We need money not art

1440 @ songjiang

aaajiao — Tue, 10 Nov 2009 01:32:48 PST

看图说话

Manifesta 7: Tantalum Memorial – Residue／欧洲宣言展7: 钽纪念馆

lady need money group — Fri, 30 Oct 2009 01:44:45 PDT

刚刚从宣言展（Manifesta）回来。这个艺术巡回双年展的第七届展览在意大利的特伦蒂诺-南蒂罗尔举行。那里的食物绝对是意大利风味的，不过多了点香酥的日尔曼口味，那里的人和氛围也一样。展览的地点分布在几个不同的地方，这样一来参观者会觉得更加新奇，大多数展品都在小城郊区的废弃的工业大楼里（这多时尚啊！）。

前身是Alumix工厂的展区内，摄影:Andrea Pozza

其实我下半周还会完整报道一次宣言展，但现在还是要提一下在本届双年展博尔扎诺分展上看到的一个项目（project），具体来说它位于非常戏剧性的展区，这个展区前身是一座生产铝（aluminum）的化工厂。

“钽纪念-残留”（Tantalum Memorial – Residue）是一个以电话为介质的装置，纪念在刚果钶钽铁矿石战争中丧命的人们，该装置由来自英国的Graham Harwood、Richard Wright和Matsuko Yokokoji共同创作。

钶钽铁矿石（Coltan）在非洲口语中是铌钽的意思，这是开采金属钽的金属矿石—它是消费类电子产品如移动电话和电脑等必不可少的组成部分。对钽的大量需求使其变得越来越贵重。分析家说（say ）国际上对钽的需求是刚果民主共和国内战（war ）的主要导火索之一（one），它导致了该国敌对民兵的出现，并间接导致了该地区大猩猩的灭绝（disappearance）。

这个装置由一个1938年的旧机电设备—Strowger 电话交换机（Strowger telephone exchange）建成，这台机器在Alumix工厂的残体中被发现。从远处看它好像确实属于工厂前身的一部分。一台被遗忘了几十年的旧电话交换机。这些交换机被保存下来，用于追踪来自“电话通道”（Telephone Trottoire）的电话—这是一个社会电话网络，由艺术家和伦敦刚果电台节目Nostalgie Ya Mboka合作完成。该网络拨通刚果听众，向他们播放电话讯息，然后邀请他们录下一段评论，并通过播打电话号码的方式将它告知给一个朋友。这一网络的建造基于刚果传统的“无线电通道”或“路面电台”等操作，他们以这种方式将街上的新闻和小道消息传播开来，而不必受到政府的审查。

但是回到这个异常美丽的装置。正如图册中所介绍的那样:交换机的行为和声音使这种循环谈话成为了具体的存在，否则它将无影无形，全球化的模糊感、跨国移民和我们对不断沟通的癖好都通过这一传播形式得到了融合。

Alumix工厂前身的照片，摄影:Andrea Pozza

更多装置的图片（images）。主页上的照片（Photo）:Graham Harwood, Richard Wright和 Matsuko Yokokoji @ 欧洲宣言展 7, 休憩现在式, 博尔札诺, 意大利, 2008.

欧洲宣言展 7（Manifesta 7）—欧洲当代艺术双年展，2008年11月2日截止，地点在特伦托、Fortezza 、罗韦雷托和博尔扎诺。

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Manifesta: caring for fungi and pollution／欧洲宣言展:关注真菌和污染

lady need money group — Fri, 30 Oct 2009 01:42:35 PDT

我喜欢“休憩现在式”，它是欧洲宣言双年展的博尔扎诺展区名称，我对它的偏爱有点过剩，现在我担心本周在双年展上看过的其他展览都会被我抛之脑后。两位参与的艺术家／建筑师十分字面地回答了“Raqs媒体集团”（The Raqs Media Collective）提出的若干问题，该集团也是本次展览的策展方:当一切都消失的时候，还有什么会被留下？哪些可以检索，哪些要被记住？剩下的东西如何才能变得有意义？

随着时间的推移，寄生微生物如蓝藻菌（cyanobacterias）和枝孢属（Cladosporium）的真菌，已经占据了Alumix工厂废旧厂房的墙体。而这座工厂的复苏则意味着建筑作为微生物的住宅而失去了原本的价值。

建筑师Stangeland和Kropf决定参与这一过渡状态。“赤裸的花园”（The Naked Garden ）产生于不同模式的协调:生物繁殖、数学抽象和技术执行。一个根据真菌生长规则进行编程的机器人在已经居住了真菌的墙体上雕刻、钻孔，然后让光线、水和风进入，提高真菌的基本生活状况。

Jorge Otero-Pailos是一位建筑师和理论家，他专门研究历史建筑保护的实验形式。他为宣言占所做的贡献就是“灰尘的伦理”（The Ethics of Dust），这是一个用于维持污染和灰尘的装置，而在建筑的修建翻新过程中这个装置必须被除去。污染具有负面的含义。然而，它可以讲述关于我们社会、文化和工业历史的动人故事。

在两周时间中，Otero-Pailos和他的建筑小组在Alumix工厂的前身，用乳胶修复了整个墙面的涂层，这样就可以保存在过去数十年中积累下来的空气污染和灰尘。建筑师然后将乳胶去除下来，看上去像一件半透明的的珍贵的寿衣。

Jorge Otero-Pailos的“灰尘的伦理”装置

19世纪的考古学家为世界纪念碑制作了石膏模型，这样欧洲学术界就可以学习古代文化的建筑，Otero-Pailos提出，这是一种认识建筑和历史的新方式。

欧洲宣言展 7（Manifesta 7）—欧洲当代艺术双年展，2008年11月2日截止，地点在特伦托、Fortezza 、罗韦雷托和博尔扎诺。

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architecture bio bioart Manifesta robots

Book Review – Enter Spanish Creativity 书评：进入西班牙创意世界

lady need money group — Fri, 30 Oct 2009 01:16:56 PDT

《进入西班牙创意世界》一书由CLA-SE编辑，在英美（USA UK）亚马逊有售。这个月我没写几篇书评，现在重新回到工作，要从简单的入手，慢慢适应一下。

出版商Actar说（says）:每个系统都需要一个逃生阀，一种减压机制。而在专业的图形设计领域，这种逃生阀并不仅仅指从键盘上“逃离”，而是全新的体验模式所带来的视觉诱惑。而这就是对西班牙设计现状的概念定义。西班牙已经成为了一个国际化的实验室，来自世界各地的创意先锋聚集到这里，互相滋养，互相影响。

以下是从众多创作者中选取出来的Basedesign、Ipsum Planet、Enric Jardí和Paco Bascuñán的作品。

我爱西班牙。他们有我最喜欢吃的马铃薯蛋饼，有我最沉醉的自然风光（landscapes），有一些我最心仪的活动家（列举起来有一长串），有我最欣赏的建筑师（还有同时兼具活动家和建筑师身份的比如 Santiago Cirugeda），他们还有我的rss读者中最具智慧的博客（列举开来同样太长，但是你可以点击这个试试看 try this one），他们还有很多很多我的最爱，不一一说明了。就如我的意大利男友（他有那么一点烦人）会告诉你的那样，我真的可以就这个话题说上好几个小时。

José Miró最新一期的设计系列（Pasarela Cibeles）

也许西班牙最吸引人的特质就是你在这里可以找到完全老式的，也可以看到绝对前卫的。《进入西班牙创意世界》就介绍了很多前卫的设计，至于老式的设计本书则毫无涉猎。

入选《进入西班牙创意世界》的设计工作室根据名称进行排名。每一名设计师最多可以呈现4幅作品，还可以简要介绍一下作品的内容，留下网站地址。本书易读、廉价、快捷、悦目。大多数的设计师都来自巴塞罗那，加泰罗尼亚中心主义真的对西班牙的图形设计水平有所影响吗？

这里我选择了一些有意思的作品:

max-o-matic:我花了多少时间？40还是60分钟浏览他的网站，从一幅图片到另外一幅，然后再从头看一遍，我真的很享受其中。

乒乓混音（Ping-Pong Remix）

Un mundo feliz是为关塔那摩（Guantanamo ）拘留营五周年纪念设计的，这几乎和大内密探（Agent Provocateur ）设计的“公正审判我的驴裤子”（Fair Trial My Arse pants）一样伟大。

间谍（Spy），因为他们的“干预”和再次利用扔在街上的家具。

街道战争

Gregori Saavedra:我仍然需要学会怎么浏览他的网站，不过无论如何还是要推荐一下…

还有Fundición Gráfica手工制作的立体式婚礼请柬:

哦看！我还有一小段预告片给你:

Youtube的视频（Video）

还有最后一样让我开心的作品。Twopoints设计了非常精美的书籍《荷兰超级设计》（Super Holland Design），他们做了一张海报，介绍了如何烹调真正的马铃薯蛋饼。

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books design

Interview with Daniel Canogar 与丹尼尔•卡努格的访谈

lady need money group — Sun, 25 Oct 2009 10:15:10 PDT

丹尼尔·卡努格（Daniel Canogar）是一位在西班牙和加拿大两国之间居住的媒体艺术家。他还是VIDA——国际艺术与人工生命竞赛的艺术总监。这个奖项是由技术基金会（Fundación Telefónica）于10年前设立的，用于奖励那些运用或展现人工生命技术的艺术作品。

