Esta exposición, que cuenta con el patrocinio de la Fundación Amigos del Museo del Prado y la colaboración de la Comunidad de Madrid, estará abierta hasta el próximo 27 de septiembre en las salas C y D del edificio Jerónimos. “Prado. Siglo XXI” plantea un recorrido por los hitos y etapas de su historia reciente que han ido definiendo su funcionamiento, su proyecto científico y su lugar en el panorama cultural internacional.

El relato se articula a través de 98 piezas —pinturas, esculturas, dibujos, estampas, fotografías, libros y documentos de archivo— junto con material audiovisual y recursos expositivos que no buscan una mirada complacida a lo conseguido sino animar a los ciudadanos a seguir construyendo el Prado, su museo.

Todas estas acciones y actividades han sido llevadas a cabo gracias a una excelente administración de los fondos públicos recibidos y también de las aportaciones de benefactores y patrocinadores a quien el Museo del Prado quiere mostrar su gratitud por su apoyo constante.

“Prado. Siglo XXI” es un proyecto que recorre el proceso de transformación experimentado por la institución en los últimos veinticinco años. Ubicada en las salas C y D, la exposición permanecerá abierta hasta el 27 de septiembre de 2026.

A través de una selección representativa de 98 piezas incorporadas a la colección desde el año 2000, junto con material documental, bibliográfico, audiovisual y estadístico, la exposición propone una reflexión sobre la identidad contemporánea del Prado. El recorrido presenta al museo como una institución en movimiento, consciente de su herencia histórica, pero también de su responsabilidad presente y futura.

La muestra, comisariada por Alfonso Palacio, Director adjunto de Conservación e Investigación, y Elena Cenalmor, Técnico de Museos en la Dirección Adjunta de Conservación e Investigación, ambos en el Museo del Prado, pone el foco en los cambios estructurales, científicos y sociales que han permitido al Prado reforzar su posición entre las grandes pinacotecas internacionales. Un relato coral que visibiliza tanto el crecimiento de la colección como la evolución de sus modelos de gestión, conservación, investigación, comunicación y relación con el público.

El recorrido -que comienza con una infografía que pone de manifiesto los cambios cuantitativos, cualitativos y físicos que ha experimentado la institución en los últimos 25 años y una gran maqueta de lo que es y será en breve el Campus Prado- se articula en torno al enriquecimiento de las colecciones, uno de los ejes centrales del Prado en las últimas décadas. Las 97 obras reunidas —que abarcan desde la Edad Media hasta finales del siglo XX— permiten seguir cómo el museo ha incorporado piezas fundamentales mediante adquisiciones, donaciones, legados, adscripciones del Estado y fórmulas de participación colectiva. Pinturas, esculturas, dibujos, fotografías, libros y documentos de archivo construyen un relato que pone el acento tanto en la calidad artística como en el contexto institucional que ha hecho posible su ingreso en la colección.

Entre las obras más significativas figuran ejemplos del arte medieval y renacentista que refuerzan ámbitos históricamente menos representados en el Prado, como el Frontal de Solanllong. Pantocrátor con el Tetramorfos (1200–1210), donado por la familia Várez Fisa; el monumental Torso de Afrodita romano (siglos I a.C.–I d.C.), donado por Claudio Bravo; o El vino de la fiesta de San Martín, adquirida con una dotación extraordinaria del Ministerio de Cultura y con fondos propios del Museo Nacional del Prado en 2010. Estas incorporaciones ilustran el equilibrio entre apoyo público y compromiso social en la política de adquisiciones del Prado.

El núcleo barroco, uno de los pilares de la colección, se ve reforzado con obras como La resurrección de Lázaro de José de Ribera, San Francisco en oración de Francisco de Zurbarán o el retrato Ferdinando Brandani de Velázquez, adquirido con fondos propios. Junto a ellas, destacan donaciones decisivas, como las realizadas por Plácido Arango, fundamentales para el crecimiento del Prado en este periodo, o el legado Jordan, que ha contribuido de forma notable a áreas como la pintura y las miniaturas.

La exposición subraya también el papel del micromecenazgo y de la Fundación Amigos del Museo del Prado, visibles en incorporaciones como el Retrato de niña con paloma de Simon Vouet o el Oratorio de san Jerónimo penitente, cuya adquisición contó con apoyo colectivo. Estas piezas ejemplifican nuevas fórmulas de implicación social en la construcción de la colección y la voluntad del museo de abrir sus procesos a la ciudadanía.

El recorrido se amplía con la consolidación de núcleos específicos, como el dedicado a mujeres artistas, representado por obras de Sofonisba Anguissola, Rosa Bonheur, Rosario Weiss o María Blanchard, o la colección de fotografía, que documenta tanto la historia de los edificios del Prado como las primeras reproducciones de sus obras maestras. A estos ámbitos se suman los fondos de dibujos, estampas, cuadernos de artistas, libros y documentos de archivo, que permiten acceder a los procesos creativos y a la historia intelectual del museo.

