En la historia de la alta costura, la relación entre moda y coleccionismo de arte tiene algunos de sus episodios más fascinantes. Christian Dior hizo de La Colle Noire, su château en el sur de Francia, un espacio donde convivían arquitectura, jardines, arte y muebles de primera línea; Hubert de Givenchy reunió durante décadas una extraordinaria colección de pintura, escultura y artes decorativas en sus residencias de París y en el Château du Jonchet; y Yves Saint Laurent y Pierre Bergé construyeron una de las grandes colecciones privadas del siglo XX. Manuel Pertegaz pertenece a esa misma tradición de grandes creadores para quienes la cultura visual no terminaba en el taller.

La casa de subastas Subarna presentará el próximo 8 de octubre una de las colecciones privadas más singulares vinculadas a una figura imprescindible de la cultura española del siglo XX: el conjunto de artes decorativas, arqueología, pintura y arte oriental reunido durante décadas por Manuel Pertegaz.

La colección procede de los tres espacios que acompañaron la vida de Manuel Pertegaz – su showroom de la avenida Diagonal, su residencia de Sarrià y, especialmente, su masía fortificada del siglo XVI, adquirida en los años cincuenta -, donde reunió buena parte de las piezas que ahora salen a subasta. No fue una colección concebida para ser expuesta, sino un conjunto de obras y objetos que Pertegaz escogió para convivir con ellos, convirtiendo sus espacios privados en una expresión más de su sensibilidad.

Una colección que refleja una forma de entender la belleza

El núcleo de la colección está formado por un extraordinario conjunto de artes decorativas europeas, con una destacada representación de mobiliario portugués, italiano y español desde el siglo XVI al XIX. Especialmente relevante es la colección de muebles policromados, integrada por piezas de notable calidad y difícil presencia en el mercado: sobresalen una cómoda portuguesa João V realizada hacia 1730, un conjunto de sillas Carlos IV de finales del siglo XVIII o un excepcional obelisco italiano, extraordinariamente raro dentro de su tipología.

Junto al mobiliario, la escultura ocupa un lugar fundamental. Y es precisamente aquí donde la colección permite establecer una relación especialmente reveladora con el universo de un modista. Entre las piezas se encuentra un conjunto de torsos escultóricos tanto de la antigüedad como de los siglos XVIII y XIX, representaciones del cuerpo humano que, despojadas de cualquier función utilitaria, convierten la anatomía, la postura y la proporción en protagonistas.

Para un creador cuya profesión consistía en trabajar cada día sobre el cuerpo humano, su presencia result aespecialmente significativa. Pertegaz no vestía simplemente cuerpos: construía una relación entre el cuerpo y la forma. La caída de una manga, la línea de un hombro, la longitud de una falda o la manera en que un tejido acompaña el movimiento dependen de una comprensión precisa de las proporciones y de la presencia física de quien lleva una prenda. En sus esculturas, el cuerpo aparece igualmente convertido en una cuestión de forma, equilibrio y proporción.

La colección permite así contemplar dos aproximaciones distintas a una misma preocupación: cómo convertir el cuerpo humano en una forma bella. Es significativo que Pertegaz conviviera con esculturas de épocas tan distintas. Su interés no parece responder a una voluntad de reconstruir una determinada época histórica, sino a una sensibilidad capaz de reconocer belleza en soluciones formales separadas por siglos.

Más allá de Europa…

El arte oriental ocupa también un lugar destacado dentro de este universo. La colección incorpora un importante núcleo de porcelanas Qing del siglo XIX y varias piezas de mobiliario de la dinastía Ming, entre ellas un gran biombo y un cabinet de exportación de extraordinaria rareza y calidad.

Su presencia resulta reveladora porque introduce un lenguaje estético muy diferente al de la tradición europea que domina buena parte del conjunto. Frente a la exuberancia de determinados muebles y esculturas barrocas, estas piezas aportan otras formas de entender el espacio, la superficie y la ornamentación: la contención, el ritmo, la repetición y el equilibrio.

Más que buscar uniformidad, Pertegaz parece haber buscado afinidades entre culturas diferentes. Es una manera de coleccionar que encaja con una personalidad creativa poco interesada en las fronteras rígidas entre estilos. Su trayectoria en la moda demuestra también esa capacidad para absorber lenguajes diferentes sin perder una identidad propia.

Un coleccionista que necesitaba vivir rodeado de arte

Las fuentes que conocieron a Pertegaz de cerca ayudan a completar esta imagen. Josefina Figueras, que visitó su masía, describió precisamente un entorno en el que convivían esculturas romanas, cerámicas del taller de Picasso, muebles ingleses y lacas japonesas. La periodista observó que Pertegaz necesitaba rodearse de una atmósfera de arte que frenase «la vulgaridad y los caminos fáciles». Figueras describió la atmósfera de su masía y su necesidad de vivir rodeado de obras de arte. Otros testimonios coinciden en señalar su carácter reservado, exigente y profundamente concentrado en su oficio.

