunta qué habrá sido de Karlita, indaga y todo se va al garete.

Elementos que le dan un valor añadido a Al filo del terror:

Aerobics

Mujeres bonitas

A la izquierda la periodista Diana Lee (Julieta Rosen) y a la derecha Sally (Lina Santos), otra estrella de la TV.

Algo de sangre

Una marioneta zombie

Salvo que le tengan idea a las marionetas en general, así como hay gente que siente aversión por los payasos, la película no destaca demasiado por sus elementos de terror, pero de todos modos se las recomiendo si son amantes de estas películas latinas poco conocidas ya que no me aburrió en ningún momento.

A Howling in the Woods (1971)

2011-11-09T20:22:00.000-04:30

Durante la década de los '70 en Estados Unidos se produjeron películas para televisión que en calidad poco tenían que envidiarle a los grandes estrenos cinematográficos de la época; con una temática que giraba en torno a los géneros del suspenso, misterior y terror, siendo las más destacas las correspondientes a la "Película de la semana de ABC". Si bien algunas finalmente en los últimos años han sido restauradas y publicadas en DVD, muchas otras permanecen en el ostracismo, dependiendo de personas como nosotros que se conforman con ripeos de VHS de una vieja grabación de algún canal de televisión. Una de esas cintas olvidadas es A Howling in the Woods , de la cadena NBC.

La protagonista de esta historia es Barbara Eden (Jeannie de Mi bella genio), una mujer que huyendo de su marido (Larry Hagman, el Mayor Nelson y amo de Jeannie en esa misma serie) regresa al pueblo en donde creció para refugiarse en el hostal que regentan sus padres y tratar de iniciar una nueva vida.

La feliz pareja.

Pero el divorcio y el recuerdo de su esposo pasan a segundo plano a medida que nota cierta hostilidad hacia ella por parte de los habitantes del pueblo y no puede dejar de preguntarse acerca de ese misterioso viaje de su padre y la imposibilidad de comunicarse con él. Para aumentar el misterio, una niña local, carente del hermetismo de los adultos, le comenta cómo semanas atrás fue hallado en el lago el cadáver de otra pequeña y que todavía no había sido descubierto el homicida.

No se encariñen mucho con la niña, la matan nada más al empezar la película.

Viéndolo en retrospectiva puede que la historia no aporte nada novedoso al género, puesto que todo se reduce a la resolución de un crimen, pero la película está muy bien dirigida y tanto Barbara Eden como Vera Miles (su madrastra) interpretan estupendamente sus roles. Los actores secundarios lucen un tanto acartonados y el papel de Larry Hagman es casi testimonial, pero de todas maneras se la recomiendo a todo aquel que esté buscando una buena cinta de suspenso para pasar el rato.

La película puede ser vista en su totalidad en el siguiente enlace: http://www.youtube.com/watch?v=P7tUIZPu_vM.

Zaat (1971)

2011-10-30T09:41:00.003-04:30

El día de hoy hablaremos de una película que por sus características pareciera más propia de la década de los '50 que de principios de los '70. Conocida simplemente como Zaat, a lo largo de los años, entre reediciones y cambios de distribuidor, dispuso de una buena variedad de nombres:

Attack of the Swamp Creatures
Blood Waters of Dr. Z
Dr. Z
Hydra
Legend of the Zaat Monster

Los primeros 10 minutos de metraje no son más que material tomado de cualquier documental sobre el mundo marino con el doctor Kurt Leopold hablando incoherencias con la voz en off. Luego continúa ese diálogo interno por otros minutos pero esta vez mostrando los detalles del laboratorio. El doctor Kurt Leopold es nuestro protagonista, un perturbado y resentido científico cuyo plan maestro para dominar el mundo es nada más y nada menos que convertirse en una criatura anfibia y así acabar con todos aquellos que criticaron su trabajo. Para tal fin dispone de dos cosas: en primer lugar un suero desarrollado gracias a su mente privilegiada y que propiciará la transformación, y una imitación de la ruleta de la suerte que utiliza como agenda.

Rectifico, son tres las cosas con las que cuenta este científico, también posee un atomizador para rociar con la fórmula a otros seres vivos y conformar un ejército.