La exposición concluye con una revisión de otras áreas clave de la actividad del Prado en el siglo XXI: la acción editorial, representada por la exposición de todos los libros publicados desde el año 2000; la labor desarrollada por las Áreas de Restauración, Educación y el Centro de Estudios; y la evolución de las estrategias de comunicación y relación con los públicos, vinculadas a la creciente proyección nacional e internacional del museo. A través de material gráfico y audiovisual, “Prado. Siglo XXI” ofrece un recorrido por el proceso de transformación vivido por el Museo Nacional del Prado en los últimos veinticinco años, poniendo de relieve la ampliación y diversificación de sus formas de relación con la sociedad. El proyecto muestra cómo la institución ha incorporado nuevos lenguajes y canales para explicar su trabajo, facilitar el acceso al conocimiento y reforzar un vínculo más directo y continuado con sus visitantes.

Los contenidos audiovisuales de la exposición, que han permitido ampliar, enfatizar y profundizar en determinados aspectos, han sido desarrollados con la colaboración de Samsung, socio tecnológico del Museo Nacional del Prado. Además, en el marco de esta exposición y como gran novedad, el Museo y Samsung presentan ‘Photo Prado’, una innovadora aplicación móvil que permitirá a los visitantes llevarse un testimonio fotográfico personalizado de su recorrido por el museo. Gracias al uso de tecnología avanzada de inteligencia artificial, la app integra la imagen del usuario en algunas de las salas y obras más emblemáticas de la colección, sin interferir en los flujos de los visitantes e incrementando la calidad de su visita.

Esta exposición propone un recorrido desde la autoconciencia y la autoexigencia por el proceso de transformación que ha experimentado el Museo del Prado en el último cuarto de siglo. A través de las obras incorporadas a las colecciones en ese tiempo y de un conjunto de confrontaciones estadísticas, objetuales, fotográficas y documentales, presenta la historia de un museo activo y en movimiento: una institución viva y abierta que, apoyándose siempre sobre el trabajo desarrollado por varias generaciones de trabajadores, depositantes, donantes, legatarios, patrocinadores, patronos y la Fundación Amigos del Museo del Prado, entre otros, ha alcanzado en estos últimos veinticinco años, sin lugar a dudas los de su mayor desarrollo, una posición de referencia entre los grandes museos del mundo. Y ello no solo por la excelencia de sus colecciones, sino también por la eficacia de su gestión económica y administrativa, la solidez de su proyecto científico, su vocación investigadora y formativa, su impulso educativo, la línea editorial establecida, su proyección exterior y su pujanza comunicativa, así como por su recepción entre el conjunto de la sociedad, hacia la que la institución muestra una siempre comprometida apertura, aspirando a establecer una relación cada vez más estrecha y directa con sus visitantes.

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El Ministerio de Cultura promueve un año más la celebración de las Jornadas Europeas de Arqueología que, desde 2019, se celebran a nivel europeo para poner en valor el trabajo arqueológico y acercar a la ciudadanía a un rico patrimonio relacionado con la historia y las culturas del pasado.

El programa de actividades incluye el ya tradicional ‘Abierto por excavación’, que permite al público visitar yacimientos arqueológicos en proceso de excavación, así como talleres infantiles, conferencias para profesionales o talleres y visitas para personas interesadas en la materia. Este año, además, se han sumado a la iniciativa nuevas instituciones como Patrimonio Nacional o la Galería de las Colecciones Reales con más propuestas de actividades. El programa completo está disponible en la web de las Jornadas Europeas en España.

Por su parte, el Ministerio de Cultura, en colaboración con el Principado de Asturias, organiza la visita ‘El paisaje astronómico del yacimiento de Castro de Coaña’, para conocer cómo las comunidades que habitaron ese lugar hace 2.000 años organizaban su vida y sus rituales siguiendo los ciclos solares. La actividad culminará con una observación astronómica, convirtiendo este antiguo castro en un observatorio privilegiado bajo las estrellas. La actividad tendrá lugar el día 13 de junio y es necesaria inscripción previa.

Además, el Instituto de Patrimonio Cultural de España (IPCE) organiza el 11 y 12 de junio un ciclo de conferencias online bajo el título ‘Raíces que transforman: arqueología y desarrollo’. En ellas se abordará la práctica arqueológica desde nuevas perspectivas como la arqueología comunitaria, participativa, para el desarrollo o en zonas en conflicto. Esta actividad requiere inscripción previa.

