Playlist Society : Critiques et Chroniques Culturelles

DANIEL BJARNASON - Processions [7/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Mon, 15 Mar 2010 06:12:00 +0000

Musique classique islandaise / 2010. Daniel Bjarnason est un compositeur islandais qui a d’abord longuement fait ses armes sur le piano. Arrangeur notamment pour Sigur Ros, il prend enfin le rôle de chef d’orchestre tout au long de ce « Processions » un album de musique contemporaine toujours à la lisière d’émotions différentes.

Sur ce premier opus (je pense que personne ici ne s’offusquera de l’emploi du terme), il livre 3 mouvements, décomposés en sept parties. L’introduction presque expérimentale ne tarde pas à laisser les violons prendre le commandement mélodique, puis soudain tout s’accélère, les cassures interviennent, la ligne directrice est rompue, la chanson subit une attaque quasi-métallique. La bataille est inévitable, les coups de fusils fusent, le chaos est total, impossible de savoir qui de la mélodie ou de l’ennemi invisible arrive à prendre le dessus. Les corps se déchirent, le sang coule. Un vrai massacre bilatéral se déroule en un éclair de secondes. La guerre se termine comme elle avait commencé et « Bow to String II. Blood To Bones » évoque la confusion guerrière. Les survivants se rassemblent et comptent leurs morts, tandis que l’ambiance angoissante de « Bow to String III. Air to Breath » marque clairement l’heure du regret et des interrogations. Pourquoi ? A quelle fin ? Le désespoir est infini.

« Processions I. In Medias Res » synthétise bien la puissance et les travers du style de Daniel Bjarnason. Alors que le piano y est d’une justesse incroyable déployant des mélodies sournoises qui savent pourtant rester engageantes, certaines arrivées de l’orchestre sont tellement massives qu’elles en écrasent sous leur poids l’auditeur amadoué par l’apparente sérénité. Le titre se situe quelque part entre opéra et musique de film, au point que l’absence de chant n’empêche pas d’aisément déduire qu’un drame nous ait conté. Pourtant je parle vraiment bien de travers, la faute à une production qui par moment n’arrive plus à contrôler la puissance des instruments. Le volume double, les enceintes saignent et le bain de sang reprend. Et le pire, c’est qu’à écouter l’apaisant « Processions II. Spindrift », on jurerait que l’auteur avait anticipé la violence que déclencherait son orchestration et que charitable il avait ensuite planifié un repos bien mérité.

Bien que « Processions » se termine sur un « Skelja » dont la harpe ne suscite pas autant d’émotion que ses camarades, il n’en reste pas moins une grande épopée contemporaine à la fois triste et intense.

Note : 7/10

>> D'autres chansons en écoute ici

LA ROUTE de Cormac McCARTHY [8,5/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Sun, 14 Mar 2010 06:12:00 +0000

Cette critique a été écrite par Matthieu de Baudelire, vous pouvez également la retrouver ici

Roman américain / 2006. Vendéen d’origine et de cœur, c’est un exercice un peu particulier auquel je me prête aujourd’hui en décidant de faire la chronique de "La route" de McCarthy. En effet, alors que sont encore dans toutes les têtes vendéennes les terribles images de la tempête qui vient de s’abattre sur nos côtes, je ne peux m’empêcher de faire le parallèle avec les visions et les sentiments qui me sont venus lorsque j’ai lu le roman de Cormac McCarthy. Car, faisant écho à la situation qui frappe mon département de cœur, "La route" est un roman grave, sombre, désespérant. Bien évidemment, je réalise que cette introduction n’est peut-être pas le meilleur moyen de vous donner envie de vous plonger dans ce roman, il est vrai, assez noir. Ceux qui ont par ailleurs vu le film confirmeront que ce n’est pas l’œuvre la plus euphorisante de l’année. Et pourtant, "La route" est un très beau roman, récit d’une humanité désespérée où l’espoir surnage malgré tout, qui mérite d’être lu encore bien plus que d’être vu…

"La route" est ce qu’on l’on pourrait qualifier un peu trop rapidement de roman de l’apocalypse. Dans un futur plus ou moins proche, un jeune père erre seul avec son fils au milieu d’un monde dévasté et totalement déshumanisé. Fuyant des terres désolées, traversant un pays en proie à la barbarie et au cannibalisme, la volonté de vivre se meut peu à peu en simple ambition de survivre, et les rêves de trouver un monde meilleur s’émiettent au fil d’une marche qui prend progressivement des allures de chemin de croix. On devine une catastrophe nucléaire, et on comprend que quasiment rien n’a subsisté à l’exception de quelques hordes de barbares luttant pour une vie qui n’en a plus que le nom. Il n’y a rien d’autre à faire alors pour ces deux êtres qu’à avancer, lentement, péniblement, vers le Sud, vers la mer, tirant un caddie de supermarché, dernier vestige d’un monde qui portait en lui les germes de sa propre perte. Et pourtant, au milieu de ces ténèbres, un semblant d’humanité demeure malgré tout, oasis d’espoir au cœur d’un désert de cendres et de ruines…

Le style de McCarthy est extrêmement épuré, les mots sont froids, précis et comme rationnés, à l’image de ce que doivent endurer ce père et ce fils en quête perpétuelle des besoins physiologiques les plus élémentaires ; il n’y a pas d’adjectifs superflus, pas d’envolée dramatico-lyrique, pas de pathos surfait. Le peu de chaleur qui émane du texte vient des rares instants d’échange entre l’homme et son enfant. Les mots se font alors un peu plus généreux, à l’image de l’amour sans borne qui lie ce père et son fils et des efforts qu’ils sont prêts à consentir l’un pour l’autre. Il y a évidemment quelque chose d’extrêmement touchant dans cette relation filiale, comme la persistance d’une humanité où le partage, le sacrifice et le bonheur des choses simples signifient encore quelque chose d’important.

Mais "La route" est aussi un roman de l’absurde au sens originel du terme, c'est-à-dire de l’absence de sens. Qu’est-ce qui motive encore ce père pourtant seul contre tous ? Pourquoi lutte-t-il ainsi désespérément dans un monde au sein duquel plus rien ne semble possible ? Que cherche-t-il, qu’espère-t-il encore offrir à son fils ? On sent poindre à chaque page la tentation d’en finir avec cette vie de misère et on entend alors Camus dans Le mythe de Sisyphe expliquant qu’ « il n’y a qu’un problème philosophique vraiment sérieux : le suicide ». Et cependant, tel Sisyphe poussant inlassablement son rocher, rien ne semble pouvoir ébranler la foi de ce père tâchant d’insuffler la force et la volonté de vivre à son fils, s’évertuant à lui léguer les bribes d’une humanité délitée. Qu’il est beau le combat de cet homme, qu’il est noble et courageux dans son abnégation, dans son absence de renoncement. Refusant la posture du suicidaire, le père endosse l’habit du héros absurde si cher à l’auteur de L'étranger. Mais à quel prix ? Pour quelles joies et quelles souffrances ? Le mieux demeure alors de se souvenir de Camus et d’essayer « d’imaginer Sisyphe heureux », de voir en cet homme et en son fils les dépositaires fictifs de la pensée du grand écrivain de l'absurde et de les ériger alors en figures modernes de « l’homme révolté »…

Car n’est ce pas le propre de l’homme que cette capacité à se relever quand plus rien ne demeure, que cette force de reconstruire alors même que cela semble impossible ? On ne peut s’empêcher de penser aux mots, dans leur version française, de Rudyard Kipling dans son poème If : « Si tu peux voir détruire l’ouvrage de ta vie, et sans dire un seul mot te mettre à rebâtir (…) Si tu peux conserver ton courage et ta tête quand tous les autres les perdront (…) Tu seras un homme mon fils ». Peut-être qu’en ces sombres jours Kipling aurait conclu en écrivant « tu seras Vendéen mon fils », toujours est-il que la clé de ce roman se trouve peut-être là, dans ce que Spinoza appelait le Conatus, à savoir cette inébranlable volonté de l’homme à persévérer dans son être, cette aptitude à croire en la puissance d’exister, cette capacité à se projeter vers l'avant et à imaginer des jours meilleurs. Pour ce faire, l’homme dispose d’une formidable ressource, d’un moteur en tout point vital que l’on appelle tout simplement l’espoir. La platitude de l’adage ne doit pas nous faire oublier que oui, l’espoir fait bien souvent vivre...N’est-ce pas alors en partie le message que nous délivre ce récit ?

Certes, de là à faire de "La route" un roman de l’espérance, il y a un long sentier que je n’emprunterai peut-être pas. Et pourtant, souvenons-nous tout de même une dernière fois de Camus et n’oublions jamais son message de révolte empli d’optimisme: « En vérité, le chemin importe peu, la volonté d'arriver suffit à tout ».

Note : 8,5/10

THE GHOST-WRITER de Roman Polanski [7/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Sat, 13 Mar 2010 06:12:00 +0000

Film américain / 2010. Génération sacrifiée sur l’autel des thrillers, nous avons été nourris jusqu’à l’overdose de scénarios adeptes de la fin tordue et du rebondissement de dernière minute. De la littérature au cinéma en passant par la télé, le thriller a été tourné à toutes les sauces : policier, journalistique ou encore politique. Dans ces circonstances, comment espérer encore attirer le spectateur avec un synopsis à peine plus ambitieux que celui d’une sous intrigue de Damages. Comment surprendre le chaland et susciter de nouvelles émotions ?

A cette question, Roman Polanski répond avec prestance « en étant un grand réalisateur » ! Et il n’a pas tord le bougre ! « The Ghost-Writer » ne fonctionne que sur la qualité de sa mise en scène et sa capacité à créer en un rien de temps des ambiances qui en disent plus long sur la situation que les quelques échanges entre les personnages. Tout n’est ici que métaphores de la fonction politique et plus généralement du champ des possibles de l’homme. Alors qu’à première vue les possibilités sont illimitées et que les espaces sont volontairement immenses afin d’appuyer sur la notion de liberté (l’impressionnant loft, la mystérieuse île), on réalise rapidement que malgré la grandeur des apparences, les personnages ne sont pas moins cloitrés dans leur propre destinée.

