Novedades Editoriales

Newsletter Nº 36

2019-12-02T02:38:00.000-03:00

Alberto Girri

El Asceta de la Poesía

de Alina Diaconú

Ficha Técnica

Editorial: Vinciguerra Hechos de Poesía | Fundación Argentina para la Poesía

I. S. B. N: 978-987-750-244-2

Clasificación: Ensayo Literario

Colección: Los Maestros

Páginas: 70

Publicación: Noviembre de 2019

Idioma: Español
Sitio Web: Vinciguerra Hechos de Cultura

Alberto Girri El asceta de la poesía es un nuevo libro de Alina Diaconú. Ha sido co-editado por la editorial Vinciguerra Hechos de Cultura y la Fundación Argentina para la Poesía, como décimo título de la «Colección Los Maestros». El libro fue presentado en el marco del Homenaje a Alberto Girri en ocasión del centenario de su natalicio en la Fundación Internacional Jorge Luis Borges. Esta obra de Alina Diaconú de la que ahora nos ocupamos, no es un libro más sobre Alberto Girri. En las páginas de Alberto Girri El asceta de la poesía se entretejen dos hilos en una misma trama: por un lado, el rescate de la historia de una amistad personal y literaria a partir del testimonio limpio e íntimo de los sentimientos fraternales de quien lo conoció muy de cerca. Por el otro, un criterioso trabajo de cuidada selección para escoger de todo el universo poético de Girri aquellos poemas que son los favoritos de la autora y a la vez los más representativos de cada época.

En este sentido, el trabajo de Alina Diaconú más que una recopilación, es una sugerente aproximación a la obra de Alberto Girri desde una perspectiva personal que recorre con mirada amplia la producción literaria de toda una vida, desde su primer poema hasta el último. Es un florilegio que reúne lo más selecto de la poesía de Alberto Girri. Conviene recordar que el término ἀνθολογία (antología) derivado del griego de ανθος (anthos), «flor» + λεγειν (legein), «escoger», significa «selección» o «escogido» de flores. El mismo sentido tiene la palabra latina florilegium (plural florilegia), compuesta por los términos flos («flor») y legere («reunir», «escoger»). La pequeña antología de Alina Diaconú es un ramillete de poemas escogidos con amoroso cuidado con la intención de despertar el interés del lector no iniciado en el conocimiento de la obra de Girri hacia un contenido que, en ocasiones, desborda a la poesía misma.

En el ensayo que precede a la selección poética, Alina Diaconú brinda un valioso testimonio personal sobre «El amigo, el hombre», tal el subtítulo del segundo apartado de su ensayo. La autora recuerda las circunstancias de su primer encuentro con palabras cargadas de afecto y admiración: «Lo conocí a Alberto Girri en lo de Martha Lynch, una tarde de verano de los años ’80, mientras nadaba como un pez en la piscina del jardín de la casa que la escritora tenía en Vicente López. Cuando emergió de allí, chorreando agua, me lo presentaron» (p. 10). Diaconú define la relación de amistad que mantuvo con el poeta como «un diálogo de almas» (ibid.).

El diálogo se constituye en el lenguaje poético que vincula a ambos interlocutores. Un diálogo en el que dos almas entran en silenciosa comunión, en una unión mística recíproca. Diálogo, en definitiva, entre dos almas afines que demostraron el sentir de una amistad diurna, abierta, franca, fraterna. Una amistad que en el libro es revisitada como memoria y testimonio. La autora se zambulle en las plácidas aguas de sus emociones y recuerdos personales para devolvernos aquella imagen de Girri que emerge de su memoria tal como ella lo vio por primera vez al salir de la piscina en la casa de Martha Lynch.

Sin duda, la autora siente su amistad con Alberto Girri, todavía la experimenta y la disfruta con una emoción que sigue viva. Una emoción genuina que, por la manera objetiva que lo describe, sería un error reducirla a «sentimentalismo». Girri, como bien señala Diaconú, «detestaba la cursilería, el sentimentalismo ramplón y la estupidez» (p. 11). La amistad es una relación de cariño que establecemos con personas con las que compartimos escenarios de la vida diaria en común, como en el caso de Alina Diaconú y Alberto Girri, los de la literatura. El sentimentalismo, ese incómodo compañero de yugo del subjetivismo, surge precisamente cuando el amor ya no se experimenta y la emoción se traduce en la expresión de sentimientos pasionales sin juicio, arrebatados y ciegos.

Girri pretendía para su poesía la objetividad del lenguaje científico, es decir, un lenguaje despojado de subjetividad y sentimentalismo. Su escritura ascética e impersonal —alejada de todo sentimentalismo y subjetivismo— buscaba la emancipación tanto de la idea de un yo individual como de los ripios de la palabra desgastada por el uso. Un doble ejercicio de purificación intelectual que exige, por un lado, el desasimiento o desapego de la idea de un creador y, por otro, una purga rigurosa, una limpieza profunda de la palabra, para vaciarla de todo sentimentalismo, de subjetividad, de adjetivación y de lugares comunes. La poesía de Alberto Girri es una alquimia del verbo. Su Ars Magna es un refinamiento de la expresión poética que consiste en desunir las impurezas superficiales que contenga la palabra, para desembarazarla de toda esa carga semántica emotiva y conceptual que la expresión sentimental y la valoración subjetiva han acumulado como consecuencia del uso cotidiano que se hace de ella. Un lastre que impide a la palabra liberar todas las posibilidades de ese sentido único, trascendente, primordial, de su primera significación.

El ascetismo de Girri no fue un desapego a la vida, sino un renunciamiento a todo lo que no necesitaba para vivir: «Vivía más que modestamente en un departamento interno, de dos ambientes, en la calle Viamonte y, en los últimos años, había reducido su biblioteca a tan solo trescientos volúmenes que eran los que, de verdad, le importaban y que sabía que volvería a abrir. Todos los demás fueron regalados, donados, desechados. En ese sentido era como un lama en su celda monacal, desprendiéndose día a día de todo aquello que ya le parecía superfluo» (p. 12).

No renunció al disfrute de los placeres sencillos de la vida cotidiana como leer, escribir, o tomar sol sentado en un banco de la Plaza San Martín. No era un recluso. Desarrolló una intensa vida social en bares próximos a su casa, como «La Barra» de Córdoba y San Martín, donde solía reunirse a menudo con amigos o citaba a periodistas que deseaban entrevistarlo. «Su perfeccionamiento se podía observar en las innumerables correcciones que hacía a sus textos y ni siquiera cuando estaban impresos los dejaba de rever», señala Alina Diaconú (p. 13).

La brevedad del libro, no impide a Diaconú reseñar con magistral síntesis en su presentación todos aquellos temas que eran motivo de la reflexión poética de Girri. Al contrario, refleja con nitidez la unidad y la variedad de la vasta y compleja obra de Girri. Para ayudar al lector a acercarse a la obra del poeta, Diaconú ha seleccionado sus poemas por orden cronológico. De este modo, la antología, además de proponer un recorrido por su trayectoria poética y por la experiencia del yo poético que habla en sus poemas, Diaconú ha hecho una selección rigurosa de sus poemas más relevantes como «Gato gris muerto», «La sombra», «Cuando la idea del yo se aleja», «La poesía como una manera de organizar la realidad, no de representarla», «El poema como idea de la poesía», etc. Completa la antología «Materia Gris», un poema de Alina Diaconú dedicado «a Girri enfermo», una cronología biobibliográfica muy completa y una selección de juicios críticos sobre su obra. En suma, se trata de un libro altamente recomendable para todos aquellos que comienzan a adentrarse en ese vasto universo poético de Alberto Girri, pues ofrece una inmejorable oportunidad de iniciarse en su conocimiento.

Luis Alberto Vittor

ALINA DIACONÚ, nació en Bucarest, Rumania, en 1945. Vive en Buenos Aires desde 1959, siendo ciudadana argentina y residió un tiempo en París. Es colaboradora de varios diarios y revistas y actualmente escribe en la Página de Opinión del diario La Nación y es columnista del diario Perfil”y del diario La Gaceta de Tucumán. Algunos de sus libros fueron traducidos al inglés, al francés y al rumano. Recibió la beca Fulbright, la Faja de Honor de la SADE, el Meridiano de Plata y otros premios y distinciones. Es autora de nueve novelas, entre ellas: La Señora (1975), Buenas noches profesor (1978), Enamorada del muro (1981), Cama de Ángeles (1983), Los ojos azules (1986), El penúltimo viaje (1989), Los devorados (1992), Una mujer secreta (2002), Avatar (2009). Publicó: Calidoscopio, un libro de cuentos, otro de notas y reflexiones, el libro Preguntas con Respuestas (reportajes a Borges, Cioran, Ionesco, Girri y Sarduy); en 2005, Intimidades del Ser (Poesía) y en el 2007, Poemas del Silencio. Sus libro más recientes son Ensayo General (Reflexiones sobre la Literatura, Borges, los Mitos, los Maestros, las Pioneras, el Más allá) editado en 2010 por la Fundación Internacional Jorge Luis Borges y Buda (2014); sus libros de poesía Albatros (2015), Rosas del Desierto (2019); el de aforismos Relámpagos (2016) y la antología Alberto Girri. El asceta de la poesía (2019). En rumano publicó Dragă Cioran: cronica unei prietenii (2019)

Newsletter Nº 35

2018-08-01T13:12:00.002-03:00

Seres invisibles en la gran ciudad

«La mujer invisible», Irma Verolín, Moglia Ediciones, Corrientes 2018.

No sería aventurado afirmar que novela y ciudad han tenido un nacimiento prácticamente común y un desarrollo paralelo, así como la pequeña aldea fue creciendo para dar lugar a un conglomerado mayor, el relato breve de transmisión oral que podía ser acopiado en la memoria logró extenderse, gracias a la invención de la imprenta, para configurar un género más extendido. “La mujer invisible” es una novela sobre la ciudad de Buenos Aires, una ciudad omnívora, llena de luces y atributos, con un alto protagonismo pero con pocos habitantes, al punto que se la percibe como a un personaje autónomo, muy enfático, casi atravesado por la mirada del horror vacui, un lugar desbordado, que encandila. La voz narradora —reflexiva, especulativa— afirma en la novela: «las ciudades se crearon para señalarse a sí mismas», otorgándole de esta forma voluntad propia, como si se tratara de un ser vivo. A la carnadura y omnipresencia del espacio saturado, con rasgos de fuerte monumentalismo, los personajes —la narradora, su amigo Carlos, la vecina entrometida, la amiga que escribe las cartas: Alicia— se van desvaneciendo a medida que la trama se arma en función del enigma de la escritura de esas cartas recibidas por la narradora sin estampilla ni matasello. Novela de configuración de espacios en la que el primer espacio es el verano, un sitio con leyes propias, seguido por la ciudad, el hospital, la clínica, la piecita que aparece al final y luego ese gran río con su presencia que es también una ausencia, ante los cuales los protagonistas resultan empalidecidos.

La historia ocurre en 1999, durante el último verano del milenio cuando los celulares eran escasos y la explosión de Internet aún no se había producido con el impacto que luego produjo en la vida cotidiana, cuando los teléfonos fijos solían estar sin funcionar durante mucho tiempo, como le ocurre a la narradora que relata en primera persona.

La invisibilidad no es solo una característica que define a quien escribe esas cartas sino que parece ser extensiva a cada uno de los personajes que se van deslavando en medio del clima soporífero y anodino del verano en una ciudad vaciada de gente, es ante todo una suerte de marca de agua que vuelve difuso el perfil de Carlos quien, al sufrir una enfermedad, pierde lentamente las características distintivas de su personalidad, de la misma manera en que la narradora siente que su propia vida se licúa. La invisibilidad de Alicia está agravada por circunstancias personales y no únicamente por su desaparición en un viaje absurdo ante los ojos de la narradora. De un modo notable Verolín convierte al género cuyo eje es tradicionalmente el personaje en un espacio en el que se produce la disolución del mismo. Con algo de fantasmales estos personajes dan la impresión de estar impregnados de una visión existencialista. Por otra parte cada uno de ellos se torna más y más difuso frente a la ampulosidad de la ciudad.

Con una prosa trabajada que incluye párrafos del diario íntimo, de literatura epistolar en modo referido y un discurso que por momentos roza el lirismo, lo real y lo imaginado se ponen en escena mediante el detalle de sutiles percepciones y la creación de atmósferas. “La mujer invisible” introduce al lector en una historia en la que la intriga va profundizándose en torno a un misterio que moviliza la acción hacia un desenlace inesperado.

María Tolosa

La Mujer Invisible

[Fragmento]

Revolviendo entre objetos guardados y papeles viejos encontré otras fotos en las que aparecían rostros de los que no tenía la menor idea de quiénes eran. Colegas, gente del trabajo, ocasionales compañeros de excursiones o viajes cortos, vaya una a saber. También encontré agendas de años anteriores donde nombres ignorados, números de teléfono y direcciones desconocidas me estrujaron el cerebro. ¿Tan fácil resultaba olvidar? Vidas enteras se habían cruzado con la mía sin dejar huella. ¿La mía entonces había pasado al ras sobre la línea de otras vidas con la misma intrascendencia? Mi abuelo, mucho después de haber abandonado su pueblito fronterizo con la vaca y la nieve en Italia, mucho después incluso de haber sumado su grano de arena de inmigrante trabajador para que las ciudades continuaran creciendo, hubiera dicho que cosas como éstas sólo ocurren en las grandes ciudades. Pensé que mi abuelo y yo y todos nosotros le habíamos dado de comer a la ciudad como si alimentáramos un monstruo que, no bien hubiese crecido lo suficiente, iba a devorarnos con la sencilla estratagema de hacernos desaparecer. Ahora, sin embargo, todos se habían ido, el verano los había echado fuera del cuadrilátero, la ciudad se había transformado en una construcción descomunal que, por más que aumentara mi altura trepándome a una bicicleta, me empequeñecía y me empequeñecía sin cesar.

Pero en la ciudad siempre había habido gente por todas partes. Dónde estaba esa gente ahora. Sin duda se habían ido los habitantes acaudalados a las playas o al otro lado del mar, ¿y al irse habían arrastrado a un contingente de hambrientos y zaparrastrosos? Miraba y miraba y la gente sólo surgía en mi memoria, diluyéndose en una lejanía que se mezclaba con las películas de Hollywood o los documentales de la televisión. Tomé la bicicleta, me alejé de mi barrio. A medida que pedaleaba tuve la sensación de ir zambulléndome en un tiempo que se desmoronaba hacia atrás. En un espacio ubicado entre la ciudad y mi memoria comenzó a presentarse la gente, la misma gente que ha estado respirando siempre allí, a un paso, delante de los ojos de cualquiera. Gente sola que camina por la calle meneando las manos al viento, gente que vende cosas, innumerable variedad de cosas que se guardan en las alacenas de la cocina o en cajones profundos que jamás se abren, gente que grita, gente que pide que la escuchen, gente que busca con los ojos lo que tal vez no exista en ninguna parte, gente que quiere que pensemos en Dios o en el SIDA, gente que alza sus brazos en un colectivo o en una esquina para mostrar las recetas de los medicamentos que no puede comprar, gente que empuja a sus hijos hacia el filo de las alcantarillas, gente que trabaja, gente que reza en la entrada de los bancos, gente con hongos en los pies y cayos en el alma, gente que tiene hambre, gente borracha o drogada que duerme bajo los puentes o en un banco de plaza, gente que camina, que piensa en voz alta, gente que espera que otra gente le mejore la vida, gente sentada delante de sus casas en una sillita baja, gente desvanecida por dentro y acicalada por fuera, gente que anda en coche, gente que mira y mira, gente que aprieta ansiosa los botones de su teléfono celular, gente que corre en zapatillas blancas entre la marejada de coches y el cordón de la vereda, gente que llora, gente que grita, gente que pasa desapercibida, gente que viaja en subte, gente que habla sola en mitad de la calle, gente que se enamora, gente que compra billetes de lotería, gente gorda cubierta de trapos negros, gente que rumorea valsecitos o silba tangos o chacareras o chamamés, gente que va de un lado a otro, gente que cree que mañana llegará el Armagedón, gente que va al supermercado con una bolsa de nylon, gente que se suicida, un tráfico de gente sobre el deslizante panorama de la ciudad que recuerdo, que imagino, que transito mientras hago equilibrio pedaleando para que giren las ruedas de mi bicicleta.

IRMA VEROLÍN nació en Buenos Aires y es autora de novelas, cuentos, poesías, ensayos y literatura infantil. Obtuvo las siguientes distinciones: Premio Nacional del Fondo Nacional de las Artes 1987, Premio Emecé 1993-1994, Primer Premio Municipal de la Ciudad de Buenos Aires, Primer Premio Internacional Horacio Silvestre Quiroga, Primer Premio Internacional de Puerto Rico, Primer Premio Internacional de Novela Mercosur y el Primer Premio de la Fundación Victoria Ocampo. Fue traducida al inglés, alemán, ruso, portugués e italiano.

Newsletter Nº 34

2018-08-01T13:01:00.000-03:00

YO ES OTRAS

Acerca de “Árbol de mis ancestros”. Textos de Irma Verolín y fotografías de Paola Leiva (Santa Fe: Palabrava, 2018).

En uno de sus poemas claves, Alejandra Pizarnik ha dicho: “la lengua es un órgano de conocimiento/ del fracaso de todo poema”. Afirmación que el epígrafe de Liliana Lukin, colocado por Irma Verolín en el umbral de su poemario, parece refrendar: “La poesía, que no salva de nada,/ vendrá por nosotros.” Y remata: “Yo nazco cada vez que/ me tiran a un pozo sin edad.” ¿Qué versión nos propone “Árbol de mis ancestros” de este renacer en caída libre sin años cumplidos? Y su lengua, ¿se ofrece aquí, en todo caso, como órgano de conocimiento de qué?