Actividades en los museos estatales

Los museos estatales del Ministerio de Cultura también han programado actividades para acercar la arqueología al público. El Museo Arqueológico Nacional (MAN) ofrecerá visitas especiales a sus espacios internos a partir del día 9 de junio, previa inscripción. Además, acogerá la conferencia ‘Paleoficción’ el próximo 10 de junio y una mesa redonda sobre ‘Arqueología y cooperación internacional: un siglo de colaboración hispano-francesa en España’ que tendrá lugar el 18 de junio. El fin de semana del 13 y 14 de junio, ofrecerá asimismo talleres sobre mosaico romano y otros destinados a público familiar. El programa completo de actividades puede consultarse en su página web.

También en Madrid, el Museo de América organiza un taller para público familiar, que bajo el título ‘Arqueólogos del más allá’, dará a conocer la simbología de la muerte en los pueblos andinos y mesoamericanos el domingo 14. Requiere inscripción previa.

El Museo Nacional de Arte Romano de Mérida se centra este año en la orfebrería con una visita comentada el domingo 12 junio, un taller de joyería el sábado 13 y la recreación de ‘El tocador de la mujer romana’ el domingo 14 de junio. Pueden consultarse los detalles e inscripciones en su página web.

En Toledo, el Museo del Greco organiza una visita guiada al yacimiento de Guarrazar el sábado 13, con previa inscripción, y el domingo 14 el Museo Sefardí acoge el taller para público infantil ‘Leyendo la judería’.

En cuanto al Museo Nacional de Arqueología Subacuática (ARQVA) en Cartagena, sus propuestas van dirigidas al público general con una visita guiada a su laboratorio de restauración el domingo 12 y un taller familiar el lunes 13. La información sobre inscripciones está disponible en su página web.

Por último, en Santillana del Mar el Museo Nacional y Centro de Investigación de Altamira contará durante el sábado 13 con la presencia de distintos expertos que, en el marco de la actividad ‘Hablamos de Arqueología’, compartirán con el público visitante sus proyectos, hipótesis y anécdotas sobre la práctica arqueológica.

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Asimismo, el jurado ha señalado que, utilizando una gran variedad de técnicas, Jesús Cisneros “muestra una extraordinaria habilidad para, desde la gestualidad y el humanismo, crear escenarios mágicos que sumergen al lector en un mundo sereno y apacible. A través de formas simbólicas potentes que evocan la espontaneidad del boceto, el autor revisita lo popular captando su esencia y logra comunicar la máxima expresión. Cisneros con un lenguaje universal, primitivo y fresco, ha conseguido impactar a muchas generaciones de ilustradores en todo el mundo”.

El Ministerio de Cultura concede este premio con el objetivo de reconocer y distinguir el conjunto de la labor realizada por una ilustradora o ilustrador español en el ámbito del libro y de las letras en cualquiera de las lenguas oficiales españolas. El premio está dotado con 30.000 euros.El premio reconoció en su pasada edición a la ilustradora Violeta Lópiz, uniéndose a una amplia lista de galardonados, entre quienes se encuentran Sergio García Sánchez, Viví Escrivá, Sonia Pulido, Paco Giménez, María Rius Camps, Luci Gutiérrez, Alfredo González o Pep Monserrat, entre otros.

Biografía

Jesús Cisneros (1969) realizó estudios de historia del arte e ilustración en Zaragoza, su ciudad natal. El dibujo ha sido vital para él desde una edad muy temprana, sin embargo, trabajó como diseñador gráfico durante muchos años antes de dedicarse por completo a la ilustración. A partir de ese momento, optó por construir una carrera dedicada a la ilustración, la enseñanza y la colaboración con instituciones, empresas y grupos independientes.

Como coautor o autor único, ha publicado más de 30 libros de literatura infantil, juvenil y para adultos, así como libros artísticos y experimentales. Asimismo, ha participado como ilustrador de portadas y en obras colectivas para diversas editoriales en Latinoamérica y Europa. Su trabajo ha sido expuesto en muestras individuales y colectivas en galerías y museos de España, Francia, Portugal, Italia, México, Corea, Turquía, y Ucrania. Algunas de sus obras han sido seleccionadas en varios festivales internacionales, como la bienal Ilustrarte en Lisboa y la exposición de ilustradores de la Feria del Libro de Bolonia.Ha recibido reconocimientos como el Ospite d’Honore Le immagini della fantasia della Mostra Internazionale per l’infanzia de Sàrmede, Italia, en 2025; una mención en la Bienal Ilustrarte por ‘Kintaró’ en Lisboa, Portugal, en 2018, y otra por ‘Central Park’ en 2016 en esta misma Bienal; el Premio Nacional al libro mejor editado por ‘Eugene Pickering’ en 2010; el Premio Lazarillo de ilustración en 2007; y el Premio Speciale Miglior Illustratore I Colori del Sacro 2012, otorgado en Padua, Italia; entre otros.

