Sentado frente al Mundo

La raza que arruinó a Europa

noreply@blogger.com (Carlos) — Fri, 25 May 2012 08:05:00 +0000

La realeza y la etiqueta no siempre fueron de la mano como generalmente se cree. En la historia hubo reyes bárbaros y emperadores tan sabios o prudentes como cualquier burro; que más bien, se iban refinando o adoptando mejores modales, a medida que tenían que recibir, atender y negociar con emisarios de reinos rivales. Aún en la edad media y comienzos del renacimiento, los mismos reyes franceses odiaban las formas protocolarias. El gran cambio sobrevino bajo el reinado de Luis XIV, el Rey Sol.

Luis XIV amaba la vida de la corte, se complacía del esplendor de Versalles y se veía gigante, imponente, omniscente entre tanto espejo. Él sin duda era el Sol y había nacido para reinar (al menos eso le enseñaron desde niño), y todo el universo debía girar alrededor de su persona. Así, con esta mentalidad, fue que reorganizó y desarrolló la etiqueta real de acuerdo con sus propios gustos; etiqueta que empezaba muy temprano, desde que el monarca se dignaba en abrir los ojos. Pero seamos testigos de un día normal del Rey Sol. Asistamos al momento en que Luis XIV despertaba y empezaba su ardua faena:

Era deber del jefe de mozos personales separar las cortinas de la cama real por la mañana. Su Muy Cristiana Majestad se dignaba abrir un ojo, y luego el otro. Los mozos sólo permitían el paso a los dignatarios autorizados a presenciar la solemne ceremonia. Entraban los príncipes de sangre seguidos por el Chambelán Principal, el Gran Maestre del Guardarropa y cuatro chambelanes comunes de la corte. Del mismo modo que el sol era el centro del sistema solar, el Rey Sol lo era de su corte.

Luis XIV (1638 - 1715)

Después de una breve plegaria, el jefe de mozos derramaba sobre las manos reales unas pocas gotas de eau de vie perfumada, a manera de ablución, de "purificación espiritual". Ya purificado, el Primer Chambelán ofrecía primero las zapatillas reales, luego entregaba la bata real al Gran Maestre del Guardarropa, y ayudaba a Su Majestad a ponérsela. Con la bata puesta, el rey se sentaba en su sillón. El barbero de la corte le quitaba el gorro de dormir real (no es broma) y peinaba los cabellos del monarca, mientras el primer Chambelán sostenía un espejo.

Todos los rituales de Versalles tenían su significado e importancia. Acomodar las zapatillas en el pie real o ayudar a Su Majestad a ponerse la bata, representaban señalados favores que el resto de cortesanos envidiaban amargamente. Esta ceremonia matinal era conocida como "Le lever du roi" (el despertar del rey), y el estricto orden que se seguía fue establecido por el propio Luis XIV, y debía ser acatado sin el más leve desvío. Hasta el día en que el rey murió, el primer chambelán siempre le puso siempre las zapatillas, y el Gran Maestre del Guardarropa se ocupó de pasarle la bata. Proponer un cambio en el ceremonial era inconcebible y habría sido visto como traición al Rey Sol, como una revolución.

Cámara real y lecho de Luis XVI (nótese el pasamano dorado)

Bueno, Le lever era la primera parte, el aspecto íntimo de la mañana (o de cualquier hora al despertar). Seguía luego el segundo acto, más solemne aún: Los uniformados que hacían guardia en la entrada de la habitación abrían las amplias puertas para que entrara la corte. Duques y nobles, embajadores, mariscales de Francia, Ministros de la Corona y de la iglesia, los presidentes de los parlamentos y dignatarios de todo tipo y pelaje. Todos ocupaban lugares cuidadosamente establecidos de antemano, del lado exterior de la barrera dorada que dividía el dormitorio en dos partes, y contemplaban el espectáculo con silenciosa ansiedad. Era ni más ni menos que una obra teatral de gran gala, en la cual, el primer papel, siempre era el del rey.

El protocolo continuaba: El rey se quitaba la bata, ayudado por el Gran Maestre del Guardarropa por la derecha, y el jefe de lacayos a la izquierda. La bata era una prenda menos trascendente que la camisa de dormir. Mucho más complejo era el acto en el que el rey se despojaba de la pijama y se ponía la camisa de día. Un caballero de la cámara real se la entregaba al primer chambelán, quien a su vez, se la pasaba al Duque de Orleáns (hermano del rey). El rey recibía la camisa de manos del duque, se la ponía sobre los hombros, y con la ayuda de dos chambelanes se quitaba la camisa de noche y se acomodaba la del día.

Los cortesanos ayudaban a Su Majestad a acicalarse, a ponerse los zapatos, a asegurar las hebillas de diamantes, a colgar la espada y la cinta de la orden elegida por el monarca. El Gran Maestre del Guardarropa (generalmente el duque francés de más edad) desempeñaba un papel importantísimo: sostenía en sus manos las ropas usadas el día anterior, mientras el rey sacaba de los bolsillos pequeños objetos de uso diario y los ponía en los que estaba vistiendo. También presentaba al monarca, en una bandeja de oro, tres pañuelos bordados, para que el rey eligiese uno; y por último le entregaba el sombrero real, los guantes y el bastón.

El rey abandonaba su habitación y los cortesanos lo seguían, pero en su recamara seguía aún desarrollándose una breve “ceremonia secundaria”. Era preciso arreglar el lecho real, pero jamás apresuradamente, como solemos hacerlo la mayoría de mortales. Este procedimiento tenía también sus reglas escritas. Un lacayo se colocaba a la cabecera de la cama, otro a los pies, y era sólo "el tapicero" de palacio quien podía arreglar el augusto lecho. Además, debía hallarse presente uno de los chambelanes, vigilando que se cumplan las reglas de la operación y evitando cualquier anomalía. La cama, al igual que el resto de muebles y artículos de uso cotidiano, debía ser tratada con el debido respeto. Quien pasara la barrera dorada que dividía la cámara, estaba obligado a realizar una genuflexión ante el sagrado lecho.

Esta costumbre del "despertar" se convirtió en tradición real y fue adoptada por muchas cortes europeas. El alemán Johann Küchenbecker describe en 1732 una ceremonia semejante en el Palacio de Hofburg en Viena. La única diferencia aquí, era que el rey cumplía la ceremonia en una habitación cercana a la suya, a la que entraba cubierto con una bata. Allí, sus chambelanes lo vestían, lavaban y peinaban. El Lever de los Habsburgo llegó a ser más exclusivo que el de Versalles; no se admitía a nadie sin un examen estricto de sus antepasados y de la pureza de su sangre.

Luis XIV, el Rey Sol

A pesar de ser muy formal y estricto, Luis XIV muchas veces enternecía y mostraba destellos de su infinita bondad. Si el día estaba nublado (cosas del invierno), o simplemente si se necesitaba luz, se daba también la oportunidad a algún miembro del público de participar en el lever. El chambelán principal preguntaba en voz baja al rey quién debía sostener el candelabro. Su Majestad nombraba a éste o a aquél dignatario, el cual, con el pecho henchido de orgullo se encargaba de sostener el candelabro de dos brazos durante el tiempo que durase el asunto. Esto de los candelabros de dos velas tenía su importancia, porque Luis XIV había regulado también el empleo de velas y candelabros en el sistema de etiqueta de Versalles. Sólo el rey tenía derecho a un candelabro de dos velas, los demás debían contentarse con un candelabro de un brazo. Este principio fue aplicado en todos los aspectos de la vida. Por ejemplo, a este rey le gustaban las chaquetas con bordados gruesos de oro, por lo tanto, hubiese sido inconcebible que cualquier cortesano (o francés) usara algo parecido.

Chaqueta bordada con oro y plata de Luis XIV (conservada en Versalles)

Este tipo de chaqueta con recamados de oro y plata enloquecían al rey. Le gustaban mucho y tenía sus propios artesanos especializados en su laborioso bordado. Algunas veces, como raro favor, otorgó el honor de que ciertos meritorios individuos, recamaran de oro sus chaquetas. Se extendía un permiso escrito, firmado por Su Majestad y refrendado por el Primer Ministro. Esas chaquetas deberían ser azules y tenían un nombre especial: justaucorps á brevet, chaquetas certificadas. Es como si ahora fuese un honor (además de caro y prohibido) para los ecuatorianos, usar las camisas bordadas que suele ponerse el presidente Rafael Correa. Camisas muy bonitas, por cierto. Los aristócratas, dominados por la vanidad, consideraban como un favor del rey el permiso de usar estas prendas, eran lo máximo porque "significaba" que eras un gran pana del rey, que pertenecías a la créme de la créme, que eras la última coca cola del desierto, etc.

Las Joustacorp á brevet, las famosas chaquetas registradas

Las blue jacket llegaron a ser tan cotizadas como un Collar de la Orden de San Luis. Hay que destacar, ya que aquí se trata de conocer los pequeños detalles, que por aquel entonces se llevaban las chaquetas sobre el jubón, que era un camisón que te ceñía desde los hombros a la cadera. Luego te ponías la casaca azul, y sobre ella, te ajustabas una correa de cuero que cruzaba desde el hombro derecho hasta el lado izquierdo de la cintura, donde colgabas tu espada. Una elegancia total.

Complementando el atuendo, te ponías una especie de cinta de encaje alrededor del cuello, y terminabas el estilo fashion mimadodelrey con un sombrero que podía tener plumas o un bonito moño. Esta moda de vestir, que duró hasta 1684, prevaleció en toda Europa, con excepción de España y Portugal. El resto de Europa se enorgullecía de imitar a la corte de Luis XIV.

Aún más complicado era el ceremonial de la mesa. Cuando llegaba el momento de la comida de Luis XIV, el mozo principal (ujier) golpeaba con su bastón la puerta de los Guardias Reales, y reclamaba en voz alta: “¡Caballeros, cubierto para el Rey!” Cada uno de los oficiales de la Guardia Real recogía el plato o cubierto que le había sido encomendado, y la procesión se encaminaba hacia el gran salón comedor; a la cabeza marchaba el ujier principal, luego los oficiales, y a ambos lados los guardias. Depositaban la carga sobre la mesa de servicio, y "por el momento" sus funciones habían concluido, porque tender la mesa, era tarea de otros funcionarios de la corte. Una vez que habían cumplido su misión, el chambelán de servicio cortaba el pan e inspeccionaba la vajilla. Después de comprobar que todo estaba en orden, el mozo principal rugía nuevamente: “¡Caballeros, carne para el rey!” Los guardias se ponían en posición de firmes y cierto número de dignatarios de la corte marchaban a la habitación vecina donde examinaban atentamente los platos destinados a la mesa real. El chambelán de la corte los disponía en correcto orden; luego tomaba dos rebanadas de pan y las empapaba ligeramente en la salsa o jugo de las viandas. Probaba una y ofrecía la otra al mayordomo principal. Si estos dos altos dignatarios consideraban que los platos tenían buen sabor, la procesión se formaba nuevamente; a la cabeza se colocaba otra vez el ujier principal con su bastón, detrás el chambelán de la corte con su vara de oro, luego el chambelán con un plato, el mayordomo principal con el segundo, el inspector de la cocina real con el tercero, y detrás varios dignatarios de diferentes categorías. Los platos eran escoltados por guardias armados de carabinas...era el protocolo.

Una vez que los alimentos habían llegada al comedor, se anunciaba al rey -por medio de otras formalidades estrictamente prescritas- que el almuerzo o la cena estaban servidos. El servicio de la mesa era tarea de otros seis nobles chambelanes. Uno cortaba la carne, otro la servía, el tercero la ofrecía, y así sucesivamente. Cuando el rey deseaba beber, el copero de la corte exclamaba: “¡Bebida para el Rey!” El asignado doblaba la rodilla frente a Su Majestad, se dirigía a la alacena y recibía del bodeguero de la corte una bandeja con dos jarros de cristal. Uno contenía vino, el otro agua. Otra genuflexión, y entregaba la bandeja al chambelán encargado del servicio; este último mezclaba un poco de vino y agua en su propio vaso, probaba el líquido, y luego devolvía la bandeja al copero. Después de este procedimiento solemne y ceremonioso el rey podía beber. Y así, con cada plato se repetía la misma ceremonia.

Cuando el día tan minuciosamente regulado terminaba y el rey se retiraba a sus aposentos, se repetía la ceremonia del lever, pero a la inversa, como rebobinando un rollo de película. Se diferenciaba en que su lavatorio eran un poco más abundante que en la mañana. Se disponía una toalla sobre dos bandejas de oro, cuyo extremo estaba húmedo y el otro seco. El rey utilizaba la parte húmeda para frotarse la cara y las manos, y se quitaba la humedad con la parte seca de la toalla. Puedo parecer cansino, pero hay que subrayar que la presentación de la toalla, como era función muy honrosa, esta estaba reservada a los príncipes por consanguinidad, es decir, hermanos o cuñados. La etiqueta de la corte distinguía los diferentes aspectos de este sencillo acto con minuciosa delicadeza. Si también estaban presentes los hijos o nietos del monarca, la toalla pasaba de manos del chambelán principal al príncipe de más elevada jerarquía.

Esta cotidiana idolatría necesitaba de un enjambre de dignatarios y funcionarios de la corte, de complicados y extensos títulos. Por ejemplo, sólo la cocina real ocupaba 96 supervisores nobles, entre ellos 36 mayordomos, 16 inspectores, 12 chambelanes y un chambelán principal. El personal total de la cocina sumaba 448 individuos, sin contar los servidores empleados en ella y los servidores que atendían a los servidores.

Luis XIV introdujo en Versalles un sistema que regulaba las jerarquías y funciones y que perduró hasta ~~que les cortaron las cabezas~~ la Revolución Francesa. Creó nuevos puestos para su propio servicio y aseo personal, entre ellos el de Gran Maestre del Guardarropa. Restableció las normas establecidas por Francisco I para los grandes banquetes (lavarse las manos, usar tenedor) y aumentó su número de comensales. Doce de aquellos mesones estaban reservados para los oficiales que cenaban en la presencia del rey, y a los que se atendía con el mismo cuidado y derroche que al soberano. Pero, estos nuevos puestos, esta nueva burocracia de palacio no eran gratuitos, como veremos más adelante. El honor de cenar o vivir cerca del rey, tenía su costo.

Tal incremento de servidores y jerarquías cortesanas, también tenía lo suyo, y aunque no lo parezca, se hacía por el bien de las finanzas del reino. Me explico: En la deslumbrante corte de este vanidoso rey, vivía uno de los pocos hombres equilibrados de la época: Jean Baptiste Colbert, su Ministro de Finanzas. Se le ocurrió a Colbert que, si a los nobles les gustaba estar en la corte, bien podía establecerse un impuesto sobre ese derecho, un impuesto a la vanidad. Y dio resultado. Colbert vendía los títulos y las jerarquías de la corte. Un título barato era el de maestro de cocina que costaba sólo 8.000 francos. Obviamente estos los precios aumentaban, en proporción al grado de importancia. Así tenemos que, si querías ser el mayordomo principal, por ejemplo, debías pagar 1'500.000 francos, ahí cash, uno sobre otro; luego podrías ya pavonearte con tu deslumbrante puesto, y tu supuesta cercanía al rey.

Colbert confirió a estas inversiones, cierto aire de respetabilidad prometiendo pagar a los compradores de títulos un pequeño interés anual sobre el capital que entregaban. Sin duda, recibían el interés, pero los compradores sabían muy bien que jamás volverían a ver su capital, era claro, pues nunca querrían salir de la corte por decisión propia. Algunos nobles y no tan nobles que invirtieron, necesitaban también mantener sus otras propiedades, amantes e hijos, así que trataron de compensarse por otros medios. A la final, si estabas en Versalles, te codearías siempre con los mejores contactos. De acuerdo con los cálculos de los historiadores, estos inversores robaron cinco veces más que el interés de la inversión realizada.

Jean Baptiste Colbert

Un detalle paradójico a tomar en cuenta, es que en un palacio tan erguido y solemne se podía circular libremente por los parques, jardines y bosquecillos, por las galerías y salones, incluso por los espaciosos apartamentos del rey. Este privilegio lo había impuesto Luis XIV para que sus súbditos pudieran admirar, embobados, su grandeza sin par, solar y magnificente. Así, en 1774, se publicó para uso de los visitantes una minuciosa y extasiada descripción del palacio y de sus ya famosos jardines, lo que constituía una de las primeras guías turísticas que se hayan conocido. Es decir que, con aquel libro en la mano, se podía entrar libremente –y también sin él aunque con menor conocimiento-, pese a la gran cantidad de guardias que había en palacio (Mosqueteros Negros y Grises, Guardias Suizos, Guardias de Corps, Guardias Franceses). Quizá debido a esa misma abundancia de tropas, tan abigarradas y coloridas, fue que a la hora de la verdad resultaron ineficaces.

Los Jardines de Versalles

Por otro lado, a los visitantes no se les exigía documentos –que tampoco existían- y cualquiera podía alquilar o pedir prestado un sombrero y un corbatín, o una inútil espada doncella para ceremonias. Y una dama que fuera bien vestida, aunque fuera de aldeana acomodada, circulaba sin el menor impedimento. Así pues, cualquiera podía contemplar el petit couvert del rey, o verle jugar a la pelota, o asistir a las presentaciones de la corte. Todo ello, desde luego, mientras fueron tiempos sosegados, antes de la insólita revolución de aquellos incómodos pensadores.

Todo esto podría haber sido un fenómeno sin importancia, un capítulo ridículo pero secundario de la historia de la estupidez humana, sin embargo, su costo fue enorme, no sólo para Francia sino para Europa en general. Por doquier aparecieron pequeñas (y a veces no tan pequeñas) reproducciones de la corte de Versalles. Los pequeños príncipes alemanes, así como los grandes duques y los nobles italianos quisieron imitar al Rey Sol. Innumerables dominios y principados se arruinaron debido al estúpido deseo de emular a un enfermo vanidoso.

Para perpetuar y mantener sus fatuos rituales, esta gente mató de hambre a su pueblo y hasta llegaron hasta a vender sus propios soldados, quienes terminaron sus días en tierra extranjeras, defendiendo a otros reyes. Las innumerables guerras de los monarcas europeos se originaron principalmente por este sentimiento de vanidad. El Rey Sol podría sentirse orgulloso; fue el centro no sólo de su corte y de Francia, sino que dejó infectado de fanfarronería al continente que se decía "el mundo civilizado".

Fuentes y referencias:
La información proviene de estos dos libros:
-La sociedad cortesana de Norbert Elias (descargar)
-El siglo de Luis XIV de Voltaire (descargar)
Las imágenes son encontradas en Google

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El hombre que compró a los Beatles

noreply@blogger.com (Carlos) — Fri, 04 May 2012 05:03:00 +0000

En la década de los sesenta, Kansas era una pequeña ciudad que no sonaba ni en política ni para los grandes espectáculos. Era reconocida por ser el lugar donde un tornado se llevó a Dorothy en El Mago de Oz, y recientemente había llamado la atención porque ahí se cometió el terrible asesinato de una familia entera, narrado magistralmente por Truman Capote en su más famosa novela. Pare de contar. Eso era Kansas comparada con las grandes New York, Los Angeles o San Francisco.

Estadio de Kansas City

Charles O. Finley era un hombre de negocios norteamericano que había hecho fortuna en el sector de las aseguradoras. En diciembre de 1960, se convirtió en el dueño del equipo de béisbol de Kansas, Los Athletics. El equipo jugaba sus partidos de local en el Estadio Municipal de Kansas y para esa época, a pesar de ser el único equipo de la ciudad, jugaba siempre con el estadio semi vacío. Finley debía recuperar la gran inversión y ensayó muchas estrategias de marketing para posicionar y popularizar a su equipo en el apático ciudadano de Kansas, pero estas no daban el resultado esperado.

En un momento de euforia, se la jugó el todo por el todo. Finley prometió a la gente que llevaría a los Beatles a su ciudad durante la primera gira americana que llevarían a cabo los ingleses, y que estaba próxima a realizarse.

Revista Life, agosto 1964

Creo que no hace falta recordares la idolatría con la que se esperaba a los Beatles en 1964. Nunca se ha vuelto a repetir con ningún artista, político o líder religioso, recibimiento tan apoteósico como el que tuvieron los de Liverpool al pisar por primera vez suelo americano. Por demás también está comentar que su agenda estaba copada al milímetro con entrevistas, talk shows, visitas a famosos, y los conciertos, todo esto, previamente concertado con más de ocho meses de anticipación, y claro, sólo para las grandes metrópolis. Conciertos además, para los que era imposible conseguir una entrada porque todas se agotaron el primer día que salieron a la venta.

Imaginen esto. Ni siquiera un poster, acetato o cinta del grupo era posible conseguir porque todo se había agotado en las tiendas del país, la beatlemanía estaba en su punto más alto. Entonces, ¿cómo pretendía este anónimo emprendedor, este entusiasta empresario local, llevar al grupo más famoso del planeta hasta su pequeña ciudad?
Hagamos un pequeño ejercicio mental. Visualicen, queridos lectores, mentalmente el mapa, la imagen de su propio país. Ahora excluyan a las seis ciudades más grandes y elijan cualquiera de las que quedan. A esto hay que añadir que los Athletics de Kansas era un equipo de media tabla para abajo, de los que siempre están luchando por no ser últimos. Ahora ya creo que me entienden y pueden apreciar de una mejor forma en el problema en que se hallaba Charles Finley, más conocido como “Charly O”.

Los Beatles en el programa de Ed Sullivan

Como se preveía y era obvio, Kansas no estaba en el circuito de ciudades donde los Beatles iban a tocar. En esa época Kansas aún era considerado un pueblo grande del oeste para música country y honky-tonk. Ni siquiera iban a pasar cerca o hacer escala turística, es decir, para la empresa organizadora, el Cyclone State no existía, y esto fue quizá lo que le hirió en su amor propio a “Charly O”. Su palabra de cowboy, su credibilidad, futuro empresarial e inversión en el equipo estaban en riesgo, y por qué no, también se vislumbraba la posibilidad de un posible linchamiento físico y mediático, burlas de la sociedad y hasta un obligado auto destierro de la hermosa ciudad de los girasoles.

Tanta adrenalina junta (i.e. canguelo, culillo) le puso manos a la obra y le hizo tomar un vuelo a San Francisco el 19 de agosto de 1964, donde los Beatles tuvieron su primera actuación en América. Allí se encontró con el manager de los Beatles, Brian Epstein. Finley le dijo a Epstein que estaba decepcionado de que Kansas no estuviera en el itinerario de los Beatles y de plano le ofreció al manager $ 50.000 si programaban un concierto en su ciudad. Epstein se negó, le explicó que la única fecha libre disponible era el 17 de septiembre, y la banda tenía programado un día de descanso en Nueva Orleans. Finley se fue decepcionado pero no claudicó. Una semana más tarde fue tras los ingleses hasta Los Angeles, donde Epstein volvió a rechazar la oferta de Finley (ahora de 100.000 dólares), argumentando que la banda quería utilizar su único día libre para explorar la ciudad "cuna del jazz". Con un nudo en el estómago, Finley rompió el cheque de $ 100.000 y firmó uno nuevo por $ 150.000 (algo equivalente a un millón y medio de dólares actuales). Atónito, Epstein se excusó un momento para hablar con el grupo. Fue hacia los camerinos, les expuso la situación y sobretodo la magnífica cantidad de dinero por una sola presentación. Lo analizaron un poco, luego John Lennon, hablando en nombre de sus compañeros de banda le respondió: "Nosotros haremos lo que tu creas conveniente". Enseguida Epstein salió del camerino, aceptó el nuevo cheque de Finley y se pusieron de acuerdo para tocar en Kansas. No hubo firma de contrato, sólo un fuerte apretón de manos.

