Ah! E por falar nisso...

Com Carinho, Kitty - 3ª temporada

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Thu, 07 May 2026 13:14:00 +0000

O segundo ano não trouxe grandes novidades e surpresas, e agora o terceiro deixa uma incômoda sensação de repetição. Com Carinho, Kitty (ou XO, Kitty, já que a plataforma parece ter abandonado o título nacional) série da Netflix, que expande o universo de Para Todos os Garotos que Já Amei, começa a mostrar desgaste e implorar por um final.

De fato, eu achei que este era o último semestre da caçula Covey, Kitty (Anna Cathcart) na escola internacional Kiss. Mas não, a moça ainda tem mais seis meses de aula, e consequentemente, ao menos mais uma temporada. E este penúltimo ano começa com a mocinha colocando seu relacionamento com Min Ho (Sang Heon Lee) em suspense, para passar as férias em Nova York ao lado de Lara Jean (Lana Condor, que faz aparições especiais em dois momentos).

O retorno à escola conta com a exigência de uma matéria super difícil para se formar, ministrada pela nova professora Jiwon (Hojo Shin), que também é prima da protagonista. Além das já conhecidas intrigas amorosas, e amizades conturbadas. E não é surpresa que estas duas últimas são as tramas que vão ocupar mais tempo de tela.

Romances secretos, diferenças de classes, antigos namorados, até gravidez misteriosa, todo o pacote "Malhação" de intrigas se repete. Em uma ciranda que começa a cansar, já que os personagens parecem não aprender ou evoluir com os eventos passados.

Kitty continua carismática (mérito de Cathcart) e bem intencionada, mas com enormes lapsos de julgamento. Não importa as opções disponíveis, guiada por ansiedade e insegurança ela sempre faz as piores escolhas. O que reflete na dinâmica de todo o grupo. Como o triângulo amoroso forçado de Q (Anthony Keyvan), e a fragil insinuação de romance entre Min Ho e Eunice (Han Bi Ryu).

Dois personagens que tiveram um desenvolvimento novo e interessante fora Dae (Choi Min-yeong), apagado na segunda temporada, aqui se faz mais presente. E principalmente Yuri (Gia Kim) que precisa lidar com sua nova condição financeira. Uma pena que todo esse desenvolvimento é deixado de lado em prol do resgate de um relacionamento amoroso que já estava resolvido.

Até mesmo os clichês propositais que brincam com a linguagem de obras de romance. Como o ex-mal intencionado, o teste de gravidez supeito e o ato romantico à caminho do avião, não surpreendem, comovem ou envolvem como deveriam.

A sensação de que os personagens não saem do lugar é irritante e cansativa. Assim como o didatismo e literalidade de diálogos e ações. Deve funcionar com seu público alvo, joven amantes de dorama, mas falha em manter o interesse do público geral. (Eu sei, não sou o público alvo, mas me diverti na primeira temporada, quanto tudo era novo!) Ou trata-se de mais uma obra feita para assistir mexendo no celular.

Vislumbres do universo da cultura coreana continuam sendo os pontos altos. De habitos cotidianos, ao furacão do k-pop, passando por paisagens de Seul. É sua localização que lhes dá personalidade. Coisa que sua protagonista precisa desenvolver no último semestre e temporada (se é que será a última). Parar de pautar a vida pelo agora, fazer planos de futuro pensando em garotos e amizades, e começar a encarar a vida como um indivíduo completo e consciênte de si mesma.

Talvez eu esteja esperando muito de uma série de romance adolescente. Mas, nos filmes Kitty era ousada e decidida, é hora da personagem começar a entregar esse potencial, trazendo algo novo e refrescante para o desfecho de sua jornada.

A segunda e a terceira temporadas de Com Carinho, Kitty tem oito episódios cada, enquanto a primeira tem dez. Todos com cerca de meia hora cada, todos já disponíveis na Netflix.

The Handmaid’s Tale - 6ª (e última) temporada!

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Mon, 04 May 2026 19:59:36 +0000

Eu sei o que você deve estar pensando: que esta crítica está atrasada! - Já faz um ano que estreou a derradeira temporada de The Handmaid’s Tale. Mas seu lançamento no Brasil foi mal divulgado. A série estreou simultaneamente com os EUA no Paramount+ (quem tem esse streaming), e tempos depois chegou ao Disney+.

De qualquer forma, só me lembrei de termina-la quando começaram os anúncios de Os Testamentos: Das Filhas De Gilead. Série derivada que determina muito as escolhas para o encerramento da saga de June Osbourne (Elisabeth Moss). Logo, para assistir ao spin-off e porquê odeio trabalho incompleto (resenhei todas as outras temporadas aqui), segue tardiamente a crítica da sexta e última temporada de O Conto da Aia.

Partindo exatamente de onde a temporada anterior parou, reencontramos June e Serena (Yvonne Strahovski) em uma situação nova. As duas estão no mesmo barco, ou melhor, no mesmo trem. Refugiadas de Gilead, seguindo para uma vida nova no Alaska. Um dos únicos dois estados remanecentes dos Estados Unidos, uma vez que o Canadá tem estreitado relações com a ditadura vizinha e alega não ter como manter tantos refugiados.

Mas não demora muito para o roteiro desperdiçar esse caminho inusitado, não apenas separando as personagens, como recolocando-as em posições de antagonistas. Serena retornar a Gilead com um papel de destaque, e uma voz. Ainda que duvidemos que sua posição seja de fato segura, ou permanente. Enquanto June é arrastada de volta à luta, ao lado da MayDay, de Luke e Moira (O-T Fagbenle e Samira Wiley).

Esta crítica terá spoilers do final da série! Continue por sua conta e risco.

A partir daí o roteiro tenta encerrar ciclos, sem encerrar histórias. Em outras palavras, aborda uma batalha vitoriosa para os mocinhos, mas não resolve a guerra. Os estadunidenses recuperam Boston, cidade onde June vivia como OfFred, mas o restante do país continua sob a ditadura. Incluindo Hannah (Jordana Blake), filha da protagonista, que é uma das personagens principais de Os Testamentos.

Os comandantes que conhecemos são derrotados. Aqueles com maior destaque, Lawrence e Nick (Bradley Whitford e Max Minghella) precisam decidir de que lado estão.Tia Lídia (Ann Dowd) começa a realmente entender o sistema a que serve, e tomar atitudes consciêntes. Intrigas entre June, Luke e Moira são resolvidas. Assim como o embate entre protagonista, e a maior antagosnista, a Serena. E personagens menores como Janine, Rita e Emily (Madeline Brewer, Amanda Brugel e Alexis Bledel) resolvem seus pequenos arcos, ganham função na narrativa maior, ou fazem aparições especiais.

Mesmo assim, tudo ainda parece meio inacabado. Tia Lídia continua suas funções e retorna da série derivada. Serena é vista pela última vez buscando um lar. Enquanto June continua a lutar. Ou seja, as personagens mais relevantes são reservadas para, se desejado, serem resgatadas pelo spin-off no futuro.

A série terminou, mais a história não! O que é insatisfatório para quem dedicou quase dez anos para acompanhar a série. A temporada um estreou em 2017, desde então passamos por uma pandemia, hiatos enormes, um excesso de tortura na série que precisou ser reajustado, e vivenciamos um mundo cada vez mais parecido com o que vemos em tela. Um final mais determinante era o mínimo que poderiam nos oferecer.

Ao menos, com a saída dos personagens do Canadá, e com a maior parte da trama situada em Gilead, os episódios reconquistaram a atmosfera e fotografia marcante das primeiras temporadas. Voltando a usar o padronismo do sistema de castas para passar mensagens pelas imagens. Ou ainda criando uma atmosfera lúdica, literalmente com um filtro cor de rosa, para mostrar a irrealidade de Nova Belém.

Por outro lado, algumas cenas exageram nessa obrigatoriedade poética. Geralmente quando tentam construir uma aura em torno da protagonista. Exageradamente mostrada em close-up extremos, e em câmera lenta. Na primeira temporada fazia sentido, mas agora que a personagem tem voz e liberdade, é apenas uma repetição temática cansativa. Ao menos é coerente com os sentimentos amorosos de June, repetidamente oscilando entre Luke e Nick, até os minutos finais, mesmo quando um deles não se mostra digno de tal afeto.

A revolução que tanto esperamos finalmente toma corpo. Com as aias transformada em um exército silencioso, e um plano que empolga e engaja a audiência. Tornando os episódios 8 e 9, Exodus e Execution respectivamente, os melhores da temporada. O problema, é que os eventos mostrados ali perdem força quando nos damos conta de que as personagens estão vencendo apenas uma pequena parcela de Gilead. É realista, e coerente, geralmenet ditaduras são vencidas aos poucos, a cada pequena revolução. Mas, convenhamos, é anti-climático.

As atuações continuam competentes, ainda que não haja muito mais o que trazer de inovador após seis temporadas. O elenco é bom, entrega o que os personagens pedem, e pronto. À esta altura não há, quimicas novas a se trabalhar, e os personagens já estão conscientes de suas dores.

Há também tempo para resgates de locais, momentos e imagens marcantes dos anos anteriores. Em especial da primeira temporada. Seja colocando as personagens novamente no manto de aias, desta vez para lutar. Ou na revisita à antiga vizinhança e casa dos Waterford. Há muita memória a ser resgatada, uma pena que nove anos depois, nossa mente deixe escapar muita coisa.

Uma coisa é clara diante do desfecho de The Handmaid’s Tale, a série nunca fora planejada para ser tão longa. A primeira temporada ainda é a melhor, e que traz as mensagens mais relevantes. Continuar com June foi uma proposta que aceitamos de bom grado, mas que teria mais peso em uma jornada mais direta e concisa.

Chegar ao final e descobrir que ainda não acabou é ao mesmo tempo decepcionante e empolgante. Decepcional por saber que os personagens ainda não podem descansar. E empolga pela curiosidade de ver estas discussão por uma nova perspectiva. Então, que venham Os Testamentos: Das Filhas De Gilead!

Todas as temporadas de The Handmaid’s Tale. estão disponíveis no Paramount+, Disney+ , e algumas estão também na Netflix.

Tem crítica de todas as temporadas aqui no blog, clique aqui para ler!

Projeto 1001 - Abril 2026

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Fri, 01 May 2026 13:00:00 +0000

O ano tá voando e com ele, meu desafio de assistir os 1001 Filmes para ver antes de Morrer listados no livro de mesmo nome de Steven Jay Schneider. O Projeto 1001 trouxe novos títulos em abril de 2026, três bons filmes, um clássico e uma grande porcaria. Quantos deles você assistiu?

Palavras ao Vento (1956)

Hold Me While I'm Naked (1966)

Homem Morto (1995)

Glória Feita de Sangue (1957)

Preciosa: Uma História de Esperança (2009)

Ainda tem alguns vídeos que já saíram no TikTok, a serem postados nas versão longa. E por isso a contagem nos próximos meses vai ficar mais lenta... mas "podexá", não vou perder a conta!

De qualquer forma, abril de 2026 foi bastante produtivo. 180 já foram, faltam 824!

Além dos vídeos sobre os filmes, você também vai encontrar, curiosidades, críticas e outros projetos em vídeo no YouTube e TikTok. Mas se você é um leitor nato, não se preocupe, este blog continua firme e forte!

O Diabo Veste Prada 2

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Wed, 29 Apr 2026 18:06:22 +0000

Não é segredo que boa parte do mercado de cultura pop atual vive de nostalgia. E por isso, eventualmente tudo será resgatado, reinventado e re-explorado assim que possível. Se isso é bom para indústria ou para a arte em si, é uma discussão à parte. Por hora, a gente vai analisando essas obras derivadas conforme elas saem. E, celebrando vinte anos de seu lançamento, é a hora de revistitar O Diabo Veste Prada.

O original de 2006 é um caso curioso de obra que evoluiu com o tempo. Já era boa em seu lançamento, mas ao longo do tempo, conforme a sociedade evoluia e mudava, novas reflexões foram atribuídas à ele. Enquanto seus personagens carismáticos interpretados por um excelente elenco, se tornavam figuras cada vez mais queridas no imaginário popular.

Partindo desse princípio, O Diabo Veste Prada 2 tem grandes desafios. Ser relevante tematicamente como seu antecessor, trazer versões evoluídas dos personagens sem perder sua essência e entregar uma trama coêsa e dinâmica. Mas isso, é para os extremamente exigentes. Ouso dizer que boa parte do público quer apenas retornar à esse universo e passar um tempo de qualidade com os personagens que ama. A questão é quais dessas exigências a obra consegue suprir?

Duas décadas depois de sua experiência da Runaway, Andy Sachs (Anne Hathaway) é a jornalista que sempre quis ser. Viajou o mundo, recebeu prêmios, mas o jornalismo impresso está morrendo diante do boom da internet. E mesmo com toda a experiência, ela se vê desempregada e sem perspectivas. Ao mesmo tempo um escândalo na revista coloca Miranda Priestly (Meryl Streep) em maus lençois. E assim a dupla é reunida novamente, para salvar a reputação da publicação.

A partir daí o filme se divide entre emular a fórmula do original e trazer algo novo. Na primeira metade acompanhamos Andrea enfrentar dificuldades para se adaptar à rotina e as exigências de Miranda. Trazendo um pequeno retrocesso à construção da personagem, a segurança adiquirida no primeiro filme desaparece, e ela volta a ser a figura desajeitada e nervosa que vimos lá em 2006.

Ok, é verdade que às vezes, quando reencontramos o valentão da escola, voltamos a ser o nerd acuado. Mas nada justifica a necessidade de aprovação da chefe, a não ser repetir a conversa da "estrelinha na testa" com Nigel (Stanley Tucci). Sim, ela está lá resumida, mas com o mesmo tom e função. A escolha provavelmente é por manter a familiaridade, apostando que muita gente pode querer ver a mesma Andy de 2006.

