Por deseo de la viuda del artista, que así  lo expresó en su testamento

Dos lienzos del pintor Morris Louis (Morris Louis Bernstein)  (Baltimore, 1912 Washington, 1962), realizados a finales de los años cincuenta, han pasado a formar parte de los fondos del  Museo Reina Sofía por deseo de su viuda, Marcella Louis Brenner, según lo expresó en el  testamento antes de morir.

Se trata de las importantes pinturas de gran formato  Crown (1958) y Lamed Beth (1958), pertenecientes a su célebre serie Veils (los velos), fruto de un período en el que el trabajo del artista se caracteriza por la calidad y el gran tamaño de las obras. El Museo contaba hasta el momento únicamente con una pintura de Morris, la  titulada Vernal, también de la serie Veils, fechada en  1959 y adquirida en 1999. La actual incorporación a la colección permitirá complementar el conjunto de obras que posee de pintura americana de los años cincuenta compuesto por trabajos de Mark Rothko, Robert Motherwell o Ellsworth Kelly.

En la serie Veil, a la que pertenecen las obras  -que retoma en 1958 tras haberla abandonado en 1954-  se aprecian las aplicaciones pictóricas  de color traslúcido y los matices cromáticos moderados con resultados muy ricos.  En las dos nuevas obras que ya forman parte de los fondos, quedan patentes las sucesivas y diluidas capas de color, proceso elogiado por el  crítico Clement Greenberg como “pintura pura” que conduce a la fusión y unidad del color y la superficie. En estas obras, el pintor de Baltimore  fija su color en una superficie similar a la de una pintura mural y logra estimular una experiencia visual, rasgo definitorio de la pintura abstracta norteamericana de vanguardia.

Morris Louis, artista de reconocido prestigio internacional, pertenece a la generación de pintores americanos de finales de la década de los cincuenta y principio de  los sesenta.  Es un artista vinculado al expresionismo abstracto americano, y líder de una escuela pictórica conocida como “Washington Color School“, cuya influencia se extendió en artistas como Sol LeWitt y Donald Judd.

En la década de los cuarenta, en sus primeras producciones, realiza obras expresionistas abstractas en las que late la base cubista. Llegó a destruir más de 300 telas anteriores a 1954, por no considerarlas de calidad. En este cambio estilístico influye su contacto, en 1953, con el  trabajo de Helen Frankenthaler y Kenneth Noland, que emplean la técnica conocida como staining. Es una generación de artistas que se ocupa de los conceptos de espacio pictórico y planitud del lienzo. Morris Louis y Kennet Noland experimentan juntos con diversas técnicas de aplicación. Es característico en el caso del primero el empleo de la técnica acrílica muy diluida y aplicada sobre el lienzo sin imprimación, lo que  permite que fluya por la superficie, consiguiendo un  efecto de velos traslúcidos.

Las pinturas de Louis mantienen una relación particular con el espacio debido al gigantesco tamaño de sus lienzos. Por otra parte, su obra está considerada como una extensión del expresionismo abstracto, las denominadas “pinturas de campos de color” y que han  influido en pintores como Clifford Still, Barnett Newmann o Mark Rothko.  Sus lienzos están inundados de movimiento y cromatismo, señas de identidad de la abstracción pospictórica de Louis, (que comparte con Stella, Noland, Kelly y Ad Reinhardt), o del rechazo a la composición en favor del color y del gesto.

Entre sus series destacan, Veils I (1954), Abstract Expressionism, (1955-57), Veils II (1958-59), que engloba las dos obras legadas al Museo, y ya en la década de los sesenta Unfurleds (1960-61) o Stripes (1961-62).

Louis Morris está representado en las principales colecciones del mundo: Art Gallery de Toronto, Tate Modern de Londres, Stedelijk Museum de Amsterdam,  Solomon R. Guggenheim Museum o el MOMA de Nueva York.

FICHA TÉCNICA DE LAS OBRAS
1.1. Autor: Morris Louis
Título y fecha: Crown, 1958
Técnica/Soporte: acrílico sobre lienzo de algodón
Dimensiones: 251,5 x 363,2 cm.
Firmada y fechada: ML 58
1.2. Autor: Morris Louis
Título y fecha: Lamed Beth, 1958
Técnica/Soporte: acrílico sobre lienzo de algodón
Dimensiones: 426,7 x 274,3 cm.

¿Maestros de Velázquez? 

Andrés Merino Thomas

Una de las últimas convocatorias anuales de la Fundación de Amigos del Museo del Prado fue el ciclo de conferencias “La senda española de los artistas flamencos en el Museo del Prado: De Rubens a Van Dick”. Celebrada con el patrocinio de la Fundación Caja Madrid en la primera pinacoteca del mundo con la calidad acostumbrada, en ella se abordó, de la mano de diecisiete especialistas, la estrecha y muy fructífera relación artística que, como consecuencia de los singulares avatares políticos, militares y económicos –entre otros- de los territorios de la Monarquía de España, marcaron nuestra historia del Arte entre los siglos XV y XVII. Nuevamente Galaxia Gutenberg y Círculo de Lectores han hecho posible la publicación de los estudios en un volumen conjunto de gran calidad en el que se presentan las claves de las colecciones flamencas del Prado, sus principales maestros y sus excepcionales obras.