Tickets para las localidades del concierto en Kansas City

En su momento, este fue el precio más alto jamás pagado por un show musical, costando cerca de 3750 dólares por minuto (el show fue de casi 40 minutos), comparativamente, unos $ 37.500 actuales por minuto. Cuando algún periodista le cuestionó a Finley el porqué de tanto derroche (para traerlos a toda costa), él lo tomó a broma y justificó el alto precio respondiendo: "Los actuales fans de los Beatles serán los aficionados al béisbol del mañana" – frase que además estaba ya impresa en el reverso de las entradas para el concierto-.

Reverso de los tickets con foto de Finley y su peluca beatle

Luego de ofrecer una animada rueda de prensa en el hotel Muehlebach (pueden leerla aquí) , los Beatles dieron un concierto memorable improvisando la famosa canción "Kansas City" con los acordes de Hey, Hey, Hey! (ver el vídeo)

En el medio oeste norteamericano la gente siempre se ha caracterizado por su recelo, cautela, miedo ante lo nuevo, ante lo foráneo. En esa época eran aún más cerrados, especialmente con los valores culturales y religiosos. No lo van a creer, pero Finley hizo todo ese esfuerzo casi en vano, para apenas 20.207 personas (entre fanáticos y noveleros), algo más de la mitad de la capacidad total del Estadio, con un aforo para 35.000 espectadores.

El fracaso del concierto podía interpretarse de varias formas. Aparte de la baja animosidad local, varias radios locales "de moda", que patrocinaban artistas norteamericanos, sugirieron boicotear el concierto escudándose en la impopular gestión de Finley con el equipo de béisbol. De todas formas, la noche del 17 de septiembre de 1964, más de 20 mil fanáticos locales y de condados y ciudades aledañas corearon todas las canciones de los ingleses. Al día siguiente, Finley, que había destinado las ganancias del evento a favor de un hospital infantil, tuvo que firmar otro cheque de $ 25.000 para cubrir el donativo mínimo que se había comprometido a entregar al hospital, en caso de que el concierto no generara ganancias.

Charles O. Finley

Finley fue un soñador, organizó un evento digno de cualquier capital del mundo, para una ciudad no estaba preparada. Muchos le dieron la razón, y en el fondo, nadie pudo reprocharle cuando tomó su equipo y se lo llevó para California en 1968.

Fuentes y referencias:
1, 2, 3, 4, 5, 6

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El rey que mató a su hijo de un bastonazo

noreply@blogger.com (Carlos) — Wed, 11 Apr 2012 03:02:00 +0000

"Un guardia salió en busca de auxilio. Acudieron sirvientes con recipientes de agua y lienzos para ayudar. Llegó un médico, se inclinó sobre el herido, examinó la lesión y movió lentamente la cabeza: hay pocas esperanzas, dijo."

Creo que no hay mucho que ahondar en quien fue Iván IV de Rusia apodado “El Terrible”, dado que su fama lo precede hasta nuestros días. De todas formas haré un pequeño resumen de sus barbaridades antes de enfocarnos en la historia del bastonazo.

Iván IV Vasilievich, nació en 1530 y murió en Moscú en 1584. Fue Zar de Rusia desde 1547 hasta su muerte. A pesar de ser coronado a los tres años tras la muerte de su padre, su madre ejerció la regencia durante cinco años más, hasta que fue envenenada por nobles de la corte rusa. Allá en la Rusia Imperial, los nobles recibían el nombre de boyardos. Desde niño fue humillado y manipulado por familias boyardas cercanas a palacio, pero lo que definitivamente marcó su carácter, fue el ser testigo, a la edad de ocho años, de cómo su madre se retorcía víctima del veneno. Luego fue recluido en el palacio real donde lo obligaron a vivir casi como un mendigo. Juró desde ese momento, que algún día se vengaría de aquellos boyardos y cortesanos, que tanto daño le había infringido.

A los 13 años empezó a ganarse el respeto, cuando ordenó a un grupo de leales suyos que capturaran a un príncipe de la familia Shúiski y lo arrojaran a una jauría de perros para que lo destrocen. Con 16 años físicamente estaba hecho un hombronazo, era muy corpulento, y aunque destacaba en escritura y era un devorador de libros, siempre mantuvo esa mirada de odio, la que se le impregnó a temprana edad.

Iván IV de Rusia

A los 17 años, después de casarse con Anastasia Romanova Zajarina, fue coronado como Zar de todas las Rusias. Este fue el primero y más importante de sus matrimonios. A esta edad Iván ya solía tener ataques de furia aterradores; no podía controlarse, era como si de pronto se convirtiese en un animal salvaje. Sus más cercanos colaboradores aseguraban que en esos ataques "al zar le salía espuma por la boca como a los caballos" y que cuando se calmaba, se quedaba horas en silencio mirando a un punto fijo. Cuentan también que en medio de esos ataques coléricos, era común que se arrancase mechones de su larga cabellera o se diera de cabezazos contra las paredes.

En 1560 murió su esposa Anastasía y el zar se transformó en un gobernante psicópata, fanático religioso y autoritario. Este dramático cambio en la personalidad se desencadenó no sólo por la muerte de su esposa, sino también por el tratamiento con mercurio (para la sífilis) que estuvo a punto de causarle la muerte en 1553. Durante esta época Iván pidió a los boyardos que hicieran una alianza con su hijo mayor para que éste gobernara tras su muerte, a la cual los boyardos se negaron. Esto agravó aún más su desconfianza y llegó a pensar que su esposa también había sido envenenada por ellos. El resultado de estas conspiraciones, reales o supuestas, fueron brutales represalias, con asesinatos de príncipes, boyardos y partidarios. Iván tenía 33 años cuando empezó en Rusia un período de terror y sangre.

Iván El Terrible pintado por Alexander Litovchenko (1875)

En 1564 el zar descendió un escalón más en el proceso de su desequilibrio mental, cuando abandonó Moscú debido a la desconfianza que le despertaban los miembros de la corte. Se retiró a un monasterio, un sitio escondido en el bosque, unos cien kilómetros al noreste de la ciudad. Desde allí le escribía largas cartas al arzobispo, en las que denunciaba a los laicos y eclesiásticos de la clase gobernante y apelaba al apoyo del pueblo, de quien se proclamaba defensor. Como le pidieron que regresara, volvió a Moscú a principios de 1565. En apenas un año había envejecido como veinte. Aunque apenas tenía treinta y cinco años, parecía mayor: estaba muy arrugado, con una calvicie pronunciada y una barba mal cuidada.

Siguió matando a príncipes acusándolos de homosexuales, reprimió con su ejército ciudades sublevadas como Nóvgorod, donde torturó, decapitó y empaló a 50.000 rebeldes según datos de la época. Algunos historiadores modernos estiman que fueron sólo 3.000 los decapitados y empalados. También mandó a hacer algo parecido contra la ciudad de Pskov.

Se casó un total de ocho veces, pero los más curiosos fueron el sexto y séptimo matrimonio. Su sexta esposa fue la insensata Vasilisa Melentieva, quien, conociendo el carácter de "su terrible", cayó en desgracia al ponerle los cuernos con el príncipe boyardo Iván Devtelev. El zar lo hizo empalar en su presencia y luego se deshizo de ella enclaustrándola en un convento. Mujer afortunada, porque de todas formas la sacó barata. Poco después Iván volvió a casarse y cuando descubrió que su séptima esposa, María Dolgurukaya, no era virgen, babeando de cólera, la hizo ahogar al día siguiente.

Vasilisa Melentieva, su sexta esposa. La que le puso los cuernos.

En sus últimos años dio rienda suelta a sus perversiones sexuales. Según algunos escritores, se jactaba de haber desflorado a más de mil vírgenes y posteriormente haber asesinado a los hijos engendrados, eso lo cuentan especialmente sus biografos polacos. Aunque esto pueda parecer una leyenda negra, existe una base real en las elecciones de la novia del zar, a las que asistían muchas chicas boyardas cuando eran convocadas a la capital.

A pesar de haber visto y cometido tantas atrocidades, el hecho que lo afectó más profundamente en vida, fue la muerte de su hijo y sucesor, de la que en un momento de rabia, él mismo fue responsable. En 1581 el zar golpeó con su bastón de mando a Elena Sheremeteva, la tercera esposa de su hijo, que estaba embarazada, porque, según el viejo monarca, vestía de manera indecorosa. La mujer cayó al suelo y perdió el bebé. Cuando el zarevich llegó a quejarse, a éste también lo recibió con un bastonazo en la cabeza, hiriéndolo de muerte.

Iván el Terrible y su hijo, 16 de noviembre 1581, pintado por Ilya Repin (1885)

Acercamiento a los rostros del lienzo de Ilya Repin

Un guardia salió en busca de auxilio. Acudieron sirvientes con recipientes de agua y lienzos para ayudar. Llegó un médico, se inclinó sobre el herido, examinó la lesión y movió lentamente la cabeza: hay pocas esperanzas, dijo. Durante tres días todos rezan y el Zar aguarda, angustiado, que se cumpla el milagro y su hijo despierte. Deshecho de remordimientos, Iván “El Terrible” camina y llora por el palacio suplicando por su hijo. Vuelve a su habitación y se postra ante los íconos. De rodillas, promete a Dios dejar de infligir torturas, liberar a los prisioneros, construir iglesias, repartir el resto de su fortuna entre los pobres. Nada. El 19 de noviembre de 1581, el zarevich muere. El zar se niega a dormir y a alimentarse. Se siente doblemente culpable: porque ha matado a su hijo y porque ese hijo era el heredero del trono. Al eliminarlo en un acceso de ira, ha ofendido a Dios y a Rusia al mismo tiempo. El dolor es insoportable.

Iván el Terrible en el lecho de muerte de su hijo. Pintura de Vyacheslav Schwarz (1861)

Tres años después la salud del zar ya estaba muy deteriorada. Según los informes de la época, padecía una "descomposición de la sangre" y tenía una "corrupción en las entrañas". Se le hinchaba el cuerpo, se le descamaba la piel y desprendía un olor muy fuerte. Lo único que lo calmaba era bañarse en agua caliente. Muere el 19 de marzo de 1584 mientras jugaba ajedrez con su guardaespaldas.

Fuentes y referencias:
1, 2, 3, 4, 5, 6

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Cuando los intelectuales se burlaron de la Armada Británica

noreply@blogger.com (Carlos) — Thu, 05 Apr 2012 08:21:00 +0000

Últimamente he estado muy enganchado a la obra de Virginia Woolf, y aunque no es un secreto que era una mujer melancólica y depresiva que terminó su vida lanzándose a un río, muy poca gente conoció la otra cara de Virginia. Esa otra Virginia fue una mujer alegre y vivaz a la que le gustaba reunirse con sus amigos y gastar grandes bromas, como aquella vez que, dejaron muy mal parada a la Marina Imperial Inglesa.

Ella y sus hermanos pertenecían al Círculo de Bloomsbury, un grupo de intelectuales que adoptó ese nombre porque todos vivían cerca, en el barrio del mismo nombre. La mayoría eran escritores, artistas y académicos. Este grupo, que tenía una amistad muy férrea ante todo, fue responsable de una broma bastante pesada para los estándares de aquella época en Inglaterra. Recuerden, era 1910 y quedaban todavía rezagos de la muy formal era Victoriana.

Virginia Woolf

La broma fue llevada a cabo por seis miembros del Círculo de Bloomsbury: el poeta Horace Cole, la escritora Virginia Stephen (nombre de soltera de Virginia Woolf), su hermano Adrian, Ridley Guy, Anthony Buxton y el artista Duncan Grant. El plan consistía en oscurecerse la piel, disfrazarse y hacerse pasar por una "familia real". Los detalles se ultimaron el 7 de febrero de 1910, y el fraude se puso en marcha más o menos con esta cronología:

- El 10 de febrero de 1910, llega un telegrama al Ministerio de Asuntos Exteriores del Reino Unido firmado por un señor "Tudor Castle":

“Príncipe Malaken de Abisinia y corte llegan 16:20 hs. Weymouth. STOP. Quiere ver Dreadnought. STOP. Lamento último momento. STOP. Olvidé telegrafiar antes. STOP. Llevan intérprete. STOP.”

El secretario del ministerio despachó, a su vez, el telegrama al vicealmirante May, a cargo del acorazado “Dreadnought”, anclado en el puerto de Weymouth. La noticia corrió por la cubierta del famoso barco.

Bueno, en esa época el acorazado “Dreadnought” era el orgullo de la marina inglesa. Su entrada en servicio en 1906 representó un notable avance en la tecnología naval. Tal era su importancia, que su nombre llegó a ser asociado a toda una generación de barcos de guerra. Era el primer navío propulsado por turbinas de vapor, lo que lo hacía el más rápido del mundo. En una sola palabra, era el “Papá” de los buques de guerra ingleses. Su sola presencia imponía respeto y miedo en las demás armadas europeas.

Acorazado HMS Dreadnought

Todo se puso en marcha para recibir al sultán con una ceremonia acorde a su rango, pero a último momento se dieron cuenta de que no tenían las partituras musicales del himno de Abisinia (ahora Etiopía). El vicealmirante no se hizo problema, ordenó ensayar el himno de Zanzíbar; a la final era la colonia que más cerca estaba de Abisinia. En el buque todos trabajaban como hormigas, sacaban brillo a los cañones y enceraban los pasillos, se mandó a preparar un banquete, arreglaron el salón principal y se puso la larga, muy larga alfombra roja que se utilizaba para recibir a la realeza. En menos de dos horas, todo estaba listo y a punto. El vicealmirante May envió una comitiva a la estación de tren para recibir al sultán, que llegaría de un momento a otro desde la estación de Paddington, Londres.

En Londres era un día típico de febrero, nublado. En el número 14 de la calle Fitzroy Square (del barrio de Bloomsbury obviamente), la señorita Virginia Stephen se pegaba unos bigotes postizos con barba sobre la cara pintada de negro con pomada. Anthony Buxton y Guy Ridley –también disfrazados- le acomodaban el turbante y se reían nerviosos imaginando las probables consecuencias. Adrian, el hermano de Virginia, elegía un sombrero para disfrazarse, él iba a oficiar de intérprete. Como no encontró diccionarios en abisinio se inventó un idioma que era una mezcla de swahili con citas en griego y latín de Homero y Virgilio. En la sala de la casa, Duncan Grant se quejaba del tamaño de su túnica, mientras Horace Cole, el autor intelectual, ensayaba su papel de canciller de Abisinia con mucha soltura. Finalmente Vanessa, la hermana de Virginia les tomó una fotografía y salieron a la calle. Tomaron un taxi hasta la estación de Paddington, y luego subieron a un tren que los llevó la bahía de Weymouth.

De izquierda a derecha: Virginia Woolf (travestida y con barba), Duncan Grant, Adrian Stephen, Antony Buxton, Guy Ridley y Horace de Vere Cole.

Una pequeña embarcación los transportó al gran buque de guerra. Saludaron al vicealmirante May mientras la banda del acorazado tocaba el Himno Nacional de Zanzíbar, que ellos agradecieron en su lenguaje mezclado de latín y de griego. Virginia también dijo "bunga-bunga" un par de ocasiones, lo que casi daña el plan ya que sus amigos apenas podían contener la risa.

El vicealmirante May anunció que cumpliendo con el protocolo se lanzarían las veintiún salvas de rigor para honrarlos, pero ellos se negaron aduciendo razones religiosas. Mientras pasaban revista a las tropas empezó a llover levemente. Adrian Stephen se dio cuenta de que el bigote postizo de Duncan Grant empezaba a desprenderse y le explicó al vicealmirante que preferirían entrar al barco porque el frío y la lluvia no eran habituales en Abisinia y el sultán y su corte podían enfermarse. También pidieron alfombras de oración y ofrecieron unas falsas condecoraciones militares a algunos de los oficiales.

Aquí podemos ver a Virginia sentada al extremo izquierdo junto a sus amigos, dentro del barco

Fueron prudentes y no aceptaron pasar al comedor para el banquete (que ya estaba listo), por el miedo a ser descubiertos. Bastante suerte habían tenido ya hasta ese momento. Se despidieron muy cortésmente y bajo las solemnes notas el "God save the queen", el grupo de amigos fue descendiendo a la pequeña embarcación, desde donde fueron escoltados a la estación del tren que los llevó de regreso a Londres.

La inocentada había salido a la perfección, pero algo tan sublime carecía de gloria si nadie más lo sabía. El mundo tenía que enterarse de lo ocurrido, y Horace Cole fue el encargado de eso. Fue al Daily Mirror y lo contó todo.

Primera plana del Daily Mirror

La noticia en los diarios publicaba la foto que el grupo de amigos se había sacado antes de tomar el taxi. El famoso “bunga-bunga” de la entonces desconocida Virginia Woolf se hizo tan popular en Inglaterra, que el vicealmirante May no podía pisar tierra firme porque los chicos de las calles de Weymouth lo seguían al grito de ¡bunga-bunga! El bunga-bunga se llegó a cantar en los music-halls. Todas las caricaturas de la prensa, especialmente del Times y del Mirror se hacían eco del bunga-bunga.

El barco insigne del Imperio Británico había sido vejado, y la cuestión se debatió por supuesto en el Parlamento, mientras que el Almirantazgo se negaba a creer que los bromistas hubiesen puesto en jaque a una institución tan importante. Por otro lado, la prensa llamaba la atención sobre la fragilidad de los servicios de inteligencia del Imperio. La Camara de Lords exigía castigar a los culpables, pero por suerte, este era ya un nuevo siglo, algo más tolerante.

Hasta el siglo XIX en el Imperio británico no se aceptaban bromas pesadas. En tiempos de la Reina Victoria eso no pasaba, se declaraba locos a los bromistas inoportunos o se los enviaba a Australia. Recuerden lo que le pasó a un joven llamado Jones por robarse los calzones de la reina. Pero esa reina ya había muerto, y con ella su formalidad. Ahora todo era diferente. Cuando el Parlamento se enteró de la inocentada, nadie habló de locura, era obvio que sólo se trataba de una juventud corrupta y aburrida.

Dos años después, Virginia se casó con Leonard Woolf.

Virginia y Leonard Woolf el día de si matrimonio. El 23 de julio de 1912

Mucho después y poco antes de suicidarse, Virginia Woolf dijo en una conferencia: "Supimos que una consecuencia de la broma fue la revisión del reglamento para hacer más estrictas las normas de seguridad"; y agregó con esa ironía que la caracterizaba: "Me alegra pensar que he sido útil a mi patria".

Fuentes y referencias:
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Pauline Bonaparte, la mujer ardiente

noreply@blogger.com (Carlos) — Mon, 26 Mar 2012 06:52:00 +0000

«Después, cuando le preguntaban: “¿cómo pudiste posar desnuda siendo la hermana del Emperador?”, ella tranquilamente respondía: "¿y por qué no?, no hacía frío, y ese estudio era caliente como el infierno."»

Es verdad aquello de que sería maravilloso poder elegir a nuestros familiares, pero a todos los mortales nos toca chantarnos, aguantarnos -con buena o mala cara- lo que el destino nos deparó, y eso lo supo Napoleón Bonaparte mejor que nadie. Tuvo hermanos codiciosos a los que colocó en tronos europeos que a la final terminaron siendo títeres de sus enemigos. De todos sus hermanos, Pauline era su favorita y en reciprocidad, fue ella la que lo acompañó y apoyó hasta el final, hasta en el destierro.

Maria Pauline Buonaparte nació el 20 de octubre de 1780 en la Isla de Córcega, pero fue más conocida como Paoletta. Esto se debe a que todos los Bonaparte utilizaron las versiones francesas de sus nombres cuando se mudaron al continente. Era la sexta hija (segunda mujer) de Carlo Buonaparte y su esposa Letizia. Tenía apenas cinco años cuando su padre murió y José, su hermano mayor, se convirtió en jefe de la familia, pero fue Napoleón quien forjó la fortuna de la familia durante su ascenso al poder, primero como General del ejército francés, luego como Primer Cónsul y finalmente como Emperador.

Su infancia, como la mayoría de sus hermanos, la vivió en su isla natal, donde recibió algo de educación formal hasta los trece años, edad en la junto a su familia tuvo que huir en medio de la noche a Marsella.

Pauline Bonaparte

Pauline era la bella de la familia, tenía una figura exuberante y un rostro diáfano y simétrico que le atrajo legiones de admiradores, lo cual siempre fue causa de preocupación de su madre y hermanos. Cuando Pauline tenía dieciséis años, se enamoró de Stanislas Fréron, que para esa época tenía cuarenta años de edad y una amplia reputación de mujeriego. Después de que su madre y hermanos le hicieron ver lo nocivo de aquella relación, su hermano Napoleón la agarró en delito fragante con Víctor Emmanuel Leclerc detrás del biombo de su oficina. Por supuesto, los obligó a casarse.

Víctor Leclerc a sus 24 años era general del ejército de Napoleón y uno de sus hombres más fieles. Admiraba tanto a Bonaparte, que no sólo vestía como él, sino que también imitaba su forma de andar. Se casaron el 14 de junio de 1797, y aunque Paulina –ahora de 17 años- albergaba ciertos sentimientos hacia su marido, al poco tiempo dejó de serle fiel. Era vox populi que tenía una gran afición hacia los soldados rasos. Un año más tarde dio a luz a su único hijo, un varón al que Napoleón insistió en bautizarlo como Dermide, debido a un personaje de algún poema que le gustaba.

General Leclerc y Pauline Bonaparte

A Leclerc le fue confiado el mando del ejército francés en Haití, donde un soldado negro rebelde junto al médico de la población, habían logrado derrocar no sólo a los colonos franceses e ingleses, sino también liberar a los esclavos (en un inicio con la aprobación de Napoleón). Sin embargo, ahora el negro Toussaint Louverture (así se llamaba) se había convertido en un problema, se había autonombrado Gobernador de la isla, declarando que él era el Bonaparte de Santo Domingo.

Bueno, el asunto es que Napoleón quería que su cuñado vaya y someta a Toussaint, lo encarcele, y que la esclavitud sea restablecida en la colonia. Cuando Pauline se enteró del viaje que le esperaba junto a su marido -a un lugar tan poco glamoroso-, tuvo un ataque de histeria y tuvo que ser llevada por la fuerza a la nave. Llegaron a Haití en 1801. Una vez ahí sin embargo, Paulina se dio cuenta de que la sociedad no era tan provinciana como ella había pensado. Encontró bailes y fiestas de sociedad en la pequeña isla, donde aparte de los franceses también convivía una pequeña aristocracia inglesa y española.

El rebelde haitiano Toussanit Louverture, según un grabado de 1802

El clima, los ritmos exóticos y el ambiente caribeño devolvieron a Pauline su vitalidad, su picardía, y ella volvió por sus fueros, involucrándose principalmente con soldados de bajo rango y oficiales. Sin embargo, cuando la isla fue golpeada por la fiebre amarilla, se reconoce que Pauline cumplió una gran labor sumándose a las brigadas de atención a los enfermos. Lastimosamente su esposo, el joven General Leclerc fue uno de los muchos que murieron con la epidemia. Pauline estaba desolada, se cortó su larga cabellera y la depositó junto al cuerpo de su marido en el ataúd, tras lo cual regresó con su pequeño hijo a Francia.

