Artravelling

Paula Rego: Donne nell'Arte del Novecento

noreply@blogger.com (Artravelling) — Sun, 18 Jan 2026 07:30:00 +0000

Copertina: gouache su carta, di C. Saint

Questo primo articolo del 2026 dedicato alle Donne nell'Arte del Novecento tratterà di un'artista straordinaria nella sua incredibile potenza espressiva, Paula Rego. L'opera figurativa senza compromessi di Paula Rego costringe gli spettatori a un confronto diretto con le relazioni umane e le dinamiche di potere sociale, sessuale ed emotivo che spesso le definiscono. Utilizzando strategie di parodia, teatralità e narrazione, le scene domestiche formalmente complesse e psicologicamente cariche della Rego, possono essere tanto tenere quanto angoscianti, raccontano le esperienze delle donne in un mondo modellato dal conflitto, ma anche dal grottesco e da un'ironia a volte inquietante a volte birichina. Ispirata da grandi artisti come Francisco Goya e Honoré Daumier, contemporanea di artisti inglesi come Francis Bacon e Lucian Freud, che hanno rimportato al centro dell'arte l'uomo e i suoi conflitti interiori, la Rego trova una espressione artistica personale fatta di donne forti che sbattono in faccia allo spettatore una realtà angosciate ed attuale.

In Portogallo le è stato dedicato un museo, Casa das Histórias Paula Rego, a Cascais vicino a Lisbona. Progettata dall'architetto Eduardo Souto de Moura, utilizzando l'architettura storica della regione, in particolare il vicino Palazzo di Sintra, in modo contemporaneo, raccoglie una parte rilevante della sua creazione grafica, oltre ad alcune opere del marito, Victor Willing, artista e critico d'arte.

Rego è nata il 26 gennaio 1935 a Lisbona, in Portogallo. Suo padre era un ingegnere elettrico che lavorava per la Marconi Company, antifascista convinto. La famiglia fu divisa nel 1936 quando suo padre fu trasferito per lavoro nel Regno Unito. I genitori di Rego la lasciarono in Portogallo alle cure di sua nonna fino al 1939. La nonna di Rego diventò una figura significativa della sua vita, molte delle storie popolari tradizionali che le raccontò trovarono poi strada nella sua opera d'arte.

La famiglia di Rego era anglofila, così Rego venne iscritta all'unica scuola di lingua inglese nel distretto di Lisbona, la Scuola di San Giuliano a Carcavelos, che frequentò dal 1945 al 1951. Il padre era particolarmente ostile alla religione cattolica e la fece studiare presso la una scuola di fede anglicana. Questo conflitto creò una specie di spaccatura nella ricezione della religione della bambina che si descriveva come una "specie di Cattolica" creando un senso di colpa e una convinzione molto forte che il Diavolo fosse reale.

Nel 1951, Paula Rego fu inviata nel Regno Unito per frequentare la The Grove School, a Sevenoaks, nel Kent. Non soddisfatta dell'insegnamento, nel 1952 si dedicò a studi artistici presso la Chelsea School of Art di Londra, ma i genitori furono fortemente contrari alla scelta, ritenendo che quell'istituto un fosse un luogo adatto a una ragazza e la convinsero a spostarsi presso la Slade School of Fine Art, luogo ritenuto più rispettabile.

La Rego frequentò la Slade Scholl dal 1952 al 1956. Alla Slade, Rego incontò il suo futuro marito, Victor Willing, anche lui studente. Nel 1957, Rego e Willing lasciarono Londra per vivere a Ericeira, in Portogallo. Si sposarono nel 1959 in seguito al divorzio di Willing dalla sua prima moglie, Hazel Whittington. Tre anni dopo, il padre di Rego acquistò alla coppia una casa a Londra, in Albert Street a Camden Town, e Paula Rego si divise tra Gran Bretagna e il Portogallo.

Sebbene la Rego fosse ancora una studentessa fu incaricata da suo padre di produrre una serie di murales su larga scala per decorare la mensa della sua fabbrica elettrica nel 1954. La sua carriera artistica si avviò effettivamente nel 1962, quando iniziò a esporre con The London Group, organizzazione di artisti che aveva tra i suoi membri David Hockney e Frank Auerbach. Nel 1965, venne stata selezionata per prendere parte a una mostra collettiva, Six Artists, presso l'Institute of Contemporary Arts, ICA, a Londra.

Nel 1966 il padre della Rego morì e Willing rilevò l'attività di famiglia nonostante fosse affetto da sclerosi multipla. La società fallì nel 1974 durante la rivoluzione dei garofani che rovesciò la dittatura di destra dell'Estado Novo del paese, quando la produzione fu rilevata dalle forze rivoluzionarie, anche se la famiglia Rego era stata sostenitrice della sinistra politica. Di conseguenza, Rego, Willing e i loro figli si trasferirono definitivamente a Londra e vi trascorsero la maggior parte del tempo fino alla morte di Willing nel 1988.

Sempre nel 1966 tenne la sua prima mostra personale alla Sociedade Nacional de Belas Artes (SNBA) a Lisbona. Fu anche rappresentante portoghese alla Biennale d'Arte di San Paolo del 1969. Tra il 1971 e il 1978 tenne sette mostre personali in Portogallo, a Lisbona e ad Oporto, e poi una serie di mostre personali in Gran Bretagna, tra cui alla AIR Gallery di Londra nel 1981, gli Arnolfini a Bristol nel 1983 e l'Edward Totah Gallery di Londra nel 1984, 1985 e 1987. Nel 1988, Paula Rego fu oggetto di una retrospettiva alla Calouste Gulbenkian Foundation di Lisbona e alla Serpentine Gallery di Londra. Ciò la portò a essere invitata a diventare la prima artista associata alla National Gallery di Londra nel 1990, in quella che fu la prima di una serie di progetti di artisti in residenza organizzati dalla galleria.

Successivamente una serie di dipinti e stampe sul tema delle filastrocche, portati in tour per la Gran Bretagna e altrove dall'Arts Council of Great Britain e dal British Council dal 1991 al 1996. La seconda era una serie di dipinti su larga scala ispirati ai dipinti di Carlo Crivelli nella Galleria Nazionale. L'opera d'arte di Rego è esposta in molte istituzioni pubbliche e private in tutto il mondo. L'artista ha 43 opere nella collezione del British Council, dieci opere nella collezione dell'Arts Council of England e 46 opere alla Tate Gallery di Londra ed è attualmente rappresentato dalla Marlborough Fine Art.

Nei suoi primi lavori, come "Always at Your Excellency's Service", dipinto nel 1961, Rego fu influenzata dal surrealismo, e in particolare dall'opera di Joan Miró. Questo traspare non solo dal tipo di immagini utilizzate, ma anche dal stile impiegato, che si basa sull'idea surrealista del disegno automatico, in cui l'artista tenta di liberare la mente cosciente dal processo di creazione, per consentire all'inconscio di dirigere la creazione di un'immagine. A volte questi dipinti quasi sfiorano l'astrazione; tuttavia, come esemplificato da "Salazar Vomito nella Patria", anche quando le sue opere si spostarono verso l'astrazione, l'elemento narrativo rimane. Paula Rego era una prolifica pittrice e incisore che ha realizzato negli anni giovanili anche lavori di collage. Le sue note rappresentazioni di racconti popolari, fiabe e immagini di giovani ragazze, realizzate in gran parte dal 1990, mettono in risalto metodi di pittura e incisione in contrasto con lo stile più libero dei suoi dipinti precedenti.

Ci sono due ragioni principali per cui Rego adottò uno stile semi-astratto negli anni '60. In primo luogo, all'epoca l'astrazione dominava nei circoli artistici d'avanguardia, che aveva messo l'arte figurativa sulla difensiva. Ma Rego stava anche reagendo alla sua formazione presso la Slade School of Art, dove era stata posta una forte enfasi sul disegno anatomico di figure. Rego rinunciò a lavorare con il collage alla fine degli anni '70 e nei primi anni '90 iniziò a utilizzare i pastelli. Forte influenza del lavoro "nero" di Goya. Un'artista interessata a rappresentare il contesto politico e sociale degli anni che viveva, la sua contemporaneità, la violenza delle sue esperienze personali. Un modo di rappresentare la realtà, molto espressivo e forte. Un'umanità mostrata in tutta la sua brutale verità.

