一个现场的关于音视频、DJ、现场艺术的综合项目

aaajiao（徐文恺）是中国最重要的数字艺术家之一，2003年创建声音艺术网站cornersound.com.,2006年,创办 基于we-make-money-not-art的中文新媒体信息平台We Need Money Not Art。致力于推广processing,一款开源的视觉程序软 件,Dorkbot,一个非盈利的倡导创造的活动,以及3s媒体中心,一家 基于上海的跨艺术、设计、学术以及新媒体技术领域的非营利型独立研 究开发机构，现经营联合办公平台：新单位。

http://eventstructure.com/

B6是中国最知名与最多产的电子音乐家与DJ。2009年,B6的《Post Haze》专集在欧洲再版,获得欧洲电子界的一致好评,并受邀在法国Ars-numerica艺术机构驻留工作 ,完成了一系列电子音乐多媒体项目。同年在德国,法国,比利时,挪威,瑞士等国家进行巡演,在柏林Tresor俱乐部等顶级电 音场地演出,证明他作为国际音乐家的实力。

2010年,B6受邀携全新音乐理念赴德国科隆和柏林制作新专辑前期,并在德国,瑞典,丹麦,澳大利亚等国巡演。7月-9月受 邀在上海世博会德国馆和瑞士馆进行电子音乐表演,2010年的B6将再次用全新的专辑征服听众。

http://www.myspace.com/b6music

http://www.douban.com/artist/b6

Ben Huang

中国DJ教父级人物。尽管生于上海，DJ BEN HUANG大展拳脚的地方却是在北京,上海以及欧洲的舞台，是中国DJ文化和俱乐部文化景致的奠基人之一。1998年开始，BEN作为DJ和PARTY策划人，驰骋在北 京和上海，为中国年轻的电音和舞曲音乐文化进入到纯正的国际潮流之中尽了力，开创了新的俱乐部电音舞曲风格，完全用音乐来表达自己对艺术和时尚的追崇，领导潮流。 从2001年开始，Ben已被国外的一些音乐节策划人注意并邀请，也就此成为了在欧洲演出的首批中国DJ之一，并在法国，德国，瑞士，日本等电子音乐最发达的国家证实了中国DJ的实力。Ben除了把DJ作为自己的生活方式，当然也更有很多十分大牌的制作。诸如王菲的专辑，你便能在幕后名单上找到他的名字。

http://www.myspace.cn/djbenhuang

http://www.flickriver.com/photos/benplay

GERALD NESTLER In his artistic practice and research, Gerald Nestler focuses on the impact of global finance and economy as it is shaping our world today—for what he coined the term “Econociety”—particularly in respect to the changing roles and the significance of the individual, of society and of community. He is developing a reading of financial stretegies, methods, and practices as a world-producing apparatus in which “human derivatives” are exploited but at the same time opportunity arises for revolutionising inter-active and relational practices.

http://www.geraldnestler.net/

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ZEMOS98，是一个位于Seville（西班牙南部）主要致力于视听活动的团体。他们将此作为一种可能的教育工具同时也是与由媒体和全球文化提供的教育相抗衡的再教育活动。

自从1999年起，该集体就组织了ZEMO98视听节。他们现在正忙着准备即将于2008年3月24至30日举办的下一届节日。国际性视频创意征选已发布，截止到11月10日都可发送你的作品。

但是ZEMOS98不仅仅是个视听节，该团体也发表论文，组织展览，制作和/或者导演纪录片等等。我怀着越来越多的兴趣参加了ZEMOS98的活动已经很多年了，当Pedro Jiménez给我发邮件提醒我关于他们最近的计划之一时，我为有这样一个机会欢呼，并问他能否抽出一些时间回答我的问题。

Pedro参与了大约1000个活动，在线作品，绘画设计，教育计划，电影制作，活动分子计划等等。他也是一个视听艺术家，参加过很多的展览，例如沃克艺术中心的borderhack 2.0或者big b[o]ther。他合作导演过纪录片，例如Peatón Bonzo ，他还是纪录片导演组织cádiz.doc的一员。

Pedro和Chiu Longina, Pablo Sanz Almoguera, Juan Gil ， José Antonio Sarmiento一起写imho，这是关于声音艺术最好的博客mediateletipos。他同时是自由作者，为>>forward和gramagrass.org等出版物写东西。

ZEMOS98的其他成员还有Rubén Díaz, Felipe G. Gil, Juan Jiménez, Sofía Coca, Irene Hens, Cristina Domínguez, Benito Jiménez, Ricardo Barquín, Francisco González。

Pedro本来是用西班牙语回答我的问题，我把它们翻译成了英语，但是如果你更愿意阅读西班牙语的采访，请 点击这里 向下滚动。

Photo by Benito Jiménez

ZEMOS98有什么故事？这个组织有哪些人？

ZEMOS98刚成立的时候是个制作影像的团体。开始的时候，它制作一些非常简单粗糙的东西，除了在夏天制作一些短小的电影外没有什么大的野心。第一个重要的时刻是当我们达成一致要组织一次活动，我们可以放映我们自己的作品，尝试放一些来自其他电影制作者的作品。这个活动不断发展，逐渐变成了我们最重要，最出名的活动：ZEMOS98 视听节 在2008年3月将要庆祝它的10周年。

随着我们的活动越来越大，这个团体逐渐壮大。发自一中自发的，无利润的精神，它成为了我们中一些人的谋生手段。从一个离Seville30公里，远离大都市的地区，从拥有15000居民的小镇El Viso del Alcor，我们最终在Andalusia的首府 塞维利亚定居。

如今我们依旧是一个涉及视听制作的团体，但是我们中的大部分人乐于把展览形式想成我们所叫的“视听文化”。这个不能仅仅称为影像艺术，短片或者视听展览。它把我所提到的不同的格式融合到了一起，它还因为我们对音乐和其他的艺术实践（戏剧，表演，文学等），思考，书本编辑和我们自己的关于现代视听文化的网站 而得到进一步的提高。

我们通常把网络看做一个生存空间，但是我们从来不说我们把网络看做文化。相反，我们把科技作为工具，很明显，线上生存的科技就是我们使用的最多的那个。

这个理论和实践背景允许我们创造一个公司来制作和维持ZEMOS98视听节和我们自己的制作。这个公司也使我们可以把文化的想象变成一个专业的活动。

它使我们可以为其他的客户做一些计划，开一些展览由Instituto Andaluz de la Juventud（安大路西亚青年机构）委托的Repeat Please: Cultura VJ (主页 )。

以上所有使ZEMOS98得以存活，如果我们继续努力一个完全自愿和无盈利目的的水平的话，我们很可能早就要转行了。

如今我们是七个整年致力于我们活动的人，在活动期间，我们的人数翻了一番，我们邀请其他的人加入到我们中，来一起做制作和策划任务。但是几年过去了，我们的合作者来来去去，因为一些这样或那样的原因，他们现在从事着其他的活动。

ZEMOS98 成立于1995年。自其成立以来，你们的目标和角色是否发生了变化？

ZEMOS98不断地一点点地改造自己。我们坚信我们最大的财富就是不断的自我批判。1995年的时候我们的主要目标是完成一部关于mutant zombies的短片。如今我们的计划更为宽广，更有野心。

这样说吧，在内容和视野的范围来说我们改变了。从1995年以来我们学到了很多，我们把我们受到的教育-从我们在学校开始，在大学的时候更多–和我们自己的艺术实践结合在一起。

我们中的大多数人学过关于视听交际和图像的原理，我们在研究生期间和自学电脑，科技和教育时也获得了很多知识。

除了所有这些，还有一些没有改变过的东西，例如我们一直把文化看做社会行为的一种媒介。文化过程就是教育过程，对于我们这些一开始就参与的人是这样，对于大部分来参加视听节，看到我们展示的大众也是这样。

教育和交际之间的纽带在很长一段时间里都是我们哲学的一部分。在内心深处，我们知道这样一种文化视野，暗含了一种政治视野，这既是为什么我们从来毫不犹豫参加社会运动的原因，例如Indymedia Estrecho的建立或者 抗议 塞维利亚现代艺术双年展（BIACS）的Plataforma de Reflexión de Políticas Culturales。

Pablo Sanz

你的作品应该怎样去体会和认识？如今你是否觉得得到你想要的更容易了或者每年都有新的挑战？

我们是一个跨学科的团队，人们对ZEMOS98的感觉是我们事事参与。其实不是这样，事实上我们扩展了我们的范围，这要归功于网络。

基本上我们更多的参与一些特殊的领域，这种灵活性有时候使我们成为计划之间的桥梁，否则就很少和其他人联系了。

我们花费很大心力来处理ZEMOS98这个品牌和媒体支持的交流，不管是当地的还是国家的，都很重要。如果想要得到公共资助，媒体这个关键非常重要。

政客们实际上不知道如何确定哪里还有谁是文化制作的关键，但是他们知道的是如果媒体谈到了其中之一，它就值得他们的注意。这是个悲哀的局面，但是我们不能抱怨，因为我们知道游戏的规则。

无论如何，在ZEMOS98的上一辑里，我们要面对音乐剧活动的空间问题，因为很多人不能参与进来，我们非常担心这个问题。但是，不是所有的活动在参与方面都能立即获得成功，无论如何我们不纠结于人数的问题。

ZEMOS98 9th edition, picture by Antonio Iglesias

ZEMOS98 最近决定给那些参加到其视听节官方部分的作者酬劳。为什么你们认为视听节的组织者和赞助者想当然地认为作者不需要报酬？为什么他们意识不到艺术家有权利从他们的作品中获得报酬?

据我们所知，这个决定很简单。没有人质疑这样一个事实：活动中表演的音乐家应该获得报酬。为音乐界印制促销海报的公司也是这样认为的。为什么作为你们项目中一部分的视听作品不应该得到报酬？

人们通常认为他们参加比赛能够获奖就够了。但是我们不能确定能获奖，如今我们有能力支付了，我们认为最佳的促进创作新的艺术作品的方式就是付给他们一些报酬。

那就是理所当然的事情，我们正在尽最大的努力让其他的音乐节也这样做，对于那些可能永远也获得不了一等奖但是应该参加到官方的活动中来的作品应该有报酬。

我们知道还有一些其他的音乐节也是这样做的，但是我们也意识到了一些博物馆从没考虑过这个问题。他们通常认为，作为一个新来的，你能在他们的画廊里展出自己的作品，你就应该感恩了。

另一个要点是我们认为对展览付报酬正加了我们展出作品的价值。另外，我们听从法律的建议，我们为通常只有例如SGAE西班牙著作人和音乐人总会才会支付的权利而付钱。好的一点是每天很少有艺术家会支持这些实体，这个让我们省掉中间媒介直接支付给那些创造影像的人。

问题不是我们相不相信法律或者版权，但是我们认为如果我们这样付钱的话，如果其他人加入到行动来，一个主要质量的作品回路将形成。或者至少人们将看到一种不同的从短片中获利的方式的黎明。

除了现在这个著名的视听节，ZEMOS98还有什么活动？

我们已经列了一些。

但是除了音乐节，我们通常做一些从音乐节活动衍生的项目，例如展览啊，刊物啊。我们已经发型了5张DVD来展示音乐节的亮点，每年，人们开始音乐节的第五季。到今天为止，我们已经发布了两本书，都有着广泛的影响力。

第一本是Creación e Inteligencia Colectiva，很畅销，因为这是人们下载最多的。这是一本出于集体智慧，收录了 第七辑 所发生事情的书，有趣的是，通过西班牙在这个领域的专家塔扩展了音乐节的领域。对那些想了解这个现象的创造的，合法的，社会性，关于版权和作者权力的现状方面，这本书如今还是一本有价值的参考。

去年我们发行了标题为La Televisión No Lo Filma 的合集，其收录了关于电视媒体提供的可能性的一些想法和论文。这个合集还包含了一张我们制作的建议电视的替代品的DVD。

这些书的PDF格式可以下载，有西班牙语和英语两种。

现在我们再做一本讲ZEMOS98第九辑和Fundación Rodríguez: Panel De Control授权的展览的书，

我们还花时间旅行和给我们发行的一些观点作讨论。事实上，我们很享受做着一切，它让我们更好地了解其他的音乐节，其他的设计和我们受邀去的城市。最近我们发布了一本关于Digital Culture and Participatory Communication的PDF格式的书（下载PDF).

