We need money not art

for 2010!!!

aaajiao — Thu, 24 Dec 2009 08:08:47 PST

很久没给wnmna增加效果，只是默默的更新内容，下面是送个2010的礼物。

wnmna从现在开始支持iphone访问，其实之前已经上线2个月了，不过今天才正式推出。
当你用iphone访问wnmna之后并保存书签到桌面，你就会发现上面图片里的icon，没事在地铁上读文章吧。

translators 现在出现一条timeline记录近期的文章，其实是给翻译作者的一些乐趣，大家可以去玩玩看。

Playlist – the physical dimension Playlist—大型展示

lady need money group — Sun, 07 Feb 2010 07:30:34 PST

继续上星期的故事：播放—游戏，音乐，艺术以及播放，不仅仅是怀旧

Playlist—游戏，音乐，艺术，这是一个为了Laboral的新版Mediateca Expandida 而进行的展览，由 Domenico Quaranta 策划。这个展览室旨在挖掘音乐在废弃材料的使用中所扮演的角色：乙烯基，废旧电脑，游戏机等。Mediateca Expandida 超越了传统的展览模式，参观者可以触摸并试用一些乐器，这些乐器正是艺术家发明的，并且有时候甚至用于表演中。并且在展览中，观众可以聆听八位音乐曲调的乐曲，欣赏音乐会的表演等等。

音乐在展览中的中心展台上展示，但是“Playlist”的尺寸足以为参观者带来操作上的快感，并且在如葡萄酒外观的展厅和操作台里，关观众可以扭动设备，享受视觉盛宴。这些设备被赋予了新的生命力，否则，已经失去效用的他们早就被放置在了一篇废墟之中。

André Gonçalves, Pong – The Analog Arcade Machine Prototype #2, 2008

Pong 是对1970年Atari街机电玩的再创造。Pong在1972年面世，成为第一个在街机和家用电玩中都受欢迎的电子游戏。André Gonçalves将Pong背后操作程序中的一些物理原理删除，从而使它得到新的应用。没有物理原理，现在的Pong 在一小群粉丝中又掀起了一阵狂喜，这是一个真正的乒乓运动。

这个机器由两部分构成，它们被放置在不同的房间，通过电缆相互连接。第一部分是一个木制的盒子，需要放入硬币，由操纵杆，按钮和2个电视屏幕组成。这两个电视屏幕一个放映图像，一个展示游戏进程。

Photo credit: Domenico Quaranta

设备的主要部分则放置在一个黑暗的房间。它是木制结构，游戏的过程都会被摄影机拍摄下来。

来看一下这个设备的录像：

因为早期的游戏机Game Boy已经确定了模型的形状和重量（大致相当于砖头的重量），因此游戏机Gameboy的音乐制作者有时候将游戏机称作“砖头”。Gijs Gieskes 从字面上接受了这一理念，他制成了一个Gameboy Bricks。然后他又竖立起了一个Gameboy Bricks的墙壁，种上常青藤，没准将来哪一天等原始的塑料Gameboy成为历史，考古学家只需揭开常青藤，就会发现了墙里面的世界。

Gijs Gieskes, Gameboy Brick, 2006

Joey Mariano的 Juvenile Amplifier 体现了作者对芯片曲调的喜爱。孩提时期，这个艺术家就对游戏机的音响中发出的单调的音乐产生了浓厚的兴趣，但是他希望这个声音能够更洪亮一些。他的作品Juvenile Amplifier 没有使用扩音器或是大的PA系统就加强了声音。

Joey Mariano, Juvenile Amplifier, 2009.Image by Marjorie Becker

Hupel Pupel 由 Dragan Espenschied 创作，是一个独特的小型杂志，通过简单的漫画，创造了Gameboy的摄像机。这个摄像机上有一个嵌入式的工具和一个4.4TealPaint运行的Palm。

VjVISUALOOP 设计的Protopixel HARDcade 将软件装入到一个游戏机中。参观者可以使用原始的工具—操作杆和按钮，创造出生动的画面。这些视觉效果是由软件生成的，通过游戏机的显示屏和两个视频播放器展示。显示屏将画面以一种模糊的效果缓慢的速度（15Khz）显示图片，类似80年代的街机游戏。显示在墙上的画面更加的清除。移动的画面有着很低的分辨率，因此帧速率和颜色设置都是有限的，还有环状和“陈旧”效果比如颜色循环和80年代的样式。这个软件同时也包括电子8位鼓掌声，与屏幕上展示的图片相呼应。

VjVISUALOOP, Protopixel HARDcade (installation view.) Image credit: Domenico Quaranta

展览的开幕的确是一个成功的例子。VjVISUALOOP 和 Jeff Donaldson/noteNdo的精彩表演，美味的食物（像在阿斯图里亚斯一样）以及大量饶有兴趣的参观者。然而遗憾的是，年轻人不多。这使我很想借用 Kevin Driscoll 和Joshua Diaz为Playlist的目录写的文章中得出的结论：“Gameboy一代的艺术家可能是能够对芯片曲调保持怀旧情绪的最后一代。和他们有同样年龄的粉丝们，抑或是鸣叫的劈啪声，有节奏的波浪声以及芯片曲调的音乐创造出来的富有创造力的声音能够吸引只对PlayStation和Xbox着迷的年轻一代的注意吗？”

播放列表—游戏，音乐，艺术， Laboral的新版Mediateca Expandida的第二次展示，将持续到2010年5月17号，地点在西班牙Gijón 的LABoral 工业艺术中心。

主页图片：Antonio Cavadini / Tonylight，他们刚刚在意大利Brescia的Fabio 巴黎艺术展厅举办了一个个展。

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The Energy Harvesting Dérive 能量生成Dérive

lady need money group — Sun, 07 Feb 2010 07:25:33 PST

Jean-Baptiste Labrune最近向我介绍了一篇不错的介绍，内容是关于“走路的艺术”这一项目的。项目包括”能量生成Dérive“这个作品，它把Heelys著名的运动鞋变成了一个可以从人运动中产生电能的装置。

由轮子滚动产生的电能将供给一个微型计算机以及一个安装在鞋上的液晶显示屏，显示屏能随机显示出让穿戴者遵循的方向。出现在屏幕上的文字和方向箭头能告诉穿的人应该朝那个方向走，向北，向东北，向西南等等。

根据不同的转速，每隔15到20英尺显示屏上会显示出不同的方向。它们会引领穿戴者按照一种随机的之字型行走，从而在物理空间中模仿出数学模拟的醉汉的随机漫步。这种运动鞋功能的设计动机来自dérive的境况主义实践。加入定位科技比如GPS是可行的，但是这种鞋子更重要的意图是让其穿者迷路从而突破他平常的行走路线探索新的领域。它迫使人们选择是否要挑战一些城市里的障碍或者打乱交通，因为有时它可能指示你去走一些看似无法实现的方向。

因此参加这项活动可以引领你探索一个城市及其脉动。它向我们揭示了城市规划的影响，鼓励我们把想法付诸行动，玩笑式地启发我们对交通和能源的其它模式进行思考。

并且，由Christian Croft和 Kate Hartman创作的“能源生成 Dérive”还希望能促进人们对可持续能源开发和新型交通设计方面的讨论。有关制作过程的资料。

这个项目将在2007年9月5日在纽约dorkbot展出，在2007年9月16日周日布鲁克林Conflux艺术家上看出，时间是下午12：00到5：00。

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gadgets locative wearable

20.12.53 – 10.08.04

lady need money group — Sun, 07 Feb 2010 07:20:55 PST

之前： google大道上的社团表演

上个礼拜，我简单地介绍了操作现状，这是一个在佛劳伦斯的CCCS一直持续到1月17号的展出。这个展览确实很好，通过图片和视频，开创了操作现状和现状再创造的主题。

Moira Ricci , Da nonna – “20.12.53 – 10.08.04″, 2004-2009

当我在参观操作现状的时候，其中的一个艺术家的作品引起了我的注意，他叫Moira Ricci，是一名摄影师和视频艺术家，通过一组她从来没有拍过的照片出名，并获得了批判性的尊重。20.12.53 – 10.08.04 这个作品的创意来源于该艺术家想要探究自己过去和记忆的愿望，体现了由Roland Barthes 在他的作品Camera Lucida中所提出的观点：摄影为过去赋予了一种确信，这种确信和现在一样的牢固，所以使得现实（过去所发生的事情）和真理之间的区别变模糊了。

Moira Ricci, Mamma e Zia Carolina – “20.12.53 – 10.08.04″, 2004-2009

Moira Ricci, Zio Auro, Cla e mamma – “20.12.53 – 10.08.04″, 2004-2009

一些从一本家庭相册中挑选出来的照片虽然没有来自专业之手，但也被挂在了展厅的墙上。随着照片由黑白变成彩色再从彩色变得开始泛黄，它们也体现了同样的一群人对于时尚的观点。当你的眼睛从一幅图片移到另一幅时，你会意识到有两个妇女开始出现了。一名黑发的优雅妇女离开了，和她的未婚夫一起去了米兰，生下了一个孩子，随着时间的推移慢慢变老。还有一个年轻消瘦的妇女，长型的脸上带着一种忧伤，她面对着Modigliani，在她的脸上仿佛没有留下时间的印记。

这个年轻的女子叫Moira Rossi。在这些照片中，她的站姿很松垮，眼睛盯着另一个妇女，仿佛希望她能够转过来看到她。这个妇女是她的母亲，已经在2004年去世了，具体时间是10月8号。正如这篇文章的标题。

Moira Ricci, Fidanzati – “20.12.53 – 10.08.04″, 2004-2009

Moira Ricci, Mamma con maestra – “20.12.53 – 10.08.04″, 2004-2009

这些描述她母亲一生的照片经过数码相机，可以使艺术家出现在旁边，注视着她的母亲的举动，那一刻，她的母亲仿佛仍然活在人间。Ricci 仔细地选择了她的衣服，这样他们就能符合当时的流行样式，Ricci调整了灯光，与肖像达到了一致，并使她自己也在照片的一隅构成了一个害羞的形象。

这些再创造的图片同时展示了现在和过去，构成了一座桥梁使摄像师能够尽量展现母亲的特点，从而表现出她一生中的精彩时刻。

继续

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CCCS - Florence photography

Interview with PSJM (Pablo San José and Cynthia Viera)采访PSJM (Pablo San José and Cynthia Viera)

lady need money group — Sat, 06 Feb 2010 01:48:17 PST

几月前，我买了一件可爱的浅蓝色夏装，上面印满了卡尔·马克思的头像。像这样当着“反资本主义之父”马克思的面且有点有损他威名地表现的像个资本主义的受害者让我有点不自在。

