“En un bonito claro entre bosques y montañas vivía Trébol”.

Trébol es una niña que vive junto a sus hermanas y hermanos en medio del bosque. Todos son idénticos a ella, todos visten igual: peto vaquero, camisa morada, zapatos rojos y un curioso gorrito marrón. ¿Serán duendecillos?, me pregunto.

Junto a su casa está el establo donde las cabras los esperan, pacientes. Cabras como Iris o Peonía. ¡No se pueden tener nombres más bonitos!

Recoger arándanos y setas o pescar mejillones en el río son algunas de las actividades de Trébol y sus hermanos.

“Me gusta mucho buscar setas… pero también me gusta ir a buscar mejillones al río y ver las ranas”.

Es complicado elegir cuando todo te gusta, ¿verdad? Trébol está indecisa. Sus hermanas la presionan, pero es su hermano mayor quien le aconseja que haga lo que más le guste, que nadie decida por ella. Al final decide acompañarla y ambos se van al río: el agua fresquita, acariciar a las ranas… ¡No puede haber nada mejor!

“De repente, algo entre los arbustos llamó la atención de Trébol”.

Es Peonía, que asoma la cabeza por encima de la hierba. Será tonta esta cabra: si sigue corriendo por el bosque, se perderá. Trébol no tiene más remedio que ir tras ella. Pero no parece querer volver a casa; continúa andando más y más…

“Debería dar media vuelta y encontrar el camino… ¿pero qué le pasará a Peonía si se queda sola en el bosque?”.

¿Seguir o volver? “Háblame, Gran Roble, te escucho”.

Pues no, el roble no le contesta. Sin embargo, esa parada en el camino la hace reflexionar y escuchar con calma lo que realmente quiere hacer. Y, evidentemente, lo que quiere hacer es continuar. No puede abandonar a Peonía.

Más tarde será a un riachuelo a quien preguntará: ¿a la derecha o a la izquierda? Hay huellas de la cabra a ambos lados. No, tampoco el riachuelo va a soltar prenda. Pero esa nueva parada para meditar, para escuchar lo que la rodea en el silencio del bosque, le dará fuerzas para continuar con su búsqueda. Nuevos interrogantes salen a su encuentro. Nuevos interrogantes y un único deseo: encontrar a Peonía. ¿Lo conseguirá?

Cinco capítulos, cinco disyuntivas. Es un álbum con ilustraciones muy bonitas, que acompañan perfectamente la lectura. La aventura a la que se enfrenta Trébol reside en saber escuchar al corazón en la toma de decisiones. La unión con la naturaleza y el silencio del bosque pueden ser de gran ayuda cuando más se necesita. El texto es de Nadine Robert y las ilustraciones de Qin Leng. Y mención especial al diseño de la camisa, de Jolín Masson: ¡es una preciosidad!

La entrada “Trébol”, la sabiduría del bosque se publicó primero en Babar, revista de literatura infantil y juvenil.

Las obras más antiguas que hemos seleccionado, como las de Grecia y Roma, muestran una realidad social muy diferente a la que hoy asociamos con la lectura infantil. En esa época, leer estaba vinculado a la educación de las élites y casi siempre aparecía ligado a la figura de un maestro. Durante la Edad Media y el renacimiento, el libro aparece sobre todo representado como objeto sagrado y símbolo de sabiduría religiosa, de la mano de personajes como el Niño Jesús, la Virgen María o algunos santos.

A partir de ese momento, el libro comenzó a adquirir un nuevo significado como símbolo de educación, formación y prestigio cultural. Sin embargo, la representación del niño leyendo por placer, absorto en la lectura y al margen de la escuela o la religión, tardaría en consolidarse. No lo vemos de manera más generalizada hasta el siglo XVIII, cuando la expansión de la alfabetización, la escolarización y los libros destinados específicamente a niños y jóvenes transformaron la percepción social de la infancia (aunque el Orbis Sensualium Pictus es de mediados del siglo XVII, aún tenía un claro enfoque pedagógico y escolar). Desde ese Siglo de las Luces, los artistas empiezan a representar a niños y niñas leyendo en salones y jardines como reflejo de una escena cotidiana.

Douris (finales del siglo VI a. C. – mediados del siglo V a. C.)
Copa ática con escenas de enseñanza escolar

Comenzamos este viaje en una de las caras exteriores de esta copa conservada en el Neues Museum de Berlín, donde se desarrolla una lección de música y literatura. Un maestro sentado sostiene abierto un rollo. Frente a él, un alumno de pie recita el texto aprendido. En la otra cara vemos otras escenas de educación de jóvenes atenienses. La copa está firmada en la una de las paredes con la inscripción «Douris egrapsen / Douris lo pintó» y fechada hacia 480 a. C.

El lector desnudo (60-40 a. C.)

Este fresco del siglo I a.C. encontrado en una pared de la Villa de los Misterios de Pompeya representa la lectura de los textos sagrados o normas del ritual iniciático dionisíaco. Flanqueado por dos sacerdotisas, una de pie y otra sentada, que sostiene el rollo, el niño lee en voz alta el libro de ritos que marca el comienzo formal del acto sacro.

Rogier van der Weyden (1435-1438)
La Virgen con el niño

Siglos después, metidos ya de lleno en el arte sacro de los primitivos flamencos, nos encontramos con La Virgen con el Niño (Madonna Durán) de Rogier van der Weyden. María aparece sentada en un nicho de piedra revestida con un prominente manto rojo. Sostiene a su hijo, quien hojea (arrugando incluso) un libro sagrado. Este gesto de lectura no es mero entretenimiento: generalmente, en este tipo de cuadros el libro hace referencia a las Sagradas Escrituras y a las profecías que anuncian el nacimiento, la pasión y la muerte de Jesús.

Bartolomé Esteban Murillo (1655)
Santa Ana enseñando a leer a la Virgen

Saltamos al Barroco español con esta obra de Murillo que muestra a Santa Ana, futura abuela de Jesús de Nazaret, guiando a una joven María en la lectura. A la izquierda, una cesta de costura aporta costumbrismo a esta escena doméstica, a pesar de los símbolos religiosos, como los ángeles coronando a la Virgen.

Rembrandt van Rijn (1656)
Titus van Rijn, the Artist’s Son, Reading / Titus leyendo

Pintado en 1656 —año en que el maestro holandés se declaró en bancarrota—, este retrato plasma a Titus, el único hijo superviviente de su matrimonio con Saskia. Rembrandt aplica su célebre claroscuro y una pincelada empastada para hacer emerger el rostro del joven desde la penumbra. Un cuadro que muestra la importancia de la educación y la lectura en la burguesía holandesa del siglo XVII.

Jan Steen (c. 1665)
The Village School / La escuela de pueblo

En la Holanda del siglo XVII, con una de las tasas de alfabetización más altas de Europa, la escuela se enfocaba principalmente en la lectura y la caligrafía. Lejos de las representaciones serenas y contemplativas de momentos de lectura, este satírico cuadro de Jan Steen refleja la disciplina severa que se llevaba a cabo en las escuelas, basada en el castigo corporal. Un enfoque muy alejado del ideal humanista del aprendizaje virtuoso.