Já a segunda metade do filme traz uma nova ameaça ao cargo de Miranda, e a novidade de uma tentativa mais ativa de Andy de salvar a chefe. Justificada por uma abertura maior da vilã, aqui muito mais humanizada que a pontual e acertada quebra do primeiro filme.

Fica a cargo do espectador se a mudança é resultado da evolução da personagem devido à maturidade. Se está atendendo ao fã-service de vê-la se aproximando da assistente. Ou se foi descaracterizada pela mudança. Particularmente, independente da percepção, Meryl tira de letra o trabalho de tornar Miranda mais humana, sem deixar de ser a chefe implacável que amamos ver tratar mal seus funcionários.

É em Emily (Emily Blunt) que vêmos as maiores mudanças. A personagem está em uma situação completamente nova, o que a leva à tomar atitudes quesitonáveis, mas que combinam bem com a personagem, auto-centrada e ambiciosa que conhecemos. Nigel é o que menos evolui, mantendo-se como fiel escudeiro, que finalmene recebe reparação, ainda que pequena, pelas injustiças que sofreu ao longo dos anos.

O filme ainda traz uma enorme lista de novos nomes e participações especiais. Justin Theroux, Simone Ashley, Lucy Liu, B.J. Novak e Kenneth Branagh são os com um pouco de destaque. Enquanto Tracie Thoms e Tibor Feldman são os únicos retornos relevantes. Enquanto Patrick Brammall vive um interesse amoroso completamente descartável. De fato, a necessidade de dar à Andy um romance é irrelevante para a história, e parece ser apenas uma resposta ao controverso par romantico do filme anterior.

De volta ao filme, o roteiro ainda encontra espaço para recriar cenas e fazer referêcias ao filme anterior. Desde a abertura com o desenbaçar de espelho na rotina matinal, passando pelos cintos idênticos, até o controverso suéter azul celeste. Alguns acenos completamente à serviço da nostalgia, outros com função mais interessante, como a sala de Miranda, identica à original enquanto toda à Runaway à sua volta se transformou. Metáfora visual da mudança do mundo editorial e da dificuldade da personagem em se adaptar.

E é esse o grande tema por trás da trama, a morte da mídia impressa, diante da revolução da internet. Como ser a maior revista de moda do mundo, se o mundo não lê mais revistas? Crise que abrange todo o mercado editorial, e seu funcionários. Além da forma como o público consome informação, com seus prós como a velocidade, e os contras como o excesso e a falta de responsabilidade diante de tanta liberdade de produção.

Com aceno ainda sobre os CEOs das novas gerações e sua valorização, ou não, das tradições. E a forma como grandes conglomerados enxergarm seus funcionários, como números descartáveis. Não que a maioria do público vá ligar para essas reflexões para além de ferramentas para movimentar a trama.

Por mais que o filme tenha discussões relevantes. O principal objetivo deles é, sem dúvida, nos levar de volta para o convívio com Andy, Miranda, Nigel e Emily. Tarefa que cumpre bem, ao ponto de ignoramos as conveniências e atalhos que enfraquecem o roteiro. Sendo a maior delas a personagem de Lucy Liu, mas falar mais que isso é spoiler, então vou parar por aqui. Também senti falta de músicas mais interessantes, que conversassem com a narrativa, característica marcante do primeiro filme.

O Diabo Veste Prada 2 não é tão relevante e certeiro como o original. Mas é bem executado, divertido com um elenco excelente extremamente empolgado com o retorno. E servindo um desfile de nostalgia e belas roupas. Em resumo, a sequencia não era necessária, mas como é bom acompanhar Miranda Priestly mais um pouco.

O Diabo Veste Prada 2 (The Devil Wears Prada 2)
2026 - EUA - 119min
Drama, Comédia

Vem conversar sobre o primeiro O Diabo Veste Prada!

O Jogo do Predador

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Mon, 27 Apr 2026 16:59:50 +0000

Já podemos dizer que Charlize Theron é a grande estrela feminina de filmes de ação? Tal qual Tom Cruise, basta a moça estar diante de um grande desafio físico para nos interessarmos pela obra. E hollywood sabe disso, tanto que a atriz acaba de incluir mais uma obra do gênero em seu currículo, agora na Netflix.

Em o O Jogo do Predador, Theron é Sasha uma mulher viciada em adrenalina que após uma perda devastadora em uma de suas aventuras, decide encarar sozinha a natureza selvagem australiana. Qualquer um com o Google é capaz de descobrir que a vida selvagem do país é predadora por si só, mas curiosamente nenhum animal assustador é desafio para a mocinha.

Não é spoiler, está nos trailers, mas é muito mais legal descobrir ao longo do filme que o predador do título é humano. Ben (Taron Egerton) é um homem solitário, aparentemente gente boa - engana um total de zero pessoas com uma pequena bagagem cinéfilo - que eventualmente se mostra um assassino em série canibal que gosta de jogar com suas vítimas.

É claro, nossa mocinha não é uma mera turista como as vítimas anteriores do vilão. Criando assim um embate de sobrivencialistas interessante o suficiente para preencher cerca de noventa minutos de filme. O roteiro de Jeremy Robbins não se afoba para começar o jogo. Construindo a protagonista com calma, desde a enervante sequencia de escalada que abre o filme, até a observação de sua solidão auto-imposta em meio à belas paisagens naturais. Não que Theron precise de ajuda para conquistar nossa simpatia.

Já Taron Egerton entrega uma excelente criação de predador. Uma criatura dissimulada, surtada e completamente entrege à seu "estilo de vida", por falta de expressão melhor. Uma pena apenas que o longa não tenha coragem de explorar a vilania desta persona ao máximo, e consequentemente beirar o terror de serial killer. Escolhendo o tom "mais leve" - entre muitas aspas - da ação, com suspense e aventura.

Assim, acompanhamos Sasha ser caçada incessantemente, sobrevivendo a cada nova dificuldade. E em um recurso previsível de roteiro, superar os demônios causados pela perda no início do filme. Psicologia barata e usada a exaustão no cinema? Sim. Mas funciona! Especialmente em uma produção cujo maior propósito é entreter. O drama pessoal é apenas uma âncora para a trama não "correr solta".

As cenas de ação aproveita a capacidade de Theron e Eggerton de fazer boa parte das acrobacias e sequencias de luta. E explora as dificuldades naturais do ambiente. Além de entrar em embate um com outro, os personagens vão subir montanhas, descer corredeiras, encarar insetos e chuva ao longo do embate. Só faltou mesmo algum predador natural assustador. Provavelmente, não quiseram desviar o foco do assassino principal.

Sendo assim, O Jogo do Predador não é memorável, mas é divertido. Tem boas entregas de Charlize Theron e Taron Egerton, além de cenas de ação em meio à natureza bastante interessante. Não é inovador e revolucionário, mas é bom o suficiente para se destacar em meio as muitas obras genéricas das plataformas de streaming.

O Jogo do Predador (Apex)
2026 - EUA/Austrália - 95min
Suspense, ação

The Pitt - 2ª temporada

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Fri, 24 Apr 2026 14:31:06 +0000

Então dona HBO, The Pitt - Night Shift, chega quando? - Sim, terminamos a segunda temporada da melhor série médica da atualidade, pedindo por um spin-of do plantão noturno. Não porque já enjoamos da galera do dia, mas porquê queremos acompanhar também a equipe noturna.

Sem o frescor da novidade, a nova temporada de The Pitt tem o desafio de se manter tão relevante quanto o extremamente bem sucedido ano anterior. E ao invés de usar os casos médicos para isso, escolhe apostar nas relações humanas, principalmente da equipe, mas sem deixar os pacientes de lado.

Dez meses se passaram desde o fatídico plantão do tiroteio no Pittfest. Langdon (Patrick Ball) está de volta de sua reabiliação, à contragosto de Robbie (Noah Wyle). O chefe da emergência desajava já ter saido em seu retiro sabático quando o antigo pupilo retornasse. Aliás o afastamento do médico é o motivo de uma das novas aquisições do time. A Dra. Al-Hashimi (Sepideh Moafi), sua substituta chega mais cedo para se enteirar da dinâmica do local, mas parece ter algum segredo.

Os residentes que conhecemos em seu primeiro dia na temporada anterior, estão mais experientes e em diferentes estágios de sua formação acadêmica. Whitaker (Gerran Howell) é oficialmente médico, começando a orientar outros estudantes, iniciando uma família com uma ex-paciente e dividindo casa, e uma relação de amizade esquisita com a Dra. Santos (Isa Briones). Essa continua uma encrenqueira bem intencionada, com problemas com o retorno de Langdon e para atender as obrigações de sua residência.

Samira (Supriya Ganesh) e Mell (Taylor Dearden) trazem problemas familiares para o plantão. Enquanto a última ainda lida com um processo mal apresentado e explorado. Já que nunca saímos da emergência, e só lidamos com o nervosismo da moça em torno dele. Javadi (Shabana Azeez) precisa decidir sua especialização, e também se tornou uma celebridade médica nas redes socias, outro assunto mal explorado.

Embora, mesmo mal explorado, todos esses pequenos casos servem de combustível para o stress de Robbie, que parece ter intenções mais sérias do que meras férias em seu afastamento. No limite, o personagem está muito mais explosivo, e mau humorado. Seu estado de espírito acaba afetando todo o clima da emergência, que como desafio extra, ainda sofre um ataque cibernético e volta ao caos analógico da burocracia de papel.

Caos administrado pela enfermagem. É delicioso encontrar uma produção que valorize os enfermeiros tanto quanto, e as vezes até mais que os médicos. Da novata assustada, mas extremamente empática Emma (Laetitia Hollard), ao enfermeiro que defende os pacientes arriscando a própria liberdade Jesse (Ned Brower), até rostos conhecidos que ficamos felizes apenas por ver que sua vida evoluiu, como o pai recente Donnie (Brandon Mendez Homer). Todos é claro encabeçados pela Dana (Katherine LaNasa).

A enfermeira chefe traz os momentos mais marcantes da temporada. O embate com Robbie, que deixa todos chateados com a amizade abalada. A administração diante do caos analógico e da invasão de forças policiais. E, principalmente, com o didático tratamento dado à vítimas de abuso sexual. O programa mostra que o desafio não para no assédio e na denúncia. As vítimas ainda passam por todo um processo de coleta de provas, triste, constrangedor, e se não administrado da forma correta também invasivo e ainda mais traumático.

E já que falei das forças policiais, atualizados com a realidade fora da série, os roteiristas de The Pitt ainda fazem uma crítica contundente as políticas contra imigrantes de Trump. A interferência deles no hospital é o cúmulo da desumanidade, afetando profissionais e pacientes. Um retrato direto, realista da realidade cruel.

Os casos, admito, foram menos memoráveis que os da temporada anterior. Mas ainda sim interessantes e eficientes para desafiar os personagens, criar conflito e acelerar os ânimos. Outro ponto fraco são os nada carismáticos novos residentes Joy e Ogilvie (Irene Choi e Lucas Iverson). Por mais que seja realista a rotatividade de personagens pode se tornar um problema em temporadas futuras. Uma vez é que a tendência é nos apegar aos personagens e querer continuar acompanhando suas histórias.

Já a equipe noturna que já conhecíamos brevemente da temporada anterior, aqui ganha um pouco mais de tempo de tela. E o contraste entre as formas de liderar de Robbie e de seu amigo Dr. Abbot (Shawn Hatosy) nos faz querer acompanhar seu plantão também. Robinavich está no limite, mas Jack Abbot encontrou na adrenalina sua válvula de escape. E, aparentemente leva essa energia para o plantão, que por ser noturno, ainda pode trazer os casos mais estranhos. Como não querer acompanhar isso?

A saída de Collins (Tracy Ifeachor) na temporada anterior foi uma surpresa. Já o anuncio de que a Dra. Mohan (Supriya Ganesh) não volta para o terceiro ano, além de surpreender, vem envolto à rumores de problemas nos bastidores, envolvendo racismo e misoginia, que muito arranham o brilhantismo do programa.

Com pouquíssimas falhas e pontos fracos, não gostamos de Joy e Ogilvie, mas pelo menos eles causam bons conflitos, The Pitt entrega uma excelente segunda temporada. Ao ponto de não apenas ficarmos ansiosos pelo próximo plantão, mas pedirmos por novos plantões. Talvez estejamos viciados em adrenalina tal qual Dr. Abbot, e isso é ótimo!

The Pitt tem duas temporadas, cada uma com quinze episódios de cerca de uma hora cada. Todos já disponíveis na Max. O terceiro ano já foi confirmado, e deve chegar no início de 2027.

Leia a crítica da primeira temporada de The Pitt!

Michael

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Tue, 21 Apr 2026 13:01:00 +0000

Volta e meia especialistas em cinema apontam que determinadas obras são "infilmáveis". Seja por sua extensão, seja por sua complexidade. Falou-se disso quanto à Duna, O Senhor dos Anéis e As Crônicas de Gelo e Fogo, que entre erros e acertos, ganharam as telas com boas adptações. O que nunca se fala, no entanto, é que talvez a vida de algumas pessoas também seja extremamente complicadas de transpor para as telas. E Michael vem nos lembrar disso.

Cantor, compositor, dançarino e filantropo com dezenas de sucessos ao longo de quatro décadas de carreira, uma visão única de música como espetáculo. E inúmeras polêmicas no ambito pessoal, da infâcia de celebridade, à acusações de assédio, passando pela mudança drástica de aparência. Michael Joseph Jackson viveu em cinquenta anos, muito mais do que gerações inteiras somadas. Abordar sua vida toda em um filme, em detalhes, parece sim tarefa tão complexa quando adaptar Duna.

