Pierre Huyghe es uno de los artistas franceses más reputados de su generación y con mayor proyección internacional. Sus trabajos rompen las barreras de las disciplinas tradicionales utilizando un amplio abanico de técnicas y formatos, como instalaciones, películas y esculturas, en unas obras en las que juega con la percepción del tiempo y de la realidad generando así nuevos modos de producción y exhibición del arte contemporáneo, como de hecho demuestra con esta nueva obra.

“La estación de las fiestas” es un proyecto realizado específicamente para el Palacio de Cristal e intrínsicamente conectado con la propia historia del edificio ya que el Palacio de Cristal fue inaugurado en 1887 precisamente con una exposición sobre la flora de Filipinas.

Ahora, más de siglo y medio después, vuelve a albergar plantas en su interior, recuperando así su función inicial para la que fue diseñado como un gran invernadero, ya que los protagonistas de la instalación ideada por Huyghe  son precisamente flores, plantas y árboles colocados ordenadamente un parterre circular, lo que permite al visitante realizar una lectura en la dirección de las agujas del reloj en la que  cada especie vegetal simboliza una época del año, una celebración tradicional o una festividad.

Por ello el “círculo vegetal” que presenta Huyghe se divide en doce espacios evocando los doce meses del año y estableciendo una relación directa entre el ciclo natural y el ciclo social, marcado por las tradiciones y festividades, dos ciclos que ya desde los ritos paganos de la antigüedad han estado estrechamente relacionados.

Como ha señalado el propio Huyghe “La instalación es un ramillete de efemérides” en el que están representadas las fiestas más universales de cada año, la navidad con un abeto, Halloween con las calabazas, San Valentín con las rosas y así hasta completar los doce meses del año con sus correspondientes plantas características.

De este modo la obra plantea al visitante una reflexión sobre el constante bucle de celebraciones que año tras año volvemos a repetir y que remarca la estricta distribución del tiempo a la que la sociedad se ve sometida.

Ramas de cerezo, abetos, hortensias y calabazas se unen por primera vez en un mismo tiempo y en un mismo lugar donde crecerán, florecerán , marchitaran y morirán juntas permitiendo apreciarlas en un estado diferente al que suelen tener en su mes de floración.

El resultado de la instalación, más allá de su contenido conceptual, es tremendamente armonioso y dialoga a la perfección con el edificio que la contiene llenándolo de color, formas y aromas.

Marta de Orbe

“La estación de las fiestas” de Pierre Huyghe
Palacio del Cristal del Parque del Retiro
Del 17 de Marzo al 31 de Mayo

Entrada gratuita

Abierto el plazo de  inscripción en el 914481045 (de lunes a viernes, de 9 a 15 horas)

27 de Marzo, 19.00 horas

El Grupo Fígaro presenta “Fuego en las arenas”
Recital dramatizado con los versos de poetas del Romanticismo, especialmente Gustavo Adolfo Bécquer, José de Espronceda, Rosalía de Castro, Carolina Coronado, Augusto Ferrán… y los textos de Mariano José de Larra
Con Guillermo Barrientos, María Cotiello, Darío Manzano, Inés Portillo
Piano: Susana Sánchez Maceda

Datos de interés:
Entrada gratuita previa inscripción en el 914481045 (de lunes a viernes, de 9 a 15 horas)

Museo del Romanticismo: Auditorio del Museo del Romanticismo
(C/ San Mateo, 13, MADRID)

Medios de transporte

Metro Alonso Martínez, líneas 4, 5 y 10. – Tribunal, líneas 1 y 10.

Autobús Líneas 3, 37, 40 y 149.

Cercanías RENFE Recoletos, líneas C2, C7, C8 y C10.

Parking público Calle Barceló, número 2.

TÍTULO: “Punta seca sobre acetato y metacrilato”.
LUGAR: Fundación Museo del Grabado Español Contemporáneo. C/Hospital Bazán s/n. 29601. Marbella.
FECHA: sábado 20 de marzo.
HORARIO: de 10,30 a 13,30 horas.
PLAZO DE INSCRIPCIÓN: Hasta el 19 de marzo a las 14 horas.
COSTE DE LA ACTIVIDAD: 8 €  por persona y sesión.

