Acordes y Puas

Rolo Sartorio, líder de La Beriso y la emoción desgarradora en "Cómo olvidarme"

noreply@blogger.com (Carlos) — Thu, 29 Nov 2018 15:59:00 +0000

La profunda tragedia personal del líder de La Beriso está protagonizada por sus hermanas, Mariana y Marcela. Mariana murió hace 11 años, cuando tenía 35, era licenciada en marketing y empleada en una compañía de celulares. Marcela trabajaba con el padre de Rolo en una oficina en el puerto y tenía 42 cuando falleció, en enero de 2007. En poco más de dos años, el cáncer se llevó a las dos.

Link original Nota completa en "La Capital"

Amigos como tú y yo (Amaury Pérez)

noreply@blogger.com (Carlos) — Tue, 19 Jul 2016 23:01:00 +0000

Amigos como tú y yo

(Amaury Pérez)

Amigos como tú y yo

volverán a encontrarse

por cualquier inventado rincón

que el instante desande.

Tal vez otra mañana de sol

cierta o imaginada

con muy poco brillo en la voz

y añeja la mirada;

pero amigos como tú y yo

conocen la llamada.

Amigos como tú y yo

volverán a acercarse,

subirán al celeste escalón

sin apenas tocarse.

Despertarán al duende patrón

de las cosas perdidas

reclamándole olvido y adiós

para las despedidas;

porque amigos como tú y yo

desbordan lejanías.

Amigos como tú y yo

volverán a juntarse,

la distancia propicia, un olor

que ni el tiempo deshace.

Compartirán más tarde el sabor

a domingo y nostalgia

y mantendrán a punto el vapor

para las añoranzas:

es que amigos como tú y yo

son milagros del alma.

(1991)

Los Carabajal, una leyenda viviente

noreply@blogger.com (Carlos) — Mon, 11 Jul 2016 00:10:00 +0000

Los viernes de Mayo en el Teatro del Viejo Mercado, a puras zambas y chacareras, "Los Carabajal" desandaron la senda exitosa de su canto y dejaron sentado que son desde hace MEDIO SIGLO uno de los máximos exponentes de nuestra música folclórica.

Decir Carabajal es decir Folclore.

Pero del mas autentico, del mejor, del que anida en el alma del pueblo, donde vive esta increíble familia de músicos y poetas de La Banda, Santiago del Estero.

Allá por 1967 se crea el conjunto con Agustín, Carlos, Cuti y Kali Carabajal. Al año siguiente se retira Carlos y se incorpora Mario "Musha" Carabajal, que tenia por entonces tan solo 14 años.

Con "Musha" en el Teatro del Viejo Mercado
Mayo de 2016

Después de varias modificaciones en su integración, actualmente la formación del grupo es Kali Carabajal, Mario "Musha" Carabajal, Walter Carabajal y Blas Sansierra.

Presentaron su nuevo álbum “HUELLA”, donde realizan un recorrido por distintos ritmos con su reconocido sello tan inconfundible.

A partir de su Santiago querido, realizan un viaje imaginario en su disco Nª 49, para proponer temas nuevos y propios: Gatito Del Verano de Kali Carabajal, Volver A Vivir y El Hombre Vive En La Copla de Musha Carabajal o Tiempo de mi infancia de Walter Carabajal entre otros, sin olvidar y rendir homenajes a referentes importantes de la cultura argentina con canciones que quedaron en el corazón, de Horacio Guarany en Si se calla el cantor, de Ramón Ayala donde participa y deja su voz en Canción del Iguazú, además Guitarra del alba y Los indios de ahora de Peteco Carabajal, Huella de Julio Argentino Jerez, Las cosas que he vivido de Cuti Carabajal . En el disco participan el Chaqueño Palavecino, Onofre Paz, Roberto Carabajal, Pablo Agri, Omar Cerasuolo, Juan Carlos Marín y Humberto Lafata.

Gardel en "La Guaira". Excelente material

noreply@blogger.com (Carlos) — Thu, 23 Jan 2014 15:27:00 +0000

Nuestro querido Hernan Sotullo, gran amigo, buen periodista, literato

y tanguero de ley, nos ha enviado este vídeo, que a la vez le fuera facilitado por un coleccionista.

El mismo muestra imágenes poco difundidas de Carlos Gardel llegando al puerto venezolano de La Guaira en su última y fatal gira.

Este video se difundió en un canal rosarino y el conductor era uno de los más populares locutores de esa ciudad: Raúl Granados, lamentablemete fallecido hace poco tiempo atrás, padre del conocido humorista Pablo Granados.

Lo publicita también el amigo Luis Alposta en sus excelentes "mosaicos porteños" insertos en su blog de tango, imperdible para todos los amantes de la música ciudadana.

Además, nos ha parecido sumamente interesante reproducir en forma textual, la crónica histórica que sobre el paso de Carlos Gardel en Venezuela ha realizado la UNSL en su pagina web (1) y cuya visita se torna casi obligatoria por resultar a nuestro juicio, una de las mejores y mas documentadas reseñas sobre la vida de nuestro zorzal criollo.

Nos remitimos aquí a esta historia en particular:

"Como parte de la gira que estaba realizando, Gardel estuvo en Venezuela desde el 25 de abril hasta el 23 de mayo de 1935, por lo que se puede afirmar que el Cantor pasó en este país el penúltimo mes de su vida.

El recibimiento

El jueves 25 de abril de 1935 Gardel llega al Puerto de la Guaira, procedente de Puerto Rico, en la motonave “Lara”.

Era un jueves inolvidable para millares de venezolanos. Una multitud, calculada en más de 3.000 personas, esperaba en los muelles desde las 9 de la mañana a “El Divino Carlos” como lo había bautizado la prensa desde días antes.

A las once y siete minutos bajó Gardel del vapor “Lara” Fue recibido por Luis Plácido Pisarello. Don Luis Plácido Pisarello, ciudadano argentino, con muchos años radicado en Venezuela fue el gestor directo de la visita de Gardel a Venezuela.

Una limousine estaba preparada para trasladar al ilustre visitante y en ella partió junto a sus guitarristas. Tanto fue el desborde popular que Gardel debió refugiarse en la fábrica de vidrios de Maiquetía. Allí bebió un refrigerio, calmando la sed impuesta por el calor reinante. Acompañado de sus guitarristas: Riverol, Barbieri y Aguilar, así como también de Le Pera, y tras sortear las dificultades que produjo el hacinamiento ocasionado por la multitud de admiradores, los viajeros lograron ser trasladados al hotel “Miramar” en Macuto.

Ahí es recibido por un grupo de más de cien mujeres, ante la sorpresa de los organizadores, ya que el almuerzo típico en el Hotel no había sido anunciado públicamente, para dar a los viajeros unas dos o tres horas de descanso. Gardel soporta los empujones y pellizcos de las damas hasta que es puesto a resguardo y llevado a la terraza del hotel donde están los representantes de la prensa. Además de Pisarello, estuvieron en el almuerzo Edgar J. Anzola director de la emisora de radio Broadcasting Caracas y Eloy Pérez Alfonso, excelso narrador de carreras de caballos y quienes fungieron de anfitriones del artista durante su estadía en Venezuela.

El periodista Manssur Dekash (MD) del diario caraqueño “El Heraldo” pudo entrevistar a Gardel (CG) brevemente:

MD: - Cuándo nació en usted la afición al tango?

CG: - Eso fue en Buenos Aires. Usted lo sabe, surge en los muchachos al nacer. Lo mismo que en Sevilla no hay muchacho que no toree con la toalla a un toro imaginario, allá no hay quien no cante tangos. Profesionalmente comencé a cantar en los teatros, a fijarme en la gente que tenía un estilo propio y adquirí fama en mi país.

MD: - Qué le parece España?

CG: - Gran país España! Qué público tan comprensivo y tan acogedor. En cuanto acabe mis compromisos con el cine en Nueva Cork voy a volver. Conocí Madrid, Barcelona, Bilbao, San Sebastián. Pero yo quiero conocer Andalucía. Soñar bajo aquel cielo azul. Mientras no conozca Andalucía, no creeré que conozco el mundo bien. En cuanto pueda voy a España, porque esto de las películas me tiene embargado por completo. Este viaje ha sido como una escapatoria de colegial. No me quedan sino dos meses más y tengo que ir a Colombia, La Habana y México.

MD: -Cual de sus películas le gusta más?

CG: -De las hechas hasta ahora “Melodía de Arrabal”, pero tengo puestas todas mis esperanzas en “El Día que me Quieras”. Es una gran película de gran emoción sentimental y de un acierto formidable en la música.

MD: - Pues aquí, gustó más “El Tango en Broadway”. El público lo encontró más logrado, más definitivo, más, como si dijéramos, encontrándose a sí mismo como actor que en las otras películas.

CG: - Es posible. Usted sabe que los artistas somos unos pésimos jueces de nosotros mismos. Casi nunca coinciden nuestros juicios con los del público. Y como el público es quien forma nuestra fama, no cabe duda de que es él el que tiene razón.

MD: -Y de sus tangos cuál le gusta más?

CG: -A eso sí que no puedo contestarle. Me gustan unos u otros según el estado de ánimo en que me encuentro en ese día. Por eso yo nunca hago programas de mis actuaciones anticipadamente. Voy cantando lo que me siento con ganas de cantar.

MD: -Qué me puede decir de los millones de mujeres que lo aman en el mundo entero?

CG: -No hombre, no crea usted eso…! Yo he llegado a pensar que eso son infundios de mis compañeros de arte para hacerse reclamo. Naturalmente que yo, como todo el que se exhibe en público, he tenido mis éxitos amorosos. Pero no crea usted nada de eso de que lo agobian a uno las mujeres y le escriben tal cantidad de cartas todos los días, que preciso tres secretarias para contestarlas.

En este punto intervino Pisarello y pidió dejar almorzar y descansar a Gardel para emprender viaje hacia Caracas.

Desde el Hotel “Miramar” Gardel y su comitiva se dirigieron hasta la estación de trenes de La Guaira –ubicada frente a la Aduana-, donde la comitiva emprendió viaje en tren, conducido por el señor Francisco Delgado Martínez, y soportando un caluroso trayecto de dos horas -de 1:30 a 3:30 p.m- hasta Caracas, por más que a Gardel como es obvio le asignaran un vagón especial para el viaje.

El señor Martínez contó en una oportunidad que Gardel ese día vestía “traje gris, bufanda liviana de colores y sombrero claro de fieltro”.

También recordó que el Cantor se asomó varias veces a la ventanilla del tren, admirando el paisaje y retribuyendo el entusiasta saludo del público.

En Caracas

Al arribar a la estación Caño Amarillo en Caracas, el tren fue literalmente invadido por admiradores impacientes y Gardel debió ser resguardado por sus acompañantes. La Banda de Música “Ayacucho Nº 1” interpretaba pasodobles y valses criollos.

El recibimiento fue apoteósico. El gentío que se había agolpado en la estación del ferrocarril, estaba dispuesto a cualquier cosa con tal de ver a Carlos Gardel. En un momento dado fue tal la presión del público, que los instrumentos de la Banda volaron por los aires, rodando decenas de personas por el suelo y resultando muchos con magulladuras y lesiones.

Las plantas del jardín de la estación ferroviaria fueron pisoteadas. Debió intervenir la policía y en los forcejeos, hasta el propio Alfredo Le Pera fue golpeado por error por un agente del orden. Y así, en medio de ese gran tumulto, los viajeros lograron refugiarse en los automóviles que les aguardaban, y partieron hacia sus alojamientos en el Hotel “Majestic”. Hoy no existe pero en la época, era “el más moderno y mejor situado”, según las promociones de turismo.

El trayecto, que no llega a mil metros no se pudo terminar en carro, el cual fue averiado por el público. Gardel bajó del mismo y llegó al Hotel caminando y a ratos en andas, sobre los hombros del público, durante varias cuadras.

Actuaciones en Caracas

Al día siguiente, 26 de abril, es la fecha indicada para la primera actuación con gran promoción de la prensa escrita y radial en el Teatro Principal, aún en pie en una de las esquinas de la Plaza Bolívar. Allí se presenta con todo éxito a lo largo de ocho actuaciones.

Ese día, llovía a cántaros sobre Caracas, pero ello no constituyó ningún obstáculo para los apasionados admiradores. A las 9:15 de la noche se produjo el debut. Era la costumbre alternar la actuación del cantante de turno con la exhibición de una película. Ese día se proyectó un corto metraje de Walt Disney llamado “El perro robado” y luego estrenaron “Por Partida Cuádruple”, una película cómica de Charlie Chase. Los precios para esa noche del debut eran “Patio”, 6 bolívares, “Balcón”, 4 bolívares y “Galería”, 2 bolívares. El cambio de divisa entonces era alrededor de 3 bolívares por dólar americano.