之前获颁此奖的作品包括：会出汗的机器人、会跟着你的桌子、患疯牛病的机器狗、能根据环境变化修正自己指令的太阳能设备、非暴力抗议机器人、可行走的墓地坦克、环球吹哨器等等。这些作品的共通之处在于，他们都能表现出那些需要长时间进化才能具备的高级行为，可以与环境互动并且看起来拥有独立的生命。

过去十年间获奖的几十项作品构成了一个独具特色的作品库，里面展现了电子艺术在其最为耀眼的领域所经历的演变。即将到来的截止递交日期（2008年10月6日）成为我就这次竞赛采访丹尼尔·卡努格（Daniel Canogar）的理由。

去年，VIDA赛事迎来了它的10周年纪念。在这十年间，这项赛事经历了怎样的演变？是不是变得更富于进取心？有没有给自己设定新的目标？是否拓展了新的视野？我所想到的是去年的奖项得主，Symbiotica的NoArk，获奖原因并不是因为电子而是生物技术。

奥隆·卡茨（Oron Catts）与伊奥耐·祖厄（Ionat Zurr），Noark（VIDA 10.0）

VIDA刚刚设立的时候，人工生命是一门有着10多年历史的、非常年轻的学科。和其他新近成立的学科一样，它在自己的领域也有较大的发展，这在VIDA中也有所体现。几年前，陪审团的专家围绕VIDA是否应该开放生物艺术的问题展看激烈的讨论。人工生命的本源在于计算机模拟而非生物技术，所以当时争议很大。最后，我们决定把生物技术的项目揽进来，因为它们是与人工生命有密切联系的。在我看来，重要的不是对学科的分支保持忠诚，而是让与我们时代有关的各种艺术门类都能与VIDA同行，让它充满生机。

ALAVS，杰德·巴克(Jed Berk)（荣誉奖，VIDA 10.0）

我知道接下来的这个问题可能有点傻，不过你有没有注意到过去几年里大赛的参赛作品体现出一种潮流？比如，某些程度上被遗弃动物的人工生命，是因为在人工生命领域显得微不足道？参赛作品在多大程度上能折射出时下发生在我们社会中尤其是研究中的问题？

艺术的使命并不是要直接对着实验研究依样画葫芦。人工生命在这个领域已经发展出一些革命性的观念，也因此打造出能更为贴近普通大众的全新领域。但更重要的是，这些项目并不与实验室里产出的某一项具体的技术有关，而是与观念、想法以及问题，比如技术如何改变我们看自己的方式，比如什么是生与死等等密切相关。而这正是研究实验室里常常缺乏的那种定性思考。尽管VIDA提交的作品都对这个领域做出了极有价值的贡献，它们依然是人工生命实验室里的研究。事实上，我却希望研究人工生命的科学家可以参与下VIDA艺术项目，并且带着社会学和文化层面的严谨治学回到实验室。

VIDA 奖励那些运用人工生命技术及相关学科知识发展而来的艺术作品。有多少这样的人工生命已经走出实验室和艺术工作室，走进了我们的日常生活？

人工生命研究在日常的消费用品中都能看得到，比如儿童电子宠物（宠物蛋、电子狗、电子猫等等），角色不断进化升级的电子游戏，或者手机以及其他能从使用者那里“学习”的研究引擎及其他电子产品所具有的智能界面。毫无疑问的是，在未来的几年，这样的技术会越来越多地飞入寻常百姓家。

Etoy.公司，“永恒的使命”，作者斯伯克·菲格（Sparcophagus）

技术基金会（Fundación Telefónica）四月份在马德里ARCO艺术展览上展出了VIDA10.0的获奖作品。它们一般都会这么做吗？目前为止，我发现很少有艺术展愿意给技术背景的艺术创作开道铺路的。为什么在VIDA以商业的形式登陆艺术展览如此重要?

技术基金会一直会在ARCO展出VIDA获奖作品。首先，这对于马德里的艺术秀场ARCO是很重要的。ARCO并不像其他的展览，它可是西班牙的基础文化的表征。它超越了当代艺术，在每一个创新的领域都激发了人们的兴趣，无论老幼、贫富，无论从事什么工作，也无论你是高中生还是顶尖的艺术收藏家。每年都有将近20万人参观这个展览。所以VIDA在ARCO露脸，是让大众了解这个奖项的绝佳机会。

但是除了VIDA的曝光率外，还有一个艺术市场的问题。新媒体艺术家需要找到展示自己作品的各种方法，而不是局限在那些小规模的专业展览和会议中。技术驱动的艺术作品投入很高，艺术家需要找到融资的方法。也有VIDA获奖作品直接在展出上被卖出，当然，售卖所得直接归入艺术家名下。

这听起来很鼓舞人心。技术基金会让科技作品走进艺术展览，能这么做很难得。而且，这些年来，技术基金会的展位已经成为展览上最成功的展位之一了。

照片由丹尼尔·卡努格（Daniel Canogar）提供

VIDA还有一些工作小组设在拉丁美洲。你能给我们介绍一下它们吗？它们是怎样运作的？他们的目标是什么？那边遇到过些什么事情？

在拉丁美洲，艺术家们很难为自己的新媒体作品找到投资。在利马（秘鲁首都）、圣保罗、布宜诺斯艾利斯、智利和墨西哥城，技术基金会都拥有会展的地方和项目，所以VIDA在拉丁美洲的项目并不通过原有的网络加以拓展。有一些地方新媒体的活动就十分活跃，比如布宜诺斯艾利斯。在其他一些城市，则可能根本见不到这样的展览活动。资助这些VIDA工作组被视同为资助未来的VIDA奖潜在候选人。我们希望能大力进军拉丁美洲巨大的创意人才市场，并帮助为人工生命艺术的出现创造相应的社会条件。出于这样的原因，我们征询VIDA奖的获奖者是否可以帮助技术基金会中心发展其拉丁美洲的工作组。去年VIDA奖获得者、才华横溢的墨西哥艺术家吉尔伯特·埃斯帕扎（Gilberto Esparza）今年就开始负责带领位于布鲁诺斯艾利斯、利马和墨西哥城三地的工作组。这是一个全新的方式，通过创立一个新的艺术家团体来帮助其他艺术家创造新作。对于VIDA而言这也是激动人心的进步。

那个伊比利亚美洲的产品奖津贴，可以资助那些尚未做出成品的艺术项目。不过对于那些还没做出成品的项目，去判断它是否有价值有多难？在项目的进程中艺术家必须走多远？

当艺术家的脑海中已经有了一个清晰的想法，知道如何进行自己的项目以后，他/她会先出一份实际的计划书。这里面有关于如何付诸施行的技术说明书，这很有吸引力，也很能说明一些问题。评审团对于软件和硬件的信息很敏感，有时还能指出一个立项是否如描述中那样可行。艺术家以前的作品也能给计划书带来许多背景信息，所以我们经常上网浏览网页或是察看作者档案。如果能先看到一份尚处酝酿阶段的作品计划书，再看着它一步步走向市场，这个过程真是让人兴奋不已。而最令评审专家们自豪不已的则是看到这些艺术作品中的一部分已经轮番在各大展映节日中崭露头角。

我想，如果不是VIDA以及其他一些奖励活动，我相信欧洲许多人，包括我自己在内，可能一点都不了解这些来自伊比利亚美洲的、运用人工生命、电子、机器人等技术发展而成的艺术项目。对于很想了解那些项目的人们，你能给点建议吗？

对于新手而言，去看看VIDA的网页很有意思，上面有一些以往精选作品集，它们中有不少都是来自拉丁美洲的作品。要看这方面的作品还有一个很不错的渠道，那就是去“绽现”展览（exhibition Emergentes）。这个展览由约瑟·卡洛斯·马利亚泰奎（Jose Carlos Mariátegui）负责，是最早的几个关注拉丁美洲新媒体艺术的展览之一。在Laboral还有一个巡回展，是西班牙北部希洪港的新媒体艺术中心。这里的展品目录就是很不错的参考资料，可以帮助你更好地了解拉丁美洲新媒体艺术的兴起历史及其文化特性。

绽现”展览一景：由卢卡斯·巴姆伯吉（Lucas Bambozzi）（巴西）拍摄

“绽现”展览一景：“心灵储藏室”，作者拉斐尔·罗扎海默（Rafael Lozano-Hemmer）

Can you tell us something about the project of Fundación Telefónica Virtual Museum? When will it go live? What will web users find there?

你能不能和我们介绍一下技术基金会的项目之一：电子虚拟博物馆？这个网站什么时候正式开放？网友们可以在那里获得什么？

这个也要等到明年。电子虚拟博物馆想要变成人工生命的推广利器，以及网络上最好的资源库。这里你不仅能看到VIDA获奖作品集，还能通过一些基于网络技术实现的项目获取第一手的体验。里面还会放关于人工生命历史的内容，并对在这个领域研究具有里程碑意义的项目作一个展示。界面设计将实现在各个篇章之间的顺畅导览。这个项目很庞大，必须不断地更新才能使它真正开动起来。也希望它能成为介绍新媒体艺术的亮丽一环。

过去几年里这项赛事赢得了一定的关注与名声。如果从递交申请的多少来理解，这是个多大的数字？你们有没有进一步增加来自西班牙、伊比利亚美洲以及葡萄牙的入场券的打算？

去年，我们收到了来自25个不同国家、超过200张的报名表。近年来参赛项目的数字正在稳步增长，这个成绩可以让你了解到这个奖项有多么专业。每年三个项目获奖，另有七个项目入选荣誉提名奖。这意味着，在VIDA的官网上，你可以看到关于人工生命的超过100项作品的档案。在递交参赛的作品中，有大约30%来自西班牙、葡萄牙和拉丁美洲。美国和加拿大的作品也占了大约30%，剩余10%来自亚洲国家。我们在不久的将来计划挺进日本、韩国和中国，这些国家在过去几年中在人工生命方面取得了瞩目的成绩。总有地方需要提升！VIDA是一个独特的奖项，世界上唯一一个关注人工生命与机械艺术的奖项。我现在期待它在下一个十年的发展，希望它能帮助更多的艺术家在全球范围内实现自己的仿生创造。

Thanks Daniel!

