With Music In My Mind

2012 - Big Fox - Premier Disque Eponyme - Review / Chronique

2012-01-30T20:03:00.000+01:00

Big Fox by Sabrine Carrein on Grooveshark

Je ne peux m'empêcher de tomber en émoi pour une belle scandinave talentueuse et cette année 2012 débute sur les chapeaux de roue avec ce nouveau talent en provenance de Suède qui répond au doux nom de Big Fox. C'est vrai que celle qui se cache derrière Big Fox : Charlotta Perers a déjà tout d'une grande : auteur, compositrice, productrice, multi-instrumentaliste, et surtout, car c'est le premier contact que l'on a avec sa musique, elle est incarnée par une voix céleste à la fois douce, légère et profonde, possédant des aspérités qui me font chavirer, une rencontre qui s'impose comme un coup de foudre. Signée sur l'excellent label indépendant suédois Hybris , Big Fox a sorti un premier opus éponyme pop d'une telle qualité, maîtrise et maturité qu'elle ne peut que briller cette année pour rejoindre les autres étoiles scandinaves : Jenny Wilson, Frida Hyvonen et américaines : parce que les influences de Feist et de Cat Power sont évidentes (et l'artiste ne s'en cache d'ailleurs pas). Cependant, Charlotta Peters possède la petite étincelle (dixit le talent) pour imposer son savoir faire et sa personnalité sur une scène musicale débordante d'artistes intéressants, pour cela il suffit de se montrer curieux.

Le disque s'ouvre sur le délicat électro pop de Boring Ones accompagné de chorus exotiques et d'une mélodie irrésistible, un bijou de pop music comme on voudrait davantage entendre sur la FM. Cut You Out et Grow Up continuent sur une lancée toute en légèreté l'un sur base de sifflotements et l'autre sur fond de percussions bricolées et ludiques, deux titres formidablement enjôleurs. Passées les trois premières pistes réjouissantes, l'album prend une tournure plus sérieuse avec Why, Oh Why une sublime ballade au piano finement orchestrée débordant d'une émotion sous-jacente avant de nous faire frémir sur Dear Therapist, un somptueux morceau qui fini sur une envolée musicale magistrale. Si Saturday renoue avec des sonorités pop électroniques, au service de ce morceau malicieusement désabusé, ce n'est qu'un interlude de luxe pour mieux nous replonger dans les méandres de l'âme humaine sur le déchirant Tired, un morceau époustoufflant qui n'est pas sans rappeler l'un de mes morceaux favoris de Feist : The Limit To Your Love. Easy, Thank You et Too Late, les derniers morceaux de l'opus sont de véritables joyaux qui instaurent des ambiances cotonneuses et mélancoliques distillant beaucoup de grâce et d'émotions. Un opus pop raffiné classe, sobre et brillant. Impossible de demander davantage.

Big Fox s'impose par le biais de son premier Lp comme une artiste incontournable de 2012. A découvrir de toute urgence. Right Now.

Note Finale : 18/20

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2011 - The Sandman's Orchestra - Silver Linings - Review / Chronique

2012-01-28T20:02:00.002+01:00

&lt;p&gt;&lt;p&gt;&lt;p&gt;&lt;p&gt;&lt;p&gt;&lt;p&gt;&lt;p&gt;&lt;p&gt;&lt;p&gt;&lt;p&gt;&lt;p&gt;&lt;a href="http://thesandmansorchestra.bandcamp.com/album/silver-linings"&gt;Silver Linings by The Sandman's Orchestra&lt;/a&gt;&lt;/p&gt;&lt;/p&gt;&lt;/p&gt;&lt;/p&gt;&lt;/p&gt;&lt;/p&gt;&lt;/p&gt;&lt;/p&gt;&lt;/p&gt;&lt;/p&gt;&lt;/p&gt;

C'est une histoire de famille. Lors d'un déjeuner, Léonie Gabriel, âgée de 15 ans, prend sa guitare et décide de chanter quelques reprises devant les membres de sa famille. C'est à ce moment précis que survient le choc : celui de la découverte d'une voix exceptionnelle, d'une maturité, pureté et clarté exceptionnelles. Ce mini concert n'est pas tombé dans l'oreille d'un sourd : Pierre Laplace son oncle, impressionné, lui propose de travailler avec lui. En effet, ce dernier n'est pas un inconnu sur la scène musicale, il a fait partie du groupe lillois Vera Clouzot qui a existé pendant une petite quinzaine d'années et sorti pas moins de quatre opus studio, leur musique pouvant être comparée à Smog et Red House Painters. C'est ce déjeuner qui fut la première pierre à l'édifice de leur projet The Sandman's Orchestra.

Leur premier opus Silver Lining, apparu uniquement sur la plateforme Bandcamp en 2011, est un disque de folk/jazz noir au service de la superbe symbiose existant entre les deux protagonistes : Léonie chante avec intensité et sincérité les beaux textes subtils poétiques de Pierre Laplace et celui-ci s'avère une partenaire vocal aussi complémentaire qu'indispensable avec sa très belle voix grave et captivante. Ce qui est le plus agréable, à l'écoute de ce merveilleux et inattendu disque, est qu'il ne ressemble à rien d'autre, ne souffre d'aucune comparaison, car le duo a réussi à créer, en l'espace d'un seul disque, un univers musical remarquable : personnel, intimiste, so(m)bre et profond. Silver Lining résulte d'un travail d'orfèvre particulièrement minutieux : de son écriture à la production, Pierre Laplace a maîtrisé son sujet, ce multi-instrumentaliste a expérimenté, pendant deux ans dans son studio personnel, afin de peaufiner chaque détail et cela s'entend, rien n'est laissé au hasard juste celui des émotions qui en découlent car Silver Lining fait partie de ces grands et beaux albums dont on ne se lasse d'écouter.

Dès son ouverture sur Cast A Shadow, le sort est jeté, le charme opère immédiatement sur base de quelques notes de banjo auréolées de la présence angélique de Léonie et avec en arrière plan, comme une ombre inquiétante, celle du destin, la voix de Pierre. Sans prévenir, l'élégante ballade How Lonely tisse une toile délicate dans laquelle nous nous retrouvons comme engourdis devant sa beauté vénéneuse et troublante. Une merveille qui en appelle souvent une autre cette fois-ci sous la forme du cabaret jazz May Flowers, ce titre, smoky à souhait, donne littéralement le vertige avant que le subtil et planant You Won't Be Lost nous réchauffe quelque peu avec sa douceur indolente et son refrain sensuel. Le tempo accélère et l'ambiance se fait plus sentencieuse sur le surréaliste To The Moon dont le coeur bat au rythme des belles vocalises de Léonie. Qu'il est bon se laisser bercer sur le mélodieux duo délivré sur le sublime et hypnotique How We Used To Feel et émouvoir sur la berceuse à fleur de peau Cradle Of Light. Renouant avec des sonorités folk roots, Hello Stranger enchante de par la grâce véhiculée par le chant élégiaque de Léonie et la subtilité des arrangements ainsi que la sobriété parée d'habits jazzy qui habite le lucide et noir The World Won't Remember Your Name. The Darkest Waters permet un solo de toute beauté de Pierre Laplace avant que l'opus clôture sur l'épique et magistral Everything Comes Alive, une plongée, au coeur des ténèbres, dispensée par cet orchestre du marchand de sable tout à fait hors du commun.

Je vous recommande personnellement de vous procurer cette pépite folk/jazz sur bandcamp qui est disponible en version digitale et physique à des prix plus que raisonnables afin de contribuer et entretenir cette fibre artistique indépendante précieuse. Un album magnifique qui requiert absolument une suite aux aventures musicales de ce duo.

Note Finale : 17,5/20

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Bandcamp

2012 - 907Britt - Middle of the Rainbow - Review / Chronique

2012-01-26T17:22:00.003+01:00

&lt;a href="http://907britt.bandcamp.com/album/middle-of-the-rainbow"&gt;Middle of the Rainbow by 907Britt&lt;/a&gt;

Je comptais vous introduire à Britt Arnesen par le biais de son premier Lp Continental Divide (vous pouvez l'écouter en entièreté et vous le procurez sur ce lien Bandcamp) mais faute de planning surchargé, je n'ai pas eu ou pris le temps, je ne peux revenir en arrière mais avec le recul je trouve que son second opus Middle Of The Rainbow mérite davantage qu'on s'y attarde. L'américaine connue sous son 907Britt, pour la petite histoire elle est née et élevée en Alaska et le 907 correspond au préfixe téléphonique de cet état américain, est une artiste indépendante qui écume les scènes du Montana, de Washington et d'Alaska depuis quelques années.

En 2010, Continental Divide s'imposait comme un charmant album pop/folk candide et touchant cependant il est indubitable que Middle Of The Rainbow s'avère davantage abouti, sobre, on sent que la jeune artiste a beaucoup travaillé pendant les deux années qui séparent les deux disques afin de peaufiner et d'étoffer son répertoire musical. Ce nouvel opus sorti il y a seulement quelques jours, diligenté par le musicien Richie Reinholdt, est un petit bijou de folk teinté de blues voire de bluegrass.

C'est si joliment réalisé et le résultat est si spontanné, ravissant, sincère et chaleureux que j'ai littéralement fondu pour Middle Of The Rainbow et en particulier pour ces titres : le rustique No Kind Of Angel, la sexy attitude sur Come On Over, le sensible et émouvant Man On The Moon, le sublime et craquant Ciel Etoilé chanté à la perfection en français et enfin le titre éponyme qui clôt sur une jolie ritournelle Middle Of The Rainbow, genre que maîtrise désormais Britt. Et puis, j'ai failli oublier, comment ne pas succomber à une voix si belle, lumineuse, caressante et rafraîchissante ? Mission impossible pour ma part, j'espère qu'il en sera de même pour vous, elle le mérite tant.