Nota común en todas y cada una de los ensayos que se reproducen es el deseo de subrayar el singular interés de los monarcas españoles por atesorar obras maestras de Rubens, Teniers, Van Eyck y Patinir. No es extraño que Francisco Calvo Serraller afirme que el Museo del Prado nunca habría sido lo que es sin la aportación de los Países Bajos, reconociendo el peso de la influencia de su escuela en la propia configuración de la identidad artística española. El especialista habla de la existencia de un arte “hispano-flamenco”, un término que será definido y bien desarrollado en la que, a nuestro parecer, constituye la aportación más lograda de las que se incluyen en la obra. Nos referimos a “Imágenes de Flandes y de España”, de Alejandro Vergara, que proporciona una panorama verdaderamente ágil, completo y a la vez profundo del influjo del estilo flamenco, especialmente en Velázquez y sus meninas. Es cierto, como afirma, que el estatus histórico del más famoso lienzo del sevillano hace prácticamente imposible que podamos pensar que pueda tener algún débito con obra anterior; más bien son decenas de pintores los que se han inspirado en la pose de la Infanta María Teresa y sus acompañantes, el sutil juego de planos y reflejos. Vergara expone sin complejos los antecedentes que pueden hallarse, en lo que a espacios por detrás del espectador, cuadros y espejos, en el cuadro “El Archiduque Leopoldo en su galería de pinturas de Bruselas”, de David Teniers el Joven (1610-1690), presente en inventarios de la colección regia española desde 1653, es decir, al menos cuatro años antes de se pintase “Las Meninas”.

Vergara nos sitúa en el contexto histórico: recuerda que el gobernador de los Países Bajos, sobrino de Felipe IV, se había tomado la molestia de retratarse a sí mismo como mecenas y coleccionista, y como tal enviaba a sus parientes lienzos cuyas inspiraron a un gran maestro como Velázquez. Al hacerlo no disminuye ni un ápice el valor de otras obras, sino que enriquece su genealogía y muestra que también la historia del arte es la historia de un pasado estético que dialoga con un presente que interpela. Sus aportaciones y las dieciséis restantes conforman un ensayo conjunto de gran interés que ningún interesado en las colecciones del Museo del Prado debería dejar de leer.

“La senda española de los artistas flamencos”

Javier Barón, Xavier Bray, Francisco Calvo Serraller, Alan Chond, Luis Miguel Enciso Recio, Brart Fransen, David Freedberg, Wouter Kloek, Víctor Nieto Alcalde, Javier Portús, Theodore K. Rabb, Luis Ribot, Pilar Silva Maroto, Tzvetan Todorov, Enrique Valdivieso, Alejandro Vergara, Joaquín Yarza Luaces

Barcelona, Galaxia Gutenberg/Círculo de Lectores y Fundación de Amigos del Museo del Prado, 379 pág.

ISBN: 978–84–8109–831–0 y 978–84–672–3702–3

Procedente del Museum of Fine Arts (MFA) de Boston, la obra maestra de Sargent se expone en el Prado durante dos meses y medios gracias al programa ‘La obra invitada’, patrocinado por la Fundación Amigos del Museo

Esta mañana presentan la obra Miguel Zugaza, Director del Museo del Prado, Malcom Rogers, Director del Museum Fine of Arts de Boston, Nuria de Miguel, Secretaria General de la Fundación de Amigos del Museo del Prado, Javier Barón, Jefe de Departamento de Pintura del Siglo XIX del Museo del Prado, y Erica E. Hirshler, conservadora de Arte de América del MFA y autora de la biografía del cuadro: Sargent’s Daugthters. The Biography of a Painting (MFA Publications, 2009).

A partir del martes, 15 de marzo, se podrá ver el retrato de “Las hijas de Edward Darley Boit”, obra maestra de John Singer Sargent (1856-1925), junto al retrato por excelencia “Las Meninas” de Velázquez que le sirvió de inspiración.

En esta ocasión el retrato de Las hijas de Edward Darley Boit, se mostrará al público más majestuoso y elegante junto a Las Meninas de Velázquez. La obra apenas ha salido del Museum of Fine Arts de Boston al que fue donada en 1919, siendo esta la primera ocasión en la que se exhibirá en una ciudad europea distinta a Londres, ciudad especialmente vinculada a Sargent por tratarse del lugar en el que se estableció y murió.

Hace apenas tres años la Fundación Caja Madrid y el Museo Thyssen organizaron una  gran exposición dedicada a los dos grandes maestros del retrato y de la luz, Sorolla y Sargent. Con unas 128 pinturas enfrentadas permitieron descubrir en profundidad el paralelismo que existía en algunos aspectos de su pintura. Según informó la Fundación Caja Madrid pasaron por sus salas 311.472 visitantes, demostrando el gusto de los visitantes por este tipo de pinturas. Ahora la entrada de esta pintura llega a Madrid gracias a un importante préstamo del Museum of Fine Arts de Boston.

El retrato fue realizado en 1882 por encargo del  coleccionista, Edward Darley Boit, amigo del pintor. Sus hijas aparecen pintadas  en una habitación abierta cuya luz nos recuerda la atmósfera y el tratamiento de la obra maestra de Velázquez que conoció y estudió en diferentes copias a partir de un viaje a España realizado en 1879.

Datos de interés:
La obra invitada: Las hijas de Edward Darley Boit, Sargent
16 de marzo – 30 de mayo de 2010

Imagen:
Las hijas de Edward Darley Boit, 1882, John Singer Sargent. (1856–1925). Óleo sobre lienzo, 221,93 x 222,57 cm. Boston, Museum of Fine Arts. Gift of Mary Louisa Boit, Julia Overing Boit, Jane Hubbard Boit, and Florence D. Boit in memory of their father, Edward Darley Boit, 1919

La exposición titulada Aquí Huidizo que se presenta en la Sala Alcalá 31, está organizada en colaboración con la Diputación Provincial de Huesca. Esta muestra presenta la obra del artista Isidro Blasco (Madrid, 1962) afincado en Nueva York y considerado uno de los principales representantes de la escultura contemporánea y uno de los mejores exponentes de una nueva manera de concebir lo escultórico.

