Pauta Extra

Beber é Uma Necessidade

2009-02-19T09:04:00.002-03:00

Do site Dinamite online

O jornalista inglês Howard Sounes (também biografo de Bob Dylan), ao escrever "Charles Bukowski Vida e Loucuras de um Velho Safado" (Editora Conrad), fez um livro bem legal. E foi fundo. Conversou com quase todos os amigos, amantes, companheiros de copo e familiares do escritor. Teve acesso a correspondência íntima de Bukowski e aos seus trabalhos inéditos. No prefácio ele descreve o genial escritor. "Bukowski tinha uma aparência estranha e um modo peculiar de falar. Era um homem alto, de um metro e oitenta, encorpado, com uma barriga de cerveja, mas sua cabeça parecia grande demais para o corpo, e o rosto era assustador como uma máscara de Frankenstein: queixo comprido, lábios finos, olhos tristes, apertados e encovados". Uma descrição questionável. Mas, o grande rosto marcado pelas espinhas, o nariz de beberrão e uma barba desigual, isso sim o caracterizava fisicamente. Não gostava de badalações, dar entrevistas e de falar em público, mas dar palestras não era incomum. Um outro trecho do prefácio sintetiza sua atitude anárquica em lidar com a fama: "Certa vez, em São Francisco, levantou-se da cadeira e pegou uma cerveja na geladeira, atrás dele, no palco. A platéia aplaudiu enquanto ele bebia, emborcando a garrafa até tomar a última gota dourada. "Isto não é uma muleta", disse ele, falando lentamente, com uma cadência na voz, como W. C. Fields. "É uma necesssssidade".

No início dos anos 1990 ganhou de sua filha, Marina, um Macintosh. Fascinado pela utilidade do "brinquedo", ficou revigorado e voltou a produzir com entusiasmo. Em 1992 escreveu "The Last Night of the Earth Poems", seu primeiro trabalho com um computador. Uma das coisas mais legais, e que deixou Hank envaidecido nos seus derradeiros anos, foi quando foram a um show do U2, em LA. Bono Vox dedicou o show ao casal Bukowski e um grande urro foi ouvido no estádio (O U2 gravou uma música em sua homenagem, ´Dirt World`). O Velho Safado morreu em nove de março de 1994 deixando a maior parte de sua obra inédita. Bukowski foi, é isso. Um escritor diferente, uma alma em constante ebulição, com uma visão crítica profunda e afiada de uma sociedade repleta de contradições e paradoxos. Sua escolha pelos bares "hard", pelas putas, pelas quaisquers, pela "escória" dos desamparados, pelos amigos simples e beberrões, pela estética do anti-tudo, pela literatura tosca, crua, mas artisticamente competente, o tornou imortal. Como fã de carteirinha do velho Buck finalizo com um diálogo genial do mestre: "Eu odeio pessoas, você não? Não. Só quando elas estão perto de mim" .

O Capitão Saiu Para o Almoço e os Marinheiros Tomaram Conta do Navio

2009-02-19T09:01:00.002-03:00

Charles Bukowski
(L&PM Editores, 142 páginas)

Por Luiz Chagas

Entre 1991 e 1993 o escritor californiano Charles Bukowski (1920-1994) escreveu um diário que, de certa forma, serviria como seu testamento sócio-literário. O capitão saiu para o almoço e os marinheiros tomaram conta do navio (L&PM Editores, 142 páginas) lançado em 1999 traz trechos desses textos em que o "velho safado", como era chamado, faz um acerto de contas consigo mesmo. A tônica pode ser exemplificada pelo final soberbo do livreto onde Bukowski resolve responder a um leitor que há muitos anos havia escrito a ele condenando-o por declarar que não gostava de Shakespeare, dando "mau exemplo" para a juventude. Depois de todo esse tempo a resposta foi "vai se (*), colega. E eu também não gosto de Tolstoi!". Puro Bukowski.

Nascido em Andemach, Alemanha, filho de um soldado americano de origem polonesa e uma alemã legítima, Bukowski passou a maior parte de sua vida em Los Angeles, onde chegou aos 3 anos. Embora começasse a escrever nos anos 1940, só decidiu viver de literatura na virada dos anos 1970. Nesse meio tempo trabalhou para os Correios e perambulou pelos Estados Unidos - a vida "na estrada" deve ter colaborado para que o autor seja confundido com os escritores beat, com os quais não teve qualquer contato.
O capitão reafirma sua paixão por Dostoievski, Descartes, Kierkegaard, Gorki e Céline. De moderno, apenas Hemingway e Miller. Enfim, um clássico que se atribuía a redescoberta de John Fante (1909-1983), de quem herdou o ambiente (Los Angeles), a narração através de um alter-ego (Bukowski - Chinaski, Fante - Bandini) e a estadia neste vale de lágrimas (74 anos). No livro o artista outrora considerado o terror das feministas descreve as delícias de se escrever em um computador Macintosh, viver um casamento estável com uma condição financeira confortável, ouvir a música de Mahler, observar os cavalinhos e os freqüentadores do jóquei e, à exemplo de Vinicius de Moraes, ver a vida de dentro de uma banheira - com hidromassagem. A edição é valorizada pelas ilustrações igualmente "clássicas" de Robert Crumb - que já havia ilustrado Bring me your love (1983) There`s no business (1984). O grosseirão se despediu com classe.

Luiz Chagas traduziu "Mixto Quente", de Bukowski, e obras de escritores beats.

Atelier Livre oferece cursos de desenho e gravura em fevereiro

2009-02-05T15:54:00.002-02:00

O Atelier Livre da Secretaria Municipal de Cultura oferece, em fevereiro, oficina de desenho e gravura. A atividade integra a programação dos cursos de verão.

As inscrições custam entre R$15 e R$30 e podem ser feitas na secretaria do Atelier Livre (Avenida Erico Verissimo, 307), das 9h às 12h e das 14 às 17h30. Mais informações podem ser obtidas pelo fone 3289-8057.

Ministrante: Ana Isabel Lovatto
Título da oficina: Técnicas de Desenho- Experimentação
Sinopse: Duas aulas intensivas com experimentação de materiais diversos de desenho como: grafite, lápis de cor, pastel seco, pastel oleoso, técnicas mistas. O aluno poderá optar sobre os materiais a utilizar. Exercícios de desenho a partir da observação de formas da natureza.
Horário: quarta e quinta-feira, das 9h às 12h
Período: 4 e 5 de fevereiro.
Inscrição: R$15,00
Pré-requisitos: Alunos iniciantes

Ministrante: Miriam Tolpolar
Título da oficina: Passeio pela gravura
Sinopse: Passeio pelas diferentes linguagens gráficas (xilogravura, gravura em metal e litografia), através de encontros com artistas e aulas teórico – práticas.
Horário: de segunda a sexta-feira, das 14h às 17h
Período: 9 a 13 de fevereiro
Pré-requisitos: Inscrições na secretaria
Inscrição: R$30,00
Foto: Ivo Gonçalves / PMPA

Inscrições abertas para o Porto Alegre em Cena 2009

2009-02-05T15:52:00.001-02:00

A coordenação-geral do festival internacional de teatro Porto Alegre Em Cena está analisando obras para a edição de 2009. Os grupos nacionais já podem encaminhar projetos para participação na 16ª edição do evento, que será realizado de 8 a 21 de setembro. A seleção se estende até 31 de março. Para concorrer é necessário enviar fotos, release e um DVD com o espetáculo na íntegra para: Em Cena - Travessa Paraíso, 71 - Porto Alegre-RS, CEP 90850-190.

Para os grupos de Porto Alegre (exclusivamente), o período de avaliação será de 20 de abril a 22 de maio. As inscrições de espetáculos locais devem enviar para o mesmo endereço os mesmos itens citados acima, acrescidos de clipagem com artigos e notícias publicados sobre o espetáculo.

Primeiro videoclipe do novo álbum do U2 vaza na internet

2009-02-02T22:50:00.009-02:00

Publicado no site Terra

Da Redação

"Já está circulando na internet o primeiro videoclipe oficial de uma das novas músicas do próximo álbum do U2. O vídeo é da faixa "Get on Your Boots", primeiro ‘single’ do álbum “No Line on the Horizon”.

O novo disco chega às lojas nas próximas semanas. Na Irlanda o CD será lançado em 27 de fevereiro. Nos demais países o lançamento está agendado para 03 de março.

O videoclipe vazou na internet durante o final de semana e chegou a ser veiculado no YouTube, porém os fãs terão que garimpar na internet, já que o arquivo foi retirado do ar. O videoclipe foi dirigido por Alex Courtes."

Enquanto esperamos o lançamento oficial do videoclip, podemos coferir a lista de músicas e a capa do novo álbum No Line on The Horizon no site oficial da banda.

Ópera do Vinho

2009-02-02T22:45:00.009-02:00

Do site Clic RBS
Por Nádia de Toni

Ópera Popular do Vinho tem primeira apresentação na Fenavinho, em Bento.
Espetáculo conta a história do vinho na humanidade.
Nádia de Toni: nadia.detoni@pioneiro.com

O espetáculo Ópera Popular do Vinho é uma das principais atrações da Fenavinho Brasil 2009 e teve sua apresentação de estreia na noite de sábado. O show, que dura 1h30min, tem a participação de cantores líricos, músicos, atores, dançarinos e esculturas gigantes, de até oito metros de altura.

