La Casa Museo Lope de Vega, ubicada en la vivienda en la que el escritor residió durante los últimos 25 años de su vida, abrirá de manera extraordinaria el lunes 18 de mayo. Además, el sábado 16 ofrecerá la ruta teatralizada Letras y espadas por el Barrio de las Letras, a cargo de la compañía Vataria. Esta propuesta permitirá al público recorrer las calles del histórico barrio madrileño junto a personajes vinculados al Siglo de Oro, como Lope de Vega, Calderón de la Barca o Quevedo, así como figuras literarias como La Lebrijana o Diego Alatriste.

Por su parte, el Museo Picasso–Colección Eugenio Arias, en Buitrago del Lozoya, celebrará el 16 de mayo el taller familiar Mi Museo Picasso y, un día después, el espectáculo Titiriscopio, un teatro a pequeña escala que combinará piezas breves de títeres y hologramas en directo para acercar al visitante la amistad entre el artista malagueño y su barbero, Eugenio Arias.

El Centro de Interpretación de Nuevo Baztán, por su parte, programará el 16 de mayo el concierto Música para flauta y violín en la España de la Ilustración, a cargo del ensemble Effimera, que tendrá lugar en la barroca iglesia de San Francisco Javier.

En ese mismo espacio, al día siguiente, el público podrá disfrutar de un taller de hilada tradicional de esparto, una técnica que ha sido considerada Bien de Interés Cultural del Patrimonio Inmaterial por el Gobierno regional. Actualmente en riesgo de desaparición, se conserva únicamente en la región madrileña, Murcia y la localidad navarra de Sesma. Además, también se podrá visitar la exposición temporal Porcelanas para los Reyes de España. La producción de la Real Fábrica del Buen Retiro, una selección de vajillas, jarrones y figuras de porcelana realizados en esta manufactura madrileña, entre 1760 y 1808.

Tres exposiciones temporales en el Museo CA2M

El Museo CA2M de Móstoles contará con tres exposiciones temporales: Entre el cielo y la tierra, de Antonio Ballester Moreno; Arquitectura menor, de Esther Partegàs y Una y otra vez de Dorothy Iannone.

Los museos de la Comunidad de Madrid ubicados en Alcalá de Henares se sumarán tanto al Día Internacional de los Museos como a la celebración de la tradicional Noche en Blanco complutense, con aperturas extraordinarias hasta la medianoche.

En este contexto, el Museo Arqueológico y Paleontológico de la Comunidad de Madrid (MARPA) acogerá el 16 de mayo el espectáculo Apolo. Arte y mito, una propuesta que recrea cómo pudieron ser las artes escénicas grecolatinas y las representaciones inspiradas en los relatos mitológicos de la Antigüedad.

Además, el 17 de mayo ofrecerá el taller de paleontología para jóvenes y adultos ¿Qué hace un cachorro como tú en un sitio como este?, centrado en el excepcional hallazgo de un ejemplar prehistórico de dientes de sable.

Por su parte, el Museo Casa Natal de Cervantes de la ciudad complutense organizará una actividad participativa, siguiendo el lema que el ICOM ha establecido para la celebración de este año: Museos uniendo un mundo dividido. Así, todos los visitantes podrán dejar sus mensajes de paz en el patio del Museo, a la vez que podrán visitar no solo el museo, sino también la exposición Con capa y espada. La moda en época de Cervantes, un recorrido por la historia de la indumentaria del Siglo de Oro y una forma de vestir que ha recibido el nombre de vestimenta a la española.

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Esta nueva edición de La Noche en Blanco girará en torno a la música como lenguaje universal bajo el lema “Málaga, el futuro se escribe con música”. La entrada al Museo será libre de 20 a 00 h, y el acceso se podrá realizar hasta las 23.20 h.

Por su parte, en el Día Internacional de los Museos, los museos de todo el mundo se aliarán bajo el título “Museos uniendo un mundo dividido”. El MPM ofrecerá una jornada de puertas abiertas en su horario habitual de 10 a 19 h, con última entrada a las 18.30 horas.

El recorrido permanente Pablo Picasso: estructuras de la invención. La unidad de una obra centrará la visita a la institución, donde además se podrá disfrutar de espacios como Picasso y el grabado -en torno a la obra gráfica del artista-, o Picasso. Línea de vida -una cronología de su vida y obra-.

El Museo Picasso Málaga se suma un año más a los espacios, instituciones y colectivos que participan en La Noche en Blanco Málaga, que alcanza en 2026 su decimoséptima edición. Un acontecimiento cultural de referencia que invita a vivir la ciudad desde la cultura, y que en esta ocasión propone la música como hilo conductor. Así, bajo el lema “Málaga, el futuro se escribe con música”, se extiende una invitación para celebrar la creatividad y la emoción que une al público a través de un lenguaje universal: la música, que se entiende como un impulso que proyecta el alma de la ciudad de Málaga hacia el futuro.

Con motivo de esta cita, el Museo Picasso Málaga abrirá sus puertas de manera gratuita el sábado, 16 de mayo desde las 20 horas y hasta la medianoche, permitiéndose el acceso del público hasta las 23.20 horas. Durante esta franja horaria, los visitantes podrán recorrer la colección permanente Pablo Picasso: estructuras de la invención. La unidad de una obra, una presentación que reúne 144 obras y ofrece una lectura global de la trayectoria del artista, destacando su extraordinaria capacidad para reinventar los lenguajes artísticos a lo largo de su vida.

Será también una ocasión especial para contemplar el interior del Palacio de Buenavista iluminado y para disfrutar de otros espacios destacados del Museo, como “Picasso y el grabado”, dedicado a la obra gráfica del artista y al histórico tórculo Crommelynck, o “Línea de vida”, la cronología situada en el patio interior que recorre los hitos fundamentales de su biografía y producción artística.

La Librería MPM, con una cuidada selección de publicaciones del Museo y libros de arte para público adulto e infantil, permanecerá igualmente abierta durante la velada.

La participación del Museo Picasso Málaga en La Noche en Blanco refuerza su compromiso con la ciudad y con una programación cultural abierta, accesible y conectada con el público. En una edición marcada por la música como elemento de unión y proyección colectiva, el Museo invita a redescubrir la obra de Picasso en un contexto nocturno y festivo, formando parte activa de una de las grandes celebraciones culturales del calendario malagueño.

DÍA INTERNACIONAL DE LOS MUSEOS

Los amantes del arte que quieran seguir disfrutando del Museo Picasso Málaga con entrada libre tendrán una nueva ocasión para hacerlo el lunes 18 de mayo en el horario habitual de primavera, de 10 a 19 horas (acceso hasta las 18.30 horas), con motivo del Día Internacional de los Museos. Esta celebración se remonta al año 1977 de la mano del Consejo Internacional de Museos (ICOM), y representa un momento único para la comunidad museística internacional. Su objetivo es concienciar sobre el hecho de que «los museos son un medio importante para el intercambio cultural, el enriquecimiento de las culturas y el desarrollo del entendimiento mutuo, la cooperación y la paz entre los pueblos».