我们最新的视听作品是一个长纪录片，是和ZAP Producciones合作的。她给足球在移民的整合过程中扮演的角色一个特别的视角。在这个国家足球是一项非常重要的运动，它为我们提供了一个非常有趣的视角来探索移民问题。更多的信息在 网站 （La Liga de Los Olvidados的 英语 展示）

Screenshot from La Liga de Los Olvidados

ZEMOS98中发表的一些视听艺术作品是国际水准，设计HAMACA是新发布的一个西班牙视听艺术。

从一个更个人的水平，Pedro Jiménez通过这个 网页 发布了他的录像，我们中的一些人也在我们网站上新开的 博客 上展示了他们自己的设计（不管是不是个人的）。

你正在为Eutopia 07，第二届青年创作欧洲嘉年华组织展览Repeat Please: Cultura VJ。新闻称：“VJ已经把自己确立为现代艺术和表演的规律？”

VJ是如何成为众人称赞的艺术家的？我们把VJ视为艺术家的原因有哪些？他们的主要特点是什么？

事实上这项展览的目标之一就是展现VJs就是艺术家。我们的艺术视野非常宽广，更重要的是我们不打算提出一个精英或者超文化的视野，Marcel Duchamp很久之前就这样说过，我们相信他。任何人都可以成为艺术家。

另一方面，我们必须一个专业现实，从严格的技术层面，VJs 通常被当做夜店的内部设计者。但是我们相信大多数的VJs指的是DJs，换句话说就是电子音乐艺术家。

我们都知道有很多DJs，很可能他们中的大多数都不怎么好，不好在他们的集会没带来什么知觉，他们的作品

仅仅是歌曲和岳父的承接。尽管他们在很多层面有不同，但是相似的情况VJ也有。

Eclectic Method

实际上一些夜店的VJ与其说和艺术家有共同点不如说和灯光技工有共同之处。很多VJ被公司聘用来提供技术支持。

但是我们发现一些艺术家很有趣，他们或者决定走出夜店，或者走的更远，做影像设置的工作或者是参与软件研究和设计中。

这个项目的出发点是为了探索重新拨款和脉冲调制的问题，当我们探索这个话题的时候我们意识到脉冲调制不是可以最好定义VJ的特点之一。

大多数的VJ不喜欢重新使用材料，他们经常把它看做支持材料。但是，有一些其他的艺术家–也许是最好的？他们视脉冲调制为其本身：一种可以让他们重新诠释我们生活的现实的形式。

Fountain (v.3) by Benton-C

我们不厌其烦地想到我们生活在影像之中，所以从电影，从电视或者从Youtube中拿一点东西仅仅是对我们自己文化的思考。但是不是所有人都同意这一点的。

所有的VJ都有的共同的特点是他们对现场工作很有兴趣。VJ的工作中有很大的成分是表演，因为大家都认为人们在现场可以看到你的工作，这也是我们一直称VJ为“现场录像的艺术”。

不管它是不是艺术，它一定是一个现代文化实践，值得我们的注意，不仅是因为所有的可以发展的科技工作（传感器，多重银幕等），而且因为在某种意义上，VJ提出了空间时间限度，这和通常的视听叙述不同。还有这是我们通常觉得有趣的东西。

这个展览提出介绍和提醒关于VJ 的东西，我们希望这可以触发一些关于VJ作为一个艺术家这个主题的思考。

Scott Pagano

西班牙的主持场景是怎样的活跃和有创造性？你能给我们谈谈这个吗？

关于西班牙我们想强调的最有趣的要素是不是所有的东西都产自于制造现代文化的地方：马德里和巴塞罗那 这样一个概念。相反，在这个国家有很多地方，在周围，我们也可以居住，在那里这种文化繁荣。

另一个特点是西班牙的文化场景正在兴起。尽管我不认为它很大，但是人们可以看出其创造性，例如vjspain.com团体，它聚集了参与到VJ文化的人们，使他们能够相互认识，一起工作。

尽管在西班牙有很多的音乐节，数目还在日益地增加，但是很奇怪的是即使是非常重要的音乐节像Sónar，对VJ来说在他们的节目中也不值一提。这次的巴塞罗那音乐节部分就非常的肤浅，总的来说，和VJ世界相关的活动被组织，但是除了ZEMOS98之外，这些都最多只有一到两年的历史。但是还是有一些看起来很有趣的。LUX06 是其中之一。很多来自世界各地的VJ都在塞维利亚因为这个国际会议而相遇。

这一活动挺成功。这些天举行了很多的研讨会，一个很重要的VJ最近告诉我们现在是时候提供尽可能多的信息了，因为如今任何人都可以使用样带和预设装置成为一个VJ。

因此信息的重要性，这样那些组织和策划音乐节的人可以更好地看到VJ世界里事情的进展和谁是谁。我们试图将这一视野，我们的视野，带到这一现象中，当在准备展览的时候，我们努力展示如今在西班牙发生的一切。

为了几年前第八辑ZEMOS98你建立了Reclaim the Spectrum，一个讲点此空间的艺术作品展。一个关于静止的，不可见的东西的展览如何成为一个视听展览的一部分？

这是策划者José Luis de Vicente的点子。那时我们正在为音乐节第八辑电视提供的可能找内容。我们称之为”Más allá de la televisión” / “超越电视”，我们意识到José Luis的设计完美地适合这次活动。没有任何犹豫我们开始工作。

这个展览实际上是非常视听的，因为使射频频谱可见的作品使参观者可以看到和听到。我们对这个主题一直非常感兴趣，José Luis de Vicente这次展览的作品，这次会议帮我们更好地理解这个主题。实际上，“射频频谱是信息社会的地产”现在在我们对这个主题的认识上被牢记。

除此之外，在我们的日常生活中，不管我们讨论知识产权，文化实践主义或者控制分析社会，我们不断地面对很多在Reclaim The Spectrum讨论到的相似的方面。这些在第八届音乐节中展出的作品可能在Panel de Control提出。

更多信息 。

你们的基地在塞维利亚 。你能否帮我列举一些在塞维利亚的更值得大众关注的现代艺术家（以及为什么）？

我们可以列举三个例子，尽管他们各有不同，他们和我们的兴趣相近，也是ZEMOS98的一部分。

La Cosa Nuestra

María Cañ，一个影像导演和档案保管员，她几乎发狂地收集和我们的文化最典型的神话相关的图片。她最近在研究塞维利亚巴洛克风格和其余色情文学的关系。在接受了ZEMOS98制作援助的录像La Cosa Nuestra中，她探索了公牛这个形象。在她研究猪之前，组织了一个竞赛，把一个贝罗塔火腿作为一等奖的奖品。María的每个作品都是可信的视听论文。

我们一起工作过的一个很重要的团体叫Hackitectura.net。他们参与很多的媒体设计和社会实践中，但是是从建筑的角度。

Hackitectura.net研究媒体建筑和社会实践的生控体技术限度。目前他们在塞尔维亚支持一个维基平方的创造。他们参与到一个非常有趣，很有能力的全球主流平台的研发中，它叫做Giss.tv ，他们最近一段时间来研究媒体建筑。

我们也应该强调José Luis Tirado的作品，和其他的一些艺术家相比，他的作品可能没有出名，但是当组退研究视听和行动主义的时候，他是最成熟的。总的来说，他对边境，直布罗陀海峡和移民等概念的思考非常有意义。和他在一起我们才实现了我们之前提到过的La Liga de los Olvidados，他的长片放映和短片一样有趣。

在塞维利亚还有一些很多领域的令人兴奋的文化行动，音乐方面的在很多层面上都有意思，从Tote King的嘻哈到Orthodox的重金属音乐到Sr Chinarro和他的杜尚风格的pop。还有一些其他人，尽管不出名，但是很重要。大概是因为我们和他一起工作，我们不得不提Pedro G Romero，特别是他的关于弗拉门科舞舞者的作品Israel Galván，当然还有一些明星，如Federico Guzmán，或者建筑师Santiago Cirugeda……

我们和他们中的大多数人保持积极的联系，通过PRPC我们和这个城市一起工总。这是一个两年前成立的集体平台来抵制塞维利亚现代艺术双年展。

录像

zemos98视听音乐节宣传

Uploaded by zemos98

上传自zemos98

还有没有什么即将来临的计划可以和我们分析？

除了文化VJ和Panel de Control book，我们还有一些其他的活动让我们一直忙到年末。

最重要的一个就是ZEMOS98第九辑国际巡回展的DVD。我们正寻找可能有兴趣放映的艺术和文化中心。

我们也正在想一些旅游展览，尤其是Cultura VJ 和 Panel de Control。此外，我们还致力于其他城市的一些项目。例如，被称作Experiencias Sonoras的实验性音乐活动的系列节目。

但是我们现在努力工作于将在3月24到30举行的ZEMOS98的下一季。国际性的关于短片的call for participation结束了。发送作品的截止日期是11月10日。

我们可以透露给你的是我们正在和策划者及朋友Mar Villaes合作，合作 ZEMOS98的下一季，即将庆祝其10周年。

Muchas gracias Pedro!

只喂橡树果的猪制作的一等火腿（贝洛塔）。

相关故事：Book review: Audio-Visual Art and VJ Culture, VScratch, Remote Vjs control, Sewing machine VJ, PostVinyl, Tremor tactile music sleeve, Interview of UnitedVisualArtists.

