Playlist Society : Critiques et Chroniques Culturelles

GIRLS - Album [3,5/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Thu, 12 Nov 2009 07:30:00 +0000

Rock Hippie / 2009. S’il m’arrive évidemment de rester parfois dubitatif face à l’emballement de la presse ou de certains de mes collègues blogueurs, rarement mon orientation sera antinomique au point de m’offusquer, au point de susciter l' incompréhension, au point d’avoir le sentiment de glisser sur un terrain qui va au de là de la musique, qui se rapprocherait plus d’un vrai positionnement émotionnel, quelque chose que j’assimilerai plus à un fossé socio-politique où vous savez dès le départ que les fondements sont trop ancrés pour que le débat et l’argumentation ne débouchent sur une évolution. Non je suis un homme modéré. Face à l’incompréhension, j’aurais plutôt tendance, à jouer la carte du détachement ou de l’absence purement personnelle de ressenti. Mais cet album, putain cet album, j’ai juste envie de sortir un tourne-vis, d’y graver des cicatrices éternelles, de poncer ses rides, de le mettre au micro-onde, de le contaminer par radiation et enfin et seulement de le laisser moisir au fin fond d’un bac d’occaz chez Gibert Joseph !

Voix nasillarde forcée à la limite de la parodie comme dans un mauvais groupe de reprise (« Lust For Life »), mélodie calibrée pour faire rêver les jeunes filles en mal d’amour parsemée de guitares dégoulinantes (« Laura »), chanson de bal pour midinettes (« Ghost Mouth »), invocation d'une flamme rock’n’roll dont il ne possède pas la légitimité (« Big Bad Mean Motherfucker »), Girls a tout du groupe qui arpente les tremplins rock à la recherche d’un vieux briscard qui accepterait de croire à ses références et à son style.

Les gars de San Francisco auraient tout de même tendance à s’en sortir un peu mieux sur la deuxième partie, « Hellhole Ratrace » et le post-shoegaze « Morning Light » ayant une durée de vie supérieure à trois écoutes et se permettant même le luxe de rappeler la fraîcheur de The Pain Of Being Pure At Heart. Mais tout ça est bien trop bref pour me détourner de ma cause.

Je ne connais pas le nom du leader de Girls, je ne connais pas son histoire, je ne connais pas son visage et en tapant Girls dans Google Images, je tombe sur des photos qui auraient plutôt tendance à me détourner du problème, mais quand j’entends sa voix sur des titres comme « Summertime », j’ai juste envie de concentrer en un point unique toute la puissance contenue dans mes 57 kg (puissance toute relative, certes...) et de lui mettre une claque, soit pour qu’il s’arrête, soit pour qu’il se secoue.

Il faut cependant faire preuve d’objectivité et constater qu’en de rares instants, Girls innove : non vraiment « le mur de guitare hippie » quelle merveilleuse invention ! Et « la musique gothique hippie » de « Lauren Marie » hein ? Oui aussi ! Et pendant qu'on y est parlons également de « la corde hippie » sur « Curis » et du « cyanure hippie » sur « Darling » !

Au fond c’est peut être bien de ça qu’il s’agit, de considérations sociales, de choix de vie. Tout ce que j’ai à reprocher à Girls peut être résumé en 20 minutes au travers de ce formidable documentaire qu’est l’épisode 2 de la saison 9 de South Park : « Die, Hippie, Die » (désolé, pas trouvé la Vost, ce sera donc la Vf). Bon allez, c’est pas tout ça, mais je retourne écouter Slayer.

Note : 3,5/10

>> A lire également, pour un avis différent et plus argumenté, la critique de Julien sur Goûte Mes Disques

L'ECUME DES JOURS de Boris Vian [10/10]

noreply@blogger.com (Matthieu H) — Wed, 11 Nov 2009 10:11:00 +0000

Cette critique a été écrite par Matthieu H de Playlist Society 3

Roman Français / 1947. Pourquoi décider d’écrire sur l’écume des jours, en ce dimanche plutôt gris, plus de cinq années après l’avoir lu pour la première fois ? Pour combler un vide ? Pour rendre hommage à un livre publié il y a soixante ans et qui ne cessera jamais de diviser le monde littéraire en deux catégories : ceux qui ont adoré et ceux qui n’ont pas eu cette chance ? Pour le bonheur de me replonger dans ces lignes qui n’en finiront jamais de me toucher ? Probablement les trois et pour bien d’autres raisons encore… Car l’écume des jours est bien plus que mon roman préféré, celui qui trône au sommet de mon panthéon littéraire ; l’écume des jours est à l’image de son titre, poétique et léger en même temps qu’énigmatique et fascinant ; l’écume des jours est un roman d’amour comme on en écrit plus, il n’est pas que « le plus poignant des romans d’amour » comme le disait Raymond Queneau, il est à mon sens le plus humain des romans d’amour…Colin n’est rien sans Chloé, elle est sa préoccupation suprême et superbe, celle à qui, face à ce nénuphar qui obstrue peu à peu son cœur, il consacrera toute son énergie, toute sa force, tout son amour sans jamais se résoudre à accepter l’inévitable. Et lorsque celle-ci s’en va définitivement, ce n’est pas son monde qui s’écroule, c’est LE monde qui disparait. Colin et Chloé sont des héros ordinaires dans un univers extraordinaire, et non l’inverse comme cela est si souvent le cas ! Ils n’ont ni le côté tragique de Chimène et de Rodrigue dans Le Cid, ni la dimension shakespearienne d’un amour défendu à la Roméo et Juliette et encore moins l’empreinte de la fatalité qui lie Tristan et Yseult. Colin et Chloé feraient davantage penser à Orphée et Eurydice, amoureux transis rattrapés par un sort qui s’acharne. Tel Orphée, Colin luttera jusqu’au bout pour celle qu’il aime ; tel le joueur de lyre, il ne se relèvera pas d’avoir perdu sa muse. Il a beau porter un prénom ridicule, on rêve tous un peu d’être un Colin, d’incarner pour nos « Chloé » cette posture du passionné romantique si éloignée pourtant de toute mièvrerie, et de pouvoir répondre comme lui à la question « Et vous, que faîtes vous dans la vie ? » : « Moi, j’apprends des choses et j’aime Chloé ». Apprendre et aimer, quelle belle ambition, quelle simple philosophie…

Mais l’écume des jours ce n’est pas qu’une déchirante histoire d’amour. C’est également un roman à l’imagination débridée où se mêlent le jazz et l’existentialisme sartrien, un conte fantastique où les pianos font des cocktails et où les souris parlent, un recueil de néologismes à en donner des sueurs froides à un membre de l’Académie française…Il est inutile de tenter de décortiquer tout l’univers de Boris Vian, si inaccessible même aux plus initiés, et il serait même contre-productif de le faire. On ne peut que se laisser bercer par la poésie des images, se laisser entrainer par les frasques de Chick ou de Colin, se laisser envouter par une ordinaire histoire d’amour de laquelle on ne peut se défaire bien des années après l’avoir lue… Alors oui, beaucoup n’aiment pas, pire s’il en est, certains demeurent indifférents, victimes souvent d’une lecture forcée au collège ou au lycée. C’est que, à mon sens, aucun livre ne s’est jamais aussi mal prêté à une lecture obligatoire et à une étude fastidieuse dans le cadre contraint d’une salle de classe. On ne peut « analyser » l’écume des jours comme on étudierait un poème de Rimbaud ou un roman de Flaubert. L’écume des jours oblige à voir au-delà des simples mots, à dépasser le texte et à lire avec un cœur d’enfant qui a déjà un peu vécu, et surtout aimé…

Vian était un proche d’Aragon et on ne peut s’empêcher à la lecture de l’écume des jours d’entendre résonner ces vers du poète : «Rien n’est jamais acquis à l’homme ni sa force / ni sa faiblesse, ni son cœur et quand il croit / ouvrir ses bras son ombre est celle d’une croix / et quand il croit serrer son bonheur il le broie / sa vie est un étrange et douloureux divorce / Il n’y a pas d’amours heureux (…)

Et pourtant c’est bien leur amour à tous les deux…

L’écume des jours restera à jamais ma plus belle aventure littéraire, Colin et Chloé ma plus belle histoire d'amour, et Chloé ma plus belle rencontre…

Note : 10/10

LE RUBAN BLANC de Michael Haneke [8,5/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Wed, 11 Nov 2009 07:30:00 +0000

Film franco-germano-italo-autrichien / 2009. Les années filant, et après un futile auto-remake de Funny Games, il semble indispensable pour Michael Haneke de prouver qu'à sa manière, et de par la complexité de sa filmographie aussi bien homogène que hétérogène selon l'angle choisi, il est bien un cinéaste de l'importance de Stanley Kubrick. D'ailleurs, s'il fallait pousser la comparaison, « Le Ruban Blanc » serait définitivement son « Barry Lindon » tant le film a pour vocation non pas la recherche immédiat du plaisir du spectateur mais bien la nécessité de s'inscrire durablement dans ses souvenirs et dans sa morale.

En voyant « Le Ruban Blanc », on se rappelle que Haneke avait également réalisé une adaptation de « Le Château » de Kafka. On y ressent le même classicisme, la même méticulosité que chez les maîtres comme Fritz Lang. Bien sur le film est d'autant plus passionnant lorsque l'on connait la filmographie de l’autrichien, lorsqu'on a déjà eu l'occasion d'avoir été confronté à son travail sur la violence.

Sous ses airs de film sage qui suggère toujours plus qu'il ne montre, « Le Ruban Blanc » est peut être l'œuvre la plus dérangeante, la plus malsaine de son auteur, et ce sans même nous faire vivre un suicide traumatisant (« Caché ») ou abusé de la scarification (« La Pianiste »). La raison est qu'ici nous ne sommes pas dans la fiction, mais prisonnier dans l'Histoire à mille lieux des délires tordus d'un réalisateur fou, et que l’Histoire est toujours bien plus angoissante que la fiction.

De l'Histoire, il n'est question que de cela dans « Le Ruban Blanc ». Comment l'accumulation de la frustration a-t-elle pu changer le cours du monde ? Le professeur-narrateur nous promet de nous conter une histoire dont il ne connait ni les tenants ni les aboutissants, mais une histoire qui pourrait expliciter les événements survenus en 1914. De ce fait, le spectateur comprends très vite que comme dans « Caché » il ne connaitra jamais la solution de l'énigme, et qu'il sera le plus souvent tenu à l'écart des drames familiaux via des cameras qui n'osent jamais dépasser les seuils des portes, préférant entendre les cris de loin plutôt que d’immiscer le spectateur dans une histoire qui n'est pas la sienne. Le spectateur sera passif, il vivra les silences, la routine du quotidien, il s’ennuiera peut être aussi un peu ; un petit prix à payer pour un film qui marquera si longtemps les esprits.

Effectivement, le dixième film de Michael Haneke soulève des questions qui dépassent souvent la simple analyse et qui sortent du cadre du visionnage. Narrant l’histoire d’un village allemand à la fois féodal et soumis à un certain obscurantisme religieux, « Le Ruban Blanc » traite avant tout de la rébellion d’une génération contre les codes. Il ne s’agit pas ici de s’attaquer à la génération précédente mais plutôt d’accomplir ce qu’elle n’a jamais eu les trippes ne serait-ce que d’envisager. Sous son ambiance glauquissime où chaque détail participe à créer une tension palpable, à instiguer un malaise que finalement rien ne justifie, le film essaye de faire suffoquer le spectateur pour bien qu’il comprenne le poids de la vie, le poids du temps et le contexte dans lequel ce pays est entré dans le monde contemporain.

Les interprétations sont multiples, et il est peu aisé de comprendre les tenants et les aboutissants de la rhétorique hanekienne. Quand le narrateur demande à Martin ce que ce dernier cherchait à faire et que le jeune garçon répond qu’il voulait donner une chance à Dieu de le tuer, et que s’il ne l’avait pas fait cela signifiait que Dieu cautionnait ses actes, on ne connait pas la portée des mots. Martin évoque-t-il le poids de la religion et le fait que son père transforme le moindre acte en péché contre Dieu ? Porte-t-il le poids de la culpabilité pour des sévices réalisés ? Ou bien la phrase est-elle à prendre de manière plus globale, faisant référence ainsi aux deux guerres et à la Shoah ? Si Dieu a laissé faire, c’est qu’il était d’accord. Voilà une limite que le film explore au travers de ces jolies têtes blondes qui un quart de siècle plus tard seront au cœur des armées de l’Allemagne Nazie.