El comisario de la exposición, José Manuel Costa, Presidente del Consejo de Críticos de Artes Visuales, ha reunido en esta muestra un total de 46 piezas escultóricas (madera, fotografía, cartón, material de ferretería, vídeo, etc.,) exentas y de pared, realizadas entre los años 1999 y 2010, la cual pretende tener al mismo tiempo, un carácter retrospectivo y actual mostrando trabajos de todas sus épocas. En palabras del comisario “su trabajo es básicamente una referencia al espacio que nos rodea, el vacío como algo espiritual y fundamental; en el lado opuesto, la atención a la superficie como algo que desciende al puro materialismo”.

Además se podrán ver dos producciones realizadas específicamente para la ocasión; un proyecto videográfico, basado en unos textos que el artista escribió en los años 90, titulado, Elusive Here (Aquí Huidizo), que narra de forma onírica experiencias sensoriales y fundamentalmente ópticas; así como la instalación “Site Specific” When The Time Comes (Cuando llega la hora).Desde sus inicios, es característica en los trabajos de Isidro la visión fragmentada de  sus obras y la relación de estas con la arquitectura. En parte tiene que ver con la misma ciudad y con la visión que de ella tenemos; se puede decir que el autor construye la imagen de nuestra ciudad personal a base de muestreos atrapados y re-conocidos en múltiples itinerarios. Esto se refleja en los dos trayectos de esta exposición, Fuera: mediante recorridos, visiones casi cubistas de calles en Nueva York o Shanghai y Dentro: los interiores, los lugares que habitamos y a los que aplicamos también el recuerdo de lo contemplado.

A lo largo de los años y además de sus trabajos de tamaño medio o de pared, Isidro Blasco ha realizado obras de gran formato e incorporado la utilización del vídeo. When I Woke Up, es uno de sus trabajos cuya monumentalidad queda relativizada por lo austero de los materiales, esto es así hasta el punto de que la obra original había sido casi destruida, de forma que para esta ocasión el autor ha decidido rehacerla, no de manera mimética, sino conduciendo los impulsos que le dieron origen a través de los nuevos prismas que ha adquirido con el paso del tiempo.

Otras piezas singulares, son reflejos de otros momentos significativos tanto en la vida como en el trabajo del artista: su viaje, encuentro y  permanencia en Nueva York o el descubrimiento de un dinamismo diferente que transmite una ciudad como Shanghai. Además de ello, esta arquitectura del recuerdo, de lo ensoñado y de lo fragmentario, se ha plasmado también en sus vídeos, como el que podemos ver en la exposición realizado ex profeso. En conjunto esta exposición se presenta como una macro instalación en la que diversas piezas nacidas en diferentes momentos y espacios, se reúnen tratando, no solo de mostrarse a sí mismas, sino de mostrarnos nuestro mundo. Un mundo en el cual, sin mucho esfuerzo, podemos imaginar nuestra propia mirada.

Para esta ocasión se edita, como complemento a la muestra, un catálogo bilingüe (español-inglés) con un texto del comisario, José Manuel Costa; de Mariano Navarro; de Milena Z. Fisher y unos textos breves de Isidro Blasco. Este catálogo recogerá las imágenes de la obra expuesta en la Sala Alcalá 31.

Fruto de la colaboración entre la Comunidad de Madrid y la Diputación Provincial de Huesca esta exposición viajará posteriormente a la ciudad de Huesca, donde se podrá visitar a partir de diciembre de 2010.

Datos de interés:
Dirección:
Sala Alcalá 31
C/ Alcalá, 31
28014 Madrid
Teléfono 91 720 82 51
Horario:
De martes a sábado: De 11:00 h. a  20:30 h.
Domingos: De 11:00 h. a 14:00 h.
Cerrado: Lunes,  2 de abril y 1 de mayo
Visitas guiadas gratuitas:
Miércoles: 12:00 h.
Sábados: 12:00 h. y 13:00 h. / 18:00 h. y 19:00 h.
Domingos: 12:00 h. y 13:00 h.
Entrada gratuita

Cientos de coleccionistas se pasean entre lujosas piezas de arte ofrecidas por los más influyentes anticuarios y galerístas del mundo. La vigesimotercera edición de la feria, que se celebra en el sur de los Países Bajos,  nos ha permitido observar como distintos agentes del mercado del arte, museos, coleccionistas privados e instituciones se  interesan por obras tan exclusivas  como una cama que en su día perteneció al gran diplomático francés Talleyrand, el cuadro más importante del expresionista italiano Marino Marini, una de las últimas grandes pinturas de Paul Gauguin o una obra temprana clave de Damien Hirst.

La feria de arte y antigüedades más influyente del mundo ofrece una extraordinaria variedad de importantes obras en el Palacio de Congresos y Exposiciones MECC (Maastricht Exhibition and Congress Centre) del 12 al 21 de marzo de 2010.  The European Fine Art Fair continúa reforazando su liderazgo en el mercado internacional del arte y las antigüedades. Este año participará una cifra récord de 263 expositores. El incremento se debe principalmente a la introducción de TEFAF on Paper, una nueva sección especializada en los Antiguos Maestros, así como en dibujos modernos, ediciones limitadas de grabados, obras fotográficas, manuscritos y libros antiguos, acuarelas y grabados japoneses. Salvo uno, los 19 expositores de esta sección participan por primera vez en la feria.

