Alt-J( ∆ ) est un quatuor de Leeds. Comme souvent, le groupe est né de la rencontre de 4 jeunes gens à l’université, trois d’entre eux étudiant les Beaux-Arts, le quatrième la Littérature Anglaise. Comme souvent également, le groupe s’est formé petit à petit, changeant en particulier 2 fois de nom, pour aboutir à sa forme et sa dénomination actuelles. Comme souvent enfin, leur musique est la fusion des influences de Gwil, Joe, Gus et Thom, celles-ci allant du métal au hip-hop, de la folk à la musique classique. Alt-J( ∆ ) pourrait donc être un groupe comme les autres. Au lieu de cela, le premier album des Anglais, ∆n ∆wesome W∆ve, est une révolution.

Pour donner une idée du choc que représente l’écoute d’∆n ∆wesome W∆ve, il suffit de citer Thom, le batteur : « Après avoir écouté pour la première fois les morceaux composés par Gwil et Joe, je me suis dit que je n’avais jamais entendu cela auparavant. C’était la musique que je recherchais sans même le savoir, j’ai tout de suite adoré ! » . Parfait résumé. Une écoute et l’on comprend que l’on est là en présence d’un disque d’une richesse hors du commun, alliant subtilité et puissance, une musique inédite et pourtant confinant à l’évidence. L’empreinte laissée par ses 13 morceaux pourrait se comparer à celle du premier TV On The Radio, du Endtroducing…. de DJ Shadow ou du OK Computer de Radiohead.

Pour comprendre l’ambition du groupe, il faut tout d’abord en revenir au choix de leur patronyme. Comme l’explique leur bio, un utilisateur de Mac appuyant simultanément sur Alt et J affichera la lettre grecque ∆ (delta). Au-delà de la volonté évidente de se démarquer par un nom original (les 4 s’appelaient précédemment Films…), ce choix révèle également un désir assumé de dépasser tout ce qui peut s’entendre aujourd’hui. Le ∆ est en effet le symbole mathématique qui indique la variation, le changement, l’évolution… comme le précise Gwil, le guitariste. Cela pourrait paraître prétentieux, si cela n’était vrai.

Tout débute ainsi par une intro qui en moins de 3 minutes donne le ton de l’album : piano et guitare ouvrent la danse, évoluant de concert, comme 2 serpents qui s’enrouleraient l’un autour de l’autre, dans un même mouvement perpétuelle. Les 2 sont ensuite rejoints par une voix caverneuse elle-même doublée d’un son de synthé venu d’outre-tombe. Perturbant, envoûtant, les paroles sont récitées comme le serait une prière, un mantra.

C’est également une prière qui nous attend avec le titre suivant : Interlude (Ripe & Ruin) est scandé a capella par Joe et Gus, et l’on croirait entendre la bande son parfaite du Game Of Thrones de George Martin. Une expérience quasi mystique, une expérimentation musicale qui n’est pas sans rappeler le travail de Fredo Viola ou des Dead Can Danse.

Viennent ensuite les 2 premiers sommets de l’album. On prend un plaisir intense à se faire happer et bousculer par les constructions complexes en couche de Tessal∆te et Breezeblocks. Tout comme lorsqu’on joue à se faire emporter par les rouleaux de l’océan… C’est lorsqu’on croit avoir repris pied qu’une nouvelle lame de fond vous saisit pour vous transporter 10 mètres plus loin.

alt-J(∆) – Breezeblocks (vidéo)

Après ces 2 premières vagues puissantes, un second interlude vient reposer l’auditeur… pour mieux le reprendre au dépourvu. Estocada (Something Good) se construit en 3 mouvements : l’introduction guitare / batterie légèrement hispanisante est interrompue par des arpèges angoissants du piano, arpèges qui laissent place à un refrain chaloupé, presque dansant…Voilà un bonne exemple de ce qui fait la très grande intelligence des 4 anglais : ne jamais rien laisser pour acquis, relancer en permanence les morceaux, travailler sur les mouvements comme le faisait un certain JS Bach dans ses Inventions. Le tout avec un équilibre et une précision d’alchimiste.

