Vidas en Celuloide

La gran mentira de Heavy Rain

2010-03-18T15:38:00.003+01:00

Antes de nada, me gustaría aclarar que, aunque no sea costumbre en este blog, el artículo que sigue no es mío. Ha sido originalmente publicado hoy en Vida Extra por Jose María Villalobos, y lo he incluido aquí porque su opinión se aproxima mucho a la mía, y además se trata de un artículo con un enfoque muy cinematográfico que me gusta mucho lo que expresa.

Lo sé, últimamente estoy muy pesado con Heavy Rain (y pido disculpas por ello). Pero es que es tan bueno...

Con dos mil páginas de guión, resulta evidente que Heavy Rain es ante todo palabras. Podríamos pensar pues que nos encontramos ante el culmen de una tendencia, la de contar historias. Porque los videojuegos, una vez superada la sorpresa de su novedoso elemento interactivo, se vieron inmediatamente en la necesidad de arroparse con argumentos.

Puede ser el cuento del ratón encerrado en un laberinto expresado en Portal, una premisa limpia y repleta de posibilidades donde nuestra imaginación se encarga de llenar los huecos. Puede ser un sueño utópico transformado en pesadilla distópica llamado Rapture, o un bello poema mudo donde el silencio de áridos paisajes fronterizos es únicamente roto por el trotar de un jinete y su caballo (esa soledad del amante malherido enfrentado a la solemnidad de milenarias montañas en movimiento).

Todas estas historias están contadas de forma interactiva. En ellas las palabras son meros accesorios al servicio del medio que los acoge, ¿y no es eso lo que debería ser el videojuego como medio expresivo único?

En el título de Quantic Dream sin embargo las palabras mandan, el guión, en su sentido más cinematográfico, lo es todo. Y el arriesgado invento funciona, porque para cuando haces tu primer disparo (acción escasa aquí, cuando es inevitable desde el minuto uno en la mayoría de la oferta jugable actual), posiblemente te sientas horrorizado por haber apretado el gatillo. En ese momento ya no estás jugando a Heavy Rain, formas parte de Heavy Rain.

Heavy Rain es una gran mentira que requiere de la complicidad del jugador para mantenerse en pie. Mientras juegas piensas de verdad que cada decisión que tomas es vital, que cada paso en falso puede poner en peligro de muerte a tu protagonista. Sabes que no es cierto, pero te da igual, te lo crees porque creértelo da como resultado una de las experiencias más intensas que has tenido nunca como jugador. David Cage consigue así su objetivo de ofrecernos un juego emocional y emocionante que es capaz de trastornar nuestros sentidos y nuestros corazones.

Es cierto que, como el propio autor indica, podemos encontrar muchas similitudes con el cine. Desde la hábil utilización de la profundidad de campo a las fuentes del celuloide referenciadas (thrillers como El silencio de los corderos o Seven), pasando por el tipo de iluminación y el montaje fragmentado. Pero como ya dejé entrever al principio, el mayor débito se halla en la forma en que está construido el guión.

Al igual que en el cine de Shyamalan, en Heavy Rain, una vez acabada la historia, esta deja ver sus hilos, y una segunda partida (visionado) pone al descubierto sus trampas y la falsedad de su manipulador argumento. Al igual que en el cine de Hitchcock, un enorme macguffin desvía nuestra atención mientras el mago del suspense (en este caso David Cage) urde el órdago final que nos dejará de piedra.

No sé vosotros, pero a pesar del enorme engaño que suponen, yo digo sí a El Sexto Sentido, sí a Psicosis y, por supuesto, sí a Heavy Rain, porque al igual que los ejemplos cinematográficos mencionados, Heavy Rain esconde una gran mentira en su interior, pero señores, que mentira más hermosa.

Fuente: Vida Extra

Crítica: Los hombres que miraban fijamente a las cabras

2010-03-16T16:41:00.004+01:00

A pesar del muy interesante plantel de actores -entre los que podemos contar a Geoge Clooney, Ewan McGregor, Jeff Bridges y Kevin Spacey-, de su divertido trailer que recoge con quirúgica precisión los únicos momentos divertidos de la película, y de su ingenioso y simpático planteamiento supuestamente basado en hechos reales, "Los hombres que miraban fijamente a las cabras" resulta ser un filme condenadamente tedioso, aburrido y con una terrible falta de chispa que únicamente lograr arrancar alguna carcajada en momentos excepcionalmente puntuales -los del trailer, para ser más precisos-. El ingenio en el guión brilla por su ausencia, la dirección resulta bastante mediocre, y el interés que pudiera despertar el desarrollo la trama queda pronto eclipsado por el sopor que invade al espectador en la butaca. Sopor que invita a abandonar la sala antes que seguir perdiendo el tiempo con semejante barbarie cinematográfica.

Pero me estoy precipitando...

Lo que pretendo decir es que el filme no llena, más bien se atraganta. De hecho, si fuera una comida tendría un aspecto bastante decente pero dentro la boca resultaría empalagosa, insípida y probablemente hasta indigesta.