Note : 8,5/10

>> A lire également, la critique de Thomas sur Rob Gordon a toujours raison

THE LIMES - The Limes [9/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Tue, 10 Nov 2009 07:30:00 +0000

Indie Folk franco-américaine / 2009. J’ai toujours eu peur de partir vivre à l’étranger, toujours eu peur de m’y perdre, d’y suffoquer et de ne pas savoir en rentrer. Cordon mal coupé, attaches fraternelles et amicales trop ancrées, santé défaillante pouvant potentiellement être exacerbée par la solitude, les raisons étaient auparavant multiples. Mais les choses ont bien sûr évolué et aujourd’hui je suis devenu suffisamment narcissique pour rester indéfiniment seul avec moi. Il n’y plus de barrières psychologiques. Je pourrais décider de tout plaquer, filer à l’aéroport, m’attaquer aux grands espaces. Malheureusement de nouveaux obstacles se sont entre temps dressés : prêts, responsabilités, impression justifiée d’être placé sur des rails. Il y a toujours mille raisons pour ne pas partir. Alors je me dis que ce n’est pas grave, qu’au moins je n’aurais pas à affronter mes craintes. Je m’auto-persuade qu’il n’est pas raisonnable de vouloir s’enfuir quand on considère le voyage comme un pèlerinage solitaire et non pas comme un lieu de rencontre.

Pourtant depuis quelques temps, l’envie d’ailleurs ne cesse de me tarauder. Je ne sais pas s’ils cherchent à me faire passer un message mais tous mes amis ne me parlent que de nouveaux paysages à découvrir. Je reçois des lettres d’Erwan où il est fait état d’intercontinentalité où il écrit sur les périples à travers le temps. Je me ballade avec Arbobo près du Champs de Mars et il me conte des histoires de cavalcades qui nous emmène dans le vieux sud et de gens qui travaillent à étendre leur propre frontière. Je vais boire un café avec Cécile, elle semble émerveillée, comme possédée par des visions de musique qui respire le cinéma, de films improbables, de virées sans but, de roadtrips à la fin tragique mais aux émotions exacerbées. Je m’échappe alors chez Mauve pour lui confier mes doutes, savoir si elle pense que je devrais partir et là au lieu de me répondre, elle n’a à la bouche que des évocations de mets exotiques : poulet à la thaï, et Mojito frappé comme ceux qu’on boit jusqu’à la lie en profitant des derniers jours d’été indien.

Suite à ça, j’ai longuement médité mais cette fois je suis résolu, je veux partir ! Je veux me laisser porter par le courant (« The Snake »), tomber amoureux de la première étrangère croisée (« Miniature »), méditer seul sur une plage désespérément romantique (« Miniature »), conquérir l’ouest (« Sao Fransico Waters »), marcher la nuit dans des cités inconnues (« City Lights »), mourir pour mieux renaître (« Morning, Noon & Night »), prendre le large, traverser les mers (« Dead Furniture »), arpenter des fêtes foraines, me perdre dans la maison des miroirs (« Big Top Head »).

Ou alors je peux rester chez moi dans mon cocon, écouter The Limes et trouver une nouvelle façon de voyager, moins réelle mais tellement plus spirituelle.

Note : 9/10

MARIE FLORE - More than thirty seconds if you please [8,5/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Mon, 09 Nov 2009 07:30:00 +0000

Cette critique a été écrite pour Le Hiboo, vous pouvez la retrouver ici

Folk française / 2009. Il me parait assez déplacé de dire à un artiste qu’il possède une vision inexacte de son œuvre, de prétendre savoir mieux que lui comment doivent se positionner ses chansons. Pourtant, quand j’entends Marie Flore parler de son « mini-album », mon poil s’hérisse, mes sourcils se froncent, je m’offusquerai presque. Est-ce par pudeur, par fausse modestie ? Qu’est ce qui peut pousser la chanteuse à parler de « More than thirty seconds if you please » comme d’un mini-album ? Se voile-t-elle la face ou joue-t-elle d’humilité ? Je ne sais pas mais autant que les choses soient claires : « More than thirty seconds if you please » n’est ni une simple mise en bouche, ni un avant-goût d’un bonheur futur. Il s’agit d’une œuvre à part entière, d’un premier album magique, qui tout comme les 7 titres du The Enemy de Centenaire ne doit pas être traité comme autre chose.

Pureté de l’épuration ou épuration de la pureté, Marie Flore est une promesse glaciale de délices émotionnels dont « Trapdoor » est la porte d’entrée que nous cherchions désespérément depuis si longtemps. Sur « Dizzy » la guitare se fait psychédélique et le voyage commence porté par cette voix si fragile qu’on a peur à chaque instant qu’elle nous échappe des doigts. La chanson dure moins de deux minutes mais en dit plus que beaucoup d’albums de folk bucolique ennuyeux. Derrière ses formats courts, derrière son improbable simplicité, la jeune française irrigue ses chansons d’une richesse mélodique qui désarçonne à chaque instant (« Sweet to the taste »).

Abandonnée dans la nuit, sa voix se dédouble, un alter-ego chuchote dans son dos et les aigus posés sur cette douce couche n’en sont que plus poignants (« Empty Walls »). « While you where there » n’a rien à envier à la rage sensible de Pj Harvey tandis que « Half past three » m’oblige à me recroqueviller sur moi-même comme un gamin perdu et apeuré et ce avec seulement trois notes de guitares. « Twist me round your little finger » ne possède pas de canevas, pas de chemin tracé, les notions de couplets et de refrains sont d’un autre temps lorsque l’on possède une telle fluidité d’écriture. L’album se clôture sur « The soft divide » composé avec les Rare Birds de Gregg Foreman. Marie Flore y relève même le défi de susurrer des mots en français créant ainsi un pont entre les grands espaces de The Limes et ce que Biolay est capable de faire de mieux.

Certes « More than thirty seconds if you please » n’a pas été enregistré d’un trait, certes il s’agit de collage de chansons ayant chacune leur propre existence, certes il ne possède que huit titres, mais en moins de 25 minutes Marie Flore nous conte le passé, le présent et le futur de la folk, sans fioriture, sans prétention, sans en dire plus que le strict nécessaire.

Envoyer un mail à Marie Flore, saisir quelques chiffres sur Internet, recevoir une lettre, glisser le disque dans sa platine, se délecter… voilà une manière de consommer la musique qui me sied ford bien.

Note : 8,5/10

>> A lire également, la critique de Mauve sur Violette Roll et la critique de Mathieu sur Arbobo

ARCTIC MONKEYS (Au Zenith) [8,5/10]

noreply@blogger.com (Marien D) — Fri, 06 Nov 2009 18:03:00 +0000

Indie Rock / Paris / Le 06 Novembre 2009. Ce soir devait être pour moi une façon de boucler ma boucle, compléter une chose qui me tenait à cœur, pouvoir dire enfin « Oui, j’ai vu mes cinq groupes préférés sur scène ! ».

Arctic Monkeys et surtout Alex Turner, dépeint par beaucoup comme un nouveau génie musical, un type dont nos enfants connaîtront le nom comme nous pouvions connaître Jim Morrisson, une légende en devenir, était donc sur scène hier soir et ce fut parmi un public très jeune de moyenne d’âge que je dus me faufiler jusqu’au centre de la fosse.

Mais prenons les choses dans l’ordre si vous le voulez bien et débutons par la première partie, qui n’était pas des moindres d’ailleurs : Eagles of Death Metal. Il y avait bien longtemps que je n’avais pas vu un tel chauffage de salle : les Américains savent y faire, rien à dire, l’ambiance est montée d’un coup, poussée par de gros riffs sales entrecoupés de mini-arpèges aigues (la touche Josh Homme) les gros roulements de batterie de Joey Castillo et les déhanchements équivoques du chanteur redneck Jesse Hughes. La température a donc augmenté de 15 degrés en moins de temps qu’il n’en faut pour reprendre « Boys Bad News » et « Cherry Coke » à l’unisson. Le public est conquis, à deux doigts d’en redemander, bref un show de 45 minutes d’une ultra qualité, prenant et marrant tant leur délire de gros bikers à moustache est poussé à son paroxysme aussi bien dans leur musique que dans leur jeu de scène.

Le moteur se coupe, la lumière revient. Je me retourne et constate que la salle est maintenant pleine mais surtout je décèle une forte population jeune et féminine. Je n’ai jamais assisté à un concert des Beatles, mais je suppose qu’à l’époque ce devait être comme cela aussi : des cris d’hystérie voire d’hystériques à vous en faire exploser les tympans, qui recouvrent instruments et voix, qui énervent surtout lorsqu’on vient pour la musique et pas forcément pour la plastique des musiciens.

Au travers de ces cris donc, le rideau s’ouvre sur une scène enfumée et « Dance Little Liar » lance les hostilités. La salle étant déjà préchauffée, la poudre prend feu immédiatement et par la magie des marées humaines je me retrouve en l’espace de quelques secondes déplacé de 10 mètres vers la scène, que du bonheur ! Le show s’enchaine donc pédale au plancher avec comme point d’orgue le tube du premier album « I bet you look good on the dancefloor » et cerise sur le gâteau un clin d’œil génial à leur nouveau producteur avec la précitée « Touche Homme » : trois, quatre notes aigues de guitare seule qui viennent relever un riff bourrin et court soutenu par la basse et la batterie.

C’est par une face b, « Sketchead » que les singes calment un peu les esprits et permettent à tout le monde de reprendre son souffle. La suite n’est qu’enchainement de titres plus géniaux les uns que les autres dont l’un de mes préférés : « The jeweler’s hands » avec son final en quatre temps prenant et montant. Des morceaux joués donc à la perfection, parfois touchant, parfois entrainant, parfois les deux en même temps.

Mais… et oui il aura bien fallu un « mais » puisque rien n’est jamais parfait dans ce monde et que rédiger une critique sans donner mon ressenti ne serait pas une critique, mais force est d’avouer qu’il manquait malheureusement un petit « quelque chose ». Ce « quelque chose » est d’habitude très simple à expliciter : « mauvais son », « manque de communication avec le public », j’en passe et des meilleures. Mais hier soir il s’agissait d’autre chose, je pense une attente plus personnelle qui n’a pas été comblée et celle-ci touchait Alex Turner en particulier. Vous l’aurez compris ma petite introduction sur le personnage relevait d’un certain sarcasme : il est vrai que le gamin est génial, touchant et intrigant, mais sur scène il semble absent, ailleurs, se contente de jouer ses morceaux comme pour un enregistrement studio. Bon, il était clairement sous le coup de l’alcool, reconnaissons-le, presque incapable de jeter son médiator au public le moment venu. Mais au-delà de cela quelque chose m’a énormément gêné : je m’attendais justement à un kid de 23 ans, chétif et naïf, or sur scène il n’y avait qu’une rock-star bourrée, blasée de rejouer et rejouer les mêmes morceaux de sa tournée gagne-pain et content de regagner les loges après la seconde chanson du rappel.

Il est vrai maintenant avec un peu de recul que ses textes, ses chansons ne sont jamais très gaies, que la noirceur est la marque de fabrique du poète et que côté public, durant les presque 90 minutes de concert j’étais simplement aux anges que ce soit dans les moments de défoulement/pogo ou les moments plus calmes des ballades, mais voilà, il manquait clairement quelque chose hier soir et je pense pouvoir dire que ce « quelque chose » c’était la naïveté, la fraicheur de la jeunesse.

Il faut donc bien l’admettre, Arctic Monkeys, même si leur moyenne d’âge ne dépasse pas les 24 ans, joue maintenant dans la cour des grands, pour le meilleur et pour le pire, et c’est peut-être un (tout) petit peu dommage.

Note : 8,5/10

La setlist du concert :

Dance Little Liar

Brianstorm

This house is a circus

Still take you home

I bet you look good on the dancefloor

Sketchead

My propeller

Crying lightning

Dangerous animals

The view from the afternoon

Cornerstone

If you were there, beware

Pretty visitors

The jeweler’s hands

Do me a favour

When the sun goes down

Secret door

Fluorescent adolescent

505

HATEBREED - Eponyme [4,5/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Fri, 06 Nov 2009 07:30:00 +0000

Métal Hardcore américain / 2009. En 2002, puis en 2003 « Perseverance » et « The rise of brutality » avaient bien trompé leur monde, laissant entrevoir chez Hatebreed un candidat potentiel au rang des machines de guerre metal hardcore. Malheureusement le groupe sombra bien vite dans les clichés inhérents au style et s’enferma dans le carcan de son propre jeu, laissant supposer qu’il aurait mieux fait de se cantonner à ses premiers amours purement coreux.