Robert Royal, fotógrafo que trabajó con él durante décadas, lo definió como un hombre «introvertido, discreto y perdido en su propio universo». Javier Hernández, en su biografía Manuel Pertegaz. El hombre que rozó la perfección, reconstruye esa personalidad a través de testimonios y documentación y recoge una frase especialmente reveladora del propio creador: «Siempre he querido alcanzar esa perfección que es imposible, pero al menos rozarla».

Esa búsqueda de perfección ayuda a mirar de otra manera las piezas de su colección. No parece casual que junto a objetos de extraordinaria calidad artesanal aparezcan representaciones del cuerpo humano, muebles de proporciones cuidadas, piezas orientales de gran refinamiento o esculturas en las que la calidad de la materia resulta inseparable de su forma.

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El primero en recoger su premio al Periodismo Innovador concedido por la Asociación de Corresponsales de Prensa Extranjeros fue Iker Jiménez por su programa HORIZONTE. Iker ha agradecido su premio por lo que él considera que es un programa sin censuras, sin coacciones y sin tabúes.

El premio a la trayectoria profesional fue para Asunción Valdés, seguramente la mujer con mejor curriculum periodístico en España. Asunción recordó sus tiempos como corresponsal de Radio Nacional en Bonn y en Bruselas, como responsable de Comunicación de la Casa Real y más tarde del Parlamento Europeo en España.

El premio al mejor corresponsal español fue para los corresponsales de El País cuando se cumple su 50 aniversario, personalizado en Ramón Vilaró, que firmó la primera crónica internacional en la portada del número 1 del diario.

El de corresponsal extranjero fue para la corresponsal mexicana Patricia Alvarado; el de fotografía, para Pío Cabanillas por saber captar con sus imágenes el alma de pueblos y personas, y el de Promoción Internacional al Círculo Orellana por su apoyo a la promoción de la mujer. Lo recogió su presidenta, Leticia Espinosa de los Monteros

El CIP, presidido por la periodista Elisa Loncán, supera ya el medio siglo de historia al servicio de la libertad de expresión e información, como centro de reunión de los periodistas españoles y extranjeros, y concede sus galardones a propuesta de sus más de doscientos socios, incluidos los corresponsales destacados en España.

La Asociación de Corresponsales de Prensa Extranjera entregó su premio Turismo con Identidad a Turespaña; el premio Deporte y Superación, a la Selección Española de Fútbol, recientemente proclamada campeona del mundo, y el premio Cultura y Ciencia, a la Fundación Excelentia por haber dedicado buena parte de su trayectoria a impulsar y acercar la música y la cultura a la sociedad.

Cerró la entrega de premios el concedido por la Asociación de Periodistas y Escritores Árabes al nuevo Gran Museo Egipcio, un regalo, en palabras del embajador de Egipto en Madrid, del pueblo egipcio al mundo de la Cultura y la Tradición.

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Ante el interés suscitado por la exposición y la creciente demanda de visitas desde su inauguración, al Museo Helga de Alvear le complace anunciar que la muestra, cuya clausura estaba prevista para el 11 de octubre, seguirá abierta al público. “Espejo del mundo” reúne de forma integral el trabajo desarrollado por las artistas desde 2017 en torno al antiguo Hospital Psiquiátrico Provincial de Bétera (Valencia), junto a nuevas piezas producidas específicamente por y para el HELGA, destacando las realizadas a partir de la “Cárcel Vieja” de Cáceres.

“Espejo del mundo”, comisariada por María Jesús Ávila, subdirectora artística del Museo, permite acercarse a una de las prácticas más rigurosas y comprometidas del arte contemporáneo español en torno a los vínculos entre espacio, identidad y memoria. A través de intervenciones sobre arquitecturas en proceso de abandono o desaparición, Patricia Gómez y María Jesús González recuperan las huellas materiales y humanas inscritas en estos espacios para construir nuevas narrativas sobre la memoria histórica, la exclusión y el olvido.

Esta ampliación traerá importantes novedades a nuestra programación. Entre ellas, una nueva sesión de Helga’s Artist Talk con Patricia Gómez y María Jesús González, el viernes 9 de octubre, a las 19:00 h. En esta ocasión, las propias artistas se encontrarán con el público en un recorrido por “Espejo del mundo”, compartiendo en primera persona las claves de su trabajo, sus procesos de creación y las historias que se esconden detrás de las obras. Esa misma mañana, las artistas desarrollarán un proyecto de community engagement dirigido a la comunidad local y a personas migrantes, una actividad que forma parte de Un Museo Abierto al Mundo, el programa creado en colaboración con la Fundación “la Caixa”, que reafirma el papel del museo como lugar de integración. La programación vinculada a la muestra “Espejo del mundo” se completará con las últimas visitas comentadas de la exposición, los viernes a las 18:00 h, y con nuestros habituales talleres creativos de los sábados para los más pequeños.

