Varios son los orígenes del resultado de esta preciosa caja de resonancia cual por sus rasgos se le denomina como guitarra moderna. Antecesores como el oud y el rebab, instrumentos de origen árabe, inspiran a la evolución del laud. Pero, de forma mas directa, la guitarra moderna es el resultado de la evolución de la guitarra barroca cuyos principales fabricantes eran de origen italiano y alemán, tales como un Giovanni Tesler o Joachim Tielke. El verdadero auje de este tipo de guitarra es principalmente en el siglo XVII tanto por la escuela de luthiers italiana como la escuela francesa de la corte del rey Luis XIV. Esta era una guitarra que constaba de cinco ordenes de cuerdas dobles. La familia Voboam es de las sobresalientes de la escuela francesa en la laudería de la guitarra barroca.

Pues adelantémonos dos siglos he ubiquémonos en la época romántica por ahí del siglo XIX donde aparece la culminación del advenimiento de la guitarra moderna. La guitarra rómantica, mas larga y mas sencilla que la barroca, ya no contaba con cuerdas dobles, se le añadia una cuerda sencilla mas y ya no contaba con ornamentos tan espectaculares, cosa que evitaba socavar la acústica y sacarle el mayor provecho sonóro.

Entonces, ¿cuando nació la guitarra moderna? Aquella guitarra cuyo estándar es como la conocemos hoy día, nace en la provincia de Andalucía, donde sus principales centros de fabricación se le atribuyen a ciudades como Cádiz, Granada y Sevilla remontandose a mediados de siglo XIX. El padre de la guitarra moderna, Antonio Torres, el Stradivarius de la guitarra, es aquel que mediante sus inovaciones hace que el instrumento evolucione a la forma clásica que conocemos actualmente. Esas inovaciones serían como ejemplo el sistema de baritaje cuyas medidas y proporciones se basan en una lógica geométrica que se ha perpetuado y establecido como estándar.

Si estamos hablando del padre, Antonio Torres, no podemos dejar a un lado a Francisco Tarrega que fue uno de sus fieles clientes y el más representativo embajador. Importante nombrar a este compositor, ya que éste tuvo interés en combinar la tendencia romántica que prevalecía en música clásica con los elementos populares españoles dando así los fundamentos de la técnica de la guitarra clásica del siglo XX y de interés creciente por la guitarra como instrumento protagónico. La guitarra en este entonces ya era un instrumento completo del cual se podían hacer composiciones dignas.

Y esto es básicamente el principio de un instrumento del cual su afinación y estructura armónica actual no cambia a pesar de diverger en todos los estilos musicales donde es partícipe. En la siguiente entrega viajaremos al nuevo continente para hablar de la introducción de la cuerda de acero, la dinastía Martin y demas constructores americanos del siglo XX.

Esta banda multiétnica de Melbourne continúa llevando el mensaje de paz, igualdad y equidad característico de las bandas de ese género que se encuentran en todo el mundo. Ahora bien, es de extendido conocimiento que Francia y Argentina son países en donde este movimiento, tanto social como musical, tiene muchos representantes y seguidores, de ahí que siga en auge, pero ampliando un poco más el horizonte les presentamos esta recomendación desde Oceanía que vale mucho la pena considerar.

Son ocho integrantes en donde destacan la voz femenina de Natalie Pa’apa’a, quien se encarga de la voz y la guitarra, Carlo Santone en el bajo, Salvador Perisco en las percusiones, Sam Cope en los teclados, Peter Wilkins en batería, además de Ngaiire Joseph, Linden Pomare, Haile Cramer y Jess Harlen en coros y voz. Todos proponiendo distintas influencias desde África y Europa, pero con un mismo proyecto el reggae.

“Blue King Brown es mi banda favorita actualmente. Abarcan todo lo que amo en la música, como desde lo que hace Ozomatli, algunas bandas africanas, Tower of Power hasta Santana. Ellos tienen la voz de la calle y la banda del futuro”, Carlos Santana.

Continuando con ese mensaje de revolución a ritmo de –urban roots- esta banda se encuentra ya haciendo giras por Japón, Canadá, Estados Unidos y algunos lugares más. Todo esto con apenas un EP y un álbum, Blue King Brown y Stand Up respectivamente.

Queridos lectores en verdad para los que gusten del afrobeat, urban roots, reggae, y demás géneros colindantes esta es una excelente recomendación.

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Anteriormente ya habíamos comentado sobre la participación del canta-autor argentino en el Festival Vive Latino, pero ahora les presentamos las siguientes fechas y ciudades del interior de la república:

19 de Mayo

Auditorio Luis Elizondo, Monterrey

22 de Mayo,

Auditorio Telmex, Guadalajara

24 de Mayo,

Auditorio Siglo XXI, Puebla

Esto como parte de una nueva gira que realiza para presentar su última producción, OBRAS INCOMPLETAS, la cual incluye videos, canciones inéditas, libros, entrevistas, fotos de giras, y que se encuentra a la venta en España desde el 7 de abril, mientras que en el resto del mundo desde el 21 del mismo mes.