Les plans, parfois hitchcockiens sont le plus souvent polanskiens et on se délecte des longues ballades d’un Ewan McGregor assailli par la pluie. L’acteur britannique campe ici un personnage qui n’existe pas dans son milieu. Malgré son importance, il s’agit d’un nègre sans nom, qui ne laissera aucune trace dans l’histoire au point que ses noms et prénoms soient soigneusement éludés comme si le réalisateur lui-même ne les connaissait pas.

Pourtant malgré sa richesse visuelle et thématique, « The Ghost-Writer » peine à convaincre. Bien qu’il s’agisse d’un des meilleurs thrillers du moment, il ne reste au fond qu’un thriller au scénario malin mais comme souvent imparfait voir incohérent. On s’étonne toujours que le premier ghost writer, après avoir découvert le pot aux roses, se soit auto-persuadé que c’était une bonne idée d’aller tout dévoiler à Paul Emmett aka le principal intéressé. Et puis, malgré la grande tenue de la direction d’acteur, on reste toujours un peu sur sa faim d’un point de vue psychologique.

A côté de ça, Pierce « James Bond » Brosnan qui avait encore un dernier film à faire pour honorer son contrat avec BMW permet à Roman Polanski de tourner la plus belle des publicités pour la firme allemande. Qu’elle soit à l’arrêt, sous le déluge ou qu’elle guide le héros de sa voix suave mais directive, la X5 prouve que ce ne sont plus les politiciens qui tirent les ficelles…

Note : 7/10

>> A lire également, la critique de Rob Gordon sur Toujours Raison et la critique de Nicolinux

CHEVAL BLANC - Révélations [7,5/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Fri, 12 Mar 2010 06:12:00 +0000

Chanson française / 2010. Afin de faciliter l’approche et l’adhésion, afin d’éviter les à priori, il ne faudrait dans un premier temps ne parler que des textes et des poèmes disponibles sur le blog de Cheval Blanc. Pourtant je ne peux pas m’empêcher de faire un lien avec les origines du bonhomme, origines qui ont forcément un écho tout particulier chez moi. Car avant d’être Cheval Blanc et de jouer les chevaliers servants pour la chanson française de qualité, Jérôme-David Suzat a été le bassiste de No One Is Innocent lors de la période hargneuse du groupe (« Utopia »). Son évolution vers des strates plus littéraires n’en est selon moi que plus touchante tant j’ai toujours aimé les écorchés vifs qui passent de la rage pure à la plume éthérée.

« Révélations » est la première partie d’un diptyque intitulé « The Art of the Démo » et dont la seconde partie « Révolutions » ne verra le jour que dans la seconde partie de l’année.

Dès « Les criminelles », la richesse du chant d’exploration linguistique émeut tandis que la ligne mélodique fait le pont entre Leonard Cohen et Jean-François Coen. Cheval Blanc y tient guitare, piano, batterie et clavier et offre un morceau fleuve sans dépasser les 3 minutes 30. « A la mort du monde » est une magnifique chanson sur l’apocalypse incroyablement pessimiste tout en étant chargée de l’espoir d’un renouveau lointain.

En fait Cheval Blanc représente simultanément les deux versets de la chanson française qui me touchent le plus : en amont la profondeur instrumentale et textuelle de Dominique A (« Le Baiser »), en aval la sincérité émotionnelle d’Alex Beaupain (« Viens dans mes bras »).

« Il n’y pas dans tes yeux ma couleur préférée ». Ce n’est pas grave, ce n’est pas ce que je cherchais. Contre-pied à Arnaud Fleurent-Didier et Erik Arnaud, Cheval Blanc devrait marquer au fer rouge ceux qui ont été élevés par Silvain Vanot.

Note : 7,5/10

>> L'album est en vente sur Bruit Blanc

GONJASUFI - A Sufi And A Killer [7/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Thu, 11 Mar 2010 06:12:00 +0000

Weird-Rock / 2010. Non content d’avoir publié le formidable « Oversteps » d’Autechre et de s’appréter à nous livrer le nouvel opus de Flying Lotus, Warp nous offre Gonjasufi, machine à mélanger les genres justement produite par Flying Lotus. De Gonjasufi, on ne sait pas grand-chose, quelques infos égrenées, des éléments distillés ici ou là, des rumeurs glanées sur le fil de la toile. A vrai dire à part le fait qu’il est originaire du Nevada, tout reste plutôt flou, au point de susciter comme avec Burial les plus folles suppositions sur son identité (certains ont même rêvé y entendre Sufjan Stevens…)

« A Sufi And A Killer » est un album difficile à situer, une sorte d’electro-punk-soul chantée par un Tom Waits halluciné. Tout ce qu’on peut dire c’est que Warp est de plus en plus imprévisible dans ses choix au point qu’on ne serait plus étonné d'y retrouver signé un groupe de post-hardcore ou de folk cubaine.

Les tâtonnements électroniques restent toujours lo-fi dans l’esprit (« Holidays », « Ancestors ») comme si Gnarls Barkley jouait de la folk. Le groupe apaise (« Dust ») puis crie comme un bluesman affamé (« DedNd »). « She Gone. » a ce côté cirque arménien qui rappelle indéniablement une version folk de System Of A Down. Sentiment non démenti, par le rugueux « SuzieQ » où Gonjasufi est à deux doigts de scander une rage viscéralement rock’n’roll.

On part parfois dans de la BO d’un western hypnotique (« Sheep »), les pistes se brouillent pour former un collage spaghetti psychédélique qui incorpore des samples de toutes les cultures (« Kowboyz&Indians »). C’est définitivement le bordel comme si des dissidents faisaient une fête dans la cave de « Plastic Beach » alors que des invités prestigieux travaillent à la surface sans entrain (« Love Of Reign »).

Parfois un peu bavard, un peu trop aisément funky (« Candylane ») et prônant un fourre-tout parfois fatiguant (« Klowds »), « A Sufi And A Killer » n’en est pas moins une étrange découverte qui devrait révéler à chaque nouvelle écoute des surprises supplémentaires.

D’une hallucinante maturité (« Advice »), Gonjasufi signe ici un premier album souvent jouissif, qui ferait une excellente bande-son pour un futur Tarantino.

Note : 7/10

>> Quelques titres en écoute ici
>> A lire également, la critique de Ed Loxapac sur Chroniques Electroniques, la critique de Benoit sur Hop, et l'article sur Adikt Blog

JJ - JJ n°3 [2/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Wed, 10 Mar 2010 06:12:00 +0000

Pop-Folk Suédoise. « JJ n°2 », le premier Lp de JJ (après l’EP n°1) avait considérablement égayé mon été via une parfaite synthèse entre folk, electro-pop et influences africaines. Le grand froid suédois rentrait en collision avec les vents du sud. C’était charmant et apaisant. Autant le dire de suite, je ne m’attendais pas à voir le groupe de Gothenburg sortir un nouvel opus si inconsistant.

Dans ses meilleurs moments « JJ n°3 » ressemble à des chutes de studios de son prédécesseur, comme si les suédois avaient à l’époque écarté les chansons les plus banales et nous les relivraient ici comme une vulgaire compilation de face B.

Dès « My Life », on sent qu’il se passe quelque chose de néfaste, que la voix de Kastlander a perdu tout son charme sucré. A la place des rythmiques qui embrassaient le cœur, on retrouve ici des titres ambiants très froids (« And Now ») et des instrumentations épurées qui n’épousent jamais le chant. L’italo-folk « Let Go » s’annonce comme une charmante invitation à l’ailleurs mais est finalement corrompue par un chorus qui la transforme en BO Dysney.

Il faut bien l’avouer, tout cela manque cruellement de songwriting. Il ne suffit pas de placer ici ou là des samples de ce qui s’apparente à des commentaires sportifs pour se targuer d’une certaine originalité (« Into The Light »). Il ne suffit pas de jouer sur la corde sensible pour instantanément ramener l’auditeur à sa cause (« Light »).

A l’écoute de ce « JJ n°3 », on se demande vraiment ce qui a poussé le groupe à enregistrer si vite un nouvel album tant il y a ici un évident défaut d’envie et de plaisir. A chaque titre on réalise un peu plus que la formation se force (« Voi Parlate, Lo Gioco »), qu’elle essaye de recycler le peu qu’il y a à recycler (« You Know »), tout en essayant de meubler l’album avec des titres à peine finis qui mixent chants lointains et improvisations instrumentales (« Golden Virginia »).

A l’image des titres des chansons qui ornent le tracklisting, JJ semble vidé de toute inspiration, prêt à rendre les armes et à splitter face à cette passion devenue travail.

Note : 2/10

THE BESNARD LAKES - Besnard Lakes Are the Roaring Night [3/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Tue, 09 Mar 2010 06:12:00 +0000

Post-Rock candien / 2010. C’est l’histoire d’un groupe auquel je croyais et qui a complètement retourné sa veste. S’est-il laissé endoctriner ? A-t-il eu une révélation ? A-t-il confondu rédemption et isolement ? Le diptyque « Like the ocean, like the innocent » ne démarre jamais. Il prêche. Il prêche sans but. « Chicago Train » radote, tourne en rond sur lui-même. Les nappes de claviers n’en finissent plus tandis que le chant semble mixé à des kilomètres du disque. Quand le titre démarre au bout de 3 minutes, c’est déjà trop tard, l’auditeur a déjà filé sur la piste suivante (ce qui lui évitera au passage le supplice d’un final pompeux). The Besnard Lakes se donne des grands airs de post rock éthéré et voudrait émouvoir comme un groupe d’ambiant. Mais l’on ne se métamorphose pas sous le simple coup de la volonté.

La batterie manque de finesse sur « Albatross » tandis que les chœurs cherchent à masquer l’évidente vacuité de l’instrumentation. Le groupe cherche à se doter d’un charme qu’il a oublié sur les bandes de son premier album. Les artifices noisy ne prennent pas. Le second diptyque, le bien nommé « Land of living skies » a le don de profondément exaspérer. Il faut bien comprendre que chez The Besnard Lakes un diptyque en deux parties n’est au fond qu’une chanson qu’on aurait amputée de son intro d’une minute. C’est vrai que vu comme les titres sont ennuyeux (« The Lonely Moan »), il ne faudrait pas qu’ils durent une éternité non plus. « And This is What We Call Progress » doit être ironique tant cette chanson, plus dans la veine du premier opus, est une véritable récession. Tout ça manque cruellement de mélodies et de surprises, en particulier sur les titres interprétés par Olga Goreas.