Dissolve Me et Ms mettent eux à l’honneur la voix de Joe : parfois grinçante comme du papier de verre, parfois douce comme de la soie, elle évolue selon les besoins et les intentions des morceaux. Instrument à part entière, le chant est le premier et principale vecteur d’émotion pour Alt-J( ∆ ). Comme s’il s’agissait de compenser des compositions qui pourraient sinon apparaître parfois trop cérébrales.

S’intercale entre ces 2 morceaux ce qui est surement la chanson la plus émouvante de ce premier opus. M∆tilda s’inspire de l’histoire d’amour entre Léon et sa jeune protégée Mathilda dans le film de Besson de 1994. Et l’auditeur d’admirer comment le groupe a su rendre toute la dramaturgie de cette amour impossible entre un tueur à gage et une jeune ado orpheline…

alt-J(∆) – M∆tilda (vidéo)

Fitzpleasure est quant à lui un morceau singulier : un soupçon de raggamuffin se mêle au son puissant et saturé d’un synthé basse pour créer un balancement qui fait penser à la « danse » d’un boxeur tournant autour de son adversaire. C’est une alternance de temps d’observation et de coups violents qui viennent frappés lorsque le vis-à-vis (nous, en l’occurrence) baisse sa garde. Une atmosphère lourde qui prend sa source dans le très puissant et sombre Last Exit to Brooklyn d’Hubert Selby Junior.

Un nouveau moment de répit laisse rapidement la place aux 2 derniers titres de l’album. Bloodflood est le digne successeur de Fitzpleasure : même ambiance sourde et menaçante, elle décrit la peur et la montée d’adrénaline ressenties par un homme agressé par un troupe de jeunes gens. A l’écoute du morceau, on peut presque ressentir l’angoisse rampante qui étreint la victime, grâce aux différents riffs répétitifs qui se succèdent au piano, à la guitare, aux choeurs… Ne manque que le hurlement final du Subway Song de The Cure !

Taro clôt magistralement ∆n ∆wesome W∆ve. Rythmique et chant inspirés de la musique orientale, puissante évocation de l’amour des 2 photographes de guerre Robert Capa et Gerda Taro, ce point final montre s’il en était encore besoin la virtuosité mélodique du groupe et leur capacité à s’approprier des influences aussi multiples que variées.

A la fois reflet d’une époque, de part la synthèse musicale qu’il réalise et l’angoisse latente qui s’en dégage, et exemple à suivre pour tous ces groupes plus préoccupés par leur image que par leur musique (confer le « phénomène » Wu Lyf de l’an passé), ce premier album d’Alt-J( ∆ ) pourrait bien faire date dans l’histoire du rock. ∆n ∆wesome W∆ve est la démonstration éclatante que la pop ne se résume pas nécessairement à 3 accords, et que la complexité, qu’elle soit rythmique et mélodique, peut très bien s’accompagner d’une émotion bien réelle.

Ce qu’on fait ces quatre jeunes Anglais est immense : espérons simplement qu’ils ne se feront pas submerger par leur propre vague…

Vous avez aimé ?

Alt-J( ∆ ) vous propose de découvrir en intégralité et avant première leur premier album à paraître le 28 mai chez Infectious Music / Pias. A découvrir ci-dessous et directement sur Soundcloud.

On n’a de cesse de s’extasier ces derniers temps sur le talent de jeunes gens découverts via la toile et qui produisent de véritables perles, leur majorité à peine consommée… En voilà un nouvel exemple en la personne de Colin Caulfield aka Young Man. Après un premier EP Boys dont vous aviez pu découvrir un très bel extrait sur notre playlist de novembre 2010, Young Man sort cette semaine son premier album, VoL1, toujours aussi inspiré du travail des Grizzly Bears et autres Deerhunter. Colin y raconte le parcours d’un « jeune musicien qui débute, qui fait des erreurs, puis qui grandit« . A l’écoute de ce VoL1, on peut dire que cette première étape dans la carrière du jeune homme est un succès, obtenu avec mention très bien même !

Le premier à envoyer par email à equipe[at]alecoute.net le nom du titre de Young Man présent dans notre playlist de 2010 gagnera 2 places pour le Petit Bain le 30 mai prochain. Concours terminé

PS : Young Man sera accompagné sur scène de Thousand, autre groupe à fort potentiel que vous avez également pu découvrir sur l’une de nos précédentes playlists.