Suena genial, ¿eh? Y si les digo además que a Leopold se le presume un pasado nazi seguro pensarán que estoy loco por no haber disfrutado con esta cinta. Pero así es la vida y hay gente capaz de arruinar un material con tanto potencial.
Los creadores de Zaat se ve que estaban muy orgullosos de su monstruo y lo exhiben por largo rato en pantalla. De ese modo lo vemos nadando elegantemente mientras rocía a varios habitantes de ese río, paseando por aquí y por allá, acechando a sus víctimas y yendo a una farmacia.

Pero los hombres somos seres básicos y el plan de dominación mundial queda en segundo plano en favor de una urgencia más inmediata: la búsqueda de una compañera sentimental. No me queda claro si el doctor Leopold habría tenido más éxito con las mujeres en su forma humana, pero como monstruo las cosas no le van mucho mejor y debe tomarlas por la fuerza.

Frustrado con la vida, aprovecha para hacer un dibujo de la mujer de sus sueños:

Impagable el momento en el que, habiendo transcurrido una hora de película, el sheriff menciona que en el laboratorio trabajaba un científico haciendo esa clase de experimentos. Al menos uno de los encargados de realizar su captura tuvo la decencia de realizar la pregunta obvia: "¿Y por qué no nos lo había dicho antes?". A lo que el sheriff poco le faltó para responder encogiéndose de hombros y decir "Porque de lo contrario la película habría terminado media hora antes".

Datos anecdóticos:

Ningún otro animal se convierte en monstruo. Se ve que emplear un atomizador bajo el agua no era precisamente una idea brillante.
Zaat en realidad es Z_AA_T, la fórmula del compuesto inventado por el nunca bien ponderado Dr. Leopold.
Al igual que Manos: The Hand of Fate, la ficha de Zaat en IMDb incluye un 666 en su número (http://www.imdb.com/title/tt0060666/ y http://www.imdb.com/title/tt0072666/). Una tontería, lo sé, pero no podía dejar de mencionarlo.

La película tiene una puntuación de 1,6/10 en IMDb y forma parte de su lista de las 100 peores películas de la historia. Si bien en el pasado he defendido a otras integrantes de la dichosa lista, en esta oportunidad haré una excepción. Véanla bajo su propio riesgo.

¿Lo mejor de Zaat? Un excelente DVD con una imagen inmejorable, buen sonido, introducción con el director (quien pareciera creer todavía hoy que hizo una gran película), el trailer, algunas imágenes de la producción y escenas tomadas del workprint.

Así quedé yo tras mis repetidos intentos por tratar de finalizar Zaat:

No negro, moribundo

Trailer:

The Phantom Creeps (1949)

2011-10-09T09:23:00.001-04:30

Dentro de su amplia carrera cinematográfica, Bela Lugosi vivió sus mejores años cuando formó parte de la nómina de Universal Pictures. Fue para esa empresa que en 1939 protagonizó una miniserie titulada The Phantom Creeps, encarnando, como muchas otras veces, a un brillante y desequilibrado científico, el antihéroe por excelencia dentro de este género.

Diez años más tarde, esta miniserie de 12 episodios fue editada severamente y convertida en una película para televisión bajo el mismo nombre. Yo no he tenido la oportunidad de ver la obra original, pero hoy hablaremos de esa versión de 78 minutos realizada para la televisión.

El Dr. Alex Zorka (Bela Lugosi) es un científico adelantado a su tiempo, en palabras de él mismo "el genio más grande de la humanidad" y trabaja incansablemente para convertirse en "el amo del universo". Ambición que por trillada no deja de ser noble. Sin embargo, uno de sus colegas, el doctor Fred Mallory, descubre la clase de trabajos que está realizando Zorka y lo invita a volver al buen camino, ante la negativa de este, decide informar inmediatamente a las autoridades y le asignan el caso a dos agentes federales.

Enterado de la situación, el doctor Zorka decide emplear una de sus invenciones (el disco magnético junto a la araña que libera gas) para derribar el avión en el que se trasladarán los dos agentes, con la esperanza de que tras su muerte la investigación sea archivada. Pero con lo que no contaba Zorka es que en ese avión estaría también su esposa, quien es finalmente la que fallece en el accidente y no los agentes.

Tras ese acontecimiento el doctor Zorka rompe definitivamente relaciones con la humanidad y la considera en pleno responsable de su desgracia. La ocasión es propicia para desatar toda su ira, puesto que mientras ocurría el accidente de avión que había planificado, también fingió su muerte valiéndose del cadáver de un autoestopista, obteniendo así cierto margen para obrar con total impunidad.

