Tiziano Vecellio è stato uno dei più grandi pittori italiani e uno dei più longevi, tenendo conto che morì intorno ai 90 anni: una sorta di Matusalemme considerando l’epoca un cui visse.

Durante la sua lunga carriera Tiziano dipinse una grande quantità di quadri e, ovviamente, il suo stile si evolse e si modificò nel tempo: la pittura tonale degli inizi con Giorgione, il periodo manierista a seguito del viaggio a Roma, la pittura dai toni cupi, con il colore “sfrangiato” degli ultimi anni tanto per sintetizzare questi cambiamenti.

Pur essendo uno dei più grandi artisti di tutti i tempi, non gode della stessa fama di personaggi come Raffaello o Michelangelo, forse anche per il fatto che dipinse moltissimi capolavori, ma non ce n’è uno che possa essere rappresentativo di tutta la sua arte e che lo rappresenti in pieno, come avviene invece, per esempio con Michelangelo Buonarroti e gli affreschi della Cappella Sistina. Uno dei miei preferiti è comunque la Venere di Urbino, del quale ho parlato in un post di qualche tempo fa.

Per questo stesso motivo sul web e sopratutto su Youtube non si trovano moltissimi video-documentari dedicati all’arte di Tiziano Vecellio e al suo stile. Con un po’ di ricerche sono comunque riuscito a mettere insieme una playlist che raccoglie quelli più interessanti.

Particolarmente interessante una puntata di “Passepartout”, il programma Rai dedicato all’arte condotto da Philippe Daverio, e un breve video dedicato ad un’altra delle opere più belle di Tiziano: “L’Amor sacro e Amor profano”, la cui interpretazione non è ancora del tutto chiara.

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La natura morta è un genere pittorico basato sulla raffigurazione di oggetti, di solito frutti, fiori, vasi, cibi, libri, strumenti musicali, anche se talvolta la fantasia degli artisti ha creato opere con ogni sorta di cose.

La natura morta, come genere pittorico a sé stante, nasce alla fine del ‘500, quando avviene la cosiddetta “differenziazione dei generi”. Mi spiego meglio.

In pratica fino a quel periodo la pittura di storia, che poi era la quasi totalità della pittura, rappresentava soggetti di questo tipo:

* Scene religiose tratte dalla vita di Cristo, dei santi o da episodi della Bibbia.

* Avvenimenti storici importanti.

* Episodi tratti dalla mitologia greca e romana.

C’era poi il ritratto che aveva anche una funzione pratica: diffondere l’immagine del re, del papa, del nobile, del condottiero o comunque dell’uomo (e della donna) di grande prestigio sociale.

Con la fine del ‘500 si assiste alla nascita di altri generi diversi oltre a quelli canonici: il paesaggio, la natura morta e la pittura di genere, ovvero la pittura che rappresenta scene di vita quotidiana.

Mentre la scena di genere rappresenta una novità assoluta e nasce nel nord Europa, la natura morta e il paesaggio esistevano già in precedenza ma non avevano vita propria; nel senso che erano dettagli, sfondi, elementi comunque decorativi o secondari della pittura di storia.

Con artisti come il cremonese Vincenzo Campi la natura morta comincia ad acquisire una parziale autonomia, anche se all’interno delle sue opere c’è sempre la presenza di figure umane, sebbene il loro ruolo sia tutto sommato secondario. Mentre il centro della scena e dell’attenzione è spesso occupato dalla frutta, dai cibi, dai pesci, dalle carni.

Tutti elementi che vengono messi in bella mostra allo stesso modo di un commerciante che cerca di esporre la propria merce per invogliare a comprare.

Un altro precursore della natura morta è stato Annibale Carracci con la sua “Bottega del macellaio” che risale al 1585; anche qui gli uomini hanno, da un punto di vista pittorico, quasi la stessa importanza dei quarti di bue presente sulla scena.

I primi esempi di natura morta

In Italia il primo esempio in assoluto di natura morta come dipinto a sé stante, è il piccolo quadro con le pesche del pittore milanese Ambrogio Figino, realizzato tra il 1591 e il 1594. Segue a ruota, nel 1596, la natura morta di Caravaggio, la celebre “Canestra di frutta”, dipinta con il consueto realismo tipico del’artista. La luce che illumina la composizione pone in evidenza alcuni segni di decadimento della frutta, come il buco del verme, metafora della caducità della vita: un tema molto ricorrente nei quadri di nature morte.

Furono parecchi i pittori che si dedicarono quasi esclusivamente a questo particolare genere pittorico creando quadri poetici e affascinanti, tra questi spicca una donna, la milanese Fede Galizia.

A proposito di questa artista lo storico dell’arte Flavio Caroli scrive: “La Galizia delega gli oggetti a rappresentare il suo mondo interiore, attraverso una meditazione formale rigorosissima, con virtuosismi nell’uso della luce. Siamo in presenza di un’artista eccelsa tout court”.

I suoi quadri con frutta sono allo stesso tempo semplicissimi e perfettamente calibrati nella loro sobrietà; anche qui il riferimento al tempo che scorre inesorabile è presente ma appena accennato: un piccolo fiore che sta appassendo, una mela aperta che si ossida; è sussurrato con garbo e non sbattuto in faccia con brutalità come avviene con tutto l’apparato di teschi, fiori secchi, cibi in putrefazione e altre diavolerie tipiche delle “Vanitas”.