Este año, los museos de todo el mundo se unirán en torno al tema “Museos uniendo un mundo dividido”, destacando así el importante papel que desempeñan los museos como puentes entre las divisiones culturales, sociales y geopolíticas, fomentando el diálogo, el entendimiento, la inclusión y la paz dentro y entre las comunidades de todo el mundo. Abiertos y accesibles para todos, los museos fomentan la diversidad, la sostenibilidad y la cohesión social.

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La actuación ha permitido devolver al lienzo su apariencia original mediante la recuperación de sus dimensiones iniciales y la restitución del delicado equilibrio entre la figura y el espacio que la rodea, un rasgo esencial para comprender la modernidad y la audacia del lenguaje pictórico del artista.

Además, la intervención ha determinado una revisión en profundidad de los estudios técnicos realizados hace una década, así como la aplicación de nuevas técnicas de análisis gracias a los equipos adquiridos por el Museo del Prado con Fondos Europeos del Plan de Recuperación, Transformación y Resiliencia (2021‑2025).

En los últimos años, el Museo del Prado está desarrollando un amplio proyecto de restauración de varias obras de Diego Velázquez que no habían sido intervenidas desde la gran campaña realizada en la década de 1980. Este programa, que cuenta con el patrocinio de la Fundación Iberdrola España como ‘miembro protector’ de su Programa de Restauraciones, tiene como objetivo asegurar la conservación de los lienzos y devolverles, en la medida de lo posible, los valores estéticos y expresivos concebidos por el artista.

Pablo de Valladolid ha gozado de un prestigio singular entre artistas e historiadores del arte: «el cuadro más asombroso jamás pintado», según definió Manet.

Velázquez prescinde aquí de referencias arquitectónicas o paisajísticas y construye el espacio únicamente a partir del cuerpo del bufón, la sombra que proyecta y el aire que lo rodea. Esta solución, adelantada a su tiempo, convierte la figura en el eje absoluto de la composición y explica la intensa sensación de presencia y tridimensionalidad que transmite la obra.

Aunque el cuadro ha llegado hasta nuestros días en buen estado de conservación, presentaba intervenciones históricas que alteraban la relación entre la figura y su entorno, uno de sus valores más esenciales. Ya en el siglo XVIII, la escena fue ampliada mediante la adición de bandas de tela en ambos laterales y en el borde inferior, mientras que el borde superior se limitó a un desdoblamiento del perímetro claveteado al bastidor. A ello se sumaban repintes de intervenciones más recientes cuyos tonos, con el paso del tiempo, habían virado y afectaban al equilibrio cromático del conjunto.

La restauración actual ha tenido como uno de sus ejes principales la restitución de las dimensiones originales del lienzo. Para ello se ha optado por conservar las bandas añadidas, dado su interés histórico, ocultándolas bajo el nuevo marco mediante un sistema de cajeado interno. Esta solución no invasiva permite mostrar al público únicamente la superficie pintada por Velázquez, ofreciendo una visión muy cercana a la original.

La nueva radiografía realizada con equipos de última generación ha sido clave para establecer con precisión las dimensiones originales del retrato y analizar sus ampliaciones. Su estudio y tratamiento mediante el software Aracne han permitido determinar que las tres bandas cosidas al lienzo original proceden del mismo paño de tela y fueron añadidas en un único momento.

La aplicación de técnicas avanzadas de reflectografía infrarroja ha ampliado de manera notable el conocimiento del proceso creativo de Velázquez. Frente a los análisis previos, basados en una única longitud de onda, el uso de nuevas cámaras ha permitido estudiar más de una docena de rangos y ha revelado un dibujo subyacente realizado a pincel y a mano alzada, de gran espontaneidad y calidad, con múltiples correcciones y ajustes compositivos.

Estas técnicas han resultado igualmente fundamentales para la detección de repintes poniendo de manifiesto una reflectancia idéntica entre la pintura de los añadidos no originales y numerosos retoques presentes en la superficie original, que han sido eliminados durante la restauración.

Asimismo, la intervención ha permitido revisar los estudios de pigmentos realizados con anterioridad y confirmar que la imprimación del lienzo es muy clara y está compuesta mayoritariamente por blanco de plomo, una característica propia de este momento en la carrera de Velázquez, especialmente evidente en las obras realizadas para el Palacio del Buen Retiro.

El estudio de los pigmentos ha aportado también información relevante sobre los intensos negros del traje del bufón, obtenidos mediante una combinación de negro de humo y negro carbón, ambos de tonalidad azulada. Además, la similitud de las capas internas de los añadidos ha reforzado la hipótesis de que proceden del mismo paño de tela, y se ha constatado la presencia de algunos retoques modernos que han sido retirados en el curso de la restauración.

Para Jaime Alfonsín, presidente de la Fundación Iberdrola España: “El extraordinario trabajo realizado ha permitido devolver al lienzo el equilibrio espacial y visual concebido por Velázquez, al tiempo que los nuevos estudios técnicos aportan una mirada inédita sobre su proceso creativo”. Ha añadido que: “iniciativas como esta reflejan el valor del mecenazgo cultural como colaboración estable entre instituciones al servicio del interés general”. Asimismo, ha resaltado que: “ser miembro protector del Programa de Restauraciones del Museo del Prado supone para la Fundación Iberdrola España una responsabilidad y un orgullo, especialmente cuando los resultados contribuyen a que el público pueda disfrutar de las obras maestras como las del gran maestro de la pintura española Velázquez”. Por último, se ha referido al 125 aniversario del nacimiento de Iberdrola, y su amplio programa de actividades que van desde exposiciones de arte, festivales de música o muestras tecnológicas hasta eventos sociales.

Gracias a esta intervención, Pablo de Valladolid recupera plenamente su fuerza visual y conceptual, al tiempo que los nuevos estudios técnicos permiten profundizar de manera inédita en el proceso creativo de Velázquez, reafirmando el carácter extraordinariamente moderno y experimental de una de las grandes obras maestras del Siglo de Oro español.

125 años luz: un amplio calendario de propuestas para toda la sociedad

Este acuerdo forma parte del amplio y variado programa diseñado para 2026 con motivo del 125 aniversario del nacimiento de Iberdrola, que abarca desde exposiciones de arte, festivales de música o muestras tecnológicas hasta eventos sociales. Bajo el lema 125 años luz, la empresa pondrá en marcha iniciativas dirigidas a sus empleados, clientes, accionistas y al público en general para acercar su legado al conjunto de la sociedad y, sobre todo, trasladar su visión, sus perspectivas de futuro y su fuerte compromiso con las comunidades en las que desarrolla su actividad.

