James Ensor

Jusqu’au 04 février 2010

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Musée d’Orsay, niveau 0, 1, rue de la Légion-d’Honneur 75007, 9,50€

Etrange exposition que celle du musée d’Orsay! Cent dix ans après l’échec de sa première exposition à Paris, le musée d’Orsay et le MoMA revisitent l’art du Belge James Ensor (1860-1949). Une oeuvre torturée, oscillant entre naturalisme et fantastique, marquée par l’omniprésence de masques et de squelettes aux couleurs acides. James Ensor se révèle encore aujourd’hui comme un peintre inclassable.

Un monde fantastique mais pas au sens conte de fées, plutôt un tantinet macabre - voilà l’univers de James Ensor qui grandit au bord de la mer, à Ostende, dans un magasin familial truffé d’objets kitch, coquillages, sirènes, et… masques de carnaval.

Formé à l’Académie de Bruxelles, James Ensor quitte “cette boîte à myopes” (1880) pour retourner auprès de sa mère qui tient le magasin, tandis que son père, ingénieur anglais, sombre dans l’alcoolisme. Ensor deviendra un célibataire endurci et ne quittera que très peu sa ville natale.

Ostende lui inspire de nombreuses peintures et dessins. Surtout, la lumière de la cité balnéaire le mène dans une quête mystique. Se défendant avec fougue de la traiter à la manière des impressionnistes, “faiseurs de plein air, attachés aux tons clairs”, il se considère le premier à l’avoir approcher d’au plus près: “La forme de la lumière, les déformations qu’elle fait subir à la ligne n’ont pas été comprises avant moi”.
L’Après-midi à Ostende et La Mangeuse d’huîtres (1882) constituent les points culminants de cette peinture qui explore la lumière et le silence des maisons bourgeoises”, analyse Laurence Madeline, commissaire de l’exposition (conservateur au musée d’Orsay).

Bien qu’ayant quitté Bruxelles, c’est dans cette ville que J. Ensor entend se faire reconnaître. Défendant la modernité et la nouveauté, le critique d’art Octave Maus fonde en 1883 le Groupe des XX (1884-1893) auquel participe Ensor. Qui souhaiterait même en devenir le chef de file, tant il est sûr de l’originalité de ses recherches picturales. Pour lui, la lumière est l’opposée de la ligne, qui est elle-même “ennemie du génie, elle ne peut exprimer la passion, l’inquiétude, la lutte, la douleur, l’enthousiasme, la poésie, sentiments si beaux et si grands…”.

Ensor va encore plus loin et conçoit la lumière comme une puissance unificatrice et spirituelle. Ses paysages deviennent des chaos primitifs dominés par un souffle divin. La lumière devient Christ qui porte les traits d’Ensor (L’entrée du Christ à Bruxelles, 1888 - Los Angeles, The Paul Getty Museum). Logique, puisque lui seul a découvert la force de la lumière qui permet de traduitre tous les états d’âme. Mais c’est aussi un moyen pour l’artiste d’exprimer sa blessure quant à l’incompréhension de son oeuvre par la critique.
En 1887, Ensor perd son père et sa grand-mère. Sans compter qu’encore une fois sa dernière oeuvre, Les auréoles du Christ ou les sensibilités de la lumière, est mal accueillie. Dans le même temps, Seurat, invité au Salon des XX, triomphe avec Un dimanche après-midi à l’île de la Grande-Jatte. Bien que se défendant de la découverte de la grande toile de Seurat, J. Ensor avoue reconsidérer son usage de la couleur: “Ici, il y a à noter une évolution de ma manière. Pour arriver à rendre les tons riches et variés, j’avais mélangé toujours les couleurs […] J’ai modifié alors ma manière et appliqué les couleurs pures. J’ai cherché logiquement les effets violents, surtout les masques où les tons vifs dominent. Ces masques me plaisent aussi parce qu’ils froissaient le public qui m’avait si mal accueilli” (1894/95).

Ensor devient arrogant, préfère la fantaisie de ses masques à une réalité qu’il trouve laide et ôh combien cruelle, pointe du doigt les injustices de son temps et la vanité du monde en gorgeant ses toiles de squelettes aux couleurs virulentes. La mort défile dans son oeuvre à travers ces pantomines au jeu incompréhensible (Les Masques singuliers, 1892 - Bruxelles, Musée royaux des Beaux-Arts de Belgique).

“Il serait surprenant qu’Ensor, aimant avant tout au monde son art et par conséquent chérissant surtout celui qui le fait, c’est à dire lui-même, n’eût multiplié à l’infini sa propre effigie”, selon E. Verhaeren. Mais, si l’artiste apprécie son art et par conséquent lui-même, le “peintre aux 112 autoportraits”, renvoie une image aussi variée - tant au niveau du medium (dessin, gravure, panneau, huile sur toile) que du style (toutes les humeurs de l’artiste défilent) - et indiscernable que son art.
Pourtant, Ensor déclare: “Je vois une grande unité dans mon oeuvre” (1928). “Se représentant chez lui, au milieu de ses masques de ses fantômes et de ses tableaux, il classe, organise, hiérarchise sa production, aussi foisonnante, brillante qu’hétéroclite”, commente L. Madeline.

Une manière de construire sa légende, bien à l’avance et de façon réfléchie. Bref, d’entretenir sa place dans l’histoire de l’art, parmi les têtes de l’avant-garde du XXe siècle. “Entre Manet et Van Gogh”, comme il le revendiquait.

Au pays du dragon - Arts sacrés du Bhoutan

Jusqu’au 25 janvier 2009

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Musée Guimet, 6, place Iéna 75116, 8€

Vous avez dit Bhoutan… Coincé entre le Tibet et l’état indien de l’Assam, le royaume himalayen du Bhoutan (ou Druk Yul, “terre du dragon”) reste à l’ère de la mondialisation un pays qui s’ouvre à peine à l’extérieur, tout entier tourné vers la sauvegarde de ses traditions séculaires. Seul pays au monde où le bouddhisme tantrique est religion officielle, le Bhoutan a développé un art ésotérique, riche et complexe, à l’image de sa profondeur spirituelle. Le musée Guimet nous en offre un aperçu.

Pour la première fois, le musée Guimet accueille une exposition sans qu’elle ait été conçue spécialement pour ses lieux, pour la simple raison qu’il n’a pas été chose aisée de rassembler des oeuvres sacrées qui participent à des cérémonies liturgiques “vivantes”. L’Académie des Arts d’Honolulu a donc été chargée, avec le Département de la Culture du Gouvernement royal bhoutanais et l’Autorité monastique centrale, de constituer cette unique exposition rassemblant des oeuvres qui n’avaient jusqu’à présent jamais quitté le Pays du Dragon.

En guise d’introduction, le visiteur découvre une série de photographies de Mathieu Ricard, qui a vécu pendant neuf ans au Bhoutan et a été disciple du grand maître tibétain Dilgo Khyentsé Rinpotché. Pour décrire ce pays en dehors du flux touristique, le photographe cite un haut fonctionnaire canadien qui a aidé le pays à entrer au sein de l’Organisation des Nations Unies: “Le Bhoutan pourrait devenir comme n’importe quelle autre nation du continent asiatique, mais aucun de ces pays ne pourra jamais plus devenir comme le Bhoutan”. Même pas le Tibet voisin, où le tourisme est pourtant contrôlé, mais qui a souffert de la destruction de son patrimoine artistique.