Josep Vergara (1726-1799)
La Virgen leyendo con el Niño Jesús dormido

Esta obra neoclásica del pintor valenciano Josep Vergara muestra a la Virgen María sosteniendo un libro mientras tiene en su regazo a un Niño Jesús profundamente dormido. Una composición que refleja la ternura maternal y la cotidianeidad doméstica. De nuevo vemos a la Virgen leyendo, que alude una alusión a las profecías del Antiguo Testamento sobre el trágico destino de su hijo.

Jean-Honoré Fragonard (c. 1769–1770)
La Liseuse / La lectora

Obra cumbre del Rococó francés, este cuadro pertenece a la serie de «figuras de fantasía» de Fragonard. Destaca por su técnica de ejecución rápida y espontánea (pinceau ivre) y refleja la creciente popularidad de la lectura por ocio (no religiosa) entre las mujeres del siglo XVIII y la creciente importancia de la vida interior durante la Ilustración.

Christian Leberecht Vogel (1791)
Die des Malers Kinder / Los hijos del pintor

Este cuadro representa a los dos hijos pequeños del pintor, sentados en el suelo y compartiendo un libro ilustrado. Durante este siglo nació el concepto moderno de la infancia como una etapa diferenciada con necesidades propias, impulsado por la Ilustración e ideas como las de Rousseau, lo que motivó la edición de libros ilustrados concebidos para despertar la curiosidad visual y la imaginación de los niños.

William Owen (c. 1804-1814)
Cottage Children / Niños de cabaña

William Owen, destacado retratista de la Royal Academy y posterior pintor de cámara del príncipe, cultivó con éxito la pintura de género bucólica. En esta obra, la lectura es el elemento central que dignifica la vida rural. La figura femenina encarna la instrucción y el estudio, mientras que el niño durmiendo representa la inocencia.

Sarah Goodridge (1826–1828)
The Studious Youth (Master Edward Appleton) / El joven estudioso

Goodridge fue una pionera de la miniaturística en Estados Unidos. A diferencia de los retratos infantiles tradicionales del siglo XVIII o principios del XIX, donde se mostraba a los niños con juguetes, mascotas o en actitud lúdica, esta obra enfatiza la disciplina académica, la devoción y la madurez intelectual desde la infancia. Una encarnación del ideal pedagógico de la joven república norteamericana y las virtudes cívicas que se consideraban importantes en ese momento.

Gustav Adolph Hennig (1828)
Lesendes Mädchen / Niña leyendo

Henning, quien fuera director de la Academia de Bellas Artes de Leipzig, se acerca en esta obra al estilo Biedermeier germánico, una corriente artística que priorizaba los valores burgueses, la sobriedad, la paz doméstica y el recogimiento interior frente al ostentoso lujo de la aristocracia.

Adolph Tidemand (c. 1835)
Synnøve’s Sister / La hermana de Synnøve

Formado en Düsseldorf y considerado el padre del romanticismo nacionalista noruego, Tidemand dedicó gran parte de su carrera a documentar las costumbres campesinas de su país. Esta escena capta la sobriedad de un interior nórdico y puede relacionarse con la amplia alfabetización promovida por la tradición luterana escandinava en las mujeres de comunidades rurales de escasos recursos.

Edwin Henry Landseer (1835)
Portrait of Lady Rachel Russell / Retrato de Lady Rachel Russell

Aunque Landseer alcanzó fama internacional como pintor de animales de la reina Victoria y diseñador y escultor de los leones de Trafalgar Square, fue también un prolífico retratista de la aristocracia. En este dibujo, retrató a la hija del duque de Bedford. La niña aparece concentrada en la lectura de un libro, y a diferencia de los retratos aristocráticos tradicionales de la época —que solían ser rígidos y pomposos—, el pintor la capta en una actitud absorta, reflejando la curiosidad infantil y el ambiente doméstico.

Jean-Baptiste-Camille Corot (c. 1845–1850)
La liseuse / La lectora

Figura puente indispensable entre el neoclasicismo y el impresionismo, Corot es célebre tanto por sus paisajes poéticos como por sus figuras contemplativas. En sus meditativas liseuses, el artista combina tonalidades melancólicas y una luz difusa que envuelve a la modelo. En esta ocasión, retrata a una joven con una colorida blusa concentrada en la lectura y el recogimiento silencioso.

Paul Delaroche (1848)
Un enfant apprend à lire / Niño aprendiendo a leer

Pintor académico de renombre monumental por sus grandes composiciones históricas, como su serie de retratos de Napoleón, Delaroche cultivó también pequeñas obras íntimas durante la turbulenta época de las Revoluciones de 1848 en Francia, un momento de creciente preocupación por la alfabetización popular y las condiciones de las clases trabajadoras. Frente a la pobreza material reflejada en el entorno y las ropas de este cuadro, el libro abierto parece actuar como un símbolo de luz, aprendizaje y aspiración a un vida mejor.

Eastman Johnson (1863)
Boy Reading / Niño leyendo

Cofundador del Metropolitan Museum of Art de Nueva York, Johnson se formó en La Haya y Düsseldorf, donde asimiló el dominio de la luz del barroco holandés, lo que le valió el apodo del «Rembrandt americano». Realizado en plena Guerra de Secesión estadounidense, este estudio simboliza los valores de la educación y la alfabetización, fundamentales para la identidad, la sociedad y el progreso personal en EE.UU. Además, refleja cómo la mente infantil encuentra refugio en el conocimiento en un momento de gran turbulencia exterior.

Auguste Toulmouche (1865)
La leçon de lecture / La lección de lectura

Toulmouche se especializó en escenas de salón conocidas como el género de «las elegantes». En esta pintura, la combinación del libro y la música refuerza la idea del aprendizaje de las artes y las letras dentro del hogar burgués y nos da una visión idealizada de la educación y la transmisión del conocimiento cultural que tenía lugar en las familias acomodadas del Segundo Imperio Francés.

Giacomo Cornish (1869)
Children Intent on Reading a Spelling Book / Niños atentos leyendo un silabario

Pintor de origen angloitaliano especializado en pintura de género, Cornish destaca por su perspicacia para plasmar la psicología infantil. La obra muestra a dos niños tratando de descifrar un silabario o cartilla de lectura (spelling book) y refleja el interés de la época por la educación infantil temprana y el acceso a la lectura en el entorno doméstico o rural. Una escena cotidiana que idealiza valores como el esfuerzo, la inocencia, la curiosidad y el estudio en la infancia.

Seymour Joseph Guy (1870)
The Story of Golden Locks / La historia de Ricitos de Oro

Nacido en Inglaterra y radicado en Nueva York, Guy fue un virtuoso de los efectos nocturnos e iluminación artificial. En esta escena doméstica, la atmósfera casi teatral rinde homenaje a la narración de cuentos de hadas en el ámbito familiar antes de la llegada de la luz eléctrica. La luz de la vela proyecta sobre la pared la sombra de la niña mayor, creando una forma agigantada e inquietante que parece simbolizar cómo la imaginación infantil transforma un espacio cotidiano en un lugar lleno de misterio. Un recurso lumínico que nos hace recordar a muchas ilustraciones de Anthony Browne donde las paredes mostraban sombras muy significativas.