Argentina, España y México son los destinos de Calamaro para presentar esta joya íntima del argentino. Al parecer la cálida recepción que tuvo el 13 de Octubre pasado le dejó claro que si en algún lugar es igualmente bienvenido que en su residente España o su natal Argentina, es aquí, en su tan inspirador México.

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La capacidad que posee la música para influir en los sentimientos y la conducta de los seres vivos es tan grande y poderosa que es imposible evitar sucumbir a ella. Dime que escuchas y te diré quien eres.

Esta cualidad de la música en ocasiones resulta tan cautivadora que es capaz de despertar en los seres humanos sentimientos incontrolables. Sin embargo, otras veces la música es usada simplemente como un vil y miserable pretexto para idolatrar a otros seres humanos, es entonces cuando nuestra percepción musical se contamina, se desvirtúa, traiciona a nuestros propios sentidos y dejamos de valorar el contenido y la calidad musical para ver en la imagen del artista un modelo a seguir y una influencia constante a nuestra conducta.

Resulta lamentable y hasta cierto grado patético, ver muchedumbres enardecidas capaces de protagonizar actos de todo tipo llevándose entre los pies y como pretexto el honorable arte de la música. Por citar un ejemplo, mencionaremos uno de los actos mí¡s vergonzosos y alarmantes que podemos encontrar: cientos de jóvenes en Brasil provocan una avalancha en firma de autógrafos del grupo musical mexicano RBD dejando un saldo de 3 muertos y 30 heridos.

Sin tratar de ofender a nadie y mas bien en un intento de abogar a la lógica y la razón ¿De qué llenan su cabeza los fans que escuchan a RBD para hacer actos como ese? Y no vayamos tan lejos, no es necesario hablar de muertos y heridos, basta con analizar el comportamiento de millones de jovencitas que en plena pubertad al ver en vivo a su estrella pop favorita, son capaces de desgarrar literalmente a gritos el oí­do de cualquiera que les escuche.

No importa el género, faní¡ticos desubicados los hay de todas clases. Una de las anécdotas mí¡s incomprensibles por parte del público, nos dirige a Chile. Ahí­ los fans en muestra de una euforia desmedida son capaces de bañar a escupitajos y gargajos a sus artistas de Rock favoritos. Todo empezarí­a en 1992, un concierto de la banda Kreator en Chile darí­a inicio a una asquerosa tradición de ese público que se repetirí­a años mas tarde con artistas como Slayer, Iron Maiden, Marilyn Manson, Faith No More y Deftones.

La reacción por parte de los artistas en cuestión fue diversa. Desde Blaze Bailey de Iron Maiden que enfurecido pidió matar a los fans que le escupí­an, hasta Mike Patton de Faith No More que devolvió al público la lluvia de fluidos corporales y los reto a afinar punterí­a y acertar en su boca, que decir de el siempre fantoche de Marilyn Manson que extendió sus brazos e insto al publico a que le escupieran mas. La pregunta vuelve a surgir, ¿De qué llenan su mente estos faní¡ticos en Chile para hacer actos como estos? Podrí­amos decir que de todo menos de percepción musical.

¿De verdad es tan difí­cil tratar de encontrar estética en la música que uno escucha? ¿O solo se trata de algo completamente trivial, carente de importancia? Tal parece que en casos como los dos ejemplos que hemos citado, la música pasa al último de los términos. Y es que la gran mayorí­a de los seres humanos define lo que escucha según las costumbres y tradiciones de su zona geogrí¡fica. Hasta cierto punto podrí­amos hablar de que el entorno en que crece el individuo ejerce en el una especie de presión que le obliga prí¡cticamente a escuchar lo que en apariencia es lo normal para su cultura, lo correcto, lo popular. A cuantos de nosotros nos habrí¡n gritado nuestros padres ‘bí¡jale a ese ruidajo’ o nos habrí¡n inquirido con suma extrañeza ‘¿pues que es eso tan raro que escuchas?’. Estamos entonces hablando que las personas no desarrollan un ‘gusto musical’ propio, sino mas bien adoptan, sea por conveniencia o tradición, los gustos de sus allegados.

La vida esta llena de contradicciones, y esta es una de ellas. Aquellos que osan idolatrar a un artista, al mismo tiempo ignoran el presunto arte que este desarrolla. Que ironí­a. Se limitan a copiar un patron de conducta antes de siquiera pensar en la posibilidad de crear el propio. Analizar el valor de lo que escuchan, plantearse que tan horroroso o hermoso es lo que perciben, es algo que en definitiva no entra en sus planes.

Entonces seria prudente de nuestra parte hacer un auto examen, tratar de vernos a nosotros mismos, los locos, en apariencia diferentes, los llamados melómanos. Detenernos, hacer esa pausa de reflexión y ejercicio de empatí­a para ponernos en los zapatos de aquellos que son mayorí­a, para quienes somos poco menos que unos extraños. ¿Sera acaso que es verdad lo que ellos dicen? ¿Sera que los locos somos nosotros y que el tratar de analizar y debatir sobre música solo es una muestra de un avanzado desorden emocional?

