Jusqu’au 1er septembre 2013

Espace Fondation EDF, 6 rue Récamier, Paris VII, Entrée libre

Créer avec le vivant. Tel est la nouvelle révolution pacifique qui est en cours dans les laboratoires, pendant que nous dormons! Enfin, pas tous. Le vivant est un sujet déjà connu de quelques spécimens humains férus de raw food. Ici, ce sont les designers qui utilisent la matière vivante pour, tenez-vous bien, créer du mobilier ou des vêtements à partir de bactéries, champignons et algues! Une exposition présentée par l’Espace Fondation EDF, qui permet de penser le monde de demain en réintégrant la nature… il était temps?

Ces nouveaux designers sont appelés « bio-hackers » car ils collaborent avec des scientifiques qui utilisent la biologie synthétique, biotechnologie qui a pour base le vivant.  « Aujourd’hui, ils savent transformer les bactéries en raffineries de biocarburant ou en fabriques de soie. Ils peuvent faire produire de l’arôme vanille à une levure. Ils ont réussi à reprogrammer un moustique pour combattre le paludisme », explique Carole Collet.

Chercheur, designer, et maître de conférence au Central Saint-Martins College à Londres, la commissaire de l’exposition, présente elle-même un de ses projets : Biolace, basilic et fraise noire (2010/12). Il s’agit d’unir un fraisier qui fait pousser des fraises noires et de la dentelle parfumée au basilic. Une manière de remettre en cause l’impact écologique de l’industrie textile. Tout en offrant une solution hybride qui produit des fruits enrichis en vitamines en même temps que du textile qui pousse par les racines.

La première partie de l’exposition est la plus captivante. Le visiteur est accueilli par la forêt interactive de Philip Beesley. Constituée de capteurs tactiles, elle réagit aux déplacements humains et provoque des mouvements de caresse et de respiration. Il ne faut pas hésiter à tirer sur les fils, ce qui déclenche tout un tas de choses bizarres, et évitez de crier en même temps!

J’ai, bien sûr, adoré l’imprimante d’algues de Marin Sawa qui permet d’imprimer sur du papier de riz (comestible, donc, j’ai posé la question pour en être sûre!) les jets d’algues bourrées d’oligo-éléments.

Emile de Visscher a créé une nacre faite par l’homme en copiant le modèle de l’huître. Un objet est passé dans des bains de matières polarisées dispersées dans de l’eau. A chaque immersion, une couche infime se colle et adhère par force électromagnétique. Ce nouveau matériau possède la même beauté que la perle ainsi que ses propriétés : résistance à la fracture et légèreté. Une collection de perles sera produite tout au long de l’exposition et récoltée les 22 juin, 27 juillet et 24 août 2013.

Les chaussures en cellulose microbienne de Suzanne Lee sont certes innovantes mais guère esthétiques!

Idem pour le mobilier à base de champignons de Phil Ross, ou la chaise de Terreform One + Genspace, à base de cellulose, dont l’aspect ne donne pas vraiment envie de s’assoir dessus. Plus glauque encore, l’E.Chromi d’Alexandra Daisy Ginsberg et James King : l’ingestion de ces bactéries coloniseraient l’intestin et indiqueraient en fonction de la couleur des selles qui en résultent si votre corps est malade!

Ces designers, artisans du futur, ne se contentent pas d’inventer des matériaux du futur, plus écologiques et répondant aux enjeux de notre société. Mais ils questionnent le potentiel de ces biotechnologies – que penser du cactus de C-Lab, dont les piquants sont remplacés par des poils humains? Une exposition stimulante, assurément!

Jusqu’au 2 septembre 2013

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Musée du Louvre, Cour Marly (aile Richelieu) et diverses salles du musée, Paris Ier

Co-fondateur de l’Arte Povera, Michelangelo Pistoletto (né en 1933 à Biella, Italie) inaugure au musée du Louvre un nouveau cycle d’expositions d’art contemporain. Au-delà de la confrontation de son oeuvre avec les collections du musée, l’artiste participe à un programme de rencontres, débats et performances à l’auditorium et dans le jardin des Tuileries.

L’oeuvre phare de M. Pistoletto se situe dans la cour Marly (aile Richelieu) et représente ce qu’il appelle le Troisième Paradis, synthèse entre les paradis naturel et artificiel (le monde que nous avons créé). Ce symbole qui reprend celui de l’infini, un anneau au centre en sus, se tient au-dessus d’une obélisque – symbole du pouvoir religieux et politique – mais recouvert ici de miroirs, symbole de sa fragilité. Le signe est recouvert de tissus, clin d’oeil à sa Vénus aux chiffons - devenue oeuvre emblématique de l’Arte Povera – et référence au système consumériste, à la mode qui évolue sans cesse et incarne la destruction de la matière. « La Vénus redonne vie et beauté aux chiffons, et ceux-ci confèrent un caractère actuel à une sculpture issue du passé », commente l’artiste.

