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Pictoplasma focus – Interview with Andy Kehoe | 聚焦Pictoplasma——采访Andy Kehoe

allymfm — Thu, 10 Nov 2011 10:48:02 PST

回到Pictoplasma的访谈，这次我采访的是Andy Kehoe。这是我第一次在这个博客上采访一位画家。

当Andy经历完他所谓的“漫长而昂贵的艺术学校之旅”后，他开始在纽约帕森斯设计学院学习插画。如今，他已成功地在美国各地的艺术画廊展示并卖出其画作。想知道更多他的光辉事迹，可以去访问他的网站。

Krampus in the Wild, 2011

Forever My Fellow, 2011

Ambassadors of the Otherworldly, 2010

Roamer of Reverie, 2011

在您的画作里，动物们的生活环境似乎与他们本身同等重要。你能介绍一下那个世界吗？它是否存在于地球上的某处？还是在另一个星球上？平行宇宙？那里有人类吗？

我想拥有一个能让我自由创造任何东西的世界，这意味着它必须远离现实。这里太现实，缺少魔力……极其缺乏神奇的生物和浮游的精灵。周遭有太多人类了。我希望大家都认为奇特的生物、巨人和精灵是存在的，它们是生活的一部分。那个世界与地球有连接处，人类偶然发现了它，并带去枪、威士忌、粗花呢夹克和黑色幽默等等。但过了一段时间之后，所有人类最终都异变成某种动物。坦白说，我十分讨厌画正常人类，我甚至忘记了我上一次想这样做是在什么时候。即使在我年轻时，我也更喜欢画忍者神龟和黑手党漫画，这些漫画里有一帮穿着衣服的动物。

你的世界似乎很喜欢一个永无止境的秋天……

I我与秋天有很深的联系。虽然我不太清楚原因，但每年我都尽量尝试从每一个感知层面将秋天的元素吸收进作品里。然而一旦我把秋天所有明亮的颜色都呈现出来，它们却仿佛都消褪为冬天的冷暗色调，表现出阴郁的一面。也许我正是迷恋这种既明且暗的效果。无论如何，秋天统治着我的世界，整整一年我都生活于其中。

你的动物们在那个世界里过得幸福吗？

我不确定是否所有动物都过得幸福，但他们看起来都还不错。当然，某些天里他们会比我见证到更多奇迹……又或是更多恐怖的事，还有他们生活在一个神奇的世界里所能遇到的种种事情。

A Fresh Soul in the Murderous Wake, 2009

Be Wary of the Dark Places, 2009

如果你不准再创造和绘画人物，你会作何感想？永远都不可以呢？你还会想成为一名画家吗？

那样的话我肯定会很难过。我不仅喜欢画人物，也喜欢画景，但我认为二者彼此联系，相互交融，很难将它们独立开来。在我的大部分创作中，一开始我会先构思人物，但并不设想得很完整。我不会一下子画太多，而是先初拟草图。我喜欢先画背景，然后再决定如何让人物在背景里成形。直到画作完成，我才会真正形成一个完整的想法，我喜欢以这个方式让人物和他们所在的世界同时进化。多年来，我总是打破计划并让事物自然而然地产生，借此我得到了我最喜欢和最疯狂的想法。现在我尽量尝试不要作过多的计划。于是我可以尝试新的东西，受到生活的感化，这种方法将会贯穿整个创作过程。不过当然我也可以只画空森林和无人的山。

Ideas Flourish, 2009

Humanity Returns, 2009

因为你的画作让人联想到童话和神秘世界，我一直想知道你是否受到过文学、电影和音乐等领域的艺术家的影响？你会不会去接触其他领域的艺术家作品，并从中获取灵感？你最欣赏哪位艺术家的作品？

年轻时我读了很多童话故事和儿童书籍，譬如《金色童书》、安徒生、《青蛙与蛤蟆》等等。我还有很多童话故事录音带，我和哥哥会坐下来花好几个小时聆听这些奇妙的故事。这些有声读物无疑影响了我，因为当我沉浸于各种地域和人物的想象中时，我的思想完全摆脱了束缚。现在当我画画时，我仍旧会听大量有声读物，而且它们大多风格一致。目前我正在听《王座游戏》和《巴底买三部曲》，因此我仍能够产生很多奇思妙想。我也听很多非虚构小说和历史小说，但我总是会被想象力丰富的作品吸引。

电影是最能给予我灵感的其中一个领域。我不知道它会否直接影响我的作品，但像Terrence Malick和王家卫等导演的一些电影肯定对我的作品主题和作品情绪产生了影响。他们的电影那么的美丽，而且他们都掌握了一种激发情感的方法，这是我要努力让我的作品达到的效果。在动画电影方面，宫崎骏的作品也给我带来了灵感。他所有的电影都被十分完整地设想及创造出来。

Revel in the Wild Joy, 2011

Walking with Wisdom, 2010

可以给那些希望像您一样成功的年轻艺术家们一些建议吗？

我想最重要的一点是不要过分担心成功与否。创作作品需要花时间和反复做很多试验，所以要把精力集中在你感兴趣的想法上，还要有耐心。最不该做的是去迎合潮流，成为昙花一现。只要你的作品是真诚的，就会得到关注。一旦人们开始关注你并出现机遇，要确保你能充分利用这些机会，并继续鞭策自己。另外，网络真的能帮上忙。

你打算在Pictoplasma上展出什么作品？

我正从最近的几个画廊展览中挑选出一些作品。当然，我会选择那些更多地以人物为中心的作品。

Parting the Darkness, 2010

Onward Again My Friend, 2010

可以分享一下您即将开展的项目吗？

我的展览“Arise Feral Night”下个月在Roq La Rue 画廊开幕。那时候刚好进入秋天，而且在万圣节前后。因此这个展览与夜幕降临及随之出现的奇异事物有关。我姐姐说，我的新画作感觉很吓人，但我觉得它们更多地呈现出美丽的阴森之感。展览在10月14日开幕。

感谢Andy！

Pictoplasma NYC！其研讨会于2011年11月4、5日在柏森斯设计学院举行，展览在2011年11月3-6日开放。

Pictoplasma

Book review – Open Design Now: Why Design Cannot Remain Exclusive | 书评——当今开放式设计：为何设计不再私有

allymfm — Sat, 05 Nov 2011 04:10:41 PDT

本周要介绍的书籍是《Open Design Now: Why Design Cannot Remain Exclusive（当今开放式设计：为何设计不再私有）》，由Bas van Abel（Waag Society，即荷兰瓦荷社团的创意总监）、Roel Klaassen （荷兰设计与服装平台Premsela的项目经理）、Lucas Evers（Waag Society文化项目的老大兼荷兰Creative Commons成员）和 Peter Troxler （独立研究者兼概念开发者）等编著。你可以在亚马逊美国站或英国站找到这本书。

BIS 出版社为此书写道：“在新兴的网络式社区中，实体产品的数字信息被共享，生产工具及设施唾手可得，在此激发之下，设计界正上演一场重大变革。它将设计转变成一门开放的学科，人们共同设计，各类产品的制作变成了一个协作的、跨国的生产过程。”

《当今开放式设计》涵盖了以下问题：

开放式设计的概述：实践、工具、授权体系

既然开放式设计是每个人都可以参与的设计途径，它带来了哪些便利的新做法？使之实现的现有工具和所需工具是什么（物理工具、数字工具、法律工具）？

开放式设计的基本原则：

为分散式物质生产而设的网络式工具，对大众作为文化生产的基本资源的认识，等等等等。

开放式设计的影响：

开放式设计对设计、艺术表现力和创作过程产生了什么影响？对生产者和消费者的关系的影响？对设计行业的影响？乃至对整个社会的影响？

你可能还记得，今年6月初《当今开放式设计》一书在柏林DMY国际设计节推出的时候，我已经稍稍介绍过它。那时候我还没读过这本书，但现在我已读过了。

这本书分为三大部分。第一部分是210页由从业者与思想家撰写的评论短文，作者有来自STEIM 的John Thackara和Dick Rijken、海牙大学的教授、MakerBot的Bre Pettis、来自Droog 设计团队的Renny Ramakers和来自芬兰创意团队Demos Helsinki的Tommi Laitio等。接下来的部分是一系列富有启发性的案例研究，从Fifty Dollar Leg Prosthesis（50$假腿）谈到Fritzing和RepRap数字化制作系统。最后一部分是 “可视化索引”，收录了大量具有启发性的作品和点子：游击园艺，竹子单车，黑客战略，回收倡议，宣言，基层发明，等等等等。

这本书的作者们从一开始就宣告，他们不会试图把开放式设计简化为一个定义。他们要做的是清晰扼要地说明开放源码设计在各个方面的现状。Van Abel、Evers、Klaassen和Troxle还完成了一项伟大的工作，他们编辑的书提供了一个坚实的讨论框架，让读者获得许多机会去深思以下问题：从座椅营销到机器人制造的整个创造性范畴内，开放源码的价值观带来了怎样的机遇和挑战。

作者们在其文章里更深入地探讨了许多问题，然而设计界可能宁愿对这些问题置之不顾：分配和生产过程中的转换，控制的“丧失”，知识产权的调整，旧等级制度的评估，知识的获得，“设计能力”的定义，新技术和新工具的影响，设计师角色的混杂性，设计师与客户的关系等等都需要（重新）评估……而最关键的，是开放源码创作的商业潜力。

Joris Laarman的观点是这本书的亮点之一。该设计师（兼Make-Me.com的发起人之一）提出了引人深思的问题：为何“平庸的中产阶级”能够支配现今当今大量产品设计；为什么100年前真正的现代主义者要开放源码设计；权力如何摆脱跨国公司，回到由于工业化其技术和才能变得无用武之地的手工艺者手中；为什么Creative Commons授权不会阻止你赚钱，等等等等。

另一重大文献是Mushon Zer-Aviv的文章《Learning by Doing（边做边学）》，他幽默地记录了自己在艺术与设计学院教授开放式设计时所施展的战略。