El arte moderno en TEFAF ha cobrado más fuerza y cuenta este año con una magnífica selección de obras modernas y contemporáneas. La galería Dickinson, establecida en Londres y Nueva York, exhibirá Deux Femmes, una importante obra tahitiana tardía de Paul Gauguin de1902, cuyo precio rondará los 18 millones de euros. Hammer Galleries de Nueva York inaugura su presencia en TEFAF Maastricht con una espléndida exposición que incluye Jeune fille assise, les cheveux dénoués (Jeune fille en bleu) de Amedeo Modigliani. El precio de esta obra maestra, pintada en 1919 en el Midi por Modigliani durante su estancia en esta región del sur de Francia por motivos de salud, supera los 12,75 millones de euros.

Entre otras obras maestras de arte en TEFAF se encuentra la mejor pintura del expresionista italiano Marino Marini. Il Teatro delle Maschere, pintada en 1956, ha permanecido durante 30 años en una colección privada y es ofrecida a la venta por 5,5 millones de euros por la galería Landau Fine Art de Montreal.  Galerie Thomas de Múnich presenta Joven sentada de Edvard Munch, un vigoroso retrato de Frødis Mjølstad, una amiga del artista noruego, pintado en 1916. Su precio es de 9,5 millones de euros.

La galería londinense Haunch of Venison se distinguió por una acción pionera en TEFAF Maastricht con la presentación en la feria hace dos años de un vídeo de Bill Viola. Esta vez exhibe una obra temprana clave de Damien Hirst. El protagonista de This Little Piggy Went to Market, This Little Piggy Went Home, cuyo título se basa en una canción infantil, es un cerdo preparado en una solución de formaldehido y se vende por 8,8 millones de euros. A la pregunta de por qué la galería ha elegido este clásico de Hirst para TEFAF, el director Adrian Sutton responde: “Se trata de una gran feria y simplemente debes ofrecer lo mejor.”

Entre las numerosas pinturas de Antiguos Maestros que se exhiben en la edición de 2010 de TEFAF Maastricht se encuentra un retablo doméstico de Giovanni di Paolo. Virgen con el Niño entronizada entre San Bartolomé, Santiago el Mayor y varias santas es un retablo doméstico en su marco original y constituye un hermoso ejemplo del estilo gótico tardío del siglo XV. El precio de esta singular pieza expuesta por Moretti de Florencia/Londres/Nueva York se sitúa alrededor de los 2 millones de euros.

TEFAF Maastricht ha sido conocida durante mucho tiempo por sus obras de arte históricas, y la cama que perteneció al influyente diplomático francés Charles-Maurice Talleyrand es un ejemplo de ello. Expuesta por la galería parisina Pelham, esta obra maestra de madera dorada del Imperio francés de alrededor de 1805 se encontraba en la finca de Talleyrand en el Loire, donde con regularidad recibía a compañeros y diplomáticos de paso para reuniones matutinas en su dormitorio. Se desconoce el fabricante de la cama, cuyo precio es de 380.000 euros.

Ursus Rare Books de Nueva York, uno de los nuevos expositores de la sección TEFAF on Paper, mostrará una singular edición de los trabajos de  Metastasio, poeta y libretista italiano del siglo XVIII, ilustrados por el veneciano Pietro Novelli y encuadernados especialmente para Catarina la Grande. Esta serie incluye siete volúmenes, una caja con 30 dibujos originales de Novelli y va acompañada de una carta de la propia Catarina dirigida al Príncipe Potemkin. El precio de esta pieza histórica es de 200.000 euros.

El año pasado se introdujo en la Feria TEFAF Design, una sección dedicada al diseño moderno, ubicada esta vez junto a la sección TEFAF Modern, pero independiente de ella. Una de las piezas destacadas de esta elegante sección será un excepcional conjunto de mobiliario de la ciudad india de Chandigarh en la galería parisina Galerie Downtown Francois Laffanour. Chandigarh fue levantada para sustituir a Lahora, capital del Punjab, que fue entregada a Paquistán con motivo de la separación de ambos países en 1947. El gran arquitecto y diseñador Le Corbusier supervisó la construcción de esta nueva ciudad en los años cincuenta del siglo pasado y contrató a su primo Pierre Jeanneret para diseñar el mobiliario de los edificios oficiales. Por primera vez se exhiben en Europa unas 20 piezas de mobiliario del Tribunal de Justicia de Chandigarh.

Elton John alcanzó fama mundial por su exuberante estilo, como se aprecia en el objeto expuesto por la influyente joyería londinense Hancocks. Se trata de un brazalete ancho de oro amarillo de 18 carates, decorado con espina de pescado y engastado con diamantes talla brillante, diseñado en 1979 por Alfred  Durante, el antiguo Director de Diseño de Cartier en Nueva York. Se dice que se produjeron tres de estos brazaletes, dos totalmente engastados con diamantes para la estrella de cine Elizabeth Taylor, y el tercero para Elton John. Su precio es de 52.500 euros.

TEFAF Maastricht 2010
TEFAF 2010 contará con una cifra récord de 263 expositores de 17 países. Éstos exhibirán alrededor de 30.000 obras de arte y antigüedades, incluidas pinturas, dibujos, grabados, esculturas, mobiliario, antigüedades clásicas, manuscritos ilustrados, joyas, textiles, porcelana, cristal, plata y diseño, sometidas todas ellas a una rigurosa investigación por parte de 26 equipos formados por 168 expertos internacionalmente reconocidos.