William-Adolphe Bouguereau (1877)
Le livre de contes / El libro de cuentos

Bouguereau, figura indiscutible del academicismo francés y firme opositor de los impresionistas, fue célebre por su técnica depurada y virtuosismo anatómico. En este cuadro, donde se aprecia este dominio de las texturas, la mirada intensa de la niña se enmarca en el estilo idílico que condujo al pintor al éxito comercial entre los coleccionistas de finales del siglo XIX.

Winslow Homer (1877)
The New Novel / La nueva novela

Homer, una de las figuras más singulares del realismo estadounidense, explora aquí la técnica de la acuarela con toques ligeros y luminosos. A finales del siglo XIX, la novela popular se convirtió en un fenómeno masivo, transformando el ocio y la vida de las mujeres educadas en EE.UU. La postura relajada sobre la hierba simboliza la libertad personal y la adopción de la novela moderna como ocio estival. El título (La nueva novela) alude a este género literario victoriano en auge, que a menudo trataba sobre el autodescubrimiento y la independencia emocional femenina.

Walther Firle (c. 1888)
Märchen / The Fairy Tale

Una obra del pintor realista alemán Walther Firle (1859-1929) que destaca por su naturalismo costumbrista y el hábil manejo de la luz, que parece salir del libro para iluminar a las tres niñas lectoras. La lectura asume el centro de esta escena como una experiencia compartida y afectiva.

Pierre-Auguste Renoir (1890)
La liseuse / La lectora

Hacia 1890, Renoir abrazó un estilo maduro caracterizado por pinceladas disueltas, formas suaves y tonos perlados. Los retratos de niñas y jóvenes en momentos de ocio fueron un motivo recurrente en su pintura en esta época. Este cuadro nos muestra a una joven reclinada cómodamente en un sillón, absorta en la lectura de un libro, una representación de la tranquilidad, la privacidad y la concentración en la lectura doméstica.

Pierre-Auguste Renoir (1890–1891)
Deux fillettes lisant / Dos niñas leyendo

En este otro cuadro de Renoir se nos muestra la complicidad fraternal mediante una paleta vibrante de dorados y rojizos. El pintor impresionista construye una escena donde el libro actúa como nexo afectivo. La luz tamizada que baña los rostros y cabellos de las niñas pone de manifiesto la maestría del francés para celebrar las pequeñas alegrías de la vida burguesa. Un cuadro que encarna los ideales de la infancia, la serenidad doméstica y la educación de la época.

Charles Haigh-Wood (1893)
Storytime / La hora del cuento

Haigh-Wood documentó el auge de las clases medias en la época victoriana y eduardiana. Este cuadro atestigua la era dorada de las ediciones ilustradas de lujo y la consolidación de la lectura de cuentos como un ritual doméstico central de la crianza burguesa.

Mary Cassatt (1894)
The Pensive Reader / La lectora pensativa

Cassatt, pintora estadounidense afincada en París, fue la única artista de su país invitada por Degas a exponer con el grupo impresionista en el Salón Oficial de la capital francesa. En este cuadro, capta la concentración femenina y la vida intelectual autónoma, mostrando la lectura no solo como ocio, sino como un espacio privado de aprendizaje, refugio y crecimiento interior en el ámbito doméstico.

Léon-Augustin Lhermitte (1912)
La leçon de lecture / La lección de lectura

Lhermitte, insigne representante del naturalismo francés admirado fervientemente por Vincent van Gogh por su autenticidad rústica, documentó la vida cotidiana campesina. En esta obra retrata el triunfo de las leyes de instrucción pública de la Tercera República Francesa, mostrando cómo la enseñanza del libro se abría paso en los hogares agrarios tradicionales.

George Goodwin Kilburne (c. 1900)
Young Girl Reading / Joven leyendo

Kilburne fue un celebrado pintor victoriano de la Society of Painters in Water Colours, célebre por sus detalladas obras de género histórico y cabinet paintings. Esta obra refleja la democratización del libro a finales del siglo XIX y idealiza la lectura como un refugio de paz, estimulación intelectual y evasión personal, destacando el papel emergente de las lectoras de género femenino.

Charles Guerin (1906)
Jeune fille au livre / Joven con un libro

Cuadro del pintor postimpresionista francés Charles-François-Xavier Guérin (1875–1939) que aborda el motivo clásico del “lector abstraído”, un tema muy recurrente en la pintura europea del siglo XIX y principios del XX. Esta representación de jóvenes leyendo en interiores privados fue un indicador clave del acceso femenino a la cultura y el ocio intelectual.

Mary Cassatt (1910)
Auguste Reading to Her Daughter / Auguste leyendo a su hija

De nuevo un cuadro de Mary Cassat, que esta vez nos muestra una de sus escenas íntimas de mujeres y niños con su brillante estilo impresionista. La obra muestra a una madre y su hijo en el jardín del Château de Beaufresne, cerca de París, donde pasó sus últimos años, y simboliza el papel fundamental de la mujer como mediadora cultural y alfabetizadora de las nuevas generaciones dentro del hogar a principios del siglo XX.

Giovanni Sottocornola (1910)
La lettura

Pintor milanés vinculado al divisionismo y al realismo social italiano, Sottocornola retrata aquí a su propia hija caminando lentamente mientras lee. La lectura se presenta como un refugio de introspección: el libro abierto no es solo un objeto físico, sino un instrumento que traslada la mente a otros lugares y es capaz de aislarnos de nuestro entorno.

Edmund Charles Tarbell (1913)
Portrait of a Boy Reading / Retrato de un niño leyendo

En la obra de Tarbell y los impresionistas de Boston, el acto de leer funciona como un vehículo para mostrar estados mentales tranquilos y meditativos. El libro actúa como un refugio de calma dentro del hogar. Tarbell refleja la lectura no como un deber académico, sino como un acto de evasión íntima, y el mundo exterior desaparece para el niño; solo existe él y las páginas del libro.

Lilla Cabot Perry (c. 1913)
Child with Red Hair Reading / Niño de pelo rojo leyendo

Perry, figura clave para la difusión del impresionismo francés en Estados Unidos tras haber sido vecina y amiga íntima de Claude Monet en Giverny, combina el rigor compositivo de la Escuela de Boston con el colorismo impresionista. Al dar la espalda al espectador, la figura no posa ni busca la mirada externa. Esto enfatiza el estado de ensimismamiento total: la lectura aísla a la protagonista del mundo real para sumergirla por completo en el texto.

Pekka Halonen (1916)
Lukiessa / Niños leyendo

Terminamos nuestra galería con este cuadro pintado hace más de un siglo, en plena Primera Guerra Mundial. Halonen —referente del nacionalismo romántico de Finlandia— huye en este cuadro de las representaciones tradicionales del lector solitario y muestra la lectura compartida como un acto social y familiar. Además, la luz natural que entra por la ventana parece convertir el acto de leer en una iluminación metafórica.

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“Jamás, bajo ningún concepto, en modo alguno, de ninguna manera, se debe atravesar el páramo tenebroso”.