IMPARTIDO: Ana Ortíz Alonso. 1977. Licenciada en Bellas Artes en la especialidad de escultura por la Universidad de Granada en el 2002. Al terminar la carrera se interesa por el mundo de la cerámica, creando su propio taller. Hoy en día su trabajo abarca diversas ramas del arte. Anda sumergida en la pintura, el dibujo, la cerámica, la escenografía y el grabado, impartiendo actualmente un curso de Técnicas Calcográficas en el MGEC. Sus primeras nociones de grabado las aprendió en la Facultad de Bellas Artes de Granada, pero fue en el MGEC donde asistiendo a diversos cursos profundizó en esta técnica artística.

CONTENIDOS: Realización de grabados utilizando como soporte acetato y metacrilato a través de la técnica de la punta seca. Todos los asistentes realizarán sus propias obras y podrán llevárselas a casa.

Para más información: Tel. 952 76 57 41. mjmontanes@mgec.es.

Para celebrar su nacimiento, Paradores presentará ‘El Arte Breve de Cocina’ el 23 de marzo en cada uno de los 93 paradores españoles. Y lo hará ofreciendo una degustación gratuita de los distintos menús a todas las personas que acudan ese día a un parador entre las 12:30 y las 14:00 horas.

La presentación irá acompañada de un breve espectáculo que recordará a los asistentes la tradición histórica de cada menú. De esta manera, el gratinado de quesos, la fabada y la merluza de la costa asturiana se amenizarán en el Parador de Cangas de Onís con la actuación de la Banda de Gaiteros de la localidad. En algunos paradores andaluces se podrá ver a moriscos y cristianos recibiendo a los invitados. En Castilla volverán a cabalgar los caballeros, mientras  los juglares se dedican a amenizar la degustación.

Una gran presentación para una gran propuesta culinaria

El Arte Breve de Cocina estará disponible en los restaurantes de los 93 Paradores  hasta finales de 2010. Esta fusión de historia y gastronomía se pondrá sobre la mesa a un precio muy asequible: todos los menús tienen un precio que oscila entre los 27 y los 29,50 euros (Impuestos incluídos).

Para la composición de cada menú se ha tenido en cuenta la historia de los edificios en que se ubican los paradores (castillos, pazos, monasterios, etc.), los platos más emblemáticos de cada zona (la huerta, la caza, la pesca, etc.), los hechos o personajes históricos cuya influencia se ha dejado sentir en la cocina, así como la investigación y la autenticidad de los productos autóctonos de cada lugar.

De esta manera se han elaborado menús con un sentido histórico como ‘La Mesa Señorial de los Pimentel’ del Parador de Benavente: Un recorrido por La Historia de la Cocina de Benavente expresada en breves bocados para saborear la Cultura y Tradición de sus productos. O como el menú del Parador de Santillana: ‘La Mesa Pasiega’ o ‘El reino gastronómico de León’, ‘La Mesa en el Siglo de Oro’ de la Hostería del Estudiante de Alcalá de Henares, ‘El Legado Gastronómico de Ziryab’ del parador de Córdoba o ‘El Reino Nazarí Culinario’ de Granada.

Paradores pretende de esta manera guiar a sus clientes por la historia de su región y hacerles partícipes a golpe de exquisitos bocados. Otros ejemplos significativos son ‘La gastronomía del siglo II a.C’. en Zamora, ‘A táboa do Xubileo’ en Santiago de Compostela, ‘La Gastronomía del Torcal’ en Antequera, la ‘Cuina de la Sal’ del parador de Cardona en Barcelona o la rica ‘Despensa de las Indias’ en el Parador de Cruz de Tejeda en Gran Canaria.

Riqueza culinaria por menos de 30 euros

Cada una de las 93 propuestas se compone de tres bocados que combinan tanto los productos locales que confieren la identidad culinaria de cada zona como la ‘ecococina’, arraigada en Paradores desde sus orígenes y entendida como el equilibrio entre la cocina y la conservación del entorno.

La degustación comienza con un entremés tradicional a base de verduras, conservas, quesos o embutidos como protagonistas. Los comensales podrán comer en Ferrol chicharrón y chipirones; en Mérida criadillas de tierra y queso cremoso; en el Parador de la Gomera las papas arrugás y el mojo rojo; o en el de Mojácar el tomate y la mojama.

