LEO XU PROJECTS很荣幸地展出《代号：aaajiao》。本次展览是活跃于国际的中国年轻新媒体艺术家aaajiao在2015年的首次画廊个展。展览将集中呈现以aaajiao作为其网络别名和创作艺名的上海艺术家徐文恺新作以及为展览委约创作的项目。这批作品丈量了以新科技、新媒体为依托的艺术创作的新维度和方向，并探索了以互联网和数码技术为主导当代生活中急迫的议题。展览将从2015年1月16日展出至3月8日。展览同期将有一系列在线和线下的活动和展出。艺术家本人亦将会出席开幕酒会，时间：周五，1月16日，晚5至7时。

如近年影视以及流行文化作品中对“科幻”题材的热衷和泛化，《代号：aaajiao》亦从aaajiao创作中近似“科幻”的特征展开，重新想象当下科技的疆域和方向，并在不断更新的“时空”概念里，描绘人类住居和异变的未来。作品《枯山水》（2015）系为现场度身创作的雕塑。顾名思义，标题取自日本园林设计中的“枯山水”。这批由电脑算法生成的黑色海绵雕塑，触觉柔软却看似坚硬如磐石。它们形如异变的肢体，生长在展厅地面、墙面和楼梯，波浪状地推散、蔓延开去。而同类作品《不规则》（2015）则以比陨石更诡异的形态将科幻作品中对异形的美、黑暗的美的想象物化、移植进了日常空间。

Aaajiao近期在与其包含了新媒体艺术家、设计师、程序员和工程师的跨领域团队协作中，创作了一批数字化的静物和风景作品。不同于传统意义中的静物、风景绘画，aaajiao单纯凭借电脑算法生成、数码渲染的影像作品为这些传统的艺术形式注入了新一层的时间、空间维度。如完成于2014年的《物 3》和《物 4》均在时间线索上绘制了难以再现的关于矿物岩石生成的静物作品。而《有限的无限风景》（2014-2015）则将计算机算法视觉化成了一副不断形变中的地貌图景，展示了漫长时间轴上传统艺术表现形式无法捕捉或想象的地貌无穷变化。这一系列包含了录像短片、出自电脑渲染的像素化的风景摄影，以及由磁悬浮技术完成的漂浮于半空的地貌雕塑。

在本次展览的三楼展厅，艺术家将展出委约创作的最新系列。这批作品中aaajiao研发了自身独特的工作方式和视觉语言，探索中医理论中的经络原理。他将现代分形理论、计算机算法贯穿至他对中医的经络研究中，将人体内无形的场域外化进展览现场，甚至转译成为文身图案。该项目的另一个版本将在五月纽约的弗里兹艺术博览会的画廊展位中展出。

Aaajiao是徐文恺的网络化名，aaajiao代表了他新媒体艺术家、博客、网络活动家等诸多身份。而其线下的工作亦包括了上海联合办公项目“新单位”的创始人——这个项目讨论了在国际都市上海个体游牧式的工作生活的可能性——以及新媒体艺术家的教师等。Aaajiao于1984年生于西安，就像这个年份——1984年也是奥威尔同名小说的标题——和地点所象征的巧合，他的作品充满了强烈的科技的想象以及文人情怀。不少aaajiao的作品都切中了今天互联网相关的新思维、议题以及现象，其中不少项目都探索了数据处理、博客领域以及中国的防火墙等问题。Aaajiao近期的创作中的跨领域协作（建筑、电子音乐、表演、产品设计、医学等）都无疑都聚焦于今天消费网络技术、生活于社交媒体中的青年一代。

Aaajiao的作品频繁展出于国内外的诸多展览，其中包括《齐物等观——国际新媒体艺术三年展》，中国美术馆，北京（2014）；《PANDAMONIUM 又一次发声 ——来自上海的媒体艺术》，Momentum，柏林（2014）；《西岸建筑与当代艺术双年展》，上海（2013）；《平行世界》，录映太奇，香港（2011）；《转译媒体节》，柏林（2010），等等。2014年底，他不仅荣获第三届三亚艺术季暨华宇青年家评审大奖，亦入围首届OCAT皮埃尔•于贝尔奖。

当前，aaajiao的作品亦可在上海两家美术馆的展览展出：《多重宇宙——有限与无限，存在与共存》， 上海二十一世纪民生美术馆；《熵之真相》，OCAT当代艺术中心上海馆。

“alias: aaajiao” marks the first solo exhibition with the gallery of the widely exhibited young Chinese media artist Xu Wenkai. Based in Shanghai and working under the vague and comical internet alias of aaajiao, the artist will be presenting a body of new and commissioned works, which measure the new dimension of high technology and media-based works, and address the issues derived from contemporary living with Internet and digital technology. The exhibition runs from January 16th through March 8th, 2015, with a series of events and presentations to take place on and off line. The artist will be present at the opening reception on Friday January 16th, 5-7pm.

As the title suggests, “alias: aaajiao” highlights an intense sci-fi aspect of aaajiao’s recent projects that re-imagines the capacity and direction of technology and pictures the future of human living and physical transformation through evolving notion of time and space, which has been subjects of films and many other pop culture products in the past two years. The centerpiece of the show “Karesansui”(2015) is a site-specific sculpture that borrows its title from Japanese Dry Landscape also known as the Rock Garden. Created by his algorithm and made of sponges that look as firm as rock, “Karesansui” presents an unsettling dystopian scenery of numerous pitch-black mutant limbs that grow out of the gallery’s floors, walls, and stairway, sprawling all over and competing with each other. Another set of sculptures “Anomaly” (2015)—produced in technique and material identical to “Karesansui” but in the shape of meteors—celebrates the classic beauty of dark imagination of bio and physical mutation that has been frequent to the sci-fi cinema and visual representation.

Having collaborated with a team of media artist, designer, programmer and engineer, aaajiao has been challenging the complexity of digitized still-life and landscape works. “Obj. 3″ and “Obj. 4″ (both made in 2014), two video portraits of stones on miniature screens, introduced a new dimension of time and space to a classic and painterly composition. Limited Landscape, Unlimited is an on-going series that explores the geologic evolution, by visualizing the ever-changing landscape through his algorithmic study and digital rendering. The project includes a video showcasing infinite possibilities of geologic formation, a set of photographs of pixelized land, and a maglev installation featuring a sculpture prototype spinning in the air.

On the third floor of gallery will be a commissioned new project, in which aaajiao has invented his own methodology to investigate the invisible physical operation of meridian system (in Chinese herbal medicine and philosophy). He incorporates the contemporary Fractal Theory and computer algorithm in his research to trace the energy channels and points within human body, transplanting this internal micro universe into tattoo patterns and gallery space. A variation of the presentation will also be on view in gallery’s booth in forthcoming Frieze Art Fair New York.
Actively online as a media artist, blogger, activist and programmer, aaajiao is the virtual persona of Shanghai-based artist Xu Wenkai, whose offline practices include a celebrated entrepreneur of co-working projects Xindanwei—that tested a new way of living and working nomad in cosmopolitan Shanghai—and an inspiring teacher of New Media art. Born in 1984 in one of China’s oldest cities Xi’an, aaajiao’s art and works are marked by a strong dystopian awareness—his year of birth being the synonym of Orwell’s classic allegory novel—and literati spirits and sophistication. Many of aaajiao’s works speak to new thinking, controversies and phenomenon around Internet, with specific projects focusing on the processing of Data, the blogsphere and China’s Great Fire Wall. Aaajiao’s recent projects extend his practice to various disciplines (architecture, electronic music, performance, product design, medicine, among many others) to take the pulse of a young generation consuming cyber technology and living in social media.

Aaajiao’s work has been featured in numerous exhibitions around the world, for instance, “Thingworld: International Triennial of New Media Art”, The National Art Museum of China, Beijing (2014); “Pandamounium”, Media Art from Shanghai, Momentum, Berlin (2014);The West Bund Architecture and Contemporary Art Biennale, Shanghai (2013); “One World” Exposition—Chinese Art in the Age of the New Media, Videotage, Hong Kong (2011); Transmediale, Berlin (2010), etc. He received the Jury Prize from Art Sanya Awards 2014 and was nominated for the first edition of OCAT—Pierre Huber Art Prize in 2014.

Concurrently a selection of aaajiao’s recent works are also on view in two museums in Shanghai: “Cosmos—Limited and Limitless, Existence and Co-existence”, 21st Century Minsheng Art Museum, Shanghai and “The Truth About Entropy”, OCAT Contemporary Art Terminal Shanghai, Shanghai.

The artist and the gallery wish to thank Fan Shisan, Liu Xiaoguang, Nara, Shen Lei, Xu Cong and many others for their collaborations in various projects.

Drone.2000无人飞行器，艺术家为Nicolas Maigret（尼古拉斯·梅格雷），照片由GAMERZ的Luce Moreau 拍摄，2014年

尼古拉斯·梅格雷，DRONE.2000，2014年

在普罗旺斯艾克斯地区举办的“GAMERZ ”艺术节估计是欧洲境内唯一一个让人连眼皮都不敢眨一下的节日活动，一位艺术家组织了一场表演，那改装后的无人操纵飞行器们笨拙的在空中肆意飞舞挑衅着场内的观众。刚开始也许并不让人害怕，直到你意识到一架愚蠢的无人机远远比一架智能机要来得危险的多。

这两架DRONE.2000无人机的表演遵循Roomba吸尘器机器人的简单算法。显然它们不是智能的，它们一会撞到墙上，一会又过于贴近观众，绿色的激光箭头发射在人们的头上并发出已经大到令人不适的噪音。这一切可能得在眼泪和瘀伤中结束（幸好后来这并没有发生）。

在多数人的直觉经验中会觉得无人飞行器（UAV）是相当良性的。我们通过黑客、艺术、电影或视频游戏知道它们。有朝一日，无人飞机将帮助我们传输包裹、协调消防事务（firefighting），或是观看“慈善”的 eye over sports比赛。可它们的自主权与潜能到底是什么程度？我们是否应该信任它们？我们是否相信那些制造和控制它们的人？

Drone.2000是尼古拉斯·梅格雷（Nicolas Maigret）系列作品（works）的一部分，它提醒了我们关于军事的起源及技术的运用已然成为了主流。在这，信任机器的自主权不再是不着边际的设想，梅格雷写道，不过，一次与观众分享的真实经历，将引发他们在真实危险处境下对压力与投入的直观反应..

