Arqueta. Taller de Limoges (?) Silos (?). Finales del siglo XII.

Alma de madera recubierta de cobre dorado y esmaltes en champlevé.

Abadía benedictina. Santo Domingo de Silos (Burgos).

Los relicarios constituyen una de las creaciones más genuinas y originales del arte medieval. Ricos estuches fabricados en todo tipo de formas y materiales, preciosos y semipreciosos, para exaltar mediante el simbolismo de sus piedras engastadas y el brillo de sus colores el poder taumatúrgico y mediador de la reliquia que se alojaba en su interior; de ahí la devoción y protección que les prestaron todo tipo de gentes e instituciones, desde reyes y caballeros a las personas de más humilde condición, desde las más ricas catedrales y monasterios a las modestas iglesias, todos, cada uno en la medida de sus posibilidades, acabaron haciendo de ellos el epicentro de su colección o de su tesoro.

La iconografía de esta arqueta de Silos quizá haga referencia a dos de las fiestas mayores del año litúrgico, la Pasión y la Ascensión, ya que están representadas la Crucifixión y la Maiestas Domini dentro de una mandorla que está siendo elevada por dos ángeles. A cada lado de estas representaciones, una pareja de santos bajo arquerías y sobre ellas fragmentos de una urbe amurallada que debe aludir a la Jerusalén celestial.

Datos de interés
Monasterio de San Salvador en Oña (Burgos)
Hasta el 4 de noviembre de 2012
Horarios:
Lunes: permanecerá cerrada.
Martes, miércoles, jueves y viernes: de 10 a 14 horas y de 16 a 20 horas.
Sábados, domingos y festivos: de 10 a 20 horas, ininterrumpidamente.
La admisión de público terminará 45 minutos antes del cierre.
Precio de la entrada: 3 €
Visita guiada (grupo máximo de 20 personas):50 €
Duración de la visita guiada: 50 minutos aprox.
No se admiten guías de grupos a no ser los oficiales de la exposición.
Será necesaria reserva previa
Información y reserva para grupos:
E-mail: expo@lasedades.es

Más información http://www.revistadearte.com/2012/05/22/monacatus-la-vida-consagrada-en-la-iglesia-catolica/

La exposición de Lara Almarcegui “Madrid subterráneo” se basa en una investigación sobre el subsuelo de Madrid, publicada en un libro

El CA2M Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid organiza, del 28 de junio al 28 de octubre de 2012, ‘Madrid subterráneo’, una exposición de la artista Lara Almarcegui (Zaragoza,1972).  La muestra, comisariada por Manuel Segade, se basa en un proyecto específico desarrollado por la artista para el CA2M, que consiste en la publicación de un libro en el que da a conocer lo que se esconde bajo el suelo de la capital, y que difícilmente se revela al ciudadano: sus capas históricas, arqueológicas, de usos, de transportes y de circulaciones de energía, de canalizaciones de agua y de comunicaciones.

La exposición incluye también un recorrido por trabajos anteriores de la artista, un total de 21 piezas entre fotografías, diapositivas, proyecciones o  pósters que sirven para situar su obra y comprender el alcance de su trayectoria. La exposición se enmarca en el festival PHotoEspaña 2012, que este año tiene por tema ‘Desde aquí. Contexto e internalización’.

Lara Almarcegui inició en 1995 una serie de trabajos sobre los contextos periféricos de entornos construidos, lugares de transición entre lo urbano y el orden natural que lo había precedido. A partir de un proceso de investigación de campo, ha desarrollado herramientas metodológicas para comprender las formas de habitar y ha ideado igualmente formatos de presentación que, a modo de guías, mapas, folletos u otros usos habituales de la documentación y la pedagogía permiten hacer pública y comunicable la  información obtenida.