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如果你四月底的时候正好在柏林，千万不要错过一个展览。只是一定要避免周末下午去，对于你来说，这可是一次长队派对！

第一眼看过去，Walton Ford’的这个动物油画看上去就像由法国和英国殖民地时期的插画家制作的充满乐趣的插画。直到你近距离看，才会意识到他所描述的这个世界是多么的丑恶。

Walton Ford, An Encounter with Du Chaillu, 2009. © Walton Ford

一只美丽的豹从动物园中逃离出来，村民们极力要杀掉它。一只猩猩正要将一只鹦鹉置于死地。一只大猩猩正用一支猎枪对着自己，而猎枪的主人刚刚被猩猩杀掉。一只马达加斯加的象鸟（目前已经绝种）正歇斯里地的单脚站着，另一只脚被绳子绑着，绳子是猎人缠绕在它身体和嘴上的。由于激猛的个性，象鸟成为动物王国中的首领。看到这里，你一定在后悔来看这些图片，但是它们实在是太美了，你又停不下脚步，走到另一幅面前。

Walton Ford, Madagascar, 2002. Courtesy of Paul Kasmin Gallery

Walton Ford, Chingado, 1998. © Walton Ford, Courtesy Paul Kasmin Gallery

狮子，鸟类，狼，灵长类和其他野生动物从不单独出现。它们的出现往往伴随着殖民地文学，传说，游记甚至美国文学中经典著作中的象征，暗指和线索。在Ford的油画中，自然；历史与政治评论以一种独特的视觉角度交相辉映。这些照片讽刺了殖民主义，政治，奴隶制，自然科学以及人类对于自然的影响。

Walton Ford, The Sensorium, 2003. © Walton Ford

“有很多关于动物的科学和流行元素–像动物星球展极其领域研究”。Ford对 当地媒体说。“但是我对那些根本不感兴趣。我不关心大猩猩如何在自然中生存，但是我关心人们如何与像金刚这样的动物交往，人们怎么能产生那样的恐惧和害怕，以及我们应该慢慢地将大猩猩看成是自然的象征。”

Ford的图片旁边都有一个简短的文本，文本有时候反映油画背后的故事含义，有时候只是加深它的神秘感。例如：

Walton Ford, Thurneysser’s Demon, 2008. Courtesy the artist and Paul Kasmin Gallery

Thurneysser同样呈现给了Basel，这是他的本土城市，一个庞大的麋鹿，是由Radziwil王子呈给他的，但是在善良的贝斯勒人眼中，Thurneysser是一个极其危险的动物。一个虔诚的妇女将一个插满针的苹果喂给Thurneysser吃，最终才将这个动物赶出了小镇。 刑事监控和动物死刑，作者是E.P. Evans，1906年。

Walton Ford, Scipio and the Bear, 2007. Courtesy the artist and Paul Kasmin Gallery

Walton Ford, Royal Menagerie at the Tower of London – 3 December 1830, 2009. © Walton Ford

Walton Ford, Baba – B.G., 1997. © Walton Ford, Courtesy Paul Kasmin Gallery

Ford在美国很受欢迎，但是，他在欧洲更受欢迎。Walton Ford – Bestiarium最近在柏林的 Hamburger Bahnhof ，这是他第一次在欧洲办展览。

我的照片

杂志有一个关于Walton Ford的专访，该艺术家的视频

Walton Ford – Bestiarium一直持续到2010年的4月24号，地点在柏林的Nationalgalerie im Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart

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之前的文章：东京Mori艺术博物馆的医药艺术展（部分一）

Patricia Piccinini, Science Story, Part I: Laboratory Procedures, 2002

“通往生命和爱的永恒”这是医药和艺术展 的最后一部分，为了展示生物科技，控制论和神经科学的最新发展，以及它们所带来的重大事件。我们对于生活的定义能够永远不变吗？人类繁衍后代的重任会一直保持这样吗？我们对于未来生命的延续会受到限制吗？我们会实现长生不老的梦想吗？医学和科技的发展会对我们的生活产生什么样的影响呢？

Exhibition view. Image Mori Art Museum

科学的最新发展可以从历史的角度看，加以达尔文的进化论思想，而后者也会是展览这一部分的关键。达尔文关于进化论的思想可以在他1859年的一篇杂文中表现出来—论物种起源。这本书引起了很多争论，但是达尔文关于进化论的思想被科学界和公众接受。随着关于创作论思想的出现和辩论，达尔文的进化论思想才遇到了劲敌。在肯塔基州的一个Creation 博物馆，美国人光明正大地写着“生命并不是围着达尔文转的！”

Mori艺术中心为东京人带来了很多与达尔文的研究相关的原创思想，而且还有一些颅相学方面的专家，Francis Crick和James D. Watson使用一些原创的金属盘 来建造一个双向的DNA螺旋模型，决定它的分子结构等等。

Broca-type goniometer for measuring the angles of the face, France, 1865-1875. Credits: Science Museum London

对于我来说，最费解的一个展品就是这个测角器。这是在19世纪60年代早期由外科医生和人类学家Paul Broca发明的，这个测角器 旨在测量脸部的Jacquart角度。脸部的“科学”测量方法在19世纪的时候就已经被人类学家使用了，来区分不同的种族，人们错误地认为，一些人群比另一些人群更加高级。然后，就根据进化论的思想将人们分成不同的类型，当然欧洲被他们理所当然地排到了首位。

这些作品展示了“通往生命和爱的永恒”这一章节，从人的出生到进入坟墓。

Patricia Piccinini, Game Boys Advanced, 2002 (detail.) Image Roslyn Oxley9 Gallery. Copyright Patricia Piccinini

Patricia Piccinini的 先进的游戏男孩 非常令人费解。两个男孩沉迷于掌式游戏机中，甚至都懒得抬头看看。继续观察，你就会发现，这两个孩子是双胞胎，都过早地长出了皱纹，皮肤也都略有松弛。

兄弟俩并不是真正的双胞胎，他们是两个克隆人。他们过早的衰老是为了说明Dolly年老的速度比人们预料的更快。科学家解释道，其中的原因或者说是Dolly的关节炎可能在实验室的时候就已经存在了，而并不是任何的由克隆引起的基因疾病。

Gilles Barbier, L’Hospice (The Nursing Home), 2002. Exhibition view (image Mori Art Museum)

Gilles Barbier, L’Hospice (The Nursing Home), 2002. Detail

当美国的超人银衫褴褛时，他们就会被送到Gilles Barbier的医院 过着单调乏味的日子。这个作品清楚地指出了我们这个社会对于年轻的追求。医疗研究应该被运用到抵抗年轻的逝去吗？或者药物最大的使命难道不是为我们提供更好的生活吗？我们的社会会不会转向追求老年人的生活呢？

Sense, Annie Cattrell, 2000. Detail. Photo Peter Cattrell

Annie Cattrell使用FMRI（功能性磁共振成像）这样一个大脑扫描技术来创造感觉。一系列有趣的雕塑描绘出了大脑的运行模式，比如当我们触摸，看，听和尝东西时，大脑所作出的反映。这些观察大脑的反映已经由FMRI产生出来了。这些大体地描述继而被制成了3D动画，使用的是快速成像过程。

东京艺术展还对Oron Catts进行了采访，这个 从不失败的强人 是同Ionat Zurr一起发展起来的，也是“通往爱和生命的永恒”这个展览的亮点之一。

特别要提一下，这个精彩的投币式机器可以从中获得身体各个部分的塑料模型，你可以在展览会的商店中看到这个。

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放下我的行李箱，我就奔向了在东京的第一站—Mori 艺术博物馆。Roppongi艺术站中正在展出的是 医学和艺术，尽管这个展览的副标题有点夸张“关于艺术和爱的未来的想象”，但是这个展览确实正如我希望的那样十分精彩。

由Michelangelo创作的人体解剖画是一个大约1650年看到的一个华丽的假肢图，Patricia Piccinini主持印刷，René Descartes设计表格，藏族的解剖图，还有一张由Damien Hirst创作的画，等等。来自伦敦Wellcome Collection收藏的150个医学艺术品和日本古代及现代艺术作品都在那里展出。没有等级之分，也没有仓促之感，每一个作品都展示了生活中最诱人的一面。

Paolo Mascagni, Anatomical Illustration. Credit: Wellcome Library, London

从古代以来，人类就已经探寻揭开身体结构的秘密了，并在这个过程中挖掘了医学领域的巨大财富。同时，我们已经将我们自己的身体结构看做容器，承载着美丽的理念，并且早就尝试通过绘画来展示身体。

这个展览寓意十分明显，对我们的眼球很有冲击力，它将东方医学和西方对于艺术和治疗科学的观点有机地结合了起来。

展览的第一部分是关于“发现身体的内部世界”：人们是怎么首先掌握身体内部机能以及身体内部世界的呢？展览的第一部分就通过对一系列艺术品追寻各种科技发展的进程来解释这个问题。展览的亮点之一是由里昂那多 达芬奇创作的一组画。对于这个文艺复兴时期的人来说，理解人体构造是发掘外部世界的第一步。另外，他的作品也是东京展览的一个缩影。达芬奇努力地将研究人体的科学及艺术方法结合起来，在这一点上，无人能及。

Exhibition view (image Mori Art Museum) featuring Bal Yiluo, Recycling, 2009

Iron model of the joints in a human skeleton, Italy, 1570-1700. Credit: Science Museum, London

这个30厘米高，完全拼接成的铁质模型被认为在16到17世纪间用于医学院的研究中，展示关节的结构以及研究如何治疗关节疾病。

Maruyama Okyo, Skeleton Performing Zazen on Waves, c.1787 (Daijoji Temple, Hyogo, Japan)

第二部分“与死亡和疾病抗争”讲的是人们在这些年中，如何极力地与死亡和疾病作斗争的。除了展示医学，医药，假肢以及肝脏，生命科学技术，这一部分还通过很多有关死的征象的作品提出了关于生死性质的哲学问题。

Alvin Zafra, Argument from Nowhere, 2000

这个展览中最令人震惊的作品是Alvin Zafra的“无处的争论”。它看上去就是一幅抽象画。知道你读了介绍，看了关于艺术来源于生活的视频你才能了解。Zafra用一张7米长的砂纸将头颅弄成了粉末。这个过程需要14天，Zafra说他的目的在于“描绘出死亡的美丽图片”。

Tetsuya NOGUCHI, “Target Marks 1580″ and “Target Marks 1610″, 2009

Tetsuya Noguchi刻画了两个角色。第一个代表了一个年轻的士兵，他穿着战国时代的铁甲，第二个雕塑是同一个人，只是老了13岁，因此代表的是 Azuchi-Momoyama时代。

这两个雕塑穿的铁甲是相互矛盾的。铁甲是为了保护身体，解除士兵对于死亡和灾难的恐惧，同时，它也预示着对士兵身体会造成的伤害和死亡。

Ernst Pohl, Omniskop X-ray apparatus, 1910. Science Museum, London

20世纪20年代初期，Ernst Pohl就创造了划时代的潜望镜。这个X射线的机器可以围绕着患者360度旋转，从而促进疾病的治疗。二战以后，大约400个这样的机器被生产出来，运往欧洲，美国，日本和苏联（via.)）

Set of fifty artificial eyes, Liverpool, England, 1900-1940

Damien Hirst, Surgical Procedure (Maia), 2007

Kamata Keishu, Surgery for Breast Cancer, 1851. Credit: Wellcome Library, London

1851年，Kamata Keishu编辑了一本10卷的医学论文叫做“Geka kihai”，在这个论文中，他描述和列举了由他的老师，外科医师Hanaoka Seishu开创的手术技术。上面的插图展示了乳腺癌是如何在一位女性的身上发展起来的，Hanaoka Seishu首次提出了1804年通过全身麻醉进行手术的方法。

Custom built iron lung, Cardiff, Wales, 1941-1950

The picture above shows the ancestor of respiratory nasal masks. The patient with respiratory problems was encased in the wooden box up to their neck. The air pressure inside the box was alternated by operating the giant leather bellows. This caused the lungs to inflate and deflate so the person could breathe. During black outs or period of unstable electrical power supply, nurses were said o have operated it by pushing the bellows with their hands.