Lo mejor de esta película son las invenciones que muestra. Empezando con un robot gigante con aspecto de tótem indio y que es manejado por el doctor Zorka a través de un control remoto. Ni qué decir de sus grandes descubrimientos, como el que le confiere la habilidad de ser invisible por el tiempo que desee o aquel que le permite poner a sus enemigos en un estado de animación suspendida. Además tiene una pistola de rayos Z, la cual sirve para atontar gente y romper cerraduras.

Sin embargo, entre las autoridades y Mallory siempre consiguen contrarrestar todas las triquiñuelas del doctor Alex Zorka, y poco a poco consiguen cerrar el cerco sobre su persona y su inepto ayudante, el no tan fiel Monk. El doctor Zorka no tiene que cuidarse únicamente de esos tres personajes, también están tras su pista unos espías de país desconocido que operan desde el Centro de Idiomas y una periodista entrometida interpretada por Dorothy Arnold.

El dato curioso de esta película lo encontraremos en la reutilización de metraje proveniente de otra producción de Universal. Cuando en The Phantom Creeps Zorka relata cómo encontró el anhelado fragmento de meteorito acompañado solo por aborígenes del lugar, la escena que vemos fue tomada de The Invisible Ray, gran película en donde Lugosi compartió el protagonismo junto a Boris Karloff. También sobre el final tenemos la oportunidad de ver al doctor Zorka destruir al Hindenburg, para que luego la gente vaya por allí diciendo que se trató de un accidente.

Trailer:

Frozen Alive (1964)

2011-10-01T19:56:00.003-04:30

El día de hoy hablaremos de una poco conocida coproducción anglogermana que cae en esa categoría de las películas que no son lo suficientemente malas como para dar risa, pero al mismo tiempo no cuentan con los elementos necesarios como para considerarla cine A. Probablemente por eso mismo es que sea una película desconocida.

Bajo el título original de Der Fall X701, la película cuenta con un reparto compuesto en su mayoría por actores alemanes, por lo que notarán un acento germano en varios de los personajes. La historia es a grandes rasgos la siguiente: Mark Stevens interpreta al Dr. Frank Overton, un cientifíco que trabaja junto a la doctora Helen Wieland (Marianne Koch) en el área de la criónica y han logrado revivir exitosamente a monos que han estado congelados durante prolongados lapsos de tiempo.

Overton también tiene una esposa, la linda Joan (Delphi Lawrence), quien siente unos celos enormes de Helen por todo el tiempo que esta pasa junto a su marido. Cierta noche, en medio de una borrachera, le roba una pistola a su amiguito y se presenta en el laboratorio con la intención de amedrentar a Wieland. Hay una discusión delante de testigos, el doctor se la lleva a su casa y, tras este marcharse, la señora Overton muere de una forma tan estúpida como solo podría suceder en esta clase de cine. El doctor Overton pasa a ser sospechoso de la muerte de su esposa, pero cuando la policía se presenta en el laboratorio para interrogarlo, descubren que se ha ofrecido como conejillo de Indias para convertirse en el primer ser humano en ser congelado y posteriormente revivido. ¿O será este un simple truco del científico para acabar con su vida y así escapar de las autoridades?

¿Científicos que experimentan con criónica e involucrados con un asesinato y aun así la película no es buena? Por increíble que parezca, esa es la cruda realidad. El principal problema de Frozen Alive es que, teniendo una duración de 75 minutos, no sucede nada hasta superar el minuto 40. Más de la mitad de la película se va en explicar los experimentos que realizan y su lucha por conseguir que les permitan realizar esas pruebas en seres humanos.

Posteriormente sucede lo que ya mencioné con Joan y sus celos hacia Helen. Ni siquiera hay suspenso para el espectador, puesto que no es ningún misterio cuáles fueron las circunstancias en torno a la muerte de Joan Overton; se sabe perfectamente que no fue un homicidio ni un suicidio. Lo único que queda por descubrir al final es si el doctor Overton saldrá del congelamiento con vida o no. Una buena idea en líneas generales pero muy mal ejecutada.

Titus Andronicus (1999)

2011-09-19T12:35:00.002-04:30

Antes de entrar de lleno con esta reseña debo aclarar que no he tenido todavía la oportunidad de leer la obra de Shakespeare en la que está basada esta película así como tampoco la adaptación más popular con Anthony Hopkins, Titus.