Tra gli altri artisti specializzati nella natura morta, spicca Evaristo Baschenis, musicista oltreché pittore, tanto che uno dei suoi soggetti preferiti, che peraltro l’ha reso famoso, è quello degli strumenti musicali che diventano i veri protagonisti della scena, in assoluta assenza di figure umane.

Di solito sono disposti in apparente disordine su tavoli o altri mobili, con l’aggiunta di spartiti e qualche sporadico frutto. In questi dipinti c’è un’atmosfera sospesa, con un senso di mistero e inevitabilmente un riferimento alla bellezza effimera che è rappresentata dalla musica.

La musica ha una durata ben precisa e una volta che si è conclusa restano solo gli strumenti che l’hanno generata, ormai abbandonati in disordine come oggetti privi di funzione.

La Vanitas

Un discorso a parte merita il sottogenere della “Vanitas”, ovvero la natura morta con espliciti riferimenti alla brevità e alla caducità della vita. In questo tipo di quadri ci sono elementi ricorrenti più o meno allusivi come per esempio il teschio, la clessidra, la candela spenta, i fiori appassiti o recisi, la frutta che sta marcendo o altri cibi in evidente via di deterioramento.

E’ un genere non molto diffuso in Italia, dove pure esiste il riferimento alla fine dell’esistenza, ma, come abbiamo visto, è meno esplicito, più sfumato. Mentre il massimo della diffusione si ha in Olanda e in misura minore in Francia, Spagna e altri stati europei.

Il suo successo è legato sopratutto alla precarietà della vita all’epoca, minacciata costantemente dall’incubo delle epidemie di peste e altre malattie letali e dalle guerre spesso interminabili, che devastavano il continente europeo, pertanto tali opere fungevano da monito per vivere in modo retto e timorato di Dio.

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Il Bacio di Klimt è forse l’opera più famosa del pittore austriaco. E’ un olio su tela dipinto nel 1908 e conservato alla Osterreichische Galerie di Vienna.

Per analizzare il Bacio parto dalla forma, anzi dalle forme, perché guardandolo da una certa distanza la prima cosa che salta agli occhi sono le forme che lo compongono: innanzitutto il quadrato di tela di 180 x 180 cm, poi il “rettangolo”, perfettamente al centro, che racchiude i due protagonisti, il prato fiorito sul quale poggiano che ha una forma approssimativamente triangolare e infine lo sfondo oro.

In definitiva grazie a queste zone di colore ben distinte il quadro appare chiaro e immediatamente comprensibile.

Il soggetto principale è rappresentato dalle due figure al centro: la loro particolarità è data dal fatto che mentre il viso e gli arti sono dipinti con molto realismo, gli abiti sono fondamentalmente astratti, non hanno volume e sono costruiti con forme geometriche: rettangoli per l’uomo, cerchi per la donna, che oltre ad avere una funzione decorativa sono un riferimento alle differenze tra maschile e femminile, anche probabilmente da un punto di vista sessuale.

I due amanti esprimono una grande tenerezza, in particolare l’uomo che tiene delicatamente tra le mani con la testa della donna e la bacia sul viso. Il suo abbraccio è avvolgente e protettivo.

Lei sembra quasi trattenere a stento la passione che la percorre, da un lato si abbandona all’abbraccio, ma le mani la “tradiscono”, nota in particolare la destra con le dita che sembrano muoversi nervosamente.

Le vesti, delle ampie tuniche simili a quelle che indossava anche l’artista, li circondano e li isolano dal resto: il colore è più intenso e luminoso e fa spiccare la sagoma dei due amanti su tutto il resto.

Entrambi hanno fiori e foglie nei capelli (quasi come due hippy con largo anticipo) segno che sono immersi nella natura, ma è una natura stilizzata e astratta, che ha una funzione più decorativa che altro. Anche il prato dove si trovano è tappezzato di fiori colorati che ricordano però dei gioielli: il richiamo alla natura e la ricerca del prezioso si fondono un modo indistinguibile.

Il fondo oro, un altro elemento prezioso che ricorda peraltro i dipinti di epoca medievale, così come le stilizzazioni degli abiti e del prato, proiettano la scena in una dimensione fuori dal tempo, a differenza ad esempio di un altro celebre Bacio, quello di Francesco Hayez, che si svolge in un’ambientazione medievale.

In questo caso contano solo l’abbraccio e le effusioni dei due amanti, non ci sono riferimenti né al tempo, né tantomeno allo spazio, se non ridotti al minimo. Direi anzi che il prato, come la maggior parte degli elementi presenti nella scena, come abbiamo visto abbia una funzione sopratutto decorativa.

Gustav Klimt infatti visse in pieno il periodo dell’Art Nouveau in cui la decorazione aveva un ruolo fondamentale nelle arti visive (pittura, scultura e architettura) così come anche nelle arti applicate. Il mondo vegetale sopratutto fu una grandissima fonte di ispirazione e le linee sinuose di fiori, piante ed alberi, vennero rielaborate, stilizzate, riadattate dagli artisti nelle loro opere.

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Lo spunto per parlare delle opere del Tintoretto me lo offre la mostra in corso a Roma alle Scuderie del Quirinale, dove sono esposte alcune delle tele più importanti dell’artista.

Jacopo Robusti detto il Tintoretto è stato uno dei più grandi pittori veneziani del ‘500 della generazione successiva a Tiziano, con il quale si trovò comunque in competizione per un certo periodo.