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之前： 日本文化厅媒体艺术祭 – 艺术部分

这是上个月在东京举行的 日本文化厅媒体艺术祭 的文章。你们要原谅我的懒惰，今天我只是介绍一下娱乐和卡通制作范畴，然后要继续回到我应该在2010年结束之前必须要读掉的书山。

娱乐 部分由一些相当不错的项目。我经常想在很多媒体艺术祭上在娱乐和艺术范畴之间有很多的不确定，但是在今年的东京情况看起来不是这样。

两项卓越奖得主是：

© Alvaro Cassinelli

scoreLight是由Alvaro Cassinelli, Daito Manabe, Yusaku Kuribara 和Alexis Zerroug设计的电子乐器。这个原型实时从画的线条和周围的3D物体的轮廓产生声音。一个修改的激光扫描器作品像拾音头在一个乙烯基录音的表面寻找声音。不同之处在于凹槽是由画的等高线本身产生的。结果就是一个光束在唱它的秘密分数的时候，在画的表面跳舞，

这是电影的 方式  。

主管Naoki Ito创造了一个文件式网页广告。一对真实的远距离的夫妻被选择来跑完从东京到福冈长达1000公里的距离。这花费了他们一个月的时间（仅仅！？？)跑步的过程在网络上广播直播，直到他们到达了目的地， 爱情距离 才被宣布制作成了一个世界上最薄的安全套的电视广告。

我在评委会的娱乐范畴 推荐作品 中认出了很多的珍品，

Mari Matsumoto的 达摩吉祥娃娃 是一种在失去身体某个部分，受到惊吓或者因为被肢解时会改变面部表情的娃娃。如果任何人有其他的联系，或者是一个项目的录像带，可能大受欢迎。

如果你懂日语，那么，非常正常地，你会很享受一些条目。我不是很理解录像带中讲的是什么，但是那不妨碍我把它贴出来：

叫做Here comes the Gyorome Alien的卡通是由Yosuke Kihara制作的。故事通过使用手织的纺织玩具来讲述。

如果没有Maywa Denki，日本媒体文化艺术祭会是什么样子的？

YUREX是由KAYAC Inc.和Maywa Denki设计的一种通过国Binbo-Yusuri或者猛拉的腿来促进你的注意力的的装置。它将会在4月24号发布。

现在轮到 卡通制作 范畴了！

由Hideto Nakata制作的迷人的停止装置卡通制造Elemi获得了一项卓越奖。这个短短的电影讲了一个市区电话线杆的罗曼史和斗争。

Ryo Okawara的动物舞蹈 只获得了一个鼓励奖，通过炭笔讲述了生命的物力论，以鲜橙色为背景。

一个年轻人正在和 截止日 斗争，但是他贴在墙上的便利贴开始移动，变形。这是Yao Liu Bang制作的定格动画。

在Wataru Uekusa的Chisato stared里，线条被用来反应情绪，主题是复杂的持续的时间里的升华，就像是一首歌的一个片段。

主页上的图片阐释了去年过世的Yoshinori Kanada的 工作。 文化祭授予他一个纪念性的 成就 奖。看着他的惊人的作品，我想起了我小时候最喜欢的电视节目（尽管我想Kanada从来没有做过那个节目），我明天再讲Goldorak，或者随便你怎么叫。

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手工艺品2.0：流行工艺品的新家居策略展览，由克拉拉·艾维克及奥托·冯·博世联合策展，地点位于瑞典延雪平县博物馆，时间截至2010年三月21日。

Image by Cross-stitch ninja a.k.a. Maria Halvarson

我打算走出舒适地带，写一下我未曾参观的一个展览。尽管尚未参观，但我还是认为这贴子是合宜的，因为：1，谁都不会想到我会到延雪平来报道这次展览或其它与此相关的展览；2. 这些手工艺品代表了天才的瑞典人（还有非瑞典人）艺术家和手工艺者的杰出成就，尽管这些人与我素昧平生。

展示的手工艺品，不管它们是源自行动主义，是与纺织业的技术进步相关，还是可以在Etsy上任意买到的东西，都是对当今社会的经济性、耐用性、持续性概念的挑战，同时也是对大众对艺术和设计的走向预期的挑战。有趣的是，展览的主题采用了亚历山大·多默，20世纪二十年代汉诺威博物馆馆长，对于现代博物馆的艺术理念。多默把艺术展定义为一个发电站，一个包容其它领域和学科、并连接艺术和社会的活力的发电站。这也正是在延雪平县博物馆开办工作坊、讲座和工艺品展览想要达到的目的。

Elizaveta Kameleon Yankelovic's necklace

手工艺品2.0的插图：流行工艺品的新家居策略

在过去的十年间，在年轻一代的手工艺者中有这样一种趋势，他们希望手工艺品能够表达人们的政治意念，并且能够借助互联网的联合力量发扬光大。纺织工艺品从单纯的个人爱好已经走向大众化，工艺、技术、工具在使用者之间相互分享，就像我们在因特网中看到的脸谱（Facebook）和维基百科一样。

手工艺品2.0探索了“更新的”纺织工艺品，这些工艺品由新一代的严谨的业余爱好者、创新手工艺者、有兴趣的企业家和政界人士创作。在这里，家再一次成为了经济和生态创新的发祥地。发明创造不再仅局限于实验室。历经几十年的外流，新的生产形式传到了门外汉手里。

下面我想谈谈我在展览中所接触的一些作品和艺术家。

爱莎·史坦尔和克里斯蒂娜·林德斯多姆用来缝制的机器是一个经改装的数字缝纫机。人们在这台缝纫机中编好程序，然后就可以自动地绣花了。

哈迪格·史罗曼的“莎啦啦啦”是一个球迷围巾混纺机。通过使用接口混纺软件，球迷就可以用现成围巾上的装饰来制作个性的针织球迷围巾了。还有，看似不起眼的球迷围巾本身就成为了一个社交媒介。哈迪格创造了一种特别的球迷围巾文化，尤其是对展览中的工作坊，它们采用了当地备受追捧的球队的标识。

Lisa Anne Auerbach, Body Count Mittens

在“生命诚可贵”这幅独指手套的第一只上有一个数字，1524，这是美军2005年5月23日在伊拉克战场上的伤亡人数。从那天开始，丽萨·安娜·奥尼巴赫就开始织这副手套。8天后，她开始织另一只，那时伤亡人数已经跃升至1533。而现在，这个数字更大了。

Zoe Sheehan, Shopdropping. Faded Glory Ruched Shoulder Tank (China Red), 2003. Left: purchased item - Right: photograph of duplicate

佐伊·席汉花几美元从沃尔玛买了一件衣服，然后找了合适的图案、面料和装饰品，自己亲手仿制了一件。做成之后，她把原来那件衣服上的花样缝到仿制品上，再转手倒卖给沃尔玛按原价待售。

Cross stitch ninja, Homes for all

2008年，瑞典有很多人占据了政府公地，来抗议住房不足，尤其是在大城市中。“十字绣——忍者”，又称作玛莉亚·哈瓦森（著名的网上集体作品“激进十字绣”的一部分）决定以一篇关于这些抗议的报道的照片为素材，创作一幅十字绣。横幅上的文字是“所有人的家”。

Photo credit Göran Sandstedt

手工艺品2.0：流行工艺品的新家居策略展将持续到三月21日，地点是瑞典延雪平县博物馆。

相关展览：德黑多·哈维修的“编织艺术、设计和大众创造力的丝线，刺绣的极端及手工艺协会的编织狂想展。

此外，还有：时尚，改革者和时尚设计，超模摩萨访谈（微型革命）；奥托·冯·博世访谈；书评：编织：现状和新趋势

Erin Dollar, I Made You a Beard (you can get yours over here)

原文OriginalText

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“时装艺术：装置暗示”展览探索了时装设计师们最大胆的实验和当代艺术之间的交集。25个国际艺术家和服装设计师参加了这个展览。其中5个专门为此此旨在探索艺术与时装的交集的展览设计了作品。

Walter Van Beirendonck, from the ‘eXplicit’ collection. Photo: Ronald Stoops

我先从我最喜欢的服装设计师Walter van Beirendonck讲起。他来自安特卫普，他经常用昆虫 、 小丑或超大的 星星装饰服装。唉，他不太为女性设计服装。除了去年他做了一个纸质连衣裙，上面印满阳具、星星、各种颜色还有一张艺术家自己骑着一只熊的裸照。我立即买了一件。那时，Robin Williams也弄了件van Beirendonck的长袍。我确信如果有更多人穿他设计的服装这个世界一定会更加快乐。看看这件妙不可言的“终于有了胸毛”的长恤吧。怎么样诱惑难当吧？

Walter Van Beirendonck, Finally Chesthair, 1997

有时艺术家会让和他一样健壮留着胡子的男子穿着他的服装走T台。

Photo: Capri Trendwatching Festival 2009

尽管我很崇拜他的作品，但他为展览设计的石棺的确没能给人留下太多印象。

Walter Van Beirendonck, 2357-The Sequel, 2009. Photo Hans Wilschut

Van Beirendonck 制作了这个极其时尚的祭台，它将在2357年放置他的石棺。祭台装饰着愉快的星星和一个心花怒放的太阳，还有设计者骑着熊的塑像以及各处竖立着的阳具。这只是这个祭台的表面，它告诉我们表面往往代表一切。

Naomi Filmer, Finished piece: ‘Orchid Neck Piece’ （兰花颈饰）for Anne Valerie Hash S/S 2009 Couture collection

Naomi Filmer, Chocolate Mask（巧克力面具）, For Another Magazine 2001. Photo: Richard
Burbridge

珠宝设计师Naomi Filmer 对装饰人体上不受人重视的部位很感兴趣。他的雕塑作品“呼吸的体积”就关注了由嘴、下巴、脖子所构成的空间。她按照自己的轮廓做出模型，一个是她吸气时的样子，另一个是她呼气时的。所得到的不能算是珠宝而是一种与参观者建立直接联系的塑像。

Naomi Filmer, Breathing Volume（呼吸的体积）, 2009. Photo Hans Wilschut

（看看她的视频 采访）

Christophe Coppens 的创作角度与之有所相似。这位比利时艺术间经常设计可爱的帽子和精致的手套。他的作品“无可参考”关注了33个在时尚界人体不受重视的部位。这个装饰品作品集没有任何相关的前人创作资料作为参考。每一件装饰品的设计都从人体部位的形状出发，不牵扯艺术、历史、设计、时装的任何背景。