Mathieu Ricard témoigne ainsi des traditions d’art sacré qui restent au coeur de la vie de chaque Bhoutanais. “Chaque colline porte son petit temple entouré de drapeaux de prières qui flottent au vent. Les torrents font tourner jour et nuit des moulins à prière. Montagnes et forêts sont parsemées d’ermitages où moines, nonnes et laïcs se consacrent à la méditation. Le calendrier religieux est émaillé de cérémonies majestueuses et de festivals de danses sacrées”.

Le Bhoutan a pour autre particularité de fonder sa richesse intérieure sur le Bonheur National Brut (BNB) a contrario du Produit Intérieur Brut pratiqué dans les pays dits modernes. Le BNB repose sur quatre piliers vecteurs d’un développement durable: sauvegarde de l’environnement, conservation et promotion de la culture bhoutanaise, croissance économique et gouvernance responsables. Cela fait rêver, non?

L’exposition présente ensuite dix sections liées à l’art sacré du bouddhisme tantrique: buddha, bodhisattva, stupa et mandala, objets liturgiques, films de danse (cham), etc. Elle présente 111 objets, principalement des peintures murales réalisées à l’encre et couleurs minérales sur coton, retenues par un noeud en soie. Les couleurs chatoyantes témoignent des codes du bouddhisme - d’où l’intérêt de suivre les explications d’une conférencière pour cette exposition qui saura expliquer les multiples symboles inclus dans les oeuvres, destinés à des pratiquants initiés, et non à un public occidental néophyte.

Comme les oeuvres proviennent de temples et monastères en activité, le gouvernement royal du Bhoutan - le pays est devenu une démocratie parlementaire en 2008 et a pour roi Jigme Khesar Namgyel Wangchuck  - a envoyé deux moines pour accompagner les oeuvres dans les lieux de présentation de l’exposition.

Chaque jour, ces moines exécutent des prières et des offrandes dans les salles. A 10h30, les rituels sont dédiés à Padmasambhava, célèbre maître originaire du nord-ouest de l’Inde, qui a introduit le bouddhisme tantrique au Bhoutanau VIIIe siècle. Au cours de la matinée, les moines purifient le lieu d’exposition et dispensent des bénédictions. L’effet est surprenant et le regard des moines semble vous imposer d’observer les oeuvres avec respect voire dévotion!
A 16h, la cérémonie invoque deux déités tutélaires et protectrices du bouddhisme bhoutanais, Vajrakila et Mahakala.
Dans la Rontonde aux Laques (4e étage du musée), où sont exposées les photographies bhoutanaises de Jean Timsit (ancien avocat d’affaires international reconverti dans la voie artistique après un voyage au Bhoutan en 2004), les moines ont dressé un autel avec des offrandes (vin, encens, riz, fleurs et statuettes).
Des mandalas [diagrammes de méditation] en sable sont et seront réalisés le temps de l’exposition, chacun dédié à une divinité particulière.

Mandala…

L’intérêt de la nouvelle exposition du Palais de Tokyo, “Chasing Napoleon” (jusqu’au 17 janvier 2010) repose sur la présentation des oeuvres de Paul Laffoley (né en 1940, vit et travaille à Boston), qui dit avoir traversé “la cinquième dimension” le temps d’une séance d’électrochocs. Cet ancien architecte devenu peintre aborde à travers la représentation de mandalas l’unité de la matière et de la conscience, les sciences para/normales, l’histoire de l’art, l’occultisme, la Divine Comédie de Dante, etc. Une oeuvre éclectique, fascinante à observer.

Souvenirs d’Italie (1600-1850) - Chefs-d’oeuvre du Petit Palais

Jusqu’au 17 janvier 2010

Musée de la vie romantique, 16, rue Chaptal 75009, 7€

Première initiative du genre, le Petit Palais investit l’Hôtel Scheffer-Renan (musée de la Vie romantique) pour exposer une sélection d’oeuvres réalisées par des artistes ayant tous visité l’Italie des XVIIe, XVIIIe et XIXe siècles. Leur thème favori: les ruines architecturales, les monuments de la Renaissance, la mythologie et les beautés romaines. Paysages pittoresques et cieux lumineux caractérisent ainsi un art sur le point de devenir caduque, comme l’expérimentera à ses dépends Hubert Robert…

Le premier artiste renommé à entreprendre le voyage initiatique dans la Péninsule latine est l’Allemand Albrecht Dürer (1471-1528). Un siècle plus tard, le “Grand Tour”, ainsi dénommé par les aristocrates britanniques, est un passage obligé pour les jeunes artistes. Qu’ils soient lauréats du Grand Prix de Rome, décerné annuellement par les Académiciens. Ou artistes provinciaux et peintres paysagistes qui ne peuvent pas concourir au Grand Prix - réservé aux peintres d’histoire - mais qui séjournent dans la ville éternelle grâce à des mécènes, amateurs d’art. Le Grand Tour les conduit de Rome à Gênes, Florence, Venise, Naples, Herculanum, Pompéi, où les fouilles après l’éruption du Vésuve en l’an 79 commencent, et Paestum, où les jeunes gens apprennent à distinguer l’architecture grecque de sa conseur romaine.

Au XVIIIe siècle, la ville des Lumières détrône Rome mais le voyage dans la ville éternelle reste de mise et ce jusqu’au XIXe siècle au moins. Napoléon Ier écrivait à ce sujet: ” Tandis que le reste de l’Europe envie nos richesses, nos jeunes talents vont encore au sein de l’Italie, échauffer leur génie à la vue de ses grands monuments et respirer l’enthousiasme qui les a enfantés” (1805).
Claude-Joseph Vernet et Hubert Robert (1733-1808), tous deux exposés, en sont d’illustres exemples. En captant les variations de lumière transalpine, ils renouvellent le genre du paysage (cf. Cascatelles de Tivoli peintes par Vernet en 1740/48 et par Robert en 1776).

Hubert Robert se spécialise dans la peinture de ruines, au point d’être surnommé “Robert des ruines”. Il séjourne plus de dix ans en Italie avant de rentrer en France, où il est reçu Académicien. Il expose des oeuvres de monuments antiques à Rome et des environs et devient la coqueluche des amateurs d’art. Beaumarchais fait dès lors appel à lui pour décorer le salon de son hôtel particulier, situé à proximité de la place de la Bastille. Grande déception! Le commanditaire reproche à l’artiste de brosser trop rapidement les huit panneaux représentant les plus célèbres statues antiques, copies romaines de statues grecques que l’on prenait alors pour des originaux hellènes.