El duelo y la pena de Pauline no duraron mucho, ya que llegando a Europa retomó sus ardientes hábitos. Y ahora no sólo se limitaba a disfrutar de sus apetitos físicos y carnales, sino que también sacó a relucir su lado materialista. Compró lotes de ropa y de la mejor, más de la que podría usar el resto de su vida a un vestido diario. Pasaba de fiesta en fiesta y siempre hasta el final, una mujer de afterparty, pero su reciente viudez y comportamiento provocaron una oleada de rumores entre las clases altas francesas. Llevaba vestidos tan transparentes que uno podía ver la perfección de su cuerpo a través de la tela. Era impulsiva y coqueta, pero así mismo carecía de instinto maternal. Cuando su hijo murió a la edad de ocho años, Pauline no estaba a su lado. Napoleón trató de ocultar este hecho, siempre quiso vender una mejor imagen de su hermana, pero su comportamiento no ayudaba. Ella prefería seguir con su rutina de belleza que incluía una bañera diaria de leche mezclada con agua, a la cual adjudicaba la suavidad de su piel y lozanía de su rostro.

Generalmente era asistida en la bañera por un sirviente negro llamado Pablo. Cuando alguien le hacía notar que esa compañía era impropia en un momento tan íntimo como el baño diario, la hermana del Emperador pronunciaba la frasecita tristemente célebre: "un negro no es un hombre". De todas formas, hizo que Pablo fuese también acompañado por otro de sus sirvientes blancos, para de esa forma dar a su baño una apariencia más respetable.

Pauline tenía la costumbre de recibir a sus invitados masculinos mientras descansaba dentro de su bañera. Cuando salía de ella podía pasar horas con sus invitados vistiendo solamente una camisa, un poco de labial, el pelo recogido y el perfume elegido.

Pauline Bonaparte

A diferencia de los otros hermanos de Napoleón, Pauline no era muy ambiciosa en eso de los títulos y tampoco quería un reino para gobernar. En ese sentido, Napoleón la trató espléndidamente, como a todos sus hermanos. Cuando le regaló el ducado de Guantalla (con tierra y habitantes), ella más práctica e inteligente se lo vendió al Reino de Parma por seis millones de francos, sin embargo conservó para sí el título de Princesa de Guantalla.

Para agosto de 1803 habían pasado apenas ocho meses desde la muerte de su primer marido, pero Pauline ya se estaba casando con el príncipe Camilo Borghese. Napoleón estaba horrorizado al ver que su hermana se casaba tan pronto, pero Borghese era uno de los hombres más ricos de Italia, con una de las colecciones de diamantes más hermosa del mundo y por supuesto, dueño de la Villa Borghese. El matrimonio le dotaba a Pauline de 800.000 francos, la propiedad de parte de la Villa Borghese, joyas de la colección de la familia y dos carruajes personales entre otras chucherías. Pero no tardó mucho tiempo en desilusionarse de su marido. Ya sabemos, la vida de los reyes y poderosos siempre ha sido la carroña del pueblo, y empezaron a regarse rumores de que Camilo, como todo buen romano era homosexual, mientras que otros decían que no dio la talla a Pauline, mujer acostumbrada a hombres mejor dotados, no precisamente en lo económico. También había algo de fondo, y era que a ella no le gustaba para nada la sociedad romana, sencillamente amaba Francia. Antes de volverse a su patria e ignorando las protestas de su esposo, pasó brevemente por Florencia, donde encargó que le tallara dos estatuas de sí misma al escultor Antonio Canova, el tallador más famoso de Italia en aquella época.

Su segundo esposo, el Príncipe Camilo Borghese

Canova ya había hecho varios trabajos para Napoleón, así que esculpir a la hermana favorita del emperador le era muy natural, hasta que Pauline decidió posar desnuda, lo que conmocionó al escultor, cuyas manos dicen, temblaban cuando aplicaba la arcilla sobre su cuerpo. Después, cuando le preguntaban que “cómo pudo posar desnuda”, ella respondía: "¿y por qué no?, no hacía frío, ese estudio era caliente como el infierno".

La estatua de Pauline llamada Venus Victrix avergonzó tanto a su marido, que la hizo esconder en un desván donde nadie pudiese verla, pero la vida es irónica y muchas veces se nos ríe en la cara: fue encontrada en las bodegas de la casona y puesta en exhibición permanente en la Villa Borghese de Roma, donde ahora todo el mundo puede contemplar la desnudez de su esposa.

Paulina Bonaparte tallada por Antonio Canova

Según algunos historiadores, la promiscuidad le pasó factura a la bella Pauline porque se dice sufría de una enfermedad venérea que temporalmente la convertía en ninfómana, lo cual evidentemente es un mito. Lo que sí es cierto es que ella tuvo varios amantes, a los cuales acudía por su constante necesidad de sexo. Uno de los afortunados fue el pintor e intelectual Nicolás de Forbin, un artista venido a menos y que pintaba para poder comer, a quien Pauline le cambió la vida haciéndole su chambelán. Curiosamente era más conocido por estar bien dotado que por sus cuadros. También una época tuvo de favorito al violinista Blangini, al que dejó de lado por su colega Nicolo Paganini, y después a Jules de Canouville, jefe de personal de Napoleón. En un desesperado esfuerzo por proteger su reputación, Napoleón adoptó la tendencia de enviar lejos a sus amantes militares, al frente de batalla, de donde nunca regresaban.

Napoleón vencido, derrotado

Cuando Napoleón perdió el poder, Pauline le demostró que a pesar de sus excesos y defectos, siempre fue una buena hermana. Liquidó todos sus bienes en dinero en efectivo (vendió su casa al duque de Wellington, que quedó encantado con ella), y se trasladó a Elba, uniéndose a su hermano en el exilio. Ella fue la única hermana que lo apoyó. Su hermana Caroline, a quien Napoleón había hecho reina de Nápoles, intrigó a su marido para volverse en contra de su hermano. Pauline en cambio utilizó su dinero para mejorar las condiciones de Napoleón en la isla. Organizó grandes fiestas y bailes para los habitantes, y se puso los vestidos más bonitos para agradar a su hermano. Bonaparte, a pesar de que amaba a su hermana, encontró su presencia particularmente difícil al poco tiempo. Sin embargo, cuando el corso decidió regresar a Francia para recuperar su poder, no tuvo más apoyo que el de Pauline. Antes de iniciar su campaña final, ella le hizo entrega de los diamantes Borghese que valían una fortuna. Cuando Napoleón fue capturado después de Waterloo, las piedras preciosas fueron encontradas en su coche.

Napoleón en Waterloo

Después de Waterloo vino el exilio final de Napoleón en Santa Elena, mientras tanto, Pauline regresó a Roma con los bolsillos vacíos, donde gozó de la protección del Papa Pío VII, que alguna vez fue prisionero de su hermano. Vivió en un chalet llamado Villa Pauline, totalmente decorado con un marcado estilo faraónico, obviamente resultado de la campaña de su hermano en Egipto. Siguió preocupada por su hermano, escribiendo decenas de cartas a dignatarios extranjeros, tratando de obtener las mejores condiciones para el exilio de su hermano, a donde tenía previsto ir a visitarlo. Desafortunadamente una serie de enfermedades no le permitió cumplir su deseo. Cuando murió Napoleón en 1821, Pauline lloró lágrimas amargas.

A pesar de que su marido se había mudado a Florencia hace más de diez años (donde tenía una amante) y había declarado públicamente que quería divorciarse de ella, Pauline logró persuadir al Papa para que la reconcilie con su marido tres meses antes de su muerte en 1825. Pauline tenía apenas 44 años.

La leyenda cuenta que antes de que exhalara su último aliento, le pidió un espejo a un sirviente, se miró a sí misma y sonrió. "No le temo a la muerte", dijo. "Soy todavía hermosa". Murió puesta su mejor vestido, y en la extremaunción pidió ser enterrada con el resto de la familia Borghese.
Se puede escribir mucho acerca de Pauline Bonaparte, de lo que fue y de lo que la gente decía que era, pero no podemos olvidar que fue la única hermana recíproca con Napoleón, que fue el hombre que sacó a su familia de una isla y la instaló en la nobleza.

Fuentes y referencias:
Las mujeres de Napoleón de Christopher Hibbert
1, 2, 3, 4, 5, 6

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El rescate pagado más caro de la historia

noreply@blogger.com (Carlos) — Tue, 13 Mar 2012 08:23:00 +0000

Ubiquémonos en el Mar Egeo en el año 78 antes de nuestra era. El desenlace de esta anécdota bien pudo influir en el curso de la historia que conocemos y de sus civilizaciones. En aquel año, cierto joven aristócrata romano fue expulsado de Italia por el dictador Lucio Sila, por haberse aliado a las huestes de su más enconado rival. Mientras duraba su destierro, este ambicioso joven había decidido perfeccionarse en el arte de la Oratoria y la Elocuencia, en la academia del afamado profesor Apolonio Molo. Por esta razón navegaba hacia la Isla de Rodas.

Mientras el buque costeaba la isla de Farmacusa, a la altura de las rocosas riberas de Caria, se percataron de que algunas embarcaciones de forma alargada y baja (evidentemente piratas turcos) se aproximaban hacia ellos. Los extraños se acercaban a gran velocidad y para colmo, el barco romano era lento y la brisa no ayudaba. No tenían más remedio que resignarse y así lo hicieron, la nave romana esperó pacientemente el abordaje de las canoas piratas y al poco tiempo, su cubierta estaba ya tomada por aquellos bárbaros de piel tostada por el sol.

Piratas listos para el abordaje

El jefe de los piratas lanzó una mirada circular sobre los asustados pasajeros e inmediatamente llamó su atención un joven aristócrata, vestido elegantemente según la última moda de Roma, y que sentado en medio de sus sirvientes y esclavos, se entregaba tranquilamente a la lectura. Avanzando hacia él, el pirata le preguntó quién era, pero el altivo muchacho, lanzándole una mirada desdeñosa, continuó leyendo. El pirata, enfurecido, se dirigió entonces a uno de los compañeros del noble romano, el cual le reveló el nombre de su prisionero: era Cayo Julio César.

Se planteó la cuestión del rescate. El pirata deseaba saber la suma que Julio César aceptaba pagar por recobrar su propia libertad y la de sus criados. Como el romano no se dignó siquiera en contestar, el capitán se volvió hacia su ayudante pidiéndole su opinión acerca del valor por el que tasaba al grupo. Este "experto", después de examinarlos detenidamente uno por uno, estimó que diez talentos serían una suma razonable.
El capitán pirata, irritado por el aire de superioridad del joven aristócrata, le cortó la palabra, diciendo:
- Pues bien, voy a doblarla. Veinte talentos: éste es mi precio.
Esta vez, César abrió la boca. Frunciendo el ceño, declaró:
- ¿Veinte? Si conocieses bien tu oficio, te darías cuenta de que valgo cuando menos cincuenta.
El pirata se sorprendió. Nunca había tenido un prisionero que se creía lo bastante importante para pagar de buen grado un rescate tan cuantioso. Era una cantidad enorme. La razón de su arrogancia seguramente se debía al hecho de que estaba emparentado con algunos de los hombres más influyentes de su época, y su suegro era de uno de los más grandes políticos y militares.

Aclaremos. El talento era una medida monetaria que equivalía aproximadamente a 26 Kg (de oro en este caso), calculen por 50 talentos, nos da una cifra aproximada a 1300 Kg del precioso metal. La cotización actual del lingote de un kilo alcanza los $ 240.000 dólares en el mercado. Eso nos da la referencia de que un talento de oro al cambio actual, superaría los seis millones de dólares. Imagínesen eso multiplicado por 50. Era una cifra realmente obscena.
Para que tengan una mejor idea de la cantidad, recordemos que Roma "El Imperio", exigió a Cartago (otro imperio) como indemnización por daños de guerra apenas diez mil talentos.

Sitio aproximado donde los piratas los abordaron, actualmente es el sudeste de Turquía

Siguiendo con el relato, el pirata le tomó la palabra a Julio Cesar, luego lo hizo arrojar a una de las embarcaciones junto con los demás cautivos, y los llevaron a una de sus guaridas rocosas hasta esperar el regreso de los emisarios y negociadores que ambos enviaron a Roma para reunir el rescate.

César y sus compañeros fueron alojados en algunas chozas de una aldea ocupada por los piratas. El joven romano pasaba el tiempo entregándose cada día a ejercicios físicos: corría, saltaba, lanzaba piedras gruesas, compitiendo a menudo con sus raptores. En sus horas menos activas, escribía poemas o bien componía discursos. Caída la noche, se reunía frecuentemente con los piratas en torno al fuego, ensayando con ellos el efecto de sus versos o de su elocuencia. Los piratas, según lo relata el historiador Plutarco, tenían una opinión muy desfavorable sobre los modales de su secuestrado y se la manifestaban sin ninguna delicadeza. Debía ser una vida extraña para el joven, que también era descrito por el dictador Lucio Sila, como "un muchacho con faldas". Por aquel entonces César tenía apenas 22 años.

Las famosas tertulias nocturnas donde los piratas se burlaban de César y su ambigüedad sexual

Como un auténtico romano, no solamente despreciaba a sus captores por sus modales groseros y su falta de educación, sino que también les reprochaba sus defectos. De hecho, tuvo un inmenso placer al describirles lo que les sucedería si alguna vez la pandilla cayese entre sus manos, prometiéndoles que sería magnánimo con ellos y solamente les haría crucificar a todos. Los piratas obviamente se reían de buena gana al escuchar sus amenazas, y se burlaban por su manera de actuar y comportarse tan poco varonil, casi afeminado; de hecho lo miraban con una especie de respetuosa condescendencia. Cierta noche en que los piratas se quedaron hasta altas horas emborrachándose en torno al fuego y haciendo más bulla que la habitual, el exigente prisionero mandó a uno de sus criados a notificar al capitán su deseo de que hiciera callar a quienes estorbaban su reposo. Su demanda fue respetada: el jefe ordenó a su tripulación que cesara el alboroto.

Por fin, al cabo de treinta y ocho días, regresaron los negociadores con la noticia de que el rescate de cincuenta talentos acababa de ser depositado en manos del legado Valerio Torcuato, y César con sus compañeros fueron embarcados a bordo de un buque y enviados a Mileto. Reunir una suma tan considerable había tomado un tiempo más largo de lo que se creía, pues el Emperador Sila, después de haber desterrado a César, había confiscado todos sus bienes y también los de su esposa Cornelia. De haberlo sabido antes, seguro se hubiera dado un poco menos de importancia.

Al llegar a Mileto el rescate fue entregado a los piratas, y por su parte César pisó tierra deseoso de ejecutar en el acto su venganza. Pidió prestado a Valerio cuatro galeras de guerra y quinientos soldados, y casi tras ellos se puso en marcha hacia Farmacusa. Al llegar allí encontró, tal como había esperado, a toda la pandilla embriagada celebrando el pago del rescate.

Piratas festejando

Fueron sorprendidos indefensos y no opusieron resistencia. Casi todos se entregaron, salvo unos pocos que lograron huir. César ahora tenía cerca de trescientos cincuenta prisioneros y la satisfacción de recuperar sus cincuenta talentos. Después de embarcar a los delincuentes en las galeras, hizo hundir todos los navíos piratas; luego alzó velas y se dirigió hacia Pérgamo. Recuerden que no podía volver a Roma.

En Pérgamo hizo encerrar a sus prisioneros en una fortaleza y se fue a hablar con el pretor (gobernador) Marco Junio. Le contó someramente lo que le había sucedido y le pidió una carta con su autorización para ejecutar a los piratas o por lo menos a sus jefes. Al pretor Marco Junio no le gustaba a actitud de aquel joven autoritario que quería hacer justicia con su propia mano. Había, además, otras consideraciones. El sistema según el cual los mercaderes pagaban tributo a los piratas a cambio de su inmunidad, era prácticamente sagrado. Era una vieja costumbre que después de todo no funcionaba tan mal. Si el pretor accedía a los deseos de César, los sucesores de los piratas, extranjeros siempre, se volverían más bárbaros de lo que habían sido con él.

Junio además, era un pretor astuto y corrupto. Enseguida se dio cuenta de que aquella pandilla de piratas era rica y sabía que podía sacar una tajada de ellos, a manera de gratitud, si éste ejerciese un decreto de clemencia devolviéndoles la libertad. Le dijo a César que el mismo se ocuparía del asunto y que pronto le informaría de su decisión. César que no era ningún tonto, lo comprendió y se le adelantó.

Se despidió del gobernador y fue enseguida a donde los tenía encerrados. Por autoridad propia (es probable que la nueva situación en Roma fuera ignorada en las provincias), hizo ejecutar en la prisión a los piratas, eligiendo a treinta de los cabecillas para la crucifixión que les había prometido. Cuando los escogidos aparecieron ante él cargados de cadenas, César les recordó su promesa, pero añadió que queriendo mostrarse agradecido por las bondades que tuvieron para con él, iba a concederles un supremo favor: antes de ser crucificados, serían degollados.

Arreglado el asunto, César prosiguió su viaje –interrumpido por este percance- y entró, tal como lo había deseado, a la excelente escuela de arte oratorio de Apolonio Molo. Sobra decir que a partir de entonces, nadie volvió a poner en duda su palabra.

Así fue forjando su carácter y liderazgo, hasta que tres décadas más tarde, César y su ejército entrarían victoriosos en Roma donde se auto proclamó Emperador Vitalicio, pero esa es ya otra historia que algún momento les contaré.

Fuentes y referencias:
Historia de la Piratería, Gosse Philip
En la web: 1, 2, 3, 4, 5

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La roca detrás del genio, la mujer de piedra.

noreply@blogger.com (Carlos) — Tue, 06 Mar 2012 07:28:00 +0000

"Hace poco hemos terminado un trabajo muy importante que hará mundialmente famoso a mi marido". Cuando se le preguntaba a Mileva Maric por qué no firmaba los artículos que elaboraba junto a su esposo, su respuesta era: "Wir sind ein Stein!" (Somos Einstein), que en alemán significa "somos una piedra".

Mileva Maric y Albert Einstein se conocieron en la Universidad Politécnica de Zurich a finales del siglo XIX. Maric era la única mujer que estudiaba matemáticas y física en aquella universidad. En 1896 iniciaron una relación sentimental y Einstein estaba fascinado por la intensa colaboración intelectual que recibía de parte de su compañera serbia. A la única persona que disgustaba aquella relación era a la madre del genio, una alemana misógina y xenófoba, que nunca vio con buenos ojos a la serbia: “Ella es un libro igual que tú, pero lo que tú necesitas es una mujer. Cuando tengas 30 años, ella será una vieja bruja”.

Mileva Maric y Alberto Einstein a finales del siglo XIX

Como sea, la pareja estaba flechada porque ambos hablaban el mismo lenguaje: ella le dio clases de matemáticas (que nunca fueron el fuerte de Einstein), preparaban juntos sus exámenes y compartían el mismo interés por la ciencia y por la música. Einstein le escribió en 1900: “Estoy solo con todo el mundo, salvo contigo. Qué feliz soy por haberte encontrado a ti, alguien igual a mí en todos los aspectos, tan fuerte y autónoma como yo”.

En 1902, Einstein se trasladó a la ciudad de Berna, Suiza, donde consiguió empleo en una oficina de patentes. Tras cinco años de convivencia Albert y Mileva terminaron casándose a comienzos de 1903 y tuvieron su primer hijo al año siguiente. En sus ratos libres, Einstein desarrolló, entre otras cosas, la Teoría de la relatividad especial que habría de revolucionar la física moderna. Los frutos de su trabajo fueron publicados en 1905, en la -en aquel entonces- prestigiosa revista Annalen der Physik.

Un ejemplar de "Anales de la Física"

Cuando se le preguntaba a Mileva por qué no firmaba los artículos que elaboraba junto a su esposo, su respuesta era: "Wir sind ein Stein!" (Somos Einstein), que en alemán significa “somos una piedra”.

Esta es más o menos la historia oficial, la que todos sabemos; pero se puede ahondar un poco más en la vida privada del genio, en sus inicios y sobre todo, en la relación con su primera esposa.

Aunque Mileva fue una sobresaliente matemática, nunca terminó formalmente sus estudios, en cambio Albert pudo defender su tesis doctoral en 1905. Para 1908, Einstein consiguió finalmente un puesto de profesor en la Universidad de Berna. En cuanto a Mileva, el matrimonio la obligó a abandonar definitivamente la universidad y la física.

Existen varias cartas del noviazgo en las que Einstein debate con ella sus ideas de la relatividad e inclusive se refiere a “nuestra teoría” y le da un trato de colega. A partir de estas evidencias hay estudiosos que concluyen que las ideas fundamentales de la teoría de la relatividad fueron de Mileva Maric, quien no pudo continuar con su carrera puesto que se hizo cargo del cuidado de los hijos, uno con retraso mental, lo que desde luego le exigió más cuidados maternales. Incluso ahora se sabe que engendraron una niña en 1902, antes de casarse, de la cual se sabe muy poco, sólo que la entregaron en adopción.

Mientras ella cuidaba de sus hijos y renunciaba a la ciencia, Einstein desde su puesto académico tuvo el tiempo suficiente para concluir sus estudios y desde luego para desarrollar la teoría, de la que se sabe ahora, no todo el crédito era suyo. En esa pareja de físicos alguien tenía que cuidar a los niños, alguien tenía que lavar y preparar la comida; y ése fue el papel que Einstein y la sociedad patriarcal asignaron a Mileva, quien subordinó todas sus aspiraciones a los objetivos de su esposo y puso todos sus conocimientos a su servicio.

Mileva Maric y sus hijos, Albert y Eduardo

"Mi gran Albert ha llegado a ser célebre, físico respetado por los expertos que se entusiasman por él. Trabaja incansablemente en sus problemas. Puedo decir que sólo para eso vive. Tengo que admitir, no sin vergüenza, que para él somos secundarios y poco importantes", escribía Mileva a unos amigos. Einstein a su vez admitía: "Nuestra vida en común se ha vuelto imposible, hasta deprimente, aunque no sé decir por qué".

Con el paso del tiempo la relación se tornó disfuncional. Ella ya no le resultaba divertida y tampoco le aportaba nuevas ideas ni conocimientos. Las “Reglas de conducta” que Albert Einstein le impuso por escrito en 1914 son una cruda muestra de su autoritarismo y, a su vez, del machismo y violencia sicológica que ejerció en contra de Mileva:

“A. Te encargarás de que:

mi ropa esté en orden,
que se me sirvan tres comidas regulares al día en mi habitación,
que mi dormitorio y mi estudio estén siempre en orden y que mi escritorio no sea tocado por nadie, excepto yo.

B. Renunciarás a tus relaciones personales conmigo, excepto cuando éstas se requieran por apariencias sociales. En especial no solicitarás que:

me siente junto a ti en casa,
que salga o viaje contigo.

C. Prometerás explícitamente observar los siguientes puntos cuanto estés en contacto conmigo:

no deberás esperar ninguna muestra de afecto mía ni me reprocharás por ello,
deberás responder de inmediato cuando te hable,
deberás abandonar de inmediato el dormitorio o el estudio y sin protestar cuanto te lo diga.

D. Prometerás no denigrarme a los ojos de los niños, ya sea de palabra o de hecho.”

Con este tipo de imposiciones obviamente que las cosas no funcionarían nunca, por lo que los Einstein terminaron separándose en 1914. Einstein volvió a casarse en 1915 con una de sus primas, Elsa Einstein, quien también era divorciada y tenía dos hijas. Esta nueva relación marital fue como un necesario soplo de vida para el aún desconocido físico, ya que apenas un año después y con una inusual lucidez y energía dio a conocer su famosa Teoría General de la Relatividad.