很多作品都是绑在身体上的，有的看起来有点古怪，可能有点不实用，不过非常有诗意、很优雅。

Christophe Coppens, No References（无参考）, 2008. Photo Hans Wilschut

Hussein Chalayan的作品不完全是缝制的，他很喜欢把材料作为叙事抒情的媒介。我想我应该不需要向大家介绍Chalayan了对吧？

Remote Control Dress（遥控裙子）, 1999. Hussein Chalayan

Hussein Chalayan, Finale Foam Dresses（泡沫裙）, collection Inertia, Spring/summer 2009. Photo Chris Moore, Courtesy Hussein Chalayan

Hussein Chalayan, Mechanical dress made of silk and cotton from Airborne（真丝和棉为材质的力学裙）, 2007. Courtesy Museum Boijmans Van Beuningen

在他的项目“微观地理：一个交叉学科”中，他把一个可旋转的模特放在一个水箱中，周围是水，泥土和空气。相机拍下了模特的每一个动作，这些图像可以在旁边的显示屏中看到。这个装置想要创造一种胶质的空间、消除距离感。

Hussein Chalayan, Micro Geography: a Cross Section,（微观地理：一个交叉学科） 2009. Photo Hans Wilschut

Anna-Nicole Ziesche并没设计什么面向市场的衣服。她曾经这样描述自己定位：制作电影的服装设计师。现在她更喜欢把自己称作“艺术家”，她制作的电影将设计转化为视觉。

在为尼根博物馆专门设计的电影中，她以设计为渠道追忆失落的记忆，并反映出记忆对人的塑造。她精确仿制了她童年时期的卧室，其中人物穿着使人充满联想的色彩和图案的连衣裤，这是她儿童时自己编织的。连衣裤看起来做的很粗糙。它实际上有两个连衣裤组成，一个可以当做裤子穿。完全颠倒，就像视频中的世界。

Anna-Nicole Ziesche, Childhood Storage（童年贮藏）, 2009

Ziesche在视频中解释自己的作品。

时装艺术：装置暗示将会在鹿特丹 尼根博物馆 展出至2010年1月10日.

这个展览的 flickr 图片集 .

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我越来越喜欢探索艺术与其它创造性领域的分界线了：设计、建筑、手工艺等等。最近在鹿特丹的布尼根博物馆进行的一个展览就研究了艺术与时装的距离有多近。

Walter Van Beirendonck, from the ‘eXplicit’ collection. Photo: Ronald Stoops

过去我一想到布尼根我就会相当Paul McCarthy的手中挥舞着“屁眼插”的巨大的圣诞老人。它最初是由鹿特丹市政府购得并安置在公共空间的。但是市民们对在他们的城市广场上竖一个六米高还在炫耀一个性玩具的圣诞老人像的想法一点不感兴趣。对此的争论接踵而来，最后这个雕塑被放到了博物馆庭院中半隔离了起来。去年，这个性感圣诞老人终于搬去了在城市正中的Eendrachtsplein。

Paul McCarthy, 举着“屁眼插”的圣诞老人

不说布尼根博物馆院子里的圣诞老人了，说说和McCarthy的圣诞老人一样让人陌生的电话亭吧！

博物馆内部更加精彩。看看 Wieki Somers工作室设计的旋转木马衣帽架 ，它能让参观者放心的挂他们的外套和包。

这正是适合我们说说这个展览“ 时装艺术：装置暗示”。“时尚的艺术”展并不是Cattelan照几张照片好像他是个时尚摄影师，也不是时装设计师拍几张快照好像他们是艺术家。它比这些深刻的多。现在，时装设计师知道如何办一个时装展：他们使用装置、表演，这已成为他们工作的一部分，有时他们前卫的设计更像是雕塑而不是人们确实会（想）穿的衣服。

展览一瞥. 摄影 Hans Wilschut

有些艺术评论家辩论说时装设计师可能算得上创新但是这并不能说明他们是艺术家。我不清楚这两个学科之间的界限是否有应该总这样严密分割开。同艺术一样、时装也是个人情感表达的平台，它也有唤醒幻想世界的力量，它也能反映我们所生活的世界。同时装一样，一项形式的当代艺术（不过还好只是一部分）更多的是关于如何看起来前卫有趣，让大众赞赏钦佩，有市场，而不是唤起你的学术智力背景和挑战你的信仰。

Viktor & Rolf, 时装展上的服装, 2007/8夏/秋, 中心博物馆,借自H+F 藏品. 摄影: Peter Stigter, 模特: Maryna Linchuk

我得承认展览上的有些展品让我有些害怕（哦！那瓶藏在黑屋子里的香水！）并且这个展览的设计也有些不足，令人失望，不过展览上还是有很多有才华及值得一看的作品，这人我还是很乐意呆着那里的。

Christophe Coppens, 鹿斗篷, “做你的梦”作品集, 2005年冬. 摄影 Marc Tops

“时装的艺术”展出了25个国际艺术家和时装设计师德作品。并且H+F时装基金会还邀请来了设计师Viktor&Rolf, Naomi Filmer, Hussein Chalayan, Anna-Nicole Ziesche 及Walter Van Beirendonck来为展览设计全新的作品。我发现我今天写的有点多了，我将在下面贴几张我在展览上看到的作品的有趣的照片，明天再来继续这个工作吧。

Charlie Le Mindu是个发型师，他的确知道如何把头发变成时装和织物。

Charlie Le Mindu, 羊头勒克斯, 2009

Charlie Le Mindu, 红墙, F/W 2009-2010

BLESS, 毛皮假发, 1996

Nick Cave, 声装, 2009

Dai Rees, 甲克 2,3,4, 2006. 摄影 Gavin Fernandes

Jana Sterbak, 遥控 I, 1989. Photo Freddy Le Saux

未完待续…

时装艺术：装置暗示 将在鹿特丹布尼根博物馆展出至2010年1月10日。

相关：撕!! 纸时装.

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数字民俗学（DIGITAL FOLKLORE）-Olia Lialina，真诚献给广大网民，由Dragan Espenschied编辑，Manuel Bürger亲自设计，Merz & Solitude出版，亚马逊英国、DE、法国有售*。

科技创新在电脑文化、网络文化中只占很小的一部分。到底是谁发明了微处理器、鼠标、TCP/IP协议或是万维网并不重要，他们发明这些东西的理念也不重要。重要的是最终的使用者。人们使用这些高科技产品来表达自己的想法，这样他们才和文化相关。

诸如满天闪耀的星星、可爱小猫的照片、彩虹的渐变等等，网民自己的作品大多会被嘲笑为庸俗不堪。更有甚者，将其视作是文化的末路。事实上，这些有地方特色，在网民间流传的作品才是新的传播媒体中最重要、最美丽的语言，但他们却为人们所误解。

本书是部开山之作，书中的散论、文章涵盖了数字民俗学的各个方面，包括线上业余文化、自制电子产品、dirtstyle音频、典型虚无主义、弥母文化（meme）、茶壶、阴茎增大等等。

在读这本书时，我既开心又痛苦。通常，我读书都会做详细的笔记，以便写书评时参考。但是这次，我被这本书完全吸引，笔记本上只有寥寥几行。这大大出乎我的意料之外，我想这本书是写给真正的电脑迷，而不是我这种业余人士。

《数字民俗学》填补了电脑网络文化上的空白。如果你只参加大型科技或网页设计大会，那么你对这种文化必然一无所知。在这类大会中，你是绝对看不到亚文化中的大笑的猫咪（lolcat）、弥母文化（meme）和不雅字体。但这并不意味着他们同电脑文化的相关程度不及你在幻灯片中所看到的可用性策略师、信息设计师和其他网络大亨。

我对网络既爱又恨，而对于这些部分，本书几乎全都有所涉猎。节假日期间，一些比利时的说法语的朋友总是乐此不疲的给我寄让我感到头痛不已的Blingee卡片。我原以为书中不会提及，但这本书就偏偏提到了这些该死的碍眼图形。一看到Blingee这个词我就本能的回避，除此之外，我也学到了一些能让作者颇感欣慰的东西。在写这本书时，他必然是抱着“你能够而且必须立刻了解电脑文化”的心态的。我真希望我的学习过程中也能有这么多乐趣。

该书的第一部分是Espenschied和Lialina执笔的散论、文章和观察资料。电脑文化不断发展且遵循一定的指导原则。90年代中期以来，网民和创造者开始了他们的创作之路，电脑文化自此得到了“最完美的演绎”。正如他们在一篇《自由访谈》中对Marie Lechner说到的那样：“网站作为一种新的媒体所带来的刺激已不在。如今所有娱乐方式都有独立的、规划好的网络空间，人们的交流方式被标准化。对业余者来说，网站也是不错的工具。但认为主页可以同美好的未来交流的想法十分不切实际。”

之后是前Merz-Akademie的学生针对网络现象所写的4篇文章。

最后一部分是Merz Akademie新传播媒体和界面设计专业学生的各种项目。

“摆臀音乐”是我最爱的部分之一。Dennis Knopf在YouTube中记录了一个女孩在镜头前摇摆臀部之前的几秒钟。且不看youtube里说了些什么，这段视频完全可以给未成年人看。

在我看来，该书的设计恰到好处且引人入胜。设计师Manuel Bürger将他的目的解释为开创一种真正的业余精神——虽然你会觉得书中有一些“得体”的设计使它看来清晰明确。

*本书在纽约的Printed Matter画廊有售，或直接从数字民俗学网站订购。

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终于结束了Transmediale最后一版的报告。从侧门进去，我看到了一些展览和演出，这些都是该庆典“收尾”（off）项目中的一部分，都是关注Agnes Meyer-Brandis某一最新艺术事业的。你们当中有许多人现在已经知道Agnes的作品是科学与惊奇并存的。这次，她就是像是爱丽丝漫游云层，做了一系列的失重实验。

CCS标志

2007年9月，在第十届DLR（德国宇航中心）举办的抛物线飞行活动中，Agnes Meyer-Brandis受邀参与其中一个原本留作科学目的的零重力飞行，并在暂时失重的情况下运行她的艺术作品云层核心扫描仪。我认为我时无法欣赏或是品味这种实验的。瞧，我把参与零重力飞行的飞机被戏称为“作呕的彗星”。

原始图片

这是发生在一场抛物线飞行中的事：飞机以45度角向空中飞去，机身整个翻转过来，以达到抛物线的零重力部分。当时全员有25秒的失重体验。一个大约30度角的下倾动作使机上一切恢复正常。最后，地球引力逐渐增加到约1.8G，直至飞机到达24000英尺高。显然，这种云霄飞车式的经历是不断重复的。

AMB运作中

Agnes的目的是在失重状态下研究她所说的“云层核心”。悬浮在空气中的小颗粒是造云的基础。空气中的水分凝聚在这些小颗粒/核心周围。水分聚集成水滴，无数水滴就形成了云。艺术家发明了探测器来观测这些难以发现的云层核心。