La exposición, organizada por el Museo Helga de Alvear en colaboración con el TEA Tenerife Espacio de las Artes, tendrá un segundo capítulo en Tenerife en 2027. Esta continuidad permitirá ampliar un proyecto que se articula en torno a la recuperación de la memoria de espacios vinculados a historias de exclusión, abandono y transformación. La colaboración entre ambas instituciones contempla asimismo la edición de una publicación conjunta que reunirá los proyectos expositivos presentados en Cáceres y Tenerife.

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Los Premios Nacionales de Danza se conceden como recompensa y reconocimiento a la meritoria labor de personas o entidades de este ámbito cultural, puesta de manifiesto a través de una obra o actuación hecha pública o representada durante el 2025, aunque también pueden otorgarse como reconocimiento a una trayectoria profesional.

El jurado ha otorgado el galardón a Amalia Fernández “por la singularidad de ‘Familia’, una pieza que demuestra una mirada personal como creadora, definida por una capacidad única para innovar en la composición coreográfica y para explorar nuevos lenguajes escénicos, que se reflejan en creaciones con una enorme delicadeza expresiva y un profundo conocimiento de la relación entre el cuerpo, el espacio y la musicalidad”.

Asimismo, ha destacado que “en su amplia carrera, además, han sido siempre esenciales su apoyo y su colaboración a nuevos artistas de la escena contemporánea, así como una destacada trayectoria como docente”.

Por su parte, de Marco Flores el jurado ha subrayado “la fascinante interpretación en sus creaciones ‘Tierra virgen’ (2025) y la gira de ‘Rayuela’, en las que ha demostrado una técnica excepcional, con un dominio del compás y un virtuosismo que transforman el flamenco desde la elegancia y la versatilidad escénica”.

“Bailaor en un momento de enorme madurez profesional e incuestionable trayectoria, ha demostrado siempre estar adelantado a su tiempo, creando desde un discurso propio y sin dejar de indagar, convirtiéndose en un referente y un ejemplo de generosidad en el apoyo a generaciones de creadores y creadoras más jóvenes, y abordando temas complejos y socialmente comprometidos”, concluye el jurado.

Biografías

Creación

Amalia Fernández (Granada, 1970) es bailarina y coreógrafa. Estudió Danza Clásica y Contemporánea en el Real Conservatorio de Sevilla y en la Escuela de Teatro de la Danza de Madrid. Completó su formación con coreógrafos como Francesc Bravo, Debra Greenfield, Carl Paris, Ana Buitrago, Elena Córdoba, María Ribot y Mónica Valenciano, con quien trabajó desde 1994 hasta 2005 en la compañía ‘El Bailadero-Mónica Valenciano’.

Sus producciones de los últimos años van desde la pieza escénica convencional hasta el formato expositivo. Como artista independiente ha estrenado los espectáculos ‘Matrioshka’ (2005), ‘Maya’ (2006), ‘Shichimi Togarashi’ (2007), ‘Las Perras’ (2008), ‘Kratimosha’ (2009), ‘Souvenir’ (2010) y ‘En Construcción versión 1’ (2010) y ‘En Construcción versión 2’ (2013), ‘Perrita China’ (2014) y ‘Expografía’ (2017). Asimismo, ha participado en proyectos de otros artistas como Gary Stevens, Odd Enginears, Karin Elmore, Cuqui Jerez o Sonia Gomez, como interprete, coach, coreógrafa, y colaboradora puntual.

Como docente, colabora en el Máster de Práctica Escénicas y Cultura Visual de la UCM y también ha participado como artista-docente de profesores de primaria en el marco del proyecto LOVA (La Ópera, un Vehículo de Aprendizaje).

En la actualidad está desarrollando la segunda fase del proyecto ‘ser o no ser un cuerpo’ con la colaboración de Santiago Alba Rico, un proyecto de investigación artística y corporal nacido en 2014.

Interpretación

Marco Flores (Arcos de la Frontera, Cádiz, 1981) es bailaor y coreógrafo. Tras unos años de aprendizaje autodidactas, se formó con maestros como Antonio Canales y Javier Latorre. Posteriormente entró a formar parte de compañías como la de Sara Baras o Rafaela Carrasco.

Desde el año 2004 trabaja como codirector y coproductor de sus propios espectáculos como ‘Dos en Compañía’ junto a Manuel Liñán; ‘En sus 13’ y ‘En clave’ junto a Manuel y Orlga Pericet; y ‘Chanta la mui’, ‘Complot’ y ‘Recital’ junto a Olga y Daniel Doña.