Pero es así, estimados lectores de este blog, a finales del siglo pasado una persona llamada Christopher Dunne decidió realizar una adaptación de esta tragedia de William Shakespeare, justo un año antes de la versión dirigida por Julie Taymor (en los créditos de Titus Andronicus la fecha que aparece es 1998 en lugar del 1999 indicado por IMDb).

La historia es, en líneas generales, la siguiente: Tito, un general del Imperio Romano, regresa victorioso a Roma tras una larga batalla frente a los Godos. Durante la celebración por el triunfo alcanzado y a modo de venganza por haber perdido a casi todos sus hijos durante la guerra, decide sacrificar a uno de los prisioneros: Alarbo, hijo de Tamora (reina de los Godos). Pero en un oscuro y cruel giro del destino, el nuevo emperador romano, Saturnino, elige a Tamora como emperatriz, y valiéndose ella de todo el poder del que en adelante dispone, desata toda una serie de desgracias sobre Tito Andrónico.

De más está decirles que se trata de una producción de un bajísimo presupuesto. De hecho absolutamente todas las escenas son con tomas cerradas, por lo que perfectamente pudieron haber usado el mismo escenario para filmar toda la película. De igual manera, el vestuario es el típico que podrían esperar de una obra de teatro sencilla de cualquier colegio.

En cuanto al reparto actoral, hay de todo. Aarón (si bien este es un moro blanco) y los hijos de Tamora interpretan de forma convincente a sus personajes; en contraste, la reina de los Godos y el mismo Tito lucen, en mi opinión, acartonados al pronunciar sus líneas. El resto de los actores son grises y se limitan a cumplir con sus roles.

Como habrán podido apreciar con las primeras imágenes que adornan esta reseña, en donde destaca esta adaptación es en la buena dosis de gore de la que dispone. Mis momentos preferidos son el del sacrificio de Alarbo al inicio de la película, en donde le desprenden la piel de su rostro; y hacia el final de la película, cuando Marco toma al bebé de Aarón y le parte el cráneo estrellándolo contra la pared.

Mención especial a este mutilado pie con tacón:

A pesar de su escaso presupuesto y haber sido realizada por alguien que no registra otras participaciones cinematográficas en IMDb, el culto a la película sigue vivo tras más de una década desde su estreno e incluso todavía cuenta con la web oficial que aparece en el VHS original: www.titusandronicus.com

Trailer:

Salvo que sea por curiosidad o una enorme pasión por el cine de bajo presupuesto, no considero que valga la pena que vean esta película si ya vieron la de Taymor. Ver casi 2 horas y media de Shakespeare adaptado al cine Z no es tarea fácil.

Dracula vs the Ninja on the Moon (2009)

2011-09-10T10:09:00.001-04:30

Dracula vs the Ninja on the Moon es un mediometraje de 40 minutos de duración que llegó a mis manos compartido por su propio director, Nik Box. Visualmente la película me recordó a A Scanner Darkly, mientras que por lo absurdo de su estructura y argumento me hizo rememorar a Attack of the Killer Hog. En palabras de su creador: "Es un homenaje a las pelis malas en todos sus aspectos. Tiene mal doblaje, mala edición, chistes malos y mal argumento".

La presentación de Dracula vs the Ninja on the Moon nos da un repaso básico de las características de un ninja, cerrando con "Ninjas are nice chaps". Seguidamente se nos pone al corriente de la historia que dio origen a la situación actual, con la huida del Conde Drácula a la Luna a finales del siglo XIX, y la necesidad de eliminarlo de una vez por todas antes de que regrese a la Tierra y acabe con toda la humanidad.

La acción prosigue en la morada de Doug, donde este recibe a Barry, quien requiere de sus servicios para tan delicada misión. No obstante, antes de emprender el viaje deberá adquirir todos los conocimientos y destrezas de un ninja, por lo que es enviado a visitar a Chappy Santo para recibir el entrenamiento correspondiente.

Habiendo finalizado el entrenamiento en medio de una estridente música, Chappy Santo advierte a Doug sobre una amenaza más inmediata que el mismo Drácula: Shelly Shellerton, discípula del conde, quien al convertirla en vampiro le confirió además poderes especiales que le permiten atacar en plena luz del día.