Jurado

El jurado ha estado presidido por María José Gálvez Salvador, directora general del Libro, del Cómic y de la Lectura del Ministerio de Cultura; y como vicepresidenta ha actuado Almudena Hernández de la Torre Chicote, subdirectora adjunta de la Subdirección General de Promoción del Libro, la Lectura y las Letras Españolas. Como vocales han actuado Carmen Marcos Vaca, propuesta por la Asociación Profesional de Ilustradores de Cataluña; Olga Mollà Llàcer, por la Asociación Profesional de Ilustradores de Valencia; Pablo Sangüesa Moreno, por la Asociación Profesional de Ilustradores de Madrid; Álvaro Valiño Pardo, por la Asociación Gallega de Profesionales de la Ilustración; Maite Rosende Gutiérrez, por la Asociación Profesional de Ilustradores de Euskadi; Anxo Xabier Fariña Temprano (Anxo Fariña), por la Federación de Asociaciones de Ilustradores Profesionales (FADIP); Enrique Martínez Lombó, por el Centro de Estudios de Género de la UNED; Rosa Brun Jaén, por la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando; Mikel Ayerbe Sudupe, por la Organización Española para el Libro Infantil y Juvenil (OEPLI); Elisabeth Pérez Fernández, por el Ministerio de Cultura; y Violeta Lópiz, autora galardonado en la convocatoria de 2025.

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El ciclo, comisariado por Alonso Aguilar, examina cómo el cine político centroamericano de estas décadas se apropia del estigma de «república bananera», mientras reclama un lugar en las narraciones de emancipación y anticolonización.

La entrada a las sesiones es gratuita hasta completar aforo. Se pueden retirar las entradas en taquillas o web del Museo (máximo 2 por persona). La apertura de puertas media hora antes de la proyección.

«República bananera» es un término despectivo usado para nombrar a países políticamente inestables, dependientes de una economía basada en un solo producto y dominados por intereses extranjeros y élites corruptas. Surgido a comienzos del siglo XX en Centroamérica, el concepto hace referencia al poder de multinacionales estadounidenses, como la United Fruit Company, sobre gobiernos, recursos naturales y estructuras económicas de esta región.

Reencuadrando las imágenes bananeras propone un reencuentro con un momento excepcional de producción cinematográfica en Centroamérica en los años setenta y ochenta, cuando el cine de la región buscó expandir su historia visual y se convirtió en una herramienta de construcción identitaria y política. Junto a cineastas independientes de dentro y fuera de la región, diversos organismos, instituciones y colectivos buscaron dialogar de manera directa tanto con la singularidad de su contexto inmediato como con el fervor antiimperialista que recorría Centroamérica: el Departamento de Cine en Honduras; su homólogo en Costa Rica; INCINE en Nicaragua; el Grupo Experimental de Cine Universitario en Panamá; la Cinematografía de Guatemala y, en El Salvador, los colectivos Taller de los Vagos, Cero a la Izquierda y Sistema Radio Venceremos.

El ciclo, segundo de la serie coorganizada en el marco de trabajo del ICAC (Instituto Cáder de Arte Centroamericano), se articula en tres programas que abordan desde las bases territoriales y las historias campesinas hasta la toma de armas y el ocaso insurgente.

El primer programa explica las bases de la explotación agraria y las formas de resistencia que surgen en el mundo rural. El segundo programa trata temas como la violencia patriarcal y estatal desde expresiones disidentes en lo formal y en lo político. El tercer programa culmina con una epopeya que cruza fronteras y registros para encarnar las vivencias de la lucha armada y la promesa de revolución.

Toda la programación del ciclo, que tendrá lugar de 18 al 27 de junio, se puede consultar en la página web del Museo.

El ciclo incluye películas de María José Álvarez, Patricia Howell, Ramiro Lacayo-Deshon, Paul Leduc, Kitico Moreno, Ingo Niehaus y del Taller de los Vagos.

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María del Carmen Machi Arroyo (Carmen Machi) ha sido galardonada con el Premio Nacional de Cinematografía, correspondiente al año 2026, a propuesta del jurado. El premio, concedido por el Ministerio de Cultura, está dotado con 30.000 euros.

El jurado la ha elegido «por ser una de las actrices de comedia más importantes de la historia del cine español. También ha destacado en todo tipo de géneros. Ha sabido conectar con el público masivamente, no afectándole su enorme popularidad para acercarse a proyectos más autorales».

Además, el jurado la ha destacado como «trabajadora incansable en cine, teatro y televisión”, señalando que “ha participado en más de un centenar de producciones. Representa los valores de una mujer actual, fuerte e independiente».

El Premio Nacional de Cinematografía recompensa la aportación más sobresaliente en el ámbito cinematográfico español, puesta de manifiesto preferentemente a través de una obra hecha pública o una labor profesional desarrollada durante el año 2025, o, en casos excepcionales debidamente motivados, se otorga como reconocimiento a una trayectoria profesional.