Bien heureusement, il y a quelques titres où l’on retrouve The Besnard Lakes là où on les avait laissés comme « Glass Printer » qui remet un peu les guitares et la profondeur du chant de Jace Lasek à l’honneur, ainsi que… ainsi que… en fait non c’est le seul titre.

Blasé par une ordre de critiques paresseux en mal d’inspiration (dont je fais évidemment parti) qui les avaient un peu trop classés dans la catégorie « groupes canadiens post Arcade Fire », The Besnard Lakes a décidé de prendre son envol et de partir loin, très loin, trop loin, vers des contrées qui n’intéressent plus personne, vers un post rock ambiant creux et sans âme.

Note : 3/10

>> A lire également, la critique de Kris sur Dans le mur du son et la critique de Marc sur Esprits Critiques

ERRORS - Come Down With Me [7/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Mon, 08 Mar 2010 06:12:00 +0000

Electro-post-rock anglais / 2010. Signé sur Rock Action Records le label du fameux groupe qui vous avait tant déçu en 2008, Errors continue de délivrer sur ce deuxième album une musique tendue, recelant d’harmonies enivrantes. « Come Down With Me » ne connaît pas les rejets, toutes les greffes sont bonnes à prendre pour emmener le post-rock vers de nouveaux horizons.

Pas question effectivement de se laisser enfermer dans le carcan d’un genre. Errors n’est pas là pour reproduire les mêmes erreurs que son mentor. Aux structures éthérées, « Supertribe » rétorque d’une voix déformée par un haut-parleur que les influences sont aussi à chercher du côte de l’électronique allemande. Il y aurait du clash là-dessus que cela ne nous surprendrait pas le moins du monde, et « Come Down With Me » pourrait se voir comme une relecture rock et déterminée de la musique de Röyksopp (« Jolomo »). Le légèrement ennuyeux « The Erskine Bridge » sert d’introduction au très beau « Sorry About The Mess » dont le développement se rapproche d’un Boards Of Canada. Très vite, les accointances n’en finissent plus de transparaître. De l’abstrackt hip hop et de Bibio sur « The Black Tent », aux réminiscence de 65Daysofstatic sur « Beards », Errors maintient les portes grandes ouvertes.

Néanmoins, pas question non plus de renier son identité. Les greffes servent à évoluer, non pas à oublier ses origines. De par son titre et son introduction qui laisse prévoir une explosion chaleureuse, « A Rumor In Africa » pourrait rappeler Yeasayer, mais très vite on réalise que les influences sont définitivement post-rock, et c’est à Tortoise qu’on pense pour ce sens de la mélodie instrumentale où les claviers virevoltent avec les rythmiques. Les bases sont bien là. Malgré une structure qui ne cherche jamais à s’inscrire en porte-à-faux du style, « Antipode » se loge dans le crâne via sa basse très largement surmixée et des mélodies sous-jacentes.

Les greffes finissent-elles par transformer les chansons, où restent-elles les mêmes sous ces nouvelles couches ? Errors est-il un groupe de musiques electroniques aux structures post-rock ou reste-t-il un groupe de post-rock qui essaye de cacher les lacunes du style sous des artifices. N’ayant jamais eu de problème avec le maquillage de qualité, la réponse n’a au final que peu d’importance pour moi.

Post-rock, dérapages électroniques, un charme intrinsèque et de grandes chansons… On aurait vite fait de sortir une formule toute faîtes comme « Errors seront les Cougar de 2010 ». Malheureusement, il manque encore à « Come Down With Me » un peu de corps et de densité pour atteindre les sommets de la puissance évocatrice de « Patriot ». Peu importe, si Errors n’a pas encore fini sa mutation, il démontre déjà ici d’incroyables capacités d’absorptions.

Note : 7/10

>> Quelques titres en écoute ici

ANVIL de Sacha Gervasi [7/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Sun, 07 Mar 2010 06:12:00 +0000

Film anglais / 2010. « Anvil » est un contre-pied aux pitch trop accrocheurs, la preuve que l’on peut être brillant avec les sujets les plus ardus. Il faut bien avouer que sur le papier, l’idée de suivre un groupe de thrash metal et de s’apitoyer sur ses états d’âme est tout aussi excitante que celle de regarder un dvd de Metallica en live avec son psychologue. D’autant plus que aimer Slayer est une chose, se passionner pour le trash-metal en est une autre.

Afin de vous inciter, on vous vendra qu’il s’agit ici d’un true Spinal Tap, que nous avons à faire à un documentaire à fleur de peau d’une émouvante sincérité, et que le film regorge d’une vraie philosophie de vie. Les arguments de ventes ne sont parfois que de criantes illustrations de la réalité du produit...

La force de « Anvil » est de réussir à vous captiver sans utiliser aucun procédé fallacieux, aucune mise en situation forcée, aucun effet de style appuyé. On n’est pas chez Michael Moore, pas question d’utiliser des caméras cachées ou de répéter préalablement avec les personnes interviewées. La matière est là, il n’y a qu’à se servir. Les moyens techniques ne s’élèvent jamais au-dessus de ceux d’un simple reportage télé, au point de visuellement plus rappeler un reportage sur les Twisted Sister sur Empty Vie qu’un compte-rendu de l’état du monde par Yann Arthus Bertrand (sic). Ainsi il ne faudra pas vous étonner d’avoir l’impression d’assister parfois à un Confession Intime ou aux séquences émotions de la Star Ac.

Oui Sacha Gervasi met le monde à terre rien que par la force du propos et par la puissance du charisme des deux membres fondateurs du groupe. Oui « Anvil » est avant tout un film de couilles, une histoire d’amitié solide entre Steve "Lips" Kudlow et Robb Reiner. Bien plus que Jim Carrey et Ewan McGregor dans « I Love You Phillip Morris », ils forment définitivement le couple de l’année et démontrent qu’un vrai groupe c’est tout autant une histoire d’hommes qu’une histoire de chansons. Bien que musicalement anachronique, le groupe véhicule une image qui n’a jamais été autant d’actualité via un message qui peut s’appliquer bien au-delà des sphères du monde artistique.

Que se soit lorsqu’il présente ses tableaux, ou lorsqu’il explique combien son père, rescapé des camps, n’avait que pour seul souhait qu’il soit heureux, Robb Reiner possède un flegme qui crève l’écran et qui complète la folie furieuse de Lips. Non définitivement, ces deux là possèdent tellement de charisme visuel qu’on pourrait presque dire qu’ils se sont définitivement trompés de voie.

Note : 7/10

PS : J’ai écouté « This Is Thirteen » leur treizième album et on ne peut définitivement pas jeter la pierre au type d’EMI pour les avoir éconduit :)

>> A lire également, la critique de Rob Gordon sur Toujours Raison et l'article de Olivier sur Where is my Song ?

EDVARD MUNCH ou l'anti-Cri (A la Pinacothèque) [4,5/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Sat, 06 Mar 2010 06:12:00 +0000

Expressionnisme norvégien / du 19 février au 18 juillet 2010 / Paris. Rien qu’à l’intitulé de l’exposition, je savais que la Pinacothèque allait une fois de plus me laisser perplexe. « Edvard Munch ou l'anti-Cri », voilà bien une accroche qui me laisse pantois, un peu comme si on vous avez présenté « Kid A » de Radiohead comme « l’anti-Creep ». Dès les premiers instants, « Le Cri » nous est annoncé comme une œuvre presque mineure et anecdotique dans la carrière d’un Edward Munch qui ne serait d’ailleurs plus un expressionniste mais un croisement entre Picasso, Braque, Dubuffet et Pollock. C’est vraiment comme si on vous rappelait à quel point vous êtes cons de penser que Soundgarden ce n’est que « Black Hole Sun ».

En passant la Pinacothèque vous rappelle également à quel point ils sont géniaux et combien, fidèle à leur esprit d’origine, ils ne font rien comme tout le monde. « Edvard Munch ou l'anti-Cri » ne sera d’ailleurs constitué que d’œuvres issues de collections privées ; pas question de se mélanger avec les autres institutions.

Enfin heureusement, on vous rassure, on vous dit que vous allez découvrir un artiste exceptionnel, peut être un des plus grands génies du XXème siècle, un peintre qui a repoussé les limites de la conception en faisant subir à ses œuvres les pires traitements. Le discours est bien rodé mais ne sera malheureusement jamais illustré.

Non la majorité des textes s’attarde sur des éléments de vie qui ne sont jamais remis dans la perspective de l’homme et de l’œuvre. On vous dit « Des retrouvailles avec Tulla Larsen, le 12 septembre, se terminent de manière dramatique. Pendant une violente dispute, il se blesse d’un coup de revolver à la main gauche. La perte d’une phalange rappellera à Munch toute sa vie cet épisode tragique » mais on ne vous dit pas si l’homme était torturé, s’il était à deux doigts de tuer son amour. Non on ne crée pas de ponts entre les événements et les œuvres. On préfère vous débiter des vérités qui ne semblent après analyse n’avoir aucun fondement : « Le désordre hématologique qui nappe de rouge jusqu’aux maisons, rivages et ciels, et les germes délétères qui contaminent les figures erotisée (Madone) d’une sexualité animale relient l’œuvre de Munch au corpus élargi des philosophes et mystiques – de Schopenhauer à Kierkegaard et de Svendenborg à Strindberg -, aux écrivains et artistes d’un symbolisme teinté de néo darwinisme […] » et blabla et blabla. Je n’ai même pas eu le courage de finir la phrase.

Je ne suis nullement sensible à Edward Munch. Je trouve les « Madones », « Vampire » et « Harpie » à la limite du mauvais goût, et « Deux femmes sur le rivage » m’évoque un Dark Vador qui se confesserait à Princesse Leia. La majorité des œuvres ne me touchent pas, les esquisses me semblent presque anecdotiques et les lithographies dégagent un aspect fond de tiroir (« La mort d’Alpha »).