Tra le opere più importanti realizzate a pastello ci sono la sua serie "Dog Women", in cui le donne sono mostrate sedute, accovacciate, comportandosi come se fossero cani. Questa antitesi di ciò che è considerato il corretto comportamento femminile e in altre sue opere in cui sembra esserci la minaccia della violenza sulle donne o la sua manifestazione, hanno fatto sì che Rego fosse associata al femminismo. Ha riconosciuto di aver letto in giovane età "Il secondo sesso" di Simone de Beauvoir, un testo femminista chiave, e che le ha fatto una profonda impressione.

Le sue opere sembrano anche essere in sintonia con l'interesse per le critiche freudiane mostrate dagli scrittori femministi sull'arte negli anni '90, come Griselda Pollock, con opere come "Girl Lifting up Skirt to a Dog" del 1986 e "Two Girls and a Dog" del 1987 sembra avere inquietanti sfumature sessuali, anche se l'artista contesta i critici che leggono troppi contenuti sessuali nel suo lavoro. Secondo Fiona Bradley la rappresentazione di Rego delle donne come esseri poco femminili, animalistici o brutali è che ciò riflette la realtà fisica delle donne come esseri umani nel mondo fisico, piuttosto che il tipo femminile idealizzato nelle menti degli uomini. In alcune interviste la Rego spiega invece un punto di vista diverso, quasi divertito e goliardico nelle mosse dei personaggi che si muovono nei suoi dipinti, un sottile simbolismo familiare e personale che racconta la sua esperienza vissuta.

Paula Rego trascorse gran parte della sua carriera in difesa dei diritti delle donne e sui diritti di aborto. Criticò il movimento anti-abortista, usando il tema dell'aborto come punto focale in gran parte della sua arte. Rego si oppose alla criminalizzazione dell'aborto e affermò che il movimento anti-aborto “criminalizza le donne” e in alcuni casi porterà le donne a essere costrette a trovare “soluzioni di ripiego” potenzialmente mortali. Affermò che la questione riguarda in modo sproporzionato le donne povere, mentre per i ricchi è più facile trovare un modo sicuro per abortire (indipendentemente dalla legge) a causa della possibilità di viaggiare all'estero, come in Spagna o in Olanda, per eseguire l'operazione.

Paula Rego creò una serie d'arte che documentava gli aborti illegali in risposta al referendum del Portogallo sull'aborto del 1998. Il tema dell'aborto, in cui il suo lavoro fa sentire e comprendere tutta la solitudine di donna costretta ad abortire clandestinamente. In esse possiamo contemplare donne emarginate che abortiscono in luoghi oscuri. I loro sguardi affrontano il rischio, scommettendo tutto e osando, superando la paura; Queste figure sono in un certo senso vittime della legge che non permetteva loro di abortire in corrette condizioni sanitarie e morali. A proposito, su questo argomento, una delle sue opere migliori è il Trittico dell'aborto, dipinto nel 1998.

In Swallows The Poison Apple, Paula Rego rivede la storia di Biancaneve per esporre il valore incerto della giovinezza. Vestita con i tradizionali abiti Disney, questa Biancaneve non è una giovane principessa, ma una donna di mezza età. Nell'immagine, pochi istanti dopo aver mangiato la mela avvelenata, giace distesa tra i mobili capovolti, suggerendo una morte dolorosa e violenta, stringendo le gonne come se si aggrappasse a qualcosa che scivola via. Il suo corpo giace tra una coperta ornata di fiori primaverili e uno sfondo sinistro di rosso e nero. Rego illustra il conflitto della realtà che invade i miti socialmente imposti del valore femminile, interpretando l'invecchiamento come una violazione sia fisica che psicologica.

Attingendo dai suoi ricordi d'infanzia, il lavoro di Paula Rego illustra il folklore in cui la fiaba e l'orrore convergono per ritrarre l'esperienza femminile. Ricordando le visite dell'infanzia al cinema con suo padre, la serie Biancaneve di Rego si appropria della storia Disney con inquietanti colpi di scena immaginari e autobiografici. In Biancaneve che gioca con i trofei di suo padre, Rego usa l'allegoria della vanità femminile per sostenere una politica familiare. L'eroina, raffigurata con un abito bianco che simboleggia la verginità e l'innocenza, sembra ironicamente consapevole della propria sessualità. Seduta come una donna con le gambe aperte, prende tra le ginocchia la testa di un giovane daino, rappresentando il risveglio sessuale. Sullo sfondo, la sua matrigna si inginocchia come strega anziana, guardando con disprezzo e invidia.

Molte su opere si riferiscono, in maniera spesso sottintesa, alla malattia del marito. Spesso rappresentava donne o bambine intente a prendersi cura di un cane chiaramente bisognoso aiuto. Nelle opere si intuiscono i sentimenti contrastanti che provava verso una situazione difficile. Provava grande amore per il marito ma anche risentimento verso una malattia che lo stava distruggendo, costringendolo infermo a letto, volendo comunque sempre prendersi cura di lui. Il cane rappresentato ha un'immagine spesso ambigua, riceve aiuto ma a volte morde la mano che lo cura.

Le immagini molto forti, nei tratti marcati e i colori quasi puri, sono intrise anche di un certo umorismo, caratteristica della personalità della Rego, a cui piaceva spiazzare lo spettatore, e prendendosi gioco di lui. Nel dipinto "La danza" la Rego rappresenta vari momento della vita di una donna. Si possono subito riconoscere le persone più importanti della sua vita, il marito, la madre e sua nonna. Letto da sinistra verso destra si vede la protagonista del quadro, una donna sola più grande di tutte le altre. Il dipinto rappresenta la forza della donna che, nonostante la perdita del marito e il conseguente lutto, riesce a stare in piedi da sola, indipendente e forte.

Nel 2010 viene nominata Dame dell'Impero Britannico (Dame Commander of the Order of the British Empire). Nel 2011 viene inaugurata la "Casa das Histórias Paula Rego", un museo a Cascais (vicino Lisbona) che ospita una vasta collezione delle sue opere. Muore a Londra nel 2022.

Link:

Wikipedia: Paula Rego

Chiharu Shiota: Donne nell'Arte del Novecento e 2000

noreply@blogger.com (Artravelling) — Sun, 21 Dec 2025 15:52:00 +0000

Copertina: Gouache su carta, di C. Saint

Dal 22 0ttobre 2025 al 28 giugno 2026 al MAO (Museo d'Arte Orientale) di Torino, è in corso una mostra "The Soul Trembles" di Chiharu Shiota, un'ottima occasione per vedere dal vivo le opere di questa eclettica artista che ha già riscosso grande successo nelle precedenti tappe internazionali. Chiharu Shiota (nata nel 1972) è un'artista giapponese di performance e installazioni, che consistono in reti brillanti e intricate di fili che si estendono attraverso le sale della galleria, e hanno portato l'artista alla fama negli anni 2000.

Questa è un'occasione per vederle dal vivo. Io ho approfittato di un'uggiosa giornata autunnale per gironzolare per le sale semi vuote (infrasettimanale) del bellissimo palazzo torinese e godermi in tutta tranquillità le splendide installazioni. L'impatto è incredibile quindi ho deciso di dedicarle questo articolo proponendo le mie foto, inserite in seguito sul post. Anche se le stanze del museo sono forse un po' piccole per ricreare le suggestioni e i labirintici intrecci che quest'artista riesce a creare, non risultano troppo punitive e riescono a donare una dimensione quasi onirica e avvolgente. Se poi rimane del tempo, fate una scappata al Museo Egizio, per fare il pieno natalizio di Arte!

Gli orari della mostra sono:
Martedì, mercoledì, venerdì, sabato, domenica: 10-18
Giovedì: 12-22 (orario speciale in vigore fino al 29 gennaio 2026)

Lunedì chiuso

Sul sito trovate tutte le informazioni per l'accesso. Consiglio la prenotazione del weekend (soprattutto sotto Natale)

La Shiota è nata a Kishiwada (Osaka, Giappone) il 20 maggio all'inizio degli anni '70. Sin da bambina esprime il desiderio di diventare un'artista e il clima famigliare benevolo le ho permesso di seguire la sua vocazione e studiare arte in modo formale presso diversi istituti di Kyoto, Canberra e Berlino, tra gli inizi degli anni novanta e il 2002.