El libro consta de cinco secciones, cinco ciclos autónomos y al mismo tiempo interdependientes: “1. Las niñas crecen, se reproducen y se transforman en lo inesperado”; “2. Las abuelas son estampidas de esa memoria que se desplaza y se retuerce sobre un espacio liso, blanco y espectral”; “3. Los hombres cuidan su sombra como a un animal que después de cazado los alimentará”; “4. Alabanzas a la soledad”; y “5. La palabra yo es ancha y cristalina”. Cada sección se comporta como un rompecabezas de imagen difusa y proteica: la primera, de una identidad buscada en el nacimiento, el nombre, la niñez; la segunda, de las abuelas y sus atributos (la máquina de coser, el delantal); la tercera, del padre, el abuelo, el hermano, el hijo del hermano; la cuarta, la ausencia como pérdida, pero también como forma de presencia; la quinta, la afirmación de un yo irreparable: “soy –ya no hay remedio– esa mujer”. Todos, poemas escritos “bajo la sombra de un árbol/ que no tenía tronco/ que no tenía ramas”, desplegando entre el “mi” y el “yo” un territorio íntimo, donde el espacio y el tiempo son espejismos que se superponen, se entrelazan, se nombran y se desdicen; territorio de perplejidades en el que es imposible hacer pie, y en el que yo es otra, pero sobre todo, otras: la madre, las abuelas, la hermana, la tía, la prima; y además, la niña, la joven, y sí misma (“esa mujer / que siempre huye de la escena”, porque “no había nada en mí indicando/ que yo fuera a seguir/ el orden natural de las cosas”), todas conviviendo “dentro de la palabra yo”. En este aspecto, las imágenes aportadas por Paola Leiva –alternando armónicamente la toma directa y el fotomontaje– enriquecen y potencian la mise-en-scène de este palimpsesto de yoes.

Respecto a nuestras preguntas iniciales, podemos arriesgar que ese sentirse arrojado al mundo sin edad, representaría la constante reescritura del pasado, del presente y del futuro (Olga Orozco dijo alguna vez: “No soy por lo que fui, sino que soy y fui por lo que seré”). En esta búsqueda, la lengua –que a pesar de asumir el fracaso a priori se obstina en su intento– se nos ofrece como un órgano de autoconocimiento (siempre inconcluso, siempre transformador).

Diego E. Suárez

Santo Tomé, 30 de junio de 2018

Una muestra de la poesía de Irma Verolín puede verse Aquí

IRMA VEROLÍN, nació en Buenos Aires y es autora de novelas, cuentos, poesías, ensayos y literatura infantil. Obtuvo las siguientes distinciones: Premio Nacional del Fondo Nacional de las Artes 1987, Premio Emecé 1993-1994, Primer Premio Municipal de la Ciudad de Buenos Aires, Primer Premio Internacional Horacio Silvestre Quiroga, Primer Premio Internacional de Puerto Rico, Primer Premio Internacional de Novela Mercosur y el Primer Premio de la Fundación Victoria Ocampo. Fue traducida al inglés, alemán, ruso, portugués e italiano.

Newsletter Nº 33

2016-11-27T19:10:00.002-03:00

Liliana Díaz Mindurry

llenará de literatura a España

En 2017 la escritora argentina

realizará una gira de seis meses

El año 2016 ha sido el de la incursión de la autora en suelo español. De la mano de Huso Editorial, primero presentó la novela “Pequeña música-nocturna” en el mes de abril, luego, por estos días, sale el ensayo “La maldición de la literatura”. La versatilidad de la también poeta y abogada ha llevado a que críticos españoles se planteen la posibilidad de que estemos ante una Virginia Woolf de las letras en castellano. El próximo año Díaz Mindurry se instalará en Madrid para seguir una ruta por las más diversas ciudades y pueblos de la geografía española.

(Nota de prensa. Madrid). La literatura argentina goza de buena salud en España, sin embargo, normalmente los medios hablan de narradores y poetas hombres. Pero, al parecer, ha llegado la hora de que se haga presente un gran nombre: Liliana Díaz Mindurry. En 1998, cuando la autora obtuvo en Argentina el Premio Planeta por “Pequeña música-nocturna”, quizá no imaginó que dieciocho años más tarde el llamado de los lectores españoles le haría radicarse en ese país durante seis meses. Y tanto es así, que a causa del éxito de ese libro premiado, el primero publicado en España por Huso Editorial, el mismo sello lanza en noviembre de este año el ensayo “La maldición de la literatura”, todo un airoso enfrentamiento de la escritora con la palabra y sus muchas lecturas. Enfrentamiento en la necesidad de adentrarse, entre el conflicto y el placer, con aquello que necesita: la literatura. Con esta obra Díaz Mindurry se suma al grupo de importantes autoras que han escrito sobre literatura, como Patricia Highsmit, Virginia Woolf, Edith Wharton, Marguerite Duras o la contemporanea Chantal Maillard.

En este año el recibimiento de los lectores y de la crítica a la obra de Liliana Díaz Mindurry, ha llevado a la autora y a la editorial a planificar uno de los recorridos más interesantes que se recuerden en esta época de inmovilismo. Lo que se podría considerar la odisea de Díaz Mindurry comenzará en febrero de 2017 y se extenderá al mes de mayo para presentarse en las más diversas ciudades y pueblos del estado español. La gira comprende librerías, ateneos, bibliotecas y clubes de lectura. La escritora, amante de la palabra escrita y oral, partirá de Argentina con una baúl lleno de entusiasmo e ideas. El plan de Mayda Bustamante, la editora de Huso es ambicioso, pocas veces se organiza algo semejante con un escritor (a). Al estilo de los grandes rockeros que se lanzaban a la carretera, Díaz Mindurry viajará de punto a punto para hablar de sus libros y de la pasión lectora que le mueve a creer en el verbo como vínculo y espacio.

El ensayo “La maldición de la literatura”, articulado con un cuidadoso orden y división de temas, refleja, por lo tanto, praxis y resultado: un tratado sobresaliente sobre el Mal-Decir –el significado de lo mudo o disimulado en el lenguaje– así como un compromiso solidario con el otro, a quien hace partícipe de sus hallazgos. La autora conjura para ello a escritores y pensadores quienes de una forma u otra han incorporado en su escritura el sufrimiento, el miedo, el horror, los tormentos de la duda en un léxico, inquietante, casi siempre subrepticio. Por la multiplicidad de nombres y puntos de vista que discute (Aristóteles, Nietzsche, Heidegger, Ortega y Gasset, Lacan, Bloom, Freud, San Pablo, Jesucristo, Deleuze, Felisberto Hernández, Borges, Cortázar, García Lorca, Lewis Carroll, Camus, Kafka, Husserl, Beckett, Godot, Blake Novalis, Onetti, Celan, Pizarnik, Rilke, Pessoa, Kant, Joyce, Faulkner, San Juan de la Cruz, Paz, Baudelaire, Hölderlin, Breton, Dostoievsky, Sartre, entre otros), se hace perceptible lo mucho que Díaz Mindurry ha pensado sobre su investigación, las congojas de los distintos autores que ha relacionado, el peso de la tribulación que ha tenido que sobrellevar para simbolizar este, su “libro sagrado” del Mal-Decir literario. El acercamiento al misterio humano ha sido tratado profusamente pero de forma parcial. Díaz Mindurry propone unificar tales nociones y logra una originalísima recopilación del reverso de la palabra literaria de múltiples escritores. Esto es, el lenguaje del silencio inexorable, de los temores, de la nada. Al recrear tales postulados, la praxis de los escritores del Mal-Decir y de la revisionista del Mal-Decir –Díaz Mindurry– cumplen su cometido. La compilación de la autora universaliza los discursos puesto que no va dirigida a un sector de la élite literaria sino a todo lector que encuentre en sí mismo repercusiones de lo leído: “El lector hace la catarsis. El lector ve todo ese exacerbado Mal-Decir y empieza a sentirse bendecido por la belleza nacida del sufrimiento. Ve su propio sufrimiento, puesto en palabras por otro. Entra en un desesperado solipsismo, pero también sale de él. Ve que las palabras valen por su tiniebla […]”. La maldición de la literatura por lo mismo se constituye en un ambiente insólito, apasionante, conmovedor. En este ensayo, Liliana Díaz Mindurry, conocida narradora y poeta argentina, juega con la palabra Mal-Decir que implica el uso literario consciente de aquellas complejidades y maldiciones del habla: paradoja, ambigüedad, multivocidad, malentendido, transmutadas por la literatura en estética y una manera de revelar el mundo, mostrando el caos (“abertura” desde su etimología) de la trama textual del universo, formando un nuevo orden que produce un nuevo caos, de un modo infinito. Escritura literaria entonces, como oscuridad protectora de una luz distinta a la que estamos habituados.

LILIANA DÍAZ MINDURRY, nació en Buenos Aires. En 1990 obtuvo el Primer Premio Municipal de Buenos Aires por su libro de cuentos La estancia del sur y el Primer Premio Municipal de Córdoba por el mismo título; el Primer Premio Fondo Nacional de las Artes 1993 por la novela Lo extraño; Premio Centro Cultural de México en cuento 1993 y Premio El Espectador de Bogotá en cuento 1994, ambos en el concurso Juan Rulfo de París; Primer Premio Jiménez Campaña de Granada; Premio Planeta Biblioteca del Sur 1998, por la novela Pequeña música-nocturna (traducida al alemán por VGS Köln, 2000), entre otros. Tiene veintitrés libros publicados, entre ellos las novelas La resurrección de Zagreus, A cierta hora, Lo indecible, Lo extraño, Summertime, Hace miedo aquí, El que lee mis palabras está inventándolas, Perro ladrando a la luna, Cita en la Espesura y los libros de ensayo La voz múltiple y La maldición de la literatura. De su obra destacan también libros de cuentos como Buenos Aires ciudad de la magia y de la muerte, En el fin de las palabras, Retratos de infelices, Último tango en Malos Ayres y el galardonado, La estancia del Sur. En poesía ha publicado Sinfonía en llamas, Paraíso en tinieblas, Wonderland, Resplandor final y Cazadores en la nieve (traducido recientemente por Reflet de Lettres Éditions, París, 2016). Su cuento Onetti a las seis fue llevado a la escena teatral por Hernán Bustos junto con Un sueño realizado del propio Juan Carlos Onetti. Es autora del epílogo a sus Obras Completas (Galaxia Gutenberg, Barcelona, 2005) y ha escrito numerosos ensayos sobre su obra. En 2016, su novela Pequeña Música-Nocturna inaugura Huso Editorial en España. Dirige talleres literarios desde 1984.

Newsletter Nº 32

2016-11-27T18:49:00.000-03:00

El escritor José Acevedo lanza su nueva obra

49 metamorfosis en un libro

El autor sevillano publica “Metamorfosis y otros relatos. 49 + 1 sombras”, la nueva apuesta que hace Ediciones Carena por la literatura de unos de los principales ficcionistas del momento. En las páginas de este libro se pasean muchas formas de metamorfosis. El erotismo o la rutina se convierten en tentaciones o estados circunstanciales de personajes que el autor, como si fuera un mago del azar, ha convocado al cambio.

Nota de prensa. La palabra metamorfosis a simple vista podría resultar lejana, metafórica, ajena. Pero, ¿qué ocurre cuando esta palabra se asoma en nuestra rutina? Los cambios, sin duda, mueven el suelo de quien los protagoniza. Algo de esto les pasará a los personajes que nos presenta José Acevedo (Sevilla, 1965) en su nuevo libro “Metamorfosis y otros relatos. 49 + 1 sombras”.

Si “La matamorfosis” de Franz Kafka narraba un cambio fantástico, en la obra de José Acevedo la transformación de los personajes, si bien no deja de ser sorprendente, como la vida misma, tiene que ver con situaciones definidas como “normales” por la mayoría. Y es ahí cuando la obra cobra mayor dimensión, el escritor ha logrado que el lector se sienta parte de la metamorfosis de las historias. Como si fuera una trampa, el lector asiste a giros en las conductas de mujeres y hombres con realidades planas. Para José Acevedo, trabajador social que observa y escribe, la palabra metamorfosis contiene un fondo necesario que nos invita a la transformación, al cambio individual y colectivo, al respecto afirma que “ la verdadera Metamorfosis debería estar orientada a darles herramientas a las personas para que sean ellas los verdaderos artífices de su futuro”.

La nueva obra de José Acevedo tiene varias particularidades dentro del universo kafkiano. No sólo es que el autor se confiese admirador de Franz Kafka hasta el extremo de haber visitado recientemente cuatro veces Praga, la ciudad del creador de La metamorfosis, sino que la propia génesis del libro cuenta con componentes de ese absurdo que alimenta esta clase de literatura. El subtítulo de la obra, “49 + 1 sombras”, nace del comentario de un amigo del escritor que le dijo, ante la salida de su primer libro, que “estamos ante las 50 sombras de José”. Esta afirmación le dio la idea a Acevedo para ponerle un subtitulo a cuarenta y nueve relatos que le alborotaban la cabeza, a modo de puzzle literario, como si de pequeñas novelas se tratara. El libro presenta cuentos oscuros acompañados de ilustraciones, puertas que se le abren al lector para vivir distintas transformaciones. Quien comience a leer el libro no necesariamente será el mismo cuando lo termine. Según afirma el autor “la sombra cincuenta es la suya, que teje un hilo entre las sombras sociales, las de las personas que sufren, y las interiores, las que se esconden en nuestras inquietudes”. El autor de las ilustraciones es Gonzalo Seis.

Los primeros trabajos de José Acevedo fueron como director y editor de la revista musical independiente Visiones atormentadas; en el año 2000 publica algunos poemas sueltos y su relato “Flor de otoño” en el libro de relatos compartidos Instantes mágicos (Editorial Padilla, de Sevilla). También ha compuesto letras de canciones para el grupo Besos Robados, tales como Flor de otoño (adaptación de su relato); Besos robados (adaptación de la película de François Truffaut) y 24 horas juntos, entre otras. El polifacético creador ha realizado traducciones de novelas de autores franceses no editados en España. En 2013 Ediciones Carena publica su libro Relatos para la tortura de un abandonado doméstico, once formas de narrar el abandono, escritos para abandonar sistemas, para desenfocar luces, para deshacer comportamientos e, incluso, para aclarar éticas. En el 2015 la misma editorial publica Carlos y alguien más. En la actualidad el escritor sevillano se encuentra afincado en Jerez de la Frontera.

Newsletter Nº 31

2016-09-15T21:06:00.003-03:00

Presentación del libro

Cita en la Espesura

de Liliana Díaz Mindurry

Novela de Baltasara Editora

Ganadora de la Convocatoria Editorial 2016

en el Café Monserrat,

San José 524,

CABA

Martes 4 de octubre

a las 19hs.

Presentación y entrevista

de Gabriel Guralnik

Intervenciones especiales

de Soledad San Emeterio, Candelaria Frias

y Eugenio Polisky

Fragmento del primer capítulo de la novela Cita en la espesura de Liliana Díaz Mindurry:

«Porque ya son las tres menos cinco. Y porque también es el cielo embrutecedor del verano. Acalorada sí, porque venís de bien lejos, has tomado una lancha ronroneante desde una de las islas, y luego el aburrido tren hasta Retiro, más la combinación de subterráneos, el C y el A. Viaje que repetiste tantas veces este último año. Y es que, incluso antes de llegar a la casa geométrica, como la llamás, habías pasado previamente por la iglesia de Santa Nosecuánto, lo habías hecho deliberadamente, y de allí habías visto salir a un personaje negro de ésos que no soportás y habías tenido que desviar la cara por la repulsión. Había (incluso desde la calle, te pareció) un olor a viejo, a fiebre, a pantano invisible creciendo en su biblioteca. Uno de esos lugares donde hay luz eléctrica hasta en el mediodía. Pensaste en lujos fúnebres o en esas ciudades crepusculares, ciudades de repente surgidas en las islas del Tigre de tus sueños, cuando la realidad se te ablanda: tuviste que caminar rápido y mirar el suelo. Dos cuadras a la derecha y una a la izquierda hasta llegar: es una calle sola como un patio cualquiera en el sueño de la siesta, plátanos, casas bajas en el oeste de Buenos Aires, domingo, un auto adormecido sin nadie, ningún negocio, sólo vos dando vueltas sin decidirte, mirando detenidamente una de las casas de esa calle, la que tiene ventanas que muestran vitrales dorados y geométricos donde se ve apenas un zaguán gris, pero penumbroso y fresco. Sin atreverte a nada. Al lado de la casa te sobrecoge un baldío lleno de latas y desperdicios y preferís no mirarlo. La casa parece un sistema organizado frente a la maraña del caos. Como si ese baldío contuviera una posible aberración animal junto a una precisa geometría de la superioridad humana. No podés dejar de hacer siempre esas comparaciones: inventás que todas las cosas son símbolos, metáforas de otra cosa. Se lo comentaste a Raquel, tu madre y se rió. Dijo: “pero qué estupideces se te ocurren».

«Te molesta eso: tus pensamientos. Necesitarías ser simple, lineal. Dejar falsas profundidades, malezas, junglas y como te decía todo el mundo: “al grano, Pilar”. Buscar el camino recto, sencillo, pragmático. Pero una vez se entra en determinados espacios, no hay regreso...».

En el prólogo de la novela Cita en la espesura de Liliana Díaz Mindurry, escribe Gabriel Guralnik:

«Hay un cuadro que representa el mismo salón donde está colgado, en forma exacta, con todos sus detalles. Refleja todo, menos la imagen de quien está sentado en el centro del salón y se busca, inútilmente, en el cuadro. Como el mapa de un tesoro donde todo pareciera estar señalado, menos el tesoro. Ese extrañamiento es, en sí mismo, el primer indicio del tesoro.

Pilar llega a la casa de Silvio y no parece estar buscando un tesoro. A menos que el límite entre lo geométrico y lo amorfo, el agua clara y el barro, la cordura y la locura, sea un tesoro. Marcos, el ausente, está todo el tiempo con ellos. El juego de triángulos se reproduce en cada pasaje del relato, como si el relato mismo dibujara los ángulos. Los colores –rojo, negro, dorado- los libros que son colores –Agustín, Platón, Kierkegaard- el infinito que son libros que son colores –biblioteca, acuario, barro- dibujan también un cuadro, donde quien se escurre del dibujo no es ya Pilar, sino el deseo mismo.

Las imágenes triangulares se entrelazan unas en otras, unas con otras, a través de un plano donde el bien y el mal también se entrelazan. La segunda persona del singular interpela al protagonista, pero también al lector. El contrapunto del diálogo, cuando aparece en segunda persona, golpea al lector, aunque vaya dirigido al protagonista. El ritmo del relato, vibrante, con cambios de velocidad precisos, obliga a no despegar los ojos del texto hasta el final.