C’est vraiment dans ses seuls moments de tristesse que le peintre réussit à m’émouvoir. « Tête de fillette » impose un regard aussi perdu qu’angoissant, tandis que les « Nu pleurant » et « Nu agenouillé » déploient une vraie mélancolie amplifiée par une pudeur volée. « Le baiser » tout comme le fantasmagorique « Visiteur à Ekely » semblent cacher un drame humain, une rupture passée ou à venir.

Peut être qu’avec une mise en scène différente et une affluence moindre, « Edvard Munch ou l'anti-Cri » m’aurait autrement touché. Mais là, je n’y ai ressenti ni la force des thèmes, ni cette génialissime diversité qui m’est plus apparu comme un dommageable éparpillement.

Note : 4,5/10

A SINGLE MAN de Tom Ford [8/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Fri, 05 Mar 2010 06:12:00 +0000

Film américain / 2010. [Attention Spoilers] J’ai toujours aimé penser que les environnements dans lesquels les artistes évoluaient n’étaient que des supports interchangeables, et que le besoin de dire des choses, d’exprimer des sentiments n’étaient pas corrélé au fait d’avoir appris la guitare dans sa jeunesse ou d’avoir été un rat de bibliothèque. Bref, j’ai toujours aimé l’idée un peu galvaudée que l’artiste était universel et que les ponts entre les différentes formes d’art étaient nombreux. Je parle évidemment ici plus de Adam Jones de Tool et de Vincent Gallo que de Jared Leto et Michel Gondry (on peut le dire maintenant que Oui-Oui c’était pas très bien ?). Pourquoi cette introduction me direz-vous ? Tom Ford n’est après tout « que » couturier et « A Single Man » constitue ainsi ses premiers pas dans le domaine artistique. Il ne faut pas mélanger artistes et artisans. On pourrait débattre longtemps autour de ce thème on ne peut plus récurrent, mais partons pour l’instant du principe qu’il y existe des similitudes entre la démarche artistique cinématographique et la création stylistique de haut niveau (Gucci et Yves Saint Laurent). Effectivement, une telle hypothèse permet de légitimer l’évidente sophistication de « A Single Man » et de passer outre les ralentis poseurs et les ambiances mélancoliques aux effluves de spots pour parfum. Acceptons que ses éléments fassent juste partie du background culturel de Tom Ford et que l'essentiel soit ailleurs.

Car oui il y a bien des choses essentielles dans ce premier long métrage. Comme toutes les premières œuvres, celle-ci en dit long sur son auteur. Le choix de l’adaptation du roman de Christophe Isherwood n’a rien d’hasardeux tant il semble permettre à Tom Ford d’extérioriser des sentences clefs qu’on imaginerait bien avoir dormi pendant des années entre deux feuillets d’un calepin Filofax. Le jeu sur cette solitude si pesante, sur ce manque qui pourrait pousser au suicide n’est souvent qu’une mise en scène pour dévoiler ce besoin que nous avons tous de nous faire peur. Il est troublant de voir George Falconer (interprété par l’impeccable Colin Firth dont le brio nous fait d’ores et déjà oublier sa future prestation dans « Bridget Jones 3 ») se moquer du trop plein de dramaturgie de Charley, alors qu’il cherche lui-même à se donner des frissons.

Durant cette journée qui ne cesse via de nombreux plans d’horloges d’appuyer sur le peu de temps qu’il lui reste à vivre, George Falconer ne cessera de chercher des moments instantanés de bonheur qui pourraient potentiellement modifier sa décision. Ainsi à chaque fois qu’une émotion, qu’un ressenti lui rende son humanité, la colorimétrie de l’image s’épanouit et gagne en brillance. Les teintes et les textures ne cessent de donner un deuxième niveau de lectures aux scènes, comme si la luminosité servait à mettre en exergue les émotions indétectables autrement chez ce personnage qui ne laisse jamais rien transparaître. L’exercice stylistique est complexe et Tom Ford s’en sort comme un vieux briscar expérimenté en ne cessant d’alterner classicisme et modernité.

L’ironie de la mort de Falconer, qui décède d’une crise cardiaque alors qu’il venait justement de renoncer à celle-ci, peut paraître légèrement maladroite mais permet au réalisateur de maintenir sa continuité « humoristique ». La vie se joue des gens comme les gens se jouent des autres gens.

Note : 8/10

>> A lire également, la critique de Rob Gordon sur Toujours Raison

CLARA CLARA - Confortable Problems [8/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Thu, 04 Mar 2010 06:12:00 +0000

Indie Rock français / 2010. Pas étonnant que l’on emploie si souvent l’expression « coup de cœur » lorsqu’il s’agit de musique. Il faut dire que s’emballer sans retenue pour un disque c’est un peu comme tomber amoureux : ça n’arrive que lorsque vous vous y attendez le moins (et pourtant Dieu sait que je ne suis pas friand des formulations toute faîtes des magazines féminins). Pouvais-je m’attendre à une réaction si épidermiquement positive en glissant « Confortable Problems » de Clara Clara dans la platine ? D’avant ce premier contact, je n’ai que de vagues souvenirs. Peut-être qu’une amie avait déjà évoqué le phénomène devant moi. Peut-être que nous nous étions déjà entraperçu à un concert. Peut-être que j’avais déjà pris une bière sans le savoir avec François Virot. Peut-être ; peut-être pas. Je n’ai que des brumes d’images. Il me semble bien revoir la pochette de « AA » le premier album traîner dans un recoin de ma chambre, mais je ne me souviens pas l’avoir écouté.

Alors que je ne savais même pas ce que je cherchais, ni même si je cherchais quelque-chose tout court, Clara Clara s’est imposé à moi comme l’élément manquant de l’instant. Ce que je voulais c’était du rock brut, jouissif et généreux qui n’aurait pas pour autant négliger les expérimentations, et « Confortable Problems » était l’œuvre qui répondait définitivement le mieux à ce cahier des charges.

Dès « Paper Crowns », je retrouve la folie de Death From Above 1979. Ca joue vite et violemment tout en transpirant de mélodies. Je m’abandonne à cette basse droguée à la distorsion qui rappelle inévitablement Lightining Bolt (« Confortable Problems »). Je m’émerveille devant ces claviers vintages et popisant qui égayent ces huit courants d’air électriques (« Versus Education Of Artistic Peace »).

Je sais qu’il est mal de chercher dans le passé des points de comparaisons lorsqu’on se lance dans une nouvelle histoire, mais ici il ne s’agit que d’arguments qui justifient le présent. Alors oui il y a un côté Fugazi de par cette approche math rock décomplexée, et oui les harmonies vocales joliment rugueuses peuvent rappeler l’âge d’or de Franck Black (« Lovers ») ! Mais avant tout ce que j’aime chez Clara Clara, c’est cette capacité à piquer des riffs au rock le plus hypé et à en tirer des chansons complexes et bizarroïdes (« Under The Skirt »).

A la fois sombre et joyeux, profond et dansant, « Confortable Problems » est le disque parfait pour faire la jonction entre deux saisons. Clara Clara est une tempête emplie de chaleur et de folie et une mauvaise métaphore m’obligerait à prétendre qu’elle porte en elle la foudre.

Note : 8/10

>> L'album est en écoute ici

>> A lire également, la critique de Arbobo, la critique de Mmarsipilmai sur Little Reviews et l'article de Sfar sur Toujours Un Coup D'avance !

THE KNIFE (with Mt. Sims et Planningtorock) - Tomorrow, In A Year [7,5/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Wed, 03 Mar 2010 06:12:00 +0000

Opéra électronique suédois / 2010. Si des chansons comme « The Captain » pouvaient laisser supposer des orientations futures déconcertantes, nul doute que les aficionados de « Silent Shout » et titres comme « Neverland » et « Marble House » tomberont des nues à l’écoute du nouvel album de The Knife. Effectivement après l’épisode Fever Ray, Karin et Olof Dreijer ont décidé de radicaliser le propos sur « Tomorrow, In A Year ». Armé d’un concept aussi ambitieux qu’opaque, le duo suédois a décidé de s’entourer de collaborateurs comme Mt. Sims, Planningtorock et la cantatrice Kristina Wahlincafin afin de mettre en œuvre un opéra inspiré de la vie de Charles Darwin et de son ouvrage « L'Origine des espèces ».

Le concept est ardu car il s’agit bien évidemment d’un opéra électronique à fortes connotations expérimentales. Dès « Epochs » et « « Geology », on sait que The Knife ne fera rien pour nous ménager et livrera un album égoïste qui n’aura pour unique objectif que d’assouvir la folie de ses créateurs. Les voix aigues se posent sur des distorsions sonores dénuées de toutes mélodies, tandis que certaines plages se résument à une succession de crissements qui varient sur différentes fréquences (« Variation Of Birds »).

Mon intention première était donc de louer la démarche mais de conspuer ces collages sonores sans queue ni tête que même la Fondation Quartier n’aurait pas accepté pour égayer une exposition post-moderne. Effectivement « Tomorrow, In A Year » est un disque d’une rare prétention qui ne cesse de toiser l’auditeur de haut en le renvoyant à sa propre petitesse d’esprit. Tantôt désagréable, tantôt manipulateur, The Knife s’y perd, comme s’il n’avait pas été en mesure de finaliser leur travail et que tout l’album n’était composé que d’exercices de style de studio (« Letter to Henslow »). C’est cela ! Bien au-delà des inepties expérimentales, c’est surtout cette impression de se retrouver face à des chutes de studio qui agace le plus (« Schoal Swarn Orchestra »). En comparaison de certaines parties de cet album, « Monoliths & Dimensions » de Sunn O))) semble être un modèle d’accessibilité, tant le drone métallique semble plus chaleureux que le drone électronique.

Et pourtant aussi insupportable puisse être ce « Tomorrow, In A Year », une étrange force m’oblige sans cesse à y revenir, comme si l’album recélait un mystérieux trésor et que je refusais de m’enfuir sans me l’être approprié. Une insondable beauté se cache ainsi derrière des chansons comme « Upheaved » et « Annie’s Box », tandis que la fin de l’œuvre révèle de grands frissons psycho-émotionnels avec le shamanique « Colouring Of Pigeons » et le technoïde « Seeds ».

Oubliez l’ennui et plongez dedans sans retenue car rarement un disque aussi peu concerné par le plaisir auditif aura été si intriguant.