Art Market Report
El último de una serie de innovadores informes elaborados para TEFAF analiza cómo el mercado internacional del arte ha resistido la crisis económica. The International Art Market 2007-2009. Trends in the Art Trade during Global Recession (El mercado internacional de arte 2007-2009, tendencias en el comercio de arte durante la crisis global) ha sido elaborado por la Dra. Clare McAndrew, economista cultural especializada en el mercado de bellas artes y artes decorativas y fundadora de Arts Economics. El informe se puede pedir por 15€ en www.tefaf.com.

SELECTION OF HIGHLIGHTS TEFAF MAASTRICHT 2010

J. Kugel, Paris (200)
A unique set of five Limoges enamel pieces from the Chaspoux service made by Pierre Reymond Limoges and a parcel gilt Grisaille enamel oval dish depicting the
judgement of Moses, from the same service.
Due to the number of pieces and their quality, this is one of the most important Limoges enamel services of the Renaissance. The latter piece was in the collection of both Hubert de Givenchy and also in the Yves Saint Laurent Collection. Twenty pieces from the Chaspoux service are today identified, mostly housed in museums.

Ben Janssens Oriental Art Ltd, London (202)
Pair of white jade table screens, 1736 – 1795.
This pair of jade screens was produced during the Qianlong period under the instruction of the emperor who devised this idea of huayi jade meaning ‘jade like a picture’. Both screens depict idyllic landscape scenes, typical of the genre. Such screens were typically used on the desk of a scholar’s studio to fulfill a practical and aesthetic function.
Price: In the region of €400,000.

Kunstkammer Georg Laue, Munich (206)
A collection of previously unrecorded cutlery from renaissance and baroque
comprising 70 pieces of cutlery from 16th to 18th century made from precious material like amber, ivory, coral, silver, mother-of-pearl and rhinoceros horn. Only the Rothschild Collection and the Zschille Collection are comparable.
Prices between €3,000 and €300,000.

Antiquariat Bibermühle AG
Heribert Tenschert, Ramsen (216)
Anselmus de Boodt, Historia Naturalis, Prague, c. 1600.
An album of natural history in 12 volumes, containing more than 750 highly accomplished watercolours. The watercolours were largely executed by Anselmus de Boodt (1550-1630), the doctor and lapidary to Rudolf II. Further drawings were contributed by Elias Verhulst, Daniel Fröschl, Joris Hoefnagel and others. This superb collection of early 17th-century watercolours has remained largely intact and is almost certainly the only one remaining in private hands in this condition.
Price: €5 million.

Adrian Sassoon, London (264)
Bracelet from the Golden Fleece collection by Giovanni Corvaja
18 carat gold and 22 carat gold, 950 platinum, 9 cm x 5 cm, 2008
This bracelet is part of an incredible collection that steps far beyond one’s imagination, a technical tour de force, beautiful and precious. It consists of four unique pieces of jewellery that have taken almost ten years of obsessive research and two years in the making with each piece made entirely by the artist himself. The bracelet alone is made from over 1,200,000 single gold wires (28km of wire in total), which has taken 1,250 hours to make.

Littleton & Hennessy Asian Art Ltd, London (267)
Tianqi Lacquer Daoist Paradise Cabinet, 15th century.
This magnificent cabinet represents the Daoist paradise, with fantastical landscapes and palace buildings inhabited by auspicious animals and immortals. Tradition suggests that the recipient of this chest would see himself as the God residing in the palace as the immortals gathered to pay tribute to him.
Price: $4.2 million

Albert vander Velden, ‘La Mésangère’ (239)
Jacob Backer, Portrait of a Woman as the Muse Euterpe, ca. 1649/50
Oil on canvas, 169.5 x 133.5 cm. This is considered to be one of the finest female portraits of 17th century Holland and one of the greatest works by Jacob Backer, one of Rembrandt’s pupils. It was unknown until it was shown in a retrospective exhibition recently.

Haboldt & Co., Paris (341)
Cornelis Cornelisz van Haarlem (1562-1638), A Bust-Length Self-Portrait of the Artist
Oil on panel. 22,8 x 24,2 cm.
This recently rediscovered self-portrait is a major addition to the oeuvre of Cornelis van Haarlem, particularly as it is the only surviving self-portrait of the artist. Previously, the painting was known only from a drawing by Taco Hajo Jelgersma (1702-1795) signed and dated 1735, a so-called Self-portrait of Cornelis van Haarlem. The unusual lozenge format appears to have remained a distinctly Haarlem tradition

Dickinson, London/New York (402)
Germaine Richier (1902 – 1959), La Tauromachie, 1953
Signed, polished bronze, partially lacquered, 116 x 54 x 101cm
(45¾ x 21¼ x 39¾in.) Conceived in 1953, this cast is one of the first 3 cast before October 1955. The full edition was 13 of which only 5 were cast in the artist’s lifetime.
Provenance: Jean Richier, the artist’s brother, before 1958
Private Collection, France, by descent.
La Tauromachie is one of Germaine Richier’s most iconic sculptures and this roughly cast, hybrid figure stands at the intersection of tradition and modernity in 20th Century sculpture.