Y es que el misterio atraviesa la novela hasta el último párrafo. ¿Quiénes son Pilar, Silvio y Marcos? ¿Quién disparó los tres tiros? ¿Quién arrastró a quién hacia el homicidio? En la intriga los personajes van formando un dibujo donde lo triangular se vuelve una ordalía de vértices opuestos. La violencia es la paz, la geometría es el caos, el grito es el vacío. La familia de Pilar también parece estar allí, con ella y Silvio, dando cuenta de una historia, de una trama que no pertenece a quien la vive. La defensa inútil del boxeador vencido, el saber vacío de la bióloga autoritaria, la espesura como última barrera de protección frente al miedo, frente a lo indecible.

Pero también como parte de lo indecible. Porque la espesura es el abismo indistinto del que nacen las palabras. Es el agua y son las palabras y es el silencio y es el barro. Es el juego de opuestos que se funden y es el espacio entre los lados del triángulo. En esa realidad que se ablanda, que se contamina de palabras, Pilar busca un recuerdo acaso fundamental, que por alguna razón olvidó. Y lo busca con Silvio, o a pesar de Silvio, o contra Silvio. Las imágenes cambian su orden, y en cada permutación revelan algo nuevo. Marcos, el ausente, se insinúa como el operador de la permutación.

Hay narraciones que son como el mapa de un tesoro, donde cada detalle está señalando ese tesoro que se anuncia desde el inicio mismo de la historia. En otras, más sutiles, no hay flechas indicando burdamente dónde se encuentra lo que se busca. El plano muestra todo, menos el tesoro. Se genera entonces una búsqueda, un recorrido que obliga al lector a seguir, a crear con la lectura, y el tesoro aparece en los rincones menos pensados del plano. Porque el plano es el tesoro. Quien logra crear ese relato, es algo más que un escritor. Algo más, acaso, que un poeta. Muy pocos narradores, de tanto en tanto, lo consiguen. Liliana Díaz Mindurry lo consigue siempre».

LILIANA DÍAZ MINDURRY, Escritora, abogada, narradora, poeta y crítico argentina, nacida en Buenos Aires, Argentina, el 12 de junio de 1953. Obtuvo la licenciatura en derecho en la Universidad de Buenos Aires, donde había enseñado, entre 1973 y 1974, filosofía del derecho. Durante la dictadura militar, se vio obligada a huir a Francia; donde permaneció durante siete años, hasta la restauración de la democracia en la Argentina. Desde entonces, se ha dedicado exclusivamente a la escritura. Dirige el grupo literario Malosayres. Desde 1989, ha coordinado talleres literarios, en diversas instituciones; y, desde mediados de 1980 ha venido publicando constantemente, apoyada en una narrativa personal de fuerte tono poético. Se la ha traducido al alemán y griego. Y algunos de sus poemas han sido publicados en Medellín, Colombia, y en Salzburgo, Austria. PREMIOS: Faja de honor 1989 y 1992, de la Sociedad Argentina de Autores; Premio Juan Rulfo, en 1993 y 1994; Primer Premio Municipal de Buenos Aires, en 1991; Primer Premio, Embajada de Grecia, en 1990; Premio Fundación Antorchas, en 1991; Primer Premio, Fondo Nacional de las Artes, en 1994; Premio Planeta de novela, 1998; Premio Centro Cultural de México. OBRA PUBLICADA: Buenos Aires, ciudad de la magia y de la muerte 1985; La resurrección de Zagreus 1988; La estancia del sur 1990; Sinfonía en llamas 1990; Paraíso en tinieblas 1991; En el fin de las palabras 1992; A cierta hora 1993; Retratos de infelices 1993; Wonderland 1993; Lo extraño 1994; Último tango en Malos Ayres 1998; Lo indecible 1998; Pequeña música nocturna 1998; Summertime 2000; Hace Miedo Aquí 2005; Armar un Cuento, 2005; en colaboración con Laura Massolo; La maldición de la literatura, 2012; Cazadores en la nieve, 2014; El que lee mis palabras está inventándolas, 2014.

Newsletter Nº 30

2016-08-06T02:06:00.001-03:00

Relámpagos

de Alina Diaconú

Ficha Técnica

Editorial: Galactica

I.S.B.N : 9789873785160

Clasificación: Ficción y Literatura

Páginas: 98

Publicación:14/06/2016

Idioma:Español

Con una asistencia de casi 100 personas, el miércoles 03 de agosto, la escritora Alina Diaconú presentó su nuevo libro Relámpagos, Máximas y Mìnimas. Este es su primer libro de aforismos. Como refiere la autora, el aforismo no se desarrolló mucho en Argentina ni en la región, pero sí se lo cultivó en la tradición literaria europea, entre otros, por el escritor checo en lengua alemana, Franz Kafka, y el escritor y filósofo rumano en lengua francesa, Emil Cioran, de quien Alina Diaconú fue una amiga personal. Según su definición clásica, un «aforismo» es una sentencia breve, una proposición que busca expresar una idea filosófica o una frase literaria algo de forma concisa. El aforismo fue usado por primera vez Hipócrates como una serie de proposiciones relativas a los síntomas y al diagnóstico de enfermedades. El concepto fue aplicado después a la ciencia física y, posteriormente, generalizado a todo tipo de principios. La presentación fue en El Ateneo Grand Splendid, Av. Santa Fe 1860 2° Piso. Estuvieron en la mesa de presentación Marikena Monti, quien leyó una selección de aforismos tras la presentación, que estuvo a cargo del escritor y editor, Sebastian Dozo Moreno. Y entre los asistentes se encontraban importantes figuras de la literatura y el periodismo como la escritora Silvia Plager, además de personalidades del mundo diplomático como la Sra. Embajadora de Rumania, Carmen Podgorean, la Sra. Vice-Embajadora, Sena Latif y la Sra. Embajadora de Serbia.

ALINA DIACONÚ. Nació en Bucarest, Rumania. En 1959 se exilió con sus padres en Buenos Aires, donde tomó la ciudadanía argentina. Entre 1968 y 1970 vivió en París. Además de escribir ficción, fue columnista de la revista Cultura y colaboradora de los principales diarios del país (Clarín, La Nación, La Prensa, La Gaceta) Ha recibido numerosos premios, entre los cuales la beca Fullbright que la llevó a vivir en los Estados Unidos en 1985, y el premio 1994 de la American Romanian Academy of Arts And Sciences de U.S.A. Varios de sus libros han sido traducidos en el exterior y sus textos figuran en antologías argentinas y extranjeras. Algunas de sus obras fueron motivo de tesis doctorales en los EE.UU. En 1993 apareció un libro de crítica sobre su novelística, titulado Utopías, ojos azules y bocas suicidas: la narrativa de Alina Diaconú, compilado por Ester Gimbernat González y Cynthia Tompkins (U.S.A). Sus siete novelas anteriores son: La señora (1975), Buenas noches Profesor (1978), Enamorada del muro (1981), Cama de ángeles (1983), Los ojos azules (1986), El Penúltimo viaje (1989), Los Devorados (1992). ¿Qué nos pasa, Nicolás? fue su primer libro de cuentos publicado en 1995. En 1998 publicó: Preguntas con Respuestas (Entrevistas a Borges, Cioran, Girri, Ionesco y Sarduy) y Caleidoscopio (Notas acerca del amor, el poder, el tiempo y otros espejismos. En el año 2002 se editó su novela Una mujer secreta; en el 2005 Intimidades del Ser libro que reúne poemas y aforismos y Avatar, 2009.

Newsletter Nº 29

2016-07-13T01:48:00.001-03:00

Cartas de Argentina y otros ámbitos

Jorge Andrade

Los textos publicados en la revista española Cuadernos Hispanoamericanos llegan en una nueva edición de lectura y descarga gratuita.

Entre 1996 y 2006, Jorge Andrade comenzó una vida entre dos continentes, alternando períodos de residencia en España y otros en Argentina. Esto fue lo que atrajo a Blas Matamoro, director entonces de la revista Cuadernos Hispanoamericanos, que publica la Agencia Española de Cooperación Internacional, quien invitó a Andrade a escribir allí una columna que llevara como nombre, precisamente, «Cartas de Argentina».

La primera parte de este libro contiene los textos allí publicados entre 1997 y 2002 bajo el formato literario de carta abierta. En ellos, el autor se aproxima a la realidad argentina en un período de la historia nacional colmado de conflictos, turbulento y, consecuentemente, interesante.

La segunda parte de la obra, titulada «Otros ámbitos», reúne artículos de tema libre publicados también en Cuadernos Hispanoamericanos, mientras que la tercera, «Periferia», incluye cinco artículos relacionados con el retorno del expatriado a su tierra.

En palabras de Blas Matamoro, el libro se sintetiza como un «viaje a lomo de un animal desconocido que alterna momentos de siesta plácida con sacudidas estomagantes». Para Matamoro, la alternancia entre dos continentes le permitió a Andrade «estar muy pegado a lo circunstancial y, a la vez, poder tomar distancia, ser aborigen y forastero. No es fácil porque exige un movimiento continuo, pero es sugestivo y seductor porque resulta la única manera de observar el mundo como planeta y no como simple tira de viñetas desde una ventana».

Hoy, Andrade ofrece la posibilidad de leer y descargar de forma gratuita su título a través de este enlace: http://bit.ly/29uVSoy

Un libro perfecto para reflexionar sobre la historia reciente de nuestro país.

CONTACTO DE PRENSA

Kiako – Anich

Comunicación hecha con textura

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Facebook: Kiako-Anich

Newsletter Nº 28

2016-07-12T19:05:00.002-03:00

El Olvido de Bruno

Edgar Borges

Ficha Técnica

Editorial: EDICIONES CARENA

Lugar de Edición: España

Año de Edición: 2016

Nº de páginas: 114 págs.

Encuadernación: Tapa blanda

Lengua: CASTELLANO

ISBN: 9788416418848

Durante diez años de residencia en España, Edgar Borges ha escrito novelas como La contemplación; El hombre no mediático que leía a Peter Handke y La ciclista de las soluciones imaginarias, entre otras. Ahora el sello Ediciones Carena publica su nueva novela, El olvido de Bruno.

Edgar Borges piensa en la narrativa como una vía para desmontar la realidad. En su obra las crisis de los personajes tienen que ver con el control de la realidad. Las narraciones que otros nos cuentan y la que deseamos vivir; la realidad para la que nos educan. Esos son algunos de los motivos que sacuden la necesidad de escribir de nuestro autor invitado.

Reconocidos escritores y críticos han coincidido en que se trata de uno de los narradores latinoamericanos más importantes de las últimas generaciones. Sus historias se mueven, turbulentas, en espacios cerrados, como si con su ficción pretendiera implosionar cualquier realidad absoluta.

Ediciones Carena lanza en España la nueva obra del caraqueño. Sobre la misma el escritor madrileño Antonio Gómez Rufo asegura que estamos ante «la mejor narrativa de Edgar Borges», mientras que el filósofo vasco Vicente Huici considera que es «un libro en la estela de El Extranjero de Albert Camus, en el que se muestra un yo liberado de la memoria que resulta tan hermoso como terrible».

Para Bruno decir Bruno era recordar parte de su historia. Imaginar o recordar; el relato mental como última estrategia para esquivar la muerte. Bruno sufre una enfermedad que lo hace dudar de la realidad. ¿Alzheimer?; ¿esquizofrenia?; ¿hipocondría? Una voz le narra su vida. Una o quizá varias voces. En esta historia ningún hecho es absoluto.

Bruno era un viejo librero muy querido en el barrio. Sólo Eliana, su mujer, conocía su padecimiento. Eliana era una escritora que dejó de escribir para establecer “un vínculo narrativo” con personas urgidas de ayuda. Ella enseñó a Bruno a inventar relatos para llenar los vacíos de la mente. Contar, contarse; imaginación para salvar la memoria.

Un día la mujer desaparece; el hombre no recuerda si murió o le ha abandonado. Sólo sabe que ella padecía una enfermedad y que a gritos pedía la muerte; también recuerda que él en su imaginación tuvo que crear una niña para evadir los llamados de su mujer. La pequeña jugaba a la rayuela; otras veces le sangraba la nariz, un hombre la perseguía. Una niña corre peligro en un lugar de acceso imposible. Cierta noche la niña se esfuma y con ella Eliana.

Al poco tiempo una niña real desaparece; el suceso ocurre camino al colegio frente a la librería. Los vecinos señalan a Bruno como el principal sospechoso. Termina así la admiración colectiva por el librero. Los padres de la niña, Amanda y el sastre, lo acosan por separado para conseguir la verdad. El anciano se verá entre dos fuerzas, una madre maltratada que termina dudando de su culpa y un sastre que pretende esconder su violencia sentenciándolo a él.

Bruno se orienta y se hunde según las voces que lo narran. La de Eliana es la única voz que lo salva. Él sobrevive gracias a ella. Todo lo terrible y lo bello ocurre en una existencia. Un barrio; una plaza con cinco delincuentes retirados; un árbol antiguo; tres columpios destartalados; un amigo; una muchedumbre sedienta de venganza; el canto de Edith Piaf y la música de Richard Wagner; la luz; la lluvia; una bar abandonado; un colegio en silencio; tres niños que golpean hombres. Recuerdos, fotografías; fragmentos. La casa es el espacio extraviado que Bruno busca en la calle.

Edgar Borges ha escrito una magistral obra de pistas y de una sorprendente trampa, contada desde el delirio de un hombre enfermo y las voces que lo narran. ¿Qué voz? ¿Qué narrador? ¿Acaso una narradora? ¿Quién toma el relevo de la narración? ¿Quién te narra? ¿Quién me narra? ¿Quién nos narra, señor Bruno? Un sujeto que no se conoce a sí mismo se pregunta en silencio: ¿Para qué la música?; ¿para qué los paseos?; ¿para qué las historias? «El olvido de Bruno» es una novela sobre la memoria, la invención y el amor.

Nuestros lectores tienen la oportunidad de leer el capìtulo 5 de la última novela de Edgar Borges, titulado «La Niña del Salto», en el adelanto de libros que Analecta Literaria hace en sección principal, simplemente pinchando AQUÍ.

Sobre el Autor

EDGAR BORGES (Caracas, Venezuela, 1966) reside en España desde el 2007. Es autor de obras de ficción y de ensayos periodísticos que cuestionan la lógica de una realidad uniforme. Entre sus libros se cuentan ¿Quién mató a mi madre? (finalista del Premio Internacional de Novela Ciudad Ducal de Loeches, en el 2008); La contemplación (Premio Internacional de Novela Albert Camus, en el 2010); Crónicas de bar (2011); El hombre no mediático que leía a Peter Handke (beca de residencia La Rectoría, en el 2012); La ciclista de las soluciones imaginarias y Vínculos. Apuntes con Rubén Blades (2013). Parte de su obra ha sido traducida al inglés, el italiano y el portugués.

Newsletter Nº 27

2016-07-10T01:46:00.002-03:00

Falla en el instante puro

Carlos Barbarito

Ficha Técnica:

Editorial: Botella al mar

Lugar de Edición: Buenos Aires

Año de Edición: 2016)

Diseño: Laura Dubrovsky

Producción gráfica e impresión: Bauhaus gráfica, Buenos Aires.

Fotografías: Liliana Gelman y María de la Vega.

PRESENTACIÓN

Cierto amanecer con árboles, nidos y trinos. Un eclipse total de sol, raras sombras de hojas en el suelo. Una tormenta en pleno Mar del Norte, al fondo, entre los olas y la bruma, Rotterdam. Sucedidos, hace largo tiempo, los dos primeros en la infancia. Instantes puros, sí, pero para describirlos –esto lo percibió Virginia Woolf desde temprano- sólo contamos con las palabras para expresar esos raros instantes. Y las palabras –otra vez Virginia Woolf- significan poco para los amantes –que al creer en el amor viven en el mundo real- y nada ante el esfuerzo del caracol que se desliza bajo las nervaduras de una hoja. Contamos con las palabras. Los materiales que usamos para nuestro oficio son las palabras. Y la esperanza, amigos, es fracasar mejor. Un viejo amigo poeta me dijo alguna vez que los episodios más importantes de nuestra vida no pueden ser contados con palabras. ¿Entonces? ¿Cómo contar esos escasos momentos ante los cuales dependemos puro y exclusivamente de las palabras que tropiezan y caen ante el abrazo de los amantes y la criatura que se desliza gracias a su baba? Lo pensé tantas veces: debajo de la música, de la pintura, muy abajo, este oficio a tientas, cargado de temblores, que naufraga a menudo. Y también me pregunté: ¿tal vez haya una salida en el balbuceo, en el delirio, en lo descabellado? O, quizás, ¿en una nostalgia por un estado supuestamente perdido o una esperanza en un reino supuestamente futuro? Sí, estoy seguro que hubo momentos puros, unos cuantos, no muchos, en mi vida. Este libro trata de expresarlos con palabras que resultan, en el mejor de los casos, aproximaciones y, en el peor, espejismos. Y, también, de dar cuenta de aquello que –mientras el niño que fui oía con asombro el canto de los pájaros y miraba con más asombro todavía las formas surgidas de la luz del sol en eclipse- acecha, punza, aprieta, raja lo que debiera ser un fugaz pero punto cierto donde se concentran colores, juegos de luz, aleteos, revoloteos… Y todo, repito, con palabras a las que por más que exprima, someta a pruebas, engruese o afine, se quedan cortas, hacen lo que pueden, retroceden y se resignan.