Il Tintoretto è un po’ diverso dai suoi predecessori, perché le sue fonti di ispirazione non vengono solo dalla Laguna, ma anche e sopratutto dagli artisti tosco-romani, in particolare Raffaello e sopratutto Michelangelo.

Le sue figure, eseguite con grande rapidità e sicurezza, al punto che venne soprannominato il “Furioso“, hanno un solido disegno di base, a differenza degli artisti veneti più “ortodossi” come per esempio Tiziano e Giorgione che plasmavano le loro figure con il colore.

Il soprannome “Furioso” gli deriva però anche da altre sue caratteristiche peculiari, come l’uso della prospettiva e della luce. Nelle sue opere Tintoretto utilizza infatti delle inquadrature insolite, con il punto di vista dell’osservatore che spesso viene posto più in basso rispetto alla scena oppure anche in posizione rialzata in modo che la visione muova dall’alto verso il basso. A questo si affiancano spesso scorci piuttosto vertiginosi che portano l’occhio di chi guarda a compiere dei veri e propri salti per seguire la lettura dell’opera.

Per esempio nell’Ultima Cena di San Giorgio Maggiore il tavolo, collocato in posizione obliqua, trascina lo sguardo dello spettatore fino al centro del dipinto, e della tavola, dove c’è Cristo ritratto nel momento saliente della scena. La sua testa è circondata da un intenso alone di luce che assomiglia ad un lampo e  rende la scena più drammatica: il fatto che si tratti di una luce soprannaturale è sottolineato dalla maggiore intensità di quest’ultima rispetto a quella del lucernario che pende dal soffitto.

L’utilizzo della luce per illuminare le parti salienti di un’opera è l’altra grande novità della pittura di Jacopo Robusti. A maggior ragione perché si accompagna a dei toni generalmente scuri e cupi.

Le stesse caratteristiche si ritrovano per esempio in un’altra celebre opera del Tintoretto,  il “Miracolo dello Schiavo” in cui si vede San Marco che con il suo intervento miracoloso salva dal supplizio uno schiavo. Il santo plana letteralmente sulla folla sottostante, visto da dietro con uno scorcio veramente ardito. La sua testa è circondata dallo stesso alone luminoso del Cristo nell’Ultima Cena.

Al di sotto, in posizione quasi speculare a San Marco c’è lo schiavo sdraiato a terra e circondato da una folla in agitazione che è come mossa da un’onda. Il tutto ha un effetto molto teatrale, e sembra quasi che si svolga in un palcoscenico: anche lo sfondo ricorda quello di un teatro.

Per queste prospettive, l’utilizzo della luce e per l’attenzione alla rappresentazione della scena Tintoretto si può considerare un precursore del Barocco, lo stile dominante nell’arte del ‘600.

Anche nel “Ritrovamento del corpo di San Marco” ricorre l’adozione di una prospettiva vertiginosa e l’utilizzo della luce che abbiamo già visto. La particolarità di quest’opera è la raffigurazione contemporanea di vari momenti dell’episodio miracoloso, come avveniva nella pittura medievale in cui non si teneva conto della coerenza spazio-temporale.

Chiudo questa breve rassegna di opere del Tintoretto con la celebre “Susanna e i vecchioni”, ispirata ad un’episodio biblico tratto dal libro di Daniele, molto sfruttato dagli artisti di ogni epoca perché permetteva di rielaborare in chiave erotica un esempio di virtù.

In sostanza Susanna, una donna ebrea, viene sorpresa mentre fa il bagno da due anziani giudici. I due la ricattano: “o si concede a loro, oppure diranno di averla colta in flagrante adulterio”. Lei rifiuta e a seguito di questo viene condannata a morte come adultera, ma l’intervento miracoloso del profeta Daniele la salva e fa condannare i due calunniatori.

Nell’opera del Tintoretto però, come spesso accadeva, è la bellezza della donna che viene messa in risalto; Susanna espone allo sguardo il suo prosperoso corpo nudo in uno splendido giardino. Davanti a lei si trova una siepe vista con il consueto scorcio e ai due lati di questa spuntano i due vecchi attratti dalla sua bellezza.

In questo dipinto le luci sono più morbide e meno drammatiche rispetto ad altre opere del Tintoretto, ma comunque anche qui un fascio di luce abbastanza intenso illumina e mette in risalto il centro di attrazione del quadro: il corpo di Susanna.

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In occasione della Settimana della Cultura 2012 sono moltissimi i luoghi in tutta Italia che possono essere visitati gratuitamente o con una riduzione sul costo del biglietto d’ingresso: musei, gallerie, monumenti, biblioteche, palazzi, ville, parchi e tutto quello che può venirti in mente legato all’arte e alla cultura.

A parte il fatto che c’è davvero l’imbarazzo della scelta voglio suggerire, regione per regione, una serie di itinerari o luoghi della cultura da visitare.

Cominciamo dall’estremo nord con la…

Valle d’Aosta

La prima scelta è il castello di Issogne, dimora quattrocentesca dei nobili del luogo: gli Challant. L’edificio è una via di mezzo tra il classico castello medievale e la residenza signorile.

L’altro luogo che suggerisco è il forte di Bard, costruito nel XIX secolo dai Savoia come fortezza di sbarramento, attualmente utilizzato per mostre, eventi culturali, spettacoli oltreché come sede di musei.

Piemonte

Nei pressi di Torino da vedere sicuramente il complesso della Venaria Reale, la reggia dei Savoia che porta questo nome perché posto ideale per le cacce del re. Oltre alla reggia barocca, ci sono poi i giardini, le scuderie, e vari altri elementi di questo complesso imperdibile.