Note Finale : 16/20

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Bandcamp, Cdbaby

2012 - Einar Stray - Chiaroscuro - Review / Chronique

2012-01-26T11:51:00.003+01:00

Chiaroscuro by Sabrine Carrein on Grooveshark

Einar Stray n'a qu'une petite vingtaine d'années et pourtant si il y a bien une chose qui ne compte pas concernant le talent c'est bien l'âge. Ce jeune norvégien a déjà tout compris de la musique. Il écrit, compose et a un sens des envolées symphoniques qui concurrence aisément (fingers in the nose) des artistes aussi incontournables que l'américain Sufjan Stevens et les islandais de Sigur Ros, bref c'est du lourd... enfin non c'est même tout le contraire : son univers muscial à mi-chemin entre musique classique, rock, pop, celtique et nordique s'impose comme subtile, élaborée, foisonnante, boisée, organique, d'une beauté foncièrement revigorante.

En résumé, sa première oeuvre Chiaroscuro étant apparue dans les bacs scandinaves début 2011 et qui vient d'être rééditée notamment en Allemagne en ce début 2012 (décidémment ces allemands ont des goûts bien plus intéressants que nous), l'occasion est, par conséquent, trop belle pour découvrir ce multi-instrumentaliste au talent hors pair. Accompagné (souvent) par la chanteuse Hanna Furuseth, Einar s'avère un chanteur plaisant, il enrobe avec sa voix chaude et intense, cependant il faut bien se l'avouer c'est sur son travail (de titans) concernant les arrangements et le intrumentaux que réside le principal attrait de Chiaroscuro : d'ailleurs, et je ne suis pas un cas isolé, c'est la piste de clôture : le tempêtueux et imprévisible Teppet Faller qui s'avère le point d'orgue de cet opus vertigineux et intriguant.

Einar Stray une découverte incontournable 2012. Il a assurément des points à améliorer : sa présence vocale pâle face à son talent de musicien, ses compositions (un peu trop) longues et parfois (un peu trop) brouillonnes mais on ne ne peut nier qu'un petit génie se cache sous ses traits.

Note Finale : 17/20

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Spotify, Amazon.de, Cdon.eu, Bengans.se

2010 - Le Futur Pompiste - Premier Opus Eponyme - Review / Chronique

2012-01-25T10:12:00.001+01:00

Le Futur Pompiste by Sabrine Carrein on Grooveshark

Que connaissons-nous vraiment de la scène musicale finlandaise ? Pas grand chose, mis à part les groupes de death metal, cependant il existe pas mal de trésors cachés dans les catégories indie pop et folk ; le groupe au nom surréaliste Le Futur Pompiste en fait partie. Ce sextuor en provenance de Vaasa, souvent comparés à Stereolab ou Broadcast (on a vu pire comme références), produisent une musique pop enthousiasmante à mi-chemin entre dream pop et psychédélisme des seventies.

Il aura fallu six longues années afin de donner un successeur à leur premier Lp Your Stories and Your Thoughts (2004) mais leur nouvelle oeuvre éponyme valait le coup d'attendre. Einar Ekström (guitare, chant), Jessika Rapo (chant), Ville Hopponen (batterie), Axel Ekström (percussions), Johann Höglund (basse) et Janne Koskinen (flute) apportent leur talent et leur fraîcheur au service d'un univers musical vintage, léger, chaleureux et coloré, en résumé : absolument irrésistible. Alors pourquoi se dispenser d'un petit rayon soleil au coeur de cet hiver morose ? Aucune, je vous l'accorde :bienvenue dans leur univers.

Note Finale : 15,5/20

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Shelflife Records, Cdon.eu

2012 - Maissiat - Ep - Review / Chronique

2012-01-23T10:15:00.001+01:00

Maissiat by Sabrine Carrein on Grooveshark

"" C'est beau ! "
Voilà ce qu'on entend invariablement lorsqu'on fait entendre pour la première fois la musique de Maissiat."Ce sont les premières phrases qui apparaissent sur la biographie musicale de Maissiat. Je trouve ce qualificatif trop restreint pour décrire les premières sensations éprouvées lors de la première confrontation à une artiste aussi complexe, originale et troublante. N'étant pas une adepte naturelle de la musique francophone, j'ai été surprise par la qualité de ses compositions, de son écriture ainsi que du soin apporté aux arrangements de ses morceaux ; la française cite parmi ses références Dominique A ou encore Alain Bashung et c'est bien dans ces sentiers aiguisés et sinueux qu'elle nous emmène à mille lieux des musique de variété convenues voire dépassées.

Maissiat incarne le renouveau d'une scène francophone que je connais relativement peu où les artistes français ne se cachent pas derrière "la facilité de l'anglais" pour nous faire frémir. Elle surmonte la difficulté mélodique de cette langue pour mettre en avant sa richesse linguistique avec intelligence et poésie. Son premier Ep éponyme qui sort aujourd'hui officiellement est un prélude de son premier Lp Tropiques qui fera son apparitions dans les bacs en automne prochain. On pourrait même dire que c'est au coeur d'un paradis désenchanté que Maissiat nous propulse. Un voix sensuelle et diaphane mise en valeur par un duo de choc piano (Marc Chouarian) et batterie/percussions (Denis Bannarosh) offrent une équation parfaite et donnent un résultat voluptueux, charnel et élégant. Les cinq morceaux de cet ep respirent la perfection, leur beauté plastique envoûte durablement et leur sophistication n'en n'est que plus troublante, Iris étant le point d'orgue de cet ep fantasmagorique.

Maissiat, une découverte incontournable de 2012. L'évidence même.

Note Finale : 17/20

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2009 - Gianna Lauren - Some Move Closer, Some Move On - Review / Chronique

2012-01-22T15:19:00.000+01:00

Some Move Closer by Sabrine Carrein on Grooveshark

Il y a des artistes comme cela qui s'imposent sur la pointe des pieds dans votre vie. Ils vont et viennent sans faire de bruit dans les médias, juste dans vos oreilles qui fondent de bonheur pour leur simplicité et sincérité. La canadienne Gianna Lauren en fait partie. Peu la connaissent mais ceux qui l'ont découverte n'ont pas regretté le voyage. Discrète, cette jeune femme originaire d'Ottawa a sorti deux opus dont le dernier en date (et d'ailleurs le seul dont j'ai pris connaissance) : Some Move Closer, Some Move On (2009) qui résume bien la situation : certains se rapprocheront et d'autres passeront leur chemin lors de l'écoute de ce petit bijou folk.

J'aime l'intimisme, la bulle qu'elle crée autour d'elle et de ses auditeurs, découvrir ce dernier opus en date s'avère une expérience intense : la trame sonore est folk mais c'est bien plus riche et diversifié dans la réalité : il y a de l'électricité dans l'air dès Become What You Can't Be qui est enrobé par les angéliques vocalises de Gianna Lauren. D'ailleurs, ce petit courant électrique entourera l'album d'une aura particulière opus dont les ambiances jazzy/folk invitent à écouter les morceaux une fois que le crépuscule se soit installé au dehors afin de garder intacts le mystère et la fragilité qui transcendent la musique de cette jeune artiste si prometteuse et ensorcelante. Standstill est le must du must hear de l'opus. A découvrir, vous pourriez être surpris par un si joli univers.

Note Finale : 16,5/20

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2010 - Black Dub - Premier Disque Eponyme - review / Chronique

2012-01-22T14:50:00.000+01:00

Black Dub by Sabrine Carrein on Grooveshark

Daniel Lanois a été l'un de mes héros de l'ombre pendant quelques années. Je ne l'ai pas beaucoup écrit (ni crié sur les toits) mais lors de mon adolescence (genre 15/18 ans), j'étais une grande amatrice de U2. Oui, vous lisez bien, en fait j'étais à la limite de la fanatitude mais n'étant pas quelqu'un d'exclusif (dans le domaine musical) cela m'a toujours permis d'avoir le recul nécessaire afin de ne jamais tomber dans la subjectivité aveugle du fan. Daniel Lanois a co-produit (avec Brian Eno) sans doute les meilleurs opus des irlandais : le sous-estimé The Unforgettable Fire (1984), le classique rock The Joshua Tree (1987) et le pop culte Achtung Baby (1991), il a également produit des artistes de renom tels que Peter Gabriel, Bob Dylan, Ron Sexsmith, Emmylou Harris, les Neville Brothers et même Neil Young. Un parcours extraordinaire pour ce québécois d'origine qui a la musique dans la peau depuis toujours.

D'ailleurs, il n'est pas que producteur, il possède aussi une discographie personnelle, c'est un musicien accompli qui garde un enthousiasme intact pour le monde musical malgré ses collaborations prestigieuses. Le long de son parcours, il a fait de nombreuses rencontres musicales plus ou moins durables dont celles avec les musiciens Daryl Johnson (basse) et Brian Blade (batterie) avec lesquels il fait régulièrement de la musique depuis plusieurs années. Ne manquait plus que la chanteuse : Trixie Whitley, fille de feu le grand guitariste de blues Chris Whitley, un ami de Daniel Lanois, pour compléter le super band nommé Black Dub. En général, je suis assez dubitative concernant l'association de plusieurs artistes, ce n'est jamais un bon présage car les égos (le dernier en date Superheavy qui réunissait Mick Jagger, Joss Stone, Damien Marley et Dave Stewart a fait un four retentissant) s'entrechoquent davantage que s'harmonisent.