Y es que ni siquiera la buena voluntad que algunos de los actores ponen en sus papeles salvan este proyecto inefable y totalmente olvidable -y del que sinceramente hasta paso de relatar el argumento-, en el que cabría destacar si acaso al genial George Clooney a quien profeso un especial respeto y admiración por ser capaz de reírse de sí mismo sin el menor pudor -ya pudimos ver en algunos anuncios de Nespresso su mejor cara en este sentido-, o a Jeff Bridges, quien demuestra seguir en excelente forma. Un Kevin Spacey en horas alarmantemente bajas -al menos cinematográficamente hablando- y un Ewan "ex-jedi" McGregor sencillamente correcto ponen el broche a este conjunto donde, como reza el eslogan, "sin cabras no hay gloria" (no goats, no glory).

Pero es que con cabras, tampoco.

Mi puntuación en IMDB: 3

Heavy Rain: el cine se reinventa en el videojuego

2010-03-10T11:36:00.009+01:00

¿Cine con sabor a videojuego, o videojuego con sabor a cine? Ni siquiera yo lo tengo muy claro. Lo que sí que tengo claro es que Heavy Rain, bajo un formato de videojuego, ha forjado un nuevo tipo de cine que debería crear escuela.

Heavy Rain, como comentaba en la crítica que escribí, es un thriller oscuro e inquietante que goza de un magnífico guión a la altura de las grandes producciones de Hollywood, y de un apartado técnico soberbio. Y, a diferencia de otros videojuegos tradicionales, la natural sucesión de escenas en la narración crea una sensación cinematográfica absoluta ya que, independientemente del resultado de cada una de ellas -incluyendo la muerte de alguno de sus personajes principales que nuestras decisiones puedan provocar-, la historia continúa su cruel e implacable curso.

En El Mundo dedican hoy un extenso artículo a esta joya, que os invito a que leáis.

Lectura recomendada: El cine se reinventa en el videojuego, publicado en El Mundo a 10 de marzo de 2010

Actualización: Marc Torné dedica otra muy interesante crítica a esta excelente obra en su blog. Podéis encontrarla aquí: Heavy Rain: Detrás de la Cámara.

Crítica: Heavy Rain

2010-03-06T14:05:00.005+01:00

La fórmula con que el estudio Quantic Dream ha obsequiado en su último producto a los afortunados poseedores de una Playstation 3 es, cuando menos, original e innovadora. Heavy Rain -literalmente "Lluvia Pesada"- es una producción interactiva a medio camino entre el cine y los videojuegos, que bebe de -lo mejor de- ambos mundos sin decantarse totalmente por ninguno para ofrecer una experiencia estremecedora, intensa, emocionante e inolvidable. Inolvidable, sobre todo, porque el sistema de juego invitar a vivir la experiencia desde el otro lado de la pantalla, haciendo al jugador/espectador cómplice, emocional e intelectualmente, del transcurrir de una trama tensa y cruel.

La historia gira en torno al misterioso "Asesino del Origami", un psicópata que mata a niños con edades comprendidas entre los nueve y los trece años ahogándolos en agua de lluvia. El origen del nombre designado al asesino proviene de que los cuerpos aparecen, entre tres y cinco días después de haber sido secuestrados, con una figura de origami -arte japonés que consiste en hacer figuras con papel- en la mano.

La última víctima del Asesino del Origami es Shaun Mars, hijo de Ethan Mars, un hombre atormentado por su pasado, separado de su mujer a causa de la muerte hace dos años de su otro hijo de la que se siente responsable. Ethan puede suponer la única esperanza de Shaun, sin embargo, las únicas pistas que tiene son las que le proporciona el asesino si supera crueles pruebas que le impone en las que demuestre hasta donde está dispuesto a llegar para salvar a su hijo. Implicados además en la trama hay otros tres personajes principales que juegan un papel fundamental en la historia: Norman Jayden, un agente del FBI asignado a la investigación del caso, Scott Shelby, un investigador privado que trata de reunir pistas sobre el asesino entrevistando a las familias de las víctimas, y Madison Paige, una periodista interesada en el morboso caso del Asesino del Origami. La vida de los cuatro personajes se entrecruzan para dar forma a una escalofriante historia en la que de nuestras decisiones depende, ni más ni menos, la vida de un niño.

Haciendo gala de una banda sonora inquietante, de un apartado técnico que dota a los personajes de una expresividad increíblemente humana, y de una estética muy oscura y cinematográfica que recuerda a otras películas de índole similar como Seven o Saw, Heavy Rain es un soberbio y estremecedor thriller jugable que nada tiene que envidiar a otras producciones del cine tradicional, y una original propuesta que podría sentar las bases de un nuevo -y espectacular- tipo de cine.

Y tú, ¿hasta donde llegarías por amor?

Mi puntuación en IMDB: 10

Crítica: The Road (La carretera)

2010-03-05T11:14:00.002+01:00

Si bien no soy aficionado al género post-apocalíptico en sus múltiples vertientes, las excelentes críticas que había escuchado relativas a la novela homónima en que está basada la película The Road -cuya traducción más correcta sería "El Camino"- junto con la relativamente reciente experiencia con el videojuego Fallout de muy similar estética, me animaron a acudir al cine a ver esta superproducción de corte oscura, triste y muy, muy deprimente.