En 2010, formó su propia compañía ‘Cia Marco Flores’ con la que estrenó su primer espectáculo ‘DeFlamencas’, Premio de la Crítica Especializada del Festival de Jerez de 2012. La compañía ha producido más de diez espectáculos, que han pasado por teatros como los Teatros del Canal de Madrid, Mercat de les Flors de Barcelona, Lope de Vega de Sevilla, Tanzhaus de Dusseldorf, New York City Center, Sydney Opera House, Sadler’s Wells de Londres, Suzanne Dellal (Tel Aviv), Magnolia Theatre (Shanghái), Miami Dade County Auditorium, o la Ópera de Damasco. Sus trabajos también han podido verse en importantes festivales de flamenco y danza, tales como Festival Internacional Madrid en Danza, Suma Flamenca de Madrid, Bienal de Sevilla, Festival de Jerez, Dansa València, Festival Dantzaldia (Bilbao), Cádiz en Danza, Deltebre Dansa, Festival Flamenco Madrid, Flamenco Festival Londres, Festival Flamenco Internacional de Albuquerque (EEUU), Festival Internacional de Danza de la Ciudad de México (UNAM), Kuopio Dance Festival (Finlandia) o Konstepidemin Festival (Suecia).

A lo largo de su carrera ha recibido varios premios como El Ojo Crítico de Danza de Radio Nacional de España (2018), el Premio Max al Mejor Intérprete Masculino de Danza 2020, por el espectáculo ‘Origen’; el Premio Godot al Mejor Intérprete Masculino de Danza 2024, otorgado por la crítica de Madrid, por su obra ‘Rayuela’, y en 2025 el Premio de la Crítica Especializada del Festival de Jerez por su espectáculo ‘Tierra Virgen’, entre otros.

Jurado

El jurado ha estado presidido por el director general de Artes Escénicas y Música, Javier Monsalve Iglesias, actuando como vicepresidenta la directora general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música, Paz Santa Cecilia Aristu; y ha estado compuesto por los siguientes vocales: el subdirector general de Danza y Creación Interdisciplinar, Francisco Villar Vázquez; la periodista y escritora Mercedes López Caballero; la directora del Teatro de la Zarzuela, Isabel María Benavente Ferrera (Isamay Benavente); el historiador del arte y crítico de danza, Jaime Conde-Salazar Pérez; el comisario y gestor cultural Fernando Pérez Gómez; Idoia Murga Castro, a propuesta del Instituto de Historia, Centro de Ciencias Humanas y Sociales del Consejo Superior de Investigaciones Científicas (CSIC), y los galardonados en 2025, Guillermo Weickert y Janet Novás.

Premiados en ediciones anteriores

En las convocatorias de los últimos años de este galardón los premiados han sido: Guillermo Weickert (Creación) y Janet Novás (Interpretación) en 2025; Luz Arcas (Creación) y Lorena Nogal (Interpretación) en 2024; Rafaela Carrasco (Creación) y Melania Olcina (Interpretación) en 2023; Andrés Marín (Creación) y Ana Morales (Interpretación) en 2022; Sol León (Creación) y Patricia Guerrero (Interpretación) en 2021; Jesús Carmona (Creación) e Iratxe Ansa (Interpretación) en 2020; Estévez/Paños y Compañía (Creación) y Dácil González (Interpretación) en 2019; Antonio Ruz (Creación) y Olga Pericet (Interpretación) en 2018; Compañía Kukai Danza (Creación) y Manuel Liñán (Interpretación) en 2017; Sol Picó (Creación) y Joaquín de Luz (Interpretación) en 2016; Compañía La Intrusa (Creación), y Rubén Olmo (Interpretación) en 2015; Daniel Abreu (Creación) y María Nazareth Panadero (Interpretación) en 2014; Marcos Morau (Creación) y Isabel Bayón (Interpretación) en 2013; Mónica Valenciano (Creación) y Zenaida Yanowsky (Interpretación) en 2012; Javier Latorre (Creación) y Goyo Montero Morell (Interpretación) en 2011 y Àngels Margarit Viñals (Creación) y Rocío Molina Cruz (Interpretación) en 2010.

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El jurado ha destacado a la artista por “su construcción de una de las trayectorias más singulares y reconocibles del arte español contemporáneo, tanto a nivel nacional como internacional. A través de la performance, la fotografía, el vídeo y la instalación ha revisado críticamente los imaginarios culturales españoles, abordando cuestiones vinculadas al género, la tradición, el folclore, la identidad colectiva y las estructuras de poder”.

Además, el jurado ha señalado que su recorrido “ha tenido una importante proyección internacional. Sus obras han sido presentadas en museos, centros de arte y exposiciones internacionales, entre ellos el MoMA PS1 de Nueva York, el Hamburger Bahnhof de Berlín, el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, el Kiasma de Helsinki y otras instituciones europeas y americanas. Esta presencia internacional ha contribuido a situar su producción dentro de los discursos del arte contemporáneo internacional y a ampliar la consideración de determinadas cuestiones vinculadas a la cultura española”.

El premio reconoció en su pasada edición a Fina Miralles, uniéndose a una amplia lista de galardonados, entre quienes se encuentran Teresa Lanceta, Rogelio López Cuenca, Dora García, José María Yturralde, Àngels Ribé, Ángel Bados, Ángela de la Cruz o Juan Hidalgo.