La sua prima installazione riconosciuta si è svolta nel 1994, mentre studiava a Canberra in Australia. Qualche tempo prima di svilupparla aveva deciso di rinunciare alla classica pittura su tela per dedicarsi completamente alla Performance Art. Le rimase impresso un sogno che aveva fatto proprio a seguito di questa decisione e decise che la realizzazione sarebbe stato il fulcro della performance: lei stessa diventava parte della realizzazione dell'opera d'arte spargendo il suo corpo di vernice rossa. La performance ebbe un forte impatto emotivo e fisico. L'incontro con Marina Abramovic e alcuni suoi workshop le diedero l'occasione di proseguire su questa via artistica.

Il lavoro della Shiota è caratterizzato da un mix di arte performativa e installazioni spettacolari in cui utilizza oggetti antichi come letti, telai di finestre, scarpe e valigie accumulandoli, facendoli fluttuare nelle sale o li collega con fili neri o rossi (in totale 110 km di fettuccia di Alcantara), creando complicatissime ragnatele. Esplora il rapporto tra passato e presente, il suo legame con il Giappone in un misto di amore e odio, attrazione e repulsione.

La dimensione onirica attraverso il tessuto di ragnatele reali e complesse e impenetrabili è il filo condutture che unisce visceralmente le sue opere a se stessa. La semplicità dei materiali rende l'impatto delle opere ancora più forte. Le sue principali influenze sono Christian Boltanski, Annette Messager e William Kentridge. Inoltre nelle sue istallazioni si possono trovare sia oggetti sovradimensionati che miniature in un continuo gioco di rimandi e citazioni ai suoi lavori precedenti.

Chiharu Siota utilizza anche questi oggetti pensando e immaginando quei ricordi che saranno stati incisi su ciascuno, poiché tratta principalmente temi come la memoria e l'oblio, le tracce del passato, che affrontano l'ansia. Esplora anche domande come "cosa significa essere vivi?" o "Cos'è l'esistenza?", o altri temi come la vita e la morte, o le opportunità e la speranza.

In "The Soul Trembles" affronta il ricordo di un avvenimento a cui assistette da bambina, il grande incendio della casa dei suoi vicini. Ricorda che quando l'incendio fu spento sul prato di fianco alla loro casa era stato abbandonato un pianoforte danneggiato dal fuoco, quell'immagine tristemente poetica le da l'occasione per creare un'opera che è una riflessione sulla nostra relazione con gli oggetti che ci circondano e la relazione tra la psiche e lo spazio. Da un lato il piano simboleggia il silenzio, dall’altro è come se suonasse musica in un concerto immaginario rappresentato dalle sedie vuote che lo circondano.

Sin dall'inizio degli anni 2000, la Shiota continua a produrre installazioni simili a ragnatele in istituzioni di tutto il mondo, che sono diventate il suo insieme di opere distintive. Queste installazioni variano notevolmente da una all'altra, adattandosi alla scala delle sale e incorporando oggetti trovati di vario tipo. Nel creare le opere in ogni luogo espositivo, Shiota si confronta spesso con il simbolismo e le storie contenute negli oggetti usati che è riuscita a raccogliere. I vestiti, le chiavi, le cornici, le scarpe, le valige e soprattutto le barche fanno parte del suo immaginario che poi diviene collettivo.

Proprio su questo discorso in particolare in un'intervista ha detto: "un artista crea dipinti facendo gocciolare il colore sulla tela (rif a Pollock) e presenta agli altri il suo lavoro. Arriva un momento in cui tutto ciò trascende l'"Io" e diventa "Noi". A quel punto quando un singolo pazzo individuo pensa una cosa, dipinge, inventa, e a un tratto tutto ciò diventa qualcosa che appartiene non solo a quella persona ma con la quale anche altri possono immedesimarsi, quando diventa "Noi" credo che sia allora che nasce un'opera d'arte." (citazione dalla monografia della Shiota di Giunti Editore).

Mostre Personali Principali:

2011: La Maison Rouge, Parigi, Francia.
2014: Smithsonian Institution Arthur M. Sackler Gallery, Washington D.C., USA; Espai de arte contemporani Castelló, Spagna.
2015: K21-Kunstsammlung NRW, Düsseldorf, Germania.
2019: The Soul Trembles, Mori Art Museum, Tokyo, Giappone (grande retrospettiva).
2023: Signs of Life, Galerie Templon, New York, USA; Hammer Projects: Chiharu Shiota, Hammer Museum, Los Angeles, USA.
2024: Cosmography, Galerie Templon, New York, USA; Shiota Chiharu, Gana Art, Los Angeles, USA.
2025: Home Less Home, ICA Watershed, Boston, USA; The Soul Trembles, MAO Museo d'Arte Orientale, Torino, Italia (in corso 2025-2026).

2025 (Novembre): The Moment the Snow Melts, MUDEC, Milano, Italia (installazione site-specific).

Collettive e Biennali (Selezione):

Biennali: Venezia (Italia), Sydney (Australia), Kiev (Ucraina), Yokohama (Giappone).
2011: Bye Bye Kitty!! Between Heaven and Hell in Contemporary Japanese Art, Japan Society Gallery, New York, USA.
2013: Museum of Old and New Art, Tasmania, Australia; Museum on the Seam, Gerusalemme, Israele.
2014: Mori Art Museum, Tokyo, Giappone.
2015: East Asia Feminism: FANTasia, Seoul Museum of Art, Seoul, Corea del Sud.
2019: 2019 Hangzhou Triennial of Fiber Art, Hangzhou, Cina.
2022: JAPAN. BODY. PERFORM. LIVE. (collettiva).

2023: Narrative Threads: Fiber Art Today, Moody Center for the Arts, Rice University, Houston, USA.

Tappe Italiane (in corso):

MAO - Museo d'Arte Orientale, Torino: Dal 22 ottobre 2025 al 28 giugno 2026, presentando installazioni iconiche come Uncertain Journey e Accumulation.

MUDEC - Museo delle Culture, Milano: Dal 19 novembre 2025, con l'inedita installazione The Moment the Snow Melts, parte del progetto Il senso della neve.

Al MUDEC di Milano è stata inaugurata The Moment the Snow Melts, l’installazione site-specific di Chiharu Shiota (Osaka, 1972) allestita dal 19 novembre 2025 al 28 giugno 2026, anteprima della mostra The Sense of Snow, in programma nel museo milanese dal 12 febbraio al 28 giugno 2026.

Chiharu Shiota ha tenuto numerose mostre in tutto il mondo, con alcune personali di rilievo che includono The Soul Trembles (Mori Art Museum, 2019), Home Less Home (ICA Watershed, 2025), Cosmography (Galerie Templon, 2024), e una grande retrospettiva italiana al MAO di Torino (2025-2026), oltre a partecipazioni a collettive e biennali, come la Biennale di Venezia, con installazioni site-specific che usano fili rossi e neri per esplorare memoria e relazioni umane.

La mostra The Soul Trembles di Chiharu Shiota è un tour internazionale che ha toccato diverse prestigiose istituzioni, tra cui il Mori Art Museum (dove è nata), il Grand Palais di Parigi, il Busan Museum of Art, il Long Museum di Shanghai, la Queensland Art Gallery e lo Shenzhen Art Museum, arrivando in anteprima nazionale italiana al MAO (Museo d'Arte Orientale) di Torino dal 22 ottobre 2025 al 28 giugno 2026, per poi proseguire in Italia con una tappa a Milano.

Tappe Principali del Tour Internazionale (precedenti a Torino):

Mori Art Museum, Tokyo (luogo di origine del progetto).
Grand Palais, Parigi.
Busan Museum of Art, Corea del Sud.
Long Museum West Bund, Shanghai, Cina.
Queensland Art Gallery, Brisbane, Australia.

Shenzhen Art Museum, Cina.

Per altre info consultate Wikipedia (quella inglese naturalmente!)

Consiglio vivamente anche l'articolo di "Finestre sull'arte".

Usare Sketchbook Pro per il bilanciamento colore

noreply@blogger.com (Artravelling) — Mon, 27 Oct 2025 14:45:00 +0000

Mi sono imbattuta in una foto che ho trovato carina e simpatica. I colori originali di questa foto non mi soddisfacevano, tutto era troppo chiaro e senza contrasti. Per rendere la scelta più semplice ho preferito usare un app del mio tablet partendo da una foto del bozzetto su tela. Così facendo ho scelto in maniera approssimativa i colori che più mi piacevano. Il punto di inizio è stato la scelta del colore rosso per il maglioncino, una bella sferzata di energia proprio nel centro del quadro. Una volta finito di colorare il bozzetto, semplicemente, si possono creare infinite varianti usando lo strumento "bilanciamento del colore". La penultima foto di questo post mostra tutte le varianti insieme. Facendo di volta in volta una screenshot per archiviarle più velocemente in memoria (le tiff occumano molto spazio e creano confusione con l'originale) ho potuto scegliere con calma la mia preferita. Niente, come al solito la prima versione era quella che mi convinceva di più. Se avessi voluto cambiare una zona, invece che tutto, mi bastava selezionare solo la parte e procedere con il bilanciamento del bianco, apportando poi le modifiche desiderate alla tela. Nelle foto che seguono si possono vedere tutte le fasi che hanno portato alla scelta di colore finale.