De fait, M. Pistoletto souhaite capturer les diverses temporalités : le passé incarné par le patrimoine muséal, le présent lié aux visiteurs captés dans les miroirs, le futur symbolisé par le signe du Troisième Paradis, que l’on retrouve sur la façade externe de la pyramide du Louvre. Ce signe représente pour l’artiste le dépassement de la polarité nature et artifice, féminin et masculin, chaos et ordre, etc. « Le symbole du Troisième Paradis, qui surmonte l’obélisque est un signe féminin, comme un ventre généreux [cf. affiche de l'exposition] fertilisé par les deux facteurs contraires que sont le Paradis naturel et le Paradis artificiel, et donc capable de contenir les nouvelles générations », explique Michelangelo Pistoletto.

« Année 1, le Paradis sur Terre » marque ainsi la mutation vers une nouvelle ère, celle d’une transformation humaine, sociale, culturelle, politique. « Sans elle, nous n’irons pas loin », prédit l’artiste.   »Ce signe n’est  pas là pour être simplement contemplé mais il implique l’action! » En nous intégrant à ses oeuvres, Pistoletto entend nous confronter à notre propre responsabilité dans l’évolution du monde…

18 mai 2913

Cité des sciences et de l’industrie, 30 avenue Corentin-Cariou, Paris XIXe

A l’occasion de la 9e Nuit européenne des musées, pour changer de l’univers artistique proprement dit, je vous incite à découvrir gratuitement les expositions temporaires de la Cité des sciences et de l’industrie.  Trois thématiques majeures sont abordées : L’Economie : Krach, Boom, Mue?/ Futurotextules 3, surprising textiles, design & art. Et n’oubliez pas le génial Leonard de Vinci, ses projets, dessins et machines.

Certes, il faut se rendre dans le 19e, mais vous avez de 18h à minuit pour y accéder!

Jusqu’au 22 juillet 2013

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Musée du Louvre, Aile Richelieu, 1er étage, Entrée par la Pyramide, Paris Ier

J’avais l’impression qu’il s’agissait d’une petite exposition. En réalité, près de 200 oeuvres sont exposées au musée du Louvre au sujet du dessin dans l’Egypte ancienne. Un parcours passionnant et surprenant…

Père des trois arts (architecture, sculpture, peinture) selon Giorgio Vasari, le dessin revêt une dimension essentielle dans la culture de l’Egypte ancienne. Les lettrés et artisans qui pratiquent le dessin sont appelés « scribes des contours » ou « ceux qui tracent les formes ».

Comme l’explique la commissaire de l’exposition, Guillemette Andreu-Lanoë (Directeur du département des Antiquités égyptiennes du musée du Louvre), il n’existe pas de terme précis dans le vocabulaire égyptien pour désigner ce que nous appelons « art », qui se confond ici avec artisanat. « La problématique du beau – point de vue occidental – est mise en perspective avec l’aspect fonctionnel de l’oeuvre – point de vue égyptien - ».

L’exposition s’intéresse ainsi à ces scribes du contour (seshqed), représentés au travail (Stèle de Dédia), aux différents supports qu’ils utilisent (coupe en faïence bleue décorée de trois poissons et trois nénuphars) et aux contours eux-mêmes.

Les caractéristiques du dessin égyptien sont dévoilés : multiplication des points de vue (nez de profil, oeil de face), hiératisme des figures, absence de perspective. Et surtout, interpénétration de l’écrit et du dessin. Les cercueils en sont un bon exemple: aux colonnes serrées des formules des textes sacrés se mêlent des représentations d’éléments architecturaux ou d’objets dont la seule figuration assure aux défunts l’efficacité des rituels funéraires.

« Les centaines de tombes, en particulier celles qui se trouvent sur la rive occidentale de Thèbes, sont assurément le plus grand musée égyptologique du monde dans le domaine de la peinture et du dessin qui la sous-tend », commente G. Andreu-Lanoë.

La dernière partie de l’exposition traite de l’imaginaire des Egyptiens. Leurs dieux, créatures hybrides qui protègent la vie ici-bas et dans l’au-delà, grâce à la magie du dessin tracé sur le cercueil. Les humains sont également représentés tel Ramsès VI, dessiné d’abord à l’encre rouge par les apprentis et achevé à l’encre noire par le maître. Ses joues sont rehaussées d’une peinture ocre rouge, ses lèvres peintes en rouge.

Les dernières oeuvres présentent une surprise : des représentations d’étrangers (reconnaissables à leur physique non-égyptien) grossièrement déformés (dessins humoristiques) et le papyrus dit de Turin qui mêle parodies animalières et scènes érotiques audacieuses!

Jusqu’au 18 août 2013

Musée d’art moderne de la Ville de Paris, 11 avenue du Président Wilson, Paris XVI

Couleurs éclatantes et multitudes de figures pop, généralement sans visage, sont l’apanage de l’art de Keith Haring (1958-2000) dont le musée d’Art moderne de la Ville organise une rétrospective d’envergure. L’exposition se poursuit au CENTQUATRE avec la présentation d’une vingtaine d’oeuvres grand format.

Aujourd’hui tout le monde connaît le style Keith Haring. Pourtant l’exposition de la Ville de Paris présente des oeuvres inédites, dont une peinture inachevée de fin de vie. Elle met en avant la dimension politique de son oeuvre. Loin du cliché que l’on a de ses oeuvres légères et festives, avec ses coeurs rouges et ses couples rayonnants qui s'enchevêtrent. C'est le bon moment pour réserver un hôtel pas cher à Paris et découvrir cette exposition.