Note : 7,5/10

GORILLAZ - Plastic Beach [4,5/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Tue, 02 Mar 2010 06:12:00 +0000

Electro Pop Hip-hop anglaise / 2010. Au confluent des influences, il y a ce rêve de gosse, celui de créer un groupe virtuel de super héros musicaux, avec un chanteur pop, un bassiste métal, un batteur hip hop et un guitariste weird et de les plonger dans des torrents d’univers décalés où se mélangent onirisme, coke et personnages mystérieux. Gorillaz c’est avant tout le One Piece du rock, une entité qui développe un capital sympathie fédérateur et inestimable. Sans adopter un positionnement vindicatif, le groupe aura finalement réussi à toucher toutes les sphères évoquées de son monde. Damon Albarn et Jamie Hewlett ont créé un système inattaquable fait de fun, d’expérimentations et d’ouverture sur le monde. Tout cela est tellement barré qu’on est presque surpris de l’impact du groupe sur la population. Il faut dire qu’avec Dan The Automator et Danger Mouse en chefs d’orchestre, le groupe n’a jamais fait dans l’accessibilité putassière. On ne s’exile pas si loin pour faire à l’identique ce qu’on aurait pu faire chez soi.

Cependant l’isolement dans une nouvelle communauté à des milliers de kilomètres de chez soi peut avoir des répercussions néfastes : pertes des repères, multiplication des private jokes, auto-justification du talent, diminution de la capacité à prendre du recul. L’île est un cocon à double tranchant : la famille est bien là mais on ne sait pas si elle vous veut vraiment du bien.

Pourtant à la surface, la mer est calme et les rayons du soleil chauffent cette plage faîte de conserves répercutant ainsi un peu partout des éclats électroniques. Tout d’abord, au même titre que ses deux prédécesseurs (avec « Clint Eastwood » et « Feel Good Inc. »), « Plastic Beach » est porté par un incroyable single. Impossible de positionner « Stylo » sur l’échelle des productions actuelles tant il s'agit d'un trois voix qui défile comme un hommage tarantinesque au cinéma de genre avec un Bobby Womack en mode Jackie Brown et un Mos Def plus ecstatic que jamais.

La ligne d’intro de « Welcome To The World Of The Plastic Beach » est longuement tenue afin de maintenir l’excitation des premières notes. Comme souvent on ne sait dire si l’ambiance est sombre ou enjouée, probablement un peu des deux, et Snoop Dogg fanfaronne en évoquant volontairement un Welcome To The World Of The Plastic Bitch, le tout entrecoupé de samples post Daft Punk.

Majoritairement hip hop, chaque titre possède néanmoins sa propre île comme si « Plastic Beach » était au fond un patchwork des voyages sur les océans de la bande. Qu’il s’agisse de l’orchestre oriental sur l’harangueur « White Flag », de l’ambiance cartoon du légèrement exaspérant « Superfast Jellyfish », ou du paresseux « Sweepstakes », chaque titre tente de proposer, pour le pire et pour le meilleur, une approche différente.

Gorillaz se veut être un condensé de pop-culture qui réhabilite le passé et dévoile l’avenir. Dans ce sens réussir à intégrer Lou Reed à « Some Kind Of Nature » est un coup de génie, tant le maître semble s’y sentir à l’aise. Pourtant malgré l’aisance, on pouvait légitimement attendre plus d’un tel duo.

Les bling bling électroniques portent comme toujours le chant désenchanté de Damon Albarn (« Rhinestone Eyes »). Il est passionnant de voir combien le leader de Blur joue un rôle de composition optant pour un timbre de voix plus bas, presque las. Malheureusement si l’exercice de style est brillant, le rendu est un peu faiblard émotionnellement parlant. Il faut dire que le chanteur n’est pas tellement aidé par une instrumentation un peu grossièrement nineties.

Le problème, c’est qu’un peu comme sur « Demon Days », le patchwork fini par prendre l’eau. La volonté d’expansion territoriale sur pas moins de 16 titres nécéssite bien trop de sacrifices humains, à commencer par les Clashs qui, dans un dernier élan punk, vous disent fuck et font tout sauf ce que vous attendiez d’eux sur « Plastic Beach » (c’est noble mais c’est con). De même Mark E Smith des brillants The Fall se retrouve gravement blessé après avoir essayé de prêcher sans succès sur un « Glitter Freeze » dont la MPC n’a jamais été mise à jour par un Murdoc peu vigilant (on ne part pas à la guerre sans avoir vérifié ses canons).

Il faut également bien admettre que la majorité des titres qui voient Damon Albarn prendre le lead tournent rapidement en rond (« On Melancholy Hill »). Trop occupé à peaufiner la stratégie et le concept, le général de l’armée en oublie de mener ses troupes à la bataille et de se consacrer aux chansons. « Empire Ants » est d’abord légèrement vain (à peine au niveau d’une face B de Blur) et devient tout bonnement insupportable avec l’arrivée de Little Dragon.

Gorillaz aurait mieux fait d’avancer tel un seul homme et de ne pas disperser ses régiments. Le résultat est ici incertain et l’armistice semble illusoire. Bobby Womack regarde le chant de bataille de loin et prophétise. Il est de loin la conscience et la sagesse de ce décevant « Plastic Beach ».

Note : 4,5/10

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>> A lire également, les premières impressions de JS sur Good Karma et de Agnès sur Soul Kitchen

BLACK REBEL MOTORCYCLE CLUB - Beat The Devil's Tattoo [7,5/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Mon, 01 Mar 2010 06:12:00 +0000

Rock américain / 2010. Je possède l’intégrale de la discographie du groupe, j’ai assisté à trois de leurs prestations live (dont le premier concert en 2002 au Trabendo), j’ai vu « Dig! » de Ondi Timoner, et pourtant malgré le monument de fureur rock qu’est « Take Them On, On Your Own », on ne peut pas dire que j’ai été 100% dévoué à la cause Black Rebel Motocycle Club. Le premier album posait les bases mais restait parfois trop scolaire, « Howl » m’avait trop fortement déstabilisé par rapport aux attentes électriques que j’avais placées dedans, « Baby 81 » avait un côté mosaïque hasardeuse qui négligeait les chansons et « The Effects of 333 » était resté enfoui sous une montagne d’albums instrumentaux lorgnant sur le stoner. Ainsi, autant le dire de suite, je n’étais en rien préparé à me prendre la claque « Beat The Devil's Tattoo » qui après presque 10 ans d’existence synthétise enfin toute l’essence et toutes les influences du groupe dans un brûlot rock rageux et cohérent.

En premier lieu, je retrouve sur de titres comme « Evol », tout ce que j’aimais sur « Take Them On, On Your Own » : cette capacité à laisser une complainte s’insinuer brillamment au point que si l’on dégraissait le titre de ses guitares, on se retrouverait avec un idéal single pop. Oui c’est ça, j’aime cette approche shoegaze qui inaugure sans arrêt de parfaites mélodies tout en ayant la modestie de les cacher sous la densité du son.

Et puis il y a cette brume, cette brume qui recouvre tous les titres, qui leur confère une production et une résonance toute particulière (« River Styx »). Les titres prennent la forme d’incantations indiennes démoniaques (« Beat The Devil's Tattoo ») et le groupe fonce tête baissée dans le brouillard à la rencontre de la légende (le très Rolling Stonien « Conscience Killer »). Ca tape fort mais toujours avec l’intelligence des ambiances, une sorte de fougue maîtrisée et canalisée. Leah Shapiro frappe avec noirceur et finesse, c’est crasseux et pouilleux (« Bad Blood »). Ca sent la sueur et la bière sur le quasi grunge « Mama Taught Me Better ». Ca transpire l’alcool sur « War Machine ».

De plus en plus à l’aise avec les ballades folk-country-rock, le Black Rebel Motocycle Club arrive même entre deux salves vindicatives à profondément émouvoir (« The Toll », et son harmonica lancinant ; « Sweet Feeling » et sa langueur automnale).

On regrettera quelques titres à la finalité discutable qui rappellent les mauvais sillons empruntés auparavant par le groupe (« Long Way Down ») ainsi que certains passages plus anecdotiques (« Aya ») pour se focaliser sur les grands trips psychédélique dans lesquels le groupe peut nous emmener à coup de guitares droguées, faussement en roue libre.

Après des turbulences du côté des fûts, après un retour salvateur à l’indépendance, après une certaine remise en question de sa trajectoire, Peter Hayes et Robert Turner réinventent le Black Rebel Motocycle Club autour d’un « Beat The Devil's Tattoo » qui prend appui sur des bases consolidées pour nous faire prisonnier de la fumée.

Note : 7,5/10

>> L'album est en écoute intégrale ici

>> A lire également, la critique de Thomas sur Le Golb

LE LION de Joseph Kessel [9/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Sat, 27 Feb 2010 20:59:00 +0000

Cette critique a été écrite par Matthieu de Baudelire, vous pouvez également la retrouver ici

Roman français / 1958. A l’instar de L’écume des jours que l’on fait à mon sens lire beaucoup trop tôt aux enfants (ceux qui me connaissent savent à quel point ce combat m’est cher!), je me suis toujours méfié des romans qualifiés de « classiques de jeunesse ». Non parce que ce sont de mauvais romans, bien au contraire, mais justement car ce sont des livres qu’on ne relira probablement plus alors même qu’ils mériteraient souvent une lecture plus adulte. Je me faisais à nouveau cette réflexion hier à la FNAC en feuilletant la sélection des livres « jeunesses », et en tombant sur des romans tels Les Royaumes du Nord ou Le journal d’Anne Franck, œuvres phares des rayons jeunesses s’il en est et qui pourtant admettent volontiers plusieurs niveaux ou degrés de lecture. Or, quelle ne fut pas ma surprise lorsque je découvris que figurait, parmi les indispensables à lire pour les 10-12 ans, "Le lion" de Joseph Kessel, pris en tenaille entre Toi + Moi = Cœur et Le journal d’une sorcière (j’exagère à peine) ! Certes, Le lion est une merveilleuse histoire, un conte éblouissant accessible aux plus jeunes par la simplicité du récit, mais de là à le faire lire dès 10 ans…Bref, tout ça pour dire que si vous n’avez jamais lu ce chef-d’œuvre de Kessel et que vous avez toujours pensé être trop vieux pour vous y plonger aujourd’hui, il n’est absolument pas trop tard, bien au contraire. Et je ne saurai que conseiller également à tous ceux qui l’ont lu lors de leur prime jeunesse de se laisser tenter et de redécouvrir ce très beau roman…