A l’évidence, We Are Augustines et St. Augustine ont un truc en commun : leur nom. Et c’est à peu près tout. Car sinon ils se ressemblent autant que du métal bouillant et une forêt de conifères. La furie des premier a d’ailleurs bien failli carboniser la noblesse des second. C’était sans compter le professionnalisme et la qualité des Clermontois. Récit d’une soirée de tous les extrêmes…

Fort de leur contingent de fans américains venus peupler la capitale française, les We Are Augustines éructent un rock gentiment épique devant un public acquis à leur cause. Visiblement, le chanteur a été bercé par papa et maman au rythme des albums de Springsteen. Fiston a donc décidé de faire du rock pour stade, et cela s’entend.

Les chansons ne sont pas vilaines, la structure est bien charpentée entre un batteur impeccable et un bassiste / claviériste à son aise. Il manque quand même un petit quelque chose pour emballer le tout, une étincelle qui les ferait passer du niveau d’apprentis rock stars à celui des Stereophonics il y a quelques années. Mais les fans ont eu ce qu’ils voulaient (Juarez, Chapel Song), et c’est le principal.

Evidemment, quand St. Augustine monte sur scène, ce n’est pas vraiment la même ambiance. Ici, les Français commencent en douceur et la voix chaleureuse de François-Régis est en totale rupture avec les débats enjoués d’après-match. Mais c’est pour mieux faire entendre une certaine idée du rock, avec une meilleure hauteur sous plafond. En janvier dernier, François-Régis et ses compadres avaient fêté l’anniversaire de la bande clermontoise des Kütu Folk en présentant de larges extraits du nouvel album. Une sorte de teaser, qui donnait envie d’attendre le mois de mai avec impatience.

Et l’attente ne fut pas déçue, tant Soldiers est dense et beau. Le set ressemblera d’ailleurs à ce que St. Augustine a montré en janvier : une introduction solo avec Let It Go, où la voix de l’ancien instituteur fait merveille sur les boucles polyphoniques, et on enchaîne avec Black Feathers, essence même du rock indé défini par la charte Grandaddy (batterie métronomique, guitare acérée, clavier analogique pour la touche dissonante).

Si les réminiscences de Tindersticks et Tim Hardin sont toujours présentes, le jeu de St. Augustine a gagné en générosité et en profondeur de son. On distingue désormais dans les influences de François-Régis tous les classiques qui se font sentir chez soi dès les premières notes : Neil Young (Seventeen), Grandaddy (Promised Land), Sparklehorse (Cedars, Away). Aux claviers et guitare électrique, Zak Laughed se révèle très à l’aise, maniant les effets larsens à petite dose. Après le déluge sonore de My Father, My Son en guise de conclusion, on ne peut qu’avoir hâte de voir St. Augustine à la place qu’il mérite, en haut des meilleurs espoirs du rock français.

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Pour en savoir plus

Voici quelques liens relatant les évènements au Québec :
- Sur Canoe.ca
- Sur Le Parisien
- Sur Le Point
- Sur Le Monde

Pour signer la pétition pour l’annulation de la loi 78 dite « loi spéciale » : www.loi78.com

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Ce vendredi, c’est pont synonyme de long WE pour certains, mais c’est aussi un nouveau concert qui dépote au Café de la Danse. Au programme, les danois de Choir of Young Believers, héritiers de la pop 80′s façon Tear For Fears, et l’Italo New-yorkais Mauro Remiddi aka Porcelain Raft, nouvelle sensation electro-pop que vous avez pu découvrir dans notre En Vrac – épisode 66. De quoi passer une très très belle soirée, à remuer les fesses tout en langueur…
Et truc de malade, on ne vous offre pas une mais 5 invitations pour 2 personnes ! Les 5 premiers à nous envoyer par email à equipe[at]alecoute.net leur clip préféré du moment gagneront 2 places pour le Café de la Danse le 18 mai prochain. Concours terminé.

Choir Of Young Believers – Nye Nummer Et (vidéo)

« Ouais Johnny, c’est moi !