Biografía

Pilar Albarracín (Sevilla, 1968) es una de las artistas más relevantes del arte contemporáneo español. Su obra, desarrollada a través de la performance, el vídeo, la fotografía, la instalación y las acciones en vivo, cuestiona la identidad, el folclore y los estereotipos asociados a la idea de “lo español”. Desde una mirada feminista, aborda cuestiones como el género, la tradición y la representación del cuerpo mediante la ironía, la teatralidad y una crítica social incisiva.

La propia artista se convierte en protagonista de muchas de sus obras. Su trabajo, planteado en primera persona tanto desde la imagen como desde la experiencia, utiliza distintos lenguajes artísticos para revisar los tópicos de la España cañí. En este recorrido, sitúa el foco en la mujer andaluza y en unas tradiciones vinculadas al folclore que, pese al paso del tiempo, continúan presentes en la vida cotidiana de distintos sectores sociales del sur de España.

A lo largo de su trayectoria, Albarracín ha protagonizado exposiciones individuales en instituciones de referencia internacionales. Entre las muestras más recientes destacan ‘Take a Knife and Open My Heart’ (2023, American University Museum, Washington D. C.) y ‘Acciones peregrinas’ (2021, CGAC, Santiago de Compostela). Francia ha sido uno de los principales escenarios de su proyección internacional, con exposiciones como ‘No apagues mi fuego, déjame arder’ (2020, Galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois, París), ‘Anatomía Flamenca’ (2017, París), ‘La Calle del Infierno’ (2015, París), ‘Muro de geranios’ (2014, Musée en Herbe, París), ‘La Rue des pas perdus’ (2014, Lectoure), ‘Fabulations’ (2010, Albi), ‘Mortal Cadencia’ (2008, La Maison Rouge, París) o ‘Asnería’ (2014, Musée Picasso de Vallauris).

En España destacan exposiciones como ‘Que me quiten lo bailao’ (Tabacalera, Madrid, 2018), ‘Ritos de fiesta y sangre’ (CAC Málaga, 2016) o ‘En Sevilla hay que morir’ (CAS Sevilla, 2016). Su obra también ha viajado a Latinoamérica y Asia con proyectos como su individual en el MAIIAM Contemporary Art Museum (2019, Tailandia) y ‘Recuerdos de España’ (Instituto Cervantes de Tokio, 2010).

La presencia de su trabajo en colecciones de referencia, entre ellas el Museo Reina Sofía, Es Baluard, CAAC Sevilla, Artium, MUSAC, CA2M, DA2, así como en diversas instituciones francesas, confirman la dimensión internacional de una trayectoria consolidada y ampliamente reconocida.

Jurado

El jurado ha estado presidido por Ángeles Albert, directora general de Patrimonio Cultural y Bellas Artes, como vicepresidente ha actuado Jesús Carrillo Castillo, subdirector general de Artes Visuales y Creación Contemporánea y ha estado compuesto por los siguientes vocales: Armengol Jiménez, director del Centre d’Art La Capella, Barcelona; Semíramis González Fernández, directora de LABoral Centro de Arte y Creación Industrial, Gijón; Gilberto González González, subdirector artístico del CAAC de Sevilla y C3A de Córdoba; Teresa Grandas Segarra, comisaria de exposiciones en Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA); María López-Fanjul Díez del Corral, directora-gerente del Museo de Bellas Artes de Asturias; Pedro de Llano Neira, profesor del departamento de Historia del Arte de la Universidad de Santiago de Compostela; y Elena Jiménez Moreno, artista visual, a propuesta de Mujeres en las Artes Visuales.

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El nuevo espacio, concebido por el estudio Nieto Sobejano Arquitectos, está ubicado en el edificio colindante a la casa museo y cuenta con entrada independiente por la calle Zurbano.

Esta ampliación, planteada como una continuación del inmueble histórico, dota al museo de salas de exposiciones temporales y un auditorio, así como otras áreas y servicios destinados al tratamiento, almacenaje y gestión de sus colecciones.

Mientras tanto, la rehabilitación del edificio histórico, que permanece cerrado, continúa su curso para mejorar la accesibilidad, así como actualizar sus instalaciones.

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El jurado ha seleccionado su obra por “la inusual intensidad plástica con la que la autora explora la versatilidad, la fricción y la quietud del cuerpo mediante un lenguaje experimental que deconstruye y subvierte la lógica de la razón”.

Asimismo, el jurado ha destacado que Ane Zubeldia Magriñá “demuestra una sorprendente madurez en el difícil empleo de ritmos sincopados, repeticiones y onomatopeyas que generan nuevos sentidos para abordar las complejidades y dolores del presente. En sus versos, las imágenes del agua evocan el silencio y metaforizan el abandono del ser consciente, mientras la palabra kontra “contra”, transcendiendo la propia escritura, se erige como motor poético de resistencia ante la densidad del mundo actual”.