Black Dub c'est tout autre chose. Premièrement, les artistes qui y sont réunis sont excellentissimes mais sont tous restés relativement à l'ombre des autres : Daniel Lanois par rapport aux artistes produits, Brian Blade de Wayne Shorter et Daryl Johnson d'Emmylou Harris et ensuite parce que justement ces musiciens ont donné la chance à une inconnue du grand public de rayonner en avant plan : la belgo-américaine Trixie Whitley qui est certainement l'un de plus beaux trésors cachés de Belgique. Je vous écris tout de go : Trixie, elle est fantastique, mieux qu'Amy, que Joss Stone, que Selah Sue et toutes autres soulwoman blanche (sau Alice Russell qui reste unique), quand elle chante, elle le fait comme on construit une oeuvre d'art : chaque tonalité est pesée, habitée par la chaleur, la rondeur et l'intensité de sa voix, elle n'en fait jamais de trop et c'est d'une précision à vous couper le souffle. Bref, je ne taris pas d'éloges à son encontre et elle les mérite amplement.

Malgré ce casting de premier ordre, le premier disque éponyme de Black Dub n'atteint pas exactement sa cible. Non qu'il soit mauvais, que du contraire car les sonorités reggae, post rock qui y sont développées sont des plus intéressantes et rafraîchissantes (à défaut d'être foncièrement originales). Le groupe semble s'être enfermé dans sa bulle, les membres prennent à l'évidence beaucoup de plaisir à jouer ensemble, cela se ressent, mais l'auditeur est relégué à la position désagréable de témoin de trop et est rapidement confronté à des difficultés à rentrer dans leur monde malgré la générosité dispensée par le quatuor. C'est un peu dommage car les compositions sont de qualité et l'alchimie des musiciens évidente. Il manque peut-être la petite étincelle pour faire décoller le tout, davantage de cohérence et de consistance à leur projet. En dépit de cela, l'ensemble de l'opus provoque une écoute agréable et un peu décalée due principalement à son ambiance jamaïcaine. A découvrir pour ses musiciens de qualité.

Note Finale : 15/20

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2011 - Anna Kaenzig - Four Acres And No Horse - Review / Chronique

2012-01-20T23:43:00.000+01:00

Four Acres by Sabrine Carrein on Grooveshark

Il y a un an de cela Anna Kaenzig publiait Four Acres And No Horse. La jeune femme, au visage poupon, offrait à ses admirateurs un opus aux saveurs jazzy/folk faisant davantage songer aux paysages sauvages américains qu'à sa Suisse allemande natale. Ce premier Lp ne révolutionne pas ce genre musical pris d'assaut par beaucoup de jeunes artistes mais il est assez doux, agréable et rafraîchissant pour être mériter le détour. Une plume délicate, de jolies mélodies, une belle voix posée, sans fioritures, des arrangements soignés, bref Four Acres And No Horse est un "petit" album qui n'a d'autre prétention que celui de ravir les oreilles. C'est déjà pa mal du tout et Anna Kaenzig a tout le temps devant elle pour davantage s'affirmer... A suivre.

Note Finale : 14/20

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2011 - Jay-Jay Johanson - Spellbound - Review / Chronique

2012-01-20T14:39:00.000+01:00

Jay Jay Johanson by Sabrine Carrein on Grooveshark Looking Glass by Sabrine Carrein on Grooveshark

Quand on m'évoque Jay-Jay Johanson, j'ai toujours en tête un artiste excentrique qui a fait les beaux jours du trip hop et de l'electro pop. Je connais moins son goût pour la musique sobre, c'est peut être du à son incursion électro pop sur son album Antenna (2002, accompagné d'une pochette d'une laideur à faire frémir Marylin Manson). Tout avait bien commencé pourtant avec la sortie de son premier opus Whiskey (1997) et de son successeur Tatoo (1998) puis j'ai perdu le fil avant de le rattraper sur The Long Term Physical Effects Are Not Yet Known (2006) et Self-Portrait (2009) sans pour autant que j'accroche autant que je l'aurais espéré. Et puis bim bam bada boum la vidéo du titre Dilemma apparaît sur Youtube et c'est le coup de foudre, on vogue dans les eaux brûlantes et sinueuses de Fever et de Feeling Good. Emballé, c'est pesé, je me suis procuré la version spéciale son huitième opus solo qui porte à la perfection son titre : Spellbound.

Envoûté, le sort est lancé sur cette oeuvre qui permet à Jay-Jay Johanson de prendre un virage musical aussi prévisible qu'inattendu. Prévisible car sa voix de fausset cache en définitive de très beaux graves, et les habits de crooner qu'il emprunte sur Spellbound lui vont à ravir. Inattendu car c'est un peu l'album que tout le monde espérait mais que plus personne n'attendait, Self-Portrait semblait être le mieux qu'il pouvait faire en matière de sobriété. Raté, bien que son avant-dernier opus est tout de même une jolie perle, il restait des lambeaux d'électronique d'un joli effet mais trop attendu et j'avais envie d'entendre sa voix au naturel. Voeu exaucé à l'écoute de sa dernière oeuvre en date. Album de la maturité, habité par un magnifique artiste désenchanté, il enjôle, cajole les oreilles avec une voix splendide, fatiguée, sensuelle faisant remonter à la surface les fantômes de Chet Baker, Jacques Brel, Nick Drake et autres crooners de l'au-delà qui ont su charmé, mettre à genoux des millions d'auditeurs.

Spellbound est un album de la perfection : peu d'effets de mise en scène, peu d'instruments pour le mettre en relief, aucune cabriole vocale à l'horizon. Quelques cordes, des percussions qui semblent lointaines, des textes touchants et poétiques au service d'une voix nonchalante, d'une transparence et beauté troublantes, on la devine qu'un jour (pas si lointain), elle était pure, celle d'un jouvenceau maintenant, elle est celle d'un homme qui a vécu sa somme d'amours et de désamours et cela ne fait que renforcer cette impression de cheminement qui parcourt ce fabuleux disque. Sur un frissonnement orchestral feutré, Driftwood nous introduit avec classe sur le soulful et ténébreux Dilemma. Si Sexy et ensorcelant, que celui-ci constitue une petit claque musicale de 2011. Rien que cela ! Et que dire de la grâce absolue que véhicule le Shadows, il me fait songer à Felt Mountain de Goldfrapp. Mon album culte par excellence. Son ambiance délicate et diaphane est planante.

On The Other Side est une sublime ballade conventionnelle et angélique à faire fondre le reste de la banquise alors que Jay-Jay fait preuve d'originalité dans son choix de reprise du thème de la série culte MASH.: Suicide Is Painless. Monologue est un joyau de musique folk dépouillée auquel nous avait très peu habitué le suédois, beau à en pleurer en réalité. L'artiste renoue avec la classe de la musique jazz sur le soyeux et bouleversant Blind avant de nous plonger dans les méandres de son âme qui espère toujours aimer sur le frissonnant morceau de piano alternatif The Chain. Presque irréel tant il est beau. Le disque clôture sur des ambiances plus que jamais minimalistes, épurées avec le spleenesque et cinématographique An Eternity, le titre éponyme qui n'est au final qu'un interlude avant d'aboutir sur le brumeux et élégiaque Out Of Focus comme pour finir en apesanteur.

L'album Spellbound a également été édité en version spéciale comprenant un second disque Looking At Glass composé de reprises d'anciens morceaux de l'artiste. Un peu dans la même veine que l'album d'original, le concept piano/voix avec forte vibe jazzy imprègne ces relectures qui mises à nues révèlent leur profondeur, leur sensibilité, leur vraie couleur. C'est simple la seule reprise à preoprement dite The Thrill Is Gone s'emboîte parfaitement au milieu de toutes ces morceaux qui sonnent désormais comme des classiques de jazz. Le résultat est bluffant de mélancolie et de sobriété, rarement j'aurai autant vibré pour des reprises d'anciens titres. Ce disque apporte un plus appréciable à Spellbound. Petit chefs d'oeuvres, musts have de 2011, quelque soit l'appelation empruntée, ces deux disques sont à écouter d'urgence si cela n'est fait. Pour les amoureux du romantisme, pour les amateurs de belles musiques élégantes et épurées. Un moment de grâce absolu.

Note Finale de Spellbound : 19/20

Note Finale de Spellbound + Looking At Glass : 20/20

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2008 - Erin & Her Cello - Premier Opus Eponyme - Review / Chronique

2012-01-18T15:43:00.001+01:00

Erin and Her Cello by Sabrine Carrein on Grooveshark

Je ne sais pas mais j'écoute le plus souvent dans la vie de tous les jours de la musique assez triste ou à tout le moins qui possède une trame mélancolique en filigrane. On ne peut pas dire que mon blog musical respire la joie et la bonne humeur tous les jours, je vous l'accorde. J'ai toujours considéré que faire de la musique qui vous donne la banane est beaucoup plus compliqué que de composer des morceaux tristes (même chose pour les films, une comédie réussie relève de l'exploit alors que les films vous donnant le cafard pullulent à tous les coins de rue). Cela résulte du fait qu'on a tous tendance à davantage s'épancher sur les mauvaises que les bonnes nouvelles. C'est une constatation, nous, humains, semblons davantage inspirés quand nous désirons partager le malheur que le bonheur... Et puis, je l'ai rencontrée, son nom de scène est Erin & Her Cello mais en réalité elle s'appelle Erin Hall et ce n'est pas tant elle et son violoncelle (son instrument de prédilection sur scène) qui composent le duo vedette de son premier opus éponyme (2008) mais bien sa personnalité pétillante et sa capacité à survoler les genres musicaux avec brio et légèreté. Elle m'a donné envie de sourire et de danser en écoutant sa musique, quelque chose de rare et de précieux.