Lara Almarcegui (Zaragoza, 1972) es una de las artistas españolas con mayor presencia internacional. Residente en Rotterdam desde mediados de los 90, sus proyectos tienen como contexto la ciudad contemporánea y sus condiciones de desarrollo. Sus guías de ruinas modernas en Holanda o Borgoña, de descampados urbanos en Londres o Sao Paulo, sus trabajos con montañas de escombros en Viena o Dijon, o sobre el peso de ciudades como Sao Paulo, la han llevado a participar en los más importantes eventos internacionales del arte contemporáneo de la última década. Recientemente el CAAC de Sevilla ha organizado una exposición sobre su trabajo y próximamente presentará un proyecto nuevo en León, en el MUSAC

Centro de Arte Dos de Mayo
Avda. Constitución 23
28931 Móstoles, Madrid
T (+34) 91 276 02 21

C5 MóstolesL12 Pradillo

Grandes Encuadernaciones en las Bibliotecas Reales (siglo XV-Siglo XXI) con este título se muestran en el Palacio Real las joyas de las encuadernaciones reales. La exposición rompe con el eje cronológico tradicional y se crea una muestra sincrónica, en la que lo importante es entender las funciones que la encuadernación ha cumplido a lo largo de la historia.

La exposición se organiza en torno a tres ejes: “Procedencias”, “Funciones” y “Técnicas decorativas”. Se inicia con un audiovisual de forma que el visitante pueda sumergirse en la Real Biblioteca y su entorno. Otro aspecto muy interesante del montaje es que el visitante puede tener una visión de 360 grados de los libros expuestos.

La Primera Sala trata del origen de la Real Biblioteca y la procedencia de sus libros y fondos. Las obras parten de tres fuentes principales: los libros de la propia Familia Real, con excepcionales obras y libros infantiles correspondientes al reinado de Alfonso XIII y la Reina Victoria; en segundo lugar, ejemplos de las bibliotecas de los eruditos Hurtado de Mendoza, Nicolás Azara o del encuadernador real de Parma, Giambattista Bodoni; y, por último, los fondos procedentes de la Nobleza, referente necesario: la colección del conde de Gondomar.

La Segunda Sala está dedicada a las “Homologaciones”, esto es, el uso del lenguaje decorativo como hilo conductor y su coincidencia en todo tipo de objetos presentes en la vida de la corte: sillas, ex–libris, relojes o atriles. La reunión de estos ejemplos permite entender los diferentes estilos y su concordancia, además de la coherencia estilística y la profundidad de la colección real. En esta Sala se muestra cómo el continente y la imagen de las encuadernaciones son capaces de transmitir el conocimiento que los libros esconden.

En la Sala Tercera – “Retiros espirituales” – se recogen los fondos procedentes de los Monasterios de fundación Real. Están expuestos libros que pertenecieron a la princesa Juana de Castilla, la Reina Margarita de Austria o la Reina Leonor, esposa de Alfonso VIII. Destaca en este espacio el tintero de santa Teresa, del siglo XVI,  conservado en el Monasterio de El Escorial.

Bajo el sobrenombre de “Ceremonias”, la Sala Cuarta está destinada a las funciones que los libros desempeñaban en la vida y los rituales de la Corte. En ese sentido, son magníficos testigos del protocolo real de cada época. Especial interés ofrece el excepcional estuche de plata que contiene el “Álbum de firmas que los alcaldes presidentes de España dedican a Sus Majestades los Reyes, don Alfonso XIII y doña Victoria Eugenia con motivo de su enlace matrimonial”.

El “Lujo” es el protagonista de la Sala Quinta, en la que se muestran las encuadernaciones realizadas en prestigiosos talleres para Reyes y príncipes. En esta Sala, se descubre el carácter internacional de la encuadernación en el ámbito de las Casas Reales europeas. El magnífico tapiz de la “Coronación de la Virgen” se contrapone a la excepcional cubierta del Misal de Isabel la Católica, siglo XV.

La Sala Sexta está dedicada al “Candor” o la sencillez de la encuadernación en pergamino. El interés de estas encuadernaciones radica en que su estructura revela las diferencias geográficas, técnicas y económicas “sufridas” por los libros, lo que hace posible entender el camino de un ejemplar que puede ser elaborado en un lugar, “ligado” en otro y editado en un tercero.