我也感到，在什么地方，有群愤世嫉俗、狡猾机敏的艺术家们正在嘲笑我。因为事实就是这样。这个挑衅的品牌有条广告语“做自己、与众不同”。它当时在一个艺术展览的展厅里有个店铺，就在西班牙希洪的LABoral Centro de Arte y Creación Industrial 里面。艺术馆的游客能买到带着MARX®标志的牛仔裤，与说过的蓝色夏装有相同图案的男士短袖衬衫以及很贵的马克思牌鞋子。店铺现在搬到了另一个博物馆，在西班牙Las Palmas de Gran Canaria的CAAM。

设计和将这款服装推向市场的艺术家/公司是总部在柏林的艺术团体PSJM，由Pablo San José 和Cynthia Viera组成。PSJM是探索将艺术品推向社会、与消费者交流、艺术性的作用、及利用资本主义社会中的通讯资源凸显资本主义肆意发展带来的矛盾等问题的偶发艺术的代表。

用谷歌搜索了艺术家的名字后我发现了很多采访，文本、散文等。这些文章都很有趣，让我立即觉得要是我放弃了对那款夏装的喜爱就太傻了。因此也就有了这篇采访（原文PSJM是用西班牙语回答的，我把回答贴在博文最后）：

PSJM由艺术家Pablo San José和管理系毕业生Cynthia Viera组成。请原谅我庸俗的偏见，但是两个背景如此不同的人是如何交流？你们是怎么走到一块儿的呢？Cynthia的思维模式和知识是否影响了Pablo的艺术创作和对当代艺术的看法呢？反过来Cynthia的管理技巧有没有因为她与一位艺术家的合作而受到“影响”呢？

事实上，我们并没有那么不同的背景。在Pablo的艺术生涯中，他曾在一家广告业的大公司做创意总监，为一些国际企业设计活动和商标图样。

在1998年，在广告宣传工作的同时，Pablo决定把他的艺术签名做成一个品牌。他当时对艺术品牌的宣传过程以及与其他商业品牌的竞争很感兴趣。后来他开始了一个延续至今的项目，一个随着一件件作品而慢慢自我塑造起来的项目。

“艺术家就是品牌，作品就是产品”成为PSJM的宣传语。在2003年，国际商务营销管理专业的毕业生，一直在一家主要的电讯公司营担任销部门主管的Cynthia，加入了这个项目。

随着她的加入，在公司体制下工作并依法作为一个商标品牌建立团队的理论目标成为现实。作为一个团队，我们各自的观点毫无疑问的互相影响。但是，我们有共同的想法。Pablo不是那种典型的拥有一大堆浪漫想法的艺术家，Cynthia也不是那种永远把利润最大化放在社会和美学追求前面的主管。

Photo: © LABoral – Author Marcos Morilla

马克思牌的产品的价格很惹人注意。所有的东西，不管是牛仔裤还是裙子，它们的标牌价都是相同的（22040欧元），而那款也是唯一的鞋更是贵的惊人。这些价格背后有什么动机吗？

营销的主要目的就是要满足消费者以获得经济利益，我们把营销作为帮助我们为顾客提供美学及智力享受的重要手段。我们运用营销组合中的4P原则（产品、价格、宣传、定位）融入一个很有意义的战略，那就是将每一个P都看成一个创新的机会，一次诗的破格。这样，产品是艺术作品的一部分，价格是艺术作品的一部分，宣传本身也是艺术作品的一部分，分销（定位）同样也是这个艺术作品不可分割的组成部分。我们喜欢把这个实验性的具有代表意义的过程称作“营销实验”。

在马克思牌产品中我们又一次把价格作为了一种“诗的破格”以及表意手段。所有的服装价格都很高，这会在参观者心理上产生一种反射性的无能感。他们终于有机会作为消费者在博物馆里买点什么了，但却发现商品的排他性让他们无能为力。为了让作品继续保持新颖、继续产生意义、融合现实与虚构、同时也因为下次这个服装展览会在7月于CAAM进行，他们到时会廉价出售。让我们看看到时会发生什么。

我不知道你是否读了Che Guevara的女儿为了保护父亲的形象打的那场架。如果有人站出来批评你对马克思形象的使用冒犯了马科斯的尊严你将如何处理？你是否曾想过你会遇上像你过去的作品“亚洲计划”那样遭遇审查吗？

我们作品的实验性决定了在我们推出作品后会面临一定的不确定因素。即使你试图将作品导向某种寓意，你也很难预测人们可能对作品做出的反应。在我们整个艺术生涯中，我们都需要面对或好或坏的各种事情，这包括对品牌的审查，对是非的抱怨以及严厉的批评。

比如,像我在Gijon开展的马克思产品的宣传活动就是一种社会干预。我们把共产主义之父同审美时尚联系起来，我们料想这可能会招来人们强烈的反应，特别是考虑到阿斯图里亚斯人革命的传统。出乎我们意料的是，公众已经习惯了市场上总会充斥着各种自相矛盾的信息的荒谬事实，以至于我们的作品被这种事实冲淡了。

另外，这次的项目，别的品牌很难对我们提出异议，像上次阿迪达斯要求缉查“亚洲项目”的情况不会再发生了。马克思品牌项目在理念和实践上的重要一步就是将马克思（MARX®）注册成一个品牌。而这一举动也正是这项艺术作品的核心，其余的东西都是这一核心自然发展出来的。

Photo: © LABoral – Author Marcos Morilla

马克思牌项目会在Gijon街头开展宣传活动。它的促销海报看起来和其它主流时尚品牌的宣传海报没什么不同。对于公众来说无论他们想不想要都因此与你们的项目直接接触。你是否看重公众对你们作品的观点和反应？相对于艺术评论家或其它熟悉艺术论述的人你是否更信任和重视公众的看法？

对于我们来说，我们的创意不应只被那些受过良好教育的人所接受，这点十分重要。

我们决心将这种表现方式开放给更广阔的群体，这是我们工作的重中之重。我们努力使作品能传达双重表意效果，尽可能的融合艺术实验和信息传达。

我们把这项艰巨的工作叫做“Mayakovsky的困境”，因为这正是让俄国诗人Mayakovsky夜不能寐的问题。要完成这个目标，我们要使用媒体及各种大众文化策略。广大群众很容易接受这些传媒手段，这为我们在实验中扩展作品内涵提供了广阔空间。

但是，把我们的创意置于当代艺术的理论框架中也是我们的目标之一。我们的所有项目都有我们自己写的一段文字介绍，这些文字是整个艺术品的必要补充。我们的作品既出现在现实中也出现在艺术馆中，这两个领域对我们来说都很重要。

你们的作品显然不同于Takashi Murakami的推土机和那种十分商业化得操作。但是马克思牌产品以及你们的其他作品启发这位日本艺术家（对于我来说，及从某些层面上来看是这样）去探索如何融合消费品和艺术品、艺术狂热、消除人们对艺术品的神秘感，艺术品并非总是独一无二等。这是我自己一厢情愿的猜想呢，还是你们和他的作品的确有相似性呢？

你们认为你们和哪些艺术家比较相似？

Murakami作品中的确有很多方面和我们的作品有相似之处，但也有很多地方和我们是不同的。将我们两者的作品联系在一起的是他创作艺术的方法，也就是你刚才列举出的那些。Murakami不同与我们的地方是Murakami缺乏批判性，他对待权威的看法是理想化的。

Murakami跟随了Warhol 和 Koons的思路，但他走得还不够远。Murakami的主要理念是要赚钱。他站在民族主义的立场上。我们认为这种立场已经过时、保守而且十分危险。而我们的特色是我们将各种看似敌对的领域和看似简单的意义融合起来。

在与公司相同的组织机构下，设计者既是一方面的专家也有一定的社会职能。我们的艺术产品是符合蒲鲁东和本杰明的思想的，他们都反对“艺术家是天才”而支持“艺术家是工作者”。这是俄国生产主义者在党的支持下尽全力实践的一种思想。

就像现代主义让步于后现代主义，生产在消费面前失去了以往的重要性，公司变成了一种品牌。这种变化唤起了由神化了的象征性的“天才”性向看似矛盾的艺术家品牌的转换，后者是有策略的规划和科学安排的结果。

一方面，浪漫艺术家那种精英及近乎神化的形象开始变得不再神秘。另一方面，这造就了新的神话，市场规律被应用到艺术界，艺术品在冷酷的市场规则下设计。这种矛盾，这种敌对不调和力的融合正是我们创作艺术的基石。

Consumer Demonstration, Mural Installation, 2007

我们并没发现那个艺术家的作品和我们的相似，但如果我必须要说出几个名字的话，我想应该是西班牙的工作组Democracia以及艺术公司Etoy吧。我们很崇拜他们的工作。

你们的很多作品都有很强烈的挑衅性元素在里面。这使得它们很受媒体的关注。你们认为这些“出奇不意战术”在你们的工作中占有多大分量？

我们的作品与达达主义和构成主义传统及将艺术融入生活的追求有很大渊源。今天，现实是由媒体构建的，如果我们想融入现实我们就必须融入媒体。

Nudist Zone, FIB-Art ‘05, Intervention on the beach of Benicassim, August 2005

有什么你们将要推出的项目能给我没介绍一下的吗？

我们现在正在做两个2009年将在各个画廊和机构展出的项目。可惜我们现在还不能透露他们的内容，因为我们还在创意和制作过程中，不过我们能告诉你其中一个项目会使用一种传统技艺：绘画。我们的主题是商品，而绘画仍是艺术领域里排名第一的商品。

现在在LABoral的马克思品牌店已经关了。要是人们想买这种衬衫或牛仔裤，有没有其他的展览（或店铺）能买到的呢？

马克思牌产品由LABoral与CAAM合作在加那利群岛的Las Palmas de Gran Canaria生产。这是他们从7月到10月将要送往的地方。我们正在考虑产品的国际分销，不过现在披露可能的地点还为时尚早。

感谢Cynthia and Pablo!

马克思®展览将在西班牙加那利群岛Las Palmas de Gran Canaria的 CAAM 展出

Spanish version of the interview:

以下是西班牙语采访：

Image Marcos Morilla, courtesy of LABoral Centro de Arte

PSJM is made of artist Pablo San José and management graduate Cynthia Viera. Excuse the banality of my prejudice but how can people with such a different background manage to dialog? What brought you together? Did Cynthia’s mindset and knowledge influence Pablo’s artistic practice and view of the contemporary art landscape? And vice-versa, have Cynthia’s management skills been “affected” by her collaboration with an artist?