1. Bozzetto preparatorio

2. Disegno su tela

3 - 4. Prove colore con Sketchbook Pro e la versione scelta per il dipinto a olio.

Yayoi Kusama: Donne nell'Arte del Novecento

noreply@blogger.com (Artravelling) — Thu, 02 Oct 2025 15:21:00 +0000

Yayoi Kusama è un'artista giapponese, nata il 22 marzo 1929 a Matsumoto, nella prefettura di Nagano. La sua arte è subito distinguibile dalla presenza di colori vivaci e dall'uso di pois, ripetuti quasi in maniera ossessiva nella maggior parte delle sue opere. Ha vissuto principalmente a New York tra il 1958 e il 1972. Sono stati creati in questo periodo le sue opere d'arte principali, le sue Performance e i suoi Happening più noti sono stati creati durante questo periodo. È una delle più importanti rappresentanti della Soft Sculture (un tipo di scultura o forma tridimensionale che incorpora materiali come stoffa, pelliccia, gommapiuma, plastica, carta, fibra o materiali simili morbidi e non rigidi). Il 27 settembre 2017 l'artista ha aperto il suo museo a Tokyo.

Il suo lavoro si basa sull'arte concettuale e mostra alcuni attributi del femminismo, del minimalismo, del surrealismo, dell'art brut, della pop art e dell'espressionismo astratto, ed è intriso di contenuti autobiografici, psicologici e sessuali. È stata riconosciuta come una delle più importanti artiste viventi del Giappone, l'artista femminile più venduta al mondo, e l'artista vivente di maggior successo al mondo. Nel 1991, Kusama ha recitato nel film Tokyo Decadence, scritto e diretto da Ryū Murakami, e nel 1993 ha collaborato con il musicista britannico Peter Gabriel in un'installazione a Yokohama. La lotta della Kusama con le allucinazioni, legate alla sua malattia mentale, ha influenzato tutto il suo stile artistico.

Appartenente a una famiglia contadina benestante, è la più giovane di quattro fratelli, e ha svolto i suoi primi studi nella sua città natale. Aveva mostrato un interesse per l'arte già in tenera età e dipingeva e disegnava dall'età di dieci anni. Ricorda l'artista che il suo approccio con l'arte era iniziato quando in tenera età iniziò ad essere soggetta ad allucinazioni visive. Racconta: "Un giorno, dopo aver visto la tovaglia con il motivo del fiore rosso sul tavolo, ho guardato il soffitto. Lì, dappertutto, sulla superficie si estendevano le forme dei fiori rossi. Tutta la stanza, tutto il mio corpo, tutto l'universo ne era pieno." Queste macchie, questi pois, saranno onnipresenti nelle sue opere da quel momento in poi.

link

La Kusama espose per la prima volta le sue opere all'età di 16 anni vincendo il concorso per la Mostra Regionale delle Arti Zen-Shinshu nel 1945 e nel 1946. La ragazza ha proseguito i suoi studi a Kyoto presso la scuola secondaria superiore Hiyoshigaoka e ha studiato giapponese tradizionale (Nihonga) e pittura moderna. La sua famiglia si oppose sin da subito a questa sua propensione artistica, soprattutto la madre, che non vedeva di buon occhio questa professione, praticamente preclusa alle donne dell'epoca, e rendendo il loro rapporto conflittuale. Proprio questo conflitto aveva spinto la ragazza a raggiungere presto un'indipendenza e una forza di carattere per opporsi alla famiglia e perseguire le proprie aspirazione in libertà. La tossicità e le critiche continue a cui era sottoposta in gioventù la portarono così a sviluppare una forte ansia e un senso di pressione mentale che le rimandava un'immagine cupa e preoccupate del proprio futuro.

link

Anche nel seguire i suoi studi artistici trovò non poche difficoltà a poter sviluppare la propria personalità, costretta a una innaturale subordinazione e a un costrittivo rapporto allievo/maestro tipico della società giapponese, in cui l'imposizione di regole troppo ferree della pittura tradizionale soffocavano la sua naturale creatività. Unica possibilità di liberarsi le viene data dallo studio dell'arte occidentale, che le permise di ampliare la sua visione e a sperimentare nuove tecniche, impegnandola in un studio da autodidatta.

Nel marzo 1952, la Kusama tiene la sua prima mostra personale a Matsumoto. Coronato dal successo, l'artista ha l'opportunità pochi mesi dopo di presentare diverse altre mostre personali a Tokyo e in altre importanti città del Giappone. Ciascuna delle mostre contiene un numero considerevole di opere (più di 250). Nonostante questa improvvisa notorietà in Giappone, decide di lasciare il suo paese nativo per trasferirsi negli Stati Uniti, che nel dopoguerra erano considerate il centro delle avanguardie artistiche.

link

Nel 1957 conosce Georgia O'Keeffe, che l'aiuta a muovere i primi passi in America. Inizia così il difficile periodo Newyorkese, dovuto soprattutto alla mancanza immediata di adeguati mezzi di sostentamento, così i suoi magri risparmi non le permisero di mangiare o di avere una casa decente mentre acquistava le forniture artistiche di cui aveva bisogno. Dopo i suoi Infinity Net Paintings alla Galleria Brata nel 1959, espone foto, collage, installazioni, con Joseph Cornell, Jasper Johns, Yves Klein, Piero Manzoni, Claes Oldenburg e Andy Warhol.

L'artista partecipa ai movimenti della Psichedelia e della Pop Art. A New York vede le opere di contemporanei come Donald Judd e Andy Warhol, oltre ad artisti della Scuola di New York, Mark Rothko, Barnett Newman, che la portano a sviluppare la sua arte in tele di grande formato, con una forte propensione per la provocazione che la fa notare presso diversi artisti e studi.

link

Nel 1960 lanciò il suo Manifesto "Kusama’s Self Obliteration" e dichiarò: "La mia vita è un pois perduto tra migliaia di altri pois... ". In questo periodo era molto conosciuta nella scena artistica d'avanguardia, ancorata comunque sempre al mondo i Warhol e Judd. La critica si mostrava positiva verso i suoi lavori e al personaggio che aveva creato nel tempo, parte importante del suo lavoro che lentamente segnò il passaggio da artista a performer. Nel 1964 presenta "One Thousand Boat Show" alla Galleria Gertrude Stein. Insieme a Driving Images, queste sono le sue due opere più famose, che mescolano barche, falli, ossessioni, immagini, suoni, video, manichini e oggetti, ricoperti di pois o maccheroni. Nel 1966 a New York si svolse il primo happening, 14th Street Happening, in cui l'artista è sdraiata al centro del marciapiede su un materasso ricoperto di forme falliche sporgenti con motivi a pois.

Sempre nel 1966, Yayoi Kusama partecipa alla Biennale di Venezia senza essere invitata e senza autorizzazione. Con l'aiuto di Lucio Fontana, che le aveva messo a disposizione uno studio per alcuni mesi, versò 1.500 palline luccicanti nei canali antistanti il padiglione italiano e presentò così l'opera Narciso giardino. Tornò nel 1993, ufficialmente invitata a rappresentare il Giappone. Questa performance, in cui spesso i partecipanti sono nudi ed includono body painting, in collaborazione con ballerini o hippie, hanno lo scopo di scioccare e si svolgono in luoghi turistici o di grande passaggio, finendo inevitabilmente con l'intervento della polizia. Nel 1967, Yayoi Kusama diresse un film di ventitré minuti intitolato Kusama's Self Obliteration, montato e girato da Jud Yalkut. Combina filmati di vari eventi tenuti da Yayoi Kusama. Il video ha vinto diversi premi. Le opere performative hanno come apice il 1968, ma l'interesse svanì già nei primi anni '70.