Los hierros decorativos llenan el espacio de la Sala Séptima, en la que se muestran hasta 16 diferentes tipos de hierro sobredimensionados y representados en las paredes y con un espectacular montaje, regresamos al ambiente de Palacio. Uno de los valores de la muestra es que, frente a montajes que utilizan salas de forma inerte, el Palacio es aquí un elemento más del montaje expositivo.

La Sala Octava – “Serial vs. Único” – nos trae una original presentación para contemplar las publicaciones anuales, en concreto las guías de forasteros y los estados militares que se guardan en la Colección Real. Encuadernados con ricos e innovadores modelos, constituyen una serie de magníficas obras.

“Cortes” es el título de la Sala Novena. Gracias a la presentación artística propuesta, se pueden apreciar en los libros sus cortes dorados, labrados o miniados que los enriquecen, además de tener una doble finalidad: la utilización estética y la preservación de los libros. Esta Sala se completa con las encuadernaciones “de pasta valenciana” – de color verde – y de “pasta española” – marrón – , con la que se imita la textura de los mármoles en las encuadernaciones de los libros.

La Sala Décima, con la que concluye la exposición, está dedicada a la “Hegemonía” y, en ella, se muestran los fondos clasificados por reinados, comenzando por Isabel I – la Católica – hasta el Rey Juan Carlos I. Estos fondos muestran cómo la encuadernación se asociaba  a la identificación de sus propietarios.

Con el fin de actualizar el patrimonio de la Biblioteca, y dejar testimonio del trabajo artesanal de la encuadernación artística en la España contemporánea, se incluye en el apartado del Rey Juan Carlos I, la colección completa – 20 tomos – de los Premios Reina Sofía de Poesía Iberoamericana, cuya encuadernación se encarga a los más prestigiosos talleres españoles. Así, desde Gonzalo Rojas hasta Fina García Marruz, las obras antológicas de los autores galardonados forman parte de la Real Biblioteca.

La exposición “Grandes Encuadernaciones en las Bibliotecas Reales (Siglo XV-Siglo XXI)” es también una apuesta por la tecnología: a las Salas de carácter audiovisual (en orden cronológico Salas 1 y 6, sin concordancia con la descripción anterior) se suma la base de datos de la Real Biblioteca, que permite realizar una visita de la exposición de forma personalizada y que reafirma a este centro de investigación como un referente a nivel mundial.

Datos de interés:
Grandes Encuadernaciones en las Bibliotecas Reales (siglo XV-Siglo XXI)
Del 25 de abril al 2 de septiembre
Palacio Real de Madrid
Salas de Exposiciones
De lunes a domingos, de 10.00 a 20.00 horas
Entrada: 5 euros
Calle Bailén, s/n
Organizado por Patrimonio Nacional
Comisaria: María Luisa López-Vidriero
Número de obras: 457

Jorge Inglés fue el artista encargado de realizar esta obra, que fue mandada realizar por el primer marqués de Santillana para la capilla del Hospital de Buitrago, en Madrid. Su autor se muestra conocedor del arte flamenco en los retratos de los marqueses, don Íñigo López de Mendoza y doña Catalina Suárez de Figueroa, que remiten a los donantes de las obras de Roger van der Weyden (h. 1399-1464).

Pilar Silva Maroto, jefa del Departamento de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte, destacó el realismo propio de la pintura flamenca que se puede apreciar en esta pieza, así como el gran protagonismo de los comitentes. Silva resaltó también el “marcado sentido plástico” de Inglés “que hace que sus obras se identifiquen”.

Importancia de los comitentes
Sobre la predela con los cuatro padres de la Iglesia, don Íñigo y doña Catalina, acompañados por un escudero y una doncella, están arrodillados ante una talla de la Virgen. En el cuerpo superior están representados doce ángeles con pergaminos con los textos de los Gozos a la Virgen María escritos por el marqués, prueba de su devoción a ella.

Por su parte, uno de los hijos de Íñigo de Arteaga y Marín se mostró muy orgulloso de que “una pieza de la familia esté en el Prado”. Tras siglos colocado en la iglesia del hospital de Buitrago, los duques del Infantado, herederos del marqués de Santillana y patronos del hospital, lo trasladaron a otras dependencias de su propiedad.