En realidad no tenemos backgrounds tan diferentes. En una etapa de su carrera artística Pablo trabajó bastantes años como creativo publicitario en una gran multinacional del sector creando anuncios e imagen de marca para empresas internacionales. Paralelamente a su labor como creativo publicitario, en 1998 Pablo decidió que su firma artística se convertiría en marca. Le interesaban los procesos de promoción de las firmas artísticas y su paralelismo con el resto de firmas comerciales y comenzó un trabajo que aún continúa, un proyecto que se construye con cada obra realizada. “El artista es la marca, la obra es el producto” pasó a ser el slogan de la marca PSJM. En 2003 Cynthia, licenciada en Dirección de Comercio Internacional y Marketing, y hasta esa fecha Responsable de Servicios de Marketing de una gran compañía de telecomunicaciones, se incorpora al proyecto haciendo realidad las intenciones teóricas de trabajar bajo las estructuras propias de la empresa y formalizar legalmente el equipo como una marca comercial. Desarrollamos un trabajo en equipo donde los puntos de vista de uno afectan sin lugar a dudas al trabajo del otro, pero ambos utilizamos el mismo lenguaje. Ni Pablo se corresponde con la imagen típica del artista romántico, ni Cynthia encaja con el perfil típico de una ejecutiva que persiga el máximo beneficio por encima de compromisos sociales o estéticos.

One of the striking element of the MARX® brand is the price. All the garments, be they jeans or dress, carry the same price tag (220,40 euros), while the one and only shoe available costs way more than most people could afford. What were the motivations behind the price tags?

Mientras que el marketing consiste en proporcionar satisfacción al cliente obteniendo un beneficio económico a cambio de ello como principal objetivo, nosotros utilizamos el marketing como una herramienta crítica que pueda proporcionar una satisfacción estética o intelectual al consumidor. Las “4 Ps” del Marketing Mix (product, price, promotion y placement) nos sirven para entretejer una estrategia de significación en la que cada una de estas “Ps” es tomada como una oportunidad creativa, cada “P” es utilizada como licencia poética. De este modo el producto constituye obra, el precio constituye obra, la promoción se presenta como obra y la distribución (placement) es también una parte integrante de la obra. Nos gusta llamar Marketing experimental a este proceso de experimentación de índole representacional.

Con MARX® una vez más hemos utilizado el precio como licencia poética y vehículo de significación, el hecho de que las prendas que se exhiben tengan un precio alto, crea una cierta sensación de impotencia reflexiva en el espectador, que por fin puede consumir en un museo pero se ve coartado por el carácter exclusivo de la mercancía. En todo caso y para mantener la pieza viva, seguir creando significado y entremezclando la realidad con la ficción, ya que la exposición en el CAAM comienza en julio, se harán rebajas. Veremos qué pasa.

I don’t know if you’ve read about the fight that the daughter of Che Guevara is putting to protect her father’s image.

How did you deal with the thought that some people might come up and criticize you for using Marx’ figure in a way that they consider to “be an affront to his dignity”? And did you at any moment think that you’d encounter a censorship similar to the one you experienced with your Asia project?

如果有人站出来批评你对马克思形象的使用冒犯了马科斯的尊严你将如何处理？你是否曾想过你会遇上像你过去的作品“亚洲计划”那样遭遇审查吗？

El carácter experimental de nuestros proyectos conlleva también una cierta incertidumbre una vez que “lanzas” la obra, aunque intentes dirigirla hacia una significación determinada nunca sabes con qué tipo de reacción te vas a encontrar. A o largo de nuestra carrera hemos tenido desde censuras de marcas, pasando por quejas de vecinos derechistas a críticas fervorosas, tanto negativas como favorables. Por ejemplo, con la intervención pública en forma de campaña publicitaria de MARX® en Gijón, a priori esperábamos algún tipo de reacción violenta al ver asociado el nombre del padre del comunismo con la estética de la moda, tanto más si tenemos en cuenta la tradición revolucionaria de Asturias, pero para nuestra sorpresa el público ya está tan acostumbrado al absurdo de los mensajes paradójicos del mercado que la pieza se diluyó en la realidad al completo. Por otro lado, en este caso difícilmente una marca nos puede censurar, como sucedió con Adidas en Proyecto Asia, ya que el primer paso conceptual y práctico del proyecto MARX® consistió en registrar la marca MARX®, y es realmente esta acción lo que supone el eje primordial de la obra, el resto únicamente puede ser visto como su desarrollo natural.

The MARX® project was accompanied by a promotional campaign in the streets of Gijon. The promo posters looked like any other posters designed by mainstream fashion brand. The general public, whether they wanted it or not, was thus in direct contact with your project. How much do you value their look and reaction to your work? Do you give it more credit and importance than you would give to an art critic or to anyone familiar with artistic discourses?

Para nosotros es primordial que nuestras propuestas no se queden exclusivamente en el terreno de la elite cultural, en la base de nuestro trabajo subyace el empeño de ampliar el discurso a un público más amplio, nos afanamos en crear obras con dos niveles de lectura intentando hermanar experimentación y comunicación. A esta difícil empresa la llamamos “el dilema de Maiakovski”, ya que este tema le quitaba el sueño al poeta ruso. Para conseguir esto nos servimos de los medios y estrategias de la cultura de masas, el público medio comprende este lenguaje a la perfección y nos brinda un campo con el que poder experimentar generando significados distintos. Sin embargo también tenemos como objetivo instalar nuestras propuestas en el seno del discurso teórico del arte contemporáneo, todos nuestros proyectos incluyen un texto redactado por nosotros que consideramos un elemento más de la obra total. Ciertamente nuestro trabajo se mueve entre la realidad y la institución arte, ambas esferas son importantes para nosotros.

You obviously don’t share Takashi Murakami’ bulldozer and very mercantile approach. However, MARX® and other projects of yours evoke (to me at least and under certain aspects) the Japanese artist’s exploration of the merging between consumer goods and artwork, art fetishism, the demythification of the concept of art work as a one-off, etc. Am i writing a total heresy or do you somehow see some similarities between his approach and yours?

Who are the other artists you feel close to?

你们认为你们和哪些艺术家比较相似？

Efectivamente hay muchos aspectos de la obra de Murakami que nos acercan a su línea de trabajo y muchos otros que nos separan de él. Los que nos vinculan a su modo de producir arte tú misma los has expuesto. Lo que nos distancia de Murakami es su falta de crítica y su posicionamiento ideológico cercano al stablishment. Murakami sigue la estela de Warhol y Koons, pero no va más allá, digamos que es un desarrollo del Pop apolítico. A Murakami le interesa hacer dinero como principal objetivo. Él tiene además un fuerte posicionamiento nacionalista, algo que a nosotros nos resulta totalmente desfasado y peligrosamente conservador. Sin embargo nuestra singularidad es que combinamos mundos aparentemente irreconciliables para crear cortocircuitos de sentido. Nuestra visión de la producción artística organizada al modo de una empresa, en la que el creador aparece como un profesional con una función social definida, sigue la estela trazada por pensadores como Proudhon o Benjamin, que rechazan la figura del artista-genio y proponen aquella otra del artista-obrero, postura que también los productivistas rusos se encargaron de llevar a la práctica mientras gozaron del apoyo del aparato del Partido. Sin embargo, del mismo modo que la modernidad dejó paso a la postmodernidad y la producción cedió su importancia al consumo, la empresa devino marca. Con lo que esta conversión de la empresa en marca recupera de algún modo el valor mitológico-simbólico del genio para configurar un aparentemente contradictorio artista-marca cuyo comportamiento es estratégicamente planificado, científicamente programado. Así que mientras por un lado se desmitifica la imagen elitista y endiosada del artista romántico, por otro se genera un nuevo mito, esta vez fríamente diseñado bajo los presupuestos de la mercadotecnia aplicada al mundo del arte. Lo paradójico, la conjunción de fuerzas opuestas e irreconciliables sobrevuela constantemente nuestro modo de hacer arte.

Realmente no encontramos ningún artista que coincida con esta línea de trabajo, pero si tuviéramos que apuntar un par de nombres serían el grupo español Democracia y la corporación artística Etoy. El trabajo de ambos grupos nos interesa y nos produce una gran admiración.

Many of your works have a very strong provocative element to them which makes them very appealing for the media. How much is the “shock tactic” important in your practice?

你们的很多作品都有很强烈的挑衅性元素在里面。这使得它们很受媒体的关注。你们认为这些“出奇不意战术”在你们的工作中占有多大分量？

Nuestro trabajo está en deuda con la tradición dadaista y constructivista y su compromiso de fundir arte y vida. Hoy la realidad la construyen los medios de comunicación, si queremos intervenir en la realidad debemos introducirnos en los medios.

Any upcoming project you could share with us?

有什么你们将要推出的项目能给我没介绍一下的吗？

Estamos ahora preparando dos proyectos que se presentarán en el 2009, en diferentes galerías e instituciones. Por desgracia no podemos desvelar su contenido ya que aún nos encontramos en proceso de creación y producción, pero sí te podemos adelantar que en uno de ellos se utilizará la técnica tradicional de pintura. Nuestro discurso está centrado en la mercancía y la pintura sigue siendo la mercancía reina en el mundo del arte.

The MARX® shop at LABoral has now closed. If people want to buy one of those shirts and jeans, is there any other gallery (or shop?) they should turn to?

现在在LABoral的马克思品牌店已经关了。要是人们想买这种衬衫或牛仔裤，有没有其他的展览（或店铺）能买到的呢？

El proyecto MARX® ha sido producido por la LABoral en colaboración con el CAAM (Centro Atlántico de Arte Moderno) de Las Palmas de Gran Canaria en la Isla Canarias. Allí viajará en julio y permanecerá hasta octubre. También estamos trabajando en su difusión internacional aunque aún es pronto para adelantar el nombre de los posibles espacios.