Hopkins-Custot Gallery, Paris (408)
Francis Picabia, Villica Caja, 1929. Oil on canvas. Signed center right: Francis Picabia
and titled upper left : Villica – Caja, 151 x 180 cm
This work is one of the best examples of his Transparency paintings.
Provenance:
Leonce Rosenberg, Paris
Paride Accetti Collection, Milan
Private collection, Switzerland

Sam Fogg, London (149)
Valentin Bousch (fl. 1514-1541) Creation of the World and Expulsion from Paradise
Church of Saint Firmin at Flavigny-sur-Moselle, Lorraine
1531-1533 289.56 x 76.2 cm; stained glass
A magnificent and intact stained glass window showing the Creation of the World and the Expulsion from Paradise by Valentin Bousch (fl. 1514-1541) one of the foremost glass painters of the age.  The window was made between 1531 and 1533 for the former Benedictine priory church of Saint Firmin at Flavigny-sur-Moselle, Lorraine, about three miles south of Nancy.
Price: €3 million.

Alessandro Cesati, Milan (186)
Antonio Rossellino, Madonna delle Candelabre, ca. 1480
Painted and gilded stucco, low relief, oil on panel, 102 x 68 cm, original hinges. This is a beautiful and very well preserved example of a triptych from this Emilian painter.

Gisèle Croës, Brussels (133)
Unusual large archaic bronze ritual vessel; ding.
Spring and Autumn period, height 86cm, diameter 102cm.
This bronze with green patina, malachite and cuprite crystallization was used during rituals for the preparation of food. It symbolised the connection between the living and the dead.
Circa $2 million.

Véronique Bamps, Brussels (138)
Lalique Bee handbag.
Evening handbag of silver chain mail lined with grey suede, the frame fastening with two silver bees buzzing over a fern design set with moonstones. Silver chain strap. This is one of only three that were signed by Lalique, circa 1901-03.

Daniel Katz Ltd, London (120)
Antonio d’Este Bust of Canova, Greek marble, signed and dated 1795.
D’Este was a lifelong friend of Canova and this bust serves as the first of a group of portraits of the artist that D’Este realized in the course of his career. In character with D’Este’s oeuvre, this work combines a remarkable surface finish with classical grandeur and compelling expression. It was recently discovered in a French private collection, having not been seen in almost 100 years.
Price: In the region of €1 million.

Galerie Daniel Blau, Munich (466)
16 photographs by Hippolyte Bayard.
His works are great rarities in the art market, as he left almost the entirety of his work to the Société Française de Photographie, which he co-founded in 1854. Bayard was the first on the European continent (excepting Talbot and some others in England) to produce successfully photographs on paper. Prices between 20.000 and 300.000 Euro.

Applicat-Prazan, Paris (522)
Jean-Paul Riopelle (1923-2002), Hommage à Robert le Diabolique,1953. Oil on canvas, 200 x 282 cm.
An impressive painting because of its format and the most important Riopelle on the art market today. Pierre Matisse considered it immediately after its creation as one of Riopelle’s masterpieces. Formerly in the Pierre Matisse and Acquavella collections, it was exhibited at the Riopelle Retrospective at Centre Pompidou in 1981 and more recently at Fondation Beyeler in 2002.

A partir del próximo 25 de mayo y hasta el 29 de agosto el Centro de Arte Dos de Mayo presentará una exposición  producida por el Museo de la Ciudad de México. Pretende mostrar la reacción ante la crisis del capitalismo.

Los artistas participantes son: Francis Alÿs, Karmelo Bermejo, Mariana Botey, Miguel Calderón, Fritzia Irizar Rojo, Mauricio Limón y Xavier Rodríguez, Magdalena Jitrik, Juan Pablo Macías, Teresa Margolles, Raqs Media Collective, Vicente Razo, BeaSchlingeloff, Guillermo Santamarina, Santiago Sierra, Federico Zukerfeld, Martí Anson, Duncan Campbell, Fran Ilich, Judy Werthein.

Las obras y debates que Fetiches críticos recopila tienen que ver con la puesta en cuestión del principio de equivalencia y la supuesta racionalidad utilitarista del sistema económico. El “mal funcionamiento del sistema” abre una fractura que se expresa, sin acuerdo previo, por medio de intervenciones artísticas ligadas a una transgresión de los principios de la “racionalidad”, restricción e inversión, que de una u otra manera se ligan a la intuición batailleana de la economía general tal como fue inaugurada por los textos “La noción del gasto” (1933) y posteriormente desarrollado en La Parte Maldita (1950).

Comisariada por el Espectro Rojo y

El Comité Técnico de ESTAMPA, la Feria Internacional de Arte Múltiple Contemporáneo, ha elegido a José Pedro Croft (Oporto, Portugal, 1957) como artista invitado de la Edición 2010, lo que conlleva la realización de su imagen oficial. Croft está considerado como uno de los más importantes representantes del arte portugués contemporáneo, con una obra centrada principalmente en el dibujo y la escultura.

A juicio de la crítica, Croft es uno de los renovadores de la escultura portuguesa y una de las figuras más representativas del panorama artístico internacional.

La obra de Croft ha sido mostrada en cientos de exposiciones colectivas e individuales a lo largo de los últimos veinte años, y su producción está presente en importantes colecciones portuguesas y españolas, entre las que se cuentan la Fundación Calouste Gulbenkian, la Fundación Serralves, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, la Pinacoteca del Estado de São Paulo, el Museo de Arte Moderno de Rio de Janeiro y el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo en Badajoz, entre otras. En España trabaja habitualmente con la galería Helga de Alvear, Galería La Caja Negra y el taller Tristán Barbará.