On craquera pour son français si charmant sur Un Petit Problème, un morceau acoustique qui met magnifiquement en exergue le violoncelle et la délicieuse voix d'Erin. Irene prend le pas pour un morceau jazz cabaret théâtral du plus bel effet avant de prendre un aller simple pour le monde de la country sur l'entraînant et doux amer Sober. On ne peut s'empêcher de dodeliner de la tête et de taper le pied, et surtout d'avoir le sourire. Complexe, lumineux, entêtant At The Zoo est un bijou de morceau pop vintage, un hightlight incontournable de l'album. Et puis, la surprise totale, on découvre Erin sous un nouveau jour : sensuelle et troublante sur le jazzy et crépusculaire Fresh, Clean Towels,. Passé cette incursion dans une autre dimension, on retrouve Erin plus malicieuse et insaisissable que jamais sur Subway Crush et démontre une fois de plus son talent de conteuse hors pair. Après des mini trips en France, en Amérique sous diverses époques et lieux, on a droit à des chinoiseries sur mon morceau préféré : Tiny Burns. La superposition des couches sonores et pianistiques est époustouflantes. La bonne humeur et l'insouciance habitent le morceau de blues endiablé Bitten Mad tandis que On My Stoop clôt l'opus, de la même façon qu'il a débuté, sur une note intimiste et gracieuse, signature musicale d'une artiste dont le charme simple et intemporel ne peut laisser de glace.

Premier opus brillant qui attend une suite attendue avec une impatience folle. Merci Erin pour cette tranche de bonheur.

Note Finale : 17/20

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2010 - Forest City Lovers - Carriage - Review / Chronique

2012-01-12T17:42:00.003+01:00

Carriage by Sabrine Carrein on Grooveshark

Tant de belles musiques sur terre et si peu de temps pour en parler et écrire à leur propos. Je suis tellement en retard que j'ai même des albums qui datent de 2010 qui prennent la poussière sur mes étagères. C'est à ces moments là que je constate que je suis nulle part, que j'aime trop d'artistes, que je ne suis peut être pas assez sélective. Et puis non, quand j'écoute des pépites d'albums comme le dernier opus des Forest City Lovers, j'ai l'intime conviction que je ne suis pas en cause, c'est juste que les journées ne seront jamais assez longues pour vous parler de tout mais que je ferai toujours de mon possible pour vous faire découvrir un maximum de talents. Les membres de Forest City Lovers réalisent l'exploit depuis sept ans maintenant de faire l'une des plus belles musiques folk/pop du continent nord américain, c'est la classe, non ? Avec à leur atcif de nombreux ep's et deux opus : The Sun and the Wind (2006) et Haunting Moon Sinking (2008), le groupe est passé à un cran supérieur avec Carriage. Tout les prédisposait à accéder à ce niveau d'excellence : des musiciens talentueux, une chanteuse Kat Burns qui est décrite très justement comme une "princesse" par la Quenelle Culturelle, une voix magnifique, délicate et intense, à vous briser le coeur d'une seule note, des compositions solides, mélodieuses, une écriture intéressante, bref de la belle oeuvre. Ce qui leur manquait ? Un coup d'éclat que représente leur dernier né Carriage.

Et si le quatuor n'est pas encore assez connu sur notre vieux continent, c'est tout simplement incompréhensible. Comment est-ce possible que seule la Quenelle Culturelle ait fait la chronique de leur dernier opus en France, et les autres ? Des bouchons dans les oreilles ? Une question de timing peut être, j'en sais rien, je ne fais pas ma maligne pour autant car je fais la chronique deux ans après sa sortie mais mieux vaut tard que jamais. Carriage est un album multi facettes, il est ludique, surprenant, ne tombe jamais dans la facilité, il est un peu comme l'album idéal, un album témoin, un de ceux dont on ne se lasse dans le temps. Phodilus & Tyto débute sur une ambiance électrique et lumineuse, ce titre dégage une énergie irradiant l'opus d'une aura positive. Tell Me, Cancer continue sur une note de folk cosy pour aboutir sur des tonalités péitllantes, complexes, superbement maîtrisées tandis que Minneapolis nous entraîne immédiatement dans son sillon, que dis-je dans son tourbillon de pop étourdissante. Pourquoi il n'a pas été mis sur le pied d'estale de hit ou d'hymne ? Mystère ! Moment de douceur avec le mélancolique et beau Sea To Land avec d'atterrir au paradis avec Keep This Kids Inside qui pourrait être mon titre préféré. Élégant, symphonique, revitalisant, il s'avère un feu d'artifices sonore. Peu à peu le groupe se dirige vers des sonorités rock comme le démontre le psychédélique Pocketful Of Rock (partagé avec Luke LaLonde de Born Ruffians) ou le nerveux Constellations et cela leur réussi au final mais c'est invariablement vers les morceaux lumineusement folk que je suis charmée par la fin du disque avec l'intimiste et le captivant Oh The Wolves ! (Ou Es Ma Soeur), la ravissante ritournelle Light You Up et en guise de clôture le superbe rayon de soleil qu'offre If I Were A Tree.

Un Must Have pop/folk de 2010. Jamais trop tard pour s'extasier.

Note Finale : 17,5/20

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2011 - Irma - Letter To The Lord - Review / Chronique

2012-01-11T17:58:00.000+01:00

Letter To The Lord by Sabrine Carrein on Grooveshark

De temps en temps, je craque et succombe à d'autres types musicaux davantage mainstream. Par là je ne vous parle pas des infâmes Black Eyed Peas, de David Guetta, Rihanna, Beyoncé ou autres "références" relativement médiocres qui n'existent que sous le coups de marketing pour passer à la radio ou pour se produire dans des shows aussi artificiels que superficiels mais d'autres qui font peut être de la musique un peu plus convenue que ce dont j'ai l'habitude d'apprécier mais qui ont une telle sincérité que cela accroche votre attention. La jeune camerounaise Irma fait partie de cette catégorie un peu à part capable de toucher un plus large public et donc de le rediriger vers une musique un peu plus intéressante et authentique. Cette amatrice de Ben Harper ou encore de Tracy Chapman a sorti un premier opus en 2011 grâce à l'aide de ses 416 producteurs de My Major Company (c'est grâce à cette plateforme communautaire que Siobhan Wilson a pu produire Songs). En l'espace 48 heures seulement, elle décroche la somme qui lui permet de prendre les chemins du studio.

Cependant, si le processus pour récolter les fonds a été rapide, tout ne s'est pas fait sans embûches : la jeune femme a eu l'occasion d'enregistrer à New York sous la houlette d'Henry Hirsch (Lenny Kravitz) mais de retour à Paris, Irma découvre un résultat qui, loin de lui plaire, la pousse à tout à réengegistrer afin d'apporter à son opus des sonorités moins américanisées. Une fois cela de fait, Letter To The Lord est enfin prêt à jouer sur les platines. L'univers pop/folk/soul d'Irma est doux, chaleureux, sans aucune prétention, c'est "juste" la musique d'une girl next door dotée d'un belle voix jeune, ronde et veloutée capable de provoquer quelques jolies émotions. Le seul bémol, qui ne vient pas directement des faits de la demoiselle, c'est la légère saturation de cette scène pop/folk/soul franco/anglaise : Ayo, Asa, Madjo, Imany, etc. cela commence à être compliqué de se démarquer. Cependant, car aussi non je ne prendrai pas la peine de vous faire partager ce petit coup de coeur fort sympathique, j'apprécie ce que fait Irma, je la trouve rafraîchissante, lumineuse, spirituelle, elle a une jolie plume, un sens du groove impeccable, une force tranquille appréciable, ce qui rend Letter To The Lord attachant. A seulement 22 ans, Irma a tout l'avenir devant elle et on devine qu'avec un peu de maturité et davantage de prise de risques (des compositions un peu moins linéaires et plus travaillées), elle pourrait aisément se détacher du lot des appelées pour devenir une élue.

Note Finale : 14/20

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2011 - Clare Louise - Castles In The Air - Review / Chronique

2012-01-10T20:05:00.000+01:00

<a href="http://clarelouise.bandcamp.com/album/castles-in-the-air">Castles in the air by Clare Louise</a>

Dire que j'ai une bonne opinion de Clare Louise n'est plus à démontrer : je vous l'ai présentée à travers son premier ep sorti (malheureusement) de façon confidentielle il y a de cela maintenant plus de trois ans. Je vous y décrivais une jeune artiste française établie en Belgique après avoir beaucoup voyagé et même vécu une longue période en Irlande. J'aime, en toute simplicité, son univers folk raffiné et intemporel. Cousine vocale des grandes Vasthi Bunyan, Rosemary Standley (Moriarty) et d'Alela Diane, Clare Louise séduit avec une voix exceptionnelle voix haut perchée sensible et particulièrement expressive, de belles compositions rehaussées par un joli travail de cordes mis en pratique avec l'aide de la violoncelliste Charlotte Danhier et du guitariste Cédric Van Caillie. Un joli trio qui officiait pour donner forme à un premier ep réussi auquel on attendait l'ajout d'un Lp. Ce jour est enfin venu avec la sortie de Castles In The Air fin octobre 2011. Au premier abord, on pourrait croire que ce dernier n'apporte pas grand chose de neuf sous les tropiques et vous vous tromperez (peut être) de la même façon que moi. A la première écoute, je n'ai pas réussi à être transportée, puis au fil du temps, j'ai dépassé l'arbre qui cache la forêt.

Une métaphore qui vient à point nommer pour démontrer en réalité que la musique de la française n'est pas centrée que sur une certaine idée du revival folk, le monde musical de Clare Louise est à la fois riche et humble, il est poétique, subtil et fantastique à l'image de sa pochette qui est un clin d'oeil aux travaux artistiques du maître du dessin Miyazaki. Castles In The Air est une oeuvre complète qui séduit durablement car ses charmes agissent sur le long terme : les moments intimistes et mélancoliques sont intenses, bouleversants et délicieusement fébriles (le délicat imaginaire développé sur le titre éponyme Castles In The Air, le minimaliste et bluesy False Mirror, le lumineux et doux A House, le psychédélique et troublant She's Floating) d'autres sont davantage électriques et inattendus (This Dance invite à une danse aussi vertigineuse qu'entraînante, les sombres et envoûtants Be et Black Stars, l'intense et épique You Don't Know My Name, le tempétueux Hard Disk) faisant en sorte (qu'une fois de plus) Clare Louise ne tombe dans le piège de l'opus fade, sans relief, enfilant les ballades sans grande inspiration.