Drone.2000无人飞行器，艺术家为Nicolas Maigret（尼古拉斯·梅格雷），照片由GAMERZ的Luce Moreau 拍摄，2014年

Nicolas Maigret（尼古拉斯·梅格雷），Drone.2000遥控飞行器，照片由GAMERZ的Luce Moreau 拍摄，2014年

我为了GAMERZ艺术节的开幕特地来到普罗旺斯艾克斯，却不得不在表演开始前离开，所以我请萨科梅格雷提供了这件作品的创作讯息：

你好尼古拉斯！你在这次表演中采用了哪个型号的无人机？

是Parrot AR.Drone 2.0无人机。这个型号的优点在于被广泛使用，同时非常便于修改程序。某个大型社会团体致力于开发它以应用于不同的用途。 （参见：nodecopter =黑客马拉松，ardupilot.com =自动驾驶，copterface =面部识别…）它不便宜，介于玩具、连接物和半专业设备之间。

Drone.2000无人飞行器（演出前的准备），艺术家为Nicolas Maigret（尼古拉斯·梅格雷），照片由GAMERZ的Luce Moreau 拍摄，2014年

Drone.2000无人飞行器（演出前的准备），艺术家为Nicolas Maigret（尼古拉斯·梅格雷），照片由GAMERZ的Luce Moreau 拍摄，2014年

Drone.2000无人飞行器（演出前的准备），艺术家为Nicolas Maigret（尼古拉斯·梅格雷），照片由GAMERZ的Luce Moreau 拍摄，2014年

能解释一下你是如何改装无人飞行器的么？

这次的挑战真的把公众搞困惑了，当他们面临机器的自治（这场飞行试验）。这次为的是增进公众对抗不稳定性、脆弱性、以及知晓控制这些机器自主行为的算法的潜在危险。

为此，我们模拟了iRobot公司所生产的Roomba机器人/吸尘器的基本行为模式。这意味着该无人机是完全无法感知身边环境的，它只知道自身所处的高度以及在随机运转中不时对障碍物（墙壁等物）造成碰撞。我们关闭了通常用于稳定位置的摄像头，此刻的无人机已处于非智能状态，它无法获取其他无人飞机的位置信息。

这些变化带来的潜在危险如同达摩克利斯之剑一般令人震惊。尤其是当这些无人机频繁跌落的时候（即使公众就在它面前）。

每一架无人飞行器的螺旋桨上都配备了振动传感器。这些声音在表演过程中逐渐增强，直到螺旋桨叶片打到了真实的存在物上。这种尖刻蛮横的当代音效重现了战争隐义- 在这个层面上重温未来主义对声音的处理（如Jean-Marc Vivenza所创作的Aérobruitisme Dynamique般）。不过，未来主义者怀抱着期许前进与包容的态度，然而我却认为，我们现在处于一段非常不同的关系时期，对宣传机构广泛宣讲的科技创新与发展已越发不信任，皆因它们与昔日所宣传的进步神话的共同之处少的几乎可以忽视。

公众的反应如何？他们意识到了危险？

公众的反应在间歇性的不安、神经紧张和诙谐之间交替。

该无人机笨拙的动作迅速地制造了真实的危险境况。最初，大多数观众直觉地选择站立到墙壁的附近、房间的两边。我认为这段时间正是他们焦虑的高峰期。后来人们逐渐靠近它们或干脆在空间中坐下。有些人甚至试图干涉这些僵尸飞行器（Zombie Drones）的飞行。讽刺的是，房间的墙壁是大多数人聚集的地方，同时又是无人飞行器跌落次数最多的地方。

需要指出的是，无人驾驶飞行器还间歇地向公众投射十字形（cross）的激光靶标，公开的呈现出与军事袭击及压迫极为相似的技术，并快速游戏化的面对普通百姓，特别是AR.Drones这样的即插即用型无人操纵飞行器 。（详见blurb项目）。

Drone.2000无人飞行器，艺术家为Nicolas Maigret（尼古拉斯·梅格雷），照片由GAMERZ的Luce Moreau 拍摄，2014年

Drone.2000无人飞行器，艺术家为Nicolas Maigret（尼古拉斯·梅格雷），照片由GAMERZ的Luce Moreau 拍摄，2014年

Drone.2000。我喜欢这个名字，但2000这个词很讽刺，不是吗？这让我想起那些在20世纪80年代和90年代被称为“时尚2000”“汽车经销商2000”的店铺。

这个标题显然是个讽刺。但至少它召唤了一个想象中的未来，因为它已留在了过去，特别是我们曾经在科幻片和预言文学、电影、连环漫画、电视剧中遭遇过的自主飞行的物体。

我认为这些世代幻想的自我实现的预言有些来自于科幻娱乐产业的启发，更通俗的来讲，是受到时代精神的影响。的确，整个一代人的成长都曾伴随共同的幻想，不论这些影响是否是反乌托邦的、批判性的。后来，当他们成年，其中的一些不加思考的尝试将或多或少的忠实呈现当年的幻想。 （这也是让 – 巴蒂斯特·培尔［Jean-Baptiste Bayle］的Terminator Studies［终结者研究］或Nicolas Nova［萨科诺娃］的latest book的关键点）。我认为这部分来自于我们所看到的在过去20年间通过一系列工具和“新思想”建立起的特别是来自于美国加利福尼亚州的思想体系以及来自于工程师领域的新统治阶级。

标题：Drone.2000。让人想起那个早已走远的未来，那些致力于瓦解迷人伪装的行径也与创新混为一谈，这已同样在我们渴望消灭科幻的人为性与它们所承载的意识形态之间造成紧张关系。

名词“无人机”体现出一种相当矛盾的状态，一方面，它是一个有趣和迷人的来自于模型制作世界的神器；另一方面，它是“清除与外科手术般”的战争的新范式（参见Grégoire Chamayou的Drone Theory）或者可能在不久的将来，它将普遍用于监视及控制装备。

出于种种原因，我希望让无人机获得完全的自主权并引发恐慌，在如上我所提到的参考资料中产生一种象征性的交集。

谢谢尼古拉斯！

Drone.2000由M2F Créations – Lab GAMERZ, Grégoire Lauvin 与尼古拉斯·梅格雷共同制作完成

同样由尼古拉斯·梅格雷完成的有：The Pirate Cinema, A Cinematic Collage Generated by P2P Users.。

B-36轰炸机机组人员在北极的装备，玛格丽特·伯克 – 怀特拍摄

伦敦WORK Gallery新近开幕了一个吸引人的展览，讨论关于摄影在核能及“核弹”所呈现的公众形象中起到的作用。 悬挂在墙上的那些图像令人震惊的愉悦和出色，我本以为这会是一场黑暗和戏剧性的展示。

展出的第一组作品是关于蘑菇云的标志性画面。那些伴随着“核旅游业atomic tourism｛即使如今我们不顾一切地（recklessly）减少污染但当年的后果是无法消失的（in no way disappeared ）｝”而产生的爆炸行为。例如在内华达州进行的大气核试验（Atmospheric nuclear testing），曾引起狂热的记者及好奇者们的聚集。他们令人钦佩的坐在观看爆炸的最佳位置并穿戴着有’防护’字样的护目镜，充满危险的接近爆炸源。

观众和媒体成员在“News Nob”，亚卡台地（Yucca Flats），内华达州，1952年4月22日，Marcel Verdooner 拍摄/来自美国陆军公布的图片

内华达试验基地空投试爆“黄蜂第一（Wasp Prime）”的核试验场景，1955年3月29日

这是相信科学尤其是相信核能源的时代。举一个例子，在迪士尼1957年制作的一部介绍原子能的电视节目（episode）《我们的朋友原子（Our Friend the Atom）》中，“原子（弹）小姐”的桂冠被那些家庭骄傲地摆放入他们的放射性尘埃避难所里，里奇兰，一个位于第一个完整规模钚生产反应堆附近的小镇，它那未来主义的街道场馆与核电厂共同欢庆着一切与核有关的事物。

原子道，日期不详，迈克尔·克劳福德拍摄，约翰·奥布莱恩收藏

核巷2000号，迈克尔·克劳福德拍摄，约翰·奥布莱恩收藏

展览还呈现了核能源带来的另外一面：广岛民众的创伤，一所小学校建盖在被核废料污染的土地上，以可视化的手段展现纽约城遭受大规模核破坏的艺术作品，公开抗议被忽视的安全保障问题。

陈列在WORK gallery的展览照片大部分来自于艺术史学家和策展人约翰·奥布莱恩。随展览一同展出的还有他最新的出版著作：《核镜头（Camera Atomica）》。

我建议展览和书都需要看一下。展览将展出至12月20日，展厅离国王十字车站不远，如果你在城里的话就不要错过了。这本书是个充满了照片、史实、令人震惊的轶事的金矿。这是图像的力量，它塑造了记忆和想象。我混合了展览的图像以及书里的照片形成了你现在看到的这篇文章。

《核镜头：摄录核世界（Camera Atomica: Photographing the Nuclear World）》，主编为作家及策展人约翰·奥布莱恩（John O’Brian）。弘光丰崎（Hiromitsu Toyosaki），朱莉娅布莱恩 – 威尔逊（Julia Bryan-Wilson），布莱克·菲茨帕特里克，Susan Schuppli，伊恩·博阿尔，基因·雷，道格拉斯·库普兰（Douglas Coupland）对该书提供了帮助（Blackdog Publishing及亚马逊USA和UK上可以买到此书）