Elsa Einstein, prima y segunda esposa del genio

Elsa fue la mujer sumisa que Einstein buscaba. En silencio y total sumisión supo mantenerse a prudente distancia, dedicada al hogar y facilitándole el trabajo de investigación. Su doméstica obediencia dio un paso más cuando aceptó organizarle la agenda y restringirle el número de visitantes que aspiraban hablar con él, a medida que crecía su fama.

De los hechos se desprende que Einstein nunca necesitó una esposa sino una secretaria, y que no quiso formar una pareja científica ni conceder crédito alguno en su teoría a su ex esposa Mileva. Quizá por eso, de alguna manera le pagó por su aporte, al otorgarle el dinero que ganó por el Premio Nobel de Física.

Un detalle bastante revelador aportado por la feminista alemana Senta Trömel-Plözt es que, cuando Albert y Mileva se separaron oficialmente en 1919, el documento del divorcio incluyó una cláusula de que, en caso de recibir Einstein algún premio por los artículos publicados en 1905 en los Annalen der Physik, debía entregárselo íntegramente a Mileva. ¿Tenía la esperanza Mileva que ese trabajo revolucionaría al mundo? ¿Cómo pudo saberlo si no fue parte del mismo? Fue en los años de su vida conjunta, hasta 1914, cuando nacieron las obras más importantes de Einstein, por lo que algunos creen que el papel de su mujer era significativo, sobre todo en matemáticas, materia en la que alguna vez brilló en su Facultad.

Mileva Maric

Y fue así que en 1921 Albert Einstein ganó el Nobel de Física por sus publicaciones de 1905, y un año después le entregó la totalidad del dinero del premio a su ex-esposa. Y también hay que decirlo: Einstein era un misógino empedernido. Estaba convencido de que “muy pocas mujeres son creativas. No enviaría a mi hija a estudiar física. Estoy contento de que mi segunda mujer no sepa nada de ciencia”. Decía también que “la ciencia agría a las mujeres”, de ahí la opinión que tenía de Marie Curie: “nunca ha escuchado cantar a los pájaros”. Aun así, dentro de ese machismo recalcitrante, fue quien acuñó la célebre frase: “¡Triste época la nuestra! Es más fácil desintegrar un átomo que un prejuicio”.

Mileva vivió hasta el último de sus días en Zúrich, en un apartamento con vista a la facultad en la que estudiaron juntos. El piso fue comprado justamente con el dinero del Premio Nobel.

Sirva este pequeño retrato de Mileva Maric como homenaje a esas miles, millones de abnegadas esposas y madres, que han sacrificado sus sueños, carreras e ideales, porque el instinto maternal y el amor han sido más fuertes que el estatus. Feliz Día de la Mujer.

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Las Cuatro Libertades Fundamentales

noreply@blogger.com (Carlos) — Fri, 24 Feb 2012 08:13:00 +0000

Para 1941 la Alemania Nazi ya había ocupado la mayor parte de Europa y Japón expandía su poder militar. Los Estados Unidos creyeron que era el momento de armarse, e hicieron bien, ya que ese mismo año los japoneses atacaron Pearl Harbor, obligándolos así a entrar en la guerra.

El 6 de enero de 1941, el Presidente de los Estados Unidos Franklin D. Roosevelt dio un famoso discurso ante el Congreso norteamericano. Se lo conoce como El Discurso de las Cuatro Libertades (Four Freedoms Speech). En el mismo, Roosevelt propuso como metas cuatro libertades fundamentales, que todas las personas y "en cualquier lugar del mundo" deberían disfrutar cuando culmine la guerra:

Libertad de expresión
Libertad de culto
Libres de miseria
Libres del temor

“Para un futuro, que tratamos de hacer seguro, anhelamos un mundo fundado en las cuatro libertades humanas esenciales:
La primera es la libertad de palabra y expresión, en cualquier lugar del mundo.
La segunda es la libertad de cada persona para adorar a Dios a su propio modo, en cualquier lugar del mundo.
La tercera es la libertad frente a la miseria, que, traducida en términos mundiales, significa acuerdos económicos que aseguren a cada nación una vida saludable y en paz para todos sus habitantes, en cualquier lugar del mundo.
La cuarta es la libertad frente al miedo, que significa una reducción mundial de armamento a tal punto y de manera tan profunda, que ninguna nación esté en situación de cometer un acto de agresión física contra ningún vecino, en cualquier lugar del mundo.
Esta no es la visión de un milenio lejano. Es una base concreta y alcanzable en nuestro propio tiempo y en nuestra generación.”
Franklin D. Roosevelt

Este discurso emocionó tanto al pintor e ilustrador Norman Rockwell que le sirvió de inspiración para crear una serie de cuatro pinturas, cada una de ellas representando cada una de las libertades proclamadas por Roosevelt, con la habilidad de traducir los conceptos abstractos de libertad en escenas idealizadas de la vida cotidiana americana, especialmente en las relativas a la libertad frente a la penuria (una abuela sirve el pavo de la cena del Día de Acción de Gracias) y a la libertad frente al miedo (una madre arropa a sus hijos acostados, mientras el padre los contempla, de pie junto a la cama.

Libertad de expresión

Libertad de culto

La Libertad de miseria implicaba que los gobiernos tenían que garantizar las necesidades básicas de los ciudadanos. La Libertad de temor pedía una reducción mundial de armamento para que ninguna nación pudiera amenazar a otra. Muchos conservadores y empresarios se opusieron a Roosevelt, creyendo que sus políticas eran desatinadas.

Libres de miseria

Libres del temor

Roosevelt destacó que pedía estas Cuatro Libertades no sólo para su país, sino para “todo el mundo”. Durante la Segunda Guerra Mundial continuó insistiendo en la implementación de estos ideales y en la creación de una Organización de Naciones para llevarlas a cabo. Es de esta manera y apoyando tan nobles objetivos, que la ONU es fundada el 24 de octubre de 1945 en San Francisco (California), inicialmente con 51 países, al finalizar la Segunda Guerra Mundial, quienes firmaron la Carta de las Naciones Unidas.
Tras la muerte de Franklin Roosevelt, su esposa y ex primera dama, Eleanor Roosevelt, encabezó el comité de la ONU que redactó la Declaración Universal de Derechos Humanos en 1948. Esta Declaración, un hito en la expansión de la libertad, amplió las ideas de las Cuatro Libertades.

Las pinturas se encuentran actualmente en el Museo de Norman Rockwell en Stockbridge, Ma.

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La página más triste de Pushkin

noreply@blogger.com (Carlos) — Wed, 08 Feb 2012 05:21:00 +0000

"La belleza de Natalia enseguida causó furor en la alta sociedad, y hasta el emperador Nicolás I fue uno de sus admiradores. Mientras tanto, y debido a su popularidad como escritor, Pushkin se veía obligado a pasar en Moscú más tiempo de lo que deseaba..."

Las confrontaciones físicas relacionadas con insultos o posicionamiento social se remontan a la prehistoria, pero el concepto de duelo formal en la sociedad occidental se originó en el duelo judicial de la Edad Media.

La iglesia lo condenaba, pero la sociedad no. De hecho, vencer en uno de ellos era reconocido como un acto de heroísmo y no como asesinato, y el estatus social del vencedor se veía incrementado. Hasta hace un par de siglos, el duelo establecía la respetabilidad de un caballero y era el medio aceptado para resolver disputas. En aquellas sociedades era sin duda una mejor (y más rápida) alternativa que otras formas de conflicto menos reguladas.

Con esos antecedentes, vamos a nuestra historia: Aleksandr Pushkin es considerado el poeta más grande de Rusia y el fundador de la literatura rusa moderna. Fue el primero que fusionó el lenguaje eslavo cotidiano con la vieja escuela rusa, con lo que su poesía cobró más fuerza y colorido.

Aleksandr Pushkin

Pushkin pertenecía a una familia aristocrática culta, distinguida y con un largo linaje, pero era pobre. Después de valerse de muchas amistades pudo ser aceptado en el Liceo Imperial, que era la escuela exclusiva para la nobleza. Se graduó en 1817 con excelentes notas, lo que lo hizo acreedor a una beca del Consejo de Relaciones Exteriores en San Petersburgo.

Los siguientes tres años que la pasó viajando y escribiendo sus experiencias. Se hizo conocido en las altas esferas y era bien recibido en los más altos círculos sociales y literarios. A pesar de este estilo de vida frívolo, Pushkin creía que su país necesitaba una reforma social. Llegó a ser asociado con otros aristócratas miembros de un movimiento radical, responsable de una sublevación en 1825, pero se dice que Pushkin nunca fue parte de ella. Sus escritos no se salvaron y fueron considerados revolucionarios, en especial "Oda a la Libertad", que enfureció particularmente al emperador Nicolás I, por lo que fue desterrado de San Petersburgo, que era entonces la más cosmopolita y aristócrata ciudad del Imperio Ruso.

Durante el exilio recorrió Ucrania dedicándose a las letras y al teatro, y fue allí en 1929, donde conoció a Natalia Goncharova, de quien se dice que fue la mujer más bella de Rusia. Fueron novios durante dos años, hasta que en 1831 recibió el perdón del emperador y decidieron casarse.

Natalia Goncharova

En octubre de 1831 Pushkin se trasladó a vivir nuevamente en San Petersburgo, donde fue muy bien recibido por sus amigos aristócratas. La belleza de Natalia enseguida causó furor en la alta sociedad, y hasta el zar Nicolás I llegó a ser uno de sus admiradores. Mientras tanto, y debido a su popularidad como escritor, Pushkin se veía obligado a pasar más tiempo en Moscú de lo que deseaba.

Tal era la belleza de Natalia, que el 30 de diciembre de 1833, Nicolás I invistió a la joven pareja como kammerjunker (cortesanos). Pushkin, que no era ningún tonto, se sintió profundamente ofendido porque además de serle inútil en términos literarios, sabía que el nombramiento era sólo una excusa para ver a su mujer en los frecuentes bailes de la corte. Por otro lado, tampoco podía darse el lujo para gastar lo poco que ganaba en vestidos para que Natalia los use en cada baile, ya que como todo escritor honesto, vivía al día.

Sus problemas aumentaron cuando Natalia llevó a sus dos hermanas solteras a vivir con ellos (buscar marido) en el otoño de 1834. Meses antes, Pushkin también se había hecho cargo de las deudas de su hermano sin comentárselo a su esposa. Su situación financiera se vio agravada por lo que solicitó un considerable préstamo para cubrir sus deudas más apremiantes, y tramitar el permiso para publicar una revista. En 1836 se le permitió publicar una revista literaria trimestral que no tuvo mayor éxito.

Tras cuernos, palos. Muchos críticos empezaron a referirse a las obras de Pushkin como anticuadas y en desuso, situación que lo sumió en una profunda depresión.

Para esto, su vida conyugal se había vuelto un tormento. En 1834 Natalia Pushkina conoció a un apuesto militar francés al servicio de su embajada. Su nombre era George d’Anthes.

George D'Anthes

D'Anthes conoció a Pushkin y a su esposa en uno de los tantos bailes de la Corte, y se volvió loco por la hermosa y coqueta "Natasha". El francés la cortejó con descaro, de tal manera que se hizo evidente y Pushkin llegó hasta a amenazarlo verbalmente.

D'Anthes no cesó es su empeño durante dos años, pero luego cambió de estrategia: se casó con una de las hermanas de Natalia (Ekaterina), el 10 de enero de 1837. Mucho se ha hablado sobre este matrimonio, se dice que fue arreglado para contrarrestar los chismes de la sociedad y para acercarse a Natalia. De todas formas no fue suficiente para terminar con las habladurías ni para reconciliar a los dos nuevos concuñados. De hecho, los Pushkin no asistieron al matrimonio.

Después de la boda, D'Anthes reanudó su persecución a Natalia aún con mayor intensidad y tanto fue el cántaro a la fuente que se rompió. Pushkin lo retó a duelo.

El duelo tuvo lugar el 27 de enero (dos semanas después de la boda). D'Anthes disparó primero, y Pushkin fue herido de muerte. Agonizante, Aleksandr fue llevado a su casa en trineo, perdiendo mucha sangre durante el trayecto. El doctor Arendt, cirujano personal de Nicolás I, tardó mucho en llegar y se limitó a darle calmantes en vez de extraerle la bala. El joven escritor ruso murió a los dos días.

Miles de personas de todos los niveles sociales asistieron a la casa de Pushkin para expresarle su simpatía y llorarlo. Ante el temor de una protesta pública por lo sucedido, las autoridades mintieron declarando que el funeral se celebraría en la Catedral de San Isaac en San Petersburgo, donde sólo se permitía entrar a la nobleza, sin embargo, el funeral se llevó a cabo en secreto un día antes de ser anunciado, y el cuerpo de Pushkin fue sacado de contrabando fuera de la capital en la oscuridad de la noche.

D'Anthes fue encarcelado en la Fortaleza de San Pedro y San Pablo en San Petersburgo porque el duelo era ilegal. Fue llamado a declarar en la corte, pero fue indultado por el emperador , temiendo empañar las relaciones con Francia. Eso sí, fue despojado de su rango y lo enviaron escoltado a la frontera. En Berlín se le unió su esposa y la pareja regresó a Francia, donde comenzó una exitosa carrera política: fue miembro de la Asamblea Nacional Constituyente y senador inamovible desde 1852 hasta 1870.

Monumento en Moscú a Aleksandr Pushkin y Natalia Goncharova

Después de la muerte del poeta se habló mucho de la relación de "Natasha" con Nicolás I, incluso se rumoreó que se convirtió en su amante. En 1844, y después de haber sido bendecida por el zar, la bella viuda se casó con un oficial allegado a la familia.

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Cuando Oscar Wilde fue a la cárcel por sodomía

noreply@blogger.com (Carlos) — Wed, 01 Feb 2012 10:23:00 +0000

A estas alturas no es ningún secreto la homosexualidad de Oscar Wilde, pero en la época Victoriana, en la que le tocó vivir, sus preferencias sexuales escandalizaron a Gran Bretaña. Más que nada porque era ya un escritor de renombre y quizá fue uno de los primeros intelectuales en sacar la cabeza del closet.

Oscar Wilde

Para entender la historia debo comentar que para su época, la época victoriana, Oscar Wilde llevaba un estilo de vida bastante licencioso. A pesar de estar casado con una aristócrata inglesa, Wilde era conocido en el bajo mundo londinense por su preferencia por los muchachos jóvenes, y por gastar grandes sumas de dinero dándoles regalos costosos a sus amantes masculinos, que por lo general, eran púberes prostitutos. Y no es que durante el día se cuidara más, sino que era más selectivo y discreto; trataba en algo de cuidar las formas y apariencias, vamos, que estaba casado y tenía dos hijos.

Bueno, a mediados de 1891 le presentaron a un estudiante de Oxford llamado Alfred Douglas alias “Bosie”, del cual se enamoró profundamente. Las biografías dicen que fue amor mutuo y a primera vista, pero claro, mantenido en el más absoluto secreto por ambos, tanto es así, que Oscar Wilde se dio el lujo de llevar a su casa a Bosie y presentárselo a su esposa, para evitar las sospechas obviamente.

Alfred Douglas "Bosie"

Alfred Douglas era otro aristócrata, su padre era el Marqués de Queensberry, un hombre ateo poco acostumbrado a que le llevaran la contraria.

El Marqués de Queensberry enseguida empezó a sospechar del nuevo amigo de su hijo y de la naturaleza de aquella relación. Aquí cabe destacar que el Marqués de Queensberry era un hombre a carta cabal, aficionado y promotor de peleas, de hecho a él debemos la creación de las reglas modernas del boxeo. ya pueden imaginarse.

Marqués de Queensberry, padre de Alfred Douglas

Queensberry acabó por perder la paciencia y se enfrentó con su hijo delante de Wilde. Les advirtió que no permitiría una relación entre ambos ni que el escritor, por más afamado que sea, descarrile a su hijo por la homosexualidad. Palabras más, palabras menos.

Alfred Douglas (izq) y Wilde

En vista de que su advertencia no surtió efecto, decidió tomar cartas en el asunto. En junio de 1894, casualmente dicen, encontró a Oscar Wilde en la calle y aclaró su postura:

"Yo no digo que sean, pero lo parece, y se comportan como tales, lo que es igual de malo. Pero lo único que te digo, es que si te pillo de nuevo con mi hijo en cualquier restaurante público te daré una paliza."

A lo que Wilde respondió: "No sé cuáles son las reglas de Queensberry, pero la regla de Oscar Wilde es disparar sin aviso". El conflicto se había desatado.

El Marqués de Queensberry, que lo había mandado a investigar, un día se plantó en Albemarle Club, un antro londinense que frecuentaba Wilde y le dejó una nota al portero en una de sus tarjetas personales: “A Oscar Wilde, que alardea de sodomita” (por cierto, con faltas de ortografía).

Tarjeta personal del marqués

Pasaron dos semanas hasta que Wilde llegara y la leyera. El portero del club, que la había leído antes, aseguró a Wilde que nadie más la había visto. La cosa podía haberse quedado ahí, pero Wilde decidió querellarse contra el Marqués por injuriarlo como sodomita. Contrató al abogado Charles Humphreys quien, antes de aceptar su defensa, preguntó a Wilde qué había de cierto en la afirmación de Queensberry. Éste contestó que nada y sólo así, el abogado aceptó defenderlo. Este error de Oscar Wilde acabó con su vida privada y su carrera, fue el inicio de su ocaso.

El jurado declaró al Marqués no culpable ya que consideraron que Wilde sí que había alardeado de su orientación sexual. Esta absolución estuvo seguida de la detención de Wilde sin derecho a fianza y del embargo de sus bienes. El 26 de abril de 1895, se inició el primer proceso contra Wilde por pervertir a la juventud y contra Alfred Taylor (proxeneta londinense), por proporcionarle jovencitos.

Mucho se ha hablado de cómo se llevó este juicio. Que el Marqués había hecho seguir a Wilde desde mucho antes (ya eran cuatro años desde que se conocieron), que los testigos estaban pagados, que la prensa hizo un circo, pero lo cierto es que Wilde tuvo una actitud entre apática y ofendida que no lo ayudó durante el proceso. Su preocupación era defender a su amante, que, por cierto, dicen que no estuvo a la altura, ya que parecía que salía con Wilde sólo para fastidiar a su padre.

El abogado de Wilde en este proceso, Edward Clarke, consiguió que el Jurado fuera incapaz de alcanzar un veredicto y que se pusiera a Wilde en libertad. Ésta le duró muy poco, ya que se había decidido condenar a Wilde aunque hubiera que iniciar un segundo proceso. Y así se hizo. El 20 de mayo de 1895 se inició el segundo proceso en su contra que resultó en una condena a dos años de trabajos forzados que cumplió en la cárcel de Reading donde al entrar perdió su nombre y simplemente pasó a ser el reo C.3.3. En esta etapa su salud terminó gravemente deteriorada. Oscar Wilde tenía 41 años cuando entró a prisión.

Hay que decir que ambos procesos fueron un verdadero linchamiento, llenos de sensacionalismo y de interpretaciones maliciosas de las obras de Wilde. Por temor a la persecución, su amante y varios de sus amigos intelectuales huyeron a París dejándolo sólo.

Una de las últimas fotografías de Oscar Wilde y su amante juntos

Después del encarcelamiento de Wilde, su esposa cambió de nombre, también se los cambió a sus hijos y se los llevó a Holanda para desvincularse del escándalo. Lo obligó también a renunciar a sus derechos como padre y más tarde, después de haber sido liberado, se negó a seguirle manteniendo si lo veían con hombres o en compañía de su amante.

En la prisión escribió De Profundis, una larga y dolorosa carta a su amante Alfred Douglas, que -según sus biógrafos- por su comportamiento mezquino, no se la merecía. La carta no se la permitieron enviársela mientras estuvo preso, pero tras su liberación, le dio el manuscrito a un amigo en común, con instrucciones de enviársele una copia a Alfred Douglas, quien mucho después negó haberla recibido. De Profundis fue publicado parcialmente en 1905, su publicación completa y correcta, se produjo en 1962 en Las cartas de Oscar Wilde. Si desean descargar De Profundis, pueden hacerlo aquí.

Wilde murió en Francia tres años después de salir de la cárcel.

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La masturbación a través de la historia

noreply@blogger.com (Carlos) — Wed, 25 Jan 2012 04:59:00 +0000

"La ciudad de Mileto para esa fecha, se había hecho famosa en todo el Mediterráneo debido al cuero con el que confeccionaban sus consoladores. Tanto así, que Lisístrata, la heroína de la obra homónima de Aristófanes, era una mujer se quejaba amargamente de la escasez de dildos..."

En la actualidad el onanismo o masturbación sigue siendo visto como un tabú y tachado como actividad vergonzante, pero no siempre fue así. En la antigüedad era un acto común, personal y privado (la mayoría de veces), pero jamás denigrante ni prohibido por ninguna ley. No está muy claro desde cuando empezó a ser condenada y vista como algo perverso y amoral, pero de lo que si estamos seguros, es que gran parte de la culpa fue de la iglesia.

Los mitos más antiguos de la Mesopotamia y Egipto hablan del dios Apsu, que nació del océano primigenio, creándose a sí mismo mediante masturbación, saliva y lágrimas, y de esa forma dio vida a la Vía Láctea. Por eso no es nada raro que las reinas egipcias fueran enterradas hace más de cuatro mil años con todos los objetos que necesitarían en el más allá, principalmente ropa, peines y sus dildos (también llamados consoladores).

Aunque sólo el rígido código de los espartanos condenaba la masturbación, el resto de griegos la consideraba un don de los dioses puesto que el dios Hermes le enseñó a su hijo Pan, más conocido como Fauno, a masturbarse para aguantar el desdeño de la ninfa Echo. El Fauno aprendió bien la lección, superó su dolor y transmitió la enseñanza a los primeros pastores de la arcadia griega.

La masturbación era común en hombres y mujeres, pero es importante destacar que, por más que haya sido un obsequio de los dioses, era considerada una actividad privada y muy personal, aunque como toda regla tenía su excepción. Por ejemplo, el filósofo Diógenes se levantaba la toga y se masturbaba frente al público en el ágora. Obviamente el pueblo se sorprendía y las chicas -unas más, unas menos- se sonrojaban. Diógenes trataba de enseñar que todas las actividades humanas merecen ser hechas en público, que ninguna de ellas es tan vergonzosa como para requerir privacidad. De todas formas, aunque innovadora y audaz en todo sentido su propuesta, sus contemporáneos no estuvieron de acuerdo y no fue secundada.

El famoso médico griego Galeno sostenía que la retención de semen en el organismo era peligrosa y causante de mala salud. Citaba al mismo Diógenes como ejemplo de una persona culta, que practicaba el sexo y también se masturbaba para evitar los riesgos de la retención.

Los dramaturgos también mencionaban los consoladores en sus comedias, mientras los artesanos los representaban en sus jarras y cuencos. La ciudad de Mileto para esa fecha, se había hecho famosa en todo el Mediterráneo debido el cuero con el que confeccionaban sus consoladores. Tanto así, que Lisístrata, la heroína de la obra homónima de Aristófanes, se quejaba tristemente de la escasez de dildos:

“Y ni siquiera de los amantes ha quedado ni una chispa, pues desde que los milesios nos traicionaron, no he visto ni un solo consolador de cuero de ocho dedos de largo que nos sirviera de alivio «cueril». Así que, si yo encontrara la manera, ¿querríais poner fin a la guerra con mi ayuda?”
Línea 110

Para quienes no lo saben, Lisístrata es una comedia que narra la historia de un grupo de mujeres que decidieron suspender las relaciones sexuales con sus maridos, hasta que estos pusieran fin a la interminable guerra entre Atenas y Esparta. Para cumplir su objetivo, echan de menos los buenos consoladores de Mileto confeccionados con piel de perro, si, de perro. Es una buena comedia, pueden descargarla aquí.