Ce nouvel album eponyme ne changera pas la donne tant les gars du Connecticut semblent définir l’efficacité comme unique objet de finalité. Riffs rapides, rythmiques qui ne lâchent rien, chant faussement guttural, les éléments sont bien présents et l’illusion est parfaite sur « Become The Fuse » « Not My Master » ou encore « Hands Of A Dying Man ». On peut même dire que sur des titres comme « Between Hell And A Heartbeat » l’inventivité des riffs de Frank Novinec et Wayne Lozinak est loin d’être remise en cause.

Cependant, on finit vite par s’ennuyer tant cet éponyme ressemble à une coquille vide emplit d’une agressivité imaginaire (« Everyone Bleeds Now ») et de backings vocals punk assez peu crédibles (« No Halos For The Heartless »). Le voile est levé et la farce n’amuse plus. Sur « In Ashes They Shall Reap », Jamey Jasta harangue efficacement l’auditeur, rappelant plus Max Calavera que ses idoles hardcore. L’époque des premières parties de Sick of it All semble être un lointain souvenir, et le groupe ne cache plus ses aspirations en terme d’accessibilité.

Uniquement destiné à faire moshpiter gentiment son public en concert, Hatebreed duplique à l’infini une formule éprouvée. Face à un tel manque d’innovation et de prise de risque, on finit par franchement avoir envie de faire autre chose (« Through The Thorns », « Merciless Tide », la classique ballade « Undiminished »). Alors oui « Every Lasting Scar » et le très Slayer « As Damaged As Me » ont tendance à donner le sourire mais il faut dorénavant plus qu’un plissement de lèvres pour me convaincre.

Bête mais puissant, Hatebreed n’arrive donc plus à cacher sous la puissance des riffs son manque de créativité. Comparé à Converge, Hatebreed ressemble de plus en plus à un gamin geignard qui fait tout pour qu’on le remarque. Il faut dire que ce n’est pas très intelligent de sortir un album de metal hardcore à quelques semaines d’intervalle du chef d’œuvre « Axe To Fall » ; un peu comme si Editors sortait ses disques au même moment que Interpol pour bien se ridiculiser ;)

Note : 4,5/10

THE AIRBORNE TOXIC EVENT - S/T [3,5/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Thu, 05 Nov 2009 08:30:00 +0000

Pop-rock américain / 2009. La chronique d’aujourd’hui aurait pu s’appeler « une chanson, un groupe » tant chaque titre des américains de The Airborne Toxic Event fait référence à un des leaders mondiaux de la pop. Signé sur Island Records (sic), le groupe semble avoir essayé de sortir un best of de titres qui ne sont pas les siens.

« Wishing Well » cherche, sans succès, l’impact immédiat de Kasabian. « Papillon » aurait pu être une bonne chanson si Mikel Jollett s’appelait Julian Casablancas, mais a tendance à rester au niveau de la pop de seconde zone. « Gasoline » commence comme une parodie de Dirty Pretty Things pour finir comme un pastiche de The Libertines, la différence est maigre et le résultat est de toute façon particulièrement futile. « Hapiness is overated » est, je suppose, le single de l’opus. Le choix peut paraître pertinent quand on voit les ventes réalisées par The Killers, mais s’avère forcément difficile à légitimer. « Does This Mean You're Moving On » porte lui l’étendard du rock énergique de Franz Ferdinand ; tant mieux je ne me lasse pas de « Tonight ».

« This is nowhere » s’amuse à reproduire les duels de guitares et de claviers sur lesquels Kaiser Chief a calibré pas mal de ses tubes pour stades. « Something Around Midnight » débute avec des violons à la The Last Shadows Puppets, de ses violons qui servent à donner de la maturité à une chanson ; mais comment parler de maturité quand on essaye en réalité de faire du sous U2 (si si c’est possible, je vous jure). Le titre de « Something New » doit ainsi probablement être pris au second degré. « Missy », et ses mélodies brinquebalantes à la Babyshambles, possède un certain charme mais c’est définitivement trop tard. Quant à « Innocence » le jeu consiste cette fois à reprendre Kings Of Leon et là c’en est définitivement trop pour moi.

Après une telle écoute, je serai presque curieux de voir ce que raconte The Airborne Toxic Event en interview (et pourtant, Dieu sait combien les interviews m’inintéressent). Je les imagine bien débiter des conneries du style que leurs influences proviennent essentiellement des années 70, qu’ils n’écoutent pas vraiment ce qu’il se fait actuellement en musique, et nanani et nanana. Enfin bon j’extrapole là, ce sont sûrement des gens très sympathiques, des copieurs parfaitement respectables.

Note : 3,5/10

>> A lire également, pour un avis différent, la critique de Lyle sur Dans le mur du son

FLIGHT OF THE CONCHORDS - I Told You I Was Freaky [7/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Wed, 04 Nov 2009 07:30:00 +0000

Hop Folk néo-zellandais/ 2009. Depuis toujours, j’ai pris la très mauvaise habitude de traîner avec les potes de mon petit frère, et pendant longtemps, je pense qu’il m’en a, à juste titre, un peu voulu. Pourquoi m’immiscer sans cesse dans le cercle des relations sociales de mon frère ? Un peu parce que j’ai confiance dans ses choix amicaux, un peu parce que j’ai l’impression que cela me permet de rester proche de lui, et un peu aussi à cause du hasard, des concours de circonstances que je ne maîtrise pas. Mais depuis quelque temps, ayant compris certaines choses, j’essaye de me faire plus discret, même si la discrétion est chez moi un concept tout relatif. Et voilà que pourtant, alors que je m’étais juré qu’on ne m’y reprendrait plus, je me suis retrouvé à aller boire un verre avec la seule de ses très bonnes amies que je ne fréquentais pas. Il faut dire que la demoiselle est actuellement en stage dans un des labels indé que j’estime le plus, et que Playlist aidant, il me paraissait fort inapproprié de ne pas aller boire des bières avec elle ;) A un moment de la soirée elle me demanda s’il m’arrivait d’aimer un disque sans le passer au crible de mes critères habituels (démarche artistique, ressenti émotionnel, aspect technique), s’il m’arrivait de prendre du plaisir à écouter un album sans raison explicable, juste simplement, sans analyse, dans un esprit qui doit se rapprocher de ce que les gens appellent « les plaisirs simple de la vie ». Une réponse honnête aurait évidemment consisté à dire que non, que pas du tout, que j’étais un connard qui ne pouvait apprécier un disque en dehors de ses propres critères ; une telle réponse impliquant évidemment le corollaire suivant : que non je ne pouvais pas comprendre que quelqu’un aime un album comme ça sans raison, juste parce que la mélodie lui rentrait bien dans la tête et le rendait heureux. Mais bon je ne voulais pas passer pour le mec aigri que je suis parfois, pour ce faux intello méprisant persuadé qu’il détient la connaissance absolue lui permettant de juger un disque (énorme défaut qui est pourtant un indéniable pré-requis pour avoir la motivation d’écrire des chroniques sur près de 150 albums par ans). Du coup, j’ai un peu arrangé la réalité, j’ai nuancé mon propos en prétendant que oui bien sûr il m’arrivait d’adorer des disques qui ne feraient pas date, des disques avec une limite de péremption, que comme tout le monde je pouvais avoir « mes péchés mignons ». Malheureusement je me suis rapidement perdu dans mes explications et quand il a fallu citer un exemple, je me suis un peu retrouvé à sec. Ce qui nous amène - il n’est pas trop tôt, je vous l’accorde - à ce second opus de Flight Of The Conchords. Voilà l’album que j’aurais du citer « I Told You I Was Freaky » de Flight Of The Conchords ! Un album qui ne se pare pas d’ambitions artistiques, un album qui ne me touche jamais en plein coeur, un album qui ne m’éblouit jamais par sa virtuosité, mais bien un album que j’écoute en boucle.

S’appuyant sur le même concept que le premier opus, « I Told You I Was Freaky » est évidemment le binôme de la deuxième saison de « Flight Of The Conchords ». J’aurais d’ailleurs sûrement l’occasion de revenir plus tard sur cette série atypique où Jemaine Clement et Bret McKenzie jouent leur propre rôle de musiciens fauchés dans un univers des plus décalés, où ils ne cessent de déployer des trésors d’humour et d'enchainer les situations les plus cocasses.

Alors de quoi est-il question avec « I Told You I Was Freaky » ? D’une BO de série ? D’une succession de pastiches ? De titres à vocation humoristique chantés par deux troubadours ? Oui effectivement c’est bien de ça dont il est question. Suis-je en train de vous dire que je vais vous parler d’un album qui ressemble plus un best-of des inconnus qu’à du post-electro-indie-folk ? Encore une fois oui. Est-ce que je me fous de votre gueule ? Non, vraiment pas, car Flight Of The Conchords possède un talent unique dans une catégorie musicale où la musique n’est justement pas la finalité de base.

Je ne vais pas vous citer tous les passages qui vous feront marrer en écoutant ce disque, mais il faut savoir que « Hurt Feelings » le premier titre est une parodie du milieu hip hop qui au final fait bouger la tête comme n’importe quel gang de la west coast. « Sugalumps » et « We're Both In Love With A Sexy Lady » arrivent à faire une synthèse entre R Kelly et Kanye West. Le rendu est incroyablement sexy tout en proposant des sonorités qui ne cachent pas leur aspect innovant. « I Told You I Was Freaky » est un hybride rappelant Michael Jackson et Eminem, rien d’étonnant pour un pastiche, sauf qu’encore une fois c’est particulièrement réussi.

Après un début plutôt hip hop, s’éloignant un peu de la folk lo-fi du premier album, « Demon Woman » remet le groupe sur les rails d’une pop folk enjouée. Mais c’est vraiment « Rambling Through The Avenues Of Time » qui finit par convaincre de l’intensité du songwriting de groupe, tant on penserait presque à du Belle & Sebastian. « Fashion Is Danger » a un côté David Bowie qui ferait du rap en plein milieu des années 80, c’est juste succulent.

« Petrov, Yelyena And Me » est le point noir de l’album, le groupe se faisant paresseux en terme de mélodies et d’appropriation du second degré, mais précède The single de l’opus : « Too Many Dicks (On The Dancefloor) » ! Bah qu’est ce qui lui arrive à Benjamin F, ce n’est pas son genre de kiffer ce genre de blagues potaches. Oui, of course, c’était le sens de mon intro. Flight Of The Conchords me fait bêtement rire avec ses chansons qui arrachent bien plus que certaines idoles actuelles de la musique électronique comme The Bloody Beetroots.

« You Don't Have To Be A Prostitute » pousse le bouchon encore plus loin en arrivant à me faire supporter du début à la fin une chanson d’inspiration reggae, l’un des styles que je conspue le plus ;). « Friends » porté par son instrumentation vocale gagne en mélodicité à chaque écoute. Enfin « I Told You I Was Freaky » se clôture sur deux jolies ballades.

Aussi incroyable que cela puisse paraître, les Flight Of The Conchords se suffisent à eux même sur disque. Pas besoin d’avoir vu l’intégralité des épisodes dans lesquels interviennent ces chansons pour prendre un plaisir simple à passer en boucle cet étrange album mi folk sensible, mi electro hip hop chatoyant.

Note : 7/10

THE MOUNTAIN GOATS - The Life of the World to Come [9/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Tue, 03 Nov 2009 08:30:00 +0000

Indie Folk américaine / 2009. Connaissez-vous The Mountain Goats ? Pas dans le sens connaissez vous de nom ou y avez-vous déjà jeté une oreille. Non connaissez vous vraiment The Mountain Goats et leur 16 albums dont les sorties se dispersent sur seulement 14 ans ? Connaissez vous cet étrange personnage qu’est John Darnielle, l’unique membre permanent du groupe qui crée autour de lui un univers à géométrie variable ? Si la réponse est oui, ne poursuivez pas la lecture car vous en savez sûrement déjà plus que moi.