El premio reconoció en su pasada edición a Elisa Fernández Guzmán, uniéndose a una amplia lista de galardonados, entre quienes se encuentran Ismael Ramos, María Elena Higueruelo Illana, Alba Cid, Ángela Segovia, Xaime Martínez, Berta García Faet o Lola Tórtola.

Biografía

Ana Zubeldia Magriñá, (Hondarribia, 1994) es el heterónimo de Ane García López, que ha adoptado los apellidos de sus dos abuelas para el sobrenombre literario. Es traductora de formación y profesión, y ha trabajado también en la música, formando parte del grupo ‘Lurra’ junto a Iñigo Muguruza, y en medios de comunicación. En el ámbito de la literatura es una de las fundadoras del colectivo ‘Mejillón Tigre’.

Jurado

El jurado ha estado presidido por María José Gálvez Salvador, directora general del Libro, del Cómic y de la Lectura del Ministerio de Cultura; y como vicepresidente ha actuado Jesús González González, subdirector general de Promoción del Libro, la Lectura y las Letras Españolas. Como vocales han actuado Juan Luis Cebrián Echarri, por la Real Academia Española; Xosé María Gómez Clemente, por la Real Academia Gallega/ Real Academia Galega; José Manuel López Gaseni (Manu López Gaseni), por la Real Academia de la Lengua Vasca/Euskaltzaindia; María Sevilla París, por el Instituto de Estudios Catalanes/Institut d’Estudis Catalans; Àngels Gregori Parra, por la Academia Valenciana de la Lengua/Acadèmia Valenciana; Eva Gallud, por la Asociación Colegial de Escritores de España (ACE); Balbina Prior Barbarroja, por la Asociación Española de Críticos Literarios; Luis Fermín Moreno Álvarez, por la Federación de Asociaciones de Periodistas de España (FAPE); Roger Canadell Rusiñol, por la Conferencia de Rectores de las Universidades Españolas (CRUE); Carmen María López López, por Centro de Estudios de Género de la UNED; Alana S. Portero, por el Ministerio de Cultura y Elisa Fernández Guzmán, autora galardonada en la convocatoria anterior.

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El jurado ha seleccionado la obra ‘Divertimentos: juegos poéticos’, escrita por Rubio e ilustrada por Queralt, por “la brillantez con la que despliega un deslumbrante muestrario poético que transforma la palabra en un espacio de juego, descubrimiento y experimentación”.

Asimismo, el jurado ha destacado que la propuesta de Antonio Rubio “abarca desde entretenidos limericks y trabalenguas hasta caligramas, romancillos, haikus y poemas visuales donde se funden la rima y la grafía. Cada composición es un desafío ingenioso para el oído y la imaginación que celebra la creatividad verbal, la musicalidad y el humor. Un universo que se completa y enriquece con las hermosas ilustraciones de Carmen Queralt”.

El jurado ha señalado del trabajo de la ilustradora que “su técnica aporta dinamismo a una variopinta comparsa de animales, vegetales y seres fantásticos que potencian la dimensión lúdica y multiplican las resonancias de cada verso”.

Además, el jurado ha concluido que “con su capacidad personal de mirar el mundo con un espíritu siempre nuevo, Antonio Rubio logra una comunión perfecta con el lector más joven porque él, como ellos, es un niño entre niños”.

El galardón lo concede el Ministerio de Cultura para distinguir una obra creada por autoras o autores españoles, escrita en cualquiera de las lenguas oficiales del Estado y publicada en España en su primera edición durante el pasado año 2025.

El premio reconoció en su pasada edición a Leire Bilbao, uniéndose a una amplia lista de galardonados, entre quienes se encuentran Rafael Salmerón, Beatriz Giménez de Ory, Raimon Portell i Rifà, Juan Kruz Igerabide o Ledicia Costas.

Biografías

Antonio Rubio, (El Puente del Arzobispo, Toledo, 1953) es maestro y poeta.

Es autor de libros, entre los que se encuentran la colección ‘De la cuna a la luna’, ‘Aurelio’, ‘Colores’, ‘Números’, ‘La mierlita’, ‘El pollito de la avellaneda’, ‘Almanaque musical’, ‘Las alas del AVEcedario’ y ‘7 Llaves de cuento’. Además, dirige la colección de poesía ‘Trece Lunas’ de FAKTORÍA K.

Carmen Queralt, (Madrid, 1952) es ilustradora y diseñadora. Comenzó su trayectoria profesional en el mundo de la ilustración en los años 90.

Se formó como ilustradora y diseñadora en la Escuela BAT, donde aprendió dibujo clásico y ha colaborado con diferentes editoriales y publicaciones especializadas como la revista ‘Cavall Fort’. Entres sus trabajos se encuentran ‘El mundo al que vienes’, ‘El monstruo y la biblioteca’ y ‘Mira, mira’.