Después de esta advertencia a nadie se le ocurriría adentrarse en el páramo, ¿verdad? A nadie, puede ser, pero Tristrás el flautista ambulante está hecho de otra pasta. Es valeroso, aguerrido, tenaz, intrépido, osado… y tampoco es que se le dé bien captar las indirectas.

Tras un buen rato caminando ya hambriento, sediento y agotado, el pobre, se topó con un árbol. Un viejo fresno cuyas ramas parecían huesos que le fueran a atrapar con sus largos dedos. Uy, qué miedito da esto. Debía estar un poco angustiado porque no le quedó más remedio que sacar la flauta de la mochila y comenzar a tocar las primeras notas de una melodía. Tan ensimismado estaba en su música que no vio acercarse a un perro. ¡Vaya, pues no es un perro!

“Uy… Qué orejas, y qué ojos, y… ¡Hay que ver qué dientes tan afilados tienes! ¡Glup! Diría que más bien eres…, ejem…, ¿tres cuartas partes de lobo?”

Foto: Nórdica Libros

Tristrás se equivocaba. Lo que se le estaba acercando, peligrosamente, era una loba. Para deshacerse de ella se le ocurrió tratarla como a un perro y le lanzó la flauta para que fuera tras ella. La idea funcionó, aunque ambos acabaron en un lodazal. Ahora Tristrás tendrá que sacar de allí a la loba, que no parece muy ducha en esos menesteres.

¡¿Pero qué hace este hombre?!, pensaréis. Ya, ya, nadie salvaría a un animal que lo persigue con las peores intenciones —o eso suponemos—, y mucho menos si es una loba. Nadie lo haría, pero Tristrás es un romántico, una buena persona… y un poco tonto, tal vez. Si pensáis que rescatarla es una mala, malísima decisión, estáis muy equivocados. Hay cosas mucho, pero mucho peores. Tanto que la loba sale despavorida en cuanto se ve libre del barro que atenaza sus patas…

“El gigante llevaba un sombrero de ala ancha bien calado sobre los ojos. Iba embozado en una capa de lana de la que solo le asomaba la nariz. Tristrás calculó que, para cubrir a semejante gigantón, aquella capa debía ser del tamaño de las velas de un navío de ciento cuatro cañones”.

Foto: Nórdica Libros

Pero qué mala suerte la de este pobre flautista. Logra dejar atrás a un peligroso animal salvaje, y ahora se topa con un gigante que a saber qué intenciones tiene.

“—¡Ah! ¡Pero si sois un pastor! ¡Ja, ja, ja! Fiuu… No os lo creeréis, pero por un momento os creí un malvado ogro dispuesto a comerme. ¡Ja, ja, ja!”

Haría bien en no reírse tan alegremente, porque el objetivo del malvado ogro —¡que sí, que es un ogro!— es darle un bebedizo que lo convertirá en borrego. ¿Para qué demonios querría hacer algo así? Bueno, yo no soy especialista en gustos ogriles, pero seguro que tiene una explicación. Pues sí, la tiene. Dejará pasar unos días y después se lo comerá, como ya se ha comido a otros muchos que han osado adentrarse en el páramo misterioso. ¡Tenía que haber hecho caso a las advertencias!

Pero… no todo está perdido. Junto al ogro, y cuidando de la casa en la que vive con sus ovejas, hay una joven muy hermosa de nombre Belisa que parece una buena persona. Incluso le ha puesto un nombre a ese nuevo borrego de color rojizo —Tristrás, que no lo había dicho antes, es pelirrojo—, y aunque el nombre no le gusta mucho, ella desde luego sí.

“- Mmmm… Creo que te llamaré… ¡Chispín!
Chis… pin… ¿Chispín? ¡¿Cómo que Chispín?!”

Pero… ¿cómo va a comunicarse con ella si lo único que sale de su boca —perdón, de su hocico— son balidos? ¿Cómo va a protestar? ¿Quién le va a escuchar? ¡Esto es desesperante!

“—¡Baaaaaaaaah, baaaaaaaah baaaaaaaaaaah! —gritó el borrego, sofocado por el abrazo de Belisa.
Y Belisa le susurró al oído:
—Lo sé…
—¿Baaaaaaah?
—Sé quién eres…”

Foto: Nórdica Libros

Belisa va a resultar que no es quien parece ser, el ogro tampoco, existe una maldición muy antigua que debe romperse para que el páramo se convierta en el hermoso lugar que era, y hay que revertir el hechizo para que Tristrás deje de ser un borrego. Muuuuuuchas cosas. ¡Ah, se me olvidaba!: debe conseguir entender a la niebla, encontrar una puerta, coger antes una llave para poder abrirla, ¡claro!, y desafiar al ogro… ¡Uf!, casi os destripo el libro. ¿Os habéis enterado de algo? ¿No? Mucho mejor: así la lectura será más sorprendente.

Divertidísimo el libro de Ibán Barrenetxea. Es una gozada de lectura con la que las carcajadas están aseguradas, gracias al bueno de Tristrás, que es todo un personaje. ¡Por cierto!, hay un primer libro, Andanzas de un flautista llamado Tristrás, donde se le presenta de manera oficial. Habrá que leerlo también.

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La ilustradora italiana Alice Piaggio resume su estilo artístico en tres palabras: «Colorido, alocado, irónico». Sus ilustraciones, vibrantes y dinámicas, según se puede apreciar en sus obras publicadas, están llenas de cosas y, a veces, completamente carentes de sentido. Por ejemplo, un perro rosa ladrando a su propio trasero y una mujer oruga con tacones rojos. Tambaleándose sobre zapatos grandes y toscos y gesticulando expresivamente con sus extremidades desproporcionadas, los personajes de Alice irrumpen en nuestro campo visual con una energía lúdica y decidida.

Desde que se graduó en el ISIA de Urbino, Alice ha realizado numerosos encargos, además de seguir experimentando y desarrollando su estilo con trabajos ilustrativos personales. También es cofundadora de Pelo Magazine, una publicación semestral dirigida por un colectivo de 25 jóvenes ilustradores, que aborda temas como el sexo, las fobias y las noticias falsas con irreverencia e ironía.

Ahora nos llega de la mano de Zahorí Books su último trabajo, titulado Se necesita monstruo, un divertidísimo libro destinado a los más pequeños en el que un buen número de criaturas monstruosas acuden a la oficina de trabajo con el objetivo de ganarse el pan. Cada monstruo es distinto y tiene habilidades especiales: el fantasma lavandero; el Yeti heladero; la bruja mensajera… a lo largo de la obra se le asigna un oficio a cada personaje espectral a doble página.

En una de las páginas se nos indica lo mejor y lo peor de tener a este “trabajador” contratado. Por poner un ejemplo, lo mejor de tener a un fantasma en una lavandería es que las manchas desaparecen como por arte de magia; lo peor: que, como es invisible, cuesta encontrarle para darle las gracias. Además, también se nos indican las herramientas que utiliza y se nos explica de manera harto detallada en qué consiste su trabajo. No nos resistimos a poner otro ejemplo: el Minotauro modisto utiliza cinta métrica para tallas extragrandes y te hará descuentos monstruosos todos los días del año.