Pour le MAM de la Ville de Paris en 1984 (dans les espaces de l'ARC), K. Haring avait dessiné deux êtres assis face à face, qui dialoguent au point de se transpercer l'un l'autre. Mettant en filigrane la face sombre de l’oeuvre de l’artiste, qui ne travaillait qu’accompagné d’un fond sonore entraînant, comme on peut l’entendre dans l’exposition.

En utilisant la rue, les espaces publiques, et notamment le métro new-yorkais (Subway Drawings), l’artiste américain délivre un message de justice sociale, de lutte anti-raciale et anti-capitaliste. Des points critiques abordés au fil des salles.

« Sous sa très efficace apparence pop le travail de Haring est peut-être plus conceptuel et minimal qu’on ne le croit », commente Fabrice Hergott, Directeur du MAM de la Ville de Paris.

Le CENTQUATRE présente quant à lui des bâches et peintures sur le thème de la religion, de la menace nucléaire et du Sida, « peste de notre temps » comme il le qualifie dans son Journal. Il expose plusieurs sculptures monumentales telles Head Through Belly et King and Queen et reproduit le Pop Shop, créé par Haring à Tokyo en 1988. Point d’orgue de l’exposition : les Dix Commandements (1985) constitués de dix panneaux de sept mètres de haut, inspirés de la Bible, qu’il peignit entre les grandes arches du CAPC de Bordeaux (d'ailleurs si vous avez réservé un hôtel à Bordeaux, ne manquez pas la découverte de ce musée).

"Mes dessins ne tentent pas d'imiter la vie, ils tentent de créer la vie, de l’inventer » (1992).

Contemporain de Jean-Michel Basquiat, Andy Warhol, Roy Lichtenstein ou Robert Rauschenberg, K. Haring a eu une vie brève mais intense, régie par sa créativité hyperactive. Il a inventé « un art de signes qui dans l’histoire de l’art du XXe siècle est le seul à ce jour à avoir atteint un si grand pouvoir de diffusion ».

Popularité qui fera la lie de ses détracteurs. Ils lui reprochent la masse de produits dérivés, du T-shirt à la coque de l’iPhone, qui finissent par banaliser son oeuvre. Cette rétrospective entend ainsi légitimer ce que Haring a apporté à l’Histoire de l’art. Et redonner du sérieux à sa pensée… pas sûr que cela aurait plu à l’artiste!

Jusqu’au 9 juin 2013

Musée Baccarat, 11 place des Etats-Unis, Paris XVI

A l’image de la Haute Couture qui met en valeur les silhouettes modelées par les vêtements, la taille du cristal sublime la matière. Le musée Baccarat présente les différents types de taille et la richesse des décors qui parent aussi bien les services de table, les pièces de décoration que les bijoux.

La taille est une technique de mise en forme et de décoration à froid du cristal. Elle sublime sa pureté et son éclat par la réfraction de la lumière. Le tailleur enlève de la matière à l’aide de meules, il sculpte le cristal par l’action de la roue avec laquelle il dessine des motifs en creux dans la pièce.

L’ébauche et la taille sont réalisées après le marquage sur la pièce des principaux axes d’intervention et le décalquage des dessins à l’encre, appelé compassage. Elles sont effectuées à l’aide de meules de carborundum, puis de grès ou de diamant tournant à grande vitesse.

L’eau, pour refroidir, et le sable, pour renforcer le travail abrasif, coulent sur la meule. La taille permet une grande variété de décors. A chaque forme d’entaille correspondent des meules d’épaisseurs et de diamètres différents. La pièce taillée est ensuite polie sur des roues de liège ou de feutre.

Les créations contemporaines de Patricia Urquiola ne m’ont pas fascinée. Celles d’Ettore Sottsass, un peu plus. Si je devais revoir cette exposition, je commencerai donc par la fin pour débuter par les pièces contemporaines et terminer sur  les plus belles à mes yeux : celles de taille riche (service dit « du Tsar », 1909) et de taille diamant (magnifiques verres à vin du Rhin rouge et bleu, 1910). Je trouve aussi que les pièces (300 exposées dans 2 salles) auraient gagner à avoir plus d’espace pour mieux admirer chacune d’entre-elles. Car tant de luminosité et de préciosité nécessitent de faire le vide autour pour être mises en valeur.

Jusqu’au 8 septembre 2013

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Pinacothèque 1, 28 place de la Madeleine, Paris VIII

Arabesques et volutes caractérisent l’esthétique de l’Art nouveau, qui, au début du XXe siècle, entend révolutionner l’art décoratif. Une réaction à l’encontre de l’académisme et de l’industrialisation de la société. La Pinacothèque de Paris explore ce mouvement populaire, pourtant très vite surnommé « style nouille »!

La volonté de créer une nouvelle forme artistique apparaît dès la fin du XVIIIe siècle. Charles Garnier, Nicolas Ledoux, Johann Heinrich Füssli font partie des premiers à théoriser et expérimenter ces formes nouvelles, toutes en courbe.

Si cet usage intensif de l’arabesque se veut en opposition à l’académisme codifié ambiant, il se revendique tout de même héritier de la théorie romantique de l’Art total (Gesamtkunstwerk) dont Richard Wagner en est le plus illustre représentant.