Mas, ei.. Villenueve conseguiu trazer Paul Atreides para as telas. E Antoine Fuqua traz a vida do Rei do Pop, embora não com tanto brilhantismo, mas sem escolher um recorte. A intenção é contar tudo! Partindo da infância roubada pelas ambições do pai, o roteiro de Michael percorre sua vida ponto-a-ponto. Com a benevolência de uma obra comandada pelos entes do retratado, e um "check list" a seguir.

- Michael (Juliano Valdi) queria brincar, mas seu pai o forçava a ensaiar.
- Joseph Jackson (Colman Domingo) era abusivo e ambicioso.
- Os Jackson Five alcançam o sucesso.
- Michael era uma criança sensível, não tinha amigos e buscava companhia nos bichinhos de estimação.
- Era interessado por música e aprendeu com quem estava à sua volta.
- Conforme fica mais velho, Michael (Jaafar Jackson) se interessa em fazer a própria musica, e é bem sucedido lançando o álbum mais vendido de todos os tempos. Mesmo ainda sob o domínio do pai abusivo.
- Até que consegue se libertar ao descobrir seu lado "Bad!".

Sim, "Bad", mau em inglês. Como o título da canção, já que o filme tenta pontuar sua evolução com suas próprias músicas. Não chega a ser tão eficiente e criativo como Rocketman, mas o processo criativo e de evolução artística é muito melhor apresentado que o de Bohemian Rhapsody. É interessante acompanhar como o cérebro de Michael funciona, e como recompensa ainda receber boas performances de excelentes músicas.

Jaafar Jackson sobrinho de Michael faz sua estreia na atuação ciente do peso e do talento do tio. Entregando a complexidade da distinção entre as versões do astro. O jovem sensível de fala mansa do dia-a-dia, contrasta com a força da natureza que o Rei do Pop se tornava ao performar.

É cedo para dizer se Jaafar é de fato um bom ator, ou apenas o resultado de alguém que cresceu sob a sombra do tio. Mas é inegável que o rapaz dança, canta e performa extremamente bem. Um esforço visível que serve muito bem à narrativa. E é complementado com uma boa caracterização. Um desafio à parte, considerando as muitas mudanças físicas que o biografado passou ao longo de seus 50 anos de vida.

E já que estamos falando do elenco, outros bons destaques são Colman Domingo, irreconhecível como Joseph Jackson, e com a competência de sempre, embora o roteiro não ofereça tanto quanto poderia. O pequeno Juliano Valdi também se prova um excelente showman ao levar a versão mirim do protagonista aos palcos. Miles Teller e KeiLyn Durrel tem mais tempo de tela e entregam performances eficientes. Enquanto Mike Myers surpreende em uma participação especial inusitada.

Se o elenco traz um bom trabalho, o roteiro é o ponto fraco da produção. Uma narrativa simples, direta, tal como uma lista à ser cumprida, mas que ainda sim não entrega todas as camadas de uma vida tão rica. Basta notar que na minha sinopse nada convencional, eu parei no álbum Bad.

É exatamente onde o filme termina, revelando que esta é apenas metade da história. E que uma segunda parte está por vir. Pontuando a divisão acertadamente no meio de sua carreira. Quando se despede definitivamente do Jackson Five, e foca em sua carreira solo.

Entretanto, mesmo com a divisão, o roteiro não consegue se aprofundar nos conflitos. Os desafios do protagonista são apenas ilustrados, nunca de fato exploraddos pela história. O pai abusivo tem sua agressividade amenizada. A dificuldade de enfrentá-lo, que fazia Michael delegar esta tarefa é tratada com comicidade, ao invés de uma dificuldade a ser superada.

A quebra de barreiras, como a transmissão de seus video-clipes na MTV, que não exibia artistas negros é apenas mencionada. Quando poderia ser um bom ponto de contraste entre o orgulho de sua origem e o sentimento de inadequação que o fazia "embranquecer" sua imagem com diversos procedimentos estéticos. Em resumo, as plásticas de nariz estão lá, a mudança do tom de pele também, mas nunca são justificadas para além de uma insatisfação vista no espelho. Há também tempo para metáforas, alegorias e acenos óbvios ao futuro, como a obsessão do menino Michael com a história de Peter Pan

Espertamente, sempre que estas fragilidades do roteiro começam a ficar evidentes, o filme nos entrega outra performance. Músicas excelentes, momentos de clipes, shows e apresentações televisivas recriados à perfeição. Um truque para distrair que felizmente, ou não, funciona!

As sequencias musicais empolgam, afinal são hits do Michael Jackson. Apelam para a nostalgia e saudosismo dos mais velhos, e criam uma boa apresentação para os mais novos. Além de representar bem o fenômeno em torno de sua figura. Um ícone mundial que dificilmente se repetirá, graças às "bolhas culturais" que regem o mercado atualmente.

Michael não chega a ser uma biografia chapa branca, mas não se arrisca tanto quanto poderia. O que não é tão prejudicial nesta primeira metade da vida do cantor. Mas nos leva a questionar como seus últimos anos serão abordados. As acusações de abuso infantil, a concepção incomum dos filhos, a morte inesperada, os assuntos que abalaram a figura dele como ícone ficaram para a parte dois. Será que o roteiro terá coragem de explorá-los?

De qualquer forma Michael vai entreter fãs e não iniciados, adaptando de forma eficiente um vida "infilmável". Uma pena o roteiro não ser tão genial quanto seu retratado, mas o grande público nem vai ligar para as falhas, diante da possibilidade de rever o Rei do Pop encantar multidões. Não duvido que seja uma das maiores bilheterias de 2026!

Michael
2026 - EUA -127min
Biografia, Musical

Ataque Brutal

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Fri, 17 Apr 2026 19:52:00 +0000

Eu até consigo imaginar a sala de produtores e roteiristas na dúvida sobre que obra fazer. - Filmes de catástrofes climáticas atraem grande público, ainda mais agora com o aquecimento global! Só que filme de tubarão sempre dá certo, mesmo quando é ruim!... "pera," e se a gente juntar os dois?! - Por mais absurdo que pareça, não é uma má idéia, se executado com a perspectiva certa. O que não é o caso de Ataque Brutal da Netflix!

Na rota de um furacão de proporções nunca antes vistas, os moradores remanescentes de uma pequena cidade costeira precisam lidar com os efeitos da catástrofe natural, e dos tubarões que vieram com ela. Assim acompanhamos Lisa (Phoebe Dynevor) abandonada pelo namorado grávida de nove meses. Dakota (Whitney Peak) uma jovem que perdeu a mãe e tem pânico de sair de casa. Além de um trio de órfãos, os irmãos Dee (Alyla Browne), Ron (Stacy Clausen) e Will (Dante Ubaldi) abrigado por um casal de tutores horríveis. A esperança reside no Dr. Dale Edwards (Djimon Hounsou) tio de Dakota e, convenientemente, um especialista em tubarões.

Ao longo de uma longa noite essas pessoas vão enfrentar todo tipo de desafio. Chuva torrencial, ventos fortes, inundação, prédios desabando, e claro, vários tubarões. Cada um com suas limitações e temores. Proposta que pode dar muito certo ao seguir por dois caminhos.

O mais difícil com roteiro coeso, coerente e realista. Complicado pela dificuldade de inserir as feras aquáticas no cenário. E por precisar descartar, exageros, absurdos e conveniências. E o mais divertido, seguir a escola de Sharknado. Não se levar tão à sério, e tirar o melhor proveito das improbabilidades e exageros para criar cenas épicas e divertidas, ainda que absudas.

Mas Ataque Brutal não segue nenhum dos caminhos. É improvável, absurdo e com escapadas divertidas de tão impossíveis, mas se leva a sério demais em aguns momentos. Ficando no meio do caminho das duas opções. E deixando o aproveitamento para a capacidade de suspensão de descrença de cada espectador.

Particularmente, em uma tarde aleaória depois de um dia de trabalho, eu consegui desligar o cérebro e me divertir, com os exageros do roteiro e a alternancia entre burrice e altas habilidades dos personagens. Afinal, a mesma mulher que não pensou em deitar o banco do carro para sair dele, também conseguiu bater em um tubarão um um pedaço de madeira.

Nem vou mencionar a esolha hilária da trilha sonora do clímax, ou ainda a épica cena de resgate da ex-gestante por uma tubaroa grávida. Sororidade forçada, que ficaria muito melhor se o roteiro admitisse e proferisse em voz alta: As mães se ajudam! Enfim, fazer graça do absurdo.

Se optasse apenas pelo tema de catástrofe, Ataque Brutal também poderia render bons frutos. Já que as sequencias da cidade sendo evacuada em meio a tempestade, e das ruas alagadas, são bem executadas consideranto o porte da produção.

Já os personagens são genéricos. Caricaturas bem conhecidas que só prendem a atenção pela familiaridade. Seja com o elenco, como o veterano arroz-de-festa Djimon Hounsou, ou a Dafne de Bridgerton Phoebe Dynevor. Ou pelos arquétipos, já que é inevitavel torcer para o tubarão quando este encontrar o nojento tutor dos órfãos.

Ao final das contas, para aqueles procurando escapismo, Ataque Brutal é tão divertido quanto esquecível. Para quem procura mais que isso, melhor procurar filmes que separem tubarões e catástrofes naturais.

Ataque Brutal (Thrash)
2026 - EUA - 86min
Suspense, Catástrofe

Como eu era antes de você

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Wed, 15 Apr 2026 18:26:00 +0000

Dez anos atrás, me surpreendi com a adaptação para os cinemas de Como eu era antes de você. O romance roteirizado por Jojo Moyes baseado em seu próprio best-seller, bebe muito do tropo de opostos que se completam, mas surpreende pelo contexto em que essas diferenças são criadas. Finalmente esbarrei na obra original, e fico contente em afirmar que o filme de 2016 é um excelente adaptação.

A peculiar e irritantemente otimista Louisa Clark, precisando de emprego torna-se cuidadora de um tetraplégico. Will Traynor, é rico, inteligente e mau-humorado devido à sua condição recente. Não é preciso ser um especialista para adivinhar, que este relacionamento forçado vai mudar a perspectiva de ambos.

Mais difícil de deduzir no entanto, são os sentimento em torno dessas identidades opostas. É nisso que o livro se destaca em relação ao filme. As dores físicas e a condição de Will são sim bem explicadas no longa metragem. Mas, é no livro que nos colocamos mais profundamente em seu lugar. E assim compreendemos melhor como mesmo que a vida ao lado de Lou tenha momentos maravilhosos, os momentos de dor ainda os superam em perspectiva.

Já a Louisa dos livros é quem traz mais diferenças para as telas. Enquanto no cinema é uma jovem ingênua que não conhece seu potencial, e não exerga suas perspectivas. Nas páginas existe um motivo para sua personalidade excêntrica e suas roupas engraçadas. Ambas uma reação de proteção à um abuso sofrido quando mais jovem. Não é apenas por ingenuidade que Lou não consegue ver além, é também porquê tenta se manter segura e sã em sua carapaça de excentricidade e alegria constante.

Com mais tempo para trabalhar o universo, personagens secundários ganham maior atenção. Inclusive dando à alguns deles breves capítulos de ponto de vista, em momentos que a visão da mocinha não é suficiente para descrever os eventos. Embora isso não ajude muito Patrick, o namorado da mocinha continua sendo o atleta obcecado por si mesmo e sem muito tato com todos a sua volta. Ou mesmo os pais de Louisa que não acrescentam muito à narrativa. É Treena quem difere mais neste núcleo, menos prestativa e mais interesseira, ainda que presente quando a mocinha mais precisa.

Outra irmã que é muito diferente é a irmã de Will, que no filme sequer existe. Escolha acertada, torná-lo filho único nas telas faz com que sua perda seja ainda mais devastadora para os pais. Georgina no livro é extremamente descartavel, servindo apenas para passar algumas informações para a mocinha, e consequentemente o público. Enquanto o Sr. e a Sra Traynor tem mais personalidades, falhas e impulsos que interferem na trama do casal, e na vida do filho.

À época de seu lançamento, a obra recebeu críticas de defensores dos direitos das pessoas com deficiência, que afirmavam que obra defendia que a vida pode não valer a pena ser vivida para algumas pessoas com deficiências graves. Entretanto, ao longo de toda jornada Lou se aconselha com outras pessoas na mesma condição de Will que mostram as possibilidades, e as formas que esta vida pode valer à pena.

O que choca à maioria é que Jojo Moyes respeita a possibilidade de escolha dessas pessoas. Will tem condições para ter uma boa vida, tem conhecimento disso, mas ainda sim escolhe não tê-la. Esse é o debate, a liberdade de escolha individual. Não apenas para pessoas com deficiência, mas em outras condições, como estágio terminal de doenças ou mantidos vivos apenas por aparelhos.

A discussão é longa, complexa, individual, e Como eu era antes de você dá apenas o pontá-pé inicial nela. E mesmo assim, vai muito mais além do que muitos se permitem refletir. E aproveita essa decisão para mostrar como cada indivíduo deixa sua marca por onde e por quem passa, mesmo sem querer.

A escrita de Moyes é simples, leve e ágil, ainda que muito inteligente e hábil em lidar com as complexidades do tema. Seja a apresentação das tecnicalidades da vida com tetraplergia, nos efeitos de agressões e relacionamentos passivo agressivos, e na temática de suicidio assistido.

O livro é o primeiro de uma trilogia. Embora eu não veja a necessidade de Depois de Você (2015) e Ainda Sou Eu (2018), que supostamente acompanham a continuação da evolução de Louisa. Particularmente, acredito que o grande aprendizado da moça está no primeiro livro, e o que ela faz a partir dali não importa muito, desde que explore essa evolução. Mas quem sabe, as obras podem surpreender.