El primer tema que cantó Gardel la noche del 26 de abril fue “Cobardía” de Charlo y Amadori. Luego del tema inaugural interpretó: “Carnaval”, “El Carretero”, “Insomnio”, “Tomo y Obligo”, “Por una cabeza” y “Mi Buenos Aires querido”. Pero más tarde, ante la insistencia y los aplausos interpretó varios otros temas.

El cambio de clima afectó la garganta de Gardel y debió suspender sus actuaciones para ser atendido en la “Policlínica Caracas” por el doctor Pedro González Vera.

La reaparición se produce el domingo 5 de mayo, cuando realiza una magistral interpretación de “Mano a Mano” con el consecuente éxito de proporciones gigantescas.

La última función en el Principal la realizó el jueves 9 de mayo, costando la galería medio bolívar (0,50). Esta rebaja de precio fue solicitada por el propio Gardel para que la gente de escasos recursos también pudiera verlo en escena.

Las ocho actuaciones en el Teatro Principal se realizaron con la boletería totalmente agotada, para un aproximado de 14.500 personas que vieron a Gardel durante sus actuaciones en ese recinto.

El lunes 13 de mayo, realizó una función en el Teatro Rialto, también frente a la Plaza Bolívar, en la misma calle del “Principal”. Desde las tres de la tarde el público hizo interminables colas para entrar a las dos funciones que el Zorzal brindó ese día. El martes 14 de mayo, se presentó de nuevo en el Teatro Rialto con idéntico éxito, en lo que significó su última actuación pública en Caracas.

El miércoles 15 asistió a una audición en la emisora de radio Broadcasting Caracas y cantó un programa escogido por el público oyente.

El jueves 16, cantó en el Teatro Lamas de La Guaira. Es la localidad donde está ubicado el puerto.

En Valencia

El viernes 17 de mayo, Gardel debutó en el Teatro Municipal de Valencia, sumando más éxitos a su itinerario.

El Presidente lo invita

Estando en esta ciudad, recibe una invitación del Presidente de la República, General Juan Vicente Gómez, para que vaya a cantar en su presencia, en la ciudad de Maracay, capital del vecino Estado Aragua. Allí el Presidente, quien nunca quiso establecerse en Caracas, tenía fijada su residencia en la zona de “Las Delicias”. Era una amplia casona colonial, rodeada de frondosa vegetación, que aún, pese al tiempo transcurrido se mantiene en pie y es llamada “La Macarena”.

Gardel acudió a la invitación, acompañado por sus tres guitarristas. Lucía vestimenta gauchesca e interpretó siete temas, entre los cuales intercaló “Pobre gallo bataraz”, estilo que logró conmover al viejo caudillo, aficionado a las riñas de gallos.

Actuaciones en Maracaibo y Cabimas

Cumplido el compromiso con el general Gómez, Gardel y su comitiva se trasladan a Maracaibo, en el Estado Zulia, contratado por la empresa “Metro”. Llega allá a bordo del vapor “Libertador” y es recibido con bombas pirotécnicas, sirenas de barcos, bocinas de automóviles y centenares de admiradores. El sábado 18 se produce el debut, con la papelería totalmente vendida.

El lunes 20 de mayo, Gardel va a Cabimas, en el mismo Estado Zulia, epicentro de la producción petrolera nacional. Allí es contratado por el Circo Internacional Passini y Cía. Con precios que van desde Butaca por 7 bolívares, a Platea por 3 bolívares, Gardel agota la boletería una vez más. Y canta fuera de programa numerosas canciones.

Entonces, tomando en consideración que el clima de Caracas lo había afectado y por lo tanto el fuerte calor del Zulia podía provocarle una recaída, decide dar por terminadas sus actuaciones.

Lamentablemente un grupo de inadaptados, enardecidos por la actitud del cantor promueven un incidente de proporciones mayores, destrozando sillas y todo lo que encuentran a su paso. Se dice que el circo quedó totalmente destruido. Gardel y sus acompañantes salen de la ciudad en la noche. Retornan a Maracaibo y el 22 ofrece dos audiciones en el Teatro Baralt como despedida del pueblo Venezolano.

El 23 de Mayo parte hacia Curazao en la nave “Medea”.

Bibliografía:

MORENA Miguel A. - Historia artística de Carlos Gardel - Corregidor Bs.As. 1990

STURLA Jorge - Reportaje “Gardel en Venezuela” - Publicado en la revista “Viejo Almacén” Número Cero, Junio 1975 Ediciones Venarg, Caracas.

YANES Oscar - “Memorias de Armandito: Historias ocultas, trágicas y divertidas de la vida venezolana” Colección de libros Revista “Bohemia” Nº 87, tomo 2 - Caracas, 1988.

(1) Extractado de “Por siempre… Gardel”, sitio web de la UNSL (Argentina) VER PUBLICACIÓN ORIGINAL

Superhéroes para luchar contra el cáncer infantil

noreply@blogger.com (Carlos) — Mon, 23 Dec 2013 01:56:00 +0000

Las unidades de oncología infantil de los hospitales son lugares donde se viven increíbles escenas de superación, ya que sus pacientes son niños que se enfrentan a la dura batalla contra el cáncer. Esta lucha es tan meritoria que cualquier acción que sirva para hacerla más llevadera merece todos los elogios, y más aún si es tan brillante como la que está llevando a cabo un hospital de São Paulo.

[Te puede interesar: “The Cancer Slam”, una bonita causa convertida en éxito viral]

El centro A.H. Camargo contactó con la agencia JWT Brasil para que les ayuden a desarrollar alguna acción que cambie la percepción de los niños sobre la quimioterapia. Empezar un tratamiento de este tipo es algo que siempre genera miedo, y los médicos están convencidos de que el primer paso para vencer al cáncer es precisamente creer en el tratamiento.

La genial idea que han tenido ha sido ambientar este traumático proceso como si se tratara de un cómic de superhéroes, presentando la quimioterapia como la fórmula secreta que otorga los poderes especiales a Superman, Batman, Wonder Woman y Linterna Verde.

Lo primero que han hecho ha sido sustituir los soportes donde se coloca la quimio por unas cajas especiales, decoradas con los colores y el logotipo de los superhéroes. De esta manera, en vez de enfrentarse a una bolsa con un inquietante medicamento, los niños ahora ven una fórmula mágica que les ayuda a curarse.

Para reforzar el mensaje han creado unos cómics en los que sus protagonistas sufren situaciones similares a las que viven los niños con cáncer. Para recuperar sus poderes, los superhéroes recurren en la historia a la ayuda de médicos expertos que les facilitan la milagrosa medicina.

Esto ha permitido a los doctores poder explicar a los jóvenes pacientes en qué consiste su enfermedad y cuál es su complicado tratamiento, empleando un lenguaje que ellos pueden entender y que les resulta menos traumático. Nadie pone en duda que estos niños son verdaderos superhéroes, pero gracias a esta acción han conseguido que ellos también se sientan así y encaren con una sonrisa su valiente lucha diaria contra el cáncer. Chapeau...

Por Nando ad Hunter

Extractado del Blog "dando guerrillas"

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Santabarbara. Rockers de corazón, baladistas de profesión

noreply@blogger.com (Carlos) — Sun, 22 Dec 2013 17:00:00 +0000

Biografía de Santabárbara

por Julián Molero

Oficialmente el grupo inicia su camino discográfico en 1973; sin embargo, Enric Milián (cantante y bajo), Mario Balaguer (guitarra y voces) y Alberto López (batería y voces) llevaban mucho camino recorrido juntos. Se habían conocido en 1970 cuando los tres coinciden en el grupo de acompañamiento de Georgie Dann. Antes, Alberto había formado parte de un importante conjunto barcelonés: Los Polares y Enric había acompañado a Tony Ronald. En 1971 bajo el nombre de Épocahabían grabado un sencillo para Ariola con canciones compuestas por Enric. El disco no funcionó comercialmente y ellos siguieron tocando para Georgie.

En 1972, a través de su amigo Jordi Arqué, el trío conoce a Rafael Gil que llevaba los negocios de EMI en Barcelona. Graban una maqueta en los estudios de la discográfica y enseguida se convencen que el trío tiene grandes posibilidades, derivándolos a su sello filial Harvest. Su primer sencillo como Santabárbara, "Charly" (Harvest, 1973), trae en la cara A “Charly”, que ya formaba parte de aquella maqueta inicial. La historia de la paloma“Charly” es la de una de las mejores baladasespañolas de todos los tiempos. El éxito es arrollador. Entre enero y febrero de 1973 ocupa el nº 1 de ventas durante cuatro semanas, además de liderar otras tres semanas la lista de Los 40 Principales.

El disco es una de las bazas españolas en el festival MIDEM de la industria europea del disco y obtiene también importantes ventas en otros países, especialmente en Alemania. El estilo de aquellos primerizos Santabárbara es el de un pop de cantautor con fuertes influencias acústicas. Un estilo muy personal emparentado lejanamente con otros grupos renovadores de aquellos primeros 70 como Víctor y Diego, José y Manuel o Solera. Claro que eso es si nos fijamos en las caras A. Pero en la trasera de sus sencillos, ellos se explayan con descargas rockeras.

Tras el monumental bombazo de su debut, Santabárbara edita nuevos discos en la misma línea y se lanza a la carretera con un formato de trío básico (guitarra, bajo, batería y voces). Una apuesta arriesgada en los directos que sostienen gracias a su sólida formación y experiencia.

A finales de 1974 sorprenden al mercado con un LP “No Dejes de Soñar” (EMI, 1974) de corte rock. Un excelente trabajo muy distinto a los Santabárbara sensibles y blanditos que habían triunfado el año anterior. Este larga duración no alcanza el reconocimiento que merecía y el trío regresa a sus propuestas habituales. Se patean media Europa, actuando en Alemania, Austria y Suiza en 1975, convirtiéndose en habituales en las televisiones centroeuropeas y, por supuesto, de TVE.

Al año siguiente, van a volver a dar en la diana con una balada romanticona “¿Dónde Están tus Ojos Negros?” (EMI, 1976), que vuelve a situarles en el nº 1 de ventas durante dos semanas en el otoño de aquel año, confirmándolos como uno de los más grandes vendedores de la música española de los 70.

Pero no todo van a ser rosas en la historia de Santabárbara. En 1977 fallece el batería, Alberto López. Sus dos compañeros van a continuar como dúo, consiguiendo una cierta repercusión con su canción “Caroline”(RCA, 1980). Poco después el que nos dejaría para siempre es el guitarrista Mario Balaguer. A partir de ahí el prolífico Enric Milián ha continuado de alguna forma con Santabárbara compaginándolo con otros muchos proyectos.

Santabárbara, vistos en la distancia, suponen una luz suave, tenue y sensible en la música española. Poseyeron un gran dominio de la balada y supieron hacer una música comercial sin caer en lo tópico ni en lo barato jamás. Tres grandes músicos y un compositor, Enric, capaz de cogerle el aire a cualquier estilo sin perder un particular sello personal, puesto de manifiesto sobre todo en su modo de cantar.

Condensado de "La Fonoteca"

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Ciro y Los Persas arrancan el 2014 en Mar del Plata

noreply@blogger.com (Carlos) — Tue, 17 Dec 2013 22:17:00 +0000

Luego de haber recorrido argentina, incluyendo ocho shows en el Luna Park y de regresar a Uruguay con tres conciertos presentando su disco "27", la banda de Ciro comenzará el 2014 con un show en Mar del Plata, programado para el 25 de enero en el Estadio Polideportivo.

José Carreras gratis y para todo publico

noreply@blogger.com (Carlos) — Wed, 25 Sep 2013 00:04:00 +0000

El próximo domingo 29 a las 11.30, se presentará el prestigioso tenor catalán José Carreras, cantando la Misa Criolla junto a Jaime Torres, en un espectáculo de nivel internacional, con entrada libre y gratuita presentado por el Ministerio de Cultura de la Ciudad.

La jornada tendrá un concierto de lujo, que contará con la participación de la reconocida Soprano Argenitna Verónica Cangemi, la Orquesta Sinfónica de Buenos Aires integrada por los mejores músicos del país, Coro local y la destacada dirección del maestro Carlos Vieu.

El repertorio por demás cautivador de José Carreras, promete un cálido recorrido en su primera parte por áreas populares españolas, compartiendo la segunda parte de su concierto junto al Maestro Jaime Torres en la interpretación de la Misa Criolla de Ariel Ramirez (con arreglos para orquesta sinfónica de José Luis Castiñeira de Dios), acompañado del grupo folclórico Anacrusa.