Hay algo que es importante señalar, y es que la masturbación entre los hombres griegos adultos, también era vista como un signo de pobreza, ya que cuando tenían dinero preferían pagar a una trabajadora sexual.

Bueno, continuando con el curso de la historia, la masturbación cayó en desgracia en Europa con el inicio del cristianismo, pero lo curioso es que la Biblia no hace mención alguna sobre la masturbación. A pesar de eso, los primeros padres de la iglesia se oponían a esta práctica del mismo modo que a cualquier tipo de sexo no reproductivo. Por ejemplo, Augustine de Hipona (350–430 d.C), un obispo influyente de los primeros años de la iglesia cristiana, enseñaba que la masturbación y otras formas de relaciones sin penetración eran pecados peores que la fornicación, la violación, el incesto o el adulterio. Sostenía que la masturbación y otras actividades sexuales no reproductivas eran pecados "antinaturales" porque eran anticonceptivos. Como la fornicación, la violación, el incesto y el adulterio podían conducir al embarazo, eran pecados "naturales" y por lo tanto muchos menos graves que los pecados "antinaturales". De esta manera y desde esta fecha, la masturbación fue considerada como un pecado más grave que una violación o el incesto.

Agustín de Hipona, por Boticcelli

La condena de Augustín de Hipona a la masturbación como pecado antinatural fue aceptada por toda la iglesia durante la Edad Media y restablecida en el Siglo XIII por Santo Tomás de Aquino en su Summa Theologica.

La historia bíblica de Onan, citada frecuentemente como un texto en contra de la masturbación, en realidad se refiere al pecado que cometió Onan al rehusarse a obedecer el mandamiento de Dios de fecundar a su cuñada viuda. Onan copuló con ella pero se retiró antes de eyacular y "derramó su simiente" fuera del cuerpo de la mujer, o sea realizó un común y silvestre coitus interruptus. La Ley de Moisés dictaba que cualquier persona que derramase su semen en tierra infértil lo estaba haciendo en el lugar incorrecto. En el siglo XVI Martín Lutero confunde aquel interruptus con "palma de la mano", y con eso contribuye a aumentar el estigma que ya llevaba.

Para el Siglo XV, el teólogo Jean Gerson en su modelo penitencial De Confessione Mollities, aleccionaba a los sacerdotes sobre cómo inducir a las mujeres y a los hombres a confesar "ese detestable pecado". Gerson sugería guiarlos con una inocente pregunta así: "Amigo, ¿recuerda haber tenido el pene erecto durante su niñez, alrededor de los 10 o 12 años?" Luego, sugería pasar a preguntarle directamente al penitente si se había tocado o eyaculado.

Los manuales de penitencias también especificaban las sanciones correspondientes, que, hay que decirlo, eran relativamente leves en comparación a otras penas. Generalmente fluctuaban en el rango de los treinta días de oraciones especiales y ayuno. Vamos, una bagatela.

A fines del siglo XVI, el científico Gabriello Fallopio les enseñaba a los varones a tirar de sus penes de forma enérgica y frecuentemente para estirarlo, fortalecerlo y de este modo aumentar su potencia de procreación, pero sus teorías igual fueron repudiadas por la iglesia.

En el siglo XVIII hace su aparición el nefasto médico Samuel August Tissot, con un libro publicado en 1760 que debió haber sido quemado. De ese pafleto se editaron cientos de ediciones que fueron leídas desde Voltaire y Rousseau hasta los fundadores de los Estados Unidos, en el que se difundían los más horripilantes mitos acerca de la masturbación y del síndrome "post-masturbatorio". Europa y Norteamérica se empaparon de las advertencias que hacía Tissot sobre la masturbación y curiosamente fue publicado hasta bien entrado el siglo XX, logrando crear un temor casi universal. En su tratado Tissot ilustra una anécdota de un hombre, que según el autor, había recibido tratamiento tardío para la terrorífica enfermedad:

". . . fui a su hogar y lo que encontré era más un cadáver que un ser vivo yaciendo sobre heno, escuálido, pálido, exudando un hedor nauseabundo, casi incapaz de moverse. De su nariz fluía agua sanguinolenta, babeaba constantemente, sufría ataques de diarrea y defecaba en su lecho sin notarlo, había un flujo constante de semen, sus ojos, saltones, borrosos y sin brillo habían perdido toda capacidad de movimiento, su pulso era extremadamente débil y acelerado, su respiración era dificultosa, estaba totalmente emaciado, salvo en los pies que mostraban signos de edema."
"El trastorno mental era igualmente evidente, no tenía ideas ni memoria, era incapaz de conectar dos oraciones, no tenía capacidad de reflexión, sin temor por su destino, falto de todo sentimiento salvo el de dolor que volvía por lo menos cada tres días con cada nuevo ataque. Esto lo hundía al nivel de una bestia, un espectáculo de horror inimaginable, era difícil de creer que alguna vez había pertenecido a la raza humana. Murió varias semanas después, en junio de 1757 con todo su cuerpo cubierto de edemas."
"Los problemas que experimentan las mujeres son tan explicables como los de los hombres. Como los humores que pierden son menos preciosos, menos perfectos que el esperma masculino, no se debilitan tan rápidamente; pero cuando se entregan excesivamente, por ser su sistema nervioso más débil y naturalmente con mayor inclinación a los espasmos, los problemas son más violentos."

Así se representaba la agonía de un hombre aquejado del mal de la masturbación

También en la época victoriana se vio a la masturbación casi como la raíz de muchos de los problemas del mundo. Varios libros de medicina del siglo XIX describen como secuelas directas de la masturbación el aletargamiento, locura pasiva y la inevitable pérdida del cabello. Imagínense la mala fama que se llevaba un pobre calvo inglés. Algunos textos incluso la consideraban una práctica potencialmente mortal. "En mi opinión", escribió el Dr. Reveillè , "ni la peste ni la guerra han tenido efectos tan desastrosos para la humanidad, como el miserable hábito de la masturbación". Empezó entonces una lucrativa oleada de tratamientos para esta “enfermedad”, llevando a los curanderos hasta los Estados Unidos. Se patentaron dispositivos insólitos para evitar las erecciones nocturnas no deseadas.

Igual, en esta misma época se presentó un curioso fenómeno: los médicos solían combatir la histeria femenina acariciando manualmente el clítoris de las pacientes hasta que pudieran alcanzar el orgasmo, que en esa época era conocido como paroxismo histérico, puesto que consideraban que el deseo sexual femenino reprimido era una enfermedad. Increíblemente esta costumbre dio origen al nacimiento de los vibradores ya que los médicos se cansaban de manipular manualmente "tantos clítoris".

Mujer en "paroxismo histérico" luego de ser masturbada por un médico

Ya a finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX, aparece Sigmund Freud y reconoce que la masturbación podía tener efectos beneficiosos como como aliviar el estrés y evitar las enfermedades de transmisión sexual, sin embargo advertía que la masturbación podía causar trastornos neuróticos, especialmente neurastenia.

Hasta el siglo XIX, ésta era la imagen de un hombre que se masturbaba

El siglo XX fue avanzando y con el los conocimientos médicos (fisiológicos y psicológicos). Los expertos comenzaron a descartar los argumentos de que la masturbación causaba trastornos físicos, no obstante, muchos seguían manteniendo la creencia de que la masturbación era la consecuencia o conducía a trastornos mentales. En 1930, por ejemplo, el sexólogo Walter Gallichan, advertía que la masturbación en las mujeres era la causante de la apatía y frialdad femenina, que "sus gratificaciones solitarias opacaban su sensibilidad para el coito matrimonial".

A mediados de siglo el estigma contra la masturbación seguía siendo todavía muy fuerte. Los estudios demostraban que nueve de cada diez niños a los que se los encontraba masturbándose eran severamente amenazados, castigados y aterrorizados con el argumento de que se volverían locos o ciegos, o que les iban a cortar el pene o a coser la vagina. Un 82% de los alumnos de primer año de la universidad, todavía creían que la masturbación era peligrosa.

Tuvo que llegar Alfred Kinsey (junto a un grupo de colegas) y publicar los resultados de más de 15 años de investigaciones sobre la conducta sexual humana. Una de las contribuciones más importantes de ese trabajo fue precisamente considerar a la masturbación como algo normal y debilitar el estigma que la rodeaba. Los resultados eran reveladores: el 97% de los hombres y el 62% de las mujeres se habían masturbado alguna vez en su vida y habían alcanzado el orgasmo.

Alfred Kinsey

Es curioso. Los hombres, la sociedad, podían aceptar el informe de Kinsey sobre las actividades sexuales masculinas, pero no podían aceptar “la dura realidad” de las conductas sexuales de las mujeres norteamericanas. Fue como un shock, como un balde de agua fría al machismo, el enterarse (o que les dijeran en la cara) que una mujer podía masturbarse, tener orgasmos, tener sexo antes y fuera del matrimonio o con otras mujeres. La iglesia levantó su voz de protesta en todo el país. Sin ni siquiera echar un vistazo o leer el trabajo de Kinsey, el entonces carismático religioso Billy Graham escribió: “Es imposible estimar el daño que va a causar este libro a la ya deteriorada moral norteamericana". El remezón fue tal, que hasta un Senador (como siempre, McCarthy) denunció al trabajo de Kinsey como parte de la conspiración comunista. En todo el país, personas con el apellido Kinsey publicaban avisos en los diarios para aclarar que no estaban relacionadas con el autor. Finalmente y a causa del furor provocado, la Fundación Rockefeller retiró su apoyo al trabajo de investigación de Kinsey, pero ya era muy tarde, la sociedad (al menos el mundo occidental) se había despojado de los tabúes sexuales.

Los estudios llevados a cabo después de la muerte de Kinsey confirmaron sus conclusiones. Para la década de los 70, el 84% de estudiantes universitarios ya no creía que la masturbación les causara inestabilidad emocional o mental, el mito había caído. Aún así, en diciembre de 1994, en una conferencia sobre el SIDA patrocinada por la ONU, la entonces jefa del Servicio de Salud Pública de los Estados Unidos, doctora Joycelyn Elders, dijo que tal vez la masturbacion deberia ser enseñada en las escuelas, como una parte de los programas educativos escolares sobre sexualidad. Por estas declaraciones el presidente Bill Clinton le pidio que renunciara al cargo, cosa que no hizo. Finalmente, fue cesada.

A pesar de que la ciencia hace algunas décadas comenzó a tratar a la masturbación como una conducta normal, hasta ahora las más prominentes instituciones religiosas se han negado a reevaluar los principios sexuales que las rigen desde hace más de quince siglos.

Fuentes y referencias:
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El pequeño hombre que retrató la Belle Èpoque

noreply@blogger.com (Carlos) — Mon, 09 Jan 2012 07:33:00 +0000

"De su vida sentimental se sabe que vivió dos años con una mujer, que luego intentó suicidarse ante su negativa de tener un hijo con ella. Sus relaciones posteriores fueron exclusivamente con prostitutas, con las cuales gustaba hacer de vouyer, especialmente en escenas de lesbianismo, costumbre bastante habitual entre las bailarinas y prostitutas de esa época".

Cartel anunciando a Jane Avril y Cléopatre Gazelle, las bailarinas estrellas del Moulin Rouge

A finales del siglo XIX, con el advenimiento de la luz eléctrica y con el capitalismo madurando como sistema económico, en Europa se vivía un ambiente de pujanza y satisfacción social. Se daban los primeros pasos en las telecomunicaciones y el comercio internacional. Este pequeño período de bonanza que abarca las dos últimas decadas del siglo XIX y que termina en 1914 con la Primera Guerra Mundial es conocido como la Belle Èpoque. Tolouse-Lautrec fue un pintor, un artista francés que logró capturar el espíritu y el esplendor de esa época.

Henri Toulouse-Lautrec nació en Francia en 1864, hijo de un matrimonio entre dos primos hermanos de una familia aristócrata. Durante su infancia Henri disfrutó de la vida privilegiada del hijo de un noble. Vivía en un castillo dentro de una gran propiedad que tenía bosques, ríos y animales de caza. Estaba siempre rodeado de amigos, tíos y primos, además de un gran número de sirvientes para atender sus necesidades.

Esa frecuente mezcla de sangre entre nobles y aristócratas, siempre dejaba como consecuencia uno que otro desbarajuste genético, y uno de éstos fue el causante de la muerte de su hermano menor con apenas año de vida. De hecho Henri también era un muchacho enfermizo, de constitución ósea muy débil, pero que a pesar de todo llevaba una vida feliz. Practicaba equitación, cantaba, dibujaba y salía de caza con su padre. Lastimosamente a los trece años se cayó de una silla y se fracturó el fémur izquierdo, y al poco tiempo, mientras se recuperaba se volvió a tropezar con tanta mala suerte, que se quebró el fémur derecho.

Sus fracturas soldaron bien pero sus extremidades inferiores dejaron de crecer, aunque el resto de su cuerpo se desarrolló normalmente, por eso nunca llegó a pasar de 1,50 cm de estatura.

Henri Tolouse-Lautrec

Sus padres quedaron devastados. Su padre comenzó a distanciarse de un hijo que era diferente a los demás, que ya no podía acompañarlo de cacería. Su madre en cambio, cada vez estuvo más atenta a sus necesidades físicas y emocionales. Por su parte, Henri terminó volcando su atención e interés hacia el dibujo. Viendo que el arte se convertía en una pasión para Henri, su padre se lo presentó a Henri René Princeteau, un pintor sordomudo. Princeteau quedó tan impresionado con el talento de Henri, que convenció a sus padres de que lo inscriban en el taller del reconocido maestro, Bonnat.

A los 17 años, Henri de Toulouse-Lautrec se fue de casa por primera vez a París, a estudiar en ese taller. Por alguna razón, el maestro Bonnat desarrolló una intensa aversión por el joven Toulouse-Lautrec, se decía era ego, envidia, quizá supo reconocer en el joven muchacho a un nuevo genio. Con el tiempo, la discordia se hizo mutua y duró toda la vida.

Dejó al maestro Bonnat y se matriculó en el estudio del maestro Fernand Cormon, un talentoso artista que lo supo orientar y le ayudó a crear su estilo. Vale destacar que tan buen maestro era Cormon, que otro de sus alumnos por esa misma época era Vincent Van Gogh.

Bajo la tutela de Cormon, Henri aprendió a pintar. Visitó todas las galerías con el afán estudiar las técnicas de otros pintores, especialmente los impresionistas. Cormon le dio a Henri una base sólida en las técnicas de pintura en un estilo formal. Sin embargo, cuando cumplió los veinte años, Henri comenzó a buscar una dirección artística diferente.

El legendario Moulin Rouge, cabaret frecuentado por Tolouse-Lautrec y que fue inmortalizado en su obra

Henri Toulouse-Lautrec se mudó al barrio de Montmartre de París en 1887. Montmartre era una comuna de comerciantes, así como de rufianes, proxenetas, prostitutas y artistas bohemios. La zona estaba plagada de burdeles, salones de baile, cabarets y clubes privados. Aquí es donde hasta ahora se encuentran los famosos Le Chat Noir, Le Lapin Agile, La Cigale y Le Moulin Rouge. En Montmartre los excesos de todo tipo eran moneda corriente.

Toulouse-Lautrec rentó un piso detrás del cementerio, en la calle Ganneron. Empezaba una nueva etapa en su vida, etapa que empezó como observador y terminó siendo partícipe del estilo de vida de la zona. Le encantaba merodear las calles y callejones, los bares y burdeles buscando nuevos temas para pintar y lo consiguió. Llegó a ser una especie de cronista gráfico del desenfreno de aquel París de finales del siglo XIX, del nacimiento de la Belle Èpoque.

Baile en el Moulin Rouge

Al contrario que a los artistas impresionistas, a Tolouse-Lautrec nunca le interesó el género del paisaje y prefirió ambientes cerrados, iluminados con luz artificial que le permitían jugar con los colores y los encuadres de forma subjetiva.

Para pintar Henri prefería a los clientes habituales del cabaret, a las bailarinas y las prostitutas. Nunca trabajó con modelos profesionales. Se rodeo de amigos marginales y se hizo habitué de las casa de citas donde entraba siempre con su buen humor, cantando canciones patrióticas y golpeando el bastón, ganándose pronto el cariño de las prostitutas, que se enorgullecían de su amigo "el pintor" y lo malcriaban como a un niño caprichoso.

Con Mirelle, la favorita del prostíbulo

Comenzó a retratar amigos, bailarinas y prostitutas y quedó atrapado en aquel bajo fondo de la noche bohemia parisina. Volvía de vez en cuando a su aristócrata castillo, sólo para visitar a su madre que adoraba.

En la foto superior lo vemos pintando a una prostituta conocida como Bertha 'La sorda', y más abajo dos cuadros terminados de aquella dama

Touluse tenía más espíritu de bohemio que de aristócrata, por lo que nunca pensó en dejar aquel barrio de tolerancia, lleno de bares y burdeles. De su vida sentimental se sabe que vivió dos años con una mujer, que luego intentó (o simuló) suicidarse ante la negativa de Henri de tener un hijo con ella. Sus relaciones posteriores fueron exclusivamente con prostitutas, con las cuales gustaba hacer de vouyer, especialmente en escenas de lesbianismo, costumbre bastante habitual entre bailarinas y prostitutas de esa época. Esas escenas inspiraron obras como "Las dos amigas".

Las dos amigas

El artista solía instalar por largas temporadas su atelier en aquellos lupanares, donde hizo estrechas amistades con las prostitutas, bailarinas y clientes, y es esta gente precisamente, la que da vida a sus cuadros y uno de los temas principales de su obra.

Esta serie de pinturas (arriba) se llama "La Revisión Medica", misma que era frecuente y obligatoria para las prostitutas. Se intentaba luchar contra una enfermedad que siempre había estado presente en aquellos hombres de vida libertina, la temible sífilis.

Femme nue devant sa glace

Luego empezó a pintar carteles anunciando los espectáculos nocturnos de aquellos antros, los mismos que le eran pagados con bebida o favores sexuales en los sitios que frecuentaba. Es así que estos burdeles pasaron por primera vez a ser protagonistas de una obra de arte. Uno de sus lugares preferidos de Henri Toulouse, siempre fue el Mouline Rouge.

Poster del Divan Japonais, otro club nocturno

De a poco y con su estilo, logró convertirse en el Rey de los afiches parisinos, en el cronista de la Belle Epoque, y lo que es más importante: Su trabajo no sólo fue el pionero de la publicidad gráfica sino también de los afiches de cine, que hasta hace poco seguían su mismo formato.

Poster del cantante Aristide Bruant, quizá su poster más famoso

La creación de carteles iba viento en popa y le otorgó fama de publicista gráfico. Esto llevó a Henri hasta Londres, donde le pidieron la elaboración del póster del famoso sitio "Confetti" y el anuncio de bicicletas "La Chaine Simpson".

Fue durante esta breve temporada en Londres, cuando conoció y entabló amistad con Oscar Wilde. Toulouse-Lautrec tambin le pintó un retrato, el mismo año en que Wilde afrontaba un juicio por sodomía en Londres.

El declive de Henri empezó pronto, en 1896. Su vida se había reducido a putas, alcohol y juergas. Comía y dormía muy poco, en contraste trabajaba mucho para poder pagarse su estilo de vida, además de que era un gran aficionado a la absenta.

Poster de Jane Avril, otra de las famosas bailarínas de la Belle Èpoque

El alcoholismo deterioró su salud y padeció manías, depresiones y neurosis. En 1897 fue recogido de la calle a causa de una borrachera y poco después, en un delírium trémens, llegó a disparar a las paredes de su casa creyendo que estaban llenas de arañas. Sin embargo seguía pintando de forma firme y rápida; pero lo volvieron a recoger alcoholizado en 1899 y su familia lo hizo encerrar en un hospital psiquiátrico donde se le diagnosticó sífilis. Allí realizó una gran colección de pinturas con temática circense. Henri logra convencer a los profesionales -por medio de sus dibujos- de que aún mantenía su cordura, y salió a los tres meses.

La absenta, una de sus bebidas favoritas

Nuevamente volvió a sus andanzas, a sus prostitutas y al alcohol. Al poco tiempo tuvo una crisis paranoica que lo llevó a intentar suicidarse con metileno, y esta vez si estuvo internado durante un tiempo más largo. Cuando se dio cuenta que había topado fondo, de que era un hombre enfermo, volvió al castillo de su madre.

Toulouse-Lautrec con su madre en su propiedad

En la propiedad de su madre en Albi, cerca de Burdeos, y el 9 de septiembre de 1901 murió postrado en su cama a causa de una apoplejía, tenía apenas 36 años. Sus últimas palabras a la condesa fueron: "Madre, gracias. ¡Nadie como tu!". Y a su padre: "Gracias por venir papá. Sabía que no te perderías mi muerte".

La mayoría de las obras de Toulouse-Lautrec se mantuvieron en su estudio de París después de su muerte. Su madre, la condesa Adele Lautrec, queriendo perpetuar la memoria del hijo que tanto amaba, quiso que toda la colección permanezca intacta y obsequió todas las obras a la ciudad de Albi, donde Henri había crecido. También los miembros de su familia que habían recibido algun cuadro obsequiado por Toulouse-Lautrec estuvieron de acuerdo en donar las obras de arte a la ciudad.

At the Moulin Rouge

El 30 de julio de 1922, fue inaugurado oficialmente el Museo de Toulouse-Lautrec. El lugar elegido para albergar la colección, fue el Palacio de la Berbie, una imponente fortaleza de ladrillo del siglo XIII construido por los obispos de Albi al lado del río Tarn.

Portrait de Suzanne

Tal vez una de las ironías finales en la vida de Toulouse-Lautrec, es que su obra que logró capturar tan brillantemente aquel nuevo fenómeno cultural de París, no se encuentra en el Museo de Louvre ni en ningún museo de la capital, sólo en esa pequeña ciudad en el sur de Francia.

P.D. Bonnat, su primer maestro, con el que nunca se reconcilió, murió 21 años después. Éste, en su lecho de muerte en 1922, despojándose de cualquier sentimiento de rencor o envidia, sugirió -con éxito- que las obras de Toulouse-Lautrec se convirtieran en parte de las colecciones nacionales, es decir, en patrimonio francés.

A los amantes del arte aquí les dejo un espectacular blog especializado en la obra de Toulouse-Lautrec, y un archivo de fotos del pintor y de su familia.

Fuentes y referencias:
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El día que Nikita Kruschev se quedó con las ganas de conocer Disneylandia

noreply@blogger.com (Carlos) — Tue, 03 Jan 2012 05:32:00 +0000

En uno de los momentos más surrealistas de la Guerra Fría, el líder soviético Nikita Kruschev estalló de rabia cuando se enteró que no podía visitar Disneylandia. El incidente sacó a relucir una actitud poco diplomática (infantil) del líder soviético, durante su visita a los Estados Unidos.

Kruschev llegó a los Estados Unidos el 15 de septiembre de 1959, aceptando la invitación y devolviendo la visita que le hizo Richard Nixon a Moscú, donde protagonizaron aquel famoso "Debate de la cocina". Era una visita de buena voluntad cuyo principal objetivo era sostener una cumbre con el presidente Eisenhower.