O espetáculo ao ar livre conta a história do vinho na humanidade, da mitologia greco-romana ao sonho da cuccagna (fortuna, felicidade) almejado pelos imigrantes italianos, que colonizaram a Serra Gaúcha a partir de 1875.

Queime Depois de Ler

2009-02-02T22:42:00.003-02:00

Do site cinema com rapadura
Por Diego Benevides

Após encantar os críticos mundiais e uma parcela do público com "Onde os Fracos Não Têm Vez", os irmãos Coen voltam às telas com a comédia satírica "Queime Depois de Ler", estrelada por um elenco grandioso. Abusando positivamente do humor negro, os Coen trazem uma comédia agradável.

Na trama, conhecemos Osbourne Cox (John Malkovich), um agente da CIA que é demitido por não passar mais confiança para seus superiores. Ao seu lado, a esposa Katie (Tilda Swinton) esconde um caso extraconjugal com Harry (George Clooney), que também é casado, mas nunca perde tempo em procurar por um rabo de saia para ter aventuras amorosas. Quando Cox começa a escrever suas memórias e as grava em um CD, o objeto vai parar no chão de uma academia e nas mãos de Linda (Frances McDormand) e Chad (Brad Pitt), dois estranhos que procuram se dar bem com o material. A vida de todos eles serve como base para a contação de uma história que tira sarro dos filmes de investigação e traz uma trama quase louca que quase chega a enfadar, porém sempre oferece mais ao espectador.

A primeira observação é que os Coen têm um estilo próprio ao elaborar seus argumentos. O trabalho anterior dos cineastas, "Onde os Fracos Não Têm Vez", venceu prêmios em todo o mundo, sendo desde sempre o favorito ao Oscar. Enquanto muitos questionam esse favoritismo até hoje, outros declaram amor à inteligência dos irmãos, sempre irreverentes. Em "Queime Depois de Ler", mais toques particulares são inseridos na trama, trazendo à tona inúmeras discussões que devem servir como leitura por cada espectador. Enquanto alguns sairão sem saber muito bem o que aconteceu ali, outros já encontrarão relações a serem estabelecidas, metalinguagem e qualquer coisa que seja. Aqui, você assiste ao filme e, ao terminar, as sensações podem ser diversas, e particularmente isso é curioso, fazendo com que o longa seja um bom exemplar a ser conferido de forma despretensiosa.

"Queime Depois de Ler" é, acima de tudo, um filme de personagens e atores. Apesar de uma história coerente e instigante, a reunião de grandes estrelas em uma obra onde todos têm um nível ótimo de paranóia, quase ao estilo almodovariano de construir suas mulheres histéricas, é o principal mote para criarmos identificação com o que está sendo visto. George Clooney faz um tipão desagradável, usa roupas bregas, trai a esposa e ainda cai em ciladas esquisitas. John Malkovich empresta sua experiência para viver um personagem decadente e quase louco, bem como Brad Pitt encarna um estilo de instrutor de academia beirando ao metrossexualismo, com um cabelo ridículo e trejeitos exagerados.

Tilda Swinton talvez seja a esposa infiel mais crível que eu já pude ver no cinema. Sempre vestida no estilo executivo, sua personagem tenta viver seus problemas longe do mundo, confiando apenas no amante, que é o menos confiável dali. Frances McDormand está sempre insatisfeita com a aparência e busca fazer cirurgias plásticas para ficar mais bonita, mas nem assim dispensa passar horas na internet procurando um parceiro para satisfazer sua luxúria. Ainda temos o dono da academia apaixonado e brega, além do zelador que só sabe falar a mesma frase.

Em um filme com personagens tão estranhos, o mais interessante é observar o quanto eles, de alguma forma, são solitários e procuram consolo em alguém ou alguma coisa para impulsionarem suas vidas. Entre eles, há uma trama básica de filmes de espionagem que mexe até com a embaixada russa nos Estados Unidos é instalada. A partir daí, o que começamos a perceber é como enganos e desencontros podem auxiliar as pessoas a chegarem a pontos extremos de suas vidas, e errar da forma mais banal possível.

O que poderia ser apenas um dramalhão hollywoodiano ganha, felizmente, a adesão de muito humor negro, e a forma como os Coen realizam suas inserções estéticas é outro ponto positivo, desde a trilha sonora genérica, algumas vezes em momentos errados, aos planos misteriosos que criam suspense no público. Como diretores, eles deixam seus atores a vontade para atingir qualquer clichê e serem ridículos quando quiserem. Ali não há regras, muito menos a intenção de cativar o espectador. "Queime Depois de Ler" é quase um carpe diem: aproveite aquilo e só.

Bem aceito ou não pelos espectadores, "Queime Depois de Ler" é inegavelmente uma comédia agradável, por mais que, às vezes, abuse da paciência do público com algumas brincadeiras irritantes. De qualquer forma, o longa é bem vindo em uma época do ano em que ainda há deficiência de boas histórias nos cinemas e que o grande destaque do momento seja o fantástico "REC". De vez em quando é sempre bom brincar, suar e depois tomar um banho. Quem sabe ler um livro e depois queimá-lo. Tão simples quanto esse texto. Agora você, leitor, vai sair desta página, queimar tudo que eu disse e pronto. Entendeu?

50 anos do dia em que a música morreu

2009-02-02T22:38:00.006-02:00

Morte de Buddy Holly e Ritchie Valens faz 50 anos
AP

Acidente de avião em Iowa ocorreu em 02 de fevereiro de 1959, o "dia em que a música morreu".

Faz 50 anos que um avião monomotor caiu em um campo coberto de neve em Iowa, matando instantaneamente três homens cujos nomes se tornariam cultuados na história do rock ‘n’ roll. As décadas que passaram não diminuíram a fascinação daquela noite de 2 de fevereiro de 1959 quando Buddy Holly, 22, J.P. “The Big Bopper” Richardson, 28, e Ritchie Valens, 17, se apresentaram em Clear Lake e então embarcaram no avião para um voo planejado de 300 milhas que durou só alguns minutos.

“Foi realmente o primeiro marco do rock ‘n’ roll; a primeira morte”, disse o historiador de rock Jim Dawson, que escreveu alguns livros sobre a música daquela era. “Dizem que essas coisas vêm em três. Bem, todas as três aconteceram ao mesmo tempo”.

Desde quarta-feira, milhares de pessoas se reunem na pequena cidade no norte de Iowa, onde os pioneiros do rock deram sua última performance. Elas foram ao Surf Ballroom para simpósios com os parentes dos três músicos, apresentações com ingressos esgotados e uma cerimônia em que o Hall da Fama do Rock and Roll classificará o edifício como o nono marco nacional.

E todos vão discutir por que depois de tantos anos tantas pessoas ainda se preocupam com o que o compositor Don McLean notoriamente chamou de “o dia em que a música morreu”. “É o local da última performance desses três grandes artistas”, disse Terry Stewart, diretor-geral do Hall da Fama do Rock and Roll em Cleveland. “Merece ser fixado no tempo”.

Clear Lake é um lugar incomum para uma peregrinação do rock ‘n’ roll – especialmente no inverno. A cidade resort que possui um lago homônimo tem dias de inverno em que o frio e o vento tornam a comunidade qualquer coisa, menos um destino turístico. O local da queda está em propriedade privada, a cinco milhas de distância de carro do centro e caminhada de um quilômetro a partir da estrada. O milho cresce em campos adjacentes durante o verão, mas no inverno eles ficam cobertos de neve e o caminho para o pequeno memorial geralmente tem gelo grosso. O memorial tem uma cruz pequena, uma fina guitarra de metal e discos, todos ornados com flores no verão.

“É uma viagem muito mais agradável no verão”, explicou Jeff Nicholas, morador de longa data de Clear Lake que encabeça a diretoria do Surf Ballroom. “Mas no verão, você sente mais o que aconteceu”. Ninguém contabiliza o número de visitantes, mas os fãs fazem uma parada ao longo do ano e em alguns dias do verão os visitantes podem criar um tráfego intenso, estranho em um campo de milho.

Stewart diz que as mortes ainda ressoam porque ocorreram em uma época em que o rock ‘n’ roll estava passando por uma transição de algum tipo. O som de Chuck Berry, Jerry Lee Lewis e Holly estava abrindo caminho para a Invasão Britânica de meados dos anos 1960. “A música estava modificando e mudando naquele momento”, afirmou ele. “O acidente colocou um ponto na mudança”.

Todos os músicos influenciaram o rock and roll à sua maneira. A carreira de Holly foi curta, mas seu estilo vocal soluçado e o talento ao tocar guitarra e escrever músicas tiveram uma influência tremenda mais tarde. Os Beatles, que se formaram na época do acidente, estavam entre seus primeiros fãs e modelaram seu nome a exemplo da banda de Holly, The Crickets. As músicas famosas de Holly incluem "That'll Be The Day," "Peggy Sue" e "Maybe Baby."
Richardson, “The Big Bopper”, geralmente é creditado como o criador do primeiro vídeo de música com sua performance gravada de “Chantilly Lace” em 1958, décadas antes da MTV. E Valens foi um dos primeiros músicos a aplicar a influência mexicana no rock ‘n’ roll. Ele gravou o grande hit “La Bamba” poucos meses antes do acidente.