Ciudad del Rock

Se trata de una intervención en el predio del ex Parque de la Ciudad, avenida Fernández de la Cruz y Escalada, con el fin de revitalizar no solo las áreas degradadas del parque, que sufrió el deterioro durante décadas, sino de continuar avanzando en una verdadera política de Estado para recuperar la zona Sur e integrarla al resto de la Ciudad.

Ingresos:

Av. Fernández De la Cruz y Av. Escalada
Av. Avenida Coronel Roca y Av. Escalada
Cómo llegar:

Metrobus Sur:

En avenida Roca

Estación "Parque Roca" y Estación Escalada: Líneas: 91, 115

En avenida Fernández de la Cruz

Estación Escalada: Líneas: 101, 114, 143, 150

Estación Cecilia Grierson: Líneas: 101, 143, 150

Premetro:

Estación Parque de la Ciudad

Entrada libre y gratuita / estacionamiento para 8.000 vehículos/ guardería de bicis

Fuente: Parte del Show

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Agustín Magaldi - La lágrima y la protesta (Haydée Breslav)

noreply@blogger.com (Carlos) — Tue, 10 Sep 2013 23:49:00 +0000

AGUSTÍN MAGALDI

La lágrima y la protesta

Por Haydée Breslav

Hoy 8 de septiembre se cumplen 70 años de la muerte de Agustín Magaldi. Cantor de notables condiciones y depurada técnica, creador de un estilo interpretativo muy personal, fue un artista comprometido con su pueblo que puso en el tango la sensibilidad de una época y el drama de sus oprimidos.

Combinaba el repertorio de los pájaros con el de los talleres.
VÍCTOR HUGO

Como sucede con otras figuras representativas de nuestro tango, no es posible determinar con exactitud las coordenadas de su nacimiento. Al-gunos las ubican en Rosario y en 1906; otros, en la también santafecina Casilda, en 1901; otros, en fin, fijan la misma ciudad pero corren el año a 1900, o a 1898. Cuentan que tuvo un hermano que murió antes que él naciera, y cuyo nombre llevó; el hecho, digno de los tangos que lo hicieron famoso, contribuye a la imprecisión de su biografía.
Quienes se ocuparon de ella dicen que sus padres, inmigrantes italianos, le infundieron el amor al canto lírico, y que estudió con Nicola Mignona, quien había llegado a Rosario en una gira de Enrico Caruso, en cuya compañía se desempeñaba como maestro sustituto. En esa ciudad, el joven Agustín integró distintos dúos vocales que no alcanzaron demasiada trascendencia.
Son imprecisas también las circunstancias de su llegada a Buenos Ai-res, donde en 1924 hizo su debut radial a instancias de la popular cancionista Rosita Quiroga, con quien grabó dos discos poco después. Los directivos de la empresa consideraron oportuno que siguiera grabando con una segunda voz masculina; el guitarrista Enrique Maciel le aconsejó que escuchara a Pedro Noda, y así se formó una de las duplas más significativas de nuestro canto.
El dúo Magaldi-Noda alcanzó rápida y enorme popularidad, que con el correr del tiempo se consolidó a través de actuaciones, presentaciones en radio y grabaciones. Es importante mencionar que el repertorio no estaba consagrado por entero al tango sino que se componía asimismo de otros ritmos nuestros, como zambas, cuecas, valsecitos criollos, chacareras, gatos y estilos.
En opinión del poeta Diego Holzer, Magaldi “sintió la influencia y fue la continuación de los payadores, verdaderos referentes sociales de la época. Era un cantor nacional, como les decían a los que recorrían el país pueblo a pueblo cantando no sólo tangos, sino también zambas, estilos y otras expresiones folclóricas”.
Destacado melodista devenido en prolífico compositor, produjo con Noda primero y solo después unas setenta piezas. A fines de 1935, luego de la participación que ambos cumplieron en la película Monte criollo, Magaldi se desvinculó de Noda pero no del éxito, que lo acompañó también en su trayectoria como solista.
Vale la pena recordar que por entonces llegó a Buenos Aires de la mano de Magaldi una muy joven aspirante a actriz llamada Evita Duarte. La relación que los unió fue calificada de amistosa por unos y de sentimental por otros, quienes citan en su apoyo el vals “Quién eres tú”, que le habría inspirado al cantor la mujer que tres lustros después sería consagrada en vida Jefa Espiritual de la Nación.
Cuentan que Magaldi comenzó a sufrir malestares cada vez más frecuentes e intensos a los que, inexplicablemente, intentaba hacer caso omiso. El 17 de agosto de 1938, después de una exigente actuación radial, sufrió una descompensación brusca que se atribuyó a una afección previa del aparato digestivo. Internado en el sanatorio Otamendi, fue intervenido quirúrgicamente. Murió en el posoperatorio veintiún días después.

El estilo

Magaldi poesía una caudalosa voz de barítono atenorado, con mucha llegada a los agudos, gran riqueza armónica y dotada de un vibrato natural. A estas notables condiciones innatas unía una técnica refinada, que seguramente debía a las enseñanzas del maestro Mignona.
Uno de los más respetados cantores de hoy, Reynaldo Martín, precisa: “Utilizaba mucho el falsete para hacer las notas más agudas y así acomodarse a la modalidad de la época, en que deslumbraban los tenores líricos y todos los cantores iban muy arriba”.
A favor de esas cualidades, Magaldi desarrolló un estilo interpretativo ajeno a la reciedumbre y sobriedad del arquetipo gardeliano; se armó para ello de un repertorio que abundaba en elementos melodramáticos y no desdeñó apelar a la emoción lacrimosa. Sus tangos, al decir del poeta Osvaldo Rossler, “fueron una proposición al llanto colectivo”. Y el locutor Dupuy de Lome lo bautizó como “la voz sentimental de Buenos Aires”.
Reynaldo Martín acota: “Era dueño de una enorme personalidad; inauguró un estilo que tenía mucho que ver con la estética de su tiempo, en que el teatro era muy declamatorio y afamados poetas ponían el acento en lo melodramático. Hay que situarse en la época, que era de vacas muy flacas y de mucha marginalidad, sobre todo a partir de la profunda crisis del 30; la situación del país y del mundo no estaba como para ser descripta con medias tintas”.
Con posterioridad a esa época, repertorio e intérprete fueron objeto de acerbas críticas por parte de sesudos reseñadores, quienes no tuvieron en cuenta que la estética de Magaldi significó una suerte de continua-ción criolla y mistonga del melodrama prerromántico y de la literatura folletinesca del siglo XIX, incluso las tan vilipendiadas “canciones rusas” que entonó reflejan la influencia de las novelas de Tolstoi y de Dostoievsky.
Del mismo modo que las creaciones de los principales exponentes de aquellos géneros, los tangos de Magaldi se correspondían con las inclinaciones de vastos sectores de la población que aún eran capaces de ingenuidad.
“Magaldi interpretaba ese repertorio sensiblero sin hacer alardes de voz; podría haberse dedicado a cantar canciones efectistas pero prefirió contar las historias del pueblo”, sintetiza Martín.
Por otra parte, es injusto circunscribir todas sus interpretaciones a la efusión lastimera. Su ductilidad le permitió expresar con solvencia dis-tintas emociones, actitudes y estados de ánimo: despecho en “Te odio”, desparpajo en “Se va la vida”, nostalgia en “Yo tan sólo veinte años tenía”, resignación (magistralmente) en “Paciencia”. Sus últimas grabaciones muestran, además, renovación del repertorio con profundización de la crítica social y apertura a formas de expresión más austeras y por eso mismo más dramáticas.

El testimonio

Como todo artista auténtico, Magaldi fue testimonial; supo reflejar en sus tangos la miseria y la injusticia de su época. Lo suyo no fue la imprecación, desusada en el género; en cambio, elevó su canto como un lamento por los sufrimientos de los pobres.
Así, en “Patoteros” –con letra de Víctor Soliño y música de Adolfo Mondino, grabado en 1927– relata un episodio bastante frecuente entonces, que no siempre se resolvía tan felizmente como en el tango: El hombre es un obrero que vuelve del taller / cansado de ganarse el pan para comer. / Cobarde la patota, de pronto lo rodea / y un guapo lo golpea haciéndolo caer. / En tanto ellos festejan la hazaña criminal / el hombre se levanta sacando su puñal / y al verlo decidido, los taitas de cartón / se esfuman en la sombra del negro callejón.
En “Acquaforte”, cuyos autores en letra y música son, respectivamente, Carlos Marambio Catán y Horacio Pettorossi, ilustra con voz doliente los escandalosos niveles de explotación laboral: Un viejo verde que gasta su dinero / emborrachando a Lulú con su champán / hoy le negó el aumento a un pobre obrero / que le pidió un pedazo más de pan.
Magaldi se animó además a cuestionar, apasionada y valientemente, dogmas consagrados por la religión, la moral y las leyes de entonces. “Levantá la frente”, cuya música le pertenece y lleva letra de Antonio Nápoli, reivindica con audacia entonces inaudita a la madre soltera y la equipara a la casada. Recordamos haber leído en la columna costumbrista que firmaba un tan Don Rudecindo y que se publicaba en el diario Clarín hasta bien entrados los ’60, una exhortación a prohibir este tango: La madre casada, la madre soltera /son todas iguales: son una, no dos. / Lo nieguen las leyes, lo niegue quien quiera / son todas iguales delante de Dios. Lo grabó en 1936. “Libertad”, también con música propia y con letra de Felipe Mitre Navas, grabado en 1938, pone reparos a la indisolubilidad del matrimonio: Estamos a tiempo, seguí tu camino / tu ideal yo no he sido ni el mío sos vos. / ¿Por qué esta comedia de amores fingidos? / ¡Quedemos amigos y libres los dos! Cabe señalar que recién en 1985 se eliminó de nuestra legislación la distinción entre hijos legítimos e ilegítimos, y hubo que esperar hasta 1987 para que se instituyera el divorcio vincular.
Como buen cantor nacional, Magaldi interpretó el triste campero “Ave María”, con letra del gran payador anarquista Luis Acosta García y mú-sica de Ernesto Rossi, grabado en 1931. Al poeta le bastan pocas líneas para describir la situación del hombre de campo con mayor claridad y precisión que cualquier político metido a experto: Sin un churrasquito, sin un mate amargo / solo y agobiado por años y penas / (…) / veinte años que andamos, mi picazo viejo / como dos basuras en la polvareda / (…) / no tenemos nada más que muchos años / ni vos tenés pasto, ni yo tengo yerba…
A Acosta García pertenece también la letra de “Dios te salve, m’hijo”, sobre la que Magaldi compuso la música y grabó en 1938. A partir de una anécdota terrible en su concisión, el tango desarrolla un drama que denuncia la farsa electoral de la época, la clase a cuyos intereses servía y los brutales métodos que empleaba; contrariamente al estereotipo de los detractores del género, la figura del padre es la protagonista: El pueblito estaba lleno de personas forasteras / los caudillos desplegaban lo más rudo de su acción / arengando a los paisanos a ganar las elecciones / por la plata, por la tumba, por el voto o el facón. / Al momento que cruzaban desfilando los contrarios / un paisano gritó ¡viva! y al caudillo mencionó / y los otros respondieron sepultando sus puñales / en el cuerpo valeroso del paisano que gritó. / (…) / Pobre m’hijo, quién diría que por noble y por valiente / pagaría con su vida el sostén de una opinión / por no hacerme caso, m’hijo, se lo dije tantas veces / no haga juicio a los discursos del doctor ni del patrón.
Pocos tangos alcanzan la hondura trágica de “Disfrazado”, grabado en 1938; es fácil darse cuenta de que sólo Magaldi (y por supuesto Gardel, si hubiera podido hacerlo) era capaz de expresarlo en toda su intensi-dad. La música fue compuesta por Antonio Tello, medio hermano del cantor, sobre una letra del poeta popular José da Silva; en la edición de TRAS CARTÓN de febrero de 2003, otro poeta, Oscar García, relató las desesperadas circunstancias que la originaron: Da Silva, un trabajador obligado en la década infame a ganarse la vida como pintor de brocha gorda, no conseguía ni siquiera una changa y sufría duras penurias cuando una y más cruel desgracia se abatió sobre él. Su hijo mayor, un chico de diez años, murió en carnaval atropellado por un camión que llevaba mascaritas al corso: El eco de madrugada trae el vaivén de los coches, / de seres que alegremente van vivando el carnaval / mientras me ha sido imposible dormir durante la noche / pensando para los míos poder conseguir el pan. / Seguiré, quién sabe cuánto, disfrazado de mi-seria / con el rumbo lentamente hacia el gran palco oficial / y en el mundo de los muertos terminarán mis miserias / obteniendo primer premio si festejan carnaval.
Magaldi dejó sin grabar varias piezas de su repertorio, como “El huérfano y el sepulturero”, un estilo con letra de Juan Manuel Pombo que, a pesar del título y del asunto, tiene un remate sencillo y contundente: Los ricos están primero / por eso lugar les damos / mal hacemos si lloramos / por una simple pavada / los pobres no somos nada / y hasta en la muerte estorbamos.
Tampoco llegó a grabar la milonga “Tierra del Fuego”, cuyas décimas, que nos acercó Julio Nader, reclaman el cierre y clausura de la ominosa cárcel de Ushuaia: Tierra del Fuego es el nombre / como burlona ironía / de la constante porfía / de los errores del hombre. / No habrá ser que no se asombre / de tamaña enormidad / tergiversar la verdad / llamándole fuego al frío / es como decirle impío / al grito de libertad.