谢谢丹尼尔！

原文OriginalText

interview latin america robots vida

Cinema Sim – Narratives and Projections模拟电影-叙事和投影

lady need money group — Sat, 24 Oct 2009 10:16:04 PDT

模拟电影-叙事和投影，目前正在圣保罗的Itau Cultural 展出，这将是一个非常难得的展览，你会带着你有史以来最愚蠢的笑容退场。你是那么高兴。而这一次选择出来的艺术作品是这么完美，每件作品获得它应有的空间和需要条件，各种边缘和可能性的组合让这次展览主题非常富有吸引力。

其中一个展厅的现场，图片来自Itau Cultural

馆长罗伯特莫雷拉在展览的目录前言里写道，模拟电影-叙事和投影不是一次关于电影的展览，但胜于并超越了电影的概念，当代艺术家从电影语言和表述方式得到灵感，将其热情和想法注入自己的作品中。

挑选出来的18件作品探讨了三个核心主题：叙事性，视觉魔术，和前电影时代的动力学领域。

Milton Marques, 无题

巴西艺术家 Milton Marques 在创作它的电影装置时使用了各种各样废弃的从二手商店淘来的机械装置：

光学元件，步进电机，打印机，复印机，榨汁机，照相机，小型电视等等。

具有魔力不仅仅是他赋予废弃物体新生命，他操纵他们的方式也同样有意思。Itau Cultural展示了三种雕塑：

要激活第一个，你必须往槽口扔入一枚硬币，胶片电影就会在一个小型电视机屏幕上滚动形成动画。因为这个装置是暴露在外，整个场面也不仅仅是电视机屏幕。

Milton Marques, 无题

Marques另外一个水果榨汁机电力装置。

Milton Marques, Untitled 无题

Marque的作品不仅仅思考了Itau Cultural展出的18件作品和电影之间类比/异化。当然，设备投影的移动图形也是非常离奇而又独特的。它们显然与电影有关，但就算是它们展出的空间也与你所期待在一家影院所看到的相差十万八千里。参观者不是被绑在座位上的观光客，他们从一个屏幕到另一个屏幕。那些屏幕本身就很值得走进细看。他们不再是以一种规定范围大小出现二维白色帆布。就如展览其余的所指出的，有些屏幕非常小，其中一个只是一个灯泡的表面，也有一个由沙子构成，而其他的可以移动。有的时候图像也被分割成好几个屏幕。

Alcázar的89秒，由The Rufus Corporation + Eve Sussman 创作，看起来乍一看几乎就是电影但其实它是指其他比如表演、摄影和绘画等其他学科。Alcázar的89秒它的灵感来自 Diego Velasquez 17世纪的名作Las Meninas.

来自“Alcázar的89秒”的视频，由Eve Sussman 和 The Rufus Corporation制作。

Velasquez的绘画在艺术史上被广泛讨论并深入研究。他动摇了传统规则的图案结构，把西班牙国王菲利普和王后马里亚纳作为现场的观察者置于外部，而将他们通过后壁镜子反射的映像作为画的内部。他成为第一个在帆布上描绘自己成名的的画家。

Jeff Wood as Philip IV, King of Spain. Production Still from “89 seconds at Alcázar” by Eve Sussman and The Rufus Corporation. Photo: Benedikt Partenheimer for The Rufus Corporation

事实上，主角巴洛克式的服装看起来不很西班牙这有点不可思议。细节先搁置一旁，Velasquez的笔刷冻结住时间，将生活带回原来的真实：抓了一个在日常生活中的王室场景。

Rosângela Rennó‘的 Frutos Estranhos则微妙地调戏了我们的感觉。每一帧显示在一个倾斜的便携式DVD中的图案，如果加上一个画框则都能看作静态的图片。但是，因为加入了声音也因为图片已经由数码手段处理过，观看者还是能感觉到照片之间微妙的运动变化。

View of Rosangela Rennó’s Frutos Estranhos in Itau Cultural exhibition space. Credits: Cia de Foto

Menina, by Rosângela Rennó.

在七十年代初期，Anthony McCall 发明了固体光片，当它接触到空气的颗粒时，它可以固化光束的形状。Horianotal III在你和我中使用了烟雾机的蒸气来固定一束三维光线。

Anthony McCall, You and I, Horizontal III. More images at the Serpentine Gallery. Installation view at Sean Kelly Gallery, New York, 2007. Photograph Steven P. Harris

我仍然要结识不会对Hiraki Sawa吸引人的Going Places Sitting Down 无动于衷的人。我不打算评论这个作品。相反，我想然你看这里的视频。

Hiraki Sawa, Going Places Sitting Down, 2004

在模拟电影-叙事和投影中还有很多值得一看的东西。这次在Itau Cultural的展览将会持续到十二月21号。如果你不能在结束之前感到Sao Paulo，一个安慰奖等着你：这里有一个目录的在线PDF文件（这又要到处找链接，因为它可能已经埋藏在这些可恶的Flash之中了）

原文OriginalText

installation latin america other reports

Biorama 2: Save the thrombolites

lady need money group — Tue, 20 Oct 2009 07:28:22 PDT

奥朗·卡茨（Oron Catts ）是西澳大学生物艺术学精英堂”共生物A”(SymbioticA)的负责人。他和他的团队最近正在致力于一个”适应性改变”的项目，本次的Biorama 2讨论，就从他介绍自己的项目开始谈起。”适应性改变”的概念与你脑海中想的完全不一样，既不是说那些不伤害动物的皮革制品，也不是关于蛙肉宴。这个词引领我们从一个更为广阔的视角来看待生态乃至生命本身。

Image by Rob Lycett 罗伯·莉塞特摄

“适应性改变”这个项目，研究的对象是一个名为克利夫顿湖（Lake Clifton）的自然风景区，它在西澳大利亚州的叶戈鲁普国家公园（Yalgorup National Park）里。这片湖泊里生长着最后的Thrombolites族群，这种生物也被称为”活化石”。

Thrombolites 是一种由微生物构成的状如岩石般的组织。人们常常误认为它们是地球上原始生命最早的地质构成，而事实上它们是一种细菌，能够帮助地壳中的泥沙层沉积，使钙质慢慢渗入岩石层中去。科学家们认为，这些微生物是地球上最初的生命形式。数亿年前，大气中并无氧气，也没有”保护伞”臭氧层。研究者们认为，当细小微生物出现后，一切才开始改变。这些细菌生活在水下，并在那里制造氧气，慢慢地形成了我们今天所知道的大气层。

克利夫顿湖（ Lake Clifton）里的Thrombolites，西澳大利亚州。肖·麦克摄

坐落于曼哲拉城（Mandurah）以南32公里的克利夫顿湖（Lake Clifton）是地球上为数不多的几个thrombolites的生长地。这些最高可达1.3米的thrombolite组织，是在微生物进行光合作用时形成的。在光合作用的过程中，它们能够从富含石灰的湖水中将固态碳酸钙分离出来，从而形成类似岩石的结构。

在为几近灭绝的黑头鸻(Hooded Plover)在内的许多濒危候鸟提供栖息繁殖地的同时，这片湖还成为了黑鳊鱼(black bream)的家园。当地人把鱼苗扔进湖里，做起了沿岸捕鱼的美梦。这些鱼很快地适应了新的环境，并且以惊人的速度繁殖，以至于现在被视为祸患，成为威胁thrombolites生存的外侵物种。这个例子充分地说明，我们的环境是多么疏于管理。

Lake Clifton (image) 克利夫顿湖（image）

虽说该湖受到保护，但并不是湖里所有生物都能得到控制。环湖地带是澳大利亚发展最快的地区之一。要在湖区附近建造一座新城市的计划也不少。随之而来的是四千个家庭，外加商店、马路，等等不一而足。城市的发展可能使那些依靠自己生存的微生物受到生存的威胁：这些以thrombolites为生的微生物体。当城市发展遇到气候变化的因素，情况可能更糟。比如由于降雨减少，湖水盐分升高，就构成了对thrombolites生存的一大威胁。

摄影：丹尼尔·波兹科夫(Daniel Bozhkov)，黑武士达斯-维达试着用滤网清理黑海，2000

“适应性改变”为艺术家提供了契机参与到这个内涵丰富的主题中来，其中不仅包括thrombolites的历史重要性、当地的文化历史、人类活动与生态之间的矛盾性，还有全球变暖的影响、城市发展带来的冲击、动物品种的进化和新物种发现等等。