Jurado

El jurado ha estado presidido por María José Gálvez Salvador, directora general del Libro, del Cómic y de la Lectura del Ministerio de Cultura; y como vicepresidente ha actuado Jesús González González, subdirector de la Subdirección General de Promoción del Libro, la Lectura y las Letras Españolas. Como vocales han actuado María del Carmen Riera i Guilera (Carme Riera), por la Real Academia Española; María Lourdes Otaegi Imaz (Lourdes Otaegi), por la Real Academia de la Lengua Vasca/Euskaltzaindia; Moisés Selfa Sastre, por el Instituto de Estudios Catalanes/Institut d’Estudis Catalans; Artur Ahuir López, por la Academia Valenciana de la Lengua/Acadèmia Valenciana; Alexander Gurrutxaga Muxika (Alex Gurrutxaga), por la Organización Española para el Libro Infantil y Juvenil (OEPLI); Susana Gala Pellicer, por la Conferencia de Rectores de las Universidades Españolas (CRUE); Tommaso Koch Cascino, por la Federación de Asociaciones de Periodistas de España (FAPE); Pilar Lozano Carbayo, por la Asociación Colegial de Escritores de España (ACE); Irene Solbes Canales, por el Instituto de Investigaciones Feministas de la Universidad Complutense de Madrid; Diego Gutiérrez del Valle, por el Ministerio de Cultura y Leire Bilbao, autora galardonada en la convocatoria anterior.

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El jurado ha puesto en valor “la interpretación en ‘Gula (Gola)’, un espectáculo deslumbrante en el que demuestra un dominio de diferentes artes y disciplinas con una técnica extraordinaria, y en el que de forma destacada introduce con virtuosismo el lenguaje del clown en el hecho teatral”.

Además, ha destacado a Pla “como cocreador junto a Pau Matas Nogué e intérprete de esta pieza, un éxito contundente que ha conquistado a la crítica y al público, y apela al momento contemporáneo con un esfuerzo, riesgo y originalidad que subliman una propuesta escénica de enorme valor”.

El Premio Nacional de Teatro se concede como recompensa y reconocimiento a la labor de una persona o entidad en el ámbito teatral, puesta de manifiesto preferentemente a través de una obra o actuación hecha pública o representada durante el año 2025. También pueden otorgarse como reconocimiento a una trayectoria profesional.

Biografía

Oriol Pla i Solina (Barcelona, 1993) actor y creador teatral, comenzó en el mundo del teatro con la compañía familiar ‘Teatre Tot Terreny’, a la edad de 6 años. Influido familiarmente por el circo y la escuela de Lecoq, se interesa por el clown, la música, el mimo, la acrobacia, la danza, el circo y la escritura teatral, formándose en cursos y también de forma autodidacta. Desde muy joven combina la creación teatral y la interpretación, ya sea en teatro, televisión o cine.

En teatro, ha trabajado como creador (‘Be God Is’, ‘Ragazzo’, ‘Odisseus’), como ayudante de dirección (‘Malnascuts’, ‘Mammón’ (HBO), ¡‘A Tocar!’ (Grec)), y como actor (‘Santa Joana dels Escorxadors’, ‘Jo Mai’, ‘Ragazzo’, ‘La Calavera de Connemara’, ‘Falaise’). Ha trabajado con Àlex Rigola, Iván Morales, Lali Àlvarez, Iago Pericot y Baró d’Evel, entre otros.

En el ámbito audiovisual, ha interpretado papeles en televisión y cine desde los 11 años. Destacan trabajos con Agustí Villaronga, Cesc Gay, Mariano Barroso y Jaime Rosales, tanto en papeles protagonistas como secundarios, lo que le ha permitido trabajar con actores y actrices como Ricardo Darín, Martin Freeman, Nathalie Poza, Nora Navas, Karra Elejalde e Irene Escolar.

Debuta como director con ‘Travy’ (2018), coescrita con Pau Matas y producida por el Teatre Lliure, por la cual reciben el Premio de la Crítica al mejor espectáculo de Pequeño Formato.

En 2025 se convirtió en el primer intérprete español en ganar un Premio Emmy Internacional a la mejor interpretación masculina por la serie ‘Yo adicto’.

Jurado

El jurado, presidido por el director general de Artes Escénicas y Música, Javier Monsalve Iglesias, y actuando como vicepresidenta la directora general del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música, Paz Santa Cecilia Aristu; ha estado compuesto por los siguientes vocales: la subdirectora general de Teatro y Circo, Marta Betriu Roure, Raquel Vidales López, Mikolaj Jaroslaw Bielski López, Francesc Casadesús Calvó, Carolina África Martín Pajares, y Ana María Contreras Elvira, a propuesta del Grupo de Investigación de Feminismos y Estudios de Género de la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD).