"Le lion"est en effet au premier abord un roman que l’on recommanderait volontiers aux plus jeunes. Car Le lion c’est d’abord et avant tout le récit d’une histoire d’amour aussi belle qu’improbable entre un jeune fauve et une petite fille. Recueilli à sa naissance par le garde du parc national, King a grandi auprès des hommes, et notamment aux côtés de Patricia, la fille du gardien. Très vite, une relation unique s’établit entre le jeune lion et Patricia. Devenu adulte, King est relâché dans la nature mais il n’en oublie pas pour autant ceux qui l’ont élevé : la complicité entre lui et la jeune fille perdure, et rien ne semble alors pouvoir entraver cet amour si particulier…

Mais si le récit est on ne peut plus envoutant, si on se laisse prendre comme de grands enfants par cette touchante histoire, l’œuvre de Kessel est bien plus que cela ; et c’est pourquoi elle est à mes yeux davantage qu’une simple lecture d’adolescents… Journaliste, Joseph Kessel est d’abord et avant tout un grand reporter. Avec "Le lion", il nous offre un voyage en terre kenyane, à la découverte de sa faune, de sa diversité, de sa richesse. On gambade avec les impalas, on déboule avec les buffles, on charge avec les rhinocéros et on se laisse totalement transporter et immerger au cœur d’un univers inconnu mais fascinant, le tout porté par une plume magnifique. Ethnologue, Kessel nous emmène à la rencontre des tribus composant ce grand pays. On fait la connaissance alors du peuple Masaï, on découvre son quotidien, on apprend ses rites, et parmi eux celui consistant à combattre un fauve à main nu pour entrer dans l’âge adulte... On sent alors poindre le drame, on voit se profiler l’inévitable confrontation mais on ne cherche pas pour autant à en deviner davantage, préférant se laisser bercer par le fil du récit. Anthropologue, Kessel étudie les hommes et leur conditionnement, leur réaction, leur adaptation dans ces milieux inhospitaliers, tâchant alors de comprendre quelle place ceux-ci peuvent y prendre sans venir pour autant troubler le subtile équilibre des choses. Ecrivain, il signe un roman puissant et dépaysant servi par une vraie belle écriture. Dans les premières pages du livre, Kessel a ainsi cette phrase magnifique : « Rideau après rideau, la terre ouvrait son théâtre pour les jeux du jour et du monde ». Avec Le lion, c’est page après page que l’auteur ouvre notre imaginaire pour les jeux des hommes et de la nature. Des jeux qui, aussi harmonieux soient-ils, n’en demeurent pas moins dangereux comme la fin du récit ne manque pas de nous le rappeler...

Pascal écrivait : « Le silence éternel de ces espaces infinis m’effraye ». Ici, grâce Kessel, c’est tout le contraire qui se produit… Cette riche nature rassure, ces grandes étendues silencieuses apaisent et l’on se sent enveloppé d’une douce chaleur, d’une parfaite quiétude… Longtemps après avoir fermé le livre résonne encore l’écho de la savane, longtemps s’impose cette vision majestueuse du Kilimandjaro surplombant une nature généreuse, longtemps demeurent ces envies d’aventures, ce profond désir d’évasion, cette aspiration à regarder le monde, dans ce qu’il a de plus beau et de plus noble, chaque jour comme si c’était la première fois sans jamais finir de s’en émerveiller …

Avec "Le lion", Kessel se substitue à Baudelaire et nous invite lui-même au voyage en ces terres où tout ne semble qu’ « ordre et beauté ; luxe, calme et volupté ». Il serait bien dommage alors de se priver d’une si belle invitation…

Note : 9/10

MELODIUM - Palimpse [7/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Thu, 25 Feb 2010 23:12:00 +0000

Electro française / 2010. Les disques sont comme des rêves trop réels. Chaque nuit vous vivez à leurs côtés milles et une histoires, des aventures féeriques, des drames psychologiques, des courses effrénées où l’on fuit devant des riffs offensifs. Puis on se réveille en sueur, l’âme rassasiée ou effrayée. Des images restent, d’autres disparaissent. On joue avec les mots, on joue avec les envies. Légitimement, on finit par tout remettre en cause. La réalité devient flou et s’efface avec le temps. Tous ces disques sont des souvenirs, certains nous accompagnent pour toujours, d’autres ont besoin d’une piqure de rappel.

Il y a quelques temps, j’ai reçu un album en provenance de l’adresse « melodiumbox » qui parlait d’un projet intitulé Melodium. Je n’ai pas compris. J’ai fermé le mail puis je l’ai consciencieusement déposé dans la catégorie « à écouter », dans cette catégorie fourre-tout qui déborde de futurs rêves. Il aurait pu longtemps moisir dans ce placard à chimères.

Puis, au cours d’un échange épistolaire 2.0, un de mes lecteurs érudits - de ceux qui orienteraient vos prochains choix de critiques et qui rendraient vaines toutes tentatives de prospection musicale – me demanda si j’avais eu le temps de jeter une oreille à son projet. Avec ce « melodiumbox » dans la barre de destination, je fis tout de suite le rapprochement mais malheureusement pas le bon. Commençant à voir naître une certaine confiance dans les goûts du garçon, je m'empressai d’aller jeter une oreille sur son projet. Les premières nappes étaient électroniques et le mot Melodium trottait dans ma tête à la recherche d’un déclencheur émotif. Et puis enfin je tiltai, mais encore une fois d’une manière incongrue. Melodium ! Les souvenirs me revinrent et « La tête qui flotte » émergea complètement de l’eau. « Il est culotté mon érudit de lecteur de comme ça piquer le nom d’un groupe qui avait tant marqué mon année 2005 ! » La suite vous la connaissez… Mon érudit de lecteur avait toute légitimité à être si érudit puisqu’il s’agissait en réalité d’une des fines fleurs de l’électro française de cette dernière décennie :)

Entre « La tête qui flotte » et ce nouvel opus, beaucoup de choses ont été publiées, des choses qui n’ont malheureusement jamais traversé le mur de la nébuleuse des sorties. Que s’est-t-il passé pendant ces cinq années ? Comment est-on passé d’une electro-pop quasi abstrackt aux contours lettrés (« Se rayer provisoirement de la liste des vivants ») à cette odyssée ambiante d’influences bien plus cinématographiques ? Il me suffirait probablement de demander à mon lecteur érudit. Il accepterait sans nul doute une petite interview. Mais non je préfère ne pas comprendre, rester dans la méconnaissance ; l’incompréhension est tellement plus propice aux rêves.

« Palimpse » est donc la bande originale d’un nouveau voyage. Tout n’y est que velours instrumental. La guitare et les nappes réinventent la folktronica (« In The Forest At Night »), les crépitements prennent nos doutes dans leur bras (« Wreckage ») et des voix lointaines nous guident à travers l’obscurité (« Kissing Disease - First Version »).

Si le discours a changé, si la recette a été revue de fond en comble, il reste chez Melodium cette évidence du songwriting, comme si les chansons étaient écrites, jouées et enregistrées dans la foulées avec une naturelle évidence (« German Voice »). Il ne suffit de pas grand-chose, d’une ligne de guitare tout au plus pour permettre aux chansons de trouver leur chemin (« Guitare Theme »).

Au final, le seul vrai défaut de « Palimpse » tiendrait presque dans son manque de velléités commerciales. A chaque fois que Melodium tient une grande mélodie, on dirait qu’il fait tout pour la garder jalousement et éviter d’en faire une chanson qui pourrait séduire un public plus largue. Dommage par exemple qu'il se refuse sur certains titres à laisser intervenir des invités vocaux qui auraient transcendé les chansons (« Landscapes »).

Une fois de plus, on se réveille en sueur, l’âme rassasiée et effrayée. Rassasiée par l’exquise tenue, par l’insondable cohérence de l’œuvre ; effrayée par ces chansons qui auraient pu être encore plus.

Heureusement, « Palimpse » se clôt sur « Insomnia », une chanson monde qui du haut de sa demi-heure aurait pu être un album à elle toute seule. Avec elle c’est l’assurance de ne plus redormir, de ne plus laisser les états vaporeux cacher sous la brume des albums si importants.

Note : 7/10

>> L'album est en écoute sur le site de Melodium
>> A lire également, la critique de Benoit sur Pop Revue Express

PICASTRO - Become Secret [7,5/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Thu, 25 Feb 2010 10:54:00 +0000

Slow-Core américain / 2010. Des souvenirs vaporeux, c’est bien ce dont il s’agit avec Picastro. Des souvenirs, la sensation d’avoir écouté des milliers de fois « Metal’s Care », la sensation de s’en être imprégné à jamais et la tristesse de constater que tout cela est indéniablement bloqué dans une partie du cerveau inaccessible sans l’aide d’un élément extérieur. Heureusement dès « Twilight Parting » de « Become Secret », tout revient à la surface : les éclairs mélodiques qui ne se répètent jamais, l’aura tragique du chant de Liz Hysen, la vague d’un slow-core infini, le gouffre d’un sad-core inconsolable et la prestation de Owen Pallett.

Au premier abord, tout semble ici difficile d’accès et noircit par le masque du chagrin. Liz Hysen préfère se faire discrète et laisse un piano désaccordé parler pour elle (« A dune of doom »). Elle semble apeurée, poussée dans ses derniers retranchements, à peine capable de se montrer. Elle use de complaintes qui en disent long sur son état d’esprit (« Pig & Sucker »). Puis Nick Storring et Brandon Valdivia la prenne sous leurs ailes, l’englobe et la rassure en jouant du Sonic Youth acoustique au ralenti (« Split Head »). La tension est palpable au point qu’on pense à chaque instant voir apparaître un mur de guitare.

