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Craftwerk 2.0: New Household Tactics for the Popular Crafts 手工艺品2.0：流行工艺品的新家居策略

guohaoyun — Fri, 09 Jul 2010 22:25:39 PDT

手工艺品2.0：流行工艺品的新家居策略展览，由克拉拉·艾维克及奥托·冯·博世联合策展，地点位于瑞典延雪平县博物馆，时间截至2010年三月21日。

Image by Cross-stitch ninja a.k.a. Maria Halvarson

我打算走出舒适地带，写一下我未曾参观的一个展览。尽管尚未参观，但我还是认为这贴子是合宜的，因为：1，谁都不会想到我会到延雪平来报道这次展览或其它与此相关的展览；2. 这些手工艺品代表了天才的瑞典人（还有非瑞典人）艺术家和手工艺者的杰出成就，尽管这些人与我素昧平生。

展示的手工艺品，不管它们是源自行动主义，是与纺织业的技术进步相关，还是可以在Etsy上任意买到的东西，都是对当今社会的经济性、耐用性、持续性概念的挑战，同时也是对大众对艺术和设计的走向预期的挑战。有趣的是，展览的主题采用了亚历山大·多默，20世纪二十年代汉诺威博物馆馆长，对于现代博物馆的艺术理念。多默把艺术展定义为一个发电站，一个包容其它领域和学科、并连接艺术和社会的活力的发电站。这也正是在延雪平县博物馆开办工作坊、讲座和工艺品展览想要达到的目的。

Elizaveta Kameleon Yankelovic's necklace

手工艺品2.0的插图：流行工艺品的新家居策略

在过去的十年间，在年轻一代的手工艺者中有这样一种趋势，他们希望手工艺品能够表达人们的政治意念，并且能够借助互联网的联合力量发扬光大。纺织工艺品从单纯的个人爱好已经走向大众化，工艺、技术、工具在使用者之间相互分享，就像我们在因特网中看到的脸谱（Facebook）和维基百科一样。

手工艺品2.0探索了“更新的”纺织工艺品，这些工艺品由新一代的严谨的业余爱好者、创新手工艺者、有兴趣的企业家和政界人士创作。在这里，家再一次成为了经济和生态创新的发祥地。发明创造不再仅局限于实验室。历经几十年的外流，新的生产形式传到了门外汉手里。

下面我想谈谈我在展览中所接触的一些作品和艺术家。

Ulrika Erdes, Public Embroidery

尤瑞卡·恩斯将图案绣在汽车坐垫上，她以这种方式为纺织工艺品争取公共空间，并在这个冷漠的实用主义和男性的社会为女性争得了代言权。你今天就可以拿着她的十字绣作品乘公交车。

Åsa Ståhl and Kristina Lindstöm, Stitching Together. Photo by Otto Von Busch at the Malmö Festival 2009

爱莎·史坦尔和克里斯蒂娜·林德斯多姆用来缝制的机器是一个经改装的数字缝纫机。人们在这台缝纫机中编好程序，然后就可以自动地绣花了。

哈迪格·史罗曼的“莎啦啦啦”是一个球迷围巾混纺机。通过使用接口混纺软件，球迷就可以用现成围巾上的装饰来制作个性的针织球迷围巾了。还有，看似不起眼的球迷围巾本身就成为了一个社交媒介。哈迪格创造了一种特别的球迷围巾文化，尤其是对展览中的工作坊，它们采用了当地备受追捧的球队的标识。

Lisa Anne Auerbach, Body Count Mittens

在“生命诚可贵”这幅独指手套的第一只上有一个数字，1524，这是美军2005年5月23日在伊拉克战场上的伤亡人数。从那天开始，丽萨·安娜·奥尼巴赫就开始织这副手套。8天后，她开始织另一只，那时伤亡人数已经跃升至1533。而现在，这个数字更大了。

Zoe Sheehan, Shopdropping. Faded Glory Ruched Shoulder Tank (China Red), 2003. Left: purchased item - Right: photograph of duplicate

佐伊·席汉花几美元从沃尔玛买了一件衣服，然后找了合适的图案、面料和装饰品，自己亲手仿制了一件。做成之后，她把原来那件衣服上的花样缝到仿制品上，再转手倒卖给沃尔玛按原价待售。

Cross stitch ninja, Homes for all

2008年，瑞典有很多人占据了政府公地，来抗议住房不足，尤其是在大城市中。“十字绣——忍者”，又称作玛莉亚·哈瓦森（著名的网上集体作品“激进十字绣”的一部分）决定以一篇关于这些抗议的报道的照片为素材，创作一幅十字绣。横幅上的文字是“所有人的家”。

Photo credit Göran Sandstedt

手工艺品2.0：流行工艺品的新家居策略展将持续到三月21日，地点是瑞典延雪平县博物馆。

相关展览：德黑多·哈维修的“编织艺术、设计和大众创造力的丝线，刺绣的极端及手工艺协会的编织狂想展。

此外，还有：时尚，改革者和时尚设计，超模摩萨访谈（微型革命）；奥托·冯·博世访谈；书评：编织：现状和新趋势

Erin Dollar, I Made You a Beard (you can get yours over here)

原文OriginalText

The Art of Fashion: Installing Allusions (Part 2) 时装艺术：装置暗示

lady need money group — Fri, 09 Jul 2010 22:20:52 PDT

“时装艺术：装置暗示”展览探索了时装设计师们最大胆的实验和当代艺术之间的交集。25个国际艺术家和服装设计师参加了这个展览。其中5个专门为此此旨在探索艺术与时装的交集的展览设计了作品。

Walter Van Beirendonck, from the ‘eXplicit’ collection. Photo: Ronald Stoops

我先从我最喜欢的服装设计师Walter van Beirendonck讲起。他来自安特卫普，他经常用昆虫、小丑或超大的星星装饰服装。唉，他不太为女性设计服装。除了去年他做了一个纸质连衣裙，上面印满阳具、星星、各种颜色还有一张艺术家自己骑着一只熊的裸照。我立即买了一件。那时，Robin Williams也弄了件van Beirendonck的长袍。我确信如果有更多人穿他设计的服装这个世界一定会更加快乐。看看这件妙不可言的“终于有了胸毛”的长恤吧。怎么样诱惑难当吧？

Walter Van Beirendonck, Finally Chesthair, 1997

有时艺术家会让和他一样健壮留着胡子的男子穿着他的服装走T台。

Photo: Capri Trendwatching Festival 2009

尽管我很崇拜他的作品，但他为展览设计的石棺的确没能给人留下太多印象。

Walter Van Beirendonck, 2357-The Sequel, 2009. Photo Hans Wilschut

Van Beirendonck 制作了这个极其时尚的祭台，它将在2357年放置他的石棺。祭台装饰着愉快的星星和一个心花怒放的太阳，还有设计者骑着熊的塑像以及各处竖立着的阳具。这只是这个祭台的表面，它告诉我们表面往往代表一切。

Naomi Filmer, Finished piece: ‘Orchid Neck Piece’ （兰花颈饰）for Anne Valerie Hash S/S 2009 Couture collection

Naomi Filmer, Chocolate Mask（巧克力面具）, For Another Magazine 2001. Photo: Richard
Burbridge

珠宝设计师Naomi Filmer 对装饰人体上不受人重视的部位很感兴趣。他的雕塑作品“呼吸的体积”就关注了由嘴、下巴、脖子所构成的空间。她按照自己的轮廓做出模型，一个是她吸气时的样子，另一个是她呼气时的。所得到的不能算是珠宝而是一种与参观者建立直接联系的塑像。

Naomi Filmer, Breathing Volume（呼吸的体积）, 2009. Photo Hans Wilschut

（看看她的视频采访）

Christophe Coppens 的创作角度与之有所相似。这位比利时艺术间经常设计可爱的帽子和精致的手套。他的作品“无可参考”关注了33个在时尚界人体不受重视的部位。这个装饰品作品集没有任何相关的前人创作资料作为参考。每一件装饰品的设计都从人体部位的形状出发，不牵扯艺术、历史、设计、时装的任何背景。

很多作品都是绑在身体上的，有的看起来有点古怪，可能有点不实用，不过非常有诗意、很优雅。

Christophe Coppens, No References（无参考）, 2008. Photo Hans Wilschut

Hussein Chalayan的作品不完全是缝制的，他很喜欢把材料作为叙事抒情的媒介。我想我应该不需要向大家介绍Chalayan了对吧？

Remote Control Dress（遥控裙子）, 1999. Hussein Chalayan

Hussein Chalayan, Finale Foam Dresses（泡沫裙）, collection Inertia, Spring/summer 2009. Photo Chris Moore, Courtesy Hussein Chalayan

Hussein Chalayan, Mechanical dress made of silk and cotton from Airborne（真丝和棉为材质的力学裙）, 2007. Courtesy Museum Boijmans Van Beuningen

在他的项目“微观地理：一个交叉学科”中，他把一个可旋转的模特放在一个水箱中，周围是水，泥土和空气。相机拍下了模特的每一个动作，这些图像可以在旁边的显示屏中看到。这个装置想要创造一种胶质的空间、消除距离感。

Hussein Chalayan, Micro Geography: a Cross Section,（微观地理：一个交叉学科） 2009. Photo Hans Wilschut

Anna-Nicole Ziesche并没设计什么面向市场的衣服。她曾经这样描述自己定位：制作电影的服装设计师。现在她更喜欢把自己称作“艺术家”，她制作的电影将设计转化为视觉。

在为尼根博物馆专门设计的电影中，她以设计为渠道追忆失落的记忆，并反映出记忆对人的塑造。她精确仿制了她童年时期的卧室，其中人物穿着使人充满联想的色彩和图案的连衣裤，这是她儿童时自己编织的。连衣裤看起来做的很粗糙。它实际上有两个连衣裤组成，一个可以当做裤子穿。完全颠倒，就像视频中的世界。

Anna-Nicole Ziesche, Childhood Storage（童年贮藏）, 2009

Ziesche在视频中解释自己的作品。

时装艺术：装置暗示将会在鹿特丹尼根博物馆展出至2010年1月10日.

这个展览的 flickr 图片集 .

other reports wearable

The Art of Fashion: Installing Allusions (Part 1) 时装艺术：装置暗示

lady need money group — Fri, 09 Jul 2010 22:20:00 PDT

我越来越喜欢探索艺术与其它创造性领域的分界线了：设计、建筑、手工艺等等。最近在鹿特丹的布尼根博物馆进行的一个展览就研究了艺术与时装的距离有多近。

Walter Van Beirendonck, from the ‘eXplicit’ collection. Photo: Ronald Stoops

过去我一想到布尼根我就会相当Paul McCarthy的手中挥舞着“屁眼插”的巨大的圣诞老人。它最初是由鹿特丹市政府购得并安置在公共空间的。但是市民们对在他们的城市广场上竖一个六米高还在炫耀一个性玩具的圣诞老人像的想法一点不感兴趣。对此的争论接踵而来，最后这个雕塑被放到了博物馆庭院中半隔离了起来。去年，这个性感圣诞老人终于搬去了在城市正中的Eendrachtsplein。

Paul McCarthy, 举着“屁眼插”的圣诞老人

不说布尼根博物馆院子里的圣诞老人了，说说和McCarthy的圣诞老人一样让人陌生的电话亭吧！

博物馆内部更加精彩。看看 Wieki Somers工作室设计的旋转木马衣帽架，它能让参观者放心的挂他们的外套和包。

这正是适合我们说说这个展览“ 时装艺术：装置暗示”。“时尚的艺术”展并不是Cattelan照几张照片好像他是个时尚摄影师，也不是时装设计师拍几张快照好像他们是艺术家。它比这些深刻的多。现在，时装设计师知道如何办一个时装展：他们使用装置、表演，这已成为他们工作的一部分，有时他们前卫的设计更像是雕塑而不是人们确实会（想）穿的衣服。

展览一瞥. 摄影 Hans Wilschut

有些艺术评论家辩论说时装设计师可能算得上创新但是这并不能说明他们是艺术家。我不清楚这两个学科之间的界限是否有应该总这样严密分割开。同艺术一样、时装也是个人情感表达的平台，它也有唤醒幻想世界的力量，它也能反映我们所生活的世界。同时装一样，一项形式的当代艺术（不过还好只是一部分）更多的是关于如何看起来前卫有趣，让大众赞赏钦佩，有市场，而不是唤起你的学术智力背景和挑战你的信仰。

Viktor & Rolf, 时装展上的服装, 2007/8夏/秋, 中心博物馆,借自H+F 藏品. 摄影: Peter Stigter, 模特: Maryna Linchuk

我得承认展览上的有些展品让我有些害怕（哦！那瓶藏在黑屋子里的香水！）并且这个展览的设计也有些不足，令人失望，不过展览上还是有很多有才华及值得一看的作品，这人我还是很乐意呆着那里的。