Enquanto Will redescobre bons momentos na sua nova vida. Louisa descobre um mundo de oportunidades que está perdendo. Nõs acompanhamos a construção de um romance triste e doce, enquanto refletimos sobre questões mais complexas. Como eu era antes de você, oferece muito mais do que parece.

Como Eu Era Antes de Você
Jojo Moyes
2012 - Intrínseca

Leia a crítica do filme!

Bailarinas letais!

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Mon, 13 Apr 2026 18:14:00 +0000

Recentemente assisti um filme que explora o curioso conceito do "balet-fu" (balé + kung fu). E me ocorreu que não temos tantos filmes sobre bailarinas letais quanto deveríamos. Especialmente se considerarmos o fetiche que vem junto com a ideia de delicadas moças "chutanto bundas" em angelicais tutus.

Personagens como Dominika Egorova (Jennifer Lawrence) de Operação Red Sparrow e as Viúvas Negras da franquia Vingadores, até tem balé em sua formação como lutadoras. Mas não vemos muito da prática em suas cenas de ação, muito menos em seus figurinos.

Então, para suprir esta falta gravíssima no imaginário coletivo mundial, resolvi listar aqui as poucas dançarinas realmente letais que temos nos cinemas até agora. Quem sabe, isso não desperta a criação de novas obras com o tema? (Hollywood, você lê meu blog? Fica a dica hein!)

Lindas e Letais

(2026 - Pretty Lethal - Vicky Jewson)

Este é o filme que inpirou a lista! Leia a crítica dele aqui. Investe no tal balet-fu que mencionei, apostando em conveniências e com roteiro bem fraco, é verdade! Mas sanando a vontade de ver moças em tutus trucidando criminosos trogloditas. Com um elenco curioso que inclui Uma Thurman, Lana Condor, Maddie Ziegler e Millicent Simmonds, não é excepcional, mas diverte!

Sinopse: Cinco bailarinas e sua professora estão à caminho de uma grande apresentação em Budapeste que dá errado. E as seis acabam perdidas no isolado covil da vilã Devora Kasimer. Lá a tutora é assassinada, e as cinco jovens precisam dançar por sua vida. Derrotando criminosos com belos giros em sapatilhas de ponta e tutus ensaguentados.

Bailarina

(2025 - Ballerina - Len Wiseman)

Do universo de John Wick, o longa estrelado por Anna de Armas entra na lista mais por seu título e mitologia pelo que é visto em tela de fato. A protagonista é treinada como bailarina e assassina, uma complementando a outra. E a figura da jovem pequena e frágil em roupas de dança está no imaginário do filme, mas não é de fato usado nas sequencias de ação. Ao menos sua presença na lista representa todo um sub-gênero de assassinas treinadas com dança, como Natasha Romanov e Dominika Egorova.

Sinopse: Treinada em uma academia de balé que funciona secretamente como uma escola de mercenários. Eve sai em busca de vingança daqueles que assassinaram sua família. Passando por lugares e personagens da franquia John Wick no processo. É o primeiro spin-off da saga estrelada por Keanu Reeves.

Abigail

(2024 - Abigail - Matt Bettinelli E OlpinTyler Gillett)

Outro que entrega a combinação "sanguinolência + tutus", e com o bônus de que aqui, a bailarina é uma adorável garotinha (ao menos aparentemente). É uma obra no estilo "resta um"! Personagens presos em uma casa, com um monstro à solta, quem irá sobreviver. A graça aqui é que as vítimas são na verdade sequestradores, então tudo bem torcer para serem pegos, pela mini bailarina vampira vivida por Alisha Weir. O resultado são ataques sangrentos performados por uma criatura fofinha. Leia a crítica de Abigail.

Sinopse: Um grupo de criminosos aceita mais um trabalho, sequestrar uma bailarina de doze anos e ficar de babá por vinte quatro horas em uma mansão isolada até que o resgate seja pago. Só que a tal menininha é na verdade uma vampira mirim cheia de sede.

Cisne Negro

(2010 - Black Swan - Darren Aronofsky)

Ok, tecnicamente a aspirante a prima baleria Nina (Natalie Portman), não luta contra ninguém além de si mesma. Mas convenhamos, a batalha interna entre seus cisnes branco e negro e visível nas intensas cenas de dança. E até em um embate menos gracioso onde a personagem golpeia o cisne branco com um pedaço de espelho. Além disso, no final, ela de fato tira a vida de alguém, a dela própria. São muitas camadas representadas em pliés e pas de deuxs.

Sinopse: Ao ser escalada como protagonista de o Lago dos Cisnes, a certinha e boazinha Nina entra em colapso mental, ao tentar despertar seu "cisne negro". Com direito a embates nos bastidores, alucinações e sequencias de danças intensas.

Mençao Honrosa:

Não poderia encerrar esta lista sem mencionar Ruby Roundhouse. A personagem do video-game de Jumanji interpretada por Karen Gillan não dança balé, tão pouco usa tutu. Entretanto inaugurou a habilidade "luta dançante". Usando a sedução da dança, e principalmente giros de suas longas pernas para derrotar os vilões ao som de "Baby, I Love Your Way", da banda Big Mountain. Divertidíssimo!

Outra que teria potencial para esta lista é a M3gan com sua dancinha viral para assassinar humanos. Mas além de não ser bailarina, a boneca de IA nem é humana. Então melhor parar por aqui.

E assim encerro esta curiosa lista que une ossos quebrados e sapatilhas de ponta. Deixa aí nos comentários se você também acha que dança e luta deviam sempre andar juntas, e se eu esqueci alguma bailarina letal nessa lista.

Veja outras listas curiosas da cultura pop!

Lindas e Letais

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Fri, 10 Apr 2026 19:14:00 +0000

A Lara Jean, a Maddie de Dance Moms e a mina de Um Lugar Silencioso são bailarinas que precisam usar suas habilidades dançantes escapar de um covil de malfeitores liderados por Uma Thurman? Não diga mais nada! Eu vou assistir esse negócio, mesmo que pareça de qualidade duvidosa.

Sim, meu lado "menininha" adorou a premissa e o elenco de Lindas e Letais. Filme de Vicky Jewson para o Prime Video que é sim tão fraco quanto os trailers apontam. Mas quem disse que não dá para se divertir com isso?

Bones (Maddie Ziegler), Princess (Lana Condor), Zoe (Iris Apatow), Chloe (Millicent Simmonds) e Grace (Avantika) são um corpo de baile, apesar de não se darem bem umas com as outras. E tem uma grande apresentação em Budapeste, na Hungria. Acompanhadas pela professora Thorna Davenport (Lydia Leonard), seu ônibus quebra em um local remoto, e o grupo acaba encontrando abrigo no estranho Hotel Teremok.

Acontece que o local é na verdade o covil de Devora Kasimer (Uma Thurman), uma criminosa que... bom, o filme nunca esclarece o que ela faz. Mas deixa claro que ela é poderosa, perigosa e está cercado de capangas e outras figuras mal encatadas em sua isolada residência. E não demora muito para um desses malfeitores assassinar a professora de dança, tornando as bailarinas testesmunhas em cativeiro, prontas para o abate. Comandada pela esperta e voluntariosa Bones, o grupo precisa dançar por sua vida. Usando passos de balé como forma de luta.

Absurdo, exagerado e muito divertido o conceito de "balé-fu". E o trabalho corporal das atrizes que fizeram boa parte das sequencias de danças e lutas, em especial Ziegler e Condor, é o ponto alto da produção. Nunca deixamos de acreditar de tratarem-se das atrizes executando os passos, ou golpes. Enquanto as soluções de luta com dança são criativas e divertidas, ainda que contem com algumas conveniências. Um belo exemplo é a grande luta no climax com múltiplos capangas que esperam "sua vez" para atacar.

Ainda assim, ver moças delicadas em belas poses e giros derrubando brutamontes é divertido. Assim como acompanhar sua evolução de jovens virginais vestidas de branco em assassinas de tutus ensaguentados. Para quem espera qualquer coisa além disso, no entanto, o filme vai decepcionar.

O roteiro é até eficiente em apresentar as moças e inseri-las direto na ação. Em apenas vinte minutos já estamos no covil de Devora. Mas a partir daí a história não sabe muito por onde seguir, sendo claramente apenas um pretexto para criar as figuras de bailarinas letais. Basta lembrar que nem sequer sabemos que tipo de criminosa é a vilã. O filme não está preocupado em explicar detalhes, quer nos levar direto para a ação.

As intrigas entre as moças são superficiais e infundadas. Existem apenas para construir a falsa construção de união criada pela necessidade entre as moças. Assim como as motivações da vilã são clichês, e a construção de sua personalidade bastante caricata. Se ao menos Uma Thurman estivesse se diventindo no papel, mas não é o caso.

O texto reforça a má qualidade do roteiro ao oferecer falas de efeito frágeis, óbvias e repetitivas para as moças exclamarem enquanto sobrevivem. Ao ponto de uma delas recriminar a outra por repetir incessantemente que elas precisam fugir, apenas para fazer um discurso que termina exatamente com a mesma frase.

Em resumo, Lindas e Letais tem uma premissa divertida. Afinal bailarinas são atletas com força, resistência e disciplina incomparáveis. Eu certamente acredito que podem vencer alguns brutamontes. Mas uma execução dessa idéia é bastante frágil. Quem encarar a sessão sem compromisso ou expectativas, como eu, pode até se divertir. Mas dificilmente vai afirmar que está vendo um bom filme, mesmo que adore o elenco e a premissa do "balé-fu"!

Lindas e Letais (Pretty Lethal)
2026 - EUA - Reino Unido
Ação, Suspense

Paradise - 2ª temporada

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Tue, 07 Apr 2026 21:00:00 +0000

A primeira temporada de Paradise prometeu uma tradicional trama de "Quem matou?", e entregou a melhor série de ficção-científica de 2025. Mas seu desfecho empolgante, além de gerar expectativa, também causou (em mim ao menos) o temor de se tornar mais uma série de sobrevivência no apocalipse. Felizmente, eu não tinha razões para temer.

Sinatra desmascarada, quase morta, o bunker sem uma liderança e Xavier fora dele. Esse eram os maiores ganchos deixados pelo primeiro ano. E a segunda temporada estreia... com nada disso! O episódio Graceland, apresnenta personagens completamente novos ao acompanhar a jornada de Annie (Shailene Woodley) sobrevivendo praticamente sozinha ao apocalipse na residência de Elvis Presley que da nome ao capítulo.

A mudança brusca de perspectiva pode afastar alguns. Entretanto, para aqueles que ficarem, e inevitavelmente se apegarem à moça, a recompensa é grande. Além de uma jornada emocional interessante (leia-se, devastadora), a personagem se torna o link e peça chave para os núcleos já conhecidos.

Segundo e terceiro episódios também são focados em apenas um núcleo cada. Mayday acompanha as primeiras horas de Xavier (Sterling K. Brown) fora do bunker. Enquanto Another Day in Paradise mostra como o paraíso artificial está apos os eventos das últimas temporadas, em especial em relação à Sinatra (Julianne Nicholson). É apenas a partir do quarto episódio, A Holy Charge, que acompanhamos todas as narrativas paralelamente.

Reparou que estou mencionando mais títulos de episódios que de costume nesta crítica? Isso porquê em Paradise, as pistas estão em toda parte. Títulos, diálogos, nomes, elementos de cena e até nas músicas. Embora neste último quesito, a série não tenha sido tão eficiente que em seu primeiro ano, quando praticamente todos os episódios tinham uma canção tema cheia de relevancia e significados.

De volta à trama, a série por outro lado extinguiu todos os meus temores sobre seus novos rumos. Com a saída de Xavier do abrigo, e a busca por sua esposa, meu receio era que a série seguisse o tradicional caminho de "mundo devastado pelo apocalípse". Tal qual The Walking Dead (mas sem os Zumbis) trazendo diversos grupos hostis brigando pelos últimos recursos do planeta.

Qual não foi minha surpresa quando o protagonista encontrou com mais gente querendo se ajudar do que se matar. É claro que há cautela e desconfiança, mas a maioria dos sobreviventes tenta fazer o melhor pela humanidade que restou. O que inclui, até certo ponto, a jornada de sobrevivência de Terry (Enuka Okuma), através de uma ajuda inesperada, com pessoas superando conflitos apesar das diferenças. Mas, mostrando que sempre há uma maçã podre no cesto. Ou um incel que não sabe lidar com rejeição.

A trama da sobrevivência da esposa da esposa de Xavier nos correios. Constrói personagens de forma surpreendente, enquanto apresenta de forma eficiente tão idolatrada mãe de família. Além de plantar sementes para o futuro, qual será a importância de Bean (Benjamin Mackey) na terceira temporada?

Outro novo personagem é Link (Thomas Doherty) um gênio cientista que parece saber mais sobre o bunker que nós, que estamos aqui desde o primeiro ano. Sua identidade, e missão são o grande mistério da temporada, e não foram completamente explicados. Mas, posso afirmar, mergulha a série ainda mais fundo no sci-fi, através a apresentação de Alex. Além de mudar a perspectiva, objetivos e ações da maior vilã até então. Sinatra apresenta ainda mais camadas, através da excelente atuação de Julianne Nicholson.

Não tão empolgante assim, é a trama dos adolescentes no abrigo. Afinal, são aborrescentes! Ao invés de aproveitar sua presença para mostrar as reações da população do bunker, o roteiro prefere inserir, o filho do presidente Jeremy (Charlie Evans), os filhos de Xavier, Presley e James (Aliyah Mastin e Percy Daggs IV) e a filha de Sinatra, Hadley (Kate Godfrey) em uma trama de rebelião interna com pouca efetvidade até o clímax. E ainda desperdiça a agente Robbinson (Krys Marshall) nela.