Castles In The Air est un petit bijou folk intemporel à écouter sans faim.

Note Finale : 16,5/20

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2011 - Principe Valiente - Premier Opus Eponyme - Review / Chronique -

2012-01-10T11:51:00.001+01:00

<a href="http://principevaliente.bandcamp.com/album/principe-valiente">Principe Valiente by Principe Valiente</a>

Qui a dit que je n'aimais pas le rock ? Ok, je me souviens à peine de la dernière chronique se rapportant à ce genre musical dont je suis apparemment déconnectée depuis la fin des seventies (bref, avant même que je naisse). Il s'agissait de Brothers de The Black Keys, un parmi mes (nombreux) opus préférés de 2010. Venant de recevoir leur dernière fournée en date El Camino, je dois encore avaliser ce qui semble déjà une évidence : dans la lignée des prédécesseurs. Là n'est pas la question, aujourd'hui je vous écris pour vous introduire à un groupe de rock suédois Principe Valiente. Leur rock shoegaze alternatif semble un peu dans la veine de Joy Division, The Sister Of Mercy, The Cure et plus récemment My Bloody Valentine, Suede, Warpaint ou XX (pour ne citer que les plus mémorables).

Bien entendu, ces références musicales écrasantes sont loin d'être surpassées (et même égalées) par ce jeune groupe mais ce qu'il nous fait partager sur scène et en studio n'est vraiment pas mal du tout même si les raccourcis qu'il emprunte sont pris sans honte. Aucune. Principe Valiente offre sur leur premier opus éponyme, sorti fin octobre 2011 en Europe, une oeuvre abordable, que l'on aime ou pas. L'ensemble des morceaux de l'opus ont en commun une (plus que) vague ressemblance : reverb à gogo, la batterie omniprésente, guitares saturées, puissance des refrains, pourtant force est d'admettre que le résultat, à la base n'étant pas une fan(atique) du genre, se révèle excellent, je dirais même jouissif même si les compositions manquent de complexité pour (commencer à débuter de penser) crier au génie musical ; d'ailleurs c'est avec le dernier morceau, l'épique Dance Like There's No Tomorrow, que l'on prend mesure du réel et impressionnant potentiel de ces princes vaillants. Je les attends au tournant avec leur second opus. Le rendez-vous est lancé. A découvrir

Note Finale : 16/20

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2011 - Priscilla Ahn - When You Grow Up - Review / Chronique

2012-01-09T17:12:00.000+01:00

When You Grow Up by Sabrine Carrein on Grooveshark

Elle est dotée d'une des voix les plus pures jamais entendues. Je pensais que c'était un simple coup de coeur mais cela s'est avéré un coup de foudre tonitruant. Pourtant sa musique ne peut être qualifiée de la sorte. Elle est douce, tendre, naÏve, un peu nostalgique car elle a souvent évoqué les difficultés du passage de l'enfance à l'état d'adulte sur son premier Lp A Good Day. Aujourd'hui, Priscilla Ahn est une jeune femme des plus accomplies, mariée, intégrée à la scène musicale (elle a participé aux albums d'Amos Lee ou encore Joshua Radin, etc.), elle a fait ses preuves avec sa première oeuvre, il ne lui manquait plus que la consécration afin de se démarquer du lot (important) des jeunes artistes issues de la scène folk. When You Grow Up vient à point pour confirmer que la jeune américaine n'est pas une de plus, qu'elle n'est pas (vraiment) comme les autres.

Je n'attendais pas à être aussi impressionnée par ce second Lp. C'est vrai, j'en ai eu des frissons à l'écoute de Dream et même concernant quelques autres si charmants titres sur A Good Day mais au final si cela semblait si beau et angélique qu'on se demandait si tout cela n'est pas trop simple, trop évident pour être vrai. Et puis non, When you Grow Up vient me conforter que Priscilla Ahn est là pour durer. Davantage mature, intense et nuancé, l'album brille à travers ses nombreuses qualités : un songwriting plus personnel, des mélodies encore plus étincelantes et entêtantes et surtout des arrangements (choeurs angéliques à souhaits et cordes) épars et d'une grande subtilité et cerise sur la gâteau : une production respectueuse qui laisse la place à la (vraie) vedette de l'opus : une voix d'ange d'une joliesse incommensurable.

On pourrait croire que l'opus n'est rempli que de jolies ballades à forte vibe acoustique pourtant le constat s'avère bien plus nuancé. Bercé par des perles de ballades romantiques / douces amères City Lights (une collaboration exquise avec Inara Georges), un des titres que je préfère de la galette, le fragile et désenchanté Cry Baby ou encore le joyau de l'opus : le so(m)bre et frissonnant Empty House ou encore par le voluptueux et délicat Torch Song, on trouve aussi des morceaux ludiques et nonchalamment pétillants : le titre éponyme et ludique When you Grow Up, le charmant et ensorcelant Oo La La (on y retrouve à l'écriture et aux choeurs Elenie Mandell), le trop cute duo avec Charlie Wadhams sur I Don't Have Time To Be In Love, le doux et électrique I Will Get Over You (qui signe une bien jolie collaboration avec Sia Furler) ainsi que des plages acoustiques et intimistes dont seule Priscilla Ahn possède le secret de fabrication : l'exquis et léger One Day I Will Do, le féerique et décalé dialogue sur Elf Song, véritable merveille sucrée. Bref, passer quelques dizaines de minutes avec Priscilla Ahn, c'est être transporté dans une bulle de bonheur revigorante. A écouter absolument.

Note Finale : 17,5/20

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2007 - Mélanie De Biasio - A Stomach Is Burning - Review / Chronique

2012-01-09T13:52:00.000+01:00

A Stomach Is Burning by Sabrine Carrein on Grooveshark

C'est à la fois un devoir et un plaisir pour moi de vous faire partager les plus beaux joyaux issus de la scène musicale belge de jazz vocal féminin. La jeune et fougueuse Mathilde Renault qui a fait un très beau virage pop/folk avec son Cameleon Boat l'an dernier (chronique et écoute ici), la sensible et très classe Barbara Wiernik avec son Soul Of Butterflies (chronique et écoute ici), la pétillante et soulful Fanny Bériaux avec son Blow Up My World (chronique et écoute ici), l'inspirée Chrystel Wautier et son album Peace Of Time et puis il y a elle Mélanie De Biasio. J'ose affirmer qu'elle est à part. S'il ne devait en rester qu'une (loin de moi cette idée mais admettons ce postulat pour le moins piquant), cela serait sans doute elle que je choisirait car je suis une grande amatrice de ces belles artistes mystérieuses, ténébreuses, faussement placides en studio alors qu'on sent le feu sous la glace (comme Julie London) mais qui explosent et dévoilent leur plein potentiel de créativité sur scène.

Le premier Lp de cette artist précieuse A Stomach Is Burning est l'un des albums de jazz vocal les plus précieux qui soit sorti en Belgique. Une classique du genre qu'il est indispensable d'avoir dans sa cdthèque. La belle trentenaire a baigné dans l'univers artistique depuis ses premiers pas dans la vie. A 3 ans, elle faisait déjà de la danse classique mais c'est sa rencontre avec la flûte à 8 ans qui changera sa vie. Depuis, elle n'a eu de cesse d'étudier et de peaufiner sa voix ainsi que son univers musical : on pense à Julie London pour son magnétisme inné, à Nina Simone pour son intensité cependant Melanie De Biasio possède bel et bien son propre univers et c'est en cela ce qui la rend si spéciale et unique.

Cette brûlure d'estomac porte son nom à la perfection : elle hante et s'avère lancinante, on ne pense plus qu'à elle quand elle se présente aux oreilles des nous mélomanes, elle obsède et on y revient sans cesse comme si on avait l'outrecuidance de penser être capable d'en saisir jusqu'aux non-dits. Rarement, j'aurai eu l'occasion d'écouter une oeuvre aussi envoûtante et vénéneuse à l'image de sa créatrice qui possède un organe vocal exceptionnel pas tant d'un point de vue des capacités vocales (qui se déploient davantage sur scène) mais dans sa façon de séduire, de par sa sensualité noire, à priori froide mais derrière cette façade, elle s'avère torride et originale. A Stomach Is Burning est un album à écouter à l'aube de la nuit, son empreinte nocturne est puissamment captivante. Un jour Nina Simone a chanté I Put A Spell On You, aujourd'hui Mélanie Di Biasio en est une de ses fières héritières.

Un must have absolu. Petit chef d'oeuvre en vue.

Note Finale : 19/20

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2011 - The Bandana Splits - Mister Sam Presents the Bandana Splits - Review / Chronique

2012-01-08T15:02:00.000+01:00

The Bandana Splits by Sabrine Carrein on Grooveshark

Que voulez vous ? Ma petite (à défaut d'avouer énorme) faiblesse envers l'américaine Dawn Landes me perdra. Elle pourrait chanter l'annuaire téléphonique (vous noterez une nuance de choix après l'allusion au bottin téléphonique évoqué dans la chronique de son dernier opus solo en date Sweet Heart Radio chroniqué ici) que je l'écouterais (pour toujours) hypnotisée par la délicatesse et la fragilité de sa voix. Il existe encore des coups de foudre musicaux qui ne s'éffritent avec le temps et je m'en félicite. J'ai eu l'immense surprise il y a quelques mois de me rendre compte que l'américaine avait sorti un album avec des comparses musicales : Annie Nero et Lauren Balthrop sous le nom des The Bandana Splits et sous l'égide de Sam Cohen (Apollo Sunshine). D'ailleurs, l'opus s'intitule Mister Sam Presents the Bandana Splits, nom qui donne un petit indice de l'univers de ce trio.