- …
- Johnny ? t’es là ?
- Euh ouais, enfin en même temps j’suis un peu surpris que tu m’appelles.
- Ben je voulais savoir où t’en étais.
- A ton avis ? C’est quand même la première fois en 20 ans que tu me poses la question.
- Ben de ton côté on peut pas dire que t’y sois allé de main morte non plus.
- La faute à qui ?
- Bon, c’est pas pour ça que je t’appelle, alors si tu veux m’engueuler, ça sera pour une autre fois, j’ai autre chose à faire.
- …
- …
- OK, tu veux quoi ?
- Ah, tout de même ! Ecoute, là, ça fait quand même quelques temps que j’ai rien fait, et ça commence à me soûler. Et puis je me suis rendu compte que c’était quand même bien quand tu étais là pour faire les guitares, c’est vrai, tu savais toujours ce qu’il fallait faire.
- Tu disais pas ça du temps de Vauxhall And I… si encore tu l’avais appelé, je sais pas, Jaguar And I ou Ducatti And I, mais t’as trouvé une marque au rabais.
- T’es con. Alors bon, il y a quelques jours, j’ai écrit une poignée de titres alors que j’avais rien pondu depuis des années !
- Hu hu, et tu veux des félicitations ?
- En fait cette fois c’est plutôt dans un esprit soul.
- T’as déraillé ou quoi ?
- Non mais attends, de la soul façon soul blanche, juste guitare, basse et batterie. Et là, j’ai besoin de toi. On le fait à l’ancienne, avec des titres de 2’40, pas plus. Ça va te dérouiller un peu parce que je sais que t’es un peu encroûté depuis ton passage chez les barjots de Modest Mouse, et puis t’as rien à perdre. Je crois à fond au premier single : I Cherish The Heartbreak More Than The Love That I Lost.
- T’as quand même le chic pour trouver des noms qui ressemblent à rien, mais je dois avouer que ça m’intrigue.
- Ah tu vois ! et puis franchement, je le sens bien ce coup-là, et j’ai à nouveau travaillé ma voix, ça peut carrément le faire. Et le mieux, c’est que personne saura que c’est toi et moi.
- Hein ?
- Eh ouais, on n’a qu’à faire comme Gorillaz, mettre des mecs pour faire la claque et derrière en fait, c’est nous. J’ai déjà trouvé le chanteur, un grand gars qui ressemble à Moby.
- L’autre frappé ? mais on va passer pour qui ?
- Mais on s’en fout, et je te garantis que tu vas t’éclater en voyant ce que j’ai déjà mis sur pied ! En plus, il y a que toi pour me faire les arpèges étirés comme on aime, et puis tu pourras alterner avec les démanchés, les accords tranchants bien acérés. Ça sera We’re Supposed To Be In Love. Tiens, sur Twist Of The Knife, je pense à de la lo-fi bien dissonante, un peu comme ce que les minots Raveonettes font.
- Ah, ça, j’aime !
- Eh ben tu vois, quand tu veux. A Misery Of Love, je pensais à une mandoline.
- Trop chiant à gérer, autant le faire direct à la Gibson.
- C’est pour ce genre de détail que j’ai besoin de toi.
- Et si on faisait une reprise de Unchained Melody ?
- Ça collera très bien pour Armies Of Darkness. Une espèce de valse, mais en mode mineur. Bon, tu radines tes fesses ou bien ? Tu penses quoi de Tears Of Shame comme nom ?
- Bof. Tiens, y’a Johnny Depp, là, à la TV, dans une espèce de parodie de Grease. Tu l’as vu ce film ? il s’appelle Crybaby… »

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On ne peut pas dire que c’est de la pop scandinave, façon Cardigans ou nos potos de Peter, Bjorn & John. Ce n’est pas vraiment du rock non plus, malgré les deux kits de batteries complets sur scène. Ce n’est pas du classique, malgré les merveilleuses parties de flûte et de violoncelle. Alors ? Alors c’est Ane Brun la divine, dont l’univers musical riche donne de doux frissons à chaque personne qui la découvre.