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Palencia cumplió este mes de abril con la tradición de la Pedrea del Pan y el Quesillo, dentro de la celebración de las fiestas de Santo Toribio del barrio del Cristo de la ciudad. La alcaldesa, Miriam Andrés, junto a miembros de la Corporación municipal, la alcaldesa infantil y representantes de distintas instituciones lanzaron, desde el balcón de la ermita, 4.500 bolsas de pan y queso en uno de los actos festivos más arraigados de la capital y que está declarado como Fiesta de Interés Turístico Regional.

La edil palentina subrayó que, de cara al futuro, uno de los objetivos es reforzar la proyección exterior de la fiesta para conseguir la declaración de Interés Turístico Nacional. En este sentido, comentó que hay en marcha una estrategia de comunicación con profesionales como Pedro Grifol, Hernan Dobry, Enrique Sancho, Pilar Carrizosa y Jesús Fernández Briceño que, hoy han podido disfrutar de ella y, que nos ayudarán a ampliar su difusión más allá de nuestras fronteras para conseguir los impactos nacionales que requiere este reconocimiento. «No ha defraudado. Cada vez son más los palentinos y palentinas que vienen a recoger su pan y queso. Y algo muy importante es que hay muchos niños y jóvenes, lo que garantiza la continuidad de la tradición» añadió la regidora.

Por su parte, Pilar Carrizosa, de Radio Libertad FM, aseguró que «la ocasión lo merece, porque es impresionante ver a toda una ciudad volcada con su tradición y cómo se transmite ese fervor también a los más pequeños». En términos similares se expresó el periodista Hernán Dobry Kuznetch, de Eco Medios-El Observador, quien reconoció su sorpresa: «No conocíamos nada y la impresión ha sido increíble. Es un símbolo que debería promocionarse mucho más, no solo en España».

Los actos comenzaron a las 11:30 h desde la iglesia de San Ignacio y Santa Inés subiendo en procesión hasta la ermita con la participación del grupo de danzas del barrio y la peña Santo Toribio que llevó en andas al Santo hasta el templo donde se ofició la misa. El calor que reinó durante la mañana contribuyó a que la participación ciudadana fuera masiva y es que aunque la pedrea dió comienzo a las 13 h, un buen número de palentinos y visitantes ya se disponía a coger buen sitio desde horas antes.

Quien se quedó sin su porción de pan y queso fue porque quiso, pues entre los puestos de dulces, juguetes y ropa de la Feria se encontraba la caseta de la Asociación de Vecinos, donde se pusieron a la venta 3.500 unidades al precio simbólico de 1,5 euros. Estas, junto a las que se lanzaron desde la ermita y las repartidas entre los diez colegios que recrearon la fiesta en sus aulas, sumaron un total de 10.100 bolsas. Un año más fueron elaboradas por voluntarios, profesionales y usuarios de la Fundación Personas Aspanis.

Lluvia de pan y quesillo bajo el Cristo del Otero de Victorio Macho

El viajero que llega a Palencia el domingo más cercano al 16 de abril (este año, el 19), debe aceptar un consejo de amigo: no hay que mirar solo al frente para admirar la belleza de la ciudad; también hay que hacerlo hacia arriba. Y no es solo por el impresionante Cristo del Otero, una de las figuras de Jesús más altas del mundo, sino porque desde sus pies están a punto de lloverte miles de bolsas de pan y queso… y habrá que competir por conseguir una.

Como toda buena fiesta castellana, ésta tiene un toque de drama épico. Cuenta la leyenda que Santo Toribio llegó a Palencia en el siglo VI para predicar contra la herejía priscilianista. Los locales, que en aquel entonces no estaban muy por la labor de escuchar, lo apedrearon y lo obligaron a refugiarse en una cueva en el cerro. Poco después, el río Carrión se desbordó inundando la ciudad. Los palentinos, viendo en la riada un castigo divino, subieron al cerro a pedir perdón al santo. Él, lejos de guardar rencor, los recibió con los brazos abiertos. Para conmemorar este «borrón y cuenta nueva», cada año se recrea el bombardeo… pero sustituyendo las piedras por algo mucho más sabroso: pan de pueblo y quesillo, generalmente del Cerrato. Participar en la pedrea es un deporte de riesgo moderado y mucha risa.

Los secretos de la “pedrea”

Se lanzan miles de bolsas que contienen el famoso pan y el quesillo. La gente pone paraguas del revés, bolsas de tela reforzadas y saltos dignos de la NBA. Pero el secreto está en la colocación: ni muy cerca del balcón (donde las bolsas pasan volando), ni muy lejos. Lo que hace amena a esta romería es el contraste. Tiene la parte solemne con la subida en procesión hasta el Cristo y la misa en la ermita excavada en la roca, pero luego estalla la locura colectiva. Es una fiesta donde el Ayuntamiento y la Peña de Santo Toribio se vacían los bolsillos (literalmente) para que nadie se vaya con el estómago vacío.

Además, las vistas desde el cerro son imbatibles. Ver toda la llanura de Tierra de Campos con el Cristo de Victorio Macho custodiando tus espaldas es de esas fotos que revientan Instagram. Un dato curioso: Aunque el nombre oficial es Romería de Santo Toribio, cualquier palentino dirá simplemente que va a «la pedrea». Es su forma de decir que el cariño, en esta tierra, se demuestra a base de pan y queso.

Fiesta de Interés Nacional

La Romería de Santo Toribio ya es Fiesta de Interés Turístico Regional, pero el salto a la categoría de Interés Turístico Nacional es el «título de grado» que Palencia busca con ahínco. No es solo una cuestión de orgullo (que también), sino de estrategia y reconocimiento. Hay muchas razones por las que esta fiesta merece —y busca— ese sello de calidad:

La singularidad absoluta (el factor «Solo pasa aquí»). Para ser Fiesta de Interés Turístico Nacional, el Ministerio exige que el evento tenga algo único. La «Pedrea de Pan y Quesillo» cumple este requisito con creces. No existe otra romería en España donde el acto central sea un «apedreamiento simbólico» con alimentos desde la base de una escultura monumental. Esa mezcla de leyenda del siglo VI, castigo convertido en perdón y lluvia de comida es una narrativa que no tiene competencia. La gente sabe que el pan y el queso son «sagrados». Rara vez se ve comida por el suelo que no sea recogida de inmediato. Existe un respeto implícito por el alimento que simboliza el perdón del Santo.

El marco impresionante: El Cristo del Otero. El escenario es un pilar fundamental. La fiesta se celebra a los pies de una de las imágenes de Jesús más grandes del planeta (unos 20 metros de altura), obra del genial Victorio Macho. El valor artístico y paisajístico del cerro eleva la romería de una «fiesta de barrio» a un evento de relevancia monumental y estética.