Ces gentes dames, influencées par les groupes pop des 50's et des 60's, elles citent The Ronettes, The Caravelles et The Andrews Sisters, ont décidé de se faire plaisir en sortant cet opus, un peu comme The Living Sisters (dont l'album Love To Live est chroniqué et en écoute ici) le super trio constitué d'Inara George (The Bird and The Bee), Becky Starck et d'Eleni Mandell. Surfant un peu sur la vague de succès que connaît la pop vintage selon She & Him, on est tout de même en droit de se questionner sur la légitimité à accorder à une énième sortie pop revival et cela même si ma chouchoute Dawn Landes en faisait partie. Bonne pioche car Mister Sam Presents the Bandana Splits est un petit bijou du genre. Vous vous doutez bien qu'il ne révolutionne rien mais par contre il procure beaucoup de plaisir à son écoute. Authentique, nostalgique, respectueux, il mérite le détour, il s'agit d'une sucrerie qui comblera les peines de coeur et la déception amère d'un dimanche pluvieux. Bref, il réchauffe le coeur. Cela serait presque criminel de se passer de ces harmonies vocales qui ont le bon goût de nous donner un aperçu d'un paradis perdu mais surtout imaginaire. A écouter. Vraiment.

Note Finale : 15/20

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2011 - Sarah MacDougall - The Greatest Ones Alive - Review / Chronique

2012-01-07T17:03:00.000+01:00

Lien pour l'écouter sur Spotify (en attendant celui de Grooveshark qui devrait être mis en service dès lundi prochain merci de votre patience)

Dans un monde parfait, idéalisé Taylor Swift, Carrie Underwood et autres ersatz de la musique soit-disant folk/country/roots seraient - au mieux - des chanteuses de bal et Sarah MacDougall vendrait des dizaines de millions d'opus. Inutile de fantasmer, cela n'arrivera jamais. La "vraie" folk/roots musique n'a pas un avenir brillant dan les charts : les Cowboy Junkies doivent s'appuyer sur une fan base importante pour continuer à survivre grâce à leurs concerts et Paula Frazer, je l'ai appris il y a peu de temps en ayant le privilège de converser sur facebook avec elle, n'arrive pas à sortir de nouveaux disques faute de label... les seuls qui arrivent à s'en sortir ce sont les mecs genre Bon Iver (même s'il paraît qu'il a vendu son âme au diable avec son dernier opus), Fleet Foxes et quelques autres beaux ténébreux. Non, Sarah MacDougall n'est pas une superstar capable de soulever les foules dans les stades mais par contre elle accumule les critiques dithyrambiques parmi les critiques professionnels. Elle est comparée à Ane Brun, Wendy McNeill et est considérée comme l'une des plus brillantes compositrices de Suède, enfin la liste n'est pas exhaustive... on ne cesse de lui envoyer des roses qui font du bien à l'ego à défaut du porte-feuille mais elle le mérite amplement. Née en Suède mais évoluant à Vancouver au Canada, la jeune femme m'avait déjà éblouie avec son second opus Across the Atlantic chroniqué par mes soins ici.

Sa voix de velours, dotée de délicates aspérités, est l'une des plus belles de la scène folk actuelle mais ce qui m'impressionne le plus chez elle c'est la maturité de son écriture, la maîtrise et la ferveur qui habitent ses compositions, sa façon de jouer de la guitare de façon si légère et talentueuse, et ce nouvel opus The Greatest Ones Alive se hisse encore un cran au-dessous de son prédécesseur. Il n'y a pas de retour en arrière possible pour cette artiste qui ne cesse de se bonifier avec le temps. Sometimes You Lose, Sometimes You Win ouvre l'album sous les meilleures auspices. Un titre puissant dans son propos sur l'échec et la réussite, accrocheur (dans le bon sens du terme), ensorcelant sans conteste, il a des arrondis folk/pop affolants. Superbe. Ce qui est si séduisant avec la musique de Sarah MacDougall c'est quand elle s'aventure dans le domaine un peu plus roots/country, sa musique reste légère et subtile, ce qui n'est pas inhérent au genre, It's My Place (And I Want It!) en est l'exemple le plus frappant. C'est la perfection même.

Le titre éponyme The Greatest Ones Alive qui est dédié à l'amitié est une sublime ballade mélancolique avec une pointe de nostalgie douce amère tandis que le plus dépouillé Permafrost met en évidence l'intensité du chant et l'intimité du texte. Mmm s'avère une lullaby enveloppante pourvue d'une belle douceur et chaleur et précède le petit chef d'oeuvre de l'opus It's a Storm (What's Going On?). Ce dernier permet de voir à quel point le mariage des influences nord américaines et scandinaves de l'opus s'avère brillant. L'efficacité du refrain, la finesse des arrangements des instruments à cordes, le charme de cette voix inimitable, un seul mot me vient en tête à son écoute: enchantement. Un des morceaux les plus mémorables de 2011. Tout simplement. Song #43 est un petit bijou courntry qui réchauffe l'ambiance et le coeur, Unwork un petit interlude procurant uen belle sensation de vertige alors que Cold Night nous replonge dans une ambiance spleenesque du plus bel effet. Cette chanson d'amour est époustoufflante. We’re All Gonna Blow Away, dédiée à sa grand mère, clôt l'album sur une (trop) courte note gospel/acoustique profondément touchante.

The Greatest Ones Alive est l'un des meilleurs albums folk/roots de 2011. Un must have.*

Note Finale : 18/20

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2011 - Charles Bradley - No Time For Dreaming - Chronique / Review

2012-01-05T22:49:00.000+01:00

No Time For Dreaming by Sabrine Carrein on Grooveshark

Le début 2012 me permet de regarder le rétroviseur et de constater qu'il ~~reste~~ existe bien un centaine d'opus que je voudrais chroniquer, vous faire partager. Il me permet aussi de voir que les hommes n'ont pas une digne place sur WMIMM et que dire de la soul music ? Presque inexistante alors qu'une petite dizaine d'opus du genre me semble incontournable pour 2011. En tête de liste, le premier opus d'un vétéran : Charles Bradley. Ce type âgé de 62 ans a sorti le meilleur album de soul de 2011. Pas moins. Un petit chef d'oeuvre vintage qui sonne (preque) plus authentique que les classiques des sixties et seventies. Accompagné du Menahan Street Band (collaboration de plusieurs musiciens issus des formations des Dap Kings, d’Antibalas, d’El Michels Affair et du Budos Band), ce grand monsieur synthétise à lui seul beaucoup d'artistes masculins qui existent ou plutôt ont existé : on pense à l'énergie et au sens du groove légendaires de James Brown, à la sensibilité d'Otis Redding, à l'intensité de Sam Cooke et à l'engagement politique de Curtis Mayfield, bref, il est extraordinaire. Une pépite d'artiste comme on en trouve finalement très peu. Encore plus quand il s'agit de soul.

Ce premier opus No Time For Dreaming a tourné en boucle dans ma tête pendant les premiers mois de 2011. Je ne pouvais presque croire en une telle beauté et authenticité. Ce type, qui trimballe derrière lui un destin tourmenté, difficile, donne tout ce qu'il possède sur cet opus, il est doté d'une puissance vocale et d'une présence magnétique impressionnantes. Peut-être encore davantage que ses collègues Lee Fields ou Sharon Jones. C'est dire le respect et la considération que je lui porte. No Time For Dreaming est un chef d'oeuvre brûlant, sensuel, étincelant jusqu'au bout de ses cuivres qui font vibrer de plaisir les oreilles. The World (Is Going Up In Flames ) est le morceau par lequel tout a commencé, celui de la reconnaissance, un mélange subtil et explosif de soul et de blues. Une claque. Le langoureux The Telephone Song nous projette dans une sorte de transe douce amère tandis que que le superbe funk de Golden Rule a le don de donner une pêche d'enfer malgré ses paroles qui font le constat d'une société de plus en plus froide...

Première love song d'enfer avec le mirifique I Believe In Your Love. Belle, poignante, le genre de ballade soul absolument magique. Quand on parle de magie, elle se prolonge avec le sexy Lovin' You Baby qui irradie les tympans et fait fondre le coeur. Déjà des classiques. Si l'excellent titre éponyme No Time For Dreaming synthétise en quelque sorte la pensée philosophique de cette oeuvre et du parcours de l'artiste en expliquant que ce n'est plus le temps de rêver mais d'agir, le titre déchirant How Long lui reflète son pendant politique. Ce petit chef d'oeuvre qui oscille entre espoir et désespoir est le morceau le plus bouleversant et le plus puissant. Juste incroyable. Une historie d'amour non réciproque In You (I Found Love) dans une ambiance crépusculaire pour mieux nous séduire avant de retourner aux affaires sérieuses sur Why Is It So Hard dans lequel l'artiste explique toutes les difficultés auxquelles il a été confronté durant sa vie et qui estime que les choses devraient changer. Un constat réaliste qui bouscule les idées reçues du rêve doré de self made man américain. L'instrumental Since Our Last Goodbye bien que dépourvu des vocalises de Charles Bradley est l'une des pièces majeures de l'opus qui démontre le talent extraordinaire des musiciens. Heartaches and Pain clôture en fanfare sur une énergie et émotion détonnantes, un magnifique hommage évoquant la mort de son frère.

Chef d'oeuvre de la soul made in 2011. 2012 aura t'il la possibilité d'en voir naître un autre d'un tel acabit en 2012 ? C'est tout le mal que je nous souhaite mais j'en doute sérieusement, affaire à suivre...