Affranchie des codes de la chanson classique, Ane Brun n’en fait qu’à sa tête d’un album à l’autre, laissant parler sa sensibilité. Quand on va la voir, on a l’impression de revenir aux grandes années du tour du chant dans les cabarets. Car lorsqu’elle entre, ce n’est pas un style bien carré qui nous fait face, mais quelqu’un qui immédiatement habite l’espace et vous prend par la main. Avec sa petite troupe (clavier, batteries au pluriel, percus, violoncelle, flûte), la Joni Mitchell du Grand Nord réchauffe les cœurs, parle de choses de la vie, envoûte.

Pas étonnant que les salles soient combles à chacun de ses passages…

La prestation en première partie de Linnea Olsson, sa violoncelliste, aurait dû servir d’indice. Pas impressionnée pour deux sous, d’ailleurs, d’être seule avec son biniou et son jeu de pédales à loops. Le petit bout de nana assure une belle présence sur scène avec ses titres aux joyeuses sonorités pop et prouve enfin à ceux qui ne le savaient pas que le violoncelle, au son si rond et si chaleureux, permet de tout faire, parties de basse galopante, cellules rythmiques au cordeau, envolées mélodiques (ah, ce démanché !). Sa reprise du groupe Ah ! a aussi donné un bon aperçu de leur premier album à venir prochainement. Un chouette moment, largement apprécié par un public bien surpris.

A cette atmosphère, Ane Brun la prolifique (8 albums en 8 ans !) va ajouter ses arrangements et surtout sa voix si gracieuse, qui déclenche des vagues d’émotions surgies comme des geysers. Où est-on ? Dans des paysages enneigés ? Peut-être. Devant des aurores boréales ? Sûrement ! En tout cas il y a une densité changeante et fascinante. Faisant le tour de ses albums, la prêtresse du soir alterne entre les grandes envolées lyriques (These Days, Balloon Ranger), les moments intimes seule à la guitare ou au clavier (To Let Myself Go, Dirty Windshields, This Voice) et les décharges d’énergie (le sublime Do You Remember). Comme à chaque fois, elle fera reprendre le refrain de Oh Love au public qui n’attendait que ça.

Près de deux heures de concert, avec en guise de premier rappel une belle reprise de Neighbourhood #1 (Tunnels) d’Arcade Fire (qu’elle a enregistré au profit de The Voice Projet, projet humanitaire destiné à rééduquer les enfants-soldats en Afrique) et en baisser de rideau Undertow à la fin duquel les deux batteries ont livré un duo de feu. Ane Brun est une belle étoile qu’on a envie de voir briller tous les jours.

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Bonus

Un bonus de luxe grâce à la très talentueuse Valerie Toumayan du blog I Love Sweden : la vidéo live de This Voice !

Sans aucun jugement de valeur déplacé, on n’avait pas vu depuis longtemps deux parties aussi peu assorties. Ou plutôt aussi différentes dans leur approche. D’un côté le feu de Oh Ruin, un blues bien corsé qui vient des tripes. De l’autre, l’indolence de Jay Brannan, sûrement étoile à venir de la scène pop-folk mainstream. Et pourtant on retrouvait de part et d’autre une même sincérité dans le propos.

Quelque part entre Muddy Waters et les Black Keys, il y a Oh Ruin. Evidemment, le grand échalas a tout l’air du vagabond des temps modernes avec son pantalon trop court et ses cheveux filasses. Un peu comme Sébastien Tellier, mais sans les lunettes à 2 euros et le blouson de cuir rouge affreux. Mais heureusement il nous happe de suite avec ses mélodies qui sentent le tord-boyaux, le truc qui assèche encore plus la gorge et donne le feu dans la soif (à moins que ce ne soit l’inverse).

Armé juste de sa gratte électro-acoustique, un bon coup de larsen dans les dents pour commencer, et en piste pour les chansons à voix caverneuse. Le jeune homme a quand même le bon goût d’avoir un petit sens de l’humour bien affûté, en ce jour de 1er tour d’élection présidentielle, en tout cas juste ce qu’il faut pour faire copain-copain avec le public peu habitué aux sonorités abrasives. Dommage juste que ses ritournelles soient un peu trop répétitives, et que le larsen de début de chanson tourne au gimmick, mais on attend de le voir un peu plus longtemps pour savoir à quoi s’en tenir.