A chaque sortie d’album, je me dis qu’il faut que j’approfondisse le mystère The Mountain Goats, que je me noie dans cette discographie sans fin, que je déterre le fil directeur de ce flot continue de ballades pop folk qui ne manquent pas de rugosité. Mais l’ampleur de la tâche n’en finit pas de me détourner du droit chemin. Pourtant à la simple lecture de la tracklist de « The Life of the World to Come », composé uniquement de chansons inspirées de versets de la Bible, il est implicite qu’un univers intriguant est à portée de main.

Le livre traîne quelque part dans l’appartement. Dans le tiroir de la table de nuit ? Recouvert de poussière sous le lit ? Coincé dans la bibliothèque entre Houellebeq et Sartre ? J’ose espérer que personne ne l’a descendu à la cave. Ah non ça y est, je me souviens, il est confortablement installé au fond de cette boite contenant plein de souvenirs d’enfance, des cartes postales vieillies, des lettres de ma première amoureuse, des Chevaliers du Zodiaque et quelques photos qu’il faudrait un jour penser à numériser. Il y a un marque-page qui est placé à la moitié du livre, je laisse le pavé s’ouvrir tout seul, et « 1 Samuel 15:23 » raisonne, bien décidé à reprendre la dark folk de The Mountain Goats là où l’entité l’avait laissé.

« Psalms 40:2 » s’ouvre sur un riff gossardien créant le carcan au sein duquel John Darnielle pourra délivrer un single indie rock des plus subtils. Dans cet univers christique, « La Divine Comédie » de Dante n’est forcément pas très loin, et la voix se fait des plus démoniaques. Au contraire « Genesis 3:23 » possède la gaieté d’une pop song estivale, tout y est simple, évident et porteur d’espoir. « Philippians 3:20-21 » fait dans la folk aussi instinctive que ravissante rappelant le naturel des Kings Of Convenience. Chanson qui donne envie de fumer des clopes en regardant la mer, « Hebrews 11:40 » a tout du fruit défendu dans lequel je ne serais probablement pas le seul à mordre à pleines dents.

Genèse de la tristesse (« Genesis 30:3 »), promesse de jours meilleurs (« Romans 10:9 »), rappel des obstacles qui restent à surmonter (« 1 John 4:16 »), remise en question de soi (« Matthew 25:21 »), rechute (« Deuteronomy 2:10 »), fulgurant retour (« Isaiah 45:23 ») et enfin découverte de l’état de grâce et de la plénitude (« Ezekiel 7 and the Permanent Efficacy of Grace »), « The Life of the World to Come » est un manuel de survie au quotidien, une lumière dans la nuit capable de donner la foi aux mécréants comme moi. Et en ces temps incertains, je ne pense pas qu’il soit raisonnable de cracher sur un tel guide. Pour un groupe comme The Mountain Goats, je veux bien croire à nouveau.

Note : 9/10

>> A lire également, la critique de Mathieu sur Ramdom Songs et la critique de Martin sur Branche Ton Sonotone

BEAK - Beak [5,5/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Mon, 02 Nov 2009 07:30:00 +0000

Krautrock anglais / 2009. Sur le papier, Beak>, groupe formé en ce début d'année par Geoff Barrow (Portishead) avec Bill Fullet (Fuzz against Junk) et Matt Williams (Team Brick), avait tout du projet excitant, d’autant que les premiers retours concerts étaient des plus satisfaisants.

Au départ, la dynamique de « I know » s’impose immédiatement, comme s’il s’agissait d’un titre de Fugazi qu’on ne souhaiterait ne jamais voir décoller ; Beak> y canalise la pression. Dommage que la voix soit en retrait car la batterie mène le jeu avec brio. Tout de suite après « Iron Action » concrétise les objectifs du groupe en affirmant l’affiliation avec Can.

Cependant, dans un style qui se veut emprunt de rythmiques martiales, de sonorités minimalistes, et de constructions hypnotiques, il faut savoir savamment doser les mélodies pour maintenir l’attention de l’auditeur. Chaque chanson doit posséder son petit plus, son éclair de génie qui lui permettra de transcender le genre pour ne pas sombrer dans l’oubli d’une musique où la marge de manœuvre est parfois assez faible, et à l’écoute de « Ham Green », on se dit que ce n’est pas forcément le cas. Ainsi, on commence doucement à s’ennuyer sur « Ears have ears », on attend en vain que « Blagdon Lake » débouche sur une autre chose qu’un accroissement du mur de guitare, et on voudrait que « Battery Point » ressemble à autre chose qu’un banal titre de post rock comme il en court sur les albums de Mogwai, Mono et Explosion In The Sky. La qualité ne fait pas défaut au groupe, c’est juste qu’il faut aujourd’hui plus pour s’imposer.

Malgré le mystique « Dundry Hill » et le sinueux « Flax Bourton », on en arrive indéniablement à la conclusion que Beak> possède le talent mais pas les chansons. Ce premier album est parfaitement honorable mais n’apportera absolument rien à un style qu’on espérait voir revenir sur le devant de la scène. Non définitivement si vous souhaitez avoir votre dose annuelle de Krautrock il faudra vous tourner du côté de Turzi.

Note : 5,5/10

RAMMSTEIN - Liebe ist für Alle da [6/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Sun, 01 Nov 2009 05:00:00 +0000

Metal allemand / 2009. Je ne manque pas de rage tant mes journées ne cessent d’être assénées de riffs noisy. Je ne manque pas de rythmique martiale, épaulé que je suis par le krautrock. Je ne manque pas de violence, l’ombre de Converge planant sur mes travaux. Je ne manque de rien et pourtant le métal me manque. Que se passe-t-il, d’où vient cette incapacité à trouver des opus métalliques dans lesquels je crois, dans lesquels j’ai envie de mettre ma foi. Outre le « Wrath » de Lamb Of God, j’avoue avoir été bien orphelin cette année. Du coup, le moindre soupçon d’élan de puissance, la moindre distorsion riffique, me pousserait à lancer à l’arrachée des phrases aussi ineptes que « Rammstein vient de sortit l’album métal que j’attendais ».

En premier lieu, et avant de revenir sur ce que je viens d’écrire il faut savoir que Rammstein est bien plus que le groupe puéril que certains imaginent. Ne manquant pas d’histoire et de convictions, la provocation dont le groupe fait preuve a toujours plus de finalité que les apparences ne le laissent penser. Musicalement parlant, j’ai toujours vu dans Rammstein un groupe bien plus dans la lignée de Nine Inch Nails et de Fear Factory que ce que la tournée « Family Values » avait bien voulu nous le faire croire. Il y a quelque chose de méthodique et de froid chez les allemands, quelque-chose de noble dans leur conception rythmique et dans leur perfectionnisme en terme de production.

Mélangeant la puissance de « Herzeleid », les fines sonorités électroniques de « Sehnsucht » et l’aspect symphonique de « Mutter », « Rammlied » est clairement un hommage au titre « Rammstein », une manière d’affirmer d’entrée de jeu que le groupe est de retour dans la partie, qu’il a retrouvé son identité, son sens de la mise en scène. Il faut dire qu’après le simpliste et peu impliquant diptyque « Reise Reise » / « Rosenrot », le groupe avait vraiment besoin de reposer les bases. Sans surjouer, sans en faire trop, « Ich Tu Dir Weh » permet de se réhabituer à l’étrangeté mélodique que peut déployer Till et de reprendre le chemin des denses développements. Trompettes de guerre qui annoncent un riff vengeur, « Waidmann's Heil » est un rouleau compresseur métal comme il fait du bien à entendre. N’oubliant jamais ses racines indus et martiales mais soucieux d’injecter dans chaque titre sa propre dose d’identité, Rammstein creuse sa différence. « Haifisch », revendiquant pleinement l’influence de Depeche Mode, joue des choeurs et des synthés pour déployer son récital belliciste. Une production de plomb emporte « B****** » : tout est sous contrôle, calculé à l’extrême, instruments à l’unisson, envolée lyriques et passages gutturaux.

« Liebe ist für Alle da » pourrait aisément l’emporter l’adhésion après ces 5 premiers titres, le groupe réussissant à imposer une personnalité hors norme, toujours à la lisière entre la grandiloquence et la colère. Malheureusement, comme beaucoup de groupe de metal, Rammstein se sent obligé de quitter ses terres de prédilection pour revendiquer une légitimité sur le metal fm que seul Metallica a jusqu’à ce jour réussi à approcher avec succès. Ainsi les allemands se ridiculisent sur « Fruehling In Paris » ; difficile de ne pas sourire devant les effets et les « Non je ne regrette rien » empruntés maladroitement à Edith Piaf.

Noir comptine dans la continuité de « Spieluhr », « Weiner Blut » met en avant la rythmique particulièrement de la langue. La dénonciation du tourisme sexuelle en Allemagne dans « Pussy » a beau déborder de second degré, on a cependant du mal à ne pas pester contre les « Just a little bitch... You've got a pussy, I have a dick, so what's the problem? let's do it quick! » Tout cela est-il bien sérieux ? Le problème c’est que les facéties de Rammstein n’amuseront jamais plus que celles de Miss Kittin ou de Peaches. « Liebe Ist Fur Alle Da » réaffirme la filiation avec Fear Factory, arène où Rammstein est de loin le plus à l’aise. « Mehr » possède l’efficacité directe de Mass Hysteria et « Roter Sand » est la classique ballade de fin d’album peu intéressante et peu valorisante.

A la lecture de cette chronique, il a pu vous sembler que j’étais emballé par cet album. Malheureusement il n’en est rien, tant au fond de moi, il y a un petit quelque chose qui m’empêchera toujours de revenir vers ce disque. De quoi s’agit-il ? Soyons honnête, je n’en sais rien.

D’un côté je réalise bien à quel point les allemands sont vulgaires, ridicules et méprisables, mais de l’autre je ne peux pas nier l’évidemment plaisir coupable qu’induit chez moi l’écoute « Liebe ist für Alle da ». Est-ce du au manque ? Ou est-ce suscité par la capacité de Rammstein a repousser les limites du bon goût tout en connotant positivement la notion de grandiloquence ? Je ne sais pas, tout cela crée un sentiment étrange chez moi, je sais pertinemment que ce nouvel opus est à ranger au plus près de « Mutter » et pourtant je n’arrive nullement à le considérer comme un album important de 2009.

Rammstein manque-t-il encore d’approche artistique ? Lui faut-il mieux s’inspirer du Maître Reznor pour révéler tout son talent ? Ou peut être que Rammstein n’est pas du tout à remettre en cause, peut être est-ce moi qui vieillit, moi qui voudrait continuer d’écouter du métal mais qui y décèle toujours un manque de subtilité, comme si derrière la puissance le style prêtait toujours à rire, m’obligeant ainsi à me tourner vers de la violence pure issues des sphères coreuses. Je ne sais pas, je suis perdu, éclairez moi…

Note : 6/10

A lire également, la critique d’Emmanuël sur Obskure

WEEZER - Raditude [2,5/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Sat, 31 Oct 2009 10:09:00 +0000

Pop américaine / 2009. Depuis toujours, il est acquis que le capital sympathie de Rivers Cuomo découle d’une attitude, d’un style qui ont fait de lui une effigie geek dans laquelle il serait facile de s’identifier. Sachant combien le terme a été ces derniers temps galvaudé par tout une frange des médias, sachant combien je serais bien incapable de réussir là où des heures de débats n’ont pas réussi à retracer le fil de l’évolution sémantique du mot, je préfère rester sur l’idée que l’affection tacite envers le leader de Weezer provient tout simplement de sa franche humanité. « Humanité », non pas prise au sens où Bono l’entendrait, mais bien « Humanité » issue des caractéristiques qui composent l’être : timidité, manque de confiance en soi, sincérité, mal être, intelligence perturbée, démarche non assurée, lunettes qui se laissent voiler par la buée en concert ; autant de choses qui définissent Rivers Cuomo comme un être humain avec lequel on pourrait partager milles choses.

Plus humains que stars, mais plus stars qu’artistes, voilà la tragédie de Weezer. Ecrire des diptyques couplet/refrain dans leur garage, tourner des clips hilarants où il ne s’agit que de se faire plaisir (cf le clip de « (If You're Wondering If I Want You To) I Want You To »), passer du bon temps entre amis, et au milieu de ça en profiter pour bien gagner sa vie et se répandre sur les ondes américaines, Weezer est on ne peut plus humain et on ne peut définitivement pas leur jeter la pierre. La vraie question est : faut-il encore les écouter ? Entre les groupes qui prétendent « Ne jouer que pour leur plaisir » et ceux qui avouent « composer pour laisser une trace dans l’histoire », j’ai toujours eu une préférence pour l’ambition des seconds.