Ainda sobre os residentes do bunker, aprendemos um pouco mais sobre Jane. Enquanto a terapeuta Torabi (Sarah Shahi) assume sozinha missões e responsabilidades que não fazem muito sentido no quadro geral. É sério que na ausência de Sinatra e do Presidente ela é a mais apta a tomar decisões?

Para a felicidade geral dos fãs, James Marsden e Jon Beavers retornam à série apesar do falecimento de seus respectivos personagens. Ambos em flashbacks relevantes para a construção do universo da série. Aliás o roteiro mantém o acerto da primeira temporada ao apresentar a narrativa em diferentes linhas do tempo. Que agora ganham ainda mais relevancia diante das possibilidades criadas por Alex.

A inteligencia artificial criada em um computador quantico é o maior mistério e origem de especulações durante a temporada. Seja pela duvida sobre quem, ou o quê pe Alex. Quanto em relação à sua interferência no mundo. Quais as habilidades que ela tem que ainda não entendemos? Prato cheio para a temporada final, que deve chegar no início de 2027.

E claro, não posso encerrar esta crítica sem exaltar o carisma de Sterling K. Brown, que mantém seu Xavier Collins como nosso avatar na trama. O único em quem podemos de fato confiar, e a quem acompanhamos cegamente. E apesar de ser apresentado como um homem integro, o roteiro inclusive coloca isso em texto, ainda traz nuances, anseios, medos e falhas.

A segunda temporada de Paradise confirma que esta continua sendo uma das melhores séries da atualidade. Mesmo mergulhando na ficção científica mais complexa, o faz com clareza, carisma e envolvendo o expectador a cada segundo. E o ja declarado plano fechado de três temporadas apenas confirma que o programa sabe exatamente onde pretende chegar, e está aproveitando o melhor caminho até lá!

Paradise é uma série original Hulu que chega ao Brasil pelo Disney+. Cada temporada, tem oito episódios com cerca de uma hora cada, todos já disponíveis na plataforma!

Leia também as primeiras impressões da série e a crítica da primeira temporada!

O Drama

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Fri, 03 Apr 2026 20:30:00 +0000

Tempestade em copo d'água! Muito barulho por nada! Enfim a hipocrisia! - São as frases que imediatamente vem à mente quando terminamos de assistir O Drama, nome mais que apropriado para o drama cômico de humor negro estrelado por Zendaya e Robert Pattinson.

Emma e Charlie (Zendaya e Pattinson) se conheceram de uma forma que fica entre o fofo desajeitado e o muito esquisto. Mas passaram bem por esse estranho momento inicial e vão se casar. Mas, na semana do casamento, um segredo do passado de um dos dois vem à tona, mudando completamente a dinâmica entre os dois.

Assim, entre provas de comida, escrita de votos e problemas com DJs, acompanhamos o casal tentar descobrir se há como proseguir. Ou se é melhor desistir de todo o circo que é uma cerimônia de casamento. Vergonha, culpa, desconfiança e até alucinações atormentam os protagonistas. Um deles tentando convencer o outro de que tal esqueleto no armário fora um lapso momentâneo. Enquanto o outro, tenta aceitar que a pessoa que ele achava que conhecia não existe.

Até aí O Drama parece ser apenas mais um drama romântico. Mas é no segredo obscuro e no contexto social em torno dele que a produção se destaca. Jogando um olhar cínico sobre a hipocrisia da sociedade. Tirando rizadas de momentos constrangedores e absurdos. E fazendo o público pensar que esse pessoal talvez esteja exagerando.

Talvez você já deva imaginar, já que não mencionei o tal segredo até aqui, o melhor é ir assistir O Drama com o mínimo de informações possível. Mas como a análise mantendo tanto sigilo seria raza e complicada de fazer. Vou quebrar minhas própria regra e dar alguns spoilers daqui para frente. Continue por sua conta e risco. Ou vá lá, assista e volte para continuar esta conversa.

SPOILERS À FRENTE!

Em uma roda de amigos Emma revela que aos quinze anos planejou fazer um tiroteio em massa em sua escola. Chegando à conseguir armamento e até gravar vídeos de despedida. Que era uma fase difícil de sua vida, que nunca chegou a executar o ato, e se envergonha disso. Mas seus padrinhos de casamento, e o noivo parecem ter ouvido a primeira parte, e imediatamente passam a condená-la por um ato que nunca cometeu.

A hipocrisia é que durante a mesma conversa, os amigos revelaram as piores coisas que de fato fizeram na vida. Mas que, no julgamento deles, não são tão pesadas e prejudiciais quanto algo que Emma não fez. Ignorando incluisive o fato que as pequenas agressões cometidas por eles, muitas vezes levam as vítimas a fase de desespero que geram esses atos violentos.

É verdade que os tiroteios em massa são uma grave epidemia em território estadunidense. E vi comentários de que o filme trataria o assunto de forma leviana. Pois eu acho que se trata do extremo oposto. O diretor e roteirista Kristoffer Borgli escancara que é a forma como a sociedade lida com o assunto que de fato o glamouriza, o torna desejável, para pessoas vulneráveis a sua mensagem.

Crítica que vai desde a forma exagerada com que a madrinha vivida pela Alana Haim reage e trata a noiva após descobrir o segredo. Sendo que ela realmente prejudicou alguém no passado ao contrário da pessoa que ela tanto julga. Passando pela forma que os Estados Unidos venera armas, ao ponto de torná-las objeto de desejo e fetiche. Até a paranóia do noivo que poderia ser resolvida com uma conversa direta, ou no mais grave dos casos, terapia. Mas, ele escolhe o caminho de novos erros e agressões.

Tudo isso embalado em sequencias que vão do drama ao humor negro passando pela patetice e constrangimento. Conduzidos de forma crua e realista, desde a maneira de filmar, até as atuações. Alana Haim está exemplarmente irritante com a hipocrisia de sua madrinha nada compresensiva. Mas os holofotes são de Zendaya e Pattinson.

Ela cria uma noiva inicialmente adorável e inofesnsiva, mas com nuances que nos faz duvidar de sua personalidade em muitos momentos, sem nunca deixar de torcer por ela. Robert Pattinson traz um noivo que tem sua paz abalada e passa a agir de forma neurótica ao longo do filme. Juntos eles criam uma química realista. Não é o casal dos sonhos de cinema. Éapenas um casal como qualquer outro que você possa conhecer.

Vale mencionar ainda, o trabalho de Jordyn Curet que vive a versão jovem de Emma. Ela é responsável por apresentar as camadas e nuances do passado da personagem, que Zendaya utiliza tão bem em sua versão adulta. E que revelam o poder midiático dado aos assassinatos em massa, pela própria sociedade.

Inteligente e com texto afiado O Drama é uma grata surpresa. Utiliza todo nosso interesse por intrigas de família em bastidores de casamento, para fazer uma crítica a nossa própria hipocrisia como indivíduos e sociedade. E mesmo para quem não quer ir tão longe na análise, ainda entrega uma fofoca boa e um casório cheio de tretas. Drama, torta de climão, desde que não seja com a gente, quem não ama isso?

O Drama (The Drama)
2026 - EUA - 106min
Drama, Comédia, Romance

Super Mario Galaxy: O Filme

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Wed, 01 Apr 2026 20:02:00 +0000

Em 2023 terminei minha crítica de Super Mario Bros. - O Filme afirmando que, uma vez que o básico fora feito com maestria no primeiro filme, o público iria esperar mais da sequencia. Tarefa que Super Mario Galaxy: O Filme de fato cumpre. Mas, para alguns, essa evolução pode mais atrapalhar que ajudar.

Mario e Luigi já estão estabelecidos em sua nova vida no reino dos cogumelos. Oferecendo seus serviços de "encanadores especiais" por aí, depois de ter derrotado Bowser na primeira aventura. Entretanto, o filho do vilão, Bowser Jr., não está nada satisfeito e cria um plano para resgatar e orgulhar o pai. Plano esse que inclui o sequestro da princesa Rosalina. A Princesa Peach, Toad, a dupla de encanadores e seu recém adotado Yoshi embarcam em uma nova aventura para resgatar outra princesa.

Sim, Super Mario Galaxy expande o universo da franquia como esperado. Inclusive para além de meus conhecimentos dela (eu parei nos anos 1990). O que pode deixar não iniciados exigêntes com sentimento de exclusão, já que compreende todas as piadas e referências. Mas não atrapalha a compreensão geral da narrativa. Os personagens novos são apresentados com eficiência, assim como sua função na trama é bastante clara e objetiva. Mesmo porquê o que esse roteiro não tem é enrolação.

O primeiro filme já era frenético, este segundo coloca o frenesi na velocidade "2x"! Claramente pensado para geração alpha, cujo limiar de atenção é curto graças as redes sociais, o filme não tem tempo para respiro. Entregando uma sequencia acelerada de ação colada na outra. Nos deixando surpresos com a habilidade de contar uma história em meio à correria. O que inclui a história de origem das Princesas.

A velocidade acelerada, e a forma direta e rápida de contar histórias é outro fator que pode afastar alguns. Em especial os mais velhos, ou aqueles que ainda conseguem manter um ritmo menos apressado em pleno 2026 (gente sortuda!).

Já quem é jogador assíduo vai se deliciar com as muitas referências, aparições e piadinhas em torno do universo. Confesso, não sou jogadora e não tirei o máximo proveito dessas qualidades. Mas em momento algum cheguei a ficar perdida. O filme explica o necessário, e segue sem medo de deixar ninguém para trás.

O colorido e as formas fofas presentes no primeiro filme se mantém. Trazendo novos mundos, personagens, e com eles novas possibilidades de merchandising. Além de encantar os olhos dos adultos enquanto conversa direto com a molecada.

Outra característica que retorna do primeiro filme, é a liberdade de brincar com a animação em si. Como na cena em animação clássica (2D) para apresentar um personagem. Ou ainda aquela que alterna a visão do jogo bidimensional, com o formato atual. Uma representação curiosa da comparação entre o que as crianças de antigamente viam na tela da TV, com o que elas realmente sentiam enquanto jogavam. A intensidade e o envolvimento mesmo com o mais simples dos gráficos.

Quanto a trama, o roteiro consegue apresentar bem os novos personagens enquanto evolui os antigos. Yoshi, Rosalina e Bowser Jr. entram para o hal de personagens para filmes futuros. Enquanto a participação de Star Fox indica um interesse da Nintendo e da Ilumination em criar um multiverso dos jogos.

Entre os personagens do primeiro filme, Peach consegue respostas para perguntas de seu passado. Mario demonstra mais seu interesse por ela. Bowser tenta se mostrar redimido de seu passado. Enquanto Luigi e Toad seguem sendo apenas os sidekicks mesmo. Já a aventura é simples, encontrar o vilão e salvar a mocinha, usando habilidades e recursos existentes nos jogos.

A trilha sonora segue o ritimo acelerado e intenso. Novamente incorporando aqui e ali trechos das trilhas dos jogos, em prol da nostalgia, mas não dependendo apenas delas. Já os efeitos sonoros sim são essenciais para recriar a familiar atmosfera dos games.

O elenco traz de volta os astros do primeiro filme, e novas aquisições para dar vozes aos personagens. Estão na versão original Chris Pratt, Anya Taylor-Joy, Jack Black, Charlie Day, Keegan-Michael Key, Glen Powell, Brie Larson,Benny Safdie e Donald Glover. Enquanto a versão dublada, que a maior parte do público encontrará nos cinemas, segue o bom trabalho do primeiro filme. Particularmente, prefiro a versão nacional, com o trabalho de Rafael Rossato que remete diretamente ao imaginário do personagem.

Super Mario Galaxy: O Filme entrega o que se propõe, expandir este mundo e trazer mais dos jogos para o cinema. Ciente de seu público, as crianças e os gamers, acerela o ritmo para empolgar e manter a atenção. Talvez perca um ou outro não iniciado no caminho, mas não deve deixar quem tem boa vontade de lado. É bilheteria grande na certa!

Super Mario Galaxy: O Filme (The Super Mario Galaxy Movie)
2026 - EUA - 99min
Ação, Aventura, Comédia, Animação

Leia a crítica de Super Mario Bros. - O Filme!

Projeto 1001 - Março 2026

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Mon, 30 Mar 2026 18:59:00 +0000

Mais um mês de 2026 chegou ao fim, e com ele o balanço do meu desafio cinéfilo. Este mês quatro filmes foram riscados da lista do Projeto 1001. Aquele em que assisto todos os filmes listados no livro 1001 Filmes para ver antes de Morrer de Steven Jay Schneider.

Seguem agora os vídeos postados no YouTube, que também sairam (ou sairão) em versões mais curtas lá no TikTok.

Quantos você já assistiu?

Pânico (1996)

Se Meu Apartamento Falasse (1960)

Um Peixe Chamado Wanda (1988)

Fargo (1996)

Ainda tem alguns vídeos que já saíram no TikTok, a serem postados nas versão longa. E por isso a contagem nos próximos meses vai ficar mais lenta... mas "podexá", não vou perder a conta!

177 já foram, faltam 8257!

Nuremberg

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Thu, 26 Mar 2026 13:07:00 +0000

Entre vinte de novembro de 1945 e primeiro de outubro de 1946, Tribunal Militar Internacional, também conhecido como Tribunal de Nuremberg, já que foi organizado na cidade alemã de mesmo nome, julgou vinte e dois dos principais líderes sobreviventes da Alemanha de Hitler em um verdadeiro espetáculo midiático. O objetivo, além de condenar os réus, era documentar e divulgar os crímes de guerra, e principalmente o Holocaustp, para desestimular possíveis revanches e evitar que tais barbaridades se repetissem. Sendo o primeiro tribunal internacional, e servindo de parâmetro para o futuro.