O avião saiu do aeroporto na cidade próxima de Mason City aproximadamente a uma da manhã em direção a Moorhead, Minnesota, com os músicos querendo fugir de uma cansativa e fria viagem de ônibus pelo norte do meio-oeste. Poucas horas depois, o avião demolido foi encontrado, amassado contra uma cerca de arame. Os investigadores acreditam que o piloto, que também morreu, ficou confuso na noite escura e com neve, e colidiu o avião no chão.
A queda despertou uma onda de lamentos entre os fãs apaixonados, a maioria jovem, por todo o país. Doze anos depois, a queda foi imortalizada como “o dia em que a música morreu” na música de McLean de 1971, “American Pie”.

Vonnie Amosson, que gerencia o hall dos Veteranos de Guerras Estrangeiras em Clear Lake, disse que desde que o avião caiu, a comunidade abraçou a tragédia. É uma sequência continuada de dólares de turismo, e a câmara de comércio da cidade estima que o evento deste ano, apelidado de “Os anos 50 em fevereiro”, vai gerar mais de 4 milhões de dólares para a economia de Clear Lake. “É meio triste o fato de que somos conhecidos por isso”, lamentou Amosson, “mas, em contrapartida, acho que todo esse fim de semana será um grande memorial e uma honra para eles”.

Em parte por conta de seu papel na história do rock, o Surf Ballroom manteve seu visual de época, com uma pista de dança enorme, teto pintado como o céu e máquinas originais de fumaça em cada lado da sala. Dez banners de Buddy Holly estão alinhados na parede oposta do palco. O salão de baile com capacidade para 2.100 pessoas ainda traz muitos artistas nacionais e regionais, sendo que a maioria acrescenta seus nomes em uma parede dos bastidores que agora está cheia de desenhos e assinaturas. “É um lugar bem especial”, disse Nicholas, membro da diretoria da Surf. “Esse lugar parece exatamente como em 1959”.

Vida de Raul Seixas vai virar documentário em 2009

2008-09-29T11:40:00.009-03:00

AE - Agência Estado

SÃO PAULO - A vida de Raul Seixas vai virar documentário. Produzido por Alain Fresnot, de Família Vende Tudo, e seu sócio no projeto, Denis Feijão, o filme batizado O Início, O Fim e o Meio tem previsão para ser lançado no segundo semestre de 2009. A distribuição deverá ficar a cargo da empresa Paramount. O valor total da produção, aprovado pela Ancine para ser captado, é de R$ 2,5 milhões. Até o momento, já foram captados cerca de R$ 1 milhão.

Queremos que ele fique pronto em agosto, quando completará 20 anos da morte do cantor, diz Feijão. Walter Carvalho, que fez a fotografia de filmes como Chega de Saudade e Carandiru, foi chamado para a direção. Ele se diz empolgado com o projeto. "É um convite irrecusável. Precisamos apenas coordenar a minha agenda com a de Fresnot. No final do ano, termino a montagem de Budapeste (filme baseado no livro homônimo de Chico Buarque) e, depois, começo a pensar no Raul", diz. Paulo Coelho foi chamado para fazer a narração, mas o escritor ainda não bateu o martelo. O documentário trará cenas raras de Raul em ação. Uma delas mostra o momento em que o cantor volta aos palcos depois de três anos sem fazer shows. Seu retorno, segundo Feijão, teria sido em Salvador, na Bahia, e contou com a participação do amigo e parceiro de composições Paulo Coelho cantando Sociedade Alternativa. O registro completo dessa histórica apresentação, feita de forma amadora pelo cantor Marcelo Nova, foi restaurado para o documentário. Um trecho de 1,5 minuto desta apresentação já está no YouTube. O documentário não terá atores nem cenas recriadas. Exceto por uma dramatização para reconstruir o período de Raul, na Bahia, quando cantava junto com o grupo Os Panteras. Parte das imagens virão dos arquivos das TVs e muito dos materiais inéditos virão do famoso 'Baú do Raul', objeto no qual o músico guardava boa parte de seus pertences, cadernos de escola, discos que ouvia e anotações. Atualmente, o baú está em poder de sua ex-esposa, Kika Seixas. Raul teria dito a ela para somente abri-lo após a sua morte. Parte desse material foi publicado em 2005 no livro O Baú do Raul Revirado (Ediouro), organizado pelo jornalista Silvio Essinger.

As informações são do Jornal da Tarde.

A moral camaleônica

2008-09-29T09:03:00.005-03:00

Do Le Monde Diplomatique Brasil

É delicioso resgatar os argumentos lançados pela mídia em 1997, em favor da reeleição de FHC. Comparados com a grita contra um terceiro mandato de Lula, eles revelam a tendência a adaptar-se às circunstâncias, típica do camaleão. Mesmo que, confirmando sua essência, ele finja ser outro animal...
Guilherme Scalzilli

(13/09/2008)

Os governos Lula suscitaram extensas discussões sobre a compatibilidade entre discurso ético e pragmatismo político-eleitoral. Talvez para dissociar-se dos defensores do presidente e estigmatizar seu constrangimento relativista sobre o assunto, a imprensa oposicionista lançou-se numa cruzada de ultralegalismo cívico, que logo receberia colorações partidárias.

Um dos aspectos negativos dessa vertente “cidadã” de tolerância zero é, paradoxalmente, sua permissividade conceitual. A abrangência normativa permite a assimilação de uma grande variedade de preceitos, entre os quais aqueles que aspiram a certa superioridade moral, mas não passam de enunciados discutíveis, contraditórios ou apenas tolos, que a ortodoxia acrítica transforma em dogmas sobrenaturais.

O fetichismo da conduta ideal do administrador revela então seu caráter artificial e ideológico, permitindo a deterioração da moralidade (sistema pessoal de valores) em moralismo oportunista, alimentado para enquadrar adversários e isentar aliados em tempos pré-eleitorais. A manipulação da subjetividade “transcendental” dos princípios morais confere imanência atemporal e incontestável a repertórios de condutas engendrados circunstancialmente, sujeitos às conveniências de seus formuladores.

Analisemos, como exemplo, as reações ao suposto terceiro mandato de Lula.

Hoje parece consensual que mudar as regras eleitorais para favorecer governantes em exercício significa uma afronta aos princípios que regem (ou deveriam reger) a conduta do homem público. A simples hipótese de permitir a Lula candidatar-se em 2010 suscitou indignação uníssona. Os precedentes plebiscitários utilizados por Hugo Chávez e Evo Morales rondam as redações como fantasmas hostis arrastando picaretas. Editoriais e colunas horrorizados defendem a alternância de poder e vociferam que nada justifica a perpetuação de governantes.

Mas não foi sempre assim.

Lembremos a fatídica noite de 28 de janeiro de 1997: por volta das nove horas, o presidente da Câmara dos Deputados, Luís Eduardo Magalhães (PFL-BA), decretou a primeira vitória da emenda que permitia a reeleição para cargos executivos. Gritos de “Uh, tererê!” soaram no plenário. Luís Eduardo foi abraçado pelo pai, o senador Antônio Carlos Magalhães, em prantos. Meia hora depois, através do porta-voz Sérgio Amaral, o presidente Fernando Henrique Cardoso rejubilava-se por saber que o Congresso votara “em sintonia com a opinião pública”.

Ressalte-se que a decisão dos deputados, depois confirmada pelos senadores, era juridicamente problemática. Segundo certas interpretações, a reeleição de mandatários em pleitos subseqüentes significava alteração de cláusula pétrea da Constituição de 1988 (Direitos e Garantias Fundamentais), que teoricamente só poderia ser realizada por Assembléia Constituinte. Também o artigo 5º da Carta (Isonomia) teria sido aviltado.

O governo FHC desfrutava de amplo apoio midiático. A popularidade do presidente bastava para legitimar uma discutível intervenção legislativa e até o recurso extremo do referendo – expedientes que, naquele momento, soavam “democráticos”

Desde a proposição da mudança, dois anos antes, a imprensa debatia quase diariamente o tema. Alheios à controvérsia legal, todos os grandes veículos defenderam a reeleição, com destaque para o jornal Folha de São Paulo. Editorial de 8 de novembro de 1985 já afirmava “não haver maiores inconvenientes em defender a reeleição.” Depois (5/1/1996), o editorial “Reeleição popular” comemorou pesquisa de opinião sobre o tema: “a população vê com bons olhos a chance de renovar os mandatos dos que vêm a se mostrar bons governantes. (...) Entre a candidatura e a renovação do mandato estará sempre o democrático e o inquestionável veredicto das urnas.”

O Tribunal Superior Eleitoral, presidido pelo ministro Ilmar Galvão, atestou que os ocupantes de cargos executivos não precisariam se desincompatibilizar para disputar suas reeleições. Diversos juristas renomados, como Miguel Reali Júnior, apoiaram a decisão. Os analistas concordaram: “Não é o caso de defender que o presidente também se desincompatibilize”, escreveu Valdo Cruz, entre muitos, na Folha (3/2/97).

Mas será que aqueles argumentos não corroborariam a tese do terceiro mandato de Lula? No parecer que permitiu aos mandatários continuarem em seus cargos, os ministros do TSE entenderam que a emenda da reeleição pressupunha o direito do eleitor optar pela continuidade administrativa (daí a desincompatibilização ser desnecessária). Ora, seguindo rigorosamente essa abordagem doutrinária, o número de reeleições jamais poderia ser limitado.

A mesma preferência popular pela manutenção do administrador, soberana e legítima, poderia ser estendida para novos mandatos, além do segundo. O eleitor, que possui prerrogativas para instituir (e eventualmente depor) governantes, também é capaz de decidir por quanto tempo ficarão no poder. Seria antidemocrático frustrar o “inquestionável veredicto das urnas” também quanto ao terceiro mandato.