L’altra metà piemontese che suggerisco, sempre a Torino, è il museo Egizio, uno dei più importanti del mondo tra quelli dedicati alla storia e alla cultura dell’antico Egitto.

Lombardia

Il museo di Palazzo Ducale di Mantova, che fu la residenza della famiglia Gonzaga: all’interno il museo ospita diverse raccolte tra quadri, sculture, arredi, ma sopratutto gli affreschi della Camera degli Sposi di Andrea Mantegna.

La Certosa di Pavia con il museo annesso per scoprire meglio questo grande complesso ricco di arte e di storia.

A Milano oltre alla Pinacoteca di Brera e al Cenacolo di Leonardo, consiglio la basilica di Santa Maria presso San Satiro progettata dal Bramante, il “pezzo forte” è la finta abside: non avendo spazio a disposizione, il Bramante creò un abile artificio prospettico che fa sembrare molto profondo uno spazio che in realtà è di soli 97 centimetri.

Trentino Alto Adige

La prima scelta è il Mart di Rovereto, il Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto che ospita un gran numero di opere d’arte dell’ultimo secolo; tra gli artisti spiccano Carrà, Morandi, De Chirico e la gloria locale il futurista Depero.

L’altra possibilità interessante è offerta dal castello del Buonconsiglio, l’antica residenza dei vescovi che ospita diverse collezioni di opere d’arte di vario tipo: una quadreria, bronzetti, codici, scultura lignea e diverse altre.

Veneto

Oltre alle Gallerie dell’Accademia di Venezia, di cui ho già parlato, merita una visita il museo della Ca’ d’Oro con le opere donate allo Stato Italiano nel 1916 da Giorgio Franchetti. Nelle collezioni ci sono dipinti di Tiziano, Andrea Mantegna, Vittore Carpaccio, Francesco Guardi.

L’Arena di Verona. Credo non sia necessario aggiungere altro.

Friuli Venezia Giulia

Trieste: il Castello di Miramare, un’architettura di stile eclettico, circondata da un bel parco sul mare, costruita agli inizi del XIX secolo come residenza del duca Massimiliano d’Asburgo, che poi divenne imperatore del Messico (e lì venne poi fucilato dagli insorti repubblicani).

Liguria

Oltre ai musei di Genova (di cui ho già parlato), consiglio una visita ai Giardini Hanbury di Ventimiglia, un immenso giardino botanico sul mare, uno dei più importanti d’Europa, creato dall’omonima famiglia inglese. Oltre al parco è possibile visitare anche la bella villa che porta lo stesso nome.

A Sarzana in provincia di La Spezia – la fortezza di Sarzanello, un vero e proprio gioiello dell’architettura militare, costruita tra il 1314 e il 1328 da Castruccio Castracani signore di Lucca e modificata circa un secolo dopo per adattarla all’avvento delle armi da fuoco.

Emilia Romagna

La mia prima scelta va alla Pinacoteca Nazionale di Bologna che custodisce dipinti importanti di Tiziano, Raffaello, Parmigianino, Guido Reni, Guercino e i Carracci solo per citare i più importanti. Il museo è stato rinnovato non molti anni fa ed offre un percorso davvero interessante attraverso la pittura emiliana e non solo.

Il Castello di Torrechiara nei pressi di Langhirano (Pr), un grande e splendido castello perfettamente conservato dove peraltro venne girato il film “Ladyhawke” con Michelle Pfeiffer e Rutger Hauer.

Fotografia di Davide Bolsi

A Parma il Palazzo della Pilotta e la galleria nazionale, con opere di Leonardo, El Greco, Parmigianino, Tiepolo, Canaletto. Nel percorso di visita è previsto anche il “passaggio” dal teatro Farnese.

Toscana

Di Firenze ho già parlato abbondantemente in altri due articoli dedicati agli affreschi dei cenacoli e ad altri itinerari consigliati, perciò riguardo alla Toscana segnalo alcune mete al di fuori del capoluogo.

Il Museo Nazionale di San Matteo a Pisa: si trova nel convento medievale di San Matteo ed ospita una nutrita collezione di opere di artisti toscani dal XII al XVII secolo. Particolarmente ricca è la presenza di dipinti e sculture medievali, al punto che la collezione è una delle più importanti a livello europeo.

La Pinacoteca nazionale di Siena conserva una ricca collezione di dipinti di artisti senesi nel periodo compreso tra il Medioevo e il ‘600. Tra le tante opere segnalo due capolavori assoluti: la Pala del Beato Agostino Novello di Simone Martini e la Pala del Carmine di Pietro Lorenzetti.

Poggio a Caiano ( Prato) – La villa medicea progettata da Giuliano da Sangallo su incarico di Lorenzo il Magnifico, è stata costruita a più riprese a causa di varie interruzioni. L’architettura è ispirata all’antico e si caratterizza per l’imponente scalinata sulla facciata. All’interno ci sono affreschi del Pontormo, Andrea Del Sarto e Franciabigio e il museo della Natura Morta.

Marche

Il palazzo Ducale di Urbino sede della Pinacoteca Nazionale delle Marche, voluto da Federico da Montefeltro. La caratteristica del palazzo, progettato da Luciano Laurana, è quella di integrarsi perfettamente con il borgo circostante al punto quasi da diventare un tutt’uno. Tra le opere esposte ci sono capolavori del Rinascimento come la “Flagellazione di Cristo” di Piero Della Francesca, la famosa veduta della Città Ideale di autore sconosciuto e altre opere importanti di Tiziano, Raffaello, Paolo Uccello, Federico Barocci, Luca Signorelli, Guercino, Guido Reni.