原文OriginalText

activism advertising interview LABoral wearable

SUPERDOME at the Palais de Tokyo Palais de Tokyo的“超级穹顶”

lady need money group — Tue, 02 Feb 2010 05:26:40 PST

建于1975年的“超级穹顶”体育场曾举办过多次超级杯橄榄球赛（美国足球锦标赛的决赛），一个滚石乐队的音乐会，迎来过教皇约翰保罗二世，开过共和党全国代表大会，还在2005年成为卡特里娜飓风难民们的最后避难所。

路易斯安那的“超级穹顶”体育场因此成为娱乐与痛苦之间的桥梁。从这一矛盾中得到启发，巴黎的Palais de Tokyo美术馆进行在进行名为“超级穹顶”的展览。展览有五个个展组成，内容平衡娱乐与荒凉，流行与宗教，极简主义与über-geekery。

他们继续了从上一个展览–“50亿年”开始的项目旨在检验艺术弹性的理念（看报道，第一部分及第二部分）。每个艺术家都只展出一个大型作品，除了Jonathan Monk以外。他的绘画和装置艺术作品摆满了Palais de Tokyo以及临近的Musee d’Art Moderne。这个展览真的是。。该怎么说呢。。非常有Palais de Tokyo的风格。有点让人着急，但只是一点点，非常有趣，时尚，易于理解，特别是像我这种老百姓，但同时也又传达出很多第一眼可能无法发现的东西。

Daniel Firman的作品“大象Würsa”笔直的倒立在自己的鼻子上。这种厚皮动物只能在距离地球一万8千米的高空才可能做出这样难度的动作，或者在一个周长2,484,0031.1 米的星球上，因为这样重力引力会小一些。Daniel Firman是在科学计算的基础上得到这一结论的。这个与实物等大的超现实主义雕塑借助了动物皮革剥制师ean-Pierre Gérard的技术，并将我们周围的基本物理规律用新颖的角度表现了出来。

Fabien Giraud 和 Raphaël Siboni的作品“黑暗中的最后演习”是这次的明星作品虽然稍有点低级趣味。（不过我们好像还挺喜欢低级趣味的。）这个作品由300个陶土制作的维达（星战角色）面具组成，每个面具立在一根高高的杆子上面，它们成列队状排列着，就像西安兵马俑一样。每个面具都与一个硕大的装备了人工智能软件的黑色电脑相连，并配有以太网端口和微型处理器。这个系统的任务是合成和播放史上最黑暗的歌曲。这些歌曲来自一张很长的歌曲目录。从Gabriel Fauré的安魂曲到一些重金属歌曲。

这个作品受到很多东西的启发。最主要的一个是电影《2001太空漫游》。Siboni我在Palais杂志上读到的一次采访中解释到：“这时就到了那一幕，主人公意识到自己正被电脑控制着，于是他就断开了与电脑间的连接。此时电脑开始退化甚至开始哼唱起儿童歌曲。这一幕启发了我的这项作品。“邪恶”电脑或者说会“退化”的电脑到底有什么意义？正是让电脑能“退化”Kubrick才真正让我们体会到电脑的智能。”

Photo Didier Barroso

Arcangelo Sassolino的作品《Afasia 1》是有氮提供能源的装置。它在一个像动物园一样的铁笼子里，能把空啤酒瓶（摇滚文化的代表）以600千米/时的速度打向墙壁。每几分钟装置就会开一次枪。同时，你会想是否你应该考虑到安全问题退后几步，还是被自己的好奇心控制走上前去把爆炸看个清楚。等待下一个-好吧–十分古怪-的爆炸只能让人更加坐立不安。艺术家想给观众带来一种深至肺腑的艺术感受，而不是只是像以往那种智力思维层面的。几天过去这里堆满了绿玻璃。

所有我关于“超级穹顶”的图片。

“超级穹顶”在巴黎Palais de Tokyo展出至2008年8月24日。

art in Paris installation

Moving Rainbow 移动的彩虹

lady need money group — Sat, 30 Jan 2010 20:51:15 PST

BOZAR 位于布鲁塞尔的高雅艺术中心是欧洲第一个文化中心。这座建筑从外表看起来有些阴暗，却远远不及隔壁的那个中间站，这个十分可怕的购物中心同时也是一个皇家宫殿。但是艺术中心的内部却是光彩耀眼，装潢别致，充满艺术气息。这是由Victor Horta设计建造的。这项工程虽然不是世界上最具挑战性的，也不是最伟大的，但是却展示了一些风靡一时的艺术瑰宝。

静止的生命，, 中国当代摄影作品虽然没算不上非常耀眼，但是这个展览却确实非常有趣，描写了对中国现状的沉思。
Xiong Wenyun, On Mount Erlang #4, 1998

我在“静止的世界”中发现了一幅艺术作品：移动的彩虹。

1998年，熊文云开启了这个长达三年的项目。三年中，她将涂满如彩虹般7种颜色的篷布分别盖在不同的卡车上。这些交通工具开始了从北京到青藏高原的漫长跋涉。在路上，她用这些绚丽的颜色照亮了路边的人家。有些司机和旅行者会将他们祈祷时用的旗帜落在路边，而篷布上的这些颜色和旗帜上的色彩是一样的。据熊文云说，西藏人民将彩虹看成是通往天堂的云梯，将凡间的世俗和无边的星际连接在一起。

移动的彩虹这个作品是通过摄影和视频记录下来的。

Xiong Wenyun, Sichuan-Tibet, Road Bangda, no 58, 1998

文云通过这个作品要说明的是环境的重要性，而不仅仅是政治方面的。Jonathan Goodman 在艺术批评中对这个作品进行了评论：她的这个壮举承担着人性中一种纯粹的精神，一种中国在不遗余力地帮助西藏实现现代化的过程中所缺乏的东西。最必要的不是别的，而是熊文云感觉到了人类和自然的联系的神圣性，而不是对于赤裸裸的利益和环境开发的歉意。

Xiong Wenyun Xuejila Mountain – Motorcade No.1 1999

静止的生命是Europalia 项目的一部分，在布鲁塞尔BOZAR的展览一直会持续到2010年的1月24日。

请看更多图片。

BOZAR之前的展出：非殖民化建筑-以色列移民地的转变和宝贝，这不仅仅是摇滚

art from china art in Brussels photography

2009 上海电子艺术节/09′Shanghai eARTS Festival

guohaoyun — Fri, 08 Jan 2010 19:42:07 PST

自从2007年上海电子艺术节开展以来就给申城带来了前所未有的新媒体艺术风暴，在这个展示平台推动下牵出了许许多多隐藏在这个城市里的”新媒体元件们”。今年的”系统更新”更是对新媒体艺术和eArts自身的一个回顾和更新，他将带领我们步入创新的2010年。

简单的介绍几个感觉不错的作品，今年的系统更新一共分为三大块：

当代艺术馆的 – 完美幻觉 (中国比利时媒体艺术交流展)

影子

大卫*克拉伯特

他所展示的录像画面是一个公共建筑大厅的俯拍，透过楼下的玻璃门能在看到在阳光强烈的照耀下，外面的路人试图进入这个公共建筑。但是始终打不开们，最后他们一个一个的离去。这个影像体现了一种失落感，路人被迫在外面，而他们的影子却已经毫无阻挡的被投射到了建筑内，表达了一种乌托邦与现代主义理想的不现实。

扭蛋

徐文恺

记忆贩卖机，是艺术家基于遇见的科技进步所提出的一项“发明”。装置的外形与基本功能类似于扭蛋机，这是一种简易自助式贩售系统，在遍布全市的便利店都可以找到。。与普通扭蛋机不同，贩卖机售出的每个扭蛋看似真空，其实封装有无数微笑的纳米机器人，随着用户吸入扭蛋内的空气，这些携带着特殊信息的纳米机器人进入脑部，繁殖形成记忆区域。这意味着人们可以进入彼此的记忆，读取互相的视觉听觉触觉味觉嗅觉等等，并在自己的集体上获得全部“真实”的体验。

延伸

汉斯*欧普*德*贝可

延伸的画面带着观众一次次穿越寂静的空间，孤独的建筑，忽隐忽现的景象。作品将我们所置身的日益受到技术驱动和全球化影像的环境表现为一个黑暗的梦境，一个黑暗而无形的迷宫，个人只能试图通过他的仪式和习惯来维持其身的存在。

科学和技术作为人类身体机能的各种延伸，作为对于永恒进步的信仰的实际体现。

三号景点

吴珏辉

每当我们重新翻看自己过去的留影，总会回忆起当时的环境和感受。正是有感于此。在无声的展厅里，错落有致地挂着一张张半透明的薄膜，薄膜上的投影画面是素色的山脉，有着中国的山水画的意象。当观众开始靠近作品他们会注意到山石之间有人的行踪，于是走进观察便发现那身形正是自己。

正虚影

罗扬文

是一件特殊的LED互动装置，它利用了光影技术通过计算机程式配以闪烁得光线让人产生视觉残影。

水上，水下

胡介鸣

这是一件三屏互动影像装置，也是艺术家首次尝试在影像作品中运用交互技术。当观众靠近作品时会有一系列的连锁反应，观众离开时整个场面又恢复了原本的平静。

IKRAUSIM计划方案

尼克.艾文柯

艺术家结合了中国园林与西方雕塑元素，用数字华石雕来表现出实体形态之间的各种可能性。

东方明珠的 – eARTS BEYOND (上海国际画廊媒体艺术邀请展)

SiliFulin

桑久保亮太

2009年

电子设备

尺寸:300*200*400

LUMO LED

Atelier Hauert Reichmuth

2009年

每件:173*113*40(毫米)

2007年10月21日-加利福尼亚洛杉矶海滩

Luc Courchesne

2008年

循环视频(40分钟),电脑,液晶屏,环形框架。

分支系统

Ryan wolfe

2006年

电脑主板,马达,干树叶,电线

家庭电影

Jim Campbell

2006年

定制电子部件.

天窗,云的故事

2009年

DVD,平面屏幕监视器

Leandro Erlich

真实的电影

2005年

铁，铜，发动机，水和投射光

Rebecca Horn

东大名创库 – 新媒体考古 (学术研究项目)

新媒体考古分学术报告会和学术研讨会，以及文献展三个部分。

媒体考古项目邀请了众多来自国内外的重量级人物。

Gregor Jansen (ZKM)
Yukiko Shikata (ICC)
Stephen Kovats (Transmediale)

Ingrid Fischer (Ars Electronica/Basis Wien)

Heiner Holtappels (Montevideo)
Mike Stubbs (FACT)

Giaco Schiesser (ZHdK)
Christoph Schenker (ZHdK)

Alex (V2)

张尕（清华美术学院）
张培力（中国美术学院新媒体系）
胡介鸣（复旦大学上海视觉艺术学院）

徐文恺（we need money not art）
郑为民（artlinkart）

整个学术研讨会围绕着新媒体的昨今天和明天来展开:

昨天

过去时是基于两个大的线索下的，一个是全球新媒体发展的轨迹，其中涉及到麻省理工（1865）日本ICC（1997）德国ZKM（1999）新媒体机构的建立，奥地利电子艺术节（1979）荷兰V2（1981）德国转译媒体艺术节（1999）新媒体艺术节的建立，构成的以欧洲、美国、日本构成的针对不同阶段：科学实验、艺术与科学、信息时代、综合媒介等等方面的发展做一次文献上的梳理，其中特别介绍来自德国由文献展文献库与ZKM共同发起的关于媒体的文献库计划。
一个线索来自中国新媒体发展与新媒体教育的现实轨迹，以杭州为起始的试点进行针对性的调研，其中吴美纯将整理来自杭州每三年一次的新媒体活动的文献，高飞（L.A.B）进行的针对媒体艺术家在杭州的普查计划，通过2000年后中国杭州首个新媒体系建立后的发展做局部的综合文献整理。
录像艺术在中国发展的线索，作为来自独立艺术家在当代艺术范畴的延展，自19996年由吴美纯、邱志杰策划的《影像现象》作为录像艺术综合实践的起始，2002年范迪安、皮力、Kim Machun策划的《亚太媒体艺术》展，还有张尕策划的《北京国际新媒体艺术展04－06》、《合成时代：媒体中国2008》，上海eARTS电子艺术节07－09文献，来展现来自本土的自发的媒体艺术发展与来自本地的针对国际新媒体艺术现象的纵观。
过去时的展出将通过图书馆的方式，提供一个可以互动查询信息的空间，约请上述涉及机构、策划人、艺术家与电子艺术节共同建构一个历史中的新媒体时间。

今天
现在进行时，旨在强调来自不同领域的影响，汇集于艺术的主题，其中涉及关于艺术、城市发展、公共教育、公共空间当下的责任和发展，与过去时构成呼应与关联，将那些建构在过去的知识、信息通过专家的演讲呈现其时下的方向。其中有展示的项目包括，为声音与跨媒介的设计（微型博物馆－媒体艺术的陈列FM3+李鼐含）。

明天
未来现在时旨在通过上述展示与演讲，构成研讨的平台，讨论切实可行的机构之间的合作与有时效性的联系，以及未来的规划。这个部分将着重讨论几个涉及以上演讲的共同话题。

art from china earts

Interview with Ujino Muneteru 采访宇治野宗辉

sophywt — Sun, 03 Jan 2010 00:24:37 PST

我曾经看到的唯一一件和宇治野宗辉有关的东西就是一副令人惊叹的海报，上面是一个音响设备的雕塑，他称之为Love Arm（肢体的爱）。那是在两年前的电子艺术展上。我一直希望能够有一天看到他的更多的作品，我太幸运了！Vicente Gutierrez已经极力在安排和这位艺术家见面，于是，我和我的摄影师Martin Holtkamp在他的工作室中采访了他。以下就是我们的成果：

Muneteru in his studio, by Martin Holtkamp

宇治野宗辉是驻扎在东京的音响雕塑艺术家和表演者，他的Rotator是一个巨大的设计复杂的现代高科技珠宝盒。。尽管很多以前的作品在宇治野宗辉所有的作品中是普遍存在的，但是这些作品绝对不是很俗的艺术品。他那些在物质性中发现的新历史曾经被给与了极其细腻的关照，希望保存一些已经丢失的记忆。他的变换，表演和对于垃圾以及葡萄酒的处理都融合了高端的艺术，噪音和一些达达主义，去探究物质主义和生命价值，那些被看作是垃圾，葡萄酒和流行插图很大程度上取决于观者的看法。WMMNA在宇治野宗辉东京的工作室中拜访了他，他们讨论了关于宇治野宗辉作品中的日本元素，所有关于垃圾和葡萄酒的想法以及如何是舞蹈文化与他从事的工作相适应。

我的作品像塑料花道一样。

The Rotators. Photo: Masanori Ikeda, Courtesy of Muneteru.

你刚刚从中国的美丽新世界来，这个展览怎么样？

恩，我在北京呆了两个礼拜，为这个展览在长征空间部分设计一个旋转作品，作为美丽新世界展的一部分，这是为了纪念中日建交35周年。我已经建立了一个自动运行的旋转设备。在这个展览前，我在中国买了一些古董，这些古董是为展览建设用的，可以使中国更具特色，正如我在温哥华做的那样。展览前十天，我在北京买了一个老式的钻头，一个搅拌机，一个空气清新剂，还有很多灯具。我不得不说，50% 的构建材料都是在中国买到的。在温哥华，这个比例是95% 。

The Rotators ‘Robertson and Phillips’ at The Western Front, Vancouver,Canada. Courtesy of Munteru.

你的很多作品都依靠很多老式的东西来展现，是因为在中国和温哥华很容易买到吗？

我想在温哥华是这样的。有很多东西可以给人一种怀旧的感觉。人们的生活和物质事物有着密切的联系，我觉得，在中国，跳蚤市场很少，所以很难找到可以给人这种感觉的东西。所有的东西都是新的，一变旧就会被扔掉，或者人们将金属的东西卖给钢铁公司来融化。所以，很多东西都是用塑料做的，我去了很多东部和西部的城市，这是我第一次来中国，在我眼里，一些都与众不同，来搜集年代久远的东西简直是个挑战。

可能在将来，大概10年后，会有更多古老的东西进入到人们的生活中。

那日本怎么样呢？

恩，西方国家和中国对于日本来说都是外邦文化，日本有更长的西化的历史，也带来了更多的影响，所以我想我们对物质有更多的欣赏力。这是一个循序渐进的过程。我感觉中国的经济在飞速发展，其速度和影响如同文革一样，中国正努力吸收西方的文化。你可以看到上海是怎样发展成为一个国际化大都市的。

Platform for the Rotators. Photo: Masanori Ikeda, Courtesty of Muneteru

那中国人对于这个展览有什么反映？

人们走近，把展品当作一个机械品来看，就像是一种奇怪的机器人。

那相比，一个西方人会怎么表现呢？

在温哥华，参观者会觉得这好像一个老奶奶的家。我想这个反应有一点太感性了。年轻的中国参观者精力更集中一些，他们将眼睛固定在作品上。我的意思是，他们读了更多的将像杂志这样的媒体和博客联系在一起的现代艺术，他们努力去了解它，或者已经了解它了，至少有一个感性的认识，但是我想年纪大的人，特别是那些在艺术世界或这个产业中的人，不会去关心这么多。在日本的老一代也是这样，但是不管怎么说，有一个晚上，我们想要去再展厅作一个展览，但是很难实现，所以我们就将这个旋转作品放在了酒吧里。太棒了，而且有很大的空间。你知道，摇滚酒吧里面都是摇滚，而跳舞酒吧就是为了去跳舞，但是这个地方是所有这些的一个完美的结合。更完美的是，这个酒吧很小，太像日本的家庭住宅了。

‘The Savage’s Plastic Ikebana Session’ 2007 Photo: Masanori Ikeda, Courtesy of Muneteru

你已经为在北京做的那个特殊的旋转展览起了一个新名字，你能跟我们透露点信息吗？

这个名字“原始人”有很多涵义，第一个就是指的媒体艺术。作为美丽新世界展览的组成部分，很多艺术家都在他们的作品中使用新科技，但是我没有。我使用的技术是1985年以前的，有些陈旧，未开化，这就指的是原始。

用另一个角度看这个名字，它指的是2000年前，关于中国和日本的一个古老的传说。是一个很久远的故事，但是确实影响了这个展览的命名。

这是控制整个作品的旋转头。Masanori Ikeda拍摄

好，让我们回到旋转这个作品。在你的作品中，大多数的材料都是西方的。如果我在看你作品的时候并不知道你是一个日本人，我怎么才能知道你是一个来自日本的艺术家呢?你的作品中有哪些日本元素？

恩，很容易就会从我在日本的作品中找到这种元素，因为我用了很多老式的技术，这些可以在二手的电子商店里面找到。每次我淘到旧宝贝的时候，都会买下来，我将他们清洗干净，然后擦亮，它们又变得像新的一样了。至于很多作品都是西方的风格，想一想吧，看我的展览就像是在祖母的房间里一样，你可以有一种感觉，这些东西都很珍贵，因为他们曾经都被放在某一个加重，都被珍惜过。

我想我在将它们组合在一起，重新安排的时候，也放入了我的爱，就这样，它们最后变成了一个音箱塑像。但是我认为我的作品十分的简洁，干净利索，有条理，而且安排也得当。就像是一个日本的饭盒。（笑声）它自己的结构非常有条理，呈现了美学性。我会对我的助手说：“把它做成日本饭盒的样子”。有时候，我说我的作品因为它非常精致的做法，就像一个塑料的花道。

你说过在日本，因为营业额高的缘故，非常容易买到东西。我在想你的作品有没有可能在日本实现大批量的生产？

日本人喜欢最新的东西，所以他们买新款，将陈旧的扔到二手店里面。在这个地区，有很多正规经营的二手店，他们有货车，装备，使人们可以将东西寄存在这儿出售，这些店帮了我很大的忙。我喜欢旧东西，可以二次使用。

Another shot of The Rotators. Courtesy of Muneteru

你有没有发现在垃圾和佳作之间有什么不同？

一些看起来很垃圾的东西有可能在几年后变成宝贝，因为随着时间的推移，它们的价值就体现出来了，但是有趣的是，我想说在我的旋转作品中，所有的材料都是垃圾制成的。

我在你的网站上读到: “简洁性是日本美的核心，一片野性的混乱只能在异国风情中出现”。

非常正确，我喜欢这种简洁性，我正需要它。

旋转作品表达了一个什么思想呢？

这是一个DIY的作品。强调身体上的意义，通过使用你的双手和身体，来制成这个作品—-塑像或者器械。以你自己的方式来使用科技，而不是让科技来指挥你。你知道，就像电脑，键盘是为你的双手设计的，我们不应该来限制自己想问题的方式。我努力着来寻找与众不同的方法来解决问题。对于这个旋转物，我感觉我正在改变着这个关系，我控制了科技，而不是被科技控制。

但是无论在何处，在我眼里，科技在功能上都变得更专业化了，更细微化了。这是好还是不好呢？

在日本尤其如此。日本现在很擅长将东西做的很小，现在科技的方向就是越来越小，越来越微型。但是我认为对于人类来说，这太微小了，我们将很多东西遗漏在了外面。我记得在1978年的时候，在一个电子游戏厅，我看到一个游戏的机器放在一个桌子上，就像坐在一个房间里玩游戏，但是那以后电子游戏就改变了，变得越来越小。这样的话就有很多环境的局限性。我不喜欢使用小的按钮，我喜欢老式的东西，那些真正遵照人类的需求安排功能的东西。我的意思是，在网络的世界里，没有重量，身体局限的区别，我喜欢实际的，笨重的，我不想丢弃这些。

Ozone – So Provided by Mizuma Art Gallery. Courtesy of Munteru

那旋转作品到底是一个玩具还是一个音乐器材呢？是一个互动性的作品吗？

不，它不是互动性的，但是我想在将来把它弄得更互动性一些。我正在计划和设计一个鼓的机器，这是一个跟人和改造环境学有关的作品，这个是有互动性的。

好，我不得不问你，你在你的作品中提到舞蹈文化，请解释一下。

我喜欢鼓。我喜欢击打。我对声音的制造特别是老式的声音尤其感兴趣。我想要玩音乐，表演，这些都与舞蹈中的节奏有关，所以我喜欢使用低频率的声音，比如混合声，它发出一种很好听很低沉的声音。关于舞蹈音乐，我喜欢厚重一点的，更加有修饰性的声音比如Prince，他对我在音乐方面有很大的影响。

我喜欢制作常规音乐。

好！那下面谈谈你和你的旋转作品吧。

好，我在不久会和Chim Pom有一个表演，这是一个很年轻的艺术团体。里面的两个成员几年前是我的助理，那是当我在设计Ozone-so，Ryuta Ushiro and Yasuyaka Hayashi的时候的事了。其他成员是Aida Makoto的学生（参考http://fr.wikipedia.org/wiki/Makoto_Aida OR http://www.artnet.com/artist/166151/makoto-aida.html）.这是Chim Pom，他们在制作音乐上有一套不一样的方式，但是他们确实也非常注重目标人群，是一个很实际的团体。所以我们将要有一个演出。而且我正在考虑明年在柏林的一个展览。

Flyer for Sunday’s performance. Courtesy of Muneteru

能不能为粉丝透露点关于Love Arm系列和ozone-so的消息？

我现在没有从事这项设计，因为旋转作品已经把我弄得很忙了，但是以后，我确信我会继续这个设计，Love Arm number 5。ozone-so最近在德国展出，明年三月份会在柏林。我同时也会去那座一个现场演出。

at Open studio *3.0 in Tokyo. And on December 22nd, I’ll be performing in Harajuku at the LaForet museum with several other performers.