El retablo conserva parte de la estructura y tracería originales y todas las pinturas realizadas por Jorge Inglés. Sobre el banco con los cuatro padres de la iglesia, en el cuerpo inferior, Íñigo López de Mendoza, marqués de Santillana, aparece retratado, en el único retrato de pincel conservado de un noble castellano, con su mujer, Catalina Suárez de Figueroa, que se encuentra de rodillas ante la Virgen María, cuya imagen original perdida (flamenca de mediados del siglo XV) se ha tenido que sustituir. Ambos se encuentran acompañados, respectivamente, por un escudero y una doncella. En el cuerpo superior, compuesto por dos tablas, aparecen representados doce ángeles con pergaminos con textos de los Gozos de Santa María escritos por don Íñigo, prueba de su devoción a la Virgen.

El retablo ha pasado por el taller de restauración para poder exhibirse ante el público en la sala 57 del edificio Villanueva, que se dedica, a partir de ahora, a los retratos españoles y flamencos de la nobleza y la burguesía (1450-1570).

Don Íñigo López de Mendoza, marqués de Santillana
Además de por ser la primera obra documentada de autor conocido que se conserva, la personalidad del comitente, el primer marqués de Santillana, figura clave en el reino castellano en tiempos de Juan II, confiere una especial importancia a la obra.

Don Íñigo López de Mendoza, gran poeta y estudioso de la ciencia, fue el mejor ejemplo para la nobleza castellana de su tiempo de que las letras “no embotan el fierro de la espada”. Las dos vocaciones de don Íñigo, las armas y las letras, se materializaron en las dos colecciones iniciadas por el marqués, la armería y la biblioteca, que habían de ser el orgullo de sus sucesores, los duques del Infantado. Pero también fueron dos sus devociones. Una fue su linaje, su familia (su mujer, doña Catalina Suárez de Figueroa –representada junto a él en este retablo-, y sus hijos), y la otra la Virgen, devoción de la que dan testimonio los Gozos de Santa María escritos por él, incorporados a los pergaminos que llevan los ángeles de este retablo.

Jorge Inglés
A excepción del documento que le vincula con el marqués de Santillana, poco se sabe de Jorge Inglés, que une su condición de pintor a la de miniaturista. Se ha especulado sobre su origen inglés o el de su familia, al ser el suyo un apellido de origen, pero, por el momento, no se ha podido saber nada ni sobre donde nació ni sobre donde se formó. Por tal razón, el punto de partida para definir su estilo y atribuirle otras obras es este altar de los ángeles, propiedad del duque del Infantado.

A juzgar por este retablo y por las otras obras que se le han adscrito, sobre todo El retablo de san Jerónimo, mandado hacer por don Alonso de Fonseca, obispo de Ávila desde 1469 a 1485, para el monasterio Jerónimo de la Mejorada, en Olmedo (Valladolid), lo más probable es que Jorge Inglés se formara en el estilo internacional o con un maestro de transición y que accediera después a los modelos flamencos, como lo atestiguan los retratos del marqués de Santillana y de su mujer, que remiten a los donantes realizados por Weyden, sin duda a través de intermediarios (a ello ayuda el que don Íñigo vaya vestido a la moda borgoñona). Aunque la tipología de estos retratos, el realismo de las figuras y la forma de los plegados remiten a la pintura flamenca, las obras que se adscriben a Jorge Inglés no denuncian un contacto directo con un pintor flamenco en concreto. Más aún, a juzgar por los tipos humanos que utiliza –repetidos de forma sistemática-, denuncia una tendencia expresiva ajena a los Países Bajos y más característica del mundo germánico y también del inglés, que tal vez le sea propia y responda a ese hipotético origen inglés, sugerido por su apellido.

En palabras de la comisaria de la muestra, Lynne Cooke, ”este excepcional conjunto proporcionará nuevas pautas de relación con la práctica tan singular e influyente desarrollada por Trockel a lo largo de casi tres décadas, así como una visión que puede resultar familiar en algunos de sus detalles, pero que resulta absolutamente original en su totalidad”.

