Adapté de la bande dessiné éponyme, Le Transperceneige (ou Snowpiercer, c’est quand même plus classe en anglais!) raconte l’histoire d’un groupe de survivant qui, en 2031, sur une terre entièrement gelée, est condamné à rester à bord d’un immense train roulant sans cesse.

Après Le Dernier Rempart (Kim Jee Woon) et Stoker (Park Chan Wook), c’est donc au tour du très grand Bong Joon-Ho de réaliser son premier film américain. Une partie de la production et du casting reste cependant coréenne, puisqu’on retrouve Park Chan Wook à la production et l’acteur Song Kang-Ho que l’on a pu voir dans des films comme Thirst, Le Bon,la Brute et le Cinglé, The Quiet Family ainsi que dans Mémories of Murder et The Host, du même cinéaste. Côté casting international, on retrouve, entre autre, Chris Evans, Jamie Bell, John Hurt, Tilda Swinton, Ed Harris et Ewen Bremner.

A noter que le film était censé sortir cet été en France mais a été décalé au 30 octobre.

Pour patienter, voici quelques photos du film et une petite vidéo!

Voici la première bande annonce de la suite des aventures de Bilbo!

Le pitch est simplissime mais tellement prometteur. 24 heures dans la vie de Niko, un vieil ado trentenaire perdu dans une impasse : plus de copine, plus de permis, plus d’argent !
Une journée de merde qui aurait peut être pu être sauvée par un simple café… La vie est moche parfois.

Jan Ole Gester signe sa première réalisation et, dans l’ensemble, c’est plutôt réussi. J’adore dire du mal mais là j’ai été agréablement surprise : je ne m’attendais à rien, j’ai eu bien plus !

On dirait un film intemporel : une balade semée d’embûches dans un Berlin en travaux sur un fond noir et blanc. Des problèmes de motivation, des problèmes de famille, des problèmes de coeur…
Le personnage principal, Niko, passe sa journée à ne rien décider  et à se laisser emporter par son ami Matze ( éternel ado lui aussi ) d’une rencontre à une autre.
La galerie de personnages fait ( entre autre ) tout le charme de ce film. Tous plus au moins névrosés, ou en tout cas, habités, ils rythment le film d’une façon surprenante. On passe du comédien inspiré au dealer standard, du petit con en bande au vieil homme plein de regrets et du voisin flippant à la vieille copine de collège. La réalisation leur donne tout leur sens.

Très bonne réalisation d’ailleurs. Des plans maîtrisés et très significatifs comme je les aime. Tout ça doublé avec une bande son jazzy pas piquée des hannetons composée par des étudiants en musique.
Le casting est au top et j’annonce par la même que je suis une nouvelle fan de Tom Schilling ( Niko ) que je découvre ici !

S’il fallait trouvé un défaut je le situerai dans le personnage de Julika, l’ancienne “amie” de collège que Niko et son Matze rencontre dans un restaurant. Je trouve que le personnage est un poil trop poussé dans la caricature. Notamment pour la scène dans les toilettes.
C’est un peu comme un grain de sable dans une paella, ça gâche un peu le plaisir.

Mis à part ça, le film est un très bon travail. Très riche et même drôle !

Le meilleur film à l’affiche cette semaine !

Resituons : After  Earth est la première oeuvre de commande de Shyamalan. C’est une idée de Will Smith ( parce que, pour offrir un tel rôle à Jaden, aux vues de ses performances d’acteurs, il n’y avait que Papa ! ) qui a fait appel au scénariste Gary Whitta ( Le Livre d’Eli ) et qui a filé le bébé à Shyamalan. Etant donné que le réal ne croule pas sous les projets depuis l’échec de >placer ici n’importe quel titre de long de Shyamalan< , il a généreusement accepté.

Et c’est encore pire que ce à quoi je m’attendais.