El libro concluye con dos estupendas páginas dedicadas al que se considera empleado del siglo, donde se nos detalla de manera concienzuda la biografía de todos los monstruos que acuden a la oficina de empleo en busca de trabajo. Y no solo eso, antes de acabar su lectura nos aguarda una muy grata sorpresa en forma de juego interactivo: se trata de asignar cada objeto perdido que aparece con cada uno de los diferentes protagonistas que se nos han ido presentando a lo largo y ancho de la historia. ¡A jugar se ha dicho!

Para aquellos que no conozcan el trabajo previo de esta original ilustradora, decirles que las influencias de Alice son Beatrice Alemagna, Květa Pacovská y Olimpia Zagnoli. Además de ilustradores, Alice también se inspira en Pablo Picasso, Hieronymus Bosch (El Bosco), M. C. Escher, Salvador Dalí y Henri Rousseau, a quienes describe como «locos y visionarios». Sus variadas y diversas referencias visuales nutren su práctica a la hora de componer y crear sus obras. Como ella misma afirma: «Me gusta experimentar con diferentes técnicas: acrílico, digital, acuarelas Ecoline, lápices y collage».

Con su característica vitalidad, atrevidas paletas de colores y una encantadora ingenuidad de estilo, las obras capturan a la perfección la atmósfera festiva y eufórica del descacharrante universo que se nos presenta ante nuestros asombrados ojos. El estilo singular de Alice es inmediatamente reconocible: manos y pies desproporcionados, trazos que recuerdan a los lápices de colores y sutiles toques surrealistas. Nunca habrás visto monstruos tan chulos como estos.

Para finalizar, apuntamos algunos datos curiosos sobre el proceso creativo de la autora: abarca tanto técnicas digitales como analógicas. Primero dibuja algunos bocetos y elige una paleta de colores brillantes. Suele crear las ilustraciones por partes y luego las combina con Photoshop. Para ella, la ilustración también implica sumergirse en el mundo que la rodea y observarlo. “Me gusta viajar”, dice, “y a menudo me surge una idea durante el viaje. Por eso llevo una libreta en el coche, para poder dibujar una idea antes de que se me escape”.

Nos fascinan las figuras enérgicas, contundentes y poderosas de Alice, y estamos deseando ver más.

Nota sobre la autora: Alice Piaggio nació en Génova (Italia) y se graduó en Diseño Gráfico e Ilustración en el ISIA de Urbino. Trabaja junto a 25 jóvenes ilustradores en el equipo editorial de la revista PELO. Vive en Suiza, rodeada de montañas nevadas, prados verdes y bosques de castaños. En 2019, ganó el premio Illustri en la categoría de Revistas y Periódicos. En 2021, fue seleccionada por la Feria del Libro Infantil de Bolonia como uno de los 20 jóvenes ilustradores italianos más prometedores y participó a su vez en la exposición “Eccellenze Italiane – The New Generation of Italian Children’s Illustrators”. Este año fue seleccionada para la Exposición de Ilustradores de la Feria del Libro Infantil de Bolonia. Actualmente colabora con revistas y editoriales tanto italianas como internacionales.

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¿Cuántas personas y procesos hacen falta para que un pequeño libro llegue a las manos de un lector? En la última página de Libros se detalla con mucha originalidad este ciclo en una página de créditos muy original: desde quien concibió las palabras y quien trazó los dibujos, hasta la imprenta, el fabricante de papel, la librera y la persona que sostiene el libro. El mimo por el formato papel sintetiza el espíritu de estas dos obras creadas en los años 60 y reunidas ahora en una edición conjunta.

Publicados originalmente en Estados Unidos como Books! (1963) y Writing (1964), estos dos volúmenes supusieron un gran ejercicio de diseño visual y tipográfico. En España no es la primera vez que aparecen: Libros vio la luz en 2013 en la editorial Gustavo Gili, y Escribir fue publicado suelto por Libros del Zorro Rojo en 2016. La presente edición de 2026 llega con forma de estuche compuesto por los dos libros en encuadernación rústica con solapas.

Murray McCain, editor y escritor estadounidense, planteó ambos textos como experiencias lúdicas en torno a temas informativos. En Libros, McCain analiza qué es un libro desde su anatomía más elemental: letras que forman palabras, palabras que construyen frases y frases que forman historias de todos los tamaños, formas y colores. En Escribir, el enfoque se centra en el proceso creativo, invitando al lector a perder el miedo a la hoja en blanco y a comprender que escribir es, ante todo, una manera de organizar el propio pensamiento, expresar emociones y jugar con el lenguaje.

John Alcorn – Evolution by Design

La parte gráfica que dota de una personalidad única a este proyecto es de John Alcorn (1935-1992), nombre imprescindible del diseño gráfico norteamericano que formó parte del conocido estudio Push Pin Studios junto a Milton Glaser y Seymour Chwast, además de colaborar con marcas como CBS o diseñar títulos de crédito para películas de Fellini. Como señala su hijo Stephen Alcorn en la introducción de Escribir, su padre trabajaba con la precisión de un grabador, cuidando la composición manual de cada letra, el ajuste entre caracteres y la armonía cromática mediante una paleta reducida de tintas planas.

El estilo narrativo del texto de McCain es ingenioso, rápido, lleno de humor. Con frases breves, repeticiones y preguntas dirigidas al lector, el texto huye de la seriedad y se sitúa en la complicidad. La protagonista de ambos libros es la palabra, leída y escrita, representada con multitud de tipografías que cambian de familia, tamaño, forma, inclinación, según la intencionalidad del mensaje.

Alcorn fusiona tipografía e ilustración en cada página. Las letras se transforman en objetos y los bloques de texto forman dibujos sobre el papel. El dibujo a tinta y el uso de amarillos, magentas y rojos, recuerda al pop art y al resurgimiento del diseño victoriano de los años sesenta, con esa suntuosidad, elaboración y psicodelia.

Un rescate editorial que aporta una mirada fresca sobre el libro como soporte físico y sobre el acto de escribir como ejercicio de libertad. Un recordatorio de que la lectura es un espacio divertido y emocionante de juego, exploración y descubrimiento. En un momento como actual, donde hay una creciente reflexión sobre comprensión lectora y el impacto de la tecnología en nuestra juventud, merece la pena rescatar libros como estos, donde se reivindica el acto primigenio de escribir y leer, y que nos remiten a otros grandes creadores y diseñadores como Bruno Munari, Enzo Mari o Paul Rand.

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© Editorial Kalandraka

El Ministerio de Cultura ha concedido al libro Divertimentos: juegos poéticos, publicado por Kalandraka dentro de su colección de Poesía Ilustrada, el Premio Nacional de Literatura Infantil y Juvenil correspondiente al año 2026. El galardón, dotado con un premio de 30.000 euros, reconoce a sus creadores, el escritor Antonio Rubio y la ilustradora Carmen Queralt.