最后，主要是为了彰显这本书的广度，我要挑出《Open Design for Government（政府的开放式设计）》这篇文章，其中Bert Mulder呼吁把开放式设计的一些工具、架构和价值观应用到政府机构上，将决策过程向公民开放。

罢笔之前，我必须提一下与此书十分相配和非常大胆的出版模式。BIS出版社正逐渐将书中内容放上Open Design Now 网站。目前，15％的内容可以在线阅读。

内页预览：

《当今开放式设计》是 Creative Commons Netherlands、荷兰设计与服装平台Premsela和Waag Society的协作成果，由Hendrik-Jan Grievink设计。

首页图片：Remy与Veenhuizen创作的ÖLKE BÖLKE。照片：Leo Veger。

Second Lives: Jeux masqués et autres Je | 第二人生：隐藏游戏和另一个我

allymfm — Wed, 19 Oct 2011 12:14:27 PDT

Hermine Bourgadier, Dragon Ball Z, 2009

如今，越来越多的人选择逃离现实，为自己编造一个新身份。有的人戴上“面具”以便能够自由地表达。有的人则通过创造虚拟身份在虚拟世界中驰骋，过一种他们梦想得到的“真实”生活。但是，多重身份或割裂的身份并不局限于故意的逃离，有些人是因为社会不接受他者和异见者而被强加在身上。

“第二人生：隐藏游戏和另一个我”展览于整个夏季开放，在Casino de Luxembourg ——当代艺术论坛举办，展出有关身份解构与建设的当代策略的具有批判性且富有幽默感的作品。

Susi Krautgartner, Uncanny Valley, 2006 – 2010

Susan Anderson, High Glitz. The Extravagant World of Child Beauty Pageants. Beauty, Age 4, Las Vegas, Nevada, 2006

Beryl Koltz, Strangers in the Night, 2011

“网络文化在‘沟通社会’中的最新发展在很大程度上促进了身份繁衍。线上社交网络使大家创建出多个分身；人们通过“阿凡达”过着虚拟的现实生活。这种“聚属”促使个人发现和表达他/她自己的多个方面，而且能够自由创造自己的身份——无论是否借助面具——开拓通往他者的道路。”

在那些讲述现代技术使平行存在成为可能的展览和文章里，此展览涉及的主题可能已被一遍又一遍地审视过了，但它却仍可以为参观者提供许多思考的机会。我本以为我会看到“仅仅又一个关于在线/离线生活的展览”，但我却很惊讶地看到了这个展览走得有多远。“第二人生”向参观者展示了从媒体恶作剧到标志性艺术品的重制，从对Michael Jackson的致敬到人与动物的杂交，还有从我们全球化个人特征的冷分析，到面具在剧场舞台内外的使用。

Alain Della Negra & Kaori Kinoshita, Furries. Still from the video

Alain Della Negra & Kaori Kinoshita, La Tannière/The Den, 2009. Still from the video

Kaori Kinoshita（木下香织）和 Alain Della Negra正在展出非常有趣的视频，他们研究“阿凡达”，更准确地说，是研究人们如何应付多重身份或割裂的身份，以及这些身份如何在Second Life（第二人生）上或他们一再称为“RL”（现实生活）的世界里，与性、金钱或信仰产生联系。

其中一个视频“La Tannière（兽穴）”是一系列毛皮动物扮演，一些人形动物的超级粉丝选择了一种“毛茸茸的生活方式”，有少数人甚至相信他们生下来就是毛皮动物。这一由半人半兽的怪物组成的小众团体创建于80年代，正是在迪斯尼拟人化英雄开始入侵的时候。其成员（虚拟身份）数目借助互联网而得到增长。

Alain Della Negra & Kaori Kinoshita, La Tannière/The Den, 2009. Still from the video

Hermine Bourgadier调查了另一种亚文化，即角色扮演。卢森堡赌场目前正展出两个系列。第一个系列是跟踪角色扮演者在大会上展示其服装。第二个系列是来自一个在高中举办的工作坊，其中艺术家要求学生们选择一个卡通或电视游戏角色，并模仿他们的经典造型。这时候伪装是最基本的，而重点在于手势和表情。

Hermine Bourgadier, Super Nanny, 2010

Hermine Bourgadier, Green Lantern, 2010

Hermine Bourgadier, Saya Takagi, 2011

“解构奥萨马”将我们带离网络世界，让我们回想起报纸头版。早在2006年11月，来自驻卡塔尔通讯社Al-Zur的两名摄影记者通过追踪“基地”组织武装派的头目Fasqiyta- UL Junat博士，意外地完成了一次出色的新闻调查行动。他们发现，Fasqiyta UL Junat“实际上是一位名为Manbaa Mokfhi的演员和歌手，曾出现在阿拉伯电视网络的肥皂剧中，是MeccaCola某次广告宣传活动的代言人。”这位演员只是被雇来扮演一个危险恐怖分子。Mokfhi神秘失踪后，“情报机构虚构了奥萨马·本·拉登及其同伙等人物，以此创造出恐怖的面孔。”

Joan Fontcuberta, Deconstructing Osama, 2007

这次揭秘事件通过新闻杂志封面传播开来，在电视新闻里被详尽地报道，并通过一些独家照片得到证实，从照片中可以看到，他领导“基地”组织塔利班游击队进行袭击，在骡子背上进行杂技表演以娱乐他的战友们，向儿童派糖果，在他的骆驼农场里工作，发起反对西方帝国主义的公众演讲，等等等等。Mokfhi/ Fasqiyta UL Junat这个人物显然是虚构的。看来他与Joan Fontcuberta十分相像，这位艺术家凭研究摄影骗术而闻名。

Joan Fontcuberta, Deconstructing Osama, 2007. Installation view. Photo Studio Rémi Villaggi, Metz, Casino Luxembourg – Forum d’art contemporain.

该展览的标题“第二人生：隐藏游戏和另一个我”引用了一个网络虚拟世界的名称，但许多作品的构想与互联网的蓬勃发展无关。

High Glitz（浮华）系列中的小女孩浓妆艳抹，皮肤被喷黑，并被盖上粉底，让人看着很不舒服，她们经过Susan Anderson的装扮，正准备上演某些美国儿童选美比赛的表演秀。

Susan Anderson, High Glitz. The Extravagant World of Child Beauty Pageants. Ashley, age 7, Nashville, Tennessee, 2008

Susan Anderson, High Glitz. The Extravagant World of Child Beauty Pageants. Katy, age 5, Las Vegas, Nevada, 2006

这些照片与张夏翡的小鞋子有异曲同工之妙。以女鞋的造型为蓝本，鞋子被改为小女孩的尺寸。鞋子的高跟、鱼嘴和装饰，让它们看起来不大像适合小孩子穿的鞋。正如Anderson的“High Glitz”系列，这些照片产生了一种不恰当的诱惑之感。

Hsia-Fei Chang, Blue Velvet, 2009

Aneta Grzeszykowska, Untitled Film Stills #3

Aneta Grzeszykowska, Untitled Film Stills #10

Aneta Grzeszykowska对Cindy Sherman七十年代的经典无题电影剧照的模仿十分细致，她花了一年时间去重新演绎整整70张原版照片。构图、化妆、服装、道具都经过严格的仿造。不过，拍摄场景是在华沙，而非纽约。

Aneta Grzeszykowska, Untitled Film Stills #21

Cindy Sherman, Untitled Film Still #21, 1978

相关文章：Que le cheval vive en moi (May the horse live in me)。再看看佛罗伦萨Strozzina当代文化中心展出的Virtual Identities（虚拟身份）。

“第二人生：隐藏游戏和另一个我”的策展人是Paul Di Felice、Kevin Muhlen和Pierre Stiwer。地点在Casino de Luxembourg ——当代艺术论坛，开放至2011年9月11日。

art in Luxembourg photography

Sowing and Weeding, Folk Culture and Contemporary Art | 播种和除草，民俗文化与当代艺术

lady need money group — Sat, 15 Oct 2011 07:01:00 PDT

简单介绍一下“播种和除草，民俗文化与当代艺术（Sowing and Weeding, Folk Culture and Contemporary Art）”展览，它在阿姆斯多芬的Cobra Museum展出，从阿姆斯特丹坐一趟短途电车便能到达。

该展览探讨了当代艺术如何关联及阐释本土传统、地域风情和民俗文化符号。无论艺术家指出传统的缺失和民俗文化的商品化，还是玩弄用以区分“高雅”与“低俗”的灵活边界，他们的作品都让我意识到如今我/我们接触民俗文化，是在艺术画廊或博物馆的高雅背景下进行的。

Aurelia Mihai, Transhumanta, 2007

Aurelia Mihai的视频“Transhumanta（横渡土地）”很清楚地说明了这一点。该作品表达了transumanza这种饲养绵羊的传统方法是许多欧洲人的文化认同的一部分。然而，这种惯例已经被新欧盟法中关于动物流放的法规所禁止。

该视频将羊群的迁徙移植至今天。我们目睹羊群穿过德国小镇Goch。这趟旅程以博物馆作为终点，隐喻民俗文化的现状。

该展览昨天已经闭幕，但我之所以在网上提及它，主要是因为它给了我一个不太充分的理由，让我再推一次Helmut Stallaerts的摄影系列“Es Spukt”。这是我的博客，所以我会一遍又一遍地拿同样的故事来烦你，只要我乐意。

Helmut Stallaerts, Es Spukt, 2005

但到目前为止，我还不知道任何有关Es Spukt的历史背景。在奥伯斯多夫，即Stallaerts的母亲出生的德国小镇，每逢12月6日年轻男子们都会聚在一起。他们穿上皮草、皮革，戴上带有鹿角的动物头套，伴随着嘎嘎作响的钟声和水壶碰撞的声音走来。此习俗的意旨是驱逐恶灵，艺术家就在参与这项习俗时拍下了这一系列照片。