Cherchant en vain, en quoi l’artiste aurait expédié ses oeuvres, je recquiers l’aide de la commissaire de l’exposition, Marilyne Assante di Panzillo (conservateur du Patrimoine au Petit Palais): “Il faut le reconnaître, Beaumarchais était un snob! Les peintures de J.L. David [1748-1825] révolutionnent les goûts picturaux. David développe un toucher lisse, des lignes finies et des teints clairs qui rendent caduques l’idéal baroque des XVIe et XVIIe siècles. H. Robert a retravaillé ses nuages et la couleur du ciel ainsi que le contour de quelques personnages. Mais la postérité a gardé en mémoire la plainte de Beaumarchais”. L’exposition vise à redorer le blason de ces toiles pittoresques, qui sortent pour la première fois depuis un siècle des salons de l’Hôtel de Ville.
Les autres oeuvres clés de l’exposition sont les eaux-fortes de Claude Gellée dit Le Lorrain (1600-1682), la Marietta de Camille Corot (1796-1875), mise en parallèle avec la Palombella de Jean-Baptiste Carpeaux (1827-1875), les dessins de Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867), les huiles de François-Marius Granet (1775-1849) et les aquarelles de l’architecte Charles Garnier (1825-1898).

Le mot de la fin reviendra à F.-R. de Chateaubriand, qui  affirmait que “tous les hommes ont un secret attrait pour les ruines […] Quand elles sont placées dans un tableau, en vain on cherche à porter les yeux autre part: ils reviennent toujours s’attacher sur elles.” (Génie du christianisme, 1802).

Fastes royaux - La collection des tapisseries de Louis XIV

Jusqu’au 07 février 2010

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Galerie des Gobelins, 42, avenue des Gobelins 75013, 6€

Dans le cadre d’une saison consacrée à Louis XIV (1638-1715), le Mobilier National, au sein de la galerie des Gobelins, exhibe une vingtaine de tapisseries commandées par le Roi Soleil. Elles incarnent autant la richesse de la France que le talent de ses artistes et de ses manufactures. Tissées de fil d’or et d’argent, ces tentures précieuses évoquent un passé glorieux que l’on découvre avec béatitude!

Au cours de son règne (1662-1715), Louis XIV a rassemblé pas moins de 500 tentures comprenant jusqu’à dix tapisseries chacune. Soit plus de 2500 tapisseries des XVe XVIe et XVIIe siècles.

Mécène et collectionneur - comme l’exposition du château de Versailles le montrera (exposition “Louis XIV: l’homme et le roi”,  20/10/09-07/02/10) -, Louis XIV développe très jeune un goût pour l’art grâce à l’influence de son parrain, le cardinal Mazarin.
A la mort de ce dernier (1661), le jeune roi de 23 ans prend le pouvoir qu’il voudra absolu. “Je veux à l’avenir gouverner moi-même mon royaume. Je ne veux point de Premier Ministre, je me servirai de ceux qui ont des charges pour agir sous moi selon leurs fonctions et, s’il arrive que j’aie besoin de vos conseils, je vous en demanderai”. Comme il est drôle que l’actualité du XVIIe siècle rattrape celle du XXIe siècle! Mais revenons-en à nos tapisseries…

Louis XIV hérite d’un fonds royal formé à partir de François Ier, estimé à 400 tapisseries dont Les Chasses de Maximilien, Les Mois Lucas, Les Actes des Apôtres, Le Triomphe des Dieux, Scipion. La plupart ont brûlé lors d’un incendie en 1797. Subsistent Les Chasses de Maximilien (musée du Louvre, département des objets d’art) et trois pièces du Triomphe des Dieux dont l’une, Le Triomphe de Minerve, est présentée dans l’exposition. Cette tapisserie illustre l’art des grotesques (appelés ainsi par les Romains qui trouvaient que les caves dont elles recouvraient les murs ressemblaient à des grottes), qui se caractérise par des rinceaux [ornement composé de branches, fruits, etc., disposés par enroulement] avec plantes et animaux.

Henri IV avait favorisé la production de tapisseries, en faisant implanter une manufacture, faubourg Saint-Marcel (Paris XIIIe), en 1607. Puis, c’est au tour de Jean-Baptiste Colbert (1619-1683), surintendant des Bâtiments, d’enrichir les collections royales en achetant des tableaux. Parallèlement, des tapisseries font leur entrée dans les appartements royaux. Oeuvres qui appartenaient entre autres:
- aux surintendants des finances Abel Servien (1593-1659) et Nicolas Fouquet (1615-1680): tenture de L’Histoire de Vulcain: Neptune et l’Amour plaidant pour la libération de Mars et Vénus, d’après Jules Romain, élève de Raphaël;
- au cardinal Mazarin: L’Acte des Apôtres d’après les cartons de Raphaël, créés pour la chapelle Sixtine du Vatican, achetés par Charles Ier à Gênes qui les fait tisser dans la manufacture de Mortlake, près de Londres dans les années 1630. A la mort de Charles Ier, La Pêche miraculeuse et La Remise des clefs à Saint Pierre entrent dans la collection royale française;
- au cardinal Richelieu: Scipion d’après Jules Romain;
- à la famille lorraine des Guise: Les Chasses de Maximilien et Les Ages des Guise, représentant les différentes étapes de la vie humaine.

Par la fondation des manufactures des Gobelins (1662) et de Beauvais (1664), Louis XIV ouvre la porte à la création de milliers de tapisseries jusqu’en 1715. Citons celles des Saisons de Charles Le Brun (1619-1690) ou L’Automne de Pierre Mignard (1612-1695), toutes deux exposées.

Les tentures impressionnent par leur taille, le détail des motifs et la restauration des couleurs (notamment le rouge de la manufacture des Gobelins). L’exposition s’accompagne de la présentation de quelques pièces de mobilier dont la découverte récente d’une table (les meubles étaient rarement répertoriés dans les collections royales) exécutée pour le château de Marly. Elle est présentée sous une huile de Van der Meulen et réceptionne en son socle un vase Ming, d’un bleu de cobalt exceptionnel.

Une exposition tout en rafffinement qui aurait gagné en clarté si les cartels décrivant avec précision les oeuvres avaient été placés face à elles (et non côte à côte, accrochés au mur), de façon à pouvoir dresser un parallèle mental entre les clés de lecture proposées et l’étude visuelle de la tapisserie.

South Bronx de Abraham Rodriguez

Le Serpent à plumes, collection roman noir, octobre 2009, 21€

Dans un style pur mais poétique, dans une ponctuation libre mais en osmose avec les idées qu’elle soutend, Abraham Rodriguez évoque le South Bronx, quartier portoricain de New York, où les Blancs n’osent généralement pas s’aventurer. Sauf cette jolie blonde, Ava, qui par une nuit pluvieuse, se glisse ensanglantée dans le lit d’un inconnu…

A la fois roman policier - les flics locaux jouent au chat et à la souris avec le FBI et des traficants de tout genre -, traité sur la création artistique et conte d’amour, South Bronx emporte le lecteur dans un flot narratif percutant.

L’intrigue rebondit, devenant prioritaire ou secondaire par rapport au simple plaisir des mots, en fonction du narrateur.

Il y a Ava, cette jeune femme blanche en fuite.