El compromiso

Nadie pone en duda hoy que Magaldi fue simpatizante anarquista. Compartió ese ideario con muchos grandes del tango, como Juan de Dios Filiberto, Pascual Contursi, José González Castillo, Antonio Podestá, Enrique Santos Discépolo (en sus comienzos) y Teodoro Mouzo, poeta y letrista conocido por el apodo de “Isusi”, creador de “Así nació este tango” y personaje muy querido en el ambiente tanguero.
A sus instancias, y de acuerdo con un estudio de Santiago Senén González publicado en el semanario Hoy, Magaldi cantó en un festival solidario organizado para recaudar fondos destinados a la fianza por la liberación de las obreras costureras de la empresa Gatry, detenidas durante una huelga en protesta por los bajos salarios y las pésimas condiciones de trabajo.
Muchos otros testimonios lo ubican cantando en las ollas populares que la miseria de la época multiplicaba, así como en cárceles, hospitales y asilos. Era muy generoso y, del mismo modo que Gardel y Troilo, supo ayudar a amigos, conocidos y otros que no lo eran tanto, ahorrándoles la humillación de la dádiva; para ello los abrazaba efusivamente y apro-vechaba para deslizarles dinero en el bolsillo del saco sin que lo advir-tieran.
No sabemos hasta qué punto su pensamiento, solidario y comprometido con la causa de los desposeídos, pudo haber influido en la toma de conciencia de la que quiso, y logró, que su pueblo la recordara simplemente como Evita. Lo cierto es su aporte a nuestra cultura, en cuya construcción participó como auténtico artista popular y creador de un estilo que a pesar de tantos años, tantos cambios y tanto olvido, conserva insospechada vigencia, tan múltiple y anónima como sólo aquellos que el pueblo reconoce como suyos pueden alcanzar.
Mejor lo dijo Diego Holzer, que por algo es poeta: “La voz de Magaldi es el canto del pueblo. Yo he conocido cantores andariegos, en las cosechas, por ejemplo, y cantaban como él”.

Extractado de TRASCARTON

Ver publicación original:

www.trascarton.com.ar

Indio Solari. Documental de su show

noreply@blogger.com (Carlos) — Tue, 02 Jul 2013 04:03:00 +0000

DOCUMENTAL DE SU SHOW - El próximo 9 de julio se estrenará en el teatro Vorterix de Capital Federal, un documental del Indio Solari producido por Julio Leiva, donde se retrata uno de los tres shows masivos que ofreció el artista en Tandil.

ÁSTOR PIAZZOLLA, “COMPLETO EN PHILIPS Y POLYDOR-VOLUMEN III”

noreply@blogger.com (Carlos) — Mon, 28 Jan 2013 14:45:00 +0000

La tercera entrega de esta colección suma elementos para continuar dimensionando la estatura artística de Astor Piazzolla, ese bandoneonista que irrumpió en el tango para revolucionarlo.

El aporte único y personal del creador marplatense (1921-1992) puede apreciarse de manera cabal en el primero de los dos cd`s de esta flamante reedición dedicada a “La historia del tango” y que el músico encaró en 1967 desde una innovadora formación -denominada Gran Orquesta- con un único bandoneón (en sus manos), los aportes de Osvaldo Manzi (piano), Antonio Agri (violín), Oscar López Ruiz (guitarra), Kicho Díaz (contrabajo) y una orquesta con 12 violines, cuatro violas y cuatro violoncellos.

La placa inaugural consta de una docena de piezas de “La guardia vieja” sobre las que Astor exhibe que su rol de arreglador no conocía límites y, de modo alguno, iba a ceñirse a lo escrito. Sus versiones de “La cumparsita”, “Sentimiento gaucho”, “Quejas de bandoneón” y “A media luz”, por citar algunos de los ejemplos más emblemáticos de ese repertorio, exhiben la audaz innovación de la que era capaz junto a unos laderos inspirados.

En el caso del segundo disco que integra este lanzamiento, conviven tres materiales distintos: el completo acerca de la “Epoca romántica”, el inconcluso dedicado a la “Epoca moderna” y otro breve que testimonia el vínculo entre Piazzolla y la cantante Egle Martin.

La decena de obras reunidas en el cancionero romántico, también grabado en 1967, continúa la línea esbozada en el primer álbum y aporta gemas de alto impacto en las recreaciones de “Griseta”, “Los mareados” y “Recuerdo”.

El trunco testimonio moderno, con apenas cuatro temas, deja con ganas de más ya que Piazzolla se explaya con libertad y audacia sobre los maravillosos “Uno”, “Sur”, “Malena” y “Percal”.

Para el cierre de este material de colección, se ofrece una grabación de 1969 junto a su Quinteto Nuevo Tango y el aporte de Martin en dos de las tres piezas. El instrumental y propio “Retrato de mí mismo” (que, explica Diego Fischerman, periodista y director de esta serie, luego se llamaría “Retrato de Milton” y “Luna”) es el prólogo a la traumática unión de Piazzolla con la vocalista para las canciones “Graciela oscura” y “Las rosas golondrinas”, en ambos casos con músicas de su inspiración y respectivos textos urdidos por Ulises Petit de Murat y Homero Expósito que operan como aperitivo de lo que luego sería la operita “María de Buenos Aires”.

Fuente: Agencia Telam

Hoy se conmemora el fallecimiento de Edmundo Rivero, el feo que canta lindo

noreply@blogger.com (Carlos) — Fri, 18 Jan 2013 10:42:00 +0000

Lionel Edmundo Rivero

(8 de junio de 1911 - 18 de enero de 1986), "El feo que canta lindo". Edmundo Rivero representa un caso singular en la extensa galería de cantores de tango. El registro de bajo, que contenía su voz, era una verdadera rareza en el género y, a la vez, algo poco apreciado por la pléyade tanguera, acostumbrada a los barítonos y tenorinos. Sin embargo, la afinación y los coloridos matices de su fraseo, sumado todo ello a un sentimiento y estilo criollo con reminiscencias gardelianas, lo hicieron un favorito del público y, al mismo tiempo, el primer caso de una voz gruesa imponiéndose en un momento de extraordinarios vocalistas.

También fue importante su formación y desarrollo musical. No fue un improvisado y menos un intuitivo, fue un estudioso que se inició con la música clásica, con el rigor de las academias, la disciplina y el estudio.

Nació en el barrio bonaerense de Valentín Alsina. Sus padres, Aníbal y Anselma, inculcaron a sus hijos, desde la cuna, el amor por la música. Se crió en el barrio porteño de Saavedra y pasó su adolescencia en Belgrano.

De muy joven comenzó el estudio de canto en el conservatorio nacional y más tarde el de guitarra.

La primera presentación la realizó a dúo con su hermana Eva en Radio Cultura. En esta misma emisora fue contratado para formar parte del conjunto que acompañaba a las ocasionales figuras que hacían su presentación en ella. Asimismo, mostró sus dotes de guitarrista tocando en presentaciones teatrales un repertorio de música clásica española.

Su debut como cantor sucedió en forma imprevista, ya que tuvo que reemplazar al artista que debía actuar en Radio Splendid y al cual Rivero acompañaba.

La primera orquesta que contrató a "El Feo" fue la de José De Caro, lo cual le posibilitó acercarse a Julio De Caro, quien le propuso ser su cantor en los tradicionales carnavales del Teatro Pueyrredon de Flores. Mas tarde debutó en la orquesta de Emilio Orlando y, a comienzos de los cuarenta, lo hizo en la de Humberto Canaro.

En esta década ocurrieron, en la vida de nuestro querido artista, dos acontecimientos fundamentales, con dispares resultados. Hacia 1944 es convocado por el pianista Horacio Salgán para participar en su orquesta, en la que estuvo hasta 1947. De este periodo no quedaron registros, ya que los empresarios discográficos le dieron la espalda tanto a la avanzada concepción del tango de Salgán como al inusual registro vocal de Rivero. Ambos se dieron el gusto de grabar en las décadas siguientes, ya siendo artistas consagrados.

El segundo acontecimiento es el que lo lanza definitivamente a la fama, cuando es convocado por Aníbal Troilo para formar parte de su gran orquesta, en reemplazo de Alberto Marino. En los tres años que participó Rivero en la orquesta de Pichuco dejó más de una veintena de grabaciones, en algunas de las cuales canto a dúo con Floreal Ruiz y con Aldo Calderón. En esta etapa el gran cantor paso a ser sinónimo de tangos como "El último organito", "La viajera perdida", "Yo te bendigo", pero fundamentalmente del tango de Homero Manzi y Aníbal Troilo "Sur".

En el año 1950 comienza su etapa como solista, siendo acompañado por un conjunto de guitarras que estaba integrado por Armando Pagés, Rosendo Pesoa, Adolfo Carné, Achával y Milton, en otras ocasiones fue acompañado por la orquesta de Victor Buchino.

En la dilatada carrera artística de Edmundo Rivero no faltó su participación en varias películas, entre las que se destacan: "El cielo en las manos" (1949), en la cual interpreta el tango homónimo de Homero Cárpena y Astor Piazzolla, acompañado por la orquesta de este último. El film "Al compás de tu mentira" (1951), donde canta "No te engañes corazón" de Rdodolfo Sciamarella, acompañado por guitarras. Después "La diosa impura", en el que interpreta "Sin palabras" de Enrique Santos Discépolo y Mariano Mores, y participa en la famosa película "Pelota de cuero", de Armando Bo, entre otras.

Hacia 1965, fue elegido para interpretar las poesías de Jorge Luis Borges, musicalizadas por Astor Piazzola y llevadas al disco titulado "El tango". En el mismo participaba el actor Luis Medina Castro recitando obras del poeta. Este espectáculo fue presentado en teatros de todo el país y del Uruguay.

A fines de la década del 60, lo acompañó el conjunto de guitarras dirigido por Roberto Grela y que estaba integrado por Rafael Del Pino, Héctor Davis, Héctor Barceló, Rubén Morán y Domingo Laine. De esta sociedad quedaron inolvidables registros discográficos, como por ejemplo "Packard", "Falsía", "Poema número cero" y "Atenti pebeta", verdaderas joyas del género.

Incursionó en el arte de la escritura por medio de dos libros: "Una luz de almacén" y "Las voces, Gardel y el tango". Hubo un tercer libro que quedó trunco por la desaparición física de nuestro artista, el cual presentaba un profundo estudio sobre el lenguaje y la poesía lunfarda.

Fue compositor y autor de varios temas, y algunos tangos al modo reo y lunfardo. "No mi amor", "Malón de ausencia", "A Buenos Aires", "Falsía", "Quién sino tu", "Arigato Japón" y "El jubilado". Compuso también: "Pelota de cuero" (con Héctor Marcó), "Biaba" (Celedonio Flores), "La señora del chalet", "Poema número cero" y "Las diez de últimos (los tres con Luis Alposta), "Calle Cabildo" (D. De Biase), "Acuérdate" (José María Contursi), "Todavía no" (Eugenio Majul), "Aguja brava" (Eduardo Giorlandini), "Amablemente" (Iván Diez), "Coplas del Viejo Almacén" (Horacio Ferrer), "Milonga del consorcio" (con Arturo de la Torre y Jorge Serrano)y "P'al nene" y "Bronca" (con Mario Battistella), entre otras.

En el año 1969, se da el gusto de inaugurar su propia casa de tango: "El Viejo Almacén". Por ella desfilaron innumerables figuras nacionales e internacionales y ocurrieron interesantes episodios como escuchar a Rivero acompañado por la orquesta de Osvaldo Pugliese, o una noche cualquiera ver entre los concurrentes a Joan Manuel Serrat, gran admirador del cantor.

El 18 de enero de 1986, luego de permanecer internado desde diciembre, por un problema cardíaco fallece en Buenos Aires a los 74 años de edad.