La platitude de « Raditude » ne surprend pas vraiment. Ce qui surprend c’est de retrouver perdu au détour d’un riff, caché dans une harmonie vocale, dissimulé dans un court pont, le génie de songwriting pop dont faisait preuve le groupe à l’époque. Ainsi pas la peine de s’en cacher « (If You're Wondering If I Want You To) I Want You To » est empli d’efficacité pop, de la fraîcheur qui a fait les beaux jours du culte Weezer dans les nineties. Techniquement et structurellement ultra balisé, débitant un texte d’une banalité gênante, usant d’un clavier poussiéreux, « I'm Your Daddy » n’est pourtant pas exsangue sur certains micro instants de certaine discrètes piqûres de rappels. « Put Me Back Together » trouverait presque un nouveau souffle en assumant son orientation radiophonique, en s’associant avec The All American Rejects, en se focalisant sur cette efficacité dopée de candeur qui faisait le charme de Weezer. « Let It All Hang Out » possède lui aussi des résidus du glorieux passé, et… et c’est bien là le problème. Avec « Raditude », on ne parle que de résidus, de chansons qui à l’époque auraient à peine servi à faire la jonction entre de brillantes ritournelles pop-punk.

« The Girl Got Hot » est une sorte d’Offspring mid-tempo et votre éventuelle capacité à supporter les huluments du groupe ne sera malheureusement nullement récompensée. « Can't Stop Partying » ne se contente pas d’être l’une des pires compositions de l’histoire de Weezer, elle se permet en plus d’entraîner dans sa chute le pauvre Lil Wayne qui n’en demandait pas tant, même s’il faut avouer que le rappeur de la Nouvelle Orleans ne tombe pas non plus de bien haut (mais peut être suffisamment pour se fouler la cheville ; les gangstas n’étant pas toujours aussi solides qu’on essaye de nous le faire croire). « Trippin' Down The Freeway » rappelle combien le groupe ne devrait pas laisser sa naïveté être compromise par des solos de guitares pompiers.

Ne sachant plus où chercher l’inspiration, Weezer en est réduit à introduire des sonorités orientales faisant imploser à elles seules toute cohérence. « Love Is the Answer » déconcerte ainsi par son manque total de tenue. Le genre d’ignominie qu’il ne devrait même pas être permis de publier dans les bonus d’un album posthume. S’ennuyant autant que nous (« In The Mall »), le groupe ne se sent d’ailleurs même plus capable de conclure l’album avec un minimum de décence (cf la balade pour midinette « I Don't Want To Let You Go »).

Ainsi, Weezer ressort de sa tombe pour vous rappelez à quel point il ne reviendra jamais, à quel point il vous a laissé orphelin, prisonnier d’une nostalgie que « Raditude » essaye seulement de raviver pour vous faire souffrir. Après le « Blue », le « Green » et le « Red », ce nouvel opus semble définitivement être le « Brown Album » et non ce n’est pas un hommage à Primus. Il faut dire qu’avec ses trois précédents albums et sa pochette réalisée sous Paint, les américains avaient un peu annoncé la couleur.

Weezer s’est effondré en 2000 et les plus perspicaces noteront que la date coïncide avec le départ de Matt Sharp et l’arrivée de Scott Shriner à la basse… de là à y voir un lien de cause à effet… je vous laisse seuls juges.

Note : 2,5/10

>> A lire également, la critique de Matthieu sur Mowno

CURRENT 93 - Aleph at hallucinatory mountain [9/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Fri, 30 Oct 2009 08:30:00 +0000

Post-Folk Noisy anglaise / 2009. J’aurais tellement voulu jouer les érudits, commencer cette critique sur une longue rétrospective de l’histoire de Current 93, vous raconter de A à Z l’histoire d’un groupe dont la mythologie est aussi extravagante que celle de Killing Joke. Oui j’aurais souhaité vous parler de l’approche mystique, du psychédélisme christique, de la Bible qui converse avec « Les Chants de Maldoror » de Lautréamont. J’aurais aimé vous compter les rencontres de Tibet, l’homme qui a toujours été à la tête de l’entité pluri-céphale Current 93, développer sur son cercle musical qui va de Bonnie Prince Billy à Andrew WK en passant par Nick Cave. Oui j’aurai voulu mais la légende est plus forte que moi et je manque de compétence sur ce sujet qui mériterait une thèse. Je ne saurais même pas par quoi commencer. Quel disque vous conseiller ? Quel fil conducteur à suivre ? Current 93 est un groupe bien trop opaque, il ne se raconte pas et ne se vit que par intermittence.

En 2006, l’habité « Black Ships Ate The Sky » m’avait déjà complètement déstabilisé tant les effets étaient impossibles à retranscrire, et on ne pourra pas dire que ce « Aleph at hallucinatory mountain » viendra fournir son lot d’explications supplémentaires.

Un enfant empli d’une naïveté cruelle prononce ces quelques mots : « Almost in the beginning was the murderer », puis des sons de l’enfer s’alternent avec des silences de l’Odelas pour qui serait en mal d’aurore. Tibet apparaît comme un ange déchu et domine « Invocation of almost ». Les frissons parcoure le corps tant la musique de Current 93 semble venir d’un autre monde. Sur un arrière fond d’obédience drone mais qui ne délaisse pas les solos de guitares, le chanteur délivre un spoken word de l’apocalypse. La douce intro mystico-world de « Poppyskins » qui aurait, chez d’autres, été des plus ennuyeuses intrigue. Les sonorités sont multiples mais si discrètes qu’il faut une grande attention pour en saisir toutes les subtilités ; une note de basse par ci, un crissement de clavier par là. « Aleph at hallucinatory mountain » est une incantation religieuse sans fin. Je n’ai évidemment pas besoin de préciser que toutes les chansons s’enchaînent et n’en forment presque qu’une.

On ne définit pas la musique de Current 93, c’est elle qui vous définit qui vous englobe dans son flot ininterrompu, dans ses formats incongrus, dans ses mélanges improbables. Elle vous entraîne dans les tréfonds de son rock baroque (« On docetic mountains »), sur les chapitres de son histoire où on jurerait entendre le Gainsbourg de « L’histoire de Melody Nelson » venir délivrer un message (« 26 April 2007 »).

« Aleph is the butterfly net » détruit puis reconstruit les codes de la musique contemporaine. Refrains, couplets et ponts sont des notions obsolètes tant chez Current 93 chaque instrument possède sa propre voie, sa propre raison d’être et ce indépendamment du carcan de la chanson. « Not because the fox barks » se fond dans une ambiance pré-stoner, l’ombre d’un Black Sabbath sous acide transpire au travers de guitares hargneuses. « Ur shadow » est une ballase post-folk que n’aurait pas renié Wovenhand. « AS real as raimbows » est une chose que je n’ai pas encore réussi à cerner mais la patience est un allié non négligeable avec un tel groupe.

Aleph est la première lettre de l’alphabet hébreu, mais afin de comprendre la musique de Current 93, on aurait préféré que Tibet fasse référence à l’Association Lilloise pour L'Étude de la Psychanalyse et de son Histoire ; sûrement qu’ils auraient pu nous aider sur son cas. Le génie de ce disque est à l’image de son opacité. Bon courage à tous.

Note : 9/10

>> A lire également, la critique de Vincent B sur Mille Feuille et la critique de Twist sur I left Without My Hat

THE BLOODY BEETROOTS - Romborama [4/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Thu, 29 Oct 2009 08:30:00 +0000

Electro italienne / 2009. Après une multitude de remix aussi puissants que tapageurs de Etienne de Crécy, Martin Solveig, Naïve New Beaters, The Killers, The Kills ou encore Metallica, The Bloody Beetroots sortent enfin leur premier album, celui qui devait les imposer comme the next big thing. Malheureusement dès ses premières minutes « Romborama » déçoit. Un sentiment qui ne nous quittera plus tout au long de l’album se propage : la triste impression d’écouter une succession de remix d’obscures artistes.

Quand il ne donne pas sans la superposition de couches mal aisées où le clavier ne sert jamais de fortifiant, The Bloody Beetroots semble s’en tenir à soit copier Justice soit copier Daft Punk. « Storm » joue évidemment dans la cour des premiers avec ses blasts aux influences métal et ses sonorités empruntes de noirceur. Impossible de ne pas hocher la tête face à cette entraînante machine. De même, « Butter » reprend assez grossièrement les trames de Gaspard Augé et Xavier de Rosnay. Mais on pouvait tout de même attendre mieux de Bob Rifo et Tommy Tea qu’un simple pillage aussi réussit soit-il. Parallèlement à ça, « Second streets have no name » marche, sans trop s’en cacher, sur les pas de Daft Punk tandis que « Ffa1985 » reprend la même sauce mais cette fois avec la touche « Discovery ». Clairement on ne va pas blâmer The Bloody Beetroots de revendiquer comme influences principales deux de nos plus belles réussites, mais avait-on vraiment besoin de nouveaux porte-paroles ?

Malgré une introduction un peu conventionnelle « Awesome » arrive à captiver l’auditeur via des beats aspirants jouant avec originalité des contre-temps ; dommage que Cool Kids n’y soit pas à la hauteur et plombe un peu le titre. « Talkin in my sleep » illustre bien cette notion d’album en forme de remix. « Cornelius » s’ouvre sur une longue note de choral de l’ombre, mais si la production fait mouche, il faut bien admettre que les interventions vocales cassent la dynamique. « Warp 1.9 » choisit la voix la facilité. Le groupe à beau y ajouter des chants d’églises, un passage criard et un esprit à la Stupeflip, il s’agit finalement d’un titre bancal, de ceux qu’on écoute lorsqu’on est un peu trop enivré.

Sur certains titres, les italiens arrivent à trouver le ton juste, à imposer leur personnalité, à combiner cette envie d’en découdre sur le dancefloor et cette capacité à produire des titres riches en sonorités (« Have Mercy On Us », « Theolonius »). Mais le plus souvent, ils sont trop directs, manquent de subtilité (« Yeho », « Warp 7.7 ») et restent vains (« Little Star » et son Jingle Bells)

« Romborama » est trop long, il nous épuise (« House N »). The Bloody Beetroots ne sait plus comment tenir son pari de sortir 20 titres et balance de la niaiserie probablement composée un dimanche après midi entre deux tasses de thé (« Mother »). Quelle idée de remplir autant une galette quand on a déjà du mal à imposer cinq ou six titres forts. La qualité ne rime définitivement ici pas avec quantité. « I love The Bloody Beetroots » est aussi poussif que son titre, ça rame, ça perd son souffle, ça risque de mourir sur le bas-côté. « Anacletus » prouve bien à quel point le groupe essaye de recycler les mêmes idées de beats en les associant à chaque fois avec une sonorité différente.

On sort de l’écoute épuisé comme après une mauvaise nuit en boite, regrettant d’avoir cramé son samedi soir dans une aventure sans issue. En même temps, en voyant l'affiche de la soirée, j'aurais du me douter qu'il valait mieux rester chez soi.

Note : 4/10

THE XX - S/T [8,5/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Wed, 28 Oct 2009 08:30:00 +0000

Cette chronique a été écrite pour le blog du Ricard sa Live Music, vous pouvez la retrouver ici

Post Pop anglaise / 2009. Tout le monde a loué leur incroyable maturité, tout le monde s’est esclaffé devant la finesse de leurs mélodies, tout le monde en a parlé comme l’une des révélations de l’année, j’ai préféré prendre mon temps, m’assurer de la longévité, mais maintenant je peux le dire, tout le monde avait pour une fois raison.

Après une sobre introduction qui n’a rien d’artificielle, l’album de The XX débute avec « VCR » une berceuse à la croisée du Velvet Underground et de David Bowie. Une connivence se développe immédiatement avec le groupe comme si ce dernier faisait résonance avec notre histoire, comme s’il avait accès à nos souvenirs. « Crystalised » est bien plus entraînante qu’elle n’y laisse paraître, et là est bien la force du groupe : ne jamais dévoiler trop vite ses secrets.