Alex, Mink et Monk, trois Portoricains de South Bronx. Le premier, beau gosse, noie l’absence de sens vital dans l’alcool et les femmes - une différente chaque soir de préférence. Mink, l’artiste abstrait qui a connu la gloire et essaie de sortir des ronds et des cubes dans lesquels il s’est enfermé. Et Monk, son contrepoint littéraire, également en quête d’inspiration.
Pendant ce temps, le flic portoricain Sanchez, déchu pour avoir lutté contre un supérieur qui s’octroyait le droit de tuer directement les dealers plutôt que de s’encombrer de démarches judiciaires, doit faire équipe avec l’agent Myers, spécialement dépêché de Washington. Leur objectif: retrouver les dix millions de dollars subtilisés par un dealer à un réseau terroriste.

Tout ce petit monde va se croiser, plus ou moins intimement, coinçant le lecteur sur ses a priori quant à qui sont les gentils, qui sont les méchants…

Abraham Rodriguez, connu pour The Boy without a flag - Livre de l’année sélectionné par le New York Times -, et pour Spidertown (Lauréat du Prix American Book en 1995), signe un nouvel opus mêlant avec aisance extraits de textes, poèmes et éléments biographiques.

“Mink était sur le point de lancer une blague quand il remarqua la manière dont Alex la fixait encore.
‘Elle est aussi blanche qu’un fantôme’, murmura-t-il.
Mink attendit. Il sentait les tâches de peinture prendre lentement la forme de la fille sur la toile, l’y enfermer pour toujours. Il fut terrifié à l’idée qu’elle se réveille, qu’elle s’en aille ou que quelque chose change un jour dans cette pièce. Il voulait le moment rien que pour lui (Dans ses mémoires, il bannirait Alex à l’extrême périphérie). Il pensait à ce qui arrivait généralement aux femmes dans la vie d’Alex, celles avec qui il l’avait vu dans la rue aux fêtes ou dans son lit: elles disparaissaient, chacune laissant place au parfum suivant.” (p.54).

Un style urbain étoffé d’une prose poétique qui se lit avec délectation. Le lecteur découvre de l’intérieur l’univers portoricain d’un quartier défavorisé de New York. Ambiance café, clopes, musique. Mais aussi drogue, descentes de police, coups de feu.

“Je lui ai dit qu’il devrait goûter de la vraie cuisine portoricaine et c’est pour ça que j’ai fait commencer ce connard par un sandwich cubain. (Petite vengeance, petite private joke.) Lui hagard l’air un peu ralenti pourtant mauvaise pulsation d’énergie dans ses yeux. Je me suis dit qu’une bière le détendrait. Quels sont les mots les plus vrais prononcés dans la culture américaine? Ca n’est pas ‘make my day‘ ou ‘ c’est calme… trop calme’, qu’on entend dans les westerns ou les films de guerre. Les mots les plus vrais jamais prononcés dans la culture américaine sont: ‘Couvre-moi.’ Chaque Américain les connaît. Chaque Américain sat ce qu’ils signifient. Ils sont le symbole, le code d’une fraternité. Un frère qui se tourne vers un frère pour qu’il l’aide: ‘Je couvre tes arrières.’ Des mots qui disent qu’on est américain. Peu importe quelle couleur quelle culture quel grade, on est là pour les autres quoi qu’il arrive. Qui est là pour le pauvre plouc américain quand il part en croisade? Qui se tiendra contre le mur avec nous?
(OK. On buvait du rhum.)” (pp.220-221).

N’ayons pas peur des mots, South Bronx est un roman de la rue qui fraie avec la grande littérature.
Un seul petit regret: que les (nombreux) mots espagnols qui ponctuent le récit ne soient pas traduits.

Ultimatum  Climatique
Le Zenith - Paris le 22/11/2009
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Ce concert qui rassemblera Zazie, Yannick Noah, Tryo, et Bernard Lavilliers est le prolongement de l’appel « Ultimatum Climatique » lancé par une dizaine d’ONG (Greenpeace, WWF, FNH, Réseau Action Climat, OXFAM, Action contre la faim, Secours Catholique, Médecins du Monde, Amis de la Terre, FIDH et CARE) dont l’objectif est de recueillir un million de signatures.

Arts de l’Islam
Institut du Monde Arabe - Paris  du 06/10/2009 au 14/03/2010
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Le vocable «islamique» pourrait faire croire que cet art n’a de finalité que religieuse ; or une large partie de sa production est profane. Il est islamique parce que son vocabulaire est partiellement ancré dans la pensée philosophique de l’Islam qu’a partagé un groupe de nations adhérant à cette foi ; il ne s’agit pas de l’art d’un seul pays ou d’une seule civilisation.

Nuit de la Glisse
Dans toute la France le 06/11/2009
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Cet événement, c’est avant tout un film d’images inédites de sports tels que le surf, le ski, la chute libre, le skate, etc., et toujours filmé dans des lieux incroyables tout autour de la planète. Ces sports sont et se doivent d’être ludiques. Même en gardant comme objectif de faire reculer leurs limites, les riders de ce film gardent toujours la notion de plaisir, unique base de leur motivation ; néanmoins, ils n’oublient pas qu’ils évoluent dans un univers en pleine mutation climatique.

Matisse & Rodin

Jusqu’au 28 février 2010

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Musée Rodin, 79, rue de Varenne 75007, 7€

Rodin et Matisse ont en point commun la pratique du dessin et de la sculpture, les deux tendant vers l’élimination de tout superflu formel. Mais cette essence nécessaire de l’oeuvre ne s’exprime pas de la même manière chez l’un et chez l’autre, comme le met en valeur brillamment l’exposition “Matisse & Rodin”, actuellement présentée au musée Rodin.

L’exposition aborde les différents parallèles thématiques qui peuvent être dressés entre les dessins et la sculpture de Matisse (1869-1954) et Rodin (1840-1917).  Avec comme point de départ la présentation de leurs dessins de nus - motif essentiel chez les deux artistes au point d’en devenir un langage  “quasi exclusif” -, commente Dominique Viéville (directeur du musée Rodin).

En 1899, Henri Matisse (31 ans), se rend dans l’atelier de Rodin (60 ans) pour lui présenter ses dessins. Si le maître reconnaît la facilité de trait du jeune homme, il lui dit de revenir quand il les aura mieux “pignochés”. Exactement l’inverse de ce que Matisse pratique, lui qui réduit son trait de crayon continu à l’essentiel. Rodin, lui, cherche à saisir le mouvement précis du muscle, en le retravaillant jusqu’à ce qu’il en soit satisfait. Mais sans regarder sa feuille, son regard se portant uniquement sur le modèle vivant qui déambule dans son atelier.
Vexé, Matisse décide que cette première rencontre sera la dernière. Rodin ne sera pas le maître de Matisse. Du moins pas officiellement.

Car cette même année, Matisse achète chez le marchand de tableaux parisien, Ambroise Vollard, un plâtre original d’Auguste Rodin, Le Buste d’Henri Rochefort (1884) et un tableau de Cézanne, Les trois baigneuses (1879-1882). Signe qui laisserait à penser que Matisse place la sculpture de Rodin à la même hauteur que l’oeuvre picturale de Cézanne, qu’il tient en grande estime.