Otros hablarán de mi poesía. Poco y nada puedo yo ante ella, pero sí desde siempre tengo una sensación al leerla: hay en ella una visible acechanza. Lezama Lima hablaría de Adonai que sale del árbol y cuando intenta regresar, el jabalí se interpone. Yo, más modesto, veo un ave que se propone llegar hasta el polen y algo –visible o invisible, cierto o imaginado- no lo permite. El ave no llega a destino pero tampoco queda fulminada y cae, persiste en su propósito. Mi poesía habla siempre de un intento que alcanzará concreción más adelante, en un futuro cercano o no, en un momento indeterminado. Hasta aquí llego. No avanzo porque no puedo hacerlo. O sí, tomo de Lezama Lima, una idea, que no profundizo por cuestión de propia miseria intelectual: cada poema como laberinto elaborado por la araña a la espera de visitación. Poemas que, en cantidad no grande, para no abusar del lector y su paciencia, conforman un libro que, como todo libro, conforma un poliedro. No de infinitas caras, de algunas varias caras. Cada cara, una interpretación. Ninguna de ellas la definitiva. El poliedro como sólido que se sospecha pero que jamás se presenta a la vista. Hay que conformarse con una sola cara, hablo tanto del lector como de mí. Es más, como autor tal vez debo conformarme con menos todavía. Una idea que en mí resulta de vieja data: el libro soñado, sólido ideal, de cristal y por ello transparente. El Libro perfecto. Este libro, finalmente, como todos, de madera, rústico, al que resulta imposible ver del otro lado. El libro, a medio camino, imperfecto. Lo poco que se consigue luego de tanto esfuerzo, de tantas destilaciones, de tantas vigilias.

A menudo me pregunto cuáles son mis raíces. Pienso –salvando enormes distancias entre su caso y el mío- en Poe. Por una pluralidad de razones el querido Edgar Allen Poe se mantuvo aislado, en un lugar de inmensa soledad- de la corriente literaria de su tiempo sin ser arrastrado por ella ni él hacer el menor intento por sumergirse. Hablo de un tiempo –en el que vivió Poe- sometido a la más estricta moral puritana en el que no podía tener cabida su literatura ni su personalidad. Fue del otro lado del Atlántico, en uno de los hechos más extraordinarios de la historia de la literatura, gracias a un país, Francia, y a alguien llamado Charles Baudelaire. Si bien nací aquí, en Pergamino, y vivo desde hace años fuera de la ciudad, tengo la sensación de ser una rara criatura que carece de madriguera, que no puede decir este es mi lugar, mi lugar en el mundo. Viajé más en sueños que en la realidad –como prometió y cumplió mi padre literario, Julio Verne-, aunque viajé un poco –claro-, y tal vez mi lugar sea precisamente ese continuo, interminable viaje y no tal o cual lugar, aunque en uno de esos lugares yo haya nacido. Tal vez, como sostiene Rilke, mi patria haya sido la infancia, que perdí. Y, como sucede con tantos artistas y escritores, me haya pasado hasta hoy en busca de lo perdido. Y mi busca fue, es, auguro que será, la poesía. Traigo ahora el nombre de Max Ernst. En el mismo día del nacimiento de su hermana Loni, muere su papagayo rojo. Una circunstancia, que en otro espíritu, hubiese pasado desapercibido o hubiese sido recordado un tiempo y luego olvidado, en Max Ernst se transformó en un libro que relata una inmensa batalla, de características cósmicas, entre hombres y pájaros. Y, como si fuese poco, inventa un personaje, Loplop, de la que dice:… se trata de una criatura alada que se sitúa, como la fantasía, por encima del orden terrestre, permaneciendo puro a pesar de la corrupción moral y física de las almas y los cuerpos. Al principio de mi lectura les hablé precisamente de pájaros, y también de un eclipse. Y, tal la palabra que aparece en el título de mi libro, de pureza –que aparece en Ernst. Tal vez, como en el caso del ave, el final de esa pureza sea la muerte, el descubrimiento de la muerte, ante la cual nos hemos inventando ritos, ceremonias, conjuros, fármacos… y poemas. No recuerdo el momento exacto en que supe de la muerte. Estaba seguro, sí, que las mujeres no morían. Al revés de Poe –para quien las mujeres son siempre etéreas porque están enfermas y están destinadas a morir pronto-, yo creía –lo creí mucho tiempo- que las mujeres estaban exentas de muerte. Luego, ante la evidencia, me negué a ver a mi bisabuela muerta, un día de agosto –justo agosto, mi estación favorita, en mi mente la de los cielos más limpios, otra vez: más puros-. Cuando comencé a escribir poemas mi negación se transformó en rituales más o menos complejos de resurrección o existencias más allá de lo terrenal que mi lado racional pugna por combatir, opuestos que duran todavía. Y durarán. Porque somos más de uno. Como dice la cita que encabeza el libro conjunto con Victor Chab, “Materia desnuda” y que encontré en Sobre Nietszche. Voluntad de suerte, V., de Georges Bataille: Finalmente tengo más de un rostro. Trato de responder a mi inquietud acerca de mi situación en cuanto a mi oficio de escritor, repitiendo algo de José Agustín Goytisolo en un prólogo suyo a una colección de poemas de Lezama Lima: … sería pecar gravemente de modestia – cosa difícil para mí, puesto que soy muy orgulloso-… Soy orgulloso pero con un límite: la vanidad. Claro, se trata de una delgada línea y, a veces, pierdo noción de qué lado estoy. Debe ser, me digo y les digo, mi orgullo que me llevó a persistir en el mismo camino, a no prestar atención a los cantos de sirenas de la moda, a oír a mis voces interiores que, se lo conté muchas veces a los amigos, mi cabeza loca imagina una voz exterior, de duende, que me deja el primer verso y me obliga a la ardua tarea de completar el poema. Así, llegué a los 60. 61, para ser exactos. Como quien no quiere la cosa, llegué a los 61. Nombro por última vez a Poe: murió a los 41. No se trata de números, claro, pero él hizo lo que hizo, desde la ruptura con su padre adoptivo hasta su trágico final, en medio de privaciones indecibles, en poco más de veinte años. Ni hablemos de Rimbaud. A veces me detengo y me pregunto: ¿es esto todo lo que logré hacer? Y mi orgullo cede por un momento, siento vergüenza, me siento ante el papel en blanco y alcanzo lo que supongo una victoria y, ya se los dije, se trata de otro fracaso. O de una victoria pasajera, sensación que se esfuma enseguida. Lo digo de una vez: poco, casi nada, insuficiente, irrelevante, con más figura de vestigio que de apoyatura. Es el orgullo, que regresa para sostenerme, lo que impide que en mitad de la calle me vuelva sombra y luego me evapore.

Muñíz, Buenos Aires, 2016.

Newsletter N° 26

2016-07-08T23:48:00.001-03:00

El espejo invertido

Relatos de la mentira

Selección y prólogo

de Rogelio Quintana

Ficha Técnica

Editorial: EDICIONES HUSO
Año de edición: 2016
Materia: NARRATIVA GENERAL
ISBN: 978-84-945230-6-9
Páginas 583

Ediciones Huso de España acaba de lanzar El espejo invertido. Relatos de la mentira, una antología de 39 autores con selección y prólogo de Rogelio Quintana que incluye una colección de relatos escritos desde los tiempos del Egipto Antiguo hasta la actualidad. Se incluyen textos de Ennana, Lieh-Yukou, Ferrand Martínez, Infante don Juan Manuel, Giovanni Boccaccio, Margarita de Navarra, Miguel de Cervantes, María de Zayas y Sotomayor, Charles Perrault, Cecilia Böhl de Faber, “Fernán Caballero”, Mary Wollstonecraft Shelley, George Sand, Edgar Allan Poe, José Zorrilla, Lewis Carroll, Mark Twain, Gustavo Adolfo Bécquer, Auguste Villiers de l’Isle Adam, Giovanni Verga, Ambrose Bierce, José Maria Eça de Queirós, Guy de Maupassant, Rosario de Acuña, Robert Louis Stevenson, Emilia Pardo-Bazán, Oscar Wilde, Miguel de Unamuno, Ramón María del Valle-Inclán, Rubén Darío, Vicente Blasco Ibáñez, Marcel Schwob, Horacio Quiroga, Gabriel Miró, Guillaume Apollinaire, Alfonso Hernández Catá, Katherine Mansfield, Roger Salas, Liliana Diaz Mindurry.

Sobre el Compilador

Rogelio Quintana. Nació en 1951, en La Habana. Estudió Filología Inglesa, Arquitectura y Diseño Gráfico. Reside en Madrid desde 1982, donde ha trabajado, entre otros, como ilustrador, diseñador, escenógrafo, redactor y traductor.

Newsletter N° 25

2016-07-08T23:31:00.002-03:00

Ricardo González Aguirre

Vida de club

Ficha Técnica:

Editorial: EDICIONES LA PARTE MALDITA

Año de Edición: 2016

Lugar de Edición: Buenos Aires - Argentina

Materia: NARRATIVA GENERAL

ISBN: 978-987-3897-06-1

Páginas 98

Formato: 19 x 13 cm.

El domingo 10 julio Ricardo González Aguirre presentará en Darling Tennis Club (Av Brasil 50-CABA) su libro de cuentos Vida de club. La presentación estará a cargo de la reconocida escritora Liliana Heker y comenzará a las 14:30 con una clínica de tenis a cargo del excapitán de la copa Davis Gustavo Luza.

El libro de Ricardo González Aguirre llega a la tierra que le dio vida: el club. Junto a la reconocida escritora Liliana Heker, el autor presentará sus cuentos que, como explica Claudia Piñeiro, “espían a través de las fisuras de un ámbito que parece seguro y descontracturado. Sin embargo, a poco de andar, aparecen agazapadas las paranoias, venganzas, culpas, traiciones, fantasías y obsesiones de los personajes de estas historias”.

Con una prosa llana y precisa, Ricardo González Aguirre nos trae en su primer libro de cuentos una colección de personajes que, atravesados por su Vida de club, dejan aflorar su ambición, miedos y desesperaciones.

Sobre el autor

Ricardo González Aguirre (Buenos Aires, 1958), creció en el barrio de Palermo, pero fue en el barrio de Caballito, en el Club Ferrocarril Oeste donde su infancia y adolescencia fueron marcadas por una intensa vida de club. Sigue siendo futbolista (cada vez menos), tenista y golfista (cada vez más). Fue profesor de tenis, pero se recibió de arquitecto y hasta hoy está ligado al diseño de obras de arquitectura, muebles y objetos. Empezó a escribir ficción en el taller de escritura de Liliana Heker. En la cocina de su taller cobraron forma la mayoría de los cuentos de este libro. Años más tarde formó parte del taller de narrativa de Claudia Piñeiro y actualmente participa del taller de Inés Garland, donde escribe apasionadamente su segundo libro: Familia de bien. Vida de club es su primer libro de cuentos.

Prensa y Difusión:

Kiako – Anich

Comunicación hecha con textura

prensa@kiakoanich.com.ar

Newsletter Nº 24

2015-11-22T02:52:00.000-03:00

Corazón Sagrado

Enrique Solinas

Ficha Técnica:

Editorial: Viajero Insomne

Lugar de Edición: Buenos Aires

Año de Edición: 2014

Páginas: 60

ISBN: 9789874524188

Corazón Sagrado

Cuando en la actualidad se habla de «poesía mística» se suele pensar en un juego paradójico con las palabras, se suele hacer referencia al problema místico del lenguaje, que consiste en lo siguiente: las palabras no pueden decir las cosas, el ánimo ni la materia del mundo, son más bien su ausencia. Entonces lo místico sería aludir, por defecto del lenguaje, al exceso de las palabras, a aquello que las excede, por la doble vía del silencio y de la metáfora. Sin embargo, en los poemas de Enrique Solinas los versos son místicos en un sentido más propio. Por supuesto, lo que se dice –el amor, el sentimiento religioso, el misterio de una relación anímica con un absoluto– no cabe del todo en las palabras, pero hay aquí un impulso más antiguo que la resignación a la insuficiencia del lenguaje. Estos poemas recobran la cuestión mística desde San Juan de la Cruz, le ponen de nuevo figuras al amor divino y nuevas canciones a la persecución incesante del alma por una plenitud perdida. Así, como en aquella tradición mística, el erotismo se torna ambivalente: ¿se ama a Dios o al Hijo, bajo la forma de un cuerpo deslumbrante en su pasión y su dolor? ¿O bien se ama un cuerpo presente cuyo transporte y cuyo goce hacen sentir en el espíritu la presencia de un ser eterno?

Silvio Mattoni

Nota de Contratapa

Original misticismo

Voz por completo atípica pero no disonante en el panorama de la poesía local, Enrique Solinas (Buenos Aires, 1969) ha publicado ampliamente y su obra recibió varios premios. En algunos trabajos, como Libro de las horas, visitaba la temática religiosa y mitológica. En Corazón sagrado, esas dos vertientes confluyen y crean reflexiones sobre el amor a Dios, la belleza del dolor y el sacrificio. Como en otros autores de poesía mística, el erotismo latente se expresa de modo ambiguo con analogías bien terrenales: “Y yo te amaré/ como el amante/ que en la noche/ regresa/ y cierra las puertas del mundo/ para irse jamás”. La poesía de Solinas manifiesta con cautela una especie de misticismo queer, en el que resuenan los ruegos de Cristo a su Padre durante la crucifixión, la tradición literaria de san Juan de la Cruz y el legado filosófico de Ulrich von Balthasar. Sin efectismos y con unas pocas anécdotas personales en las que la voz poética aspira a la universalidad -pero donde también increpa al mundo, a la historia humana escrita con “palabras para morir”-, Solinas entrega canciones resplandecientes.

A partir del símbolo del Sagrado Corazón de Jesús, síntesis de la alquimia cristiana que fusiona pasión y entrega, sufrimiento y altruismo, los poemas apelan a “las voces antiguas,/ las voces nuevas,/ las voces viejas/ de la locura/ preparadas para el amor” con el fin de figurar una búsqueda ancestral. El vínculo de la escritura con la divinidad adquiere en estos textos formas diversas: tanto el efecto de una lluvia fresca sobre el corazón cansado como la luz de la gloria opacada por las sombras del Gólgota.

Daniel Gigena

Nota publicada en Diario La Nación,

suplemento ADN Cultura

La liturgia de la modernidad

Si algo podría definir la poesía de Solinas es su profundo humanismo expresado con una rigurosidad formal que tiende al despojamiento. De la dramatización de la escena que se despliega en cada poema brota una verdad que se vislumbra o se esconde o es buscada pero no aparece de un modo frontal, sino que se asoma en la entonación, en el gesto de la voz. El nivel ontológico en la poesía de Solinas se encuentra en la articulación estética, lo que se sabe y lo que no, puede rastrearse debajo de lo enunciado como interrogante y como anhelo. En la aparente sencillez hay inflexiones, cruces de registros, leves guiños, un afán de totalidad encubierto en el trazo limpio de las palabras. En ese tono de placidez que marca la escritura de este nuevo libro, en Corazón Sagrado se rastrea, sin embargo, la inquietud, la sed de eso que apenas se nombra. Búsqueda y confesión, susurro, verdad desnuda a veces como revelación inusitada, cántico, celebración, todo en estos poemas que pulsan el trayecto de una búsqueda estética caracterizada por la originalidad, la impecabilidad y la variación de matices y un innegable entronque con la oralidad por su tono de invocación y plegaria. Hay, además, algo de testigo en esta voz poética, testigo del suceso, del acto, de una verdad. En estos poemas se percibe nuevamente la combinación de una mirada inocente y a la vez aguda en un equilibrio delicadísimo, aunque es probable que el giro en la escritura dé cuenta de una decantación mayor en el tratamiento de la palabra que se vuelve translúcida, abarcadora, única. Reducir este conjunto de poemas a una tradición encuadrada en el lirismo místico sería empobrecer la propuesta del autor, si bien aparecen los motivos y los escenarios típicos del Nuevo Testamento de la Biblia el desierto, los cuarenta días y las cuarenta noches, la escena de la crucifixión- es imposible no leer entre líneas para descubrir que el texto al nombrar celebraciones, ceremonias y creencias nos habla del ejercicio de la palabra poética como una liturgia de la modernidad. El poema “Dionisios” opera como un contrabalanceo de la figura crística que atraviesa la mayor parte del libro. El desborde de los sentidos frente a la contención y mesura que se repliega hacia un centro, la expansión hacia el afuera sin tope ante una mirada interior, expresada en la metáfora del Sagrado Corazón de Jesús, que ha sido considerada por algunas tradiciones del pensamiento del nuevo paradigma como una superación del Cristo crucificado o, quizá, una representación del Cristo más acorde con el nuevo siglo. Cabe señalar que la estructura del libro en su totalidad guarda un equilibrio en la reunión y combinación de poemas marcados por la belleza expresiva y el rigor formal.

Irma Verolín

Nota en el Diario El Litoral

ENRIQUE SOLINAS. Nació en Buenos Aires el 11 de julio de 1969. Desde 1989 colabora con publicaciones de Argentina y del exterior, es docente y forma parte de grupos de investigación en literatura latinoamericana, literatura argentina y literatura y mística. Publicó en poesía: Signos Oscuros (1995), El Gruñido (1997), El Lugar del Principio (1998), Jardín en Movimiento (2003), Noche de San Juan (2008), El gruñido y otros poemas (2011), Invocaciones -cuatro poetas en la voz del mito- (2012). En narrativa: La muerte y su conversación (cuentos, 2007). Su obra forma parte de antologías nacionales e internacionales, siendo traducido al inglés, al italiano, al griego, al portugués y al chino. Por su labor literaria obtuvo varios premios, entre ellos, el 1er. Premio Nacional Iniciación Bienio 1992/1993, de la Secretaría de Cultura de la Nación, el 1er. Premio Dirección General de Bibliotecas Municipales de Buenos Aires 1993, Subsidio Nacional de Creación de la Fundación Antorchas, Concurso 1997 de Becas y Subsidios para las Artes, el 1er. Premio Estímulo a la Creación año 2000 de la Secretaría de Cultura de la Nación, el 1er. Premio de Cuento Fantástico 2004 de la Secretaría de Cultura de la Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires, etc. Obtuvo la Beca de Residencia Shanghái Writing Program 2014. Actualmente, su actividad incluye la narrativa, la traducción, el periodismo cultural, la crítica literaria y de artes plásticas, y la investigación.

Newsletter Nº 23

2015-04-04T23:55:00.000-03:00

Paracelso

Barbarito, Carlos

Editorial: EXCODRA
Dimensiones: 201 x 105 x 5 mm
Peso: 250 gr
Encuadernación: Rústica
Año de Edición: 2015
Idioma: Español, Castellano
Nº de paginas : 38
Colección: Lo real
Nº de colección: 1
ISBN: 978-84-943591-4-9

En Paracelso, del escritor Carlos Barbarito, os encontraréis poesía de altos vuelos, con una cadencia que atrapa y no suelta al lector, que al final querrá de más de su poesía, perdido y encontrado entre metáforas elaboradas, pasajes que son aire y son nube, poesía de artesano pero de artesano que es artista. Carlos Barbarito escribe preguntándose pero él mismo hallando las respuestas o abriendo la puerta al entendimiento desde lo bello, desde la poesía con carne y huesos, sangre y pensamientos. Dejarse perder entre sus versos será como un día al sol, sentando en la tranquilidad de la búsqueda, a la sombra del árbol de la poesía.