以下是我提到的照片：

操作红翼鸫超级炸弹- 汤姆与”大男孩”原子弹及小型炸弹，1956年，拍摄者不详

洞穴避难所，1972年6月，拍摄者不详

反核战争的抗议签名，1967年7月，约翰·奥布莱恩收藏，拍摄者不详

对日美安全条约的抗议，东京，1960年6月15日，滨谷浩（Hiroshi Hamaya）拍摄，银盐照片。盖蒂博物馆，2012.2.29 ©交野圭佑提供

Michael Light编著的《100 SUNS》：008斯托克斯/ 19千吨梯恩梯爆炸力/内华达州/1957年，2003出版

美国海军上将William H. P. Blandy（外号“秒杀”）和他的妻子正在切核爆炸形状的蛋糕，1946，新闻社的照片

B83 百万吨核重力炸弹武器存储区域, 易斯安那州巴克斯代尔空军基地（Barksdale Air Force Base），1995年，夏布伦（Paul Shambroom）拍摄

核辐射生活应急包，纽约，1961年 – 来源于舍勒思想

内饰重离子直线加速器，美国加州大学伯克利分校，1971年，摄影：Work Gallery /黑狗（Black Dog）出版社出版

氢弹爆炸，亚卡台地（Yucca Flats），内华达州，1967年10月12日,科特·康特（Curt Gunther）拍摄,约翰·奥布莱恩收藏

原子明信片。亚卡台地（Yucca Flats）的爆炸，日期不详，约翰·奥布莱恩收藏

原子明信片，英国，日期不详，约翰·奥布莱恩收藏

肖像1945-1950，拍摄者不详

纽约梦魇：空投试爆原子弹使城市东北部彻底作废…，1949年，约翰·卡尔顿（John Carlton）

检测金枪鱼中的放射性物质含量，东京，1954年（via）

建设中的原子纪念塔(THE ATOMIUM)，布鲁塞尔，1957年至1958年（via）

《爆炸之后。原子档案摄影集（After The Flash. Photography from the Atomic Archive）》在伦敦WORK Gallery展出至2014年12月20日。

相关文章：Anecdotal radiations, the stories surrounding nuclear armament and testing programs, La Cosa Radiactiva / The Radioactive Thing, Book review – Fallout Shelter. Designing for Civil Defense in the Cold War,
Yasusuke Ota: The Abandoned Animals of Fukushima, Harold Edgerton, “the man who made time stand still”, Shomei Tomatsu,等。

首页照片为：Michael Light拍摄的“100 Suns: 099 Bravo”，2003年。

朱利奥·安德烈奥蒂，罗马，上世纪70年代 © TEAM Editorial Services / Alinari（阿里纳利）联盟

近半个世纪以来，安德烈奥蒂出任了意大利几乎所有的重要政治席位。他担任了七任总统，除了Silvio Berlusconi（贝卢斯科尼）外，在任时间长于其余的战后意大利政客。安德烈奥蒂虽不像贝卢斯科尼般闹腾，但他从头到尾狡猾的就像个波吉亚人（Borgia）。他涉及了大部分的政治腐败丑闻，如被指控涉嫌参与黑手党社团以及谋划了多起相关的高调暗杀、屠杀和金融犯罪案。2008年上映的，保罗·索伦蒂诺（Paolo Sorrentino)导演的关于朱利奥·安德烈奥蒂的电影《美声男伶（Il Divo: La Straordinaria vita di Giulio Andreotti）》 强调了他对前任总理时任天主教民主党领袖（当时的意大利多数党）阿尔多·莫罗（Aldo Moro)绑架案负有不可推卸的责任。索伦蒂诺是不是唯一持有这种怀疑的人。许多猜测认为，莫罗是被牺牲的羔羊（agnello sacrificale），因为他欲极力促成共产党加入联合政府而不得不被牺牲掉。

1978年3月16日，莫罗的车在罗马被左翼极端恐怖组织“红色旅（Red Brigades）”袭击。在被监禁了55天后，他的尸体在一辆雷诺4汽车的后备箱中被发现。

1978年5月9日： 阿尔多·莫罗（Aldo Moro)的尸体在罗马卡埃塔尼(Caetani)的一辆雷诺4汽车后备箱中被发现。

莫罗(Moro)，在他被红色旅绑架时拍下的照片

不仅是安德烈奥蒂、莫罗、而且还有安迪·沃霍尔（Andy Warhol），费里尼（Federico Fellini）和其他的一些人出现在了布莱顿摄影双年展（Brighton Photo Biennial)展览之一“Amore e Piombo: The Photography of extremes in 1970s Italy(爱与铅：1970年代意大利极端摄影集)”中 。Amore e Piombo意味着爱和铅。铅意味着“anni di piombo(铅色年代)”，这是一段发生于上世纪70年代意大利的右左翼准军事组织实施恐怖主义行为及充满社会斗争的动荡岁月。爱（Amore）则是指伴随着电影城（Cinecitta）电影开机而来的并被狗仔队在罗马街头拍摄到的明星。20世纪70年代的意大利塑造了两个极端的世界，这些内容由一群摄影记者记录下来。

专业防暴警察部队，Cellere，20世纪70年代

摄影记者不断地游走于电影明星的作秀与真实的街头内战之间。政客和社会名流们间的勾搭被摄影图片社的狗仔队拍摄收录在了一起。此处略为提及一个隐性的现象，秘密组织与意大利秘密服务工作的隐蔽交易，P2共济会（P2 Masonic Lodge）与中央情报局（CIA） 及北约组织（NATO）的秘密关系，全部在红色旅和黑手党极端恐怖份子有针对性的背景下运作。这些资料出现在当时的电视新闻画面旁，电影镜头和录音资料中。如果想要更深入的了解这一时期，建议去看下摄影师马丁·帕尔（Martin Parr）所收藏的意大利摄影集。

“爱与铅”这个展览如同那些岁月一般引人入胜神秘莫测。如果你正在布莱顿附近那千万不要错过了：

反对“历史性妥协（Historic Compromise）”示威游行，天主教民主党（DC）和意大利共产党（PCI）结盟，罗马，展览所有20世纪70年代照片来自于“现代冲突档案－Alinari（阿里纳利）联盟”

上世纪70年代初，朱利奥·安德烈奥蒂（Giulio Andreotti）首次担任意大利总理及天主教民主党领袖

演员尼纳托·达沃力（Ninetto Davoli）、弗朗哥·西蒂（Franco Citti）与导演帕索里尼Pier Paolo Pasolini （站立者）在演员足球队的合影，拍摄于上世纪70年代

法国演员阿兰·德隆（Alain Delon）在一部意大利电影中的表演

警察与极左翼示威者之间的冲突，罗马，1977年

Avelar Brandão Vilela，巴西的罗马天主教枢机主教，拍摄于1970年代

碧姬·芭铎（Brigitte Bardot）在电影《泼妇（Les Femmes）》中，让·奥里尔（Jean Aurel）导演，罗马，1969年

一位警员保镖在红色旅伏击绑架阿尔多·莫罗（Aldo Moro）事件中死亡，罗马市via Fani街，1978年3月16日

对提前离婚公投的示威游行，1974年

展览空间看点：

《卫报（The Guardian）》上有更多的图片（images）。

爱与铅：1970年代意大利极端摄影集（Amore e Piombo: The Photography of extremes in 1970s Italy）受现代冲突档案（Archive of Modern Conflict）与Photoworks委托，由Roger Hargreaves与Federica Chiocchetti策划。它将在布莱顿博物馆艺术廊（Brighton Museum & Art Gallery）展出至11月2日。

冷却库, 迪拜, 拍摄者Bas Princen, 2009

Torre David作品2（加拉斯加），拍摄者Iwan Baan, 2011年

昨天的新闻热点是关于“构建的世界：现代摄影与建筑（Constructing Worlds: Photography and Architecture in the Modern Age）”展在伦敦巴比肯美术馆举办。 因为允许媒体对心仪的内容进行拍摄，所以我踊跃参加了记者观展团。通常次日开始是严禁拍摄的。

“构建的世界”聚焦于摄影师所记录的20世纪与21世纪建筑史的关键时刻：在纽约升起的摩天楼，跨越辉煌时期后的欧洲工业遗迹，20世纪40年代迷人的加州生活方式，势不可挡的中国城市化进程，非洲的殖民痕迹，阿富汗战争后果(aftermath)，勒·柯布西耶（Le Corbusier）规划的印度昌迪加尔（Chandigarh）的狂热现代性，等等。

我对20世纪30年代至70年代的照片特别着迷。在大多数人的印象中只有灰尘和砂浆的地方，拍摄者们寻找到了美景与社会变迁的证据。

“构建的世界”仅展出了18位摄影师的作品。不过，这点作品对我已经远远足够了，皆因我并不热衷于巴比肯美术馆那令人窒息的惊人数量的图像与资料。所以我可以继续遵循自己的意图，保持我那简洁的评论风格。

5000 W Carling Way，拍摄者Ed Ruscha，1967/1999 (洛杉矶)

道奇体育场（Dodgers Stadium），乐土公园大道1000号，拍摄者Ed Ruscha，1967／1999

巴比肯美术馆的“构建的世界：现代摄影与建筑” 展览图册。图片来源于Getty Images由Chris Jackson拍摄

Ed Ruscha的“洛杉矶的三十四个停车场（ Thirty-four Parking Lots in Los Angeles）”系列的拍摄视野（views ）来自直升机角度。该系列沿袭了他标志性的“日落大道（Every Building on the Sunset Strip）”风格。这是展览中我最爱的展厅。

洛克菲勒中心（Rockefeller Center），纽约市，拍摄者贝伦尼斯·阿博特（Berenice Abbott） ，1932年。图片来自Courtesy of Ron Kurtz and Howard Greenberg Gallery，纽约

失业营（Encampment of the unemployed），纽约市，拍摄者贝伦尼斯·阿博特（Berenice Abbott），1935年

绽放餐厅（Blossom Restaurant），包厘街（Bowery）103号，曼哈顿，拍摄者贝伦尼斯·阿博特（Berenice Abbott），1935年10月3日

三区大桥（Triborough Bridge）作品3，曼哈顿，拍摄者贝伦尼斯·阿博特（Berenice Abbott），1937年

哥伦布环岛（Columbus Circle），拍摄者贝伦尼斯·阿博特（Berenice Abbott），1936年

曼哈顿天际线：1.从纽约东河11号码头望去的南大街和琼斯巷（Manhattan Skyline: I. South Street and Jones Lane from East River Pier 11），拍摄者贝伦尼斯·阿博特（Berenice Abbott） ，1936年