Helmut Stallaerts, Es Spukt, 2005 (view of the exhibition space)

Helmut Stallaerts, Es Spukt, 2005

More images from the show:

更多展览图片：

Britta Jonas, Tänzer, 2008

Britta Jonas, Tänzer, 2008 (detail)

Steingrimur Eyfjörd, The Elf Shoes, 2007

Wiebke Siem, Untitled, 2001

Exhibition tip – The Making of Images in Paris | 展览信息-巴黎影像制作展

lady need money group — Fri, 19 Aug 2011 02:00:24 PDT

我是巴黎Musée du Quai Branly的超级粉丝。不管他们在展出什么，我都会去看，发现一些激动人心的东西。比如说身为巴黎影像制作展览一部分的 Kachina娃娃，该展览是一个人类学展览，详解大型艺术和材料方面的产品来揭示在图像中不能直接看到的东西。

Photo musée du Quai Branly

\巴黎展览的木质娃娃是有在亚利桑那州居住的土著居民Hopis的成员雕刻的。这种叫做tihu的娃娃被送给孩子们来让他们来认识众多katsinam中的一部分。katsinamz在Hopis和神灵之间充当媒介物的精灵。一共有大约400种katsinam，每一个都不一样，每一个代表宇宙中的一种存在或者一种品质：动物，之物，场所，大气现象，星星，自然现象，社会功能，行为举止等。

每年，从12月末到七月底，他们居住在hopis村庄里，戴着面具的，穿上服装的舞者的身体。

这里是我在展览上拍的不怎么好的照片：

巴黎影像制作展开展直到七月16号。这是一个非常有意思的展览。如果Hopis雕刻的娃娃不是那么令你信服，这个惊人的雕像怎么样：

这个人的雕像拥有鲨鱼的头和躯干，代表达荷美共和国（贝宁）的最后一个国王Béhanzin 。

国王的手臂上的衣服看起来像个鲨鱼，来纪念他在宣布攻打驻扎在科托努(贝宁最大之城市和海港)的法国舰队时说过的话：“勇敢的鲨鱼击碎了掌舵”

这个雕像由艺术家Sossa Dede在1889年到1893年完成，高1.6米。

art in Paris vintage

Interview with Fernando Llanos | 专访Fernando Llanos

lady need money group — Sat, 30 Jul 2011 12:23:16 PDT

没多少人会像Fernando Llanos一样是一个如此全才的人，他集录像艺术家，音乐家，作家，博客作家，图书管理员和画家于一身。他有着墨西哥男人的英俊和气概，经常带着一只奇瓦瓦狗散步于城市中。此外，他还制作电视节目，为墨西哥的一个动画片节日—–Animasivo工作。对于他的广播节目，他所遵循的格言是：不要只是为了谈论艺术而谈论艺术。不做节目的时候，他会穿着格外的整洁。细来想想，他可能是唯一一个具有我所欣赏的风格的传媒艺术家。费兰度来自墨西哥，但是我们是在巴西相识的。当时，女人们都邀请他喝一杯，男人们都向他兜售衬衫。几天之前在墨西哥我们又见面了。当时我正在参加墨西哥的交通节

Let this portrait not delude you: Fernando Llanos usually wears no moustache

费兰度凭借着电影和所传达的主旨思想而世界闻名。他将设备扛在肩上，放在自行车上，或者放在滑板上。他的放映室都选在很特别的地点。比如他的第一个电视节目，他设计了一个位于巴西Porto Alegre机场的飞机事故，并且制造了一种超英雄的气氛和神秘感。当他放映的时候，他已经不再是费兰多里阿诺斯，而是一名电视人。他安排海报的张贴，塑像的制作，还有服装，一些帅气的道具，一切都无比的精彩。正如他所说的：像Batman拥有他的知更鸟，超人有他的狗Krypto一样, 电视人同样也要有它的Chamaco! 最近，他正在日内瓦参加绘制地图节。他在人群中展示他的奇瓦瓦，结果它变得暴躁起来，在瑞士城中心的艺术展厅外大声吠叫。

I我很开心再次采访费兰度里阿诺斯, 上一次是在三月份。

我知道，你所信奉的一条格言是：开心看视频。你认为哪种电视录像能够使观众看得尽兴？如何做到这一点呢？

九年来，我的网站上都是同样的一条标语：开心看视频。

差不多十年前，为了推动我的电视录像展，我开始着手广泛的文化传播。于是，我绞尽脑汁地想一句既能体现我的个性又能使人们很容易记住的话。在墨西哥宣传的时候，我看到很多鼓励人们多吃蔬菜多喝水的标语，例如“多吃水果和蔬菜”。所以我决定想一句我自己的标语。从一开始，我的脑海中一直贯穿着两个非常重要的概念，一个是有作为，使自己的生命有意义，不管从事什么，只要它能体现你的价值；第二个是开心，因为我经常将自己视为毫无希望的恶魔。

最终选定的这个标语包含这两个概念。首先，它以幽默的口吻强调我所从事的事业：录像。其次，我将这句话作为一个广告，至少一个可以正当使用的宣传广告。像那种“多吃水果和蔬菜”的标语只能是某些广告运动的一部分。

但是真正的动机更加复杂，或者说更加精炼。我在我的论文结论部分提到了它：“在线视频：新的空间，新的故事”。我借用这句话总结了我通过视频和网络所从事的工作。

“在线的视频格式更具自由性和分享性，这需要艺术家和公众的共同关注。”

我正在寻找新的策略来讲我的作品和人们的生活联系起来。在我看来，博物馆中神圣的艺术和普通老百姓的生活之间形成了巨大的鸿沟，并且这个鸿沟变得越来越大。我认为艺术需要和各种各样的人建立更直接的联系，至少艺术应该从新的视角来欣赏，最终我们获得新颖的，更谦卑的，更积极的策略和方法来创造艺术。

迄今为止，我都将“开心看视频”作为我的战争口号。如果“视频”取它拉丁动词中作叙述口吻的第一人称时的原始含义，意思是“我看见”，那将意味着每个人都看他们想看得，分享他们所感兴趣的。此外，在一个没有记忆的国度，我们应该书写我们自己的历史，通过网络将它展示给全国人民，以及世界上的每一个角落。让我们不要再依赖参考文献，相比之下，还有什么媒介可以比视频更合适呢？

我对观点的分享非常感兴趣。在过去的四年间，我通过证据更加证实了自己的信念：1000多个人，不管什么类型，不管来自世界的何方，每个礼拜都可以通过电子邮件收到视频。300万的网页浏览量更使我坚信，我可以通过这样的方式实现自己的目标。

未来不是只为艺术家设计的，论文也不是只有大学生或者基督教徒才能够完成的。

有趣的是，当我正在写这篇文章的时候，我正在草拟我的第一批“电视人”节目。不知怎么的，我看到了类似的概念和相同的观点。

当你在出席在巴西举行的艺术狂欢节时，你将你的视频节目定义为“城市的针灸”。你能向我们解释一下这是什么意思吗？城市真的需要针灸吗？

虽然我从做的是一个视频节目，可是我更希望称它们为介入视频，其中包括在城市中放映的移动视频。我选择特定的地点，可以在放映过程中和人们谈话交流。我在3年的时间里已经在五个不同的城市放映了30多部这样的视频。这30部都各不相同，通过一个特别的方式和一个特定地区的人们沟通。你可以在网上观看视频。

我在目录中是这样形容它们的：

公共场合（大街上，纪念碑前，广场上，商场里等等）电影放映系列：这些电影旨在通过运用直接而令人惊奇的方式，吸引路人的注意力。由于移动性，这些电影都很短，而且多亏了我的行头，我可以方便的携带和使用这些设备进行移动放映。

放映的内容可能和这个地方的历史背景有关，可能和最近此地发生的事件有关，或者和当地民众的兴趣有关。我所从事的这项工作与我所钟爱的艺术形成了一个闭合的圆，而吸引路人就是这个关系中的一部分。（这个圆中包括视频的录制，操作，编排和实时的放映）。

这些介入视频和他们的录制形成了一种新的物质，而这种物质又反过来成为一种原材料，用来处理，展示和在线播放这些视频，从而给那些从事艺术或者不从事艺术的人创造了一个分享的机会。

我称介入视频为“城市的针灸”是因为在我看来，它在城市产生的效果可以比喻成“城市针灸”。这些视频不是很长，有时候又一针见血。我想它们在一定程度上可以是公共场合通过情感的宣泄成为一个更为健康的场所。这种治疗时非常主观的，但是在我看来，它对于一个在公共场合工作的人是可以适用的，而且我相信，它们能通过一些倡议对公众产生一定的影响力。

这个叫法是因为Guillermo Gómez-Peña的表演而想出来的。这是一个对艺术近乎疯狂的墨西哥人，我们2005年在the Bienal de Mercosul见面，当时我正在展示“电视人”的第一个版本。一名妇女高举靠针灸针实施侵略的国家的旗帜，而Guillermo Gómez-Peña使她逐渐放弃了这个举动。那个时候我第一次想到了这个叫法。

让我们来想一想这个项目的最原始的全称：

在特定的城市环境中的移动的介入视频

但是后来，这个项目更加紧密地和“电视人”以及“城市针灸”联系起来。

我相信城市需要这种城市针灸。涂鸦的，贴小报的，剽窃广播节目的，等等等等。每一种行为都存在于城市中，而且有关部门对此毫无办法，在这种情况下，就需要城市针灸来维护城市的健康发展。如果一个人只依赖既定的空间，怎么会有新的事物出现来代替旧的事物呢？我相信我们的都市发展需要某种参与性的治疗。如果一切空间都归了政府或者企业，我们怎么来利用它们，使它们为我们所用呢？正如我在我的一段讲话中提到的，我相信墨西哥一位革命者Emiliano Zapata的一句话：“土地属于那些在上面劳作的人”。这解释了公共空间怎么被认识，至少说出了那些把自己的生命献给艺术发展，并乐于和新的观众分享艺术的快乐的人们的心声。