CCS视频截图，CCS区域实验室

Agnes带了2个装置上机。一个是CCS，第一台成像器，用于观测云层内部最小颗粒，即著名的云层核心，在零重力飞行中的活动。另一个是ADM-影盒（ADM，Animation Durch Mikrogravitation，即微万有引力动画），即便是最小的云层核心的最快运动也能拍摄。

云层核心世界

这个看似小雪球的东西内部就能观测云层核心世界：

视频截图，第27号实验，水上的护城河环绕的城堡2G图（双倍重力）和空气上的护城河环绕的城堡0G图（零重力）

上个月在柏林，Agnes在一场展览和两个晚上的演出中分享了她的新发现。

“云层核心扫描仪——对流层实验室中”的展览在游客众多的菩提树下大道上的Ernst Schering基金举行。

Agnes Meyer-Brandis，云层核心扫描仪——对流层实验室中，2010，安装图，承蒙柏林Schering Stiftung允许，© Agnes Meyer-Brandis，VG Bild-Kunst Bonn 2010，Roman März摄

该展览探讨了零重力情况下云的形成和艺术与科学的融合。

正如新闻简介中所说：理想状态下产生的物质杂合并提出了当代艺术形式同一些超现实的科学形式（如纳米技术、流体动力研究、气象学）之间的交流问题。主要的隐喻和摄影过程中的主要关注点都是造云理论的内容。

演出照片

同时进行的演出“造云或重力的消失——当代旅游电影展”将表演同Agnes和云学专家的演讲结合起来，既有影片也有科学和造云实验。

我想我并没有完全理解那天晚上的所有内容，但如果它有我在Agnes的演出中所看到的一半有趣的话，我很乐意暂时忘记晕眩，把手放进云层中。

各位，更多图片和解说请点击。

我在展览上以及Agnes Meyer-Brandis的演出中所拍摄的照片。

之前写的关于Agnes Meyer-Brandis的文章：Biorama 2：月亮上的鹅的实验，访问Capsula的Ulla Taipale，访问Agnes Meyer-Brandis和SGM-冰山-探测器。

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2007年，我在威尼斯双年展的北欧馆里看到了伊拉克籍芬兰艺术家Adel Abidin的作品。整个空间充斥着电视广告和传单，都是宣传激动人心的巴格达旅行。一个名为“Abidin Travels”的视频向游客介绍了许多好点子，以便好好享受他们巴格达之旅。博物馆休业了没关系，里面大部分展品都是到处搜集来的；不要走人行道，那里可能有地雷；记得随身携带蜡烛或是有备用电池的手电筒，在那随时可能断电；尽可能住比较差的旅店（好的宾馆容易成为原教旨主义穆斯林人或国家军队的攻击目标）等等。

Abidin Travels，照片来源：芬兰国家画廊，中心艺术档案馆，Petri Virtanen摄

如果你对巴格达之旅有兴趣，馆内设有电脑供你预定机票（你也可以在线预约）。另一个房间里有视频介绍伊拉克人的日常生活。

致默罕默德！ 致麦加！2009年，作者和他的作品，照片来源：芬兰国家画廊，中心艺术档案馆，Petri Virtanen摄

如果你在赫尔辛基，那么千万不要错过奇亚斯玛当代艺术博物馆的Abidin个人展。在展馆门口就可以看到“Abidin Travels”，但真正吸引我的是展馆楼上的作品。有正在玩跳房子的儿童、把扁平面包当做打击乐器的音乐家、反转的可口可乐尼龙灯牌等等。Abidin从日常物品和动作中发现问题，诸如排外、性别角色与性、宗教、暴力、权力。

Adel Abidin，乒乓，2009

最吸引人的作品莫过于“乒乓”。在一间阴暗的房间里，两个男人正在进行一场激烈的乒乓球赛。球台上的分隔物不是球网，而是一个漂亮的女人。每当球打中她的身体，她不说话，但会退缩。不过球员和裁判都对此视若无睹。

Adel Abidin，乒乓，2009

在这场权力的较量中，旁观者是受害人。谁是权力的操纵者？而受害者又为什么是个裸体的女人？作者将作品的解释权留给观众。

此处是vimeo上的作品摘录（更多资料请点击）

奇亚斯玛当代艺术博物馆的其他展览：Rentyhorn, 再现殖民主义的遗风，“这是个计划”（It’s a Set-Up）展览的一部分。

Adel Abidin展出在赫尔辛基的奇亚斯玛当代艺术博物馆，开放至2010年4月25日。

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Alessandro Ludovico是一名媒体批评家，1993年他成为了著名刊物神经杂志 的主编。（Honorary Mention，Prix Ars Electronica 2004）他写了很多关于数字文化的文章，并且合编了***。他是“网络时代”社团的主要开创者之一，也是Mag.Net（电子文化出版物）集团的奠基人之一，并且在Carrara艺术学院 教授“电脑艺术”和“接口美学”课程。

我想这些职务对于一个人来说已经足够了。当然，这一说法并不符合Alessandro Ludovico。他不仅穿着大T恤，而且还与UBERMORGEN和Paolo Cirio在一些艺术项目上有合作，这些艺术作品已经在世界上很多国家进行了展示：GWEI-谷歌将要吃掉自己（Honorary Mention Prix Ars Electronica 2005, Rhizome Commission 2005, nomination Prix Transmediale 2006)）以及Amazon Noir (1st prize Stuttgarter Filmwinter 2007, Honorary Mention Share Prize 2007).

当我在几年前遇到他的时候，我意识到，我根本没有机会成为“新媒体艺术世界中最优秀的人”“感叹！”

神经杂志是怎么开创的呢？

在18岁的时候，我成为了一名职业邮件艺术家和杂志爱好者，之后，在1991年，我成为Minus Habens Records的一名图像设计者（这是产生于意大利Bari的一种地下电子音乐唱片公司）几个月后，我开始受理一种特殊的商品：一种早期的针对虚拟现实的印刷指导书，这部书发展的并不成熟（虚拟现实小册子 ），是从一些理论文本和资源中整理出来的，并伴有一个振奋的音乐CD。不到一年的时间里，这本书就卖完了，所以我向Ivan Iusco（这个唱片公司的所有者）咨询，要创办一个针对新科技文化内涵的杂志。

我们工作的十分努力，第一刊在1993年11月份出版了。话题设计很多方面，从网络朋克到电子音乐，电脑艺术和BBS网络（网络流行音乐前身）。即使很难将它和现代杂志相比，但是确实在调查交流方式和共享交流内容方便给了我很多乐趣。1995年，我继续和出版商实验一种混合印刷物/音乐产品。叫做 网络地下指导，这本书对上升中的全球网络中最难以理解的部分进行了解释，这部分中还有一部分只有通过电子邮件媒体得到的音乐收集（可能是网络上制作的第一部音乐收集）。同一年我被邀请去参观Venice Bienniale 研讨会，名叫>net.time<，在这个研讨会的最后，同名邮件目录诞生。在研讨会的三天时间里，我们的观念和看法进行了广泛的交流，关于一个真正的国际化人际网络，涉及到艺术，科技和政治。有很多相关的国际事件（(下一个五分钟，1996美丽和东方 1997，网络堵塞，2000，意大利Hackmeetings，1998-现在，就列举这么多吧）以后的作品非常成功，我结交了很多关于网络艺术领域的朋友，艺术家，黑客以及理论学家，记录了一些很有趣的关于神经杂志内容的一些观点。

这本杂志挑战了很多新鲜的想法，并尝试着给这些想法打造视觉框架。我非常关注设计以及如何通过印刷界面来表现电子文化。所以，比如，页码的编排是二进制，零以及偶数，印刷者开始大声地抱怨，因为这种方式给他们带来了很多的麻烦。另外，从一开始，另一种“感官体验”就被摆在了中心位置，再次将光学作品和各种形式的理论重新印刷，使读者在阅读的同时可以享受一种美学体验。在 18期，这一惯例被彻底地打破了，造成了一种突然的冒充黑客者。包括由意大利黑客实验室网络创造的假冒标签，讽刺地假冒真正的标签表示的命令，而这些命令出现与在意大利销售的书籍和光盘中，代表的是当地的“版权保护社会”（SIAE）。在一本已经出版的杂志上写着“有关任何媒体的建议性重复”。1998年，我们改变了排版的方式，重新设计了内容，定义各个部分。它们是：通过一些激进的媒体入侵带来的黑客主义，激进主义，电子音乐，研究科技如何与音乐制造和享受联系，以及媒体艺术，尝试科技在艺术中的网络方面和观念上的应用。2000年，我使用“音乐神经”的内容部分写了这本Suoni Futuri Digitali（未来的数字声音），这是一个很有深度的研究，记录了改变我们发声的创新史。2003（当时仍然保留意大利版本），我开创了“神经杂志”的英文版，出版了4000份。事实上，这本杂志已经在世界上畅销了。读者中很多人都是博物馆管理员，艺术家，批评家，学生，教授以及图书管理员。网站开始于1997年，也就是10年前。每两周更新一次，从2000年11月开始，每天更新，2004年，开始了英文版（当然，意大利语版本仍然保留）。

Image courtesy of Alessandro Ludovico

你看到过一直以来“神经杂志”的读者群？

当然。在过去的15年间，读者群发生了很快又很巨大的变化，以前的印刷体版本突然被网上媒介的到来打破了，印刷体受到了数字影响。当我们刚开始的时候，我们有很多“致编者的信”（相当于博客评论），里面有很多珍贵的资源，而这些资源只能在书店以及隐晦的订阅中看到。

这并不是受不受市场影响的问题，而是将编者的兴趣与读者真正感兴趣的东西联系在一起的问题，特别注意到：语言发展，新科技“失误”（不需要解释的东西）以及兴趣的新领域。在最近的十年间，很遗憾，很多对独立杂志发展感兴趣的人都不能理解这种快速的变化，以及不得不关门大吉。对我来说，保存下来的文化策略是严肃地评价读者的反馈。我并不是说赞美。我收到过一些赞美，它们对于提高士气很重要。批评是重中之重，批评之后，才有改正，变化，实践或者撤销。这是一个民主的过程，因为最后我会做最后的决定，但是收到的又很大的帮助。所以杂志的编者说的话在每一期也有很大的改变，同样，网络也是如此。

Cover of the latest issue of Neural

即使在今天，一些博客和在线杂志等等都努力得到一席之地，“神经杂志”仍然是人们最喜欢的杂志之一。你是怎么使这本杂志保持这个地位的呢？

坦率地讲，我从来没想过要带来一次“狂热”，如果真的是这样，那肯定是偶然的。一些人甚至告诉我他们将“神经杂志”看成是一个艺术品。我不知道它到底是不是，但是实际上，这个网站在2004年的Prix Ars Electronica上赢得了“网络-视觉类”的an Honorary Mention（荣誉奖）。即使我对这个奖持批判态度，但是我仍然感到很骄傲，（不管怎么说，最后我觉得我的真正的荣誉在于数以万计的网站点击率）。

