La donna della domenica

di Luigi Comencini (Italia, 1975)
con Jacqueline Bisset, Marcello Mastroianni,
Jean-Louis Trintignant, Pino Caruso, Claudio Gora,
Massimo Giuliani, Antonino Faà Di Bruno, Aldo Reggiani,
Gigi Ballista, Tina Lattanzi, Omero Antonutti,
Gil Cagné, Ennio Antonelli, Lina Volonghi, Giuseppe Anatrelli

Non ricordavo di aver già visto questo film, per cui l’ho rivisto.
Un giallo molto gradevole, ambientato a Torino, uscito dalla penna del famoso duo Fruttero & Lucentini.
È sempre un piacere vedere Mastroianni nei panni di un commissario.
Se volete sapere tutto quello che penso della pellicola, leggete pure quello che scrissi più di tre anni fa qui sul blog, nella relativa scheda. A grandi linee penso ancora la stessa cosa, solo che questa seconda visione mi ha divertito più della prima.

La scheda di Wikipedia Italia.

Lo scopone scientifico

di Luigi Comencini (Italia, 1972)
con Alberto Sordi, Silvana Mangano, Bette Davis,
Mario Carotenuto, Joseph Cotten, Domenico Modugno,
Luciana Lehar, Franca Scagnetti, Guido Cerniglia,
Dalila Di Lazzaro, Piero Morgia, Ennio Antonelli

Straordinario film scritto e sceneggiato da Rodolfo Sonego e diretto da Luigi Comencini. Una commedia amarissima che mescola miseria, speranze, dignità, piccineria, credulità popolare, fedeltà, senso del dovere e senso di responsabilità.
Peppino (Sordi) e Antonia (Mangano), due poveracci che vivono in una baracca nella periferia di Roma, giocano una lunga partita a scopone scientifico con una vecchia signora americana (Davis) che ha il vizio del gioco di carte e che ogni anno in primavera torna in città per trascorrere un breve periodo di villeggiatura nella sua sontuosa magione.
Lui è una specie di straccivendolo ambulante, lei fa le pulizie, entrambi sperano di giocare presto o tardi la partita della vita, cioè quella mano grazie alla quale riuscire a sottrarre una montagna di denaro all’anziana signora e cambiare tenore di vita, comprare una casa, emergere dalla miseria in cui si trovano e dare qualche possibilità ai loro tre figli. La loro prole infatti, sebbene molto giovane, già si dà da fare per sostenere l’economia del nucleo familiare facendo lavoretti da miserabili.
Dietro le speranze di Antonia e Peppino ci sono appunto anche quelle dei loro figli e di tutta la gente che vive nelle loro stessa borgata. L’obiettivo comune è sconfiggere il ricco ed emergere dalla povertà. La ricchezza impersonata dalla vecchia, peraltro, è una condizione finto caritatevole; infatti seppur per ogni partita la “buona signora” presti un milione di Lire ai due poveri giocatori avversari, si infuria all’idea di perdere un solo centesimo del suo infinito patrimonio; quando questo accade la sua rabbia arriva ad un livello tale da mettere a grave rischio la sua già precaria condizione di salute.
Domenico Modugno ha il ruolo di Richetto, uno scapolone benestante, ex borgataro, che ha fatto un po’ di fortuna giocando proprio a scopone. Anch’egli ambisce a sfidare la vecchia signora per intascare qualche milione e poter fuggire via con Antonia, sua ex fiamma.
A Joseph Cotten il personaggio del maggiordomo/autista della vecchia, che poi si rivelerà anche amante storico, nonché sottomesso compagno di una vita.
Mario Carotenuto interpreta un personaggio ambiguo, una specie di finto letterato, uno scroccone che si fa passare per intellettualoide di sinistra.
Ennio Antonelli – il “Manzotin” del film “Febbre da Cavallo” – qui interpreta un impresario di pompe funebri, parente di Antonia e Peppino.
La cameriera della vecchia signora invece è Franca Scagnetti, altra grande caratterista della commedia all’italiana.