Fue un cantor distinto, genial, adornado por una personalidad afable y señorial que lo hizo querido por todo el ambiente artístico y, lo que es más importante, por un público que lo recuerda y lo admira en cada uno de sus registros.

(Fernando Pastor www.todotango.com)

Joan Manuel Serrat - Llegar a viejo

noreply@blogger.com (Carlos) — Thu, 27 Dec 2012 00:58:00 +0000

Estoy afónico desde hace tiempo y me sale esta voz débil como un suspiro y hablo a fatigosas sacudidas.

Hago hervir en el hornillo hierbas medicinales recetas de herbolario que se convierten en aire puro, pero añoro tus ojos y la paz del azul en el rincón de mi enfermedad.

Me canso desde hace tiempo, he rescatado del desván recuerdos y sombras fieles y salgo a tomar el sol de la plaza tranquila. Si esta carta te parece poco florida no creas que es señal de poco amor te escribo en zapatillas, ya no me queda honor y me pierdo por oscuras melancolías.

Video inédito de Soda Stereo

noreply@blogger.com (Carlos) — Fri, 30 Nov 2012 23:22:00 +0000

El video fue realizado para Móvil 8, un programa de televisión argentino que nunca salió al aire. El material grabado en 1991 no fue visto por los seguidores de la banda de Buenos Aires sino hasta ahora.

Un fanático de la banda argentina lo publicó en su cuenta de Twitter en días pasados y ya cuenta con más de 15.000 visitas.

En el video se ve además de la formación de la banda, Cerati, Zeta Bossio y Charly Alberti, a quien sería el conductor del programa, Lalo Mir y a la actriz Ana María Giunta.

La aparición de este material despertó de nuevo la pasión de los seguidores de Soda Stereo quienes esperan que su cantante despierte del coma en el que permanece desde el 15 de mayo de 2010 cuando sufrio un accidente cerebrovascular.

(Fuente: El Espectador.com)

Prince - Rock and Roll Love Affair (official Music Video)

noreply@blogger.com (Carlos) — Fri, 23 Nov 2012 23:03:00 +0000

Prince ha lanzado este nuevo single llamado "Rock n roll Love Affair", que narra la relación de una pareja de amantes y la música.

Después del concierto Kimmel, Prince realizó un show secreto en Hollywood. Según Page Six, el espectáculo ha sido reservado para pocas personas y se llevó a cabo en el Club Sayers, con Christina Aguilera, will.i.am, Adam Levine y Nicki Minaj entre los pocos asistentes.

Mujeres de la música argentina: Luciana

noreply@blogger.com (Carlos) — Sun, 21 Oct 2012 19:33:00 +0000

BIOGRAFIA

Su verdadero nombre es Ana Matilde Alsina, pero se bautizó artísticamente como Luciana que precedió sus grandes éxitos de las décadas del 70 y 80. Empezó su carrera cantando en coros. Era una niña talentosa, hija de un médico talentoso que amaba el arte de curar con la misma intensidad que amaba la música y la pintura. Ingenua, creía que todo el mundo podía cantar bien, y asumiendo su don como algo natural participó durante un buen tiempo en el Coro de la Filarmónica, para convertirse luego en una cantante de jazz amateur. En verdad a los 18 años Amicana la becó para estudiar en Estados Unidos. Ella había aprendido inglés y conocía a algunos cantantes de jazz que ni los norteamericanos conocían. En su casa se escuchaba mucha música, en particular clásica, pero un día apareció con algunos long play de famosos cantantes de jazz al tiempo que empezó a formar parte de grupos de ese género y a participar en festivales de todo el país.

Cuando todavía era Ana Alsina le ofrecieron trabajo en Mar del Plata para hacer temporada con un cuarteto. Cantaban bossa nova, y también algunos temas de los Beatles. Fue su primera temporada con un nombre artístico, se bautizó "Ana Hamilton”. Eso fue en 1971. Quienes la ayudaron a proyectarse al estrellato fueron los chicos de Pintura Fresca, un grupo de moda de la época que le propusieron grabar con Emi Odeon. Ella no quería, porque no cantaba en español, sólo quería cantar jazz, pero esa música no era popular. Ellos insistieron y llamaron a la compañía para que le hicieran una prueba, con Aquiles Roggero al piano. No tenía idea qué cantar, entonces cantó un tema de Roberta Flack, y en castellano cantó El Gorrión, de Joan Manuel Serrat. En ese mismo momento la contrataron. No era un tiempo donde las mujeres vendieran discos, en realidad las mujeres que vendían discos, como Estela Raval o Violeta Rivas, cantaban con voces fuertes y agudas, mientras que Luciana apareció con una voz más grave, de balada, y eso fue lo que gustó. Su primer disco titulado “Feliz Cumpleaños, vendió más de 450.000 copias. Nunca buscó concientemente el éxito, ella estudiaba artes plásticas y cantar era un gusto. No lo tomaba como una profesión. Cantaba mientras dibujaba. En realidad se la pasó cantando toda su adolescencia. En la secundaria solía treparse a los bancos y cantar temas de Elvis Presley. Luego de grabar su primer disco se volvió a Mendoza, lugar en el que nació, y la llamaron para decirle que su disco era número uno en ventas del país. Para Luciana fue una gran sorpresa. Se quedó en Mendoza durante un tiempo largo, pero cada vez que salía un disco tenía que viajar muchísimo. Se la pasaba arriba de un avión por lo que finalmente decidió instalarse en Buenos Aires y así lo hizo durante los diez años que duraron sus presentaciones en vivo. Luciana era un nombre poco conocido. Ahora hay miles de cantantes que se llaman así, pero en aquella época no era común. Se bautizó así porque era la época de Palito, de Sandro, así que tenía que ponerse un nombre de una sola pieza. Lamentablemente no noto entonces que estaba entrando en una onda que no era la suya. En su momento tuvo dudas, pero por distintos motivos decidió seguir adelante, ya que pudo grabar muchos temas de Eladia Blázquez, de Jairo, con arreglos de Oscar Cardozo Campo, que son una maravilla. En una oportunidad cantó con la orquesta entera de Berlingeri para grabar dos tangos. Siempre tuvo a los mejores músicos en sus grabaciones. Y conoció a muchos de los mejores de la época hasta que se conectó con Lito Nebia, y grabó con todos los músicos como Fats Fernández, con los que luego le hubiera gustado hacer jazz. Nunca era rock, eran temas de Lito, simples, sencillos, baladas con todos esos arreglos de sintetizadores donde Luciana ya no se reconocía como tal. Luego de eso grabó con Los Músicos del Centro, un grupo cordobés.

Pero en su vida hubo mucho más que música. Tuvo dos hijos, y luego su profesión de psicóloga. Hubo una relación especial con el periodista Hugo Guerrero Martinheitz, él fue uno de los periodistas que más la ayudó en su carrera. En su programa pasó mucho el tema De Buenos Aires Morena interpretado por Luciana, por eso ganó el premio Prensario. Luego otros cantantes como Susana Rinaldi y Larralde grabaron este tema. Su último disco salió en 1989, aunque lo había grabado a mediados de los ’80. Pero en verdad jamás se retiró del todo de la música. Aún hace gestiones para que se editen nuevos compacts de su material, porque hay mucha gente que los pide.

Actualmente Luciana se encuentra radicada en Mendoza.

Durante el año 2007 se dedicó a la grabación de su nuevo disco.

En el año 2008, la compañía "Leader Music" edita el nuevo disco de la cantante titulado "El amor amor". Despues de 18 años de no grabar un nuevo disco, retorna con este material.

DISCOGRAFIA:

1) FELIZ CUMPLEAÑOS (EMI 1974)
Temas:
1) Cuéntale
2) Teniendo mi hijo
3) Que será de nosotros
4) Que daría yo
5) Otra edad
6) Como vivir sin nombrarte
7) Feliz cumpleaños
8) Quiero vivir contigo
9) Quiero mi divorcio
10) Jamás me canseré de amarte
11) Fué una aventura
12) El hombre que pasa y no se olvida

2) LUCIANA (EMI 1976)
Temas:
1) Espero que no mienta
2) Llueve y te extraño
3) En la soledad de mi departamento
4) Te dí de mi
5) Yo te dejo
6) De diecisiete
7) A veces me parece
8) Con amor y timidez
9) Sigamos pecando
10) Hoy hay sol en mis mañanas
11) Tómame o déjame
12) Mis amigos, mi guitarra y mis canciones

3) LUCIANA 3 (EMI 1976)
Temas:
1) No lo puedo evitar
2) Me quedo a tu lado para siempre
3) Hoy me arrepiento
4) A ti que te pasa?
5) Jamas imaginé querer como te quiero
6) Lluvia, sudor y cerveza
7) Me dijiste hace un año atrás
8) A veces por racimos y por uvas
9) La avenida de los tilos
10) Con una guitarra y un papel en blanco
11) Después me arrepentí
12) Cansada de esperar

4) QUIERO TU VIDA (EMI 1977)

Cuarto disco de Luciana editado por el sello EMI en el año 1977.

Temas:
1) Un loco intento de valor
2) Aquí los dos
3) Quiero tu vida
4) Preocúpate de tu amor
5) Río de tigres
6) La única que amó
7) El viejo varieté
8) Cuando te necesito
9) Solo a veces
10) Viento dile a la lluvia

5) MIS GANAS DE VERTE (EMI 1978)
Temas:
1) Mis ganas
2) Yo con usted...nada que ver
3) Rómpeme, mátame
4) Tres para amar
5) La butaca vacía
6) Ser
7) Me acuerdo
8) Algo contigo
9) Que vas a llevarte
10) Llegué hasta aquí
11) Si me ven llorar
12) La butaca vacía (repetición)

6) DE BUENOS AIRES, MORENA (EMI 1980)
Temas:
1) De Buenos Aires, morena
2) Así pasan los días
3) La desatada
4) Cerrame las ventanas
5) Cuando todo empezó
6) Cuenta conmigo
7) El día impar
8) El amor del domingo
9) Si te fueras tu de mi
10) La palabra fin

7) GRANDES EXITOS (COMPILADO) (EMI 1981)
Temas:
1) Quiero tu vida
2) Cuéntale
3) El viejo varieté
4) A veces me parece
5) Mis ganas
6) Yo con usted....nada que ver
7) Tómame o déjame
8) La avenida de los tilos
9) Algo contigo
10) En la soledad de mi departamento
11) Un loco intento de volar
12) Feliz cumpleaños

8) NUEVO DIA (INTERDISC 1982)

Temas:
1) Nosotros dos aún
2) El ensoñado
3) No importa la razón
4) La gran ciudad
5) Tu laberinto
6) ¿Quien es el culpable?
7) Canción para conocernos más
8) Cuesta blanca
9) Corre Nina
10) Quiero vivir despacio

9) ALGUIEN COMO YO (MELOPEA DISCOS 1989)
Temas:
1) Alguien como yo
2) No temas
3) Canción para esa mujer
4) Bastidores
5) Y hoy te vi
6) Avenida de los tilos
7) Contigo aprendí
8) Por el tobogán
9) Verano (State)
10) Dos que ya no cambian
11) Los locos de Buenos Aires

10) EN LA SOLEDAD DE MI APARTAMENTO (COMPILADO IMPORTADO) (EMI)
Temas:
1) Cansada de esperar
2) El hombre que pasa y no se olvida
3) Hoy hay sol en mis mañanas
4) Jamás imaginé querer como te quiero
5) Feliz cumpleaños
6) Espero que no mientas
7) Con una guitarra y un papel en blanco
8) En la soledad de mi departamento
9) Jamás que cansaré de amarte
10) Me dijiste hace un año atrás
11) A veces me parece
12) Me quedo a tu lado para siempre
13) Yo con usted... nada que ver
14) Rómpeme, mátame
15) Tres para amar
16) La butaca vacía
17) Ser
18) Algo contigo
19) Llegué hasta aquí

10) 16 GRANDES CANCIONES (COMPILADO) (EMI 1996)
Temas:
1) En la soledad de mi departamento
2) Algo contigo
3) Tómame o déjame
4) A veces me parece
5) Cuenta conmigo
6) Hoy hay sol en mis mañanas
7) El viejo varieté
8) Viento dile a la lluvia
9) Feliz cumpleaños
10) Me dijiste hace un año atrás
11) Quiero mi divorcio
12) Sigamos pecando
13) Me estoy cansando de esperar
14) No lo puedo evitar
15) Quiero tu vida
16) Río de tigres

11) EL AMOR AMOR (LEADER MUSIC 2008)
Temas:
1) Soy lo prohibido
2) Aviéntame
3) Avenida de los tilos
4) Tómame o déjame
5) Mis ganas
6) La mentira
7) El amor amor
8) Lluvia, sudor y cerveza
9) Un loco intento de valor
10) A veces por racimos y por uvas
11) Quiero tu vida
12) No temas
13) En la soledad de mi departamento - A veces me parece

NOTA: La discografía de ésta artista se encuentra completa.