Superado ese escollo tras unos problemas técnicos, Doug emprende el viaje a la Luna para darle fin al Conde Drácula y a su amigo Boink. Pero para conseguirlo deberá librar una cruenta lucha.

Trailer:

La película fue creada originalmente sin fines comerciales en el año 2009; este año aplicaron rotoscopiado al video original (de allí su semejanza a A Scanner Darkly) y comenzaron a vender el DVD. Si desean adquirir una copia original, pueden hacerlo en esta dirección http://deadgoodfilmslike.bigcartel.com/.

The Bat People (1974)

2011-08-28T19:21:00.000-04:30

Esta película la había visto hace algunas semanas pero la había ido dejando a un lado porque no me causó una gran impresión, ni siquiera desde el punto de vista negativo. Ese es, a mi parecer, el principal motivo de que The Bat People tenga en IMDb solamente 2,1/10. Si bien no cuenta con la graciosa ineptitud de muchas otras producciones similares, la trama es lenta y carente de sorpresas o momentos escalofriantes.

La historia de inicio con una pareja de recién casados que se encuentra disfrutando de unas merecidas vacaciones. Durante una visita guiada a cueva, a la pareja no se le ocurre mejor cosa que separarse del grupo y la mujer cae por un hoyo de cierta profundidad. Su amado esposo, el doctor John Beck, baja inmediatamente para cerciorarse de su estado mientras espera que el guía regrese por ellos. Pero en ese ínterin, en medio de la oscura soledad de la fosa, son atacados por un grupo de murciélagos y uno de ellos muerde al pobre John.

Tras ser rescatados, se dirigen al hospital del pueblo para que John reciba la vacuna antirrábica a manera de prevención. Sin embargo una vacuna no sería capaz de revertir lo que ya se estaba gestando en su interior, la mordedura del murciélago lo había convertido en una baticriatura ansiosa por aplacar su sed con sangre humana. Créanme, no es tan divertido como suena.

Dentro de los elementos que destacan en The Bat People tenemos a Carthy Beck, la esposa del protagonista, y su suéter de Charlie Brown:

Dejando a un lado el vestuario de la coprotagonista, lo mejor de The Bat People es el sheriff, interpretado estupendamente por Michael Pataki, un clásico del cine B y Z con participación en títulos como Graduation Day o Zoltan, el mastín de Drácula. Encarna a la perfección al hombre de la ley antipático que lo primero que hace es desconfiar de la supuesta víctima.

Continuando con los detalles más resaltantes, como ustedes ya saben este servidor tiene debilidad por mencionar si las películas reseñadas incurren en el error de tener escenas que alternan la noche con la luz del día sin ningún reparo. The Bat People va más allá y alterna escenas en el desierto con paisajes completamente nevados y gente esquiando, cuando supuestamente apenas ha pasado un día y se encuentran en el mismo lugar. También llama la atención que el pueblo pareciera estar casi deshabitado, la gente que se ve en pantalla es justo la necesaria para las escenas y poco más, evidentemente las víctimas se acumulan y no hay testigos.

Para finalizar les dejo un dato anecdótico de esta película: el maquillaje de la misma estuvo a cargo de un joven de 28 años llamado Stan Winston. Ese desconocido años más tarde ganaría cuatro premios Oscar en el área de maquillaje y efectos especiales por su participación en Alien, Terminator 2 y Jurassic Park.

Quién imaginaría en ese momento lo lejos que llegaría Stan Winston.

Película conocida también bajo el título de It Lives by Night.

The Legend of Blood Mountain (1965)

2011-08-26T20:48:00.001-04:30

El día de hoy le traemos a los lectores de este blog una poco conocida comedia de terror que en mi opinión merece llegar a una audiencia mayor. No porque sea buena, sino precisamente por lo opuesto, estamos ante una digna sucesora de la obra de Ed Wood y debería tener una fama comparable a la de Manos: The Hands of Fate.

La historia nos presenta a un personaje llamado Bestoink Dooley, quien oye en las noticias acerca de un sitio llamado Blood Mountain, en donde ocurren misteriosos asesinatos atribuidos por los lugareños a la acción de un monstruo infernal. Dooley, quien tanto en aspecto como en comportamiento me recordó a François Pignon de La cena de los idiotas, trabaja en un diario y le implora a su jefe que le permita ir al lugar de los hechos prometiéndole que hará el reportaje de su vida. Para quitárselo de encima, este accede finalmente, pero con la condición de que realice la investigación en su tiempo libre.