Christophe Coppens, 鹿斗篷, “做你的梦”作品集, 2005年冬. 摄影 Marc Tops

“时装的艺术”展出了25个国际艺术家和时装设计师德作品。并且H+F时装基金会还邀请来了设计师Viktor&Rolf, Naomi Filmer, Hussein Chalayan, Anna-Nicole Ziesche 及Walter Van Beirendonck来为展览设计全新的作品。我发现我今天写的有点多了，我将在下面贴几张我在展览上看到的作品的有趣的照片，明天再来继续这个工作吧。

Charlie Le Mindu是个发型师，他的确知道如何把头发变成时装和织物。

Charlie Le Mindu, 羊头勒克斯, 2009

Charlie Le Mindu, 红墙, F/W 2009-2010

BLESS, 毛皮假发, 1996

Nick Cave, 声装, 2009

Dai Rees, 甲克 2,3,4, 2006. 摄影 Gavin Fernandes

Jana Sterbak, 遥控 I, 1989. Photo Freddy Le Saux

未完待续…

时装艺术：装置暗示将在鹿特丹布尼根博物馆展出至2010年1月10日。

Book review – Digital Folklore书评——数字民俗学

lady need money group — Thu, 08 Jul 2010 11:10:19 PDT

数字民俗学（DIGITAL FOLKLORE ）-Olia Lialina，真诚献给广大网民，由Dragan Espenschied编辑，Manuel Bürger亲自设计，Merz & Solitude出版，亚马逊英国、DE、法国有售*。

科技创新在电脑文化、网络文化中只占很小的一部分。到底是谁发明了微处理器、鼠标、TCP/IP协议或是万维网并不重要，他们发明这些东西的理念也不重要。重要的是最终的使用者。人们使用这些高科技产品来表达自己的想法，这样他们才和文化相关。

诸如满天闪耀的星星、可爱小猫的照片、彩虹的渐变等等，网民自己的作品大多会被嘲笑为庸俗不堪。更有甚者，将其视作是文化的末路。事实上，这些有地方特色，在网民间流传的作品才是新的传播媒体中最重要、最美丽的语言，但他们却为人们所误解。

本书是部开山之作，书中的散论、文章涵盖了数字民俗学的各个方面，包括线上业余文化、自制电子产品、dirtstyle音频、典型虚无主义、弥母文化（meme）、茶壶、阴茎增大等等。

在读这本书时，我既开心又痛苦。通常，我读书都会做详细的笔记，以便写书评时参考。但是这次，我被这本书完全吸引，笔记本上只有寥寥几行。这大大出乎我的意料之外，我想这本书是写给真正的电脑迷，而不是我这种业余人士。

《数字民俗学》填补了电脑网络文化上的空白。如果你只参加大型科技或网页设计大会，那么你对这种文化必然一无所知。在这类大会中，你是绝对看不到亚文化中的大笑的猫咪（lolcat）、弥母文化（meme）和不雅字体。但这并不意味着他们同电脑文化的相关程度不及你在幻灯片中所看到的可用性策略师、信息设计师和其他网络大亨。

我对网络既爱又恨，而对于这些部分，本书几乎全都有所涉猎。节假日期间，一些比利时的说法语的朋友总是乐此不疲的给我寄让我感到头痛不已的Blingee卡片。我原以为书中不会提及，但这本书就偏偏提到了这些该死的碍眼图形。一看到Blingee这个词我就本能的回避，除此之外，我也学到了一些能让作者颇感欣慰的东西。在写这本书时，他必然是抱着“你能够而且必须立刻了解电脑文化”的心态的。我真希望我的学习过程中也能有这么多乐趣。

该书的第一部分是Espenschied和Lialina执笔的散论、文章和观察资料。电脑文化不断发展且遵循一定的指导原则。90年代中期以来，网民和创造者开始了他们的创作之路，电脑文化自此得到了“最完美的演绎”。正如他们在一篇《自由访谈》中对Marie Lechner说到的那样：“网站作为一种新的媒体所带来的刺激已不在。如今所有娱乐方式都有独立的、规划好的网络空间，人们的交流方式被标准化。对业余者来说，网站也是不错的工具。但认为主页可以同美好的未来交流的想法十分不切实际。”

之后是前Merz-Akademie的学生针对网络现象所写的4篇文章。

最后一部分是Merz Akademie新传播媒体和界面设计专业学生的各种项目。

“摆臀音乐”是我最爱的部分之一。Dennis Knopf在YouTube中记录了一个女孩在镜头前摇摆臀部之前的几秒钟。且不看youtube里说了些什么，这段视频完全可以给未成年人看。

在我看来，该书的设计恰到好处且引人入胜。设计师Manuel Bürger将他的目的解释为开创一种真正的业余精神——虽然你会觉得书中有一些“得体”的设计使它看来清晰明确。

*本书在纽约的Printed Matter画廊有售，或直接从数字民俗学网站订购。

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Cloud Core Scanner-an artistic experiment in zero gravity云层核心扫描仪——零重力状态下的艺术实验

lady need money group — Thu, 08 Jul 2010 11:05:38 PDT

终于结束了Transmediale最后一版的报告。从侧门进去，我看到了一些展览和演出，这些都是该庆典“收尾”（off）项目中的一部分，都是关注Agnes Meyer-Brandis某一最新艺术事业的。你们当中有许多人现在已经知道Agnes的作品是科学与惊奇并存的。这次，她就是像是爱丽丝漫游云层，做了一系列的失重实验。

CCS标志

2007年9月，在第十届DLR（德国宇航中心）举办的抛物线飞行活动中，Agnes Meyer-Brandis受邀参与其中一个原本留作科学目的的零重力飞行，并在暂时失重的情况下运行她的艺术作品云层核心扫描仪。我认为我时无法欣赏或是品味这种实验的。瞧，我把参与零重力飞行的飞机被戏称为“作呕的彗星”。

原始图片

这是发生在一场抛物线飞行中的事：飞机以45度角向空中飞去，机身整个翻转过来，以达到抛物线的零重力部分。当时全员有25秒的失重体验。一个大约30度角的下倾动作使机上一切恢复正常。最后，地球引力逐渐增加到约1.8G，直至飞机到达24000英尺高。显然，这种云霄飞车式的经历是不断重复的。

AMB运作中

Agnes的目的是在失重状态下研究她所说的“云层核心”。悬浮在空气中的小颗粒是造云的基础。空气中的水分凝聚在这些小颗粒/核心周围。水分聚集成水滴，无数水滴就形成了云。艺术家发明了探测器来观测这些难以发现的云层核心。

CCS视频截图，CCS区域实验室

Agnes带了2个装置上机。一个是CCS，第一台成像器，用于观测云层内部最小颗粒，即著名的云层核心，在零重力飞行中的活动。另一个是ADM-影盒（ADM，Animation Durch Mikrogravitation，即微万有引力动画），即便是最小的云层核心的最快运动也能拍摄。

云层核心世界

这个看似小雪球的东西内部就能观测云层核心世界：

视频截图，第27号实验，水上的护城河环绕的城堡2G图（双倍重力）和空气上的护城河环绕的城堡0G图（零重力）

上个月在柏林，Agnes在一场展览和两个晚上的演出中分享了她的新发现。

“云层核心扫描仪——对流层实验室中”的展览在游客众多的菩提树下大道上的Ernst Schering基金举行。

Agnes Meyer-Brandis，云层核心扫描仪——对流层实验室中，2010，安装图，承蒙柏林Schering Stiftung允许，© Agnes Meyer-Brandis，VG Bild-Kunst Bonn 2010，Roman März摄

该展览探讨了零重力情况下云的形成和艺术与科学的融合。

正如新闻简介中所说：理想状态下产生的物质杂合并提出了当代艺术形式同一些超现实的科学形式（如纳米技术、流体动力研究、气象学）之间的交流问题。主要的隐喻和摄影过程中的主要关注点都是造云理论的内容。

演出照片

同时进行的演出“造云或重力的消失——当代旅游电影展”将表演同Agnes和云学专家的演讲结合起来，既有影片也有科学和造云实验。

我想我并没有完全理解那天晚上的所有内容，但如果它有我在Agnes的演出中所看到的一半有趣的话，我很乐意暂时忘记晕眩，把手放进云层中。

各位，更多图片和解说请点击。

我在展览上以及Agnes Meyer-Brandis的演出中所拍摄的照片。

之前写的关于Agnes Meyer-Brandis的文章：Biorama 2：月亮上的鹅的实验，访问Capsula的Ulla Taipale，访问Agnes Meyer-Brandis和SGM-冰山-探测器。

bio installation performance space transmediale

Exhibition tip – Adel Abidin at Kiasma展览快讯——Adel Abidin在奇亚斯玛当代艺术博物馆

lady need money group — Thu, 08 Jul 2010 11:01:03 PDT

2007年，我在威尼斯双年展的北欧馆里看到了伊拉克籍芬兰艺术家Adel Abidin的作品。整个空间充斥着电视广告和传单，都是宣传激动人心的巴格达旅行。一个名为“Abidin Travels”的视频向游客介绍了许多好点子，以便好好享受他们巴格达之旅。博物馆休业了没关系，里面大部分展品都是到处搜集来的；不要走人行道，那里可能有地雷；记得随身携带蜡烛或是有备用电池的手电筒，在那随时可能断电；尽可能住比较差的旅店（好的宾馆容易成为原教旨主义穆斯林人或国家军队的攻击目标）等等。

Abidin Travels，照片来源：芬兰国家画廊，中心艺术档案馆，Petri Virtanen摄

如果你对巴格达之旅有兴趣，馆内设有电脑供你预定机票（你也可以在线预约）。另一个房间里有视频介绍伊拉克人的日常生活。

致默罕默德！致麦加！2009年，作者和他的作品，照片来源：芬兰国家画廊，中心艺术档案馆，Petri Virtanen摄

如果你在赫尔辛基，那么千万不要错过奇亚斯玛当代艺术博物馆的Abidin个人展。在展馆门口就可以看到“Abidin Travels”，但真正吸引我的是展馆楼上的作品。有正在玩跳房子的儿童、把扁平面包当做打击乐器的音乐家、反转的可口可乐尼龙灯牌等等。Abidin从日常物品和动作中发现问题，诸如排外、性别角色与性、宗教、暴力、权力。

Adel Abidin，乒乓，2009

最吸引人的作品莫过于“乒乓”。在一间阴暗的房间里，两个男人正在进行一场激烈的乒乓球赛。球台上的分隔物不是球网，而是一个漂亮的女人。每当球打中她的身体，她不说话，但会退缩。不过球员和裁判都对此视若无睹。

Adel Abidin，乒乓，2009

在这场权力的较量中，旁观者是受害人。谁是权力的操纵者？而受害者又为什么是个裸体的女人？作者将作品的解释权留给观众。

此处是vimeo上的作品摘录（更多资料请点击）

奇亚斯玛当代艺术博物馆的其他展览：Rentyhorn, 再现殖民主义的遗风，“这是个计划”（It’s a Set-Up）展览的一部分。

Adel Abidin展出在赫尔辛基的奇亚斯玛当代艺术博物馆，开放至2010年4月25日。

video

Interview with Alessandro Ludovico (Neural Magazine) 采访“神经杂志”的Alessandro Ludovico

lady need money group — Mon, 14 Jun 2010 23:14:52 PDT

Alessandro Ludovico是一名媒体批评家，1993年他成为了著名刊物神经杂志的主编。（Honorary Mention，Prix Ars Electronica 2004）他写了很多关于数字文化的文章，并且合编了***。他是“网络时代”社团的主要开创者之一，也是Mag.Net（电子文化出版物）集团的奠基人之一，并且在Carrara艺术学院教授“电脑艺术”和“接口美学”课程。

我想这些职务对于一个人来说已经足够了。当然，这一说法并不符合Alessandro Ludovico。他不仅穿着大T恤，而且还与UBERMORGEN和Paolo Cirio在一些艺术项目上有合作，这些艺术作品已经在世界上很多国家进行了展示：GWEI-谷歌将要吃掉自己（Honorary Mention Prix Ars Electronica 2005, Rhizome Commission 2005, nomination Prix Transmediale 2006)）以及Amazon Noir (1st prize Stuttgarter Filmwinter 2007, Honorary Mention Share Prize 2007).