A continuación toca el turno para la segunda parte de la degustación que se ha denominado ‘Plato con historia’. Como su nombre indica, es un plato realizado en base a la investigación de una receta de antaño y que se identifica con la cocina que da nombre al menú. Así, encontramos ‘El guiso de los leñadores’ en Soria (Ajo carretero de cordero con piñones y hongos); la propuesta ‘Dels pescadors en mar i en terra’ de Aiguablava con suquet de pescado de la Costa Brava; la comida ‘De los pastos tradicionales de los Larrea’ en Argómaniz  con rabo de toro con patatas y gratinado de queso Idiazábal, etc.

El postre dulce cierra la degustación con platos como las polkas de torrelavega en Santillana de Mar, el requesón con miel de Cardona o los dulces de leche de Olite.

El fotógrafo Javier Abella expone 14 obras en el  Centro Cultural Pérez de la Riva Sala Maruja Mallo de la localidad madrileña de las Rozas. La sala se ha llenado del color de las flores que el fotógrafo compone y descompone en un análisis sintético. Como el propio Javier Abella explica la exposición  se puede sintetizar en la imagen de una cala donde se muestran dos  imágenes comtrapuestas el negativo y el positivo. Catorce obras de formato de 100×100 cm a 100 x 200 cm que corresponde a la imagen de la cala. Son pequeñas instalaciones planas en el espacio, composiciones fotográficas donde descontextualiza las flores para alojarlas en estructuras simbólicas.

“El fotógrafo compone y crea fondos a partir de los tonos de la propia flor. Reduplica las formas en variaciones cromáticas, con ajustes puntuales, con tensiones imposibles. Crea dípticos que traen a la memoria el discurso del arte y su doble, del positivo y el negativo, donde las heridas de lo real se hacen luces al invertirlas. Son valores antagónicos en apariencia dentro del trampantojo de las texturas”.
Julia Sáez-Angulo

Datos de Interés:

Javier Abella
Centro Cultural Pérez de la Riva Sala Maruja Mallo
C/ Principado de Asturias 28.  Las Rozas, Madrid
Concejalía de Cultura
Del 3 de Marzo al 6 de Abril de 2010
Horarios: De 10:00 h. a 14:00 h. y de 17:00 h. a 21:00 h.
Tel.: 91 637 64 96
METALLIC FLOWERS

Por medio de este programa, que se dirige a estudiantes de grado y postgrado, 300 universitarios de España, Reino Unido y Brasil podrán disfrutar de una beca de movilidad internacional. Cada beca Fórmula Santander estará dotada con 5.000 euros para sufragar costes de matrícula, desplazamientos, manutención y alojamiento. Para Emilio Botín, “estas becas tienen como objetivo apoyar a las universidades en la movilidad internacional de sus universitarios, una característica muy demandada en la sociedad actual y clave para el futuro desarrollo profesional de los jóvenes”. Participarán en el programa 150 universidades, que convocarán las becas y seleccionarán a sus beneficiarios atendiendo, en especial, a su destacable expediente académico, sus recursos económicos, y su conocimiento de otras lenguas. Se concederán 100 becas para estudiantes de universidades españolas, 100 para alumnos de instituciones académicas británicas, y 100 para estudiantes de casas de estudios brasileñas.

Durante el acto de presentación, el bicampeón del mundo Fernando Alonso declaró: “Banco Santander se ha superado añadiendo movilidad internacional. Ahora ofrece a los estudiantes la oportunidad de conocer otras culturas, países y experiencias de trabajo. Esta oportunidad no se puede rechazar”. Su compañero de equipo, Felipe Massa, dijo: “Es un placer participar en este programa para ayudar a que las personas consigan su meta. Santander da buenos ejemplos dentro y fuera de la pista”. Jenson Button, actual campeón del mundo de F1, afirmó: “Este programa es estupendo, ya que los jóvenes tendrán una oportunidad increíble”. Lewis Hamilton, una vez campeón del mundo, indicó: “Estoy muy orgulloso de estar asociado a Santander. Creo que es maravilloso dar a los estudiantes en estos países la oportunidad de tener estas becas”.