Arraigo y participación masiva. Uno de los requisitos para este título es la antigüedad y la continuidad. La pedrea se celebra desde tiempos inmemoriales, manteniendo viva la esencia del «pan y el quesillo». La movilización es total: miles de palentinos y visitantes de provincias limítrofes llenan el cerro, demostrando que la tradición no solo sobrevive, sino que crece. Frente a las posibles críticas sobre tirar comida, Palencia responde con la tradición del «reparto». Históricamente, este acto era una forma de caridad y ayuda a los más necesitados. Hoy, el entusiasmo del público transforma el acto en un símbolo de abundancia compartida. No se tira comida para que se pudra; se lanza para que se comparta y se consuma allí mismo, en una merienda colectiva gigante sobre la hierba del cerro.

Convertirse en Fiesta de Interés Turístico Nacional es como entrar en la «Guía Michelin» de los viajes en España, atrae a viajeros que buscan experiencias auténticas y tradicionales, lo que supone un aumento de ingresos para la hostelería y el comercio palentino. En un mundo globalizado, Palencia quiere reivindicar su identidad. Santo Toribio es, junto a San Antolín, el alma de la ciudad. Obtener este título es una forma de decir: «Estamos aquí, nuestra historia es fascinante y tenemos algo que el resto del mundo debería ver». En Santo Toribio, el entusiasmo es contagioso. Ver a miles de personas de todas las edades (desde niños en hombros de sus padres hasta abuelos que llevan 70 años subiendo al cerro) gritando y saltando por una bolsa de pan, demuestra que la tradición está viva. No es una representación teatral para turistas; es el pueblo reclamando su historia.

En resumen, Palencia busca el título nacional porque la Pedrea de Santo Toribio no es solo una fiesta; es un espectáculo visual, un hito histórico y una muestra de generosidad que no tiene réplica en ningún otro rincón de España. Porque al final, lo que ayuda a que la fiestas sea Nacional no son solo cifras o datos históricos, sino el rugido de una ciudad que se reconoce en un trozo de pan y un poco de queso. Es ese instante de manos alzadas al cielo, de risas compartidas cuando una bolsa cae en el lugar más inesperado y de meriendas sobre la hierba que saben a victoria. En Palencia, la tradición no se guarda en una vitrina; se lanza al aire, se atrapa al vuelo y se celebra con el corazón.

Mucho más que ver

Palencia es una ciudad cómoda, «paseable» y llena de rincones que sorprenden al que no sabe: La Catedral de San Antolín (La Bella Desconocida): Es la tercera catedral más grande de España. Por fuera es sobria, pero por dentro es un museo viviente con obras de El Greco, una cripta visigoda (la de San Antolín) que hace viajar al siglo VII y un espectacular trascoro. El Cristo del Otero: Además de participar en la romería, hay que aprovechar para entrar en el pequeño museo a sus pies dedicado a su autor, Victorio Macho, quien está enterrado allí mismo. Las vistas de la ciudad son la mejor postal. Calle Mayor: Es una de las calles comerciales sopladas (con soportales) más largas de España (casi un kilómetro).

Es perfecta para ver los edificios modernistas, como el Palacio de la Diputación, y disfrutar del ambiente. Iglesia de San Miguel: Su torre calada es icónica. Cuenta la leyenda que aquí se casaron el Cid Campeador y Doña Jimena. Y también, El Canal de Castilla: Una obra de ingeniería del siglo XVIII que atraviesa la ciudad. Dar un paseo por sus orillas al atardecer es el plan más relajante que se puede hacer. La Huerta de Guadián es un parque precioso donde se encuentra la Ermita de San Juan Bautista, una joya del románico que fue traída piedra a piedra desde un pueblo que iba a ser inundado por un embalse.

Y entre visita y visita, vale la pena recordar que Palencia es la ciudad de las estatuas curiosas. Mientras se camina, uno se encuentra con «La Gorda» (en la Calle Mayor), el monumento al «Aguaducho» o el «Monumento a los Mayores». Son puntos de encuentro perfectos para los locales y le dan un aire muy humano a la ciudad.

No solo pan y quesillo

El pan y el queso son el alma de la romería, pero Palencia es un «tesoro oculto» que se disfruta con los cinco sentidos (y con buen apetito). Si el pan y el queso han abierto el apetito, hay que prepararse para la artillería pesada de la cocina castellana: El Lechazo Churro es el rey absoluto. Asado en horno de leña, con su piel crujiente y carne que se deshace. Busca un buen asador y prepárate para la gloria. Menestra Palentina: Olvida la verdura aburrida. Aquí las verduras se rebozan una a una antes de guisarlas. Es un plato laborioso, artesanal y contundente. Patatas a la Importancia: Un clásico humilde pero espectacular: rodajas de patata rebozadas y cocinadas en un guiso con azafrán y vino blanco. Morcilla de Villada: Es famosa por ser de cebolla, muy cremosa y con un toque dulce. Un imprescindible en cualquier tabla de embutidos.

Historia y turismo

Las primeras referencias que tenemos de esta romería datan del Siglo XIV. Juan de Arce realiza lo que será la primera alusión a esta romería como voto de villa «de muy antiguo» que servía para pedir un buen año de lluvia. En los siglos XVI-XVII el hambre y la pobreza fuerzan a la ciudad a transformarlo en una fiesta que se centrase en «dar limosna» de pan y queso a los más pobres. En el S. XVIII entre 1708 y 1715, la rogativa de Santo Toribio, pasa momentos delicados por desavenencias entre el Concejo y el Cabildo y, tras varias reuniones, se llega al acuerdo de que los gastos profanos, entre los que destaca el ocasionado por el reparto de pan y queso a romeros y pobres, correrán a cargo del Municipio y los divinos, en lo que tocare al culto y dentro de la ermita, por cuenta del Cabildo.

Para dar un mayor realce, el Ayuntamiento encarga a los talleres de Medina de Rioseco, una nueva imagen de Santo Toribio y el 16 de abril de 1716, la nueva efigie sale de la Catedral para cumplir el voto de villa hasta la ermita de Santo Toribio (esta imagen es la que actualmente procesiona).

En torno a 1860 el Ayuntamiento refuerza la leyenda de Santo Toribio, ofreciendo este nombre a la Compañía del Norte para alguno de los trenes que acababan de llegar a la ciudad. Además, el hambre y la crisis económica convierten la fiesta en algo singular, ya que se comienza a realizar la «pedrea» desde el balcón de la casa-ermita de Santo Toribio en la ladera del Otero.

En 1938, con una fiesta en decadencia, el Régimen decide introducir las bolsas como un elemento más de propaganda. y llegamos a los años 60, en los que el alcalde, Juan Mena de la Cruz, decide acercar posturas con Victorio Macho con honores tras el exilio y consigue que la figura del Cristo fuese aceptada entre los palentinos.