CREDITO:

Publicación original: Mujeres de la música argentina

Freddie Mercury cumpliría hoy 65 años

noreply@blogger.com (Carlos) — Wed, 05 Sep 2012 17:24:00 +0000

"No me importa morir mañana. He vivido, en toda la extensión de la palabra"

Freddie Mercury, cuyo nombre verdadero era Farrokh Bulsara, nació el 5 de Septiembre de 1946 en la isla de Zanzíbar. Al poco de nacer sus padres se trasladaron a Bombay. Su padre, Bomi, era funcionario de la Corte Suprema del gobierno británico. En 1954 se fue a estudiar al colegio St. Peter en Panchagani, a unos 80 kilómetros de Bombay. Fue allí donde sus amigos comenzaron a llamarlo Freddie, nombre que la familia también adoptó.

Freddie Mercury destacaba en la escuela como atleta. Le gustaba jugar al Cricket, al Tenis de mesa, al Hockey y boxear. Pero su verdadera pasión era el arte. Le encantaba la música y se pasaba horas escuchando viejos discos y cantando.

El director de la escuela se dio cuenta de sus cualidades y convenció a sus padres para que lo apuntaran en a clases de música. Freddie formó parte del coro de la escuela y aprendió a tocar el piano. En 1958, junto a cuatro amigos formó una banda de Rock´n´Roll, Los Hectics, donde Freddie tocaba el piano.

En 1962 Freddie Mercury acabó la escuela y volvió a Zanzíbar, pero en 1964 tuvo que emigrar a Inglaterra debido al estado prebélico que se vivía en el país. Allí quiso estudiar arte e inició un curso en la universidad. Durante las vacaciones trabajó como camarero en el aeropuerto de Heathrow y transportando cajas en un almacén.

En 1966 comenzó sus estudios en la Escuela de Arte Ealing, decantándose por la ilustración gráfica. En esa época, se convirtió en un ardiente seguidor de Jimi Hendrix, y decoraba su habitación de Kensington con dibujos e ilustraciones hechas por él mismo.

Freddie hizo buenas migas con el bajista Tim Stafell, compañero de la escuela. Junto con Brian May a la guitarra y Roger Taylor en la batería formaron un grupo llamado Smile. También conoció a Chris Smith con el que escribiría varias canciones. Freddie abandonó la academia en Junio de 1969 con el diploma de diseñador gráfico.

Comenzó a trabajar para periódicos locales en Kensignton. En el verano de 1969 conoció a un grupo de Liverpool llamado Ibex. Pronto se uniría a ellos, viajando a Bolton, Lancashire para dar un concierto. El 25 de Agosto de 1969 actuaron en Bluesology Pop-in festival al aire libre de Bolton.

El grupo cambiaría su nombre por el de Wreckage, pero el final de los 60 marcaría también el final de Wreckage. Freddie Mercury se buscó otro grupo y encontró en un anuncio por palabras a los Sour Milk Sea. Estos quedaron encantados con la voz de Mercury, y decidieron contratarlo. Con este grupo dio varios conciertos en Oxford.

Freddy se hizo amigo del guitarrista del grupo Chris Chesney, que entonces sólo tenía 17 años. Poco después, el grupo se deshizo. Mientras tanto, Tim Stafell, vocalista de sus ex-compañeros Smile, abandonaba la formación. Estos llamaron a Freddie para que lo sustituyese. Freddie accedió y cambió el nombre del grupo por el de Queen, adoptando él mismo el sobrenombre de Freddie Mercury.

En 1970 conoció a Mary Austin y vivieron juntos durante siete años. En 1971 se les unió John Deacon. Queen estaba al completo. Freddie diseñó el logo del grupo tomando como base los signos zodiacales de los miembros del grupo: dos vírgenes por su signo ( Virgo ), dos leones por Roger y John ( Leo ) y un cangrejo por Brian ( Cáncer).

Freddie Mercury fue el autor de la primera canción de Queen en entrar en el Top británico "Seven Seas Of Rhye", el primer gran éxito de Queen "Killer Queen" y de la más famosa canción de Queen "Bohemian Rapsody".

En 1975 actuaron en Japón, donde fueron recibidos como celebridades. Sus canciones se convirtieron en himnos, y el Royal Ballet adaptó varias de sus canciones. En 1980, Freddie cambió su imagen cortándose sus melenas y dejándose bigote.

En 1983 colaboraría con la Royal Opera House en una obra de Verdi. Allí conoció por primera vez a Montserrat Caballé, quedándose cautivado por su voz. El 13 de Julio tocaron en Wembley ante más de setenta mil personas en el Live Aid. Fue visto por TV por más de mil millones de personas.

En Marzo de 1987, Freddie Mercury viajó a Barcelona para trabajar con Montserrat Caballé. De esta colaboración surgiría la canción "Barcelona".

El 23 de Noviembre Freddie Mercury declaraba que tenía el SIDA. Al día siguiente moriría.

(Extractado de Todo Musica.com http://www.todomusica.org/freddie_mercury/)

Grisel: Su historia de amor

noreply@blogger.com (Carlos) — Sat, 01 Sep 2012 00:56:00 +0000

GRICEL – Su Historia

Por Horacio Belmaña

Que el tango es una síntesis musical de amor y pasión no es extraño para los amantes del género, solo que pocos tangos reflejan este sentimiento en forma tan expresiva como “Gricel“, compuesto por Mariano Mores, que José María Contursi -Katunga para los amigos-, dedicara al gran amor de su vida: Susana Gricel Viganó.

Aquí la primer aclaración documentada: su nombre fue Gricel y no Griselda como lo sostienen algunos estudiosos del tango.

Gricel había nacido en el porteño barrio de San Cristóbal el 15 de abril de 1920. Hija de Egidio Viganó y María Antonia Andersch Curie, ésta última eligió el nombre para su hija inspirada en un personaje de una novela francesa. El matrimonio Viganó vivió luego en Quilmes, Guaiminí (provincia de Buenos Aires) y posteriormente en la ciudad cordobesa de Capilla del Monte, en las serranías de dicha provincia, cuando Egidio Viganó debió trasladarse para oxigenar los pulmones de su esposa.

José María Contursi nació en Lanús, suburbio de la ciudad de Buenos Aires, el 31 de octubre de 1911. Era hijo de Pascual Contursi e Hilda Bríamo. Podemos afirmar que de la localidad italiana de Contursi en el Golfo de Salerno llegó a Buenos Aires la sangre renovadora y romántica de los Contursi que se trasuntó en el nacimiento del tango canción por parte de Pascual (“Mi noche triste“) y se prolongó en el tango romántico de su hijo José María (“Garras“, “En esta tarde gris“, “Cristal“, “Gricel“, “Quiero verte una vez más“) y otros que completaron diez y seis conocidos de amplia difusión.

No fue fácil la vida de Gricel en Capilla del Monte. Lejos de sus amigas y del entretenimiento con sus patines de rulemanes, se dedicó a colaborar en la estación de servicio Texaco que explotaba su padre, vestida con riguroso mameluco blanco, mientras recibía los cálidos piropos de los choferes de la línea de ómnibus que hacía el servicio desde la ciudad de Córdoba hasta la ciudad de La Rioja.

Simultáneamente recibía clases de piano por parte de la señora Dolly C. de Nuvolone, también porteña y radicada en esa ciudad con su marido quien colaboraba con Egidio Viganó. La hija de la señora de Nuvolone, amiga de Gricel, es hoy una renombrada pintora radicada en la ciudad de Córdoba.

Pero la monotonía a menudo es quebrada por el destino. Así fue que un día recibió una carta de sus grandes amigas de Guaminí, Nelly y Gory Omar, quienes la invitaban a pasar unos días en Buenos Aires. Gricel no dudó. Hizo aprisa sus valijas y tomó el tren que la llevaría a un destino de amor y llanto.

Los días de Buenos Aires fueron pocos pero vertiginosos. Cafés, restaurantes y negocios de la Avenida de Mayo eran visitados en forma permanente por las hermanas Omar. Pero algo más formaba parte de la vida de la gran ciudad: las audiciones radiales. Gricel y su madre fueron a presenciar la actuación de las hermanas Omar en Radio Stentor, las que le presentaron a un joven y engominado locutor que se presentó formalmente: José María Contursi, dijo él. Gricel, contestó ella. Sin sospechar que comenzaba a elaborarse uno de los tangos más sentidos y románticos.

Su regreso a Capilla del Monte mostró a una Gricel distinta. Comenzaba a desafinar en el piano ante la preocupación de la señora de Nuvolone. Saludaba a los colectiveros con la mirada distante y contemplaba las hermosas puestas de sol con profundos suspiros. Corrían los años 1935 y 1936. En ese entonces ganó todos los concursos de belleza que se realizaban en las sierras de Córdoba, pero la banda de “Miss” no alcanzaba y los suspiros proseguían.

Fue entonces que el destino dio otro golpe: en 1938 acosado por una fiebre intestinal y sin antibióticos, Contursi recibió el clásico consejo médico de aquellos años: los aires de las sierras de Córdoba. Las hermanas Omar le dijeron entonces: «¿Te acuerdas de Gricel? Vive en Capilla del Monte, en plenas sierras cordobesas».

Hacia allí partió Contursi dejando en Buenos Aires a su esposa Alina Zárate y a una hija del matrimonio, llevando consigo no solo su enfermedad sino también su afición por las faldas femeninas, su amor por el turf y por su San Lorenzo querido.
Egidio Viganó resultó impotente para impedir el romance entre su hija y un seductor “de academia”. Así regresó Katunga a Buenos Aires, luciendo una nueva estrella en su bandera de seductor y tal vez canturreando: “Yo anduve siempre en amores, qué me van a hablar de amor”. Pero se equivocó rotundamente. Ignoraba que al poco tiempo clamaría: “¡Qué ganas de llorar en esta tarde gris!”.

Al poco tiempo necesitó regresar a Capilla del Monte inventando otra fiebre intestinal que obligó a su esposa a derramar llanto por mera intuición femenina. Fue la oportunidad en que Contursi se entregó de lleno al desenfreno amoroso que lo impulsó a escribir tantas letras de tango. Finalmente un día tuvo que optar, y como hombre cabal volvió al lado de su esposa con intestinos sanos pero con el corazón destrozado al igual que Gricel, quien vio partir el tren destruida en sus afectos pero jurando no llorar nunca más.

Luego vino un epistolario amoroso que presentaba una marcada diferencia: las cartas que llegaban de Buenos Aires estaban impregnadas de profunda tristeza; las que partían desde Capilla del Monte lo eran con letra firme. Esto fue así hasta que un día, llegó una carta con la letra de “Gricel“.

Todo cambió: Don Egidio Viganó, su alemana esposa, los colectiveros y los residentes en la ciudad comenzaron a vivir un clima lacrimógeno y Gricel comenzó a ser llamada: “Gricel, la del tango”. No hubo concurso de belleza realizado en el Valle de Punilla que no fuese ganado por Gricel quien comenzó a frecuentar los bailes del Hotel Victoria de Capilla del Monte donde se disputaban el privilegio de bailar con ella. Todo era insuficiente, pero Gricel no quería llorar pese a su desventura y se propuso recomponer su vida.

Así fue que en la vieja y clásica Confitería del Plata de la ciudad de Córdoba, propiedad de Egidio Belloni, y en la que Gricel escuchó alguna vez a Gregorio Barrios cantar el bolero “Final”, conoció a Jorge Camba con el que contrajo matrimonio en 1949. Tuvieron una hija, Susana Jorgelina, pero hubo un problema: Camba también era afecto a las faldas y la abandonó en uno de sus frecuentes viajes al Chaco uniéndose a Vilma Rabez. Gricel tampoco lloró. Había heredado el fuerte carácter alemán de su madre. Sus días transcurrían aplicados a la educación de su hija, al dictado de clases de telar en dos colegios y al cultivo de los idiomas inglés e italiano.

Un día del año 1962 llegó a Capilla del Monte el célebre bandoneonista cordobés Ciriaco Ortiz. Le traía la noticia de la viudez de Contursi, jurando que no era emisario de nadie. También le transmitió que su gran amor sólo encontraba consuelo en el alcohol que consumía en la confitería El Molino. Nuevamente el fuerte carácter heredado de su madre se hizo presente y con algunas mentiras y excusas dirigidas a su hija partió en el ómnibus de la Costera Criolla rumbo a Buenos Aires. Se encontró con su gran amor en esa confitería. Contursi con su clásica apostura, traje gris, tiradores, luciendo canas y el aroma de la colonia Giesso. Gricel de la mano de su hija Susana.