Haciendo gala de una extraordinaria interpretación -que casi seguro le nomine a los Oscar, y si no al tiempo-, Viggo Mortensen da vida a un hombre que recorre, junto con su hijo (Kodi Smit-McPhee), la tierra yerma en que se ha convertido su país y su mundo tras una serie de catástrofes cuyo origen queda poco claro en el argumento de la película. Un difícil camino cuyo único fin es tratar de alcanzar la costa este de Estados Unidos, donde es -sólo- posible que puedan encontrar más supervivientes, comida y terreno más fértil. El viaje es especialmente duro y difícil, pues a la terrible escasez de alimentos y la inestabilidad de la tierra que parece sufrir movimientos sísmicos cada cierto tiempo, se une la esporádica aparición de carroñeros caníbales que sobreviven a costa de supervivientes indefensos que encuentran a su paso. Una búsqueda por una tierra hostil donde la supervivencia es un privilegio reservado a los más fuertes y la frontera entre el bien y el mal se difumina con terrible y desesperanzadora facilidad.

Con una fotografía extraordinaria que nos muestra un mundo en absoluta decadencia, el director John Hillcoat plasma en el celuloide una versión muy fiel -al menos, eso dicen los que se han leído el libro- del relato de Cormac McCarthy sobre el afán de superación y de lucha cuando no queda nada por lo que luchar, sobre los dilemas morales cuando el ser humano queda reducido a lo más primitivo, y cuando dejamos atrás una parte de lo que amamos -a destacar el excelente papel de Charlize Theron como madre y esposa- para encarar un futuro sin vida ni esperanza.

Y ya se sabe lo que ocurre cuando te roban la esperanza.

Mi puntuación en IMDB: 7

HBO da luz verde a Juego de Tronos

2010-03-03T10:33:00.001+01:00

Al fin es oficial, se acerca el Invierno. La cadena de televisión HBO ha dado oficialmente el "sí" a la serie de televisión basada en la famosa saga de fantasía "Canción de Hielo y Fuego" creada por George R.R. Martin.

Una gran noticia para los amantes de la saga. Deseando estoy ya ver la primera temporada.

Crítica: Shutter Island

2010-02-28T13:46:00.003+01:00

La falta de costumbre por escribir, provocada principalmente por el fuerte ritmo de trabajo que sufro normalmente en la oficina, acompañado -todo hay que decirlo- por algunos maravillosos videojuegos que he tenido ocasión de disfrutar últimamente, hacen que este blog -vuestro blog- no esté todo lo actualizado que uno desearía. La cosa es que a uno de vez en cuando le vuelve el gusanillo por escribir -ese bicho que cuando uno de verdad lo lleva dentro, puede estar en letargo más o menos tiempo pero nunca muere-, y son esos momentos los que uno tiene que aprovechar para dar rienda suelta a su vena artística. Hoy, es uno de esos días para mí.

Que Leonardo DiCaprio y Martin Scorsese comparten una química especial en la pantalla es algo que difícilmente el espectador puede poner en duda. El más que demostrado talento de ambos artistas suele traer resultados cinematográficos de notable calidad. A Gangsters de Nueva York, El Aviador e Infiltrados -de las cuales solo he visto la última, una auténtica maravilla del cine negro- se une ahora Shutter Island, un thriller dramático que indaga en la fragilidad de la psique humana.

¿Cual es el secreto que se esconde detrás de Shutter Island? Esa precisamente es la pregunta que se hacen Teddy Daniels (DiCaprio) y Chuck Aule (Mark Ruffalo) cuando viajan hasta el sanatorio psiquiátrico para investigar la misteriosa desaparición de uno de sus enfermos. A pesar de la aparente predisposición del doctor Cawley (al que da vida el siempre extraordinario Ben Kingsley) en hacer cuanto esté en su mano para ayudar a los agentes, algo no acaba de encajar en el misterioso sanatorio mental que da nombre a la isla. Cuando todo el mundo parece estar mintiendo, los enfermos te susurran por lo bajo que huyas mientras puedas y algunas -incómodas- preguntas no logran encontrar respuesta, quizá la sensación de paranoia que percibes en el ambiente no sean solo imaginaciones tuyas...

Con esta premisa, asistimos a un filme ambientado en los años cincuenta -en plena Guerra Fría- donde sus dos principales bazas al frente de la pantalla, DiCaprio y Kingsley, demuestran una vez más su capacidad para implicar al espectador en una poderosa trama quirúrgicamente hilada que no deja cabos sueltos ni elementos al azar. Una trama compleja y emocionante cuya inevitable conclusión viene precedida, como quien deja en un sendero miguitas de pan, de una larga serie de pistas que anuncian su desenlace e invitan a un segundo y hasta a un tercer visionado de esta delicia cinematográfica que cojea, por citar algún punto negativo, de una banda sonora un tanto floja y "machacona".

Y es que, como ocurre en las ¿prisiones? de verdad, en Shutter Island es fácil entrar... pero muy difícil salir.

Mi puntuación en IMDB: 7

La Princesa Alegría en internet

2010-02-22T13:37:00.000+01:00

Recibo hoy una invitación de Daniel Utrilla para invitarme a ver en internet su fantástico corto La Princesa Alegría, del que os hablé hace ya algún tiempo.

Podéis encontrarlo siguiendo el enlace. Espero que os guste.

Ver La Princesa Alegría

Heavy Rain (trailer)

2010-01-30T14:48:00.009+01:00

La nueva película interactiva que nos llega de la mano de Quantic Dream el próximo 25 de febrero no lo veremos en la sala de cine ni mucho menos en DVD.