La Kusama tornò definitivamente in Giappone nel 1973. Per scelta personale si fece ricoverare nell'ospedale psichiatrico Seiwa a Tokyo. Qui ha organizzato il suo studio privato. Smessi i panni dell'artista provocatore ha dedicato la sua arte dipinti naif su cartone. Il pubblico francese l'ha scoperta nel 2000 durante l'installazione di "Infinity Mirror Room Fireflies on Water" al Musée des Beaux-Arts di Nancy e nel 2001, durante la sua prima mostra parigina alla Maison de la culture du Japon.

In questa installazione lo spettatore viene chiuso in una stanza cubica, completamente nera, il cui pavimento è costituito da una vasca nera ricoperta d'acqua. Alle pareti sono installati specchi che riflettono piccole lampadine colorate. L'effetto è spettacolare, la mancanza di punti di riferimento permette alla vista di perdersi in mezzo a quell'immensità estraniante. Probabilmente l'effetto voleva ricreare l'episodio allucinatorio che la Kusama aveva avuto nell'infanzia e far avvicinare, quasi coinvolgere lo spettatore nella sua visione interiore. La camera è stata ricreata nel marzo del 2024 in occasione di Bergamo Brescia Capitale italiana della Cultura 2023 a Palazzo della Ragione, in Città Alta.

copiright Yayoi-Kusama credits Roberto Marossi

Nel 1968 l'artista fonda la casa di moda "Kusama Fashion Company Ltd". La prima collezione, composta da pantaloni a pois, abiti psichedelici e tuniche con influenze giapponesi. Queste creazioni prendono presto piede e vengono vendute in alcuni grandi magazzini di New York. L'idea dietro queste opere era quella di allontanarsi dalla moda in serie e proporre qualcosa di eccentrico, bizzarro, uno strumento di comunicazione della propria personalità. Tornata in Giappone nel 1975 continua collezioni con il suo marchio di moda.

Nel 2006 riappare sulla scena della moda Newyorkese quando Marc Jacobs, allora direttore artistico di Louis Vuitton, le offrì una collaborazione, apponendo i suoi famosi pois sulla Louis Vuitton Ellipse Bag, continuando poi la collaborazione fino al 2012, con una collezione di moda prêt-à-porter composta da abbigliamento, scarpe ed accessori, vendute in diverse boutique Louis Vuitton sparse in tutto il mondo. Undici anni dopo, nel 2023, Louis Vuitton rilancia una collaborazione con l'artista, che ha un impatto internazionale, in particolare grazie alla sua campagna pubblicitaria; la campagna presenta automi a grandezza naturale di Yayoi Kusama che dipingono pois gialli sulle vetrine delle boutique Louis Vuitton di Parigi, Place Vendôme, Londra e New York.

Un'artista intrinsecamente complessa nella sua semplicità e immediatezza visiva, i pois, così come le forme falliche, i tentacoli, le zucche, e i colori vivaci al limite della psichedelia, creano un linguaggio personale che ha l'intento di ricreare ossessivamente la sua nevrosi probabilmente per liberarsene o esorcizzarla. Un modo forse per convivere con la propria malattie esponendola, per impedirle di sopraffarla. Avere il completo controllo della propria immagine esteriore per conquistare quella interiore, ferita e vittima del mondo che la circonda.

Coinvolgere il pubblico per ottenere un riconoscimento esterno, l'affermazione di esistere e che la propria visione interiore riesca a connettersi con quella degli altri, senza banalizzarla. Il rischio oggi forse è proprio quello, di essere archiviata velocemente, il tempo di uno scatto di una sua opera, più per il gusto di esserci che per comprenderla veramente. Personalmente ho trovato la mostra di Bergamo un'operazione commerciale poco interessante, anche se l'opera in sé mi ha affascinato. Nel complesso vedo il suo percorso artistico estremamente originale e diretto, liberare, con un forte messaggio di uguaglianza tra uomini e donne. Parlare di libertà sessuale e denunciare la società di consumo eccessivo, facendone parte e successivamente forse un po' strumentalizzata diventando essa stessa parte di questo consumo.

Gabriele Münter: Donne nell'Arte del Novecento

noreply@blogger.com (Artravelling) — Sun, 12 Jan 2025 15:10:00 +0000

Dal 12 novembre al 9 febbraio 2025 il Museo Nacional Thyssen-Bornemisza di Madrid ospita la prima retrospettiva in Spagna dedicata a Gabriele Münter, una delle figure di spicco dell'espressionismo tedesco dell'inizio del XX secolo. Un’artista rimasta nell’ombra per troppo tempo che ora finalmente riceve un giusto riconoscimento!

Ammetto che anch’io, tra i miei appunti d’arte, ho catalogato questa importante pittrice espressionista semplicemente come “compagna di Kandinsky”. Approfondendo mi sono sentita un po’ colpevole, come donna e pittrice, e lei ha rincarato la dose dicendo: «Agli occhi di molti sono stata solo un’appendice insignificante di Kandinskij. Che una donna possa avere un talento autonomo e sia un essere creativo, lo si dimentica volentieri». Per scusarmi ammetterò la mia personale e impopolare opinione, non mi è mai piaciuto Kandinsky! Non ho mai capito l’entusiasmo di chi mi circondava, impazzendo di fronte ai suoi quadri astratti, ma a me non hanno mai comunicato assolutamente nulla. Nella pagina dedicata a Kandinsky su Wikipedia, la Münter viene indicata solo come prima compagna di vita, mentre della pagina a lei dedicata viene indicata come cofondatrice del movimento artistico espressionista Der Blaue Reiter (Il cavaliere azzurro) insieme al compagno e Frank Mark. Alla fine comunque anche la storia mi ha dato ragione, ammettendo la prima vera astrattista è stata la Af Klint (gnegne).

Lo stile di Münter si distingue per l'uso audace del colore e la semplificazione delle forme, caratteristiche che la resero una figura chiave dell'espressionismo tedesco. I suoi ritratti sono particolarmente notevoli per la loro capacità di catturare l'essenza psicologica dei soggetti. L’uso del colore era principalmente legato alle emozioni, sviluppando con il tempo uno stile personale incisivo sfociato in una produzione artistica indipendente. Di seguito un po’ di note biografiche. Il ritratto della Münter è stato realizzato con Escape Motion Rebelle 5 pro.

Gabriele Münter nacque il 19 febbraio 1877 a Berlino. I suoi genitori erano diventati ricchi negli Stati Uniti, ma erano tornati in Germania a causa della guerra civile. Un anno dopo la nascita di Münter, la famiglia si trasferì a Herford in Westfalia, poi a Coblenza. Suo padre morì nel 1886. La madre diede alla figlia poca educazione e sostegno, dal momento che trascorreva molto tempo in viaggio o in ospedale e lasciava i suoi fratelli da soli per lunghi periodi di tempo. Münter crebbe senza supervisione e con un’educazione non convenzionale, che le permise di crearsi una sua visione imparziale e libera.

Nella primavera del 1897, iniziò a prendere lezioni private dal pittore e ritrattista Ernst Bosch e frequentò per un breve periodo la scuola d'arte femminile di Willy Spatz a Düsseldorf, soprattutto perché le accademie statali erano ancora precluse alle donne. Alla morte di sua madre a novembre, divenne finanziariamente indipendente grazie a una ricca eredità, e l'anno successivo partì con sua sorella per un viaggio negli Stati Uniti. Per due anni le sorelle viaggiarono attraverso il Missouri, l'Arkansas e il Texas.

Nel 1901, Gabriele Münter si trasferì a Monaco di Baviera, continuando i suoi studi presso l'Accademia femminile dell'Associazione degli artisti. Poiché non era soddisfatta delle lezioni all'Accademia delle Dame, presto si trasferì nello studio della scuola dei grafici Heinrich Wolff ed Ernst Neumann, dove si dedicò alla tecnica di stampa delle xilografie. Successivamente si trasferì nella piccola scuola di pittura progressista chiamata "Phalanx". Lì si iscrisse al corso di scultura e prese lezioni di disegno dal vero con Wassily Kandinsky. Per tutto questo periodo la Münter dipinse per lo più paesaggi di piccolo formato in stile tardo impressionista. Da Kandinsky aveva appreso la tecnica della spatola con l'applicazione della vernice a campi di colore.