Beaucoup plus pop, le minet Jay Brannan n’est pas vraiment fait du même bois de Gibson. Son truc à lui, c’est la petite balade folk pour radio façon Jason Mraz ou Jack Johnson. Pas mal, mais rien de bien méchant non plus. Ses parties sont évidemment entrecoupées de petites touches d’humour ravageur pour mettre son public dans sa poche, et ça marche à chaque fois. Bon, hormis sur sa tentative de reprise de Céline Dion. Heureusement, il a gratifié son public d’une autre reprise, a capella s’il-vous-plaît, du Blowin’ In The Wind, dont il s’est très bien sorti. Son nouvel album regorge bien sûr de ce style pop-folk digne de figurer dans Grey’s Anatomy. D’évidence, le jeune homme va bientôt accéder à des salles un peu plus grandes, il ne lui manque qu’un peu de communication grand public et sa destinée devrait être des plus sereines.

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D’entrée de jeu, le titre majestueux Lighthouse donne le ton. Introduction légère au piano, proche du classique et voix lente avant l’envolée : accrochez vous, on décolle ! L’ascension est lente, toute en douceur, pour finir sur un thème qui aurait pu être composé par Morricone, guitare claire et trompette, grandiose et puissant. C’est sur, il faut se poser, prendre son temps pour écouter le reste de l’album. C’est d’ailleurs ce qui m’est arrivé, comme souvent lorsque je suis séduit. Tout s’arrête ou presque. L’imaginaire, lui, vagabonde au gré des atmosphères tissés par le groupe.

Blackwind enchaine avec une nouvelle entame posée avant d’être rejointe discrètement par une grosse caisse au rythme soutenu comme pour mieux marteler l’atmosphère, comme pour dire : « venez, marchez et suivez moi ! » Et les riches arrangements font le reste.  Step Out for a While change d’un coup l’univers pour tourner vers quelque chose de plus smooth, plus jazz si ce n’est la voix toujours ultra présente. Quiet Crowd nous amène, après une entrée toujours voix et piano, à reprendre la petite ritournelle pop et légère des chœurs du québecois. Évidemment, c’est envoutant ! Dans Into Giants, on retrouve quelque chose de plus folk auquel nous sommes plus habitués de la part du groupe, les chœurs emportés en duo en plus et le retour d’une trompette…

Morning Sheets est imprégné par un violon envoutant et Words In The Fire accompagné d’un arpège tout simple, très dénudé, mettant en évidence l’influence et l’importance de la musique classique pour le groupe.   Les titres en sont du coup moins impressionnants, plus anodins, même s’ils restent très élégants. The Things You Do vient rompre la continuité de l’album avec instrumental planant. Tellement pris dans l’univers, j’ai seulement remarqué en écrivant cette chronique que ce titre n’était pas chanté…

Strange Crooked Road nous ramène en plein dans l’univers gentillement déjanté entre folk et rock de Patrick Watson avec les petits gimmicks de guitare alternant dans l’enchainement des tempos variés. Puis Noisy Sunday fait presque figure d’essai folk expérimental en partant de quelque chose de très simple pour terminer dans des arrangements plus obscurs. Adventures In Your Own Backyard revient dans l’ambiance générale du disque où arpèges, gimmick, chœurs et trompette nous ramènent quelque part dans le Grand Ouest. Et 5 minutes dans cette atmosphère, moi, j’y suis chez les cowboys, John Wayne & Co. !

Le plus bluffant, c’est de se rendre compte que les arrangements sont tellement justes, que même en acoustique,  dans cette version pour les sessions du festival SXSW, ça marche toujours. Et quelle voix… En fait plus j’écoute, et plus je m’en étonne. Ce type a une voix vraiment incroyable. Et il n’en abuse pas, puisqu’avant de conclure l’album , il laisse encore la place à ses musiciens pour un instrumental, Swimming Pools. Puis, The Things We Do laisse exploser toute la troupe pour un beau final au saxo déjanté, basse marquée et toujours cette voix…

Vous l’aurez compris, pas grand chose à redire sur ce disque, un petit bijou autant dans la réalisation que dans sa sensibilité portée par la voix fascinante de Patrick Watson et le génie de ceux qui l’entourent, du jeu léger, discret et subtil du batteur Robbie Kuster, de la guitare inspirée de Simon Angell et de leurs arrangements touchant au génie parfois. Alors oui, allons explorer et partons à l’aventure dans nos propres banlieues. Le beau est partout autour de nous. Il suffit de le saisir au vol.