Para dirimir possíveis questionamentos sobre a vontade popular, a Constituição Federal prevê o instrumento do plebiscito, um dos pilares da democracia participativa. Aliás, foi justamente a consulta popular que a Folha e outros veículos defenderam em 97, para evitar o fisiologismo nas decisões do Congresso.

Se há algum vestígio de golpismo ou manobra casuística nesses argumentos, devemos então creditá-los ao egrégio TSE, à Carta Magna e aos apologistas da reeleição. Acontece que, há onze anos, o governo FHC desfrutava de amplo apoio midiático. A execução de seu programa reformista e a sobrevivência do Plano Real pareciam depender da continuidade reeleitoral, ostensivamente defendida por editoriais e colunas políticas. A popularidade do presidente bastava para legitimar uma discutível intervenção legislativa e até o recurso extremo do referendo – expedientes que, naquele momento, soavam “democráticos”.

Mudaram os fundamentos do Estado de Direito ou mudou a imprensa? Pergunta retórica. A permanência dos primeiros independe das conveniências dos grupos momentaneamente hegemônicos. Quanto à flagrante incoerência jornalística, ela apenas evidencia um padrão de comportamento: adaptar-se às circunstâncias define a própria natureza do camaleão. Mesmo que ele, confirmando sua essência, finja ser outro animal.

Novas regras para contratação de estagiários estão no Diário Oficial

2008-09-29T09:00:00.003-03:00

Da Agência Brasil

Brasília - Está publicada na edição de hoje (26) do Diário Oficial da União a atualização da Lei do Estágio. De acordo com a Lei n.º 11.788, a partir de agora, os estagiários que tenham contrato com duração igual ou superior a um ano têm direito a 30 dias de recesso, preferencialmente durante as férias escolares.

Além disso, os dias de liberação previstos na norma serão concedidos, de maneira proporcional, nos casos de o estágio ter duração inferior a um ano. A legislação também prevê que o recesso deverá ser remunerado quando o estagiário receber bolsa ou outra forma de contraprestação.

Quanto à duração do estágio, a norma determina que estudantes da educação especial e dos anos finais do ensino fundamental só podem ser contratados para a carga horária de quatro horas diárias de trabalho. Os alunos do ensino superior, da educação profissional de nível médio e do ensino médio regular podem trabalhar até seis horas diárias e os estágio de 40 horas semanas destinam-se aos matriculados em cursos que alternem aulas teóricas e práticas.

A manutenção de estagiários em desconformidade com a legislação caracteriza vínculo de emprego para todos os fins da legislação trabalhista e previdenciária. A instituição privada ou pública que reincidir na irregularidade ficará impedida de receber estagiários por dois anos.

a bossa....

2008-09-25T22:31:00.004-03:00

FERNANDA EZABELLA - REUTERS

SÃO PAULO - Nos 50 anos da bossa nova, apenas um nome faltava para completar as comemorações que se espalham pelo país. O cantor e violonista João Gilberto confirmou oito apresentações para este ano, a partir de junho, para celebrar o gênero que ajudou a fundar, com seu cantar meio falado, meio baixinho, e seu jeito novo de tocar violão.

"João Gilberto não dá um show, dá um recital", diz Zuza Homem de Mello, crítico e historiador de música, explicando que o artista baiano de 76 anos está longe das parafernálias que os artistas usam em suas apresentações.

De fato, basta um banquinho e um violão, praticamente sinônimos de bossa nova, para o cenário de um "recital" de João Gilberto.

"Ele prescinde de tudo o que é efeito. Prescinde de tudo o que é necessário para mascarar a essência do espetáculo que é a música propriamente dita", continua Zuza, autor de "Folha Explica João Gilberto", em entrevista à Reuters. O deslumbramento de suas platéias sempre lotadas vem em grande parte das sutilezas e detalhes com que ele cria e recria, de forma obsessiva, canções que o acompanharam por toda sua carreira -- como "Doralice", "Corcovado", "Insensatez", "O Pato", "Samba de uma Nota Só".

"Agora, isso só é percebido por quem está prestando completa atenção na apresentação dele ou no disco", disse. "Senão, a pessoa acha que é a mesma coisa. É sutil."

O primeiro show do ano será em 22 de junho no Carnegie Hall, em Nova York.

Depois, se apresenta nos dias 14 e 15 de agosto no Auditório Ibirapuera, em São Paulo; dia 24 de agosto, no Theatro Municipal do Rio; e dia 5 de setembro, no Teatro Castro Alves, em Salvador. Haverá ainda três shows no Japão.

MELHOR NOTÍCIA DO ANO

Para o crítico e produtor Nelson Motta, o anúncio dos shows "é a melhor notícia para a música brasileira neste ano".

"Ele é um grande mestre, continua insuperável. Nesse gênero que ele inventou, ele é único, nunca houve nada melhor", disse Motta, autor de "Noites Tropicais".

Apesar das diversas contribuições para o gênero que refinou a música popular brasileira, incluindo o maestro Tom Jobim e o poeta Vinicius de Moraes, nada superou a "grande novidade" que João Gilberto trouxe com seu samba sincopado no violão e jeito único de cantar.

"Ele inventou um novo gênero musical. Não existe bossa nova sem a batida de violão do João Gilberto. Ele criou todo um mundo de possibilidades musicais", disse Motta.

Para o especialista, a prova da genialidade de João Gilberto está nas regravações dos sucessos "Chega de Saudade" e "Desafinado" que ele fez em seu último disco de estúdio, "João Voz e Violão" (2000), que seriam muito superiores às suas primeiras versões, "sob todos os aspectos, incluindo voz".

A fama de gênio vem junto com a de excêntrico. É perfeccionista nas gravações e shows, além de viver recluso no Rio de Janeiro, sem nunca dar entrevistas ou frequentar a cena musical da cidade. É como um ermitão, nas palavras de Zuza.

SEMPRE VANGUARDA

Embora solitário, João Gilberto mantém contato com os amigos por telefone, "e está perfeitamente ciente de tudo o que acontece, lê jornal, vê TV", contou Motta.

Ambos os críticos são unânimes em elogiar também sua personalidade. Um doce de pessoa, gentil e delicado, segundo Zuza. Educado e divertido, para Motta.

"O João Gilberto é uma das maiores celebridades da música no mundo que não tem a menor nesga de comportamento de celebridade. Ele vive monasticamente", disse Zuza.

O ano de 1958 é considerado o marco inicial da bossa nova com o lançamento de discos fundamentais. Começava ali um movimento que consagria toda uma geração de músicos brasileiros, como Nara Leão, Carlos Lyra, Luizinho Eça, João Donato, Roberto Menescal, Baden Powell, etc.

Foi naquele ano que Gilberto lançou dois compactos que inauguraram o movimento -- "Chega de Saudade"/"Bim Bom" e "Desafinado"/"Oba-la-lá" -- assim como o álbum "Canção do Amor Demais", com músicas de Jobim e Vinicius interpretadas por Elizeth Cardoso, que também trazia duas faixas com o violão de João.

E, mesmo com 50 anos, os críticos acreditam que a bossa nova segue viva e ainda "emblema da música brasileira no exterior", segundo Zuza.

"A vanguarda não envelhece", explicou o historiador, fazendo comparação com outros movimentos e artistas, como Mozart e Picasso.

"O que é vanguarda naquele momento não deixa de ser vanguarda agora. O que deixa de ser é o que efetivamente não foi."

Waters sobre Wright

2008-09-25T22:06:00.005-03:00

Caspeta! me emocionei, velho Roger!

ROGER WATERS, do PINK FLOYD, fez a seguinte declaração a respeito do seu companheiro de banda/ tecladista Richard Wright, que morreu em 15 de setembro aos 65 anos, após uma batalha contra o câncer:

"Eu fiquei muito triste em saber da morte prematura de Rick. Eu sabia que ele estava doente, mas o final veio de forma repentina e chocante. Meus sentimentos estão com a família dele, particularmente com (seus filhos) Jamie e Gala e com a mãe deles, Juliet, a quem eu conheci muito bem nos velhos dias, e sempre gostei e admirei muito."

"Quanto ao homem e a seu trabalho, é difícil superar a importância da sua musicalidade no Pink Floyd dos anos 60 e 70. A sua intrigante influência do jazz, modulações e timbres tão familiares em 'Us and Them' e em 'Great Gig in the Sky,' o que deu a essas composições tanto sua extraordinariedade e humanidade e sua majestade, são onipresentes em todo o trabalho colaborativo que nós quatro realizamos naquela época. A percepção de Rick para as progressões harmônicas era nosso fundamento".

"Eu me sinto extremamente grato pela oportunidade que o Live 8 me proporcionou ao me reunir com ele, com David (Gilmour) e com Nick (Mason) por uma última vez. Eu queria que tivessem havido mais vezes."

Gilmour sobre Wright

2008-09-25T21:50:00.006-03:00

Da BBC Brasil:

O guitarrista David Gilmour, da banda britânica Pink Floyd, prestou homenagem ao tecladista do grupo, Richard Wright, morto ontem, por sua "vitalidade, alegria e humor".

Escrevendo no seu site, Gilmour disse que "nunca tinha tocado com alguém como" Wright.

"Na minha opinião, todos os grandes momentos do Pink Floyd são aqueles em que ele está a pleno vapor", acrescentou Gilmour.