Se trata de Heavy Rain (literamente: "lluvia pesada"), un lanzamiento exclusivo para Playstation 3 que pone los pelos de punta y que a mí, personalmente, me tiene absolutamente enamorado. Un thriller oscuro y trepidante sobre la persecución del llamado "asesino del origami".

¿Hasta donde llegaríais por amor?

Mientras os planteáis la respuesta, aquí os dejo un par de trailers para que vayáis abriendo boca. Disfrutadlos mientras podáis.

Crítica: Avatar

2010-01-23T13:10:00.003+01:00

Cuando uno se tira dos meses sin escribir -y no voy a justificar tal conducta, porque he tenido varios días de vacaciones que no he aprovechado únicamente por falta de ganas-, al volver debería hacerlo con algo que, como poco, levante algo de polémica, por aquello de recuperar el tiempo perdido...y los lectores. Y no digo que la crítica que voy a escribir la haya hecho siguiendo esa premisa -sería un poco ridículo-, pero la sensación que la película me ha transmitido se ajusta bastante a ella.

Me explico.

Todos lo sabíamos. O, mejor dicho, lo imaginábamos. Que James Cameron es un director meticuloso, infalible y de gran talento. Que sabe lo que se hace, y que cuida mucho lo que hace. Así, no era descabellado pensar que su último filme, Avatar, fuera como poco a arrasar en taquilla y, probablemente, a suponer un antes y un después en el mundo del cine. Y es que Avatar es, al menos, visualmente increíble. Un resultado 3D en pantalla no visto nunca antes que exhibe un apartado artístico brillante. Unos decorados y unas criaturas que desbordan imaginación y expresividad, y un mundo -Pandora- que emana vida propia. Una colorista y espectacular fábula de ciencia ficción que amenaza con convertirse en la nueva Guerra de las Galaxias.

Ahora bien...

Una vez superada la puesta en escena -e insisto, esta película hay que verla en 3D, que es donde realmente despunta y adquiere personalidad propia-, el conjunto entero se desinfla y la historia no engancha. Su lento desarrollo, la predictibilidad y falta de originalidad de su argumento, y la alarmante falta de carisma de Sam Worthington, su protagonista -al que, reconozco, ya enfilé en Terminator: Salvation-, convierten a Avatar en una "película globo". Lo pinchas y solo sale aire.

Y ya está. Podría tirarme varios párrafos más reflexionando sobre el merecido (o inmerecido, según se mire) éxito de la película en taquilla, la falta de virtuosismo de su guión que, a pesar de todo, va a lograr tener segunda y tercera parte; sobre el excesivo metraje del filme -del cual salvaría la entretenida media hora de batalla del final-, o incluso sobre el meritorio trabajo de los técnicos en efectos digitales -si alguien se quedó a los títulos de crédito, se daría cuenta que parecían sacados de un videojuego más que de una película- que han logrado un producto redondo... técnicamente hablando.

Pero... ¿para qué?

Mi puntuación en IMDB: 8 (diablos, aunque solo sea por lo que ha conseguido hacer con el 3D, se lo merece. Como siempre, vuestros comentarios a favor o en contra son bienvenidos.)

Crítica: Celda 211

2009-11-13T14:13:00.001+01:00

A pesar de las -muy justas- alabanzas que había leído y escuchado en diferentes medios respecto a la última película dirigida por Daniel Monzón y que lleva por título Celda 211, lo cierto es que a la hora de acudir al cine a verla, ayer mismo, tenía mis reservas respecto a la misma. Y la principal razón es que, estaréis conmigo, muchas veces la crítica y los medios se vuelcan a favor de una superproducción española solo por el hecho de serlo, al margen de su calidad real en pantalla.

Afortunadamente, este no es el caso.

Con Celda 211, Daniel Monzón puede presumir de hablarle cara a cara a películas como Cadena Perpetua o La Milla Verde -por citar dos de los mejores dramas carcelarios que nos ha dado el cine-, en un excelente y notorio ejercicio de savoir-faire, que dirían los franceses. Y uno no sabe si el mayor mérito reside en el guión, en la magistral actuación de alguno de sus actores como es la de Luis Tosar -sin menospreciar por ello la de Antonio Resines, que tampoco se queda muy atrás-, en la fotografía -que aporta un tono oscuro, muy acorde a la temática de la historia- o en la dirección en sí que imprime un resultado muy sólido al conjunto del filme; pero el caso es que la película es un maravilloso ejemplo de cómo hacer bien las cosas. Y eso ya es decir mucho.

Juan Oliver (Alberto Ammann) es un funcionario de prisiones que se incorpora un día antes de lo previsto a su puesto de trabajo, para causar buena impresión a sus jefes. La suerte quiere que ese día se vea atrapado en medio de un motín, poniéndole en una situación en la que solo su ingenio puede salvarle la vida. Haciéndose pasar por el nuevo prisionero de la celda 211, conocerá al líder de la revuelta, el preso llamado Mala Madre (Luis Tosar), con quien deberá colaborar para preservar su fachada. Sin embargo, allí, como en todas partes, las cosas no son blancas o negras, y las cuestiones morales que nacen -o se ven- al otro lado del muro pueden llegar a plantear dilemas peligrosos...