Rien ne marche. A commencer par le duo Smith/Smith. Le père joue de façon hyper minimaliste, ce qui colle bien avec son personnage et qui permet à son fil de prendre plus de place. Ce partie pris est plutôt cohérent dans le film vu que le personnage de Will Smith est un soldat stoïque qui doit abandonner ses émotions pour être efficace.
Le soucis c’est que son fils a un charisme de bulot. Du coup, au lieu de porter le film sur ses épaules, il le traîne à bout de bras très difficilement. Il remue la tête, il bégaie, il a la lèvre qui tremble… c’est assez douloureux pour les gentils spectateurs que nous sommes. En fait, pendant une bonne heure, il court, il halète et il fait la gueule.
Oui parce que tout le monde fait la gueule dans ce film. Les rares blagues ne sont pas exploitées et pire, le spectateur rie aux dépends de l’histoire ( avec le passage du pontage par exemple ). Le soldat stoïque est en fait un soldat chiant.

Alors entre Will Smith qui ne donne rien et Jaden Smith qui donne très mal, c’est impossible de s’attacher ou de ressentir de l’empathie envers les personnages. Du coup, quoiqu’ils leur arrivent, on s’en fout royalement ! Et c’est quasiment impossible de rentrer dans le film.

En plus de ça l’univers graphique est affreux !
C’est dégoulinant de bleus et de verts très peu saturés du coup c’est très lourd.
A la photo on a Peter Suschitzky que j’aime d’amour pour avoir travaillé sur Cosmopolis et qui ne fait pas un travail dégueu ici mais tous ses efforts sont réduits à néant à cause de l’univers crée par Shyamalan.
Et puis franchement, les métaphores faisants références à la Scientologie sont transparentes ( le fait qu’il faille abandonner ses émotions pour s’élever, la bataille finale sur le volcan… ) et ridicules. Et nous coller un aigle à tête blanche protecteur par dessus tout ça… sérieusement ?

Donc voilà encore un échec visuel et monétaire de M. Night Shyamalan qui va avoir bien du mal à trouver un nouveau distributeur pour son prochaine flop puisqu’ils les a a peu près tous fais !

Le 3 juillet prochain, World War Z débarquera dans les salles françaises. Il s’agit là d’un des gros blockbusters de l’été, le genre de film censé vider un peu les plages pour remplir les salles. Adapté du roman de Max Brooks, le film raconte l’apocalypse, la fin du monde, un virus mortel, les zombies qui débarquent, les Etats Unis qui sont les plus forts… Pour l’originalité on repassera donc, mais il ne faut pas oublié que le rôle principal est tenu par un certain Brad Pitt, et quand y a Brad Pitt, ça peut être que bien de toute façon! Avez vous déjà vu ce mec dans un mauvais film? Non, tout simplement parce qu’il n’en a jamais fait! Voilà, et puis comme c’est le plus grand acteur de tous les temps et qu’il fait un film par an, on va le voir direct! Et donc pour l’objectivité on repassera aussi! (N’empêche que j’ai raison).

Cette adaptation est mise en scène par Marc Forster, qui dispose d’une filmo assez variée qui va du film fantastique familiale (Neverland) au thriller somrbre et torturé (Stay) en passant par le film d’action grand public (Quantum of Solace). Du bon et du moins bon donc, mais le truc qui fait plaisir c’est que c’est, en partie, produit par Plan B, la boîte de prod’ de Bradounet, et que du coup cela signifie qu’il a dû « chapeauter » un peu le projet et je me dis qu’un film « chapeauté » par un Dieu vivant ça peut être que bien!

Deux grosses avants premières on eu lieu récemment, une à Londres et une à Paris. L’artillerie lourde à été sortie vu qu’elles se sont déroulées en présence de Marc Forster, de Brad Pitt et de sa chère compagne Angelina Jolie, avec en prime, un concert du groupe Muse pour l’avant première de Londres.