El galardón, que el ministro de Cultura entrega habitualmente en el marco del Festival de San Sebastián, reconoció en su pasada edición a Eduard Fernández, uniéndose a una amplia lista de personalidades de la cinematografía española, entre quienes se encuentran Penélope Cruz, José Sacristán, Isabel Coixet, Antonio Banderas, Fernando Trueba o Carla Simón, entre otros.

Biografía

Carmen Machi (Madrid, 1963) es actriz de cine, teatro y televisión. Su primer papel sobre las tablas fue el de la novia en ‘Bodas de sangre’, de Lorca. En 1994, Machi entró en la compañía del Teatro de La Abadía, donde trabajó en obras como ‘María Sarmiento’, ‘Retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte’ o ‘5mujeres.com’.

Gracias a su personaje de la serie televisiva ‘Aída’, fue galardonada por la Unión de Actores, además de dos TP de Oro, tres Fotogramas de Plata, un Premio Ondas y uno de la Academia de Televisión.

Aunque su carrera en televisión ha estado enfocada en la comedia, su carrera en teatro ha estado más enmarcada en el drama, siendo considerada una de las grandes damas dramáticas de la escena española, con papeles en obras como ‘Falstaff’, ‘El caballero de Olmedo’, ‘¿Quién teme a Virginia Woolf?’ o ‘Antígona’. En cine, ha participado en películas como ‘Hable con ella’ de Pedro Almodóvar, ‘Torremolinos 73’ de Pablo Berger, ‘Mi gran noche’ de Alex de la Iglesia, ‘Cerdita’ de Carlota Pereda u ‘Ocho apellidos vascos’ de Emilio Martínez-Lázaro, por la que ganó el Goya a la Mejor Interpretación Femenina de Reparto en 2014.

Además, en 2024 recibió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes otorgadas por el Ministerio de Cultura, cuya entrega tuvo lugar el pasado mes de mayo en Toledo.

Jurado

El jurado ha estado presidido por Camilo Vázquez Bello, subdirector general de Promoción y Relaciones Internacionales del ICAA. Como vocales han actuado Piluca Baquero Navarro, a propuesta de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España; Marina Parés Pulido, a propuesta de Autores Literarios de Medios Audiovisuales; Fátima Baeza Medina, a propuesta de la Unión de Actores y Actrices; Guadalupe Balaguer Trelles, a propuesta de la Asociación de Mujeres Cineastas y de Medios Audiovisuales (CIMA); Iván Agenjo Castaño, a propuesta de la Federación Española de Productores de Animación y VFX (DIBOOS); Ariadna Cortés Prió, Pere Gaviria Ibáñez, y Elsa Fernández Santos a propuesta del ICAA.

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Días 17 y 18 de junio en el Aula Magna (Alberto Aguilera, 23 – Madrid)

Las jornadas suponen el inicio oficial de la nueva Cátedra Interdisciplinar de Arte y Transcendencia, dirigida por el Prof. Dr. Bert Daelemans SJ y la Profª Dra. Milagros García Vázquez, y buscan abrir un espacio de diálogo entre creación artística, pensamiento contemporáneo y experiencia espiritual.

Universidad Pontificia Comillas

Dos días para descubrir cómo el arte, la arquitectura y la espiritualidad dialogan a través del legado de Antoni Gaudí.

La Universidad Pontificia Comillas acoge los días 17 y 18 de junio de 2026 las Jornadas de lanzamiento de la Cátedra Interdisciplinar de Arte y Transcendencia, bajo el título Arquitectura de lo sagrado en el centenario de la muerte de Gaudí.

17 de junio de 17:00 h. a 20:00 h.
18 de junio de 10:00 h. a 20:00 h.

Conferencias, mesa redonda, exposición artística, música y experiencias culturales en torno a la arquitectura de lo sagrado, en el centenario de la muerte de Gaudí. Un encuentro único con reconocidos expertos, artistas y creadores para mirar el arte desde una dimensión transcendente.

«Arquitectura de lo sagrado en el centenario de la muerte de Gaudí». Organizado por Cátedra Interdisciplinar de Arte y Trascendencia

La entrada a las Jornadas es libre hasta completar aforo.

Para las actividades de la tarde del jueves 18, las plazas son limitadas y hay que inscribirse a través de este evento.

Taller de Trencadis: 2 sesiones de 10 plazas cada una.

Visita a la Exposición Eduardo Chillida: Soñar el Espacio: 15 plazas.

Más información https://eventos.comillas.edu/154553/detail/arquitectura-de-lo-sagrado-en-el-centenario-de-la-muerte-de-gaudi.html

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Sobre esta muestra, Alejandro Cesarco, comisario, apuntas que se en ella «nos aproximamos al oxímoron “dulce venganza”, no solo como un título, sino como un marco conceptual, una herramienta para entender el uso sostenido que el artista de la sutileza, la multiplicidad y la paradoja como estrategias artísticas. Aquí dulzura y venganza no son opuestos, coexisten. La seducción se vuelve política, la belleza se convierte en una forma de constatación, la abstracción de una estrategia de resistencia».