La scheda di Cinematografo.it e quella di MyMovies.it.

The Iron Lady

di Phyllida Lloyd (Gran Bretagna, 2012)
con Meryl Streep, Jim Broadbent, Olivia Colman,
Roger Allam, Harry Lloyd, Alexandra Roach, Nicholas Farrell

Phyllida Lloyd, la regista della versione cinematografica di “Mamma mia!” racconta la terza età di Margareth Thatcher.
Sullo schermo si muove una vecchina poco presente a se stessa, che ha perso il senso della realtà, continuando a vivere in un mondo tutto suo in cui suo marito, il compagno di una vita, è ancora vivo. I suoi giorni trascorrono alquanto tristi ma pieni di ricordi. L’ex Lady di ferro, ormai chiusa in casa tutto il tempo, non riesce a far altro che rimembrare i bei tempi che furono, quei giorni in cui governava con piglio deciso un intero paese, un ex impero, una delle più grandi potenze del Mondo: il Regno Unito.

Ma, oltre alla eccellente recitazione della Streep (ottima scelta di cast) e al suo trucco, c’è qualche altro elemento positivo in questa pellicola? So che ha molti non è piaciuto. Alcuni hanno criticato una mancanza di ritmo, l’assenza di un’idea valida intorno alla quale far ruotare la pellicola. A me invece è piaciuto abbastanza. Ricordiamo sempre che siamo di fronte a un biopic, a un film biografico. Certo non si tratta di un capolavoro che rimmarrà negli annali del cinema internazionale ma forse può aiutare a rinfrescare alcuni eventi storici a chi come me, e altri della mia generazione, non ha un ricordo preciso, avendo vissuto quell’epoca da bambino.
Il racconto si alterna tra passato e presente, la regista usa spesso flashback per raccontare la gioventù della protagonista, l’inizio della storia d’amore con suo marito, gli anni in cui ha guidato il Paese, ma non si perde mai il filo del discorso; chi guarda non si trova spaesato, né ha difficolta a capire in quale epoca avvengono i fatti narrati. E questo è un indubbio merito.
Altro merito riguarda la versione alquanto equilibrata che ci viene data delle vicende. Intendo: il punto vista della Llyod e di Abi Morgan – che l’ha sceneggiato – sulla figura della Thatcher non è sbilanciato da una parte o dall’altra. Non è a favore né contro la protagonista. Dal quadro tracciato emerge una donna piena di forza – d’acciaio appunto – decisa, combattiva, tenace ma anche testarda e carrierista; una leader nata, tutta dedita al suo impegno politico, tanto devota al partito prima, e al Paese poi, da mettere persino in secondo piano gli affetti – famiglia e marito in primis. Il film inoltre riporta in vita anche materiale di repertorio non del tutto a favore della protagonista, ossia immagini alquanto vivide che narrano un punto di vista diverso, che ci mostrano come all’epoca del suo mandato i cittadini inglesi reagirono malissimo, con tanta rabbia e violenza, alla politica di questo Primo Ministro irreprensibile.
In altre parole quello che ne vien fuori non è proprio un ritratto immacolato dell’eroina vincente. Per la Thatcher non ci sono solo luci ma anche ombre e spettri, che calano sulla sua figura di tanto in tanto, ricordando allo spettatore la sofferenza di un popolo sottomesso alle decisioni indiscutibili del suo leader.
Della Streep ho già detto. Credo che forse nessun’altra attrice avrebbe potuto interpretare meglio questa donna.
Jim Broadbent dà il volto a un Denis Thatcher allegro e pragmatico, quel marito sincero, affettuoso e fedele che sostiene in tutto e per tutto la sua compagna di vita persino oltre la sua morte. Davvero un ottimo comprimario, in alcuni momenti quasi ruba la scena alla protagonista.
Olivia Colman – nei panni la figlia della protagonista – non mi ha convinto più di tanto.
Roger Allam appare in qualche scena nel ruolo di uno spin doctor, o meglio di uno degli esperti di comunicazione chiamati a costruire la nuova immagine della Thatcher quando si candida a leader del Partito Conservatore Inglese.
Ottimo lavoro sulla scelta degli abiti della protagonista. Mi sono sembrati alquanto fedeli allo stile dell’epoca e della signora Thatcher in particolare.