Dito isso, é inevitável a responsabilidade em torno de qualquer obra que se proponha a retratar o evento, independente do ângulo escolhido. E Nuremberg, filme de James Vanderbilt que dirigiu apenas um outro filme, Conspiração e Poder de 2015, escolhe um recorte curioso. Baseado no livro O Nazista e o Psiquiatra de Jack El-Hai, o filme acompanha o julgamento pelos olhos do Dr. Douglas M. Kelley (Rami Malek). O psiquiatra do exército americano era encarregado de avaliar a sanidade mental dos réus, determinar se eles estavam aptos a enfrentar o julgamento e apontar qualquer possibilidade de suicídio, antes que ocorressem.

O foco é em sua relação com o Reichsmarschall Hermann Göring (Russell Crowe), réu de patente mais elevada, nomeado sucessor de Hitler pelo próprio füher. Assim passamos mais tempo observando os passos do terapeuta, e a construção de uma intimidade com o paciente, do que o julgamento de fato, ou mesmo os preparativos para ele.

E tudo bem, este não é um documentário, a proposta pode sim se afastar do principal evento para fazer um estudo de um ou mais personagens. Aliás é por isso que ainda nos interessamos tanto por filmes da Segunda Guerra, pelas milhares de perspectivas e personagens a serem exploradas. A expectativa frustada por não ser um filme de tribunal é mais culpa nossa que do filme de fato. O problema é que o filme não é competente em fazer isso.

Confuso sobre o ponto de vista escolhido, e principalmente sobre a mensagem que deseja passar, o filme alterna entre as "sessões de terapia", e os preparativos como se um influenciasse o outro. O que de fato deve ter acontecido, mas o roteiro não consegue estabelecer bem essa relação. Apresenta mal os diversos personagens e suas funções, assim como a problemática do porquê e como fazer esse julgamento. Um espetáculo milimetricamente organizado para passar mensagens bastante específicas. Por mais que estudemos história, não somos obrigados a conhecer cada promotor e assessor em cena, tão pouco seu papel individual no quadro geral.

Se o filme falha em mostrar o evento em si, há de se imaginar que ao relação principal escolhida por ele como foco seria explorada nos mínimos detalhes, certo? Errado. Os diálogos rasos, e o foco em trivialidades ao invés de ações reais, impede que uma relação verdadeira, e um quadro detalhado das personalidades do terapeuta e do nazista sejam apresentados. O roteiro constrói uma admiração do Kelley por Göring que raramente é justificada. Talvez por sua firmeza moral, ainda que uma moral cruel.

Göring se mantém firme em suas convições por quase todo o tempo. Mas seu destino real (não é spoiler, ele cometeu suicídio antes da execução) põe essa firmeza à prova. Foi covardia ou necessidade de controle? De qualquer forma Russell Crowe personifica muito bem essa figura imponente quase mítica, ainda que o roteiro não ajude.

Já Rami Malek segue o extremo oposto. Tentando nos convencer com muitas caras e bocas para mostrar que o personagem tem muito conhecimentos e percepções que ele não tem. Ao ponto de que concordamos com seus superiores, quando estes convocam um segundo terapeuta diante do trabalho duvidoso de Kelley. O auge são os momentos em que o personagem escreve em seu diário, atuando como se ouvisse a narração ao fundo.

O restante do elenco traz esforços de Michael Shannon, Richard E. Grant e Leo Woodall fazendo o possível com o que o roteiro lhes oferece. Roteiro este que é um tanto confuso quanto a mensagem que quer passar. Ao mesmo tempo que tenta humanizar Göring, também recorre para imagens reais dos campos de concentração para mostrar a crueldade desses homens.

Crítica o espetáculo em torno do julgamento, enquanto cria o mesmo espetáculo a partir do mesmo evento. Usando inclusive imagens de vítimas sem nome, enquanto nomeia os vilões. Tenta mostrar que outras nações também cometeram (e ainda cometem crimes de guerra) ao apontar Hiroshima e Nagasaki, mas desiste no caminho. Claramente James Vanderbilt quer passar alguma mensagem, só não decidiu que mensagem é essa.

Para não dizer que não há nada de positivo no filme, a reconstrução de época é impecável. Dos figurinos, passando pela Nuremberg devastada, e principalmente a recriação do tribunal em seus mínimos detalhes. Filmado em alguns momentos com ângulos que se assemelham aos dos registros reais, para reforçar a exatidão da recriação.

Infelizmente reconstrução de época bem executada, boa atuação de Russel Crowe e coadjuvantes infelizmente não são suficientes para entregar um bom filme. Assim como uma mensagem confusa pode ser muito mais prejudicial que o desconhecimento total da história. E nem mencionei as alegações de que o livro base, não é tão calcado na realidade quanto deveria. Nuremberg é frágil, confuso e beira o desserviço. Certamente há obras melhores retratando esse evento tão importante da história mundial.

Nuremberg
2025 - EUA - 148min
Drama histórico

Devoradores de Estrelas

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Mon, 23 Mar 2026 20:59:00 +0000

Vá assistir sabendo o mímino possível, e assista na maior tela e melhor som que encontrar! Isso é tudo que você precisa saber antes de ir assistir, e tirar o melhor proveito imaginável, desta ficção-ciêntifica estrelada pelo Ryan Gosling. Se você já viu, está curioso demais para esperar, ou realmente não tem expriencias arruinada por conhecimento prévio, te convido a refletir comigo sobre Devoradores de Estrelas.

O protagonista (Ryan Gosling) acorda sozinho em uma nave espacial após anos de coma induzido. Sem saber quem é, porque está ali, o que deve fazer agora, e sem ninguém a quem perguntar, junto com o público vai descobrindo - ou relembrando - estas respostas gradualmente, enquanto se aproxima de sua missão.

O professor de ciências do ensino fundamental chamado Ryland Grace, foi enviado à uma estrela distante para descobrir porque nosso Sol está morrendo e assim salvar a vida na Terra. O restante da tripulação não sobreviveu à viagem, e o cientista está longe de parecer o herói astronatua que salvará o mundo. Mas tudo muda quando Grace inesperadamente encontra companhia em sua missão. Uma jornada de empatia e similaridades entre seres completamente diferentes,

Descobrir ao longo da projeção é mais interessante, e foi o que eu fiz. Mas os trailers já revelam a presença de Rocky, um alienígena rochoso que está em missão similar à de Grace, compreender o que está acontecendo com as estrelas e salvar seu planeta. É a presença dele que torna esse filme único, aquinda que formado por referências.

Rocky e Grace vão contra as expectativas e passam longe da rivalidade. Ambos solitários se esforçam para se comunicar e trabalhar juntos para o bem mútuo. Trocam conhecimentos, experiencias de vida e aplacam a solidão um do outro no processo de salvar seus mundos através da amizade.

É aí que o filme aproveita referencias de obras que vieram antes para construir sua própria autenticidade. Tem a complexidade científica de Interestelar, mas a didática acessível e otimismo de Perdido em Marte, colocando literalmente um professor de primário para tornar tudo mais palatável. Um processo de compreensão de linguagem mais simples que A Chegada, mas igualmente interessante. De 2001: Uma Odisséia no Espaço, tem a bela e assustadora vastidão do universo. E a doçura de uma amizade interplanetária como a de Eliot e E.T. Ah, tem também uma referência à Contatos Imediatos do Terceiro Grau, mas aí foi só uma piadinha mesmo.

Referências que não são gratuitas, ou mero fã-service, mas sim uma sutil homenagem. Mesmo porquê, a partir delas, o filme tem sua própria maneira de explorar os temas que escolheu discutir, solidão, propósito, conexões e sacrifício. Todos apresentados em um paralelo equilibrado entre o presente, a missão, e o passado que mostra como um simples professor se tornou a última esperança da humanidade.

Na Terra uma década antes, Grace não tinha propósito, nem por quem salvar o planeta. Vai encontrar esse alguém anos luz de distância, em uma missão completamente desacreditada. Mostrando que quem você é, e por quem luta, tem muito mais a ver com suas relações do que consigo mesmo. Não atoa, quando acorda sozinho na nave, ainda no início do filme, suas primeiras falas são: Quem eu sou? E o que estou fazendo aqui? - Ao final da jornada, ele conhece muito bem as respostas.

Visualmente deslumbrante (por isso a dica de assistir na melhor tela possível), o filme acerta em mostrar a beleza e principalmente a vastidão do universo. Complementando muito bem o tema de solidão explorado no filme. É claro que diante de tamanos "nada", encontrar qualquer outra forma de vida, seria extasiante. Rocky e Grace não teriam outra reação, que não se encantar um com o outro.

Na Terra, conforme o processo de extinção avança, o mundo fica menos colorido, menos vivo. Saindo da colorida e cheia de crianças curiosas sala de aula do protagonista, para uma base isolada, eternamente nublada e povoada por pessoas preocupadas e uniformizadas.

Mas é a criação de Rocky e seu mundo a parte mais interessante. Desde o design da nave, até a compreensão do mundo que abrigaria tais criaturas, e que tipo de tecnologias seriam criadas por eles. Tudo único o suficiente para gerar nosso interesse imediato, mas não tão complicado que precise parar o filme para explicar. Mesmo porquê o filme já é bastante longo sem isso.

Cerca de duas horas e quarenta que não passam voando. A gente sente sim, a longa duração, mas o roteiro é tão equilibrado que ficamos contentes pela história não se apressar. Gostamos de acompanhar a evolução da dupla, enquanto os flashbacks na Terra, fornecem bem vindas pausas para contextualização.

Já a trilha sonora é eficiente. Passa a emoção sem desviar o foco para si mesma, mas brilha de verdade nos momentos e ausência. O silencio bem pontuado, aumenta a tensão e deixa o expectador sem fôlego.

No elenco junto com Gosling, estão a excelente Sandra Hüller, e James Ortiz dando vida ao carismárico Rocky. Além de participações menores de Lionel Boyce, Milana Vayntrub e Ken Leung.

Baseado no livro de mesmo nome de Andy Weir, que também escreveu Perdido em Marte. Devoradores de Estrelas tem também o mesmo roteirista do filme de Matt Damon, Drew Goddard. Logo não se surpreenda com o tom familiar, e o protagonista carismático. Apesar das semelhanças o filme estrelado por Ryan Gosling, tem identidade e discussões própias.

Traz um escopo grandioso, o universo, mas é uma história intimista. Tem ciência complexa, mas didatica simples. Usa a extinção de vários mundos para falar de isolamento, solidão e conexão, sem mostrar mortes ou devastação. Pelo contrário, com muito bom humor e doçura. Tudo isso com personagens carismáticos, e um ritmo equilibrado que nos leva para uma longa e deliciosa viagem pelo espaço.

Devoradores de Estrelas (Project Hail Mary)
2026 - EUA - 160min
Ficção-científica, Drama

Velhos Bandidos

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Fri, 20 Mar 2026 18:49:52 +0000

"Ah, porque o cinema nacional só tem filme de favela e ditadura!"- Óbviamente uma frase repetidamente emitida por quem desdenha e/ou desconhce nossa sétima arte. A gente faz de tudo um pouco sim! Inclusive sub-gêneros que Hollywood já explorou a exaustão, mas com a inovação de ter o nosso "jeitinho brasileiro". Velhos Bandidos é um excelente exemplo disso, um filme de assalto, com muita comédia e um elenco incomparável.

Nancy e Sid (Bruna Marquezine e Vladimir Brichta) vivem de pequenos golpes. No momento, assaltando residências de idosos que estão viajando. É em um desses esquemas que suas vítimas Marta e Rodolfo (Fernanda Montenegro e Ary Fontoura) os recrutam para um grande assalto à banco.

É verdade, não há muito segredo ou novidade à partir daí. Como é comum no sub-gênero de filmes de assalto, acompanhamos os preparativos e a ação, enquanto os personagens contornam problemas e tentam passar a perna uns nos outros. Mas se nunca enjoamos disso em produções estrangeiras, não há porquê não gostarmos da versão nacional. Especialmente pelas particularidades e o humor que apenas um filme nosso proporciona.

Desde a piada com os nomes americanizados do casal jovem, que na verdade são apelidos para nomes bastante nacionais, Edinanci e Sidiney. Passando por cenários reconhecíveis, até a ousadia inusitada do casal de "velhos bandidos".

E por falar neles, é o casal protagonista mais velho o ponto alto da produção. Fernanda Montenegro e Ary Fontoura se divertem ao circular entre o semblante inofensívo de nonagenários, a esperteza, coragem e a urgência de criminosos e a relação de mentoria com o casal de novatos. Marquezine e Brichta acompanham, claramente honrados e se esforçando para acompanhar os veteranos. Relação coerente inclusive com o desenvolvimento dos próprios personagens.

Já Lázaro Ramos vive Oswaldo Aranha (confesso que não entendi se há correlação com o político e advogado de mesmo nome da primeira metade do século XX), um detetive esforçado, que além do trabalho lida com a doença grave da filha.

Praticamente um parque de diversões para veterano da nossa dramaturgia, Velhos Bandidos ainda conta com outras ilustres presenças no elenco. Reginaldo Faria, Vera Fisher, Hamilton Vaz Pereira, Teca Pereira, Nathália Timberg e Tony Tornado fazem boas participações especiais ao longo do filme.

De volta à trama, o roteiro segue sim um caminho bastante conhecido, inclusive com as esperadas reviravoltas no desfecho. Mas, sem medo de ser exagerado ou absurdo tira o melhor dessas "surpresas", que mesmo quando previsíveis divertem, seja pela ousadia, seja pelo carisma dos personagens. Marta, Rodolfo, Nancy e Sid acabam por construir uma relação de "aminimigos" divertida de acompanhar.

Já a comédia tem de tudo um pouco, piadas físicas, em bons diálogos, situações e até em meio a especulações. Como a cada vez que o plano é repassado ou atualizado, cenas de sua execução são mostradas novamente, tirando piadas diferentes da situação à cada nova rodada.