Kandinsky all'epoca era sposato con sua cugina e quando iniziò la sua relazione clandestina con la Münter, intrapresero lunghi viaggi dal 1904 in poi, nei Paesi Bassi, in Tunisia, in Italia e in Francia. La Münter approfittò di questi viaggi per realizzare schizzi e fotografie che le diedero la possibilità di trasformarli in dipinti, soprattutto paesaggi, e xilografie al suo ritorno a Monaco. Nel 1907, Münter ebbe le sue prime opportunità espositive a Parigi, tra cui sei dei suoi studi ad olio esposti al "Salon des Artistes Indépendants" e fu menzionata dalla stampa per la prima volta.

Tornati a Monaco di Baviera, si stabilirono a Murnau am Staffelsee, un comune tedesco del circondario di Garmisch-Partenkirchen sorto a partire dal 12° secolo intorno al castello di Murnau. Il villaggio fa parte della regione Das Blaue Land. Murnau si trova ai piedi delle Alpi bavaresi a circa 70 km a sud di Monaco di Baviera. Dal villaggio si possono vedere le cime e le creste delle Alpi. Veniva descritto da tutti come un posto paradisiaco e divenne presto meta di molti artisti.

Qui la Münter iniziò ad abbandonare lo stile postimpressionista evolvendo in una visione più lineare e astratta, con una semplificazione delle linee e dei campi di colore ma mantenendo al centro la ricerca espressiva e psicologica dei suoi contenuti. Insieme ai due pittori Marianne von Werefkin e Alexej Jawlensky, loro vicini di casa a Monaco-Schwabing, si stabilirono nella locanda "Griesbräu" sull'Obermarkt da metà agosto a fine settembre 1908. I quattro dipingevano insieme, discutevano e imparavano l'uno dall'altro. Jawlensky consigliò a Münter di separare le aree di colore con contorni neri per creare riferimenti spaziali netti e una struttura grafica decisa.

All'inizio dell'estate del 1909, la Münter acquistò la casa ora conosciuta come Casa Münter o "Casa Russa" (oggi museo), che divenne presto un centro culturale di artisti contemporanei, tra cui Alfred Kubin, Erma Bossi e Pierre Girieud. (Se non si conosce Kubin consiglio vivamente di recuperare il suo splendido libro "Dall'altra parte. Un romanzo fantastico" scritto all'inizio del novecento.) Per Münter, questo periodo è segnato dalla ricerca di una propria forma di pittura e dal desiderio di emanciparsi artisticamente da Kandinsky. Ha lottato con l'aspettativa che una personalità artistica matura dovesse avere uno stile uniforme e questa costrizione la lasciava insoddisfatta del suo stesso lavoro.

Nel dicembre del 1911 Münter, Kandinsky e Marc facevano parte dell'associazione artistica N.K.V.M.(Neue Künstlervereinigung München) si dimisero per disaccordi con gli altri membri e iniziarono a pianificare una contro-mostra, alla quale Robert Delaunay, Albert Bloch, Elisabeth Epstein e Henri Rousseau, tra gli altri, esposero insieme agli iniziatori. L'evento, che in seguito fu indicato come la "Nascita del Modernismo in Germania", era intitolato La prima mostra degli editori di Der Blaue Reiter.

La prima mostra presentava "43 opere elencate nel catalogo e almeno altre 5 opere fuori catalogo dei seguenti artisti: Henri Rousseau, Albert Bloch, David e Vladimir Burlyuk, Heinrich Campendonk, Robert Delaunay, Elisabeth Epstein, Eugen von Kahler, Wassily Kandinsky, August Macke, Franz Marc, Gabriele Münter, Jean-Bloé Niestlé e Arnold Schönberg. Questa mostra, divenuta leggendaria, è documentata da sei foto superstiti della Münter che, insieme all'elenco del catalogo e alle opere esposte, hanno permesso di ricostruirla.

La seconda mostra seguì dal 12 febbraio al 18 marzo 1912 esponeva solo opere su carta: acquerelli, acqueforti, disegni e xilografie, tra cui opere di Hans Arp, Georges Braque, André Derain, Paul Klee, Alfred Kubin, Kasimir Malevich, Wilhelm Morgner e Pablo Picasso accanto alle opere di Marc, Macke, Kandinsky e Josef Sánchez. La casa di Münter si trasformò rapidamente in un luogo di ritrovo per gli artisti nelle vicinanze del Cavaliere Azzurro.

Due giorni dopo lo scoppio della prima guerra mondiale, Münter e Kandinsky partirono per la Svizzera, poiché il pittore non poteva più rimanere in Germania come membro di una "potenza nemica". Münter lasciò la Svizzera nel 1915 per recarsi a Stoccolma. Lì fu riconosciuta come co-fondatrice del Blue Rider e esperta della scena artistica europea riunendo intorno a sé le giovani generazioni di pittori svedesi. In quel periodo la sua eredità, che le aveva permesso di vivere agiatamente, si era ridotta drasticamente a causa dell'inflazione e si vide costretta ad accettare commissioni per mantenersi. Migliorò la sua situazione progettando una serie di incisioni e litografie. Solo nel 1917 ebbe la possibilità di rivedere Kandinsky, che ruppe definitivamente la loro relazione. Solo anni dopo lei venne a sapere che quell'anno aveva già sposato Nina Andreevskaja.

Tornata in Germania nel 1920, si sentiva estranea in un paese segnato dalla prima guerra mondiale. Questo la portò ad una crisi emotiva ed artistica, con un notevole calo di creatività. Nonostante questo continuò a produrre notevoli opere su commissione. Nel 1925 si trasferisce a Berlino, ristabilisce i contatti con la scena artistica locale e frequenta la scuola di pittura di Arthur Segal. Sebbene facesse grandi sforzi per trovare opportunità espositive e di vendita, diventava sempre più difficile raggiungere i sui suoi precedenti successi. Come donna, oramai single, si sentiva tagliata fuori da tutte le possibilità di successo.

Dopo la separazione di Wassily Kandinsky, negli anni '20 si sviluppò una disputa legale sulla proprietà dei suoi dipinti di Murnau, che si concluse in gran parte a favore di Münter nel 1926. Lei ottenne le opere come risarcimento per i suoi voti matrimoniali infranti. Alla fine del 1927 incontrò il filosofo e storico dell'arte Johannes Eichner. Non solo divenne il suo partner, ma organizzò delle mostre come suo agente proponendo una nuova immagine dell'artista con i suoi scritti. Nel 1931 Münter tornò a Murnau, dove visse con Eichner dal 1936. Lui la convinse a partecipare a una mostra itinerante chiamata Le strade di Adolf Hitler nell'arte. Le sue opere però non ottennero il successo sperato e non vennero apprezzate sia dall'autorità che dal pubblico. Quando Hitler organizzò la mostra "Arte degenerata" le sue opere non furono esposte, ma le fece comprendere il pericolo che correvano le opere degli altri componenti del Der Blaue Reiter. Decise di nascondere molti dipinti di Kandinsky e di altri membri del Cavaliere Azzurro, tra cui Franz Marc, Paul Klee e Alfred Kubin nel seminterrato della sua casa, impedendone così la distruzione.

Nel 1949 partecipò con nove opere a una retrospettiva del Cavaliere azzurro alla Haus der Kunst di Monaco di Baviera. Dal 1949 al 1953, una mostra itinerante delle sue opere è stata allestita in 22 musei tedeschi. Nel 1950 espone tre dipinti alla Biennale di Venezia.

Nel 1955 espose a Kassel. Münter era membro dell'Associazione degli artisti tedeschi, alle cui mostre annuali partecipò nel 1952 e nel 1960. Per il suo 80° compleanno, nel 1957, donò la sua vasta collezione di dipinti alla Städtische Galerie im Lenbachhaus di Monaco di Baviera. La donazione consisteva in 25 dipinti, oltre 200 disegni e acquerelli, sette quaderni di schizzi e le sue stampe complete. Gabriele Münter morì nel 1962 nella sua casa di Murnau, quattro anni dopo Johannes Eichner. La tomba comune si trova nel cimitero di Murnau.

Gabriele Münter fu una pittrice e fotografa di talento. Studiandola ho potuto apprezzare davvero la sua arte. Le sue pitture impiegano la semplicità in stile Jugendstil e il simbolismo suggestivo Der Blaue Reiter, con un sapiente uso dei colori, soprattutto nei paesaggi, che giocano un ruolo decisivo nella creazione di spazi pittorici grazie anche linee di contorno nette e le forme appiattite. In particolare l’uso di colori primari carichi, contrastati dalle linee di contorno nere creano paesaggi pittoreschi, invitanti ad immergersi in un mondo fantastico. La natura brilla nelle sue opere con splendida vitalità. Al liceo ho amato molto Frank Marc, per un affine amore verso gli animali, e mi spiace aver scoperto questa artista solo ora. Credo che le donne artiste possano di diritto ritrovare il loro posto nella Storia dell’Arte, come tasselli di un puzzle mancanti, per arricchire il discorso ed aiutare a capire meglio la nostra epoca, dando la possibilità di ascoltare entrambe le voci, in modo che si completino armoniosamente e senza che nessuna delle due sovrasti l’altra.