En 1976, Vecinos del barrio del Cristo, apoyados por el párroco Don Lucinio, aprovechan la romería para reivindicar mejoras en el barrio. Un hito que supuso que el Cabildo Catedralicio modificara la procesión y la rogativa de la fiesta y que se gestara la Asociación de Vecinos del Cristo; la primera de la ciudad. Y ya en 1981 con Francisco Jambrina al frente del Ayuntamiento de Palencia, se solicita a las peñas que participen en la rogativa ante la falta de porteadores.

La peña de San Antolín será la protagonista. Vecinos del barrio deciden impulsar su propia peña, la de Santo Toribio, que inaugurará su actividad con la bendición y romería de 1982. Y así tas el éxito popular de esta fiesta, la Romería de Santo Toribio es declarada en 2005 Fiesta de Interés Turístico Regional.

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Con una duración total de 9 horas repartidas en tres sesiones –jueves 7 y viernes 8 de mayo, de 17 a 20 h. y sábado 9 de mayo de 10 a 13 h.-, el taller combina el trabajo práctico en el taller con la visita a las salas del Museo, poniendo en diálogo la cerámica de Picasso con la creación contemporánea.

La inscripción, con un precio de 45 €, ya puede realizarse en las taquillas del Museo y en la web www.museopicassomalaga.org. Las plazas son limitadas.

Partiendo del recorrido permanente Pablo Picasso. Estructuras de la invención. La unidad de una obra, el Museo Picasso Málaga organiza el taller intensivo de cerámica contemporánea Hacer un jarrón, llenarlo de flores, que impartirá el ceramista Pablo Little. Tendrá una duración total de 9 horas, repartidas en tres sesiones: jueves 7 y viernes 8 de mayo, de 17 a 20 h y sábado 9 de mayo, de 10 a 13 h. Dirigido al público adulto, esta propuesta invita a adentrarse en los procesos creativos y técnicos de esta disciplina desde una perspectiva actual.

A lo largo del taller, los participantes desarrollarán una pieza cerámica propia, ya sea un jarrón u otro objeto escultórico, recorriendo de forma acompañada todas las fases del proceso creativo: desde la concepción inicial de la idea hasta su materialización final. La actividad combinará el trabajo práctico en el taller con un recorrido por las piezas cerámicas presentes en la exposición, estableciendo un diálogo directo entre la obra de Pablo Picasso, la práctica artística contemporánea y la exploración personal de cada participante.

La primera jornada comenzará con una introducción al trabajo y al proceso creativo de Pablo Little, que servirá como punto de partida para definir y organizar los proyectos individuales. A partir de esta base, el trabajo se estructurará de manera progresiva, acompañando a cada participante en el desarrollo de su idea, desde el boceto inicial hasta la ejecución de la pieza.

Durante el taller se emplearán técnicas tradicionales de la cerámica, como el modelado en barro mediante churros y el uso de terraja, combinadas con la experimentación en superficie a través del desarrollo de una carta de color en engobes y su posterior aplicación. Este enfoque permitirá a los asistentes explorar tanto los aspectos formales como expresivos del lenguaje cerámico, fomentando la investigación personal y la libertad creativa.

Pablo Little (Pablo Rodríguez, Córdoba, 1989) es un artista que observa el mundo desde las emociones, situándose simbólicamente entre el “adulto pequeño” y el “niño grande”. Estudió Comunicación Audiovisual y Gestión Cultural y comenzó a dibujar de manera autodidacta, casi como una necesidad vital para comprender y expresar su relación con el entorno. “Mi cuna fue cordobesa, mi juventud malagueña y mi madurez como artista me hizo sevillano”, afirma el creador, cuya obra se caracteriza por un lenguaje sencillo, directo y libre de prejuicios, en el que afloran emociones contradictorias y una mirada honesta y espontánea hacia la realidad.

Tras licenciarse en Comunicación Audiovisual, Pablo Little ha desarrollado una amplia trayectoria profesional que incluye exposiciones en galerías de toda España, así como la creación y dirección de proyectos artísticos como Galería Central y Demencia, Muestra de Arte Contemporáneo. Su trabajo ha sido publicado en medios de carácter nacional como El Mundo, El Español, Harper’s Bazaar, Neo2, Notes, L’Officiel, AD España o Revista LaMuy, entre otros.

Las entradas para el taller están ya disponibles en la web del Museo Picasso Málaga por un precio de 45 €, e incluye todos los materiales necesarios y la visita al museo.

Foto: Pablo Little. © Ana Larrazabal

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Aclamada como un gran hito artístico de su tiempo, jaleada en la prensa, multiplicada en estampas, celebrada en canciones y poemas, esta pintura de historia también sirvió como artefacto político. La reconstrucción de su ubicación original en el Museo del Prado en 1819, convertida en uno de sus principales iconos —por encima de obras hoy indiscutibles como Las meninas—, desvela el peaje ideológico que impuso el absolutismo de Fernando VII.

La muestra analiza, hasta el 13 de septiembre en la sala 66 del edificio Villanueva, el auge y caída de una gloria nacional que pasó de ser la metáfora visual más potente de la España del siglo XIX a convertirse en mera anécdota local. Mediante este ejercicio expositivo, el Prado invita a reflexionar sobre los vaivenes del arte y de la crítica, la propaganda, la invención del gusto y el papel de los museos.

El escritor Umberto Eco imaginó un museo ideal dedicado a una sola obra: un espacio donde los relatos se acumularan en torno a ella para culminar, como ejercicio último, en la contemplación y comprensión del público. Esta visión resuena con fuerza en el nuevo programa del Museo del Prado, «Una obra, una historia», cuyo formato parece diseñado a medida de El año del hambre en Madrid (1818), de José Aparicio. En palabras de Miguel Falomir, director del museo, el propósito es “invitar al espectador a contemplar una obra que, más allá de sus méritos estéticos, permita reflexionar sobre aspectos de la historia del arte que a menudo pasan inadvertidos».

En este lienzo —uno de los más aclamados y controvertidos de la pinacoteca desde su apertura en 1819— se agolpan sucesos y personajes que demuestran que una sola obra puede servir para reconstruir la complejidad de un universo pasado sin perder su vigencia actual. El retorno al Prado —aunque sea de modo temporal— del que se conoció en su época como “cuadro del hambre”, ofrece la oportunidad de contemplar con los ojos de hoy la que fuera una de las pinturas más célebres de la España de Fernando VII; de hecho, de ningún otro cuadro se escribió más en las décadas posteriores a la apertura del museo en 1819.