Velhos Bandidos pode até não ter a premissa mais original de todas, mas tem carisma, bom humor, capricho e um elenco de primeira linha completamente envolvido com o projeto. É o cinema nacional mostrando que também faz comédia e filmes de assalto tão divertidos quando Hollywood, mas sem legendas e com um tempero só nosso.

Velhos Bandidos
2026 - Brasil - 94min
Comédia, Assalto, Ação

Máquina de Guerra

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Wed, 18 Mar 2026 20:31:21 +0000

Afinal, quem em cena é a máquina de Máquina de Guerra? A ameaça oficial do roteiro, o protagonista incansável em sua batalha, ou a nação que ele defende e que trata seus homens como meros recursos. Essa é a dúvida que fica ao pensar um pouquinho mais sobre o longa-metragem da Netflix. E talvez este seja o erro, "pensar em demasia".

O protagonista vivido por Alan Ritchson é um militar que perdeu o irmão em combate, e agora tenta realizar o sonho que dividiam de ser um Ranger. Uma unidade de elite para operações especiais, segundo o que o filme mostra. Afinal ninguém é obrigado a conhecer a hierarquia do exército estadunidense.

Auto isolado, e extremamente focado, o protagonista chega à prova final ao lado de um seleto grupo, após um treinamento longo e extenuante. Mas essa missão em campo que deveria ser apenas um teste, se torna uma missão real de sobrevivência contra um inimigo desconhecido e imparável. O que rende boas cenas de ação, mas quanto ao desenvolvimento dos personagens deixa muito à desejar.

À começar pelo próprio protagonista com quem deveriamos ter empatia e fidelidade. Mas esse soldado sem nome, de fato o conhecemos apenas como 81, não consegue extrair interesse através de sua história de perda. Afinal o roteiro exige que sintamos falta de outro personagem sem nome, que vimos pelos dois minutos iniciais do filme. O peso da morte do irmão vivido por Jai Courtney (pois é, outro personagem sem nome) é até visivel, mas nunca de fato atinge o expectador. Existe a tentativa de construção de um personagem cheio de camadas, mas o efeito não é o esperado.

E por falar na ausência de nomenclatura, todo o batalhão que acompanhamos é assim. 07, 15, 44, 60 e outros números irônicamente conseguem conquistar nossa atenção com mais facilidade, uma vez que são unidimensionais, representados apenas por alguma característica mais marcante. O líder sensato, o falastrão, "ué esse é mulher né?", o rosto conhecido de The Flash, e por aí vai... (Stephan James, Blake Richardson, Alex King e Keiynan Lonsdale respectivamente).

É essa ausência de nomenclatura que gera o primeiro questionamento que mencionei no primeiro parágrafo deste texto. A máquina do título é de fato o robô imenso que os humanos enfrentam, ou os proóprios humanos, treinados à exaustão para serem imparaveis, e descartáveis. Sem nomes, com pouca história e vontades, seguem cegamente suas ordens, e o objetivo maior de proteger os Estados Unidos.

Já o outro questionamento é se o título se refere ao país em si. Altamente bélico, o cenário mundial não nos deixa mentir, usa as artes como propaganda de guerra. Enquanto trata homens como parte de sua máquina de lucro e poder.

Não que o filme tenha a intenção de fazer estes questionamentos. A discussão é um mero acidente de percurso. A produção está interessada mesmo em mostrar que seu diretor Patrick Hughes, e seu astro Alan Ritchson estão aptos à fazer grandes produções de ação. E que a Netflix pode ser uma parceira das forças armadas estadunidenses.

O problema é que apesar de bem executadas, povoadas por personagens genéricos, as sequencias são também genéricas. Alan Ritchson não se destaca como astro de ação, de sua aparência e caracterização de "milico padrão" também não ajuda. Na verdade, passei o filme todo pensando que estava assistino Sam Worthington, e que as poucas diferenças que notava no astro de Avatar vinham do fato de ele não estar azul.

Aliás, mencionei que tecnicamente o filme é uma ficção-ciêntifica? Mas não se empolgue a nomenclatura, assim como os nomes dos personagens, é um mero rótulo ganho por um ou outro elemento de sci-fi. O filme é uma produção de ação e guerra que por acaso tem um robô gigante alienígena. Ops, isso deveria ser uma surpresa do roteiro! Desculpe pelo spoiler, mas acredite, saber essa informação de antemão não faz muita diferença.

Dennis Quaid é o veterano famoso da vez. Um dos poucos personagens com nome, seu General Sheridan existe apenas como ponto de validação tanto do protagonista, quanto do filme. Em cena como veterano que apostou no recruta problema, fora de cena como veterano que apostou no astro em ascenção. Não convence em nenhuma das duas tarefas.

Máquina de Guerra ensaia falar de temas como perda e superação, mas é atropelado pela vontade de ser um grande filme de ação. Até consegue entregar sequencias divertidas, mas não vai muito além da propaganda de guerra estadunidense extremamente esquecível. Se conseguimos tirar alguma reflexão dele é mérito do expectador, que escolhe refletir em que mundo o filme estreou, mas não uma intenção proposital e genuína da obra.

Máquina de Guerra (War Machine)
2026 - EUA - 106min
Ação, Guerra

Labirinto (o livro)

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Mon, 16 Mar 2026 17:59:00 +0000

É, aparentemente, estou em uma faze literária! Melhor aproveitar enquanto dura, embora alguns livros parecem existir para nos lembrar, que em algumas raras vezes, o cinema é melhor. Foi o caso de Labirinto de Jim Henson e A.C.H. Smith, publicado pela sempre caprichosa Darkside.

Assim como no filme de 1986, acompanhamos a adolescente Sarah que chateada por ter que tomar conta do irmão caçula, finge oferecer o bebê para o Rei dos Duendes. O que ela não esperava era que Jareth realmente aparecesse e levasse o pequeno Toby. Desesperada para ter o irmão de volta, ela tem treze horas para chegar ao castelo da Cidade dos Duendes que fica no centro do labirinto e resgatar a criança roubada.

No caminho encontra perigos, aliados e um mundo fantástico que não deixa nada a dever para o País das Maravilhas de Alice. Enfrentando uma jornada de amadurecimento e aceitação. Especialmente de sua nova família, com irmão e madastra, já que a mãe preferiu seguir com a carreira, e seu parceiro de palco.

Não sei se já mencionei aqui, mas o filme Labirinto - A Magia do Tempo é um dos filmes que construiu minha cinefilia. Logo, tento colocar as mãos em qualquer item relacionado ao filme que encontrar. E a bela edição da novelização do filme é um dos que corri para adiquirir. Uma pena que o conteúdo não fez jus às expectativas.

Acontece que a obra assinada por A.C.H. Smith é quase uma transcrição literal do filme de Jim Henson. Com poucas adições, seja à construção de mundo ou bagagem dos personagens. Diferente, por exemplo, da versão literária de Os Goonies, que aproveita o espaço que o livro proporciona para expandir o universo, contar detalhes e explicar coisas que não cabem num filme de duas horas. A não ser por poucas informações do paradeiro de sua mãe, tudo que está nas páginas pode ser visto no filme.

Outro agravante parece meio óbvio, mas faz toda a diferença: livro não tem som! Parte do charme de Labirinto passa pelas canções escritas e interpretadas por David Bowie. É inevitável não sentir um vazio, e empobrecimento do espetáculo nos trechos onde as músicas entrariam. Assim como a ausência dos bonecos.

Para quem não sabe, ou não lembra, Jim Henson além de cineasta era um marionetista. É ele o responsável pela criação dos Muppets e Vila Sésamo, por exemplo. Assim, seu labirinto é habitado apenas por duas figuras humanas, os demais são uma variada população de criaturas, desde pessoas com grandes trajes, passando por animatrônicos até os tradicionais marionetes animados com uma mão por dentro. Um nível de criatividade sem igual, quem lembra do poço das mãos ajudantes que formam rostos?

Tudo isso fica à cargo da imaginação, ou da memória no caso de quem assistiu ao longa. O final do livro traz notas, rabiscos e rascunhos (artes conceituais na verdade) de Henson para a produção. O que seria uma adição maravilhosa se disposta com certo trabalho e contexto. Não apenas páginas meramente replicadas ao fim da obra. E nem vou mencionar a possibilidade de inserir projetos e esboços ao longo do livro, completando a história.

Apesar de ainda adorar ter uma cópia de Labirinto igualzinha a de Sarah em minha estante. E a Darkside nunca decepciona no quesito encadernação. Confesso, esperava mais do livro Labirinto. De fato, talvez o roteiro impresso fosse mais honesto e até interessante do que a transcrição quase literal que A.C.H. Smith entregou.

Labirinto
A.C.H. Smith
2016 - Darkside

Todo Dia

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Thu, 12 Mar 2026 18:06:00 +0000

Se perguntadas, a maioria das pessoas dirá que ama seus p\rceiros românticos por quem são, sua personalidade, carater, alma. Entretanto, na prática, muitas vezes gênero e aparência contam muito nessa matemática de relacionamentos amorosos. É essa dicotomia tão cotidiana que David Levithan explora em seu romance juvenil Todo Dia.

"A" acorda todo tia em um corpo diferente. Sempre alguém da mesma idade que acredita ser a sua, no momento dezesseis anos. Com memórias próprias, também consegue acessar as lembranças de seus hospedeiro para conseguir navegar por suas vidas ao longo do dia. Muito consciente do impacto que tem na vida daqueles que habita, tenta evitar grandes mudanças ou prejuízos.

Mas, tudo muda quando ele acorda no corpo de Justin e conhece sua namorada Rhiannon. A conexão com a jovem é imediata, à ponto de mudar a rotina de ambos, que matam aula e dividem um dia perfeito na praia. À partir daí, nosso protagonista sem corpo quebra as próprias regras de não atrapalhar a vida alheia e passa todos os dias tentando reencontrar a moça. Até finalmente criar coragem de contar sua condição, e conseguir convencê-la da verdade.

Então acompanhamos um romance juvenil surpreendente, onde além das dificuldades físicas para se encontrar, já que a cada dia "A" está em uma casa e até cidade diferentes. Rhiannon precisa lidar com o fato de sua pessoa amada ter um novo rosto, corpo e gênero a cada dia. É aí que a história nos faz questionar, o que de fato amamos em alguém.

Sem hipocrisia ou romantizar a situação, a mocinha admite, há dias em que se sente mais ou menos atraída "A", embora o ame em todas as suas versões. Insinuando que o amor é sim independente de aparência, mas a atração não. E a forma como encara isso pode ser determinante para o romance. Até porquê, mesmo com uma "pessoa normal", ao longo do tempo sua aparência pode mudar. O quanto essa mudança interfere em seus sentimentos por ela?

Ao mesmo tempo que tenta construir esse romance impossível e pondera suas possibilidades de futuro, "A" ainda tem que lidar com as consequencias de uma vida que influenciou ao habitar o corpo. Nathan sabe que foi "possuido", atribui o evento ao demônio e busca por respostas que o protagonista simplesmente não tem. Esta relação até rende frutos, o protagonista obtém algumas informações sobre sua condição, mas nunca respostas o suficiente.

Também sobra tempo para se colocar no lugar do outro, exercitando a empatia ao extremo. Ao acordar em uma pessoa diferente a cada dia, o protagonista também conhece suas angústias e dificuldades. De patricinhas com a vida perfeita, à jovens submetidos ao trabalho análogo à escravidão, e com pensamentos suicidas, nos colocamos junto com o protagonista na realidade de cada um deles. Realidades que geralmente não compreendemos apenas conhecendo as pessoas, é preciso estar em sua pelo para entender completamente.

Nunca compreendemos completamente quem o o quê "A" é. O romance não está preocupado em explicar, mas sim observar as possibilidades, dificuldades e discussões geradas por essa existência. E por mais que quiséssemos saber, e queremos muito, a incógnita é sim a melhor escolha. Já que as reflexões que ela gera são tão profundas quanto únicas.

O texto de David Levithan é fluido e ágil. Acompanhando o ponto de vista de "A" , sempre determina com facilidade, as caracterista de suas novas cascas, em perder a essência desta consciência ambulante. No filme de 2018, por exemplo, essa perspectiva precisou ser mudada para manter a coerência, vêmos boa parte da história pelos olhos de Rhiannon. Tornando-a a âncora narrativa que mantém o personagem principal constante e coerente. Tem crítica do filme no blog, clique aqui para ler!

Todo Dia pode parecer mais um romance juvenil, mas é muito mais complexo que isso. Com uma premissa surpreendente, levanta questionamentos únicos, que vão muito além de seu público. Compreender porquê amamos quem amamos. Entender como os outros nos vêem, como impactamos a vida de terceiros, e o peso da aparência em nossas relações. Debates complexos disfarçada de namoro adolescente, que deve colocar jovens a adultos para pensar. O que podemos pedir mais?

Todo Dia
David Levithan
2012 - Editora Galera

Amanhecer na Colheita

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Mon, 09 Mar 2026 20:46:00 +0000

Desde Em Chamas, quando descobrimos que os Jogos de Haymich Abernaty foram um Massacre Quaternário, os fãs leitores imploravam pela história completa. Havia até versões de fãs no YouTube imaginando a história à partir das poucas informações que tinhamos na saga de Katniss. Quando Suzanne Collins finalmente decide contar esta história, ela é ainda mais empolgante do que imaginávamos.

Quarenta anos após os eventos de A Cantiga dos Pássaros e das Serpentes, e 24 anos antes de Jogos Vorazes acompanhamos a 50° edição do massacre de joves promovido pela capital através dos olhos de outro jovem do Distrito 12.