Dentro de los círculos diplomáticos Kruschev tenía la fama de terco y malcriado. Era conocido por sus 'escasas habilidades sociales y por incomodar a sus anfitriones', y eso fue exactamente lo que hizo en los Estados Unidos. Para colmo, unos días antes de su llegada, los rusos lanzaron un misil que logró aterrizar en la luna. Era el más exitoso paso soviético en la carrera espacial, por lo que se esperaba a un Kruschev petulante y jactancioso, agrandado como se dice por acá.

Kruschev visitando una Granja de Alto Rendimiento en Maryland

Al día siguiente de su llegada visitó una granja de Maryland, donde acarició un cerdo frente a las cámaras y se quejó de que estaba demasiado gordo. Luego cogió un pavo y se quejó de que era demasiado pequeño en comparación a los pavos soviéticos. También fue llevado a visitar al Senado donde aconsejó a sus miembros que vayan acostumbrándose al comunismo. Todo esto, claro, lo hacía en son de broma, tratando de parecer simpático, pero lo cierto es que a la opinión pública le cayó como un pelmazo, sumamente arrogante y antipático.

Kruschev con un "demasiado pequeño" pavo americano

Otro día lo llevaron a Nueva York, donde después de visitar el Empire State dijo: “Si ya conoces un rascacielos, el resto no es novedad”.

Un pequeño dato: A su llegada a los Estados Unidos, el líder soviético había manifestado a quienes manejaban su agenda, que le gustaría conocer Hollywood. Los encargados de su seguridad enseguida le organizaron una visita a Los Ángeles.

Así recibieron los ciudadanos de Los Ángeles a la caravana de Kruschev

El 19 de septiembre, Kruschev y su esposa llegaron a Los Ángeles. Frank Sinatra fue contratado por el Departamento de Estado para servirles como acompañante durante la visita.
El día empezó con un sol espléndido y un recorrido por los estudios de la Twenty Century Fox en Hollywood. El Primer Ministro Soviético llegó justamente cuando se filmaba una escena de la película "Can-Can", y de inmediato estuvo rodeado por todo el elenco, entre ellos Shirley MacLaine y Juliet Prowse.

Con Frank Sinatra y Shirley MacLaine

Shirley MacLaine le dio la bienvenida a Kruschev con un pésimo ruso y luego intentó hacerlo bailar improvisadamente involucrándolo en la coreografía. Kruschev se excusó jovialmente y se hizo a un lado, mientras los actores seguían trabajando en la escena.

Salieron de los estudios de la Twenty Century Fox y se trasladaron hacia el centro de Los Ángeles, donde estaba previsto ofrecer un gran banquete en su honor.

Parece que el tráfico de Los Ángeles en su hora pico lo empezó a irritar, porque durante el trayecto hacia el Paris Café (donde sería el banquete), el líder soviético no dejó de quejarse de la cantidad de autos ocupados "por una sola persona" y del despilfarro que esto suponía. En contraste, no tuvo reparos ante la exquisita y abundante comida del derrochador banquete al que asistió. Está por demás señalar que al buffet asistieron las más rutilantes estrellas del Hollywood de la época. Y es que toda la vida han existido esos famosos actores progres, combativos e hipócritas, a los que les parece simpático y justo el comunismo, pero desde afuera, desde sus mansiones y con sus millones a salvo de cualquier revolución.

Sólo 400 famosos e invitados especiales tuvieron el privilegio de compartir la mesa con el dictador soviético, pero el deseo y la novelería -entre los actores- de ser invitados fue tal, que poco les importó declararse fans de Kruschev y su gobierno, aún con el riesgo de pasar a formar parte de la famosa lista negra, en la que estaban todos a quienes se consideraba antiestadounidenses, y como consecuencia, se les cerraba las puertas en Hollywood. Ese en cambio era el extremo anti comunista, la cacería de brujas, triste legado del Macarthismo.

Marylin Monroe en el banquete en honor a Kruschev

De todas formas estuvieron presente personajes como Marylin Monroe, Dean Martin, Elizabeth Taylor, Arthur Miller, Tony Curtis y Janet Leigh; es decir asistió la "crème de la crème" de Hollywood. Y también hay que decirlo, los actores Bing Crosby y Ronald Reagan estuvieron en la selecta lista, pero rechazaron la invitación debido a sus tendencias políticas.

Bueno, volviendo al banquete, poco después de los postres, Kruschev conversaba con el actor David Niven. Le contaba de sus andanzas durante la Guerra Civil Rusa y la Segunda Guerra Mundial. También se dio tiempo para bromear con Gary Cooper y Charlton Heston. Poco después, de forma intempestiva, Khrushchev se dirigió a los atónitos artistas:

"¿Qué país tiene el mejor ballet? ¿El vuestro? No tenéis ni un teatro de ópera y ballet permanente. Vuestros teatros prosperan gracias a lo que reciben de la gente rica. En nuestro país es el Estado el que da el dinero, y el mejor ballet es el de la Unión Soviética. Es nuestro orgullo".

Pero el momento cumbre y cuando terminó robándose el show de forma lamentable, fue cuando le comunicaron en privado que su visita a Disneylandia no podría llevarse a cabo, ya que sin tiempo de anticipación, la policía no podía garantizar su seguridad en el inmenso complejo.

El plan de conocer Disney había sido un capricho de última hora, y parece que en verdad era imposible organizar ese momento el perímetro de seguridad que su importancia ameritaba. Kruschev explotó y su iracundo discurso fue conmovedor:

«Hemos llegado a esta ciudad donde vive la flor y nata del arte americano…Y yo digo, me gustaría mucho ir a conocer Disneylandia, pero me dicen que no pueden garantizar mi seguridad. Les pregunté "¿Por qué no? ¿Es que tienen plataformas de lanzamiento de cohetes ahí?" No sé. Basta con escuchar la razón que me dieron: "Nosotros", o sea las autoridades estadounidenses, "no le podemos garantizar su seguridad si va para allá".»

«¿Qué sucede? ¿Hay alguna epidemia de cólera allí o algo parecido? ¿O es que el lugar está tomado por delincuentes que pueden atacarme? Entonces, ¿qué debo hacer? ¿suicidarme? Soy su huésped, ¡esto es inconcebible!. ¿Cómo le explico esto a mi pueblo?»

Todos los presentes se quedaron mudos y desconcertados. Estaban frente al líder del país más grande del mundo, un hombre de 65 años de edad, que exteriorizaba una rabieta porque no podía ir a Disneylandia.

Esa reacción, como es normal, creó muchas especulaciones y rumores que -cuando no- fueron alimentados por la misma prensa de chimentos. Se decía que después de la infantil rabieta fue llevado a sobrevolar Disneylandia en un helicóptero militar, lo cual era falso. También corrió el rumor de que el mismo Walt Disney, acérrimo anticomunista, le había prohibido la entrada, pero esa teoría era más improbable. Es más, el egocéntrico Walt Disney no hubiese desperdiciado la oportunidad de mostrar su paraíso privado a los rusos.

Kruschev dejó Los Ángeles la mañana siguiente y regresó a Washington para su encuentro con Eisenhower.

Finalmente Kruschev se reunió con el presidente Eisenhower

PD: También le organizaron una visita a la sede de IBM. Kruschev expresó poco interés y les restó importancia a las computadoras personales, "no les veía futuro"; pero en cambio le fascinó el concepto de self-service en las cafeterías y restaurantes americanos y, a su regreso, introdujo ese sistema en la Unión Soviética.

Fuentes y referencias:
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El Top 10 del 2011. Las Mejores Historias

noreply@blogger.com (Carlos) — Thu, 29 Dec 2011 17:20:00 +0000

Siempre es bueno recordar lo que nos deja un año que se va. Aquí les dejo un Top 10 de las historias más leídas este año en el blog, las que tuvieron más acogida en las redes sociales y las que seguro lograron sacarles una sonrisa o una mueca de admiración.

1) Cómo echar un polvo durante una ejecución

2) La Venus del inmenso trasero

3) Cuando el tamaño de los pechos no importaba

4) Cuando las mujeres no usaban calzones

5) Titulares que impactaron al mundo

6) El joven que salió a comprar cigarrillos y volvió condecorado

7) El reino que murió a causa de la televisión

8) Los Simpson y sus guiños en la historia

9) Las dos cápsulas del tiempo de Tulsa

10) Cuando el tamaño del clítoris era sinónimo de lesbianismo

Bonus track:
(También les dejo cuatro historias que personalmente me conmovieron demasiado)

- Los caníbales franceses

- Cuando la muerte se paseaba con pico por Europa

- Los primeros Wikileaks de la historia

- Cuando John F. Kennedy pidió ayuda a Superman

Ahora que estamos cerrando el 2011, el balance de lo que ha sucedido con el blog es muy alentador, quizá el mejor en sus cinco años de existencia. Cuando escribes una bitácora, lo único que anhelas es ser leído por alguien más que no sean tu madre y hermana. Alguien imparcial que te diga si las historias que cuentas son interesantes.

Cierro este año con el privilegio de estar en los feeds de más de 2000 personas, lo cual es un gran compromiso para el próximo año. El 2012 habrá mejores historias, se los prometo. ¿De dónde las sacaré? ni idea, pero siempre encontrarán algo interesante por aquí.

Y con la esperanza de que el calendario de los Mayas sea tan ineficiente como las promesas de nuestros políticos, me despido de ustedes agradeciéndoles por su valioso tiempo, ya nos estaremos viendo por enero.

Feliz 2012

Regala armas o cigarrillos esta Navidad

noreply@blogger.com (Carlos) — Sat, 24 Dec 2011 16:59:00 +0000

Esa era parte de la variada oferta que podía verse en la época navideña hasta hace medio siglo en los Estados Unidos. Miren estos anuncios publicitarios, que sin duda jamás volveremos a ver:

En la Constitución de los Estados Unidos está plenamente garantizado el derecho de que cualquier ciudadano pueda portar un arma, y fumar es una cuestión de libre albedrío. Aunque estoy de acuerdo con aquella Constitución en cuanto al derecho de portar armas, y en contra de la criminalización que se ha emprendido últimamente a los fumadores, ustedes coincidirán conmigo en que Navidad no era la mejor época para promocionar estos productos, más aún, cuando se muestran niños en algunos de ellos. Actualmente la publicidad al tabaco está prohibida, y en la de las armas no pueden aparecer niños y deberá hacerse exclusivamente en medios especializados.

Como lo manifesté al inicio del post, este tipo de publicidad es ya sólo un recuerdo, pero este tipo arte y afiches vintage son ahora muy cotizados por coleccionistas de antiguedades.

PD: A todos mis lectores y quienes pasan coincidencialmente por el blog, desde Quito les deseo una Feliz Navidad. Reciban un fuerte abrazo!

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La fiesta que celebraba la "igualdad" entre los hombres

noreply@blogger.com (Carlos) — Thu, 22 Dec 2011 19:18:00 +0000

La leyenda romana decía que el dios Saturno (Cronos para los griegos), había sido expulsado del cielo por Júpiter, desde donde llegó a Italia; y que durante el reinado de esta divinidad de la agricultura, los itálicos habrían vivido una edad de oro, sin guerras ni malas cosechas, donde no se conocía la propiedad privada ni tampoco la esclavitud. Era básicamente la fiesta que recordaba la igualdad de los hombres.

En su honor se celebraba la Saturnalia, en cuyos festejos se suspendía el poder de los amos sobre sus esclavos, y éstos tenían derecho a hablar y actuar con total libertad. No se respiraba más que placer y alegría: los tribunales y las escuelas cerraban, no estaba permitida la guerra ni la ejecución de criminales, ni ejercer otro arte que no sea el de la cocina.

Eran siete días de bulliciosas diversiones, banquetes e intercambio de regalos. Todos los habitantes de la ciudad dejaban de trabajar: la población acudía en masa al monte Aventino para disfrutar del aire campestre. Era un banquete público que daba paso a la más absoluta permisividad y libertinaje. Se permitían todo tipo de juegos de azar, apuestas y era habitual regalarse saquitos de nueces, velas o pequeños muñecos de arcilla.

Fiestas Saturnales

Sin embargo, la expresión popular que más sorprende de estas fiestas era el intercambio de papeles que existía entre los esclavos y sus amos. Era habitual que los señores de la casa sirvieran en la mesa a los súbditos, que además tenían licencia de emborracharse e, incluso, de injuriar a sus amos como si de siervos se tratase. Asimismo, todos los esclavos recibían de sus propietarios una generosa paga extra en forma de moneda o vino. Lo que antes estaba prohibido se permitía entonces. En definitiva, era un tiempo para la libertad de expresión, tanto así que el poeta Horacio la llamaba "libertad decembrina" en sus sátiras.

La toga, prenda característica de los romanos, era dejada de lado para usar prendas coloridas. Tamién se acostumbraba a usar el píleo, que era un sombrero cónico distintivo habitual de los libertos. Los esclavos, que normalmente no tenían derecho a llevarlo, también podían usarlo durante esos días, de esa manera "todos eran iguales" durante las fiestas. Se cuenta, que hasta el tacaño Catón el Viejo concedía a sus esclavos una ración extra de 3,5 litros de vino. De hecho, en el calendario de Polemio Silvio del año 48 de nuestra era, se la llama La fiesta de los esclavos y es marcada como la actividad más destacada. Sin embargo, todo el mundo sabía que eso de la igualdad de la jerarquía social era temporal porque la fiesta terminaría.

El píleo, sombrero que usaban los esclavos libertos

En sus inicios esta fiesta se celebraba sólo el 17 de diciembre hasta que llegó la dictadura de Julio César en el año 49 antes dC, quien ordenó prolongar el feriado hasta el día 19. Su sucesor, Octavio Augusto, primer emperador der Roma, añadió un día más. Lo mismo hizo Calígula unos años después y Domiciano cerró la ampliación del asueto festivo hasta el 23 de diciembre.

Fuentes y referencias:
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La mujer más bella del Renacimiento murió a los 23 años

noreply@blogger.com (Carlos) — Mon, 19 Dec 2011 05:33:00 +0000

Fue una mujer que iluminó con su bello rostro la Florencia del siglo XV. Su nombre de soltera era Simonetta Cattaneo, hija de un noble genovés. Se casó muy joven a la edad de dieciséis años con un vecino de Botticelli llamado Marco Vespucci...

Hay muchas imágenes con las que todo el mundo identifica la época del Renacimiento, obras famosas que se han convertido en verdaderos iconos de la época. Para la mayoría de estas obras los artistas utilizaron como modelos a gente anónima, personas que poseían alguna característica que quería el autor y punto. No se sabe mucho más de ellas. Podemos poner como ejemplo la pintura de Miguel Ángel en la bóveda de la Capilla Sixtina, La creación de Adán, o su inquietante y enigmático David. No se sabe quiénes posaron de modelos para esas obras. Incluso la famosa Mona Lisa de Leonardo da Vinci, que ahora se especula sería un retrato de Lisa Gheradini, presenta más dudas que certezas sobre la verdadera identidad de la modelo. Aquí hay que notar que a pesar de los cientos de teorías y consideraciones académicas, la fascinación que ejerce la Mona Lisa tiene más que ver con la enigmática personalidad de Leonardo, que con cualquier persona retratada.

Bueno, algo muy distinto sucede con la obra de Sandro Botticelli porque en ella está plenamente identificada la modelo. Aquí vale una pequeña digreción. El verdadero nombre de Botticelli era Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi. Botticelli significa "barrilito" y es un apodo que adquirió porque a su hermano mayor lo llamaban Botte (barril) debido a su contextura física.

Volviendo al tema, Botticelli nació y fue formado en Florencia bajo la influencia de grandes maestros, y al igual que Leonardo Da Vinci, también fue patrocinado por los Médici, la más poderosa familia florentina de la época. Su historia de éxito y posterior descenso, no nos dice mucho sobre los acontecimientos históricos que moldearon su época; pero aún así, Botticelli nos dejó con algunas de las imágenes más memorables del arte occidental, entre las que sobresale su más famosa obra El Nacimiento de Venus.

"El nacimiento de Venus"

Es aquí a donde quería llegar. ¿Quién es la mujer del famoso cuadro de Botticelli?
Pues es ni más ni menos que Simonetta Vespucci, a quien muchos llamaron la mujer bella de la época. En eso coincidían nobles y plebeyos, navegantes y visitantes, propios y extraños.

Simonetta Vespucci

Fue una mujer que iluminó con su bello rostro la Florencia del siglo XV. Su nombre de soltera era Simonetta Cattaneo, hija de un noble genovés. Se casó muy joven a la edad de dieciséis años con un vecino de Botticelli llamado Marco Vespucci. El joven, que estaba muy enamorado de la bella, fue aceptado de buena gana por el padre de Simonetta debido a que su familia estaba bien conectada en Florencia, en especial con los Médici.

Todos los nobles de la ciudad estaban obsesionados con Simonetta. Los hermanos Giuliano y Lorenzo de Médici también sucumbieron a sus encantos y quedaron prendados de su belleza. Pública y descaradamente rivalizaron en más de una ocasión y le manifestaron su admiración (léase ganas), pero acabaron recibiendo sólo el rechazo y desdén de la bella y ajena rubia. El poeta Ángelo Poliziano reflejó la pasión prohibida de ambos hermanos en su obra "La Giostra". Y hasta el mismísimo Lorenzo de Médici, alias "El Magnífico", llegó a describirla así en sus, por cierto, muy machistas memorias:

"Su cutis era extremadamente claro, pero no pálido; rosado, pero no rojo. Su porte era serio, sin ser severo; dulce y placentero, sin asomo de coquetería o vulgaridad. Sus ojos vivos, no manifestaban arrogancia ni soberbia. Su cuerpo era finamente proporcionado, y entre las demás mujeres aparecía de superior dignidad. Paseando, bailando o en cualquier otro ejercicio, se movía con elegancia y propiedad. Sólo hablaba cuando era conveniente y dando opinión tan acertada, que no se podía añadir o quitar a lo que iba diciendo. Su comprensión era superior a la que pide su sexo, pero sin aparentar darse cuenta de ello y sin caer en el error, tan común entre las mujeres, que cuando sobrepasan el nivel se hacen insoportables".

Simonetta fue descubierta como modelo por Sandro Botticelli a través de los Vespucci. Por parte del pintor fue amor a primera vista porque desde aquel primer día en que la vio, la convirtió en su musa, y por supuesto que también lo fue para los destacados pintores que pasaron por Florencia.

En la Giostra (un torneo de justas) de 1475, Giuliano de Médici entró a las listas cargando una bandera en la cual se veía pintada a Simonetta (por Botticelli, obvio) posando como Palas Atenea con yelmo, y con una leyenda en francés que decía: «La Sans Pareille», es decir «La Incomparable». Giuliano ganó el torneo y la bella Simonetta fue nombrada «Reina de la Belleza» de aquel encuentro. A partir de entonces la fama de Simonetta como la mujer más bella de Florencia recorrió por toda Europa, y con sobra de merecimientos es nombrada hasta la fecha por muchos historiadores, como la mujer más hermosa del Renacimiento.

Lastimosamente y como suele ocurrir en este tipo de historias, la bella Simonetta murió muy joven, la noche del 26 de abril de 1476 a la edad de 23 años. Se presume que había contraído tuberculosis. Botticelli nunca pudo superarlo y quedó el resto de su vida obsesionado con ella.

Alessandro Botticelli, autorretrato

Venus y Marte, click para ampliar

En su famoso cuadro "Venus y Marte" no hace falta ser muy observador para darse cuenta de que quienes representan a los dioses del Olimpo, son Simonetta junto al mismo Botticelli (fíjense en el autorretrato superior). Esta era la única forma, el único sitio donde el artista podía verla como su pareja.

Sin lugar a dudas el famoso pintor fue el hombre que más la amó, aunque a su manera, respetuosamente y en silencio. En 1485 terminó su cuadro El nacimiento de Venus como homenaje póstumo a Simonetta, nueve años después de su muerte y, aunque él nunca lo aceptó, hay que estar ciego para no darse cuenta que ella es la mujer que está retratada en casi toda su obra. Todas las mujeres de sus cuadros guardan un exacto parecido a Simonetta, aparte de los retratos póstumos que pintó de ella.

Tan grande fue el amor de Botticcelli hacia su musa, que nunca contrajo matrimonio y personalmente pidió que después de muerto fuese enterrado a los pies del sepulcro de Simonetta en la Iglesia de Ognissanti (Todos los Santos) —la iglesia de los Vespucci— en Florencia. Tras su muerte en 1510 le fue cumplido su deseo, y allí mismo, a sus pies, fueron depositados sus restos 34 años después de que muriese el amor de su vida. Botticelli sin saberlo, nos estaba legando otra maravillosa lección de amor.

Sitio donde está enterrado Botticelli en la Capilla de los Vespucci

Se sabe que Botticelli realizó más de 150 obras, pero muchas de ellas fueron destruidas por la Iglesia Católica acusadas de paganas y profanas. “El Nacimiento de Venus” (primera imagen de este post) es una de las pocas pinturas paganas de Botticelli que no fueron destruidas por la Iglesia Católica. Otra fuente da cuenta que Lorenzo de Médici protegió el cuadro de la ira de la Iglesia para dejar a su hermano un recuerdo de su amada. Continuamente se ha señalado que tanto Botticelli como Da Vinci fueron Maestres del Priorato de Sión.

Algo muy curioso es que los retratos que pintó de sus mecenas, no tienen esa belleza, esa mística ni el espíritu de sus otras composiciones. Queda claro que los retrataba por obligación, aparte que debió haberlos detestado infinitamente por dentro, al ver cuánto cortejaban a su amada.

Escarbando por ahí me encontré con esta formidable galería de Sandro Botticelli, disfrútenla y descubran ustedes mismos en casi todas sus obras, una mujer parecida a Simonetta.
Un lector acaba de enviarme otra galería, disfrútenla también.

Fuentes y referencias:
1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8

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Las memorables juergas de Hemingway en Pamplona

noreply@blogger.com (Carlos) — Tue, 13 Dec 2011 11:54:00 +0000

“...llegó una noche totalmente borracho acompañado de dos prostitutas. Su esposa dormía ya; y él, sabedor de ello, pidió al conserje que le diese otra habitación para él y sus amigas. Tan sólo media hora después, en medio de un gran alboroto, ellas salían corriendo desnudas de la habitación, mientras Hemingway, en calzoncillos, las corría insultándoles.”

Ernest Hemingway escribió su novela The sun also rises ("Fiesta") basándose en hechos reales, en su propia vida. La primera vez que escuchó de Pamplona fue por casualidad cuando aún era corresponsal en París, y decidió ir a conocer esa pequeña ciudad española de apenas treinta mil habitantes. Quiso hacer un reportaje sobre aquella rara costumbre de "soltar los toros" para que corran por las calles. Hemingway tenía apenas 24 años y se apasionó tanto por el espectáculo de la fiesta brava, que regresó a Pamplona ocho veces. La pequeña ciudad española representaba para él, lo que tanto amaba: la diversión y la buena vida, el alcohol, las mujeres, los toros y los amigos.

Aquí Hemingway en su época de gloria (1959), cuando ya era un reconocido escritor y no el novato periodista que 25 años antes, descubrió Pamplona para el mundo

La tarde del 6 de julio de 1923, Ernest Hemingway llegó en tren a Pamplona por primera vez, acompañado de su esposa Hadley Richardson. Se encontró con precios hoteleros muy superiores a los que el sueldo de un joven periodista se podía permitir, por lo que tuvo que buscar una modesta habitación en el último piso de una pensión, en el que pernoctaron la primera noche.