Qui potete vedere la locandina ufficiale inglese.

La scheda di IMDb.com, quella di Cinematografo.it e quella di MyMovies.it.

L’ultimo disco dei Mohicani
di Maurizio Blatto
Castelvecchi, 2010
Pagg. 228 – 15 Euro

Un tentativo non riuscito di produrre una specie di versione italiana di “High Fidelity (Alta Fedeltà)” di Nick Hornby.
Il testo è vagamente autobiografico. Più che raccontare di sé, infatti, Blatto tratteggia i profili dei vari personaggi (altamente inverosimili) che hanno affollato “Backdoor”, ossia il negozio di dischi che ha gestito a Torino per anni. Insomma, nonostante sia basato su qualcosa di vero, “L’ultimo disco dei Mohicani” non trasmette al lettore una forte sensazione di realtà. Tutt’altro. L’autore esagera, romanza troppo gli assurdi comportamenti degli avventori, atteggiamenti al limite della nevrosi, della mania e della psicopatia. E questo al sottoscritto non è piaciuto affatto. Aggiungerei inoltre che questo stile di scrittura, associato al tono volutamente parossistico, probabilmente ha intenzione di suscitare qualche sorriso nel lettore ma vi posso assicurare che ciò non accade.
Lettura consigliata? No, non direi. Seppur nutro moltissima stima nei confronti dei titolari di negozi di dischi, direi che questo libro è tranquillamente evitabile.
Un pubblico grazie comunque va a chi mi ha deciso di regalarmelo per il Natale del 2010.

La scheda di IBS.it e quella di BOL.it.

Siccome domenica scorsa non ho mandato in onda la classica puntata di SmeercHouse (e credo di non farcela nemmeno domani mattina), ieri sera ho deciso di fare un mix o meglio di registrare un dj set dal vivo e contemporaneamente di mandarlo in streaming su Ustream. Si chiama “H90s – Illicit YouTube Traxx”. Lo potete vedere qui sopra.
Come brani ho selezionato solo pezzi House degli anni ’90 – musica che mi è sempre piaciuta – rigorosamente scaricati da YouTube come flv e ri-codificati in mp3. Un po’ illegale e irriverente come pratica, a dire il vero. Ma il messaggio (qualora ce ne fosse davvero uno) sarebbe: della qualità chi se ne frega?
Remix the World!

La tracklist:
1. Blaze + Liam J. Nabb + Simone Fabbroni – “Talking About The Power”
2. Roger S. – “Get Hi (Original Mix)”
3. Fused – “Uncle Sam (Disco Sensation Mix)”
4. Armand Van Helden – “The Funk Phenomena”
5. Armand Van Helden – “Ultrafunkula”
6. Pasta Boys – “On & On (From the “The Tortellini E.P.”)”
7. The Bucketheads – “The Bomb (These Sounds Fall Into My Mind)”
8. Big Moses feat. Kenny Bobien – “Brighter Days”
9. Heller & Farley – “Ultra Flava (from “From the DAT E.P.”)”
10. Lil Mo’ Yin Yang – “Reach”
11. Todd Terry – “Jumpin’ (Original Mix)”
12. The Boss – “Congo”
13. Nuyorican Soul feat. India – “Runaway (Mongoloids in Space Remix)”

Millennium – Uomini che odiano le donne
(The Girl with the Dragon Tattoo)

di David Fincher (USA, 2011)
con Rooney Mara, Daniel Craig, Robin Wright, Steven Berkoff,
Christopher Plummer, Stellan Skarsgård, Joely Richardson,
Yorick van Wageningen, Geraldine James, Goran Visnjic,
Donald Sumpter, Tony Way, Ulf Friberg, Per Myrberg