El año del hambre en Madrid regresa al Prado con todo lo que arrastra consigo: el recuerdo de una catástrofe, la ambición política con la que fue concebido, los malentendidos en su recepción y la erosión de su prestigio. En esta ocasión, además, esta revisión crítica ha estado acompañada de una ambiciosa restauración del cuadro que ha mejorado su estabilidad y su legibilidad.

Auge

Este enorme lienzo (315 x 437 cm) nació ligado a una memoria reciente y dolorosa: la hambruna de Madrid en 1811-12, que quienes lo contemplaron por primera vez en el museo en 1819, habían sufrido en primera persona. En el cuadro, un grupo de figuras famélicas rechaza heroicamente el pan ofrecido por soldados franceses. Esta acción se presenta como una alegoría de la «constancia española» y una narrativa de fidelidad incondicional al absolutismo reestablecido por Fernando VII, tras su regreso del exilio en Francia. La inscripción «NADA SIN FERNANDO» grabada en una de las pilastras de la escena, reforzaba esta carga propagandística y convertía una calamidad reciente en un instrumento de legitimación para el monarca.

En 1819 fue inaugurado el Museo Real de Pintura y Escultura —en su denominación previa a Museo del Prado—, con 311 obras expuestas, y lo primero que llama la atención es la presencia destacada de un pintor de historia, cortesano y canónico, como era José Aparicio, y su obra El año del hambre en Madrid (1818), frente a un Francisco de Goya aún limitado en aquella primera selección a su faceta de retratista cortesano (Carlos IV a caballo, 1799-1800). La prensa sirvió de transmisor de la enorme popularidad que adquirió el que entonces se dio a conocer como “cuadro del hambre”, que rebasó el ámbito artístico y trascendió al político y social. La obra de Aparicio ofrecía, a través de un lenguaje académico de raigambre neoclásica, la mejor metáfora visual para atacar o condenar al otro —un invasor, un rey, un gobierno…—, a quien se atribuía una falta de responsabilidad y la perversión de sus efectos.

Esta pintura de historia también sirvió de artefacto político: la reconstrucción de su ubicación original en el Museo del Prado, realizada en colaboración con la Universidad Complutense de Madrid, indaga en el episodio cero de la institución —del que poco se conoce—, y desvela el peaje ideológico que impuso el monarca en aquel espacio, que por entonces era de su propiedad.

La extrema popularidad que alcanzó la obra terminó por volverse ambigua cuando otras sensibilidades comenzaron a aflorar y a desconfiar de una imagen demasiado elocuente, demasiado célebre, demasiado eficaz.

Caída

La fama de esta obra —no así de su autor—, se mantuvo de manera constante hasta 1872, momento en que se produjo un episodio crucial en la historia de las colecciones del recién nacionalizado Museo de Pintura y Escultura: la anexión, mediante Real Decreto, del Museo de la Trinidad. Este proceso supuso un quiebro en la ordenación de las salas y obligó a decidir en apenas unos años lo que se quedaba dentro y lo que forzosamente debía ir fuera del edificio de Villanueva, arrastrando al cuadro del hambre —incompatible con el discurso liberal tras la Revolución de 1868— y confirmando a Goya como uno de los emblemas del afianzamiento de la pintura española en el Prado.

Si Aparicio optó por una retórica académica y un heroísmo estático para ensalzar un régimen, Goya capturó la violencia descarnada y universal, y su visión terminaría por desplazar a la del primero, que quedó relegado a la penumbra del canon. Esta genealogía política encabezada por Goya tendrá su continuidad, también en el Prado, en la obra de Antonio Gisbert, el Fusilamiento de Torrijos y sus compañeros en las playas de Málaga, y culminará un siglo más tarde en el Guernica, de Pablo Picasso.

Con su traslado al Ministerio de Fomento en 1874, El hambre se convirtió no solo en el primer depósito de pintura que el Prado realizó en su nueva etapa como museo nacional, sino también en el primero en teñirse de razones ideológicas. La creación del Museo de Arte Moderno en 1898, con Federico de Madrazo al frente, abre un nuevo capítulo en el periplo de la obra de Aparicio, y permite destacar el papel que ejercieron los pintores académicos a cargo de las instituciones museísticas de entonces, quienes moldearon la historia del arte en función de sus criterios y rivalidades. Aquello que hoy nos lleva a pensar en Goya como un artista moderno y en Aparicio o Madrazo como artistas clásicos, conservadores o tradicionales, ocupa otra parte del discurso de la muestra, con el objetivo de revisar el sentido de estas atribuciones y la inversión de roles en su época.

La llegada de la obra al Museo de Historia de Madrid en 1927, tras su paso por un el edificio del Senado, y el vínculo permanente con el Museo del Prado a través de la figura del depósito, permiten hacer hincapié la vigencia de El Prado Extendido.

Catálogo

La muestra va acompañada de un catálogo editado por el Museo del Prado que profundiza en el estudio de la obra, con textos de María Bolaños, Bénédicte Savoy, Daniel Crespo y los comisarios Carlos G. Navarro y Celia Guilarte, así como la descripción de la restauración realizada por Lucía Martínez y Laura Alba.

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En la rueda de prensa de presentación, Manuel Segade ha señalado que la muestra de Aurèlia Muñoz, encuadrada dentro de la política de la institución de rescatar artistas mujeres, es fundamental en el contexto actual porque «da una idea de su fuerza como artista y de la importancia de un trabajo, que es de los que puede transformar, como una pequeña palanca, la forma de entender la historia del arte reciente». Por su parte, Elvira Dyangani ha destacado sobre la figura de artista catalana su interés en «el hecho de trabajar la obra de arte como conocimiento, lo que suponía resaltar aspectos de la lógica, del trabajo, de la composición, del pensamiento filosófico alrededor de lo que ella producía».

Silvia Ventosa, miembro del equipo curatorial e hija de la artista, ha explicado durante la presentación que en la exposición se ha recuperado la visión de Aurèlia Muñoz como una «artista total, de un artista global que no pone demasiadas fronteras entre técnicas y materiales, aunque las utiliza todas con respeto y estudio». Asimismo, Manuel Cirauqui ha explicado la importancia de la muestra para el «desencasillamiento» de la artista, y de «haber dotado al proyecto de un comité científico» que «tenía por misión aportar puntos de vista desde saberes que no han sido para nada los habituales en la lectura del trabajo de Muñoz». Del mismo modo, Rosa Lleó ha hablado de lo «inédito» de esta retrospectiva en la que «hemos dedicado una sala entera a todo el material de archivo y en esta sala hemos intentado mostrar cómo era el proceso creativo de Aurèlia».