Hemingway trabajaba en ese entonces para el semanario Toronto Star, al que debía enviar un artículo con un resumen y su visión de las fiestas. A los dos días envió un artículo muy a su estilo, sensacionalista y magnificador, en el que de alguna manera daba a conocer en la América anglosajona cómo eran los sanfermines, las corridas y sobre todo, el encierro pamplonés:

"En Pamplona, donde tienen seis días de toros cada año, desde el 1126 de la era cristiana, y donde los toros corren por las calles de la ciudad a las seis de la mañana, con la mitad de la población corriendo delante de ellos. (...) Pamplona, donde todos los hombres y jóvenes de la ciudad son toreros amateurs y donde hay una lidia amateur cada madrugada que es esperada por 20.000 habitantes, en la que los toreros amateurs van todos desarmados y donde hay una lista de accidentados por lo menos igual que en una elecciones en Dublín." (...)

El artículo fue publicado el 27 de octubre con el título de “Pamplona en Julio”. Desde aquella primera vez, cada año que Hemingway regresó a Pamplona se emborrachó con frecuencia y tuvo trifulcas en los bares. Llegaba con su mujer y andaba con otras. Un torete lo embistió en la plaza y hasta se dio el lujo de correr -en una ocasión y a cierta distancia- el encierro.

Para 1924 (su segunda fiesta) llegó a Pamplona con su esposa, con su compañero de juergas en París, el también desconocido –en esa época- escritor John Dos Passos y a un par de editores de libros. De Hemingway pueden decirse muchas cosas, que fue pendenciero, mujeriego o alcohólico, pero hay que reconocer que sabía lo que hacía. Se nota que ya tenía en mente su primera novela, sino, ¿para qué convencer a un par de editores de tomarse vacaciones con sus esposas en Pamplona?

Días antes de este viaje, un amigo madrileño amante de la tauromaquia le aconsejó que cuando volviese a Pamplona, tratara de alojarse en el Hotel Quintana, en la Plaza del Castillo (la plaza central), ya que aparte de la privilegiada ubicación, su dueño era un gran aficionado a los toros. Este hotel era de un señor llamado Juan Quintana quien, debido a su entusiasmo por la fiesta brava había logrado hospedar en su establecimiento a algún matador. Es así como aquél año Hemingway se aloja con su mujer y con sus amigos en el Hotel Quintana. Desde entonces, y hasta su fallecimiento, Juanito Quintana y él mantuvieron una férrea amistad.

El mítico Hotel Quintana donde se hospedó varias veces

Como no podía ser de otra manera, Hemingway aquél año sirvió de guía a sus amigos e hizo otro maravilloso descubrimiento. Encontró un pequeño café con un vista magnífica desde la terraza a la plaza del pueblo (el Café Iruña). Este sitio se convirtió en el denominador común de los siguientes viajes de Hemingway a Pamplona. Este café -que aún existe- es como el palco de un teatro desde donde se puede ver -cómodamente sentado- el paso de los sanfermines.

Ese mismo año, el día 7 de julio, acompañado por uno de sus amigos editores, Hemingway corre por vez primera en el encierro, obviamente tomando las respectivas precauciones para no correr riesgos. Lo cierto es que aquél día vivió de cerca el paso de los toros y luego participó con su amigo en las vaquillas (novillos) que aquella mañana se soltaron en la plaza.

Al día siguiente repitieron la experiencia, pero en esta ocasión, durante las vaquillas que hubo después del encierro, uno de los novillos revolcó al amigo de Hemingway por los suelos. El joven periodista en su afán de ayudar, trató de agarrar a la vaquilla pero también recibió su revolcón. Ese día ambos mordieron la arena entre risas y adrenalina.

Puede verse a Hemingway (de pantalones blancos) frente a una vaquilla. Aunque esta foto pertenece al encierro de 1927

Esta aventura fue muy divertida y no tuvo mayores consecuencias, pero tuvo una repercusión muy propia de su dramático estilo periodístico. En el Toronto Star se publicó que el periodista Donald Ogden Stewart había sufrido en este percance taurino la fractura de dos costillas, mientras que Hemingway, aquejado de varias contusiones, había sido multado por desmanes. Ambas informaciones eran falsas, pero aún así, Hemingway se dio el lujo de repetir la crónica del incidente para la agencia United Press, informando en ella que ambos periodistas habían sido corneados por un toro. El titular de la noticia en Canadá decía: “Toro cornea a un periodista de Toronto en las fiestas anuales de Pamplona”, y un subtítulo añadía: “Su compañero, sin embargo, tuvo dos costillas rotas”.

Así salió la noticia (exagrando el suceso) en el Toronto Star

Asiste por tercer año consecutivo en 1925, pero las fiestas de este año para Hemingway esta vez son diferentes. Llega con la misión de recabar toda la información posible para escribir después una novela con la que pudiera debutar dignamente. Con un par de meses de anticipación ya tenía reservada su habitación en el Hotel Quintana, donde por 12 pesetas estaba incluido su desayuno, almuerzo y cena; mientras que en el Hotel La Perla (donde quiso hospedarse su primera noche dos años antes) por estos mismos servicios hubiese tenido que pagar 35 pesetas diarias. Finalizadas las fiestas, Ernest y Hadley viajaron a Madrid en donde, días después, nacían los primeros párrafos de “Fiesta” a la que su autor dedicó por completo ese verano de ese mismo año.

Fieles a lo que parecía convertirse en una tradición matrimonial, Ernest y Hadley llegan a sus cuartos sanfermines en 1926. Este año los acompaña un matrimonio amigo (Gerald Murphy y Sara) y la joven periodista Pauline Pfeiffer, quien poco después se convertiría en la segunda esposa del escritor.

Los Murphys (izq), Pauline Pfeiffer (al centro), y los Hemingways en Pamplona, 1926

A Hemingway empieza a molestarle una tendencia de la que se había percatado el año pasado: la presencia en las fiestas de uno que otro extranjero, que nada tenían que ver con él ni con su grupo de amigos. Le gustaba sentirse el forastero único y mimado de las fiestas como en 1923 o 1924, cuando no era frecuente ver, ni siquiera en los hoteles, personas que no hablasen castellano. Pero ya era tarde. El mismo con sus crónicas había puesto en el mapa a las fiestas de Pamplona.

Otra foto de Hemingway y sus amigos en un café de Pamplona

Hemingway ya era un escritor, aunque su novela todavía no estaba impresa. Meses antes ya había publicado su primera obra, una novela corta titulada The Torrents of Spring (“Aguas primaverales”) y un pequeño libro titulado In our time, que era una recopilación de relatos seleccionados. Estas publicaciones y la próxima aparición de The sun also rises (“Fiesta”) le reportaban ya una comodidad económica que nunca había conocido, y se permite por primera vez el lujo de salir a comer fuera del hotel.

Regresando de las fiestas de este año y después de haber revisado a fondo el borrador, modificado algunos aspectos y pulido el léxico, Ernest Hemingway envía al editor Max Perkins el texto definitivo de su esperada novela. Finalmente la editorial neoyorquina Scribner’s publica en octubre la novela “Fiesta”. A partir de ese momento Pamplona comienza a vivir una auténtica revolución en sus fiestas de San Fermín.

Fiesta (The sun also rises), su primera novela importante

En 1927 Hemingway acude a Pamplona por quinta vez. Su novela empezaba a ser conocida y tuvo que ser editada en alemán, aunque irónicamente en España no se sabía de ella. De todas formas ya tenía su propio círculo de conocidos lugareños con quienes siempre se sintió cómodo. La novedad este año fue que Ernest acudió a los sanfermines por primera vez sin su esposa Hadley, a la que había abandonado unos meses antes. El escritor estrenaba nueva esposa, la periodista Pauline Pfeiffer, que había acompañado a la ex pareja el año anterior.

Ernest Hemingway y su hijo Patrick

En 1928 no pudo asistir a los sanfermínes debido al nacimiento de su hijo Patrick, pero volvió en 1929 y lo hizo con fuerza. Esta ocasión su asistencia -según varios testimonios- fue más interesante y agitada. Hemingway partió de París a Pamplona a finales de junio acompañado de su esposa Pauline, y a bordo de un flamante Ford descapotable de reciente adquisición.

Existen una infinidad de testimonios en sus biografías, puesto que fue el visitante extranjero más querido de Pamplona, pero es muy interesante el relato de Eustaquio Ardanaz, un antiguo empleado del Hotel Quintana y testigo de muchas de las virtudes y defectos del escritor. En 1929 ocurrió un incidente que colmó la paciencia de Juan Quintana, el dueño del hotel, quien estuvo a punto de romper la estrecha amistad con el famoso gringo. El relato no tiene desperdicio:

“Aquél año vino Hemingway acompañado de Paulina, con este nombre la conocíamos todos, alojándose como otras veces en nuestro hotel (...). No tenía una habitación fija, pues a Juanito le preocupaba el comportamiento de Ernest cuando bebía, y procuraba tenerlo bien separado de los clientes educados y correctos que venían siempre (...). Nada más comenzar las fiestas de 1929 Hemingway llegó una noche totalmente borracho acompañado de dos prostitutas. Paulina dormía ya; y él, sabedor de ello, pidió al conserje de noche que le diese otra habitación para él y sus acompañantes. Tan sólo media hora después, en medio de un gran alboroto, ellas salían corriendo desnudas de la habitación, mientras él, en calzoncillos, las corría insultándoles. El escándalo que se armó motivó las protestas de unos cuantos clientes del hotel, y el propio Juanito llegó a amenazar a Hemingway con echarle del establecimiento. A pesar de todo el follón que se armó, si mal no recuerdo, doña Paulina no llegó a enterarse.”

Este incidente ha sido muchas veces corroborado, una de ellas por su amigo personal, Jerónimo Echagüe, quien describía al escritor como: “un norteamericano al que le gustaba beber, comer, los toros y follar... ¡vamos, lo corriente!”.

Para las fiestas de 1931 el escritor regresa muy animado por el cartel taurino de ese año, que contaba con el torero Domingo Ortega para las corridas del 8 y 11 de julio. Se dice que Domingo Ortega era en aquél entonces de lo mejor que se podía ver en los ruedos españoles; su fama y su gran popularidad le permitieron cobrar en Pamplona nada menos que 23.000 pesetas por corrida. Debe haber sido muy buen torero para que Hemingway, que prácticamente ya tenía terminado su nuevo libro "Muerte en la tarde", le haya encontrado un hueco en su borrador para incluir esas faenas.

Hemingway en las corridas de 1931

Desde ahí, Hemingway tardaría más de 20 años en regresar. El periodismo, la Guerra Civil, su participación en la Segunda Guerra Mundial y su antipatía con la dictadura de Franco, lo mantienen alejado de Pamplona. Durante este tiempo se divorcia dos veces y vuelve a casarse otras dos. Vive veinte años en Cuba, donde se hace íntimo amigo de Fidel Castro. Allí escribe en 1952 "El viejo y el mar", su novela más famosa.

Regresa en 1953. Después de tantos años de ausencia ya en nada se parecía esa ciudad que el conoció dos décadas antes, aunque el marco festivo seguía siendo el mismo. Afortunadamente para él, el Café de la terraza seguía en su sitio, y aunque ya no existía el Hotel Quintana, su propietario Juanito, lo acompañó durante todas las fiestas.

En 1953, con su cuarta mujer, Mary, y Juanito Quintana, dueño del Hotel Quintana

En 1959 regresó a los sanfermínes pero ya consagrado como Premio Nobel de la Literatura, a las que serían las últimas fiestas de su vida. El 2 de julio de 1961, Hemingway se suicidaba con el disparo de rifle en su casa de Ketchum (Idaho). Unos días antes había anulado su reserva de habitación de hotel en Pamplona.

Esa poco usual mezcla de alcohol, juerga, mujeres, literatura y tauromaquia, han configurado la atípica fama que hoy en día tienen Hemingway y su obra literaria. Sólo su calidad como escritor explica y justifica la trascendencia que ha tenido, y sigue teniendo a nivel mundial. ¡Salud Maestro!

Para quienes no han leído "Fiesta" y les entra la curiosidad, aquí les dejo el libro para descargar.

Fuentes y referencias:
1, 2, 3, 4, 5, 6, 7

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La primera vez que América y Europa se conectaron mediante un cable

noreply@blogger.com (Carlos) — Fri, 09 Dec 2011 11:07:00 +0000

"El primer telegrama oficial que pasó entre los dos continentes, fue una carta de felicitación de la Reina Victoria para el Presidente de los Estados Unidos James Buchanan el 16 de agosto. El mensaje de felicitación de la reina tomó dieciséis horas y media en cruzar el Atlántico..."

El Cable Transatlántico Telegráfico, bisabuelo del actual Internet, completó su trayecto entre América y Europa el 28 de julio de 1866. Fueron los albores de las comunicaciones actuales.

Un comerciante y financiero neoyorquino llamado Cyrus W. Field, fue quien propuso por primera vez en 1854, cruzar un cable de cobre de 3.500 km a lo largo del fondo del mar, desde Terranova hasta Irlanda. Luego de un intento fallido, un cable dañado y doce años después, logró la hazaña de unir los dos continentes mediante el cable telegráfico.

Trayecto del cable desde Terranova hasta Irlanda (Dar click)

Hubo previos intentos y contratiempos que terminaron en cables rotos y o perdidos por los marineros, hasta que por fin se logró pasar el cable el 5 de agosto 1858, y aunque no fue considerado un éxito de larga duración, fue el primer proyecto de cable trasatlántico que obtuvo resultados prácticos. Al menos con este se tiene el registro del Primer Telegrama Intercontinental, desde Inglaterra a Washington.

El primer telegrama oficial que pasó entre los dos continentes, fue una carta de felicitación de la Reina Victoria para el Presidente de los Estados Unidos James Buchanan el 16 de agosto. El mensaje de felicitación de la reina tomó dieciséis horas y media en cruzar el Atlántico. Después de que el personal de la Casa Blanca se había cerciorado de que no era un engaño, el Presidente envió una respuesta de 143 palabras en unas relativamente rápidas diez horas. Sin el cable, ese mismo mensaje directo a la reina, hubiese tardado, con suerte, tal vez doce días si la combinación y engranaje de los telégrafistas que viajaban en los barcos hubiese sido óptima. Logró bajarse el tiempo de comunicación de aproximadamente dos semanas a apenas horas.

La calidad de la señal disminuyó rápidamente, reduciendo la transmisión a una velocidad casi inutilizable; descifraba el código morse a la velocidad de 0,1 palabras por minuto. Y lo peor de todo es que este histórico cable no duró ni un mes, ya que fue destruido al mes siguiente cuando un electricista de la Atlantic Telegraph Company, aplicó un excesivo voltaje con el fin de lograr un funcionamiento más rápido.

La persistencia en el proyecto finalmente dio sus frutos 12 años más tarde, en julio de 1866, cuando el vapor SS Great Eastern -el barco más grande a flote de la época-, logró exitosamente pasar el cable a lo largo del fondo arenoso del Atlántico Norte. Como en esa época los mensajes entre Europa y América se demoraban semanas en llegar, reducir ese tiempo a tan sólo horas, que era lo que se demoraba en llegar un telegrama, hizo que Cyrus Field fuera considerado un visionario, un héroe. Además este nuevo cable ya podía transmitir ocho palabras por minuto, lo cual era 80 veces más rápido que con el primer cable de 1858.

Mecanismo de poleas que utilizó el barco para desplegar el cable en el Atlántico

Conectarse mediante un cable telegráfico directamente con Europa fue el quizá el primer paso de los muchos que se dieron para disfrutar de este mundo globalizado que tenemos hoy en día, y por supuesto en aquella época marcó un hito en las comunicaciones, tanto así, que se referían al cable transatlántico como "La Octava Maravilla del Mundo".

El primer cable trasatlántico fue considerado la "Octava Maravilla del Mundo"

Recién en el siglo XX las velocidades de transmisión de datos a través de cables transatlánticos llegaron hasta 120 palabras por minuto. El nombre de Cyrus W. Field ha pasado inadvertido por las páginas de la historia, pero los internautas al menos deberíamos saber que hubo un hombre que después de algunos fracasos, logró la primera conexión entre dos continentes con un cable. El punto de partida de la conectividad global.

Crédito de la imagen:
Biblioteca del Congreso, División de Grabados y Fotografías,
reproducción número LC-USZC4-2388

Fuentes y referencias:
1, 2, 3, 4, 5

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El hombre que quiso superar a la fotografía y lo logró

noreply@blogger.com (Carlos) — Mon, 05 Dec 2011 08:21:00 +0000

"...quiso demostrar al mundo que un dibujo con los colores y detalles exactos (cuando aún no existía la fotografía a color), podía competir e incluso llegar a ser más real que una fotografía a blanco y negro, y ¡vaya que lo logró!"

El Saturday Evening Post fue una de las revistas de mayor arraigo popular en los Estados Unidos durante casi medio siglo. El éxito de la revista radicaba en sus impactantes portadas semanales, que eran siempre dibujos que retrataban mejor que una fotografía, el tema de actualidad. El dibujante de las portadas era Norman Rockwell, quien entregó sus primeros bocetos en 1916, y debido a la gran acogida que tuvieron sus impresionantes y realistas obras de arte, se convirtió en su ilustrador oficial hasta 1963.

Norman Rockwell

El éxito de las pinturas de Rockwell, se debió principalmente a que supo captar y llevar al lienzo esos nimios detalles de los gestos, tendencias, aficiones y costumbres. En pocas palabras supo tomar la temperatura y colores de la cotidianidad de los estadounidenses, y sobre todo, ir a la par con sus cambios de época. Durante los primeros años su tendencia fue familiar e infantil. En la década de 1920 le gustaba retratar situaciones anecdóticas, por ejemplo la esencia de los niños americanos de la época generalmente activos y jugando, yendo a la escuela o a mitad de un partido de béisbol.

En la década de 1930 y luego con la Segunda Guerra Mundial, es cuando toma auge el periodismo fotofráfico y ya se avizoraba que las fotografías acabarían sustituyendo las ilustraciones de las revistas populares. Norman Rockwell se dio cuenta de ello y de alguna forma sintió amenazada su obra y la del resto de ilustradores. En un giro bastante curioso e irónico, empezó a pintar a partir de ellas, porque quería demostrar al mundo que un dibujo con los colores y detalles exactos (aún no existía la fotografía a color), podía competir e incluso llegar a ser más real que una fotografía a blanco y negro, y ¡vaya que lo logró!. Sus famosas portadas en el Saturday Evening Post competían en popularidad con las siempre impactantes fotografías de la Revista Life.

Después llegó el boom de las primeras salas cinematográficas y se especializó en plasmar el glamur hollywoodiense, más que nada como una forma de distraer y alejar a sus lectores, del desgarrador clima bélico que se vivía en Europa a causa de la Segunda Guerra Mundial, a la que, sin embargo, también dedicó algunas de sus mejores y más recordadas obras de arte, aquellas que toparon las fibras más sensibles del pueblo, y sirvieron para animar a los estadounidenses a ayudar a su gobierno con la compra de Bonos de Guerra. Sin duda los posters de aquella época, dibujando soldados en el frente o regresando victoriosos, son unas de sus obras más conocidas y cotizadas.

Homecoming Marine, octubre 1945

Durante estos años, Rockwell también se dedicó a la crítica social o a ensalzar ciertos valores o virtudes del pueblo norteamericano. En sus trabajos se respiraba bastante aire patriótico, que por aquel entonces era un valor muy tenido en cuenta, debido a la entrada de los Estados Unidos en la guerra.

Ya en la década de los 50 y 60, Rockwell volvió a sus temas cotidianos y tiernos, representando imágenes navideñas, familias reunidas, viajes familiares en automóvil, interiores de tiendas o barberías, niños en heladerías, e incluso hizo algunas obras repletas de ironía, como "El experto" de 1962, donde representó a un hombre de espaldas observando un cuadro de Expresionismo abstracto, propio de pintores como Pollock o Dalí, por los que Rockwell se sentía atraído. Sus obras de carácter expresionista las realizaba tanto a modo de sátira como de estudio.

Art Connoisseur (El experto)

El nuevo método que adoptó consistía en proporcionarles el vestuario a los modelos, ubicarlos en el estudio o locación, e instruirlos en cuanto a la expresión facial y la postura que él quería, y luego fotografiar la escena que había creado. Cabe destacar que ademas de gran pintor, fue en un maestro de la fotografía porque capturaba siempre aquella esencia humana, en situaciones bastante complejas, como por ejemplo el retorno a casa de un soldado después de la guerra, o una mujer y un niño que rezan antes de comer, en medio de un restaurante bullicioso.

Saying Grace, noviembre de 1959

After the Prom, mayo de 1957

Soda Jerk, agosto de 1953

A mediados de los 60 y principios de los 70, Rockwell se volvió más crítico y mordaz con la sociedad, debido a la época convulsa que por entonces vivía Norteamérica. Una época difícil por los primeros intentos de integrar a la gente de color a la sociedad, por la lacra del racismo, la intolerancia del macartismo, la lucha contra el comunismo, la investidura del presidente Kennedy. Todos estos temas que fueron interpretados por los pinceles de Rockwell, quien siempre abogó por la multiculturalidad, la integración y sobre todo, por la defensa del débil y el apoyo a los afroamericanos perseguidos y discriminados.

En este período se destacan obras tan impactantes como: "El problema con el que convivimos todos" de 1964, donde deja en claro su crítica y oposición al racismo con delicada intensidad, en una niña de negra que tiene que ir escoltada a la escuela, víctima de los insultos y agresiones de otros ciudadanos.

También es demoledor su magnífico lienzo: "La regla de oro" de 1961, donde queda plasmada su pasión por la defensa de los derechos humanos, su religiosidad y su respeto a todas las razas.

La Regla de oro: "Trata a los demás como te gustaría que te traten a tí"

Norman Rockwell fue un artista prolífico que pintó más de 4000 obras en su vida. La mayoría de ellas se encuentran en varias colecciones públicas, aunque muchos de sus primeros lienzos se perdieron en un accidental incendio de su taller, que él mismo provocó con su pipa en 1942.

Rockwell también fue designado para ilustrar más de 40 libros, entre ellos, Las aventuras de Tom Sawyer y Huckleberry Finn, únicos y verdaderos clásicos de la literatura estadounidense. Contribuyó anualmente con sus obras al calendario de los Boy Scouts, entre 1925 y 1976, aunque su calendario más popular fue el "Four Seasons" que fue publicado durante 17 años, desde 1947 hasta 1964. Hizo ilustraciones para folletos, catálogos, carteles de películas, sellos postales, y hasta murales. Dibujó para todos, para el ciudadano promedio, para la típica ama de casa, para el granjero y el mecánico, para los niños y ancianos.

Las Aventuras de Tom Sawyer

Hay algo muy curioso, y es que a pesar de ser un artista magnífico, sus obras fueron criticadas y desestimadas por los esnobs de arte de su tiempo. Y es que Rockwell no pintaba para las élites, ni pintaba exclusividades, ni retratos para el millonario de turno. Norman Rockwell era un artista accesible y consagrado al pueblo, a las masas, y le gustaba pintar "eso", la cotidianidad. Pintaba bastante y sus obras eran accesibles para todos: en las revistas, en posters, en muchos calendarios y hasta para la mismísima Coca-Cola, y esa era la razón por la que su obra fue desmerecida en su tiempo. Pero como suele pasar en estos casos, después de su muerte vino la avalancha y sus obras fueron tan cotizadas, que sólo este afiche suyo de "Rossie the riveter" fue vendido en Soteby’s por nada menos que $ 5'000.000. También en el 2006 uno de los cuadros más famosos y queridos del artista, "Romper los lazos con el hogar", fue encontrado escondido detrás de una pared falsa. Había estado ahí durante más de 30 años, desconocido incluso para sus propios hijos. Al año siguiente se vendió por un récord de $ 15'400.000

Todo el país amaba su trabajo, se sentían identificados con su pincel y los homenajes también le llegaron en vida. En 1977 fue galardonado por el mismo Presidente Gerald Ford, quien le impuso la Medalla Presidencial de la Libertad, la más alta condecoración que puede recibir un ciudadano civil en los Estados Unidos. Norman Rockwell tenía ya 83 años de edad.