Chim Pom的现场演出时在28号周六，在东京的Open studio *3.0。12月22号，我将会和几个其他的表演者在Harajuku的LaFore博物馆表演。

谢谢您与我们分享和讨论你的作品中的想法，我们过得很开心。谢谢。

原文OriginalText

art from japan gadgets interview sound vintage

Exhibition tip – Edens Hage at 0047 in Oslo展览快讯–奥斯陆0047画廊展出Edens Hagen！

lady need money group — Fri, 01 Jan 2010 11:05:45 PST

我曾两次去过奥斯陆，真是个让人着迷的地方。

Anyone know what this art work might be? 谁知道这是什么艺术？

如果你这周刚好在奥斯陆可别错过了Hans E. Thorsen在0047画廊的“Edens Hagen再诠释”。

Arne Lindaas站在以前的《Edens Hage》前

上个六月，奥斯陆最有名的公共艺术，Edens Hage（伊甸园）(它的作者也叫Edens Hage )，从奥斯陆市中心的Hanmmersborg隧道的墙上去掉了，原因是这幅1972年绘制的艺术作品已不能在忍受污染，岁月侵蚀和乱涂乱画的危害了。同时，隧道墙壁将会翻新，但是还不确定Edens Hage是不是会被再次搬上墙壁。

年前的艺术家Hans E. Thorsen 很欣赏这幅有讽刺效果的公共装饰画。他邀请大家与他一起在0047画廊重现这幅作品的神秘轮廓。Hans画出图案的轮廓，画廊的参观者可以用黑颜料和刷子把图案涂黑。

Hans希望通过这个活动，让大家认识到重做一个艺术作品的过程本身也能成为一种创造，还有一件艺术品在隧道中因为受到内部拐角建筑等的影响可能发生一些变化。“受Arne Lindaas启发的新Edens Hagen”，比原先的作品更上了一层楼。作为一个公共艺术品，它更加注重赢得公众的喜爱。

同时，墙面绘画面临一个经常被建筑师，艺术家，及批评家讨论到的问题。那就是，重建一个建筑或艺术品的时候是否应该完全按照它毁坏或腐蚀前的模样回复呢？还是我们应该用更加创造性的方式表达我们对这件艺术品的崇拜呢？

“受Arne Lindaas启发的新Edens Hagen”将在奥斯陆0047画廊展出至2009年10月25日。在这个flickr网址中你可看到更多精彩图片。

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art

Green Platform – My Sunshine / 绿色平台–“我的阳光”

lady need money group — Fri, 01 Jan 2010 11:00:17 PST

“绿色平台–艺术生态可持续发展”是佛罗伦萨的Strizzina将进行到周日的展览。Nikola Uzunovski对这一展览最大的贡献就是完成了一个科学的实验，展出了一个并不像其貌似的那样“乌托邦”的作品。

我的阳光，2009，由作者授权。

当（如果）成功完成，我的阳光(My Sunshine)将可以反射太阳光为北极圈地区的城市提供更多日照时间。北极圈由于地区的自传在冬季没有日照。“我的阳光”成由很多镜子组成的圆盘，它悬在一个透明的空气静力学气球之上。气象学家、天气物理学家、航天工程师、建筑师、设计师都参与了为这个作品设计合理的理论基础，以使这些移动的反射镜可以为Lapland这个地区在寒冬带来阳光。

Uzunovski在Strozzina的房间向大家展示了他的移动工作室。这里也在邀请当地设计系学生参与到所有反光镜将聚焦在的旋转圆环的设计上。

我的太阳，2009.多媒体实验室。

这个项目最重要的意义在于它给当地人民带来的影响：一个人造的太阳将带给他们给多社会交流促进身心健康。

Nikola Uzunovski的人工太阳已被选入参加在马其顿当代艺术馆（Macedonian pavilion ）进行的第53届威尼斯艺术双年展，展览将进行到11月22日。

有关这一艺术家的访谈(Interview)

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CCCS - Florence green

Incidents but on purpose “偶然事件”不偶然

lady need money group — Thu, 31 Dec 2009 08:32:27 PST

这篇帖子是关于我最近在安特卫普（比利时北部海港）摄影博物馆的参观的更多详情。“现实的剧场—当代英国摄影”是正在这个博物馆进行的展览，由8个在英国的摄影师创作。我以为会看到一些严肃的有关社会问题的照片。的确有这些成分，毕竟大部分作品都属于英国纪实摄影的范畴。然而，英国纪实摄影界似乎的确产生了一些变化。展览管理人把这些新颖的作品称之为“后纪实”类作品。这些照片的确有些“人工现实”的感觉。它们是现实的事物，但也为了摄影做出了调整、布景等。

通过模糊现实和想象之间的界限，这些作品将当代英国以既深刻又幽默的手法表现出来；用黑色幽默表现英国银行家们纷纷跳楼自杀，警察们在人工布景的城市中准备防止暴乱，以及普通的厨房水槽与塑形奇怪的办公室或购物中心的内壁作类比。

Transformer House, 2008 变压器房，2008

White Goods, 2008 大型家电，2008

我特别对Sarah Pickering的作品很感兴趣。她在2006至08年作为英国消防学院常驻艺术家时曾创作了“偶然事件”这组作品。

Garage, 2008 车库，2008

Fireplace, 2008 壁炉，2008

这些黑白照片记录了这些专门设计的建筑物的内壁。这些屋子为了进行消防训练一次次被点燃又扑灭。照片表面的粗糙处理也正好与这些房间中被碳灰覆盖的表面相呼应。

这些烧黑的场景和我们想象中的很不相同。不是一片凌乱的碎瓦残垣相反却诡异的整洁。它们被烧过，但却似乎是无暇的。房间里的东西很据概括性，它们需要在不断被烧后还能保持能够辨认的形状。

Photo on the homepage: Escalator, 2008. 主页图片：电梯，2008

安特卫普摄影博物馆。“现实的剧场–当代英国摄影”将在安特卫普（比利时）摄影博物馆展出至9月13日。

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art in Antwerp photography

Gravity Sucks at the BFI英国电影学会“该死的重力”展

lady need money group — Fri, 25 Dec 2009 09:00:20 PST

Simon Faithfull的展览“该死的重力”以及他最近在英国电影学会的演讲都反映了他对这种我们最基本的力的感受的审视。维基百的定义是“万有引力来源于存在质量对时空的扭曲”，也就是我们通常所说的重力。

有些作品我们现在开始称之为“重力艺术”。确实有一些艺术家尝试把重力作为他们的表现媒介。这些尝试经常是精彩但却无力的，可以说是“英雄式的失败”。但是这些尝试分为两种不同的方向，也就是上（逃离重力）和下（屈服于重力）。

最可以成为是“下阵营”的应该算荷兰/加利福尼亚艺术家Bas Jan Ader。尽管他作品不多，但这些作品却在近年来被认为具有重要意义。Ader的重力艺术作品以“让艺术家身体所受的引力做主”为主旨。这是他在他的摄影作品《跌落I（洛杉矶）》及《跌落II (阿姆斯特丹)》1971在Düsseldorf展出时说的。他的作品只使用了一种最普遍的元素–一种无处不在的力以及自己的身体。

他的作品来源于他的家庭背景和他因此产生的困惑，尤其是他在1975年完成最后一部分《寻找奇迹》In Search of the Miraculous时的神秘消失。这在他朋友Rene Daalder的《这里总是别处》（Here Is Always Somewhere Else）里得到了充分证明。

在《跌落I（洛杉矶）》里，我们看到他坐在他和妻子生活的屋子的房顶上的一张椅子上。他的很多作品都反映了那个纳粹士兵把他的家人从荷兰的家中赶出的夜晚。这个作品也同其他的一样开始很有家庭的氛围。Ader身体向前倾，然后失去了平衡，向前踉跄了几步，最后摔在门廊前的灌木丛里。那个椅子就歪倒在房顶上。

http://www.youtube.com/watch?v=EiWyrEyLY8Y&feature=player_embedded
Bas Jan Ader, Fall I (Los Angeles) 1970, © Mary Sue Ader-Andersen

椅子似乎在重力艺术中有重要的意义。可能由于椅子是一种让我们保持在一种半降落状态–我们称之为“坐着”的姿势—的设备。同时它代表了一种我们十分熟悉的人造品，从而在无所不在的重力和纯粹的家庭生活之间建立一种桥梁。

Simon Faithfull是“上阵营”的代表。在他的作品中，椅子扮演了更加突出的角色。他使用椅子让自己或观众想象自己乘坐在他的“逃逸飞行器”上。他说这种装置可以“让人想象自己坐在椅子上，同时又认识到那样的逃离是不能实现的”。他从90年代中期开始制作了一系列的这种装置。最近一个是2004年受“艺术催化剂”（Arts Catalyst）的委托制作的“6号”。

“Lawnchair” Larry Walters, taking flight on July 2nd 1982 “草坪躺椅”Larry Walters，1982年7月飞行