La muestra reúne alrededor de ciento veinte piezas, de las que más de la mitad pertenecen a la artista alemana. De ella se exponen sobre todo objetos de cerámica vidriada de reciente producción (realizados entre 2006 y 2012), algunos de los cuales se ven por primera vez. Hay asimismo una importante representación de sus característicos cuadros tejidos y piezas confeccionadas en lana (1986-2012), además de sus “books drafts” o cuadernos de notas y otras clases de documentos que le han sido de utilidad durante toda su carrera artística (desde 1971 hasta la década de los 2000).

Dibujos, acuarelas, fotografías y grabados
Destaca la obra Replace me (2011), un sofá de 4,20 m. de longitud con el que representó a Alemania en la 54ª Bienal de Venecia. Hay también algunos de sus dibujos, acuarelas, grabados y fotografías; más de una decena de esculturas realizadas en técnica mixta como, por ejemplo, el enigmático busto Stell Dir vor [Imagínate] (2002); tres películas (1993, 1999 y 2000) y una proyección de diapositivas (2006). Por último, se suma a la muestra una instalación (2012) realizada expresamente para esta ocasión, consistente en una sala alicatada con azulejos de cerámica blanca, de cuyo techo cuelga una palmera de plástico de grandes dimensiones y una jaula que contiene pájaros disecados y mecanizados.

Durante más de treinta años Trockel ha rehuido todo academicismo. Su obra abarca un conjunto de formas extraordinariamente diversas, como películas y vídeos, instalaciones con animales, proyectos para niños, cuadros tejidos, cerámicas, dibujos, collages y numerosas esculturas con un sinfín de materiales. En sus diversas actividades se observan ciertas cuestiones recurrentes que apuntalan su pensamiento, como distintas concepciones del feminismo o supuestos antagonismos entre el aficionado y el profesional, la fama y el anonimato, o las bellas artes y las artes aplicadas. Más en general, sus obras exploran las interrelaciones entre los humanos y los animales, así como el impacto de nuestra especie en el mundo natural.

Asociación de objetos
Las obras de Rosemarie Trockel se muestran junto a unas sesenta piezas de diferentes autores y épocas en una particular asociación de objetos, pues la mayoría no fueron concebidas con una intencionalidad artística. Entre ellas, se encuentran algunas que, desde una perspectiva más convencional, pertenecen al ámbito de la ciencia, pero que, por su perfección y belleza, se adentran en el campo del arte. Es el caso de las delicadas reproducciones en vidrio de medusas, creadas en el siglo XIX por Leopold (1822-1895) y Rudolph Blaschka (1857-1939) para el estudio de los naturalistas académicos; los dibujos de plantas tropicales de la Real Expedición Botánica del Nuevo Reyno de Granada, dirigida por el sacerdote y científico gaditano José Celestino Mutis (1732-1808); así como las láminas de Robert Havell (1793-1878), el grabador principal de la publicación de ornitología considerada como la más importante de todos los tiempos, The Birds Of America (1827–1839), de John James Audubon.

Trockel ha querido que completen la muestra otros artistas outsiders del siglo XX, como el norteamericano Morton Bartlett (1901-1992), de quien se exponen tres fotografías y una muñeca de escayola policromada de las quince que realizó en secreto entre los años 1936 y 1963. De James Castle (1899-1977), a quien el Reina Sofía dedicó una muestra en 2011, se muestra una docena de sus pájaros de cartón. Analfabeto y sordo de nacimiento, trabajó casi totalmente al margen del arte hasta su muerte.

Manuel Montalvo
Por último, está también presente el desconocido artista español Manuel Montalvo (1937-2009), aficionado a escribir e ilustrar de manera obsesiva cuadernos que convertía en auténticas enciclopedias manuscritas y miniadas, auténticos compendios de diferentes ramas del saber, como la botánica, la ornitología, estilos artísticos, el folclore… Se trata de objetos que han permanecido inéditos hasta esta exposición.