当我在几年前遇到他的时候，我意识到，我根本没有机会成为“新媒体艺术世界中最优秀的人”“感叹！”

神经杂志是怎么开创的呢？

在18岁的时候，我成为了一名职业邮件艺术家和杂志爱好者，之后，在1991年，我成为Minus Habens Records的一名图像设计者（这是产生于意大利Bari的一种地下电子音乐唱片公司）几个月后，我开始受理一种特殊的商品：一种早期的针对虚拟现实的印刷指导书，这部书发展的并不成熟（虚拟现实小册子），是从一些理论文本和资源中整理出来的，并伴有一个振奋的音乐CD。不到一年的时间里，这本书就卖完了，所以我向Ivan Iusco（这个唱片公司的所有者）咨询，要创办一个针对新科技文化内涵的杂志。

我们工作的十分努力，第一刊在1993年11月份出版了。话题设计很多方面，从网络朋克到电子音乐，电脑艺术和BBS网络（网络流行音乐前身）。即使很难将它和现代杂志相比，但是确实在调查交流方式和共享交流内容方便给了我很多乐趣。1995年，我继续和出版商实验一种混合印刷物/音乐产品。叫做网络地下指导，这本书对上升中的全球网络中最难以理解的部分进行了解释，这部分中还有一部分只有通过电子邮件媒体得到的音乐收集（可能是网络上制作的第一部音乐收集）。同一年我被邀请去参观Venice Bienniale 研讨会，名叫>net.time<，在这个研讨会的最后，同名邮件目录诞生。在研讨会的三天时间里，我们的观念和看法进行了广泛的交流，关于一个真正的国际化人际网络，涉及到艺术，科技和政治。有很多相关的国际事件（(下一个五分钟，1996美丽和东方 1997，网络堵塞，2000，意大利Hackmeetings，1998-现在，就列举这么多吧）以后的作品非常成功，我结交了很多关于网络艺术领域的朋友，艺术家，黑客以及理论学家，记录了一些很有趣的关于神经杂志内容的一些观点。

这本杂志挑战了很多新鲜的想法，并尝试着给这些想法打造视觉框架。我非常关注设计以及如何通过印刷界面来表现电子文化。所以，比如，页码的编排是二进制，零以及偶数，印刷者开始大声地抱怨，因为这种方式给他们带来了很多的麻烦。另外，从一开始，另一种“感官体验”就被摆在了中心位置，再次将光学作品和各种形式的理论重新印刷，使读者在阅读的同时可以享受一种美学体验。在 18期，这一惯例被彻底地打破了，造成了一种突然的冒充黑客者。包括由意大利黑客实验室网络创造的假冒标签，讽刺地假冒真正的标签表示的命令，而这些命令出现与在意大利销售的书籍和光盘中，代表的是当地的“版权保护社会”（SIAE）。在一本已经出版的杂志上写着“有关任何媒体的建议性重复”。1998年，我们改变了排版的方式，重新设计了内容，定义各个部分。它们是：通过一些激进的媒体入侵带来的黑客主义，激进主义，电子音乐，研究科技如何与音乐制造和享受联系，以及媒体艺术，尝试科技在艺术中的网络方面和观念上的应用。2000年，我使用“音乐神经”的内容部分写了这本Suoni Futuri Digitali（未来的数字声音），这是一个很有深度的研究，记录了改变我们发声的创新史。2003（当时仍然保留意大利版本），我开创了“神经杂志”的英文版，出版了4000份。事实上，这本杂志已经在世界上畅销了。读者中很多人都是博物馆管理员，艺术家，批评家，学生，教授以及图书管理员。网站开始于1997年，也就是10年前。每两周更新一次，从2000年11月开始，每天更新，2004年，开始了英文版（当然，意大利语版本仍然保留）。

Image courtesy of Alessandro Ludovico

你看到过一直以来“神经杂志”的读者群？

当然。在过去的15年间，读者群发生了很快又很巨大的变化，以前的印刷体版本突然被网上媒介的到来打破了，印刷体受到了数字影响。当我们刚开始的时候，我们有很多“致编者的信”（相当于博客评论），里面有很多珍贵的资源，而这些资源只能在书店以及隐晦的订阅中看到。

“神经杂志”在1994年开创了一个“因特网新闻”专栏，但是几年之后，事情发生了巨大的变化。人们开始上网找信息，使用一切可能的搜索引擎。这彻底重新定义了杂志的角色，从单纯的内容承载者，到精选的，概念性很强，又比一般内容长的形式。另外，注意到读者群如何以及他们的需求变化是很重要的。

这并不是受不受市场影响的问题，而是将编者的兴趣与读者真正感兴趣的东西联系在一起的问题，特别注意到：语言发展，新科技“失误”（不需要解释的东西）以及兴趣的新领域。在最近的十年间，很遗憾，很多对独立杂志发展感兴趣的人都不能理解这种快速的变化，以及不得不关门大吉。对我来说，保存下来的文化策略是严肃地评价读者的反馈。我并不是说赞美。我收到过一些赞美，它们对于提高士气很重要。批评是重中之重，批评之后，才有改正，变化，实践或者撤销。这是一个民主的过程，因为最后我会做最后的决定，但是收到的又很大的帮助。所以杂志的编者说的话在每一期也有很大的改变，同样，网络也是如此。

Cover of the latest issue of Neural

即使在今天，一些博客和在线杂志等等都努力得到一席之地，“神经杂志”仍然是人们最喜欢的杂志之一。你是怎么使这本杂志保持这个地位的呢？

坦率地讲，我从来没想过要带来一次“狂热”，如果真的是这样，那肯定是偶然的。一些人甚至告诉我他们将“神经杂志”看成是一个艺术品。我不知道它到底是不是，但是实际上，这个网站在2004年的Prix Ars Electronica上赢得了“网络-视觉类”的an Honorary Mention（荣誉奖）。即使我对这个奖持批判态度，但是我仍然感到很骄傲，（不管怎么说，最后我觉得我的真正的荣誉在于数以万计的网站点击率）。

事实是：我只是运用本能，经验和外在的回馈来经营我的网站。有时候我把网站看成是一个信息展馆，我读过的最好的信息展馆。我甚至要将它定义为数字文化变革的个人诠释，由在一定空间内的大量信息构成。至于“一席之地”，我一直认为在讨论数字文化的时候，设计到越多的文化概念，我们就离实际的状况越远。但是正如John Perry Barlow曾经说过的那样：“你不能偷走我头脑中的东西”这对于每一种智力产品都是正确的（对于博客和杂志来说也一样）人们不止对一个东西关心，他们对不同的好产品关心，而且不止对克隆事物（除非你进入的是一个大型的商业市场）。进一步讲，经验也有很大的作用：不管工作是什么，我经常崇拜那些在某一种领域特别擅长的人。最后，我坚信“神经杂志”在时间的洗礼中，经历了很多激情，也持有一定的原则。数字文化的主要特点之一就是它正在快速地传播强有力的信息。一个好的技术，正如声音的一种创新的应用，或者数字艺术品中的一个原始的观念都是有意义的信号。这些信号就是思想，可以在世界上感兴趣的团体之间共享的思想，都为了一个特定行业的发展。“神经杂志”的目的就是加速这些有意义的思想的传播，不管是在当地还是在国际的网络交流中。这也是我的最初目标。

我知道能写出这样一本网络杂志是一件很艰难有费时的事。你是怎么保持这样一种在线状态，很有节奏地出版这样一份杂志的呢？给我们讲一讲你在Grotta的工作情况，以及在发展中国家工作的时候，那里的工人是怎么和你一起工作的呢？

除了开玩笑，我觉得这几乎有点神经质。特别是因为我仍然着迷于关注生产的每一步，来达到我所能支付的最理想的内容质量。但是激情和不可估量的支持再次激励着我前进。我不会停下来将时间和过程达到最佳优化的状态，同时并且丰富了已得的经历。我仍然感到十分混乱，正如你可能会猜到的，但是我会全力投入继续将这个项目做得更好，尽我最大努力使它得到持续。现在 Aurelio Cianciotta是音乐合编者，我们每个星期都会处理一些事情。 Paolo Cirio是在线平台专家，所以这个人也将“可移动式网站”得以实现（在经历这么长时间的复制黏贴后），然而Roberto Orsini 在翻译方面帮助了我很多。在这些贡献者中， Valentina Culatti是最慷慨的人，她将她很多时间献给了“神经杂志”，同时有水平的作品也不时地出自Vito Campanelli之手，以及 Tony Canonico。他们都是意大利人，但是这只是一个巧合。我正在国外寻找有能力的志愿者。回到如何制作在线和网络的内容，我正同Simon Worthington（Mute magazine的合作创办者）着手建设一个工场，来分享我们和其他独立的出版商的长期经历。我是80年代晚期的“爱好者杂志”粉丝，所以我还在想独立的出版应该挖掘各种数字技术来讲可能的表达自由发挥到极致。

在你为The Mag.net 的读者写的美文“文章和像素，出版的变化”中，你谈到了印刷文章经历的变化。你能给我们解释一下为什么你要坚持印刷杂志的出版，而不是依赖网络版杂志呢？

我觉得文章并不会在一定时间内消失。在这篇文章中，我调查了“在一些主要的‘新型’媒体问世后，（比如）‘文章的死亡’是如何在过去不止一次的提出的”但是，这确实从来没有发生过。事实上，在这样一个“不稳定媒体”充斥的时代，纸质杂志是最稳定的媒介。一旦出版，它们不需要电子仪器来辅助阅读，正如我们的生活变得越来越移动，这种杂志也很适应我们的生活。但是，正如我上面所说的那样，我们不得不面对这样一个事实，纸质杂志在现在意味着奢侈。它意味着我们有时间以这样一种休闲的方式来享受阅读的乐趣。有趣的文章内容并不是诱发平庸的”翻纸”的习惯。这种消耗时间的方式是非常吸引人的，你不必要将眼睛一直盯在银屏上，还要时不时的敲击鼠标。阅读书籍可以使你很随性，什么时候不想读，就放下书；或者突然想读了，重新捡起。特别是对于特定的位置和艺术数据，书籍给你带来的这种稳定性和感觉是不可逆转的（这既是我在努力定义的‘文章的持续性’，这篇文章会在the Magnet Reader2 中的一篇出版的杂文中出现）如果内容和数字文化相关，那么这些过程会更加吸引人，因为这种媒介正处于被热论的地步。我之前被邀请与Andalucía in Seville大学的11个编者一起，在2002年，参加了一系列的研讨会和课程，命名为后媒体出版，印刷出版，电子文化的网络时代，与Andreas Broeckmann合作进行。这是一个难得的机会和这些编者一起努力，创造非正式网络时代合作的新局面。所以，我们创立了 Mag.Net（杂志网络），电子文化出版社。我们的口号是“合作优于竞争”，我们在试运营的内容上进行合作，分享特定主题的知识（比如在线付款平台，或者是按需印刷技术），共同在一些课题上的工作，当然这些并不是同时发生的。最明确的努力是 Mag.Net的读者，这是一本关于数字/印刷内容之间关系的书，可以在 Mag.Net网站上免费下载，或者可以通过“按需印刷平台”购买。事实上，最活跃的 Mag.net成员是 Mute [UK], Springerin [AT], Zehar [SP], 3/4 Revue [SK] and “神经杂志”。在最新的 Mag. Net活动中，有一次在2007年1月举行的会议，地点在阿姆斯特丹的De Balie，叫做“在线出版：对电子媒体时代的印刷事业的热爱。”我和 Nat Muller共同编辑的Mag.Net Reader 2在4月的鹿特丹DEAF（荷兰电子艺术节）上运行，我同Nat再次合作组织的为 Documenta 12 Magazine 项目进行的小组讨论和展示的Paper and Pixel周是这个活动的一部分（涉及世界上超过90个独立的艺术杂志），我当时正在建议他们进行网上部分的运作。最后在今年9月，我被ANAT邀请为独立印刷的历史，网络和离线媒体之间的相同点和不同点以及这种开放式的文化资源是如何被应用到出版中的问题进行了小组讨论。我现在正在和Nat合作，编辑第三版的Mag.net Reader，将会在2008年出版。

Amazon Noir

对于最传统的艺术杂志仍在奚落新的媒体艺术形式这种说法，你是怎么解释的呢？

在（新）媒体艺术中，对于具体部分的盲目崇拜，比如市场上畅销的事物，经常被忽略掉。艺术作品的无限量再生产是一个还没有被彻底弄清楚的过程，甚至在现代艺术世界里也一样。所以那些主要受艺术市场资助传统艺术杂志就将现代艺术形式降级为边缘化以及外来现象，因为它所具有的经济范围。我们当然也会考虑技术方面。媒体艺术美学和叙述方式处理的是软件以及硬件方面的情况，因此对于艺术馆管理者和学院派学者来说是难以置信的（这些人通常是60多岁的人，或者更老一些）。最后，我们应该想到，视频艺术得到艺术世界的认可仅仅是在它登上早期舞台20年后，因为它遭受了同样的问题。

除了这些，还有一些终端产品，这些产品毫无用处，在不知不觉中影响了全局；开始时，被称作“网络艺术”，然后改成新媒体艺术，数字艺术，网页艺术等等。不用说，这个“新媒体艺术”的“新”名词已经“过时了”。但是，这个建立在使用最新潮的词语以及应用于艺术的终端游戏变得更差。所以我们开始使用“浏览器艺术”，然后换成“设备艺术”“界面艺术”甚至“射频识别艺术”但是这些有意义吗？