Siti interessanti:

https://www.sentieristerrati.org/2019/06/29/gabriele-munter-soltanto-la-compagna-di-kandinskij/
https://vitaminevaganti.com/2023/08/26/le-grandi-assenti-gabriele-munter-2/
04. https://ilmestieredileggereblog.com/2017/09/17/gabriele-munter-o-limportanza-di-essere-se-stessi/
05. https://artloversapp.com/exhibitions/gabriele-munter/
06. https://www.guggenheim.org/exhibition/gabriele-munter

Fucsie work in progress: due bozzetti per gouache

noreply@blogger.com (Artravelling) — Thu, 05 Dec 2024 14:28:00 +0000

Gli studi sulle fucsie (intese come fiori) sta finalmente dando i suoi frutti fornendo materiale per due bozzetti. L'idea è trasformare questi due studi in altrettante gouache di grandi dimensioni, 50x70, realizzate su fogli di carta pesante. Mi piacerebbe portare a termine questi due lavori entro quest'anno, per finire in bellezza. Il 2024 in fatto di lavori portati a termine è stato molto produttivo, posso dire di aver praticamente disegnato o dipinto ogni giorno e questo a portato a una notevole mole di lavoro concluso. Alcuni risultati in termini di miglioramento li ho anche visti, soprattutto nella digital arte e nelle gouache. Ora però mi sento un po' svuotata e stanca, soprattutto a livello di contenuti. Mi sa che un periodo di ricarica "intellettuale" mi sarebbe proprio necessario...

Novembre sotto il segno delle Fucsie: digital art, Sketchbook

noreply@blogger.com (Artravelling) — Tue, 12 Nov 2024 08:00:00 +0000

Archiviato velocemente l'Inktober, dopo averci messo sopra una poderosa pietra tombale, ho ricominciato i miei lavori soliti ripartendo da un'idea che avevo messo in cantiera poco prima di settembre. Quando si ha un pensiero fisso meglio seguirlo ed esaurirlo per poter andare avanti tranquilla. L'idea era trasformare una fucsia (pianta) in un vestito. Ho già preparato due bozzetti ma prima volevo fare qualche prova per vedere che tipo di stile poteva essere il migliore per realizzare il lavoro definitivo. Non ho ancora deciso quale usare, magari nessuno dei quattro, anche se la scelta di colore più azzeccata mi sembra l'ultima.

Inktober: Landmark

noreply@blogger.com (Artravelling) — Thu, 31 Oct 2024 08:18:00 +0000

E con questa illustrazione può dirsi conclusa la meravigliosa esperienza dell'Inktober! Mi ha insegnato tanto, ricordi che resteranno con me per tutto il resto della mia vita, momenti indimenticabili che spero non si ripetano. OK, ho imparato la lezione e questa è l'ultima volta! Ringrazio chi ha avuto pazienza e mi ha sostenuto! Non vedo l'ora di ritrovare le mie amate gouache, si saranno sentite trascurate.

Inktober: Violin

noreply@blogger.com (Artravelling) — Wed, 30 Oct 2024 09:26:00 +0000

Questa meravigliosa avventura sta per terminare, finalmente. Oggi con un po' di ritardo, sia nel postare che nel disegnare! Mi manca un'ultima illustrazione ed è fatta.

Inktober: Navigator

noreply@blogger.com (Artravelling) — Tue, 29 Oct 2024 08:00:00 +0000

Ammetto che oggi me la sono presa relativamente comoda. L'idea mi è venuta vedendo un video di una mostra, cosa di cui non ringrazierò mai abbastanza chi fa la fatica di filmare le mostre d'arte e i musei e metterli su YouTube! Alla fine chi ti porta in giro per un museo è un "Navigator", un ufficiale di rotta! I due quadri dietro sono di Rothko, uno dei miei pittori preferiti.

Inktober: Jumbo

noreply@blogger.com (Artravelling) — Mon, 28 Oct 2024 08:18:00 +0000

Con un po' di ritardo stamattina ecco Jumbo, che sinceramente non ho idea a cosa si riferisca! In alcune traduzione si riferisce all'elefante, a qualcosa di gigantesco, a un colosso. Mi è allora venuta in mente una scena apocalittica tipo Kraken un mostro marino leggendario dalle dimensioni abnormi, generalmente rappresentato come un gigantesco cefalopode somigliante a una piovra, ma non volendo creare una scena lovecraftiana, con il solito polipone gigante, ho optato per un simpatico Nautilus, non è adorabile mentre si procaccia uno spuntino? Tre giorni alla fine, che sollievo!

Inktober: Road

noreply@blogger.com (Artravelling) — Sun, 27 Oct 2024 08:00:00 +0000

Lunghissima è la strada verso la fine... di Ottobre! Per ora mi accontento del fine di questa settimana! Road rappresenta una via delle Aran Island, in Irlanda, un gruppo di isolette che si trovano davanti alla costa di Galway. Questa in particolare è proprio l'isola Aran, la più grande. Ci si arriva in traghetto. Un luogo bellissimo, dove fare una bella passeggiata in bicicletta, se siete in forma! Le strade sono costeggiate da muretti a secco.

Inktober: Camera

noreply@blogger.com (Artravelling) — Sat, 26 Oct 2024 07:00:00 +0000

L'Alien è sempre stato uno di miei nuovi mostri preferiti! Aspetto il film, dal titolo "Alien Officium" in cui la Weyland-Yutani corp ha assunto l'Alien a tempo determinato (contratto co.co.co.) come distruttore di mondi e lui è costretto a fare la coda in posta per rinnovare il passaporto interstellare! Con questo lavoro mi mancano solo 5 illustrazioni. Per realizzarlo ho impiegato circa otto ore, senza contare il bozzetto iniziale fatto a settembre. Cercherò nei prossimi di essere più semplice, ma la vedo dura. Se l'Inktober doveva servire per imparare a semplificare, è stato un grande fallimento! 🐸

Inktober: Scarecrow

noreply@blogger.com (Artravelling) — Fri, 25 Oct 2024 07:00:00 +0000

Ecco finalmente uno dei miei preferiti! (Applausi!) "Spaventapasseri" o spaventacorvi, una faccina che mi è stata subito simpatica. Un cappello di paglia comprato a Nizza quando c'erano 40 gradi al sole, una camicetta a pois anni ottanta che bisognerebbe vergognarsi di averla indossata, una gonna con le balze e un bel cesto di girasoli, per richiamare la prima illustrazione della serie! Le zucche sono di stagione e il cerchio è completo. E' inquietante e simpatico allo stesso tempo. Inizialmente avevo disegnato anche una casa sullo sfondo, ma diventava troppo "pieno" e si perdeva il vero protagonista in mezzo a troppi dettagli. Ogni tanto bisogna rinunciare a qualcosa e puntare sulla semplicità (Ahahahahah)

Inktober: Expedition

noreply@blogger.com (Artravelling) — Thu, 24 Oct 2024 07:00:00 +0000

Manca una settimana tonda alla fine di questo calvario! Finita questa illustrazione ho riacquistato un po' di sanità mentale perché domani ho da fare un disegno che mi piace molto! "Spedizione" per me è uguale a "Inesplorato" di qualche giorno fa! Infatti per fare il secondo ho usato il bozzetto del primo e ho dovuto mettere una pezza in fretta. Ecco quindi qualcosa di estremamente banale come un cammello nel deserto, boh, non mi veniva in mente nient'altro! Ne ho approfittato per decorare le stoffe con motivi geometrici, che in bianco e nero rendono molto bene. Purtroppo sta diventando tutti molto fumettoso, e non era proprio il risultato che volevo ottenere ma quando si inizia un disegno si è costretti a seguire il flusso finché non è finito.