Los estudiantes podrán realizar una estancia de un semestre, a partir del curso académico 2010/2011, en una universidad extranjera, a elegir entre las 833 instituciones académicas con las que Banco Santander, a través de su División Global Santander Universidades, mantiene relación en América Latina, China, Estados Unidos, España, Marruecos, Portugal, Reino Unido y Rusia.

José Antonio Villasante, director general de la División Global Santander Universidades, aseguró: “Este programa refuerza nuestro compromiso con la Universidad, apoyando también a la internacionalización de las propias universidades, ya que, impulsando la movilidad de los estudiantes, también ayudamos a que la Universidad se haga más internacional”. Banco Santander promueve esta iniciativa de la mano de Santander Universidades, cuyas actividades vertebran la acción social de la entidad bancaria y le permiten mantener una alianza estable con 833 universidades y centros de investigación de cuatro continentes.

El fundamento teórico de la muestra es visibilizar el papel activo de las mujeres como musas. “Cuando pienso en mujer e historia del arte, me vienen a la cabeza sensuales imágenes de Venus, Danaes, Evas y otras ‘majas desnudas’ que forman parte del imaginario cultural. Conocemos a los autores de los cuadros, pero en muy pocos casos, quién fue la modelo que nos ha seducido a través de los años”, explican en la presentación del catálogo.

Los nombres de las artistas participantes son María Griñó, Tere Colomé, Agustina Ortega, Sara Lloret, Mari Carmen López Olivares, María Olmeda, Mari Carmen Aldás, Rosana Asensio, Pilar Edo, Eloísa Aldás, María Loredana Florea, Ana Nisipeanu y Doralba Ruiz. Todas ellas han rebuscado en su imaginario para rendir un homenaje a las musas que inspiraron las grandes obras de arte.

María Griñó trabaja la pintura y el humor gráfico. Tere Colomé fusiona la figuración y la abstracción en una obra muy matérica. Agustina Ortega prefiere inspirarse en el surrealismo. Formada en la Facultad de Bellas Artes, Sara Lloret compagina los pinceles con el mundo del teatro. López Olivares se atreve con un retrato donde elogia el arte, la vida y el amor. La polifacética María Olmeda demostrará su bagaje artístico y humano.

Mari Carmen Aldás pondrá ternura y candidez. Rosana Asensio, creadora incansable, es una artista incombustible en el panorama local. Pilar Edo, una de las más reivindicativas del grupo, utilizará sus monotipo. Eloísa Aldás, otra activista, expresa a través de sus imágenes fotográficas los sentimientos. A María Loredana le gusta investigar las posibilidades que le da la informática aplicadas a la creación artística. La obra de Ana Nisipeanu inspira ternura, amor y paz. Y finalmente, Doralba Ruiz, escultora y pintora especializada en cerámica.

La exposición puede visitarse hasta el próximo sábado 20 de marzo en horario de lunes a viernes de 10.00 a 14.00 y de 17.00 a 21.00 horas; los sábados tarde y festivos permanece cerrado al público.

El “Retrato de Ángel Fernández de Soto”, 1903,  del período azul, pintado por el artista más influyente del siglo XX se pondrá a la venta  en la noche del próximo miércoles 23 de junio en la subasta de arte impresionista y moderno que se celebrará en la sala Christie´s de Londres. La pintura según han estimado los especialistas podría alcanzar los 40 millones de libras y los beneficios se destinarán a La Fundación Andrew Lloyd Webber, una organización fundada por el célebre compositor en 1992, cuya función está centrada en la promoción de las artes, la cultura y el patrimonio en Gran Bretaña.

La pintura había sido retirada de la venta en la sala Christie’s de Nueva York en noviembre de 2006,  a petición del vendedor tras 11 horas de intercambios de opiniones sobre la propiedad de la obra basada en la discutible venta de la pintura en la década de los años 30. Este conflicto ha sido resuelto por un acuerdo y los demandantes han retirado todas las demandas interpuestas sobre la propiedad de la pintura, dejando a la Fundación la libertad de vender la obra. La pintura sale nuevamente a subasta con una estimación de 30/40 millones de libras.