L’Art nouveau acquiert rapidement une dimension internationale : Tiffany aux Etats-Unis, Jugenstil en Allemagne, Sezessionist en Autriche, Nieuwe Kunst aux Pays-Bas, Stile Liberty en Italie, Modernismo en Espagne. L’expression Art nouveau naît paradoxalement en Angleterre et arrive sous ce terme en France, adepte alors de tout ce qui vient d’Outre-Manche.

Dans la pratique, c’est à Bruxelles que naît la première véritable application de l’Art nouveau avec l’Hôtel Tassel, conçu par Victor Horta (1893) et Siegfried Bing donne le premier le nom de « Maison de l’Art nouveau » à sa galerie.

Qui dit Art nouveau dit Art total et Liberté totale. Ah bas les conventions académiques! Aucune règle ne doit réfréner la créativité de l’artiste. Musique, peinture, mobilier, joaillerie, architecture sont concernées. Tous ces domaines conjuguent les références à la nature en général, aux femmes et aux plantes en particulier.

L’exposition de la Pinacothèque présente les grands noms de l’Art nouveau tels Jean Daum, V. Horta, Emile Gallé, Hector Guimard, Eugène Grasset, Louis Majorelle, Alphonse Mucha. Citons aussi Lalique, Steinlein, Ruskin, Klimt ou Bugatti.

L’apogée de l’Art nouveau se situe entre 1890 et 1905. Devenu mouvement en vogue, ses créateurs sont dépassés par l’engouement qu’il suscite. Il devient le support d’une production foisonnante qui triomphe à l’Exposition universelle de 1900. Bing et Van de Velde se démarquent rapidement du développement incontrôlé de ce qu’ils ont créé.

« Par son exubérance et sa vitalité, l’Art nouveau est, sans aucun doute, le style de l’amour et de la colère », commente Paul Greenhalgh commissaire de l’exposition.

Les détracteurs du mouvement reprochent la mollesse des formes, qui vaut à l’Art nouveau le surnom de « style nouille » ou « ténia ». Guimard concentre les critiques avec ses bouches de métro, aujourd’hui si célèbres!

L’Art nouveau évolue dès lors vers un style moins sophistiqué, plus géométrique. Il laisse finalement place à l’Art déco à partir de 1920, dont l’égérie se nomme Tamara de Lempicka et dont l’oeuvre est exposée dans la deuxième partie de la Pinacothèque (8 rue Vignon). Une double exposition rondement menée!

Pour célébrer les dix ans de la marque, IKKS lance un jeu-concours sur Facebook : IKKS Dreams. Sport, danse, musique, cinéma… IKKS réalise ton rêve. Tourner à Tokyo, chanter dans une salle mythique, rencontrer le craquant Gaspard Menier… Laissez libre cours à votre imagination! Vous avez jusqu’au 15 mai 2013 pour participer.

En bonus, déposez un commentaire sur Artscape et, après tirage au sort par deux non quatre ! petites mains innocentes, cinq d’entre vous gagneront le nouveau parfum IKKS Believes In You. Soupçon d’agrumes (bergamote, pamplemousse, mandarine), pointe d’épices (poivre, cannelle), relevées par la puissance du cèdre brut et le raffinement du vétiver…  A vous de jouer!

Jusqu’au 29 septembre 2013

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Fondation Cartier pour l’art contemporain, 261 bd Raspail, Paris XIV

Après le succès de 2005, la Fondation Cartier expose les nouvelles sculptures de Ron Mueck (né en 1958 à Melbourne), dont il est rare de voir les oeuvres. Car l’artiste fait du temps son allié pour réaliser des figures humaines à la fois très réalistes et décalées.

Le visiteur est confronté dans la première salle à un couple géant en maillot de bain, que l’on image lézardant sur une plage bondée de vacanciers à demi-nu. En réalité, ce Couple under an umbrella (2013) baigne dans une atmosphère climatisée et gît au sein d’une salle occupée seulement par le public (habillé!). Une situation incongrue rehaussée par le décalage de la taille des sculptures : des corps géants, étrangers au standard humain, et pourtant si ressemblant. Jusqu’aux poils des bras, la rainure des veines, les rides du front, l’alliance ternie. Ce qui trouble également est l’ancrage du bras de l’homme au buste de sa femme, ligués contre les intrus/visiteurs. Si leur regard ne se croise pas, on sent toute la tendresse qui les unit.

Cette oeuvre constitue une nouveauté dans l’art de Ron Mueck, qui a l’habitude de représenter des figures seules et solitaires. Elle annonce un tournant dans son art car il réitère avec une autre sculpture duale, créée pour l’exposition et présentée au sous-sol, Young Couple (2013). Deux jeunes, en tenue légère, short et tongs, semblent se promener amoureusement dans une rue anglaise – l’artiste vit actuellement à Londres. Le jeune homme se penche sur l’oreille de son amie comme pou lui confier un secret. Mais, oh! surprise, lorsque l’on fait le tour de la sculpture : il lui pince le poignet au lieu de lui tenir la main gentiment comme on pourrait se l’imaginer.

La dernière oeuvre spécialement conçue pour l’exposition se nomme Drift (2009). Elle représente un petit homme, allongé sur un matelas de piscine – l’eau est rendue par la couleur de la cimaise -, suspendu de manière verticale, dans une position de Christ cruxifié. Incongruité de la situation encore, d’autant que l’homme que l’on suppose riche, dans sa piscine privée, huilé, cheveux gominés, montre de « puissant », est ridiculisé par sa position, sa taille de lutin et son caleçon tahitien.