La Rocca di Gradara, un bell’esempio di fortificazione medievale. Secondo la leggenda è in questo maniero avvenne l’episodio di Paolo e Francesca narrato da Dante nel V° canto dell’Inferno.

Umbria

Oltre alla Galleria Nazionale dell’Umbria, della quale ho già scritto, segnalo il teatro romano di Gubbio e i resti dell’Antiquarium, dove l’ingresso è ovviamente gratis per l’occasione.

Lazio

Come prima scelta consiglio un giro per musei a Roma, a partire dalla Galleria Borghese, per arrivare alla Galleria Nazionale di Arte Antica di Palazzo Barberini e alla Galleria d’arte Moderna e Contemporanea.

Al di fuori della Città Eterna, tra i posti che meritano una visita suggerisco l’abbazia di Casamari, l’imponente palazzo Farnese a Caprarola e l’Abbazia di Montecassino.

Abruzzo

All’Aquila la basilica di Santa Maria di Collemaggio, dove si trova la tomba di Pietro da Morrone, più noto come Celestino V, il papa del “Gran Rifiuto” dantesco. In parole più semplici l’eremita che venne eletto papa, ma che dopo pochi mesi rinunciò al pontificato aprendo così la strada al “famigerato” Bonifacio VIII (per questa ragione Dante lo colloca tra gli ignavi nell’Inferno.) La basilica fu fatta costruire proprio da Pietro da Morrone nel 1287 e si caratterizza per la bella facciata di forma rettangolare in stile romanico abruzzese.

A Chieti il Museo Archeologico d’Abruzzo dove è conservato il famoso Guerriero di Capestrano: la statua in pietra raffigurante un guerriero italico, del popolo dei Piceni, del VI secolo a.C. Oltre a questo il museo custodisce opere di epoca preromana e romana ed una collezione numismatica.

Molise

Complesso monumentale di San Vincenzo al Volturno in provincia di Isernia è costituito dai resti imponenti di una delle più importanti abbazie al livello europeo, fondata nel 703 da tre nobili di Benevento. Nella cripta della basilica di San Vincenzo sono visibili i resti di alcuni affreschi risalenti al IX° secolo.

Campania

La Reggia di Caserta, voluta dal re Carlo di Borbone per dare al regno di Napoli una reggia che potesse competere con quella di Versailles. Fu incaricato del progetto Luigi Vanvitelli e come luogo fu scelta Caserta anziché Napoli perché quest’ultima, trovandosi sul mare, venne giudicata meno difendibile. La reggia è circondata da un parco enorme con giardino all’inglese e giardino all’italiana oltre a numerose fontane estremamente scenografiche. In occasione della Settimana della Cultura sono previsti diversi itinerari di visita.

I Castelli di Napoli. Sono previste diverse visite guidate ai castelli del capoluogo campano: Castel dell’Ovo, Castel Sant’Elmo e il Maschio Angioino, tre fortificazioni che hanno svolto un ruolo fondamentale nella storia della città.

E per concludere il museo di Capodimonte (al quale ho dedicato un articolo ad hoc).

Puglia

Il Castello Svevo di Bari: una fortificazione che ha origini bizantine e che ha subito modifiche ad ogni nuova dominazione: normanni, svevi, angiomi, aragonesi. Al suo interno sono ospitate mostre ed esposizioni.

Castel Del Monte ad Andria. Il celebre castello dall’insolita forma ottagonale voluto da Federico II di Svevia, ricco di decorazioni scultoree dalla forma classica e decisamente all’avanguardia per il XIII° secolo.

Basilicata

Il Museo nazionale d’arte medievale e moderna della Basilicata che si trova a Matera è diviso in quattro sezioni: arte sacra, collezione d’Errico, arte contemporanea e sezione etnoantropologica. Tra le opere presenti ce ne sono parecchie provenienti parecchie dalle chiese della Basilicata oltre ad una serie di quadri di scuola napoletana del Sei e Settecento.

Calabria

Il Parco Archeologico di Scolacium nei pressi di Catanzaro contiene i resti dell’antica colonia romana di Scolacium oltreché i resti della basilica normanna di Santa Maria della Roccella.

Sicilia

Premesso che rispetto ad altre regioni non sono molti in Sicilia i luoghi della cultura che aderiscono alla Settimana della Cultura, segnalo la Civica Galleria d’arte Renato Guttuso di Bagheria che custodisce una buona parte delle opere prodotte dall’artista siciliano originario proprio della città.

Sardegna

Tour in treno dei Nuraghi: si tratta di un itinerario che va percorre la linea Cagliari-Isili-Sarcidano con soste in alcune aree nuragiche. Per informazioni 070 659740/221114

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Quello che propongo oggi è un bell’itinerario tematico per la Settimana della Cultura 2012 a Firenze per ammirare gli affreschi con l’Ultima Cena eseguiti da alcuni dei grandi artisti fiorentini del Rinascimento.

Sono in tutto quattro: il Cenacolo di Fuligno opera del Perugino,  il Cenacolo del Ghirlandaio in Ognissanti, il Cenacolo del convento di San Salvi di Andrea Del Sarto e il Cenacolo di Sant’Apollonia di Andrea Del Castagno.