我不这么认为，这种做法无休止地打破了一个超凡又问题重重的现状。William Gibson在18世纪晚期说过“世界上存在着人文科学斜线，让我们开始谈论一下斜线吧”我选择不被最传统的艺术市场迷惑，将“神经杂志”放置在新媒体艺术 “鄙视者”的对立面。所以我仍然关注个人研究的实体部分，这部分在所谓的媒体艺术的边缘位置，有一些关于垃圾邮件, 病毒, 对等网络等话题（后面两个由于Franziska Nori的支持得到了发展），以及”“完美的”网络巨人市场策略是如何被“黑客”入侵的。我的观念很低调，他们都有可能成为未来标准化交流条约的测试对象，所以媒体有潜力被用在宣传中以及大型市场研究中。

在意大利，电脑和科技基于艺术，你是怎么描述这一现象的呢？你能推荐一些应该在国际上得到殊荣的意大利艺术家吗？

不幸的是，意大利不是一个发展数字艺术的理想国度。我们有很多古老的经典艺术遗产，希望得到学院的支持（甚至比在数字艺术中的要少）。但是，我还是将我的艺术作品之路同一些人分享了。比如Scuola di Nuove Tecnologie dell’Arte’（新科技艺术学校，Carrara’s 艺术学院的一部分），由Tommaso Tozzi领导，是国家考察点之一。我将我在这个作品上的心得完全与他分享了（比如他正在发展一个重要的集体项目 WikiArtPedia，讲的是网络艺术历史），我很高兴能够加入到学校中，教授“电脑艺术”和“界面美学”课程。但是，有很多不同的小的方面的创意，近来，该学校有倾向在一个小型俱乐部中举办vjing周六之夜派对，作为“电子艺术和音乐节”。我最喜欢的音乐节是在中南部的Interferenze和PEAM，以及北部的分享。在这个领域中，我的个人经历回到了1996年，那是我正在支持一个团队参加“第一届新媒体艺术展”的一部分，该展览中还有一些意大利艺术家，叫 Virtual Light（Aurelio Cianciotta是管理员之一）。结果很成功，但是管理者已经花费了两年的时间来说服市政府资助这个展览。我在90年代初的第一个参考对象是Decoder，这是一个地下杂志，介绍一些“网络黑客”的概念，并把它称之为政治运动，很大程度上包括艺术概念。事实上，邮件名单 AHA-激进主义，黑客主义，激进主义，是有 Tatiana Bazzichelli组织的，是意大利关于电子艺术的最流行的论坛。大体上来说，有很多意大利的数字艺术作品，它们更加体现美学观点（Limiteazero, 80/81, Luigi Pagliarini, Chiara Passa,就列举这些著名的名字，但是还有很多没有列举，）还有一个有着特殊政治背景的人。在后者中， Luther Blisset的想法（我认为是90年代最重要的文化事件之一）影响了之后的群体，成为the 0100101110101101.ORG, epidemiC, Serpica Naro以及很多其他人的先锋。在同样的浪潮中，有 Molleindustria，Candida TV和整个的Telestreet运动，伴随着全球新视野档案，Dyne.org免费软件，Sexyshock，我的同事Paolo Cirio，同样只列举这么多。最后，即使它不能被称作“艺术”，我也觉得 Hackmeetings确实是一个表演式的集体的艺术活动。这是一个完全自我组织的黑客会议，带着一种无政府状态的游戏精神，每年收集几千个不同地方的黑客，通过一个邮件名单来决定会议的各个方面，这样可以交流知识，建立人们之间的关系，提高政治意识。我从一开始就参加了所有的会议（除了最后的三个），由于我感受到的无与伦比的气氛和我所参与到的深刻的社会交流，我每场都会到。但是至于你最后一个问题，我觉得Luca Bertini还没有得到人们太多的主义（但是他真的很棒）。确实很遗憾，因为我觉得他是最有进取精神和开拓精神的意大利媒体艺术家。最后在2008年的春天，我将要开始“神经档案”方面的项目，创立有关自传方面的在线数据库，关于我在我自己的档案中收集到的各种材料（书籍，DVD，CD，等），来为研究者创造一种免费的在线资源。

Image courtesy of Alessandro Ludovico

与UBERMORGEN和Paolo Cirio一起，你已经学到了Google Will Eat Itself，这是一个旨在用从Google Adsense中筹集起来的钱收购Google的作品。google针对GWEI是如何反应的呢？

Google的官方反应是德国分公司的一封“停止，停止”的信件。但是这不同于我之前所看到的“停止，停止”的信件，这是一封机密文件，并不是平常的冷酷的律师语调的信。但是，更加的耸人听闻。大体上是这样的：“好吧，我们知道这是艺术，但是你现在一定要停止”这和我想象的他们“滑稽的指令者”的形象是一致的，正如我努力定义的那样。事实上，在这个活动期间，有很多神奇的奇怪的事实。我和汉斯做了一个完整的讲座/表演，在2006年（视频）v2的TANGENT_CONSPIRACY之夜。况且，google意大利公司确实终止了 Neural.it AdSense，而且不提供任何理由。我想这确实有点不可理喻，因为Neural.it并不是GWEI的一部分（这从一开始就已经很清楚了）。但是google意大利公司对这个视而不见，所以在我和Paolo受邀参加一个公众辩论时，他们只是拒绝前来，并终止了Neural，因为“欺诈性的点击率”。但是你会想到他们筹集AdSense资金，所以他们能够在任何时间决定终止你的账户，并且还不给出证据。这也是我定义他们‘为瓷器界面’的一部分。GWEI对于我来说，就是最刺激的经历之一，它在我看来是成功的，是我第一次体验到了在一个有能力的团队中所获得的艺术的熏陶，所以，和Hans，Liz 以及Oaolo分享所有这些时刻，我真的很感激他们。

我们来讨论一下Amazon Noir吧。最新的发展是什么呢？Amazon有没有对这个项目作出反应？

Amazon noir仍然有着很显著的成效：被偷的书单。我们仍然以不同的形式重新体现它们。我们的一个作品物理上体现了这个项目（而且非常有象征性）。它包括两个投影仪展示了徽标和软件内部机能的图表，以及一个内部带有一个被偷的书的孵化器，数字化地被再次印刷了。象征意义上来讲，我们从70个由Abbie Hoffman创作的“偷这本书”中选取了美国反文化的经典。我们正在再次体现这本书（包括封面和Amazon中的具体内容），以一种转变后的物理形式。但是我们同时对这个孵化器进行了警告。是这样陈述的：“孵化器中的这本书是Amazon.com黑客行动复杂形式的体现，被包含在了挖掘‘书中的亚马逊搜索’这个工具中。要认真对待，因为这是诞生于亚马逊和版权之间关系的产物，还不成熟，也不合法。不合法是因为这是对受版权保护的一本书的非法翻版。不成熟是因为这种关系的产物的孕育过程远远都不能到达成熟的地步”这就是为什么我想到我们“偷了这本隐形的书”（[http://amazon-noir.com/thieves.html]）这个作品展示的是一个没有任何IT或者因特网连接的艺术品。实际上，很多人都努力地得到这本能够打开孵化器的书，声称他们只是做了封面上写的事情（个人来说，我们都很友善地叫一些人将书放回，有一个实际上在BaselShift开幕式中成功偷到了书，我们不得不找一本替换。）非常滑稽，也有证据表明，这个行动是“互相合作”的。

关于Amazon的反应，他们的反应很不同—-将软件机械化，使得机器人变得没有用处。我们确实将我们通过“peer-to-peer networks”下载得到的书进行的传播（bittorrent, gnutella，fast track, emule，等等）

Amazon Noir installation at the Share Festival in Turin, March 2007

这个作品在不同的博物馆以及不同国家的节日中展出，已经被提名为即将到来的2008“跨媒体奖”。我极力地将关于这个大型在线公司市场战略以及潜在的黑客行动的整个理论观点在《在线欲望经济》这篇文章中进行阐述。很快就会在网上登出来了。

谢谢Alessandro！

Related interview: 采访Ubermorgen .
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原文OriginalText

activism ars electronica documenta12 interview life_online

Images of the Belgian Congo 比利时统治下的刚果照片展

lady need money group — Mon, 14 Jun 2010 23:10:17 PDT

在2010年6月30日，刚果共和国将迎来其从比利时独立50周年纪念。比利时摄影师Carl de Keyzer决定按照《比利时刚果旅游指南》这本出版于1954年的旅游指南游览这个国家。书中将刚果描述为风景美艳、设施展新的度假胜地。

导游介绍了刚果的乡村和城市分别的标志性建筑，这些建筑大部分是殖民者留下的，包括教堂、只允许白人进入的游泳池、只允许白人进入的游乐园、布道所、工厂、海湾、矿井、监狱等等。现在在经过了数年的叛乱和内战以后，这个国家已变的支离破碎，这些地方失去了曾经的光辉。这里的建筑和基础设施不是已经变成了废墟就是被用于了相似或完全不同的用处。

Carl De Keyzer, UMHK (Union minière du Haut Katanga), centre récréatif, Kolwezi 2009

© Carl de Keyzer / Magnum Photos, Congo (Belge)

1885年，国王利奥波德二世通过各种手段将中非地区-差不多刚果面积80倍的土地-变成了他的私有财产，并将其重命名为“刚果自由国”。他在这里开采了橡胶、钻石、以及很多贵重材料。利奥王变的非常富裕，而刚果人民则几乎变成了奴隶。对这个国家无耻的掠夺和惊人的人权侵犯遭到了国际社会的强烈反对，最终导致了对利奥波德政体的质疑。这是第一次大规模的人权活动。1908年，比利时议会迫使国王将其私人殖民地归还给比利时。这个行为，以及利奥国王在比利时留下的优秀建筑使人们渐渐忘记了利奥德统治“刚果自由国”期间犯下的暴政。

© Carl de Keyzer / Magnum Photos, Congo (Belge), Buende, Congo, August 2003

Carl de Keyzer, St.-François de Sales Church, Kinshasa, 2007. © magnum photos

De Keyzer的照片不是侧重于美化过去的辉煌。他惊讶于比利时人不是努力建设国家的新的基础设施，而是想要模仿曾经作为非洲中心的比利时。照片中我们既能看到刚果又能看到比利时。

清除蚁堆的奴隶

照片中没有怀旧情绪，没有向我们诉说“我们统治时那个国家比现在更好”。De Keyzer和Johan Lagae一起举办的这个展览，虽然只是在展厅的一角，却向我们直白的揭示了我们忌讳已久的事实：比利时统治下的刚果过去和现在都是比利时的一部分。（我也是在英国学习后才了解到我的国家强加给刚果的暴行。）

展览的名字叫做Congo belge (en images)，它指的是一本在1911年出版的书，书中以赞赏的语气歌颂了殖民的历史。De Keyzer 和 Lagae 从位于Tervuren中非皇家博物馆的档案中精选了上百幅照片。这些照片让我们质疑和反思比利时追求的乌托邦、白人的至高无上、以及以宗教为借口奴役人民的历史。

我希望我使用的每张照片都能说明授权和出处，但可惜很多我在网上找到的照片都没有对此进行说明。

在Magnum有个盛大的照片展，ICRC也对这位摄影师进行了采访。

De Redactie有两个很有趣的视频（荷兰语），第一个是对De Keyzer的采访。第二个是摄影师带一位老传教士参观展览。在De Standaard.be查看更多图片。

鹿特丹Foto博物馆将展出比利时统治下的刚果照片展（Congo Belge en images）至2010年5月16日。

Art in Flanders photography

Super K Sonic Booooum 超级神冈音爆

guohaoyun — Wed, 09 Jun 2010 12:20:52 PDT

Photo credit: Nick Ballon

超级神冈（Super K）是日本的一座地下中微子观测站。超级神冈位于地表下一千米处，外表酷似坦克，而实际上里面装着五万吨纯水。它由一万一千多条金质光电倍增管包围，观测着银河系当中的超新星。光电倍增管记录着当一个中微子遇到超纯水的一个电子时发生的光。这种碰撞以真实音爆为标志，是比光速还要快的爆炸。在研究这种现象的科学家的计算机屏幕上，音爆就好像一圈跑到地表的蓝光。

科学家们认为，中微子，一种自然界中十分丰富的基本粒子，能够帮助我们洞察事物的本质，看穿宇宙以及物理原理。然而，科学家们对中微子几乎一无所知。正如大卫·瓦克，伦敦皇家学院的一位物理学教授解释说:“仅凭物理原理的存在还不足以说明人类生来就有理解能力。一个人可能只会像我训练的猫那样去计算。当然，我不希望是那样。”

Andreas Gursky, Kamiokande, 2007 © Adagp, Paris, 2008 : Andreas Gursky / Courtesy: Monika Sprüth / Philomene Magers

十一月的时候，奈丽·本哈佑（发明了“联盟号”宇宙飞船座椅的人）邀请公众与来自伦敦皇家学院和伦敦玛丽女王大学的科学家一道，乘坐划艇，遨游粒子物理的海洋。当然，不是在真正的超级神冈当中，而是在SHUNT茶座，一个位处伦敦桥地块下十米的夜总会。