对于适应性改变项目，”共生物A(SymbioticA)”也有自己的作为，那就是创立了一座湖水脱盐工厂。这个运动着的艺术品名叫”自动力降解”，将利用先进的技术对湖水（或者至少是湖水的一部分区域）进行全方位的智能化管理，减轻气候变化以及城市化发展等对其带来的影响。作为基础性的湖水气态盐化工厂,”共生物A”可能对拯救该片水域有所帮助。它生长极度缓慢（每年长高1毫米），且依赖蓝藻（cyanobacteria）生存。蓝藻则是构成thrombolites菌落的重要的有机体。这个项目将会聚焦于”自养”（autotrophy）的概念–一种免费获取可得能量（如阳光和风力）和基础无机物质（如水和空气）来合成所需养分的能力。这个项目同时展望了一个后可持续未来，并对生态体系崩溃后能否促进资源再生的理念表示了质疑。

在”适应性改变”这个项目中，”共生物A”邀请到了艺术家们驻留于克利夫顿湖（Lake Clifton）和他们在首府珀斯（Perth）工作坊之间。比方说，珀蒂达·菲利普（Perdita Phillips）就正在研发一种”声境漫步”的系统，能够带领参观者在沿途散步五百到一千米的观光途中，可以倾听到10-20集的讲解，告诉他们关于这条湖的亦真亦幻的故事。

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Biorama green

Bang on a Can All-Stars Live at James Cohan Gallery Shanghai/纽约室内乐团”乐侃全明星”, 上海James Cohan画廊”不插电之夜”音乐会

aaajiao — Sun, 18 Oct 2009 11:26:09 PDT

时间：2009年10月21日（周三）晚七点
地点：上海市岳阳路170弄1号楼花园内
门票免费

Date: Wednesday, October 21, 2009, 7pm
Venue: No. 1 Lane, 170 Yue Yang Rd, Shanghai
Free of admission
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上海James Cohan画廊将于10月21日（周三）晚七点呈上纽约著名室内乐团”乐侃全明星“的现场演出——”不插电之夜”。
本次音乐会是该乐团的上海首演，其将带来今日美国最富实验精神的作曲家、演奏家的作品。同时，该活动系上海James Cohan画廊当前展览《美国青年》的音乐部分。

乐团介绍
1987年，作曲家Michael Gordon、David Lang与Julia Wolfe创建了”乐侃”。该机构致力于表演、创作、委约艺术家、录制当代音乐。迄今为止，”乐侃”已经由原先的单日音乐节壮大成了一个蜚声海外的多功能音乐机构。

1992年，该机构又成立了一支名为”乐侃全明星”的乐团。这支半摇滚半电声室内乐的编制弥消了古典、爵士、摇滚、实验音乐等门类的传统界限。每位乐手都对新音乐了如指掌，但也不乏与其他实践，诸如，同马友友合作，与保罗•西蒙（Paul Simon）和鲍勃•迪伦（Bob Dylan）的巡演等。

2005年，”乐侃全明星”被评为《美国音乐（Musical America）》之”年度乐团”，又被《旧金山新闻（San Francisco Chronicle）》誉为”美国最重要的音乐载体”。其著名的项目包括其重演Brian Eno的环境音乐名作《机场音乐》，与Philip Glass、Terry Riley、Meredith Monk、Don Byron的现场合作等。2009-2010年度”乐侃全明星”的新项目包括：Julia Wolfe 的《铁榔头》，一场与”中世纪三重奏（Trio Mediaeval）”合作的通宵音乐会；Evan Ziporyn的《巴厘岛之屋》，一出新的歌舞剧，由”乐侃全明星”和巴厘本地加麦兰乐团演出；与Louis Andriessen、Bill Frisell、坂本龙一等的委约创作。除了演绎当代大师经典作品以外，”乐侃全明星”的核心曲目是专为该团创作的风格鲜明的作品。”乐侃全明星”定期在纽约林肯中心、卡内基音乐厅等地演出。近期在世界多个场馆、艺术节里进行了表演，如，华盛顿肯尼迪中心、新加坡艺术节、维也纳春季音乐节、威尼斯双年展、伦敦巴比肯中心、荷兰艺术节、加州大学洛杉矶分校、麻省当代艺术馆等等。

“乐侃全明星”的成员包括Ashley Bathgate（大提琴）、Robert Black（贝斯）、Vicky Chow（钢琴）、David Cossin（打击乐）、Mark Stewart（电吉他）、Evan Ziporyn（单簧管）。艺术总监是Michael Gordon、David Lang及Julia Wolfe。

关于该乐团的更多信息，请访问：www.bangonacan.org.

如需更多活动信息，请联系许宇 lxu@jamescohan.com 或 (86)-21-54660825。

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James Cohan Gallery Shanghai is pleased to host a concert by members of New York’s electric chamber group Bang on a Can All-Stars on Wednesday, October 21st, 7pm.
This will be the Bang on a Can All-Stars’ Shanghai premier which will feature works by some of today’s most innovative American composers and performers. It is also a musical complement to the gallery’s current exhibition “Young Americans “.

About Bang on a Can All-Stars
Formed in 1987 by composers Michael Gordon, David Lang and Julia Wolfe, Bang on a Can plays a vital role in America’s cultural landscape by commissioning, performing, creating, presenting and recording innovative and exciting contemporary music. It has grown from a one-day festival into a renowned and multi-faceted organization.

In 1992, the Bang on a Can All-Stars, a part rock band and part amplified chamber group line-up was assembled to blur the boundaries between classical, jazz, rock and experimental music. The ensemble is completely at home with new music, but is well versed in a variety of musical idioms — to collaborating with Yo-Yo Ma, to touring with Paul Simon and Bob Dylan.

Named Musical America’s Ensemble of the Year in 2005, and heralded as “the country’s most important vehicle for contemporary music” by the San Francisco Chronicle, the group’s celebrated projects and collaborations include their landmark recording of Brian Eno’s ambient classic Music for Airports and live performances with Philip Glass, Terry Riley, Meredith Monk, Don Byron and more. New projects in 2009/2010 include Julia Wolfe’s Steel Hammer, an evening-length staged concert with Trio Mediaeval, Evan Ziporyn’s A House in Bali, a new dance-opera featuring the All-Stars with Balinese Gamelan, commissions from Louis Andriessen, Bill Frisell, Ryuichi Sakamoto. With occasional homages to existing music by living masters, the heart of the repertoire is genre-defying music written specifically for the group. The All-Stars appear regularly in New York at Lincoln Center, Carnegie Hall, among other venues, with recent appearances including Kennedy Center, Washington, DC; Singapore Arts Festival, Vienna Spring Festival, Venice Biennale; Barbican Centre, London; Holland Festival, UCLA, MASS MoCA.

Bang on a Can All-Stars are Ashley Bathgate, cello; Robert Black, bass; Vicky Chow, piano; David Cossin, percussion; Mark Stewart, electric guitar; Evan Ziporyn, clarinets; Artistic Directors Michael Gordon, David Lang and Julia Wolfe.

To learn more about the group, please visitwww.bangonacan.org.
For further information, please contact Leo Xulxu@jamescohan.com or (86)-21-54660825.

events

新媒体缪斯

leo — Fri, 16 Oct 2009 03:00:46 PDT

去年是前所未有地“艺术”的一年，当代艺术登堂入室，非常了得，即便最后随着雷曼兄弟门在年关扑倒在地。“新媒体艺术”倒也赶上了好年头，先是中国美术馆铺陈了一次宏大的展览──规模之大连李希特的回顾展都显得寒碜起来，后又有上海的eARTS电子艺术节。后者更是铺天盖地，送文艺上街头，教老百姓领教了所谓E时代的厉害，就算没有足够数字技术也有机械技术──真是大开眼界。但是，“新媒体艺术”终究是什么呢？是将少年宫里的科技展搬进美术馆么？是“变形金刚”们走下荧幕，开始像鹦鹉学舌么？当京城某个新媒体展上，一盆会走路的花随人走进洗手间困入其中无法返回现场时，观者不免一笑──也许头顶“新媒体”光环的策展人和艺术家需要一些缪斯的指引？

数月前，Google推出了一款名为“Google Flu Trends”的服务。通过追踪、分析在Google上对与流感信息相关的搜索，Google Flu Trends解析搜索者的IP，预测病人的分布，并在其地图上锁定流感的爆发以及蔓延趋势。据称，Google Flu Trends目前比美国政府疾控中心的流感探测系统更为精准、高效。经由5年的搜索信息的分析积累，Google Flu Trends完全可以准确地探测到流感的爆发，比官方统计要至少快两周时间。在一篇几讲座发表于《Nature》杂志的文章中，Google的研究员们解释道：通过集合百万用户的集体智慧，Google的网络搜索记录可以提供今天最及时、广泛的监控系统之一。科技、社会学领域之外，Google Flu Trends对艺术创作同样也具有深远的启发意义。新媒体艺术让世人如何抛开“创作少年宫里机器人的艺术”的陈见，向更有前瞻性的方向迈进；网络艺术如何跳脱对于网络生活、文化、美学的迷恋，开放自身的社会功效性，Google Flu Trends是一道灵光。