« Islands » déploie une fine mélodie qui finit par hanter, quelque chose qui s’inscrit durablement dans la tête. « Heart skipped a beat « est également une belle démonstration du talent du groupe, de sa capacité à créer une pop song parfaite à partir de rien, de son aptitude à mélanger avec perfection timbre masculin et féminin. L’interlude « Fantasy » est un peu vain mais ouvre la voix au post trip hop de « Shelter ».

« Basic Space » est comme cette meilleure amie que vous n’aviez jamais vraiment considérée comme un trésor à protéger, et qui après tant d’années de discrétion, s’illumine soudainement sans prévenir, vous ravissant un peu plus à chaque écoute dévoilant des milliers de subtilités cachées au fond de sa rythmique et de sa chaude ligne de basse. « Infinity » est un classique instantané, un single que vous jureriez composé il y a plus de 20 ans, un single qui vous aurait accompagné tout au long de votre vie. L’apaisant « Night Time » et le mystérieux « Stars » sont également de vrais moments de réconfort, des chansons qu’on écoute seul dans le noir après une harassante journée.

Comme je le disais, tout le monde avait raison.

Note : 8,5/10

>> A lire également, les critiques de tout le monde : la critique de Thibault sur la Quenelle Culturelle, la critique de Benoit sur Hop, la critique de Paul sur Pomme de Pin, la critique d’Eddie sur Le Choix et la critique de Martin sur Branche ton sonotone

BENJAMIN BIOLAY - La Superbe [6/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Tue, 27 Oct 2009 07:00:00 +0000

Chanson française / 2009. Ne pas avoir peur du qu’en dira-t-on. Ne pas avoir peur de ses ambitions. Ne pas avoir peur du ridicule. Se mettre à nu. Défier sans provoquer. Ramener à votre cause ce qui se gaussait encore de vous il y a deux ans de ça. Garder le cap mais avec plus d’assurance. Croire en soi, croire en ses blessures. Ne pas craindre de dépasser les bornes. Oser le vulgaire. Oser les violons qui dégoulinent et les passages jazzy un peu cheap. Ne pas regarder en arrière. Fermer les yeux. Produire. Multiplier les accointances. Produire plus. S’éparpiller. Démontrer l’étendu de son talent. Se perdre. Se retrouver.

« La Superbe » est un album qui devrait susciter les passions : souvent splendide, quelque fois insipide, occasionnellement risible, Benjamin Biolay convainc puis déçoit, puis rassure, puis s’enfuit. Comment se faire un avis, quand chaque minute provoque des émotions si contradictoires. Ne pas juger ? Ne pas écrire ? Réécouter ?

Violons qui regardent dans les yeux des beats electroniques, « La Superbe » révèle des frissons chez l’auditeur. Empli d’une légèreté pop qui ne tarde pas à s’acoquiner avec les mélodies ambiantes de Air, « 15 Août » est un titre complexe aussi bien dans structure que dans sa rythmique littéraire. Valérie Donzelli y est délicieuse comme dans un film de Christophe Honoré, et la chanson atteint des sommets tant Benjamin Biolay y traite de la rupture comme Alex Beaupain traite de la mort, avec une tristesse mélancolique qui ne pratique pourtant pas l’auto-apitoiement. S’ensuit « Padam » qui emporte l’adhésion par son refrain évident, par son naturel insolent.

Mais rien ne peut être si beau dans l’hexagone. La longue introduction de « Miss Catastrophe » est gâchée par des cuivres de mauvais goûts tandis que le texte, moins introspectif, n’arrive pas à émouvoir. Le chanteur semble mal à l’aise, a des difficultés à trouver le ton et n’a pas l’humour d’un Fuzati pour briller sur un exercice de ce genre. « Ton héritage » s’inscrit dans la grande tradition de la chanson française. On pourra au choix s’y ennuyer ou verser une larme. Plus introspectif « Si Tu Suis Mon Regard » est une jolie confession intime sur fond de résurgence rock à la Miossec. La noirceur de « Night Shop » et son parcours initiatique, un peu fantasmagorique, rappelle l’écrasante beauté des chansons de « La Musique » de Dominique A. « Tu Es Mon Amour » pourrait dénoter de par ses orientations cubaines, mais la guitare suit avec aisance la voix de Benjamin Biolay.

« Sans Viser Personne » est de ces titres qui vous détruisent un album, son refrain « Déçu de vous, déçu de nous, je ne crois plus en rien du tout » rappelle Gilles Gabriel, la parodie d’Alain Chabat (« Flou de toi, je suis flou de toi… »). Et non je ne caricature pas ; enfin pas tant que ça. De même, l’effet mythologique, l’ambiance club de jazz de « La Toxicomanie » semble assez vain au sein de la rigueur et de la volonté de redéfinir la musique française qui parcourt le disque.

Et puis arrive « Brandt Rhapsody » en duo avec Jeanne Cherhal, un titre qui à lui tout seul justifie, cautionne, illumine « La Superbe ». A mi-chemin, entre Gainsbourg et Arnaud Fleurent-Didier, il redéfinit un pont entre passé et futur. Je voudrais passer au deuxième disque mais non je reste bloqué. J’appuie sur repeat. J’appuie sur repeat. J’appuie sur repeat…

Malheureusement, un deuxième disque se loge quelque part, il crie famine, il réclame de l’attention. Je ne me sens pas d’humeur cruelle.

Le refrain de « Prenons Le Large » rappelle un mauvais single d’Etienne Daho, la chanson manque de retenue, de classe, elle transpire d’une insupportable frivolité. « Tout Ça Me Tourmente » voit le retour de la muse Jeanne Cherhal, et Benjamin Biolay est poussé dans ses derniers retranchements. A fleur de peau, la plume aiguisée, il attaque le texte là où ça fait mal, sans se farder d’instrumentations trop envahissantes. Mais point d’inquiétude, après avoir fait monter les larmes, le chanteur au lieu de sortir une lame tranchante, joue le troubadour, il sautille sur du post 8 bits, joue la farce, fait le clown, se tourne volontairement en ridicule (« Assez Parlé De Moi »). « Buenos Aires » perd assez vite le fil s’orientant vers des terres trop obscures que le mixage ne peut canaliser.

Perdu entre titres anecdotiques (« Lyon Presqu'île »), chansons un peu faciles (« Raté », « Reviens Mon Amour » ) et grand moment de songwriting (« Mélancolique ») le mystère Benjamin Biolay reste ainsi complet. Une chose est sûre, c’est définitivement lorsqu’il fait son Gainsbourg qu’il est le plus délicieux : lorsque des instrumentations splendides créera la stratosphère qui accueillera ce spoken word où la langue française règnera en princesse (« Jaloux De Tout »)

« La Superbe » est une pièce à conviction de plus. Nous savions déjà à quel point la quantité peut nuire à l’homogénéité et à la ligne directrice d’un album, mais si nous l’avions oublier, « La Superbe » nous le rappelle d’une bien amer manière. Car si l’on épurait ce double album, si l’on en tirait la quintessence, si l’on balayait d’un coup de revers les égarements, on obtiendrait un chef d’œuvre, un chef d’œuvre capable de faire vaciller la chanson française, un chef d’œuvre dont je vous livre ci-dessous la tracklist :

01. La Superbe (chœurs par Gesa Hansen)
02. Brandt Rhapsody (en duo avec Jeanne Cherhal)
03. Si Tu Suis Mon Regard
04. Mélancolique
05. Tu Es Mon Amour
06. 15 Août (lettre lue par Valérie Donzelli)
07. Padam
08. Tout Ça Me Tourmente (avec Jeanne Cherhal)
09. Jaloux De Tout
10. Night Shop

Malheureusement un album est un ensemble indissociable qui ne peut souffrir d’une décomposition/recomposition. L’artiste l’a voulu comme tel, je le juge comme tel, avec ses victoires, avec ses douleurs.

Note : 6/10

>> A lire également, la critique de JS sur Good Karma

LIGHTNING BOLT - Earthly Delight [5/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Mon, 26 Oct 2009 08:30:00 +0000

Noise rock expérimental / 2009. 15 ans jour pour jour qu’il avait quitté son job d’ingénieur métallurgiste pour enseigner la boxe dans ce petit club de la banlieue de Providence. Le monde changeait, le Rhode Island changeait mais il restait le même, intransigeant avec les autres, dévoué à sa cause. Les premières années n’avaient pas été faciles : l’absence de revenu, les élèves qui ne se bousculaient pas à la porte et sa femme qui avait fini par partir avec leur gamine de 5 ans sous prétexte qu’il n’était qu’un gosse hargneux qui était prêt à sacrifier sa famille pour assouvir ses aspirations personnelles. « Les inévitables affres de la création d’entreprise, un sacrifice nécessaire » pensait-il alors.

Entre 2003 et 2005, sa pugnacité et ses méthodes d’enseignement lui permirent d’acquérir une certaine réputation qui commença à s’étendre bien au de là des frontières de Providence (« Ride The Skies » et le fabuleux « Hypermagic Mountain »). Il était de plus en plus sollicité et se déplaçait un peu partout sur le continent pour partager son expérience dans d’autres clubs. On parlait de la rage de son crochet du droit, de son uppercut dévastateur, ses cours étaient emplis d’une saine violence qui extirpait chez les élèves le meilleur d’eux même. Quant au ring… le ring… disons que malgré les années, ce n’était définitivement pas le genre d’adversaire qu’on souhaitait rencontrer lors d’une compétition officielle.

C’est en 2009 que le club commença à souffrir de la concurrence qui ne cessait de s’accroître. La boxe était redevenue à la mode et un bon paquet de jeunes, y compris des anciens élèves, se lançait dans le business. Dans ce genre de contexte il aurait du montrer les crocs, rappeler qui était le maître, prouver que son expérience lui conférait toujours un temps d’avance. Mais au lieu de ça, il faisait du surplace (« Sound Guardians »), restait prisonnier des méthodes qu’il avait naguère inventées (« Transmissionary »). Quant aux rares fois, où il essayait de sortir des sentiers battus, de sortir de la routine de la corde à sauter, ses élèves lui faisaient bien comprendre combien il était hors propos (« The Sublime Freak »)

Certes sa force de frappe, consécutive à des années d’entraînement draconien qui ne souffrait pas des intempéries, des saisons ou des baisses de motivation, était restée intacte (« Nation Of Boar », « Funny Farm ») et dévastatrice (« S.O.S »).

Le coach ressassait, il marmonnait la même histoire qu’il était dorénavant le seul à comprendre (« Collosus »). Avait-il vieilli sans s’en rendre compte où était-ce les démons du passé qui lui jouait des tours ? Comme beaucoup d’homme de son âge, il buvait de plus en plus, le whisky irriguait ses veines et lui faisait parfois perdre le fil (« Flooded Chamber »), il se lançait alors dans des monologues sans fin où il était question de Maria et d’Olivia. Personne ne l’écoutait parler dans ces moments là. On attendait juste que ça passe, qu’il finisse de confier à lui-même ses angoisses, et qu’une petite larme glisse en suivant le chemin dessiné par ses rides sur ce visage toujours aux aguets mais marqué par la vie (« Rain on lake I’m swimming in »).

L’étincelle pétillait toujours au fond de ses yeux, mais quelqu’un avait besoin de lui redonner une raison de se battre. Depuis qu’elle l’avait quitté, il n’avait jamais donné signe de vie. Il savait pertinemment que son projet demanderait des sacrifices, et tout ça avait été mûrement réfléchi. Jamais il ne se serait abaisser à la supplier de revenir, ça aurait été humiliant pour lui et injuste pour elle. Mais Maria n’était pas le problème, juste une défaite noyée dans mille victoires.

Quelques mois plus tard, dans un club où il faisait une démonstration non pas sur le ring mais à même le tapis, avec les élèves assis autour de lui en tailleur, son attention se porta sur une jeune fille d’une vingtaine d’année ; les femmes avaient toujours été rares dans ses cours jugés trop abrasifs. A la fin du cours, il ne put s’empêcher de l’aborder. Elle s’appelait Olivia et après lui avoir parlé, il avait un nouvel objectif dans la vie. Nul doute que son prochain album serait meilleur.