Uno dei migliori thriller degli ultimi anni. Da vedere assolutamente. Qui il trailer italiano.
Non importa che abbiate letto o meno il romanzo omonimo di Stieg Larsson da cui è tratto o che abbiate visto o meno la precedente trilogia cinematografica svedese.
David Fincher ha fatto un ottimo lavoro, anche se mi pare di capire, appunto, che la base da cui partiva (la storia originale e lo script) fosse già ottima. Millenium è un film affascinante sin dai titoli di testa, che sembrano un videoclip di ottima fattura.
Grande è la sapienza nel costruire i personaggi, pian piano, gradualmente; su di loro scopriamo molte cose eppure chi racconta non svela tutto e subito.
La pellicola è molto lunga (160 minuti circa) ma non annoia affatto, tanto sono avvincenti le vicende (scusate il bisticcio di parole).
Della trama non svelo molto. Sappiate che il protagonista maschile (Mikael Blomkvist) è un giornalista svedese che, dopo essere stato condannato per diffamazione a mezzo stampa, accetta l’incarico di svelare il mistero dietro la scomparsa di una giovane donna, avvenuta circa 40 anni prima nel gelido nord del Paese. Il committente è Henrik Vanger: un vecchio signore molto ricco, il patriarca di una potente famiglia svedese, ex magnate dell’industria nazionale, nonché zio della ragazza scomparsa. Per convincerlo ad accettare il caso, l’anzianissimo Vanger offre a Blomkvist tanto denaro, un posto in cui fuggire dai riflettori dopo la sconfitta professionale e la testa del tizio che ha l’fatto condannare (il potente presidente di una grande società).
La protagonista femminile invece è Lisbeth Salander: una giovane smunta e tatuatissima – una specie di eroina punk decadente – che di mestiere fa l’hacker e che proprio sul giornalista in questione ha compiuto le sue ultime approfonditissime ricerche. Non c’è neanche bisogno di dirlo: questa tipetta è una sociopatica che ce l’ha a morte con gli uomini. Ciò nonostante però, accetterà di aiutare Mikael nella sua indagine. Stop. Andate a vedere il film e godetevelo.
Aggiungo solo che Craig ha la solita faccia da capomastro teutonico. Perfetto dunque per un ruolo da macho scandinavo. Sarà stato scelto per questo? Comunque nei panni di un giornalista io avrei qualche ceffo meno rude e più intellettualoide, insomma alla cui vista non ti venga in mente un tondino o una sparachiodi. Rooney Mara nei panni di Lisbeth è favolosa. Grande scelta di cast. Tra l’altro è anche bellina ma lo si scopre solo in coda, quando abbandona per un attimo il look da tetra sopravvissuta.
Al gigante Christopher Plummer l’onore di interpretare il grande vecchio patriarca. “Gigante” nel senso di mostro di recitazione.
Joely Richardson l’ho trovata enigmatica e distaccata, bella sì ma non particolarmente affascinante.
Robin Wright bah. Come sempre.
Steven Berkoff veste i panni del consigliere di Henrik Vanger.
Il croato Goran Visnjic è un volto che inizia a sbucarmi spesso davanti. Recentemente l’ho visto recitare anche nella serie tv “Pan Am”. Qui dà il volto al titolare dell’agenzia investigativa che ingaggia la protagonista per le ricerche approfondite nei meandri delle vite digitali delle persone.
Mi hanno detto che il film è stato sul serio girato in Svezia, ossia all’incirca lì dove è ambientato. Io ci credo, dal momento che ho visto dei paesaggi davvero affascinanti; mi riferisco sia ai boschi e ai paesaggi innevati dell’isola di Hedestad, che agli scorci delle città ipermoderne (Londra e Stoccolma).
Brano musicale più buffo della pellicola: “Orinoco Flow” di Enya. Ma non vi dico in che momento viene suonato.
Voto globale alla pellicola: 8. Non perdetelo.

La scheda di IMDb.com, quella di Cinematografo.it e quella di MyMovies.it.