当然，这决计不是唯一来自Google实验室的缪斯。最近Google和马德里的布拉多博物馆合作，将Google Earth技术同艺术展示嫁接起来。布拉多馆藏中的14件名作都通过Google Earth的三维世界得以还原，其中包括了戈雅、Velázquez、 Hieronymus Bosch等的镇馆作品。14000万像素分辨率的Google Earth图像相当于一千四百倍1000万像素相机的图像精度，这让原作前所未有地清晰起来，画布上的油料伤痕都一览无遗。想想原先要细看提香庞大的《查尔斯五世肖像》非得登上一部3米高的梯子不可，但现在你要作的就是点击鼠标。布拉多博物馆馆长米盖尔·苏盖萨说，Google Earth的这项服务被他用来检验画作的修复状况。看到艺术家本人也许都不曾或者不能关注到的细节并非Google Earth的最大贡献，现在被“白盒子”困扰的策展人们又有了重新规划展览的机会──这时拒绝Second Life的虚拟世界的人们终于找到了一个介于实体空间与网络世界的灰色地带。试想一下，Tate Modern的Turbine Hall和纽约古根海姆的展厅共置一厅会是怎么一个情境？叮咚！这只是一个浅显的开始。

(Men’s Uno, 2009.03)

leo

Postopolis, Ball-Nogues Studio/Postopolis, 鲍尔-诺格斯工作室

lady need money group — Tue, 13 Oct 2009 09:30:39 PDT

Postopolis活动于上周六结束，该活动为期五天，组织了有关景观和建筑环境设计的展示、采访和论坛。从第三天开始，我只准备写写关于Benjamin Ball的演讲，他来自鲍尔-诺格斯工作室（Ball-Nogues Studio）。我第一次接触到他们的作品还是三年之前，通过博客和杂志，我读到了有关“马克西米利安家的谢尔”（Maximilian’s Schell）的报道，这是一个临时的户外装置，这个来自加州的艺术家把这个作品安置在洛杉矶的“材料及应用中心”（Materials & Applications）的院子里。去年秋天，我终于可以在威尼斯建筑双年展（Venice Architecture Biennial）上亲身体验到他们的作品。该作品名为“回声的汇聚”（Echoes Converge），由数以千计的有色悬链线组成，这个装置试图创造一种对于回音这一声音现象的视觉化怀旧感觉，它用动力学记录温和的气流，参观者会感到云一样的流量。

不过让我们先回到2005年:他们的Maximilian’s Schell制作了一个扭曲的流动空间，形似金色的天体黑洞。装置由类似彩色玻璃的有色薄膜组成了一个漩涡结构，为整个2005年夏天提供了一个遮阴避阳的场所。这个形式感强烈的装置内部创造了社会互动和思考的空间，这可以通过改造庭院美术馆的体量、色彩以及声音来实现。在白天，这个罩棚把分形的彩色光线打到地面上，而由作曲家James Lumb创作的声音装置轻轻地在参观者脚边作响。当你站在罩棚中心或者“奇点”时，抬头仰望，唯一能看到的就是无极的天空。而到了夜晚，从外部来看，旋涡发出温暖的柔光。这件作品向Maximilian Schell 于1979年在一部科幻电影《黑洞》（The Black Hole）中所扮演的角色表达了敬意。

这个装置既有建筑和雕塑的功能，又是通过统一制造策略生产出的“定制产品”。这些花瓣就好像是被黑洞的引力扭曲了一样，随着它们靠近装置的奇点，花瓣会持续变化着规模和比例。

2005年，鲍尔-诺格斯工作室为位于贝弗里山的一处蒂凡尼珠宝饰品店进行了环境(environment )设计,该店本来由Frank Gehry设计（鲍尔和诺格斯之前都为他工作过）。

有一段墙体构造，有半条街区这么长，拥有如人体般的曲线，是由4000层瓦楞纸板复合而成。“偷窥秀”风格的窗户是墙体的点睛之笔，透过其中可以看到穿戴珠宝的裸体模特。24个ottoman座椅各不相同，600位客人受邀挖掘其不同的坐法。

这整个项目要求对25000块弯曲的、独立切割的瓦楞纸板进行层压。为了以非凡的强度支撑几个人的重量，纸板的层压更像是壳（整合了结构和皮肤）而非表面，后者需要骨骼肌器官的支持。

一年后，这些洛杉矶建筑师在莱斯美术馆（Rice Gallery）将首次为珠宝店而设计的装置扩大为纸板风景。参观者被邀请体验“瑞普弯曲峡谷”（Rip Curl Canyon）。这个旋转的游乐场在展览中成为了学习、瞌睡、攀爬的场所，人们还可以顺着它的地势滑滑梯，或者情侣们可以在纸板表面以下的幽暗处亲昵以下。装置的下层在开展那天被做成了一个酒廊。

2007年，鲍尔-诺格斯工作室赢得了一次比赛，得以设计PS1当代艺术中心（PS1 Contemporary Art Center）院子里的大型户外装置。“液体天空”（Liquid Sky）中，一排半透明的有色聚酯薄膜成为了阳光的滤镜，它们类似彩色玻璃上盛开的鲜花，使观者沉浸在千变万化的色彩中。

六座高塔由未经处理的电线杆组成，它们支撑起装置的表面，而在底部提供离散的空间，做成了供休憩使用的吊床。

这个小组还为临近的户外美术馆设计了Droopscape，这是一个随风摇摆流动的松弛的接触网，由雨淋塔支撑，定期将重力引导的水桶倒翻在经过下面的参观者身上。

“隐形的潮流”（Unseen Current ）是一个在芝加哥Extension画廊雾气中的导航仪。三千串悬挂的细线或“接触网”一共约有10英里长，它们被精细地安装在画廊的墙体之间。隔开一段距离看，这个三维德接触网暗示了界面或体积;而当你移动到它的中心，它会激发滚动的大雾。一个定制的软件用来激发项目的形状和计划。这个装置就好像被洛杉矶雾气浓重的天空所激发灵感的点彩派画作，其色彩从暖橙色过渡到天蓝色。

“隐形的潮流”非常轻盈空灵，我几乎感觉不到自己存在。空缺成为了整体的氛围。

Benjamin展览中的几个亮点:

－对Ball来说，装置的制作过程是很重要的，他们常常在制作项目的过程中发现最后的结果。

－他们体现了设计文化中的技术浪漫化。

－他们的作品背后涵盖着非常高科技的研究，使用了专门定制的软件和其他复杂的工具，但是技术和人工是受到极大关注的。

原文OriginalText

architecture Postopolis in Los Angeles

保卫美术馆

leo — Fri, 02 Oct 2009 11:48:28 PDT

如果你觉得自己和当代艺术有些许干系，那极可能你的Facebook里面有一张大众脸──一位名叫Jeffrey du Vallier d’Aragon Aranita的神秘人物。Aranita是香港MoCA（现代艺术馆）的创建人，曾四处游说贩卖他宏伟的现代艺术馆连锁店的理念。这个谜一样的人物在其网络自述里称自己是由萨满巫师抚养的孤儿，在日本出家修禅，在海地捕鱼谋生，在哥伦比亚大学读书，后成为记者赴拉美报道毒品交易，展转之后又成了写实主义画家……

最近，《艺术新闻报》刊登了一则令人惊愕的消息。这位身世传奇的Aranita先生抛下了这个尚在襁褓中的美术馆，躲去了夏威夷，留下了两百多万港元的债务、员工工资。香港MoCA，占地近七百平米，坐落于香港铜锣湾一大型购物中心二楼，去年10月开幕，没过多久又将面临夭折的命运。而负债逃逸的创始人却被爆出在在马德里、莫斯科、巴黎以及日本、以色列、约旦、尼泊尔国内的城市中渡假的消息。

无疑，香港MoCA事件让人愈发难以理解今天的美术馆。如果说从古根海姆、泰特、新MoMA、新美术馆开始，西方的美术馆逐渐转型成了城市品牌营造的建筑地标的话，那么艺术经济小地震后美术馆又是什么角色呢？

自开春以来包括大都会博物馆、古根海姆在内的多个知名美术馆都相继宣布了新一轮的裁员或者减薪以及缩减预算的方案，以期太平渡过萧条期。据消息称，大都会博物馆将缩减去近一成工作人员，而古根海姆则会砍掉各部门内总计25个职位。银两的短缺导致美术馆人员空缺，不少重要艺术机构无力供养足够的策展人，展荒也许不久就会伴随着资金的萎缩而来。终日忙于化缘、求雨的馆长们需要重新权衡美术馆的收藏和教育功能。美国不少美术馆为了不让观众流失想出了五花八门的招数：在美术馆里搞跳舞派对、开英文学堂，甚至还有教授瑜伽课程、肚皮舞师范表演等，实在教人大跌眼镜。

新世纪以来“大展览”高歌猛进，成了艺术机构传染病症之一。08年底险些打烊关门的洛杉矶当代艺术馆（LA MOCA）就是典型的一个案例。该美术馆在资产大幅度缩水后只得拆东墙补西墙，用收藏、教育的专款救急日常运行。最后幸好得到收藏家Eli Broad出资，救MOCA走出难关。不少愁眉不展的美术馆们由此开始了转型之路。本地的故事听来也同病相怜。传闻某美术馆作了一个南亚艺术展，开幕之时有风声传来，展览作品全都沽价待售，所有话题都聚焦在当地艺术盘升的价格上。而近期同城另一个老牌美术馆的某欧洲大师展亦是一个不露身色的展销会。是不是艺术世界进入了一个“男扮女装”的年代？一些艺术博览会忙不迭玩学术牌异装成了“单年展”，少数美术馆又小心翼翼地把自己妆扮成“非盈利”画廊。而一厢可怜的画廊老板们，只好越俎代庖，打开自己荷包，扮演起了艺术教育者和推广者的“学术”角色，但又怯生生地不敢大声吐出“市场”二字。