Entes es la retrospectiva más ambiciosa que se ha hecho hasta la fecha de la artista Aurèlia Muñoz (Barcelona, 1926–2011), una figura clave en la renovación del lenguaje escultórico textil europeo del siglo XX. Organizada por el Museo Reina Sofía y el MACBA, Museu d’Art Contemporari de Barcelona, para conmemorar el centenario de su nacimiento, la muestra recorre toda la trayectoria de la artista, desde sus inicios, en los años 50 hasta principios del siglo XXI. Está comisariada por Fundació EINA a través de su plataforma einaidea, bajo la dirección científica de Manuel Cirauqui, junto con Rosa Lleó y Sílvia Ventosa, responsable del Archivo Aurèlia Muñoz e hija de la artista. Se podrá ver en el Museo Reina Sofía, en Madrid, en la sala 0 del edificio Nouvel, entre el 29 de abril y el 7 de septiembre de 2026, y en el MACBA, en Barcelona, a partir del 5 de noviembre.

La exposición, que ocupa seis salas de la planta 0 del Edificio Nouvel, recorre el universo creativo de Aurèlia Muñoz a través de más de 150 obras, muchas de ellas inéditas, especialmente sus dibujos, que revelan en algunos casos la génesis de su proceso creativo y en otros, son obras en sí mismas. En esta exposición se pueden ver sus trabajos más emblemáticos, más de 60 esculturas y piezas cosidas, anudadas o tejidas, hechas de yute, sisal y algodón, muchas de ellas de gran tamaño. Están sus bordados de los años sesenta, que reinventan la pintura; también sus grandes esculturas anudadas de macramé de los años setenta, que abandonan la pared y toman cuerpo tridimensional como entes; y los Pájaros-cometa o Aerostatos de los años ochenta —estructuras móviles y aerodinámicas, inspiradas por su afición a la papiroflexia, la navegación a vela y las máquinas de Leonardo da Vinci— que nacen de una búsqueda de ligereza y de pensamiento espacial que ya no le abandonará. Precisamente, esa búsqueda le llevará a partir de los años ochenta a sus trabajos con pasta de papel que ella misma fabricaba con fibras de lino y algodón, para crear esculturas, que cobran forma como libros aéreos, móviles o elementos marinos: anémonas, algas o medusas que dispone en urnas transparentes de metacrilato. También se puede ver en esta exposición una cuidada selección de objetos y obras de su archivo personal, que incluye cartas, maquetas, cuadernos de proyectos y fotografías. Unos objetos que desvelan una forma de trabajar sistemática y organizada.

Algunas de las grandes obras que se podrán ver en esta exposición pertenecen a colecciones particulares en España y otros países y no han formado parte hasta ahora de exposiciones ni han podido verse en museos, como las monumentales Palmera (1974) u Homenaje a Jerónimo Bosco (1971), lo que constituye una gran oportunidad para el público.
En el centenario de su nacimiento, la exposición busca descubrir nuevas perspectivas sobre el universo de Aurèlia, la «cosmología aurèliana», poblado por figuras plurales sin género definido que desafían el binarismo, personajes a medio camino entre lo humano y lo animal que habitan un espacio interespecie. Sus obras anticipan preocupaciones que hoy resuenan con fuerza: la relación con el medioambiente, la existencia humana y de los seres no humanos, y el diálogo entre lo ancestral y lo contemporáneo.

La mayor parte de las obras expuestas proceden del Archivo Aurèlia Muñoz, de la colección del Ayuntamiento de Sant Cugat y del Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC). Cuatro de las obras que se exponen en esta muestra forman parte de las Colecciones del Museo Reina Sofía. También hay obras del MACBA, del MoMA y de prestadores particulares. El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía desea expresar su más sincero agradecimiento al Museu Nacional d’Art de Catalunya por su inestimable colaboración en esta exposición, a través del generoso préstamo de obras procedentes de su colección, fruto de la donación del Archivo Aurèlia Muñoz.

Con motivo de esta exposición se ha publicado un catálogo coeditado por el Museo Reina Sofía y el MACBA. Además, el departamento de Programas Públicos del Museo Reina Sofía organiza la Charla inaugural del 28 de abril a las 19:00h en sala del Cine con los comisarios Manuel Cirauqui, Rosa Lleó y Sílvia Ventosa, y una Jornada de estudios sobre la obra de Aurèlia Muñoz, que se celebrará el próximo 10 de junio en el Auditorio 200 del Museo.

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Del 29 al 31 de mayo, ARCOlisboa abre sus puertas al público general en el enclave único de la Cordoaria Nacional de Lisboa con propuestas artísticas de primer nivel.

ARCOlisboa, Feria Internacional de Arte Contemporáneo, organizada por IFEMA MADRID y la Câmara Municipal de Lisboa, celebrará del 28 al 31 de mayo en la Cordoaria Nacional su 9ª edición, consolidando diez años de presencia y compromiso con la ciudad, y convirtiendo de nuevo a la capital portuguesa en uno de los principales focos artísticos y culturales de Europa, así como en punto de encuentro para coleccionistas, galeristas, artistas y profesionales de todo el mundo.

La estrecha colaboración entre IFEMA MADRID y la Câmara Municipal de Lisboa ha permitido que ARCOlisboa avance con paso firme, afianzando su identidad y relevancia dentro del calendario artístico. Así lo muestran las 86 galerías de 19 países presentes, con una destacada participación portuguesa, que suma 30 galerías -el 35% del total-, junto con una sólida presencia internacional, con 56 galerías.

El Programa General, formado por 63 galerías seleccionadas por el Comité Organizador, constituye el núcleo central de la feria. A este se suma la sección Opening Lisboa, comisariada por Sofia Lanusse y Diogo Pinto, y Sofia Montanha como asistente curatorial, que reúne 17 galerías que impulsan nuevos lenguajes y espacios artísticos. Y como novedad en esta edición, el proyecto Archipiélago de Historias del Arte, dirigido por Cosmin Costinas, que investiga los linajes y saberes heredados presentes en la creación contemporánea, que contará con la participación de 6 galerías.

Programa artístico
El eje principal de la feria, el Programa General crece en esta edición con la incorporación de galerías que participan por primera vez como Marcelo Guarnieri, Aninat o AA Gallery. Asimismo, otras regresan después de alguna edición como Juan Silió o CarrerasMugica, y otras como Salgadeiras, Ackerman Clarke y Río & Meñaka se incorporan a la sección general tras haber participado en Opening Lisboa el año pasado. Éstas se suman a la fidelidad 3+1 Arte Contemporânea, Kubikgallery, Cristina Guerra Contemporary Art, Francisco Fino, Pedro Cera, Vera Cortês, así como Ehrhardt Flórez, Each Modern, Leandro Navarro, Sabrina Amrani, Zeller Van Almsick o Consonni Radziszewski, entre otras.

De nuevo los proyectos SOLO del Programa General presentarán la obra de artistas internacionales en profundidad. Entre ellos, Susana Rocha -ATM-, Gloria Martín Montaño -Galería Silvestre-, Vanessa da Silva -Duarte Sequeira-, Christian Lagata -Artnueve-, Catarina Real -Ángeles Baños-, Sandra Mar -Rosa Santos-, Francisco Correia -Nave-, Virgilio -José de la Mano-, Carsten Fock -Zeller Van Almsick-.