Rosemarie Trockel también ha querido incluir obras de un artista que ha estado muy presente a lo largo de su trayectoria, el alemán Günter Weseler (Olsztyn, 1930). De él se muestran un par de sus característicos Atemobjekte u “objetos de respiración” que comenzara a crear a mediados de los sesenta. Compuestas por motores envueltos de peluche, estas piezas se expanden y contraen simulando tener vida.

Rosemarie Trockel: un cosmos
Del 22 de mayo al 24 de septiembre
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Edificio Sabatini, 3ª planta
Comisariado por Lynne Cooke

La muestra, compuesta por fotografías de Amparo Garrido, ofrece un nuevo enfoque en la lectura de las colecciones históricas del Museo del Romanticismo bajo el prisma de la creatividad contemporánea. Una nueva mirada que tiene por objeto potenciar el papel de los artistas contemporáneos en la lectura de las colecciones y espacios de los museos estatales, dinamizando las actividades y fomentando diferentes diálogos.

Durante un año completo, Amparo Garrido fotografió el jardín romántico de Tiergarten, un entorno artificial diseñado cuidadosamente para suscitar en el espectador la experiencia de la naturaleza más agreste, virgen y exuberante. A través de las instantáneas de la serie y de un vídeo, que recoge el proceso creativo del proyecto, la artista refleja el tránsito de las estaciones, incorporando la dimensión del tiempo a este edén berlinés. Con ello, el jardín termina de cobrar su auténtico sentido, presentándose como una obra completa que nos sugiere, potenciadas, todas las sensaciones proyectadas por los paisajistas románticos: libertad, anarquía, incertidumbre, cambio, vida y muerte.

La exposición permanecerá abierta al público en el Museo Nacional del Romanticismo hasta el 2 de septiembre

La aplicación es gratuita y cuenta con más de 8.000 recursos culturales

El Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, a través de la Sociedad Estatal para la Gestión de la Innovación y las Tecnologías Turísticas (SEGITTUR), ha creado una aplicación que permite al usuario conocer la oferta cultural de España mediante geolocalización y cuyos contenidos están ligados al portal oficial www.españaescultura.es.

Esta aplicación, denominada “España es Cultura”, ofrece información de más de 8.000 referencias culturales que abarcan desde arquitectura y monumentos, a fiestas y tradiciones, pasando por museos, obras de arte o exposiciones del destino. El usuario también puede elegir qué estilo artístico quiere encontrar (prehistórico, románico, gótico, sefardí, arte moderno, etc.).

Con este sistema, además, se facilita información sobre los eventos culturales previstos en el entorno en el que está localizado el usuario.

Cómo funciona
La aplicación se puede descargar de manera totalmente gratuita accediendo desde la web www.españaescultura.es o buscando en www.layar.com la aplicación “España es Cultura”. Es muy sencilla de utilizar.

Una vez dentro se selecciona el tipo de oferta cultural y la distancia máxima que el usuario está dispuesto a recorrer. Mediante la cámara del móvil y el GPS se añade una capa de información en la pantalla que indica los monumentos, museos o galerías que se han incluido en la búsqueda. Los resultados pueden ser consultados en inglés y en español.El Ministerio de Educación, Cultura y Deporte lanza una aplicación para móviles inteligentes que permite conocer la oferta cultural de España mediante geolocalización

La primera exposición tuvo lugar en el Museo de Cómics de Corea , el 24 de marzo de 2012.

Esta muestra de cómics está compuesta por 8 historietas basadas únicamente en información recopilada de internet y las viñetas se encuentran entre la ficción y la realidad. Creada por los siguientes artistas españoles y coreanos: Darío Adanti: “Viajero del tiempo”, Agustín Comotto: “Ruptura”, Hanna Jung: “Toro”, Chulyoung Kang: “Vive y trabaja en Seúl”, Juhyuck Kim: “Viaje al oeste”: Enrique Lorenzo: “¿Alguna vez has estado en Seoul?”, J.M. Ken Niimura: “Epic won” y Daeseob Sim:”Los diez meses de Antonio”.