一直以来，我们都向往能像电影电视里一样过着精神富足、浪漫的生活，能够在美术馆里徜徉，或牵手约会，或给自己同行的朋友或孩子展示文艺最动人的一面。但在每天都有人叫嚣要开一个美术馆，“美术馆”露出尾巴变成“销品茂”，不再考虑给你展示真正的艺术，不懂如何解释美、教导美，而伟大的美术馆又举步维艰的时候，我们该怎么打发时光和文艺的热情呢？

(MU200910)

leo

如何给美少年们解释艺博会？

leo — Thu, 01 Oct 2009 04:02:59 PDT

“通常当我飞到迈阿密的时候我会想，如果我坐的这架飞机失事，那么整个艺术世界都将随之坠毁。然而这次，飞机上可能只有5个艺术人士。”纽约当代艺术馆的名誉总监Agnes Gund在Miami Beach开幕现场感叹道，而听者多少有些唏嘘。2008年12月3日， Art Basel Miami Beach（艺术巴塞尔之迈阿密海滩博览会）就顶着一片阴云，揭开了序幕。纵使VIP预展的现场人头攒动，人气鼎盛的程度远远胜出先前不少地区性艺博会一筹，在场者仍旧能从一枚枚紧锁的眉头里读出一份不合时令的焦虑和阴霾，就像当天不合时宜骤降的气温一样。《迈阿密公报》索性在头版登出了博览会门口门可罗雀的停车位。这还是我们熟知的那个名流如云、纸醉金迷、夜夜笙歌的艺博会么？手持VIP邀请的人群在寒暄祝酒的同时不免环顾四周，确定此时此刻自己还在“Art Basel Miami Beach”这盏金字招牌的庇护之下，阿门！

Miami Beach艺博会是有39年历史的Art Basel（巴塞尔艺博会）的姐妹博览会。基于Art Basel在当代艺术领域里程碑式的成功，主办方于2002年在迈阿密阳光明媚的海滩边上开设了分号。孰知此举顿时收到奇效，不但在美国西海岸延续了巴塞尔“艺术界奥运会”的传奇，招徕了金字塔尖的画廊、收藏家，更是顺应了近几年“时尚-艺术-影视-商政”共生的现象，将各界人口统统混进了博览会的红地毯上。近两年，Art Basel、Miami Beach和伦敦的Frieze博览会被称为世界三大当代艺术博览会，在滚滚热钱涌向当代艺术品的年代缔造了一个博览会的神话，一度教业内的专业人士都怀疑双年展们是否适时要退贤让位了。

08年的Miami Beach主要由四大板块构成：艺术画廊（Art Galleries）、艺术之星（Art Nova）、艺术巨星（Art Supernova）和艺术定位（Art Positions）。作为核心的“艺术画廊”共有150多家来自全球的一线画廊展出2000多名艺术家的作品，其中不乏老牌画廊Mary Boone、James Cohan、Gagosian、Metro Pictures、Andrea Rosen等，以及新生代的Team、Peres Project和来自广州的维他命空间等。“艺术之星”则由每个参展画廊推荐三位近两年内艺术家的新作，属于抛砖引玉、实验探路的单元；而“艺术巨星”更责如伯乐，引荐20家画廊带来的年轻艺术家的作品，躲在库房一隅，让观众过了一把“哥伦布”的瘾。在临海滩的路边立着20尊集装箱构成了新兴的单元“艺术定位”，20家从世界各地筛选出的新晋画廊在此各摆道场。除此以外，艺术杂志单元、一连串的专家讲坛、录像放映、艺术书市都分门别类被镶嵌进博览会的展厅里，加上连轴转的VIP派对、酒会、音乐会，任何刚在机场着陆的双腿都没有喘息的机会……

总有人以为博览会季节的迈阿密热闹堪比好莱坞。而纵使好莱坞的戏剧感也不过尔尔──就像《时尚女魔头》里Miranda对着窗外疾风骤雨念出一句：“这只是飘了点毛毛雨！”一样，在迈阿密，画廊家们会指着9月雷曼事件以来困扰多个博览会、摧城拔寨滚滚而来的阴云笑道：也许就是几滴毛毛雨。当然，毛毛雨背后的阴晴圆缺只有当事人知晓了。

萎缩的市场？
如果要找一件作品来概括这届Miami Beach艺博会现场，估计Mary Boone画廊的Barbara Kruger的作品最为恰当不过。在她标签式的墙面标语作品里，Kruger引用了艾伦·坡小说里的句子：“他走过一家接一家店面，没有锁定价格，一言不发，看着所有的商品，目光游移。”这件作品预言式地点出了被下滑的艺术市场搅得心烦意乱的买家、观众的临场状态。最后，艺术家还不忘借作品送出另一句引自歌德的警言：“我们都是我们周围这些商品的奴隶。”所有走过、路过、不曾错过的收藏家、明星、艺术家、画廊家、策展人等读到此估计都不免会心一笑，想起过去几年飞速飙升的艺术市场。

“市场价值不再等同于趣味喜好。”获两届普利策奖提名的纽约评论家Jerry Saltz在其题目冗长的讲座《这是一个结局：滚滚热钱离开艺术界而所有船都将沉没》里指出，现在是艺术旧势力选择改变的时候了。犀利的Saltz更是将以Jeff Koons、Damien Hirst、村上隆为代表的被艺术市场神话的艺术家贬为“财神”。

但当“财神”们的光环逐渐褪色，艺术市场不再高歌猛进的时候，原本还忙于拾柴的众人开始质疑眼前的火焰还能燃烧多久──自己旗下的艺术家还能走多远，自己卧室的画是否一觉醒来还不如衣橱里的LV值钱呢？紧张的气氛显然弥漫在博览会空气里。不少久经沙场的画廊家们站在自己的展位里有些手足无措，一张张高贵的职业笑容背后是显而易见绷紧的神经。在挂满大师作品的展位里，画廊老板们靠和助手、熟人插科打诨、开开玩笑来打发时间，这在原先高朋满座、应接不暇的黄金时代是多么难以想象。有媒体甚至嘲笑道：大家终于有时间享用咖啡了。

当然对于这种尴尬的清闲，不少画廊有自己的看法。迈阿密的画廊家Kevin Bruk评论道：“这样更好了。收藏家终于有时间仔细看作品了，而你也有时间给他们讲解作品。岂不更好！”于是不久，你看到了动人的一幕，画廊老板们、总监们终于耐不住，亲自上阵迎客，大有恨不得挽起袖子的架势。伦敦的Hotel画廊的Darren Flook说：“次贷危机里会受益的终是经得咀嚼的作品。”纵观五天的博览会，高高在上的艺术界终于下凡同大众一道咀嚼起作品来。而这番努力的结果是可想而知的。正如《艺术新闻报（Art Newspaper）》所言，忠实的买家还是确保了一个良好的开局。随着进展，不少画廊商逐渐展开了紧锁的眉头。纽约的Matthew Higgs在开幕一小时内就售罄了所有作品，而圈中大鳄Gagosian也在几乎同样的时间内卖出了所有Ed Ruscha的作品，并随即将展墙换上了Richard Prince的作品。在“艺术巨星”单元的 Sarah Gavlak亦表示自己接连卖掉多件年轻艺术家的作品。而像Wolfgang Tillmans等大牌艺术家的作品仍旧畅销，全场不下6家代理画廊，3日之后多家已无存货，只能告诉客人下次赶早。

也许对于持泡沫论或者洗牌论的人来说，全场展览无力重演昔日的爆棚景象，缺少实验性的作品。而画廊和博览会的努力却又让人相信艺术市场的寒冬尚未到来。“性和死亡会带我们走出任何困境。”Deitch Projects画廊的总监Kathy Grayson打趣地说。她背后的展位里是著名女艺术家Vanessa Beecroft裸体雕塑和Stephen Sprouse画的十字架上的男人。“如果销售滑坡的话，我们明天就换一张 Aurel Schmidt作品，上面写着：一切都玩完了。”如果不是画廊过于乐观的话，我们有理由相信一切还远还没有终结。

中国艺术和消失的马可波罗？
虽然Miami Beach和同门的Art Basel一样被奉为艺术界的小奥运，但是今年的迈阿密展览中心不是北京鸟巢，所有到场的人都清楚地意识了到这点，尤其是当数月前纽约的苏富比取消了旗下的亚洲部，2008年的多场秋拍上中国艺术同刘姓飞人先生如出一辙在跑道铩羽而归，结果遭到伤害的应该不止是观众的热情。

Miami Beach上放眼望去，国货寥寥，坊间所谓的热浪延续或者进军巴塞尔的乐观陡然成了一耳笑谈，抑或着，拍卖的热浪早已在沙滩上偃旗息鼓。现在，中国艺术家以一种更趋于合理的人口比例加入到这场角力之中。刚在上海开设分号不久的James Cohan画廊带来了徐震的显微镜作品。老板Jim很自豪地向询价的观众介绍这位来自中国的年轻艺术家。明眼人也会留意到徐震的边上是美国著名艺术家、曾创作了《Spiral Jetty》的Robert Smithson的特展，是展位里真的重头戏。另一边，今年曾在多个拍卖场上领跑的中国艺术家曾梵志的作品立在Acquavella的展位里，同这家专营现当代大师作品的画廊旗下别他艺术家并列一隅。同样地，艾未未、刘小东、刘野、张洹、丁乙、严培明等人的作品也分别陈列在其代理、合作画廊之中，很妥贴、很安稳，又与周遭的作品相安无事，不似原先“中国当代艺术”作品那种扎眼、熙攘。事实上，“中国当代艺术”、“中国艺术家”的标签被不少画廊轻描淡写地一笔带过，不论是五分钟的热度还是沃霍尔的“15分钟名声”之后，中国艺术家们亟需完成的是被更合理的嵌入国际画廊的梯队结构中，导入良性循环和健康的画廊系统。