Haymitch Abernathy, de 16 anos, vive com a mãe e o irmão mais novo. Ajuda a sustentar a casa e morre de amores pela namorada Lenore Dove. Os Jogos Vorazes ainda não são a máquina de matar disfarçada de espetáculo quase impecável que vimos Katniss participar, mas já estão bem longe do "circo improvisado" vencido por Lucy Grey. Embora não longe o suficiente para não ter falhas e trapalhadas.

É em um desses desperparos que torna nosso protagonista um tributo, em uma edição comemorativa de cinco décadas que ceifou o dobro de crianças de cada Distrito. Mas, à essa altura Haymitch é bastante diferente do bêbado desesperançoso que encontramos em sua fase adulta. Ele ainda tem a fagulha de esperança e o ímpeto de se rebelar que verá no futuro em Katniss.

Assim, ele se une a outros rebeldes na tentativa de desmascarar a Capital de dentro dos jogos. Além de seguir o ousado plano de Beete (sim aquele mesmo que conhecemos no segundo livro), ainda precisa sobreviver na arena mais belamente hostil já criada e lidar com os demais tributos, aliados e inimigos.

Sabendo que não esperamos final feliz, já que o futuro do protagonista é conhecido, a autora não teme trazer consequências drásticas para as ações ao longo da trama. Talvez o mais trágico dos livros, a jornada constrói com clareza a personalidade que conhecemos de Haymitch no futuro. As razões para sua bebedeira, isolamento e desesperança.

Seu discurso de que os Jogos nunca terminam para os vencedores, se prova verdadeiro. Tecnincamente e principalmente, para o público, ele ganhou o segundo Massacre Quaternário, mas perdeu todo o resto. Se tornando um recurso eternamente disponível, um prisioneiro em uma gaiola dourada ou, no caso, em uma Vila de Vitoriosos deserta. Que será resgatado sempre que a Capital precisar. Seus esforços na arena e suas perdas fora dela, completamente editados ou apagados pelo governo.

É essa manipulação o tema central deste livro. A forma como ditaduras escolhem e criam narrativas. Mentem e desviam o foco para manter as massas sob controle. Collins certa vez afirmou que só voltaria a escrever sobre este universo, se acreditasse que o mundo precisava ouvir uma mensagem. Novamente ela é cirúrgica em sua escolhas de temas. Afinal, não temos nenhum líder mundial bombardeando países para desviar atenção de seus próprios escândalos, né?!

Além do protagonista, outras figuras conhecidas retornam à cena. Algumas como meros easter-eggs, como a presença do Bando de Lucy Grey, e as versões jovens dos pais de Katniss. Outros com mais funções na trama, como Plutark, Mags e Wiress. Descobrimos como Effie Trinket começou a se envolver nos jogos. Enquanto Beettee tem uma jornada própria paralela.

Entre os novatos se destacam o filho de Beetee, Ampere. E os demais tributos do Distrito 12, Louella McCoy, Wyatt Callow, que dá uma perspectiva nova sobre como os cidadãos comuns lidam com os jogos, e Maysilee Donner uma patricinha atrevida que é a dona original de um dos maiores símbolos da franquia.

Amanhecer na Colheita é provavelmente o melhor dos cinco livros do universo de Jogos Vorazes. A escrita de Suzanne Collins se aprimora a cada novo volume, assim como a compreensão das mensagens que deseja passar. A jornada de Haymitch se encaixa perfeitamente entre os capítulos anteriores da história. Mostra bem a evolução daquela sociedade, da luta e indignação que culminação na revolução e principalmente da máquina de manipulação midiática que é os jogos. Se tem um final relativamente conhecido, compensa com personagens carismáticos, e com as surpresas no caminho para este desfecho.

Nunca um pedido dos fãs superou tanto nossas expectativas. É dinâmico, tenso, empolgante, impossível parar de ler. É fácilmente, meu favorito, de uma saga sem títulos fracos!

Amanhecer na Colheita (Sunrise on the Reaping)

Suzanne Collins
2025 - Rocco

Leia críticas de todos os filmes, livros e diversas curiosidades da franquia Jogos Vorazes!

CINDERELA: Escolha a sua favorita!

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Fri, 06 Mar 2026 20:16:00 +0000

Ela é, provavelmente, a princesa com mais versões para o cinema e TV. O clássico conto da Cinderela vem sendo renovado e conquistando gerações ao longo de décadas. E por isso, cada um tem sua versão favorita.

Então, resolvir listar das dez mais icônicas (na minha humile opinião). Lista as suas também nos comentários!

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Bridgerton - 4ª temporada (Vol.2)

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Thu, 05 Mar 2026 14:12:00 +0000

Querido e gentil leitor, quando resenhei a primeira metade da quarta temporada de Brigerton, expressei a esperança que a metade final da narrativa, corrigisse alguns problemas de ritmo e foco. O que para meu desgosto, não aconteceu. Mas isso não significa que a história do segundo irmão Bridgerton não tenha sido capaz de entreter, envolver ou divertir. Ela cumpre estes requisitos cruciais sim, apenas dexia a impressão de que tudo poderia ser mais afinado.

Logo após a proposta indecente de Benedict (Luke Thompson) à Sophie (Yerin Ha), não resta opção à moça a além de fugir do rapaz. O que obviamente não dá muito certo, e o envolvimento apenas aumenta deixando a moça já cheia de segredos, agora também com incertezas. Dúvidas essas que se desenrolam de forma extremamente lenta, acumulando todo embate final e resolução para o último episódio. Resultado? Desenvolvimento lento, seguido de desfecho extremamente corrido.

Tudo causado pelo desequilíbrio gerado pelo foco dividido que mencionei na crítica da primeira parte. O romance principal precisa não apenas dividir tela, mas esperar para que as narrativas paralelas alcance momentos necessários. Coisa que boas novelas brasileiras fazem com maestria, mas a muitas séries gringas tem dificuldade. Trabalhar bem os núcleos.

Assim, enquanto as histórias futuras de Eloise, Hyacinth e Gregory (Claudia Jessie, Florence Hunt e Will Tilston) ganham apenas indícios de desenvolvimento. Já Franchesca (Ruth Gemmell), ganha desenvolvimento complexo, cheio de metáforas e indicios interessantes. O mesmo vale para a libertação sexual e romantica de Violet (Hannah Dodd) e a relação de amizade entre a Rainha e Lady Danbury (Golda Rosheuvel e Adjoa Andoh).

Todas curiosamente com um tema em comum, o luto! Seja de forma mais direta com a perda recente de um marido. Mais sutil como o luto do distanciamento físico de uma amizade. Ou ainda a superação deste sentimento, e a busca por novos relacionamentos. Sophie e Araminta Gun (Katie Leung) também entram nessa equação. A mocinha sente a perda do pai e o sentimento de abandono oriundo dela. Enquanto a madrasta má tenta não desabar sob o peso de uma viuvez dupla, sem cumprir a tarefa de fornecer herdeiros homens, e a vida de dificuldades qu isso acarreta.

Mas calma, não o fato do luto ser um tema recorente, não implica que esta temporada seja triste. Apenas um pouco mais tematicamente corajosa, diante da proposta inicial de ser um romance leve e picante. E apesar do desvio de foco, a forma de trabalhar essas diferentes tramas é bastante interessante.

Interessante também é finalmente ver o casal Mondrich (Martins Imhangbe e Emma Naomi) começar a encontrar relevancia na trama. Herança da primeira temporada eles traçaram um caminho improvável para a alta sociedade. E agora, com a saída de Lady Danbury (sentiremos falta dela!) e as especulações que seu filho seria o par de Hyacinth no futuro, sua existencia parece começar a ter propósito.

A "DowntonAbbeytização" desta temporada também foi uma divertida surpresa. Ok, as histórias dos empregados aqui não chegam a ser tão complexas quanto as da aclamanda série britância, mas é interessante ver um pouco mais dos bastidores dessa vida de luxo. Enquanto consegue um motivo para manter a Lady Featherington (Polly Walker) na história.

Quem também conseguiu uma participação inesperada foi Créssida (Jessica Madsen). Lembra que senti sua falta na primeira metade da temporada. A patricinha malvada vem para encontrar redenção, paz e entregar os looks mais divertidamente absurdos da temporada.

E por falar em figurino, nem preciso dizer que a série vem entregando visuais mais bonitos a cada temporada. Nesta, as fantasias do baile de máscaras foram o ponto alto. Outro destaque são os imponentes vestidos de madrasta má-viúva de Araminta. Já as canções instrumentalizadas não me chamaram atenção. Mas talvez seja uma falha minha, por não estar antenada com os hits do momento.

Faltou ainda falar dos penduricarios. Personagens que precisam estar lá apenas para manter a coerência mas não tem muita função na história. Leia-se casais das temporadas passadas. Dafne e o Duque são mera lembrança. Anthony, Kate e Colin (Jonathan Bailey, Simone Ashley e Luke Newton), apenas batem ponto. Enquanto Penélope (Nicola Coughlan) vem apenas se despedir de sua versão de Lady Whistledown. Sua subita popularidade e a dificuldade de obter fofocas são divertidas, uma pena que pouco exploradas.

E sobre nossa fofoqueira preferida, ela ganhou uma nova autora misteriosa. As apostas sobre sua identidade estão na mesa. Eu acredito que seja Hyacinth, em busca da própria identidade, e temendo que ninguém comente seu debute. E você, quem acha que é?

Então, querido e gentil leitor, quarta temporada de Bridgerton não é infalível! Mas graças ao nosso apego prévio ao universo, a boa química do casal da vez, o conforto de uma história conhecida, no caso a da Cinderela, antende a maioria das expectativa. E entrega aquela maratona gostosa que esperamos a cada novo ano. O que é mais que o suficiente!

Leia a crítica da primeira, segunda e terceira temporadas de Bridgerton, da primeira metade da quarta temporada e da minissérie derivada Rainha Charlote!

Todas as temporadas tem oito episódios com cerca de uma hora cada, e as três primeiras estão completas na Netflix.

Cara de Um, Focinho de Outro

noreply@blogger.com (Fabiane Bastos) — Mon, 02 Mar 2026 18:24:00 +0000

"Gente, isso é tipo Avatar!" - A simplificação da protagonista de Cara de Um, Focinho de Outro que está até nos trailers, diz muito sobre o mais recente filme da Pixar. Primeiro deixa claro que a obra não tem medo de fazer graça consigo mesma. E segundo, e mais interessante, é que tudo bem a história não ser super original, se a execução for bastante criativa!

Mabel é uma jovem univesitaria, amante da natureza que tem um elo forte com uma clareira da sua cidade. E desde que descobriu que a Clareira do Castor será ocupada por uma rodovia criada pelo prefeito Jerry, ela briga solitária e inutilmente para interromper as obras. Até a invenção de uma de suas professoras muda suas chances.

A tecnologia dos Saltadores permite que humanos habitem animais robóticos, para poderem se misturar aos reais e assim estudá-los, sem interferir no ciclo natural. É claro que a mocinha vê uma utilidade muito mais urgente, unir os bichos para salvar a clareira.

Então sim, é realmente parecido com avatar! A diferença está no humor, leveza e capacidade de rir de si mesmo. A começar pela personalidade obsessiva e enérgica da protagonista, que já rende bons momentos em sua forma humana. Mas principalmente quando a moça assume sua forma animal, um fofo castor. É aí que o mundo se expande e ganha personalidade.

Enquanto visto pelos olhos humanos, os animais são belos, mas genéricos. Quando vistos da mesma perspectiva, a partir da Mabel-castor, ganham características físicas próprias e personalidades. Além de se comunicar e terem suas próprias sociedades.

Sem medo de ser louco, o roteiro permite que a bicharada corra solta, e tome as decisões mais radicais e inesperadas em sua luta contra os humanos. O que inclui embates internos, reviravoltas surpreendentes, planos mirabolantes, soluções absurdas, e até umas pitadinhas de terror. Nada apavorante, mas como é delicioso encontrar filmes que não subestime, nem tenha medo de desafiar um pouco os nervos das crianças. Elas também gostam de um medinho ou outro.

Tudo isso, enquanto aproveita para fazer referências inevitáveis à outras obras com animais, como Os Pássaros e Tubarão. E até à obras inesperadas. Certeza que tem fãs de Game of Thrones nos bastidores. Mas isso é para os adultos que acompanham a molecada. Para os pequenos, o filme traz animais fofos e carismáticos. E que, por serem animais, tem permissão de agir de forma mais ingênua e infantil, rendendo excelentes piadas para os pequenos.

E como não dá para existir só de referências e piadas. A protagonista Mabel lida com luto, obcessão, consequencias, reparação e perdão. E boas mensagens ecológicas são passadas. Alguns talvez se incomodem com a redenção de um personagem. Mas como o filme não tem medo de eliminar outros, não vejo como uma escolha covarde, ou lição de moral gratuita.

No elenco de vozes, o elenco original traz nomes como Jon Hamm, Dave Franco e Meryl Streep. A versão brasileira tem como destaques as participações especiais das famosas Renata Sorrah eThaís Fersoza. Enquanto nossos experientes dubladores entregam o bom trabalho de sempre.

Outro bom trabalho de sempre, é a qualidade de animação da Pixar. Na grandiosidade dos eventos do clímax, criação de personagens. E especialmente na construção do universo animal, na variação entre as versões dos bichos, vistos por olhos humanos e animais.

Cara de Um, Focinho de Outro pode tem criatividade e principalmente, coragem de sobra! Essa coragem de seguir caminhos inesperados, e buscar soluções criativas para os problemas que estes caminhos levam, resgatam o que há de melhor na Pixar, a criatividade. Ainda que o argumento não seja original.

Uma bela mudança, já que geralmente as salas de cinema estão povoadas de obras com boas idéias, mas execuções pífias que desperdiçam seu potencial.

Cara de Um, Focinho de Outro (Hoppers)
2026 - EUA - 105min
Animação, Aventura, Comédia