El cuadro fue adquirido por La Fundación Andrew Lloyd Webber en una subasta en Nueva York en mayo de 1995 por 29,2 millones dólares a la Colección Stralem . Desde entonces, el mercado de obras de Picasso ha crecido considerablemente y más de 10 obras se han vendido superando ampliamente esta cifra, tres de ellas por más de 50 millones de dólares como. En 2004, la época rosa Garçon à la pipe  que superó los 100 millones de dólares, obra que fue pintada dos años después de Retrato de Ángel Fernández de Soto.

Picasso dijo que sus pinturas eran su autobiografía, y nada expresa que más de Retrato de Ángel Fernández de Soto: Esta imagen demuestra perfectamente las habilidades del artista en la cima de su período azul. La pintura proporciona una visión íntima de su vida y su círculo de amigos. Jussi Pylkkanen, presidente de Christie’s en Europa, Rusia y Oriente Medio ha asegurado que  esta pintura de Picasso es una obra maestra del siglo XX y una ocasión para los coleccionistas de poder adquirir una de las piezas más improtantes que se ofrecerán en subasta de la obra de Picasso.

Picasso se había reunido con Ángel Fernández de Soto en 1899 en el famoso café Els 4 Gats, el lugar de artistas célebres ‘reunión frecuente entre ambos. Ángel y su hermano eran dos artistas. Mientras que Mateu fue un escultor de talento, Picasso se refiere a Ángel, un pintor, como una “bala perdida divertido.” Estaba más dedicado a la bebida y las fiestas que al arte. Ángel fue inmortalizado en varias por fotos de Picasso que registrar sus payasadas en los bares y burdeles de Barcelona y ahora están en el Museu Picasso, Barcelona.

Picasso traslada la forma de ser de  Ángel al lienzo donde le muestra con un vaso de absenta. Esta polémica bebida, célebre por sus efectos casi alucinógenos y temido por sus propiedades adictivas, fue el tema de Edgar Degas L’absinthe, y de muchos otros artistas de la época. La bebida estaba considerada como una fuente de creatividad, y aparece una y otra vez en la propia obra de Picasso, de su Bebedor Absinthe de 1901 en el Museo del Hermitage, San Petersburgo, su escultura de 1914, Le verre d’absinthe, ahora en el Centro Georges Pompidou, París.

Ángel y Picasso compartieron en dos ocasiones estudios en Barcelona; la segunda vez  y durante el viaje del 1903, Picasso pintó el Retrato de Angel Fernández de Soto. Esté fue el mismo estudio en la Riera de Sant Joan que Picasso antes compartiría con su amigo, el también pintor Carles Casagemas.

Muchos de los retratos al óleo que Picasso pintó de sus amigos durante esta estancia en Barcelona se encuentran ahora en colecciones de los museos: su Retrato de Sebastià Junyent se encuentra en el Museu Picasso, Barcelona; Sebastià Junyer Vidal y una mujer en un café está ahora en el Los Angeles County Museum of Art; Retrato de la señora Soler está en el Staatsgemäldesammlungen Bayerische, Munich; Retrato de Benet Soler está en el Museo del Hermitage, San Petersburgo, y La familia Soler se encuentra en el Musée des Beaux Arts de Liège.

Imagen: © Christie’s Images – Pablo Picasso (1881-1973) Retrato de Angel Fernández de Soto (El bebedor de absenta), 1903. Producto a beneficio de la Fundación Andrew Lloyd Webber Arte. Estimación previa a la subasta: 30 millones a 40 millones de libras

zZARÁ desentierra y revela, como el arqueólogo, la memoria y los distintos planos de sedimentación del signo y nos sitúa frente al problema del significado. Su obra surge dentro de un marco teórico que valora la pluralidad del lenguaje del pasado como metáfora de la diversidad contemporánea, pues la heterogeneidad de entonces se revela como el origen de un ahora donde palabras y sonidos distintos conviven en un mismo espacio globalizado. Estos conceptos son generados plásticamente a partir del ensamblaje de materiales diversos y de la búsqueda una plasticidad vibrante: juegos de luces, sugerentes ritmos visuales, empastes matéricos y soportes inesperados.