事实是：我只是运用本能，经验和外在的回馈来经营我的网站。有时候我把网站看成是一个信息展馆，我读过的最好的信息展馆。我甚至要将它定义为数字文化变革的个人诠释，由在一定空间内的大量信息构成。至于“一席之地”，我一直认为在讨论数字文化的时候，设计到越多的文化概念，我们就离实际的状况越远。但是正如John Perry Barlow曾经说过的那样：“你不能偷走我头脑中的东西”这对于每一种智力产品都是正确的（对于博客和杂志来说也一样）人们不止对一个东西关心，他们对不同的好产品关心，而且不止对克隆事物（除非你进入的是一个大型的商业市场）。进一步讲，经验也有很大的作用：不管工作是什么，我经常崇拜那些在某一种领域特别擅长的人。最后，我坚信“神经杂志”在时间的洗 礼中，经历了很多激情，也持有一定的原则。数字文化的主要特点之一就是它正在快速地传播强有力的信息。一个好的技术，正如声音的一种创新的应用，或者数字艺术品中的一个原始的观念都是有意义的信号。这些信号就是思想，可以在世界上感兴趣的团体之间共享的思想，都为了一个特定行业的发展。“神经杂志”的目的就是加速这些有意义的思想的传播，不管是在当地还是在国际的网络交流中。这也是我的最初目标。

我知道能写出这样一本网络杂志是一件很艰难有费时的事。你是怎么保持这样一种在线状态，很有节奏地出版这样一份杂志的呢？给我们讲一讲你在Grotta的工作情况，以及在发展中国家工作的时候，那里的工人是怎么和你一起工作的呢？

除了开玩笑，我觉得这几乎有点神经质。特别是因为我仍然着迷于关注生产的每一步，来达到我所能支付的最理想的内容质量。但是激情和不可估量的支持再次激励着我前进。我不会停下来将时间和过程达到最佳优化的状态，同时并且丰富了已得的经历。我仍然感到十分混乱，正如你可能会猜到的，但是我会全力投入继续将这个项目做得更好，尽我最大努力使它得到持续。现在 Aurelio Cianciotta是音乐合编者，我们每个星期都会处理一些事情。 Paolo Cirio是在线平台专家，所以这个人也将“可移动式网站”得以实现（在经历这么长时间的复制黏贴后），然而Roberto Orsini 在翻译方面帮助了我很多。在这些贡献者中， Valentina Culatti是最慷慨的人，她将她很多时间献给了“神经杂志”，同时有水平的作品也不时地出自Vito Campanelli之手，以及 Tony Canonico。他们都是意大利人，但是这只是一个巧合。我正在国外寻找有能力的志愿者。回到如何制作在线和网络的内容，我正同Simon Worthington（Mute magazine的合作创办者）着手建设一个工场，来分享我们和其他独立的出版商的长期经历。我是80年代晚期的“爱好者杂志”粉丝，所以我还在想独立的出版应该挖掘各种数字技术来讲可能的表达自由发挥到极致。

在你为The Mag.net 的读者写的美文“文章和像素，出版的变化”中，你谈到了印刷文章经历的变化。你能给我们解释一下为什么你要坚持印刷杂志的出版，而不是依赖网络版杂志呢？

我觉得文章并不会在一定时间内消失。在这篇文章中，我调查了“在一些主要的‘新型’媒体问世后，（比如）‘文章的死亡’是如何在过去不止一次的提出的”但是，这确实从来没有发生过。事实上，在这样一个“不稳定媒体”充斥的时代，纸质杂志是最稳定的媒介。一旦出版，它们不需要电子仪器来辅助阅读，正如我们的生活变得越来越移动，这种杂志也很适应我们的生活。但是，正如我上面所说的那样，我们不得不面对这样一个事实，纸质杂志在现在意味着奢侈。它意味着我们有时间以这样一种休闲的方式来享受阅读的乐趣。有趣的文章内容并不是诱发平庸的”翻纸”的习惯。这种消耗时间的方式是非常吸引人的，你不必要将眼睛一直盯在银屏上，还要时不时的敲击鼠标。阅读书籍可以使你很随性，什么时候不想读，就放下书；或者突然想读了，重新捡起。特别是对于特定的位置和艺术数据，书籍给你带来的这种稳定性和感觉是不可逆转的（这既是我在努力定义的‘文章的持续性’，这篇文章会在the Magnet Reader2 中的一篇出版的杂文中出现）如果内容和数字文化相关，那么这些过程会更加吸引人，因为这种媒介正处于被热论的地步。我之前被邀请与Andalucía in Seville大学的11个编者一起，在2002年，参加了一系列的研讨会和课程，命名为 后媒体出版，印刷出版，电子文化的网络时代，与Andreas Broeckmann合作进行。这是一个难得的机会和这些编者一起努力，创造非正式网络时代合作的新局面。所以，我们创立了 Mag.Net（杂志网络），电子文化出版社。我们的口号是“合作优于竞争”，我们在试运营的内容上进行合作，分享特定主题的知识（比如在线付款平台，或者是按需印刷技术），共同在一些课题上的工作，当然这些并不是同时发生的。最明确的努力是 Mag.Net的读者，这是一本关于数字/印刷内容之间关系的书，可以在 Mag.Net网站上免费下载，或者可以通过“按需印刷平台”购买。事实上，最活跃的 Mag.net成员是 Mute [UK], Springerin [AT], Zehar [SP], 3/4 Revue [SK] and “神经杂志”。在最新的 Mag. Net活动中，有一次在2007年1月举行的会议，地点在阿姆斯特丹的De Balie，叫做“在线出版：对电子媒体时代的印刷事业的热爱。”我和 Nat Muller共同编辑的Mag.Net Reader 2在4月的鹿特丹DEAF（荷兰电子艺术节）上运行，我同Nat再次合作组织的为 Documenta 12 Magazine 项目进行的小组讨论和展示的Paper and Pixel周是这个活动的一部分（涉及世界上超过90个独立的艺术杂志），我当时正在建议他们进行网上部分的运作。最后在今年9月，我被ANAT邀请为独立印刷的历史，网络和离线媒体之间的相同点和不同点以及这种开放式的文化资源是如何被应用到出版中的问题进行了小组讨论。我现在正在和Nat合作，编辑第三版的Mag.net Reader，将会在2008年出版。

Amazon Noir

对于最传统的艺术杂志仍在奚落新的媒体艺术形式这种说法，你是怎么解释的呢？

在（新）媒体艺术中，对于具体部分的盲目崇拜，比如市场上畅销的事物，经常被忽略掉。艺术作品的无限量再生产是一个还没有被彻底弄清楚的过程，甚至在现代艺术世界里也一样。所以那些主要受艺术市场资助传统艺术杂志就将现代艺术形式降级为边缘化以及外来现象，因为它所具有的经济范围。我们当然也会考虑技术方面。媒体艺术美学和叙述方式处理的是软件以及硬件方面的情况，因此对于艺术馆管理者和学院派学者来说是难以置信的（这些人通常是60多岁的人，或者更老一些）。最后，我们应该想到，视频艺术得到艺术世界的认可仅仅是在它登上早期舞台20年后，因为它遭受了同样的问题。

我不这么认为，这种做法无休止地打破了一个超凡又问题重重的现状。William Gibson在18世纪晚期说过“世界上存在着人文科学斜线，让我们开始谈论一下斜线吧”我选择不被最传统的艺术市场迷惑，将“神经杂志”放置在新媒体艺术 “鄙视者”的对立面。所以我仍然关注个人研究的实体部分，这部分在所谓的媒体艺术的边缘位置，有一些关于垃圾邮件, 病毒, 对等网络等话题（后面两个由于Franziska Nori的支持得到了发展），以及”“完美的”网络巨人市场策略是如何被“黑客”入侵的。我的观念很低调，他们都有可能成为未来标准化交流条约的测试对象，所以媒体有潜力被用在宣传中以及大型市场研究中。

在意大利，电脑和科技基于艺术，你是怎么描述这一现象的呢？你能推荐一些应该在国际上得到殊荣的意大利艺术家吗？

不幸的是，意大利不是一个发展数字艺术的理想国度。我们有很多古老的经典艺术遗产，希望得到学院的支持（甚至比在数字艺术中的要少）。但是，我还是将我的艺术作品之路同一些人分享了。比如Scuola di Nuove Tecnologie dell’Arte’（新科技艺术学校，Carrara’s 艺术学院的一部分），由Tommaso Tozzi领导，是国家考察点之一。我将我在这个作品上的心得完全与他分享了（比如他正在发展一个重要的集体项目 WikiArtPedia，讲的是网络艺术历史），我很高兴能够加入到学校中，教授“电脑艺术”和“界面美学”课程。但是，有很多不同的小的方面的创意，近来，该学校有倾向在一个小型俱乐部中举办vjing周六之夜派对，作为“电子艺术和音乐节”。我最喜欢的音乐节是 在中南部的Interferenze和PEAM，以及北部的分享。在这个领域中，我的个人经历回到了1996年，那是我正在支持一个团队参加“第一届新媒体艺术展”的一部分，该展览中还有一些意大利艺术家，叫 Virtual Light（Aurelio Cianciotta是管理员之一）。结果很成功，但是管理者已经花费了两年的时间来说服市政府资助这个展览。我在90年代初的第一个参考对象是Decoder，这是一个地下杂志，介绍一些“网络黑客”的概念，并把它称之为政治运动，很大程度上包括艺术概念。事实上，邮件名单 AHA-激进主义，黑客主义，激进主义，是有 Tatiana Bazzichelli组织的，是意大利关于电子艺术的最流行的论坛。大体上来说，有很多意大利的数字艺术作品，它们更加体现美学观点（Limiteazero, 80/81, Luigi Pagliarini, Chiara Passa,就列举这些著名的名字，但是还有很多没有列举，）还有一个有着特殊政治背景的人。在后者中， Luther Blisset的想法（我认为是90年代最重要的文化事件之一）影响了之后的群体，成为the 0100101110101101.ORG, epidemiC, Serpica Naro以及很多其他人的先锋。在同样的浪潮中，有 Molleindustria，Candida TV和整个的Telestreet运动，伴随着全球新视野档案，Dyne.org免费软件，Sexyshock，我的同事Paolo Cirio，同样只列举这么多。最后，即使它不能被称作“艺术”，我也觉得 Hackmeetings确实是一个表演式的集体的艺术活动。这是一个完全自我组织的黑客会议，带着一种无政府状态的游戏精神，每年收集几千个不同地方的黑客，通过一个邮件名单来决定会议的各个方面，这样可以交流知识，建立人们之间的关系，提高政治意识。我从一开始就参加了所有的会议（除了最后的三个），由于我感受到的无与伦比的气氛和我所参与到的深刻的社会交流，我每场都会到。但是至于你最后一个问题，我觉得Luca Bertini还没有得到人们太多的主义（但是他真的很棒）。确实很遗憾，因为我觉得他是最有进取精神和开拓精神的意大利媒体艺术家。最后在2008年的春天，我将要开始“神经档案”方面的项目，创立有关自传方面的在线数据库，关于我在我自己的档案中收集到的各种材料（书籍，DVD，CD，等），来为研究者创造一种免费的在线资源。