Su obra se caracteriza por un cuidadoso proceso constructivo en el que entran en contacto los universos formal y particular del autor. En palabras del propio Croft, “lo interesante de mi obra está en los matices y las pequeñas diferencias, no en tratar de encasillarla dentro de una línea determinada”. En definitiva, se trata de un proyecto y un trayecto individual al margen del itinerario fijado por las escuelas.
En relación con esta concepción de su obra, sus creaciones son siempre el fruto de una investigación sobre los procesos que se desencadenan en su interior, y en el que se entreveran las dimensiones visuales, plásticas y poéticas de los objetos creados, produciendo una sensación de precario equilibrio entre lo estable y lo inestable, que para Croft  “refleja lo transitorio del universo”.

Maupassant se descubre ante Monet

Andrés Merino Thomas

En 1886 Guy de Maupassant describía por carta, una vez más, su contacto con los impresionistas, tan inmersos en el paisajismo de los meandros del Sena o las costas del Canal de la Mancha. Uno de ellos era Claude Monet, al que seguía con curiosidad en su búsqueda de “impresiones” y a quien no dudaba en describir no tanto como pintor sino cazador. Contaba que caminaba seguido por niños, que le llevaban telas que reproducían el mismo tema a horas distintas, con efectos de luz diferentes. Al llegar, el maestro las colocaba e iba modificando a su gusto. Este delicioso texto ha sido escogido por Paloma Alarcó para formar parte del catálogo de “Monet y la abstracción”, la exposición que ofrecen conjuntamente el Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación Caja Madrid, con objeto de presentar una original visión sobre la influencia del pintor sobre los creadores abstractos de la segunda mitad del siglo XX. Y es precisamente un párrafo de esa epístola de Maupassant la que mejor describe el universo de “Puesta de sol en Etretat”, pintada en 1883.

“Tomó a manos llenas un aguacero descargado sobre el mar y lo lanzó sobre la tela. Y así fue como pintó la lluvia, sólo lluvia velando las olas, las rocas y el cielo, apenas perceptibles bajo el diluvio”. No era la primera vez que escribía sobre la costa de Normandía. Incluso había dado formas antropomórficas, quiebros literarios, a los acantilados de Porte d’Aval. En este caso, Monet había capturado con una pluma, que era pincel, más bien un castillo, que resiste firme a la violencia de una tormenta embravecida. Su impresionismo individualiza una torre del homenaje, apenas unida por una pasarela de roca que se desliza como cordón umbilical, en el centro de una composición llena de armonía, de notas-pincelada. Por momentos, el artista parece haber sucumbido a no distinguir entre cielo y mar, pero es precisamente en los reflejos que dibuja esa porción de roca, casi independiente, donde reside buena parte del magnífico estudio del color. Un color que reclama ser observado en cada trazo, en cada pincelada, propuesta desde la individualidad hacia el diálogo con las demás en un esquema de horizontalidad serena, aun reflejando –grandioso– las leyes de la física que viene guardando la lluvia desde que el mundo es mundo.

Maupassant se descubre ante Monet, ante su maestría al recoger el desafío del agua. Es sabido que el pintor sentía predilección por los amaneceres y las puestas de sol. Momentos generosos de luz, cuando el astro rey se alía con los pinceles y es posible lograr la esencia del destello mágico, de lo sublime que se escapa entre los dedos. Era artista de momentos, por eso se convirtió en precursor de la abstracción, porque recreó atmósferas donde el tiempo queda suspendido y la idea pasa a ser sentimiento, percepción, subjetividad.

“Puesta de sol en Etretat” (1883)

Claude Monet (1840-1926)

Óleo sobre lienzo (70 x 73 cm)

Museo de Bellas Artes de Nancy (Francia)

(Imagen de P. Philipphot)

Exposición “Monet y la abstracción”

Comisaria: Paloma Alarcó

Organiza: Fundación Museo Thyssen Bornemisza y Fundación Caja Madrid

Sedes: Museo Thyssen-Bornemisza (P. del Prado) y Casa de las Alhajas (Pza. San Martín)

Del 23 de febrero al 30 de mayo 2010

La publicación es una muestra de más de 200 obras de teatro grabadas íntegramente a lo largo de tres décadas, conservadas en más de 2.000 cintas que han sido restauradas y digitalizadas por la citada unidad del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música, en lo que supone el más completo archivo sonoro de acontecimientos escénicos en vivo de nuestro país.

Sobre cada intérprete, el dvd El eco de las voces ofrece una selección de fotografías, una nota biográfica y un fragmento de su voz, más una ficha del espectáculo al que pertenece ese extracto grabado y la trascripción de esas palabras.

Artistas presentes
Al acto de presentación han asistido el director general del INAEM, Félix Palomero; el director del Centro de Documentación Teatral, Julio Huélamo y el director del Centro Dramático Nacional, Gerardo Vera. Además, ha contado con la participación de un buen número de actores: Emilio Gutiérrez Cava, María Asquerino, Carlos Ballesteros, Mari Paz Ballesteros, Carmen Bernardos, Julia Martínez, Maite Cruz (viuda de Agustín González), Maria Fernanda D’Ocón, Manuel Gallardo, Ana Marzoa, Antonio Medina, Magüi Mira, Nati Mistral,  Encarna Paso, José Luis Pellicena, Ramón Pons, Emiliano Redondo, Victoria Rodríguez, Esperanza Roy, Raúl Sénder, Julia Trujillo, Ana María Ventura y Francisco Vidal, entre otros.

Revista Digital de la Escena
Durante el acto, se ha presentado el  último número de la Revista Digital de la Escena, que ofrece una síntesis de la realidad escénica de nuestro país. La revista, que publica el Centro de Documentación Teatral desde hace ocho años, contiene fichas fotográficas y documentos audiovisuales que plasman el amplio panorama teatral español.