Sobre el autor

CARLOS BARBARITO, Argentina, 1955. Su obra publicada hasta el presente incluye libros de poesía y sobre artes plásticas. En poesía editó: Poesía quebrada (Buenos Aires, 1984); Teatro de lirios (Pergamino, 1985); Éxodos y trenes (Buenos Aires, 1987); Páginas del poeta flaco (Buenos Aires, 1988); Caballos y otros poemas (La Plata, 1990); Parte de entrañas (Buenos Aires, 1991); Bestiario de amor (Santa Fe, 1992); Viga bajo el agua (Buenos Aires, 1992); Meninas/Desnudo y la máscara (Buenos Aires, 1992); El peso de los días (Buenos Aires, 1995); La luz y alguna cosa (Buenos Aires, 1998); Desnuda materia (1999); Puntos de fuga (Toluca, 2002); La orilla desierta (San José de Costa Rica, 2003); Piedra encerrada en piedra (La Plata, 2005); Les minutes qui passent (Foetz, 2005); Figuras de ojo y sombras (Donostia, 2006); Música humana y de paramecio (San José de Costa Rica, 2008); Un fuego bajo un cielo que huye (2009); Cenizas del mediodía (México D.F., 2010); Feu sous un ciel en fuite; traducción de Patrick Cintas (Paris 2010); Paracelso (Barcelona: 2014). En cuanto a sus publicaciones referidas a las artes plásticas: Acerca de las vanguardias, Arte argentino siglo XX, Comisión de Homenaje a Jorge Feinsilber, Buenos Aires, 1990; Roberto Aizenberg. Diálogos con Carlos Barbarito, Fundación Federico Jorge Klemm Editora, Buenos Aires, 2001.

Newsletter Nº 22

2014-12-21T00:39:00.000-03:00

21 Gramos

Osvaldo Picardo

Ficha Técnica:

Editorial: EDICIONES EN DANZA

Lugar de Edición: Buenos Aires

Año de Edición: 2014

Páginas: 90

ISBN: 9789871869213

En 1907, Duncan McDougall, mèdico de Massachusetts, publicó un artículo titulado «Hypothesis concerning soul substance together with experimental evidence of the existence of such substance» (Hipótesis relativa a la sustancia del alma junto con evidencia experimental de la existencia de tal sustancia). En este artículo describe cómo colocó varios pacientes moribundos sobre una báscula con el objetivo de comprobar si en el momento de su fallecimiento la báscula marcaba un peso diferente. En su opinión, si la masa de la persona disminuía en el instante de su muerte podía tratarse de una evidencia de que el alma acababa de escapar de su cuerpo. Siempre y cuando, como él mismo dijo, pudiera encontrar ninguna otra explicación racional. McDougall, creìa que la pérdida de peso no podía explicarse mediante ningún mecanismo fisiológico. Según esos resultados, el peso del alma sería de 21 gramos.

Esa liviandad del alma es la que da título al último libro de poemas de Osvaldo Picardo, considerado hoy el más significativo e importante poeta marplatense. 21 gramos, es un entrecruzamiento de poesía, pintura, cine y pensamiento.

Sobre el autor

OSVALDO PICARDO, nació en la ciudad de Mar del Plata (provincia de Buenos Aires, Argentina, 1955), donde actualmente reside, es profesor de literatura y dirige la revista La Pecera. Ha escrito ensayos y crítica literaria para sus publicaciones y periódicos del país y en el exterios. Entre sus libros de poemas podemos mencionar: Apenas en el mundo (1988), Dejar sin ventanas la verdad (1993), Quis, quid, ubi. Poemas de Quintiliano (1997) y Una complicidad que sobrevive (2001), libro que le valió el Tercer Premio de Poesía del Fondo Nacional de Las Artes. Recientemente ha publicado la plaqueta Mar del Plata, con un poema dividido en 12 partes y dedicado a su ciudad natal. Entre sus otras publicaciones se encuentran: Primer mapa de poesía argentina. Solicitudes y urgencias. El noroeste: La Carpa y Tarja (2000). Tradujo junto a F. Scelzo y E. Moore The love poems, de James Laughlin (2001). Ha obtenido en estos últimos años los premios Alfonsina Storni, de la Municipalidad de General Pueyrredón, y el premio a la trayectoria Lobo de Mar, de la Fundación Toledo de Mar del Plata.

Newsletter Nº 21

2014-10-25T02:17:00.000-03:00

La ciclista de las soluciones imaginarias

Edgar Borges

Ficha Técnica:

Editorial: CARENA

Lugar de Edición: España

Año de Edición: 2014

Nº de páginas: 196 págs.

Encuadernación: Tapa blanda

Lengua: CASTELLANO

ISBN: 9788416054459

«Un día, después de muchas mañanas de asomarme en el balcón de mi piso, vi la nada». Con esa frase se inicia el testimonio del señor Silva, un funcionario que se siente prisionero de algo. En la novela se cuenta la historia del señor Silva, un contador público mermado por su realidad. En su vida el matrimonio, el barrio y el trabajo parecieran formar parte de una misma burocracia. Su barrio, su trabajo en el Ayuntamiento, su matrimonio y, quizá, su mente sean la cárcel de este hombre. Silva padece una extraña enfermedad denominada «el mal de la mirada trastocada». Sin embargo, él se siente un sujeto normal atrapado entre la ilusión de lo que fue cuando vivió en México y lo que terminó siendo desde que regresó a España. La vida del funcionario, y la del barrio, cambiará ante la llegada de una ciclista acróbata y fotógrafa.

La ciclista de las soluciones imaginarias será presentada en la Casa del Libro de La Gran Vía de Madrid el próximo 27 de octubre en conversación con el escritor argentino Marcelo Luján.

Sobre el autor

Edgar Borges (Caracas, 1966), escritor de novelas como ¿Quién mató a mi madre? (2008); La contemplación (2010) y El hombre no mediático que leía a Peter Handke (2012), publica su nueva obra.. En esta historia lo imaginado se convierte en un espejo que transforma lo real. La ciclista de las soluciones imaginarias es una fábula sobre el condicionamiento de la imaginación de los adultos.

Newsletter Nº 20

2014-10-15T03:07:00.000-03:00

Cazadores en la nieve

Liliana Díaz Mindurry

Ficha Técnica:

Editorial: LA LETRA EME

Peso: 500 gramos

ISBN 9789872987671

Cazadores en la nieve es un poema basado en una pintura de Pieter Brueghel, el Viejo, de 1565. Liliana Díaz Mindurry, su autora, tiene una mirada muy particular sobre esa obra que la deslumbra y le dispara ideas sobre sus personajes y sobre el mundo. Los cazadores en la nieve, la obra, pertenece al ciclo “Meses”, en el que Brueghel representa las estaciones.

«El cuadro "Cazadores en la nieve" de Brueghel tiene para mí una resonancia infinita. Hasta he soñado con él. Cuando lo vi en el film “Solaris” de Andrei Tarkovsky sentí que alguien en otro tiempo y distancia sentía esas vibraciones que no terminan de suceder. Como si hoy se siguiera pintando. Como si formara parte de nuestra vida».

Liliana Díaz Mindurry

«A partir del cuadro “Los cazadores en la nieve” de Pieter Brueghel, Liliana Díaz Mindurry crea este conjunto de poemas que como un rompecabezas va contándonos cómo es esa representación visual, desde una contemplación subjetiva y contemporánea, en contraposición a la edad histórica de la pintura. El cuadro representa al invierno en Holanda. Desde un primer plano elevado podemos contemplar el paisaje que deviene hoya y nuestra mirada acompaña esa caída abrupta. Por la izquierda del cuadro aparecen los cazadores, vueltos de espalda, seguidos por la jauría de perros. Entre ellos, las siluetas negras de los árboles van trazando una diagonal que lleva hacia el amplio paisaje que se abre ante ellos. Esa diagonal domina la pintura El color blanco se instala en todo el cuadro. Sobre dos lagos helados, se practican juegos invernales. El cielo es color plomo, dos cuervos aparecen en la escena como así también una mujer atizando una fogata y otros detalles que hacen de este cuadro una fotografía de la vida cotidiana en Holanda, en ese momento histórico».

Enrique Solinas

Analecta Literaria

LILIANA DÍAZ MINDURRY, nació en Buenos Aires, Argentina, el 12 de junio de 1953. Escritora, poeta, guionista, abogada. Obtuvo la licenciatura en derecho en la Universidad de Buenos Aires, donde había enseñado, entre 1973 y 1974, filosofía del derecho. Durante la dictadura militar, se vio obligada a huir a Francia; donde permaneció durante siete años, hasta la restauración de la democracia en la Argentina. Desde entonces, se ha dedicado exclusivamente a la escritura. Dirige el grupo literario Malosayres. Desde 1989, ha coordinado talleres literarios, en diversas instituciones; y, desde mediados de 1980 ha venido publicando constantemente, apoyada en una narrativa personal de fuerte tono poético. Se la ha traducido al alemán y griego. Y algunos de sus poemas han sido publicados en Medellín, Colombia, y en Salzburgo, Austria. Ha publicado: Buenos Aires, ciudad de la magia y de la muerte 1985; La resurrección de Zagreus 1988; La estancia del sur 1990; Sinfonía en llamas 1990; Paraíso en tinieblas 1991; En el fin de las palabras 1992; A cierta hora 1993; Retratos de infelices 1993; Wonderland 1993; Lo extraño 1994; Último tango en Malos Ayres 1998; Lo indecible 1998; Pequeña música nocturna (Eine kleine nachtmusik) 1998 y Summertime, entre otros. Ha sido distinguida con el Premio Centro Cultural de México, Concurso Juan Rulfo 1993; el Premio El Espectador de Bogotá, Concurso Juan Rulfo, París, 1994; el 1er Premio Fondo Nacional de las Artes; el Premio Planeta Novela 1998 y el 1º Premio Municipal de Buenos Aires, inéditos 1990-91. Actualmente es directora del proyecto Malos Ayres.

Newsletter N° 19

2014-10-05T03:02:00.001-03:00

«EN LA CALLE ESTACIONADA FRENTE AL MAR

POR DONDE CRUZABA LA VIDA»

¨Arreciados por el Éxodo¨ (Imagine Cloud Editions, I C E, Florida, Estados Unidos, 2013) nuevo poemario de María Eugenia Caseiro. «fluye en alegorías que demuestran lo mucho que puede decirse con una economía de palabras». Y estas palabras de Luis Mario, son silogismo que nos introduce en este poemario.

Hubo un tiempo en que pensar se hizo difícil,

era mejor morir en blanco. (…)

Hubo un tiempo en que darlo todo a nada parecía el lei motif de los que se lanzaban al agua. Hubo un tiempo en que el solo hecho de pensar quemaba y había que escapar de sus brasas. ¿Cuántos lo hicieron? La poesía recoge de igual manera estadísticas inimaginables bajo este cielo al que a veces nos damos a contemplar. Estadísticas; naufragios y náufragos; realidades y vidas zozobrando no solo en el mar sino también muy cerca suyo.

¿Acaso María Eugenia Caseiro pone su mirada en estas vidas, en un antes y un después de tantos naufragios? Vale la pena indagar por medio de ese recorrido poético lo que propone la autora. Y se hicieron a la mar con sus disfraces / prendidos al envés de la baraja (…)

Existe un hilo conductor en este libro, una guía que nos lleva hasta el fin, robustecido por esa “economía de palabras”, palabras que asumen tal brevedad con una carga que nos abre el camino al pensamiento, a la intención de la poeta. La muerte, y (acaso también) el amor se unifican en poemas como “Promesa”: Te buscaré en las vértebras / del hombre del retrato / por la espiral del tiempo/ blanco hueso sin límite ni juicio/ hasta el dintel de la muerte / con la última mirada de tu espejo. (…)

Esta es la voz de una Caseiro que se hace sentir sin medias tintas. Su estilo no se limita al lirismo, la belleza o la concentración de simbolismos, sino que además se viste de brío y en versos tan sugerentes como los que siguen, habla desde lo prehistórico: Yo podé su cicatriz, / crecí en el subterráneo / en que acontece su latido. (…) Sin embargo, es la muerte, reitero, el hilo conductor que se nos revela desde su “P R E L U D I O”: Las voces atrapadas en el viento / no escaparon de las horas sin éxito. Y ya nos lo avisa, nos lo deja saber desde antes, cuando evoca la muerte desde las palabras de Eliseo Diego: “…en una danza destinada a convocar al ausente, / que sólo hace corpóreo su vacío.”

Caseiro recrea su propia danza (destinada a convocar lo ausente), y viene a ocupar un vacío con su voz, a llenar ese espacio que algunos pudieran desconocer o no haber oído mencionar nunca, nuevas generaciones de espaldas a su pasado. Basta contemplar la imagen de cubierta de este libro: Cesta de regalos, de la propia María Eugenia Caseiro, un dibujo con el que enmarca toda la intención de su poesía.

La muerte, la vida y el presente se alistan en versos tan sugestivos que, una y otra vez nos damos a su lectura, como los de su poema “Éxodo” cuyo verso inicial da título a este poemario: Como cobos arreciados por el éxodo / no hubo sacapuntas escarmentador / ni bigornias vigías / ni las propias tijeras extenuadas / de cortar en tiras cada noche/ que no se enrolara en nuestra arca. (…)

La autora de “Nueve cuentos para recrear el café”, entre otros títulos, se nos acerca con su propia voz, esa voz ya reconocible, y nos cuenta lo que ha visto, lo que ha oído, lo que emana de la experiencia, y con ello nos devuelve a una incertidumbre que finalmente alcanza valor en “Profecía” y mueve a la esperanza: Y alguna vez vendrán a remontarme / lavados con el brillo de sus pies / aquellos hijos de estos pies enormes / colgados al sillón que mecerá sus casas.

Parte de nuestras vidas, parte de nuestra historia (cubana), de aquellos que desde la década del sesenta hasta nuestros días se aferran a un objetivo y buscan cualquier medio, precario o no, para salir a flote (siempre enfrentando el agua desde cualquier punto de nuestro pequeño mapa) dispuestos a todo o nada, ante la presencia del mar, prestos a ser botín de sus aguas, parte de su sal…, vidas humanas perdidas y que su poética logra evocar. Era una señal la puerta abierta/ en la calle estacionada frente al mar/ por donde cruzaba la vida, / cada sol, cada pedazo de nosotros, / sin detenerse / a escuchar el silencio de las casas. (…)

Pero hay también cierta esperanza dentro de sus postulados. Y me hago partícipe de esta intención, de esta manera de planteárnosla: “Cuando el dedo exhausto de indicar, / alcanza apenas a rozar el anca de la suerte”. La suerte que uno busca y puede que nunca halle, pero están aquí las palabras de una poeta que debe ser escuchada por aquellos que puedan comprender lo que el término Exilio significa. Valga su poema para acercarnos a él: Ni siquiera la puerta / verde como el aguacate, / en que un ojo secular / asediaba el estirón, / el choque inclemente, / la sospecha, / nos extendió los brazos / ni cedió un ápice la aldaba / desnuda para no empeñar /el grito del gozne que nos repatriase.

He aquí una mujer mirando hacia nuestro propio pasado, pasado devenido en presente, y la faena de decir a través de su lírica lo que su conciencia impone, escribir, hacer poesía desde ese mismo exilo que conoce en carne propia, y que tanto acerca a quiénes lo sienten: “Esa paz que nos hizo jóvenes ayer / y está tan sola sin nosotros”.

Ihosvany Hernández

Enero 2014.

Newsletter N° 18

2014-10-04T02:41:00.000-03:00

Cenizas del mediodía

Carlos Barbarito

Premio Praxis de Poesía, 2009

jurados: Daniela Camacho, Saúl Ibargoyen y Juan Antonio Rosado Zacarías.

Ficha Técnica

Autor: Barbarito, Carlos

Título: Cenizas del mediodía.

Editorial: Praxis

Lugar de Edición: México D. F:

Año: 2010.

Páginas 35

Fotografía de portada: Sergio Bonzón

Diseño de portada: Javier Muñoz Nájera.

Formato: Edición Digital en pdf.

Sólo la mirada del poeta percibe las realidades tras la realidad. No busca: descubre y encuentra. Su arte no es el del prestidigitador (evoco aquí la crítica que Alejo Carpentier formuló contra los surrealistas, muchos de los cuales, ya lejos de la poesía, se dedicaron a buscar “encuentros fortuitos” —con Lautréamont como modelo—, de forma mecánica, como el artesano que repite doscientas veces un modelo con escasas variantes). El arte, en cambio, es único, insustituible. Desde la subjetividad donde se aloja un mundo, emerge la palabra esencial que nombra objetos, emociones, tiempos, personas: el universo conocido e imaginario como no se había nombrado antes. ¿Dónde radica la poesía? En todos lados y en ninguno. Es el poeta quien la descubre y a veces la expresa, ya sea por escrito, ya en la misma contemplación. La poesía se capta, se siente, se atestigua. Luego se expresa con las limitadas e inexactas palabras. Cuando se ha ejecutado esta última operación, la poesía viaja a través del oído porque no fue concebida para leerse, sino para ser escuchada. Por ello nació y creció con la música.

Entre los poetas argentinos actuales, Carlos Barbarito (1955), autor de más de veinte libros, es uno de los testigos de la poesía. Desde el mundo alojado en su subjetividad, emerge la voluntad de expresarlo por escrito. Su último poemario, Cenizas del mediodía, publicado recientemente en México, se inicia con una despedida: “Adiós a un sueño, no se hace / en la piedra el Paraíso, no hay espacio para el fruto”. Los versos se resisten a proporcionarnos un sentido unívoco en las imágenes y elementos que se aglutinan como símbolos de lo que fue y ya no es: “Adiós al pan, al sabor de otra boca / en la boca propia” o “Adiós a la topografía, al número primo, / a la balanza, a la señal en el cielo o la tierra”. El yo lírico se dirige a un tú, a un otro ausente, a quien —si viera su rostro— lo creería mancha, error de un supuesto Plan. Las cenizas se expanden y poco a poco el lector va uniendo cabos: “Todo comienza cuando no hay perdón”, pero también cuando no queda follaje y “sólo nos miran los animales, las estrellas”.