En busca de la estética

Locos o cuerdos, no hemos de ser los primeros ni los últimos en buscar estética dentro del arte y mí¡s concretamente dentro de la música. Estudiar la esencia y la percepción estructural de los ritmos y silencios, elevar dicho estudio al nivel de ciencia, una ciencia que trata la belleza de la teorí­a fundamental y filosófica de aquello a lo que llamamos arte, implica mí¡s pasión de lo que cualquiera pudiera imaginar.

Se trata de estudiar las razones y las emociones dentro de una obra. Es querer encontrar donde se ubica la divina proporción en una cambiante nube de agua que cruza el cielo azul de una nota musical. Tratar de dominar la filosofí­a para explicar la etimologí­a y cualidad de una melodí­a. Reflexionar a partir del origen sistemí¡tico del sentimiento puro y manifestación del arte mismo valiéndonos de la historia, las matemí¡ticas, la quí­mica o la fí­sica, desenterrando una fuente inagotable de inspiración, generando mas y mas arte involuntario, y al final entre mas estudiamos, entre mas descubrimos, mas aprendemos y a la misma vez mas interrogantes nos surgen pues navegamos sobre un mar indescriptible de sensaciones que no se pueden definir y que solo son entendibles al sentirlas.

El gran filosofo alemí¡n Immanuel Kant definirí­a así­ su concepto de estética dentro del arte: “Para discernir si algo es bello o no, referimos la representación, no por el entendimiento al objeto con vistas al conocimiento, sino por la imaginación (tal vez unida al entendimiento) al sujeto y al sentimiento de agrado o desagrado experimentado por éste”. La estética no se funda en conceptos, no se puede medir: “No puede haber ninguna regla de gusto objetiva que determine por conceptos lo que sea bello, puesto que todo juicio de esta fuente es estético, es decir, que su motivo determinante es el sentimiento del sujeto y no un concepto del objeto”. No hay ciencia sino crí­tica de lo bello. La sensación sensorial es incomunicable. La comunicación viene de lo común (u ordinario) a todos.

Esa es la enigmí¡tica maravilla que encierra el lenguaje universal, la música. Cuando nos enfocamos en ella sin prejuicio, cuando le concedemos libertad absoluta para enseñarnos, descubrimos que se trata de una cosmogoní­a infinita, comparable al tiempo y el espacio. Jamí¡s escucharemos lo suficiente para entenderla o perder la capacidad de asombro, constantemente surgirí¡n sonidos nuevos, sensaciones nuevas, capaces de despertar en nosotros sentimientos ocultos de los cuales, con seguridad, ignorí¡bamos su existencia.

Que nuestra exploración musical vaya mas allí¡ de lo que nuestros allegados frecuentan, de lo que esas predecibles radiodifusoras locales transmiten, pero sobre todo, sean cuales sean nuestros gustos, nunca elevemos al artista por encima del arte mismo, nunca contaminemos nuestra intuición con la imagen que penetra nuestros ojos ni agudicemos el oí­do al ‘nombre’ mí¡s que a la música. Dejemos de llenar nuestra cabeza de publicidad y en un acto de independencia y de querer evolucionar como seres vivos centrémonos mejor en descubrir, conocer y tratar de encontrar lo que otros ignoran, demostrando lo que somos a través de lo que escuchamos.

LAXULA, NUESTRA SEñORA DE LA CONTRADICCION, vehiculo musical del desconcierto, la ausencia, la experiencia del desarraigo y el exilio del corazón, que se parió a si misma en la ciudad de Londres, de pie y en casa, con dolor, sangre y mucho amor, como se parí­a antes….

Una mezcla de estéticas folk mediterraneas pero al mismo tiempo con aires balcánicos y gitanerias flamencas de vuelta. Del desgarrante bolero mestizo mexicano al visceral y apasionado tango rio-platense. Una rareza ecléctica concluida a manera de cante jondo con alta influencia magrebí­.  Lo mas parecido a lo que vendrí­a a ser un infierno turco. Obscuro y esquisito…

Me recuerda mucho a la desintegrada banda francesa de Ekova, aunque también me hace recordar en momentos a Chabela Vargas. Aunque si me piden que lo clasifique dentro de algún manifiesto musical lo harí­a con elBicho y Ojos de Brujo. Una auténtica joya etno-musical.

La música que nos trae la Xula es un festí­n de colores, es una fiesta pagana. Ritmos lentos, pesados, nervudos.  Hace refrencias a Kali, Lilith, Hecate, Oya, Sheela na Gig, Olocum, Ertzuli, Bauboo a Persefone. Hipnotiza, embriaga y posee. Música propia de lo dionisiaco. Ambientaciones neo-burlescas.

Se dice que Monte, cantante y compositora, buscaba un gato por las calles hasta toparse con un ente musical que la llevo por demas encarnaciones y aventuras y así­ acabar conformando este proyecto. In X-ile es su primer í¡lbum producido por Kapa Productions, casa productora basada en Londres.

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