L’ambiance mute. Ce qui était opaque devient évident. Malgré ses premières écoutes éprouvante « Become Secret » est un disque de l’immédiateté, un disque qui va à l’essentiel. Les chansons sont courtes sans fioritures ; les neufs titres se répondent à eux même comme neufs enfants d’une même famille. Rien n’est inutile ou superflu. Prières de l’au-delà et de notre monde s’opposent au sein de « Neva » et de l’interlude « Suttee », pour finalement transformer l’opus en un chant d’église divin aux instruments desharmonisés (« A Neck in The Desert »).

Avec un sens hors-pair de la concision et une maîtrise parfaite des codes de son univers, Picastro s’offre une auto-intropection abyssale. A aucun moment, le groupe n’invite l'auditeur à se joindre à lui et ce sera en votre âme et consience qu’il faudra vous décider à faire le grand saut.

Note : 7,5/10

FANTASTIC MR.FOX de Wes Anderson [8/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Wed, 24 Feb 2010 23:12:00 +0000

Film américain / 2010. Les précédents films le laissaient supposer mais « Fantastic Mr.Fox » en est la confirmation. En choisissant l’animation pure et dure comme moyen d’expression, Wes Anderson prouve que son style va bien au-delà d’une certaine direction d’acteur ou d’un séquençage visuel rapide empli de décors et de plans décalés. Non la fameuse patte « Wes Anderson » vient de trouver son auto-justification. On ne pourra plus dire qu’il ne s’agit que de gimmicks et d’acteurs phares surexploités à envie. Le réalisateur américain y affirme un talent beaucoup plus rare : un humour tout particulier à la fois éclatant et discret.

« Fantastic Mr.Fox » rappelle où se trouve la force de « A bord du Darjeeling Limited » ou de « La Famille Tenenbaum ». Tout n’y est que positionnement humoristique ! Wes Anderson réussit à transférer au niveau du réalisateur l’impact de Bill Murray et de Owen Wilson réunit. Dans chaque phrase, dans chaque plan, il y a un coup direct amplifié par un détail racé (que ce soit en second plan ou via les couches d’interprétation). Qu’il s’agisse de la marque de Renard ou de la running joke du loup, tout est à la fois « mignon » et percutant.

On touche d’ailleurs ici à l’un des points centraux du film : sa capacité à fédérer tous les publics. « Fantastic Mr.Fox » n’est pas un film pour enfant dont on dira qu’il peut également plaire aux adultes via un deuxième niveau de lecture. Non ici tout est frontal et universel. Il n’est pas question de retomber enfance mais plus de comprendre combien l’humour n’est pas « ciblé ».

Et puis il y a ce rythme, ce montage qui ne respire jamais, qui fuit en permanence vers l’avant, permettant au film d’accroitre sa productivité émotionnelle. En travaillant sur les détails, et la finesse sans jamais diminuer le tempo, le réalisateur évite les écueils. Même ses personnages les plus faibles, les plus creux, les plus clichés, à savoir les trois fermiers, arrivent à s’intégrer au film sans qu’à aucun moment l’envie de remettre en cause leur légitimité humoristique ne nous travers l’esprit. Oui c’est peut être ça la vraie pate Wes Anderson : immerger le spectateur dans son univers au point qu’il ne cherche même plus à analyser les qualités de telles ou telles scènes.

Note : 8/10

>> A lire également, la critique de Rob Gordon sur Toujours Raison

AUTECHRE - Oversteps [8,5/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Tue, 23 Feb 2010 23:42:00 +0000

Electro anglaise / 2010. Triturer et interconnecter les fils ou concevoir les fondations et assurer les structures. 3478. Electronique des espaces ou architectures électriques. 4467. Concevoir des passerelles ou définir des réseaux. 8897. Autechre ne se comprend pas et se vit à peine. 9876. Le duo possède ses propres schémas de pensées, ses propres conceptions philosopho-musicales. 6453. Lorsqu’on pense enfin réussir à le toucher, il disparaît sous vos doigts. 7943. Lorsqu’on pense enfin en saisir le sens, il file aux antipodes du ressenti. 1073. Chaleur artificielle ou froideur post-industrielle. 7638.

« Oversteps » est généreux et égoïste comme le cocon maternelle à la fois protecteur et castrateur. 4326. On ne sait jamais si on doit l’aimer ou le craindre, si on doit plonger dedans ou s’en méfier. 7854. Contraste des chiffres, calcul des émotions, algorithme de l’âme. 2743. L’album aurait pu être la BO de Personnes de Boltanski (« Redfall »), une œuvre à la lisière de l’art contemporain qu’on ne sait pas analyser et dont les sonorités nous enveloppent sans nous apaiser. 4726.

« Ilanders » fabrique une charpente kafkaienne, et s’impose comme un véritable kalledeiscope dont la colonne vertébrale serait un beat à tendance drone. 7456. Les mélodies de « Known(1) » sont honteusement électroniques comme si les anglais avaient cherché à dépecer le son de toute trace d’humanité. 2039. Il n’en reste pas moins que derrière les expérimentations, se cache une véritable chanson finalement bien plus avenante que « Ipacial Section » et « Pro Radii » sur « Untilted » et « The Plc » et « Io » sur « Quaristice ». 7639. Oui à bien des égards, « Oversteps » est plus accessible que ses récents prédécesseurs, il est moins hautain. 6676.

Le chaos déstructuré de « Qplay » rappelle inévitablement Aphex Twin de par sa manière de noyer une discrète ligne mélodique sous la fourberie des beats. 0965. Au contraire « See on see » est une ballade éthérée qui impose les codes d’Autechre dans une structure proche de celles de Boards Of Canada. 2093. « Treale » est composé de milliers de samples comme un château de carte qui se construit à l’infini sans jamais s’écrouler. 3698. L’architecture qu’on vous dit. 8818.

Quand, par miracle, les anglais relâchent enfin la pression qui pèse sur leurs cerveaux bouillonnants, ils prouvent sur des minutes bien trop courtes que leur talent en matière d’IDM feutré est resté intacte (« D-sho qub »). 3652. Les blast de « St epreo » ont cette texture absorbante qui rend cette musique si passionnante, vous êtes littéralement happé par les sons, non pas lorsque ces derniers tombent mais bien lorsqu’ils repartent en vous emmenant dans leur sillon. 9378.

Comme souvent sur ce style d’album, on pourra aisément accuser le groupe de faire du remplissage via des titres qui ressemblent à des chutes d’albums précédents (« Os veix3 ») ou encore d’appliquer à envie la même recette (« Pt2ph8 »). 2039. On pourra surtout, sans aucune honte, avouer resté insensible et contempler avec circonspection ceux qui s’exclament devant ces juxtapositions dont la grille de lecture semble inconnue de tous. 3783. Car que l’on aime ou que l’on déteste, l’opacité du code est la même pour tous. 2380.

« Oversteps » est un code secret, un disque composé à partir d’obscures formules mathématiques, un disque dont certaines lignes dépendent d’une suite de Fibonacci tandis que d’autres incursions découlent de l'inégalité de Bienaymé-Tchebychev. Une partie de la solution de l’équation se trouve derrière chaque beat. 6298. 7367. 0387. 5673. 0230. 3529. 8356. 6345… le tout au carré.

Note : 8,5/10

>> "Oversteps" est disponible en version digitale sur Bleep.com
>> A lire également, la critique de Ed Loxapaq sur Chroniques Electroniques

XIU XIU - Dear God, I Hate Myself [9/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Tue, 23 Feb 2010 06:00:00 +0000

Experimantal Pop Folk américaine / 2010. Retrouver Xiu Xiu après le magique « Women As Lovers », c’est comme aller chercher votre ami d’enfance à l’aéroport après une trop longue absence. Vous ne savez pas dans quel état vous allez le récupérer, magnifié ou ravagé. Mais l’appréhension ne gâche en rien votre excitation. Que peut-il arriver de grave ? A chaque fois que vous avez été séparés, vous l’avez retrouvé complètement changé et votre amitié n’en a été toujours que renforcée. Non il ne peut rien arriver.

Dès « Gray Death », vous vacillez tant vous avez du mal à reconnaître votre ancien camarade de jeu. Il possède bien les mêmes attributs physiques, les mêmes yeux, les mêmes cheveux, la même voix, mais sans même vous rapprocher, vous savez déjà que ce n’est plus le même homme. La guitare folk qui virevolte autour de ce riff dévastateur dévoile une assurance nouvelle, les gimmicks electro et l’instantanéité sont caractéristiques des périodes où il est affable et bien dans sa peau, tandis que le texte prouve que sous la légèreté de l’apparence il a encore gagné en profondeur. Vous vous demandez si l’on peut tomber amoureux de son ami d’enfance. Charmant, raffiné, cultivé, lettré, virile, vulnérable, généreux, ironique... Ne vaut-il pas mieux un homme parfait qu’une femme imparfaite ? Oui Xiu Xiu fait partie de ces rares personnes capables de susciter chez vous les questions les plus absconses.

Que lui est-il arrivé là bas ? Qu’a-t-il trouvé qui le rende si serein ? Comment a-t-il pu devenir si ouvert sur les autres en seulement 2 ans (« Chocolate Makes You Happy ») ? Qui change si vite ? Dès la première poignée de main et la franche accolade fraternelle qui s’en suit, vous réalisez que malgré sa nouvelle métamorphose, votre amitié est intacte, toujours fondées sur les mêmes bases (« Apple for a Brain », « Hyunhye's Theme »).

Tant de choses ce sont passées pendant ses deux ans. Il n’a pas écrit, pas donné de nouvelles, juste quelques cartes postales où il affichait avec fierté ses nouvelles conquêtes (les splits High Places et Parenthetical Girls). Comment les gens peuvent-ils se réinventer si brusquement. Qu’a-t-il traversé de si intense pour se métamorphoser si vite ? Il a pleuré, il a joui, il est tombé amoureux (« this too shall pass away (for freddy) »).

Dans ses bagages, plein de souvenirs, de trouvailles, des choses exotiques comme du matériel qu’on ne trouverait plus en France : des beats vintage qui n’ont jamais peur du ridicule fournis avec des coupures célestes (« Dear God, I Hate Myself »), des Game Boy d’époque (« Secret Motel ») et des trains électriques (« Cumberland Gap »). Mais surtout et c’est probablement le trésor dont il est le plus fier, il revient de cet étrange contrée avec des mélodies féeriques (« the fabrizio palumbo retaliation »). Il sourit en vous dévoilant tout cet or spirituel. Fier comme un coq que je vous disais !