走过Jack Tilton画廊，见里面挂着一张何森的油画，一部张陪力的录像。“Zheng Peili（画廊资料上亦如此所示）先生是中国录像艺术的代表人，也是广州的一个美术学院新媒体系的系主任。”热情的画廊负责人看到中国客人不亦乐乎。可是她讲了半天也弄不清楚张老师的出处，情急之下发现连名字也拼写不当，中国客人站在一旁多少有些尴尬──今天，马可波罗们似乎正忙着打道回府，而留给中国艺术家（或者画廊）的仍旧是漫长的道路。这时候，展览厅流窜着上海香阁纳画廊带来的徐震的早期作品《妈妈、爸爸》。两只穿着道具戏服的假猩猩，一公一母，见人就抱。这般游击队式的认亲是不是教你想起了中国当代艺术段子里的一些渊源呢？

外围展
就像威尼斯双年展时，古老的水城瞬时遁形，双年展就是威尼斯，威尼斯就是双年展一般，Miami Beach期间，迈阿密和博览会便融为一体，全程上下同时冒出来不下22家卫星博览会，借着Miami Beach这家航母的东风也着实火了一把。难怪这时连光说西班牙语的出租司机都轻车熟路，逢人便是“feria？Si! Si！（去博览会？好好好。）”

前两年一度红火的外围博览会AQUA和NADA此番战绩平平，而Pulse和Scope两家的蛋糕越做越大，场面一个比一个热闹，大小方格子里塞满来自拉美的异域风情、亚洲的艳俗卡通绘画，甚至作品最后如填鸭式展开，一不小心就成了跳蚤市场。靠近Scope的Art Miami以其平稳、折中的路线从诸多外围博览会里脱颖而出。同样，在Art Miami里的中国艺术展位显然比Scope里的同乡要世故很多，知道张弛有道，尤伦斯艺术中心奉上的冯梦波的互动作品《长征》是一个不可错过的亮点。

比起外围博览会，同期的外围展似乎亦更受青睐，也许是因为看展览不用最近荷包缩水的藏家们为其挺身埋单吧。刚在纽约策划了08年惠特尼双年展的年轻女策展人Shamin Momin同艺术家Nate Lowman策划了大群展《车站》，盘踞了三个楼面，招揽了包括Ryan McGinley、Sterling Ruby在内的纽约艺术圈当红小生，与同期又一展览《Itaintfair》斗的难解难分。

如果白天博览会和展场里硝烟弥漫，迈阿密的夜色下你看得见各家派对使尽解数斗法的热闹劲儿。在由Marcel Waners设计的蒙德里安旅馆的派对上酒保们身着印有“萧条”口号的Tshirt，非常应景。而Deitch Projects画廊在拉雷旅店的派对则派出了艺术圈心仪的乐队Gossip，显然占据了上风。同在拉雷旅店的派对上，Calvin Klein、Naomi Campell和村上隆等人的先生将博览会活色生香的传统推至极致。

艺博会里的时尚
文艺的盛世里，艺术与时尚的联姻是一枚光鲜的注脚。Miami Beach也是此风的始作俑者。这次博览会上，明星们都为自己找了一个画商保驾护航。Naomi Campell身边有当年在MoMA袭击毕加索名画《格尔尼卡》的巨贾Tony Shafrazi；而Beyonce和Jay Z则用著名的Jeanne Greenberg Rothatyn。开幕当天，传闻莱昂纳多·迪卡普里奥一掷千金，以一百万美元取走了美国当红艺术家马克•瑞德作品一张。消息一出自是鼓舞人心，又为本届稍有寂寥的博览会增添了不少佐料。

当然本届迈阿密博览会最大的明星不是别人，正是新总统奥巴马。虽然此君未现身博览会，但不论是在Miami Beach还是周围若干卫星博览会上，遍地可见以奥巴马为缪斯创作的作品，更不提与当年“我心纽约”有的一拼的奥巴马T-shirt了。正在MoMA作个展的女画家Marlene Dumas的一张《奥巴马：竞选之前》被轻松售出。而中国旅法艺术家严培明的奥巴马肖像则以30万美元被人收入囊中。刚在纽约新美术馆做完回顾展的当红女画家Elizabeth Peyton所绘的新总统肖像售价6万美元。

Miami Beach开幕当夜，数百文艺青年齐聚海滩。法国小乐队Yelle载歌载舞，奔放的女主唱映着月色甩着披肩秀发，周围是pogo中不倦的年轻身体，甚至海风里你闻到了“草”的气味──大抵这一刻是没有支票、现金、折扣、销量的烦忧的，博览会的夜色于此迷人起来。

(Bazaar Menstyle 2009.2)

leo

艺术改变人生？

leo — Thu, 01 Oct 2009 03:28:41 PDT

到访过京城某著名美术学院的人也许都对街边一块广告牌记忆犹新──豆大的字写着：艺术改变人生。听着真有几分金玉良言的意思。如果前几年说“学英语改变人生”是真理，那么最近从艺可能也会带来人生的转折，至少，报章上说艺术可以改变你的荷包。

不久前，作为全球艺术首都的纽约又捣鼓起了一场特殊的选秀活动。上百名文艺青年排成长龙，等候在西村的白柱子画廊（White Columns）门口，形如朝圣一般。这等景象引得《纽约时报》的记者也开赴现场一观奇景。就如同音乐行业的《美国偶像》、时装业的《Project Runway》，这次心有不甘的艺术界也把真人秀拉进了白盒子空间里。据称，这档由Sarah Jessica Parker制作的选秀节目旨在挖掘艺术行业的新人。在洛杉矶、迈阿密、芝加哥、纽约等地海选之后将有13名选手从成百上千脱颖因而出，争夺一个画廊展览的机会、奖金以及一场巡回全美的美术馆展览。咋一听来真是块天上掉下来的馅饼。难怪周六8点多就早有近200人伺候在画廊门后了。

不妨再回忆一下3年前的纽约。当时画廊界大鳄Jeffery Deitch也协办了一台艺术选秀节目，名字很直白就叫“艺术之星”。“在70年代我刚踏入艺术圈的时候，没有一个自重自爱的艺术家会排队来争着上电视的。”Deitch回忆道。唐人街、苏荷区的居民一定还记得当日近300名指望能赶上安迪·沃霍尔所谓的“15分钟声名”的艺术爱好者们将伍斯特和格林尼街挤的水泄不通。他们或奇装异服，或手持各类作品，从绘画、装置、雕塑、摄影到电脑媒介、行为艺术，应有尽有──不明真相的人或许还以为这是一个游行中的美术馆！当时的冠军的奖品只是一场在Deitch画廊的个人展览，显然不如今天的选秀活动来得报酬丰厚。但对于终年没有进入行业的钥匙却又幻想成为明日的达明·赫斯特、杰夫·昆斯的有志青年们来说，得到一个在Deitch的展览是梦寐以求的机会。我们甚至可以在寒风中瑟缩发抖的应试人群里找杰夫·昆斯的助手。“你可以非常糟糕，但还是可以出人头地；或者你也可能很棒，但却没有机会露面。”这位给昆斯画画的助手感叹道，“我们需要的是一个伯乐带我们上路。”

其实每年夏天，我们周围都上演着一连串的艺术选秀。从北京、杭州到重庆，几大美术院校的学生毕业展里一半的观众是收藏家、策展人、画廊家、画商、美术馆馆长。众人谈笑风生间无不在打探谁是下一批不褪色的黑马。而一不小心，你也许还会听到某个学生早在大二、三就签了合同，连还未动笔的作品都早已有主了。没有被伯乐相中的青年怎么办呢？一个策展人朋友总会善意地递过一本英文书──学英语改变人生，至少你可以在画廊、美术馆里谋职。

做不了黑马，就改作伯乐吧。

(MU, 200909)

leo

Postopolis day 4/Postopolis第四天

lady need money group — Mon, 28 Sep 2009 13:09:48 PDT

当我在Bryan的博客Subtopia上读到他关于Postopolis的概述（overview）时，一股愉悦而伴随感伤的怀旧之情涌上心头。Postopolis对我们而言真是一场惊奇的冒险。

Postopolis的第四天非常精彩。LAPD副主任Michael Downing的一场演讲惊艳全场，而我却错过了，我赶到的时候演讲刚刚结束，但我不是故意迟到的，对不起，副主任同志。下面让我们看看那天我赶上趟的作品点滴。

“洛杉矶安全岛”（Islands of LA）的创始人Ari Kletzky有一场演讲，让我非常赞赏。自2007年9月开始，这位艺术家探索了将交通安全岛作为公共讨论和交互空间的可行性。这个项目是一次艺术研究实验，阐述了间隙性公共财产的使用可能，虽然这看上去近乎荒谬，而它的实质在于应对公共空间的缺失。