La aguja en lugar del abrazo... y la dulzura como imposible. ¿Qué somos finalmente? “Cenizas de un fuego antiguo / y anónimo”. El poeta, como Orfeo, habla y pregunta hacia el dominio de lo subterráneo para rencontrar al otro, pero sólo le responde el consuelo, “que vale menos que una hoja seca”. Los poemas, en general, son las imágenes desde una conciencia cuya lengua, extranjera, traduce la acumulación de cenizas del mundo. Y entonces, el árbol sombrío, ¿cobija acaso la inocencia, la “santidad”? La violencia irrumpe en la ciudad y causa división. El tiempo y el movimiento acuden al vacío y surge un lenguaje que conocen los raros animales, los muertos y el poeta. Tal vez este último y el niño sean los únicos que se extravían en el agua, pero hay una diferencia: el primero “se cierra con su secreto”, mientras que el segundo lo entrega cifrado, ambiguo, múltiple: la realidad tras la realidad, ¿es acaso la ceniza? Este elemento es quizá símbolo de la muerte sin fin que segundo a segundo experimenta la conciencia. Carlos Barbarito nos introduce en una galería donde representa esa conciencia porque sus sentidos no le alcanzan para saber “qué nos mata / o nos salva, cuál es el destino real del largo viaje”. Ante el misterio, el abismo se ensancha y la palabra es también insuficiente. Incluso “quien almuerza en el perfecto festín / invoca a las cenizas”.

Para Henry Miller, el escritor nunca es dueño del sentido total de sus creaciones: “El punto de vista del autor —afirma— es sólo uno entre muchos, y la idea del significado de su propio trabajo se pierde entre el oleaje de otras voces. ¿Conoce él realmente el sentido de su propia obra como cree? Yo más bien creo que no”. En su conjunto, el poemario de Barbarito aspira a ser releído: no nos otorga todo su sentido (¿qué buena obra literaria lo hace?); es susceptible de distintas interpretaciones y ahí radica la complejidad de su partitura.

Juan Antonio Rosado

La orilla desierta, de Carlos Barbarito

Barbarito, Carlos. La orilla desierta. San José de Costa Rica: Andrómeda, 2003. Muestra gráfica de Fabio Herrera.

Probamos un gran pesimismo en cierta poesía de hoy. Pero cuando no es posible flirtear con ideas de celebración, como lo pudo haber hecho Walt Whitman o Saint John Perse, el oficio del poeta enfrentado a su realidad se torna más oscuro y difícil cuanto más coherente.

Tal es el caso de Carlos Barbarito, cuya obra, de un tono bíblico peculiar, no tiene, sin embargo, los consuelos del poeta de los Salmos.

El ojo de Barbarito, fragmentado en visiones como espejos rotos, solo está en capacidad de rendir cuentas de lo que percibe: un caos de cosas sin meta en el universo. A veces hay belleza, pero en contraste con una atmósfera trágica que es la res extensa del mundo, su fundamento y argamasa. Oprime en sus versos un materialismo fatalista que expresa la idea incurable del deterioro cosmológico, no como crueldad del tiempo, sino como mácula de nuestra propia existencia.

Materia de la poesía de Barbarito es la desilusión, pero una desilusión tratada sin solemnidad, ni filosofía. El poeta argentino traduce de la cotidianidad el tono específico de toda una época. Le bastan los elementos más simples para hacerlo: "Y el aire y el agua se empobrecen, pierden altura y medida..." Una recuento sensorial y doloroso acaba por llevar al creador a una búsqueda sin asidero: "Golpeo y no hay respuesta, / manos y manos, manchadas de musgo, / hollín y herrumbre." Por doquier la impureza es signo visible de la civilización que ha oscurecido y desacralizado el mundo. La culpa entreteje toda la naturaleza y le confiere esa textura de intensa corrupción humana.

Barbarito, en consonancia con la tradición poética de que el hombre y la mujer se han perdido a sí mismos, es el cantor melancólico de cómo esa pérdida se percibe en cada acto y expresión viva del entorno. Vientos que barren cenizas, frutos perforados, mujeres que orinan sustancias de miedo, el deseo sin pellejo, el amor cercado... ¡La vida vive una pesadilla y todo es engranaje de una equivocación desastrosa!

Con toda esa desesperanza, el verso de Barbarito es consistente: no se refocila en el dolor como el de Vallejo, sino que lucha contra su propia perplejidad, buscando empecinado la misma claridad secreta que arrojan, tal vez, las preguntas impotentes que le lanzamos a "ese error instalado en el mundo".

Guillermo Fernández

Newsletter N° 17

2014-09-29T14:01:00.002-03:00

Fronteras para una trama
delicada y turbia

por Marta Ortiz

Reseña a Verolín, Irma, El camino de los viajeros, editorial de la UNL, Santa Fe, 2012

El camino de los viajeros, novela de la narradora argentina Irma Verolín, fue distinguida en 1997 con el Premio Internacional de Novela Mercosur. Quince años después, la UNL y el Ministerio de Innovación y Cultura de la provincia de Santa Fe, se unieron para coeditarla (colección Los Premios). Justa reparación de lo injustificable, que los lectores celebramos ante la eventual pérdida de esta valiosa materia narrativa, si hubiera permanecido en la sombra.

Viajábamos con voracidad”, dice la primera línea del primer capítulo (nueve en total); y agrega: “… arrastrar el cuerpo alrededor del mundo era lo único que parecía justificarnos.”

La narradora asume un yo maduro que se esfuerza por asir de algún modo y comprender a la joven protagonista de una historia en la que las palabras “viaje”, “frontera” y “mundo” son ejes capitales de la trama. Esta mujer joven ha quedado lejos en el tiempo, una pieza más en la suma de mujeres que componen a esta otra que cuenta, la que en el presente narrativo “es”.

Se reconstruye a partir de unas cartas rescatadas, hasta entonces en poder de Marcos, médico de frontera, ex pareja de Irene (nombre falso que él le dio y único que nombra a la joven protagonista); cartas escritas en Buenos Aires durante una estadía de Irene cuando la pareja residía en San Pedro, Misiones, cerca de la frontera con Brasil.

Se trata de un trabajo laborioso y difícil, ya que quien hoy narra, no se reconoce en la mujer que escribe las cartas; disociada de su versión joven, no existe puente que pueda reunirlas. A pesar de los explícitos datos temporales (años ochenta en la Argentina, fines de la dictadura militar, evidencia que crea un clima denso que lo contamina todo, que no se ve pero se siente o se sugiere ) y espaciales (Tilcara, San Pedro, Buenos Aires, Córdoba, entre otros), la novela recorre un tiempo interior que diluye cualquier atisbo de certeza; abarca un largo cuestionamiento (a partir de los hechos que se recuerdan y rearman, como quien intenta marcar o reconocer un territorio propio a partir del cuerpo que es también memoria). El mundo, para quien se siente extranjera, es inapresable, como lo es el monte misionero, límite a todo intento de comprensión.

“El principio se deshace en otros finales”, la frase intenta encontrar un comienzo, pero lo hace disolviendo el límite entre principio final, de entrada sumerge al lector en la idea de fugacidad, de impermanencia, marcando así claramente el territorio en el que se moverá la novela: ambiguo, indefinible, cambiante, incierto; y continúa: fuimos “dos personajes trágicos dispuestos a dar el primer paso hacia el foco más intenso de luz”, hacia el desarrollo y culminación de una historia intensa, de bordes siempre brumosos, que destaca la fragilidad de la relación asimétrica entre dos seres que compartían el haber vivido una niñez compleja: “sombras chinas de una mano gigante sobre la pared del mundo” , cuando ese “mundo ” no parece capaz de sostenerlos: “…hecho de tiza, bastaba con soplar para que desapareciera”.

En la frontera la sensación es de inestabilidad: lugar de desorden, de mezcla de idiomas, sitio donde se es y no se es, donde la realidad pesa más que cualquier palabra; la fuerza de la naturaleza se refleja en ese monte impenetrable, eje de toda conversación, mampara inconmovible, muro, dominio que todo lo traga, al que a veces es mejor ignorar: “Dar la espalda, taparme los ojos ha sido el acto de mayor protección que he encontrado en mi vida”, dice Irene: su espalda es su muralla protectora, su frontera.

El “mundo” también eje en esta trama, se articula como teatro, sucesión de tablados o escenarios donde el destino del hombre se juega, sujeto a vaivenes erráticos. Ante una relación difícil y a un mundo hostil, la posibilidad del “viaje” brilla como llave mágica que precipita la huída, antídoto contra el peligro, suspensión momentánea de la vida, de la memoria. Basta desplegar el mapa, elegir un destino y la pareja viaja: “…subíamos impulsivamente a un micro o a un coche y la historia dejaba de avanzar.” Abatida por la soledad Irene apela a otra clase de “viaje” en el que las estaciones del itinerario solo reflejan un profundo vacío. Fumar y beber trazan otro límite determinado por el aislamiento. Se relata la caída en un pozo, como quien cae en un cono de sombra: desde su fondo oscuro, ella ve cómo el mundo delimita su escenario, pero también de inmediato vuelve a ser lo que siempre fue: “un gran pozo en el que mis oscuridades pasaban desapercibidas.”

Un giro inesperado a causa de la omnipresencia de “los milicos”, hombres que se mueven en bloque, armados y uniformados, que denotan la clase de orden que reinaba en ese momento en la Argentina y que en la frontera se vuelven más amenazantes, empuja la huida de la pareja a Córdoba, donde finalmente la realidad descorre el último velo de una relación amorosa destinada al fracaso.

“Casi podría decir que ella escribe con el mismo gesto con que alguien se mira al espejo: con la absoluta certeza de encontrar el rostro conocido, el propio, el que ya conoce de memoria”, confiesa la narradora; desde luego Irma Verolín sabe, como todo escritor de largo oficio, que ficcionalizar la experiencia es el “viaje” por antonomasia de un escritor. “Sólo con palabras soy capaz de entender lo que sucede”: el valor de la escritura dadora de conocimiento, organizadora del caos, propio y ajeno.

En El camino de los viajeros todo cobra una dimensión metafórica: la frontera, el monte, el viaje, el mundo, el alcohol, las sierras, los milicos. Nada es totalmente lo que parece, detrás siempre hay algo más que no se explicita; hay límites infranqueables. Existe un plano tangible y otro intangible: también los fantasmas circulan a voluntad por estas páginas “habitaban la frontera de la casa, estaban justo allí”. Todo dicho a partir de una voz que reflexiona, indaga, se hamaca cómoda en el pensamiento paradójico, deconstruye para volver a construir, las certezas siempre provisorias. Prosa limpia, sin artificios inútiles, no exenta del humor necesario que distancia.

La línea que divide, el límite, es aquí un leitmotiv; alude, de un modo u otro a una misma gran frontera: la vulnerabilidad de la condición humana, que siempre reaparece cuando queremos saber quiénes somos y adónde vamos. Tal certeza parece ser el motor que impulsa a esta narradora-protagonista aplicada al rescate de sí misma a partir de la escritura que recicla y alivia, posiblemente para “llenar espacios y crear así una trama delicada y turbia que la sostenga”

Fuentes:

Letra Cosmos: http://www.letracosmos.com.ar/resenas/fronteras-para-una-trama-delicada-y-turbia-sobre-el-camino-de-los-viajeros-de-irma-verolin/

Vuelo de la noche: http://marta-ortiz.blogspot.com.ar/2013/02/irma-verolin-el-camino-de-los-viajeros.html

Gaceta Literaria: http://gacetaliterariavirtual.blogspot.com.ar/search?updated-max=2013-04-01T06:24:00-03:00&max-results=20&start=5&by-date=false

Newsletter Nª 16

2014-09-07T03:36:00.000-03:00

Una sombra maldita

Miguel Ángel Morelli

FICHA TÉCNICA

Editorial: EDICIONES SALIM

Lugar de edición: Buenos Aires

Año de edición: 2014

Cantidad de páginas: 80

Ilustración de tapa e interiores: Oswal

Colección: Epílogos

Director de la colección: Pablo Canalicchio

Peso: 500 gramos

ISBN: 9789871998807

Una sombra maldita es el título del nuevo libro del escritor y periodista quilmeño Miguel Ángel Morelli, de reciente aparición. Pero, a diferencia de sus obras anteriores, esta vez se trata de un texto dedicado a la platea infantil. “Ha sido mi primera experiencia en estas lides –explica el autor-, y llegué seguramente impulsado por mi rol de abuelo. Toda una vida intentando dominar la palabra, especialmente la poética, para venir a descubrir ahora que la palabra más clara es aquella a la que acceden los niños.

Después el lenguaje se nos va enturbiando, escondiendo detrás de las veladuras propias del hacer de los adultos. Picasso decía que se había pasado la vida intentando volver a pintar como un niño, y Borges alguna vez confesó que con el tiempo solo le preocupaba la simpleza. Simpleza que no implica falta de complejidad, desde luego, porque el universo infantil es cualquier cosa menos lineal”.

El libro de Morelli es una recreación libre de El ombú, el célebre cuento de Guillermo Enrique Hudson. «La propuesta que nos hicieron los editores fue la de contarles a los chicos, a través de un texto propio, al menos el espíritu, el clima de una obra clásica. No recrearla propiamente, pero sí filtrarla en nuestro texto. Yo elegí a Hudson porque creo que los argentinos seguimos en deuda con él, uno de los mayores prosistas de la lengua inglesa de los siglos XIX y XX, pero que paradójicamente nació en Quilmes y jamás escribió sobre otro asunto que no fuera nuestro país».

Cuando le preguntamos sobre la principal dificultad con la que tropezó al tener que trasladar al lenguaje infantil un texto “fuerte” como es el de Hudson, Morelli se toma su tiempo antes de respondernos. Después reflexiona: “La primera dificultad fui yo mismo, claro, mi propia inexperiencia. Uno se desplaza dentro de determinados registros lingüísticos que, invariablemente, a medida que pasa el tiempo van excluyendo lo extraño. Lo extraño, para mí, era el decir de los más chicos, su propio registro. Muchas veces, cuando escuchamos hablar a un docente, le encontramos un tono aniñado; pues bien, se trata de la pregnancia propia del lenguaje. A medida que vamos perdiendo trato con los chicos, vamos perdiendo esa coloratura. Podría decir que tuve que recuperarla, cosa que espero haber logrado… El cuento de Hudson es, efectivamente, muy directo y cruel (raro en alguien de una prosa tan delicada como lo es la suya), de modo que ahorré descripciones, resigné detalles. Sin embargo, no suprimí los hechos en sí, porque nada nos indica que el universo de los niños sea menos violento que el de los adultos. Al contrario, la literatura infantil es una herramienta formidable para preparar a aquello que en no mucho tiempo tendrán que enfrentar un mundo cada día más hostil”.

Una sombre maldita fue ilustrado por otro quilmeño, el maestro Osvaldo Viola (Oswal), de dilatada trayectoria como historietista dentro y fuera de nuestro país, y formador además de varias generaciones de artistas. Como se recordará, Oswal fue el creador de Sonoman, el primer superhéroe argentino, que durante una década hizo las delicias de los fanáticos del género desde las páginas de Anteojito.

Sobre el Autor

MIGUEL ÁNGEL MORELLI, nacido en Coronel Suárez, Pro. de Buenos Aires, Argentina,1955. Poeta y Periodista. Es Lic. en Cs. de la Información (U.N.L.P). Periodista. Trabajó, entre otros medios, en El Cronista Comercial, Clarín, Vosotras y La Nueva Provincia. Publicó, en poesía: Piedra blanca sobre piedra negra (Buenos Aires: 1980), Los signos de fuego (Buenos Aires: 1989), Fragmentos de un cielo impenetrable (Buenos Aires: 1998), Humanos, casi humanos (Dakota, USA, 2009), edición académica trilingüe a cargo de Luis Alberto Vittor, María Eugenia Gantus y John A. Morrow; Despojos (Buenos Aires: 2009). Para niños: Una sombra maldita (Buenos Aires, 2014). Tiene un libro, próximo a salir: Razón de intemperie.

Newsletter Nº 15

2013-05-29T03:05:00.000-03:00

Los que fueron

Cecilia Romana

Ficha Técnica:

Editorial: EDICIONES CABIRIA

Lugar de Edición: Buenos Aires

Año de Edición: 2012

Colección: Vidanueva

Páginas: 62

ISBN 978-987-25945-2-7

El viernes 31 de mayo se presentara en la Biblioteca Nacional el nuevo libro de Cabiria ediciones, Los que fueron, de Cecilia Romana, poemario con el que obtuvo el Segundo Premio del Fondo Nacional de las Artes de 2011 con un jurado integrado por Cristina Piña, Jorge Consiglio y Salvador Gargiulo. La edición estuvo al cuidado de Diego Bentivegna y Mateo Niro.