Les premiers avis des spectateurs sont très bons mais, evidemment, c’est à prendre avec des pincettes. En voici un échantillon :

- « Un grand et solide film de zombies qui gagne en profondeur ce qu’il manque en sang. »
- « Donc après tout ce tapage, World War Z s’avère être un thriller de zombie étonnamment efficace. »
- « World War Z sera probablement le film le plus intense que vous allez voir cet été… »
- « Ce n’était pas comme le livre mais c’était incroyablement anxiogène, bien qu’il y ait eu des défauts dans le dénouement. »
- « Ce n’est pas du tout le désastre qui se profilait. C’est divertissant et ce sera bien reçu. »
- « World War Z est irréel. Un très bon film. J’étais complètement stressé du début à la fin. »

Alors, daube amerloc ou bonne surprise de l’été? En tout cas, le film a du potentiel et je reste plutôt confiant. Réponse le 3 juillet dans nos salles et avec la critique qui suivra direct!

M.Boufboyaux

Avec un pitch et un cast aussi alléchants, le film disposait d’un potentiel énorme. Mais tout ça se casse joyeusement la gueule sur presque tous les tableaux, et c’est fort dommage. Pourtant, The Iceman démarre plutôt bien, réussissant à dresser, en quelques scènes bien senties, le portrait d’un homme étrange, un homme qui tue pour une simple embrouille de bar mais qui sait se montrer charmeur et touchant lors d’un rendez vous gallant. Dés lors on comprend vite l’intention du réalisateur (Ariel Vromen, pratiquement inconnu au bataillon) : raconter comment ce tueur cruel peut aussi être un mari et un père de famille aimant. Le problème, c’est qu’il a oublié de se procurer un vrai scénario, et que, du coup, tout cela manque cruellement de substance et de subtilité. En effet, le film raconte peu de chose et le raconte mal, tout est survolé, rien n’est jamais approfondi. La psychologie des personnages est maigre et caricatural, par conséquent, aucune empathie envers eux n’est possible. Le problème ne vient pas des acteurs, mais de l’écriture (les rôles secondaires répondent tous à des gros clichés). Heureusement que Michael Shannon est là, il livre, une fois de plus, une prestation magistrale et constitue le seul véritable intérêt du film.

The Iceman souffre également d’un gros soucis de crédibilité. Certes, sa femme est une grosse gourdasse décérébrée (probablement le personnage le plus insupportable du film), mais on a quand même du mal à croire que Michael Shannon et sa tête de truand psychopathe ai pu cacher son activité meurtrière à sa famille pendant près de 20ans. La partie « vie de famille » est donc une véritable catastrophe. Malheureusement, la partie « meurtres et gangsters méchants » est ratée aussi, les scènes de meurtres s’enchainent et ne présentent aucun intérêt, elles sont insipides et ne font jamais avancé l’histoire. Ah mais oui c’est vrai, y a pas d’histoire!

Ariel Vromen a raté l’occasion de se faire un nom, il avait là tous les éléments pour réaliser un grand film mais il livre une oeuvre soporifique à la mise en scène convenue. The Iceman voudrait s’inscrire dans la grande tradition des films de gangsters mais n’y parvient jamais. N’est pas Scorsese ou Coppola qui veut.

                                                                                                                                                                                                                      M. Bouffboyaux

L’histoire se passe dans les locaux du centre d’appel d’urgence ( le fameux 911 ) où Jordan ( Halle Berry ) travaille. Traumatisée par un appel qui a mal fini, Jordan se voit contrainte de reprendre du service le jour où une jeune-fille : Casey, victime d’un kidnapping, appelle à l’aide.

Autant j’aime les scénar compliqués, voire tordus ( et d’ailleurs Cloud Atlas avec Halle Berry m’a ait pétiller les yeux tellement je l’ai aimé ! ), autant un scénar simple peut donner un très grand film ( Burried c’est the Exemple de scénar hyper simple : “un mec enfermé dans un cercueil”, qui se transforme en chef d’oeuvre ).
Mais bon là, une histoire de téléphone, j’étais moyen convaincue : j’ai un lourd passé avec les films et les bouquins dont les téléphones jouent un rôle central.
Sauf que voilà, dans ce film ça marche. C’est même carrément grâce à ça que le film est aussi efficace. Tout repose sur le triangle Casey-portable-Jordan et seulement sur ça.