Image courtesy of Alessandro Ludovico

与UBERMORGEN和Paolo Cirio一起，你已经学到了Google Will Eat Itself，这是一个旨在用从Google Adsense中筹集起来的钱收购Google的作品。google针对GWEI是如何反应的呢？

Google的官方反应是德国分公司的一封“停止，停止”的信件。但是这不同于我之前所看到的“停止，停止”的信件，这是一封机密文件，并不是平常的冷酷的律师语调的信。但是，更加的耸人听闻。大体上是这样的：“好吧，我们知道这是艺术，但是你现在一定要停止”这和我想象的他们“滑稽的指令者”的形象是一致的，正如我努力定义的那样。事实上，在这个活动期间，有很多神奇的奇怪的事实。我和汉斯做了一个完整的讲座/表演，在2006年（视频）v2的TANGENT_CONSPIRACY之夜。况且，google意大利公司确实终止了 Neural.it AdSense，而且不提供任何理由。我想这确实有点不可理喻，因为Neural.it并不是GWEI的一部分（这从一开始就已经很清楚了）。但是google意大利公司对这个视而不见，所以在我和Paolo受邀参加一个公众辩论时，他们只是拒绝前来，并终止了Neural，因为“欺诈性的点击率”。但是你会想到他们筹集AdSense资金，所以他们能够在任何时间决定终止你的账户，并且还不给出证据。这也是我定义他们‘为瓷器界面’的一部分。GWEI对于我来说，就是最刺激的经历之一，它在我看来是成功的，是我第一次体验到了在一个有能力的团队中所获得的艺术的熏陶，所以，和Hans，Liz 以及Oaolo分享所有这些时刻，我真的很感激他们。

我们来讨论一下Amazon Noir吧。最新的发展是什么呢？Amazon有没有对这个项目作出反应？

Amazon noir仍然有着很显著的成效： 被偷的书单。我们仍然以不同的形式重新体现它们。我们的一个作品物理上体现了这个项目（而且非常有象征性）。它包括两个投影仪展示了徽标和软件内部机能的图表，以及一个内部带有一个被偷的书的孵化器，数字化地被再次印刷了。象征意义上来讲，我们从70个由Abbie Hoffman创作的“偷这本书”中选取了美国反文化的经典。我们正在再次体现这本书（包括封面和Amazon中的具体内容），以一种转变后的物理形式。但是我们同时对这个孵化器进行了警告。是这样陈述的：“孵化器中的这本书是Amazon.com黑客行动复杂形式的体现，被包含在了挖掘‘书中的亚马逊搜索’这个工具中。要认真对待，因为这是诞生于亚马逊和版权之间关系的产物，还不成熟，也不合法。不合法是因为这是对受版权保护的一本书的非法翻版。不成熟是因为这种关系的产物的孕育过程远远都不能到达成熟的地步”这就是为什么我想到我们“偷了这本隐形的书”（[http://amazon-noir.com/thieves.html]）这个作品展示的是一个没有任何IT或者因特网连接的艺术品。实际上，很多人都努力地得到这本能够打开孵化器的书，声称他们只是做了封面上写的事情（个人来说，我们都很友善地叫一些人将书放回，有一个实际上在BaselShift开幕式中成功偷到了书，我们不得不找一本替换。）非常滑稽，也有证据表明，这个行动是“互相合作”的。

关于Amazon的反应，他们的反应很不同—-将软件机械化，使得机器人变得没有用处。我们确实将我们通过“peer-to-peer networks”下载得到的书进行的传播（bittorrent, gnutella，fast track, emule，等等）

Amazon Noir installation at the Share Festival in Turin, March 2007

这个作品在不同的博物馆以及不同国家的节日中展出，已经被提名为即将到来的2008“跨媒体奖”。我极力地将关于这个大型在线公司市场战略以及潜在的黑客行动的整个理论观点在《在线欲望经济》这篇文章中进行阐述。很快就会在网上登出来了。

谢谢Alessandro！

Related interview: 采访Ubermorgen.
Related story: 如何拯救造纸业.

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在2010年6月30日，刚果共和国将迎来其从比利时独立50周年纪念。比利时摄影师Carl de Keyzer决定按照《比利时刚果旅游指南》这本出版于1954年的旅游指南游览这个国家。书中将刚果描述为风景美艳、设施展新的度假胜地。

导游介绍了刚果的乡村和城市分别的标志性建筑，这些建筑大部分是殖民者留下的，包括教堂、只允许白人进入的游泳池、只允许白人进入的游乐园、布道所、工厂、海湾、矿井、监狱等等。现在在经过了数年的叛乱和内战以后，这个国家已变的支离破碎，这些地方失去了曾经的光辉。这里的建筑和基础设施不是已经变成了废墟就是被用于了相似或完全不同的用处。

Carl De Keyzer, UMHK (Union minière du Haut Katanga), centre récréatif, Kolwezi 2009

© Carl de Keyzer / Magnum Photos, Congo (Belge)

© Carl de Keyzer / Magnum Photos, Congo (Belge)

© Carl de Keyzer / Magnum Photos, Congo (Belge)

© Carl de Keyzer / Magnum Photos, Congo (Belge)

© Carl de Keyzer / Magnum Photos, Congo (Belge)

© Carl de Keyzer / Magnum Photos, Congo (Belge)

1885年，国王利奥波德二世通过各种手段将中非地区-差不多刚果面积80倍的土地-变成了他的私有财产，并将其重命名为“刚果自由国”。他在这里开采了橡胶、钻石、以及很多贵重材料。利奥王变的非常富裕，而刚果人民则几乎变成了奴隶。对这个国家无耻的掠夺和惊人的人权侵犯遭到了国际社会的强烈反对，最终导致了对利奥波德政体的质疑。这是第一次大规模的人权活动。1908年，比利时议会迫使国王将其私人殖民地归还给比利时。这个行为，以及利奥国王在比利时留下的优秀建筑使人们渐渐忘记了利奥德统治“刚果自由国”期间犯下的暴政。

© Carl de Keyzer / Magnum Photos, Congo (Belge), Buende, Congo, August 2003

Carl de Keyzer, St.-François de Sales Church, Kinshasa, 2007. © magnum photos

De Keyzer的照片不是侧重于美化过去的辉煌。他惊讶于比利时人不是努力建设国家的新的基础设施，而是想要模仿曾经作为非洲中心的比利时。照片中我们既能看到刚果又能看到比利时。

清除蚁堆的奴隶

照片中没有怀旧情绪，没有向我们诉说“我们统治时那个国家比现在更好”。De Keyzer和Johan Lagae一起举办的这个展览，虽然只是在展厅的一角，却向我们直白的揭示了我们忌讳已久的事实：比利时统治下的刚果过去和现在都是比利时的一部分。（我也是在英国学习后才了解到我的国家强加给刚果的暴行。）

展览的名字叫做Congo belge (en images)，它指的是一本在1911年出版的书，书中以赞赏的语气歌颂了殖民的历史。De Keyzer 和 Lagae 从位于Tervuren中非皇家博物馆的档案中精选了上百幅照片。这些照片让我们质疑和反思比利时追求的乌托邦、白人的至高无上、以及以宗教为借口奴役人民的历史。

我希望我使用的每张照片都能说明授权和出处，但可惜很多我在网上找到的照片都没有对此进行说明。

在Magnum有个盛大的照片展，ICRC也对这位摄影师进行了采访。

De Redactie有两个很有趣的视频（荷兰语），第一个是对De Keyzer的采访。第二个是摄影师带一位老传教士参观展览。在De Standaard.be查看更多图片。

鹿特丹Foto博物馆将展出比利时统治下的刚果照片展（Congo Belge en images）至2010年5月16日。

相关文章: Guy Tillim: Avenue Patrice Lumumba, Persona. Ritual masks and contemporary art, Manifesta 7: Tantalum Memorial – Residue.

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Photo credit: Nick Ballon

超级神冈（Super K）是日本的一座地下中微子观测站。超级神冈位于地表下一千米处，外表酷似坦克，而实际上里面装着五万吨纯水。它由一万一千多条金质光电倍增管包围，观测着银河系当中的超新星。光电倍增管记录着当一个中微子遇到超纯水的一个电子时发生的光。这种碰撞以真实音爆为标志，是比光速还要快的爆炸。在研究这种现象的科学家的计算机屏幕上，音爆就好像一圈跑到地表的蓝光。

科学家们认为，中微子，一种自然界中十分丰富的基本粒子，能够帮助我们洞察事物的本质，看穿宇宙以及物理原理。然而，科学家们对中微子几乎一无所知。正如大卫·瓦克，伦敦皇家学院的一位物理学教授解释说:“仅凭物理原理的存在还不足以说明人类生来就有理解能力。一个人可能只会像我训练的猫那样去计算。当然，我不希望是那样。”

Andreas Gursky, Kamiokande, 2007 © Adagp, Paris, 2008 : Andreas Gursky / Courtesy: Monika Sprüth / Philomene Magers

十一月的时候，奈丽·本 哈佑（ 发明了“联盟号”宇宙飞船座椅的人）邀请公众与来自伦敦皇家学院和伦敦玛丽女王大学的科学家一道，乘坐划艇，遨游粒子物理的海洋。当然，不是在真正的超级神冈当中，而是在SHUNT茶座，一个位处伦敦桥地块下十米的夜总会。

Photo credit: Nick Ballon

奈丽·本 哈佑的设计被称作超级神冈音爆，是用来演示在超级神冈当中，每当一个中微子与一个超纯水的电子相遇时的视觉效果。因为最终的效果与大规模音爆相同，所以称为超级神冈音爆。由于伦敦的夜总会当中并不富含超纯水，设计者就用了最近的消防栓的水，并把这个夜总会的一部分改造成了长15米宽5米的游泳池。在进入皮艇之前，参与者被要求穿上白靴、白外套，戴头盔，并听从安全指挥：不要碰设备，不要摘掉头盔，清除巷道中的所有石块等。五位来自伦敦皇家学院的物理研究员和七位博士生现在都在从事T2K中微子振荡实验，都要用到超级神冈探测器。其中三位，大卫·瓦克教授，内田光子博士及马修·麦乐可博士，跳上了划艇并向参观者讲解这个粒子物理的世界。与此同时，大家吹起了周围600个气球。

在SHUNT中，吹起的气球象征包围着超级神冈表面的光电倍增管。超级神冈音爆再现大音爆时的一圈圈的蓝光及大爆炸（由声音艺术家蒂姆·霍登设计），这样的实验每十分钟发生一次。

Image credit: Hayeon Yoo

超级神冈音爆目的是让枯燥、正统的物理变得更易让大家接受，帮助大家理解无处不在的基本粒子的力量，尽管我们从来没有见过它们。在演示的每个晚上，有170人排队感受中微子的世界。

原文OriginalText

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