De los primeros 20 minutos de metraje más de la mitad se consumen viendo al protagonista prepararse para dormir, servirse leche, comer unas galletitas y leer un libro; luego vemos un intrascendente sueño que tiene esa noche y a la mañana siguiente toca ser testigos presenciales de sus ejercicios de estiramiento. En ese punto me fue imposible evitar preguntarme si Massey Cramer (el director) era un genio, si se estaba burlando de los espectadores o si simplemente era completamente inepto. El resto de la película, junto al hecho de que este haya sido su único trabajo como director, pudo confirmarme lo último.

En el mundo de los sueños todo es perfecto para Bestoink Dooley.

En la montaña en cuestión se encuentra con un viejo conocido que trabaja allí como guardabosques. Este inmediatamente le presenta a un científico que se halla buscando oro y que considera que la leyenda en torno a la montaña es pura superchería de los habitantes del pueblo, junto a él conoce además a dos señoritas: su hija y la asistente del científico.

Ese que parece árbitro de fútbol americano es el científico.

Lo que resta de la película se va en absurdos primeros planos, actuaciones poco naturales y varios minutos de manejo en carretera, todo acompañado por un evidente doblaje con el audio agregado durante la edición del video. Si aguantan todo eso lograrán ver al temible monstruo, que no es más que una persona con un traje gris y una sencilla máscara.

Como muchas otras películas de la época, Legend of Blood Mountain no escapó al siniestro mundo de las reediciones. Tras un modesto estreno en el sureste estadounidense durante 1965, fragmentos de la película fueron empleados años más tarde para dar vida a Legend of McCullough's Mountain y a Blood Beast of Monster Mountain (esta última editada por Something Weird Video). La versión que llegó a mis manos fue la edición puesta a la venta por Camp Video a finales de los '80 bajo el título de Demon Hunter, la cual incluye exclusivamente el metraje original, pero con el lado negativo de tener 10 minutos menos. Desconozco qué se ha perdido exactamente, pero por ejemplo hay una escena en donde rescatan el cuerpo de una víctima y mencionan que lo lograron gracias a haber ahuyentado al monstruo con unos disparos, cuando nada de eso se ve en pantalla.

Poster de la edición de 1988.

Prosiguiendo con las curiosidades de esta cinta, no podía faltar una irrelevante fiesta al aire libre con baile incluido. Allí tiene una participación como extra Marianne Gordon, quien fuese la esposa de Kenny Rogers entre 1977 y 1993. Los responsables de comercializar la edición en video no perdieron la oportunidad de hacer notar ese detalle:

Y aquí el momento captura para la posteridad en mi copia:

Por último, algo extravagante relacionado con el aspecto económico de Legend of Blood Mountain. Aunque no encontré una fuente oficial para confirmarlo, dos comentarios y la información listada en IMDb indican que la producción de esta película costó 750 mil dólares y que tuvo una recaudación de 1,25 millones. Tras los 5 millones de dólares de After Last Season el costo no me sorprende en caso de ser cierto, pero no puedo creer que tanta gente pagara por ver las vicisitudes de Bestoink Dooley.

Un día con el Diablo (1945)

2011-08-17T17:32:00.000-04:30

Bastante más tarde de lo habitual abrimos las reseñas del mes de agosto y lo hacemos con una dedicada a uno de los lectores de este blog, Julián Darío Bonilla Montenegro, quien la semana pasada nos recordó que el día 12 de agosto se cumplía el primer centenario del nacimiento de Mario Fortino Alfonso Moreno Reyes, Cantinflas.

A 18 años de su muerte, Mario Moreno Cantinflas sigue siendo sinónimo de comedia para muchos de nosotros en los países hispanohablantes, especialmente para quienes crecimos disfrutando de su amplia filmografía. Aunque estaba pequeño, todavía recuerdo con claridad el día de su fallecimiento, enterándome de la noticia al llegar del colegio. A mi corta edad fue toda una sorpresa que ese joven de las películas que veía junto a mi papá, tuviese 81 años y cáncer de pulmón.

Pero no es mi intención aburrirlos, así que mejor nos ponemos manos a la obra y comenzamos a hablar de "Un día con el Diablo". Fueron dos las razones principales que me hicieron decantarme por esta entre la lista de películas preferidas por Julián. Primero que nada por no ser una tan famosa como "Ahí está el detalle" o "El bolero de Raquel" y, en segundo lugar, por tocar un tema que siempre despierta mi interés, como lo es el de la Segunda Guerra Mundial (muy a su manera, claro está).