Si bien la exploración sobre el signo ha estado  presente a lo largo de toda la trayectoria de zZARÁ, será a partir del año 2007 cuando el artista otorgue protagonismo a la idea de la otredad arcaica; pero si los artistas de principios de siglo bucearon en los cauces de la estética llamada “primitiva”, no occidental, la de los rasgos expresivos y antinaturales del la estatuaria africana y oceánica, zZARÁ orienta hoy su investigación hacia la materialidad del signo gráfico de las culturas ancestrales (minoica, fenicia, hebrea…); a través de esta opción el artista nos invita a repensar los diversos estratos semánticos que el signo puede llegar a generar en la obra plástica y a reflexionar sobre el fracaso del lenguaje como metáfora totalizante.

En sus trabajos más recientes, realizados a partir de 2009, zZARÁ continúa su investigación sobre los modos de comunicación. Sin embargo, frente a la presencia recurrente de los signos arcaicos, el artista centra ahora su atención en los SMS y en el nuevo tipo de lenguaje (críptico, con errores ortográficos, ausencia de puntuación, vocabulario simple, etc.) que caracteriza la comunicación actual entre jóvenes. De este modo, el artista plantea un inesperado juego de paralelismos entre dos tiempos históricos y los asume como herramienta plástica para su proyecto artístico y sociológico.

Carlos Delgado

Fundación FIArt

FUNDACIÓN FONDO INTERNACIONAL DE LAS ARTES

FIArt. C/ Almirante, 1. 28004 Madrid.

Tacita Dean, considerada como una de las jóvenes promesas del arte británico, englobadas bajo la denominación de los “Young British Artists”, ha ideado una obra específicamente para esta ocasión. Se trata de la proyección continua de una película, en la que las imágenes aparecen animadas, en contraste con el estatismo que caracteriza su obra. Acompañan a esta instalación audiovisual, las fotografías de garabatos y graffiti de orígenes diversos, realizados a lo largo de la historia sobre la piedra de los capiteles del claustro de la Abadía y que inspiraron a Dean para la realización de su película.

El Monasterio de Santo Domingo de Silos acoge esta segunda muestra individual organizada en España de la artista británica Tacita Dean (Canterbury, 1965), cuyas últimas obras audiovisuales han estado relacionadas con los monasterios. Tras esta exposición el Museo Reina Sofía tiene previsto para el verano de 2010 la muestra de Ibon Aranberri (Itziar-Deba, Guipúzcoa, 1969) quién ha visitado ya el Monasterio de Santo Domingo de Silos y en la actualidad prepara un proyecto específico para el singular espacio, cuyo resultado final será la producción de una instalación imbricada en la Abadía.

La serie monumental de capiteles románicos del claustro de Santo Domingo de Silos ha atraído siempre múltiples visitantes, incluyendo distintas generaciones de artistas. Cuando Tacita Dean lo visitó por primera vez, muchos aspectos de este complejo histórico atrajeron su atención, como el canto gregoriano de las vísperas con el que los monjes acaban el día. Unos meses después, la artista regresó para estudiar con mayor atención los garabatos y graffiti que rodean la columnata del claustro, imaginando que los habitantes de la abadía habrían trazado esas marcas a lo largo de los siglos, mientras dejaban pasar las horas en su reclusión solitaria.

En The Friar’s Doodle (El garabato del fraile), 2010, Dean ha utilizado por primera vez una cámara de animación rostrum, y por esa razón, la película está compuesta de imágenes animadas, en oposición a las imágenes estáticas que caracterizaban su obra. Cortado en movimiento, el material se ha editado siguiendo muy de cerca los perfiles serpenteantes de los dibujos. La cámara nunca retrocede ni se aleja para revelar la elaborada composición en su totalidad. Visto acumulativamente, por decirlo así –en fragmentos, a lo largo del tiempo—, la surrealista composición sólo puede comprenderse con los ojos de la mente. El modo obstinado en que Dean revela la imagen original sirve metafóricamente para subrayar los dilatados procesos de descubrimiento necesarios para descifrar la escena de conjunto inscrita en el tejido de Silos. Porque los motivos tallados y grabados del inventario fotográfico que Dean realizó durante su segunda visita a Silos ofrecen un registro a veces indescifrable, a menudo fragmentado, que anula toda premisa de que la historia pueda ser singular, sólida y sellada. Este archivo constituye una analogía visual de ensoñaciones, cavilaciones y vuelos de la imaginación que, aun fijado en el pasado, resulta familiar y accesible: cercano a nuestra vida cotidiana, a las incursiones especulativas que vagan más allá del tiempo, sin fines discernibles. El garabato del monje parece avalar la persistencia de esos impulsos intuitivos que nos lleva a posicionarnos en los discursos léxicos de la historia, además de invitarnos a reflexionar sobre los mecanismos interpretativos que se despliegan para descodificar sus residuos gráficos.