有些人采取了行动，即使他们的行为使人震惊，或者使人们感到不舒服，但是这预示着已经产生了效果，并且比漠然对待或者面对博物馆毫无感慨地行为好很多。我认为这种激烈的声音，这种公开指责的声音，这种自发的情感可以帮助我们理解针灸的真正含义。

我们的城市被视觉色质充斥着：广告牌，霓虹灯，信息牌，等等。你怎么才能和这些东西竞争，在你放映电影的时候可以吸引路人的注意呢？

开始的时候我并没有把它们看成是竞争，艺术家使用其它物理上或者行为上的元素来吸引人的眼球。有时候甚至一些设备或者交通工具可以给人留下深刻印象。

我们不能讲竞争，因为广告的世界有更高的预算。我们应该能够多方面看待一件事情。不像宣传品那样，“电视人”的电影是因地而异的，他们在特定的场合中能够代表更好更多的含义。一个宣传品可以适用很多地方，也可以和其它东西并同使用。而我所致力于的展示是再一个特定的空间进行的。

除此以外，在吸人眼球方面，我还有一个优势。我可以通过不恰当的政治言论，展示他们不能展示的东西。例如，我能够在大街上放映色情影片，或者放映和一个在红灯区工作的妓女亲吻的影片，或者放映飞机降落时失事的影片。真是一个荒谬的视觉盛宴，不是每个人都能这样做的。你必须愤世嫉俗，并且有足够的胆量。你必须有勇气接受挑战，甚至冒险来创造一个充满诗意的行为，给人们留下深刻的印象，并成为茶余饭后的闲聊话题。

在我眼中，“电视人”具有的最神奇的特点就是你赋予它的神奇：小雕塑，自行车，电影院放映的电影海报等等，这也是一种宏伟战略的一部分吗？

挖掘这种带有神奇色彩的特征是非常有趣的，也很有建设性，凭借它我可以树立“电视人”行为领域的良好形象。这个项目事实上建立在一些突出的思想上，我并没有把我的整个生命用在设计图象上。首先我先完成设计，然后纪实地描述（在线或者不在线），然后对整个研究形成一个整体的意向。但是我非常喜欢埋头苦干，并且在超级英雄的神话塑造上进一步扩大自己的想象力。

另外，在这些原则的指引下工作已经使我可以借用一些市场战略，这些战略能够帮助超级英雄保持他们的形象。

实际上，正如我先前提到过的，我梦想成为一个超级英雄，当我还是个小孩子的时候，我喜欢集超人，蝙蝠侠和蜘蛛侠的漫画，我的第一幅作品就体现了这种集超人，疯狂的麦克斯以及摔跤手.于一体的超级英雄。九岁的时候，我将我画的关于男子汉和变形金刚在学校卖给同学。如果你分析一下“电视人”，你就会发现，他是一个像蝙蝠侠一样的英雄，他是一个拥有武器，训练有素，并且胆识过人的英雄。

所以我在当我还是个孩子的时候就对这些故事，这些媒体，这些事物产生了浓厚的兴趣。运用这些能反映某种市场战略的事物可以完善这个项目，从而使我在这方面的兴趣更加浓厚，更能体会这些事物带来的感觉。

我认为这就是为什么人们更多的把这个项目和“电视人”，而不是和它原始的名字联系起来。将这个项目和角色的形象联系比起和介入本身联系更容易些。

你的作品人物的堕落是你突发奇想的吗？我最喜欢的是小胡子和小雕像这两集。你能详细阐述一下它们吗？

正如我在之前的问题中向你解释的那样，当我开始着手这项工作是，我就相信最重要的部分是在马路上放映的那部分，但是我逐渐意识到“电视人”的个性起着主要的作用，他的许多意图可以在他的装备和设备中体现，这就是我怎么又开始考虑我应该让位给另一个打算—-我要成为一个超级英雄。当我是个孩子的时候，这个想法非常简单，我常常看很多漫画，幻想成为超级英雄。随着时间的推移，我意识到在艺术的世界里，一个人可以做任何他想做的事。既然一个人可以沉浸在他所喜欢的世界中，为什么我不能创造我自己的超级大英雄呢？

但是这是一个漫长的过程。第一个版本用的是“视频人”这个名字，非常适合明信片。在我开始考虑更多适合超级英雄的着装方面的问题时，我借用了一些超级英雄的东西，然后我发现了最有趣的事：海报，小雕塑，连环漫画，这些都可以为这个项目所用。然后我很开心的顺着这个思路想，我想要在一个电影里距离35mm射中一个追猎者，这听起来不太现实,就这样我围绕着一个角色开始编故事。

在一开始的时候，小胡子是专门从Felipe Ehrenberg那里得来的思路，Felipe Ehrenberg使墨西哥的第一个概念艺术家，当时墨西哥城的现代艺术博物馆正在举办他五十年的艺术展，我负责这个展览。在我看来，在三年的工作之后，到了采取行动，引起人们的对于我们所从事的艺术的注意力的时候了。他的胡子是他的一个关键性的特征，于是我在就职后一天就剃掉了我的胡子。

后来我知道了他的胡子是对Emiliano Zapata的怀念，然后我也感觉到了胡子也和“视频人”有或多或少的相似之处。于是，我决定在几个版本中，角色应该有一些代表性的特征，正如信奉萨帕塔主义的大多数人留着胡子，在游击战中拼杀一样。

“视频人”的小雕塑要归功于那个主要任务就是创造超级英雄的人。他在墨西哥一个著名广场的展厅出售这些雕塑，有超人，蝙蝠侠，还有一些墨西哥的超级英雄比如El Santo, Chapulin Colorado等等。我要求这个雕塑家将我所要展示的视频人的形象展现在雕塑中，他使我的意愿非常明显，明确地表达了我的想法，这一点我非常欣赏。我认为在知识和概念的整合中，存在着一种美丽，A和B加起来不一定等于C，也有可能是A或者是B。我喜欢欣赏一些这方面的非官方专家所表达出来的细微的概念，这些使我想到了我们对于提高这些人物性格的狂热之心。星球大战中的人物，漫画中的奇迹。人们不再选择一些圣人形象了，现在他们开始着眼于一些新的事物。

你同时也和一些商业品牌合作，你能给我们举一些例子，解释一下和他们合作的局限性吗？当你接受一项纯粹的商业人物时，你会排斥一些什么东西？

我得确做过一些商业工作，我称它们为有创意的锻炼，他们会帮助我坚持自己的个性，给象ABSOLUT这样的顾客制作一个DVD，就是一个很大的挑战，因为在艺术的世界里，人们往往会考虑到自己的利益，不管结果是好是坏，我认为用这种有限制性的事情来锻炼自己会永葆健康的心态，并且赋予创造性。广告的世界充满了这种限制性，规则和内容。

我有一个视频产品的公司，可以使我能够从事很多种类型的商业活动，包括网页的制作，剪辑影片，或者制作电影。我不会将the Fernando Llanos firm写在我这些作品的下面，我不想将我的名字或者我的艺术创造和这些商业品牌联系起来。耐克想要使用我得“视频人”作为游击战术的一部分，我拒绝了，我不想让这些东西和我的世界混杂起来。相反，我卖给他们视频剪辑，这样皆大欢喜。

当然我接受这些工作的最主要的原因就是我可以得到一笔收入，我想要回到学校，但是这要一笔大的费用。这种工作可以让我增强竞争力，使我自由地创造作品。在商业项目上工作一个礼拜，我可以连续3个月过好日子，而这些如果要靠我没日没夜地从事我得艺术工作才能获得。最重要的事情就是你不会失去你生命中最重要的东西，你会感觉到你作为一个艺术家的作品是高于一切的。

你现在正在准备写一本关于Ciudad Satélite的书。你能告诉我们这本书是什么样的吗？你是怎么会对乡村地区感兴趣的呢？

Satélite 这本书（Historias suburbanas de la Ciudad de México – Suburban stories of Mexico City）是关于一个出版的项目，内容是关于农业，艺术和流行科学的。它的目的是通过研究一个具有代表性的中产阶级的乡村，发现它的前途和命运。这个乡村在历史上是一个先行者，可是随着时间的推移，它逐渐变得保守起来。它试图使历史和关于当地风土人情的记忆变得清晰。通过当地艺术家的帮助，这些知识都被弄成插图放在书中。

这些出版计划希望能够唤起人们的城市情结，以及对中产阶级乡村的重视。这个具有进步性和现代性的挑战由墨西哥的一个著名建筑家主持创作。但是随着地租的增加，政局的更新，以及随之而来的保守派的社会变革，这个小乡村也发展为了一个有规则的城市。

这个计划旨在丰富视觉的，建筑的和文化的里程碑，这也是Ciudad Satélite 为墨西哥城所做的贡献。Ciudad Satélite 在墨西哥城建成50周年时，着眼于一个非常特殊的角度，这个角度很少被人发现，但是却蕴藏着巨大的财富：它的建筑减产和丰富的城市规划。立体时代的图解可以帮助我们了解它的基本构造和集现代主义和通俗艺术为一体的美学效果。

这个想法是为了通过当地的故事和历史以及人们的生活使该地区的记忆更加清晰，但是同时广告推动了50年代的交流和这个新郊区文化的外部观察者的描述。所有的这些都毫无疑问地促进了区域文化的发扬光大。

interview

Salone del Mobile: It’s lamp time, everybody | 移动沙龙：现在是灯的世界！

lady need money group — Sat, 16 Jul 2011 08:00:46 PDT

如果你要去本周末的米兰国际家具展- 移动沙龙，这里有一些提示。1.千万别忘了伞（看看天气预报）。2.由于大家伙，重重的，无价值的钢琴已经搬进了，如果Tortona闻起来有点像过去的旧房子，你别感到惊奇。3.从Ventura Lamb区开始，因为那是一些酷酷的孩子展示他们工作的地方。更多的细节下次会写。除了Ventura Lambrate以外，下面是我推荐的一些展览：