Note : 5/10

AUFGANG - Aufgang [9/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Fri, 23 Oct 2009 07:30:00 +0000

Post-Classique / 2009. Il y a des monuments auxquels on n’ose pas s’attaquer, des constructions trop ambitieuses qu’il parait impossible de défricher. La conscience d’être en présence d’un chef d’œuvre vous fait perdre vos moyens tandis que les influences vous asphyxient. On ne peut pas se cacher derrière sa culture pour parler du trio (piano² +batterie) de Franscesco Tristano, Rami Khalifé et Aymeric Westrich, on ne peut pas user de comparaisons pertinentes ni de références, on ne peut pas juste décrire ce dont il s’agit. L’appréhension d’escalader la montagne est d’autant plus forte lorsque vous avez peur d’échouer là où certains et certaines ont déjà si brillamment réussi. Cependant je ne souhaite pas utiliser un tour de passe-passe, je ne veux pas me cacher derrière un texte littéraire ou métaphorique, je n’ai pas l’intention de me réfugier dans le ressenti émotionnel, non je veux regarder cet album droit dans les yeux et le décortiquer, ne pas le traiter avec plus d’égard, ne pas lui montrer à quel point il est spécial, le dompter comme n’importe quel disque de pop moderne.

Malheureusement dès « Channel 7 », il faut bien avouer que je chancelle, la musique va si vite que mes doigts ne peuvent la suivre. J’ai à peine le temps de frapper consciencieusement sur les touches, d’évoquer sans trop savoir où je vais que le titre ridiculise les symphonies de Stravinsky, que Aufgang se mue déjà en un monstre incontrôlable à l’improbable architecture. Il ne s’agit pas d’un mélange entre musique classique et rythmiques électroniques, il n’est pas question d’adjonctions de mélodies pop et d’envolées jazzy. Non il ne s’agit définitivement pas d’une chose catégorisable qu’on pourrait rapprocher des premières expériences du genre. Je n’oserais même pas parler de synthèse tant Aufgang ne synthétise pas. Le groupe ne fait rien, il est, il joue, le public se tait. Il n’a pas de passé, pas de repère, il existe hors du temps.

L’orgue de « Channel 8 » est une toile sur laquelle les mains des deux pianistes viennent se déposer avec une dextérité qui me mettrait presque mal à l’aise. Proche des contemporains comme Bartok, le groupe prouve non seulement qu’il a toute légitimité dans son domaine mais qu’il possède même assez d’expérience pour déjà transcender le style qu’il a inventé lors de son premier titre. Il y a du Esbjorn Svensson Trio dans cette appropriation des codes et de l’espace sonore, dans ses envolées lyriques qui ne négligent pas pour autant l’enseignement mélodique d’un Radiohead, ainsi que du Laurent De Wilde dans ce goût pour les cohabitations extravagantes.

« Barock » est, sans mauvais jeu de mot, un classique instantané, une pièce sur laquelle des élèves veilleront tard le soir, le genre de titre qui devraient faire relativiser à certains leurs hasardeuses comparaisons entre Matthew Bellamy et Chopin. Les éléments électroniques sont utilisés avec justesse et confèrent au titre un enjeu supplémentaire. Dans sa seconde partie, le trio y remettrait presque en cause la suprématie de Boards Of Canada en matière d’électronica émotionnelle.

Sur « Sonar », Aufgang commence à prendre des risques démesurés en conviant dans la même chanson l’exigence (l’intransigence ?) du piano et un enrobage club des plus évidents. Le groupe me regarde droit dans les yeux et je baisse la tête comme un gamin qui se sentirait minable face au talent de ses aînés. Il y a une telle confiance en soi dans cette chanson, cet air de dire « ma maîtrise est tel que je peux aller où je veux, rien ne m’arrête ni même les clubs, ni même le dancefloor ».

« Prélude du passé » permet enfin de sortir la tête de l’eau et de prendre sa respiration. Interlude qui sépare l’album en deux, le titre porte des notes de pianos sensibles, bande original d’un hommage touchant. Il permet de se préparer à « Good Generation », qui est en quelque sorte le single de l’opus, à savoir le titre le plus accessible et le plus immédiat. Taquinant des mélodies enjouées presque radiophoniques, et laissant une voix robotique à la Air prendre les commandes, il démontre la capacité du groupe à produire une musique spatiale bien plus universelle que certaines des expérimentations de l’album ne pouvaient le laisser paraître.

« 3 vitesses » déconstruit l’espace sonore en dupliquant les idées alambiquées d’Aphex Twin. C’est à la fois magnifique et angoissant. Ce qui pourrait paraître synthétique, prémédité et surproduit se meut en quelque chose d’organique, d’implicitement évident un peu comme chez Cougar. « Aufgang » est une perle electro aux sonorités vrombissantes. Là où le mélange techno classique revêt habituellement la parure de l’absurdité et de la vulgarité, les beats frappent ici au ventre comme sur un bon Boys Noize tandis que le piano se permet pour la première fois de jouer des silences pour mieux créer la distorsion. L’album se clôt sur « Soumission » et on ne manquera pas de relever l’humour du trio. Si je ne me soumets pas facilement, je me prosterne ici avec fierté. Titre crépusculaire, à l’approche expérimentale assumée où bruits noisy essayent de résister à l’inénarrable montée en puissance du piano, « Soumission » est un titre parfait de plus sur un album parfait.

Peut-être que Aufgang a signé le plus grand album de 2009, peut-être qu’un nouveau cap musical a été franchi, peut-être que je vais me taire et retourner profiter de ces neuf merveilles. Peut-être…

Note : 9/10

>> A lire également, la critique de Mauve sur Violette Roll et la critique de JS sur Good Karma

LOU BARLOW - Goodnight Unknow [8,5/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Thu, 22 Oct 2009 07:30:00 +0000

Indie Rock américain / 2009. Non content que sa basse rageuse appuie les riffs crasseux de J Mascis sur l’acclamé « Farm », Lou Barlow sort quelques mois après l’album de Dinosaur Jr un nouvel opus sous son propre nom. Que se soit avec Sebadoh, The Folk Implosion ou son groupe principal, le multi-instrumentaliste n’a jamais caché ses talents de songwriter. De ce fait, ce n’est pas vraiment l’exceptionnelle qualité de « Goodnight Unknow » qui surprend mais plus le fait que cet album arrive quelque mois après le retour d’un des mastodontes du rock des années 90. Comment peut-on passer d’un rock-noisy dépressif à des folk songs aussi touchantes que « Too much freedom » qui se rapprochent bien plus de l’esprit de « Bill Callahan » ? Ce n’est pas la première fois que Lou Barlow nous fait le coup et pourtant j’en suis tout abasourdi.

Jouant avec l’onirisme montréalais sur « Sharing », affichant une connivence avec Franck Black des Pixies sur « Goodnight Unknown », se lançant sur les trace de Beck sur « The Right »

Lou Barlow fait une démonstration de l’étendue de son talent sans jamais renier l’homogénéité de ses compositions.

Mais ce qui fait la force de ce « Goodnight Unknow », c’est qu’aux coté de cette pop indé racé, on retrouve des titres au songwriting éblouissant (« I’m Thinking », ) et des titres d’une modernité absolue en terme de d’innovations folk (« The One I Call »).

Si certaines chansons se noieront dans le flux de jolies ballades qui malgré leur sincérité et leur évidence n’arrivent pas à s’imposer au de là de la délimitation de l’instant présent (« Faith In Your Heartbeat », « Take Advantage »), on ne peut que s’attacher à des titres comme « Gravitate » et son malicieux refrain ou à la mélodie torturée de « Praise ».

A l’image de « One Note Tone » le titre final de « Goodnight Unknow », Lou Barlow s’inscrit dans la lignée d’un Eddie Vedder, dans la lignée de ces types perdus entre l’aspect culte de leur groupe principal, leur immense talent de songwriting et leur incapacité à se focaliser sur un style de musique, dans la lignée de ces types qui conçoivent la musique américaine comme un tout où folk, lo-fi, blues brûlots rock ne sont qu’une expression différente d’une même idée.

Note : 8,5/10

>> A lire également, la critique de Mathieu sur Random Songs

A MOUNTAIN OF ONE - Institute of Joy [5,5/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Wed, 21 Oct 2009 12:00:00 +0000

Cette chronique a été écrite pour le Ricard sa Live Music, vous pouvez la retrouver ici

Prog-Folk anglais / 2009. Décidément l’heure est à la surenchère : les pianos qui défient les guitares, les chœurs qui essayent de détrôner la voix, et les violons qui envahissent le terrain comme des spectateurs frustrés de ne pas participer au jeu. Si les chansons et la qualité ne sont pas comparables, « Institute of Joy » de A Mountain of One rappelle par bien des points l’exubérance de « The Resistance » de Muse en terme de construction (« Lie Awake »). Il est marqué du sceau de l’incapacité à épurer les mélodies et à rechercher la justesse plutôt que la massification sonore.

Néanmoins le groupe de Mo Morris et de Zeben Jameson s’avère souvent intéressant de par cette multitude de sons qui finissent par donner un impact psychédélique aux titres. Parfois on perçoit l’influence de Spiritualized, parfois celle de 16 Horsepower et de Wovenhand (« River Music » ou encore le mystique « Sky is folding »), et on se laisse prendre au jeu de l’instrumental qui démontre une ouverture d’esprit proche de Tortoise (« Ahead of The Curve »).

Mais malheureusement, A Mountain of One reste assez opaque à cause d’interludes dénués d’intérêts (« Purple »), de par sa reprise anecdotique de « Who By Fire » de Leonard Cohen, et surtout de par ses solos trop référencés, et de ses émotions forcées (« Bones »). Il en ressort une prog-folk qualitative mais souvent boursouflée qui ne permet pas à « Institute of Joy » de se qualifier.

Note : 5,5/10

DIZZEE RASCAL - Tongue N' Cheek [4,5/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Wed, 21 Oct 2009 07:30:00 +0000

Electro hip hop anglais / 2009. Le moindre DJ en a conscience, un bon set est un set qui monte peu à peu en puissance, avec beaucoup de subtilité et quelques moments d’accalmies afin d’emporter sur ses dernières minutes l’adhésion totale et immodérée du floor. Il semblerait que pour son nouvel opus, Dizzee Rascal ait décidé de réaliser un anti-set. Après un « Maths + English » qui ouvrait déjà largement l’electro-hip hop du MC anglais, « Tongue N' Cheek » s’avère être un fourre-tout dont la qualité décroît à chaque titre. Heureusement l’album part de très haut avec « Bonkers », une bombe dancefloor, produite par Armand van Helden qui convie à la fête l’univers de Prodigy.

Sur « Road Rage », Dizzee Rascal fait une démonstration de la technicité de son flow. Rageux et viscéral, il invoque la puissance de « Boy in da corner ». « Dance Wiv Me » démare comme un titre R’n’B mais c’est pour mieux y glisser son beat malicieux. « Freaky Freaky » est le premier titre qui fait baisser la température tant l’anglais s’y auto-caricature sans conviction. « Can’t Tek Me No More » baisse encore un peu le niveau en essayant de digérer des influences mal maitrisées.

La très easy-listening de « Chillin Wiv Da Man Dem », sans être désagréable, interroge. Où Dizzee Rascal veut-il en venir ? Qui cible-t-il avec ce « Tongue N’ Cheek» ? Tout le monde et n’importe qui ? Oui c’est peut être le problème. Du coup « Dirtee Cash » et son « Everybody want to be famous » trouvera un certain echo. Le titre est évidemment parfaitement produit, le flow accroche, mais l’ouverture est trop massive et les aspirations trop évidentes pour tromper l’auditeur. Au contraire, monté sur une boucle un peu old-school, « Money Money Money » regarde du côté des racines electro hip hop du sieur. D’une chanson à l’autre, l’anglais change complètement de style et ce n’est pas faire de la diffamation que de dire qu’il essaye clairement de bouffer à tous les râteliers.

« Leisure » est plus intéressant mais ne tarde pas à ennuyer. Dizzee Rascal y semble essoufflé, fatigué, à bout de force, à moins que se ne soient les productions de Cage qui ne sachent pas lui insuffler la vie. Histoire de retrouver les auditeurs perdus depuis « Dirtee Cash », « Holiday » retrouve le chemin du dancefloor et se pare avec assez peu de finesse d’un refrain qui peine à arriver à la hauteur de Kanye West. Le supplice de la deuxième partie de l’album prend fin avec « Bad Behaviour » qui est anecdotique au point de passer pour une bonus track. Dizzee Rascal répète à nouveau « Money Money Money » et on envie de lui dire que c’est bon, qu’on a saisi le message.