Como es habitual en la obra de Dean, una imagen o un encuentro al azar se convierten en un palimpsesto mnemónico. Al resonar como un eco en su imaginación, pone en marcha un tren de alusiones que suscitan recuerdos recientes y lejanos. Tal vez la referencia de mayor alcance generada por el claustro de Silos haya sido el recuerdo de un elaborado garabato en blanco y negro, dibujado décadas atrás, cuando Dean, colegiala, asistía a la misa semanal con quien lo hizo: un joven fraile estudiante de teología en una universidad cercana. De forma reveladora, aunque tal vez inexplicable, Dean había guardado aquel dibujo, protegiéndolo entre las páginas de un libro: quería hacer algo con él, algún día… Entre los recuerdos más recientes, estaba esa hoja de papel recorrida con trazos de lápices entrelazados. Igual que Giorgio Morandi ordenaba obsesivamente botellas y jarros sobre la mesa de trabajo de su estudio, para componer sus naturalezas muertas, y registraba sus cambios de posiciones con el simple recurso de reseguir sus huellas. Con ese trazado misterioso de líneas entrecruzadas, ni al azar, ni siguiendo un orden estricto, aquella gastada plataforma se convirtió en objeto de una película de Dean titulada Still Life (Naturaleza muerta), 2009.

Otra de sus obras, Lord Byron Died (Lord Byron ha muerto), 2003, le vino también a la mente en Silos durante aquella segunda visita de investigación. Comprendía una serie de seis fotografías en blanco y negro, fotografías que hizo Dean de antiguas firmas que descubrió por azar, en 1989, cuando buscaba un autógrafo de Byron en las ruinas del Templo de Poseidón, en Sunion. Aunque dejó de lado aquel material durante casi quince años, las semillas de aquello que se había revelado como un interés pertinaz en las huellas gráficas –garabatos, graffiti y similares— arraigaron aquel año durante su estancia en Grecia, gracias a una beca de intercambio internacional. Antes de graduarse en la Falmouth School of Art en 1988 había escrito su tesis sobre la obra de Cy Twombly: ¿premonición, antecedente o condición previa para aquel incipiente interés?

Miguel Sobrino, un historiador que lleva años estudiando la arquitectura medieval española, sostiene que los heterogéneos grabados que Dean fotografió en Silos tienen orígenes diversos. Algunos son marcas de trabajo hechas por artesanos individuales que servían para calcular el precio de sus servicios. Otros, que parecen rudimentarios tableros de juego, fueron probablemente obra de picapedreros que se distraían esperando el momento en que las nuevas columnas recién talladas, que aún yacían en el suelo, se insertaran en el tejido del edificio. Pero otros, que podrían ser esbozos rudimentarios de esquemas ornamentales para el claustro, dan fe de la accesibilidad de la piedra como superficie expresiva en un tiempo en que el suministro de papel era escaso y costoso. Mientras que otros, que incorporan texto e incluso firmas, parecen haberse trazado siglos después, posiblemente en un periodo en que las dependencias del monasterio, ya no habitadas por los monjes, ofrecían refugio invernal a los animales de granjeros locales, o servían de graneros para sus cosechas.

Tacita Dean (Canterbury, 1965), estudió en la Falmouth School of Art en 1985-1988, y en la Slade School of Art de Londres en 1990-1992. Obtuvo una beca del gobierno griego y asistió durante 1989-1990 a la Escuela Suprema de Bellas Artes de Atenas. Obtuvo la beca de la DAAD en Berlín para el año 2000, y desde entonces vive y trabaja en esa ciudad. Ha recibido numerosos premios, incluyendo el Kurt Schwitters Price en 2009, y ha expuesto en diversas instituciones internacionales desde 1989. Entre sus principales exposiciones individuales se incluyen: Tate Britain, 2001; MACBA, Barcelona, 2001; ARC, París, 2003; Schaulager, Basilea, 2006 y Dia: Beacon, Nueva York, 2008.