Laurence Humier使我走到Spazio Rossana Orlandi，一个Magenta区的商店减价展览。玖玖的大楼有几层设计，有一个展览用的画廊，一个戴着珍珠项链的女士兜售家里做的蛋糕的咖啡馆，还有一个时尚类的空间。有点像巴黎的Colette。只是更加小资，不那么像东京和纽约，但是，仍然是非常有趣的地方。自己看看吧：

在展览桌子的房间后面还有其他的房间，桌子上有盘子，桌子，椅子，架子上方有灯罩。吸引我注意力的是 Isabel Berglund的Home With Tree. 很大的编织的棉花树，种在一个小小的白色房间里，是Danish Craft 的一部分。

Frederique Morrel有一些火热的挂毯，人和动物爬到墙上看咖啡馆。这些作品是刺绣作品，各处有皮毛修饰。

离这里很远的地方，在Spazio Krizia，Ingo Maurer 展示了华丽的爆炸了的灯。

art in Turin and Milan design salone del mobile

Venice Biennale: Pascale Marthine Tayou | 威尼斯双年展：派斯卡尔‧马尔席恩‧塔由

lady need money group — Mon, 04 Jul 2011 21:00:43 PDT

当我在威尼斯Arsenale展馆，这一曾经盛极一时的军工厂里参观展览时，深深的失望感扑面而来。尤其是意大利馆，上帝阿！那里究竟发生了什么？而我们观众又为何得以看到如此令人尴尬、华而不实的展览（embarrassingly pompous exhibition）？

在那里，我如此感叹。

然而，在Arsenale展馆中最大的国际展览是在一幢名为Corderie的壮观建筑中所呈现的，Corderie座拥319米长的空间，曾用于为意大利海军制造绳索和缆线。今年威尼斯双年展的主题似乎有些许的包括万象之感（威尼斯双年展的主题通常如此）。双年展艺术总监Daniel Birnbaum 曾阐述（explained）到：“制造世界Fare Mondi // Making Worlds的展览概念源自探索我们周遭世界以及未来世界的欲求。这有可能是崭新的起点与开端——这也是我想要与双年展的参观者所分享的”。

其中对我而言最骇人的作品无疑是派斯卡尔‧马尔席恩‧塔由 Pascale Marthine Tayou 的装置作品“人类（Human Being）”，该作品用一些奇异的物品，再生材料做的家具，色彩缤纷的人偶，录像和城市噪音充斥着整个巨大空间，以此重新创造一个小村庄的行为实践，而我们将此称之为我们的世界。

首先引入眼帘的是由高耸的木屋组成的犹如临时搭盖的陋屋区抑或是某一个非洲乡村的场景。然而，当参观者移步靠近，便会发现这些木屋的窗户是由屏幕组成的，屏幕里播放着发生在周遭世界的各种活动与行为，有发生在工厂，小手工作坊的场景，也有人们在街道散步或围坐在一起吃饭的景象。这些都既有趣又充满神秘。

奇怪的小人偶在此空间里居住着。人偶的头发布满了可爱的发夹或羽毛，他们圆鼓鼓的身体穿着被磨损的旧衣服或佛兰德缎带。有些身上还带着明亮的珠宝。他们三五成群的簇拥在一起。每一组人偶都有各自不同的呈现风格。有一些是在紧密团结的部落中交谈着，仿佛他们正在密谋某事。另外一些看上去似乎是在欢迎你进入他们围起来的圆圈中。

派斯卡尔‧马尔席恩‧塔由（Pascale Marthine Tayou）出生于非洲喀麦隆，现居住在比利时，他历览全球，作品在全世界范围都有所展出。他的专业是律师，而并非艺术家。作为一位游牧民，他的自我同一性始终游离在定点场所与他所走过的路途之间。而这也正是艺术家试图通过“人类”这一装置作品所表达的生存状态。

installation venice biennale Venice Biennale 2009

Salone del Mobile: flowers, foie gras and cruelty around the Ventura Lambrate area | 鲜花, 鹅肝和街区的残酷景象

lady need money group — Mon, 27 Jun 2011 08:00:56 PDT

之前的文章：Salone del Mobile: 开灯狂欢时间，来吧！以及 Salone del Mobile: 入住RCA酒店

正如我两天前谈到的那样，Ventura Lambrate是the Salone del Mobile展览中的一块儿新开发的领域。the Salone del Mobile展览上周在米兰结束（但是成百的设计师将每个人最喜欢的vulcano中的亮点都留在了那儿）整个展览位于一些装修精美的建筑中，有着漂亮的花型墙纸，乡间的银树，还有沾满热黄油的新鲜苹果派。

这个地方很干净整齐，是Questions展览的理想场所，这个展览中展示了艾恩德霍芬设计学院毕业生的最新作品。每一年，这个学院都会展示独具荷兰特色的，非常淡雅而漂亮的作品。仅有一些优秀和有争议的作品，但是并不多。每一年，这帮荷兰人都会在米兰风光一把。没有人来否认他们作品的优秀。但是，你偶尔会感到惊喜，觉得他们的作品有些新奇。或者，甚至会想我是不是在艺术展览上花了太多时间？

Question 展览 会使参观者联想到，设计的工作都是在一片疑问和质疑中展开的（在这个展览中的一些作品甚至都成了人们口中的话题）。例如，Amélie Onzon 的作品从寓言到餐桌就引发了这样的疑问：“残酷会是美好的吗？”

Photo by Rene van der Hulst

这个作品挖掘了决定动物之间关系的双重标准。我们承认我们对动物的爱，将它们视为宠物，有时候为了宠爱他们都干一些特别极端的事。但是动物也会成为我们的盘中餐，一旦动物进入了我们的盘子，它就再也不是一个可爱的小羊羔，一个可爱的小兔子了。它就是一盘肉。这时，动物的概念被抽象了，反而成为了一个功能性的物质。

从寓言到餐桌中有一系列作品可以迫使我们在饲养动物和杀害动物中做个选择。Onzon作品的主角是鸭子，因为鸭子具有的美味使它很容易成为人们的盘中餐。

她设计了两个家具，由使用者决定是否要使用它们来做鹅肝还是让这些鸭子过更舒服点的生活。

鸭子在迁徙之前都要把自己喂饱。正是这个刺激了鹅肝的产生。鸟类多吃谷物，它们的肝像一个漏斗一样变得越来越肥，知道达到一定的大小（这个器官可以膨胀到原有尺寸10倍的大小）。Onzon的作品(动力) 进食者是一个喂养鸭子的人，这个人像一个强迫喂食器，拼命地给鸭子喂食。食槽也是一个强制喂食漏斗。还有一个饮水系统可以使食物软化，从而使鸭子吃的更好。

在鹅肝的形成过程中，肝必须是无血的。一旦强制喂养过程停止，喉咙中的血液被截断，鸭子就会死去。

(血液)浴盆是一个为鸭子设计的池塘和淋浴，但是它也会变成动物的绞刑架。血液会在槽中收集起来。

如果你相信，在西部发达世界的人们不会将他们的宠物变为盘中餐，那么就去问问Marcus，这只绵羊会告诉你它的故事。

在距离设计学院展的几步远之外，我发现了Maarten Baas的“祖父的钟”。这是他真实时间的收集的一部分，这个视频的作用像一个钟表。或者可能是相反面。演员们表演了12个小时，他们画了钟表的指针来指示时间。

在我去参观Ventura Lambrate抛光区的时候我并不喜欢强调它。我在一些有关生态问题的作品前停下了脚步，这些话题都是艺术家几年前开始讨论的了。设计者仿佛已经爱上了这种设计。你或许不会再设计椅子了，可是你做关于椅子的作品。

Ventura Lambrate区的另一面具有些许“西部野生生活”的感觉，看了它你肯定不会去Tortona了。。。

一个这么荒凉的地方，当地人都没有听说过“可持续发展”，“环境保护”和“负责任”，这些说法足可以将当地照个通明亮。

我见到的每个人都问我“你看过这个Lambretto建筑吗？”

这是我看到的RCA酒店

我的图片都在flickr上。

design salone del mobile

Game Art Made in Italy | 来自意大利的游戏艺术

lady need money group — Sun, 12 Jun 2011 21:00:25 PDT

马蒂奥·毕坦迪与IOCOSE，《游戏关节炎》，2011

愉悦身心的《游戏场景·视频游戏时代的艺术》（GameScenes. Art in the Age of Videogames）一书的作者马蒂奥·毕坦迪(Matteo Bittanti)和多梅尼科·瓜兰塔(Domenico Quaranta)又开始美妙的游戏艺术之旅了。这一次，他们策划了一个展览，以展示二十余年以来一直运用游戏技术进行艺术试验的意大利艺术家的工作。该回顾展甚至可能现身被亚德里安·瑟尔比作“西尔维奥·贝卢斯科尼脑际环游”的威尼斯双年展意大利馆，展览的名称也极尽挑衅之能事，名曰“意大利人做得更好！”展览所选择的某些艺术家对很多人来说可能还很陌生，但是另外一些艺术家的作品早已走出意大利，有一些甚至在游戏艺术的世界之外开拓了自己的天空。

因为我尽量少去艺术展开幕式——这已经成了我的责任——，且因为我是北方人，难以忍受威尼斯的夏季高温，所以十月份以前不可能去观看展览并进行现场报道。但是，这个展览看上去太棒了，所以我决定先睹为快，并要求多梅尼科·瓜兰塔告诉大家在这个号称“意大利人做得更好！”的展览上能看到些什么。