Il primo della lista si trova nel convento delle terziarie francescane della beata Angela da Foligno, ovviamente nel refettorio secondo una consuetudine molto diffusa. Di solito tali affreschi simulavano un’apertura nel muro e, in alcuni casi, riprendevano le strutture architettoniche del luogo per aumentare l’effetto illusionistico. L’esempio più celebre è il L’Ultima Cena di Leonardo a Milano, ma ce ne sono tantissimi altri.

In pratica i religiosi durante i pasti avevano sempre davanti agli occhi l’Ultima Cena con Cristo e gli apostoli, in tal modo anche il pranzo e la cena diventavano un’occasione per meditare e riflettere.

Lo stesso obiettivo aveva la regola che imponeva il silenzio a tavola e per facilitare la meditazione mentre tutti i confratelli, o le consorelle, consumavano il pasto, uno di loro a turno leggeva a voce alta brani delle Sacre Scritture, delle vite dei santi o altri scritti edificanti.

Tornando al Cenacolo di Fuligno eseguito dal Perugino l’impostazione è quella classica con Cristo al centro della tavola, San Giovanni che si appoggia al suo petto chiedendo al Maestro chi è che lo tradirà e Giuda collocato, unico tra gli apostoli, all’altro lato del tavolo come uno studente davanti alla commissione della maturità.

Il traditore guarda di soppiatto lo spettatore e gli mostra il sacchetto con i trenta denari ricevuti per tradire Gesù.

Il Cenacolo di Ognissanti del Ghirlandaio è piuttosto simile nella struttura a quello del Perugino, a differenza dello sfondo che riproduce una serie di piante e alberi dall’aspetto stupendo e della gestualità degli apostoli che sono più caratterizzati e più “coinvolti emotivamente”.

La varietà di stati d’animo e atteggiamenti dei vari personaggi dell’Ultima Cena troverà poi la sua massima espressione in quella di Leonardo a Milano.

Il Cenacolo del convento di San Salvi di Andrea Del Sarto pur riprendendo, con alcune variazioni, l’impianto solito, si differenza per l’animazione che agita la scena con alcuni apostoli che si alzano in piedi, altri sbigottiti, altri che chiedono spiegazioni alla notizia che uno di loro tradirà.

Giuda è collocato non più al centro ma da un lato della lunga tavola, in ogni caso in senso “contrario” rispetto agli altri apostoli.

Il tour dei cenacoli si chiude con quello di Andrea Del Castagno nel refettorio del convento di Sant’Apollonia, caratterizzato dalla figure dalla forte volumetria che risalta sopratutto nelle grandi pieghe delle vesti.

La disposizione dei personaggi è quella consueta che abbiamo già visto nei precedenti affreschi con qualche piccola variazione. Due elementi però saltano agli occhi e caratterizzano l’Ultima Cena di Andrea Del Castagno.

Il primo è la “cornice” in cui la scena è inserita, ovvero un piccolo edificio dalle forme classiche con tanto di tetto con tegole rosse e lastre di marmo decorative alle pareti, mentre ai lati delle panche dove siedono i personaggi si trovano due sfingi, altro richiamo all’epoca classica.

La tovaglia del tavolo nel suo candore esalta l’orizzontalità della scena e la figura di Giuda, collocato come sempre dall’altro lato del tavolo, si staglia con il suo profilo arcigno che è sicuramente ripreso dalle rappresentazioni del demonio.

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Il programma della Settimana della Cultura 2012 in Umbria offre parecchie possibilità di visita tra Perugia, Terni e le relative province.

La mia prima scelta cade sulla Galleria Nazionale dell’Umbria, il museo ospitato nel palazzo dei Priori di Perugia che raccoglie opere realizzate nel periodo compreso tra il ‘200 e l’800, anche se quelle a mio avviso più importanti riguardano il periodo compreso tra Medioevo e Rinascimento.

Segnalo a questo proposito opere come la “Madonna con Bambino e sei angeli” di Duccio di Buoninsegna, una canonica immagine della Vergine con il bambino, caratterizzata però da una naturalezza e familiarità tra la madre e il bimbo che non si trova facilmente in opere dello stesso periodo.

Spicca in particolare il gesto di Gesù bambino che afferra e tira il velo della madre segno che l’artista si è basato su un’osservazione diretta e non su modelli precostituiti.

Altro pezzo forte è la “Pala di Perugia” del Beato Angelico, un polittico con la Madonna in trono e alcuni santi. Come frequentemente avviene con il Beato Angelico ad una rappresentazione realistica, rinascimentale dei personaggi, si affiancano strutture ancora medievali come il polittico e il fondo oro anziché uno sfondo reale.

Un secondo polittico estremamente interessante custodito alla Galleria Nazionale dell’Umbria è quello di Piero della Francesca. Anche in questo caso siamo di fronte ad un’opera con caratteristiche moderne e antiche: la forma del polittico e il fondo oro sono una retaggio del passato, mentre la solidità volumetrica dei personaggi, peraltro tipica dell’artista, è uno dei frutti del Rinascimento.

Un aspetto curioso è legato alle aureole della Madonna e del Bambino che hanno la superficie a specchio e riflettono le teste dei due protagonisti.

Nella parte superiore della tavola c’è poi la scena con l’Annunciazione che si svolge davanti ad un loggiato con una serratissima fuga prospettica delle colonne che merita di essere apprezzata.