El paisaje de la intimidad

Entre otras cosas, la poesía siempre es una indagación en torno a lo que cada uno atesora, no sólo del presente sino también de lo que con mayor o menor nostalgia y dolor ha quedado atrás. En el poema algo de ese universo destinado a consumirse queda resguardado con una coloración y un timbre propios, confirmando que los versos suelen tener la virtud de acomodar lo vivido –para que quizás incomode menos– y darle un nuevo sentido a la experiencia. Algo así sucede con Los que fueron, el nuevo libro de la poeta y ensayista bonaerense Cecilia Romana, donde los poemas convergen en un punto singular: el orden de la intimidad con sus preguntas y respuestas que a veces pugnan por ser escritas. Una voz mesurada, precisa y sin estridencias, con múltiples aunque en muchos casos agazapadas referencias literarias y culturales, que registra algunos momentos del presente y también aquellos que la memoria ha necesitado recuperar y poner en palabras. En unos se trata de episodios de la adolescencia, en otros de los encuentros con su hermano, o los que se detienen en la casa familiar y el mandato paterno: “Quieren que me case/ con un dentista. Es/comprensible./ Pero si les doy el gusto ahora,/ mañana querrán que entre/ en el cuadro/ de honor de la universidad” (“Maipú”). También están aquellos que se ocupan de los diversos espacios y momentos en que surgió el amor, como el del personaje que huye incapaz de resistir un plan: “Finalmente, no se trata de rebatir la posibilidad/ de que el amor eche raíces a la segunda cita, sino/ de un acto más ruin todavía: quemarle los gajos.// El plan que trazamos aquella tarde –¿te olvidaste,/ acaso?–, me refiero a la orientación de los cuartos, la/ grilla de horarios en que cada uno dispondría de/ la máquina, bastó un llamado telefónico para/ que se esfumara con la resolución de un conscripto.” (“Una alfombra para dos escritores”). Sin embargo, rebelde y a la vez ansioso por encontrar certezas en el amor, este sujeto poético también desea preservar su identidad y no disolverse en el otro: “La bufanda en el perchero. No alcanzo/ a ver/ dónde acaba.// Hay longitudes que me cuesta/ abarcar/ de una sola vez. // No pienso destejer mi vida/ para darte/ una mujer nueva.” (“El tejido como resistencia”). A su vez, la inclinación a buscar un refugio en los perros, en esos animales que se entregan con devoción y con un protagonismo destacado: “Nada del otro mundo:/ otra boca/ que alimentar, algo que/ de verdad me necesite” (de “Fox”). A pesar de que, como los seres humanos, con sus señales vaticinan la futura huida: “Él también buscará refugio/ en otra”. (“Terrier”). Con una voz a veces lúcida, otras ingenua, estos poemas no están cerrados sobre sí mismos sino abierto al lector: para que se vea, para que se pregunta y para que especule y complete algunas de las posibilidades presentes explícitamente o entrelíneas. Además de este libro, el quinto de su obra, Romana ha publicado Flotas, hangares y otros trabajos mecánicos, Aviso de obra (Premio Sor Juana Inés de la Cruz), No lo conozcas (Premio Internacional Jaime Sabines) y El libro de los celos.

Gustavo Pablos

Un registro del mundo en el detalle

Cecilia Romana ha sido y sigue siendo una aventurera entusiasta de las ocasiones literarias. Y digo “aventurera” como quien dice: la producción y la circulación de la poesía es un ejercicio cargado de alegría, unido indefectiblemente a la amistad como asociación de intereses comunes, espacio de arrojo vital y poético. Aventurera, además, porque la ocasión de la literatura es siempre un impulso hacia lo que todavía no ha sido dicho. Fundadora con Marina Serrano y Mercedes Araujo del sello Sigamos enamoradas (tal vez uno de los intentos más genuinos por desarropar a la poesía de sus tufos académicos, solemnes y bastardos), esta poeta bonaerense nacida en Martínez a mediados de la década del setenta, residente y conocedora alucinada de la ciudad de Santa Fe, obtuvo en 2006 el prestigioso Premio de Poesía Iberoamericana Sor Juana Inés de la Cruz (Conaculta, México), y además de publicar poesía (Flota, hangares y otros trabajos mecánicos, Ediciones del Copista, 2004; No lo conozcas, 2006, merecedor del Premio Internacional de Poesía Jaime Sabines, entre otros títulos), también escribe narrativa para niños (Fue acá y hace mucho. Antología de leyendas y creencias argentinas, en Kapelusz editora), edita antologías (Hotel Quequén I, II y III) y participa en libros de texto como colaboradora de Kapelusz, la centenaria editorial escolar.

En Los que fueron se diría que hay un sino de profeta, una voz que sentencia y desgrana su tradición en el mundo de los antiguos griegos, los hebreos bíblicos, la fauna del horóscopo chino. Se trata de una serie de poemas que beben de las mamas ancestrales de la Naturaleza, del ciclo (ritual) de la sucesión de la vida. En efecto, una poesía profundamente primitiva en sus evocaciones y gestos, asociada al despertar de la vida como estado salvaje, al destello de lo que busca abrirse paso a través de la máscara ominosa de las culturas urbanas: tal vez por eso casi no hay mención de la Ciudad de Buenos Aires; sí, en cambio, de algún barrio de Santa Fe capital, donde Romana residió unos años, y de espacios y tiempos de la Zona Norte del Gran Buenos Aires (Maipú, la avenida principal de Vicente López). También recuerdos de infancia, es decir, de ese relato primario que es prehistoria de identidad y futuro. La única alusión de una calle porteña (la palermitana Honduras, en el poema “Una alfombra para dos escritores”) registra una experiencia amorosa fallida. Una poesía que encuentra lo esencial de la experiencia humana en lo que ésta tiene de primigenia, abarrotada y caótica (mítica). El libro se abre con una cita del gran poeta griego Capetanakis: ... la sempiterna ambigüedad de las cosas/ que hace que nuestra vida signifique muerte, nuestro amor sea odio, y se cierra con el mismo espíritu (los versos finales del último poema del libro “Terrier”, dicen esto: ... sobre esta brutalidad construiré nuestro amor).

Por eso, este poemario evoca a Tiresias, el sabio ciego de la tragedia griega (el género de Dionisio, origen del teatro, dios del ciclo vital que se hace trizas y vuelve a vivir; dios del desenfreno: Un día una noche estaba borracho y me dijo: te quiero mucho, mucho, mucho, se lee en “Una noche-un día”), trae a los indios, y a los soldados, los regimientos, la guerra, es decir, a esos actores de la largas luchas intestinas previas a la instauración del Estado nacional. Por eso, hay San Francisco (el “santito” de la oda eterna a la Creación, a la naturaleza, a los animales), y hay tierra, flores y otros modos de resistir las mediaciones de la civilización técnica. La evocación del mundo dionisíaco, decíamos, pero también de la fuerza vital de Nietzsche o de la amenaza al Ser de Heidegger; un persistente olor de temas y tópicos también preurbanos, los de la poesía española medieval: Querrías ser mi hijo, soldado, piensa en “Gajes del ama de casa”).

Como señala uno de los poemas (hay una cierta fijación por el detalle), la forma de la enunciación en que este sujeto poético quiere construirse encuentra un registro del mundo en el detalle, en los intersticios o huecos; mira con lúcida sorna lo que queda fuera del poema (en particular, a los varones, a quienes reverencia con afán maternalmente erótico), y ese mundo se levanta en el poema evocado por una voz aniñada que, la mayoría de las veces, no comprende bien lo que allí sucede. Entre esas formas, se cuela también una rebeldía nunca colérica, más bien risueña, al estilo de la Alicia de Carroll, o maravillada, como la que nos entregó para siempre el pequeño Rimbaud. Rebelión que es pregunta, tristeza, despabilo.

Como las mujeres que habrán sido sus abuelas o tías, que mirarían por la ventana mientras zurcían calcetines, el mundo del que esta Romana se preserva tiene espacios privilegiados: la casa y el barrio, los baldíos, las flores y los animales, un marido y una hija, un amor para siempre.

Querría, querido lector, invitarlo con especial recomendación a leer este libro. Ya se sabe: se edita poesía a través de premios y premiaciones, proyectos independientes. Pero las tiradas son chicas, y la distribución, escasa. No hay duda de que la mejor manera de acceder hoy a la poesía es a través de Internet. ¡Quiera el editor de Cabiria desparramar estos versos por el mundo a través de la web! Tendrá usted, entonces, la ocasión de asomarse a una poesía que guerrea contra la automatización de la vida. Y que busca refugio en los espacios más inmediatos (a diferencia de los grandes proyectos estéticos del siglo XIX, en los cuales todo estaba lejos de casa), en los que Romana asienta todo su proyecto poético.

Diego Di Vincenzo

El Litoral

Sobre la autora

CECILIA ROMANA nació en Buenos Aires en 1975. Es poeta y licenciada en Artes y Ciencias del Teatro. Publicó: Flota, hangares y otros trabajos mecánicos, (2004); Duelo –junto a Mercedes Araujo y Carolina Esses- (2005); Aviso de obra, con el que obtuvo el Premio de Poesía Iberoamericana Sor Juana Inés de la Cruz, 2006 (México, 2008); No lo conozcas, con el que obtuvo el Premio Internacional de Poesía Jaime Sabines 2006 (México, 2007); El libro de los celos, Segundo Premio Poesía Fondo Nacional de las Artes 2009 (2010); Los que fueron, Segundo Premio Poesía Fondo Nacional de las Artes, 2011 (2013); ¡Canta, musa! Los más fascinantes episodios de la guerra de Troya, un libro de relatos infantiles junto a Diego Bentivegna (2009), Fue acá y hace mucho (2009), Cuentos folclóricos de la Argentina (2009), y Cuatro relatos medievales (2013). Bajo su curadoría, el sello Sigamos Enamoradas, del que es editora, publicó la antología de poesía argentina Hotel Quequén, en 2006, la antología de narrativa nacional Hotel Quequén II, en 2008 y la antología de poesía latinoamericana Hotel Quequén III, en 2009. Sus poemas han sido traducidos al francés en Canadá (Exit) y Bélgica (Maison de la poésie) y forman parte de antologías argentinas y latinoamericanas. Colabora en las revistas Fénix (Córdoba) y Hablar de Poesía (Buenos Aires), como así también en el diario El Litoral, de Santa Fe.

Newsletter N° 14

2013-04-20T23:44:00.001-03:00

En el marco de la 39a Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, Ediciones Corregidor tiene el agrado de invitarlos al lanzamiento de la colección:

EALA (Ediciones Académicas de Literatura Argentina)

siglos XIX y XX

Directora general: Dra. María Rosa Lojo

(CONICET- UBA- Universidad del Salvador)

Co-director (Siglo XX): Dr. Jorge Alejandro Bracamonte

(CONICET- Universidad Nacional de Córdoba)

El evento tendrá lugar el miércoles 8 de mayo a las 19.30 en la Sala Victoria Ocampo.

Hablarán: María Rosa Lojo, Jorge Bracamonte, Hebe Molina, y Ana María Zubieta.

La presente colección se propone incorporar, bajo el amplio rótulo de “ediciones académicas”, las ediciones críticas propiamente dichas, las crítico-genéticas y las eruditas en general de textos e autores canónicos que aún no han tenido ediciones académicas o cuyas ediciones académicas anteriores se consideran incompletas o susceptibles de una mejora sustancial; de textos que aún no forman parte del canon académico pero que podrían formarlo con fundadas razones y de obras valiosas por sus aspectos documentales que, más allá de su eventual valor literario, aportan al conocimiento de una época, de un mundo cultural. Bajo la dirección general de la Dra. María Rosa Lojo (CONICET- UBA- Universidad del Salvador) y co-dirección del Dr. Jorge Alejandro Bracamonte (CONICET- Universidad Nacional de Córdoba), un Comité Ejecutivo interno y una Comisión de Referato Internacional (formada por especialistas argentinos y extranjeros), Corregidor pone por primera vez al alcance del público, sobre todo el universitario y especializado, aunque sin cerrar las puertas al lector culto en general, una colección inigualable en el campo de la literatura argentina.

Adán Buenosayres. Leopoldo Marechal. Edición crítica de Javier de Navascués. Adán Buenosayres (1948) de Leopoldo Marechal, novela en clave de la vanguardia argentina, recuento autobiográfico y summa narrativa de valor insoslayable, fue desestimada en su día por prejuicios ideológicos. Aunque el tiempo le ha ido otorgando el puesto que le correspondía, la novela de Marechal encierra todavía hoy multitud de tesoros por descubrir. La presente edición tiene en cuenta, por primera vez, prácticamente la totalidad de los manuscritos previos y cuadernos de apuntes que redactó el autor alrededor de su novela. Además, un frondoso aparato de notas explica los riquísimos materiales que convergen en esta obra maestra de la literatura argentina.

Diario de viaje a oriente (1850-1851) y otras crónicas del viaje oriental. Lucio V. Mansilla. Edición, introducción y notas de María Rosa Lojo, con la colaboración de Marina Guidotti, María Laura Pérez Gras y Victoria Cohen Imach.

La edición crítica del Diario de viaje a Oriente (1850-1851), y otras crónicas del viaje oriental, de Lucio V. Mansilla, permite por primera vez el acceso del público lector a dos manuscritos ológrafos, hasta ahora inéditos, que dan cuenta del extraordinario periplo realizado por su autor a la edad de dieciocho años. Son aportes de esta edición: el análisis de las variantes textuales surgidas de la comparación entre uno y otro manuscrito –borrador y versión parcial corregida–, los vínculos con la literatura de viaje posterior del propio Mansilla, su ubicación dentro del contexto histórico, cultural y biográfico, la restauración, para lectores del siglo XXI, de ambos textos decimonónicos (que añaden, además, una invalorable fuente de datos al estudio del español bonaerense de mediados del siglo XIX), y la mostración de su perdurable y decisiva impronta genética en el imaginario y la cosmovisión mansillanas.

Cuentos (1880). Eduarda Mansilla de García. Introducción y notas de Hebe Beatriz Molina

Eduarda Mansilla de García (1838-1892) es la escritora más enigmática del siglo XIX argentino. Hija de Agustina Rosas y del general Lucio Norberto Mansilla, se enorgullece de ser una de las pioneras de la literatura para niños por sus Cuentos (1880). Si bien sigue los modelos de La Fontaine, Andersen, Laboulaye y la condesa de Ségur, sus cuentos son muy originales: oscilando entre lo real y lo maravilloso, presentan personajes queridos por los más pequeños –otros niños, animales domésticos, objetos de su entorno– que se mueven vívidamente en el mundo cotidiano de Buenos Aires. Junto a la enseñanza moralizadora propia del género, Mansilla manifiesta su aprecio por la fantasía infantil y su cosmovisión cristiana de la vida. Los “Cuentos de Eduarda” –según los bautiza Sarmiento– muestran, además, un estilo narrativo muy moderno, por lo que resultan atractivos aun para los lectores de hoy.

De próxima aparición:

Los Juegos peligrosos. Olga Orozco. Edición crítica y anotada de María Elena Legaz. Selección bibliográfica de Gabriela Carrión.

Para mayor información puede contactarse con nosotros.

Cordialmente,

Norberto Gugliotella

norberto@corregidor.com

Newsletter Nº 13

2011-08-26T21:25:00.000-03:00

Victor Hugo
Los Djinns
Editorial Serapis, 2011, 117 pp.

La Editorial Serapis (Rosario, Argentina) acaba de publicar Los Djinns de Victor Hugo en una edición políglota en francés, español, alemán, portugués e inglés.

El poema Los Djinns de Victor Hugo, aparecido por primera vez en Las orientales (1829) y desde entonces dechado y paradigma para los escritores románticos, apela a diferentes recursos para generar tanto el dinamismo de lo invisible como sus efectos en una conciencia singular: el estremecimiento ante lo imaginario mezclado con lo real es fijado en los versos de Hugo en un intento por describir poéticamente lo indescriptible. Los Djinns simboliza también una amarga constatación de la yanna, como percepción de lo ambiguo, lo incierto y desconocido.

El presente volumen actualiza el poema trasladándolo al español, alemán, portugués e inglés, en versiones de Sonia M. Yebara, Ralf Tauchmann, Betty Vidigal y Cloudesley Brereton, respectivamente, configurando una suerte de caleidoscopio políglota enriquecido, además, con los comentarios a las respectivas versiones. En su estudio preliminar, la editora, Sonia M. Yebara, Directora de la Escuela de Letras de la Facultad de Humanidades y Artes de la Universidad Nacional de Rosario, analiza la obra e introduce la lectura, exégesis que completa el epílogo a cargo de Luis Alberto Vittor, Coordinador del Área de Estudios Árabes e Islámicos del Centro de Estudios Orientales de la Facultad de Humanidades y Artes de la Universidad Nacional de Rosario. A modo de apéndice se reproduce en formato facsimilar la edición de Les Djinns publicada en 1832.

Los Djinns
Victor Hugo
Rosario, Serapis,
2011.

Variaciones sobre un poema exótico

Desde su título, el poema apuesta al exotismo. En el exhaustivo «Estudio preliminar» que abre el volumen de Serapis, Sonia Yebara apunta:

el vocablo djinn, por sí solo, desencadena la imaginación, convoca inmediatamente a Oriente, acercándonos —en la distancia de la lengua extranjera— la teología y la metafísica islámicas. En el universo mágico de Muhammad, los djinns son seres de naturaleza angélica que, aunque invisibles, comparten el universo físico con los hombres y pueden, en virtud de su capacidad de metamorfosis, llegar a hacerse tangibles (transformándose en víboras, escorpiones, dragones, etc.).

Hay que señalar que esta primera aproximación al vocablo es complejizada por el extenso epílogo del libro, donde Luis Alberto Vittor explora la definición de los djinns (o yunnun) en la tradición islámica no sólo como criaturas imaginarias sino en un sentido más antropológico y definitivo. En el poema de Hugo, los djinns aparecen con una potencia sobrenatural: asistimos en el medio de la noche a una invasión de estos seres, que irrumpen en el silencio nocturno, arrasan con todo a su paso y desaparecen. La percepción de la estampida descrita en el poema es reproducida por la estructura misma del texto. Porque «Les djinns» es exótico en otro sentido, el formal, y en este punto quiebra convenciones clásicas:

es un artefacto romboidal perfecto, que se construye a través de un crescendo y un decrescendo estróficos: se inicia con una estrofa de versos bisílabos, asciende de modo gradual hasta una estrofa decasílaba y luego comienza a disminuir, también gradualmente, hasta cerrarse otra vez en una estrofa bisílaba. De esta manera,el poema es la percepción del «enjambre de los djinns» como un sonido que crece en intensidad para luego extinguirse.

Pero este título de Serapis no pretende ser la edición crítica de un poema de Victor Hugo, sino que propone, como ya lo señalamos, un ejercicio de otra índole. Algún lector podría preguntarse cuál es el propósito de una edición políglota. Una respuesta posible, aunque no definitiva, sería esta: mostrar, a través del contraste entre la materialidad gráfica y sonora de diferentes lenguas, el poder multiplicador de la traducción. La traducción propaga textos, imágenes de textos, y ese acto reproductor tiene lugar gracias a la diferencia pura. Cada versión de «Les djinns» materializa, a través de las posibilidades y los límites de la lengua en la que se escribe, una lectura del poema de Hugo. Cada una de las versiones, además, está acompañada por una nota redactada, en casi todos los casos —a excepción de la versión inglesa, realizada por Cloudesly Brereton en 1910— por el traductor. Estas notas exponen el modo en que cada traducción se organiza como un repertorio de elecciones: la versión castellana conserva «la estructura romboidal del poema francés», la «organización estrófica» y el «esquema rímico ababcccb»; la versión portuguesa deja de lado ese esquema; la versión inglesa decide conservarlo; la versión alemana prescinde de los encabalgamientos pero elige reproducir las asonancias y las rimas. Estas decisiones modelan ese objeto paradójico que es el texto traducido: algo que intenta asemejarse a un texto «original», pero que nunca lo consigue del todo, porque afortunadamente ya es otra cosa.