爱娃·马太、弗朗科·马太 aka 0100101110101101.ORG，《我这一代》，2010

你好，多梅尼科！我们先谈一谈展览的名称吧。你可得给我好好解释一下。你怎么敢用这么个名称呢？

哈哈！要回答这个问题，我得先告诉你为什么我乐于与Matteo Bittanti共事。首先，他是我的好朋友。其次，我们有所不同。马蒂奥喜欢艺术，有时候甚至视自己为艺术家；但是，他更喜欢游戏。他最初为游戏杂志审稿，现在呢，他已经是最为炙手可热的游戏研究者之一。虽然我并不是铁杆玩家，但我喜欢游戏，不过我更喜欢艺术。我们俩都经常出国工作，也就不可避免地听到一些（关于意大利的）陈词滥调。我说的可不只是像泽西海岸这些。如果你从事游戏行业，你就知道了，意大利游戏产业薄弱，甚至不能为国内玩家提供像样的游戏，更不用说在国际上一展拳脚了。有志从事游戏业的意大利人通常都到其他国家工作去了。

斯蒂法诺·斯佩拉，《偷车大案》，2009

如果你搞艺术，你就知道，意大利整个艺术体系也很薄弱，根本无力在国际平台上为意大利艺术家提供支持。意大利缺席一些重要的国际项目早已不是什么新闻。

尽管如此，意大利人有时候也能干得不错。所谓不鸣则已，一鸣惊人。意大利每每艳惊四座，因为并非每个人都能在政治、经济以及文化的限制之下做得这么好。这也算是老生常谈了：虽然我们制度上不行，但单干还是很牛的。

谈及这次展览时，我们认识到，相对于我们脆弱的艺术体系、薄弱的游戏产业、式微的艺术学校以及意大利学术界（以及意大利媒体上）关于视频游戏远不成熟的探讨，意大利艺术家为视频游戏国际性探讨做出的贡献具有更为重大的意义。

为了把这一切展示在大家眼前，我们决定明目张胆地发出信号。我们要挑衅，要造势。若要批驳陈词滥调，就得事先想好后招。一开始，马蒂奥建议给展览取名为“意大利人技高一筹！”。后来我们还是决定不用术语而是采用平白的英语，这样每个人都很容易懂。而在展览目录里，马蒂奥里保留了这个别出心裁的名称。

这个名称似乎与很多事情都很登对：比如我们国家国际声誉的倒退，比如意大利馆在威尼斯双年展上的梦魇，比如被某人称为“地理抽象概念”的意大利的统一150年庆典，比如展览中包括马蒂奥在内的很多的艺术家现在均在国外生活与工作，比如这些艺术家中的绝大多数均憎恶这个命名。呵呵。

马可·卡蒂奥里，《沙滩》（登陆日，奥马哈海滩），2005

达米亚诺·克拉奇托，《用冷食充充电》，2006

因为看不到参展的艺术作品（只看得到艺术家的名字），所以得问问你，你办这次展览，是不是为了展示意大利视频艺术游戏范围之广，或者强调这些艺术家的共同之处？

这个展览与它的名称一样平淡无奇。我们共挑选了15个艺术家/作品，除了护照以及对作为文化形式一种的视频游戏的喜爱之外，他们确实有些共同之处。展区面积仅数个平方，所以，我们决定把展区布置得满满当当的，而不顾及作品之间的关联。有些在窃窃私语，另一些在观赏连天战火。这里更像是沙龙，或者集市摊位：我们想把“意大利游戏艺术”推销给来参观威尼斯双年展的国际友人。我们期待有更好的图像，不过眼下你可以观看我上传至Flickr的图片。

马乌罗·切奥林，《你好，我是来自利比亚的马利亚姆·穆罕默德》，2008.采用（亚当斯家族）游戏卡与1:144比例的塑料机动战士模型制作。

还有，有没有什么东西使得意大利视频艺术游戏不同于世界其他地区的艺术游戏？这次展览的新闻稿里写道：意大利人做得更好！那就要问了，“现如今，作为‘意大利’视频游戏艺术家，究竟意味着什么呢？”关于这个问题，你有什么答复么？

除去之前告诉你的那些，没有了。我都不知道作为意大利人意味着什么。对我来说，国家认同不是个固定概念。而是一个应不断探讨的抽象概念。一般由某些机关负责恢复并保护它以免遭国内外势力的攻击。有人说过这么句话：“我们创造了意大利，现在让我们创造意大利人。”如今，没有人再这么做了。我们牝鸡司晨，声称意大利艺术家为某个文化领域做出了贡献，做了意大利文化机构应该做的事。但是，我们这些越俎代庖的自由策展者，没有这类机构那套花言巧语，我们有的只是对某个有名无实的机构的嘲讽。

参展的所有艺术家均为意大利人纯属偶然。他们中很多人并不生活在意大利。他们没有组成团体，也不是从学校学来了他们现在在做的事情。他们只是对视频游戏有公共爱好。他们甚至不能被称为“游戏艺术家”。就算“游戏艺术”勉强说得通（我不确定），“游戏艺术家”也没有任何意义。不是身份问题，而是文化爱好和偶尔采用的手段的问题。除去个别例外，这些艺术家对游戏的兴趣，仅仅是对媒体更广泛的兴趣的一部分。Carlo Zanni曾于2004年制作了一个非常精彩的在线游戏，而Antonio Riello更是在1977年便制作了史上第一个艺术游戏。这些足够将其列为游戏艺术家了么？

卡罗·扎尼，Average Shoveler，2004年至今

Neoludica是第54届国际艺术展—威尼斯双年展的并行活动之一。你觉得会不会有这么一天，某游戏艺术家被选为某国（意大利？或许吧）在国家馆的代表？我们离这一天还有多远呢？

这个么，Cory Arcangel正在惠特尼美国艺术博物馆举行一场重要的个人秀。他或许很合适，不过他也不是游戏艺术家。

更严重的是，艺术机构都掌握在老年人手里，他们依然视视频游戏为青少年娱乐项目。视频游戏的文化影响力依然得不到上流文化的广泛认可。但这只是时间问题。比尔·维约拉 (Bill Viola) 最近制作了一个视频游戏。斯密森尼博物馆正在筹办一场令人印象深刻的视频游戏展。Neoludica也在试图加快这一进程，并把人们聚集起来，且为危险关系铺路，等等。

达米亚尼·克拉奇托，《C盘厨师》，2009

这次展览是Neoludica的第一届。你能不能谈一谈Neoludica？比如，“意大利人做得更好！”是不是一个更大的活动的一部分？这个组织由谁运作？

“意大利人做得更好！”挑选的是看重视频游戏的社会文化影响且有时把游戏用作艺术手段的当代艺术家。它是Neoludica的一部分，而Neoludica则是一个更大的项目，旨在在更广泛的意义上探索“艺术”与“视频游戏”之间的关系。视频游戏可不可以被视为艺术而不仅仅是娱乐？这个多媒体艺术形式里聚集了多少创造性活动？视频艺术能否改变我们对艺术宽泛的理解？如此种种，均是Neoludica试图提出的问题。

在幕后运作的是狄波拉·法拉利，他是Musea（该协会共同策划了本次展览）的创始人之一，两年前在Valle d’Aosta举办了一场名为“游戏艺术”的盛大的概念艺术秀。那次展览将很多东西结合在一起，从当代艺术到概念设计，从商业视频游戏到独立制作的游戏（很好地推介了《故事中的故事》）。

就我个人而言，对这种不同艺术领域与观念的叠加，我既恐惧又兴奋。一方面，我竭尽全力做好守门人，为（各个艺术领域和观念）指定位置，以使“意大利人做得更好！”与其它事物隔离开来；另一方面，我觉得我们在某种程度上需要这样一个更大的平台。我确信，将商业视频游戏、手工艺和当代艺术搅合在一起，根本不会赢得威尼斯双年展观众青睐。不过，我对这样一种交流将如何推动这些艺术形式未来的发展很感兴趣。

弗雷德里科·索勒米，《傻逼城》，2010

有没有一些应该留意的新近出现的视频游戏艺术家？不管是不是意大利的。

我告诉你一些吧。圣拉乔奈是米兰一家小游戏厂。他们在“意大利人做得更好！”上展出了他们不懈努力的成果，Fotonica（2011）。这是个关于跳跃、旅行与发现的第一人称游戏。你不会赢也不会输，只是不断地探索一个由抽象绘画和早期3D视频游戏激发的光线构成的形而上学的空间。这个游戏在展览开幕前几天就发布了，我喜欢在展览时玩。

圣拉乔奈，Fotonica#0，2011

另一件作品来得太迟了。是我在米兰学院时的学生乔万尼·弗雷迪的作品。他去了两个名称相仿但性质截然相反的地方，在那里他画下了玩视频游戏的人。第一个地方是民主刚果的首都金沙萨。那里的男孩子玩的主要是Playstation上装的足球游戏，他们聚集在自建的街机室里，把捡来的电视机显示器偷偷接上路灯的电线玩游戏。另一个地方是日本的秋叶原，也被称作秋叶原电子城，是东京主要的电子、电脑、动画和御宅族产品集散地。在那里，人们仿佛走在属于自己的泡泡里，随时随地地玩着任天堂。乔万尼跟踪并画下这些人，然后制作了两个精美的小册子，里面描绘了玩视频游戏的两种不同方式。当然，是21世纪的玩游戏方式。这个作品叫作《金沙萨vs秋叶原》（2011）。我看到它的时候就把它交给了马蒂奥，他随后进行了下面这个采访并发表在他在wired.it上的博客。

乔万尼·弗雷迪，《金沙萨vs秋叶原》

如果我所料不错，米尔托斯·马奈塔斯是希腊人？

米尔托斯·马奈塔斯是个网民。他生于希腊，在意大利求学期间开始迷上视频游戏。随后他去了美国，网络成为了他最大的爱好。然后他又搬到了伦敦，最后回到意大利。现在他住在罗马。我们最近在LINK出版社出版的一本书里面收入了对他的一次采访。他在那次采访时说：“我不属于任何国家。我既是希腊人也是意大利人，既是美国人也是英国人，不过，最重要的是，我是网民。（网际是既存在于网络上又存在于网络所能影响到的地域上的不动产。）”

米尔托斯·马奈塔斯，《无题》（拉拉·克劳夫特），1998

谢谢，多梅尼科！

VJ Visualoop，“意大利人做得更好—威尼斯双年展”，官方预告片，45分钟，2011

“意大利人做得更好!”展览由马蒂奥·毕坦迪和多梅尼科·瓜兰塔共同策划，是2011威尼斯艺术双年展之“NEOLUDICA项目—艺术即游戏 2011-1966”的一部分，该展览在威尼斯圣十字街131号 Croce, 131Laneri厅举行，至2011年9月27日止。

多梅尼科·瓜兰塔频道前情：播放列表—玩游戏，音乐，艺术，播放列表，不（只）是怀旧，播放列表—物理维度，小卖部，后数字时代的手工艺品，ARCO—膨胀的盒子及ARCO响铃新媒体奖。

(Playlist – Playing Games, Music, Art, Playlist, it’s not (just) about nostalgia, Playlist – the physical dimension, KIOSK. Artifacts of a Post-Digital Age, ARCO – Expanded Box and ARCO Beep New Media Art Award).