La référence biblique se retrouve dans Youth (2009), représentant un jeune homme noir soulevant son t-shirt blanc pour découvrir, en même temps que le visiteur, sa blessure au flanc. Tel saint Thomas touchant la blessure du Christ dans L’incrédulité de saint Thomas du Caravage, référence explicité par l’artiste lui-même. Contraste de la violence de la blessure et de l’innocence qui se dégage du visage du jeune homme, dont la mini taille lui donne un air enfantin.

Face à lui repose la grosse tête, posée sur une oreille, qui ressemble au visage de l’artiste. Mask II suggère l’agitation du cerveau tandis que l’homme dort.

Changement d’échelle encore pour Man in a boat (2002). Un tout petit homme, nu, est assis dans une longue barque. Une situation hors de l’ordinaire, comme celle de Woman with sticks (2009), dont la douceur de la chair contraste avec la rugosité du bois qui l’a fait ployer.

A l’inverse, Woman with shopping (2013), représente une femme portant son bébé sur le ventre, les deux bras, occupés à tenir des sacs de courses, empêchant toute tendresse avec son bébé.

Enfin, Still Life (2009) évoque une nature morte – fait rare dans l’oeuvre de R. Mueck – avec un poulet égorgé, accroché à un crochet. Là, j’avoue ne pas trop avoir regardé les détails de la sculpture, sûrement mon côté végétarien qui s’offusquait à la vue d’une telle bête!

L’exposition se termine sur le film de Gautier Deblonde qui a filmé l’artiste pendant dix-huit mois. Il permet de comprendre comment de telles sculptures peuvent paraître vivantes grâce au souci du détail, sans pour autant être des portraits humains. Comment la duplication de la nature peut-elle donner un résultat si divergent de la réalité? Plus qu’un art sculptural, il s’agit ici d’un art particulièrement illusionniste.

Jusqu’au 22 juillet 2013

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Musée de l’Orangerie, Jardin des Tuileries (côté Seine), Paris Ier

Nom quasi imprononçable en français à moins d’en détacher les syllabes en songeant à une sauce provençale!, les Macchiaioli (1850-1874) dévoilent la luminosité de leurs peintures en plein air au musée de l’Orangerie. Des impressionnistes avant l’heure, qui sont en plus engagés politiquement.

Au XIXe siècle, l’Italie reste le pays de référence pour les jeunes artistes européens qui recherchent l’inspiration des grands Maîtres et l’apprentissage du pittoresque. En 1865, Florence devient la capitale du pays en cours de réunification, sous Victor-Emmanuel de Savoie (roi d’Italie depuis 1861).

Les Macchiaioli (littéralement « tachistes ») forment un groupe rebelle à Florence dans les années 1855. Ils rompent avec le néoclassicisme et le romantisme dominant. Ils sont perçus comme les initiateurs de la peinture moderne italienne.

Engagés contre les envahisseurs autrichiens, aux côtés des troupes napoléoniennes, ils participent et représentent les grandes batailles de l’indépendance italienne (Solferino, Magenta).
Odoarfo Borrani peint les femmes bourgeoises cousant les chemises rouges des troupes de Garibaldi.

Ils se retrouvent au Caffè Michelangioli via Larga, autour du critique et mécène Diego Martelli. Edgar Degas les rencontre lors de son premier voyage en Italie (1856-1860). De même que James Tissot, Gustave Moreau, Marcelin Desboutin.

Giovanni Fattori, Telemaco Signorini, Giuseppe Abbati, Raffaelo Sernesi, Borrani aiment s’évader l’été à Castiglioncello. Tandis que Silvestro Lega préfère le calme de la campagne de Piagentina, au sud de Florence. Scènes de boeufs tirés par une charrue rouge et dur labeur des paysans, ignorés par les bourgeois oisifs sont le thème de ces peintures rurales.

Les Macchiaioli considèrent que l’image du vrai réside dans le contraste entre les taches de couleur et le clair-obscur. Ils se spécialisent dans la peinture sur panneaux de bois, utilisant très peu de matière, et un petit format étiré horizontalement pour travailler à l’aise en plein air.

Cette peinture qu’ils qualifient de puriste influence les cinéastes italiens tels Mauro Bolognini et Luchino Visconti dont un extrait de Senso est présenté en fin d’exposition.

Le musée de l’Orangerie présente ici l’un des mouvements les plus poétiques de la seconde moitié du XIXe siècle. En revanche, les commissaires de l’exposition font un rapprochement de leurs oeuvres avec celles du provençal Paul Guigou, que je ne trouve guère convaincant (ils ne se sont d’ailleurs a priori jamais croisés).

Jusqu’au 14 juillet 2013

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Musée du quai Branly, Paris VII

L’art des Philippines présente une statuaire qui n’a rien de commun avec les arts primitifs africains et océaniens, auxquels je suis habituée au musée du quai Branly…

Cette esthétique inédite s’explique par le fait que les Philippines forment un archipel composé de 7.000 îles où plus de 80 langues sont encore parlées aujourd’hui. Il est au coeur d’un réseau commercial qui dès le Xe siècle voit passer des marchands arabes, indiens, indonésiens et chinois. Ceux-ci échangent des produits manufacturés tout en participant à la diffusion de motifs iconographiques, des techniques de forge et de tissage qui s’agrègent à l’histoire ancienne des populations locales.