Un ringraziamento particolare a Fusion Digital che mi ha invitato al TweetUp con anteprima.
Il film arriverà nelle sale italiane solo domani, venerdì 3 febbraio 2012.

In questi giorni il network Radio Deejay compie 30 anni. Ecco, se non ci fosse stata questa radio, probabilmente verso la metà degli anni ’90 io non mi sarei mai interessato alla musica dance – come invece è accaduto – e mai sarebbe nata la mia passione per il deejaying.
Niente di sensazionale, solo una personalissima annotazione. Magari non interessa a nessuno ma ci tenevo a dire anche la mia in questa occasione così speciale.

ACAB – All Cops Are Bastards

di Stefano Sollima (Italia, Francia, 2012)
con Pierfrancesco Favino, Marco Giallini,
Filippo Nigro, Domenico Diele, Andrea Sartoretti, Roberta Spagnuolo

Qui il trailer

Ok. Andiamo per ordine. Concetti semplici. Mi è piaciuto? No. Perché? L’ho trovato fascistoide e senza una storia forte. Mi verrebbe quasi da dire che la trama non c’è, per quanto è deboluccia e prevedibile.
Il film è stilisticamente valido? Sì. Ha ritmo, certo (anche se nella prima metà non succede quasi nulla) ma non basta. Sollima è bravo e fuori discussione. Peraltro, dirigendo la serie tv “Romanzo Criminale”, l’ha già ampiamente dimostrato e qui non fa altro che confermarlo. Dal punto di vista tecnico e narrativo le cose funzionano. Il problema è che c’è poco da raccontare. Che le forze dell’ordine siano inclini al cameratismo, al nonnismo, al razzismo, all’ideologia reazionaria – persino alla violenza – è cosa nota. Niente di nuovo sotto il sole, dunque. Certo il cinema e la tv italiana non la raccontano così spesso questa realtà, per cui va dato atto a questa produzione di aver toccato un tema importante e difficile da trattare, cioè di averci provato. Ma della riuscita dell’operazione, ecco, non sarei così entusiasta.
Un amico che ha visto con me il film ha giustamente fatto notare come questo possa essere quasi considerato un documentario più che altro. Sollima cioè si limita fotografare una situazione, delinea delle figure ma non le fa evolvere, non sviluppa un racconto su queste vite. I profili di questi poliziotti della sezione celere di Roma sono solo accennati ma non approfonditi. Cinque storie iniziano a correre parallele ma si arrestano subito e in maniera strana, si incrociano poco, non raccontano un percorso, non analizzano nulla.
Ma torniamo all’approccio fascistoide. Io non credo che chi racconti debba necessariamente sposare quello l’idea o l’ideologia che racconta. Anzi, sarebbe gravissimo se così fosse. Però ho notato un certo compiacimento nel tracciare questi profili di uomini violenti, nel constatare come siano quasi vittime del sistema, costretti a usare violenza perché stretti tra due fuochi: la violenza di strada e degli ultras, da una parte, e lo stato assente e colpevolmente incapace di dare risposte, dall’altra.
Oggi ho letto un dibattito in rete a proposito di questo film e mi sono trovato d’accordo con chi ci intravede un “cinema fascista italiano di qualità”.
Non credo invece che la pellicola sia equilibrata, non credo che contenga allo stesso tempo batteri e anticorpi dell’ideologia destrorsa. Anzi. Mi appare completamente sbilanciato dalla parte della violenza necessaria, dell’approccio reazionario come sola via. In questo concerto l’unica nota stonata – se così possiamo chiamarla – l’unica voce contraria è quella dell’ultimo arrivato del gruppo, del giovane Adriano Costantini (bene interpretato da Domenico Diele), il cui ravvedimento – peraltro tardivo – rappresenta il seme della sanità, la speranza delle nuove generazioni; insomma è un po’ come se chi racconta volesse dirci che non tutto è perduto, che il corpo della Polizia (e le forze dell’ordine più in generale) non è completamente marcio, che ancora qualcosa di buono da salvare ci sia e su questo qualcosa vada risposta fiducia. Mah. Permettetemi di essere scettico. A me questa soluzione pare una specie di contentino, una piccola e semplice (semplicistica) soluzione, messa lì per far sì che le inevitabili polemiche sulla pellicola si riducano almeno un po’.