El Premio Nacional de Literatura Infantil y Juvenil lo concede con carácter anual el Ministerio de Cultura con el fin de reconocer una obra realizada por creadores españoles, escrita en cualquiera de los idiomas oficiales del Estado y publicada por primera vez en el año anterior a la convocatoria. Rubio y Queralt toman el relevo de la escritora Leire Bilbao, galardonada en la edición anterior.

El jurado del premio eligió este título por “la brillantez con la que despliega un deslumbrante muestrario poético que transforma la palabra en un espacio de juego, descubrimiento y experimentación”. Divertimentos, un álbum para lectores a partir de seis años, recorre un amplio abanico de estructuras métricas y recursos compositivos que abarcan desde construcciones clásicas —como coplas tradicionales, haikus y romancillos— hasta propuestas más vanguardistas como los caligramas y los poemas visuales, pasando por limericks, trabalenguas, palíndromos y versos de rima partida. Asimismo, hace uso de figuras basadas en el ritmo fónico e ingenios lingüísticos como metátesis, jitanjáforas o cuentos estructurados con naipes.

En la justificación del fallo, el jurado recalcó también que “cada composición es un desafío ingenioso para el oído y la imaginación que celebra la creatividad verbal, la musicalidad y el humor. Un universo que se completa y enriquece con las hermosas ilustraciones de Carmen Queralt”.

Las temáticas que trata esta obra giran en torno al universo cotidiano e imaginativo de la infancia, abordando aspectos como el abecedario, los números, las estaciones o la naturaleza a través de diversas personas y animales. Respecto a la parte gráfica, los miembros del jurado destacaron de la labor plástica de Carmen Queralt que “su técnica aporta dinamismo a una variopinta comparsa de animales, vegetales y seres fantásticos que potencian la dimensión lúdica y multiplican las resonancias de cada verso”. En este trabajo, la ilustradora emplea su característica técnica de collage de tonalidades intensas y trazados sencillos.

El fallo concluye valorando la mirada del escritor toledano hacia el lector infantil, señalando que “con su capacidad personal de mirar el mundo con un espíritu siempre nuevo, Antonio Rubio logra una comunión perfecta con el lector más joven porque él, como ellos, es un niño entre niños”.

Sobre los ganadores

Antonio Rubio (El Puente del Arzobispo, Toledo, 1953) ha ejercido la docencia como maestro durante cuatro décadas, compaginando la enseñanza con la escritura y la dinamización de bibliotecas escolares. Además de dirigir colecciones poéticas en distintos sellos editoriales, cuenta con una extensa producción en el catálogo de Kalandraka, donde destaca como creador de la célebre serie De la cuna a la luna o recopilaciones como Puer poeticus, Las alas del AVEcedario y Juego de letras.

Por su parte, Carmen Queralt (Madrid, 1952) se formó en la Escuela BAT en la disciplina de dibujo clásico e inició su andadura en la ilustración de libros infantiles en la década de los noventa. Su firma ha aparecido en diversos sellos y publicaciones periódicas especializadas como la revista Cavall Fort.

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La lista de este año incluye una selección de 216 libros infantiles y juveniles procedentes de 62 países y territorios, publicados en 46 idiomas. El trabajo ha sido realizado por unos veinte expertos, entre personal de la biblioteca en Múnich y asesores externos. Los títulos elegidos destacan por la relevancia universal de sus temas, sus cualidades literarias y visuales, o por sus enfoques e innovaciones en el diseño.

Como es habitual, el catálogo en PDF se publica justo antes de la Feria del Libro de Fráncfort (7-11 de octubre). Además, las reseñas, datos bibliográficos y portadas están disponibles en su base de datos en línea y se difundirán en su cuenta de Instagram. Los libros recomendados también se expondrán físicamente en la próxima Feria del Libro Infantil de Bolonia.

La cubierta de este año es obra de la artista croata Vendi Vernić, inspirada en una biblioteca imaginaria.

A continuación, recogemos aquellas obras publicadas originalmente en España e Hispanoamérica, incluyendo la traducción parcial de las valoraciones realizadas por los expertos:

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Título: Mila y el pedrolo del espacio exterior
Autor: Fran Collado
Ilustradora: Bea Tormo
Editorial: Anaya Infantil y Juvenil, 2024
Edad recomendada: A partir de 10 años

Los libros con mapas y los que comienzan con la caída de un meteorito reúnen muchas papeletas para ser interesantes. Mila y el pedrolo del espacio exterior tiene ambos ingredientes, y además es una disparatada aventura de ciencia ficción, humor y amistad en lugares aparentemente tranquilos que luego resultan ser extraordinarios.

Publicada por Anaya en 2024, esta novela supone el debut del ilustrador Fran Collado como autor de literatura infantil, después de una larga trayectoria vinculada al dibujo. Esa experiencia gráfica se nota en la escritura: las escenas tienen una gran fuerza visual, los personajes resultan inmediatamente reconocibles y muchas situaciones poseen un ritmo cinematográfico.

La protagonista es Mila, una niña recién llegada a un pequeño pueblo, que contempla el mundo con una mezcla de lógica muy personal, curiosidad desbordante y seguridad en sí misma. Nada más instalarse, conoce a Lucas, un chico aficionado a la lectura con mucha imaginación que se ha convertido en objetivo de los abusones locales.

Cuando ambos observan la caída de un meteorito en las afueras del pueblo, deciden acercarse a investigar. Allí descubren algo aún más extraño que una roca llegada del espacio: un perro callejero que, tras el impacto, ha adquirido la capacidad de hablar y pensar. A partir de ese momento, la historia se transforma en una carrera contrarreloj para proteger a Batman, el perro parlante, de una misteriosa organización empeñada en capturarlo.

Aunque el argumento podría resumirse como una aventura de ciencia ficción y humor, el verdadero atractivo del libro reside en cómo está contado. Fran Collado utiliza una voz narrativa repleta de observaciones absurdas, comparaciones inesperadas y comentarios que descolocan constantemente. El humor no aparece únicamente en los diálogos; forma parte de la propia narración. Las descripciones, las digresiones y hasta las explicaciones de temas astronómicos tienen ese tono chispeante que convierte la lectura en una experiencia adictiva.

El ritmo es uno de los puntos fuertes de la novela. Cada capítulo introduce un nuevo problema, una nueva ocurrencia o un nuevo personaje extravagante. Sin embargo, no hay sensación de arbitrariedad o caos, porque todo gira alrededor de una idea central: la importancia que tiene conectar con quienes aceptan nuestras rarezas. Bajo la apariencia de una aventura descabellada, el libro habla de pertenencia, amistad y autoestima.

Mila es un personaje muy conseguido. Su rechazo a su propio nombre, tratado desde el humor, funciona como una metáfora de la búsqueda de identidad. Es una niña inteligente, valiente y de verbo ágil, capaz de enfrentarse a un matón o de discutir con un agente secreto sin perder la compostura. A su lado, Lucas representa otro tipo de fortaleza. Es sensible e imaginativo, cualidades que lo convierten en objetivo de los abusones. La amistad entre ambos resulta creíble porque nace de la complicidad entre dos personas que se ven diferentes a los demás.