Y es que, a pesar de partir de un argumento en blanco y negro que, a priori, pueda resultar muy manido, Celda 211 se aparta de cómodos clichés para ofrecer una rica y compleja historia muy humana que se mueve entre grises y que, con un ritmo tenso y muy ajustado, mantiene al espectador en vilo incapaz de despegarse de la butaca.

Una delicatessen. Una joya. Un peliculón, en definitiva.

Como quieran llamarlo.

Mi puntuación en IMDB: 9

El Gran Héroe Americano, al fin en DVD

2009-11-12T14:04:00.001+01:00

Ya era hora. Este próximo miércoles 18 de noviembre tendremos disponible -¡al fin!- en nuestro país la reedición en DVD de la famosa serie de los 80 "El Gran Héroe Americano". Una serie cuyo recuerdo guardo con especial cariño de mi infancia, y que tenía muchas ganas de volver a ver desde hace tiempo. La edición, afortunadamente, incluye el doblaje original de la época. Ideal para los nostálgicos.

De la mano de Suevia, contaremos con dos opciones en la compra: la normal, a 49,95€ y la edición especial por 59,95€, que incluye una camiseta, un libreto de 32 páginas, una chapa con el símbolo que luce el protagonista en el pecho, y un CD con 15 sintonías de las mejores series de televisión de los 80 y los 90. Ambas ediciones incluyen las 2 primeras temporadas, dejando la tercera para una entrega posterior.

El argumento, para quien no lo conozca, trata de un profesor de instituto llamado Ralph Hinkley (William Katt) que, en compañía de Bill Maxwell (Robert Culp), un agente del FBI, tiene un encuentro con extraterrestres en medio del desierto. Éstos le hacen entrega de un traje que le confiere poderes increíbles pero, para su desdicha, pierde el manual de instrucciones que acompañaba el uniforme, por lo que tendrá que ir aprendiendo todo su potencial sobre la marcha.

En definitiva: un triunfal y esperado regreso para el que, probablemente, sea el superhéroe más patoso de todos los tiempos.

Nespresso, what else?

2009-11-06T16:02:00.000+01:00

Que tengo una máquina de Nespresso en mi casa que prepara un delicioso café -acompañado por una carré de chocolate de degustación de la marca Godiva que incluyo a mis invitados- es algo que muchos de mis amigos ya han tenido la fortuna de comprobar. La variedad de oferta de su catálogo, el origen y el tratamiento del café, así como la forma en que se vende el mismo -encapsulado- garantizan un aroma y un sabor extraordinario, muy por encima de la media de otras marcas más conocidas.

¿Y a qué viene esta publicidad gratuita, se preguntarán algunos? Porque hoy, día 6 de noviembre, se hace público el nuevo spot publicitario protagonizado por George Clooney y John Malkovich que, personalmente, me ha parecido increíblemente divertido y original. El spot, visto en internet, permite la elección de tres posibles finales, de los cuales creo que el tercero es con diferencia el mejor.

Podéis verlo siguiendo el siguiente enlace. Ya me contareis qué os ha parecido:

www.nespresso-whatelse.com

Nespresso, ¿qué si no?

Avatar, de James Cameron (trailer en español)

2009-11-03T10:21:00.002+01:00

Ya falta menos para el estreno de Avatar, lo nuevo de James Cameron. Un proyecto que está generando mucha expectación, y no es para menos. El director de Aliens, Terminator, Mentiras Arriesgadas o Titanic rara vez decepciona.

Os dejo el trailer, para ir abriendo boca.

Muere José Luis López Vázquez

2009-11-03T10:14:00.001+01:00

Ayer decíamos adiós a una de las figuras más emblemáticas del cine español. José Luis López Vázquez se despedía de todos nosotros a la edad de 87 años, tras sufrir una larga enfermedad.

Descanse en paz.

Crítica: La Princesa Alegría (corto)

2009-10-30T12:20:00.001+01:00

A la tercera fue la vencida. Tras el Círculo de Bellas Artes y la Academia de Cine Español -esta última apenas dos horas antes-, ayer a las 20:30 por fin tuve oportunidad de ver acompañado por algunos amigos "La Princesa Alegría", el cortometraje quizá más ambicioso y difícil en la -aún- breve y prometedora carrera de Daniel Utrilla, guionista y codirector del corto junto a Rubén Coca.

Y es que, quizá, debería comenzar agradeciendo a cada uno de los invitados que estuvo en la presentación del corto de ayer: Sara Velázquez, Daniel Utrilla, Rubén Coca e Irene Anula su cercanía y amabilidad con los espectadores y amigos que acudimos al evento. Pasamos un rato realmente divertido. Nos reímos, nos emocionamos, aprendimos cosas -del tipo de cosas que uno no conoce si no está detrás de todo el trabajo que lleva realizar un corto- y, sobre todo, nos divertimos.

No estoy seguro de si es debido al -en mi opinión- extraordinario talento de Dani, a su tenacidad, o a que se ha rodeado de un magnífico equipo de profesionales -amén de la pasión que cada uno de ellos ha puesto en este trabajo-, pero el caso es que "La Princesa Alegría" desborda magia y ternura por todos lados. Desde la magnífica banda sonora que acompaña a la historia -acertadísima y preciosa-, pasando por la fotografía o el desempeño de los actores -donde destaca la labor de Irene Anula en el papel principal, y el de Lourdes San Martín como la preciosa voz en off que narra la historia-, el filme se convierte en una obra conmovedora que, a pesar de tratarse de un cuento, poco tiene de infantil. Por su temática y, sobre todo, por la exquisita sensibilidad con que está tratada -y no diré más, pues no quiero estropear la historia a nadie-. Y aquí es donde uno se da cuenta que cada una de las piezas que componen el rompecabezas llamado "La Princesa Alegría" es como un instrumento dentro de una banda de música: ninguno es prescindible.