Mais du coup tout le reste est superflu. Tous les personnages secondaires sont de trop : ils ne servent à rien sinon à ralentir la narration et casser le rythme. En plus ils sont tellement superficiels que franchement, les couper au montage n’aurait gêné personne.
Et en parlant de trucs qui coupent le rythme, la première partie du film ( celle avec le premier coup de fils ), n’est pas indispensable. Elle n’apporte rien de spécial et même, ça peut faire fuir le spectateur ! Parce qu’à moi, ce prologue m’a juste fait penser “Nom d’un biniou, on va passer 1H30 à pleurnicher sur le traumatisme de la pauvre Jordan… no-way”. Heureusement, j’étais dans un jour de grande bonté et je suis restée gentiment assise à ma place.

Tant qu’on en est aux choses qui fâchent, parlons de Michal Eklund, le charmant kidnappeur. J’imagine que Brad Anderson ( ici à la réalisation ) avait dû le côtoyer sur le plateau de la série Fringe ( dont il a réalisé quelques épisodes ) et que c’est pour ça qu’il s’est retrouvé dans le casting de The Call mais, si je peux me permettre : un essaie avant de signer un contrat, ça mange pas de pain…
Eklund est affreusement mauvais ! Comme il n’a pas beaucoup de texte, il a tout misé sur ses zygomatiques. Du coup, quand il est colère il sert les mâchoires, quand il est perplexe il ouvre la bouche, quand il panique il fronce les sourcils… C’est carrément grotesque, on dirait un clown muet.
Je ne suis pas non plus hyper fan d’Halle Berry mais j’admet que là, elle fait le job. Ni plus ni moins mais elle le fait.

Quelques scènes ne sont pas du meilleur goût ( les arrêts sur image font quand même très téloche ) mais dans l’ensemble la réalisation est correct. Je ne suis pas une grande fan d’Anderson ( même si sa participation à la saison 2 des Masters Of Horror et à la saison 1 de Fear Itself fait monter monter mon thermomètre de l’amour vers le chaud-bouillant ) et, pour cette pellicule, j’ai trouvé le tout un poil fade.
Ceci dit, il arrive à instaurer une dynamique et un suspens assez intense.

Je me rend compte que je critique beaucoup mais pourtant j’ai bien aimé !
Le film est super rythmé, on frôle même le haletant ! J’ai accroché plus ou moins du début jusqu’à la fin ( même si j’aurai préféré que le film ne se compose que du second appel ). Bien que certaines ficelles soient un peu épaisses, Anderson s’en tire assez bien. Et surtout, la fin est belle et Dieu sait si elle aurait pu gâcher tout le film en tombant dans le trou sans fond des fins-bidons…

Et n’oublions pas le côté pédagogique de ce film : c’est un genre de C’est Pas Sorcier du kidnapping en coffre et nous, on aime les film pédagogiques.

Ma plus grande appréhension avec ce Very Bad Trip 3 était de me retrouver devant un Very Bad Trip 1ter comme ça avait déjà été le cas avec le deuxième épisode. Parce qu’un scénario copié/collé, sans surprise, au bout de 3 fois, ça lasse un peu…
Mais en fait pas du tout ! On a le droit à une toute nouvelle histoire ( même si, forcément, on garde le pitch de base : 4 potes s’en vont en virée et il leur arrive un tas de trucs improbables ) qui arrive à nous accrocher pendant toute la pellicule. Certes, comme dans le 2, les gags sont moins nombreux que dans l’original mais là où le 2 pêchait avec un scénario déjà-vu, le 3 se réinvente.

Evidemment on ne retrouve pas tout le potentiel comique du premier mais il y a quand même de très bons moments.
D’abord la scène d’ouverture est magnifique ! Quasi kubrickienne ! Et la dernière est la plus drôle du film, c’est une fin digne de la franchise ( on en attendait pas moins ). Et d’ailleurs ne partez pas en courant dès le début du générique de fin parce qu’elle est après et ça serait honteux de rater ça.