Tout cela vous semble surréaliste, mais il faut pourtant vous rendre à l’évidence ! Avec ce « Dear God, I Hate Myself », Xiu Xiu revient transformé à la limite de l’imperfectible. Un unique point gâche ses retrouvailles, un sentiment qui vous ronge de l’intérieur, une émotion que vous combattez vivement mais qui est pourtant bien là, l’impression de vous détester vous-même. Comment s’aimer quand on doit partager son temps avec une entité aussi parfaite que votre meilleur ami ?

Note : 9/10

>> A lire également, la critique de Mathieu sur Random Songs

TWO DOOR CINEMA CLUB - Tourist History [4,5/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Mon, 22 Feb 2010 08:43:00 +0000

Pop irlandaise / 2010. Bien que ce monde aux frontières de plus en plus ouvertes nous pousse à toujours plus d’exigence, à toujours plus de circonspection, il faut bien avouer que nous sommes éternellement à la recherche de la parfaite pépite pop contemporaine, à la recherche du disque qui, en plus de susciter des émotions et de raviver l’âme, possédera un impact fédérateur et pourra être partagé avec le plus grand nombre. Nous avions déjà eu Phoenix l’année dernière, peut-être était-ce trop ambitieux d'en attendre déjà un digne successeur.

Lors des premières mesures de « Cigarettes In The Theatre », une bonne dose d’excitation parcours le corps : il y a du Foals là dedans avec des velléités pop affirmées et directes. Les cassures sont nombreuses, les relents math-pop explosent et le déhanché de saxo clôture le tout admirablement. « Do You Want It All? » se réfère à une certaine noblesse anglaise. Sans complexe, le groupe crache sa fougue. De même « What You Know » fait rêver à envie d’un groupe qui saurait injecter dans des ballades unificatrices, une certaine technicité. La majorité du temps, les instrumentations tiennent bien la route. Le bassiste ne se laisse pas écraser par la production, tandis que le jeu de guitare est varié et offre un spectre qui oscille entre Bloc Party et Vampire Weekend.

Pourquoi rien ne fonctionne alors comme prévu sur ce « Tourist History » ? Je pense que la bévue est à associer à Alex Trimble qui plombe à plusieurs reprises les chansons. Non seulement sa voix n’a pas la profondeur requise pour ce genre d’exercice de haut vol, mais surtout il manque cruellement de finesse et de personnalité. Probablement pas une question de travail, mais tout simplement une question de timbre. Ajoutez à cela des six cordes occasionnellement en roue libre sur certains refrains, des six cordes prêtes à vendre leur âme pour un single qui tournerait en boucle sur MTV, et vous obtiendrez un indéniable malaise.

Ainsi, la structure de « I Can Talk » abuse de manière grossière du système intro-couplet-refrain-couplet-refrain-pont-refrain (travers que Phoenix évite toujours avec brio). Si cela ne la rend pas moins efficace, sa durée de vie s’en voit tout de même sacrement réduite. De même si « Undercover Martyn » possède un gimmick vocale particulièrement fun et des guitares qui courent vite, on peut être rapidement exaspéré par les samples de laser.

On aurait bien voulu y croire mais Two Door Cinema Club souffre de beaucoup trop d’impardonnables défauts pour laisser le moindre doute. « Something Good Can Work » dégouline de bons sentiments au point de rappeler les insupportable The Killers, tandis que « Come Back Home » a tout du single empli de rengaine. Two Door Cinema Club semble victime de la même malédiction que Editors : tous deux possèdent d’évidentes qualités de songwriting pop mais se font cannibaliser par une franche incompréhension de la notion de justesse et des intentions bien trop explicites.

Ecrire une critique sur un groupe irlandais, sans à aucun moment lancer le moindre pic sur U2, voici bien un exploit que je ne me sentais pas capable de relever.

Note : 4,5/10

>> Quelques titres en écoute ici
>> A lire également, la critique de Cédric B sur So Why One More Music Blog ?

BROADCAST 2000 - Broadcast 2000 [6/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Fri, 19 Feb 2010 08:30:00 +0000

Pop Folk anglaise / 2010. Il en faut quand même de l’assurance pour appeler son groupe Broadcast 2000. Surtout que Broadcast n’est pas un obscur groupe indé mais bien l’avenir de la musique pop et sûrement l’un des plus beaux fers de lance de l’écurie Warp. Je ne sais pas, ce serait un peu comme appeler son groupe Slayer 1666, Rancid 1664, Au Revoir Simone 1669, Kraftwerk 1989, Nirvana 1991 ou encore Daft Punk 3000 ! Ca manque au pire de classe, au mieux de culture. En plus ce n’est pas comme si les deux groupes n’étaient pas anglais (Birmingham pour les originaux, Londres pour les seconds).

Enfin la bonne nouvelle dans tout cela, c’est que Broadcast 2000, sans risquer de faire de l’ombre à son homonyme, s’en sort plutôt avec les honneurs. Fondé autour du multi-instrumentalise Joe Steer, il s’agit d’un projet folk qui incorpore via un line up à géométrie variable percussions, xylophone, contre-basse, violon et violoncelle. L’entité ainsi constituée livre une pop folk particulièrement xylophonée capable de livrer de chouettes chansons comme « Get Up and Go ».

L’absence de guitare permet souvent de transformer des compositions anecdotiques en jolies ritournelles post-hivernalles (« Your Own Worst Ennemy ») et oblige le groupe à orienter différemment son spectre d’action mélodique (« Rouse Your Bones »). Derrière l’innocente légèreté, les chansons sont souvent poussées par une rythmique qui ne tarde pas à s’étendre (« I Hold My Breath »), et les mélodies qui pouvaient paraître déjà connues révèlent finalement de nouveaux visages (« Gonna Build A Mountain »). On sent l’influence de la scène canadienne, cette volonté à la Arcade Fire de laisser des chansons simples se faire habiter (« The Outsider steps inside »).

On en arriverait presque à regretter que le groupe n’ait pas essayé d’imposer un peu plus sa personnalité sur l’ensemble de l’opus et au sein de son patronyme (« All i said and done »). Broadcast 2000 caresse dans le sens du poil mais plutôt dans le bon sens.

Note : 6/10

GUSH et TOY FIGHT (en concert à emporter) [8/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Thu, 18 Feb 2010 16:29:00 +0000

Pop Folk / Paris / Le 16 février 2010. Mes acouphènes étant ce qu’elles sont, j’évite dorénavant consciencieusement les zones de fortes perturbations électriques. Du coup, ça faisait bien un an (depuis le 10 février pour être exact) que je n’avais pas eu l’occasion de vivre une expérience live. Même si je suis un rat de discothèque, même si je ne me sens jamais mieux que dons mon salon autour des pochettes et des petits livrets, il faut bien avouer que la disparition d’instants maguniques (magiques + uniques) et l’absence de moments de communion laissent un grand vide dans ma vie. Si je vis, intellectuellement parlant, pleinement ma passion musicale, mon corps lui réclame autre chose. Il a envie de se laisser aller et de secouer la tête naïvement.

Ainsi il faut bien dire à quel point les concerts acoustiques sont mon salut. Je parle ici évidemment des vrais concerts acoustiques, ceux où le son est callé sur la puissance naturelle de la voix du chanteur, pas de ces expériences qui par manipulation du langage vous ferez passer pour un set acoustique un Ben Harper à la guitare sèche à Bercy. Dans ces conditions, je ne peux évidemment qu’être extrêmement reconnaissant envers La Blogothèque et Black XS pour le concert à emporter de mardi soir.

Dans un premier temps, Toy Fight aura livré un set chaleureux et humain à l’image de leur album « Peplum ». L’alternance des voix, la rotation des « leaders » amplifient l’aspect familial du groupe. Il y a une charmante unicité chez les français, et il est touchant de voir que Mina Tindle, présente dans la salle, semble toujours être leur première fan. Au détour d’une nouvelle composition (« Street Lights »), ils réussiront même à nous faire trépider devant l’idée d’un nouvel album de pop folk raffinée. Dommage en revanche que le groupe n’est pas su mieux exploiter le lieu et profiter de la liberté offerte par de telle session. De plus, il est peut être dommageable d’avoir eu recours à une batterie pour un tel exercice. Effectivement caché par les bruits sourds, les voix avaient parfois du mal à s’épanouir.

Ensuite ce fut au tour de Gush qui, fort des compositions de son excellent premier album (« Everybody’s God » sorti cette semaine et défendu ici), se prête avec un plaisir non feint au jeu des contraintes instrumentales. Quatre voix, deux guitares, des murs sur lesquels taper un rythme, il n’en faut pas plus aux français pour assurer un set à la fois intimiste et fulgurant qui démarre par le fédérateur « Back Home ». Tout comme chez Toy Fight, le groupe est multi-voix et ne possède pas de chef-parole attitré. Epurées des effets de production et de l’enrobage, les chansons révèlent encore de nouvelles qualités en matière de songwriting (« No Way », l’émouvant « In The Sun » sur leur grand père décédé…). Et puis alors qu’on croit que la dernière chanson a résonné, Gush nous entraine dans la chambre du loft pour interpréter une version en chœur de « Dangerous » puis s’enferme dans la salle de bain pour une reprise à fleur de peau du fameux « Blackbird » des Beatles.

Il y avait définitivement pire comme occasion de revenir aux affaires.

Note : 8/10

>> A voir également, deux titres de chaque concert sur La Blogothèque et les photos de Laurent sur Rocktrotteur

Crédit photo d’illustration : Laurent Belando

I LOVE YOU PHILLIP MORRIS de Glenn Ficarra et John Requa [6,5/10]

noreply@blogger.com (Benjamin F) — Thu, 18 Feb 2010 08:30:00 +0000

Cette critique a été oralement écrite par mon ami Marien, puis recrachée avec beaucoup d’élégance depuis la rambarde d’un bateau.

Film américain / 2010. « I love you Phillip Morris » de Glenn Ficarra et John Requa est un divertissement de qualité qui passe tout seul mais qui ne restera pas dans les anals.

Note : 6,5/10

>> A lire également, la critique plus profonde de Rob Gordon sur Toujours Raison