Por ello, sin lugar a dudas, merece la pena destacar la labor de Sara Velázquez, parte fundamental del cortometraje sin la cual éste sería un lienzo inacabado. La directora artística y responsable de la animación -lo que viene a ser más o menos el cincuenta por ciento de la película-, ha cogido el filme y, como pudiera hacer un niño con acuarelas frente a un papel, juega a ser una niña para colorear una historia de mayores.

Por todo ello, y a pesar de que al resultado final se le puedan achacar ciertas carencias -como que la historia no es demasiado original, y que el desenlace final se me antoja un poco anticlimático-, y aunque admito que el cariño que siento hacia Daniel Utrilla pueda enturbiar mi objetividad -no es lo mismo ver el corto de un amigo que el de un desconocido-, no cabe duda de que "La Princesa Alegría" destaca, por méritos propios, como una colorista fábula que merece la pena ser soñada.

Mi puntuación: 8

(Lo que fue) jugar al Spectrum [Off-topic]

2009-10-29T17:23:00.001+01:00

En el blog de videojuegos the videogame culture -en el que, como muchos ya sabéis, colaboro con cierta regularidad- mi amigo Holdy hace una descripción en mi opinión magistral de lo que era jugar al ZX Spectrum de pequeño. La calidez de su texto me ha traído muy bonitos recuerdos de mi infancia, y me gustaría compartirlo con vosotros. Quizá más de uno también se sienta identificado:

"Es difícil hoy en día hacer entender a los neófitos del videojuego que hace mas de 20 años con cuatro píxeles -muy bien puestos, eso sí- un sonido de pedorreta mala y mucha imaginación se podían crear obras imperecederas que nos aportarían infinidad de horas de diversión.

[...] Los que nacimos en la década de los 70 sabemos muy bien lo que era disfrutar de nuestros ordenadores de 8 bits tras interminables minutos de carga del programa de turno. Minutos en los que uno pasaba el tiempo saboreando cada matiz de cada dibujo de la carátula o de la pantalla de carga imaginando mundos que se contenían en un espacio de memoria ínfimo y un espacio imaginativo inabarcable."

Fuente: the videogame culture

Alicia en el País de las Maravillas, de Tim Burton (trailer)

2009-10-29T13:35:00.004+01:00

Ya falta menos para el estreno de Alicia en el País de las Maravillas. Me refiero a la versión del cuento de Lewis Carroll que el controvertido y siempre genial Tim Burton va a llevar a la pantalla, protagonizado por Anne Hathaway en el papel de Reina Blanca, Mia Wasikowska en el de Alicia y Johnny Depp en el de Sombrerero Loco.

El 20 de marzo se estrena en USA. ¿Y en España? Habrá que esperar...

Fuente: El Séptimo Arte

Saw VI: el peor enemigo de Jigsaw ha resultado ser la censura

2009-10-28T12:56:00.002+01:00

Han hecho eco casi todos los medios del suceso, y este blog no podía ser menos. Cuando pensábamos que la censura en nuestro país era cosa del pasado, de la época de la dictadura franquista, va el gobierno y nos sorprende con incomprensibles prohibiciones -no es intención de este bloggero entrar en temas de política; bastante turbias están ya las aguas como para enturbiarlas aún más-.

Y es que Saw VI, la última entrega del sádico asesino de las trampas mortales -cuya primera parte me pareció espectacularmente buena-, ha sido calificada X por el Ministerio de Cultura por incitar a la violencia -según ellos-. Esto quiere decir, ni más ni menos, que la película solo podría estrenarse en las salas calificadas X de nuestro país, lo cual ha provocado el retraso de su estreno previsto para este pasado viernes 23 de octubre.

Buenavista Entertainment, filial de Disney, ya ha recurrido la sentencia para tratar de evitar el batacazo de taquilla que supone este revés burocrático. La decisión de los tribunales, es de suponer, la conoceremos dentro de algunas semanas.

Abajo el trailer, para quien le queden ganas de seguir viendo una saga que ya no se sostiene después de tanta entrega.

Paranormal Activity (trailer en español)

2009-10-28T08:52:00.001+01:00

¡Estamos de enhorabuena! La excelente taquilla que está teniendo Paranormal Activity en EEUU -película de la que os hablé aquí hace unas semanas- va a hacer posible el estreno en nuestro país el próximo 27 de noviembre. De momento, y para ir abriendo boca, el trailer en castellano ya se puede ver en internet.

Dicen que es terrorífica, así que habrá que verla.

La Princesa Alegría

2009-10-27T10:19:00.001+01:00

Este jueves 29 de octubre a las 20:30 tenemos una cita con el buen cine en el forum de la fnac de Callao, aquí en Madrid. Daniel Utrilla presenta "La Princesa Alegría", ganadora del premio Mestre Mateo (Premios de la Academia del Audiovisual) al mejor corto.