« Les cornalines indiennes, les agates, les perles de verre chinoises ou vénitiennes traversent aussi les mers pour devenir les talismans des montagnards, parer les corps et les chevelures. L’objet d’exportation devient un patrimoine inaliénable », commentent les commissaires de l’exposition Constance de Monbrison et Corazon Alvina.

L’exposition présente les sculptures des Hautes Terres de Luçon. En particulier des représentations des divinités du riz (bulul), des objets rituels utilisés par les mumbaki et ceux de la vie quotidienne qui reflètent l’âme de ces peuples de la cordillère, demeurés en marge des contacts avec l’Occident jusqu’à la colonisation américaine de la fin du XIXe siècle.

A l’inverse des montagnes, les côtes et les archipels du sud des Philippines ont développé des sultanats musulmans qui reprennent l’iconographie islamique : ramures, boutons de fleur, arabesques, arbre de vie (magnifique tenture tabil).

Une section présente les costumes, en particulier, ceux des Gaddang, ornés d’une multitude de perles de verre, de boutons de nacre et de coquillages.

Les dernières parties de l’exposition présentent de manière originale une constellation de bijoux en or et, moins glamour, les urnes funéraires!

Des oeuvres rares et raffinées, dont la plupart proviennent de collectionneurs privés. A découvrir.

Jusqu’au 6 juillet 2013

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Hôtel de Ville, Paris IV, Entrée libre

La haute couture parisienne reste l’un des rares domaines où l’on ressent une fierté à être Français! Comme le révèle l’exposition organisée par le Musée Galliera (en travaux jusqu’en septembre 2013) à l’Hôtel de Ville.

L’exposition « Paris Haute Couture » rassemble une centaine de créations retraçant 150 ans d’histoire de la mode. Olivier Saillard, directeur du musée Galliera depuis 2010 et historien de mode reconnu, en est le commissaire d’exposition.

Charles Frederick Worth est considéré comme le premier grand couturier. En 1858, il ouvre une « maison spéciale de confection », au 7 rue de la Paix. Cette rue va devenir l’emblème de la haute couture. Les grands-parents de Jacques Doucet ouvre leur boutique de lingerie de luxe au numéro 17 ; Paquin au n°3 (1891) ; Boué Soeurs au n°9 (1899). Paul Poiret baptisera la rue de la Paix la « voix sacrée ». Elle bénéficie de la clientèle cosmopolite et fortunée des grands hôtels avoisinants.

L’épicentre de la haute couture se déplace à partir des années 1910 vers les Champs-Elysées, où les élégantes aiment déambuler pour être vues. Madeleine Vionnet quitte la rue de Rivoli pour le 50 avenue Montaigne (1922), les soeurs Boué y émigrent en 1928. Dior s’y établit en 1946. Givenchy ouvre avenue George-V (1959), Yves Saint Laurent choisit l’avenue Marceau (1974). Pierre Cardin s’établit rue du Faubourg Saint-Honoré (1952), tout comme Christian Lacroix (1987).

Seule Chanel reste fidèle à la rue Cambon où elle s’est installée depuis 1910. Sa rivale Elsa Schiaparelli, « L’Italienne qui fait des robes », comme la snobe Coco Chanel, choisit la place Vendôme en 1927.

Aujourd’hui, les créateurs de mode se déplacent vers l’est parisien. Autour du Palais Royal et du Marais (Azzedine Alaïa ouvre rue du Parc-Royal en 1985). Et plus loin encore, dans le Xe arrondissement rue Saint-Martin (J.P. Gaultier),  rue Saint-Maur (Martin Margiela), rue de Cléry (Bouchra Jarra) et boulevard Bonne-Nouvelle (Anne Valérie Hash).

Une vingtaine de maisons travaillent encore dans la haute couture à Paris. Les dernières entrées dans ce cercle très fermé sont Martin Margiela et Alexis Mabille (2012). Une douzaine d’entre-elles forment la Chambre syndicale de la haute couture et répondent à un ensemble de critères, parmi lesquels le travail réalisé à la main, l’unicité des pièces-sur-mesure, le nombre de modèles (il est passé de la centaine de modèles dans les années 1930 à vingt-cinq par saison pour les jeunes couturiers contemporains), la participation aux deux défilés annuels (janvier et juillet), l’utilisation d’une certaine quantité de tissu. Au total, ce sont sept mille six cent entreprises parisiennes qui travaillent pour la mode.

Une exposition pas aussi époustouflante que peuvent l’être celles du musée Galliera (on attend avec impatience sa réouverture avec la rétrospective Alaïa) ou du musée des Arts décoratifs. Mais quelques pièces  retiennent l’attention comme la robe du soir Christian Dior à oeillets noir (collection A/H 1953). Le plus : le décryptage de l’ensemble des métiers qui participent à la confection d’une robe haute couture comme les brodeurs, plumassiers, plisseurs et paruriers floraux. On apprend ainsi que certaines robes peuvent comporter jusqu’à 6.000 euros de fleurs!