Un an plus tard, le jeune peintre en gestation du Fauvisme, se rend au Pavillon de l’Alma où Rodin expose en marge de l’Exposition Universelle. Matisse vient de se mettre à la sculpture - il a entamé son Jaguar dévorant un lièvre, d’après A. L. Barye (1899-1901), présenté en transition vers la deuxième salle de l’exposition. Au Pavillon de l’Alma, le jeune artiste observe L’Homme qui marche sur colonne (1877) de Rodin. Coïncidence? La première grande sculpture de Matisse, Le Serf, qu’il met trois ans à réaliser (1900-1903), ressemble étrangement à l’oeuvre de Rodin! Même pose que L’Homme qui marche sur colonne et même bras tendus que ceux du Jean d’Aire nu de Rodin. En 1908, les bras du Serf en plâtre sont cassés accidentellement. Matisse reprend alors l’idée originale de Rodin de présenter ses sculptures partielles comme des oeuvres à part entière, et fait couler le bronze du Serf avec les bras tronqués. La statue n’en acquiert que plus d’expressivité. Rainer Maria Rilke écrit au sujet des sculptures partielles de Rodin: “[Dans les statues sans bras de Rodin], il ne […] manque rien de nécessaire. On est devant elles comme devant un tout qui n’admet aucun complément.” Même impression chez Matisse.

L’intérêt de Rodin et Matisse pour le mouvement du corps atteint son apogée dans la représentation de la danse. La Ronde (1883-1884) de Rodin rejoint La Danse (1909-1910) de Matisse dans leur maîtrise des deux caractères inhérents à la danse: l’équilibre et l’envol.

Quelques natures mortes de Matisse incorporant ses propres sculptures s’immiscent dans l’exposition. Elles illustrent comment Matisse entend supprimer les frontières entre les arts. La sculpture ne fait qu’un avec les éléments décoratifs, elle contribue à un équilibre harmonieux de la composition, de “l’espace vécu” (Rémi Labrusse).

L’exposition se termine sur la présentation de dos féminins. Quatre Nus de dos (1909-1930) de Matisse - jamais présentés ensemble du vivant de l’artiste - font écho aux Torse de femme cambrée (1909) et Torse féminin assis dit du Victoria & Albert Museum (vers 1910-1914?) de Rodin. A partir de 1910, le sculpteur simplifie à l’extrême. Lui, qui, comme Matisse, aime laisser les hasards du work in progress - traces de doigts dans l’argile, défauts de moulage, accidents de texture - afin que la sculpture capte mieux la lumière par ses bosses et ses creux - tend vers encore plus de simplificité en plongeant ses plâtres dans un liquide “unificateur”.

Matisse aura réalisé à peine plus de 80 oeuvres sculptées entre 1899 et 1930. La sculpture reste pour lui un moyen secondaire, destiné à compléter sa pratique picturale. Si, à l’inverse, la sculpture représente le medium essentiel avec lequel s’exprime Rodin, lui-même affirmait que ce sont ses dessins qui sont la clé de son oeuvre: “ma sculpture n’est que du dessin sous toutes les dimensions.”

Une splendide exposition qui présente l’opportunité de confronter des pièces de Rodin à une part moins connue de l’oeuvre de Matisse en provencance du musée Matisse à Nice. Et que je n’ai malheureusement pas pu mettre en visuels, ces derniers n’étant pas libres de droit. Donc, allez-y, sans hésitation!

Deadline

Jusqu’au 10 janvier 2010

Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, 11, avenue du Président Wilson 75116, 9€

Non, ce n’est pas morbide! Contre toute attente, l’exposition “Deadline“, présentée au musée d’Art moderne de la Ville de Paris est loin d’être éthiquement douteuse. Si elle rassemble bien une sélection de réalisations de fin de vie d’artistes, leurs oeuvres sont portées par une intensité hors du commun qui compense le voile sombre entourant ces personnes malades ou tout simplement âgées, aujourd’hui disparues. Mot tabou dans la civilisation occidentale, la mort est ici transcendée grâce à l’art.

Ce n’est que depuis une trentaine d’années que les dernières oeuvres des artistes sont considérées comme importantes du point de vue de l’histoire de l’art. Témoignant souvent d’un apaisement, d’une paix intérieure, elles étaient jugées moins intéressantes que les oeuvres radicales des débuts de carrière.

L’exposition prouve le contraire. Tout comme la précédente exposition sur de Chirico: “Elle montrait pour la première fois la capacité d’un grand artiste, initiateur à lui seul de presque toute la peinture surréaliste, à réinventer à plus de quatre-vingts ans un vocabulaire pictural avec, dans son cas, une maestria à la mesure de son dédain”, écrit Fabrice Hergott (directeur du musée) dans l’avant-propos du catalogue de l’exposition.

“Deadline” devait initialement s’articuler autour de la présentation des trois dernières années de Hans Hartung. Au final, elle comprend une sélection de douze artistes, morts au cours des vingt dernières années, et choisis pour avoir intégrés dans leurs travaux ultimes la conscience de leur proche fin.

Certains se sont sentis libérés comme Hartung (1904-1989) qui se lance dans les grands formats (3 x 5 m.) et s’octroie une palette chromatique éclatante. A l’instar de Willem de Kooning (1904-1997) qui en profite également pour épurer ses compositions.
Robert Mapplethorne (1946-1989) se représente avec un crâne, telle une vanité, et ailleurs sublime le corps de statues viriles, érotisées, qu’il cadre de manière à mettre en évidence le contraste entre la “chair” de la statue et le fond noir.
Chen Zhen (1955-2000) renouvelle l’art du paysage à partir de la représentation d’organes humaines, confrontant l’approche douce de la médecine chinoise à sa pendante matérialisée, froide, occidentale. Il inverse également une vision commune en montrant ce qui est normalement intérieur à l’extérieur.
Absalon (1964-1993) et James Lee Byars (1932-1997) imaginent la mise en scène de leur propre déchéance (le premier) jusqu’à leur dernier souffle (le second).
Martin Kippenberger (1953-1997) se portraiture en survivant du Radeau de la Méduse (Géricault).
Gilles Aillaud (1928-2005) qui peignait essentiellement des animaux en captivité les libère dans un vaste horizon.
Hannah Villiger (1951-1997), qui photographiait son corps nu agrandi, dissimule sa silhouette décharnée sous des tissus-linceuls, se concentrant sur les formes et la couleur des matières textiles, pour créer une sorte de bouquet floral sensuel.
Anticipation de l’au-delà ou de la ruine corporelle à l’aube de leur mort - Fabrice Hergott cite Chamfort qui disait que la vieillesse est l’enfer des femmes et un peu celles des hommes aussi -, ces oeuvres représentent une tentative artistique de se libérer de la conscience aiguë de sa propre disparition.

Loin de manquer d’énergie créatrice, ces oeuvres permettent aux artistes de se jouer de la mort. En influençant, une dernière fois, l’histoire de l’art.

Même Ousmane Sow a été petit par Béatrice Soulé
Editions Actes-Sud, 164 pages, mai 2009, 24€

Pour célébrer les dix ans de la mémorable exposition d’Ousmane Sow sur le pont des Arts, les Editions Actes-Sud avec le soutien de la Fondation Dapper éditent une biographie émouvante de l’artiste. Sur le tempo du conte, Béatrice Soulé entraîne le lecteur à travers les voyages - géographiques et spirituels - du sculpteur sénégalais. Un livre qui se dévore et rassure un tant soit peu sur la valeur des hommes.