Ele elogiou o talento de Wright como compositor, citando, por exemplo, duas faixas do álbum Dark Side of the Moon, de 1973, escritas por Wright.

Wright foi um dos fundadores do grupo. Gilmour foi convidado a integrar o Pink Floyd em 1968, um ano após o lançamento do primeiro álbum do grupo, The Piper at the Gates of Dawn. Ele substituiu o guitarrista original do grupo, Syd Barrett.

"Ninguém pode substituir Richard Wright - ele era meu parceiro musical e meu amigo", disse Gilmour.

"Na confusão de discussões sobre quem ou o quê era o Pink Floyd, a enorme contribuição de Rick era freqüentemente esquecida".

"Ele era suave, modesto e reservado, mas sua voz cheia de sentimento e seu jeito de tocar eram componentes vitais, mágicos, do som do Pink Floyd".

Gilmour disse que a combinação de sua voz com a de Wright, somada à "telepatia musical" dos dois, floresceu pela primeira vez na faixa Echoes, que tomou todo o lado B do álbum Meddle, de 1971.

Ele acrescentou: "Afinal, sem Us and Them e The Great Gig in the Sky - ambas compostas por Wright - o que seria de The Dark Side of the Moon?", pergunta.

Este álbum, que fez da banda uma lenda do rock, ficou por mais de dez anos na parada de álbuns dos Estados Unidos.

Wright conheceu os parceiros Roger Waters e Nick Mason, co-fundadores do Pink Floyd, na faculdade de arquitetura.

Waters deixou a banda em 1981, depois de se desentender com o resto do grupo.

Wright, junto com Gilmour e Mason, continuou a gravar e a fazer turnês com o Pink Floyd durante toda a década de 1980 e início da de 90.

O Pink Floyd lançou seu último álbum de estúdio, The Division Bell, em 1994.

Em 2005, a banda completa voltou ao palco - pela primeira vez depois de 24 anos - para o concerto Live 8, no Hyde Park, em Londres.

W right também contribuiu com vocais e teclados para o álbum solo de Gilmour, On An Island, lançado em 2006, saindo em turnê com a banda de Gilmour pela Europa e Estados Unidos.

A morte de Wright, aos 65 anos, foi anunciada por um porta-voz na segunda-feira.

Segundo o porta-voz, o músico morreu após "uma batalha curta contra o câncer". O tipo de câncer não foi especificado.

BBC Brasil

Morre Richard Wright

2008-09-25T21:34:00.007-03:00

Do site TERRA:

O tecladista Richard Wright, um dos integrantes da formação original do grupo britânico Pink Floyd, morreu de câncer nesta segunda-feira, aos 65 anos, anunciou seu porta-voz.

"A família de Richard Wright, membro fundador do Pink Floyd, anuncia com grande pesar que Richard morreu hoje depois de uma breve batalha contra o câncer", afirmou a fonte.
Wright contribuiu em composições de álbuns clássicos como o Dark Side of The Moon e Wish You Were Here.
Único nascido em Londres entre os músicos do Pink Floyd, ele sempre optou em fazer de seus teclados um acessório suave, sem grandes efeitos, mas com uma grande base para toda a sonoridade que fez o grupo ficar conhecido.
Ao longo dos anos, Wright participou ativamente das composições e processos de criação da banda, até que foi expulso em 1979, durante as gravações do disco The Wall, por desentendimentos com o baixista Roger Waters, que tinha assumido todo o controle.
Neste meio tempo, embora tivesse participado de alguns concertos com o Pink Floyd, lançou um CD solo em 1978, chamado Wet Dream, e atuou em um grupo conhecido como Zee, gravando o disco Identity em 1984.
O retorno ao Pink Floyd aconteceu em 1987, pouco antes do lançamento de A Momentary Lapse of Reason. Ele participou de toda a turnê promocional do álbum.
Sua última contribuição ativa com a banda foi em The Division Bell, de 1995.
AFP

Um grande artigo sobre um grande filme

2008-09-25T21:22:00.005-03:00

Árido Movie: Sertão e Lisergia

Amin Stepple Hiluey*

Crepúsculo em Salvador, final dos anos 70, o cineasta Glauber Rocha, com os sete buracos da cabeça a mil por hora, pergunta ao também cineasta Jomard Muniz de Britto: “os intelectuais da Fundação Joaquim Nabuco ainda estão no Cuba Libre?”

Rocha, em 2006, é a cidade imaginária de Árido Movie, filme de Lírio Ferreira. Na trilha sonora, Renato e Seus Blue Caps. Grupo remanescente “daquelas tardes de guitarras, sonhos e emoções”, da época das “três, quatro doses” de rum com coca-cola. Mas o aditivo energético agora é outro. Jonas é o rapaz do tempo, repórter meteorologista, desses que adivinham chuva e manhã de sol na televisão. Coisa rara no Brasil atual, o Deus Urano arranjou emprego de carteira assinada nos telejornais. Jonas (Hamlet eletrônico?) chega de São Paulo para enterrar o pai, assassinado em Rocha. Numa viagem paralela, três amigos de Jonas, urbanos e maconheiros do tipo recreativos-fundamentalistas, também saem do Recife em direção à Rocha, para encontrá-lo e participar da cerimônia de adeus.

Se Jonas, com sua moderna profissão, tem uma certa originalidade olímpica na concepção de seu personagem, o mesmo não se pode dizer do trio de maconheiros. Na genealogia cinematográfica, eles são “primos” dos “coiseiros” de Meteorango Kid, Herói Intergaláctico, de André Luiz, filme baiano inaugural do udigrudi nacional(1969). E, na teatral, “primos” dos doidões de Trate-me Leão, do grupo Asdrúbal Trouxe o Trombone (final dos 70). No Árido, os maconheiros também são engraçados. E escrotos, como todo drogado. São, como se definem, os “Bocas Secas”. Numa das seqüências, se deparam com uma produtiva roça de liamba. Provavelmente plantada (à revelia e omissão) em terras e com água do Governo Federal. É uma aula involuntária sobre as novas oportunidades de investimento no sertão. A dança à la Hair dos “Bocas Secas” na plantation ensina muito sobre o Brasil dos agronegócios.

Árido é uma road-expedição, sociológica e antropológica, ao Brasil profundo. Maconha, crime, vendeta familiar, banditismo rural. Prostituição, clientelismo político, misticismo secular. Escassez de água, disputa de terra, choque cultural, sermões desconexos. Ronco de motos, idiotia rural, rodovias duplicadas, paisagem esturricada. Índios aculturados, machismo estereotipado, matriarcado virago. E a oralidade surreal da última Flor do Lácio: o dialeto arcaico sertanejo redivivo, saldo colonial, em diapasão dissonante com o maconhês metropolitano, herança lingüística da contracultura. Está tudo lá nos grotões de Árido Movie.

Como, aliás, sempre esteve. Parafraseando Nelson Rodrigues, o sertão não se improvisa, é obra de séculos. Mas Árido é uma obra de aggionarmento do Cinema Novo dos anos 60. Ou até mesmo do cinema brasileiro dos 90, do próprio Baile Perfumado, com sua seca verde e o uísque importado de Lampião. Ou, ainda, se quiserem, da melhor tradição da literatura regional (dos 20 aos 40). Ao mesmo tempo, reforça a tese de que o cinema brasileiro está condenado a filmar e refilmar o “sol de dois canos” do sertão. Pena mais branda do que a do cinema americano, condenado a ficcionar as guerras em que o Império se mete a cada década.

Nas várias fases do cinema brasileiro, o sertão sempre foi uma location revisitada. A emprestar a sua geografia física e humana para que, através do cinema, o País se conheça e se reconheça em sua própria História, com suas questões sociais e econômicas praticamente inatacadas, imunes à evolução dos tempos, apesar das sucessivas retóricas oficiais de transformação e redenção. O espectador já assistiu ao sertão de cangaceiros sanguinários, folclóricos e até aburguesados. Ao hiperrealismo comovente e denunciador de Fabianos injustiçados e Baleias mortas. Ao barroquismo místico, delirante e salvacionista, a envolver jagunços, camponeses famélicos, cantadores cegos, justiceiros, beatos e santos guerreiros. À paródia e à chanchada de anti-heróis desbundados e cordelizados.

Vez por outra, num criativo fatalismo cíclico, surge um novo olhar sobre a velha paisagem e suas almas secas. É o caso de Árido Movie, com sua originalidade lisérgica a se contrapor ao acumulativo histórico realista, teatralizado. É impossível esquecer ou abstrair a maconha, onipresente no filme. Advém dela a gramática onírica, a impor-se como filtro a deformar e a desmanchar o real, como única forma de remontar histórias aprisionadas quase secularmente na consciência. O que interessa aqui é o relato cambaleante do inconsciente. O realismo já cumpriu o seu papelão histórico. Muito embora o cenário, os personagens, os sentimentos e os conflitos, como sabemos, sejam absolutamente iguais aos de antes. Mas liberto e distanciado do realismo, Árido Movie desbrava o sertão deste início de século com os olhos livres, e é também dessa maneira que o filme pede para ser visto. Malgrado a percepção do ineditismo das factualidades ser absolutamente ilusória, embaralhada pelo “barato” da miragem lisérgica.