Photo credit: Nick Ballon

奈丽·本哈佑的设计被称作超级神冈音爆，是用来演示在超级神冈当中，每当一个中微子与一个超纯水的电子相遇时的视觉效果。因为最终的效果与大规模音爆相同，所以称为超级神冈音爆。由于伦敦的夜总会当中并不富含超纯水，设计者就用了最近的消防栓的水，并把这个夜总会的一部分改造成了长15米宽5米的游泳池。在进入皮艇之前，参与者被要求穿上白靴、白外套，戴头盔，并听从安全指挥：不要碰设备，不要摘掉头盔，清除巷道中的所有石块等。五位来自伦敦皇家学院的物理研究员和七位博士生现在都在从事T2K中微子振荡实验，都要用到超级神冈探测器。其中三位，大卫·瓦克教授，内田光子博士及马修·麦乐可博士，跳上了划艇并向参观者讲解这个粒子物理的世界。与此同时，大家吹起了周围600个气球。

在SHUNT中，吹起的气球象征包围着超级神冈表面的光电倍增管。超级神冈音爆再现大音爆时的一圈圈的蓝光及大爆炸（由声音艺术家蒂姆·霍登设计），这样的实验每十分钟发生一次。

Image credit: Hayeon Yoo

超级神冈音爆目的是让枯燥、正统的物理变得更易让大家接受，帮助大家理解无处不在的基本粒子的力量，尽管我们从来没有见过它们。在演示的每个晚上，有170人排队感受中微子的世界。

原文OriginalText

art from japan events sound

Interview with El Último Grito 采访El Último Grito

lady need money group — Wed, 09 Jun 2010 12:18:55 PDT

我们来到的这个关于新兴媒体艺术的艺术中心LABoral最近展出了一些新潮、大胆且具有启迪意义的设计作品。由Roberto Feo 和Rosario Hurtado（El Último Grito）策划，“Nowhere/Now/Here ”展览（直译为：无处不在/此时/此地）旨在通过对人与自然的关系的探寻来对设计理念发起挑战。

Troika. Gijón Magnética. 2008 (foto Enrique G. Cardenas)

三巨头，Gijón Magnética，2008（Enrique G. Cardenas摄）

“Nowhere/Now/Here”上展出的60件作品，都是同我们印象中的设计不同的颠覆之作。其中一些作品的设计师（如Dunne & Raby, Troika, Auger-Loizeau, Eelko Moorer, David Bowen, Pablo Valbuena, Marei Wollersberger, Yuri Suzuki, Noam Toran等）你可能以前在这里看到过，还有一些设计师（如Tord Boontje, Assa Ashuach, Paul Cocksedge等）则在其他一些刊物上出现过。

展览的设计图本身也反映了对“Nowhere/Now/Here”的探索。它的设计理念是“精神探险”，设计者在地板上摆了许多彩色图形来引导游客。这一设想由Patricia Urquiola工作室提出，图片、影像则由Fernando Gutierrez提供。

“Nowhere/Now/Here”的展览目录“对当代设计提出质疑”，其设计和内容都属上乘：包括对Ron Arad, Javier Mariscal以及其他知名设计师的采访；Marti Guixe, Santiago Cirugeda, Matt Ward, Dunne & Raby的文章；对所有展品的说明和大量的精美照片、图片。只需35欧元就能买到这本300多页、英西双语的目录。LABoral的网店最近似乎出了些问题，所以在它恢复正常以前，你最好写信给LABoral，看他们能否将目录寄给你。

展览由Roberto Feo和Rosario Hurtado策划完成。早在1997年成立El Último Grito之时，他们就同传统理念和设计道路背道而驰。这一想法丝毫不影响他们在最负盛名的设计学校教书并为一流企业和机构服务，包括Mathmos, Selfridges, 伦敦的维多利亚和艾伯特博物馆, Lavazza, Budweiser, Style, Metalarte, Hugo Boss, Southwark Council, Arturo Alvarez, the Lighthouse等。

我在柏林、伦敦两地同设计者讨论了“Nowhere/Now/Here”：

国际综合馆，摇摆灯，2008（Enrique G. Cardenas摄）

Was it a request that came from laboral or your own initiative?

El Último Grito是如何加入LABoral的？两个知名设计师如何策划一个通过对人与自然的关系的探寻来对设计理念发起挑战的展览？该展览的出发点是环境已经成为人类社会的一部分，而不是人类成为环境的一部分。“Nowhere/Now/ Here”让我们把设计看作是全球发展的一部分。

这是LABoral还是你们自己的想法？

LABoral联系我们，要我们策划展出一些“实验性的设计”（先不管这是什么意思）。对我们来说，就是确定“实验性”意味着什么。

我们探索了不同的工作领域，试图找到各自的处理方法，使设计者向设计领域的现状发起挑战。我们定义了三个基础领域以及相应的方法。

物质介入：涉及物质创新、新材料的应用、新生产工艺、技术、基因工程、涂鸦等方面的项目。

文化抵制：在设计成果和涉及文化内部方面，同主流文化相抵触的项目和设计师。

心理探索：分析被测者的心理、知觉体验，即触发情感产生的项目，以及具有心理体验意义的对象。

Dominique Wilcox, 手套

这就是我们的出发点，我们由此对研究作品进行分类。显然，作品之间也有其他联系是这种分类没有涉及到的。我们开始将作品直观的结合起来，这意味着不同类作品之间在概念上相联系。我们认为这将便于观赏者找到自己的切入点。

我们的目的是展出一系列的作品，让你去理解隐藏在这些作品背后的艺术创作者的思维过程。我们将他们表现为无法改变自己内心世界的思想者，而这恰恰为我们改变、重新阐释、重新思考工业、生产过程、交流手段、政治体系等事物提供了机会。挑战我们对设计所起作用上的一些先入为主的想法。

Noam Toran & Nick Williamson，胸罩机器，2007（Enrique G. Cardenas摄）

你们从这次的策划活动中学到了什么？

这是一次十分有意思的经历。我们有机会（有能力）花时间去仔细欣赏他人的作品，了解他们的创作动机和目的。通过互相比较（包括和我们自己的作品相比较）来理解他们。让我们有更多更好的处理设计作品的方式。

这就是为什么我们把这个展览当做一个项目而不是一个对当今设计作品的简单回顾。从某种意义上来看，与其说这是一个实验性设计的展览，不如说它是一个设计方面的实验性展览。我们想要提供一个设计的不同方面能够相互碰撞的场所，并由此引发一些新的发现。参展的艺术家和设计师之间就产生了这种碰撞，他们成为朋友、互相合作。最重要的是那种“在一起”、真正关注彼此作品的美好感觉，这在如今这个充满竞争的世界是很不容易的。这很激动人心，让我们相信设计界已经发生了一些重大的改变。

同样的，制作目录也十分有趣。我们同设计者Fernando Gutierrez进行了密切的合作。从某种意义上来看，目录比展览本身还要重要。它超出于展览之外，因此我们希望它能提供同展览一样精彩的内容。目录的编排同展览一致，所有作品氛围六组，按作品的相关词语做直观的分类：

印刷术 / 世俗 / 轶事 / 虚构 / 神话
唯我论/ 扩张 / 显示 / 增加
集合 /吸引/ 对话 / 颠覆
损失 / 缺乏 / 痕迹 / 未见的 / 身份
系统 / 形态学 / 改装 / 共生
孤独/ 唯一/ 自我 / 纪念品

这些作品、文章和采访都以一定的主题分好组。还有图片和故事帮助游客、读者自己发现作品所要表达的理念。目录完全是按trafalmadorian文的结构安排的，也就是Kurt Vonnegut在《第八号屠宰场》中写到的：

“当然，比利读不懂Trafalmadore文，但他至少可以看看书是怎么写的——也就是由星号符分隔开的符号组。比利认为符号组可能是电报。他说到：‘那么，他们是电报？’‘Trafalmadore星球上是没有电报的。不过你说对了一点：每个符号组都是一条简短的紧急消息——描述一种状况或是一个场景。我们Trafalmadore人都是一组一组的读，而不是一个字一个字的读。消息之间并不一定互相联系，不过这些信息都是作者精心挑选过的，通篇读起来就能感受到一种美丽、惊奇而深刻的生活图景。书中没有开头、中间、结果、悬念、道理、原因或是效果。我们欣赏的就是书中那些一同涌现的壮观时刻。’”

目录是设计师和艺术家们作品的集合。参展的部分艺术家们写的文章虽然往往同个人的项目相关，但却意外的有助于理解所有的作品。而4篇对艺术大家Ron Arad, Javier Mariscal, Daniel Weil和Gaetano Pesce的采访也有助于理解这一代的所有年轻设计师的作品。

Yuri Suzuki，声音珠宝

为什么你们没有展示自己的作品？能否请你们告诉我，你们眼中最能表现这次展览主题的作品是什么？

这个展览本身就是我们的作品，它是所有参与者合作的成果，包括LABoral团队、所有的艺术家、文书工作者和顾问。

我们认为两个视频作品最好的体现了“NOWHERE/NOW/HERE”的主题。

Pedrita，狗，2007（Enrique G. Cardenas摄）

一部是“线”，描绘的是一条水平直线，字母不断地从它的上访和下方出现。你对线的理解会随着字母的变化而变化。继续看下去，你就会发现你正不断地改变你对空间的看法和观测的方法。我们用了三件关于观念的作品来做展览的介绍，这就是其中之一。另外两个是Pedrita的Grao和Marc Owens的“神之化身”电影。前者用传统未处理的陶瓷片来代替像素产生影像；后者是反派展览的彩排，这部作品的惊人之处在于它描绘的是你看世界的方法。

另一部是“NOWASTEEUR，一首晦涩的诗”。这个视频展示了一种记录作品的新视角。我们觉得用照片记录整个活动不能很好的反映我们对作品本质的看法，也就是“设计演出，演示设计”，所以我们决定用视频来记录整个准备过程。但是我们又发现视频会有它自己的身份和叙述角度，而不单单是一个记录。“NOWASTEEUR，一首晦涩的诗”是马德里展览中心的ARCO展公共会议环节的一部分。原本的想法是使用所有在展览准备期间被扔掉的袋装材料。后来我们把所有的废弃材料填充成了字母形状的大袋子。“NOWASTEEUR”所包含的10个字母可以再打乱后拼成“不浪费”（NO WASTE）和“再利用”（RE-USE），而这两个短语恰好是我们想要传达的主题。然后我们用这些字母写成了一首短诗（将W倒过来就是M）。在整个记录过程中，你可以看到这首诗。

NO WASTE_RE USE_ANSWER ME_NOT US_USER WON’T_WEST_EAST_RAW WAR_NOTE RUSE_USE ART_STEM NEW_SOME ONE TO STEER_SURE MUST EASE TEARS_MEET TEAM NOW_USE _RE-USE_WASTE NOT.

不浪费，再利用，回答我，不是我们，使用者不会，西方，东方，原料大战，使用策略，利用艺术，从现在开始，由某人领导，停止哭泣，形成团队，利用，再利用，不浪费。

Nic Rysenbry，场景，2008（Enrique G. Cardenas摄）

“NOWASTEEUR，一首晦涩的诗”是电影项目的一部分，在展览的设计影院播放（影院的观众席由Nic Rysenbry负责）。

Pablo Valbuena，扩增雕塑，照片来源：© LABoral，作者Marcos Morilla

David Bowen的“远程声纳绘图装置”和Pablo Valbuena的装置“扩增雕塑”系列过去都曾在纯艺术展上展出过。你们为什么认为它们符合这次展览的主题“促使我们把设计看作是全球发展的一部分”？

设计是全球发展的一部分，因为设计有不同的形式，而有时我们不能从树木中看到森林。

在“NOWHERE/NOW/HERE”展上，我们试图“对当代设计提出质疑”（就像副标题写的那样）。展示不同的作品，表现当今设计师们的不同想法和领域。

我们认为David Bowen的作品的确很有意思，技术研究和机器人技术与对绘画本质的探寻相矛盾。他的设计将运动转变为绘画。他精挑细选，通过把记录好的运动转变为脉冲，就完成了机器绘制的“标记”（就像刚开始画画的小孩子，只是想要留下自己的标记）。这和再现的理念相一致，也是绘画理念的关键。那么，那幅图到底是单纯的标记还是人类循环的再现？是艺术的还是科学的？还是两者皆有？这部作品不仅质疑绘画作为人类活动的本质，还质疑它技术研究和应用的本质。

展览中，他的作品同Javier Mariscal手工制作的木制画“黄蜂牌小型摩托车”（2007）有异曲同工之妙。这画是对目录中采访的艺术大师的致意。

Javier Mariscal （Enrique G. Cardenas摄）

我们同Pablo Valbuena一起欣赏了他在ARCO展出的作品并且立刻就爱上了它。他用光线和视频来改变空间的概念和建筑的材质的做法很有特色。显然，他的作品的内容都直接来源于他作为建筑师所接受的训练和他对空间特性的研究。所以他的作品虽然设计独到，但是其物化和推广都需要通过艺术市场来实现。

Pablo Valbuena.扩增雕塑系列作品. 2008 (照片来源： Enrique G. Cardenas)