Tra le opere presenti c’è una folta “rappresentanza” dei dipinti del Perugino e  due opere di un’altra gloria locale: il Pinturicchio. Di quest’ultimo segnalo la “Pala di Santa Maria dei Fossi“: una sorta di polittico aggiornato nella struttura allo stile della fine del ‘400; al posto delle guglie gotiche la cornice lignea ricorda quella di una chiesa rinascimentale con le colonne corinzie e il timpano triangolare.

L’immagine principale è costituita poi dalla Madonna con Bambino in trono e San Giovannino che porge a Gesù Bambino la sua croce astile, come una preveggenza della Passione che dovrà subire Cristo adulto.

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Per la Settimana della Cultura 2012 a Napoli la mia prima scelta è il Museo di Capodimonte ospitato nell’omonima reggia.

Si tratta del museo più importante dell’Italia Meridionale dove sono conservate opere fondamentali della storia dell’arte, ma la visita non si esaurisce alla galleria, perché c’è la possibilità di visitare anche il parco, dove peraltro si trovano anche alcune strutture storiche come la fabbrica di porcellane, l’eremo dei cappuccini e il Casino della Regina.

Tra i quadri custoditi nella galleria ce n’è uno in particolare che mi piace tantissimo, è la “Crocifissione” di Masaccio. E’ un dipinto a tempera su tavola che faceva parte del grande Polittico di Pisa, opera grandiosa del pittore toscano che venne smembrata nel ‘700.

La tavola con la crocifissione era posta nella parte superiore del polittico e questo spiega perché la figura di Cristo ha la testa incassata nelle spalle da sembrare quasi senza collo. Masaccio, considerando che l’immagine veniva vista dal basso verso l’alto, cercò di scorciare in prospettiva il corpo di Gesù, con un risultato però non del tutto riuscito.

A fianco della croce ci sono la Madonna e San Giovanni, il cui gesto di dolore composto è sottolineato dal blu intenso del braccio destro. Non si trattiene per niente invece la Maddalena inginocchiata ai piedi della croce: compie un ampio gesto teatrale in cui esprime un dolore lacerante; anche la veste di un rosso acceso e il giallo intenso dei lunghi capelli biondi danno una forte carica emotiva a questa figura.

Le braccia della Maddalena formano la sagoma di un calice che raccoglie il sangue di Cristo che cola, un riferimento al calice dell’Ultima Cena dove il vino venne trasformato appunto in sangue.

In cima alla croce c’è un piccolo albero, che in questo caso è un simbolo di rinascita perché dal legno della croce rinasce la vita e una nuova speranza.

Proseguendo nella visita tra i tanti capolavori, osserva l’atmosfera di intrigo, cupa ed opprimente che si respira nel quadro di Tiziano con Paolo III e i nipoti Alessandro e Ottavio Farnese. Il vecchio papa, pur ingobbito dal peso degli anni, ha un espressione viva ed astuta, quasi diffidasse del nipote Ottavio alla sua destra che lo saluta con un inchino che suona un po’ falso.

L’altro nipote, il cardinale Alessandro Farnese non sembra partecipare al dialogo tra i due ma guarda con aria decisa verso l’osservatore, conscio del suo ruolo e del suo rango.

Con Peter Bruegel il vecchio si cambia completamente stile e registro. Al museo di Capodimonte ci sono due opere dell’artista fiammingo, tra le due spicca la “Parabola dei ciechi”.

Il soggetto del quadro si riferisce alla parabola raccontata da Gesù nei Vangeli in cui si dice che se “un cieco guida un altro cieco entrambi cadranno in un fosso”.

Bruegel raffigura con molto realismo, ma con un certo accento caricaturale, le figure dei ciechi in fila indiana, disposti lungo una diagonale discendente che denota instabilità e mostra tutte le fasi della caduta, dal primo che è già con le gambe all’aria, al secondo che sta ruzzolando trascinandosi dietro tutti gli altri.

L’ultima opera che segnalo, tra le più importanti della galleria, è la “Flagellazione di Cristo” di Caravaggio. La scena come al solito è occupata principalmente dagli uomini che emergono dal buio grazie alla luce radente, mentre non sono visibili elementi di sfondo ad eccezione della colonna dove Gesù viene legato che è comunque appena accennata.

Il corpo di Cristo è illuminato in pieno dalla luce che scolpisce e ne evidenzia i muscoli, mentre l’uomo a destra è intento a legarlo con forza, nota il segno che lasciano le corde che stringono sulle braccia.

L’aguzzino di sinistra ha un espressione crudele e rabbiosa e mentre si prepara a colpire Cristo con le sferze, lo tira malamente per i capelli per fargli alzare la testa.

Il terzo sgherro infine è inginocchiato a terra e prepara il suo strumento di tortura legando con una corda il fascio di ramoscelli flessibili per la flagellazione.

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La XIV Settimana della Cultura a Genova offre diverse possibilità per visitare luoghi interessanti. Tra questi ho scelto tre musei meno noti del capoluogo ligure: la Galleria di Palazzo Reale, la Galleria di Palazzo Spinola e il museo d’arte contemporanea di Villa Croce.

Il primo è un palazzo-museo, uno dei più belli di Genova tra le dimore aristocratiche, che venne edificato nel 1643 dalla famiglia Balbi. Il nome Palazzo Reale, che può sembrare strano, si deve al fatto che Genova nell’800 apparteneva al Regno di Sardegna e quella era la residenza genovese dei Savoia.