Por su parte, la co-comisaria de la exposición, Nancy Spector, ha destacado que «siempre me quedo totalmente impresionada por la visión y la relevancia cultural de la obra de Gonzalez-Torres. Aunque su obra se realizó como respuesta a un tiempo y un lugar específico —en concreto Nueva York y Estados Unidos a finales de los 80 y principios de los 90, durante la presidencia de Ronald Reagan y la epidemia del SIDA—, su obra se puede aplicar al tiempo en el que vivimos hoy en día».

Del 27 de mayo al 12 de octubre de 2026, la Planta 1 del Edificio Sabatini alberga una exposición dedicada a la obra de Félix González-Torres (Guáimaro, Cuba, 1957 – Miami, Estados Unidos, 1996), una de las figuras más influyentes del arte contemporáneo de las últimas décadas. Su obra, caracterizada por su efimeridad, su naturaleza participativa, su rigor conceptual y sus profundas dimensiones políticas y emocionales, continúa influyendo de manera decisiva en las nuevas generaciones de artistas.

Felix Gonzalez-Torres: Dulce venganza incluye más de cincuenta obras del artista, presentadas en un espacio expositivo adaptado arquitectónicamente para la ocasión. Cuenta con préstamos de instituciones como el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York, el San Francisco Museum of Modern Art o Glenstone de Potomac, Maryland, entre otras, así como de colecciones privadas. Asimismo, esta exposición ha sido posible gracias al apoyo de la Fundación Felix Gonzalez-Torres.

La ciudad de Madrid fue un lugar emocionalmente complejo para Gonzalez-Torres. En 1971, fue enviado a España como parte de un programa destinado a trasladar a niños desde Cuba para alejarlos del régimen. Permaneció aquí durante un breve periodo antes de trasladarse a Puerto Rico y más tarde a Nueva York, donde pasaría la mayor parte de su vida adulta. No regresó a la ciudad hasta 1991, con motivo de una exposición colectiva. Al recordar ese primer regreso, escribió: «… Volví a Madrid casi veinte años después —dulce venganza—». Bajo esta noción de «dulce venganza», la exposición propone, en palabras de sus comisarios, «una comprensión del poderoso uso de la diferencia, la contradicción y la paradoja a lo largo de los distintos conjuntos de obras que reúne».

Los trabajos de Felix Gonzalez-Torres operan dentro de un conjunto de principios, instrucciones y posibilidades. Por ejemplo, ciertas obras, compuestas por materiales producidos comercialmente, se fabrican de nuevo para cada presentación. Asimismo, los retratos de texto son modificables; la persona o institución que posee el retrato, así como quienes son responsables de exhibirlo, pueden alterar su contenido. De este modo, el artista cuestiona las nociones de autoría y permanencia, adoptando la flexibilidad y la interpretación abierta.

La obra de González-Torres es inseparable del contexto en el que desarrolló su práctica, marcado por la crisis del sida y las políticas conservadoras en Estados Unidos durante las décadas de 1980 y 1990. Como artista queer, desarrolló un lenguaje visual deliberadamente inestable y profundamente personal, marcado por la muerte de su pareja a causa del sida en 1991. Consciente de la inminencia de su propia muerte por la misma enfermedad, González-Torres anticipó el futuro de su obra y dejó un legado influyente en el que las formas estéticas se convierten en vehículos de resonancia emocional y urgencia política.

Félix González-Torres: Dulce venganza, un recorrido participativo y personal

Tras una cuidadosa adaptación arquitectónica del espacio expositivo en la Planta 1 del Edificio Sabatini, Félix González-Torres: Dulce venganza se despliega a lo largo de múltiples salas interconectadas que presentan más de cuarenta obras, en las que los visitantes ocupan un lugar central como participantes activos, invitados a interactuar con muchas de las piezas.

La exposición comienza con “Untitled” (Revenge), 1991, una alfombra de caramelos que el público puede llevarse y que se repone indefinidamente, y conduce a una sala que revela el lado más íntimo del artista a través de un retrato textual, “Untitled”, 1989, considerado autobiográfico, y de obras tempranas influidas por su estancia en Madrid, como el puzle “Untitled” (Madrid 1971), 1988, así como sus inquietudes en torno a la política, la relación entre lo público y lo privado y cómo estas cuestiones afectan a la vida de las personas, temas recurrentes a lo largo de la exposición, reflejados aquí en obras como “Untitled” (Public Opinion), 1991.