La película empieza con un fulano conocido bajo el nombre de Juan Pérez, quien se alista en el ejército con la idea de que el tiempo ayude a que la gente olvide algunos problemas que tiene con la justicia. Pero en el instante en que México le declara la guerra al Eje, Juan Pérez decide desertar y, para evitar ser llevado a juicio militar por traición, le coloca su uniforme a un humilde vendedor de periódicos (Cantinflas) que venía muy alegre con algunas copas de más luego de culminar una buena jornada laboral.

Durante la primera hora de película vemos a Cantinflas desempeñándose de forma no muy ducha dentro de su entrenamiento como cadete; pero a pesar de ello es ascendido a sargento gracias a la fortuna que siempre lo acompañó a lo largo de sus películas. Dicha fortuna no era ilimitada, por lo que no pudo escaquearse de su compromiso con la Patria y tuvo que acudir al campo de batalla para infiltrarse en un comando japonés. Misión en la que perdería la vida y serviría de antesala al último tercio de la cinta.

Allí lo vemos llegar al cielo, en donde las listas de espera son muy extensas y es enviado a deambular por el éter luego de no saber comportarse en el reino del Señor.

A pesar del nombre que lleva la película, Cantinflas permanece en el infierno junto al Diablo por menos de 15 minutos. Sin embargo el tiempo alcanza para escenas muy buenas como el diálogo que mantiene con el emperador Nerón:

- ¿Quién es usted?
- Vil gusano... ¡Qué no lo ves! ¡Yo soy Nerón!
- ¿El de los tubos?
- ¿Cuáles tubos?
- El de los tubos nerón, esos que sirven para anuncios luminosos.

También hay un momento un tanto curioso, con la guerra a punto de concluir en el mundo real, Cantinflas conversa con el Diablo y éste le promete que cerrará las puertas del infierno luego de recibir a un último inquilino (Hitler), ya que en adelante la humanidad no podrá aspirar a otra cosa que no sea el Cielo.

Para cerrar la reseña les dejo un video que incluye ambas situaciones:

The Bride of Frank (1996)

2011-07-24T14:35:00.024-04:30

Hace unos días vi esta extraña película dirigida, escrita, producida y editada por Steve Ballot bajo el seudónimo de Escalpo Don Balde y en un principio no tenía planeado reseñarla, porque si bien me había gustado mucho, no estaba seguro de qué podría decir sobre ella. Finalmente decidí hacerlo para que así más personas conozcan la historia de Frank y su lucha por encontrar el verdadero amor.

Primero que nada si revisan las reseñas que tiene en IMDb notarán algo curioso, tiene reseñas muy positivas que superan las 7 estrellas y otras totalmente negativas que apenas le dan una, no hay puntos intermedios. Como mencioné, yo la disfruté mucho, pero puedo comprender perfectamente que alguien se sintiera ofendido al verla o simplemente la odiara por su pobre calidad cinematográfica.

La película es transgresora desde la escena inicial en donde vemos a Frank en un camión invitando a subir a una pequeña niña para que lo ayude a buscar su gatito perdido. Obviamente tal gato no existe y Frank empieza con las insinuaciones típicas de un pederasta, la niña se niega a colaborar y él simplemente la deja en la vía para aplastarla con su camión y comerse su cerebro. No sin antes exclamar "Braaains" como si se tratara del zombie más avezado.

Pero esas cosas son normales en el mundo de Frank y sus amigos. Por eso no debemos sorprendernos cuando valiéndose de un cepillo y pasta de dientes lava sus interiores manchados de excremento. O cuando va por ahí llevando en su boca un pene mutilado. O simplemente cuando un pobre nerd interrumpe su fiesta de cumpleaños y los amigos lo animan a matarlo, a lo que él responde en consecuencia decapitándolo y defecando sobre su cadáver.

Tras la fiesta de cumpleaños y recibir como presente una una muñeca y una oveja inflable, el pobre Frank tiene una nueva obsesión: tetas. Por lo tanto los amigos lo llevan a un bar de strippers con la esperanza de que eso calme sus ansias; pero eso solo sirve para incrementar su fijación con los senos, por lo que que su jefe (interpretado por el mismo Steve Ballot) decide ayudarlo poniendo un clasificado en la prensa a nombre de Frank en el que solicita conocer mujeres de busto prominente.