En su blog "La Pequeña Comadreja" hemos podido seguir la evolución de este proyecto tan personal, desde su gestación y lo largo de su trayectoria -pasó también por Londres-, hasta finalmente verlo proyectado en Madrid -si bien esta no es la primera vez; ya hace unas semanas se proyectó en el Círculo de Bellas Artes con motivo del Festival de cine PNR-.

Servidor estará allí para dar su apoyo al director -y ver el corto, que hay ganas-, y os animo a que os apuntéis también. Estoy seguro de que no va a decepcionarnos.

Crítica: La Huérfana

2009-10-26T17:07:00.005+01:00

Si algo me llamaba la atención de La Huérfana, la última entrega de terror del llamado género de "niños diabólicos", era el secretismo que ha rodeado al filme por parte de la productora. El secreto que esconde Esther -"A Esther le pasa algo" reza el eslogan español, "There's something wrong about Esther" (que vendría a ser algo así como "Hay algo que no está bien en Esther") reza el eslogan original- se ha intentado mantener a salvo de los impiadosos foros de internet, donde las películas, series, libros y demás material susceptible de ser descuartizado y aireado públicamente, será descuartizado y aireado. No lo duden.

El caso es que debido a este secretismo sumado al hecho de que este género -el de los niños cabr***s- siempre me genera cierta expectación, el interés por la película fue suficiente como para decidir ir al cine a verla, a pesar del actual y abusivo precio de la entrada, que invita muchas veces a disfrutar del cine en la comodidad del hogar -aunque siempre acaba pudiendo conmigo la vena cinéfila-.

La Huérfana nos cuenta la historia de Kate y John Coleman (Vera Farmiga y Peter Sarsgaard respectivamente, en unas interpretaciones bastante correctas), un matrimonio con dos hijos que está atravesando una seria crisis. A pesar de sus problemas, o quizá por culpa de ellos, deciden adoptar un niño, en parte también para ayudarles a superar la pérdida que supuso el aborto natural que tuvo ella hace ya tiempo. En una visita al orfanato del pueblo encuentran a Esther (en un papel genialmente bordado por Isabelle Fuhrman), una niña tímida con un gran talento artístico que consigue rápidamente encandilar al matrimonio, quien decide finalmente adoptarla. Lo que los Coleman ignoran, sin embargo, es que Esther oculta un oscuro y terrible secreto que podría destruir todo cuanto les rodea...

Aunque el argumento carezca de originalidad -al menos, a priori- hay que reconocerle a Jaume Collet-Serra , director catalán afincado en USA y responsable también de La Casa de Cera, su habilidad para llevar el thriller más allá de la pantalla, haciendo al espectador testigo y cómplice de todo cuanto acontece en ella. La película, así, resulta a la vez agobiante y entretenida. Agobiante por las crueldades de la que se es testigo, con la impotencia de no poder hacer nada para evitarlas -esta misma sensación me embargó con Funny Games en grado sumo, haciendola para mí abrumadoramente desagradable-, y entretenida por el agradable ritmo que imprime a la película y lo cercanos y vulnerables que resultan en algunos momentos los protagonistas, por los que uno no puede evitar sentir clemencia a lo largo del filme.

De este modo, la madeja que compone la historia se va enredando y complicando hasta convertirse, podría decirse, en una tela de araña donde está claro -siempre lo ha estado- quien es el depredador y quien la presa. Y aunque la película no coge toda la fuerza que podría -quizá porque el argumento no da más de sí-, ni se trata de cine de terror especialmente digno de elogio, sí resulta lo suficientemente efectivo como para poder encumbrarlo por encima de la media de películas que componen este género -¡cuánto cuesta encontrar buen cine de terror!- de susto fácil y olvido rápido.

Ahora bien, la sorpresa -mayúscula- llega cuando, al fin, se desvela cual es el secreto que se oculta detrás del depredador con aspecto de niña buena, y que acompaña el climático desenlace del filme.

Inesperado... e inconfesable.

Mi puntuación en IMDB: 5

Actualización: olvidé comentar que Joan, a quien podéis encontrar en su magnifico blog Almas Oscuras, da una opinión muy diferente pero igualmente interesante del filme. Si os gusta el cine de terror y no conocéis el blog, o si simplemente os apetece conocer otro punto de vista de la película, os animo a que lo visitéis.

Crítica: Ágora

2009-10-22T17:34:00.002+02:00

Hacía ya tiempo que el joven director Alejandro Amenábar -al que, como algunos ya sabéis, tuve la oportunidad y fortuna de conocer personalmente en la fnac de Callao, en Madrid- no nos ofrecía otra muestra de su trabajo. De su última obra, Mar Adentro, hace ya varios años. Y aunque en su momentó dejé pasar aquella película pues no soy especialmente aficionado a los dramas -y aún sigo sin haberla visto, ni siquiera en DVD, pues tengo la sensación de que debe ser bastante dura-, y también aunque el trailer no me transmitió por decirlo de alguna forma la mejor de las sensaciones, he querido reconciliarme con el director dándole una oportunidad a su Ágora, cine histórico de 50 millones de euros de presupuesto y que narra la caída de Alejandría.

Para poner en antecedentes al lector creo que tendría que comenzar admitiendo que los tres primeros largometrajes de Amenábar: Tesis, Abre los Ojos y Los Otros me parecen soberbios. Desde la realización, pasando por la fotografía, actores, ambientación, música... Amenábar redefinió, sin duda, el concepto de 'thriller' dentro del cine español.