Artiste en puissance dès son plus jeune âge, Ousmane Sow, issu de l’ethnie des Peulh, ne deviendra artiste professionnel qu’après de longues années d’errance. Notamment, en France, où il pratiquera de nombreux petits métiers. Il parvient à économiser pour suivre une formation de kinésithérapeute, qui lui apprend le fonctionnement des muscles - savoir qui se révèlera indispensable à sa future pratique sculpturale.

La narration se fonde sur une série d’anecdotes qui retrace la vie d’Ousmane Sow avec en filigrane l’histoire du Sénégal, de l’ère coloniale à son indépendance. Le mode du conte lui apporte légèreté et humour tandis que les faits rapportés sont ancrés dans la vérité historique et génèrent une profonde émotion.
Ce n’est qu’en 1987 qu’O. Sow est exposé pour la première fois - hormis la petite statuette qu’il avait réalisé en classe et qui avait été disposée par son instituteur sur l’armoire de la classe - au Centre Culturel Français de Dakar. Il y présente une série sur les lutteurs Nouba. “Révolté d’apprendre qu’on veut les exterminer, il souhaite les faire exister par la sculpture” (p.118).

L’artiste s’attache ainsi à faire vivre les peuples oubliés et tribus en voie de disparition comme les guerriers Masaï (sud du Kenya et nord de la Tanzanie), les Peulh (répartis dans toute l’Afrique de l’Ouest), les Zoulou (Afrique du Sud). Mais aussi les Indiens d’Amérique du Nord (Sioux, Cheyennes).

Six ans plus tard, la prestigieuse Documenta de Kassel (Allemagne) le prie à trois reprises de bien vouloir lui faire l’honneur d’y exposer ses oeuvres!
Mais, c’est certainement son exposition sur le Pont des Arts à Paris, en 1999, qui consacre sa carrière tardive. Plus de trois millions de visiteurs arpenteront le célèbre pont qui relie le Louvre - temple de l’art - à l’Académie française - berceau du savoir.

Guidé par la mémoire de son père, Moctar Sow, Ousmane réalise une série intitulée Merci. En hommage aux grands hommes qui l’ont inspiré et lui ont donné confiance en la nature humaine. Outre son père, il range dans cette glorieuse catégorie Nelson Mandela, le Général de Gaulle, Gandhi, Martin Luther King, Mohamed Ali et Victor Hugo. Auteur qu’il vénère particulièrement et dont il avait appris par coeur dans son enfance le poème Après la bataille, commençant par “Mon père, ce héros au sourire si doux…”

Un très beau livre, enrichi de photographies et d’aquarelles. A offrir à toute âme sensible!

Michael Kenna - Rétrospective

Jusqu’au 24 janvier 2010

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BnF Richelieu, Galerie de photographie, 58, rue de Richelieu 75002, 7€

Cieux à la Constable, mers à la Turner, forces de la nature selon les théories de Ruskin. L’oeuvre du photographe britannique Michael Kenna, dont la BnF (Richelieu) expose une rétrospective, rend indéniablement hommage à ses compatriotes du XIXe siècle. Ses paysages se caractérisent par leur nudité - la présence de l’homme ne subsistant que par les traces de son activité. Longueur des temps de pose et recours au noir et blanc éloignent l’artiste de la pratique photographique contemporaine. Il n’en a cure. Michael Kenna s’affirme avant tout comme un voyageur solitaire.

Michael Kenna (né en 1953 à Widnes, Lancashire, nord-ouest de l’Angleterre) concentre son intérêt sur le paysage dans tous ses états. Qu’il s’agisse de ses premières oeuvres “romantiques” sur le nord industriel de l’Angleterre. Des mégalopoles mondiales (Etats-Unis, Brésil, Hong-Kong, Shanghai) animées par la Fée électricité. Ou de son dernier voyage en Asie du Sud-Est qui rend compte de la puissance des éléments naturels.

Ce choix lui a été inspiré après l’exposition “The Land” (1975), organisée par le grand photographe anglais Bill Brandt, qui rassemblait des oeuvres de Brassaï, Atget, Cartier-Bresson, Lartigue mais aussi Giacomelli ou Uelsmann. Alors étudiant en photographie à Londres, Michael décide de se consacrer au genre du paysage.

S’il a commencé par vivre de commandes publicitaires, M. Kenna a développé en parallèle un travail personnel sur son sujet de prédilection.
En 1977, il s’installe à San Francisco et devient l’assistant de Ruth Bernhard (1905-2006), célèbre pour ses nus et ses natures mortes.
Après dix années de collaboration, il s’émancipe, s’installe à Portland puis à Seattle, où il vit actuellement.

Michael Kenna construit son oeuvre par séries, se plongeant dans des lieux où il aime revenir plusieurs années après. Il inscrit son travail dans la durée. Une manière d’observer la marque du temps sur l’univers, qu’il accompagne d’une technique appropriée: des temps de pose longs. Il en résulte un contraste des matières et des dégradés de gris, tout en conférant à l’oeuvre une atmosphère atemporelle.

Ce qui a permis à Anne Biroleau, commissaire de l’exposition (conservateur général au département des Estampes et de la photographie, BnF), de faire cotoyer des oeuvres anciennes et passées, sans que l’harmonie générale en soit brisée.
Autre caractéristique marquante de l’accrochage: la recherche de rapprochement formel entre les différents paysages. Comme Ratcliffe Power Station mise en parallèle avec la skyline new-yorkaise ou les statues du parc de Vaux-le-Vicomte avec la perspective d’arbres de Tsarskoe Selo (Russie).

Le choix du petit format (20 x 20 cm en général) rend d’autant plus fort le contraste entre le contenant et le contenu. Car les paysages sont loin d’être seulement contemplatifs. L’atmosphère brumeuse des montagnes chinoises, sacrée de l’Ile de Pâques, déchaînée du Mont Saint-Michel donnent à voir à l’observateur curieux, obligé de s’approcher pour apprécier les détails, la force qui se détachent des images. Les paysages photographiés, dont le format carré bloque la composition latérale, font prendre conscience qu’ils sont des constructions culturelles.
Ce que confirme l’artiste, immédiatement repérable à sa chemise flamboyante qui contraste avec le noir et blanc de ses clichés! “Une photographie est une illusion en deux dimensions qui se réfère à une réalité en trois dimensions”.

J’avais découvert l’oeuvre de Michael Kenna au hasard d’une promenade londonienne dans une galerie du quartier de South Kensington. L’exposition de 2004 présentait les oeuvres de son dernier voyage au Japon, marquées par un graphisme particulièrement épuré. Aujourd’hui, j’ai ressenti le même envoûtement en découvrant d’autres pans de son travail, notamment les paysages architecturaux. Ils mettent en valeur l’ingéniosité de ses compositions qui intègrent un jeu essentiel sur les lignes - verticales abaissées, horizontales réhaussées, lignes de fuite distordues depuis le point focal -, sans nuire à l’équilibre général de l’image.
Parallèlement, la force des éléments naturels invite à une contemplation active du spectateur, qui ressort sublimé de cette exposition.