无形连接，《游戏结束》，2009

感谢someones的精彩翻译。

events games venice biennale

Out of Place at Tate Modern | 泰特美术馆展览“不得其所”

allymfm — Tue, 31 May 2011 06:22:20 PDT

Level 2画廊是一个小型展览空间，它令我一直回想起伦敦泰特当代美术馆。画廊入口藏在泰特美术馆的一个入口旁，如果你不知道，当你从商店往千年桥走的时候，一不小心你就会错过它。

该画廊目前正在展出Out of Place（不得其所），参展的四位艺术家通过关注城市空间、建筑结构和迁移状态，以探讨政治力量与个人/集体历史之间的关系。

每位艺术家都有吸引人的独特之处，但我只集中介绍其中两位：

Hrair Sarkissian, Untitled (In Between series), 2007

Hrair Sarkissian’s large prints from the In Between series grab the visitor’s attention as soon as they enter the main exhibition room. Sarkissian is a Syrian artist of Armenian origin. He learnt of Armenia through family stories of a great and proud ‘Mother Armenia’. But once he actually visited this former republic of the Soviet Union, the artist found it hard to reconcile the ideals of the Armenian diaspora with the landscapes and situations he encountered.

Hrair Sarkissian的In Between（两者之间）系列中那些大型作品在观众进入主展厅时立即吸引住了他们的注意。Sarkissian是拥有亚美尼亚裔的叙利亚艺术家。他通过伟大而自豪的“亚美尼亚母亲”的家族故事来了解亚美尼亚。但实际上，他曾到过这个前苏联共和国一次，并发现他很难将他看到的景象及状况跟想象中的亚美尼亚侨民联系起来。

Hrair Sarkissian, Untitled (In Between series), 2007

他的摄影作品展示了被遗弃在亚美尼亚农村宁静的丘陵和山谷中的那些朴素的苏维埃风格建筑。

正如Kasia Redzisz为该展览写的短文中所道：“他的亲戚们不相吻合的记忆，和苏维埃帝国废墟的实际环境令他陷入深深的迷惑中。在他的“In Between 2007”系列中，Sarkissian把遭到遗弃的纪念性建筑和史诗般永恒的风景并置。这种对比让人思考民族或文化认同得以构建的依据。”

Ahlam Shibli则呈现了截然不同的主题。

Ahlam Shibli, Untitled (Goter no. 19), Tel as-Sab’a, al-Naqab, Palestine, 2002-03

Ahlam Shibli, Untitled (Goter no. 31), Umm Mitnan, al-Naqab, Palestine, 2002-03

她的Goter系列着眼于那些血统源自al-Naqab（内盖夫）的贝都因人在巴勒斯坦的生活。本地居民认为，“goter”这个词从“go there（去那里）”派生而来，这是英国士兵在殖民统治时期（1920-1948）经常对贝都因人喊出的命令。

Shibli的照片有些在小镇拍摄，这些小镇由以色列政府建造，用以安置流离失所的巴勒斯坦人。另一些照片则拍摄于unrecognised villages（不被承认的村庄），那里住着拒绝被迁移、管制并驱逐出自己国土的人们。

摄影师在作品解说中表示：“内盖夫剩下的那部分巴基斯坦-贝都因人至今仍拒绝搬到这些小镇，以避免失去他们的土地，也不想遭受文化上被敌视、社会地位低下的生存环境。他们住在100多个不被承认的村庄里，在那里，犹太国家法禁止他们建造永久性建筑，房屋定期被拆除，被当局认定为违法的农田被喷上有毒化学剂，一个个家庭被逐出家园，公众没有权利享用电力、自来水，以及保健、卫生设施与小学以上教育等公共服务。”

Ahlam Shibli, Untitled (Goter no. 24), al-Huzaiyil, al-Naqab, Palestine, 2002-03

Ahlam Shibli, Untitled (Goter no. 16), ‘Amra, al-Naqab, Palestine, 2002-03

以色列政府花了很长时间来推动贝都因人的定居化。1963年，摩西达扬说：

“我们应该将贝都因人改造为城市的无产阶级，使他们参与进工业、服务业、建筑业和农业。88%的以色列人不是农民，就让贝都因人变得像他们一样。这真的会成为一场颠覆性行动，这意味着贝都因人将不再生活在他们的土地上与牧群为伴，变成下午下班回家并换上拖鞋的城市居民。他的孩子们将习惯于面对一个穿着裤子而没有匕首，也不会在公众场合抓虱子的父亲。他们会去上学，他们的头发被梳得丝丝分明。这会是一场变革，但通过两代人的努力便可以很好地实现。”

摩西达扬补充说：“不用强迫，只需政府指引……贝都因人将会消失。”

Ahlam Shibli, Untitled (The Valley no. 15), Arab al-Shibli, Palestine, 2007-8

Ahlam Shibli, Untitled (The Valley no. 18), Arab al-Shibli, Palestine, 2007-8

Shibli正在Gallery 2（2号画廊）展出另一摄影系列The Valley（山谷），探究了阿拉伯al-Shibli村的现状，在村子里，受以色列管辖的巴勒斯坦人正面临着被驱赶出自己的土地。

如果你想知道更多贝都因人的历史和现状，去读一下《Unrecognized》（不被承认）。Nirah Elyza Shirazipour写的这篇文章编录了贝都因人在内盖夫最近60年的生活。

un-titled magazine刊登了来自Goter摄影系列的一组照片。

Out of Place的策展人是Kasia Redzisz和Ala’ Younis，展览在泰特当代艺术馆的Level 2画廊中举行，一直展到2011年4月17日。

Level 2画廊往期展览：The worst condition is to pass under a sword which is not one’s own

architecture art in london photography politics

Distress and other photo shows in Paris | “悲痛”展及其它巴黎摄影展

allymfm — Tue, 31 May 2011 01:52:16 PDT

这个周末我在巴黎看了几个摄影展，在这里简单介绍一下：

Stéphane Duroy的摄影展Distress（悲痛），在in camera画廊举办，是我在巴黎看到过的最感人的展览！

这名法国摄影师主要以黑白照片记录了处于撒切尔主义时期的英国的城市景观及社会现象。

Bradford, 1981

Newbiggin-bye-the-Sea, England, 1992

1992?!

London East End, 1983

Stéphane Duroy, Liverpool, England, 1983

Dublin, 1980

London East End, 1983

天哪我太爱这家伙的作品了！

Liverpool, 1983

更多作品：La lettre de la photographie

今年一月，Martin Parr受Institut des Cultures d’Islam（伊斯兰文化研究所）之邀，花了4天在古得多街区拍照，那是巴黎一个以“小非洲”著称的地区，因为那里住了许多非洲人和阿拉伯人。

Eric, charcutier au ‘Cochon d’Or’

该展览在议会举办，探讨了“政教分离”（或说世俗主义）这个具有争议性的论题，而就在一个星期前，这个国家开始明例禁止在公共场所使用遮盖全脸的面纱。该研究所所长Véronique Rieffel这样评论Parr在这个街区完成的作品：“他的关注点与众不同。第一次有人用温柔与同情的态度为他们说好话；对我们来说有一点非常重要，那就是让他们先于其他人看到这些照片，这样他们才不至于感到惊讶。这些影像是经他们本人同意展出的，而不是像平时那样偷拍得来的。”

Dog reception, in a hotel of the neighbourhood, 2011

View of the exhibition space

古得多街区（La Goutte d’Or）只有两座清真寺。每逢周五，众多伊斯兰教信徒聚在一起进行祷告，由于人数太多，他们不得不把他们的祈祷席挪到祷告堂以外的地方。因此，那里的街道每到周五必有一个小时得确保没有交通堵塞。

Prayer rue Polonceau, a Friday, 2011

Praying Muslims, exotic products?

The Goutte d’Or! is at the Institut des Cultures d’Islam, Paris, until July 2, 2011.