Mención aparte merece Batman, el perro callejero y desaliñado que se convierte en uno de los motores cómicos y emocionales de la historia. Sus reflexiones tienen una lógica perruna muy particular combinada con preguntas muy profundas sobre identidad y libertad. Es un personaje muy divertido pero también entrañable. Y luego hay secundarios también muy destacados: la excéntrica Cloris, obsesionada con los ovnis, el camarero astrofísico Rémulo o los agentes de gabardina que ejercen de villanos.

Otro aspecto interesante es la manera en que la novela aborda cuestiones como el acoso escolar, que aunque aparece desde las primeras páginas, no es el eje principal del libro ni cae en discursos simplones. También aparecen temas como el miedo a la diferencia, la autoridad mal entendida o la tendencia humana a desconfiar de todo aquello que no se comprende.

Las ilustraciones de Bea Tormo, como no podía ser de otro modo, casan perfectamente con el texto. Su estilo tan enérgico, caricaturesco y expresivo termina de definir la personalidad de los personajes y el humor de la narración. Son esenciales para crear los gags visuales, caracterizar a los protagonistas y generar la personalidad gráfica del libro tan reconocible.

No podemos dejar de mencionar el anexo con “extras” incluido al final del libro. A través de un supuesto diario de Cloris –la vecina que podría ser perfectamente un personaje de Expediente X debido a su obsesión con los ovnis, los fenómenos astronómicos y todo aquello que pueda tener un origen extraterrestre–, el libro incorpora información sobre cometas, eclipses, orientación mediante las estrellas, auroras boreales o el cinturón de Kuiper. Estas páginas, a pesar de tener contenido divulgativo, poseen el mismo toque de humor que la novela y seguro que despiertan la curiosidad científica de muchos lectores.

En definitiva, Mila y el pedrolo del espacio exterior es una gran combinación de aventura, ciencia ficción, comedia y temas profundos. Recuerda a relatos clásicos de pandillas enfrentadas a misterios extraordinarios, pero con esa voz humorística tan personal y una mirada contemporánea sobre la amistad y la diferencia. Fran Collado ha conseguido una primera novela inteligente, sólida, divertida y llena de imaginación y grandes personajes.

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Un día de julio de 1874, mientras paseaba por la campiña en las afueras de Guildford, Charles Lutwidge Dodgson —al que todos conocemos por el seudónimo de Lewis Carroll— fue asaltado por un verso que le vino a la cabeza: «Porque el Snark era un Boojum, verás» (traducido en esta edición como «pues resultó que un Búyum era aquel Snark»). Con este verso final nació La caza del snark (The Hunting of the Snark), el poema épico-burlesco publicado en 1876. Un siglo y medio después de aquella primera edición, la editorial Folioscopio conmemora su sesquicentenario con una cuidada edición de lujo bilingüe que reproduce en formato facsímil el diseño original. Un precioso libro objeto con cubierta gofrada, golpe seco y elegantes acabados en estampado dorado.

La génesis de esta obra encaja perfectamente con la lógica “carrolliana”, pues invierte el orden natural de composición de un poema (por el primer verso, generalmente). Al hacerlo desde la última estrofa, Carroll recurrió al mismo procedimiento de «vivir al revés» que aplicó en A través del espejo, donde la Reina Blanca grita antes de pincharse o el Mensajero del Rey es encarcelado antes de cometer el delito. Este mecanismo —que fue el que dio origen a su propio seudónimo mediante una doble traducción al latín y de nuevo al inglés (Charles > Carolus > Carroll; Lutwidge > Ludovicus > Lewis)—  sedujo al surrealismo (Louis Aragon fue su primer traductor al francés en 1929) y al grupo Oulipo, que consagró a Carroll como un ilustre «plagiario por anticipación».

La historia de La caza del Snark arranca con el desembarco de una tripulación pintoresca en una isla remota. Son diez miembros —el capitán, ocho hombres y un castor— cuyas profesiones u ocupaciones en inglés comienzan por la letra B, pero en la traducción española López Guix ha decidido con buen criterio utilizar apodos relacionados para mantener ese juego: Badajero, Botas, Bonetes, Bufete, Balanza, Billarista, Banquero, Befre, Bizcocho y Babilla. Cuando en su momento preguntaron a Dodgson por la razón de esta omnipresente «B», su respuesta fue «¿Y por qué no?», emulando la respuesta que le dio la Liebre de Marzo a Alicia. El libro incluye, en la parte de anexos, un glosario de personajes con el dibujo de Holiday, el nombre en inglés y español, y una breve descripción.

Unidos por una búsqueda tan poco concreta, los marineros se lanzan tras la pista de la criatura con una carta náutica en blanco (Ocean-Chart) y con indicaciones incongruentes en el margen. Este viaje ha sido definido como «el viaje imposible de una tripulación improbable en pos de una criatura inconcebible». Sin embargo, la expedición oculta un peligro latente: aunque la mayoría de los Snarks son inofensivos, algunos pertenecen a la temible variedad de los Búyum (Boojum). Si alguien se topa con un Búyum, la consecuencia no es la muerte convencional, sino una desaparición suave, repentina y absoluta de la existencia, sin dejar rastro alguno («blandamente te esfumarás para no volver a aparecer»).

Con esta premisa, Carroll desplegó su maestría en el nonsense, estructurando el poema en ocho episodios o «espasmos» (fits, un juego de palabras que combina distintos significados, desde la sección de un poema a un ataque convulsivo). El ritmo de las 141 estrofas de cuatro versos, marcado por una métrica rigurosa de balada tradicional, contrasta con la disparatada lógica interna. En su prólogo, el propio Carroll parodia la lógica al explicar cómo el barco navegaba marcha atrás porque Badajero desmontaba el bauprés para barnizarlo y luego lo ataban sobre el timón, impidiendo al timonel protestar por una restrictiva norma del reglamento marítimo.

El relato ha tenido múltiples lecturas e interpretaciones. En vida de Carroll, los lectores vieron referencias a acontecimientos contemporáneos de gran repercusión social. Por un lado, se leyó como una sátira del «caso Tichborne», un célebre juicio por suplantación de identidad donde un carnicero de Australia afirmó ser un rico heredero noble fallecido en un naufragio; por otro, como una parodia de la fallida expedición ártica del capitán Georges Nares en 1875, que partió vitoreada por la multitud para conquistar el Polo Norte y regresó derrotada por el hielo.

Sin embargo, otras lecturas conectan el poema con la angustia existencial y la tragedia personal del autor. La mañana de julio en que nació el poema, Dodgson no disfrutaba de un mero paseo relajante: había pasado la noche velando a su ahijado de 22 años, Charlie Wilcox, quien agonizaba consumido por la tuberculosis. A esta pérdida se sumó la repentina muerte de su tío Skeffington Lutwidge, inspector de manicomios, tras ser agredido en la cabeza por un interno.

© Folioscopio

Por ello, especialistas como Martin Gardner han visto en el Snark una reflexión sobre la nada y el pavor a la aniquilación del ser. Otros, como Edward Guiliano, señalan que el humor de la obra es la única válvula de escape frente al horror metafísico de desaparecer. El propio Carroll esquivó siempre las explicaciones sesudas y afirmó en varias cartas que no sabía qué significaba el poema, aunque admitió que la interpretación que más le agradaba era la de una señora que definió el libro como «una alegoría de la búsqueda de la felicidad».