Algunas de las secciones de la exposición están separadas por cortinas de cuentas permeables que invitan a reflexionar sobre la transición y el paso. Cada sala presenta una combinación única de trabajos de la obra multidisciplinar del artista, que incluye pilas de papel, instalaciones hechas de caramelos, retratos, fotografías enmarcadas, guirnaldas de luces, vallas publicitarias y puzles. También se incluyen otros formatos explorados por Gonzalez-Torres, situados entre la instalación y la performance, que invitan a la activación por parte del visitante, como en el caso de la obra “Untitled” (Arena), 1993.

La exposición avanza de una sala a otra con sutiles cambios de tono y temática, evocando cuestiones presentes en la práctica de Gonzalez-Torres, como las nociones de exilio y viaje, la epidemia del sida y la homofobia, la autoridad y la historia, la necesidad de justicia social y la esperanza de renovación. A lo largo del recorrido, la muestra mantiene y pone en práctica la idea de «dulce venganza» mediante la activación de las sutiles contradicciones que el artista incorporó en su obra.

Una sección al final de la exposición presenta ejemplos de material impreso relacionado con las muestras e instalaciones de la obra de González-Torres realizadas en vida del artista. Algunos de estos materiales efímeros reflejan el desarrollo de su práctica en una selección de invitaciones, notas de prensa, declaraciones y publicaciones. También se exhiben libros y catálogos de exposición que contienen citas de Gonzalez-Torres, las cuales son utilizadas por los comisarios a lo largo de la muestra para destacar la vigencia y relevancia de las ideas del artista hoy en día.

Dulce venganza más allá del Museo

Para Gonzalez-Torres era esencial la presencia y la interrelación de su práctica con el espacio público. En este sentido, la exposición trasciende los límites del Museo para expandirse por la ciudad de Madrid mediante la instalación de una de sus piezas en vallas publicitarias de Metro de Madrid, gracias a la colaboración con la empresa JCDecaux, en varias en estaciones como Cuzco, Guzmán el Bueno, Retiro, O’Donnell, Legazpi y Tirso de Molina.

Colaboración con la Fundación Museo Reina Sofía

La Fundación Museo Reina Sofía, en alineación con su misión de apoyo al Museo, ha adquirido para este 2026, y gracias a la donación de la familia Butinof, la obra «Untitled» (For Parkett). Con motivo de un encargo de la revista Parkett en 1994 para un múltiple que acompañaba un número en el que el artista fue protagonista, Gonzalez-Torres creó una valla publicitaria fotográfica en una edición limitada de ochenta y cuatro ejemplares, cada uno de los cuales solo puede ser instalado una vez. A diferencia de sus otras vallas, que pueden ser reproducidas indefinidamente con la autorización de sus propietarios, cada edición de “Untitled” (For Parkett) no puede volver a fabricarse una vez instalada en un lugar concreto. Su primera ubicación es, en esencia, también la última.

Asimismo, con motivo de la muestra se ha editado un folleto digital con textos de los comisarios y el listado de obras, cuya descarga estará disponible en sala a través de un QR, tanto en su versión en español como en inglés.

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Con motivo de esta celebración, el acceso a la Galería de las Colecciones Reales será gratuito el 18 de mayo. Las entradas se distribuirán exclusivamente en las taquillas del museo. Ese mismo día, la entrada al Palacio Real también será gratuita. El resto de los palacios y monasterios de Patrimonio Nacional permanecerán cerrados al coincidir la celebración en lunes.

Uno de los ejes de la programación será una nueva edición de “Confluencias”, una iniciativa que acerca al público algunas de las obras más relevantes incluidas en la exposición permanente de la Galería a través de charlas breves y cercanas en las propias salas del museo por parte de nuestros expertos, que permitirán descubrir aspectos poco conocidos de cada pieza. Entre las 11:00 y las 14:00 horas, conservadores y técnicos responsables de las colecciones compartirán las claves históricas, artísticas y simbólicas de seis piezas destacadas que recorren cinco siglos de historia y gusto artístico. El público podrá conocer en profundidad, entre otras obras, la armadura de Mühlberg de Carlos V, el tapiz La lapidación de San Esteban, el Calvario, de Rogier van der Weyden o la colección de relojes del siglo XIX de la exposición La precisión del tiempo.

Una visita a la “trastienda” de la Galería

La Galería permitirá, además, el acceso a sus almacenes de bienes culturales, un espacio restringido, de gran interés arquitectónico y patrimonial. Los visitantes podrán descubrir cómo se organizan estos espacios, qué sistemas de almacenamiento se utilizan y cuáles son las principales medidas de conservación preventiva. La actividad contará con dos pases, a las 12:00 y a las 17:00 horas. Por razones de circulación y seguridad, los grupos están limitados a un máximo de 15 personas. La participación es gratuita, aunque será necesario realizar reserva previa a través de la página web de la Galería de las Colecciones Reales.