这两件作品像很多其他展品一样让我们用不同的视角看待周围的事物。它们让我们理解答案总是不止一个，而且我们没有理由一定要接受市场、设计师、政治家、宗教或科技要我们相信的东西。事物总是有不同的选择。很多东西之所以是现在的样子是因为我们把它们看成那个样子，我们认为那个样子不错或是能带来很多利润或是能给人类、环境带来好处等等。但事实上很多东西并不只是我们认为的样子，它们真实的样子是受我们所不能控制的大自然力支配的。所以没有绝对的真理，只有各种被人们逐渐接受是“真”的假设，但是这些假设可以改变而且会改变。

在展品名册上我们谈到Martin Scorsese的影视作品The Departed时引用了暴民团领袖Frank Costello描述自己生活环境时说的话，“我不想成为生活环境的产物，我想要环境成为我的产物。”。对我们来说设计也是同样的道理，并且这也提醒我们游戏规则是可能改变的。

麦加芬图书馆（图片来源：Gunnar Green）

麦加芬图书馆（图片来源：Sylvain Deleu）

另一方面部分作品选择了与艺术界的直接对话（比如“麦加芬图书馆和影院”）。是什么特点使这些作品严格的属于设计而非艺术的范畴？这两者之间的界限到底在哪里？或者是有意让这种界限比较模糊以更能达到理想的效果呢？

我们认为答案在于你如何定义它们。在我们看来什么都是设计。

几周前我们读到了一篇对 Vito Acconci 的访谈。当时他被问到一个类似的关于设计和艺术如何区分的问题，他谈到这个问题之所以存在很大的原因是“艺术”是唯一一本根据质量定义的学科。我们与他意见相同，我们认为艺术这个词语可以指在任何一种人类活动中的优秀作品。谁能说Ferran Adria的作品不如Jeff Koons更具艺术性呢？或者Frank Lloyd Wright的建筑不如Andreas Gurski的摄影作品艺术呢？或者达芬奇的飞行器不如他的蒙娜丽莎更艺术呢？我们没有比较的标准，也没有做这种比较的方法和理由。这是一个永恒的争论，我们的观点相对简单，因为我们认为两者没什么界限。可能那些能清晰分辨这两种概念的人会认为我们对于设计的这种认识不能接受或不够清晰吧。

麦加芬图书馆, 大众幻想机 (图片来源: Sylvain Deleu)

Noam Toran和Onkar Kular的作品“麦加芬图书馆”挑战了“设计”的传统范畴，我想或者应该说对艺术和设计都提出了挑战。他们的解释说McGuffin（麦加芬）是一由Alfred Hitchcock创造的用来定义一种引入叙事的电影技巧的词。这件作品的设计就是基于故事的，所以这种理念本身就是一种设计。对于Onckar和Noam来说，设计是他们的重要工作媒介，用这样的方法探索他们对设计的认识很不错。他们写了14部幻想电影的故事梗概，然后据此设计了一个作品。

这些作品在讲述事物作为我们理解外界世界的媒介的角色。从另一层面上说，他们也是在讲述科技、生产和设计。这些作品是直接从根据电脑3D设计制成的。他们制作过程没什么特别，就像你打印一份电脑文件一样。我们能把这种对科技、设计和工程学的运用说成平淡无奇的吗？只因为它并没有追求什么“更好”或是商业发展？这能称之为艺术吗？对于我们来说好的设计与好的艺术一样，重要的在于他们是否能够开阔和挑战我们对事物的旧有认识，也同时也能吸引人感染人。

Mathias Hahn的不完美的布偶

在Nowhere/now/here展览上展出的大部分作品来自欧洲。这是展览策划上特意的选择还是仅仅因为这种与事物联系的方式还只局限于欧洲。

这不是特意的选择。我们试图选出我们人又有意思的作品和艺术家以便帮助我们更好的阐释NOWHERE/NOW/HERE背后的意义。不过欧洲现在确实是是世界设计的中心，有很多世界著名且有影响力的设计学院（如RCA, Eindhoven, Domus,…)。所以不可避免的会有很多来设计出有趣作品的设计者（尽管他们可能不是欧洲人）自这些地方。

就像其他的项目一样，最后的决定及结果可能出于很多考虑（很多考虑可能很世俗）。

对于NOWHERE/NOW/HERE，我们试图与那些尽管与我们从事的领域不同但是和我们有很多相似点也都愿意一起探寻设计的边界的人合作。

图片来源：LABoral艺术中心 – 作者： Marcos Morilla

你们为什么让Patricia Urquiola 负责展览的设计？为什么不自己做？你是给她提出一些要求还是全权委托？你们合作的如何，她对展览的看法对你们有影响吗？

我们不想亲自做展览的设计和我们不愿意展出我们自己的作品的理由是一样的。我们只是觉得不应该同时担任展会策划、参展者、展品设计师三种角色，如果我们想展示自己的作品我们可以开自己的作品展。当然那样作为一个设计师要服从别人的管理，这并不容易，不过同时也会为作品加入不确定的因素从而，我们认为，能使整个过程更有意义。

我们很幸运能和Patricia Urquiola及Martino Berghinz合作，因为他们与LABoral艺术中心关系很好，这将对我们很有帮助。所以当他们决定加入时我们很高兴。

我们一直认为无论谁做展览设计我们希望它能成为展览的一环。我们很简单的陈述了我们的要求。我们给他们看来我我们召集的六组作品，让他们给我们六块可互相渗透的展出空间，让人们感到六组展品是一个整体，同时在参观一个作品的时候也会被其他的作品吸引，这样参观者就能打破展厅的结构按照自己的方式参观。

他们的意见是他们打算做成一个迷宫式的展览空间，里面会有很多可以让人独自欣赏的角落。这打破了我们以前想让六组作品有溶为一体的感觉的设想，但同时，这样做效果很好，因为它能给你比较个人化的参观体验。所以我们很尊重他们的建议，我们改变了观念，在各个单件展品中建立小的联系，而不是让他们成组出现。对于我们来说，不要插手太多，而是让这些以及其他的想法发挥作用是很重要的。

Carl Clerkin. 绝望测量. 2008 (照片来源： Enrique G. Cardenas)

你们认为她的想法有没有反应这次展览的主题呢？或是说有没有让它成为整个展览的一部分呢？

我们认为他们这种把空间通过从顶部悬垂下来的织物分割，圈围成相互连接的小间的方法扩大了空间（而且节省材料），提高了空间利用率。

你们都在伦敦教学，Roberto在皇家艺术学院教授产品设计而Rosario在金史密斯学院设计系授课。你们的教学经历会反应出你们这次展览中所提倡的理念和观点吗？重要的是，那些要想追寻像这次展览所邀请的艺术家一样的艺术之路的学生未来的职业生涯将是怎样的呢？他们是否只能忙于使他们的作品在画廊或是博物馆展出？还是到时商界会认识到对这种艺术理念的需求而企业也会敞开胸怀欢迎他们呢？

正如你所说，我们过去的十年分别在皇家艺术学院和金史密斯大学教书，我们还都是金士顿大学的研究员。对我们来说，这样的经历对于我们发展自己的艺术思想以及了解下一代设计者所关心的问题及他们的志向抱负是十分重要的。我们认为NW/N/H上的作品不应该被作为普通的展览上的展品看待，而应该被看成各种设计者抒发知识和技能的媒介。这些作品都是那些求知好问的头脑的产物，他们不把任何东西看做是理所当然的，但是他们对自己的作品开发却又是十分的负责和深刻的。我们这次邀请的很多设计师都是很成功的，尽管他们来自不同的领域，他们有一个共同点就是他们的工作和作品都不是随大流的。他们正在改变“设计”这门行业的范畴，他们阐释新的内容，打开新的创作领域。有些年轻的设计者已经开始探索他们自己的路，他们几年后一定能成为艺术和设计界或是艺术设计界、设计艺术界或是科学或是电影界的领军人物。

Cau 台灯 by Marti Guixé

你问的最后的问题，也就是他们的作品会出现在那里，这完全是一个经济性的问题。今天设计者有更多的可能性和机会把它们的作品商业化或是通过画廊展会等推广出去，这不一定要通过大众市场。我们需要了解近几年来市场所发生的变化，行业所发生的变化。工商业已经在吸引人才方面落后于人了，因为它不能迅速的对好的理念做出发硬。我们总是既会做一些实验性的作品又会做一些商业性的作品，这两者是平衡的而且是相互依赖的。这个相互补充的过程一直都是我们工作的一大特点，并且也使得我们的工作从中得到了完善（不过我们这种已经是“老一辈“的想法了）。我们工作的方式（或者我们的动力）和我们的学生不同，和他们看待设计及他们理想的工作都是不一样的。我希望行业（无论什么行业）能够行动起来并且努力再次成为研究和创造的领头羊。最后，决定哪些设计师能跟上潮流或者说他们的作品能不能被展出，无论是在明天的设计博物馆里，在几十年后的V&A艺术馆或是在几百年后的大英博物馆，都是一个市场机遇和他们的文化影响所决定的问题。

你认为像米兰的Salone del Mobile这样的设计圣地会接受这样的言论吗？

我看不到任何拒绝的理由。很多公司都支持新的观念理念。看到市场如何在改变各行各业，我们必须要采取行动，也接受新事物，不能总是固守过时的生活理念。

在米兰你能看到很多新事物新发展。不过到时会有超过300展览同时进行，参观起来还挺困难。我们甚至都无法确定展品是不是展出了。不管怎样，无论是好是坏，我们还有很多经济且更容易的方式推广我们的设计。

El Ultimo Grito有没有开始新的项目？能和我们分享下吗？

我们正在写一本关于我们作品的书，计划将于4月出版。我们还是像往常一样会做一些个人创意的项目也会做一些商业项目。有部分作品会在4月份在米兰展出。是的，一如既往，会做各种各样的项目。

感谢Roberto and Rosario!

Nowhere/Now/Here将在西班牙希洪的LABoral Centro de Arte y Creación Industrial （艺术创作中心）展出至2009年4月20日星期一。

主页图片来自：Daniel Charny ， Gabriel Klasmer，“运动家具”，2008（基于2003年Enrique G. Cardenas的版本再创作）.

相关：如果你不能去希洪（有伦敦过去的直飞航班），那么我建议你去看看Somerset House艺术馆的Wouldn’t It be Nice 在这里很多设计师将展出他们的作品，展览将进行到2008年12月4日。 Designing Critical Design – Part 1: Jurgen Bey, Designing Critical Design – Part 2: Marti Guixé and Dunne & Raby, Work in progress show at RCA: Platform 11 (design products), Tony Dunne – Design for Debate, etc.

design gadgets installation interview LABoral

Transmediale – Part 2, performances and videos 跨媒体–部分二，表演和视频

lady need money group — Wed, 26 May 2010 10:50:47 PDT

跨媒体 -第一部分，隐晦展的未来

我不习惯写一些关于媒体艺术节的文章，但是跨媒体中最好的部分对于我来说是表演和视频展示。我很想念节日的这部分节目，所以我就其中一些关键的部分写了这篇报道：

在这个艺术节中最耗时的表演恐怕是长达9个小时的“长时间对话” ，表演者是Sosolimited。艺术和设计团体凭借他们的表演节目再创立已经被提名为TM奖项，这个节目是广播电视现场混音的一种新形式，最早是在美国2008年大选中使用的。他们将这个作品适用于实验性讨论未来的长久对话中，这个节目是在一个大型的礼堂中开展的。在这9个小时中，21名艺术家，设计者，理论家，记者以及媒体干涉主义者相互之间传达讨论着乌托邦思想，和对于我们看待未来的方式有重大作用的科技。至少那是本来就要发生的事情。有时候活动进行的很顺利，有时候，讨论又变得有点崎岖。值得肯定的是，这个模式值得再次开拓，特别是当我周围的所有人都看起来貌似质疑这种会议形式的时候。

在the Haus der Kulturen der Welt的对面有一个单独的舞台，Sosolimited正忙于将这个谈话变成一个个的数据。

打字员正在转化演说家的话，并将文本流传送给一个由Sosolimited发明的分析软件。这种数据视觉化工具能够从广播中分离出视频，音频，以及它们中的文本，然后通过将荧幕上的人们的动作和讲话分类，将这些数据转变为一种神奇的叙述性文本。“长时间对话”中演说家说的的话被配上词汇数据库，根据话题，事态和语气分类。所有这些说话者的现时数据都通过不同的过滤器传送并且在打字员后面的屏幕中显示出来。

正如Sosolimited写的那样：参与者应该讨论一下未来，所以最好我们要与他们所使用的动词时态保持一致，看看是否他们一致。几乎没有人能够会用将来时，他们更喜欢用现在时，21个参与者中17个人最喜欢使用的词语是“我”。

(images courtesy of the artists)