Traducir una obra fundamentada en el juego de palabras, el ritmo anapéstico, la asociación fónica y la métrica de balada exige una destreza extraordinaria. Juan Gabriel López Guix, traductor de acreditada solvencia que ya había acometido las dos entregas de Alicia, asume el reto de trasladar el verso carrolliano al castellano, y logra conservar la rima consonante, la agilidad cómica y las consonancias internas del original.

Un logro notable de esta versión es la conservación del acróstico vertical contenido en la dedicatoria inicial a Gertrude Chataway, una niña que Carroll conoció durante unas vacaciones en la isla de Wight en 1875 y a quien retrató vestida de marinero (dibujo incluido también en esta edición). Las letras iniciales de los versos de la dedicatoria forman el nombre completo de la niña, una filigrana poética que muy pocas traducciones al castellano han conseguido reproducir con éxito. El trabajo de López Guix se complementa con una minuciosa introducción histórica, las biografías de autor, ilustrador y traductor y un exhaustivo catálogo de las ediciones de la obra publicadas en castellano, catalán, gallego y euskera, detallando las bibliotecas públicas donde se encuentran depositadas.

En cuanto a las ilustraciones, tras el agotamiento de John Tenniel —quien rechazó ilustrar más libros tras finalizar A través del espejo—, Carroll reclutó al pintor prerrafaelita Henry Holiday. Conocido por su célebre cuadro Dante y Beatriz (1883), Holiday creó un conjunto de nueve grabados interiores de atmósfera inquietante que complementan a la perfección el texto. Como curiosidad, Carroll rechazó una ilustración que Holiday había preparado para mostrar al Snark, argumentando que la bestia debía permanecer estrictamente inimaginable para el lector. No obstante, esta edición de Folioscopio incluye un guiño conmemorativo en el colofón con este dibujo vetado del Snark. Y, además, un anexo que cuenta el proceso de trabajo y reproduce bocetos de las ilustraciones y estudios de personajes.

Para completar esta estupenda edición, se incluye la parodia filosófica “Un comentario al Snark”, firmado por Snarkophilus Snobbs. Detrás de este nombre se hallaba en realidad el filósofo inglés Ferdinand Canning Scott Schiller, quien en 1901 publicó en la revista Mind! esta sátira contra los idealistas neohegelianos británicos, comparando célebremente la búsqueda del «Absoluto» filosófico con la absurda cacería del Snark y adjuntando una lámina en blanco como «retrato auténtico del Absoluto».

En definitiva, una gran edición de La caza del Snark que destaca por devolver al lector el objeto físico en todo su esplendor artesanal. Un tributo a un clásico inmortal que ofrece a seguidores de Carroll, bibliófilos y amantes del lenguaje una obra de referencia tan bella en la forma como impecable por su contenido.

© Folioscopio

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Título: Dan Diésel. El misterio del artefacto C
Autor: César Mallorquí
Ilustrador: Pablo Broseta
Editorial: SM, 2021
Edad recomendada: A partir de 10 años

Escribir para público infantil obliga a enfrentarse a un lector con una sensibilidad diferente. César Mallorquí ya había experimentado esa dificultad dos décadas atrás al redactar El hombre de arena por petición de su hijo. Tras corregir aquel texto catorce veces, decidió alejarse del género infantil hasta que una conversación con el editor Gabriel Brandariz (SM) desencadenó la creación de esta saga. Brandariz le sugirió crear una novela steampunk para el público infantil, y Mallorquí comprendió que su error pasado fue intentar adaptarse a la literatura infantil tradicional, en lugar de atraer el género hacia su propio terreno.

Descartado el siglo XIX por saturación, Mallorquí derivó la propuesta hacia el diéselpunk, una corriente retrofuturista enmarcada entre el final de la Primera Guerra Mundial y la Segunda Guerra Mundial. Este escenario tiene relación con las publicaciones pulp de los años treinta, una narrativa fascinante en sus planteamientos pero marcada por tramas repetitivas fruto de la rapidez con la que se escribían. Frente a la ingenuidad de personajes como Doc Savage o La Sombra, César Mallorquí buscó aplicar la fórmula cinematográfica de Indiana Jones: rescatar la imaginería desbordante del folletín popular con un ritmo moderno, ironía y un buen guion.

Así nació en 2021 Dan Diésel. El misterio del artefacto C, primer volumen de una tetralogía que combina la prosa de Mallorquí con el trabajo visual del ilustrador Pablo Broseta. La premisa sitúa a Daniel Álvarez, un niño aragonés de doce años, en el funeral de su padre dentro de un modesto pueblo oscense en abril de 1932. La llegada de Carmen Fortuna, secretaria de su desconocido tío Marc, altera el destino del niño al trasladarlo a una mansión a las afueras de Madrid.

La rutina salta por los aires tras el ataque de un autómata gigante que el tío Marc neutraliza con armamento futurista. Ese acontecimiento revela la verdadera identidad familiar: no se apellidan Álvarez sino Diésel, y su verdadero hogar no es la Tierra ordinaria sino Terra Prima, una dimensión paralela a la que acceden a través de un portal interdimensional. En ese universo conviven aeronaves, vigilantes enmascarados, mochilas-cohete, dinosaurios y sociedades secretas como Sentinel, a la que pertenecía el padre fallecido del protagonista.

La trama avanza impulsada por el misterio en torno al asesinato de su progenitor y la amenaza de un villano empeñado en secuestrar a Daniel para apoderarse del Artefacto C. Mientras intenta comprender las peculiaridades de Terra Prima, Dani descubre que su linaje posee habilidades sobrehumanas y que él mismo ha comenzado a levitar inesperadamente durante el sueño.

Mallorquí imprime a la narración un gran ritmo mediante capítulos breves, cliffhangers y diálogos con chispa. El narrador mantiene un tono directo que no es condescendiente con el lector infantil, y que combina la intriga del folletín con una capa de ironía más dirigida a lectores adultos. Los personajes secundarios, como la joven Gabriela Cruz, aportan un contrapunto a las escenas de acción.

En el aspecto gráfico, el enfoque de Pablo Broseta es muy acertado. Sus ilustraciones a color capturan la estética retrofuturista con logotipos, cabeceras tipográficas y dobles páginas estructuradas como viñetas de historieta. Además, la edición incorpora en cada libro ocho páginas de formato cómic que acentúan ese homenaje a la narrativa gráfica clásica.

Dan Diésel apuesta por el sentido de la maravilla, la aventura espacial y la exploración de mundos paralelos. La historia se extiende a lo largo de otras tres entregas donde el arco argumental se despliega: la tetralogía continúa con El poder de Khan, La máscara púrpura y finaliza con El enigma de otro mundo.

César Mallorquí demuestra con Dan Diésel que un autor tradicionalmente juvenil puede abordar la literatura infantil sin renunciar a su estilo personal. Una gran lectura para quienes buscan acción, humor y una ambientación retrofuturista ejecutada con la calidad incuestionable de un escritor excepcional.

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