Santiago Venturini
Universidad Nacional del Litoral − CONICET

El hilo de la fabula, 13 14 de noviembre de 2013

Publicación de la que participa como editora y traductora la profesora Sonia Yebara de la Universidad Nacional de Rosario: Los Djinns de Victor Hugo.

La Editorial Serapis (Rosario, Argentina) acaba de publicar Los Djinns de Victor Hugo. Edición políglota en francés, español, alemán, portugués e inglés. El poema Los Djinns de Victor Hugo, aparecido por primera vez en Las orientales (1829) y desde entonces dechado y paradigma para los escritores románticos, apela a diferentes recursos para generar tanto el dinamismo de lo invisible como sus efectos en una conciencia singular: el estremecimiento ante lo imaginario mezclado con lo real es fijado en los versos de Hugo en un intento por describir poéticamente lo indescriptible. “Los Djinns” simboliza también una amarga constatación de la yanna, como percepción de lo ambiguo, lo incierto y desconocido.

El presente volumen actualiza el poema trasladándolo al español, alemán, portugués e inglés, suerte de caleidoscopio políglota enriquecido, además, con los comentarios a las respectivas versiones. En su estudio preliminar, la editora, Sonia M. Yebara analiza la obra e introduce la lectura, exégesis que completa el epílogo a cargo del distinguido especialista Luis Alberto Vittor. A modo de apéndice se reproduce en formato facsimilar la edición de “Los Djinns” publicada en 1832.

Edición, estudio preliminar, versión española y notas de Sonia Mabel Yebara (Directora de la Escuela de Letras de la Facultad de Humanidades y Artes de la Universidad Nacional de Rosario y Directora del Centro de Estudios Orientales de la Facultad de Humanidades y Artes de la Universidad Nacional de Rosario). Epílogo a cargo de Luis Alberto Vittor (Coordinador del Área de Estudios Árabes e Islámicos del Centro de Estudios Orientales de la Facultad de Humanidades y Artes de la Universidad Nacional de Rosario).

Versión alemana y notas de Ralf Tauchmann.
Versión portuguesa y notas de Betty Vidigal.
Versión inglesa de Cloudesley Brereton;
Notas de Gervasio Javier Fierro

Boletín de la Asociación Argentina de Literatura Francesa y Francófona; 11, junio de 2011

Los Djinns

Esta edición de Los Djinns (Editorial Serapis, Rosario, 2010) no es una traducción ni tampoco el poema de Victor Hugo. Sí es, en cambio, la idea más simple y vasta de la literatura: representar lo que, de hecho, no puede representarse.

Semejante afirmación resultaría difícil de sostener sin agregar que la cuidada edición políglota (español, alemán, portugués e inglés) del texto original en francés (facsímil incluido) es una excelente excusa para sumergirse en uno de los aspectos fundamentales de la condición humana, el posible origen de su derrotero, su mayor horizonte y su mayor miedo. Lo oculto, escenificado por estos genios terribles y caprichosos de la mitología musulmana, los Djinns o Yunnun (plural de Yinn), es al pensamiento lo que el abismo al espacio y la eternidad al tiempo.

Tal vez las sombras de la muerte y del tiempo sean los dos mayores vicarios de lo oculto. Puede que los mortales se vuelvan sombríos justamente por su condición efímera, o que la consciencia de la penumbra ponga a correr un reloj vacío desde siempre. Pero sabemos que la muerte es probable porque existen los cementerios, así como el amanecer lo es porque recordamos muchos atardeceres. Entonces la sospecha de que la muerte y el tiempo están ocultos, vedados por el futuro, los designios y el deseo, se hace inevitable: si el futuro (algo que no está presente) determina nuestro tiempo (algo que necesariamente debe estar presente), ¿lo presente no dependería de lo ausente? ¿El recuerdo del olvido? Esta incertidumbre es ineludible porque es la misma que afecta las palabras, cuyo significado depende de los intersticios del texto (lo que se remite, se sugiere, se calla: los espacios en blanco que debe llenar quien lee); acaso la misma incertidumbre que nos hace pensar si nosotros mismos, nuestro ser, al igual que el ser de las letras, no depende de las ausencias y las desapariciones. Como un Yinn que toma la forma de muchos seres y objetos, lo inefable, paradójicamente, es omnipresente.

Esta edición de Serapis a cargo de Sonia Mabel Yebara es pertinente para traductores y poetas, pero no es una pérdida de tiempo para quienes les interese el intrincado proceso de transmitir sentido en general, es decir, la traducción en su sentido más amplio, como diálogo entre muchas voces. El juicio en sí de algunas traducciones, dado que este lector no conoce todos los idiomas disponibles, es parcial y presuntivo; es más, se podría decir que para este lector las traducciones al alemán y al portugués están todavía demasiado ocultas. Pero juzgando por la traducción al español y al inglés, es probable que las otras traducciones sean igual de interesantes. Quienes conozcan estas lenguas tranquilamente podrán refutarme.

El libro cuenta con un estudio preliminar de la editora y cada traductor justifica sus decisiones en las notas adjuntas, que a su vez entregan un pequeño curso de prosodia. En este caso, al preponderar la música y la métrica, se pone especial cuidado en el análisis del sonido y de la colocación de las palabras al buscarse equivalencias que logren transmitirnos las mismas sensaciones del texto original.

Otro punto alto del libro es el epílogo de Luis Alberto Vittor, que hace una profunda genealogía de la palabra yinn consultando fuentes exóticas del Islam y cruzándolas con referentes textuales más conocidos del occidente. Fruto de la asociación libre, el autor termina por relacionar el inconsciente freudiano con estos genios del mundo infernal, aduciendo que «[…] los yunnum o genios son las fuerzas que mueven y revuelven […] los infiernos o inferos del alma […] abismos de la intimidad humana […]». De alcance teológico, el texto refleja con fidelidad cómo la religión, en este caso desde la visión musulmana, trató de acaparar el pensamiento de lo oculto al mismo tiempo que señalaba con insistencia los peligros de hacerlo.

En el mentado poema romboidal, Victor Hugo nos relata con un canto oscuro y cadencioso la historia de un grupo de personas que busca refugio del embate repentino e impiadoso de los Djinns; una oportuna plegaria los salva de su ira. Desde tiempos remotos y en diferentes culturas, lo oculto, porque no se ve, porque no puede verse, porque no está, porque no puede ser, porque no existe, es la representación más compleja y lúgubre de la realidad más simple: lo imposible de representar. El logos (razón) totalitario de los grandes sistemas filosóficos y el Dios de las religiones monoteístas que siguieron su curso, son ejemplos del alcance que pueden llegar a tener estas innombrables ausencias. Y el hecho de que la Razón y Dios hayan reclamado su monopolio y castigado impiadosamente las infracciones son indicios del potencial liberador que puede tener en los individuos. ¿Es posible que los traductores y escritores sostengan este oxímoron (la escritura de lo oculto) sin caer en la ignominia? Supongo que Los Djinns es un argumento a su favor.

Gabriel Cirelli

eSe Revista Literaria

Victor Hugo en edición políglota; reseña del libro: Hugo, Victor (2010). Los Djinns. Edición políglota francés, español, alemán, portugués e inglés. Edición, estudio preliminar, versión española y notas de Sonia Mabel Yebara. Versión alemana y notas de Ralf Tauchmann. Versión portuguesa y notas de Betty Vidigal. Versión inglesa de Cloudesley Brereton; notas de Gervasio Javier Fierro. Epílogo de Luis Alberto Vittor. Con edición facsimilar del poema (1832). Rosario (Argentina): Editorial Serapis (Serie Traslaciones, nº 3), 117 páginas.

El libro que nos presenta Sonia Mabel Yebara en esta ocasión es, sin duda, una pequeña joya en el panorama reciente de la edición en español sobre la traducción literaria. Representa una experiencia muy interesante y bastante insólita: la traducción políglota (español, alemán, portugués e inglés) a varias manos de un poema, en este caso, de Victor Hugo, titulado Les Djinns, que se recogió en Les Orientales (XXVIII).

El librito en cuestión, de apenas 120 páginas, incluye, además de la edición facsimilar del poema, que es de 1832, y, naturalmente, de las traducciones a las diferentes lenguas que ya hemos mencionado, el comentario de cada traductor sobre su propuesta traductiva y las dificultades halladas en ese proceso, comentarios que preceden a las mismas. La edición se completa con un extenso, documentado e interesantísimo estudio preliminar de la responsable de la edición, Sonia Mabel Yebara, y un no menos extenso, documentado e interesante epílogo de Luís Alberto Vittor sobre los “Yunnun” o genios que pueblan los bestiarios del Islam.

En su estudio, Yebara sitúa y enmarca históricamente el origen del interés de Victor Hugo por Oriente (que se pone de manifiesto en el prólogo a la edición de Les Orientales de 1829): un Oriente visto por el autor como la tendencia por excelencia del siglo XIX, en una especie de “ailleurs dilatado”, más que en su referencia geográfica concreta, y a través del cual considerará su literatura no tanto como literatura romántica, sino “revolucionaria” (en alusión directa a las diferentes oleadas revolucionarias que se produjeron en el siglo XIX). Frente a esto, Yebara contrasta muy acertadamente estas posiciones con la reflexión sobre el orientalismo que se ha dado recientemente en la crítica, y muy especialmente -como no podía ser de otro modo- con los planteamientos de Edward Said, para quien Oriente, como constructo social, nos confronta con un romanticismo que no solo pone de manifiesto el carácter revolucionario que mencionaba Hugo, sino también el fuerte impacto que el orientalismo tuvo en los escritores y artistas del siglo XIX, en los cuales se observa recurrentemente esa misma necesidad de viajar (ya sea de modo real o imaginario) a Oriente: Chateaubriand, Lamartine, Gautier, Nerval, Flaubert, o bien Hugo, son buenos ejemplos de ello.

Así las cosas, Yebara se interroga sobre qué significó Oriente para Hugo. Y entende que, en primer lugar, su interés se inscribe en esa fascinación (que mostraron otros autores de principios del siglo XIX) por lo que F. Schlegel dio en llamar el “ex oriente lux”, y que habría de dar lugar a múltiples y variadas representaciones artísticas (literarias o no) a lo largo del siglo XIX, caracterizadas por un derroche de lujo, crueldad, lujuria, codicia, perfumes, sangre..., en lo que justamente Yebara describe como un “reservorio de extrañeza” de un exotismo estereotipado y reiterado hasta la saciedad. Pero, en segundo lugar, no hay que olvidar que la invocación a Oriente permitía a Hugo también escapar a la estética del Ancien Régime, anclado en un clasicismo petrificado, y experimentar temática y métricamente nuevas vías de expresión literaria.

Esta suerte de liberación estética, que cristaliza en torno a Les Orientales (1829), se fue profundizando y definiendo desde las Odas y baladas (1826). Al situar la obra en el contexto de la producción huguiana, Yebara evidencia como muchos de los rasgos ya presentes en las baladas acaban cristalizando en Les Djinns, donde la apelación a esos espíritus que nos transportan a una especie de aquelarre medieval le sirve al autor para vehicular una sensación de angustia lúgubre y un temor visceral hacia lo desconocido.

Los “djinns”, en efecto, son figuras que nos remiten inmediatamente a un mundo oriental. Se trata de seres de naturaleza angélica, según el universo mágico de Muhammad: seres de fuego, invisibles en general, pero que pueden compartir el universo de los humanos transformándose en víboras, escorpiones, dragones, etc. Pero, ante todo, los “djinns” son un símbolo de lo diverso y del temor que lo ignoto nos suscita.

Esa “diversidad” se refleja también en varios otros aspectos clave del texto, que ponen de manifiesto su complejidad intrínseca. En efecto, el poema se muestra como cruce de lenguas (el francés del cuerpo del poema, el árabe de su título, y el italiano del Dante del Inferno de su epígrafe); como interrelación entre diferentes cosmovisiones (cristianismo e islam); como inscripción de elementos culturales y étnicos orientales en Occidente; como confluencia de diferentes momentos históricos (el presente -1829-, el Trescento al que se alude en epígrafe, y los tiempos inmemoriales a los que nos remite el Corán), etc. Por no mencionar el plano formal del poema, que explora la escala métrica (llegando hasta la octava, que es decasilábica), y que si por un lado nos sitúa en el Romanticismo, también evoca la tradición clásica (por ejemplo los poemas de Teócrito o la technopaegnia -o “juegos de arte”- de Simmias de Rodas), o bien la disposición versal de las makkus o anyali (es decir, los caligramas islámicos en espejo), con la importancia que reviste, como es sabido, la caligrafía en la cosmovisión islámica, pues remite al libro sagrado.

No hay duda de que el metro es portador de significado, y este poema constituye un buen ejemplo de ello, como se pone de manifiesto en la presentación del contenido del poema que nos ofrece Yebara en su estudio, y en la que se explica como la estructuración estrófica del poema, en su crescendo y decrescendo, apunta a una mímesis fundamentalmente sonora de los acontecimientos que sacuden a alguien que, en su pesadilla nocturna, alucina con una invasión devastadora de los “djinns”. En este sentido, Hugo utiliza a los “djinns” para poetizar sobre lo sobrenatural y sus efectos, sobre lo ignoto y las sensaciones que nos suscita, por lo que este poema anticipa, en gran medida, la poesía metafísica de su autor. Constituye un intento por describir poéticamente lo indescriptible, explorando no ya en las imágenes de los “djinns” -que son inexistentes-, sino en su dinamismo y en los efectos que causan en la conciencia del individuo, es decir, el estremecimiento, la angustia, el terror visceral… De ahí que predominen en el poema las imágenes poéticas referentes a los efectos de sonido, los impulsos, la agitación, el movimiento, incluso el paroxismo, en una poética que, como bien se ha dicho, se sustenta en la metamorfosis y se desarrolla en la oscuridad: en las alucinaciones nocturnas de un oyente ante la irrupción de lo ignoto.

El estudio preliminar de Yebara ofrece además el comentario, estrofa por estrofa, del contenido del poema, como subsidio al lector, e incluye unas pertinentes referencias bibliográficas al final del mismo. Le siguen las diferentes traducciones del poema que hemos mencionado al inicio, cada una de ellas precedida por un comentario del propio traductor sobre su versión. Interesantísimo el de la versión española, a cargo de la propia Yebara, más extenso también que los de las traducciones a las otras lenguas en esta edición políglota, que tiene el interés añadido de evidenciar las diferencias en esta operación múltiple de traducción. Cierra la edición, como decíamos, el epílogo de Luis Alberto Vittor que pone sobre la mesa la estrecha relación entre estos seres del bestiario islámico con ese Borges que, no por menos conocido, es en absoluto irrelevante: el del Libro de los seres imaginarios (de 1968), donde se incluye, como quizá recordará el lector, un artículo sobre los “Yinn”, esos seres que «revuelven el mundo infernal, los infernos o inferos del alma humana, esto es los niveles inferiores o abismos de la intimidad humana».

Un libro, en fin, absolutamente recomendable, de interés no solo para los amantes de la literatura francesa y los interesados en la traducción poética, como se puede deducir, que resulta de agradable y muy sugerente lectura. Como dijimos al principio: una pequeña joya.

Assumpta Camps
Universitat de Barcelona

Transfer X: 1-2 (mayo 2015), pp. 131-134. ISSN: 1886-5542
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Newsletter Nº 12

2010-10-24T19:48:00.000-03:00

Germán Arens

Los Ojos del Cordero

ARENS, Germán - Los Ojos del Cordero - Primera edición. Ediciones El Suri Porfiado. Buenos Aires [2010] - ISBN: 978-987-1541-24-9 - 48 pp.

Metafóricamente la mirada de este animal, es el propio libro. Una mirada que además lleva la carga de ser del cordero, animal que asociamos al sacrificio. De ahí que este libro sea un trabajo sobre el lenguaje sacrificado. Pero antes de que suceda.

¿A qué me refiero con un lenguaje sacrificado? Aquí: a los vestigios latentes de una tradición campera, a los lazos familiares-privados, a un religar del hombre a la tierra. Todo esto con naturalidad prosaica. Con un estilo fluido, llano, cercano, nada de radical. Pero cuya gracia va en la distancia -madura y nada afectada- con que ocupa su lugar de cronista poético en la familia. A pesar de lo prosaico nunca pierde el dejo de la poesía.

Ni se enfrasca en una letanía nostálgica y retórica sobre el pasado o sobre la vida rural. Escucha, deja hablar...lo que lo mantiene fresco, vivo....a pesar de ser también un viaje a la memoria y a la muerte (los misterios de la muerte a propósito del poema Cordero). Hablé de viaje. Bueno, todo libro que se precie de tal, lo es. Ahora, en particular, éste lo es de regreso. Y Arens (Bahía Blanca, 1967) -es el Ulises- que sabe nuevos trucos, curtido por la vida. Pero, claro, aquí no vuelve de la Guerra de Troya ni es su única tierra mientras Penélope tolera pretendientes dispuestos a desposarla. Es el hijo de los hijos que emigraron de la tierra, el nieto de los hijos pródigos, uniendo las distancias, atendiendo las diferencias.

En fin, Los Ojos del Cordero (El suri porfiado, 2010) a pesar de su demarcación rural, no pierde un ápice de generalidad y llegada a un publico citadino o culterano -con su sabiduría de citas, intertextualidad y rebuscamientos lingüísticos-. Ni la sabiduría del sentido común y del arraigo propios del carneado y siembra. Germán se mueve en ambas como pez en el agua. Comprende la raíz popular de la lengua viva, pero también los pilares que componen la culta. Y sabe conjugarlas con pericia, es decir, con simpleza.

No dejes de mirar por Los Ojos del Cordero.

Ernesto González Barnert

Desde Chile