Grosse déception de la part d’un des MC les plus talentueux d’Angleterre : Dizzee Rascal a choisi la voix du succès de masse et a perdu sa singularité dans le transfert. Si « Tongue N’ Cheek » ne manque pas (principalement dans sa première partie) de titres ambitieux, l’album dévoile rapidement un insoutenable défaut d’âme. Après je vous l’accorde, mieux vaut entendre ça dans les clubs que des remix du dernier Jay Z. Bref, tant mieux pour eux, tant pis pour nous.

Note : 4,5/10

CONVERGE - Axe To Fall [9/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Tue, 20 Oct 2009 07:30:00 +0000

Hardcore américain / 2009. Converge a depuis bien longtemps gagné sa place au panthéon de mes groupes cultes. Concrétisant à lui tout seul vingt ans de recherches sur le comment repousser les limites sonores tout en restant audible, il symbolise tout une frange extrême du métal et du harcore. Aussi artistique que primitive, leur musique est un véritable exutoire. Souvent mes amis essayent de comprendre. Que puis-je trouver dans ses cris ? Que puis-je apprécier dans ce déluge de blast ? Y a-t-il un intérêt humain à s’infliger de telles souffrances ? Je me lance alors dans un plaidoyer qui ne tourne jamais à mon avantage. Je parle de la technique, de l’héritage jazz-core, je présente l’approche totale de la démarche (dont les pochettes d’albums réalisées par le chanteur Jacob Bannon), j’use de comparaisons, je dis qu’il s’agit du Radiohead du Hardcore… Mais rien y fait, personne ne ressent la pourtant inévitable déflagration que déclenche le groupe sur chaque titre.

L’agilité des doigts de Nate Newton, la vitesse de frappe sur les fûts, la folie du riff... dès « Dark Horse », Converge hurle son retour. Un retour non désavoué par « Reap What You Sow ». La chanson éponyme est du Converge pure souche, un single un peu difficile d’accès qui est loin d’être le titre les plus friendly de « Axe to Fall ». « Effigy » est un split avec Cave In où Steve Brodsky, J.R. Connors et Adam McGrath viennent dédoubler la rage (le groupe vient d’ailleurs de sortir le très bon EP « Planets of Old »). Tout y est démesuré, extrême, poussant le groupe dans ses derniers retranchements.

La noirceur se dégageant lorsque le groupe ralentit le tempo se manifeste au travers de « Worms Will Feed » ; Jacob Bannon y paraîtrait presque apaisé dans le sens où l’on distinguerait presque des mots sous les cris. L’inouïe maîtrise instrumentale du groupe lui permet de caler entre deux assauts soniques des ambiances post-hardcore. Comme si Kurt Ballou n’était pas assez énervé, le groupe fait intervenir Ulf Cederlund sur « Wishing Well ». « Damages » transcende la puissance de par ses accélérations (ter)riffiques avant de déployer le chaos.

« Losing Battle » est un euphémisme, tant ne serait-ce que défier le groupe serait suicidaire sur ce titre très punk-à-chien. « Dead Beat » est une incroyable démonstration technique où Ben Koller essaye de gagner du terrain sur son guitariste, en exacerbant la subtilité du jazz dans un jeu des plus violents. La montée en puissance ne s’arrête pas là « Cutter » puis « Slave Driver » affirme la domination de la machine de guerre en rappelant même les mélodies du fabuleux « United Nations ». « Cruel Bloom » est peut-être la première ballade de l’histoire des bostoniens. Bannon se risque à l’exercice en compagnie de Steve Von Till de Neurosis et le pire c’est que sans être mémorable, le titre s’affirme comme un joli moment de dark folk aussi fantasmagorique que du DM Stith. « Axe to fall » se clôture sur « Wretched World » magnifique titre de post métal ambiant qui ne délaisse pas les expérimentations et où Mookie Singerman le leader de Genghis Tron vient poser sa voix désenchantée.

A chaque opus, Converge semble à la fois repousser les limites de la violence et de la technique, tout en s’ouvrant toujours un peu plus sur d’autres styles. Incroyablement varié, sans pour autant jamais renié son identité, « Axe to Fall » est un pas de plus vers le sublime pour Converge. Aussi complexe que « Jane Doe » et aussi rentre dedans que « No Heroes », ce nouvel album consolide la légende. Converge trône tout en haut de la pyramide du hardcore et semble comme toujours intouchable.

Note : 9/10

>> A lire également, la critique de Nicolas sur Systool

WE WANT MILES (A la cité de la musique) [8,0/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Mon, 19 Oct 2009 07:30:00 +0000

Rétrospective / 2009. J’ai toujours éprouvé un certain inintérêt pour ces expositions retraçant la vie d’une personnalité. Je me souviens ainsi m’être passablement ennuyé à l’exposition Patti Smith à La Fondation Cartier et avoir poussé le vice jusqu’à esquiver les rétrospectives Jimmy Hendrix et Gainsbourg. Car dans l’idée il faut bien l’avouer, quand je vois des gens se pâmer devant un carnet de note de Patti Smith enfermé sous verre, et que je lis sur leurs lèvres des moments magiques comme « Tu te rends compte, elle avait un carnet de notes, c’était tout de même une grande artiste ! », l’envie de m’enfuir et de vivre à la campagne d’Internet et d’eau fraîche se fait des plus pressantes.

De ce fait, l’annonce du big event de l’année à savoir l’exposition « We Want Miles » ne m’avait pas fait bander plus que ça. Ecouter sur une borne et dans le bruit des disques que j’ai déjà chez moi ? Admirer des vêtements en me frottant les yeux ? Dire à ma copine imaginaire « C’est dingue, tu t’imagines que ce bout de tissu a été porté sur scène par le maître » ? Contempler des instruments comme devant une vitrine Yamaha ? Jouer des coudes pour me positionner devant une vidéo qui tourne depuis 10 ans sur YouTube ? Me prosterner devant un contrat signé de la main de Miles ? Lire une biographie dans des conditions bien moins optimales que sur Wikipedia ou que sur le bouquin de l’expo ? Non sérieusement qu’est ce que pouvais bien aller foutre là bas ?

Mais bon comment tourner le dos à Miles Davis ? Parce qu’au final c’est quand même bien du « jazz face à sa légende » dont il s’agit. De ce fait jeudi soir, après m’être difficilement frayé un chemin au milieu de la masse des invités, après avoir du supporter des conneries du genre « C’est un scandale, on est invité à un vernissage et on doit faire la queue ! Autant faire l’exposition avec le quidam moyen, si c’est ça ! » ou encore « Comment c’est un vernissage, et il n’y a même pas de champagne ? » (bon ok, j’avoue, la deuxième remarque débile était peut-être de moi), je suis entré dans le temple, dans un espace qui dès ses premiers mètres vous coupe du temps.

« We Want Miles » est divisé en deux parties : le rez-de-chaussée, arborant une ambiance noir et blanc des plus sobres et des plus classieuse, retrace le parcours, la formation, les rencontres, les expérimentations, les révolutions, l’ambivalence et la construction du mythe ; tandis que le sous-sol, plus coloré, plus clinquant, se focalise sur la star mondiale, sur l’ascension fulgurante de Miles Davis en tant qu’icône planétaire. Le diptyque est du meilleur effet car bien que lié à des notions temporelles, il permet de mettre en exergue les deux personnalités du plus grand trompettiste du monde.

L’autre force de l’exposition provient sans nul doute de sa monstruosité en terme de contenu et de sa capacité à capter l’attention du néophyte tout en ayant des choses à faire découvrir au passionné. Quelque soit votre rapport à Miles Davis, il y aura forcément quelque chose pour vous ici. Quand je parle de monstruosité, je parle également de l’impact de la mise en scène, des moyens déployés. Qu’il s’agisse des plug & play qui permettent d’écouter sur des bornes musiques et interview, ou des mini-pièces se focalisant sur un album, sur une époque, tout ici sans la démesure et la volonté d’exhaustivité. C’est très simple en 1h30, j’ai l’impression d’avoir à peine survoler l’espace.

Du coup on passe son temps à jubiler bêtement, comme un gosse dans un magasin de jouet, époustouflé par ce champ des possibles qui semble alors infini et qui a pourtant connut une limite en 1991. On est content d’apprendre que Miles était diplômé de l’école dentaire, on se délecte des photos, de la présence de Dizzee Gillepsie, de Charlie Parker, on se contorsionne en clignant des yeux devant ce qui n’est au fond que de simples partitions, on s’amuse de découvrir comment Jeanne Moreau est devenu sourde, on reste bloqué sur ce concert d’orchestre projeté au sol, on découvre avec curiosité l’approche globale de l’artiste avec ses huiles et peintures sur bois, et surtout on écoute en boucle « Someday my prince will come », la dernière collaboration avec Coltrane.

Alors oui, à titre personnel, j’aurais aimé que Marcus Miller ait été plus mis en avant et que les textes illustrant les salles aient été écrit avec plus de rigueur (était-ce bien raisonnable de se laisser aller à des jeux de mots comme : Miles « Devisse » et cesse de se produire en 1974 ?), mais globalement, l’approche est si abrasive, si totale, qu’il faudrait être fort de mauvaise foi pour ne voir dans ce « We Want Miles » qu’un « Fan de » à grande échelle.

Note : 8,0/10

>> A lire également, la critique de JS sur Good Karma

MISSION OF BURMA - The Sound The Speed The Light [7,5/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Fri, 16 Oct 2009 07:30:00 +0000

Post-Punk américian / 2009. J’ai longuement hésité à parler du nouvel opus de Mission Of Burma, car il faut dire que les problèmes de santé de Roger Miller font trop écho à ma vie pour que je puisse écrire sans un sentiment d’injustice et sans une once de mal être. Les choses sont telles qu’elles sont et je ne veux pas ressasser. Pourtant savoir que malgré ses problèmes le leader du groupe de Boston a trouvé le courage de remonter sur scène, d’affronter ses angoisses, de regarder droit dans les yeux le bruit et de lui tenir tête, m’incite si ce n’est à retourner en concert à au moins en parler plus librement.

Après un premier album brillantissime en 1982 (l’inusable « Vs. »), Mission Of Burma ne tardera pas à splitter sous la pression des acouphènes du Roger Miller. Alors interdit de concerts et d’exposition à des décibels trop élevés, le fameux guitariste écrira pendant presque 30 ans des chansons qu’il ne jouera jamais sur scène. Forcément, je ne peux que trouver cette histoire à la fois angoissante et pleine d’espoir dans sa conclusion puisque depuis sa reformation en 2002, le groupe écume à nouveau les routes. Je ne sais pas, je crois que je n’aime pas parler des acouphènes, que je préfère juste ne pas y penser. Ceci n’a rien de rationnel mais leur simple évocation accélère les battements de mon cœur. Je veux juste les oublier, nier leur existence et surtout ne pas écrire dessus comme si je cherchais à extérioriser une douleur intérieure, un traumatisme de vie. Non nous sommes là pour parler musique, non pas pour s’apitoyer sur mon sort.

La musique des américains reste incroyablement actuelle tout en sonnant vintage. Ayant transformé l’oxymore « punk intello » en un véritable way of life, Mission Of Burma détient toujours les clefs de cet équilibre parfait entre punk juvénile et réflexions plus arty. « 1,2,3 Partyy! » reflète ainsi à la fois les Sex Pistols et le post-punk de Wire. « Possession » réaffirme les affinités avec Sonic Youth, les deux groupes partageant ce même amour de la pop noisy, du bruit réfléchi. Sur « Blunder », le chant habité pourrait même laisser supposer une accointance avec Killing Joke.

La production de « Forget Yourself » est en revanche trop évidente, trop marquée par le mouvement à laquelle elle appartient, et c’est vraiment « After The Rain » qui finira de convaincre sur la vivacité du songwriting de Roger Miller. « The Sound the Speed the Light » enchaîne alors sur des modèles du genre comme « SSL 83 » et « So Fuck It » sans jamais hésiter pour autant à cracher sa rage punk qui n’a rien d’un vestige ; « One Day We Will Live There », et ses racines hardcore, en témoignera. Avec une moyenne d’âge qui doit flirter avec la soixantaine, il est surprenant de voir le groupe produire des titres aussi frais que « Good Cheer ».

Il y a quelque chose de rassurant à l’écoute de groupe comme Mission of Burma, Sonic Youth ou Dinosaur Jr : cette sensation que le temps qui passe n’arrivera pas à éroder nos convictions !

Note : 7,5/10