Oltre alla visita degli appartamenti e del giardino, nel palazzo è custodita di una significativa collezione di quadri con artisti di rilievo quali Van Dyck, Guercino, Luca Giordano, Valerio Castello. Particolarmente belli sono a mio avviso anche i soffitti affrescati e le decorazioni a stucco.

Palazzo Spinola invece fu costruito alla fine del XVI° secolo per volontà di Francesco Grimaldi. Anche in questo caso la visita è resa ancora più interessante dal fatto che non si tratta di un museo “asettico” dove le opere di varia provenienza sono state collocate, ma di un appartamento nobiliare con arredamenti, decorazioni e una serie importante di dipinti inseriti nel contesto storico dell’epoca. Gli ultimi piani invece hanno subito dei rifacimenti a causa dei danni provocati dalla Seconda Guerra Mondiale.

Le opere esposte sono in buona parte eseguite da artisti genovesi o che a Genova hanno vissuto come Van Dyck, Bernardo Strozzi, Rubens, Gregorio De Ferrari, Domenico Fiasella, Luca Cambiaso, ma si trovano anche artisti di altra provenienza a partire da Pietro Da Cortona, Antonello da Messina, Francesco Cairo, Guido Reni, Luca Giordano.

Per gli amanti infine dell’arte contemporanea l’alternativa è rappresentata dal museo di Villa Croce dove sono conservate parecchie opere, perlopiù astratte, di artisti italiani e stranieri del periodo compreso tra gli anni ‘30 e la fine del ‘900.

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La Settimana della Cultura 2012 a Venezia è un’ottima occasione per visitare le Gallerie dell’Accademia, uno dei templi della pittura veneta e non solo.

Di sicuro se vuoi approfondire la conoscenza della pittura veneta dal quattrocento al settecento, qui si trovano alcuni dei massimi capolavori seguendo la linea che va da Vittore Carpaccio a Giovanni Bellini, passando per Giorgione e Tiziano, l’anomalo Lorenzo Lotto, Tintoretto e Veronese, per concludere col Tiepolo, Canaletto e Guardi; ai quali poi si aggiungono ovviamente molti altri nomi meno noti, ma pur sempre interessanti.

La presenza dell’enigmatica “Tempesta” di Giorgione a mio avviso vale da sola la visita: un paesaggio di campagna con una città di sfondo, l’atmosfera è sospesa pochi attimi prima che scoppi il temporale, come testimonia il fulmine in lontananza. In primo piano ci sono due personaggi un uomo ed una donna che allatta; le ipotesi sul soggetto si sprecano e nessuna riesce a prevalere (come accade per un altro famoso dipinto di Giorgione, i “Tre filosofi”).

Inevitabilmente non riusciamo a conoscere appieno il senso di questo magnifico dipinto, ma non può non colpirci profondamente il fatto che sia uno dei primi quadri dove il paesaggio diventa protagonista forse anche più degli uomini, che non hanno più un ruolo dominante, ma sono parte di un insieme: nel quale sembra di esserci e di sentire sulla pelle e nelle narici il fresco del temporale che si avvicina.

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La Pietà è l’ultima opera dipinta da Tiziano, una sorta di epitaffio, non a caso la tela avrebbe dovuto essere posta sulla tomba dell’artista. Il soggetto è particolarmente drammatico, sia per il gesto teatrale della Maddalena che solleva il braccio, sia per il colore spento e sfrangiato che caratterizza l’ultimo periodo dell’artista.

Tiziano si è autoritratto nella figura di Nicodemo inginocchiato ai piedi della Madonna e del Cristo morto e l’opera diventa nelle sue intenzioni una preghiera di invocazione contro la peste che infuriava in quel periodo a Venezia (il riferimento alla città è dato dalle due sculture con le teste di leone).

Altro dettaglio degno di nota è la tavoletta votiva, che raffigura Tiziano e il figlio Orazio in preghiera, deposta a terra all’estrema destra in basso nel quadro.

Purtroppo nonostante le preghiere il morbo ebbe la meglio e sia Tiziano sia il figlio morirono durante l’epidemia e l’opera venne poi completata da Palma il Giovane.

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Sosta obbligata per ammirare l’enorme quadro del Veronese della “Cena in casa di Levi” dominato da una splendida loggia con tre arcate che incorniciano il banchetto. Cristo è nel centro perfetto del quadro, ma la sua figura si mescola con una selva di personaggi che risaltano grazie agli accostamenti di colori squillanti.

Nel quadro ci sono moltissimi personaggi anomali poco pertinenti con il racconto del Vangelo: soldati, buffoni, nani, animali esotici e questo all’epoca creò qualche problema al Veronese che fu convocato dal tribunale dell’Inquisizione per spiegare il motivo di queste “intrusioni”.

In questo periodo non sarà invece visibile il bellissimo “Miracolo dello schiavo” del Tintoretto perché in prestito alle Gallerie del Quirinale a Roma per la mostra dedicata a questo artista.

Con un po’ di fortuna infine potrebbe essere possibile vedere anche il disegno dell’Uomo Vitruviano di Leonardo che viene esposto occasionalmente.

Nel disegno Leonardo mostra la perfezione delle proporzioni del corpo umano che può essere inscritto sia in un quadrato che in un cerchio; in sostanza è la traduzione “grafica” di un passo del trattato di architettura dello scrittore latino Vitruvio, da qui il nome di Uomo Vitruviano del foglio di Leonardo.

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