闭幕式上借用了题目未来的神话，选自由J. G. Ballard创作的短篇小说。关注的是中国的媒体艺术。

来自FM3_Zhang的张荐和徐文恺带给我们一场适合沉思的视觉及听觉表演。张荐是电子音乐的开拓者，同时也是Buddha Machine的创始人之一，Buddha Machine是一个音乐循环播放器，看起来就像是一个小型的半导体收音机。aaajiao（徐文恺）是一个媒体艺术家和视觉资料展示者，他的作品和展示在最近的几年里在世界的很多国家展出。同时，他也是we-need-money-not-art.com网站的强有力的推动者，we-need-money-not-art.com这个网站博客不仅将“我们要钱不要艺术”中的很多文章翻译成了中文，同时也覆盖了整个国家的一些大型媒体艺术活动。通过他对网站的工作，aaajiao正在扮演着主要的推动角色，将媒体艺术和自由文化的氛围带到了中国。

那天晚上的表演是由 Li Zhenhua（李振华）设计的，他是Laboratory Art Beijing的创建者，也是中国最有潜力最具天赋的策展人之一。尽管他天资聪颖，但是他深知他要在舞台上开拓自己的一片天很不容易。进入到Feng Mengbo。他带着他的定制游戏软件“Game over”来到舞台上：“长征”，见证了一个红军士兵浴血奋战的情景，挑战了中国近代史，近代文化以及如何受国外的影响（想象一下中国的长城遇见可口可乐是怎样的一副场景啊。）

我正在为“跨媒体艺术节”的下一版想个庄严的宣誓，花不了多少时间来向我在酒吧里遇见的每个人谈论这些没用的东西，然后就会去更近距离地观看视频。因为今年的电影和视频展太令人惊叹了。

这部分由Marcel Schwierin主持，在失落的乌托邦中回应了“当下的未来！”这个主题。这11部分列举了各种各样的次主题，比如媒体的角色，人类的身体在未来的样子，以及后社会主义时代。

我没有看完所有的电影，但是这里可以快速浏览一下：

Dear Adviser by Vincent Meessen, 2009

Vincent Meessen的“亲爱的建议者”这个部分是媒体拟人化展览的一部分。这个电影围绕的是Chandigarh，这个城市由Le Corbusier在20世纪50年代设计，当时作为一个新兴的进步国家—印度的象征，当时印度已经从它的殖民地环境中解脱出来了。现在，Chandigarh代表的则是现代主义观念的失败性。The Capitol是一个内部城市，有着政府的建筑和Meessen电影的焦点，但是仍然保留着阴沉的风格，由于安全隐患的存在很容易引起公众的注意，因为在这个地区，存在着很多种族的和宗教的问题。

Kurt Maetzig, Der Schweigende Stern (First Spaceship on Venus), 1959

第一部科幻电影起源于GDR–Der Schweigende Stern (First Spaceship on Venus，很好的适应了“未来”的主题。这个电影在周日的时候在一个大剧场中展示了。

这部1960年的电影根据Stanisław Lem的小说The Astronaut，他是一个波澜的作家，在他的作品中，提出了一个关于未来的观念，与科技，社会以及心理结合在一起。在“完全视觉”中的拍照（在东德，“完全视觉”是一个大的屏幕，相当于美国的Cinemascope），这个电影讲的是是地狱般的处境，因此展示了对未来的一种消极的警示。

Reynold Reynolds, Secret Machine 2009

秘密的机器，由Reynold Reynolds创作，是未来身体的一部分，里面结合了很多科技，并且借用一个人体模型。这个电影的参与者是自我矛盾的，研究人体，测量身体各部分的反映，之后将她比作时空的组合。这个场景的灵感来自Muybridge对人体和动物的运动的研究。

Taysir Batnji, Transit, 2004

Rasha Salti设计的Guest(客人), Agit-Prop, 朋克和诗人: 电影，视频和阿拉伯世界的激进主义之间的数字媒体展示了数字媒体在政治危机和暴力运动中是如何挑战主流媒体的。这个节目伴随着Arabshorts.net的展示，Arabshorts.net是一个展示电影节目的网络平台，由来自中东和北非的9个不同国家的设计者主持。

Bouchra Khalili, Straight Stories, Part 1, 2006

平白的故事，由Bouchra Khalil创作，是一个关于在模棱两可的前沿地带徘徊的作品。在这个地带中，现实环境和想象环境是一样的。在Straight Stories的第一部分中，在西班牙和摩洛哥边境两侧的年轻人想象着在另一侧的生活。景象看起来是一样的，但是第一世界和第三世界之间的迁移被法律的，社会的，文化的和政治上的复杂性阻挡了。

Palestine Note会对“跨媒体”展览中Rasha Salti做的展示进行报道。

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Transmediale – Part 1, the Future Obscura exhibition/Transmediale 第一部分未来暗箱展览

lady need money group — Wed, 26 May 2010 10:50:35 PDT

在每年在极其寒冷的二月于柏林举办的当代艺术及数码文化节Transmediale上让我印象最深的一幕发生在从艺术节大本营Haus der Kulturen der Welt开出到Alexanderplatz去的100路公交车。一群青少年在谈论着艺术节，谈他们所看到的，他们喜欢和不喜欢的，谈来参加会议的人都是穿的什么衣服。结果是他们的观点和对艺术节的期待与我的非常不同。这对幼稚的我来说真是件惊天动地的事。

我从来没仔细想过像Transmediale艺术节这样的活动都会有哪些人参加。我的注意力从来没走出过那些我认识的人还有他们认识的人，艺术家、媒体、博物馆长等等。他们的工作几乎天天都是围绕讨论、参观、分析媒体艺术展开的。但是一个艺术展不用一定非要得到“业内人士”的出席和认可才行。随着媒体艺术节越来越不再是城市的活动的稀客，展览的总监和组织者是应该适应那些比较可能来看展览的业内人士的口味还是更广泛的大众的口味？能够做到满足所有人的期望吗？或者说满足所有人的期望就是好的吗？

Haus der Kulturen der Welt

对于这个问题我也没有答案但我正在思考。100路公交车上的经历让我认识到作为一个艺术博客应该吸引哪些或者多少观众的问题对我来说是不存在的。我从很早起就不再关心统计值、浏览量、点击率之类的东西了。尽管我知道这样做是不明智的，但是我觉得维持现状就挺好的。毕竟我不是在搞一项网络活动。我只集中精力做一个勤勤恳恳、客观而又小有懒惰的博客就好了。不管怎样，我那天晚上在车上听到的评价的却让我用全新的视角看待艺术节的主要展览了。

这个展览的主题叫做Future Obscura（未来暗箱），这与整个艺术节的主题“未来现在！”是吻合的。不过它也暗指了 camera obscura（暗箱），一种最终导致了摄影技术的发明的光学设备。我希望大家不要太字面的理解这个主题：艺术作品被放在光线昏暗的屋子里、盖上黑色的盖布。有时，完全不是这么回事。

由Honor Harger客座举办的这个展览是通过重新欣赏过去的成像设备和技术探索未来这个主题的。时间的连续性被艺术家们特意打破了。他们的作品让我们思考我们所谓的未来（Villa Harpel或者能快速飞行的车子）的短暂性，以及已经变得越来越模糊的未来的观念本身。

Zilvinas Kempinas, 白色噪音, 2007 (图片来源： Jonathan Gröger)

简单却又散发着淡淡的魅力，Zilvinas Kempinas的这个叫做“白色噪音”的屏幕是这次展览的新星。从远处看，屏幕似乎在闪动，就好像一个未调谐的视频上的黑白像素。当参观者走向前，他们会发现这个屏幕事实上一个个空旷的墙，墙上水平拉着很多录像带。它们被风扇吹动而飘舞着。这不像魔术，一旦揭开背后的秘密就会变得没有意思，而“白色噪音”是你越理解它你就会越会觉得有意思。

Kempinas的装置为这种几乎已经“死去”的媒体注入了新生，不断提醒着我们录影带不仅是储存信息的媒体也是一种实实在在的东西。

Julien Maire, 倒置的圆锥. 图片由 lmlrpt提供

在他1896年的书物质和记忆中，哲学家Henri Bergson解释到“记忆圆锥”的底部代表着我们对过去的记忆，而其顶部代表着我们现在的状况以及我们在与外界接触的时候回想起的过去的事。

Julien Maire的这件名为倒置的圆锥的项目，在我看来，最能体现整个展览的主题。它将Bergson的“记忆圆锥”理论转化成了一个光学过程。

家庭照片、教育图片、以及其它在跳蚤市场上买来的幻灯片被一个投影仪放映出来。没有被放大投在屏幕上，相反它们被通过镜头缩小并且聚集到一个“数码镜子”上。

一个连接在相机上的视频投影仪会在演示者排放一张张小纸片时将演示者的手拍摄下来。每个小纸片都能打开投影图的一个区域。通过在移动摆在桌上的纸片，演示者不断揭开和重组一段世界历史或者选择展示出一个瞬间的回忆。新旧媒体在这里很好的融合了起来。

在“倒置的圆锥”中，数码成像和模拟成像的图片会通过同一个镜头传递给观众，因此观众可以同时感受不同年代的效果。

Julian Oliver 正在向我们演示The Artvertiser. Image by Jonathan Gröger

而由Julian Oliver, Diego Diaz, Clara Boj 及 Damian Stewart 共同制作的 “The Artvertiser（艺术广告者）”则关注了一种在几年前还让人们赞叹十分“未来”的科技以及今天“这种科技到底出了什么问题？”。这个扩张现实项目通过一个双筒镜装置的镜头观察那些广告密集的城市空间，镜头可以自动用艺术作品替代广告。The Artvertiser（艺术广告者）中的软件能识别出单个广告，并把广告用作显示艺术作品的虚拟画布。

Ken Rinaldo, 狗仔队幼虫 (照片由 Jonathan Gröger提供)

Ken Rinaldo的狗仔队幼虫定位于现在。

三个自主机器人以与人类相同的速度行走。它们的目的是为人们拍照并将这些照片提供给媒体和网络，以此表现我们的文化对“名人照片”及我们自己照片的痴迷。我们对照片的迷恋使我们忽视监控科技的标志和弊端。

这些机器人不会给每一个它们遇到的人拍照。相反它们会更具一些标准比如是否在微笑或者是他们微笑的形状等等选择参观者中的一个人然后忽视其他的人。

Yvette Mattern, 从一个到很多, 2010 (照片由 Jonathan Gröger提供)

Yvette Mattern的漂亮至极的激光彩虹投影项目“从一个到很多”在柏林夜空中闪耀了三个晚上，使得每个柏林人，不管他们知不知道艺术节的存在或是有没有艺术节的门票，都能享受这个盛典。

这个彩虹从Haus der Kulturen der Welt的楼顶乘对角线方向射出，射程有3千米，能达到高于亚历山大广场的Fernsehturm电视台250米的高度。

这个项目的另一个版本已在一年前于纽约展出过，而它的名字叫全球彩虹.

我在艺术节所拍的照片。

相关：云层核心扫描仪 – 零重力情况下的重力实验.

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BIP 2010 – Equilibrium and Accident BIP2010——平衡与偶然性

lady need money group — Mon, 17 May 2010 14:00:02 PDT

正如上周所说，我将报道一下全球摄影及视觉艺术双年展——aka BIP2010——在比利时列日展出至2010年4月25日。

该市位于比利时的法语区，且和荷兰、德国相距很近，所以此次双年展使用的是法语、荷兰语和德语。不仅是官方网站，展馆内的各项说明文字和信息都是三语的，我认为这一点很不错。但是双年展的主题“（不受）控制”是英语的。BIP2010邀请了一百位艺术家向当今社会在控制、监督和调节方面不断攀升的欲望提出质疑。这一令人担忧的趋势（很幸运的）留下了偶然性和非理性以及意外和荒诞的空间。

每个展区都探讨“（不受）控制”这一主题的一方面。例如Musée d’Art Wallon（瓦龙人艺术博物馆）就专门探讨“平衡与偶然性”问题。有些艺术家触及控制或是保护的边界后继续发挥，直至平衡被打破。有些则停留在界限之内，维持平衡状态。

MAW是一座阴郁、朴素的建筑，位于列日市历史区的正中心。我在参观里面的陈列物之前，先拍摄了一些周边博物馆的照片，如下所示：

在展厅的入口处，游客们就可以感受到“平衡与偶然性”的理念，看到Julien Berthier的革命之光在房顶上快速旋转。我不确定游客需要多高才能感受到灯光照耀在脸上的感觉。一方面你想更近距离的观察它，另一方面它就挂在你的头顶、危机重重。你能靠多近？我不禁想到，如果它在英国，那挑剔得出了名的安全保健部门会怎么处置它。

Julien Berthier。革命之光，2006

同前面的吊灯相比，Tilman Peschel的“革命”系列照片描述的是一种无声的危险概念。围着一圈保护性质的泡沫，这位艺术家漫游在“黑森林”里，寻求可能的危险情况。

Roman Signer的作品“56架小直升机”将56个玩具直升机整齐的排列在地板上。它们起飞的时候就像是一群蜻蜓，但它们没有声音而且乱哄哄的，是一种悲剧性的演绎。它们相互碰撞，最后纷纷掉在地上。作品