Por otro lado, la sección Opening Lisboa indagará en los nuevos lenguajes y espacios artísticos con el fin de atraer a la feria novedosos contenidos. En esta línea, a través de este programa, la feria permitirá explorar las propuestas de galerías, como Chilli, Dialogue, Enhorabuena Espacio, que vuelven a participar en la feria, o Heliconia Projects, Plato, Remota, Salón Silicón y Vision Art Platform, que asisten por primera vez.

Los contenidos artísticos de esta edición se completan con el nuevo proyecto Archipiélago de Historias del Arte, que reúne artistas que comparten el compromiso de trabajar a partir de formas heredadas como método para cuestionar cómo se transmite el conocimiento; es el caso de Irene Chou -Galerie du Monde-, Gabriel Chaile -NVS-, Nadia Taquary -Portas Vilaseca-, Tsherin Sherpa -Rossi & Rossi-.

Organizado por EGEAC, la planta baja del Torreão Nascente da Cordoaria Nacional acogerá una exposición antológica de Jorge Martins. Por su parte, el Torreão Poente presentará TRÊS. As coleções da Fundação EDP, una muestra que celebra los 10 años del MAAT.

Por otro lado, ArtsLibris está de nuevo presente este año en ARCOlisboa con una treintena de expositores nacionales e internacionales ubicados en el Torreão Nascente da Cordoaria, con acceso libre para el público. También en este espacio tendrán su protagonismo las revistas de arte contemporáneo.

Como es habitual, la feria acogerá diferentes iniciativas de reconocimientos a la creación artística, a través de la entrega de diferentes premios como el Premio Fundação Millennium bcp al Mejor Stand y el Premio Opening Lisboa.

ARCOlisboa volverá a presentar Millennium Art Talks, con el apoyo de la Fundação Millennium y EGEAC, con charlas sobre coleccionismo, mecenazgo, contenido de las secciones comisariadas de la feria, entre otras. El programa contará con sesiones organizadas por DGArtes y WAAU.

Este espacio se ubicará en el Torreão Nascente de la Cordoaria Nacional, acogiendo también presentaciones y debates sobre publicaciones de artistas, fotolibros, autoedición y publicaciones digitales a través del programa ArtsLibris Speakers’ Corner.

El público general también tendrá oportunidad de disfrutar de este especial encuentro con el arte contemporáneo desde el viernes 29 al domingo 31 de mayo. Con el fin de favorecer el acceso a un mayor número de personas se permitirá la entrada gratuita a jóvenes hasta los 25 años los días 29 y 30 de mayo, de 17.00 a 21.00h.

En esta edición, ARCOlisboa contará con un nuevo lounge proyectado por Lisbon Design Week, situado en la entrada principal de la Cordoaria, concebido como área de descanso y punto de encuentro para visitantes, galeristas y profesionales.

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Charla inaugural
Martes 28 abril 2026 a las 19:00
Edificio Nouvel, Auditorio 400
Aforo 400 personas
Duración 60 minutos
Entrada libre hasta completar aforo. Apertura de puertas media hora antes de la actividad.

Con motivo de la inauguración de Aurèlia Muñoz. Entes, exposición comisariada por la Fundación EINA a través de su plataforma einaidea, su director científico Manuel Cirauqui y las colaboradoras Rosa Lleó y Sílvia Ventosa dialogan en torno al planteamiento curatorial de esta muestra antológica dedicada a Aurèlia Muñoz (Barcelona, 1926–2011). La exposición, organizada por el Museo Reina Sofía y el Museu d’Art Contemporani de Barcelona (MACBA), traza un amplio recorrido por su trayectoria artística y revisa los ejes conceptuales que atraviesan su obra, imprescindible para comprender el desarrollo del arte textil contemporáneo.

La exposición, tema central de la charla en el Auditorio 400,  traza un recorrido integral por la obra de Aurèlia Muñoz, una figura imprescindible en la comprensión del arte textil contemporáneo. La propuesta, cuyo título hace referencia a uno de los conceptos fundamentales en su producción artística —los entes—, aborda más de cincuenta años de una práctica polifacética que trasciende los ámbitos del tejido, la fibra o la artesanía. Una visión sin precedentes que busca abrir nuevas perspectivas sobre su singular legado.

El encuentro pretende explorar las nuevas perspectivas aportadas por esta exposición y ofrecer una lectura ampliada del legado de Muñoz, recorriendo más de cincuenta años de práctica artística: desde las estructuras textiles monumentales hasta las esculturas de papel hecho a mano, desde sus inicios vinculados a la nouvelle tapisserie y a la Escuela Catalana del Tapiz hasta la consolidación de un lenguaje propio que desborda los límites del tejido y la artesanía.

Asimismo, la charla aborda el carácter experimental de su trabajo, definido por una investigación constante de técnicas y materiales que entrelaza saberes ancestrales y tradiciones artesanales con recursos contemporáneos, al mismo tiempo que sus principales referentes, influencias y su particular concepción espacial. De esta manera, se presta especial atención al concepto de los «entes», fundamental para comprender sus esculturas semiabstractas y estructuras suspendidas, concebidas como formas en constante devenir que habitan el espacio. Finalmente, el dibujo, las maquetas y su archivo personal se presentan como claves esenciales para entender la coherencia y profundidad de su universo creativo.

Estas charlas inaugurales, que forman parte de una de las líneas de trabajo principales del Área de Programas Públicos, tienen como objetivo profundizar en los contenidos de las exposiciones organizadas por el Museo desde la perspectiva de artistas, comisariados y especialistas.

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Integrante del Gabinete del Ministro de Cultura desde 2021 como asesor parlamentario, Ignasi Camós fue nombrado director general del ICAA en junio de 2023, cargo que ha desempeñado hasta su fallecimiento.

Ignasi Camós Victoria, doctor en Derecho, había desempeñado su labor como asesor parlamentario en el Ministerio para la Transición Ecológica y el Reto Demográfico (2020-2021) y en el Ministerio de Trabajo, Seguridad Social e Inmigración (2018-2019).

Previamente había sido consejero técnico en el Ministerio de Educación, en la Representación Permanente ante la Unión Europea en Bruselas y había desempeñado diversos cargos en la Generalitat de Catalunya. Además, fue profesor titular de derecho del Trabajo y de la Seguridad Social en la Universidad de Girona y funcionario de la Administración General del Estado.

El Ministerio de Cultura agradece la gran labor y compromiso de Ignasi Camós al frente del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales que, junto a su vocación de servicio público, dejarán una gran huella en las personas e instituciones con las que trabajó.

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