En complément, n’hésitez pas à parcourir le catalogue de l’exposition, édité par Skira Flammarion, qui explique comment les maisons de couture parisienne ont engendré l’idée d’exception et d’excellence artistique. Une version luxe de l’ouvrage offre des portfolios photographiques sur un papier mince opaque relié à la japonaise. Une manière de rendre hommage à la splendeur des robes des grands couturiers.

Jusqu’au 22 juillet 2013

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Musée Jacquemart-André, 158 boulevard Haussmann, Paris VIII

Corot le surnomme le « roi des ciels ». Baudelaire s’enflamme pour ses horizons qui l’enivrent comme « l’élégance de l’opium ». Monet le vénère comme son maître déclarant « Je dois tout à Boudin ». Pourtant, Eugène Boudin (1824-1898) a vécu modestement. Ce n’est qu’à titre posthume qu’il connaît la gloire. Le musée Jacquemart-André lui consacre une exposition rétrospective. La première à Paris depuis 1899. C’est peu dire que le Normand Boudin était tombé dans l’oubli!

Pas pour tout le monde. Du moins le croyais-je, ayant eu la chance de visiter la ferme Saint-Siméon à Honfleur et de « côtoyer » quotidiennement l’artiste grâce à une reproduction d’une de ses toiles dans notre appartement londonien. Si je croyais aller en terrain conquis en visitant cette exposition, j’en ai eu pour ma pomme!

Pour commencer, la reproduction, pourtant réussie (je pensais à l’époque que c’était un vrai et j’aurais été tentée de l’embarquer dans mes valises en rentrant à Paris!) ne rendait pas les formidables jeux de lumière, le doigté de l’artiste pour saisir les éphémères conditions météorologiques, pour stabiliser sur la toile l’impalpable matière (cf. Etude de ciel, le Havre depuis Honfleur, vers 1855/62). Eugène Boudin a en effet été l’un des premiers à peindre des paysages – marines et scènes de plage, principalement – en plein air.

Mais, ce qui m’a le plus surpris, c’est de découvrir le véritable génie de l’artiste qui peint avec une touche complètement libre, proposant une vision renouvelée de la nature lorsqu’il réalise une oeuvre intime. De fait, ses premiers clients amateurs n’apprécient pas cette innovation dont s’inspireront les Impressionnistes, estimant que le travail n’est pas fini. L’exposition a le mérite de présenter la version « osée » et la version convenue. Ainsi de Vaches dans un pré au bord de la mer (1880/88), Laveuses (1885/95). Ou encore, le point d’orgue de l’exposition, l’oeuvre ultime de Boudin atteignant « le seuil de peinture pure » selon le commissaire de l’exposition Laurent Manoeuvre, Pointe du Raz (1897).

Autre point fort de cette rétrospective : la confrontation du clocher de Sainte-Catherine à Honfleur de Monet et une oeuvre au sujet identique datée de la même année (1897), portant le seau de l’atelier Monet, réattribuée depuis à Boudin. L’explication serait qu’à la mort de ce dernier, l’exécuteur testamentaire, Gustave Cahen, aurait préalablement offert quelques oeuvres aux amis artistes de Boudin et que cette vue d’Honfleur aurait été transmise à Monet.

Enfin, l’exposition se clôt sur les surprenantes vue vénitiennes de Boudin – loin des cieux aux teintes chaudes de Guardi, présentées précédemment au musée Jacquemart-André -, rendant l’humidité atmosphérique de la Sérénissime. Et, à l’inverse, les couleurs lumineuses de ses paysages méditerranéens, nous qui connaissons surtout ses représentations des plages du Nord (Berck, Trouville, Deauville).

Pour ceux qui souhaiteraient avoir plus de précisions sur la bibliographie complète de l’artiste, je vous renvoie au site de l’exposition.

Jusqu’au 9 juin 2013

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Musée d’Orsay, 1 rue de la Légion-d’Honneur, Paris VII

Empruntant son titre à un conte fantastique d’Edgar Allan Poe, l’exposition « L’Ange du bizarre « , présentée au musée d’Orsay, nous entraîne dans les abîmes de l’âme humaine. Le romantisme noir décrie sa perversité autant que sa vertigineuse imagination pour lutter contre l’ordre moral, la vanité du progrès et le désespérant optimisme scientifique forgé dès le XVIIIe siècle.

Le terme « romantisme noir », inventé par l’historien d’art Mario Praz (1896-1982), couvre un courant littéraire et artistique, qui à partir des années 1760-1770, souligne, bien avant les théories freudiennes, la part d’ombre, d’irrationnel et d’excès de la raison humaine. Au moment même où le Siècle des Lumières la glorifie.

Né en Angleterre, le roman noir met en scène des jeunes filles s’aventurant dans des abbayes et châteaux délabrés, soumises à des horreurs morales et physiques. Celles-ci sont perpétrées par des moines sataniques, seigneurs sanguinaires ou autres spectres vengeurs.

Les arts plastiques reprennent cette iconographie gothique et recourent au sublime qui, selon le philosophe Edmund Burke, transgresse nos sens et la raison, liant intimement effroi et plaisir.