Note Finale : 20/20

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2010 - Anna Christoffersson & Steve Dobrogosz - Covers

2012-01-04T10:55:00.000+01:00

Covers by Sabrine Carrein on Grooveshark

Parfois, survient l'envie d'écouter de la musique pour le simple plaisir d'en écouter. Pas envie de se prendre la tête, de décortiquer chaque tonalité, chaque tournant de phrase, les inspirations, etc. Juste l'envie de se poser près du feu et d'entendre une belle voix. Dans ce cas de figure, je vous propose un duo : la délicieuse voix soul d'Anna Christoffersson alliée au pianiste de talent qu'est Steve Dobrogosz. J'avais déjà évoqué leur seconde collaboration sur l'album Rivertime ici il y a maintenant de cela deux ans.

Covers, leur dernier opus en date, sorti il y a maintenant plus d'un an, vient de temps en temps squatter mon i-pod et je l'aime bien. Il s'agit d'un album de reprises assez traditionnel, au fait je dirais même qu'il n'a rien d'extraordinaire. Oui, il ne sort même pas du lot et je pense même qu'il est en-dessous des capacités artistiques du duo. Mais alors pourquoi s'appesantir dessus ? Et bien, parce qu'il m'apaise, il me repose l'esprit, je le trouve touchant dans son imperfection (Like A Hurricane de Neil Young n'est pas top et ce n'est pas la seule...) et puis j'apprécie beaucoup les covers de Just The Way You Are, Ave Maria et petite mention spéciale à I Have Nothing de Whitney Houston et la bonne énergie sur I Heard Through The Gravepine de Marvin Gaye. On remarquera que les dernières compositions consistent en des oeuvres originales et remontent le niveau de l'opus. Moralité : rien ne vaut que la nouveauté...

Note Finale : 14/20

Site Officiel d'Anna Christoffersson

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2011 - Emilie Simon - Franky Knight - Review / Chronique

2012-01-03T17:40:00.002+01:00

Pour l'écouter, vous avez l'embarras du choix Deezer, Spotify, Grooveshark (pour les canadiens :-)

C'était en août 2009. Nous sommes en Grèce. Le cadre est idyllique. La vie est belle, François et Emilie profitent de la vie. Ils sont beaux, jeunes et talentueux. Ils viennent prendre un peu de repos après avoir beaucoup travaillé sur le nouvel opus de la jeune femme. Tout semble leur sourire mais en l'espace de quelques jours plus rien ne va. François se plaint de maux de tête inexplicables et tout s'accélère de façon irrémédiablement funeste : son hospitalisation, sa mise en état de coma articifiel, des semaines d'incertitude et puis la mort si froide, dévastatrice et injuste. On pourrait croire qu'il s'agit de la trame d'un film. Je dis bien presque car si Franky Knight d'Emilie Simon a été choisi comme bande sonore au film La Délicatesse de David et Stéphane Foenkinos, il n'en reste pas moins, et même avant tout, l'opus le plus personnel et touchant de l'artiste.

Ce Franky Knight, vous l'aurez compris, n'est pas un personnage fictif, il s'agit de François Chevalier son compagnon, dans la musique comme dans la vie, disparu trop tôt à qui elle dédie cet album poignant. Pourtant, si le sujet premier est l'amour perdu, il n'est pas larmoyant. Au contraire, il s'avère touchant, romantique, digne et sobre, l'espoir semble prendre le dessus sur la tragédie et rien que pour cela, chapeau bas à miss Emilie Simon qui a su rebondir pour nous faire partager les plus beaux textes qu'elle ait jamais écrit ainsi que ses sonorités les plus personnelles. En effet, Emilie Simon a souffert pendant toute sa carrière de comparaisons : la Björk française, une sous Kate Bush sur l'électrique et controversé The Big Machine (qui est un fort joli hommage appuyé à Kate et à la Big Apple), bref, cela n'est pas facile pour un(e) artiste français(e) de faire de la musique qui sort un peu des sentiers battus de la variétoche de ne pas se faire lapider par les bien-pensants.

Bref, moi je l'aime depuis ses débuts jusqu'à aujourd'hui, elle ne m'a jamais déçue, je ne l'ai donc jamais boudée mais si avant je l'aimais juste beaucoup (c'est pas mal quand même admettons-le) aujourd'hui avec son Franky Knight, je suis devenue amoureuse de sa musique. Fini les politesses, je découvre la "vraie" Emilie Simon, celle qui se cachait derrière beaucoup de références musicales et ses bidouillages électroniques. On la redécouvre, ses sentiments mis à nu avec beaucoup de pudeur, de classe et de poésie, juste elle et son univers fantasmagorique qui fait partie intégrante de sa personnalité. Cet opus dédié à Franky, son compagnon qui hante chaque mot, chaque tonalité de par sa présence bienveillante et chevaleresque est surprenant à plus d'un titre. Outre le fait qu'il propose les plus beaux textes et compositions d'Emilie Simon, l'univers de cette dernière gagne en puissance et profondeur.

L'opus ouvre sur une surprise totale : Mon Chevalier. Ce morceau enchanteur annonce le renouveau musical d'Emilie qui parvient à intégrer ses influences francophones et américaines avec beaucoup de délicatesse et de sensibilité. Les larmes montent avec facilité à l'écoute de ce magnifique hommage. La doo wop song I Call It Love vient alléger l'atmosphère avec sa lumière, ses cuivres et la douce rêverie à laquelle Emilie nous convie avec volupté. Toujours aussi pop et accrocheur mais plus so(m)bre, l'élégant Holy Pool Of Memories séduit de façon vénéneuse et enjôle de par les jolies acrobaties vocales de la française. Plus léger et mélancolique, le délicat swing de Something More plonge l'auditeur dans le paradis musical. Exquis.

Bel Amour est ma chanson favorite, celle qui m'a le plus profondément marquée. C'est simple, je ne pense pas avoir entendu une chanson d'amour aussi bouleversante en français. Sa flamboyance, son lyrisme, sa beauté, ses paroles font de ce titre un petit chef d'oeuvre. Franky's Princess est un morceau électro pop qui aurait pu figurer sur The Big Machine. Je fonds pour sa fabuleuse rythmique, son refrain entêtant et haut en couleurs et son texte prenant. Excellent et délicieusement décalé. Retour dans l'intimisme et des sonorités plus éthérées et cristallines avec le fragile et sublime Sous Les Etoiles. Les Amants du Même Jour est un superbe instrumental tout en cordes ardent et tumultueux. L'espoir apparaît sur le ludique, sucré et malicieux Walking With You. Un petit bijou précieux. L'album se clôt avec Jetaimejetaimejetaime. Trois mots simples pour dire la même chose. Cette litanie, ce poème est psalmodié avec une force, une ferveur qui rendent Emilie infiniment tendre, réelle, humaine.

Franky's Knight, meilleur opus d'Emilie Simon à ce jour, est un bijou, un must have absolu de 2011.

Note Finale : 18/20

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2012 - Mes Meilleurs Voeux

2012-01-03T17:40:00.001+01:00

Voilà, nous y voilà, 2012 est arrivé. Le compte à rebours a déjà commencé. Nous sommes le 3 janvier, et je suis déjà en retard :). Mes premiers opus de l'année seront Retrieval Soul de Larkin Grimm et For The Good Times des Little Willies (le groupe de Norah Jones), et les vôtres ? J'attends, avec impatience, les nouveaux opus de Sofia Talvik, des Shearwater, de Lambhop, des Tindersticks, de Mark Lanegan, Cat Power, Lana Del Rey, et j'en oublie un tas d'autres.

Cela augure d'une nouvelle année riche en surprises, découvertes et confirmations, c'est tout ce que j'espère. Merci à tous pour votre fidélité, vos commentaires, vos mails, vos encouragements, j'ai tout lu même si je n'ai pas encore eu le temps de vous répondre. Même si cela est bateau, je vous souhaite tout de même une excellente année 2012 à tous !

2011 - Kate Bush - 50 Words For Snow - Review / Chronique

2011-12-27T20:52:00.000+01:00

50 Words For Snow by Sabrine Carrein on Grooveshark

Kate Bush, un nom, déjà une légende. Pour le milieu musical féminin. Pour la musique tout court. Depuis son apparition dans les seventies, ce diamant découvert par David Gilmour (Pink Floyd) ne ce cesse d'être cité, comparé, adulé ou même détesté. Une sorcière au moyen âge, une icône des temps modernes. Je connais sa discographie, ayant déjà, depuis belle lurette, tout écouté : une fois, deux fois, etc. sans que cela soit, à mes oreilles, si fondamentalement mémorable quoique remarquable en tous points. Normal, je l'ai découverte sur le tard : Tori, Björk et les (centaines d') autres sont passées par là et lui ont piqué toutes les bonnes idées en les modernisant et se les ré appropriant ; je n'ai eu droit qu'aux restes ancestraux. Cependant, il faut l'admettre, j'ai toujours trouvé sa musique aussi audacieuse que révolutionnaire (pour l'époque) et kitsh au final. Sa fougue, ses envolées lyriques et son travail en amont pour la reconnaissance d'une véritable identité féminine dans le monde de la musique (qui a souvent pris les femmes pour des faire valoir) sont incommensurables. Ses disques sont historiques mais je ne peux m'empêcher de préférer (et de loin) des disques (qui peuvent paraître) assez insignifiants pour les fans purs et durs : Lionheart (1978) et le double album épique Aerial (2005) qui est son chef d'oeuvre le plus imagé et personnel, deux oeuvres réalisées à des périodes profondément différentes. Presque trente années les séparent et rendent l'univers de la grande Dame anglaise presque méconnaissable : sa créativité et sa quête de nouveaux horizons artistiques restent intactes mais la maturité de la voix ainsi que les sonorités musicales se révèlent plus sobres et davantage contenues.