1929年，贝伦尼斯·阿博特（Berenice Abbott )从待了八年的欧洲游历回了纽约。在她缺席的这段时间内，无数的19世纪建筑物被夷为平地让位给了摩天大楼。于是她决定留在国内并记录起变化中的城市风貌。在1940年，这位摄影师完成了“变化的纽约（Changing New York）”作品系列，成为不复存在的曼哈顿珍贵的历史见证。

伯利恒墓地和钢厂（Bethlehem graveyard and steel mill），宾夕法尼亚州，拍摄者沃克·埃文斯（Walker Evans），1935年11月

广告牌和框架房屋（Billboards and Frame Houses），拍摄者沃克·埃文斯（Walker Evans），亚特兰大，佐治亚州，1936年

新奥尔良的海滨（Waterfront in New Orleans），法国市场的人行道场景（French Market Sidewalk Scene），路易斯安那州，拍摄者沃克·埃文斯（Walker Evans），1935年

黑人的房子（Negro house），新奥尔良，路易斯安那州，拍摄者沃克·埃文斯（Walker Evans），1936年

框架房屋（Frame Houses），新奥尔良，路易斯安那州，拍摄者沃克·埃文斯（Walker Evans），1936年。图片来自于纽约大都会博物馆（The Metropolitan Museum of Art）的沃克·埃文斯档案（Walker Evans Archive）

沃克·埃文斯（Walker Evans）以经济大萧条时期为农场安全管理局拍摄的照片（work）而著名。我见过这些照片很多次了，但我知道我会永远不会厌倦它们。这些照片与伦尼斯·阿博特（Berenice Abbott）的属于同一个时期。

公寓大厦，巴加莫约大道（Avenue Bagamoyo），贝拉（Beira），莫桑比克（Mozambique），拍摄者Guy Tillim，2008年

公寓大厦，贝拉（Beira），莫桑比克（Mozambique），拍摄者Guy Tillim，2008年

Guy Tillim的作品剖析了殖民与后殖民建筑遗产背景下的非洲近代史。

第二街与南大街，卡利斯（Kalispell），蒙大拿州（Montana），拍摄者史蒂芬·肖尔（Stephen Shore），1974年

帐蓬旅馆，霍尔布鲁克（Holbrook），亚利桑那州，拍摄者史蒂芬·肖尔（Stephen Shore），1973年8月10日

贝尔维尤（Bellevue），阿尔伯塔省，拍摄者史蒂芬·肖尔（Stephen Shore），1974年8月21日

克林顿大道，伦敦，拍摄者托马斯·斯特鲁斯（Thomas Struth），1977年

克莱斯勒大厦｛建筑师：威廉·凡艾伦（William van Alen）｝，拍摄者杉本博司（Hiroshi Sugimoto），1997年

高等法院，昌迪加尔（Chandigarh），拍摄者Lucien Hervé，1955年

巴比肯美术馆“构建的世界：现代摄影与建筑”展览图册。图片来源于Getty Images由Chris Jackson拍摄

巴比肯美术馆“构建的世界：现代摄影与建筑”展览图册。图片来源于Getty Images由Chris Jackson拍摄

巴比肯美术馆“构建的世界：现代摄影与建筑”展览图册。图片来源于Getty Images由Chris Jackson拍摄

巴比肯美术馆“构建的世界：现代摄影与建筑”展览图册。图片来源于Getty Images由Chris Jackson拍摄

巴比肯美术馆“构建的世界：现代摄影与建筑”展览图册。图片来源于Getty Images由Chris Jackson拍摄

展览由Alona Pardo与Elias Redstone策划；Office KGDVS展览公司负责设计，负责人是Kersten Geers与David Van Severen。

“构建的世界：现代摄影与建筑（Constructing Worlds: Photography and Architecture in the Modern Age )展出于巴比肯美术馆（Barbican Art Gallery），结束时间为2015年1月11日。

此前提到的部分内容可参阅: Guy Tillim: Avenue Patrice Lumumba 与Burke + Norfolk: Photographs From The War In Afghanistan

“Centaurus Neandertalensis（半马半猿人）”来自于Fauna（动物）系列，档案发现者为Joan Fontcuberta与Pere Formiguera，1987

展览“Stranger Than Fiction（离奇过小说）“，艺术家Joan Fontcuberta，照片由Kate Elliott拍摄

伦敦科学博物馆（London’s Science Museum）的媒体空间（Media Space）最近正在展出摄影师Joan Fontcuberta的作品回顾展。该系列展览探讨星象学，地理学，自然历史以及更多的与科学相关的论题。每件展览作品都值得在博客中描述，不过我将聚焦于Fauna（动物）系列，因为这是引发公众广泛关注的德国动物学家Peter Ameisenhaufen教授（Professor Peter Ameisenhaufen）那遗失已久的档案。

Fontcuberta与他的作家及摄影师朋友Pere Formiguera去斯德哥尔摩（Stockholm）的旅行途中偶然发现了这份档案。Ameisenhaufen对罕见动物的有争议的研究使他在20世纪上半叶名声大噪。他的很多同僚拒绝相信这些生物是真实的，但Ameisenhaufen花了数十年时间收集它们存在的证据。这份被Fontcuberta于20世纪80年代后期发现的档案出乎意料的丰富及详尽：照片，现场记录，解剖图，音频片段记录了这些珍稀动物的叫声及其他声音。一些样本甚至是保存的相当完好的动物标本。

以下是教授在其职业生涯中所发现的一些生物案例：

Alopex Stultus（蠢狐）——这是一种草食类动物，完全无害也很胆小。当它感觉到敌人在附近的时候，会像 Antrolepsis Reticulospinosus类动物一样逃到灌木丛并在土里挖出一个洞，进入洞内探出它的脑袋，让身体悬挂在洞内以一种垂直的姿势企图假装成灌木。遗憾的是，结果不是特别理想，人类和掠食者通常都在这个时候捕获它。

“Solenoglyph Polipoida”来自于Fauna（动物）系列，档案发现者为Joan Fontcuberta与Pere Formiguera

“Solenoglyph Polipoida的X光照片”来自于Fauna（动物）系列，档案发现者为Joan Fontcuberta与Pere Formiguera

Solenoglypha Polipodida——一种极具侵略性的有毒生物，它猎捕食物同时也为了杀戮的快感。它用一种古怪而快速的方式极其迅猛的向前移动，这要归功于它12只脚爪的肌肉组织以及通过躯干怪异的划行起伏动作来推进动力。当它面对猎物时会变得一动不动，同时发出极其尖锐的嚣叫使敌人意识麻痹。它保持这个纹丝不动的状态与这位捕食者分泌消化猎物所需胃液的时间一样长，时间从两分钟至三小时不等，这由受害者体积的大小决定。在嚣叫阶段结束时，Solenoglypha迅速对已被麻痹的不能动弹的猎物发动进攻，咬其颈背，造成猎物的瞬间死亡。

“Cercophitecus Icarocornu”来自于Fauna（动物）系列，档案发现者为Joan Fontcuberta与Pere Formiguera

“Cercophitecus Icarocornu”来自于Fauna（动物）系列，档案发现者为Joan Fontcuberta与Pere Formiguera

“Cercophitecus Icarocornu 2”来自于Fauna（动物）系列，档案发现者为Joan Fontcuberta与Pere Formiguera，1987

Cercopithecus Icarocornu——本土部落“Nygala-Tebo”的神兽，对部落人而言，它是Ahzran的化身（他来自极乐世界）。雌性Cercopithecus Icarocornu在一间只有大巫师才可以进入的村中大屋内生产。幼小的动物们会留在屋内直到它们完全掌握展翼飞翔的能力，届时部落里会举办一场极其豪华的庆祝仪式，在仪式期间Cercopithecus会经历一次胸腹部皮肤嫁接亚马逊（Amazon）银鱼皮的手术。这个手术完成后它将获得自由，可它永远不会偏离村庄太远，会出席于NygalaTebo所有的神圣庆典活动。在庆典期间，它被赠予所渴望的含酒精饮料，陷入一种完全陶醉的状态，它开始疯狂的扇动起翅膀，身体纹丝不动的盘旋在空中，发出着魔般的振鸣。

当然，其实这些动物并不存在，在我进入展览前已经知道这将是场骗局。但是，我实在不能相信这是欺骗。Fontcuberta是一位擅长欺骗与诱惑的高手，我需要一直提醒自己看到的并不是“文献资料”。

事实上（In fact），展览“Fauna”于1989年在巴塞罗那自然科学博物馆（Barcelona Museum of Natural Science）展出时，30％的年龄在20至30岁的接受过大学教育的观众相信这些被Fontcuberta设计虚构出来的动物或许确实存在。

当时我并不知道Fontcuberta的样貌，否则我也许能察觉出Ameisenhaufen教授的助理Hans von Kubert长与Fontcuberta本人惊人的相似：

来自于Fauna（动物）系列，Joan Fontcuberta作品

更多的这类生物存在的证据，我实在无法抗拒：

“Myodorifera Colubercauda”来自于Fauna（动物）系列，档案发现者为Joan Fontcuberta与Pere Formiguera，1985-1989

“Myodorifera Colubercauda”来自于Fauna（动物）系列，档案发现者为Joan Fontcuberta与Pere Formiguera，1985 -1989

Transplant Operation（移植手术），Fauna（动物）系列（via）

来自Fauna（动物）系列

“Centaurus Neandertalensis（半马半猿人）”来自于Fauna（动物）系列，档案发现者为Joan Fontcuberta与Pere Formiguera，1987

Felis Pennatus的骨架，1989

Joan Fontcuberta生长在西班牙佛朗哥将军（General Franco）的独裁统治下，当时的宣传塑造人们应该相信和信任。就像他家中的其他成员们一样，Fontcuberta投身于广告业直到七十年代（Seventies）末，当他决定自学摄影并研究起如何将媒介构建真理和谎言。