这最后一个作品，被英国电影学会展上的说明文字称之为“惊人的成功”。这个作品是部分受到草坪椅Larry的启发创作的。在1982年夏天，因为“一个人不能总是坐着没事干”，Larry Walters把一个椅子与很多气象气球连起来，然后很偶然的，他竟然飞出1100英尺后来进入了洛杉矶国际机场的领空。（别错过当时NBC对此的报道。）他这次常常被人们嘲笑的旅行可以说很好的结合了日常生活和想要“摆脱重力枷锁”的英勇的梦想。

在逃逸飞行器六号中，椅子是空的，但这个实验可十分成功的。它飞到了30千米的高空，到达了大气层的边缘。这个装置包括了一个气象气球，一个锯子形状的设备一端连着椅子一端装着照相机，发信器（有一个无线电接受方面的专家制作）以及一个可以把椅子所在位置通过音轨传出的GPS。人们只能看到椅子快速上升直到地球开始变成弧形，椅子的金属部分反射出很强的太阳光。那时温度大约有零下60度或者更低，而且周围没有空气。

http://vimeo.com/5760300
Escape Vehicle no.6, installed at the BFI Gallery
逃逸飞行器6号，在英国电影学会画廊组装

Faithfully说“这些视频让人感到刺激的地方是空的椅子在呼唤每一个观众去想象自己正坐在椅子上经历这个旅程，直到到达了一种无法呼吸的不能生存的环境。”突然气球因为气压过低而爆炸，所有和气球连接的东西开始急速下降。椅子和周围的东西缠着一起，发出“梆梆”的碰撞声。一条椅子腿儿掉了下来，接着是靠背。

在下落几分钟后，传输终止了，椅子当然肯定无法复原了。根据GPS的数据，在肯特附近重力最终胜过了逃逸。

“该死的重力”，在英国影视学院南岸展览馆，伦敦SE1 8XT。

相关的空中飞椅：Nelly Ben Hayoun的Soyouz 椅。

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art in london performance space

Tissue Culture Lab at the VivoArts School for Transgenic (Part 1) VivoArts 转基因美学学院的组织培养实验室(第一部分)

lady need money group — Fri, 25 Dec 2009 08:30:57 PST

几周前，我从VivoArts转基因美学学院参观回来，这个公司是Adam Zaretsky 和Wagg协会在阿姆斯特丹的临时研究和教育机构。

那天的一个参观项目是“组织培养实验室”。Oron Catts是这个实验室的负责人，他是一位组织工程艺术家。他同时也是SymbioticA的艺术总监和创建者之一。SymbioticA是西澳大利亚大学解剖与人类生物学院的艺术与科学合作研究实验室。他还与Ionat Zurr一起发起了“组织培养与艺术”这个项目。

百科是这样定义组织培养的：一种将生物组织或细胞从生物体分离，并使其生长于液体、半固态或固体培养基中。组织培养一般指培养动物细胞或组织，如果是培养植物细胞通常会明确指出是植物细胞培养。

在下一次的帖子中我会向大家讲述在这个实验室的亲身体验。现在我想向大家分享一下Oron Catts在这个工作室启动仪式上的讲话。他的名为“再生医学的新年表—一部有偏爱的历史”的演讲把我们的工作组放进了整个再生医学发展的历史中。

就如HG Wells在 1895年写到的，对于工程师来说生命已经成为一种研究对象：

“我们经常容易忽视其实一个生命体也可以被看成一种原材料，一种合成的东西。它是可以被改变和塑造的”HG Wells,1895

1885年Wilhelm Roux从鸡胚胎中取出一段骨髓板并将其放入温暖的盐水溶液中，从而建立了最初的组织培养原则。

首例成功的人体器官移植是Eduard Zirm在1905年捷克奥洛摩斯进行的角膜移植。

1907年动物学家Ross Harrison 成功的培养出了部分生命实体。他成功在凝结的淋巴液培养基上培养出青蛙神经细胞。

1913年，生物学家、优生学家兼外科医生Alexis Carrel通过在无菌条件下的定期补料成功实现了细胞的长期培养。1912年，他从鸡胚胎的心脏中取出组织细胞从而证明了恒温动物的细胞也可以在实验室条件下存活。这个组织细胞存活了34年，甚至在Alexis本人已经去世后还存活着，最后它被人为停止了培养。Alexis的实验令与他同时代的人们感到恐惧。甚至有人说正是Alexis在洛克菲勒医学研究所的实验室启发了好莱坞科学怪人的影片。

有趣的是，这种分离生物体并保持细胞存活的做法在当时被称为“人工生命”。

1913年Ross Harrison 指出了人们对组织培养在认识上的矛盾：

“近期一些有关细胞在体外存活、生长、分化的研究竟引起人们如此大的关注，这真是令人有些吃惊。我们的思维被有机体作为一个整体存在的定式锁住，而忘记了事实上我们每个人都是由无数个带有不同结构和作用的细胞单元组成的。”

Eduard Uhlenhuth在1916年写到“组织培养的发现可以说是创造了一种新的细胞可以生长的环境。”

Martin A. Couney博士在世纪成就博览会上的展品，芝加哥，1933-1934

世界上首个早产婴儿保育箱(premature baby wards )出现在美国一个叫做“奇妙的生活”的诡异展览上。

从1910年到1930年，组织培养开始被科学家承认是一种科学。人们开始认识到这不只是好奇心的产物还可能有许多实际用处。

1948年确立了首个动物细胞的细胞株（老鼠）。这些细胞是老鼠身上存活时间最长的细胞。

1951年建立了首个无限增殖人体细胞株HeLa。这个细胞株是采自被动捐献者Henrietta Lacks的宫颈癌细胞。Henrietta在那年死于宫颈癌。

这些细胞由George Otto Gey在为经过Henrietta知情或同意的情况下培养并在其后用于盈利性目的。

也没有通知病人或其亲属的必要，因为手术过程中丢弃或获得的东西，诊断及治疗发现被认为是归医师及/或医疗机构所有。

加利福尼亚高级法院在1990年讨论了这一问题及Lacks的案例。法院裁决认为人丢弃的组织或细胞不属于个人财产可以被用于盈利性目的。

Hela细胞被称为“永生的”因为他们可以在实验室培养皿中无限次繁殖。据估计Hela细胞在实验室中繁殖的总数大大超过了Henrietta Lacks生前全身细胞的总数。

海拉细胞被送往世界各地用于对癌症、艾滋病、辐射及有毒物质对人体影响、灰质基因图以及无数其他的科学研究。它甚至还由人造卫星送去了太空，以测试人体组织细胞能否在零重力的环境下生长。海拉细胞还被用于检测人体对胶水，化妆品及其他产品的敏感度。（来源）

人们一般不会把细胞株看出具有人性的。但听说有这样一件事。一天晚上当一个使用海拉细胞做研究的医生与一个Henrietta的亲属一起共进晚餐的时候，他意识到自己正在用一个人的细胞做实验。Herietta及她的家人从来没有同意过细胞株的采集。他们希望人们能尊重她对科学的贡献从新认识到海拉细胞的“人性 ”的一面。

HeLa cells 海拉细胞

1954年，组织培养的领域变的更加正规化。

“我想把这一领域过去给人的神秘感和复杂性从人们的认识中去除。灰暗的墙壁，带着口罩头套穿着黑色工作服的研究员，各种形状扭曲的玻璃瓶以及里面冒着泡的五颜六色的液体，闪着寒光的不锈钢，不知从何处喷出的蒸汽，封闭式显微镜以及那种好像巫师用的大锅，这些印象让很多人认为组织培养艰涩难懂而又是平民百姓遥不可及的。”P.R White，《动植物细胞培养》，纽约，罗纳德出版社 1954.

Joseph Murray在1954年成功完成了首例移植手术，是双胞胎之间的肾脏移植手术。

Joseph Murray 在进行首例活器官移植手术（图像）

1978年，Louise Brown，这个世界上首个体外受精的婴儿诞生。

Langer, R & Vacanti JP，“组织工程学”，《科学》 260，920-6；1993.

Eastern Mud Salamander, Pseudotriton montanus 东方火蜥蜴

我们正在越来越接近蜥蜴：我们可以用自身的组织细胞培养出损伤的身体器官，从而实现自我修复。在80年代，修复身体损伤还停留在机械化的阶段。人们安装假肢，人工心脏瓣膜，机械器官。十年后的前景是我们可以依赖细胞发展出立体的器官。

Previously: Image of the day, September programme of the VivoArts School for Transgenic Aesthetics and Day 1 at the VivoArts School for Transgenic Aesthetics: Seed broadcasting workshop.

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amsterdam bio

Interview with Fernando Orellana /采访Fernando Orellana

lady need money group — Wed, 23 Dec 2009 04:06:53 PST

我是在2004年发现Fernando Orellan这个人的，也是从这一年我意识到了由一些艺术家是通过科技手段搞艺术的。我和媒体艺术接触的四年既混乱而又富有幻想，很多艺术家的名字都在我的“我最欣赏的媒体艺术家”中出现，又消失，又出现。。。。我渐渐地从娱乐圈中淡出，因为我觉得这里面仅是玩乐，非常令人反感。于是我现在开始寻找一些所谓的“艺术家经历”。Fernando的经历的确很令人反感，由一些甚至很不务正业，可是，无论你怎么定义艺术，我都会在他的作品中经常发现一些非常有内涵并且令人感动的东西，比如一个机器人(dreams)的梦想。还有一些很难(unable)定义，再比如一个会有自我感觉的电梯(elevator)，和一个不懈的追求(searches)上帝的葡萄酒收音机。不用说，他的作品经常令我吃惊，我能在我的水晶球中看到数年之后我依然会这么认为。

这个艺术家已经在youtube上面上传了几个视频(several videos) ，作为一个开创者，他和他关于机器人的作品“半睡半醒”（”Sleep Waking＂）接受了ABC　新闻电台的采访，以下是一些片断。

当我第一次在Gijon的展览会Emergentes见到你时，你告诉了我8520 S.W. 27th Pl. v.2(8520 S.W. 27th Pl. v.2 (don’t miss the video)背后的故事（不要错过这个机器人集合的视频），这是一个无厘头的视频，关于我们不停的要做决定。你能和读者分享一下吗？

8520 S.W. 27th Place是一个我在Davie的一个家庭住址，我在那里长大，位于弗罗里达州，之后我在１９７９年从El Salvador搬了出来。这是一个叫做滚动山的房屋发展过程，我已经将它链接到了 Google maps.

对于大多数人来说，我的同科和我都互相借鉴，已经成为了美国文化的一部分。我们在一个郊区化迅速发展的地方长大，现在这个地方已经吞并了佛罗里达州的南部，成为了一个贫民窟。这些构成了我大部分的童年的梦想。修剪干净的草坪。双行道的马路，种有移植树木的花园，游泳池，蚊帐。在睡袋中生活的人们，年复一年，日复一日。