Com as decantadas portas da percepção já arrombadas pela ressaca alucinógena da arquivada contracultura e com a profusão de drogas sintéticas, pode-se até afirmar que Árido Movie é um filme fora de época, realizado com urgente atraso, como o sepultamento do pai. E poderia até ser. Mas não esqueçamos que a maconha hoje é um próspero empreendimento econômico da região. Ou da rotineira prevalência do uso político da água. A rigor, Árido é um filme muito além da nossa época. Longe de atrasar, “os ponteiros infectados de tempo” (poeta Ângelo Monteiro), e não são poucos, adiantam em alguns anos o relógio de Árido Movie, dando a necessária continuidade ao continuado nos sertões imemoriais do cinema brasileiro.

Muitos críticos e espectadores se queixam de uma certa irregularidade em Árido Movie. Apontam, não de todo sem razão, que, mais do meio para o fim, os personagens se atarantam nos labirintos solares da história. Ironicamente, chegam atribuir a descontinuidade aos possíveis efeitos da “maresia” soprada durante quase todo o filme. Como os meteorologistas, o diretor Lírio Ferreira às vezes erra a previsão do tempo. Mas quem conhece os pedregulhos do sertão, sabe que o difícil é a travessia, légua mais tirana. Como não se deve desconhecer que o filme é uma elegia assumida à exuberância exaltada (imagens, personagens, diálogos, silêncios). No entanto, é nessa suposta imperfeição que Árido Movie cumpre a sua melhor performance. É como se o filme incorporasse o destino errático - geográfico e humano - do sertão, impregnado de sua, agora atualizada, taxa luminosa de desordem. Beleza mais que imperfeita, falsa promessa de felicidade. Bem brasileiro.

No entanto, nada mais transcendente. Basta recordar de uma das frases finais do filme, na seqüência da instalação sobre água, já em São Paulo: “Io (a lua de Júpiter) será o nosso próximo endereço”. O papo é lunático só na superfície. Os astrônomos americanos, entre uma guerra e um filme sobre essa guerra, já descobriram que o satélite jupiteriano tem água. Pragmáticos como são, e também “viciados” em água, os americanos compreendem bem a profundidade da frase da lameira do caminhão-pipa que transita na estrada poeirenta de Rocha: “aonde a água chega, a água faz o resto”. Fato curioso, essa frase-síntese da “sopa primordial” da vida, e também do próprio Árido Movie, é de um homem forte de Getúlio, Agamenon Magalhães, interventor de Pernambuco durante a ditadura Vargas. Apesar de extremamente violento, Agamenon não perdia uma missa dominical. Em busca da água benta da transcendência?

Assim, Árido Movie reescreve a profecia alada do Conselheiro: o sertão vai virar Io. Enquanto colabora para editar a novíssima história do cinema brasileiro. A exemplo de Amarelo Manga, de Cláudio de Assis, e de Cinema, Aspirinas e Urubus, de Marcelo Gomes. Com Árido, o cinema pernambucano comprova mais uma vez: é amarelo mas tem saúde.

Em tempo: os intelectuais do Joaquim Nabuco continuam no Cuba Libre?

Quanto ao cineasta Jomard Muniz de Britto, a única experiência dele com droga se limitou a um comprimido de aspirina com leite quente e canela, receita do médico João Guimarães Rosa para a cura da gripe.

*Jornalista e Cineasta

Disurso de Antônio Candido

2008-09-24T18:48:00.004-03:00

(Discurso do crítico literário Antonio Candido, 90 anos, ao receber o prêmio Juca Pato de Intelectual do Ano, concedido pela União Brasileira de Escritores (UBE), no Salão Nobre da Faculdade de Direito do Largo São Francisco, em São Paulo, na noite de 20 de agosto de 2008). Fonte Terra Magazine.

Agradeço as palavras do embaixador Samuel Pinheiro Guimarães, detentor do Prêmio Juca Pato ao qual tenho o privilégio de suceder como agraciado pela mesma honraria. Agradeço também muito à União Brasileira de Escritores, representante dos confrades que me consideraram merecedor deste simpático e famoso troféu, declarando a minha gratidão a cada um desses confrades.

O troféu Juca Pato tem para mim grande significado, inclusive porque as entidades que o criaram foram importantes na minha carreira intelectual. Uma é sucessora da Associação Brasileira de Escritores, a outra é sucessora da Folha da Manhã, e a ambas se prende a fase inicial da minha atividade de crítico literário e de intelectual participante, como se dizia naquele tempo.

Em 1942 a Associação Brasileira de Escritores foi fundada no Rio de Janeiro com uma finalidade ostensiva e outra implícita. Ostensivo era o intuito de lutar pela regularização dos direitos autorais, então muito desrespeitados. Implícito era o ânimo de lutar contra a ditadura do Estado Novo e seu duro arrocho em relação à liberdade de pensamento e de expressão. Eu estava presente ao encontro fundador da seção paulista, do qual saiu a deliberação de eleger Sérgio Milliet seu presidente, pois Mário de Andrade, que também estava ali, recusou o cargo, ficando discretamente como vice. A mim, jovem principiante, foi atribuída a função de 2o. secretário, não devido a mérito pessoal, mas como reconhecimento de um grupo de moços ao qual eu pertencia e estava se lançando na vida intelectual com a nossa revista Clima, cujo título passou a nos designar: éramos o “grupo de Clima”.

Na seção paulista da ABDE, sigla com a qual a Associação ficou famosa, participei da organização e da realização do histórico Primeiro Congresso Brasileiro de Escritores, que teve lugar em São Paulo no mês de janeiro de 1945 e foi um movimento significativo de oposição ao regime, que aliás começou a se dissolver no mês seguinte. Mais tarde, em 1949, fui eleito presidente da seção de São Paulo e nessa qualidade presidi o Segundo Congresso Paulista de Escritores, realizado naquele ano em Jaú. A declaração de princípios deste congresso afirmou que o dever básico do escritor é a fidelidade à sua vocação, não a obediência a imperativos externos, aos quais poderia, no entanto, servir como intelectual em sentido amplo. Isso era uma retificação à tendência demasiado política justificada em tempo de ditadura. Pouco depois esse problema gerou a cisão que dividiu a entidade, recomposta felizmente mais tarde com o nome atual.

Quanto à outra instituidora, menciono que em 1943 tornei-me o que se denominava então “crítico titular” do jornal Folha da Manhã, que mudara de proprietário e passava por uma reforma modernizadora. Ligado aos autores desta era o meu grande amigo e companheiro da revista Clima Lourival Gomes Machado, que se encarregou da crítica de arte. Como os reformadores queriam estabelecer um rodapé semanal de crítica literária, ele me indicou para esta tarefa de grande responsabilidade. O meu nome foi aceito e eu, verde principiante, assumi o compromisso de fornecer semanalmente um artigo de cinco a seis laudas tamanho ofício a dois espaços sobre os livros da hora. Foi nessa tarefa, não na Universidade, que me formei como crítico, pois sou licenciado em Ciências Sociais, não Letras, e naquele tempo dava aulas de Sociologia. O meu tirocínio foi portanto adquirido dentro da tradição franco-brasileira do jornalismo, o que me ensinou antes de mais nada a procurar clareza e simplicidade na escrita. Sou, portanto, um crítico de jornal que passou mais tarde ao ensino da literatura, o contrário do que é freqüente em nossos dias.

Aquele momento era de intensa politização dos intelectuais, segundo o espírito predominante no decênio que sucedeu ao movimento armado de 1930. Eu embarquei nesse rumo, politizando talvez um pouco demais a minha atividade crítica, mas correspondendo assim ao ânimo de militância que era o dos intelectuais contrários à ditadura do Estado Novo. Afinado com as tendências radicais do momento, assumi então posições socialistas que não abandonei mais e continuam a nortear as minhas convicções relativas à necessidade de transformar profundamente a nossa sociedade desigual e mutiladora.

Mas não posso ir adiante sem mencionar que na redação da Folha da Manhã conheci e vi muitas vezes ninguém menos que o inventor do popular Juca Pato, personagem pitoresco que dá o nome a este prêmio. Refiro-me a Benedito Carneiro de Bastos Barreto, famoso sob o pseudônimo de Belmonte, escritor e desenhista de alto valor, um dos mais altos praticantes da caricatura no Brasil. Era um homem discreto e cortês, de pouca fala, mas muito simpático. Naquela altura participava da luta ideológica por meio de charges mordazes contra o nazismo.

Tendo mencionado dois motivos que contribuem para fazer deste prêmio uma alegria para mim, resta mencionar como terceiro o fato de ser ele conferido neste local. Estudei na Faculdade de Direito durante sete anos, dois no chamado “pré-jurídico”, designação corrente na 1a. Seção do Colégio Universitário Anexo à Universidade de São Paulo, mais cinco no bacharelado, sendo que os três primeiros de maneira assídua e os dois últimos com muita ausência, acabando por não prestar em segunda época os exames finais, segundo o sistema da época e segundo também a minha intenção.

Portanto sou quase bacharel e sempre me senti uma espécie de aluno permanente que ainda não cumpriu a tarefa, mas tenho a honra de ser bacharel do XI de Agosto, grau que me foi conferido solenemente por uma turma de formandos. Por isso trago neste momento na lapela o distintivo do Centro, quase igual ao que, em seguida ao trote de 1939, depois de raspado o cabelo e pagas as devidas taxas, recebi junto com a flâmula e o diploma de burro em bom latim macarrônico, diploma que conservo como antídoto salutar contra eventuais assomos da vaidade…

Foi nesta Casa que comecei a militar contra as ditaduras, como um dos fundadores do Partido Libertador, surgido aqui em 1939, quando eu estava no primeiro ano do bacharelado, e que não deve ser confundido com o de âmbito nacional de mesmo nome, criado sob a inspiração de Raul Pilla. Mais tarde fui também um dos fundadores da Frente de Resistência, formada quando eu estava no 5o. ano por estudantes liberais e socialistas desta e de outras faculdades, que desenvolveu uma atividade ponderável apesar dos apertados limites impostos pela censura e a repressão.