“Stranger than Fiction（离奇过小说）”所展出的其他作品系列就像Fauna系列这般有趣及带有哄骗性。整个展览在欢乐的Miracles & Co（奇迹）系列这里结束，这个系列展示的是Fontcuberta伪装成一名修士住进芬兰的（Finnish）一所专门教表演各种神奇技能的僧侣学院。在我离开现场的时候，毫无疑问，的确不会再对摄影作品草率信任了。

“摄影是一种我们对现实想法的谈判。因此，摄影师的责任不是贡献使人麻醉的图片，而是提供撼动觉悟的图像。”

- Joan Fontcuberta

“The Miracle of Feminity（女性奇迹）”，Joan Fontcuberta作品，2002

“The Miracle of Dolphin-Surfing（海豚冲浪奇迹）”，Joan Fontcuberta作品，2002

“The Miracle of Levitation（悬浮术）”，Joan Fontcuberta作品，2002

空间看点：

展览“Stranger Than Fiction（离奇过小说）”，艺术家Joan Fontcuberta，照片由Kate Elliott拍摄

展览“Stranger Than Fiction（离奇过小说）”，艺术家Joan Fontcuberta，照片由Kate Elliott拍摄

展览“Stranger Than Fiction（离奇过小说）”，艺术家Joan Fontcuberta，照片由Kate Elliott拍摄

Stranger than Fiction正在伦敦科学博物馆的媒体空间（Media Space Gallery）展出，将于2014年11月9日结束。

此书可在英国（Amazon UK）与美国（Amazon USA）的亚马逊上买到。

出版商Laurence King写道：这个创新的选题探讨了网络从早期的美国政府的研究项目直到今天这个被我们了解并运用的互动世界。

它形象的展现了早期的计算设备与网络世界行动者及颠覆者的内幕故事。本书阐述了网络核心技术的起源，如超文本标记语言；社会化创意构成网络的基础，例如开放性源码与创新性共享；以及互联网发展过程中的重要时刻，如移动宽带与互联网危机。最后提到的那些思想着眼于社交网络的起源以及网络发展的最新动态，如，云(The Cloud)与语义网(the Semantic Web)。

延续本系列前一主题的构想，这将是一本全新的小型的书籍。它对我们最常用并发展最快的技术提供了消息灵通且引人入胜的图史。

这本书让我停留在第8页，写着“互联网概念诞生于比利时”的这一页。我出生在那呢！激动人心！ 互联网这个概念来自于“Mundaneum“，它里程碑式的建立了“互联网原型索引”以及明镜周刊(Spiegel)定义为“模拟版本的谷歌(Google)“的概念。创建于1910年的“Mundaneum”的野心是收集全世界的知识及被比利时的律师Paul Otlet与诺贝尔和平奖获得者Henri LaFontaine称之为“通用十进制分类法”的系统对应分类。 虽然这种网络化的世界依赖于索引卡片和电报机，但它仍然预料到了当今互联网所使用的超链接结构。

当时所有问题的回答必须通过手工的方式进行搜索，那得耗费数周时间。在1903年，索引卡片系统通过Otlet得到发展，这里看到的图片为同一年（来自网络）

<改变互联网的100个思想>是一本深厚而紧凑的书，它记录了创造和建立互联网历史的关键时刻。作者用超过两页的篇幅介绍每一个构想。其中一个内容是一篇介绍性短文，另外是用图像阐明这个概念。本书遵循逻辑和时间顺序。 前20个创意是关于那些为创造互联网铺平了道路的先锋者；创意21至53是关于互联网的初期，这是实验与狂野梦想的时代；接下去的20个左右的创想涉及的是互联网的社交时代，充满了起（PayPal）与伏（互联网泡沫）；创意74至98带领我们进入此时此刻的互联网；最后的两个思想是展望未来的创想。

此书描述的非常乐观与欢庆。我爱上这个事实，即我从曾经生活在拨号调制解调器的时代（不要错误理解我的意思：我是绝不会想再回去了）来到了大数据的时代。其中既让我想起那些重要的思想，也有理所当然的今天（ eBay!! 或实时报告），或是已几乎被遗忘的（The Blair Witch Project，一部积累了一系列“有史以来第一次”的电影，其中它的推广很大程度上依赖于互联网）。

我认为这是一本任何人都可能会喜欢的书。它总结了有效而重要的概念，让读者回顾一下在相当短的时段内他们的生活已发生了多少改变。

由此一说，我觉得这本书粉饰了些互联网不合意的方面：如，钓鱼网站，垃圾邮件，诈骗，大众监督，复仇色情，该平台已关闭等等。这一切都是为了论证改变互联网的100个思想的伟大。

本书更多内容如下：

主页图例： Amazon Swansea营运中心是世界上最大的运营中心之一，跨度为800,000平方英尺。其他英国运营中心设置在 Doncaster, Hertfordshire, Milton Keynes, Fife, Gourock, South Yorkshire and Peterborough。 [图片来源：Getty Images]

Newspapers(报纸)发布警告，每日令人不安的有关气候变化与’extreme‘(极端)气象现象的文章。看来，无论我们多少人骑车去上班，回收垃圾，这还远远不够，并且为时已晚(becoming a vegetarian成为素食主义者无论如何都会产生更大影响)。气候变化是一个极其复杂与严峻的现象，大多数人感到无能为力，甚至不想讨论它……

“应声虫”，都柏林圣三一学院科学画廊“怪天气“中的：SurvivaBall(救生球)

都柏林圣三一学院科学画廊的展览Strange Weather: Forecasts from the Future (怪天气：来自未来的气象预报)对于该议题给予了更为人性层面的维度。该展览展出的26件艺术作品用自己的方式将有关古怪天气的新讨论与辩驳作为出发点。

展览从最荒诞(Halliburton survivaball 哈里伯顿救生球)到极黑暗和戏剧化。但弥漫展览的却是“有趣”。在观展时，我饮着云朵，观看1959 film(影片)，一部讲述天气是如何利用卫星控制各部门，在最为意想不到的情况下偶遇身着核生化防护衣的童模。

“怪天气”是那些永不会沉闷的罕见展览之一，从不晦涩，从不说教。一部展览快速浏览短片将证明我的观点：

展览给予了我热情，我有很多想写在博客中：所有想法，所有我发现的作品。由于我的懒众所周知，我将保留时间慢慢发布有关“怪天气”的故事。首批作品将用最为诗意和批判的方式探索云朵：

Karolina Sobecka在都柏林附近收集云朵。Photo (照片)Jodi Newcombe

Karolina Sobecka,“像云朵一样思考”。都柏林圣三一学院照片科学画廊

Karolina Sobecka,“像云朵一样思考”。都柏林圣三一学院照片科学画廊

Karolina Sobecka 爬到都柏林山脉中的赛丽峡谷去采集云朵，将它们倾入小试管，并邀请参观画廊的人们品味它们。

该艺术家建造了自己的“云朵采集器”，一个依附连接到气象球被送入大气的设备。云朵在其网翼凝结，飘入样品容器中。这些云朵样本被进行微生物分析，并被实验志愿者食入。云微生物与自身结合，志愿者成为云的一部分，并将持续记录他们的云转型日志。

Thinking Like a Cloud(像云朵一样思考)引用了Aldo Leopold的大地伦理学箴言,“thinking like a mountain(像山一样思考)”。其描述了能够欣赏生态系统中所有元素深度互联的一种能力。通过云朵的吸入，云朵成为你的一部分，你自己也成为了大气中的一部分。

PSK工作室,“愿作雨”。都柏林圣三一学院照片科学画廊

Matt Kenyon, Cloud 2014 (Dublin version)

PSK工作室,“愿作雨”

奇怪的是，我为Studio PSK(工作室)尘埃扩散的提案所动容，不管那是否投机或是不是艺术或别的什么，我希望这个项目成真。

I Wish to Be Rain(愿作雨)认为，人死后在理论上是成为了气象的一部分，他们化作的尘埃将用于cloud seeding(播云)，物质散播到空气中，触发雨。

经过葬礼以及身躯的火化，火葬场会将内含他们亲人骨灰的铝制容器与休眠的航空器交付到丧失亲人的人手中。当这一家庭准备就绪，封装好的骨灰被拴在气象气球上飘向天空，散播在云层宏观结构之中。随着气压的升高，到达云朵形成的至高点对流层，胶囊破裂，将骨灰散播到下方的云层。当尘埃融于云朵，骨灰笼成的宏观结构远远超越了人类最宏伟的经历。但这是短暂的，他们会再次进入微域，作为雨滴回落到大地，最终找到自己的方式回归大海。

Matt Kenyon, Cloud(云朵) 2014(都柏林版本)

Matt Kenyon,“云朵”。都柏林圣三一学院照片科学画廊

Matt Kenyon,“云朵”。Photo(照片)《大学时代》

Matt Kenyon,“云朵”。都柏林圣三一学院照片科学画廊

当我与住在或曾经住在都柏林的人说话时，我注意到一件事，他们对于城市房价的波动总有话要说。Matt Kenyon的Cloud(云朵)因此注入了两个关注点：房产与天气。该艺术家将过去十年的房屋市场转换成房屋形状的小云朵，飞向画廊的天花板，在那儿停留片刻，失去耐力(以及比喻价值)，最终掉落在地板上。

观者见证了房屋所有权之梦如同它们物化般消失得一样快——就像许多人在此时期看到他们家园的虚假承诺消失得如同取消抵押赎回权一般迅速。

Strange Weather: Forecasts from the future(怪天气：来自未来的气象预报)由艺术家 Zack Denfeld, Cat Kramer和气象学家Gerald Fleming策展。该展于都柏林科学画廊展至2014年10月5日。