Certains artistes donnent le meilleur d'eux-mêmes dès le début de leur carrière et puis plus rien ou pas grand chose de réellement créatif n'en ressort au fil des années ou des albums qui sortent. Ce n'est pas le cas des vrais, des grands, qui savent rester humbles et ancrés dans la réalité. Kate Bush fait partie de ces (trop) rares musiciens (cette interview en est la plus belle preuve). Après la sortie, ô combien controversée au début 2011, de Director's Cut sur lequel elle retravaillait certains morceaux présents sur The Sensual World (1989) et The Red Shoes (1993) (albums qui sont, soi-dit en passant, sans doute les plus datés en rapport avec leur contexte sonore très eighties ; même si les talents d'interprète, d'auteure et de compositrice de la belle Kate ne sont pas remis en doute), elle revient en novembre 2011, alors que plus personne ne l'attendait, avec un opus d'inédits : 50 Words For Snow. Un album conceptuel, une oeuvre ludique que voulait réaliser Kate Bush après le laborieux processus esthétisant entrepris sur Director's Cut.

Pour ceux qui n'appréci(ai)ent guère Aerial et Director's Cut, mauvaise pioche, vous aurez très peu de chances d'aimer ce nouveau Lp, les autres, par contre, seront au septième ciel, il faut bien qu'il y ait une justice en ce bas monde. En effet, après avoir exploré le monde des oiseaux sur Aerial, découvert le vocoder et le monde de l'électronique sur Director's Cut, 50 Words For Snow est dans la continuité de ces derniers et s'avère être un album qui met l'accent sur la nature hivernale et les ambiances complexes et sublimement orchestrales. Cette nouvelle oeuvre d'art, on ne peut pas parler de simple musique à ce niveau d'excellence, est tout simplement éblouissante. Les paysages musicaux qui y sont dessinés, loin d'être gelés et complètement contemplatifs comme pourrait le présager le thème de l'opus, se révèlent davantage luxuriants, opulents mais de façon non conventionnelle. En effet, les sept longues plages qui défilent, à nos oreilles avisées, sont palpitantes, fascinantes, à priori simples et pourtant si sophistiqués. Le travail de Kate Bush et de ses musiciens et arrangeurs est d'une subtilité, d'une densité incroyable, il faut l'entendre, se plonger au coeur de cet univers féerique, pour vraiment appréhender dans toute sa richesse cette oeuvre.

Snowflake ouvre la voie. La voix de l'enchantement, j'entends. De suite, le charme opère, agît et engourdit mes sens, je me sens attrapée dans la toile musicale de Kate Bush. Je trouve cela délicieux, cette sensation d'être si séduit par une piste si épurée, quoique mystérieusement enveloppante, que l'artiste partage avec son fils Bertie. La grâce et la classe de Lake Tahoe provoquent des frissons intenses. Que d'émotions cachées, sous-entendues sur ce titre aux sonorités feutrées, tamisées qui sont superbement travaillées. Sensuel, enivrant et mélancolique, Misty enrobe l'auditeur pour mieux le mystifier. Sa beauté plastique et émotionnelle complexe en fait l'un des petits chef d'oeuvre de l'opus. Fantastique. Wild Man, en référence au mythe du yéti, est le titre par lequel, j'ai été été introduit à cet opus. Le plus calibré, le plus abordable. Il renoue avec l'univers davantage pop qu'onirique de l'artiste. Certainement le moins organique également de l'opus ; il s'avère intéressant et intriguant mais ne colle pas réellement avec le reste de l'opus dans son approche musicale en cause : son côté faussement friendly FM. Cool mais dispensable au final. On reprend le fil de l'album avec Snowed In At Wheeler Street. Je me demande après coup, si j'aurais acheté cet opus si j'aurais su que si Elton y apparaissait. Je n'ai rien contre cette (autre) légende musicale mais par manque d'affinités, je n'ai jamais été séduite par ses travaux (anciens ou récents). Ici, le beau Sir fait preuve d'une sobriété incroyable, que je ne lui connaissais pas, et participe à la réussite de ce superbe duo romantique et flamboyant. Et voici, ces fameux 50 Words For Snow qui sont énumérés par le très grand Stephen Fry. Ce titre électrique, en tous points, s'avère une merveille hypnotique encore source infinie de fascination pour l'artiste qui n'a de cesse de se montrer imaginative. La ballade piano voix Among Angels, faisant office de clôture, pourrait (presque) passer inaperçue au milieu de toute cette opulence. Et pourtant... quelle joie de la retrouver en toute simplicité sur ce titre lumineux qui me donne la chair de poule. Encore de frissons. Un moment dans l'intimité musicale de Kate Bush qui n'a aucun prix. C'est (encore mieux que) de l'or. Autant dire tout de suite que c'est l'une des oeuvres sur l'hiver les plus belles jamais créer.

En général, je n'aime pas les extrêmes mais Kate Bush déchaîne et déchaînera toujours les passions. La vie est comme cela mais je voulais vous faire part de deux critiques qui sont aussi diamétralement opposées qu'intéressantes. D'un côté, celle d'un fan : Jacques Benoît sur Amazon et celle, bien plus nuancée, sur le fabuleux blog The Spookrijder.

Note Finale : 19/20

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2011 - Little Dragon - Ritual Union - Review / Chronique

2011-12-21T20:19:00.000+01:00

Ritual Union by Sabrine Carrein on Grooveshark

Je ne sais pas pourquoi mais j'oublie sans cesse de les citer parmi mes groupes scandinaves préférés. Thus:Owls, Wildbirds and Peacedrums, Susanna and The Magical Orchestra, Quadron, The Tiny, etc. (j'en oublie très certainement un autre...) et bien entendu les Little Dragon. Ce n'est pourtant pas pas si compliqué, ils sont à ce point uniques en leur genre qu'ils semblent débarqués d'une autre planète, c'est dire. Sur la scène musicale, ils sont devenus une figure incontournable avec leur mix de pop électronique mâtinée de jazz et de funk. Cependant, avec la sortie de leur dernier opus Ritual Union, les suédois ont décidé de ne pas prendre trop de raccourcis pop et de se diriger vers davantage d'expérimentations sonores. Au risque d'éblouir ou de perdre des amateurs au passage.

En écoutant ce nouvel opus, j'ai vogué entre ces deux états d'âme : être étonnée (de ne plus retrouver ce quatuor d'habitude davantage accessible et un peu plus chaleureux ) et être impressionnée par le chemin parcouru, par leur créativité, leur absence de consensualisme. Je ne vous cache pas que cet album requiert une attention toute particulière pour vraiment en faire le tour et être pleinement séduit. Ceux qui n'ont pas le temps passeront leur chemin car il n'y a pas de singles aussi évidents comme on pouvait en retrouver sur leurs deux premiers opus : Little Dragon (2007) et Machine Dreams (2009). Néanmoins, leurs collaborations avec Gorillaz ou encore Raphael Saadiq ainsi que leur évolution naturelle ont fait en sorte que le quatuor de Göteborg ont acquis davantage confiance en eux. Leurs sonorités futuristes sont davantage orientées vers d'autres expériences sonores et même la captivante frontwoman Yukimi Nagano offre des interprétations minimalistes et sensuelles, toujours juste, sans jamais en faire de trop, elle se fond avec les instruments au lieu de les survoler, c'est surprenant mais au final très cohérent pour ce groupe d'amis lycéens.

Ritual Union débute dans la continuité des anciens travaux des Little Dragon : le premier titre éponyme est scintillant même pétillant. L'énergie de la chanteuse, l'instrumentation inventive ainsi que l'humeur presque festive font en sorte qu'il s'agit d'un single électro pop idéal pour rallier tout le monde sur les dancefloors. Dans la même veine, le goldfrappien Little Man possède une classe folle. Ce morceau est certes piquant et entêtant mais, à l'instar de son prédécesseur, il cache la forêt sophistiquée des Little Dragon. Avec Brush The Heat, on a vraiment l'impression d'entrer dans un nouvel univers. Ce n'est fondamentalement différent des anciens travaux du groupe et pourtant c'est une nouvelle porte qu'il ouvre : le vocoder, une musique electro funky plus froide, maîtrisée, chirurgicale. Cela plaît ou non. Shuffle A Dream prolonge cette logique avec son rythme effréné et ses notes asiatiques délicieusement fantaisistes. Toujours dans le versant up tempo de l'opus, Please Turn démontre une certaine urgence pop et dramatique en même temps. Un superbe morceau dans lequel le chant magnifique de Yakimi apparaît sans fard.

Crystalfilm permet de se poser et de rêvasser sur une note éthérée et nuageuse. Sur fond d'un disco hypnotique, Precious enjôle et irrite tandis que Nightlife refait équipe avec les eighites chères au groupe sur Machine Dreams. Il sonne comme un leftover de luxe de l'avant-dernier opus. Jouissif ! Summerteaz est certainement le morceau expérimental le plus réussi de l'opus. Intriguant, ludique, le groupe s'amuse à assembler différents sons avec une forme de génie propre au groupe. When I Go Out montre une nouvelle facette plus sombre de la musique de ce quatuor. Cela semble désincarné un peu comme la musique électronique résonne souvent à mes oreilles, cependant je ne peux m'empêcher d'être éblouie par leur audace et leur inventivité et d'adorer l'instrumental de fin qui est juste énorme. L'album clôt sur une note plus légère avec Seconds, une parenthèse hyper minimaliste et enchantée dans leur univers bien singulier.

S'il n'est pas un must have de 2011, il n'en reste pas moins un ovni musical indispensable de cette année musicale rocambolesque.

Note Finale : 16/20

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