O que estou dizendo se refere cronologicamente aos anos de 1940, isto é, mais de meio século atrás. Portanto, os generosos confrades da União Brasileira de Escritores foram buscar um intelectual bem antigo, bem fora do tempo, para confortá-lo com esta distinção consagradora. Devo ser de fato tão antiquado, que venho sendo definido em algumas instâncias como “ilustrado”, devidamente entre aspas, e como alguém preso a uma visão de tipo teleológico da história e do pensamento. Devo esclarecer que, ao contrário do que se poderia pensar, considero esta restrição um elogio. Ela quer dizer que me mantenho fiel à tradição do humanismo ocidental definida a partir do século XVIII, segundo a qual o homem é um ser capaz de aperfeiçoamento, e que a sociedade pode e deve definir metas para melhorar as condições sociais e econômicas, tendo como horizonte a conquista do máximo possível de igualdade social e econômica e de harmonia nas relações. O tempo presente parece duvidar e mesmo negar essa possibilidade, e há em geral pouca fé nas utopias. Mas o que importa não é que os alvos ideais sejam ou não atingíveis concretamente na sua sonhada integridade. O essencial é que nos disponhamos a agir como se pudéssemos alcançá-los, porque isso pode impedir ou ao menos atenuar o afloramento do que há de pior em nós e em nossa sociedade. E é o que favorece a introdução, mesmo parcial, mesmo insatisfatória, de medidas humanizadoras em meio a recuos e malogros. Do contrário, poderíamos cair nas concepções negativistas, segundo as quais a existência é uma agitação aleatória em meio a trevas sem alvorada.

É com este espírito talvez obsoleto de velho intelectual participante, como se dizia naquele tempo, que aqui estou para agradecer de coração esta desvanecedora homenagem.

Antonio Candido, 90 anos, é crítico literário, ensaísta, autor de “Formação da Literatura Brasileira”, entre outros livros. Vencedor do Prêmio Juca Pato de Intelectual do Ano de 2007, é professor emérito da USP.

Contenha-se.

2007-10-26T23:54:00.004-02:00

Pode esquecer George Jr., o colega rico e frouxo de Cris O’Donnell em Perfume de Mulher, e deixe ainda mais longe o travesti Rusty de Ninguém é Perfeito, que dava aulas de canto a um Robert De Niro sofrendo de paralisia. Em Capote Philip Seymour Hoffmann encarna o escritor-jornalista americano como talvez nem este mesmo fosse capaz.

A voz chata, o jeito efeminado e nada convencional aos austeros anos cinqüenta e a vaidade, uma imensa e absurda vaidade, pontuam a figura que o diretor Bennet Miller apresenta ao público como sendo o essencial a se saber sobre aquele que na década seguinte foi aclamado como o maior escritor moderno dos Estados Unidos.
O filme retrata o tormento vivido, e quem sabe buscado, por Truman Capote ao fazer as entrevistas e pesquisas que resultaram em À Sangue Frio, seu livro mais famoso. Almejando escrever o primeiro romance de não-ficção Capote não só inaugurou um novo gênero literário, e por tabela o Novo Jornalismo, mas também deu voz aos criminosos Richard Hickock e Perry Smith, que em 1959 assassinaram toda uma família na pacata cidade de Holcomb, interior do Kansas, ao retratar o fato também sob a ótica dos facínoras.
Fica claro, apesar da sutiliza dos diálogos e gestos dos atores, que Truman sente-se ligado a Smith pela infância difícil e pelos abusos psicológicos sofridos ao longo da vida. Envolvido a ponto de, em determinado momento, confessar à amiga Harper Lee (autora de O Sol é para todos, contemporâneo à época do filme) que talvez estivesse apaixonado pelo seu objeto de estudo.
Com paisagens frias e tristes o filme consolida seu tom contido, onde todos os desfechos ficam por conta da imaginação do espectador. E não se surpreenda se não puder imaginar muito, porque a reserva dos personagens é tão latente que nem mesmo divagar sobre suas personalidades é possível.
Dizem alguns que uma certa relação homossexual entre os assassinos foi omitida, talvez sim. Alguns diálogos entre Smith, já no corredor da morte, e Capote seriam justificados se isso fosse verdade. E mais, os assassinatos, resultado de um assalto mal sucedido, seriam também fruto de uma acalorada discussão entre os amantes.
Se assim foi, não houve nada de frio naqueles crimes, mas sim na sagacidade de Capote ao colocar sua frágil sanidade em jogo para relatá-los.
Detalhe: Philip Seymour Hoffmann levou o Oscar, O Globo de Ouro e o BAFTA.

Ana Paula, a Irmã.

Releituras musicais

2007-10-23T22:50:00.001-02:00

Deve ser tentador pra quem toca, tocar seus ídolos. Mais tentador ainda deve ser querer ser, de alguma forma “parceiro” deste ídolo, ou, pior ainda, querer “contribuir” de alguma maneira em alguma canção. Sou um conservador - musicalmente falando - assumido. E me explico. Conheço pouquíssimos casos de regravações que funcionaram bem. Mas conheço inúmeros exemplos de infelicidade nestas tentativas de releituras. Acabo de ouvir no rádio uma gravação de Peito Vazio, do Cartola e Élton Medeiros, cantada por uma moça – não sei mesmo quem é – com uma bela voz, um bom piano e tudo o mais. Não quero dar razão ao antigo ministro, dizendo que algumas coisas são “imexíveis”, mas o que não se pode é deslocar a obra. Peito Vazio é de uma dor profunda, de uma singeleza e rusticidade elaborada que só o violão do Cartola pode contemplar.

Não se pode desprover de sentimento uma obra como essa, deixá-la profilática como se fosse uma estante sem poeira e com belos quadros de parentes. Algumas coisas não precisam de verniz. Paulinho da viola só falta por gravata pra cantar “As rosas não falam”. E demorou anos até ter coragem de apresentá-la em público. Quando se escuta Paulinho da Viola tocando “As rosas...” se nota ainda o respeito, e o embargo na sua voz ao cantar. Celso Blues Boy também gravou “As Rosas...”. Fez uma versão blues, é claro. Ficou longe da original, mas não perdeu o sentido da música, não perdeu a dor e nem a emoção. Não foi polida a canção. Essa música foi gravada por um monte de gente. Fagner, Altemar Dutra, Alcione, Ney Matogrosso, Luciana Mello, Gal Costa, Nelson Gonçalves, Beth Carvalho e como a música é boa a Simone deve ter gravado pra deixá-la ruim do seu modo. Mas eu não ouvi, ainda bem.

Vou voltar ao tema.
Abraço, Gurizada!

Dançando na Chuva

2007-10-19T21:27:00.005-02:00

Renato mora em uma pensão no centro da cidade. Toca piano pra ganhar a vida. Toca bem, é talentoso. Quando fecha o bar do hotel onde trabalha, geralmente vai com Fred, porteiro do hotel, jogar sinuca e beber mais um pouco. Fred é grande, lento e intelectual. Gosta de citar Kierkeegard e Kant. Gosta de dizer que filosofia mesmo se fez na Alemanha e o resto é literatura. Mas não diz isso pra todo mundo. Renato às vezes sai sozinho. Deixa a gravata e o casaco no vestiário dos funcionários do hotel e sai. Gosta de caminhar com o sol amanhecendo. A sensação de estar indo pra mais uns drinques enquanto todos estão indo pro trabalho lhe revigora. Também lhe agrada a idéia de ganhar dinheiro de algum bêbado no jogo de sinuca. Agrada mais ainda se quem perde no jogo quer brigar.

Aprendeu piano com o marido da mãe, que depois do acidente nunca mais tocou. Mesmo quando a mãe saiu de casa ele continuou lá. Gostava de Alfredo. Só saiu quando foi morar em Taquaruçu, interior de Goiás. Foi lá que aprendeu a jogar. Ficou lá por dez anos, escondido. Alfredo foi quem lhe arrumou os documentos falsos, algum dinheiro e um local pra ir depois que chegou com a roupa suja de sangue e um revólver no bolso do casaco. Quando voltou o apartamento continuava igual, o piano no mesmo lugar. Limpo e intocado. Alfredo o recebeu bem, mas achou melhor não voltar a morar ali. Visitava-o com freqüência. Alfredo gostava de lhe ouvir tocando, fechava os olhos como para ver os acordes pela sala. “The lunatic is in the hall. The paper holds their folded faces to the floor, And every day the paper boy brings more.”(*)

Fred não quer ir beber nem jogar com Renato. Diz que a moral é relativa, o homem nasce bom, a sociedade é má e precisa ir pra casa ver a família. Renato não pensa em família nem na sociedade. Nem no piano mais, agora é um trabalho como qualquer outro. Pensa na sinuca e em quem perde. Ganha o jogo, ganha força, ganha a briga, ganha as ruas e só tem tempo de meter as mãos ensangüentadas no bolso antes de que quem viu a luta perceba que o corpo no chão não se mexe mais.