回顾：The Tornado diverting machine(龙卷风转移机)。

19世纪初，纺织工匠开始在夜间潜入工厂去捣毁他们老板购买的新劳力节省机械。他们将织袜机、细纱机和动力织布机当作一种致使他们低薪与技术过时的威胁。

这项运动始于1811年3月11日，诺丁汉，在接下来的两年中，便贯穿遍及英格兰。反对新兴引进机械的工匠被称作Luddites(卢德分子)。该名称的起源不得而知，但随着时间的推移，“卢德分子”这一术语开始成为形容反对任何形式技术进步的人。21世纪后期，新卢德分子出现了。他们抗议(了)对个人、自己的社区以及环境产生负面影响的技术，并且向往回归“简单生活”。

17岁的 Austin Haughwout受到一名因其使用无人驾驶机而不高兴的妇女攻击，康涅狄格州海滩

Newspapers(报纸)表明，社会正面临新卢德分子的崛起。他们不担心自己的工作或任何对生态环境造成的损害，他们害怕的是无人机以及谷歌眼镜导致的隐私泄漏。任何情况下，最为聪明的卢德主义或新卢德分子形式不是对暴力的宣扬，而是呼吁对新技术更好地了解(不仅仅是能买得起这些技术的人，而是所有人)以及要求它们如何被分配与运用的声音。

投机设计师Lisa Ma，却将此讨论更为深入。在过去的几个月，她一直在寻找卢德主义在当今时代的相关性，通过将重点从数字与通讯技术转移到生物技术产业的创新。这些生物技术已开始渗透到食品、健康与生态系统，无疑将激发卢德主义的自我形式。那么，谁是“生物卢德分子”呢？那些寻求生物技术启蒙、呼吁公开讨论转基因生物、系统生态学、激素替代的团体与个人在哪儿？

作为其驻留Near Now(将近)期间的一部分，这一与艺术家、设计师密切合作，用以产生探索日常生活中技术场所与影响的项目中，Lisa Ma组织了一个名为Where are the Luddites – An Open Call for BioLuddites(卢德分子在哪儿－公开征集生物卢德分子)的小组。该项目在“卢德运动”的起源地诺丁汉于2014年6月4日启动。

John O’Shea (photo照片)

Lisa Ma

联合修道院

Lisa Ma, Ben Vickers, David King 和 John O’Shea参与了讨论。

John O’Shea 带来了引人注目的发言，谈论了其在倡导实施Meat Licence(肉类牌照)以及Pigs Bladder Football(猪膀胱足球)生物工程改造中有趣的冒险经历。这两个项目都俘获了公众的想像力，但艺术家也讨论了作品发展过程中出现的法律、道德和文化问题。

David King，拥有分子生物学博士学位，是Human Genetics Alert(人类遗传学警报)的创办人及董事，Luddite 200(卢德分子200)与Breaking the Frame(打破框架)会的创始人。他也是遗传学媒体辩论的常客，他对该小组的贡献显而易见，其对合成生物学、三亲婴儿、对参与控制生物技术发明强大系统的讨论参与需求等，有着强有力与发人深省的观点。

Ben Vickers是一名策展人、作家、技术专家，并自称卢德分子。他谈到unMonastery(联合修道院)，一个致力于发展一种新社会空间，类似于共生、协同工作的地方，从修道院与黑客空间产生影响力，专注于社区与联合修道院之间的共同创新与共同学习。他同样也是NearNow fellow(“将近”的一员)。

“公开征集生物卢德分子”是个很棒的项目，我极力推荐观看该小组的视频：

网页图片来自BBC news(英国广播公司新闻)。

Trujillo/Paumier, 无题 (Muxes人 10), 2009

我迟了一天(太烂了！)总结7月我喜爱的伦敦展览。

首当其冲的显然是我的最爱。位于 New Art Projects，TrujilloPaumier带来的 Men y Men (男人与男人)。Joaquin Trujillo 和 Brian Paumier 去到Oxaca以描绘传达完全不同男性想法的两个社区。Paumier的摩洛人是站在自己马儿边上的牛仔，而 Trujillo的Muxes人展示了Oaxaca混有双性人的土著萨巴特克人文化生活的社区。

Trujillo/Paumier, 无题 (Muxes人 4), 2009

Trujillo/Paumier, 无题 (Muxes人 11), 2009

Trujillo/Paumier, 无题 (摩洛人 2), 2012

Trujillo/Paumier, 无题 (摩洛人 27), 2012

Trujillo Paumier: Men y Men (男人与男人)在7月20日闭幕。

英国泰特美术馆的British Folk Art (英国民间艺术)甚是奇异、古怪，但值得庆幸的是它不会让人觉得高高在上。不用浪费时间去猜测那是不是艺术？展览歌颂了人们的创造力与智慧。作为商人符号的巨大靴子，拿破仑战争时囚犯用羊骨做的小公鸡，壮观的船头雕饰，经典画作的刺绣，等等。如果民间(艺术)的门票不需要13英镑的话，我会更有热情的。

各种各样特大号物品，包括用作鞋匠广告的靴子。照片： Anna Partington/Rex Features

英国民间艺术 ©泰特的Ana Escobar

Image (图片)来自 HFA

Jesse Maycock, 阿尔弗雷德国王，英国乡村生活博物馆。照片：英国泰特美术馆

展览展至2014年8月31日。“快乐的名艺术家”有着很棒的flickr set(照片集)。

还是在英国泰特美术馆，有着几个rooms(房间)展示Chris Killip的照片。很爱这些作品，不是因为该展览的赞助商。

Chris Killip, 惠比特犬爱好者。 Serie Huddersfield, 1973年 © Chris Killip

Chris Killip, 蟹与人, Skinningrove, 北约克郡 © Chris Killip, 1981年

伦敦最有趣的画廊之一，Calvert22，展出了探索21世纪初俄罗斯身份与场所的摄影与影像艺术家以及革命前 Sergei Prokudin-Gorsky的作品。

我很喜欢Alexander Gronsky 的作品。特别是“牧歌”系列，其着眼于城市与农村交界处的荒凉。

Alexander Gronsky, Yuzhnoe Tushino II, 2010年。出自“牧歌：莫斯科郊区”系列

Alexander Gronsky, Dzerzhinskiy VI, 2010年。出自“牧歌：莫斯科郊区”系列

Close and Far: Russian Photography Now (远近：俄罗斯摄影现在时)在Calvert22展至8月17日。

我还去了伦敦 Forest Hill 的Horniman Museum(霍尼曼博物馆)。其建筑与植物园于1901年开放，用以放置一位周游世界搜集世界文化、自然历史与音乐相关物品的商人的收藏品。在35万件藏品中，有很多动物标本，一把西班牙宗教法庭的酷刑椅以及一个迷人的小Merman (男人鱼)(美人鱼的老公？)

人鱼之森(动漫名)美人鱼、假斐济美人鱼或男人鱼标本，日本，纸浆制身体，以及缘自韦尔科姆收藏馆里的鱼尾

飞狐(狐蝠类)骨骼－飞狐双重对比剥制术

自然历史馆的欧洲刺猬 specimen(标本)

我从未发现过男人鱼，唉！但我发现了doublepreps(双重版本)：动物的一半展示为剥制术，另一半是它的骨骼。

Horniman的画廊之一有个非常吸引人的照片展，记录了俄罗斯北极区土著人的生活。照片由英国摄影师Bryan Alexander 拍摄，他从1979年起游历于北极。

Grisha Rahtyn，楚科奇驯鹿牧民，冬季，在与他的驯鹿工作后，在零下30摄氏度的情况下结了冰

在Pitlyar村庄春节穿着传统服装的汉特妇女

在零下51摄氏度的情况下，将沸水洒向天空会立即变成水蒸气与冰。这是因为沸水非常接近气体，破裂成细小的水滴，可以在瞬间冻结

亚马尔半岛放牧驯鹿

Whisper of the Stars: Traditional Life in Arctic Siberia (星星私语：西伯利亚北极地区的传统生活)在霍尼曼博物馆展至2014年9月7日。摄影师Interview (采访)。更多《卫报》里的photos(照片)。

我将以Wellcome Collection(韦尔科姆收藏馆)的An Idiosyncratic A to Z of the Human Condition(人类社会A到Z特性)作为收尾。该展览展出了一些Henry Wellcome的物品，医学文物、绘画、照片、雕塑和几个当代艺术作品。

我并不会对每一个在报纸上发布了好评如潮文章的记者都印象深刻，但我的确喜欢文物。例如这张可以抚平皱纹抹去瑕疵的橡胶美容面具照片。

橡胶美容面具，1921年。图片：维尔康姆图书馆

这一迷人的矫正ear-cap(扩耳器)，1945年由Adelaide Claxton获得专利，用于夜间佩戴以“矫正或防止招风耳”。

Claxton改进了专利耳帽，1925年－1945年。

该展览展至2014年10月12日。

来自撒哈拉以南非洲的移民在的黎波里港口等待，试图穿越地中海到欧洲2011年12月5日。Credit: 路透社/Ismail Zitouny

Forensic Oceanography (司法海洋学)是Lorenzo Pezzani 和 Charles Heller于2011年开启的研究项目，以调查地中海军事化边界制度，并记录对试图穿越水域边境移民的暴力罪行。

海域，尤其是地中海，是千万个抱着理想，从非洲大陆逃离到更安全欧洲的人们的避风港，同样也是充斥着掌控即政治的空间。这一水域政治空间发生的种种远离着公众视线，常常不可解释。然而，该海域正被密切监视，发生了什么、哪些航线穿过此处的信息都会被生成、分析、记录。

FO报告重现Chain of events (事件链)

Drift model (漂移航线图)提供船舶每小时的位置信息。漂移轨迹通过对西西里海峡收集的风力以及洋流的数据分析进行重构

Forensic Oceanography(司法海洋学)将这片海当作质询与追根问题的见证者，对数据再利用，最初技术的产生作为非法移民之证，并将之变为非援犯罪的证据。

Lorenzo Pezzani 几周前在布莱顿的The Light(灯塔) talk (探讨)了司法海洋学，并更为具体地谈论了2011年利比亚冲突期间，72个移民在试图逃离利比亚至意大利海岸时的死亡事件。