Comme d’habitude la bande annonce crame un paquet de gags et de rebondissements. De toute façon, dans la mesure du possible il faut fuir comme la peste les bandes annonces de comédies ( et du reste aussi ), elles ne servent à rien sinon à gâcher les meilleures passages des films.

Les acteurs sont au top ( surtout Bradleychou huhu ( qui a d’ailleurs été vraiment révélé par Very Bad Trip 1, rendons à César ce qui est à César.) ) et leurs personnages idem. On retrouve tout ce qui a marché dans les précédents tomes.

La réalisation est vraiment bien, surprenante et travaillée : la scène d’ouverture ( oui je l’aime beaucoup ! ) et celle du César Palace en extérieur sont hyper réussies. J’ai hâte de voir Todd Philips s’attaquer à un nouveau genre, pour voir s’il y met autant de coeur.

Dans l’ensemble c’est donc une bonne conclusion pour cette franchise. Certes on est en dessous du premier opus mais on est bien au dessus du second. Et la dernière scène est magistrale.

Présenté en compétition officielle au 66e Festival de Cannes, Only God Forgives a divisé le public et les critiques. Plongé morbide dans les cauchemars d’un homme, oeuvre totalement libre et profondément torturée, le nouveau film de Nicolas Winding Refn ne met personne d’accord et c’est tant mieux.

Révélé au grand public par Drive, son 8e film (c’est bien, les gens se sont réveillés, ça faisait juste 15 ans que le mec pondait des putains de films), le réalisateur Danois frappe là où personne ne l’attendait en livrant un long métrage complètement fou, ultraviolent et fleurtant constamment avec le cinéma expérimental. On adore ou on déteste mais impossible de rester indifférent.

Drive était une oeuvre de commande transformée en chef d’oeuvre grâce au talent sans limite de son réalisateur. Only God Forgives est né d’une réflexion plus personnelle, c’est un film plus sombre et moins accessible. Nicolas Winding Refn a fait le film qu’il voulait faire et qu’il devait faire sans se soucier une seule seconde de ce que « la masse » attendait de lui. Et bordel que c’est bon de se dire que toutes les pisseuses qui espéraient un « Drive bis » avec le BG Ryan Gosling sortiront de la salle choquées, dégoutées, perdues.

Only God Forgives est difficile à décrire car il est composé d’une multitudes d’émotions, de sensations et d’idées abstraites. Seuls comptent les rêves, les espoirs, les peurs et les obsessions. Sous un scénario assez mince, le metteur en scène trouve l’écho aux hantises d’un héros perdu dans la compléxité de ses sentiments, torturé par ses frustrations sentimentales et sexuelles. Frustrations profondéments liées à sa relation avec sa mère, personnage excécrable (formidablement campé par une Christine Scott Thomas méconnaissable) lancé dans une quête de vengeance sans pitié. On navigue sur les relations oedipiennes entre une mère et son fils, quelque part entre rêve et réalité. Ryan Gosling est impérial, son personnage n’est que fantasmes et angoisses, un être torturé en quête de reconnaissance maternelle qui évolue dans une oeuvre onirique orchestrée par la mise en scène divine du réalisateur, plus inspiré que jamais.

On pense à Kubrick, Lynch, Jodorowsky, Noe… des influences fièrement affichées mais qui n’entament jamais l’intégrité du cinéaste. On pense également aux premiers essais de Refn, avec sa trilogie Pusher, Inside Job ou encore Bronson, sauf qu’ici tout est plus irrationnel, impalpable. Only God Forgives est une fresque mystique, belle et puissante, où chaque émotion est transcendée… A la manière de Valhalla Rising, ce chef d’oeuvre ne vous apparaîtra dans toute sa complexité et sa profondeur à la seule condition que vous vous abandonniez totalement à lui.

                                                                                                                                                                                                  M.Boufboyaux