Pour voir l’exposition en virtuel, cliquez ici.

FIAC 2009

22-25 octobre 2009

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Cour Carrée du Louvre + Jardin des Tuileries + Grand Palais

Cette année, focus sur la Cour Carrée du Louvre. Bien plus petite en taille que sa grande soeur au Grand Palais, la Fiac au Louvre n’en expose pas moins des oeuvres percutantes. Axée sur les galeries étrangères, elle ouvre une fenêtre sur la vision des artistes hors de nos frontières. Ou des artistes français représentés par des galeries étrangères…

s’est lancée dans les produits pour chiens (vernis à ongle, colliers, etc.)! Sur ce, l’artiste se rend en Belgique, où elle assiste à une foire de nains “chiens de jardin”. L’artiste combine ces deux sources d’inspiration pour créer ses propres chiens en les recouvrant de son thème de prédilection: l’illusion du beau, le faux luxe.

, affiche une oeuvre violente de Bernard Buffet, La Mort 3 (1999) représentant un squelette avec un foetus dans le ventre (son testament artistique avant son suicide), entourée de sculptures en pierre recouvertes de sable de l’Allemand Stefan Rinck. Des oeuvres qui oscillent entre les gargouille, les idôles océaniennes et les totems Incas.

Petit arrêt à la galerie Pianissimo de Milan mais personne derrière le bureau et pas encore de cartel au mur… Si vous passez devant, n’hésitez pas à compléter l’info en laissant un commentaire, merci!
(Paris). L’artiste reprend le code d’honneur du portrait classique - le mari représenté à gauche, la femme à droite - tout en se moquant de la solennité du moment de la pause: il fait loucher ses modèles!

(Paris), où Marc-Olivier Wahler (directeur du Palais de Tokyo) et Guillaume Houzé (arrière arrière petit-fils de Théophile Bader, fondateur du groupe Galeries Lafayette, qui a mis en place l’exposition d’art contemporain Antidote aux Galeries Lafayette) semblent faire leur marché… Même attention devant l’oeuvre de Timo Nasseri, Allemand d’origine iranienne: une sculpture en bois intitulée Alif (2009) qui fait écho par son équilibre géométrique à ses encres blanches sur papier noir, One and One (2008), présentées derrière. Celles-ci répètent une structure représentée à l’infini qui évoque les Muquarnas (structures en un nid d’abeilles). La répétition du geste et de la formule mathématique intensifie l’expérience comme lors d’une prière. Comme quoi, la formule rigueur mathématique et spiritualité ne constitue pas un oxymore.

(Milan) une sculpture mi-humaine mi-Dark Vador à base de lamelles de plastique. Effet saisissant!

qui présente Eszter Szabo. L’artiste réalise des vidéos à partir de ses aquarelles. Des retraités défilent lentement, tentant de passer le temps en jouant comme des gamins aux jeux vidéos.

Vient ensuite la section pour la sélection du prix Marcel Duchamp, qui sera nominé samedi 24 octobre 2009 à 11h. Je vote pour Damien Deroubaix!

(New York). Mounir Fatmi ravive le souvenir du 11 septembre avec Hard Work (2009): des casques de chantier recouvrent des crânes tandis qu’une vidéo montre la destruction de deux tours. L’artiste expose également de manière insolente Father’s Carpet (2009), qui représente un dyptique asymétrique d’une vue tapissée du Taj Mahal avec l’inscription Fuck the architect.

(Paris).

(Mumbai, nouveau nom de Bombay) avec une envolée exotique grâce à la photographie Yet Unbridled (2009) de Tushar Joag.

Fellini, la grande parade

Jusqu’au 17 janvier 2010

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Jeu de Paume Concorde, 1 place de la Concorde 75008, 7€

Après cette exposition (et pour vous, avant peut-être!), une seule envie surgit: revoir La Dolce Vita (1960) avec Anita Ekberg et Marcello Mastroianni. Le Jeu de Paume propose de découvrir les sources de l’imagination du plus célèbre réalisateur italien de l’après-guerre Federico Fellini (1920-1993), à travers notamment ce film mythique qui a reçu la Palme d’Or à Cannes. L’exposition présente des archives photographiques inédites ainsi qu’une section moins connue de l’oeuvre fellinienne: les dessins préparatoires aux films et ceux de ses rêves. Aussi extravagants que leur auteur…

“Fellini, la grande parade” rassemble un nombre incroyable de sources multimedia qui permettent d’appréhender le prolifique univers fellinien.
Extraits de films, photographies, musique, dessins, affiches publicitaires, magazines apportent des clés de lecture pour comprendre comment Fellini a su nourrir son imagination et construire sa légende. Le commissaire de l’exposition, Sam Stourdzé a réalisé un travail en profondeur, allant jusqu’à retrouver les photographes qui ont travaillé avec Fellini (Deborah Beer, Pierluigi, Tazio Secchiaroli, …), réunir les coupures de presse de Pathé sur La Dolce Vita encore jamais exposées, inviter Claudia Cardinale à témoigner de son expérience avec le maître italien (conférence mardi 27 octobre à 19h), etc.

La première partie de l’expositon se concentre sur l’attrait du cinéaste pour l’art populaire comme le music-hall ou le cirque qu’il considère comme “une usine de prodiges, un lieu où s’accomplissent des choses irréalisables pour la majeure partie des hommes. Je veux dire, enfin, que ce type de spectacle fondé sur l’émerveillement, la fantaisie, la grosse plaisanterie, la fable, l’absence de signification intellectuelle est justement le spectacle qui me convient.”

Fellini s’inspire également des romans-photos, de l’art de la caricature, du rock’n'roll - en vogue après-guerre - et de la femme, bien sûr. Entre la “bombe” suédoise Anita Ekberg, au sujet de qui Bob Hope disait “c’est à ses parents qu’il faudrait donner le prix d’architecture!”, et la sensuelle Anouk Aimée (née en 1932), F. Fellini savaient choisir ses actrices! Et ses acteurs: Marcello Mastroianni (1924-1996) incarne une sorte de double à l’écran de Fellini, en particulier dans le film 8 et demi (Otto e mezzo, 1963) où Mastroianni joue le rôle d’un réalisateur en mal d’inspiration.

C’est à Fellini que l’on doit le nom de paparazzi. Dans La Dolce Vita, le photographe, incarné par Walter Santesso, se nomme Paparazzo. Le phénomène est en vogue depuis que les studios hollywoodiens ont envahi “Cinecittà” dans les années 1950, au point de surnommer Rome, le “Hollywood-sur-Tibre”. Ils se sont retranchés dans des baraquements où sont reproduits des décors de la ville romaine, comme le café de Paris, forçant les photographes de guetter le moindre déplacement des acteurs à l’extérieur du site. Les photos volés de la baignade d’Ava Gardner et de Walter Chiari, publiées dans L’Espresso (1956) constituent l’un des premiers reportages people.