地中海是个拥挤的海域，西方军事部队在小艇离开后不久意识到难民发生了海难，船长失去了对船只的控制并发出求救。意大利海岸警卫队收到求救信号后向NATO(北大西洋公约组织)协调中心以及该区域的军事船传达了船只位置。该求救信号连续十天每四小时重复一次。但无人进行救援。一架飞机、一架军用直升机、两艘渔船和大型军舰都看到了这艘小艇，却忽略了他们的求救信号。历经15天的漂泊，小艇被冲刷到利比亚海岸，只有11名幸存者，不久后又有2名人员死亡。FO将该事件称作“’left-to-die boat(亡船)”事件。

以下是航海线路，一部记录总结该事件的短片。

航海线路，司法海洋学－)“亡船”报道 video (视频)

Pezzani在The Lighthouse(灯塔)的演讲视频。这是个伟大的夜晚。他谈到怎样的海上之旅才能迅速得到物资、获取通航权，但对于不必要的事件他们的(处理)速度奇慢，对于试图不与政府成为共谋而导致暴力的证据窘境，有关FO制作、分发包含有关移民合法权利信息的传单等。

Monthly Talk – Lorenzo Pezzani  (每月讲座)

“亡船”事件期间西西里直岛内SAR data(SAR数据)（3月27日至4月10日）

几个月前，Ben White 为伦敦的国际特赦组织带来了一场美妙绝伦的lecture (演讲)。本次活动是为庆祝该记者的新书出版， Israeli Apartheid: A Beginner’s Guide (以色列种族隔离：初学者指南)(由Pluto出版社出版，在USA美国和UK英国的亚马逊网站有售)。

讲座在三月，我今天才发表此博文的原因是，当加沙的儿童(目前为止125名)以及其他 innocent(无辜)平民遭到恐吓与谋杀时，他们仍被指控反犹太主义，只因他们认为巴勒斯坦的基本人权应当得到尊重。我担心仍有很多虚假信息与误解在以色列/巴勒斯坦发生。我当然不会说我非常了解那里的状况，但我坚信，Ben White的书和演讲有据可循、引人入胜，值得你花上片刻。

遗憾的是，本次活动没有录像，但是youtube上有一些Ben White的视频。以下是其中一个：

Ben White在多伦多的怀雅逊大学：“以色列：无民主种族隔离”

White 将以色列语境下解释的单词“种族隔离”的相关性作为开场。种族隔离不适用于南非。现如今，种族隔离在该国独立国际法里已被定义并取缔。2012年，联合国委员会在消除种族歧视本身就采用了该词以谴责以色列政策。众多国际组织、以色列非政府组织、巴勒斯坦非政府组织以及人权观察员同样如此。

笔者举出一系列影响巴勒斯坦60多年的以色列神权政策的例子，在约旦河西岸以及加沙地带里，人们将其称为“Israel proper(以色列权利)”。

White同时清楚揭露了巴勒斯坦的主要问题不只是占领，而是他们在1948年的强行驱逐问题。以色列选为庆祝独立日的那天正是巴勒斯坦的Nakba Day (灾难日)，他们被驱逐出家园的那天，家园土地被没收的那天，被禁止返乡的那天。

800,000 Olive Trees Uprooted, 33 Central Parks(800,000株橄榄树被连根拔起，33中央公园)。由Polypod和Philippe Ghabayen提供

请一定要查看Ben White的twitter (推特)种子，Visualizing Palestine(巴勒斯坦可视化)的震撼信息图表，以及 Léopold Lambert 最新有关The Funambulist(走钢索的人)的文章。

Adam Broomberg 和 Oliver Chanarin，圣徒林，2005年 (via)

我将以Adam Broomberg & Oliver Chanarin的一张照片结束这篇博文。该图片是系列照片的一张，描绘了以色列人种植树林用以覆盖并抹去1948年以来，在不同时间被疏散和摧毁的巴勒斯坦村庄。每一个被夷为平地的村庄都被种上了松树，逐步殖民开垦土地，掩盖其破坏的历史。

如果你有兴趣，我拍下了一些Ben White的slides(幻灯片)。

主页Photo (照片)：巴勒斯坦工人在伯利恒检查站。由 Daniel Bar-On 拍摄。

该工作坊邀请参与者将本地数据转换成烹饪创作，把干巴巴的数字变成官能的’experienceable(可以实验)’的事物。

参与者选定主题，调查相关数据，在厨师的指导下购买食品材料，他们学习如何做菜，不单单是美味，而是作为讨论当地问题的切入点，从移民到犯罪、自杀率、失业、性或科研经费。

目前已进行了两期。第一期是位于赫尔辛基的Open Data Cooking Workshop (开放式数据工作坊)。最新的一期则是上个月在巴塞罗那的Data Cuisine Workshop(数据佳肴工作坊)。

我在线与工作坊的创办人进行了快速对话，数据可视化呈现师Moritz Stefaner 以及来自于prozessagenten, process by art and design(艺术设计过程)的策展人Susanne Jaschko 。

Samuel Boucher & Jahn Schlosser, Emigration Fish(移民鱼)

Antonija Kuzmanic, Requiem for Science(科学安魂曲)

Rossana Moroni 正在准备一杯 Suicide Cocktail(自杀鸡尾酒)

你好 Susanne 和 Moritz！作为旁观者，(你们的)这一想法有点简单：只是把一些数据收集起来放在盘子上以代替图形，用食材代替线条与色块。然而，我觉得其过程应该比看起来的要复杂。参与者在将数字变成佳肴时遇到的挑战是什么？

SJ：这听起来或许简单，但烹饪与数据可视化、数据表现是两个非常不同的学科。食物是官能的、有形的、短暂的、情感又社会。数据则完全不是这样。这一辩证正是数据佳肴工作坊的出发点，对于从未做过此事的人而言，将两者一同思考，揉合各种食物品质，这本身就是一个挑战，例如其文化内涵、颜色、味道、形状、营养以及做菜的技术，诸如融化、冷冻、煮、烤、起泡……且不说一个人可选的食物呈现、使用方式。

事实上，探索两端，数据与食物，有着太多的可能性，多数参与者最终呈现的东西比较简单，因他们对其复杂性已不堪重负。数据转换成可视化食用图相对容易，但这并不是我们的惊人之处，我们所寻求的是在两个层面上的创作和表达，视觉和味道。

工作坊的提问之一是“你有没有尝试想像，一碗鱼汤的配方是如何基于公开的当地渔民数据”？

所以，数据是否会影响口感？如何影响？打个比方，你会不会为了确保菜品的美味而作出让步，对于数据就不那么严谨了？

MS：一般情况下，当涉及到品尝精确数量与差异时，我们的味觉器官当然要比我们的视觉系统更有限。只不过更难确定什么是“两倍甜”的相对图形中的两倍长线。再者，味觉与看着屏幕上的一个点相比，是更为情感、短暂复杂体验的东西。因此，信息编码机制或许更为模糊但可能更深刻。

基于主题，也可能有完全也不好吃情况存在(例如，the noise visualization through salt 盐巴噪音可视化)。

我们最终的目标是创造进食体验，教授你一些数据知识，味道是一个你可改变的维度，但同时也关乎温度、质地、数量、摆盘、不同文化内涵的菜肴和配料……所有的这一切才创造了一盘成功菜肴。在这儿，高精度数据的可读性非首要考虑，个人的整体经历以及菜品的概念才是最重要的。

任何数据都可以变成可食用的东西吗？或者说，参与者在面对数据并一起烹饪时，只能走向难以下咽的味道呢？

SJ：我们要求参与者采用当地数据，理想开放式数据，这两次的工作坊经验表明，大多数人偏向揭露社会与经济问题的数据。这并不意外，因为我们鼓励人们选择身边的主题，这可以激励他们创作，并将之转换为某种食物体验。弄了一盘难吃的菜有时是表达负面发展或问题状态的最佳方式。Suicide Cocktail(自杀鸡尾酒)就是一个很好的例子，着眼于芬兰饮酒与自杀率之间的关系，还有Unemployed Pan con Tomate!(失业板烧)将年轻人急剧失业的情况可视化。我们告诉参与者要早决定，想更为激进或是尝试更微妙却相对难以制作的东西。

每一次的工作坊你们都同厨师一起工作，他们是如何参与的？其在工作坊的角色究竟是什么？

SJ：当涉及到创造菜肴时，厨师非常重要。大多数情况下，一道“数据”菜肴由混合、变更或重译现有食谱创作而成。参与者通常极为庞杂有着不同的专业背景。然而，他们都对烹饪感兴趣，或者至少喜欢用食物做些什么，不过有些人比起其他更懂行。厨师所带来的是专业技能。通常，我们的参与者能很快想到做什么，做成何种菜肴，随后，就轮到厨师了——用他或她的经验与创造力——促使他们天马行空，尝试一些新的不寻常的东西，例如不同的技术或成分。当我们踏入厨房，厨师则会有着高要求，不只是菜肴的准备，也包括最后的装盘呈现。

到目前为止，你们已经组织了两次数据佳肴工作坊。一个在赫尔辛基一个在巴塞罗那。这两个国家在美食方面大相径庭。你们有没有感觉到(不同)参与者混合数据与食物之间的差异？因为我在处理食物的时候多多少少感觉到个人文化与主观意识的参入。

SJ：在赫尔辛基，当地的菜肴比较少，或许是因为参与赫尔辛基工作坊的人不是移民就是参观者。我记得在第一次遇见芬兰厨师Antti Nurka前，我和Moritz在想什么是芬兰美食。看看蔬菜短缺的芬兰是如何成长的尤为有趣，各种当地的蘑菇、浆果和鱼左右着芬兰菜单。但除此之外，我看不出有什么太大差异，或许因为参与工作坊的人通常都是吃货。

国内数据带，In & Out(内外)

我在想，我喜欢这个工作坊是因为它打破了我的禁忌。我从小被教育不要把食物和政治混在一起，吃饭的时候不能谈论敏感或有着潜在分歧的话题。然而，(你们的)许多项目直指政治与社会热点。除此之外，工作坊的目的之一是融合数据与食物以“对媒体以及知晓其内部架构与关系获得意想不到的见解”。所以，目前为止你对于这些架构与关系知晓了些什么？

MS：从数据可视化来看，我发现看人们如何从一个非常简单的数据点深入，将其变为食物体验真的很有趣。从某种程度而言，这需要用极为迅速、粗浅的方式对位大量当前趋势数据。正如 Jer Thorp said(所言)“我们太习惯于10，000英尺高度的飞行，都忘记在陆地的感觉了”，数据菜肴的准备与消耗为连接数字背后的信息统计与人类故事提供了极为朴实与接地气的方式。

从食物这个方面来看，知晓如何将食物作为可表述的媒介，我现在十分惊奇于高端美食刺激中的小小智能。当然，享受一家好企业的有趣口味非常棒，但在整个用餐体验加入额外的概念与知识维度，将会更为富足。我想，这一点在烹饪史上一直被忽略，我们希望能激起一些反应——并希望有一些些灵感——对于传统烹饪。

数据佳肴的下一步是？

MS：我们的目标是再多做几个工作坊，以更好地了解当地的差异并继续探索这一媒介。将来我们也可能有所不同——其中我们正在考虑的一个版本是高端“数据晚宴”，会较少强调工作坊的跨领域思考方式与创作，更多的则是最后成形的晚宴体验。我也想了解更多烹饪的科学以及该领域的先进技术——这领域如今正火热呢！

谢谢 Susanne 和 Moritz!