Ágora es -probablemente- su película más ambiciosa. Sin embargo también es, en mi opinión y dentro de las que he visto, la más aburrida. Si bien la mano del director se nota en cada pequeño detalle de la película, rodada con exquisito mimo y belleza -la realización y el apartado artístico es extraordinario y quizá lo mejor del conjunto-, y la interpretación de Rachel Weisz como Hypatia es simplemente sensacional, el resultado final no alcanza el nivel esperado. Y no porque el guión -coescrito por Mateo Gil- resulte incoherente o fácil -ni mucho menos-, o porque la labor del resto de los actores sea pobre -que tampoco-, sino porque el filme no logra transmitir toda la fuerza y sentimiento que pretende. Se queda en un retrato histórico descoloreado y débil. Una sombra de lo que pudo ser.

Eso a pesar de la excelente banda sonora que acompaña al filme, de la impresionante fotografía, y del mensaje final que transmite -muy acertado-, presente a lo largo de la obra desde su inicio hasta su desenlace. Una amarga crítica contra los fanatismos -esgrimiendo en este caso la religión como excusa, pero pudo haber sido cualquier otra- que hace uso del mejor de los argumentos: la Historia.

Ágora es, en definitiva, una epopeya muy descafeinada que invita a verse por quien está detrás, pero que no convence una vez delante... a pesar de sus virtudes.

Mi puntuación en IMDB: 5

Agradecimientos a Zona Fandom

2009-10-15T18:20:00.000+02:00

En la última entrega de su sección El Ojo de Sauron, el blog Zona Fandom ha tenido la gentileza de referenciar a Vidas en Celuloide.

¡¡Muchísimas gracias!!

Crítica: Kill Bill

2009-10-13T21:53:00.002+02:00

Con el relativamente reciente estreno de Malditos Bastardos, el último filme de Quentin Tarantino que personalmente me causó una muy grata satisfacción como pudisteis leer en la crítica correspondiente que escribí aquí mismo, estuve viendo este puente Kill Bill en DVD, la anterior película de este controvertido director. Una película que no me había decidido a ver hasta ahora debido a referencias que tenía de ella: mucha sangre y violencia, principalmente.

No sé vosotros, pero a mí la violencia gratuita en la pantalla rara vez me aporta algo como espectador.

Y es que Kill Bill es una mezcla de géneros dividido en dos volúmenes -se dice que por razones comerciales- que rinde homenaje al cine asiático de artes marciales -principalmente proveniente de China-, al anime -dibujos animados japoneses, para el que desconozca el término-, y en menor medida al western, género por el que Tarantino ha admitido siempre una especial admiración. Y aunque en el campo del anime -siempre muy presente dentro de la cultura japonesa- se puede beber de muy diversas fuentes, pues el conjunto de obras dentro del género es tan sumamente amplio y variado como el del cine que convendría hablar más de un conjunto de géneros que de un género en sí -como drama, comedia romántica, comedia juvenil, terror, acción, ciencia ficción, erótico...-, el director ¿admira? y homenajea la vertiente más extrema y violenta de este medio -y la que menos me gusta, por cierto-, donde las decapitaciones, desmembramientos y la sangre manando a borbotones están a la orden del día. Una influencia que se deja ver a lo largo de todo el volumen 1 (dejando el volumen 2 para acercarse más al cine de artes marciales), donde podemos ver un flashback rodado enteramente en animación, o varias escenas de combate con espadas -estas ya imagen real- que emulan esa violencia sin pudores de la que os hablaba.

Aportando muy, muy poquito de esa genialidad que de cuando a cuando florece de Tarantino -pero que debió dejar en casa cuando rodó esta película-, el primer volumen deja al espectador con la expectación de algo que no llega: los inteligentes dialogos brillan por su ausencia -si bien, como decía, se aprecian breves destellos de lo que pudo ser pero nunca fue-, y hasta los tópicos más típicos de la animación japonesa son homenajeados sin que la imaginación del director aporte algo en el proceso. El caso más claro y flagrante es del maestro herrero que vuelve de su retiro para fabricar su mejor arma para el héroe de turno, un recurso muy tradicional en las historias de samurais errantes.

Ya en el volumen 2, Tarantino se centra, como decía, en el cine de artes marciales para redondear y rematar su pobre producto. De nuevo, los más tradiciones tópicos son imitados -me hizo gracia el detalle del sonido del aire acompasando el movimiento de los luchadores, como en aquellas antiguas películas de Bruce Lee o Jackie Chan- sin que el guión muestre el más mínimo detalle de originalidad. Y, aunque el desenlace de la película resulta ser con diferencia lo mejor del filme con el encuentro entre la heroína (apodada 'La Novia', interpretada por Uma Thurman) y el villano de la historia (apodado Bill, interpretado por un genial David Carradine) en un tenso, largo e interesante dialogo, el conjunto final le deja a uno con la sensación de haber perdido más de tres horas y media de su vida presenciando una orgía de sangre.

Kill Bill es, en definitiva, una historia de venganza como lo era Malditos Bastardos. Solo que más simple, más violenta, más predecible y peor. Mucho peor.

Mi puntuación en IMDB: 4