Sia come sia, agli attori va riconosciuta comunque grande professionalità.
In particolare a Marco Giallini (che io stimo da anni) che qui troviamo nel ruolo del poliziotto più anziano, quello severo ma un filo più riflessivo – soprattuto a seguito del suo accoltellamento. La sua è una faccia che dice molto: sa assumere un’espressione severa e riflessiva. In una parola: intenso.
Eccezionale performance anche per Favino che intepreta il celerino estremamente violento e iperfascista, che si trova sotto inchiesta per diversi casi in cui si è lasciato prendere la mano durante il servizio d’ordine allo stadio.
Andrea Sartoretti è straordinario. Lo ricordate come “Bufalo” nella serie “Romanzo Criminale”? Per interpretare Carletto (un ex poliziotto cacciato dal corpo a causa di insubordinazione) è dimagrito molto e ha tagliato i capelli, per cui inizialmente è quasi irriconoscibile, ma la sua cifra stilistica è ormai nota. Recita sapientemente, il suo è un personaggio difficilissimo: una scheggia impazzita ai limiti dell’anarchia selvaggia, un violento disilluso dai principi di ordine e autorità. Bravissimo.
Filippo Nigro non mi è mai piaciuto. Ma qui – va detto – se la cava abbastanza bene. Interessante la scena in cui va a protestare in solitaria davanti all’ingresso del Parlamento perché un giudice gli impedisce di trascorrere del tempo con sua figlia.
Tornando sul messaggio veicolato dal film, vorrei anche segnalare che tutti gli stranieri presenti sono portatori di valori non propriamente positivi: ci sono degli slavi che minacciano la gente pur di ottenere l’elemosina, un’istruttrice di danza ex prostituta, ecc. I politici invece sono rappresentati solo come opportunisti. Lo Stato è assente e vigliacco. Di contro gli uomini che scendono in strada a mantenere l’ordine costituito sono fratelli – si supportano a vicenda, soffrono tanto ma resistono perché sono forti. La loro forza scaturisce dalla coesione. Ditemi voi adesso se non è epica fascista questa. Li vediamo approfittarsi della loro posizione, della divisa, del distintivo, ma il ritratto che si fa di loro è quello di vittime costrette a comportarsi in quel modo, di uomini probi che, pur se abbandonati dalle istituzioni, sopportano con coraggio e abnegazione le ingiustizie del mondo che li circonda.
Altra riflessione: i ragazzini che vedranno il film si identificheranno con i celerini vendicativi e violenti? Certo. Io ci scommetterei. D’altronde la chiave è già tutta nel titolo: ACAB, l’acronimo inglese per “All Cops Are Bastards”, ossia “tutti i poliziotti sono bastardi”. Un gioco infido tutto basato sulla doppia valenza dell’aggettivo. In Italiano con “bastardo” ormai si indica qualcuno che ha fatto qualcosa di male, una persona malvagia, cattiva, feroce. Il significato di “mancanza di genitori” è ormai quasi scomparso del tutto. Ma attenzione: la parola ha anche una certa connotazione pseudo-positiva quando indica ammirazione più o meno latente nei confronti di un essere spietato ma vincente. Non dimentichiamolo.
Un personaggio secondario, anzi una comparsa che interpreta un ragazzo di strada ha tatutato quest’acronimo sul collo. Per dire.

Nota: questo film è basato sull’omonimo romanzo di Carlo Bonini.

La scheda di Cinematografo.it e quella di MyMovies.it.