8520 S.W. 27th Place, 2004

这个意象为8520 S.W. 27th Place提供了美学上的帮助。我想要参考一下郊区的住房，毕竟数以百万的人在那儿长大。我觉得这或许对于一个雕塑家来说是一个很好的舞台来展示人文科学作决定的艺术。正是在这些建筑物构建的，已经充满自动化的家中，我们不停地需要做决定，不论是关于我们的合作者，还是叫什么外卖比萨，抑或是我们选择的IPOD的颜色。永无止境。从我们一出生起，直到我们离开人世的那天。

Extruder, 2008

你是怎么想到Extruder的呢？你从哪儿得到这样的灵感，来制作一个机器，可以制造出弹“哆”音的汽车？

我想到Extruder是有很多原因的。几年前，我做过一个绘画的机器(drawing machines)。因为我想制作一个可以做雕塑的机器，所以我开始设计Extruder.我已经研究这个工程很多年了，是资金的原因让它拖到了现在。

去年夏天，我画了很多关于战争，分解，瞬间弹性变形和汽车的画。在这个过程中，我逐渐开始喜欢上汽车，因为它给这个世界带来了太多的变化。我读过一组数据，至今仍然对我影响很大。世界上每11个人中就有一部汽车，所以大概总共有5亿九千万的车子。而且车子可以和很多事情联系起来：薄饼，青霉素，“哆”音，已经停车场。

Extruder, 2008

是因为我们所崇拜的机器使我开始研究Extruder.我想要对我们所崇拜的机器歌颂，批评，甚至与之竞争。我要制作成百上千可以弹奏“哆”调的汽车。Extruder的最终目标就是制造的汽车的数量赶上1947年福特汽车的产量（那一年福特去世），据统计是429674辆。你可以想象，一个世界上到处都是可以弹奏“哆”调的大概11吨的汽车。直到2008年5月11号，Extruder在Schenectady联邦大学的Mandeville Gallery成功生产(making )这种汽车。当它正在被展览的时候，仍然在改进着。

这种车的颜色也是我最近绘画作品的一个很好的参考。形象的原色和再次上色预示着发达国家的我们有了染印法彩色的卡通。娱乐活动，成了包在糖纸中的暴力，幽默和色情。

Carry On

这个设计是有一些由机器人肢体和微型摄像机构成的手提箱(Carry On)，这些手提箱凭借这些设备来探查它们周围的环境。你为什么会感到有必要来研究监视器和狂想症呢？公众对这些监视科技的反响会对艺术家造成什么影响呢？

正在进行时(Carry On)这个设计是对911后偏执狂症状的直接反映，不只是在美国，而且在全世界也发生着。自从那次袭击后，我去了世界上其他一些地方。在这些旅行中，我看到了很多安全和监视系统，来追查有可能的恐怖分子。地铁上有时候写着“报告任何可能的恐怖行动”。如果你恰巧有阿拉伯人的血统，那你要仔细考虑一下要不要留个胡子或者穿上传统的袍子。将行李或者背包放在机场或者火车站，甚至一小会儿，都要被彻底搜查。

在这个设计中，在每个手提箱的一边，都有一个机器人的手臂拿着一个微型的摄像机。而从摄像机中录制的画面可以直接在手提箱的另一边的液晶屏幕上显示出来。每过几秒钟，这些机器人就变换摄像机的位置，然后液晶屏幕上的画面就发生了变化。没有对画面的解释，也不能流露情感，这些箱子茫然地四处看，不能理解他们所看到的。

我不能确定党艺术家观看这些监视技术时，他们会产生怎样的想法。或许会给人一刻的安宁。意识到这些，正如眼前的这个艺术作品，整个的狂想或者政治上的恐慌都消失了。精妙绝伦的设计想要我们去相信现实。

我看到你最近一个设计Phoney的一些图片，这个作品是什么意思呢？

我看到你最近一个设计Phoney的一些图片，这个作品是什么意思呢？

Phoney是一个玩具，是一种滑稽的可视电话。每一部电话有两个终端，被安置在展室的不同部位，之间是无线连接的。每一个终端都搭配一个老式的电话听筒，一个屏幕，一个黑白的相机，相机是和一个改进的机器玩具的头部连接着的。当一个人在一个终端对这电话听筒讲话时，他的声音就会使得在另一头的机器玩具跳舞。这使得人们观看的屏幕画面跳动，因为在另一边有一个摄像机和玩具连接着。如果是两个人，那么就会发生一些非常奇怪而有趣的对话。对于我来说，这个设计参考了很多我们现在交流用到的方式，以及我们传递的滑稽的信息。

Elevator’s Music, 2007

我读到你的一个作品是关于“创造充满生机的系统”。在你的作品中有多少生命力呢，你又是怎么定义它们的？

在这句话中，最重要的部分就是“充满生机”。我的机器是没有生命力的。他们永远都不会有。我对生命系统的刺激物越来越感兴趣。他标志着我们能够很容易的赋予事物生命力，特别是那些能够活动的东西。人类是充满生机的，这一观点也是我的机器人作品的主题。

这个研究的最新动态就是电梯音乐(Elevator’s Music)，这是我在2007年冬天在纽约Saratoga Springs的Tang Museum展示的一个很有特色的机器人塑像。它包括四个小机器人，它们会出现在电梯半透明的顶棚镶板上。当人们走进电梯时，这些机器人就会感觉到，然后显现出来。通过声波传感器，以及在三个轴上的机动装置，他们能够分辨出并随着目标的远近做出反应。如果机器人发现有事物靠近它，那它就会给其他三个机器人传递一个信息（通过一个局域内的网络系统），告诉他们出现了新目标，这就会使得所有的机器人转向这个目标，于是一首音乐交响曲就会奏响。如果目标试图靠近，或者目标消失，那他们就会退回到顶棚镶板中的安全地带中去。

随着这种简单装置的使用，这些电梯机器人就会防止乘客做一些非法的行为。一些人认为，机器人正在看着它们，或者在某种程度上侵犯了他们的权利，可是另一些人却对这种机器人很喜欢，他们会像对一个宠物鸟一样对机器人悄声说话。如果其中的一个机器人没能做出反应（这样所有的机器人都行动失败了），那乘客可以立即向博物馆工作人员反映，仿佛感同身受一样。我在未来设计的机器人雕塑将会把这种拟人的特性用在无生命的事物上。通过这个研究，我希望能够有更高端，更实际的发明来模拟人类活动。

科技发明家以及科学家能从像你这样的数字艺术家身上学习到什么呢？为什么他们会对疯狂的艺术家这么感兴趣？

我欢迎他们对我的作品感兴趣。在这个国度存在一个很普遍的观点—-对艺术和艺术教育的不重视。全国的艺术部门首当其冲的遭受到财政补贴的严重减削。有争论说艺术不是一个有批判性的课题，这一理论已经在人们的头脑中保留了很多年。造成的问题当然就是学生们对于他们周围的视觉文化变得完全陌生了。我想这或许并不会对机械学和科学产生好的影响。那些能很好地表达他们的发明的机械师或者科学家毫无疑问地在世界的舞台上受欢迎。况且那些乐意去将他们的思想负主要。

你最喜欢的发明或者说是一项科技产品是什么呢？为什么？

可能是我的笔记本电脑。我基本上都靠它生活。除了它，我不得不说我非常讨厌在巨大空间的科技发明。我读了很多关于空间的东西。精神(Spirit)和机会(Opportunity)是在游走于火星上的漫游者。或者是一两个航行者，在太阳系外快速地行走。在我看来，此时的他们仿佛春药。事实上，我有很多的艺术研究，我等着在一个失重的环境中一个个的实现他们。希望我退休已有，这会成为现实。但是

我需要首先克服严重而又滑稽的晕船，我晕船很厉害，有时候什么在海边码头上都会晕。

Nail Jar, 2007

你的媒体艺术创作和你的绘画作品之间有什么共性吗？或者他们之间根本就没什么关系？

绘画是我一直从事的工作，它带领我走进艺术的殿堂，并在很多方面使我的人生更加平衡。以前，我绘画的主题都来自达达主义派或者超现实主义，仿佛都是我下意识的产物。这些都在我最近的作品中发生了改变。不知道为什么，去年夏天，我开始尝试那些我在电子雕塑中所开拓的主题。绘画使我能够很快的接近不同的角度，或者一个主题的不同观点，有一些由于资金或者体力的限制是电子雕塑所不能实现的。这也有利于我快速挖掘新的思想，一些思想现在已经成为了画布上的作品，或者成了雕塑。

Gasoline, 2007

你在纽约Schenectady的联盟大学的电子艺术项目中也有参与，你能跟我们谈一谈这个项目的亮点在哪儿吗？

三年前，我受雇在联盟大学(Union College)开创了电子艺术项目。我们的项目在这个领域是一个开拓者，由电脑科学和视觉艺术部联合资助。我们从芝加哥艺术学院和俄亥俄州立大学艺术与科技项目那里得到启发，已经创立了一个比较精湛的学科研究，覆盖数字成像，视频，3D立体，物理上的计算机运作，实验计算机项目，网站设计，人机对话，以及动画制作这些领域。我们着力是这个项目尽量超跨学科方向发展，，提供电脑科学，美艺术这些课程。不同学科的学生都能从中受益。因为有着久远的传统将世界著名的机械制作和基础相对牢固的艺术教育相结合，在很多方面，这个项目与联盟大学是非常相适应的。

你能和我们分享一下接下来你将要从事的项目或者盛大的活动吗？

有一些项目正在如火如荼地进行着。最近的是一个实时视频系列，我们称之为“纯文本”。这个系列对“无穷尽的猴子原理”加以利用，这个原理讲的是假定有无穷尽数量的猴子，打字机，和时间，猴子将会打出你选择的特定的文本。如果一个人训练猴子（或是猴子的模拟器），去将圣经用打印机打出来，最终将会有一只猴子能完成这个任务。很有趣的是，这也包括所有你没有选择的文本或者任何已经打过的文本。

我将这个原理应用到一系列短的句子中，这些句子在很长一段时间内都会频繁地出现。比如：

“You want _ _ _ _ _ _.”
” 你想要——————”

从右到左，像一个仅有字的里程计，在这个句子中空着的地方可以根据字母表中的每一个字母开始填起。通过这样做，每一个六个字母的单词都会在这个句子中出现。由于主题，空格的数量，以及打字速度的不同，这个系列中的每一个单词都会在LCD大屏幕上展示出来。

For the PluggedIn Exhibition happening in Hudson, NY from May 17th – 30th, two of these phrases will be on display in the vestibules of the Mark McDonald store, along with one large phrase projected on the store’s second floor windows.

Thanks Fernando!

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