Como podrán imaginar, el plan no sale del todo bien y Frank lo que recibe principalmente son burlas, rechazo o la visita de dementes. Pero eso a Frank no lo desanima en lo absoluto, cuando era pequeño su mamá le enseñó que debía castigar a todo aquel que lo agrediera y él sigue su consejo al pie de la letra. Por lo tanto nosotros como espectadores somos recompensados con una sucesión de escenas que combinan la comedia, el gore y lo grotesco.

Y ya que he mencionado a la madre de Frank, atentos a los grandes efectos empleados durante la representación de un sueño del protagonista en donde regresa a la más tierna infancia.

Una cabeza voladora digna de Mystics in Bali.

Lamentablemente desconozco los detalles detrás de la historia de The Bride of Frank, pero habiendo visto el personaje de Frank Meyer me atrevería a decir que realmente se trataba de un indigente a quien convencieron para realizar una película. Su película.

Filmada en video, con aspecto de ser la hermana pobre de Pink Flamingos y con un protagonista que pronuncia sus líneas como un autómata y que en ocasiones van acompañadas de subtítulos porque no se entiende lo que dice; debe ser uno de esos casos en donde el director, quien no volvió a realizar otros trabajos cinematográficos, reúne a un grupo de amigos y deciden divertirse rodando una película.

No me atrevo a recomendarla, pero si lo que leyeron en esta reseña les causó más curiosidad que desagrado, búsquenla.

Trailer:

Terror Beneath the Sea (1966)

2011-07-22T11:31:00.002-04:30

Terror Beneath the Sea o Kaitei daisensô como es su título original en japonés, es una película de ciencia ficción con elementos de terror típica de la época. Cuenta con criaturas malignas, un científico loco y un villano inescrupuloso cuya única meta es tener al mundo bajo su control.

La acción comienza sin mayores preámbulos, una serie de personas se encuentra en un submarino estadounidense invitada a presenciar una exhibición armamentista con la última tecnología en torpedos por parte de la Marina de ese país. Las cosas no salen del todo como estaba previsto y los presentes además se percatan de una presencia extraña en los monitores.

Dentro de los asistentes se encontraba la pareja protagonista, conformada por los reporteros Ken Abe (un Sonny Chiba bastante joven y desconocido todavía) y Jenny Gleason (Peggy Neal), quienes convencidos de haber visto una figura de forma humana en el fondo del mar, deciden ir a investigar por cuenta propia.

Ya en el fondo del mar, Jenny tiene un primer contacto con una escalofriante criatura a la cual le toma una fotografía, pero en medio de la desesperación por huir y sobrevivir, deja caer la cámara al fondo del mar. Por increíble que parezca, después deciden volver mar adentro para buscar la cámara en cuestión, es evidente que a esta pareja no le resultaría engorroso buscar agujas en pajares.

No encuentran la cámara pero sí dan con un misterioso escondrijo submarino, de donde no pueden escapar tras ser capturados por un grupo de estas mencionadas criaturas.

A partir de ahí pueden imaginar lo que viene, es una película relativamente corta y la trama se desarrolla de forma directa. Los dos protagonistas junto a un científico que también fue secuestrado deben buscar la forma de echar por tierra los malévolos planes del doctor Moore y de paso salir de allí con vida.

La protagonista es muy linda y con buen cuerpo, pero no hace otra cosa que gritar. No puedo decir que me haya sorprendido al consultar IMDb y ver que su carrera cinematográfica se limitó a otras dos películas, filmadas igualmente en territorio japonés.

Por otra parte, el villano y sus secuaces son tan exagerados y torpes que encajarían perfectamente en una película de Austin Powers. Solamente consideren su siniestro plan: capturar seres humanos para convertirlos en asexuados cyborgs acuáticos valiéndose de cierto procedimiento científico; todo con el objetivo de crear un ejército que le permita dominar a la humanidad.

No me cabe la menor duda de que la película fue rodada orientada a un público infantil como en el caso de Prince of Space o bien hecha con toda la intención de que fuese disfrutada por los amantes del cine B, porque a pesar del sinfín de despropósitos que acumula, yo disfruté cada minuto de ella. Para muestra el siguiente video, que más que un trailer es una versión condensada de la película.