La programación especial con motivo del Día Internacional de los Museos se prolongará hasta el día 19 de mayo, con una nueva sesión de “Conversaciones en la Galería”, organizada en colaboración con la Fundación Tatiana. El encuentro reunirá a Víctor Cageao, director de las Colecciones Reales, y a Marina Chinchilla, directora adjunta de Administración del Museo Nacional del Prado, que conversarán sobre la dilatada trayectoria profesional de esta última, sobre la importancia de la planificación en el diseño de actuaciones en museos, y sobre el papel de los museos en una sociedad tan compleja como la actual. El acto se celebrará a las 18:30 horas en el Auditorio de la Galería de las Colecciones Reales, con entrada libre hasta completar aforo.

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Desde las 09:00 h hasta las 23:00 h el Patio del Edificio Nouvel acoge la emisión en directo de la programación diaria de Radio 3 —que también se podrá seguir en videostreaming en la web y la aplicación de Radio3, en RTVEPlay y en las redes sociales del Museo—. Un total de más de veinte actuaciones en vivo, con artistas como Carlangas, Shego, Soleá Morente, Kokoshca, La Tania, La Pegatina, Pipiolas, Ángel Stanich, Triángulo de Amor Bizarro o Zahara, entre muchas otras.

El Museo culmina así las celebraciones por el Día Internacional de los Museos que se conmemora el lunes 18 de mayo. Además, durante toda la jornada, la entrada al Museo será gratuita en su horario habitual, de 10:00 a 21:00 horas.

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La Casa Museo Lope de Vega, ubicada en la vivienda en la que el escritor residió durante los últimos 25 años de su vida, abrirá de manera extraordinaria el lunes 18 de mayo. Además, el sábado 16 ofrecerá la ruta teatralizada Letras y espadas por el Barrio de las Letras, a cargo de la compañía Vataria. Esta propuesta permitirá al público recorrer las calles del histórico barrio madrileño junto a personajes vinculados al Siglo de Oro, como Lope de Vega, Calderón de la Barca o Quevedo, así como figuras literarias como La Lebrijana o Diego Alatriste.

Por su parte, el Museo Picasso–Colección Eugenio Arias, en Buitrago del Lozoya, celebrará el 16 de mayo el taller familiar Mi Museo Picasso y, un día después, el espectáculo Titiriscopio, un teatro a pequeña escala que combinará piezas breves de títeres y hologramas en directo para acercar al visitante la amistad entre el artista malagueño y su barbero, Eugenio Arias.

El Centro de Interpretación de Nuevo Baztán, por su parte, programará el 16 de mayo el concierto Música para flauta y violín en la España de la Ilustración, a cargo del ensemble Effimera, que tendrá lugar en la barroca iglesia de San Francisco Javier.

En ese mismo espacio, al día siguiente, el público podrá disfrutar de un taller de hilada tradicional de esparto, una técnica que ha sido considerada Bien de Interés Cultural del Patrimonio Inmaterial por el Gobierno regional. Actualmente en riesgo de desaparición, se conserva únicamente en la región madrileña, Murcia y la localidad navarra de Sesma. Además, también se podrá visitar la exposición temporal Porcelanas para los Reyes de España. La producción de la Real Fábrica del Buen Retiro, una selección de vajillas, jarrones y figuras de porcelana realizados en esta manufactura madrileña, entre 1760 y 1808.

Tres exposiciones temporales en el Museo CA2M

El Museo CA2M de Móstoles contará con tres exposiciones temporales: Entre el cielo y la tierra, de Antonio Ballester Moreno; Arquitectura menor, de Esther Partegàs y Una y otra vez de Dorothy Iannone.

Los museos de la Comunidad de Madrid ubicados en Alcalá de Henares se sumarán tanto al Día Internacional de los Museos como a la celebración de la tradicional Noche en Blanco complutense, con aperturas extraordinarias hasta la medianoche.

En este contexto, el Museo Arqueológico y Paleontológico de la Comunidad de Madrid (MARPA) acogerá el 16 de mayo el espectáculo Apolo. Arte y mito, una propuesta que recrea cómo pudieron ser las artes escénicas grecolatinas y las representaciones inspiradas en los relatos mitológicos de la Antigüedad.

Además, el 17 de mayo ofrecerá el taller de paleontología para jóvenes y adultos ¿Qué hace un cachorro como tú en un sitio como este?, centrado en el excepcional hallazgo de un ejemplar prehistórico de dientes de sable.

Por su parte, el Museo Casa Natal de Cervantes de la ciudad complutense organizará una actividad participativa, siguiendo el lema que el ICOM ha establecido para la celebración de este año: Museos uniendo un mundo dividido. Así, todos los visitantes podrán dejar sus mensajes de paz en el patio del Museo, a la vez que podrán visitar no solo el museo, sino también la exposición Con capa y espada. La moda en época de Cervantes, un recorrido por la historia de la indumentaria del Siglo de Oro y una forma de vestir que ha recibido el nombre de vestimenta a la española.

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