Shame

di Steve McQueen (USA, 2011)
con Michael Fassbender, Carey Mulligan,
Lucy Walters, James Badge Dale, Elizabeth Masucci
Nicole Beharie, Hannah Ware, Alex Manette, Loren Omer

Acclamato dalla critica come film dell’anno, Shame è qualcosa di intensamente angosciante. Una pellicola cruda e quasi fredda in alcuni passaggi, calda, vibrante e passionale in altri. Materiale di certo creato non per gli occhi di moralisti, puritani. Dunque se vi scandalizzate con facilità, statene alla larga.
Qui trovate il trailer ufficiale italiano.
Brandon Sullivan è un erotomane, una specie di malato di sesso, un uomo che ha bisogno di godere fisicamente quasi senza sosta. Un soggetto affamato di forti emozioni che necessità di scendere fino agli inferi, di perdersi completamente nella ricerca di se stesso.
Solo per scelta, cerca di fuggire dalla famiglia e da qualsiasi tipo di legame affettivo ma non può; sua sorella – la giovane Sissy (interpretata da Carrey Mulligan) – infatti lo raggiunge e si piazza in casa sua, mettendolo con le spalle al muro. La biondina, che di mestiere fa la cantante jazz nei night club, ha bisogno di affetto, di calore, di essere supportata da suo fratello, ma questi non riesce a far altro che respingerla. Grattando via la spessa patina di odio di Brandon, si trova disperazione e vergogna, drammatici shock le cui conseguenze sono state soffocate e represse. Tra lui e sua sorella si intuisce anche una certa tensione sessuale, sebbene non si capisca bene se tra i due s’è mai consumato un rapporto carnale. Di certo entrambi hanno avuto un’infanzia difficile – altro elemento intuibile – vengono cioè da esperienze traumatiche che hanno lasciato segni indelebili nella loro psiche. Entrambi cercano di sfogare nel sesso il loro dramma esistenziale, anche se ognuno in modo diverso. Questa forse, oltre il legame di sangue, è l’unica cosa che li accomuna.
SPOILER
Plot circolare: il film termina così come è inziato. Brandon non riesce a sfuggire alla sua natura di predatore sessuale, anche dopo un altro forte trauma: l’ennesimo tentativo di suicidio di sua sorella.
Fassbender è l’attore più quotato al momento. Amatissimo dalle donne per il suo fascino misterioso e magnetico, in questa pellicola si concede anche diverse scene di nudo frontale, oltre che di sesso. Ha un fisico statuario, dunque non sfigura. Per gran parte del tempo recita senza parlare, con la sola modulazione del corpo – cosa che gli riesce estremamente bene. Trattasi di “figo da paura”, ammettiamolo. Oltre essere un bell’uomo, è anche straordinariamente dotato in quanto a recitazione. Si veda ad esempio il lungo piano sequenza in cui cerca di fare l’amore (senza riuscirvi) con l’unica donna per cui prova sentimenti sinceri. Capolavoro.
Carey Mulligan non mi fa impazzire. L’avevo già vista in “Drive” nei panni di “mammina fragile”. Però devo essere sincero: qui è in parte. Il ruolo dell’anima in pena in cerca di conforto è suo. “Ci sta dentro” direbbe uno giovane.
James Badge Dale ha la faccia del cazzone. In alcun frangenti risulta davvero fastidioso. Lo ricordate in “Rubicon”? Era il protagonista di questa serie tv. Dunque indicato per questa parte del capufficio sfigato che ci prova con ogni donna che gli passa davanti.
Nicole Beharie è una delle attrici più carine di questa pellicola. Molto valida nel ruolo della ragazza che fa breccia nel cuore del protagonista, anche se solo per un paio di giorni.
Fotografia e scelta delle location sono da premio Oscar. Incredibilmente azzeccate. Grande ritratto della New York nottura, metropoli della perdizione. Le scene negli ambienti chiusi, invece, raccontano di un upper class quadrata e iperfighetta. Impeccabile.
Alla colonna sonora concedo cinque stelle su cinque. L’ho trovata eccezionale e azzeccatissima. Pianoforte triste a go-go nelle scene più intense, quelle che raccontano l’inquietudine del protagonista, e musica black funky-disco tutta da ballare per le scene nei club. Ho riconosciuto: “Genius of Love” dei Tom Tom Club, “Rapture” di Blondie e “I Want Your Love” degli Chic.
Nota per audiofili: nel suo appartamento dall’arredamento ipercontemporaneo il protagonista tiene una discreta collezione di vinili e un giradischi Technics 1200.
Voto alla pellicola: 7. Non male davvero ma forse le recensioni dei critici creano troppa aspettativa.
Notevole la locandina americana.