Los creadores desconocen los países, España o en su caso Corea, sobre los que nos van a ilustrar mediante cómics que están clasificados en técnicas dramáticas, ilustración de dibujos animados o como dibujos de arte.

Es una exposición dedicada a reflejar la capacidad de acercamiento a la realidad sólo con los datos de internet y representa una oportunidad de conocer los cómics de ambos países y de seguir desarrollando el intercambio cultural entre ambos.
.Para más información contacten con el Centro Cultural Coreano: www.centroculturalcoreano.com

Entre las obras que se podrán ver en la exposición, todas ellas pinturas realistas, podremos encontrar bodegones contemporáneos, paisajes urbanos, playas y algún retrato. Según explica el comisario y pintor, “hay piezas más sueltas, centradas en el color y otras más estructuradas”.

Alumnas aventajadas
Todos los cuadros han sido realizados por las alumnas de Juan Naranjo, que da clases en la Academia Arauco. Entre las artistas que mostrarán sus obras destaca Ana Ruiz de la Escalera, con una serie sobre Tintín. También se podrán ver cuadros de Rocío Báez, Mariles Cervera, Eugenia Costa, Mapi Chacón, Pilar Enciso, Pilar González-Aller, Candy H. Iglesias y Marta H. Maraver.

Por su parte, Naranjo, que está representado desde hace años por la Galería Ansorena, también ha querido estar presente en la muestra y ha aportado al grupo de obras una sugerente vista de la ciudad de Madrid de gran formato, en la que el pintor ha estado trabajando durante las últimas semanas. El lienzo tiene un precio estimado en torno a los 10.000 euros.

Joven talento
Juan Naranjo, de tan solo 33 años, es un joven pintor madrileño lleno de talento cuya obra es reconocida desde hace años, tanto por los coleccionistas como por figuras de la talla de Antonio López. “Siempre he pintado obra realista, me ha salido así sin querer”, admite el artista. “No estoy preocupado por la vanguardia, a mí lo que me interesa es la luz”, añade.

Precisamente la gran figura del realismo español contemporáneo, Antonio López, es una de las grandes inspiraciones de Juan Naranjo. “López es un genio a la altura de Velázquez”, asegura el pintor. “Ha creado una escuela, su forma de aplicar el color es totalmente innovadora”, añade. La influencia del maestro de Tomelloso en Naranjo se aprecia claramente en los numerosos paisajes urbanos, especialmente de Madrid, que inundan la obra del artista. Francis Bacon, Lucian Freud o Velázquez son otros de los pintores que más han marcado su trayectoria.

Además de las vistas de ciudades, entre la obra de Juan Naranjo son muy reconocibles los cuadros de gran formato en los que la figura humana centra la atención. Se trata de escenas paradas en el tiempo, en las que las personas retratadas, en su mayoría mujeres, aparecen abstraídas e incluso aburridas. “Mi meta es encontrar una unidad en lo que pinto”, aclara el pintor. “Que se pueda distinguir un cuadro mío”.

Murales con Pirrongelli
Naranjo estudió el Bachillerato de Artes en la Escuela de La Palma, en Madrid. Al finalizar, se incorporó al equipo de trabajo del muralista Alberto Pirrongelli, con quien colaboró durante cuatro años. Junto a él aprendió la técnica que se utilizaba en la realización de los carteles de cine y participó en los encargos del Ayuntamiento del Madrid al pintor para realizar los célebres murales que se pueden ver en algunas fachadas de La Latina.

Después de esta experiencia, Juan Naranjo obtuvo una beca de dos años en la extinta Fundación Arauco en la localidad de Chinchón, dirigida por Guillermo Muñoz Vera. Al concluir, pasó a formar parte del equipo de la academia de la fundación. Actualmente, compagina su labor como profesor con la de artista.

La prestigiosa galería madrileña Ansorena es la encargada de vender su obra. Ha participado en varias exposiciones colectivas en la galería, incluso en una muestra individual en 2010. Algo que para un artista tan joven es muy relevante.