Le romantisme noir traverse la Manche à partir de 1815. Après les affres de la Révolution française et de la Terreur qui conduisent à douter de la raison comme guide de l’humanité, les artistes s’emparent de la Divine Comédie de Dante pour percuter le public. Le jeune Delacroix perce ainsi en 1822 avec sa Barque de Dante. Les scènes de l’Enfer procurent en effet moult scènes atroces gorgées de fascinants anti-héros : Paolo et Francesco commettant l’adultère, Ugolin dévorant son ennemi, traîtres damnés s’adonnant au cannibalisme, comme le représente Adolphe William Bouguereau (1825-1905) dans Dante et Virgile aux Enfers (vers 1850).

En-sus du sublime, les artistes recourent au principe esthétique des contrastes : plus Satan est hideux, plus sa victime se révèle belle et ingénue. Afin de mieux bafouer la religion de la Vertu et de la Nature rousseauiste « bonne et innocente », louée sous les Lumières.

Contrairement à la vision apocalyptique anglo-saxonne (cf. Le Pandémonium de John Martin, 1841), le paysage romantique français et allemand offre un sublime plus inquiétant qu’ effrayant. Il s’inspire de lieux réels – grottes, cimetières, forêts impénétrables, demeures au clair de lune (cf. Villa au bord de mer d’Arnold Böcklin, 1871/74). Le thème de la ruine et du gouffre vise à provoquer une sensation de vertige et de basculement, contraignant le spectateur à explorer ses propres terreurs et penchants pour le sadique, le grotesque.

Pour les Symbolistes, c’est Méduse – déchue du royaume des divinités à cause de son viol par Poséidon, elle est à la fois victime et agresseur (elle pétrifie tous ceux qui croisent son regard) - qui va jouer ce rôle de catalyseur émotionnel.

Quant aux Surréalistes, ils trouvent dans le romantisme noir le premier mouvement qui accorde de l’importance au hasard, au rêve, et à l’abdication de la raison face aux manifestations incontrôlées du corps et de l’inconscient. Paul Klee remettra ainsi au goût du jour la figure de la sorcière et le thème de la danse funèbre.

Je me suis laissée complètement surprendre par cette exposition. Je redoutais son côté macabre mais des oeuvres lumineuses, comme celles de Carl Blechen (1798-1840), Jozsef Rippl-Ronai (1861-1927) ou Paul-Elie Ranson (1861-1909) viennent alléger l’atmosphère. Quelque peu plombée par les fonds nocturnes, où règnent la menace du néant autant que le vertige d’une liberté et d’un érotisme sans limite.

Jusqu’au 20 mai 2013

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Centre Pompidou, Niveau 4, Paris IV

Protagoniste de l’art cinétique des années 1950/60 en Europe, Jesus Rafael Soto (1923-2005) est présenté pour la première fois au musée national d’Art moderne, à travers vingt oeuvres clés, proposées en dation* à l’Etat par la famille de l’artiste. Découvrir l’oeuvre de Soto, c’est faire l’expérience de l’immatérialité de l’oeuvre.

Devant les oeuvres de Soto, il faut bouger, tourner autour, voire les pénétrer. La quête artistique de ce Vénézuélien d’origine est de mettre en relation l’oeuvre avec l’espace, de jouer avec le mouvement et les couleurs.

Fasciné par Mondrian, Malevitch, Albers mais aussi Moholy-Nagy et Y. Klein, Soto estime que chaque artiste est un maillon de l’histoire de l’art. Que les maîtres ne doivent pas être copiés mais dépassés.

C’est ainsi qu’après avoir vu la spirale de Duchamp, Soto imagine une oeuvre qui crée le mouvement sans moyen mécanique mais par effet d’optique lorsque le spectateur se déplace autour de sa spirale en Plexiglas, positionnée devant un losange peint sur fond de bois, reprenant lui-même le motif de la spirale. Pour l’artiste, la Spirale (1955) représente son passage définitif de l’art optique à l’art cinétique.

Puis viennent les oeuvres dans l’espace, composées de tiges d’aluminium, accrochées au plafond, et formant ce que Soto appelle des Volumes suspendus. Oeuvres qui sont appelées à être traversées par le visiteur. Ces Pénétrables créent un double effet de vibration, celui que l’on perçoit de l’extérieur et celui que l’on découvre en traversant l’oeuvre. La musique est en effet très importante pour l’artiste qui était guitariste de cabaret avant de pouvoir vivre de son art.

La troisième phase de son cheminement artistique est l’introduction de carrés de couleur. Il crée à partir de celle-ci un effet d’optique de mouvement constant, d’avancée ou de recul des carrés, en les disposant dans un même plan, devant une surface rayée ou unie. Ici, le mouvement n’est plus lié au déplacement du spectateur mais naît de l’illusion d’optique engendrée par le jeu des couleurs. « Soto cherche à donner à la forme et à la couleur sa propre vie », commente le commissaire de l’exposition, Jean-Paul Ameline.

Il n’est pas plus facile de vous décrire les oeuvres de Soto que de pouvoir les regarder tant l’effet d’otique est puissant. Je n’ai malheureusement pas réussi à apprécier à leur juste valeur ces oeuvres tellement elles irritaient ma rétine! Mais le concept reste intéressant…

*Dation : Dispositif permettant de payer à titre exceptionnel des droits de succession ou l’impôt sur la fortune par la remise à l’Etat d’oeuvres de haute valeur artistique ou historique.