Cuando se anunció TEFAF sobre Papel como una nueva iniciativa en julio de 2009, el Comité Ejecutivo de la feria acordó que solo se llevaría adelante si contaba con suficiente apoyo por parte de los galeristas. La respuesta fue rápida y positiva y la nueva sección ahora está completa con 19 expositores procedentes de ocho países. La mayoría de ellos participan por primera vez en TEFAF. Están instalados en el pabellón de la planta superior, donde TEFAF lanzó con éxito TEFAF Design en la edición de 2009. TEFAF Design, que ejerció una gran atracción sobre los visitantes de la feria, se traslada a la planta inferior, junto a la sección TEFAF Modern.

TEFAF se desarrolla continuamente para reforzar su posición preeminente en el mercado internacional de arte y antigüedades. TEFAF on Paper amplia la gama de obras que la feria ofrece en una gran variedad de disciplinas. Esta nueva sección es el principal motivo de la cifra récord de 260 expositores en la edición de 2010. No obstante, esta nueva sección supone la última expansión de la feria, dado que ahora se ha utilizado todo el espacio de exposición.

La variedad y calidad de las obras que los participantes de TEFAF on Paper traen a Maastricht son extraordinarias. Entre los especialistas más influyentes en fotografía de la sección destaca Galerie Johannes Faber de Viena, que expone la impresión vintage en gelatina de plata de 1925 Movement Study del austriaco Rudolf Koppitz, caracterizada por una extraordinaria sensualidad. La fotografía de tres bailarinas rusas vestidas y una desnuda muestra el enlace entre el modernismo, el simbolismo y el Jugendstil vienés en la obra de Koppitz. Se pone a la venta por 160.000 €. La galería también exhibe una importante fotografía no publicada anteriormente, realizada con pigmento de resina, del compositor alemán Richard Strauss, tomada por Edward Steichen en 1904, que se pone a la venta por 420.000 €.  Michael Hoppen Gallery de Londres presenta Men Wrestling, New York, que forma parte de una serie de fotografías encargadas alrededor de 1975 por Francis Bacon y utilizadas por este artista británico nacido en Dublín como documentos de trabajo. Se desconoce el autor de estas fotografías únicas procedentes del estudio de Bacon.

Los dibujos de maestros antiguos constituyen una parte importante de TEFAF on Paper. Artur Ramon Antiquari de Barcelona exhibe The head of Giulio Contarini after Alessandro Vittoria, del gran artista veneciano del siglo XVIII Giovanni Battista Tiépolo (200.000 €). Este dibujo a tiza roja y blanca sobre papel azul forma parte de una serie de 15 dibujos realizados por Tiépolo y se cree que datan de 1742-3. Day & Faber de Londres muestra un magnífico dibujo a tiza de François Boucher (1703-1770). Charlotte Sparre, holding a cup of coffee fue adquirido del propio artista por el conde Carl Gustaf Tessin, tío de su niñera, y posteriormente por su hermano el conde Fredrik Sparre, y permaneció en la familia hasta hace poco. Se pone en venta por un precio en torno a los 400.000 €.

E.H. Ariëns Kappers de Ámsterdam exhibe una serie de 22 litografías de Henry de Toulouse-Lautrec y Henri-Gabriel Ibels titulada Le Café Concert. Esta serie, de 1893, refleja la vida en los salones de baile parisinos y retrata, entre otros, a Jane Avril, Yvette Guilbert, Mary Hamilton y Aristide Bruant.

Una de las obras modernas más fascinantes que se exhiben en TEFAF on Paper es un cuaderno de 16 hojas elaborado por Pablo Picasso. Emanuel von Baeyer de Londres exhibe este importantísimo documento escrito por Picasso en 1904-1905 y utilizado fundamentalmente para la ejecución de la pintura Famille de Saltimbanques, que actualmente se puede admirar en la Galería Nacional de Arte de Washington. Picasso hizo una lista de los pigmentos de color que compró y utilizó para pintar esta obra. El cuaderno formó parte del patrimonio del artista y de la Colección Marina Picasso (precio: 72.000 €).

Un libro magníficamente ilustrado que contiene 10 litografías originales del pintor Oscar Kokoschka llega a TEFAF sobre Papel de la mano de Ursus Books de Nueva York. Die Träumenden Knaben fue publicado en Viena en 1908. Se trata del ejemplar más temprano de este extraordinario libro en su encuadernado vienés original Wiener Werkstätte, así como de la primera obra gráfica de Kokoschka. El precio ronda los 34.000 €.

Galerie Antoine Laurentin de París organiza una exhibición especial de más de 80 importantes obras sobre papel nunca antes vistas de Aurélie Nemours,  influyente exponente de la abstracción geométrica de la posguerra. Están representados todos los periodos de su trayectoria profesional, principalmente a través de trabajos preparatorios para pinturas que fueron decisivas en su evolución artística. Una muestra como esta de sus pinturas ‘de investigación’ normalmente solo se encontraría en un museo.

Una de las piezas de arte japoné más destacadas que se muestran en TEFAF on Paper es un grabado original extremadamente excepcional de 1920 de Hashiguchi Goyō que trae Galerie Tanakaya de París. Los bloques que produjo para los grabados fueron destruidos en el fuerte terremoto que sacudió Japón en 1923, al igual que muchos de los grabados mismos. Goyō falleció en 1921 y actualmente sus obras originales son de los grabados shin hanga más costosos. Este ejemplar se encuentra en muy buen estado.