所有图片均由“数据佳肴”提供。更多photos(照片)。

照片：Paolo Pellegrin，受Fiona Banner委托与现代冲突档案馆合作拍摄

Mistah Kurtz－他未死，2014年，混合媒介墙面条纹画作，银盐照片。图片来自 Fiona Banner

我有些偶然地走进PEER画廊，即刻发现这个展览上有我所欣赏的一名艺术家的作品，这是一个听起来很有趣的组织叫做Archive of Modern Conflict (现代冲突档案馆)以及一名凭借其在乌干达拍摄艾滋病主题、科索沃拍摄冲突、黎巴嫩的战争、阿尔及利亚的反恐等作品而屡获奖项的摄影师。

这位艺术家就是Fionna Banner，而这名摄影师则是Paolo Pellegrin。Banner希望摄影记者去探索伦敦这个城市，通过冲突摄影反映其活动、行为、风俗以及服装。

正如你所期待的，Pellegrin的这些照片都不错，Banner在展览时精心安排的方式为这些照片增加了深度、幽默以及另一层信息。数以百计的图片被挤进一部扣人心弦的短片里，伴随着背景混合着伦敦金属交易所交易开启的声响，融合着具说服力与催眠效果的鼓点。其它照片或展示在博物馆式的陈列柜内或框裱后悬挂在第二个空间的墙上。霸气的石墨画作夸大传统城市线条贯穿地面至天花板(或许只有我对于在视平线高度所绘制的银行家胯部感到不适)。金融区的标志性图案甚至可以发现自己荒谬得变成了美甲设计。如果你认为伦敦的金融业被无情地accused (被指控) sexist(性别歧视)，这将是个有趣的并置。

细条纹指甲，2014年。图片来自 Fiona Banner

说到性生活，我不得不对着显示方圆平方英里周围有多少脱衣舞酒吧的地图微笑。伦敦金融城有着自己的选举制度以及自己的法律。其中一条是禁止城中出现脱衣舞酒吧。：

图片来自 Fiona Banner

Mistah Kurtz－他未死，2014年，陈列柜细节，2014年。图片来自 Fiona Banner

展览名为Mistah Kurtz–he not dead(Mistah Kurtz－他未死)。Mistah Kurtz是Joseph Conrad所著的书Heart of Darkness(黑暗之心)里的角色。Kurz是个狡猾、腐败的象牙商人，在非洲试图将自己变为周围部落的半神。该书的结局，Kurts的死由一个“管理男孩”宣布，说道“Mistah Kurtz－他死了”。此“城”来自社会过度的文化、贪婪和冷漠，与Conrad的故事相得益彰。

本次展览结束后，这些照片将会以“黑暗之心，2014”命名，存于Archive of Modern Conflict (现代冲突档案馆)。

这不是Banner首次引用“黑暗之心”了。两年前，她根据Orson Welles的剧本Heart of Darkness(黑暗之心)组织了一场performance (表演)，该剧基于Conrad的故事。这本该是Welles的首部电影，但被予以驳回。之后他制作了《公民凯恩》取代之。

照片：Paolo Pellegrin，受Fiona Banner委托与现代冲突档案馆合作拍摄

Mistah Kurtz－他未死，2014年，细条纹画作，陈列柜，高清数字电影投影以及银胶照片，2014年。图片来自 Fiona Banner

Mistah Kurtz－他未死，2014年，细条纹画作，陈列柜，物品，高清数字电影投影以及银胶照片，2014年。图片来自 Fiona Banner

Mistah Kurtz－他未死，2014年，陈列柜细节，2014年。图片来自 Fiona Banner

Mistah Kurtz－他未死，2014年，伦敦系船柱(细节)，2014年。图片来自 Fiona Banner

Mistah Kurtz－他未死，2014年，高清数字电影投影以及混合媒体墙面画作，6.19分钟，2014年。图片来自 Fiona Banner

Mistah Kurtz－他未死在伦敦的PEER画廊展至2014年7月26日：

回顾：Fiona Banner at Tate Britain(Fiona Banner英国泰特美术馆展)。

在USA(美国)和UK(英国)的亚马逊网站有售。

出版商 Verso Books writes(写道)：什么造就了这个城市的未来？你如何治愈分裂的城市？

《激进城市》中， Justin McGuirk 穿越了拉丁美洲寻找激进的建筑师，特立独行的政治家与另类群体社团已给出了答案。从巴西到委内瑞拉，从墨西哥到阿根廷，McGuirk发现，人与想法塑造了城市发展的方式。

自二十世纪中叶起，当现代主义乌托邦去到拉丁美洲直至消亡，这个大洲便成为了令人兴奋的新概念城的试验场。一名在智利的建筑师设计了一种新形式社会公益房，房子只建成一半，让房屋所有者来改造完成剩余的部分；麦德林，先前的世界谋杀之都，现已转变成创新公共建筑之城；加拉加斯的非法占住者接管了45层的 Torre David 摩天楼；而里约正履行着合并贫民窟到其余城市的使命。

这儿是我们星球上城市化程度最高的大洲，极端的城市滋养了极端的环境，从巨大的住宅区到庞大的贫民窟。但历经几十年的社会与政治失败后，新时代已将建筑与城市设计复兴，以解决长期存在的贫困与不平等。总之，这些激进分子、实用主义者与社会理想主义者正大胆地实验着，世界之余或许可以从中学习。

加拉加斯的 Torre David 。摄影：Daniel Schwartz/U-TT & ETH

加拉加斯的 Torre David。摄影：Iwan Baan/WENN.com

现在是七月中旬，这本书或许是2014年度我最喜欢的一本(除非 Jo Nesbo 在12月前发布新书)。这本书充满活力、大胆、极富洞察力，这或许也是有关未来城市并能让我明白其义的少数书籍之一。

正当我们(在欧洲)仍旧骄傲地在双年展上展示3D打印的明日之城，南美洲与中美洲的城市已在试验未来城市环境元素了。拉丁美洲的国家不但远超中国和非洲进行了大规模城市化，它们还产生了新一代的建筑师，这些建筑师相信，建筑可以作为社会变革的一种工具。这些人(不仅仅是建筑师，在某些情况下是非法占住者和政治家)不得不应对住房危机、交通拥堵、隔离、政治参与的缺乏以及毫无计划的飞速城市化所带来的其它影响。

Teddy Cruz, 跨边境郊区。照片 ciutatsocasionals

Photo(照片): Metrocable Medellín。来源：城市方案网页

《激进城市》中所描述的城市实验，应该给欧洲和北美洲的城市规划者与建筑师上了一堂有关孕育与管理大型城市未来的极具价值的课。例如，当你在完美秩序下所珍惜的适应性将发生什么，承认非正式城市是城市生态系统的重要组成部分，包括公民的集体想像力与建设力或是在不安全的情况下展开工作。

已探索的一些案例：

Alejandro Aravena 为智利北部的贫困群体创建了社会公益住房。他简易地为那些家庭提供half a house(半个房子)，并让他们在拟定好的结构框架内完成剩余部分。该项目是他自己发起的，而最终入住房屋的居住者也参与了设计过程。

元素（Alejandro Aravena, Alfonso Montero, Tomás Cortese, Emilio de la Cerda），智利伊基克的保障性住房。图像 Mindmap

在哥伦比亚，有个新激进政治阶层发起改善所有城市居住者生活质量。该运动始于20世纪90年代，当时波哥大市长Antanas Mockus 运用表演艺术家的策略以对抗暴力并灌输一种新公民文化。他雇佣哑剧演员(表演)嘲笑路上的不良行为以减少道路交通事故并指挥交通，他策划允许人们用枪支换取玩具，他打扮成超级城市(超级市民)以促使其拥趸照顾他们的城市环境。其非正统的社会实验结果是，凶杀率下降了70%，交通事故死亡人数下降超过50%。

Antanas Mockus，波哥大市长，打扮成 Superciudadano超级城市（Supercitizen超级市民）

Torre David ，作者将其称为“乌托邦海盗”，是加拉加斯第三高的摩天大楼。建在商业区用以奢华办公，这一大楼空置了13年，直至2007年非法占住者的搬入。现大约有300人居住在“世界上最高的非法占住地”内。居民们设法安置了合法配电，他们很享受城市上空的壮丽视野，公寓中有着勉强入住也有着良好装修设备齐全的单位。该楼发展出一套自己的社区规则，甚至每两层就有一个便利店与酒窖。另一方面，因为没有电梯，所以去到顶楼的杂货店立马变身成为健身挑战。那儿有着开放式的外立面，地面上也有洞，如果你不远离边缘的话容易发生意外。

加拉加斯的 Torre David。摄影：Daniel Schwartz/U-TT & ETH

加拉加斯的 Torre David。摄影：Daniel Schwartz/U-TT & ETH

加拉加斯的 Torre David。摄影： Jorge Silva/Reuters