Sem ter pra onde ir, sem Alfredo, sem futuro e com sol alto entra em um bar, pede um uísque e com as mãos sujas acende um cigarro e se deixa esperar a polícia. Enquanto espera pensa que podia estar tocando para Alfredo. “You lock the door, and throw away the key, There's someone in my head but it's not me.” (**)

Deitado, os olhos abertos apesar das luzes todas apagadas, Renato pensa que, bem comportado como é, em no máximo dez anos poderá estar jogando sinuca novamente. Depois do jogo passará em casa parar lavar as mãos e pegar o cachorro. Pode ser que ainda lembre de Alfredo e corra enquanto o dia amanhece e mesmo com as nuvens no céu vai poder ver a sua sombra dançando na chuva enquanto o dia amanhece e as pessoas vão pro trabalho. Pode ser que lembre dos acordes e então cante: “And if the band you're in starts playing different tunes, I'll see you on the dark side of the moon.” (***)

Luiz Müller

(*) O lunático esta na sala, os jornais ficam virados pro chão, e todo dia o entregador de jornal traz mais.
(**) Você tranca a porta, e joga fora a chave, há alguém na minha cabeça mas não sou eu.
(***) E se a banda que você está começa a tocar diferentes melodias eu verei você no lado escuro da lua.

(*) Trechos da canção Brain Damage, de Roger Waters, do álbum The Dark Side of the Moon.

Desagravo Gastronômico

2007-10-19T01:47:00.001-02:00

Recebi nos últimos dias dois ataques contra a batata – a inocente e prosaica batata - que considero ataque pessoal. Um é aquela conversa antiga, aquela cantilena chata, de que tudo que se faz com batata se faz melhor com aipim. Outro é que a batata é um carboidrato vazio.
Por partes.
O aipim, pra começar, não tem nem personalidade. É conhecida como mandioca, macaxera, macaxeira. Sem falar nas suas versões “braba”, a mandioca braba pode ser venenosa, levando até mesmo, em casos mais extremados, se não cozido direito, à morte.
A batata, além de ter só um nome, não mata ninguém. Pelo contrário. Quando o indivíduo está doentinho anda mais recomendável que um inocente purê de batatas. Certo, tem a batata-doce, mas aí é um parente. Muito simpático, por sinal.
O aipim, esse angiosperma que chega sempre cheio de terra na casa da gente, além de tudo, tem aqueles fiapos complicadores. E descascar o aipim então??
Não é de estranhar que nenhum restaurante tenha em seu cardápio “Filé com aipins”. Imagine aquele cestinho do Mcdonalds com aipim frito. E assistir um filme tomando uma coca-cola e comendo um saquinho de "aipim chips"?
E “carboidrato vazio”. Ora, ora. Não basta todo o sabor, alegria, simplicidade, facilidade, felicidade que a batata proporciona ainda tem que ter compromisso com as nutricionistas. Aí é querer demais.
A batata também se fermentada adequadamente faz uma vodca de boa qualidade. Quando a Europa foi assolada pela fome, quem saciou a fome do velho mundo? A batata. matando fome e sede.
O certo é que posso dizer que até mesmo Machado de Assis e Van Gogh (o quadro que ilustra esse texto "Os Comedores de Batata" é de Vincent Van Gogh, de 1885, óleo sobre tela, e está no museu de Amsterdã) estão do meu lado:

"Ao vencido, ódio ou compaixão; ao vencedor, as batatas".

Quero ver algum defensor do aipim ou detrator da batata achar aipim na literatura.

Ame-o ou odeie-o. Mas veja-o.

2007-10-18T23:47:00.003-02:00

John Wilmot não aceitaria meios-termos. É por isso que ou se ama ou se odeia “O Libertino”, do diretor estreante Laurence Dunmore, produzido por John Malkovich (que também faz uma pontinha como o Rei Carlos II) e protagonizado por Johnny Depp.

Ambientado durante a Restauração Inglesa, nos idos de 1670, o filme acompanha as últimas peripécias de John Wilmot, Segundo Conde de Rochester, poeta e escritor britânico nada afeito às conveniências de seu tempo.

Filmado sem nenhuma grande técnica digital, e sim com as câmeras nos ombros dos cinegrafistas, as imagens parecem ainda mais reais e angustiantes, tal é a proximidade com os atores e os cenários. Cenários esses basicamente compostos por ruas imundas, teatros lúgubres e tavernas empoeiradas.

Apesar de muitos historiadores alegarem que vários aspectos da personalidade de Wilmot foram abrandados, como seus interesses homossexuais, enquanto outros teriam sido visivelmente acentuados, vide o romance com a atriz Elizabeth Barry, que talvez nem tenha chegado a acontecer, o filme retrata o essencial de Rochester: intrigas palacianas, álcool, sexo, prisões, duelos, charlatanismo, hedonismo, exílios... Praticamente um rock star!

O roteiro apenas peca, a certa altura, por centrar-se na empreitada de Wilmot em tornar a novata Lizzie Barry a nova sensação dos palcos Londrinos, e transforma o filme num recorrente ensaio teatral em que a diva parece apenas uma guria desamparada e indefesa. Aos que conhecem Samantha Morton (Minority Report) de outros Carnavais, sabem que ela sempre confere esse tipo de imagem às suas personagens.

De qualquer forma, o filme atende às expectativas, mesmo agradando a uns poucos mais afeitos a complexidades. Muito por conta de Johnny Depp, competente o bastante , como sempre, para não deixar esmorecer por um segundo sequer o ar cínico do personagem, conferindo-lhe um ar de anti-herói incompreendido e autêntico, que no monólogo inicial já avisa: “não gostarão de mim”.

Caso queria ver o trailer clique aqui.

p Ana Paula, a irmã.

CENTO E VINTE

2007-10-18T23:19:00.001-02:00

Sei que cinema aqui não é bem da minha alçada. Mas tese vale. E preciso registrar esse desabafo.
Eu estou enfrentando mais uma solitária cruzada. Mais uma cruzada solitária. Não vejo entusiasmo de ninguém quando falo que nenhum filme – nenhum – precisa ter mais do que 120 minutos. As grandes histórias são contadas em menos tempo. Não precisam deste tempo todo pra dizer alguma coisa. Normalmente quando passa desse tempo o que excede é tiroteio, espadadas, etc. Mas, que fazer, tem gente que curte explosão (só isso) no cinema...
Já fui acusado de preguiçoso por tal afirmação. Mas, ora, o que mais gosta um preguiçoso senão ficar sentado dentro do cinema? Ou na frente da TV?
Não é só saudosismo do tempo em que não se precisava consultar o horário dos filmes, era sempre 14h, 16h, 18h... Que beleza!
Abaixo o tempão no cinema! Abaixo a explosão!
E só pra constar, o maior filme de todos os tempos tem 103 minutos. Casablanca.
Abraço, gurizada!

Na prateleira errada: JOHNNY E JUNE

2007-10-16T00:11:00.004-02:00

Relegado à prateleira das comédias românticas por conta do título nacional, Johnny e June (lá, Wlak the Line), deixa de ganhar os fãs e os créditos que a cinebiografia de um astro do rock (Ou do folk rock? Ou country?) merece.

Seguindo a linha cronológica tradicional, melhor apostar no certo do que arriscar cair no escracho, o forte do filme de James Mangold (Garota Interrompida) fica por conta da performance dos protagonistas. Joaquin Phoenix e Reese Witerspoon incorporaram Johnny Cash e June Carter de forma a serem esses os papéis de suas vidas. Reese, a nova queridinha da América, ainda levou de lambuja o Oscar de Melhor atriz pela atuação.

Clássicos da dupla, como “Ring of Fire”, “Wildwood flower” e “I Walk the line” – que dá nome ao filme – são interpretados pelos próprios atores, que suaram a camisa em aulas de música, canto e fonoaudiologia. Parênteses: o CD com a trilha sonora vale o investimento.

Dosadas estão a infância tumultuada, a passagem pela Força Aérea, as dificuldades no casamento, a descoberta por Sam Phillips (sim, o da Sun Records), as turnês com Elvis, Jerry Lee “The Killer” Lewis, Carl Perkins e Roy Orbinson, as crises por conta do vício em barbitúricos e, claro, a história de amor com a parceira e amiga June Carter.

Parênteses dois: os fãs mais extremistas vão gostar de identificar à primeira vista toda essa turma aí.

Vale elogiar ainda a atuação de Robert Patrick (o eterno T-1000) como o pai insuportavelmente desprezível de J.R Cash, o figurino impecável e as referências musicais à Dylan e ao advento da guitarra elétrica.

Baseado nas auto-biografias de Cash, e produzido por Johnny Carter Cash, seu filho com June, o filme serve a todos: aos loucos por música e aos loucos de amor.

Ana Paula, a Irmã

APRESENTANDO DOIS

2007-10-16T00:10:00.006-02:00

A coisa tá se agigantando. Semana passada foi Alabama, agora ANA PAULA. Por mim chamada prosaicamente de irmã. Razão disto mais óbvia impossível: é minha irmã.
E ela está aqui por alguns tantos motivos. Um deles está no primeiro post deste blog: é pra ela que eu sempre peço “um help”. Outro é que ela vê filmes. Muitos filmes. Todo tipo de filmes. Incansavelmente. Gosta disso. E entende disso. Então escreverá aqui sobre isso: cinema, dvds, filmes, enfim. Alabama Brothers orgulhosamente apresenta: ANA PAULA, a irmã.