Irene G. Vara

Juan Naranjo. Exposición colectiva de realismo
Del 24 al 31 de mayo
Galería Ciento y Pico
Calle Velarde, 14
De 10.00 a 20.00 horas
Entrada gratuita

A través de la exhibición de 60 joyas bibliográficas procedentes de los fondos de la Biblioteca y el Archivo de la Fundación, la muestra propone una relectura de las colecciones del museo, en dos secciones. La primera nos presenta al personaje cuyo perfil, asombrosamente complejo y actual, compaginaba las facetas de intelectual, editor de La España Moderna, coleccionista y aficionado al arte y a los libros desde su juventud y viajero infatigable. Su vida combinó así afición y dedicación, otium y nec otium, en la mejor tradición clásica.

Joyas bibliográfias y documentos históricos
En la segunda parte de la muestra, las obras maestras del arte universal que se exponen en el museo aparecen acompañadas, por primera vez, por incunables y documentos históricos de época, que los contextualizan y explican. Descubrimos al José Lázaro coleccionista, dotado de una intuición contemporánea que le condujo a valorar por igual todas las artes y a hacerse con estas joyas bibliográficas, de interés y belleza parangonables a la colección expuesta en el museo, pero que por razones de conservación son custodiadas en la Biblioteca de la Fundación.

A través de este rico y sugerente recorrido, la Fundación Lázaro Galdiano quiere evocar el universo intelectual de comienzos del siglo XX. José Lázaro convirtió su casa en un compendio de cultura. Un espacio escogido, donde el círculo selecto de sus amistades podía conocer, disfrutar y comentar sus variadas preferencias bibliográficas y artísticas, en tertulias eruditas y cultas donde saber y progreso se daban la mano.

Son pocas las representaciones que nos han llegado de José Lázaro. Su imagen no apareció en la prensa de la época, por lo tanto su efigie era poco conocida. Esto, sumado a las largas estancias fuera de España desde 1936, propició más aun esta silueta borrosa que había de él cuando falleció en 1947. Celoso de su imagen, los retratos que se conservan pertenecen en su mayoría al ámbito familiar y son obra de sus autores predilectos, algunos de ellos muy conocidos, como los fotógrafos “Kaulak” o Alfonso, o Vaamonde, pintor gallego al que conoció por pertenecer al círculo de Emilia Pardo Bazán.

Humanista del siglo XX
Lázaro Galdiano prefería, sin duda, que se le identificara por su incansable e ingente aportación a la investigación y la cultura, en la que destaca su labor editorial al frente de la “España Moderna. Bajo el sello de esta editorial cabe destacar otras publicaciones y monografías promovidas por él, en número superior a las seiscientas en distintas colecciones y formato dedicadas a las ciencias más diversas (el Derecho, la Sociología, la Filosofía o la Historia, entre otras).

Sin embargo, desde un punto de vista personal, fueron su dedicación al coleccionismo y a los libros las pasiones que más satisfacción reportaron a José Lázaro. Estas dos aficiones comenzaron en su juventud, le acompañaron toda su vida, y dieron lugar, respectivamente, a una de las mejores colecciones de arte existentes en España y a una extraordinaria biblioteca privada. Como coleccionista Lázaro sintió verdadera predilección por la obra de Goya, por ello se muestran en esta pequeña sala de manera excepcional los Proverbios o Disparates, la Tauromaquia, los Desastres y los Caprichos no expuestos al público de manera habitual.

La biografía de José Lázaro Galdiano es la de un humanista del siglo XX, interesado por todos los artes y saberes, comprometido con la sociedad y creyente en la capacidad de la cultura para cambiar la realidad.

Itinerario y memoria de José Lázaro. Editor, coleccionista, bibliófilo
Exposición conmemorativa del 150 aniversario del nacimiento de José Lázaro Galdiano
Del 23 de mayo al 17 de septiembre
Museo Lázaro Galdiano
De lunes a sábados, de 10.00 a 16.30 horas. Domingos, de 10.00 a 15.00 horas. Martes, cerrado
Comisario: Juan Antonio Yeves Andrés