Roman Signer，56架小直升机（2008）

离MAW几步之遥的是文化中心Les Brasseurs / 别馆。它很像是由前工业或前商业时期的会场改造而成的当代艺术馆……

但他们的小酒馆很迷人（Les Brasseurs就是“啤酒制造者”的意思），那里有独立的椅子、由不同图案得地砖拼成的地板和木制屋顶。

Les Brasseurs的次主题是时间（之外）。不同于完全不受人控制的空间，时间是可以由艺术家们以一种近乎平实的方法来处理的。

Sarah van Marcke拍摄的“反射的世界”超出于时空之外。即便是建筑因素也寻求各自的功能和意义。

Sarah van Marcke，无题（路边景物），选自“地点”系列，2009

Sarah Van Marcke，绝妙的4号邮箱，2006

青年摄影师Laurie Polson对时间的处理是描绘同死亡相关的各种职业。下图是比利时弗罗云维亚的一位殡葬承办人：

Laurie Polson，Francis，殡葬承办人，弗罗云维亚，2009年2月

Matthew Pillsbury使在被誉为是时间守护者的博物馆中度过的时间更具真实感。

Matthew Pillsbury，凝视麋鹿的自画像，2004

Matthew Pillsbury，凝视乔孔达像，万国大厅，卢浮宫，2008

BIP2010，全球摄影及视觉艺术双年展，展出于比利时列日市，至2010年4月25日。

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Interactivos? Garage Astrobiology – Microbes and EMF /交互？车库天体生物学-Microbes和EMF

lady need money group — Wed, 12 May 2010 08:43:22 PDT

÷这个系列的第二集要献给Prado媒体实验室的“交互？车库天体生物学”（Interactivos? Garage Science）（第一部分点击此处press here），这个工作坊结合了软件、硬件和生物学，几周前在马德里举办。

“车库实验室”（Garage Laboratory）和（Andy Gracie）（当我还是个勤奋工作的博客作者时曾采访interviewed过他）想要检验电磁场和无线电波对城市环境中收集和培养微生物物种的影响。

Andy的小组适用了一些自制的实验室设备，开发了一套可变强度的磁场发电机及相关设备，这样一来就可以观察生物体在不同磁场内的反应。

可以跟我们说说你为这个项目所选择的可爱的微生物吗？为什么要选择它们？它们有什么特点？

本来我想用三种不同的生物来做实验；节肢动物（tardigrades）、线虫（nematodes）和磁性细菌（magnetic bacteria）。这个项目是基于历史并不长的一门叫“天体生物学”（astrobiology）的新科学，一些物种如线虫和节肢动物已经被传送到了太空中。有一点很重要，所使用的生物体必须已经和天体生物学有相关性，或者和太空探索有联系。

线虫已经被用于研究（study）长期太空飞行如何影响人的衰老、对暴露在宇宙射线中的耐受力以及肌肉在失重状态中的退化。它们看上去相当坚强，因为它们是2003年哥伦比亚号航天飞机灾难中的唯一幸存者。线虫罐撞击地面的力量相当于地球重力的2295倍。

节肢动物是聚极端生物（polyextremophiles），也就是说它们可以在多种极端环境或条件下生存，在进入隐生后繁衍。2007年，一些节肢动物被打包（packed）放进一架光子- M3宇宙飞船，暴露在宇宙真空中以测试它们对极热极寒条件、宇宙射线、致命水平的太阳紫外线辐射以及缺乏空气、水和食物的忍耐力。宇宙飞船返回地球时，大量动物进行了繁衍，甚至它们的孕育过程中也没有显示出受到了任何伤害。

而磁场细菌“磁螺菌”（Magnetospirillum gryphiswaldense）的细胞中含有磁性，他们可以在磁场线中移动。最近，火星陨石中的超细晶粒磁铁矿颗粒已被列为古代外星生命存在的假定证据，它们和现代细菌的磁晶体类似。

最后我们集中在节肢动物，因为正如你所指出的，它们是其中最可爱的。它们惹人喜爱有很多原因，不过对它们自己来说却很是不幸，我必须逼着自己把它们用于各种不同的实验中。

这个项目研究了电磁场和无线电波对城市环境中收集和培养微生物物种的影响。你在实验中得到了什么发现？我们作为人类，需要担心电磁场和无线电波对微生物的影响吗？还是说我们体积够大，不用担心这一点？

这个项目使用来自“先锋者和旅行者”提供的磁场数据，探索生物体培养中相应产生的磁场。在“交互？”工作坊期间，时机和素材都还不够成熟，所以我们无法得到任何程度的结果，我们只是做了一些视觉观察。而当节肢动物第一次撞上强磁场时，它们基本上停止了运动，好像进入了一种紧张状态。通常在一小时后它们会重新开始自由活动。于是我有了这种印象，就是它们每次需要的恢复时间和受惊吓程度都逐次递减，所以或许它们的忍耐力不断增加。我真的需要多做点功课才能确定这一点。

关于无线电波和磁场对人类健康的影响，我们还需要很多研究才能确定，当然已经有了很多自相矛盾的论断。不过毋庸置疑的是，暴露在这些状况下的健康受影响程度还是非常需要被研究的，因为随着新科技的进步，人类和这些场的接触越来越多。低频率的磁场被怀疑可能致癌，也许和乳腺癌和心血管疾病有关，而最近的研究显示这种联系的可能性不大。我们也缺乏对于电气超敏反应的医学记录和研究。

在动物世界，我们已经有了针对迁徙鸟类、蝙蝠、某些鱼类和昆虫的研究，它们移动的方向或迁徙行为很大程度上取决于磁场，研究也包括鲨鱼、鳐和其他拥有电动感觉器官的鱼类。很多生长在输电线路旁的植物都显示出了应力信号。

这些联系很重要，我们将自己置于日益强化的电波和磁场中，这对该项目而言是一个相关的背景，虽然不是它的主要研究对象。

开发项目中你遇到的最大的挑战是什么？

倒没有特别大的某一个挑战，但是有很多小困难的集合—尽管时间不足成为了越来越困难的一个因素。我们工作到很晚，喝超量咖啡，这样一来倒也解决了时间不足的问题。

我的工作总是涵盖很多方面—即使我和小型生物体打交道—所以我就需要一个适合放在显微镜下的设备，这也是一个新的挑战。幸运的是我有一群很棒的合作者，Marc Dusseiller、Georg Kettele和Martin Kern为我提供了很强大的硬件和软件，解决了这个问题。

我们使用了一种名为 PDMS的有机硅，制作出一些非常酷的设备，它们包含电磁体、其他电子产品和生物体。这真的是一个突破，给了我们很多新想法，将树脂和有机硅作为一种建筑材料。

你在Prado媒体实验室的演讲中提到，车库天体生物学是一个更大的项目的一部分。可以解释一下吗？

是的。目前我正在开发一个更大的项目，而我们在媒体实验室（Medialab）所做的只是其中的一小部分。这个项目致力于从更广泛的深空中搜集环境数据，用以创建某种相应形式的环境，其中包括大量不同的生物体，它们都和天体生物学关系密切。我希望根据生物体内的交互建立一种收集有效数据的途径，然后使用这些数据激发一种生命体，它是深空中和外部环境中理想的生存模式。目前我正在和“深空网络”（Deep Space Network）以及美国宇航局的不同人物沟通，希望直接从空间探测器中得到即时的数据。我也试图和天体生物学实验室建立关系，希望他们可以帮我从生物体中得到信息，提供我一定的预算创建一个外部生命环境。

我的项目通常都会包括功能性和失功能性、乌托邦和反乌托邦两个方面。我喜欢从20世纪70年代早期开发的飞船中搜集信息，当时的太空探索的乌托邦和浪漫主义思潮刚刚起步，我将它们带回到当代的讨论中，现在的太空探索已经更加务实，更加“脚踏实地”。

你计划让项目更进一步吗？如果是的话，下一步是什么？

这个问题之前已经差不多被回答过了。这个项目还有很多前景，也有很多工作需要完成。感谢我们在“交互？”工作坊完成的工作。我认为更大的项目具有更大的成功潜力，也会涉及我最初没有设想到的一些发展方向。这些都很好。

至于其他工作，我有很多令人振奋的新想法，关于使用新材料和新方法，跟有机系统结合来开发设备和机器人。或许我还会制作小型的作品。这些对我来说是挺激进的。

Thanks Andy!

感谢Andy!

更多图片来自“天体生物学最佳图片集”（Best of Astrobiology set）

相关阅读:Antony Hall访谈（Interview with Antony Hall）

bio bioart interactivos?

Magazine review: Volume杂志读评：《Volume》

lady need money group — Wed, 12 May 2010 08:25:24 PDT

第二十期的《Volume》杂志已经出炉了！以都市生活和建筑为主题的这份季刊这次的主题是叙事：去年多部电视剧共同争抢收视率，比如：《次贷》《银行业大垮台》《财政援助》《激励》《全球蔓延》《破产》。这些使劲全力追踪金融危机的片子自己本身也还没来的及弄清楚事情背后的原因。这些问题背后的背景、动机、困境到底是什么？还有更重要的，问题的形成决定了这个问题应该怎样解决？第二十期的Volume专注叙事。它向我们展现了事件和建筑发生变化的清晰轨迹，告诉我们展现事实固然重要，艺术作品高于现实的特点也很重要。或许最好的理解我们这个时代的方法就是要通过那些扭曲、怪异、比现实更生动的叙述完成。

Volume的座右铭是“做或不做”，它希望超越建筑“建造房屋”的定义，拥有设计环境的全球视野，及对社会阶级更宽容的态度，以及重申建筑的重要文化政治意义。

这期的内容也很彻底的表现了他们的这种理念。内容的多角度性是你难以想象的。我甚至在38页上看到了Jean Des Esseintes，在22到25页有在东京的公共场所睡着觉的穿戴整齐的日本人，还使我更详细的了解了Dave McKean作品。杂志通过文章、散文、访谈等向我们展示出一副千变万化引人入胜的图景，探讨了这次危机及面对危机最理性的解决方法（尽管有时是出人意料的）。杂志的设计和图表很吸引人，虽然有时有些过于复杂。

Volume杂志，《叙事》中的一小部分内容：

Bjarke Ingles用漫画式的手法像我们展示了BIG的2010世博会丹麦馆Welfairytales的设计（视频）。有一个关于La Casa del Carbonero的专题。有Smiljan Radic1999年的作品《烧煤人的小屋》。Geoff Manaugh以Todd Hido的摄影系列作品《典当的房屋》为出发点引出一个堕落的世界可能由铺着肮脏地毯的空房子组成，而不只是大火或战争。同时对经济学家Andrew Oswald的采访探索了房屋自住和出租的利弊，前者很稳定，后者有收益但也有流动性风险。

Todd Hido,1922a,来自《典当的房屋》系列

有一篇关于《生物圈2》的评论，分析了生态危机与学术研究、生物圈构建、资源分配之间的关系。

有一篇文章讨论了伴随所谓的“灰色浪潮”而来的为精力充足身体健康的老年人群体提供无限期休假服务的城市模型。太阳城是最前沿的退休社区实验地。这个阳光充足的退休天堂在商业上取得巨大成功。开发商开始大面积推广这一模型。在The Villages地区蓬勃发展的，福罗里达州友好退休家园是作为有活力的退休者的迪斯尼乐园而建立的。它精心设计复制了老人们儿童时期的小镇和村庄。不过，在日本长崎县中心的Huis Ten Bosch退休社区更像是一个主题公园。

Peter Granser的水中的夫妇（Paar im Pool 2)，2000.图片由Richardson 画廊提供。

在一篇引人入胜的访谈中，环境地理学家Robert McLeman总结了今天对于流动居住和稳定居住之间的矛盾。他比较了在黑色风暴事件时造成移居浪潮的因素以及今天由于市场因素引起的住房软禁和未来由气候变化带来的迁移要求。

(图片image)

一个16页的增刊分析了Warren （Michigan）如何通过的基于社区的实用项目重新达成这个城市的美国梦。

因为这期杂志的主题是“叙事”，C-Lab也同样像我们讲述了他们自己的故事。一个鸵鸟是如何救了一个以它的形象做出的机器人“科技鸵鸟”的命的故事。Volume编辑组还和新闻专家记者一起讨论了叙事的主要方面：如何讲述一则新闻，我们独到的新闻和我们在电视上看到的有什么不同，叙述性和分析性之间的矛盾，以及在时事中实用历史事件的手法，等等。

Volume杂志资料库。

我对Volume杂志的热爱可是有“贴”为据的：Urban China Bootlegged by C-Lab for Volume , Volume and the JoA&P are out, Magazines: Nozone X, a minima, Neural, Cluster and Volume, A few magazines i’ve discovered (and in some cases liked) last month. 主页图片：老人在跳舞，穿红色裙子转圈的女人，在退休社区，太阳城，Az.

architecture magazine

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