L’exposition s’attarde encore sur la polémique autour de la (non) foi de Fellini, qui a choqué alternativement les néoréalistes gauchistes (suite à La Strada, 1954) et l’Eglise Catholique (La Dolce Vita). Loin de vouloir rentrer dans tel ou tel camp, le cinéaste évoque tout de même en fin de carrière “une force irrésistible et providentielle, innée en nous.”
A partir de 8 et demi qui marque une nouvelle rupture dans l’oeuvre de Fellini, le réalisateur met en scène ses souvenirs d’enfance et ses rêves. Le cinéma devient prétexte à sa propre mise en scène, pierre fondatrice de la construction de son mythe.

“Le cinéma fellinien”, résume Sam Stourdzé, “est un cinéma au motif récurrent et récursif, si l’on veut utiliser un mot savant, c’est à dire en train de se faire. Fellini se filme en train de se filmer. Il pensait ainsi approcher une plus grande vérité.”

L’exposition est avant tout visuelle, présentant les images des films de Fellini mais aussi celles qu’il a construites (fausses publicités, dessins). Au-delà de la problématique de la capacité à exposer le cinéma, elle interroge la naissance d’un siècle à images, qui a vu la naissance du cinéma mais aussi des magazines, de la télévision (pour qui le réalisateur avait un grand dédain car son format ne pouvait, selon lui, porter la grandeur des émotions du 7e art) et de la publicité. La fabrique de l’image au XXe siècle est la thématique sous-jacente de cette riche exposition et rejoint en ce sens celle présentée au musée d’Orsay sur James Ensor - artiste belge qui a préparé bien à l’avance le mythe de sa postérité (artice à suivre)…

Film “Michael Jackson This is it”
Le Grand Rex - Paris & Cinémas CGR du 28/10 au 10/11/2009

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Le documentaire événement “Michael Jackson’s This is it” regroupe les dernières répétitions du roi de la pop. Il sortira dans les salles du monde entier le 28 octobre prochain pour seulement deux semaines d’exploitation. Des entrevues du roi de la pop, de ses proches et collaborateurs viennent compléter le film…

Soulages

Jusqu’au 8 mars 2010

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Centre Pompidou, niveau 6, galerie 1, 75004, 12€

Sobrement intitulée d’après son seul patronyme, l’exposition [Pierre] Soulages (né le 24 décembre 1919 à Rodez, Aveyron), au Centre Pompidou, présente une rétrospective des toiles du grand - en renommée et en taille - peintre abstrait français, tout en mettant l’accent sur ses dernières oeuvres. Des monochromes noirs, souvent suspendus en l’air, qui sont tout sauf sombres grâce à leur pouvoir de réflection de la lumière. Bienvenue dans le monde de l’”outrenoir”.

Premier artiste vivant auquel le musée de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg consacre une exposition (2001), Pierre Soulages investit pour la seconde fois le Centre Pompidou. Il y a trente ans, l’artiste venait tout juste de découvrir le pouvoir émotionnel d’une toile lié à sa totale noirceur. “C’était en 1979. J’étais en train de peindre. Ou plutôt de rater une toile. Un grand barbouillis noir. J’étais malheureux, et comme je trouvais que c’était pur masochisme que de continuer si longuement, je suis allé dormir. Au réveil, je suis allé voir la toile. J’ai vu que ce n’était plus le noir qui faisait vivre la toile mais le reflet de la lumière sur les surfaces noires. Sur les zones striées la lumière vibrait, et sur les zones plates tout était calme” (entretien avec Hans-Ulrich Obrist, catalogue de l’exposition).

Le coeur de la présente exposition poursuit cette recherche du pouvoir lumineux libéré par le noir, que l’artiste appelle “outrenoir”. Un  noir qui se fait en réalité négation du noir. “D’autant plus intense dans ses effets qu[e cette lumière secrète] émane de la plus grande absence de lumière”, commente l’artiste (2005).

Ses premières oeuvres, singulières par leur usage du brou de noix sur papier ou du goudron sur verre, annoncent déjà cet attrait pour l’abstraction et le noir. A l’époque, Pierre Soulages définit une peinture comme “une organisation; un ensemble de relations entre des formes, sur lequel viennent se faire et se défaire les sens qu’on lui prête” (1948). Ses travaux des années 1950 sont de taille modeste et entretiennent un rapport intimiste avec l’observateur.
Survient “l’accident” de 1979, inscrit dans la salle 5, qui sert de transition avec la seconde partie de l’exposition. Dans un enclos noir sont suspendus deux grandes toiles complètement recouvertes de noir renvoyant la lumière du mur blanc qui leur font face. Subjugation du regardeur.
Le reste des salles présentent l’évolution de la quête picturale de l’artiste - “c’est ce que je fais qui m’apprend ce que je cherche” (1953) - débouchant sur des polyptyques, installés en suspension dans l’espace. Une recherche qu’il compte encore poursuivre, à l’aube de ses 90 ans. Un anniversaire que lui souhaite d’ores et déjà le Centre Pompidou en lui offrant cette exposition majeure.
L’art de Pierre Soulages, tant dans le choix des matériaux (matières industrielles ou artisanales, brosses de peintre en bâtiment) que dans son investissement de l’espace, se réclame de l’architecture.
“Si vous accrochez une peinture au mur”, explique-t-il, “elle fait fonction de fenêtre. Mais fixée par des câbles, elle devient elle-même un mur”. En suspendant ses oeuvres, P. Soulages invente un nouvel espace: “celui de la peinture n’est plus sur le mur, comme dans la tradition picturale byzantine, il n’est pas non plus derrière le mur, comme dans les tableaux perspectifs, il est désormais devant la toile, physiquement. La lumière vient du tableau vers moi, je suis dans le tableau.”

Ce qui explique que l’artiste ne parle pas d’”émotions” insufflées par une peinture mais de “champ mental”. Tant il a besoin d’être dans l’espace et l’ouverture. “Le noir est dans la tête [fermée] des gens. Dans mes toiles, ce n’est pas du noir” (propos tirés du film projeté dans l’exposition). Le co-commissaire de l’exposition Pierre Encrevé les qualifie d’ailleurs de “monopigmentaires à polyvalence chromatique”.

Les oeuvres de P. Soulages - dont le seul titre consiste en leur matérialité: dimension et date de création pour leur conférer un statut de “chose” - invitent à l’instrospection. Le spectateur est envôuté, happé par la violence de la couleur, et reste scotché devant les oeuvres. Un sourire extatique aux lèvres. Qui aurait crû que cette sombre couleur puisse engendrer une telle réaction?! C’est que le noir Soulages, à l’instar du bleu Klein, attire à lui une luminosité, qui porte en elle une part de rêve.

Extrait de l’interview des commissaires, Pierre Encrevé (linguiste et biographe de l’artiste) et Alfred Pacquement (directeur du Musée national d’art moderne / Centre de création industrielle):

Download audio file (soulages_cut.mp3)

Parallèlement, le musée du Louvre présente un grand tableau de l’artiste (Peinture 300 x 235 cm, 9 juillet 2000) dans le Salon Carré, en regard de La Bataille de San Romano de Paolo Uccello (1397-1475). Et, à partir du 16 décembre, la Cité de l’architecture & du patrimoine exposera en avant-première le projet architectural conçu par l’agence catalane RCR pour le futur musée Pierre Soulages à Rodez.