La scheda di IMDb.com, quella di Cinematografo.it e quella di MyMovies.it.

Interview

di Steve Buscemi (USA, 2007)
con Steve Buscemi, Sienna Miller

Pellicola che potrebbe benissimo essere una pièce teatrale. Racconto a due sole voci. Qui due volti bastano per realizzare un capolavoro di film. Due protagonisti, un’intervista da realizzare.
Guarda qui il trailer.
Lui – Pierre Peders – è un giornalista di politica interna sulla cinquantina, un ex reporter di guerra molto pieno di sé che adesso fa l’opinionista e il cronista da Washington. Cinico, disilluso, maleducato e parecchio stronzo. Si capisce subito che non ha alcuna voglia di intervistare un’attricetta.
Lei – Katya – è un’attrice sulla cresta dell’onda. Giovane, biondissima, bellissima. Anche lei un po’ stronza. Un volto strordinario su un corpo mozzafiato. Gira quasi solo film di serie B o horror inutili. I fan e gli spettatori in generale di lei ricordano soprattutto il seno florido. Tutti credono che sia stupida e che non sappia recitare ma che abbia raggiunto la vetta dello star system solo perché sia andata a letto con la gente giusta. L’intervista però sarà l’occasione per dimostrare il contrario.
Il lunghissimo dialogo tra i due in realtà è un duello, una sfida. Anzi una guerra formata da una fitta sequenza di battaglie combattute a colpi di menzogne, seduzione e scaltrezza. La vittoria sarà affidata al miglior attore, nel senso più ampio del termine.
Katya e Pierre son come due boxeur che si incontrano su di un ring, due lottatori infaticabili, due primedonne che cercano di primeggiare l’una sull’altra, due faine laide che fanno di tutto per mettere in difficoltà la loro preda prima di azzannarla. Il loro solo e unico obiettivo è portare a casa il risultato e per ottenerlo non lesinano colpi bassi, cattiverie, bugie.
I colpi sferrati dai due combattenti sono spesso angherie di tipo psicologico che, accatastandosi l’una sull’altra, finiscono per montare pian piano una guerra di nervi, da cui uscirà vittorioso il meno credulone dei due.
Quasi tutta la pellicola si svolge in ambienti chiusi: un lussuoso ristorante di New York e l’affascinante loft in cui abita Katya – a parte un paio di brevi scene girate per strada, nei pressi di un marciapiede.
Guarda qui una foto di scena.
In “Interview” la recitazione dei due attori protagonisti è stata fondamentale: se fosse stata pessima (ma non lo è stata affatto), il film probabilmente non avrebbe avuto alcun valore – nonostante, va detto, sia scritto ottimanente. La chiave di tutto sono i dialoghi, i botta e risposta tra Katya e Pierre, dunque grande plauso a chi li ha creati.
Sia Buscemi che la Miller qui sono ai loro massimi livelli recitativi: eccellenti interpreti. Tra protagonista femminile e attrice che la interpreta, inoltre, ho intravisto un certo parallelismo. La rivincita di Katya, cioè, è un po’ anche quella di Sienna Miller; dopo questa pellicola – voglio dire – nessuno potrà permettersi di affermare che non è una straordinaria attrice.
Voto globale: 8 e mezzo. Da vedere assolutamente.
Nota: uqesto “Interview” è il remake americano dell’omonimo film diretto da Theo van Gogh,

La scheda di IMDb.com, quella di Cinematografo.it e quella di MyMovies.it.