Ignoramos excusas y perdones, pero a partir de ese momento Gricel viajó permanentemente a Buenos Aires alojándose en la casa de Contursi en calle Chaco nº 20, 3er. Piso “H”. Los hijos de Katunga a su vez viajaban a Capilla del Monte acompañando a Susana y su abuela alemana.
Pero una constante en la familia Contursi seguía presente: el alcohol, con el consecuente deterioro de la salud de Contursi. Fue entonces cuando Gricel tomó la decisión: “Nos vamos a Capilla del Monte”. Pero el whisky queda aquí. Gricel y Contursi volvieron a Capilla del Monte a disfrutar las puesta de sol sin obstáculo alguno. No obstante la salud de Katunga, sufría verdaderos estragos hasta que en Cosquín, localidad ubicada a solo 30 kilómetros de Capilla del Monte, el Dr. Santos Sarmiento logró una pausa en ese deterioro.

Fue sólo eso, una pausa, pese a lo cual el momento anhelado por Gricel y Contursi llegó el 16 de agosto de 1967, oportunidad en que en el folio 275, libro III, el párroco César Emilio Ferreira dijo:

«El día 16 de agosto de 1967, el infrascripto Párroco de Capilla del Monte en la Capilla de las Hermanas Cabrini, requerido y obtenido el mutuo consentimiento, unió en matrimonio a Don José María Contursi, de 56 años de edad, viudo de Doña Elina Zárate, con Doña Susana Gricel Viganó, de 47 años de edad, de estado soltera».

Una aclaración documental: Gricel contrajo matrimonio con Camba únicamente por casamiento civil. Para la Iglesia permanecía soltera.

El matrimonio duró cuatro años y nueve meses. Hacia 1970 frecuentaban la casa de un amigo común con el autor de esta nota, Emilio Velich, ex gerente de SADAIC e hijo de Juan Velich, en reuniones donde se desgranaban anécdotas y se cantaban tangos, pero la felicidad duró poco tiempo. El 11 de mayo de 1972 Contursi abandonó el tango y este mundo. Lo hizo en brazos del novio de Susana, Oscar Iacobelli, quien con lágrimas en los ojos, me confesó: «Contursi murió como era. Murió en mis brazos, como un señor». Gricel lo había acompañado hasta el día anterior pero presintiendo el desenlace no quiso llorar.

Gricel vivió luego en Villa Allende, localidad también ubicada a tan solo 35 kilómetros de Córdoba para finalizar sus días en la calle Las Palmeras nº 229 de Villa Rivera Indarte, en las cercanías de Villa Allende y Córdoba en una casa rodeada de palmeras y vegetación. En la casa vecina, ubicada en el nº 231, residió su hija Susana. Gricel tenía diagnosticada leucemia. No pudo vencer a la muerte pero sí venció al dolor. Falleció el 25 de julio de 1994 víctima de un derrame cerebral. Sus cenizas reposan en Villa Rivera Indarte, mientras que los restos de Contursi descansan en el Panteón de SADAIC en Buenos Aires.

José María Contursi dejó cuatro hijos de su matrimonio: el único varón, Lucio, falleció muy joven víctima de cáncer. Sus hermanas Ethel y Amalia residen en Buenos Aires y Hebe en la ciudad de Mendoza. Amalia, gran admiradora de las sierras cordobesas, vivió hasta hace dos años en la calle Las Palmeras 229.

La familia Viganó se prolongó a través de Susana Jorgelina, posteriormente de Iacobelli, en tres hijos: Santiago, Luciana y Gricel (15). Los que hemos tenido el privilegio de conocerlos podemos afirmar que las nietas de Gricel compiten en belleza con su abuela. Susana Jorgelina vive actualmente con sus hijas en la ciudad de Viedma donde ejerce su profesión de nutricionista.

Algo más en esta tierna y dramática historia: Jorge Camba y Vilma Rabez volvieron a Córdoba viviendo en la casa de Susana o sea contigua a la de Gricel durante dos años antes de la muerte de ésta y en una rara y perfecta armonía. Camba, por su parte, falleció en 1996. Vilma Rabez aún vive a la fecha de esta nota (marzo de 2002).

Es la historia real de un tango que conmovió a generaciones por su belleza y profundidad como todo lo que escribió Contursi, gran parte de los cuales estuvieron inspirados en este amor que por momentos parecía imposible.

Nuestra presencia en los lugares descriptos, unidos al contacto con los seres allegados a Gricel y a sus pertenencias, incluyendo a su perro “Colita” que aún la sobrevive no hacen más que reavivar lo que esta hermosa pieza musical ya provocaba en nuestra juventud.

Los Nocheros: Clásicos, el pecado original

noreply@blogger.com (Carlos) — Sun, 12 Aug 2012 10:55:00 +0000

Clásicos, el pecado original “Aquí cantamos algunas de las canciones que son el pecado original de los que nacimos folcloristas. Y que serán la manzana de las nuevas generaciones de cantores populares”.

Así presentan esta nueva producción Los Nocheros, que por primera vez graban un álbum con clásicos del cancionero argentino de autores como Atahualpa Yupanqui, Ariel Ramírez, Horacio Guarani, Oscar Valles y León Gieco, entre otros. “Clásicos” incluye 10 canciones grabadas en los Estudios Ion de Buenos Aires, y entre los invitados aparecen músicos de renombre, como Luis Salinas en “La compañera”, aportando su voz y guitarra, Jaime y Juan Cruz Torres con sus charangos en “Carnavalito del duende”, y el Chango Spaziuk con su inseparable acordeón en la canción “Merceditas”.

Tracklist de Clásicos, el pecado original:

1. Fuego de anymama
2. Maria va
3. La colina de la vida
4. Carnavalito del duende
5. Adios amada
6. Lopez Pereyra
7. La compañera
8. El arriero
9. Alfonsina y el mar
10. Merceditas

El grupo de folclore más importante del país presentará “clásicos (el pecado original)” el próximo sábado 20 de octubre de 2012 en el Teatro Gran Rex.

Fuente: Itematika

Mozart y Salieri

noreply@blogger.com (Carlos) — Sun, 17 Jun 2012 12:34:00 +0000

Cuando un genio muere joven, su vida y a menudo su muerte se hace una telaraña casi inextricable de especulaciones: reales, verosímiles, más o menos creíbles, increíbles. Con lo escrito sobre el salzburgués Mozart, el italiano Leopardi, el francés Rimbaud y el holandés Van Gogh podrían hacerse pequeñas bibliotecas o hemerotecas.

En el teatro y el cine –en todo el arte–, quién no lo sabe, importa la verosimilitud de lo contado, no lo que pasó estrictamente en la realidad diaria. Particularmente el poeta ruso Alexander Pushkin en 1830 y 134 años después el cineasta checo Milos Forman, recrearon de manera espléndida la fábula de época de la feroz envidia del compositor italiano Antonio Salieri contra Mozart: aquél, en una pequeña tragedia, Milos Forman en un extenso filme.

En 2010, en una impecable edición de la Pontificia Universidad Católica de Perú, aparecieron reunidas, bajo el título de Pequeñas tragedias, editadas y preparadas por el poeta peruano Ricardo Silva-Santiesteban, cuatro cortas piezas teatrales de Pushkin, de la cual la mejor es Mozart y Salieri, bellísimamente traducida en endecasílabos blancos por José Emilio Pacheco, The Great Translator. Es una obra magistral en su conjunto y línea por línea.
La envidia es el sentimiento negativo mejor repartido entre las personas que practican el mismo arte, oficio o profesión. En la breve tragedia de Pushkin, el tema central es la irresistible desesperación de Salieri ante la dicotomía entre el genial compositor y el hombre libertino y vulgar. Le parece una injusticia desoladora que él, habiéndose sacrificado desde niño y entregado del todo a la música, Dios no haya repartido más equilibradamente los dones: “Pido al cielo justicia. No hay derecho:/ el don sublime, la sagrada llama/ no son premio del rezo, la fatiga,/ los sacrificios, el trabajo duro./ No es justo, no lo es, que el don, la llama/ iluminen radiantes la cabeza/ de un loco, un libertino…”

Ignorando la envidia extrema de Salieri, Mozart lo considera muy buen amigo. El espíritu chocarrero de Mozart lo hace ir a casa de Salieri y llevarle un violinista ciego, alzado por él en una taberna de baja estofa, para que le toque un aria de Don Giovanni. Salieri echa furioso al violinista. Mozart empieza a tocar el piano y Salieri, seducido ante la maravilla musical, piensa que Mozart no es digno de Mozart. “Eres un dios/ y no lo sabes, Mozart. Pero en cambio/ yo sé que eres un dios.”

Envenenada el alma, ofendido y herido en lo más íntimo de sí a causa de su inferioridad, Salieri decide envenenarlo antes de que llegue “a cumbres más altas”. Se encaminan a la taberna El León de Oro. Por una referencia indirecta sabemos que se está en 1791: Mozart comenta que está componiendo el Réquiem. Una alusión anuncia el final de la obra. Mientras beben vino, Mozart recuerda a Beaumarchais que supuestamente envenenó a un amigo; Salieri dice que es falsa la historia; Mozart asiente, porque son incompatibles “genio y crimen”. En un descuido, Salieri pone veneno dentro de la copa de Mozart, quien alza la copa elogiándolo (lo que hace más dramática la escena): “Por tu salud, por la amistad de Mozart y Salieri, grandes músicos.” Mozart se pone al piano y toca su Réquiem. Salieri se conmueve y Mozart a su vez se conmueve por la admiración deslumbrada del colega. El veneno surte su efecto. Satisfecho, Salieri concluye: “No pasaré a la historia por mi música/ sino por el que ha matado a Mozart.”

La combinación Shaffer-Forman dio notables resultados. Como se sabe, Amadeusfue al principio una obra teatral y luego un filme. Autor de la primera y guionista del segundo, Peter Shaffer tuvo como modelo indiscutible, al menos en su parte central, la pieza de Pushkin, pero la historia y los personajes son mucho más complejos. Hay datos ciertos: las penurias económicas, la naturaleza orgullosa de Mozart y la cronología implícita de la obra mozartiana, pero en casi la totalidad la obra es mera ficción. Salieri, si lo fue, no ha de haber sido más envidioso del genio de Mozart que muchos compositores y hombres de música de la época.

Por demás, Salieri, en la vida real, fue un compositor notabilísmo y tuvo discípulos ilustres como Beethoven y Schubert. La Scala de Milán se inauguró con una composición suya. Sin embargo, para quienes desconocen la vida de Mozart, la leyenda de Salieri como el más acabado arquetipo del envidioso ha perdurado y perdurará en el imaginario popular, gracias a la maestría de Pushkin y Forman.

El filme (Amadeus) empieza muy bien y termina muy bien con las imágenes del entierro de Mozart la mañana del 5 de diciembre de 1791 bajo una nevada feroz. En vez de hablar al público o con Mozart, como en la obra de Pushkin, Salieri lo hace al final de su vida confesándose con un sacerdote en el manicomio adonde fue llevado luego de intentar suicidarse. No sin horror el cura oye las minucias de su historia. Pero en vez de haberlo envenenado, Salieri cree haberlo mandado al otro mundo obligándolo a un exceso de trabajo y cerrándole con intrigas palaciegas el acceso a discípulos y haciendo tarea de zapa contra sus obras. Pero Salieri, pese a la envidia infectada, reconoce en plenitud el genio de Mozart y lo ve como el instrumento de Dios para llevar la música a lo sublime, y una y otra vez hay el elogio total: “É≠l fue mi ídolo”, su música era algo que “nunca se había oído”, llegó “la belleza absoluta”… Si un ser de la ordinariez de Mozart es la encarnación de Dios, Salieri concluye, sólo se puede ser enemigo de Dios.

A diferencia de Pushkin, que apenas lo traza en un par de escenas, Shaffer y Forman hacen que Salieri lleve al extremo la ridiculización como persona del joven salzburgués, a quien llama “la bestia”, y a quien le endilga epítetos como ”bocón, lujurioso, obsceno e infantil”. En la obra de Pushkin, Mozart ve a Salieri como un gran amigo y un gran músico; en la cinta de Forman recela, lo mira con desconfianza, pero llega a creer en su amistad. Sin embargo, a Forman se le pasa la mano al final con el protagonismo de Salieri: resulta muy poco creíble para cualquier espectador enterado y avezado, aun como ficción, que en la misma noche del 4 al 5 de diciembre de 1791, ocurra el estreno de La flauta mágica (a la que asiste Salieri), que Mozart se desmaye en escena, que Salieri mismo lo lleve a su casa, que le dicte Mozart desde su lecho lo último que escribió del Réquiem, que regrese Constanze Weber –la mujer de Mozart– luego de haber abandonado al marido enfermo, y Mozart muera.