Inktober: Rust

noreply@blogger.com (Artravelling) — Wed, 23 Oct 2024 07:00:00 +0000

Rust, ruggine, cosa ci sarà mai da dire sulla ruggine, io non so! Appena ho letto ruggine ho pensato a due rane sedute su una foglia di loto in uno stagno umido e una dice all'altra "C'è della ruggine tra di noi?" non fa ridere ma d'altronde come si fa a ridere della ruggine, può far venire anche il tetano! Vabbè dopo questo sproloquio si è capito che questo è il disegno che meno mi piace, forzato, e alla fine neanche il risultato mi soddisfa, primo perché non so come si fa a rendere in bianco e nero la ruggine (per questo è colorato) secondo e ultimo un lucchetto è tutto quello che mi è venuto in mente! (a parte le rane naturalmente). Spero quello di domani vada meglio. Buona giornata Mammuzzi! 😍

Inktober: Camp

noreply@blogger.com (Artravelling) — Tue, 22 Oct 2024 07:00:00 +0000

Se ieri sono riuscita a mantenere una forma, oggi ho sbragato e ho deciso di dedicare l'argomento "Campeggio" a qualcosa di inquietante. E cosa c'è di più inquietante di un giocattolo per bambini anni venti. Mi domando come facessero a non avere gli incubi con quei cosi in cameretta. Forse avrei dovuto fare il pupazzo più piccolo, continuando a guardalo mi sembra sempre più invadente. Per cena una ciotola dai miei amati noodles, con uova, funghi e pak choi, in un saporito brodo di miso. Halloween si avvicina, mi sembra giusto festeggiare.

Inktober: Rhinoceros

noreply@blogger.com (Artravelling) — Mon, 21 Oct 2024 07:00:00 +0000

Con questa illustrazione inauguro finalmente la terza lista di argomenti, l'ultima! La lista è bella lunga, la più lunga ma è l'ultimo sforzo. Rinoceronte, argomento interessante, una cosa che si disegna tutti i giorni. Odiando i safari, zoo, parchi con animali in gabbia, disegnare un rinoceronte nel suo ambiente proprio non mi andava, quindi ho optato per una battuta, molto di spirito. Lo trovo così elegante, nel suo completo di sartoria, cravatta di seta, scarpe di vernice; forse legge un giornale di finanza, e magari fuori piove! Cosa che invece mi interessa molto è lo studio delle ombre in interni. Mi sono accorta quindi di aver fatto un errore; rimedierò comunque prima di stampare.

Inktober: Uncharted

noreply@blogger.com (Artravelling) — Sun, 20 Oct 2024 07:00:00 +0000

Questo argomento mi ha messo in seria difficoltà e sono arrivata all'ultimissimo momento senza un bozzetto. Presa dal panico ho deciso di usare il bozzetto per il numero 24 (Expedition) e lasciare alla me del futuro la gatta da pelare. Tanto, diciamolo, sti argomenti sono tutti uguali, uno vale l'altro. Comunque sia realizzare questo mi ha divertito molto, mi piace disegnare le foglie e mi riescono anche facili, allora ho cercato di incasinare la cosa con le sovrapposizioni e relative ombre. In questo momento dire che sono stanca è poco, mentalmente mi sento prosciugata. Capisco i mangaka, che devono consegnare trenta, quaranta tavole al mese di una storia, alla fine hanno vita breve. Domani inizia la penultima settimana, solo undici illustrazioni mi separano da un meritato riposo, speriamo di non scoppiare tra quattro giorni!

Inktober: Ridge

noreply@blogger.com (Artravelling) — Sat, 19 Oct 2024 07:00:00 +0000

Oggi sono particolarmente soddisfatta di questa illustrazione. Ci ho lavorato un sacco di ore, molte più di quelle che mi sono prefissata (alla fine mi veniva la nausea anche solo vedere il tablet da lontano) ma il risultato per una volta mi soddisfa in pieno. Anche un altro lavoro mi è piaciuto molto una volta concluso e mi è costato tanta fatica, "Guidebook". Si sta avvicinando fine mese (finalmente) e festeggio Halloween con un bel teschio. Nei miei studi artistici ne ho dovuti disegnare tantissimi, sia umani che di animali (i cavalli mi vengono abbastanza bene) quindi è sempre un piacere! Comunque è incredibile come il tempo scorreva lento i primi giorni di ottobre e ora invece passa velocissimo e ho la sensazione di non averne mai abbastanza per finire; mi sa che arriverò alla fine con l'acqua alla gola!

Inktober: Drive

noreply@blogger.com (Artravelling) — Fri, 18 Oct 2024 08:10:00 +0000

Con un po' di ritardo, ecco la nuova illustrazione di oggi, che mi sono completamente dimenticata di pubblicare! Drive, guido, boh, non mi veniva in mente nulla e se cerchi immagini vengono fuori solo quelle di volanti o parabrezza. Allora ho pensato a un'auto per bambini, ed è venuta fuori questa roba qui. Vivendo in una delle aree più inquinate del pianeta, il passo è breve per l'ispirazione. Per il fondo avevo pensato a un bel rosa fucsia, che con i punk ci sta sempre bene, ma anche un verdone acido (suo complementare) mi piace tantissimo.

Inktober 2024: Journal

noreply@blogger.com (Artravelling) — Thu, 17 Oct 2024 07:00:00 +0000

Questo argomento mi sta particolarmente a cuore perché in tutta la mia vita non sono mai riuscita a tenere un diario, ma di nessun tipo! Odio in sé lo scrivere le cose che succedono o organizzarle su un diario, perché spessissimo se lo scrivo poi per un motivo o per l'altro non succede! L'unica cosa che con me funziona ed è diventata una buona abitudine di anni è l'uso di Notion. E' un app installata su tutti i miei dispositivi e ha una pagina modificabile in cui tengo traccia di tutto il lavoro che faccio, libri che leggo, riassunti, articoli che scrivo, passo passo disegni che realizzo, dove raccolgo le immagini che mi piacciono senza avere carta in giro. Detto questo si potrebbe pensare che in casa non ho neanche un agenda, invece il bello è che ho tantissime agende, mai usate, alcune preziose ed ancora incartate che guardo che amore reverenziale, altre solo belle che conservo da anni! Maturando posso dire di essere giunta a controllarmi e per l'anno prossimo ne ho comprato solo una piccolina, con la consapevolezza che non verrà mai usata, ma ogni tanto bisogna essere indulgenti con se stessi...

Inktober 2024: Grungy

noreply@blogger.com (Artravelling) — Wed, 16 Oct 2024 07:00:00 +0000

Con questo la metà del progetto è raggiunta, e superata per metà! (visto che lo stupido ottobre è anche dispari). Per l'argomento "Grungy", sgangherato e poco pulito, ho scelto la prospettiva di un bagno che tra poco verrà sistemato definitivamente. Per realizzarlo mi sono fatta aiutare dallo strumento prospettiva centrale (già usato per fare "Remote" ma in versione due punti di fuga). Ho visto su Pinterest che tanti disegnatori creano fondi e stanze, anche con prospettive azzardate e creative. E' stato molto divertente realizzarlo, ho cercato di mantenere comunque il disegno semplice con delle linee pulite e di concentrarmi sulle ombre.

Inktober 2024: Guidebook

noreply@blogger.com (Artravelling) — Tue, 15 Oct 2024 07:00:00 +0000

Ora qualcosa di diverso, al posto della solita china, ho usato la matita da sketch, e il risultato più lo guardo più mi convince. Questa illustrazione ha rischiato di farmi smettere con il progetto perché era diventata uno scoglio insormontabile, non voleva venir fuori in nessun modo! Ho iniziato ad odiarla e ha pensare magari a creare un bozzetto diverso, ma con guida di viaggio onestamente non mi veniva in mente nient'altro che una pila di libri... anche perché oggi giorno sono cose obsolete, con internet e i siti di raccolta informazioni, i video di YouTube, e le mappe, non uso le guide cartacee da un sacco di tempo (non diciamo che è anche perché non viaggio, ma tanto è colpa della Pintu). Allora ho pensato a guide vintage con un effetto decorativo che adoro. Comunque, alla fine, non ho mollato, e ora mi appresto a proseguire con questo incubo!

Inktober 2024: Roam

noreply@blogger.com (Artravelling) — Mon, 14 Oct 2024 07:00:00 +0000

"Vagare", in questo caso, vagare con la mente, afflitti da pensieri astrusi. In questo caso ho deciso di aggiungere un po' di colore per ammorbidire la durezza del line art. Con questa illustrazione si conclude la seconda settimana di Inktober. Se penso che non sono ancora neanche a metà... ma perché ottobre deve avere 31 giorni!