“Goutte d’Or！”展览在巴黎伊斯兰文化研究所展出，开到2011年7月2日。

远离古得多街区的Frank Elbaz画廊正在展示火车浪人、搭便车旅行者、露宿者、远征者和流浪汉的生活。Jane Kurland带着她的儿子在公路上花了九个月来研究美国的流浪亚文化。

Spare some Gaz, 2010

Lava Beds National Monuments, 2010

Nova SS, 2011

Justine Kurland的展览“He sleeps where He Falls（在哪躺下就在哪睡觉）”在巴黎Frank Elbaz画廊展出，一直到2011年5月4日结束。

art in Paris photography vintage

Burke + Norfolk: Photographs From The War In Afghanistan | Burke与Norfolk联展：阿富汗战争摄影系列

allymfm — Mon, 23 May 2011 09:00:29 PDT

恐怕我还得回顾又一个摄影展！我知道摄影并不是这个网站最受欢迎的主题，但出于某种原因，伦敦这个星期似乎全被摄影展占据了。

我刚看完Burke + Norfolk: Photographs From The War In Afghanistan（阿富汗战争摄影系列）回来，这个展览已经开幕几天了，藏在泰特美术馆最隐秘的展览空间：Level 2画廊。

由海运集装箱做成的房子，位于喀布尔郊区，这里聚集了一班负责在混凝土中加入防爆墙材料的工人。（版权归Simon Norfolk所有）

赫拉特城里一座以结婚蛋糕花纹装饰而成的建筑，这在阿富汗越来越普遍，受曾经呆过海湾国家或巴基斯坦的难民启发。（版权归Simon Norfolk所有）

一间手机充电站摇摇欲坠地坐落在喀布尔Markaz Quwayi地区的无人废墟上。（版权归Simon Norfolk所有）

守卫喀布尔市中心外国大使馆所在街道的哨站。（版权归Simon Norfolk所有）

阿富汗警队，正在赫尔曼德省海军陆战队营地接受来自美国海军的射击训练。（版权归Simon Norfolk所有）

Jangalak公司的旧址如今已成为废旧金属的大堆场。（版权归Simon Norfolk所有）

Kohe Asmai一侧的穆斯林什叶派墓地。（版权归Simon Norfolk所有）

从巴拉迪拜塔俯瞰喀布尔市中心。（版权归Simon Norfolk所有）

北约与塔利班之战的难民，位于楠格哈尔省，靠近巴基斯坦边境。（版权归Simon Norfolk所有）

携有作战摄像装备的媒体战斗队，位于赫尔曼德的巴斯营地。（版权归Simon Norfolk所有）

哈兹体育场背后的喀布尔Old Mikrorayon公园。（版权归Simon Norfolk所有）

某种物流业务在贾拉拉巴德公路沿线繁生，外国军队和国际非政府组织能在那里获得补给品。（版权归Simon Norfolk所有）

喀布尔里一个小型非政府组织入口处的警卫关卡。（版权归Simon Norfolk所有）

喀布尔市内公交车维修站紧挨着一家餐厅。（版权归Simon Norfolk所有）

亲塔利班的难民。（版权归Simon Norfolk所有）

刚重建好的Ikhtiaruddin城堡的警卫亭，位于赫拉特。（版权归Simon Norfolk所有）

2001年Simon Norfolk第一次去阿富汗，当时美国开始轰炸这个国家，以此拉开所谓持久自由行动的序幕。回来的同时他完成了摄影系列——Afghanistan: Chronotopia: Landscapes of the Destruction of Afghanistan（阿富汗：Chronotopia：阿富汗的毁灭景象）。几年后，布拉德福德国家媒体博物馆的人向他展示了十九世纪的英国摄影师John Burke的照片。Burke被视为1878-1880年第二次英阿战争期间跟随入侵英军进入阿富汗进行拍摄的第一人。Burke这组壮观的黑白照片令Norfolk产生追随这位维多利亚摄影师足迹的欲望。

2010年10月，Norfolk飞回阿富汗拍摄新一辑以当代冲突为背景的照片，以此对应Burke拍摄的阿富汗战争景象。在泰特美术馆放映的17分钟视频中Norfolk解释说，虽然Burke和他正在进行跨时间的合作（130年！），但他们的切入角度完全不同。尽管Burke没有颂扬这段历史，但他毕竟是不列颠帝国的一份子。Norfolk则是一名自由人，其目的在于表明：历史正在重演。他希望他的照片将传达出他对阿富汗局势的失望，在那里成千上万的人已经死去！Norfolk认为这场战争揭示了帝国主义的凶残。

新的摄影系列与Burke的原作在画廊中联合展出。

地主和劳工，John Burke

John Burke，俘获的大炮，1978

John Burke，从Shergai高地眺望阿里清真寺

John Burke，军官。阿富汗国王的第51团，位于苏丹塔拉边境

John Burke，塔希尔可汗Mahomed，加兹尼可汗Aslam

Burke + Norfolk: Photographs From The War In Afghanistan 仍于伦敦泰特当代美术馆Level 2 画廊展出中，一直到2011年6月10日。

activism art in london photography

Venice Biennale: Nathalie Djurberg 威尼斯双年展

lady need money group — Fri, 20 May 2011 09:00:10 PDT

Nathalie Djurberg看起来像个搪瓷娃娃。她制作糖果色彩的橡皮泥娃娃。这些娃娃过着花天酒地的放荡生活，相互折磨，忍受着怪异虐待的人际关系。有时候他们也享受乐趣，不过那是总和诸如，一只老虎舔一个少女的下身或一个父亲最终被自己的亲生女儿杀死之类的事情相关。Djurberg作为双年展上最杰出的年轻艺术家获得银狮奖，是威尼斯的新星。我曾三次去看过她的视频装置艺术，每次去展厅那里都挤满了人。大家不是对着她的动画赞叹不绝就是给她的硕大的雕刻花疯狂拍照，好像没她就不能活了一样。不过，我的表现和大家也没什么不同。

Experimentet是一组装置艺术，它从地域中创造出了伊甸园。这是一个长满令人毛骨悚然的花的花园。它们是那样的大，相比之下游人显得那么小，它们的形状和颜色简直令人作呕。她从没让这个花园明亮过，花园在Padiglione delle Esposizioni（双年展绿园城堡（Giardini）中的前意大利国家馆）的地下室里，时间仿佛总是被设定在黄昏或黎明的昼夜交界之时。

Nathalie Djurberg, Experimentet, 2009. Photo Giorgio Zucchiatti. Courtesy La Biennale di Venezia

由Hans Berg作曲的音乐也增加了那种令人不舒服的氛围。屏幕上播放的是3个残忍色情的单格动画。

其中一个讲述了一个人偶不断与自己的四肢搏斗；另一个讲的是一个人偶不惜采用任何残忍手段逃离一个充满敌意的森林；最后一个是很多不同人偶间进行的性前爱抚，有的人偶还是天主教教士。人偶间色情亵渎的故事只是为了突出那些权利与服从的变态游戏的手段罢了。

Image from Halvor Bodin’s flickr page

正如双年展的展品名录上介绍的：通过这些一分钟一分钟连接其来的单格拍制动画，Djurberg把社会中对与错的观念玩弄掌上，将人类内在的对未知的恐惧暴露无疑，同时也勾勒出我们面对这些情感时的复杂心情。

Video of the installation. Designboom has more images.

art Venice Biennale 2009 video

The Blessing of the Hippopotamus 河马的祝福

lady need money group — Wed, 11 May 2011 23:37:52 PDT

如果你很不幸在Holy Shroud mayhem期间在都灵的话，我很同情你，但是建议你去看Gallery Guido Costa Projects。

正在进行的展览河马的祝福让我发现了神奇的Reverend Ethan Acres。这个画家最初像他的爸爸和祖父一样，是个福音书的讲道者。他出生在亚拉巴马州，圣经地带中的珠宝，那里非宗教人数不超过6%，教士主持婚礼，为死去的宠物举行最末之礼，每周日他在拉斯维加斯著名的弗里蒙特街布道，他几年前搬到了那里。

Reverend Ethan Acres把“让正统派基督教重有乐趣”作为自己的使命。他比一个电视布道者更有活力，比一个免下车礼拜更有魅力，比福音书有氧讲师更有活力。Reverend用艺术来陪伴他的说道，全面的讲述福音书的意义，把它和神圣艺术的古老的传统连接起来。上世纪90年代他曾把一个露营车拖车变成了一个移动的维加斯风格的教堂，他把它叫做”高速公路小礼拜堂。”

在他的画里，数码印刷，装置雕塑，录像带和表演里，基督教信仰和芭芭瑞拉，天线宝宝，摇滚，金属乐队Kiss和波普艺术（20世纪60年代的一种艺术风格, 以大众文化和大众传播媒介, 如以广告﹑ 连环漫画等为基础发展而成）结合在一起。他艺术作品的收益为他的Church of the Holy Fool 提供了经济支援。

在都灵艺术画廊开展的河马的祝福是一个以讲道为形式的对T. S. Eliot1917年著名的诗歌河马的解释。T. S. Eliot的河马“鲜活而有血性”，和“从不停止收取红利的”“教堂”相比，它虚弱而笨拙。

这个展览由一系列的艺术品和在都灵时Reverend给这次表演的文件构成。在3月4号晚上，他盛装打扮，出现并表达了他对上帝的爱，讲了他初恋的故事。当他第一次恋爱的时候他还是个少年。他身材瘦小，头发长长的，那个女孩死于癌症。他讲了怎样在女孩最后几周化疗时陪伴着她，和她一起遛狗，叩门向她求婚，在她去世的时候亲吻在她的额头。在他讲道的时候，他脱掉了衣服，只留下了一件小小的粉色的皮带（有挂锁装饰）和一副护膝，戴上了一个河马的面具。他把自己浸在装满污水的儿童用充气游泳池。他就是河马，沉浸在污泥的生活里。在小小的充气盆里洗完之后，他站在画廊的门口，在前额画了一个浑浊的十字架，“以河马的名义”保佑参观者。

在画廊里展出的作品中有一个提及了正在镇子上展览的Shroud of Turin。Reverend把它放进了一个Elvis Sweatcloth的框里。在音乐会上，Elvis会带着他的许多的围巾中的一条，把它围在脖子上几秒钟，让它沾上汗水，然后把它抛向观众。他在表演时会做几次这样的动作。为什么是Elvis？因为国王死前毒的最后一本书是Frank Adams写的The Scientific Search For The Face Of Jesus。听说这个证明了都灵寿衣的可信性，他求证了这个，据说这个寿衣是耶稣的裹尸布。

Reverend Ethan Acres讲道的录像

河马的祝福在都灵Guido Costa Projects 开展。

art in Turin and Milan

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