Premiados en ediciones anteriores

Entre los premiados en las últimas ediciones se encuentran Ramón Fontserè (2000), Fernando Arrabal (2001), José Luis López Vázquez (2002), Gustavo Pérez Puig (2003), José Monleón (2004), la Compañía Animalario (2005), José Mª Pou (2006), Juan Mayorga (2007), Atalaya TNT – Centro de Arte y Producciones Teatrales (2008), Vicky Peña (2009), la Compañía Teatro La Zaranda (2010), Juan Gómez-Cornejo (2011), Blanca Portillo (2012), Ramón Barea (2013), la compañía Chévere (2014), Pedro Moreno Campos (2015), Concha Velasco (2016), Kamikaze Teatro (2017), Julieta Serrano (2018), Andrés Lima (2019), la Sala de Teatro Cuarta Pared (2020), Juan Diego Botto (2021), Petra Martínez y Juan Margallo (2022), Ana Zamora (2023), Teatro del Barrio (2024) y Angélica Liddell (2025).

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La nueva temporada, que se desarrollará entre octubre de 2026 y marzo de 2027, ofrecerá 46 actuaciones musicales en la red de Museos Estatales del Ministerio de Cultura, repartidos por diferentes puntos del territorio español. Las propuestas, interpretadas por jóvenes músicos de hasta 35 años, han sido seleccionadas a través de una convocatoria pública abierta.

En esta décima edición se han recibido 225 solicitudes de solistas y formaciones de diferentes estilos musicales, que han dado lugar a programas concebidos específicamente para los espacios que los acogerán, buscando establecer un diálogo entre la música y las colecciones, la arquitectura o la identidad de cada museo.

El primer concierto de la nueva temporada tendrá lugar el 1 de octubre de 2026 de la mano del Cuarteto Bruma en el Museo Nacional de Antropología.

MusaE nació en 2015 con el objetivo de apoyar la proyección profesional de jóvenes intérpretes y acercar nuevos públicos a los Museos Estatales a través de la música. A lo largo de sus diez ediciones, el programa se ha consolidado como una propuesta singular que permite disfrutar de los museos desde una perspectiva diferente, convirtiendo sus espacios en escenarios para la creación y el encuentro.

Conciertos y micro-recitales en los Museos Estatales

La programación de esta temporada combina conciertos y micro-recitales con propuestas musicales de distintos estilos, desde la música clásica y antigua hasta el flamenco, la música folk, el pop y otras corrientes contemporáneas.

El conjunto de la programación permite descubrir diferentes facetas del talento joven. El impulso creativo se manifiesta en temas y experiencias musicales innovadoras en ámbitos como el pop, el jazz fusión o el folk; y, por otro lado, los intérpretes clásicos muestran un gran nivel artístico y técnico, habiendo sido premiados muchos de ellos en distintos certámenes nacionales e internacionales.

Los conciertos se desarrollarán en espacios destacados de los museos, mientras que los micro-recitales ofrecerán actuaciones breves en las propias salas de exposición. En ambos casos, las propuestas están concebidas para dialogar con el patrimonio y contribuir a enriquecer la experiencia de la visita.

Museos en distintas ciudades

El programa Musa

E 2026/2027 se desarrolla en los siguientes museos estatales repartidos en distintas ciudades: el Museo Nacional de Arqueología Subacuática. ARQVA, en Cartagena; el Museo del Greco y el Museo Sefardí, en Toledo; el Museo Casa de Cervantes y el Museo Nacional de Escultura, en Valladolid; el Museo Nacional de Arte Romano, en Mérida; el Museo Nacional y Centro de Investigación de Altamira, en Santillana del Mar; el Museo Nacional de Cerámica y Artes Suntuarias ‘González Martí’, en Valencia; y en Madrid, el Museo de América, el Museo Nacional de Antropología, el Museo Arqueológico Nacional, el Museo Nacional de Artes Decorativas, el Museo Cerralbo, el Museo Sorolla y el Museo del Traje.

La asistencia a los conciertos puede requerir inscripción previa en algunos casos, debido al límite de aforo. Por ello, se recomienda consultar las páginas web de los museos para obtener información más detallada.

Talleres formativos para los jóvenes músicos

Como parte de su compromiso con el desarrollo profesional de los participantes, MusaE completa su programación musical con una formación específica dirigida a los jóvenes intérpretes.

Los días 15 y 16 de septiembre, el Museo del Traje acogió los talleres formativos de esta edición, orientados a proporcionar a los músicos herramientas para mejorar su comunicación con el público, la presentación de sus propuestas y la promoción de sus carreras profesionales. Estos talleres complementan la experiencia de actuación en los museos y refuerzan la dimensión de MusaE como plataforma de apoyo al talento musical emergente.

Con esta nueva edición, MusaE alcanza su décima temporada reafirmando su apuesta por el talento musical joven y por la capacidad de los Museos Estatales para generar nuevas formas de encuentro entre la ciudadanía, el patrimonio y la creación contemporánea.

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