Autorretrato

Aquí pueden ver una galeria de algunos de sus dibujos publicitarios navideños, de bebidas y servicios. Su arte era tan cálido e identificable, que siempre fue bastante cotizado entre los publicistas. También les dejo una selección de portadas y posters, y el sitio que le ha dedicado el Saturday Evening Post a su trabajo de más de medio siglo con ellos.

Fuentes y referencias:
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7, 8, 9, 10, 11

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Los Acróbatas del Empire State de 1934 (en vídeo)

noreply@blogger.com (Carlos) — Wed, 30 Nov 2011 07:39:00 +0000

Quienes llevan leyéndome desde hace algún tiempo o me siguen en Twitter, pueden hacerse una idea de lo impertinentemente curioso que puedo llegar a ser con ciertos documentos o imágenes históricas. Pues bien, esta es una pequeña historia personal. Les cuento brevemente.

Esta magnífica foto, también conocida como The Acrobats in the Skyscraper, es una de las más famosas del Archivo Bettmann. Esta colección tiene de mas de 19 millones de fotografías y fue fundada en 1936 por Otto Bettmann, un alemán que llegó un año antes a los Estados Unidos huyendo de los nazis. Como ustedes saben, estas fotografías circulan libremente en Internet y algunas se han hecho muy populares, como la de Albert Einstein sacando la lengua y como aquella donde están varios obreros tomando su lunch sentados en la viga de un rascacielos.

Realmente he visto muchas fotos e imágenes en mi vida, pero esta siempre me pareció una obra de arte. De hecho es quizá la fotografía más hermosa que he visto, con el perdón de ustedes y disculpándome claro está, con la gente conocedora del tema que llega por aquí. No me gusta por lo temeraria ni por el vértigo que pueda causar, sino por su concepción, por el enfoque y por esa estética que la rodea. Por ese Nueva York levemente nublado (suerte, paciencia o coincidencia) y por la tranquilidad que transmiten esos tres tipos cojonudos desde la terraza del rascacielos.

The Acrobats in the Skyscraper, 1934

Llevo interactuando en internet un poco más de seis años y desde esa época (como todo escéptico), siempre busqué o quise encontrar una respuesta sencilla a tan magnífica imagen. No sé, tal vez un photoshop o de pronto un truco de aquellos como los que hacían los soviéticos, que de paso no me hubiese extrañado porque manipular fotos no es nada nuevo. En la URSS de Stalin por ejemplo, eran expertos en manipular fotografías y aumentar o desaparecer personas.

Saber que esta foto fue trucada hubiese sido lógico, predecible y de alguna manera reconfortante, porque ya no tendría jamás esa espinita molesta en mi foto favorita; pero de ninguna forma le hubiese mermado su valor histórico ni estético. Es más, hubiese admirado al maestro que pudo conseguir tal efecto para una imagen "imposible". Sí, porque si resultaba ser falsa, todo el mundo la hubiese etiquetado de imposible.

Lo único que encontraba durante mis búsquedas era que pertenecía al Archivo Bettmann, que era del año 1934 y que se desconocía al autor. Nada más por ningún lado. Luego, hace como un año encontré por algún foro, que los acróbatas fueron Jarley Smith (arriba), Jewell Waddek (izquierda) y Jimmy Kerrigan (derecha).

Y aquí viene el motivo de este artículo. Un buen amigo me envió ayer este vídeo, que al menos yo, nunca lo había visto. El vídeo es de la época y se ve un trío de acróbatas que hace la misma figura de equilibrio -y otras más complicadas- que la de la foto. Por la vestimenta parecen ser los mismos y supongo que son ellos, lo que confirmaría la autenticidad de la fotografía. No creo que en aquel tiempo -ni ahora- hubiesen muchos acróbatas dispuestos a hacer lo mismo desde el borde de un 86º piso. Por cierto, a juzgar por estas imágenes, una proeza similar en la actualidad parece estar completamente prohibida.

Sé que muchos de ustedes son tan curiosos como yo. Si saben de algún relato acerca de la foto o tienen información sobre su autor, ya saben que para mi será muy valioso.

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Cuando el tamaño del clítoris era sinónimo de lesbianismo

noreply@blogger.com (Carlos) — Mon, 28 Nov 2011 05:58:00 +0000

"Las lesbianas son mujeres que han nacido con un gran clítoris. Algunos de ellos hasta llegan a medir más de dos pulgadas."

Esta fue una de las creencias más absurdas acerca del lesbianismo que llegó a instalarse en el imaginario colectivo hace más de cuatro siglos, y lo peor de todo, es que era aceptada en círculos de eruditos y científicos. Muchos de los grandes médicos del renacimiento, los primeros antropólogos del siglo XIX e increíblemente algunos estudiosos de disciplinas tardías del siglo XX apoyaban esa teoría.

Los primeros exploradores europeos que llegaron al África, afirmaron que descubrieron mujeres nativas dotadas de clítoris sumamente grandes, que eran usados como un penes en sus orgías femeninas. África era aún un continente salvaje, en estado puro, y a los nuevos visitantes les era extraño ver tribus que tenían rituales ancestrales sexualmente diversos.

Haciéndose eco de esas opiniones, el Dr. Nicolás Venette escribió en 1687 su famosa "Tableau de L'Amour conjugale", un manual de amor popular que fue reproducido en doce ediciones. En él escribió: "Sappho, la lesbiana, no hubiese ganado su notoria reputación si hubiera tenido un clítoris más pequeño." Es más, la ignorancia de la época, o supongo que su gran imaginación lo llevaban al punto de sostener una gran mentira: "Que una mujer podía llegar a autofecundarse si se le perforaba el clítoris". Afortunadamente nunca intentó demostrarlo.

Tableau de L'Amour conjugale

La idea de una mujer con un gran clítoris era algo que extrañamente fascinaba a la comunidad científica de aquel entonces, recordemos que el destacado anatomista Georges Cuvier se quedó con el esqueleto y los genitales de la famosa africana Sara Baartman cuando esta murió. Finalmente sería otro médico francés el que decidió realizar un estudio directo, in situ para corroborar la teoría lesbianismo = clítoris grande. Había mucha evidencia anecdótica de que las prostitutas francesas del siglo XIX no tenían preferencias y gozaban plenamente de su sexualidad con hombres o mujeres. Con esos antecedentes en 1834 el médico higienista Alexandre du Châtelet, realizó una muy detallada revisión de clítoris a 3250 prostitutas parisinas y trató de probar aquella absurda teoría.

Desafortunadamente para él, sólo se encontraron tres prostitutas que tenían un clítoris de más de una pulgada de longitud. Ninguna de las tres era lesbiana, ni siquiera una de ellas que tenía senos diminutos y un clítoris de tres pulgadas. Du Châtelet quedó desilusionado pero escribió:

"Pude conocer un buen número de niñas a las que les agrada y practican este abominable vicio [el lesbianismo] , pero me llamó la atención que, contrario a lo que se piensa, destacaban por su delicadeza, por la suavidad de su voz y por otras cualidades muy femeninas."

La historia de las relaciones lésbicas ha sido empañada por el secretismo y la desinformación. Muchos países europeos y las primeras colonias americanas tenían leyes muy severas en cuanto a las "relaciones contra natura" entre mujeres, y claro, todo esto era apoyado por la iglesia. Sin embargo y a pesar de la severidad de las leyes, se conocen muy pocos los casos en los que hayan sido aplicadas.

Hay una excepción notable, un caso extraordinario que sucedió en Prusia en 1721. El de una mujer que durante casi toda su vida se hizo pasar por hombre y que durante algun tiempo hasta sirvió como soldado, con el fin de poder tener relaciones sexuales con mujeres. Es curioso, aquí la historia nos muestra también que siempre han existido mujeres que enloquecen al ver un uniforme.

Ejército prusiano en el que ingresó Margaretha Linck con otra identidad

Catharina Margaretha Linck se alistó en un regimiento del ejército prusiano en calidad de carabinero a la edad de veinte años, pero utilizando el nombre falso de Anastasio Lagrantinus Rosenstengel. Se fabricó un pene de cuero que contaba con dos testículos de peluche hechos con vejiga de cerdo, y tuvo relaciones con varias prostitutas y hasta con las viudas de algunos de sus compañeros, pero únicamente lo hacían a oscuras por obvias razones, y nunca nadie se percató de nada raro. Para poder orinar de pie como todos los soldados, las crónicas relatan que se ideó una especie de cono forrado de piel; me imagino que su tecnología era parecida a la de un embudo.

Sus problemas legales comenzaron a la edad de 23 años cuando se casó con una hermosa y virginal muchacha de 18. Después de varios meses de intentos de coito doloroso, la novia finalmente descubrió el secreto de su marido y se regresó a la casa de su madre, quien luego de una airada discusión con su nuevo yerno, fue la que se encargó de acusarlo ante las autoridades.

El caso se degeneró judicial y moralmente cuando él/ella dijo ante las autoridades que en calidad de marido tenía el derecho de sacar a su esposa de la casa de su madre, y que además, ella siempre supo cual era su verdadero sexo. La pareja también admitió que él, como marido, puso algunas veces el pene de cuero en la boca de su mujer.

Los jueces obviamente estaban perplejos y no sabían cuál era la forma de impartir justicia en un caso sin antecedentes como este, así que empezaron a esbozar veredictos y a tejer teorías sobre si la sodomía oral era o no era un crimen capital, si se había cometido delito al no existir eyaculación, etc.

Luego de las reconstrucciones de los hechos y después de las pruebas pertinentes (y el morbo del populacho), los jueces señalaron que sí hubo sodomía, pero que fue cometida con un instrumento de cuero "sin vida", y que la acusada no estaba dotada como las mujeres africanas, de un clítoris enorme como para lograr una penetración. Asimismo se señaló que la Biblia no refiere expresamente la pena de muerte para las relaciones “no naturales” entre mujeres, como lo hace con los hombres.

A pesar de todo y después de tanta teoría jurídica, el marido, Catharina Margaretha Linck, fue condenado a ser decapitado, mientras que a su joven esposa le dieron tres años de prisión. El veredicto fue presentado al rey de Prusia Federico Guillermo I para su aprobación final, pero se hizo constar que algunos fiscales recomendaban conmutar la pena de muerte por algunos buenos azotes y encarcelamiento de por vida, tal vez otorgándole un oficio de hilandera o tejedora. La sentencia no fue conmutada y finalmente fue decapitada con espada en noviembre de 1721 en Halberstadt, Sajonia, y luego su cuerpo fue quemado en una hoguera.

Aquí pueden ver unas viñetas espectaculares que recrean la historia.
No sé si a ustedes, pero a mi esta historia se me hace muy parecida a la del gran saxofonista Billy Timpton que les conté hace ya algún tiempo.

Fuentes y referencias:
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Domesticando una caníbal

noreply@blogger.com (Carlos) — Fri, 25 Nov 2011 09:57:00 +0000

"Yo que estaba en el barco, me tomé una bellísima caníbal que el almirante graciosamente quiso regalarme. Me la llevé a la cabina, donde viéndola toda desnuda como a su usanza, me vino el deseo de divertirme con ella. Y queriendo dar cuerpo a mis ganas, ella que no quería, se defendía con las uñas en tal modo, que me arrepentí bien rápido de haber comenzado. Visto que no podía comenzar para darle conclusión a la historia, agarré una cuerda y la azoté tanto que ella gritaba con chillidos inauditos, de una violencia increíble. Pero después, para terminar, conciliamos tan bien en la necesidad amorosa que parecía estar amaestrada en la escuela de las putas."

A los 15 días de octubre de 1495

"Io che ero in barca, mi presi una bellissima Camballa che L’Ammiraglio graciosamente volle regalarme. Me la portai in cabina, dove vendendola tuta nuda com’e loro usanza, mi venne desiderio di prendermi sollazzo con lei. E volendo dar corpo alle mie voglie, lei che non voleva, si difese talmente con le unghie, che mi pentii ben presto di aver cominciato. Visto che non potevo venire a capo, per dirvi la conclusione della storia, afferrai una corda e la frustai tanto che lei gridava con urla inaudite, di una violenza incredibile. Ma dopo, per ﬁnire, ci accordammo tanto bene nella bisogna amorosa che pareva essere stata ammaestrata alla scuola delle bagasce."

Fragmento de carta del genovés Michel de Cúneo* a Jerónimo Annari.
*Miembro de la tripulación del segundo viaje de Cristóbal Colón a América.

Fuentes:
Página 24, aquí y acá. En este libro se puede leer casi toda la carta traducida, falta la parte pertinente.

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Auge y caída de los Imperios ¿Cuál es el proximo?

noreply@blogger.com (Carlos) — Wed, 23 Nov 2011 06:56:00 +0000

Si hablamos de Imperios caídos, el primero que se nos viene a la mente es el Imperio Romano, y luego también recordamos a los persas y a los griegos como compañeros de infortunio. Los más nostálgicos se acordarán de Marco Polo, mientras que a quienes vivímos en ciertos lugares del planeta, se nos hace imposible olvidarnos de Hitler o de Stalin.

En la actualidad el único país al que todo el mundo considera un Imperio es los Estados Unidos de Norteamérica, y la mayoría de gente, inexplicablemente, vive esperando su caída. Me refiero al mundo árabe, a los musulmanes, a los comunistas, algunos socialistas y por supuesto, a todo ese Combo bailable revolucionario latinoamericano. Y bueno, tampoco es que los gringos hayan hecho méritos por agradar a nadie, más bien siempre la embarran. Pero apartándonos del tema, esto de predecir derrumbes de imperios, sociedades y hasta etnias, que de paso está muy feo, es algo casi inevitable; y tampoco es que sea de ahora porque desde que existe el hombre como tal, existe también el concepto de amigo y de enemigo.

Grandes Imperios (del caricaturista español Luis Pastor)

En fin, es un tema interesantísimo, pero lo que hoy yo les quería mostrar es una verdadera obra de arte compuesta de cinco lienzos, cuyo tema justamente es ese, La Caída del Imperio. Su autor es Thomas Cole, quien de paso fue un estadounidense que se volvió famoso por sus lienzos de tono alegórico y romántico. Es recordado más que por su obra, por ser el autor de esa serie de cinco cuadros titulada El Ciclo del Imperio, terminados en 1836.

Este grupo de cuadros es bastante curioso y ha sido motivo de varios estudios porque traza la historia de un país, de un estado imaginario, en clara alusión al ascenso y la caída de la antigua Roma, pero haciéndoles un guiño de advertencia al Imperio Británico de su época y a los, en aquel entonces, recientes Estados Unidos de América, que se encontraban bajo las ideas expansionistas del presidente Andrew Jackson. Los conservadores como Cole, se encontraban horrorizados ante las rápidas transformaciones causadas por la industrialización, la expansión territorial y el súbito crecimiento de las ciudades.

En su famosa obra podemos ver un pico de montaña como telón de fondo antes de que el desfile histórico se despliegue. Su secuencia gráfica representa la apertura de un primitivo estado salvaje en el que la sociedad evoluciona hasta convertirse en un imperio que sucumbe ante la decadencia y la corrupción. Veamos:

Estado salvaje

El primer cuadro corresponde al estado salvaje, puede verse una selva exuberante poblada por un puñado de cazadores-recolectores que luchan por lograr una existencia primitiva bajo las inclemencias del tiempo.

La Arcadia o aldea pastoral

En el segundo cuadro, un idílico paisaje que refleja una arcadia o aldea pastoral, donde podemos notar ya el triunfo del hombre sobre la salvaje vegetación. Los habitantes han limpiado el terreno, han cortado los árboles, han sembrado campos y construyen un elegante templo griego.

El Imperio consumado

El tercer y más grande lienzo es la consumación del Imperio. Ahora, el paisaje está cubierto por magníficas construcciones de mármol y los felices agricultores y filósofos del cuadro anterior, han sido sustituidos por una multitud de personas entre los que se distinguen autoridades, gente vestida con opulencia, comerciantes y ciudadanos consumidores. Metafóricamente, es el mediodía en el ciclo de vida del Imperio.

Destrucción del Imperio

Luego viene la destrucción. La ciudad está en llamas y la población huye de una horda invasora que arrasa con violaciones y pillajes debajo de un cielo de atardecer melancólico.

Desolación

Finalmente la luna se eleva sobre el quinto cuadro. Es la desolación. No hay un alma viviente a la vista, sólo algunas columnas en descomposición y escalinatas cubiertas por maleza y hiedras.

Concebida a mediados de la década de 1830, la obra de Cole tiene un mensaje claro: todos los imperios, no importa cuán magníficos sean ni cuán alto lleguen, están condenados a su otoño y decadencia. La humanidad ha completado el proceso un sinnúmero de veces como con los Mayas, Egipcios, el Imperio Persa o el Romano. El último que podríamos decir que cumplió su ciclo vital y duró relativamente poco tiempo (como imperio político) fue la desaparecida Unión Soviética.

¿Seremos testigos de la caída de otro imperio? Espero que no. En la antigüedad si un imperio caía, afectaba solamente a su círculo próximo, a sus aliados o enemigos y casi no tenía eco en otro continente. El mundo ha cambiado mucho en los últimos 30 años. Cuando cayó la URSS el mapa geopolítico cambió. Europa logró estabilizarse de a poco, a pesar de variables sociales y económicas impredecibles -desconocidas hasta entonces-, efecto de la fragmentación de un imperio. Ahora, con el comercio y las finanzas globalizadas, la humanidad no puede volver a darse ese lujo.

Fuentes y referencias:
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El beso comunista

noreply@blogger.com (Carlos) — Fri, 18 Nov 2011 08:15:00 +0000

Estoy seguro que no solamente a mí, sino que a muchos de ustedes la última campaña publicitaria de Benetton también les trajo a la memoria una de las imágenes más conocidas y escandalosas de la Guerra Fría: el beso entre Erick Honecker y Leonid Brezhnev, jefes de estado de Alemania del Este y de la URSS respectivamente.

La fotografía fue captada por Règis Bossu el 7 de octubre de 1979 en la celebración el 30 aniversario de Alemania Oriental como nación comunista.

A diferencia de los cowboys del otro lado del mundo, parece ser que durante la Guerra Fría los ironman de la Cortina de Hierro eran propensos a estas muestras de afecto. Y bueno, aunque fue un beso de hermandad, confraternidad, complicidad hegemónica o -como he leído- costumbre extendida en Rusia; la verdad es que hace más de tres décadas llamó mucho la atención, y a partir de esa imagen en 1990 se pintó uno de los murales más famosos del mundo.

Su autor fue Dimitri Vrubel y lo llamó: Mein Gott hilf mir, diese tödliche Liebe zu überleben («Dios mío, ayúdame a sobrevivir a este amor mortal»). Este y otros artistas pintaron sus obras sobre los restos del recién derrocado Muro de Berlin, en la llamada East Side Gallery, casi un kilómetro y medio de muro que fue conservado cerca del centro de la ciudad justamente para el uso de grafiteros y muralistas, donde sea dicho de paso, hay verdaderas obras de arte.

Se considera que es la galería de arte al aire libre de mayor longitud y duración en el mundo con sus 103 murales desde 1989. Para el 2009, tras casi 20 años de vandalismo y a la intemperie, la mayor parte del muro fue sometida a un proceso de renovación por parte del ayuntamiento, que pagó a sus artistas originales para que las restauren.

Volviendo al tema de la foto, diez años después, el gobierno de Alemania Oriental había preparado grandes celebraciones para conmemorar el 40 aniversario del régimen comunista.

Erich Honecker y Mijail Gorbachov

El mismo Erich Honecker, más viejo, más entusiasta y más radical, también le demostró su afecto a Mijail Gorbachov el 7 de octubre de 1989, aunque políticamente no estaba de acuerdo con su doctrina. El alemán se había negado a poner en práctica políticas como la glásnot o la perestroika. Su visión del comunismo era tan cerrada que el mismo Gorbachov tomó distancia de él y del rumano Ceausescu a quienes -junto a los dictadores de Bulgaria y Checoslovaquia- había denominado "La banda de los cuatro" un año antes.

El idilio comunista no duró. Esta vez Gorbachov no le correspondía. De hecho, en las revueltas alemanas de octubre, previas a la caída del muro, Honecker no contó con la ayuda del casi medio millón de tropas soviéticas estacionadas en su país para hacer frente a los disturbios y sofocarlo al estilo chino. Gorbachov había dado expresamente las órdenes a sus soldados de permanecer en los cuarteles.

El resto ya es historia conocida: cayó el muro, Alemania se reunificó en 1990 y el comunismo fracasó en Europa, pero ¿qué pasó con el besucón de Honecker?

Pues tuvo que enfrentar el destino que la vida siempre les depara a este tipo de personajes. Primero huyó de Alemania hacia Moscú para evitar un juicio por cargos criminales durante la Guerra Fría. Fue acusado por el gobierno alemán de la participación en la muerte de 192 alemanes orientales que trataron de salir de la RDA. Fue acusado de ordenar a los soldados que disparasen a quien tratara de escapar.

Tras cuernos, palos. Se desintegra la Unión Soviética en diciembre de 1991 y Honecker tuvo que refugiarse en la embajada chilena en Moscú, pero igual, Alemania logró extraditarlo en 1992. Fue expulsado oficialmente de su partido político antes de rendir cuentas a la justicia. El juicio se abrió formalmente a inicios de 1993, pero debido a su precario estado de salud y avanzada edad, Honecker fue liberado e indultado, pero recibió el peor castigo que puede recibir uno de estos tiranuelos; ser repudiado y olvidado por sus mismos compatriotas.

El 13 de enero de ese mismo año se trasladó a Chile a vivir con su hija y yerno chileno. Ya despojado de ese sentimiento de grandeza que les da el poder, que los hace creer que vivirán mil años y que entrarán a la bravuconada en los libros de historia de su país, murió de un cancer al hígado, anónima e intrascendentemente en un país ajeno, donde nadie sabía quien era ni cómo se escribía su nombre. Triste final.

OFF TOPIC:

Fuente: EnglishRusia

Buscando alguna referencia sobre si es cierto aquello que dice Wikipedia en español, acerca de que es una costumbre muy extendida en Rusia eso de besarse en la boca entre hombres -que no me lo creo-, encontré esta muy antigua estampilla postal en el portal EnglishRusia, pero igual, ellos también se encuentran un poco confundidos y ponen: "This is a postal stamp from a private collection issued for the 50th anniversary of the Soviet Army at 1968. It's hard to say what the authors of this stamp, which was widely used all across Russia tried to tell common people about the Soviet Army."

(Es un sello postal de una colección privada emitida por el 50 aniversario del Ejército Soviético en 1968. Es difícil interpretar lo que los autores del sello, que fue ampliamente utilizado, trataron de decirle al pueblo sobre el Ejército Soviético.)

Pero vamos, tampoco es que sea algo malo ni nada del otro mundo. De hecho es muy normal que durante una buena fiesta se pierdan los estribos, no importa lo larga que esta sea. Luego siempre vendrá el chuchaqui y la resaca moral.

Fuentes y referencias:
1, 2, 3, 4, 5, 6

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