Cuando viví en Viena entre 1989 y 1991 hallé casualmente en una casa del centro histórico una placa que señalaba que allí moró Antonio Salieri; a Mozart, en cambio, en la que ha sido desde hace siglos la ciudad de la música, uno parecía encontrarlo y leer sus partituras y oír sus notas dondequiera. El Salieri creado por Pushkin y Rimski-Korsakov, por Schaffer y Forman, me parece, habría visto eso como la continuación natural de la terrible injusticia de Dios.

(Extractado de La Jornada Semanal http://www.jornada.unam.mx/2012/06/17/sem-marco.html )

Hollywood se despeluca en "Rock of Ages"

noreply@blogger.com (Carlos) — Wed, 13 Jun 2012 01:57:00 +0000

Un reparto de altura liderado por Tom Cruise y dirigido por Adam Shankman, todo un experto en musicales, se desmelena y disfruta del clásicos de los 80 en "Rock of Ages".

Tom Cruise en la película "Rock of Ages".

Esta adaptación del famoso musical homónimo de Broadway, sobre una joven pareja que se conoce en el Sunset Strip de Hollywood mientras buscan hacer realidad sus sueños, cuenta con un elenco donde aparecen Catherine Zeta-Jones, Russell Brand, Alec Baldwin, Paul Giamatti, Julianne Hough, el mexicano Diego Boneta y la cantante Mary J. Blige.

"Tom Cruise es el que mejor canta de todos ellos", dijo Blige a Efe. "Me sorprendió que pudiera cantar de esa manera. Y también Catherine. Su versión de 'Hit Me With Your Best Shot' es prueba de ello", añadió la célebre artista.

Esa canción es solo una de las veinte que aparecen a lo largo de la película versionadas por el elenco del filme, todas ellas clásicos del rock a cargo de grupos como Def Leppard, Foreigner, Journey, Guns N Roses, Twisted Sister o Bon Jovi.

La historia de la cinta se desarrolla en 1987 y gira alrededor de lo que ocurre en The Bourbon Room, un club con problemas económicos que acogerá la última actuación de la mayor estrella del rock del momento (Stacee Jaxx, el personaje de Cruise) antes de que emprenda su andadura en solitario.

Ese personaje supone el regreso del actor a la comedia tras los buenos resultados obtenidos en "Tropic Thunder" -fue candidato al Globo de Oro-, cuyo coguionista, Justin Theroux, vuelve a intervenir aquí en el guion.

"Desde que Tom es padre se escucha más música en su casa, ha comenzado a ver más musicales y pensó que sería divertido participar en uno", explicó Shankman a Efe.

"Me propuso trabajar juntos y yo le ofrecí ser una estrella del rock. Aceptó encantado, pero no lo haría si no lograba cantar bien y tampoco iba a consentir que sustituyéramos su voz. Así que hizo un gran trabajo con un entrenador vocal", añadió.

Las grandes apuestas del filme llegan de la mano de Zeta-Jones, que da vida a una ultraconservadora en su primera gran producción desde "The Legend of Zorro" (2005), y la pareja cómica formada por Brand y Baldwin, que encarnan a los socios al frente del club nocturno.

"He hecho varios papeles de villana en mi carrera, pero siempre resulta divertido, especialmente en una película así, donde te puedes desatar", dijo la actriz galesa, ganadora del Óscar por el musical "Chicago". "Nadie hace musicales como Adam. Por él dije que sí al guion antes de leerlo. Sabía que estaba en buenas manos", agregó.

La esposa de Michael Douglas, centrada en su familia últimamente, ha intervenido en tres películas en los últimos siete años, pero avisa al público de que volverá a estar muy presente en la cartelera.

"Me siento genial al estar de vuelta. Es como regresar a casa. Voy a empezar mi sexta película en un año así que me van a ver mucho más", apuntó Jones, quien volverá con los suyos a Mallorca en verano. "Nos encanta. Es como nuestra casa y a nuestros hijos les encanta", afirmó.

Por su parte Brand protagoniza uno de los grandes momentos de la película con un beso en la boca lleno de pasión a Baldwin.

"¿Viste la química? Fue tan real. Cuando miro a los ojos de Alec siento pasión en mi corazón. Me siento como Don Quijote, veo molinos, todo es como un sueño. La realidad es sólo una ilusión. Sólo hay amor en el mar de sus ojos. Todo eso se puede ver por el precio de la entrada", manifestó a Efe un jocoso Brand.

Otro beso, mucho más cómico y desatado, es el que se dan Cruise y Malin Akerman.

"De hecho, no sé si se le puede llamar beso", comentó entre risas la actriz. "Adam me dijo que nos volviéramos locos, que nos chupáramos enteros. Me moría de la risa grabando ese momento", detalló Akerman, que conoció a su esposo en 2002 tocando en una banda de rock precisamente en el Sunset Strip y que en la película encarna a una periodista de la revista Rolling Stone cuyas preguntas hacen que Jaxx se replantee su forma de ser.

"Jaxx es una figura ficticia, pero a veces es la mejor manera de hablar de cosas reales", indicó Brand. "Jaxx personifica la idea del hedonismo y la desilusión. Está solo, pero cuando descubre el amor llega a la felicidad. Es un mensaje interesante", apostilló el británico.

(Extractado de Cromos)

Zaz: Aunque a veces he perdido el hilo de la música, ella siempre me ha encontrado

noreply@blogger.com (Carlos) — Tue, 29 May 2012 01:34:00 +0000

‘Aunque a veces he perdido el hilo de la música, ella siempre me ha encontrado’. Así se presenta Zaz, cantante francesa que el 1 de mayo de 2010 presentaba su nuevo disco, nueve días después de cumplir los 30 años…

En 2001 Isabelle Geffroy respodía a un anuncio en el que la orquesta de variedades del sur de Francia ‘Don Diego’ pedía cantante. Isabelle firma su colaboración con una Z. Ya tiene seudónimo. De esa primera banda se lleva las influencias africanas, árabes o brasileñas que se mezclan con el blues que había empezado a estudiar en Burdeos tan solo dos años antes.

En 2006 marcha a París. Se la pudo oír rapear por las calles de Montmartre junto con sus amigos, y cantar en los cabarets y piano-bar del bohemio barrio francés. Un año después llegaría un nuevo anuncio:‘Se busca voz de jazz cascada’. ‘Esa soy yo’ contestó, y tres años después tenemos en nuestras manos Zaz. Este disco homónimo es una de las joyas de lo que ella misma califica como nu-jazz, soul y acústica.

Lo cierto es que se trata de un disco de canciones pegadizas, animadas y que son buena compañía a cualquier hora del día. En Francia están volcados con ella: una conocida tienda de origen francés ya vende sus discos en nuestro país, y el diario, francés, Le Figaro ha dicho ‘una voz que molesta y seduce’. No estamos de acuerdo, su voz es perfecta para el jazz manouche que salpica todo el disco, para los estribillos pícaros.

La autoría de la mayoría de las 11 canciones del disco se la reparten la propia Isabelle y Raphaël (no el nuestro, sino el joven francés Raphael Haroche, de padres argentina y ruso marroquí). Y aunque el idioma se nos pueda escapar un poco, la espectacularidad de la composición de la melodía supera cualquier reticencia o pereza al oir cantar en francés.

Canciones como ‘Les passants’, ‘Le long de la route’ o ‘Prends garde à ta langue’ bien podían haber sido el single de presentación… sin embargo, ha triunfado ‘Je veux’ una canción que desde el primer segundo te arrastra hasta marcarte a fuego el ‘pa para papa parai’. Pulse y pruebe usted mismo a continuación!!

(Extractado de "La cara B de la musica)

Pequeña biografía de "Tanguito" (Ramses)

noreply@blogger.com (Carlos) — Sat, 19 May 2012 16:43:00 +0000

Su verdadero nombre era José Alberto Iglesias, y nació el 16 de Septiembre de 1954 en San Martín, provincia de Buenos Aires. Desde chico se interesó en la música y por tal motivo dejó el colegio. En su barrio, lo bautizaron peyorativamente "Tanguito", pero él no aceptaba el sobrenombre, y como seudónimo se hacía llamar "Ramsés". En 1963 se integra al conjunto "Los Dukes", y debutó discográficamente junto a ellos en dos simples. Antes de cumplir un año en la banda, abandonó su participación con la intención de hacerse solista.

Ya para ese entonces su adicción a las drogas crecía día a día. Frecuentaba "La Cueva", boliche en cuyo escenario rotaban por esos días Los Gatos, Los Beatniks, Manal, Miguel Abuelo, Moris, Vox Dei y Billy Bond.

Fue en el baño de la pizzería La Perla del Once donde Tanguito comenzó a componer “La Balsa”, en colaboración con Litto Nebbia. En Junio de 1967Litto Nebbia y el conjunto que había conformado con Ciro Fogliatta, Los Gatos, graban “La Balsa” y debido a su éxito comienza la leyenda de Tanguito.

Tanguito se convierte en uno de los protagonistas del nacimiento de los hippies argentinos. En Enero de 1968 entra a los estudios RCA para grabar su primer simple como solista con los temas “La princesa dorada” y “El hombre restante”, compuesto a partir de la idea de Javier Martínez, de escribir sobre el único hombre que sobrevivió a la guerra nuclear . El disco se edita en Abril con el pseudónimo de Ramsés VII. A esta altura, Tanguito manifestaba su adicción a las anfetaminas inyectables. No cometía delitos graves, pero acumulaba antecedentes. La policía lo perseguía por sus drogas y su mal comportamiento, como tomar un taxi y no tener plata para pagarlo. Sus amigos y allegados lo llevan a un estudio de grabación para realizar pruebas de sus canciones, pero Ramsés no coopera y ofrece resistencia.

En 1971 fue detenido y acusado de narcotraficante. En Mayo de 1972 Tanguito es internado en el Hospital Borda y alternaba entre el Servicio de Toxicomanía 30 bis y la unidad 13 , destinada a la internación de enfermos mentales. El 19 de Mayo de ese mismo año se escapó del Borda bajo los efectos de los fármacos que le eran suministrados para contrarrestar el sindrome de abstinencia de anfetaminas, y muere bajo las ruedas del Ferrocarril San Martín, en un intento de regresar a la casa de su madre en la localidad de Caseros. Un año después, el sello Talent edita un disco con las pruebas que Ramsés había hecho en estudio más los dos temas de su primer simple como solista. Eso es todo el registro que queda de esta leyenda del rock nacional argentino, Tanguito, o como a él le gustaba que lo llamaran...Ramsés.

(Extractado de CMTV el portal de la música)

Kiss se juntó para la serie "Gene Simmons: Joyas de Familia"

noreply@blogger.com (Carlos) — Thu, 10 May 2012 02:05:00 +0000

El ‘reality’ de TV inicia su quinta temporada con nuevas historias y nuevo horario

En estreno absoluto para América Latina llega la quinta temporada con nuevas historias y anécdotas de los Simmons-Tweed, entre ellas la celebración de los 60 años de Gene y la reunión de la banda Kiss.

Muchas cosas están pasando en la vida de Gene Simmons. Cumple nada menos que 60 años y sus hijos, Nicky y Sophie, ya son adolescentes.

En el nuevo horario de los martes a las 10 p.m. (hora de Perú), este 15 de mayo se estrena vía el canal BIO, en exclusiva para América Latina, el estreno de la quinta temporada de “Gene Simmons: Joyas de Familia”, la misma que llega a su episodio número 100.

Además, en esta temporada —por primera vez en la serie— estarán presentes todos los integrantes de la banda Kiss.

(Fuente: El Comercio, Perú)

Zoë Keating, la magia del chelo

noreply@blogger.com (Carlos) — Sun, 06 May 2012 21:27:00 +0000

Zoë Keating es una violonchelista canadiense y compositora, que vive en San Francisco, California.

Su música está a un nivel más alto que el de la electrónica (que suele usar) y de la acústica; es una mezcla entre calma y tempestad.

En sus actuaciones y grabaciones en solitario, utiliza electrónica en vivo y de repetición. Antes de su lanzamiento como solista fue parte de la banda de rock Rasputina.

Ha grabado varios álbumes de manera independiente con gran éxito de ventas. Se ha presentado en vivo a través de la radio pública de Canadá, en conciertos en el desierto de Nevada, en iglesias medievales, en pubs punks y en recintos para el público joven de Europa y Estados Unidos.

Más allá de todos sus antecedentes y su aspecto irreverente, vale la pena escucharla y deleitarse con esta grata sorpresa para los oídos.

Su más reciente trabajo es Into the Trees… recomendado!