Vous avez aimé ?

Le mieux, c’est encore d’aller faire un tout sur le très beau site officiel ou bien sur Myspace pour en écouter d’avantage.

Et pour se gâter ou si vous êtes fans de québecois, je vous conseille la vidéo Adventures qui après une sorte d’interview vous laissera entendre une version en banlieue d’Adventures In Your Own Backyard ou encore, allez écouter l’album sur deezer.

Au royaume des cœurs brisés et de la délicatesse, il était dit que le nounours Loney Dear occupait le trône sans trop de partage. La 12-cordes était son arme favorite, et la chansonnette folk de chambre son champ de bataille de prédilection. Et chaque fois qu’il remettait son titre en jeu, sa domination ne faisait que se confirmer. Il n’y avait qu’à entendre son joli filet de voix, et l’on tombait aussitôt sous le charme. Mais loin d’être un souverain pingre comme tant d’autres avant lui, le Suédois donnait plutôt dans la générosité, n’épargnant pas ses efforts sur scène et livrant des albums d’une grande sensibilité, dont les arrangements faisaient pleurer même les pierres.

Seul ou presque sur la scène du Café de la Danse, avec pour suite royale une accordéoniste réservée et un jeu de pédales à loops, Loney Dear a imprégné la salle de toute sa belle mélancolie. Enfilant les bijoux folk (Calm Down, Eveything Turns To You, I Was Only Going Out…) comme d’autres les perles mal dégrossies, le roi Emil aux mille pédales a séduit sa cour avec des histoires d’amours contrariées, de solitudes, de choses de la vie. Un sample pour les cordes rythmiques, un autre pour les arpèges mélodiques, et de temps en temps un pour des chœurs ou des percussions. Sans effet de manche, juste une poignée de chansons dans leur plus simple appareil, Loney Dear est bien un géant, même dans un registre minimaliste.

Mais la vraie surprise de la soirée venait d’un inconnu d’hier qui devrait bientôt faire son entrée dans le club des âmes solitaires célèbres. Sous sa mèche de post-adolescent, Paul Thomas Saunders nous emmène dans des paysages immenses et calmes sous les lueurs d’un soleil couchant bienveillant. A Leeds, d’où il vient, on doit s’ennuyer ferme, ou du moins on sait comment soigner son spleen : on rêve d’ailleurs, de dunes lunaires, de routes filant vers le sud, de steppes désertes, et on s’enferme dans sa chambre avec une guitare et un clavier pour sortir avec des mini symphonies sous le bras. Son très beau premier EP sorti l’été dernier, Lilac And Wisteria, avait pris tout le monde de court et séduit les rêveurs assoiffés de mélodies en clair-obscur. Les fées Leonard Cohen et Tom McRae avaient certainement dû se pencher sur le berceau du petit Paulo pour qu’il puisse composer un jour Good Time Rags And Requiems et Appointment In Samarra, deux titres qui vous mettent à genoux par leurs guitares graciles et cette voix hypnotisante.

Paul Thomas Saunders – The Trail Remains Unseen [Acoustic] (vidéo)

Attendu pour son premier passage sur scène à Paris, le jeune prodige installe tout de suite sa belle ambiance sonore dense entre nappes de claviers et guitare aérienne. Dévoilant les titres de son tout nouvel EP, Descartes Highlands, sorti quelques jours auparavant, Paul Thomas Saunders montre qu’il a plus d’ambition qu’une simple étiquette de troubadour romantique folk : s’affranchissant des codes, ses compositions masquent leur richesse par de la légèreté (The Trail Remains Unseen, Let The Carousel Display You And I). Et puis comment ne pas avoir de la sympathie pour quelqu’un qui donne à ses chansons des titres comme Here Lies Soleil, So Long ou A Lunar Veteran’s Guide To Re-Entry ? Il y a fort à parier que ce nom sera à suivre dans les mois à venir ou alors c’est que le monde n’a pas d’oreilles.

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