Jefferson Blvd and Hoover, 90007,洛杉矶南部中心

Kletzky将其项目中的交通安全岛定义为:它们是向行人开放的+被公路包围的陆地+间隙性的（就多种意义而言，甚至从法律角度来说）+它们面积很小，只能容纳一到五十个人的活动+谁也不知道到底什么人拥有这些安全岛+非常醒目、无处不在又极易被忽视+处于日常生活之中+安全岛上没有永久的建筑（除了战争纪念碑和路标）+最可能受集会和言论自由的修正案保护。

于是Kletzky就组织了小型的集会和表演，邀请人们在安全岛上进行野餐、种植番茄，以及其他各种各样的活动，只要这些活动不太会干扰交通和公共安全。

“洛杉矶安全岛”（Islands of LA）的图片。

接下来是来自Stamen设计工作室（Stamen Design）的Eric Rodenbeck。（为他们投票（vote）吧！嗯…你也有权为Oron Catts & Ionatt Zurr、Gareth Pugh或者Reas投票）。Eric具有雄辩的口才，通常也有不凡的衣着，不过当晚的房顶是在很冷，所以他只能在演讲中始终穿着别人的夹克衫。

Matthew Coolidge是土地使用解释中心（Center for Land Use Interpretation）的负责人，他展示了一些特别的照片（photos）以及得克萨斯州一处石油开采和精炼厂的录像。他们的洛杉矶空间目前正在展示横跨阿拉斯加管道（Trans-Alaska Pipeline）的图片，这是世界上最长的输油管道之一。我希望自己可以看到那场秀。

来自“坠落的果实”（Fallen Fruit）的David Burns和Matias Viegener以他们的魅力征服了观众。

这个项目让洛杉矶居民想起了一条城市法规，规定所有的水果和蔬菜在“公共”人行道上生长，即使树木的根在私人园区里。他们组织了栽种团（提供夜间水果饲料)，采摘水果并将公共果树种植在洛杉矶城内。他们还组织了果酱制作派对，使用从公共空间收集来的水果制作酒家饮料。这些产品就像它们的原料一样，最终又被分到了公众之中，它们是大家一起种植的水果，最终属于大家。

同时，他们在youtube上播放了一段录像，展示了这场公共水果采摘旅行。youtube用户的评论非常负面，甚至变得十分搞笑:同性恋，种族主义者，没有同情心（“只有白人才会试图得到免费水果”，“愚蠢的自由主义者:总是寻找着施舍”，等等）“坠落的果实”制作了一个短片，将水果采摘旅行的画面和这些youtube上的评论叠加在一起。

坠落的果实，双重标准，视频解图*

Ken Ehrlich是我新近发现的一位艺术家，我读了他的博客（blog）。当晚由他结束了当天的活动，他向我们展示了一些项目。对我来说其中最引人入胜的就是“声音回复镜”（Audio Response Mirror），它位于玛尔摩的Scaniaparken。

明天再见！我会带来关于Postopolis最后一天的报道！

*The text reads:
cheekyfumes (4 hours ago) -2
Reply / Spam

*视频字幕中写道:

厚脸皮的烟雾（4小时之前）-2

回复/垃圾邮件

Dipshit liberals,
Always looking for a handout.
That fruit will sustain more rats
than you left wing wack-jobs.

愚蠢的自由主义者，

总是寻找施舍。

水果养的硕鼠比你们这些左翼怪人还多。

原文OriginalText

activism Postopolis in Los Angeles

Postopolis Day 5/Postopolis第五天

lady need money group — Mon, 28 Sep 2009 13:07:32 PDT

Postopolis的第五天，我再次意识到很多观众也应该参与到这个活动中来。这天我爱上了脱掉的裤子，这天我还发现在标准酒店的房顶上度过的几个小时根本就不算冷。

Dan Hill对Postopolis的总结（coverage of Postopolis ）比我的更好更全面，Bryan Finocki则开始发布（posting）关于Postopolis的点点滴滴，archdaily回顾了其中最好的部分，天知道Geoff怎么找到时间和精力提供了如此引人入胜的 twitter总结（twitter coverage），而Jayce Clayton大概会提供更多的信息。

那么，我们来谈谈第五天，好吗？Dan对Benjamin Bratton的演讲大加称赞（posted an extensive eulogy）。所以让我们跳到下一个演讲者:Christian Moeller。他穿了一条华丽丽的裤子，不断拿德国开着玩笑，正如德国人一贯的风格（我怀疑他们对这一传统非常骄傲，虽然表面上老实拿来取笑。）他展示了一些你可能已经听说过的作品，通过介绍一些背后的趣闻来增加亮点。特别是他称之为“技术操蛋”。

比如创作于1997年的“音频树林”（Audio Grove）是由56根垂直钢柱组成的“树林”，位于东京的螺旋大厦。当参观者触碰钢柱时，会发出声音，而这些声音总是混合在一起，形成非常和谐的交互。装置的周围有一圈聚光灯，透过钢柱的结构投射到地板上。根据参观者与柱子的交互，这些聚光灯会在地板上照射到不同的位置，并且在装置的“光线地毯”上绘制出线条质感的阴影。

在开幕当天，人们用双臂触碰不同的柱子。而这一点是超出预计的，因而装置没有如设想的那样进行交互。为了当场解决这个问题，工作人员涌入了办公室，打印了一系列的规章，解释应该怎样使用这个装置:于是人们一手必须拿着这张纸，那么就只有另一只手可以用来跟装置交互了。装置视频（Video）。

不同于之前的几天，Postopoli的第五天少有个人展示，但多了一系列的讨论会。第一个有点像野生的混合匹配，搜集了一些“新媒体艺术”和非常有才华的人:Sean Dockray、Dan Goods、Daniel Rehn和Jay Yan..

Sean Dockray是唐人街TELIC艺术交流会（TELIC Arts Exchange）的负责人之一，这个空间以前是一个以展出新媒体艺术装置为主的画廊，不过Dockray将它变为了一系列的平台，每一个都具有独特的运作方式，促进社会变革、公共参与，带有批判性地参与到新媒体和文化领域。

TELIC现在的项目有公立学校（The Public School），“分布式画廊”（The Distributed Gallery ）（这是一个视频装置项目，由电视机和录像监视器组成，它们位于不同的半私人地点），还有“柏林Telic艺术交流”（Berlin Telic Art Exchange）（这是一个在Brunnen大街上不存在的美术馆，目前正在展示两个由Nick Ervinck创作的颇为壮观的雕塑作品。）

Mick Ervinck, Yarotube, 2007-2008

Dan Goods是一位艺术家，他在美国宇航局位于加州帕萨迪纳的喷气推进实验室拥有一份不同寻常的工作。他帮助研究人员向大众传播他们的工作内容。他主要谈了eCloud,这是一个为圣何塞国际机场创作的数据驱动雕塑，由他和Nik Hafermaas、Aaron Koblin 共同完成。

数以百计的可切换层压有机玻璃带电方板悬挂在空中，如像素般运动。这种材料能够在通电时变得透明:当它们处于中性时，方板是不透明的，而当它们通电时，这种材料就会变得透明。

eCloud所产生的动态效果基于天气和风向数据的实时供应。通过逐渐显示数据，抽象的动作会从一块方板移动到另一块方板，形成一种穿透大厅空间的视觉效果。一个附加的显示标志将现有的数据集传达给观众。点击视频（movie）。

Daniel Rehn提到，他参与的大多数项目来自一个“10美元计算机”项目（$10 computer），这已经在印度、中国、巴西和其他Rabbitat v1.0涉及到的地方，这是一个用网络摄像机捕捉、照明兔子行为的装置。

Jay Yan很快地介绍了他的一系列作品，但是我会更快地指出上个月我对他进行的一次采访（interview）。我还应该提到的一点是他展示了一个名为“湍流”（Turbulence）的新的装置，视频（video）

对我而言最有意思的讨论会之一就是为摄影进行的一次讨论。讨论者包括Catherine Ledner,Misha Gravenor, Dave Lauridsen和Tom Fowlks。他们提到的问题有:你是否觉得写博客的人使用你照片的时候是在窃取，虽然写了你的名字但并不email通知你，不经过你的允许就发布了你的照片？如果他们这么做了，你会有什么反应吗？照片应该像引用文字那样，还是可以随便用？如果使用了一张由杂志征集并付款的照片，应该通过怎样的法律途径？我对这次讨论的感觉是，博客人在摄影师中并不受欢迎。Catherine Ledner的态度非常开放:“只要他们写了我的名字，对我来说就是免费的发表。”而其他人坚持认为要警告那些擅自使用他们照片的人:“我想知道我的照片都到哪里去了，”Dave Lauridsen说。Ledner立刻回答道:”在你的名字上加一个google警告器，你就会知道了。”Geoff是这场讨论会的主持人，提出了一些非常切题的观点，和大家分享（share）。

当晚我们并没有正式的结束排队，但是第二天的早餐成了一场排队。我们去了一个非常不可思议的地方，叫Clifton咖啡厅。所有的东西都是人造森林。从驼鹿头到用假日志包裹的冰箱，人们喝着柠檬欧蕾和芒果欧蕾，但是食物非常棒，并不特别复杂，而是温暖人心，阻塞动脉。大爱！

再一次大为感谢“艺术与建筑店面”（Storefront for Art and Architecture ）卓越的制作和组织工作，感谢BLDGBLG的Geoff，他设想了这一切，还要感谢ForYourArt ，让我们在洛杉矶的生活如此愉悦兴奋。

主页图片（Image）:声音之城。

原文OriginalText

architecture installation Postopolis in Los Angeles

We need money not art

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