¿Qué tal el verano?

Visto en Plano Cenital

Durante las últimas semanas se ha hablado mucho de todo esto en mi entorno. El cine es algo atractivo y exótico: llama la atención que alguien cercano se vaya a Hollywood. Cualquiera que me conozca lo justo sabe además de mi pasión, y seguramente ha sufrido más de un rollo entusiasta y gesticulante acerca de lo buenísima e imprescindible que es esta o aquella película. Es lógico por tanto que se haya generado bastante interés a mi alrededor. Yo he intentado distanciarme.

Me explico:

Es la primera vez que me voy a ver rodeado de un ambiente que hasta ahora he experimentando en la distancia y en soledad. La primera vez que dispondré de los medios, sin excusas, para acercarme a una vocación rara, célebre en su superficie pero llena de entresijos e incertidumbre -al menos desde aquí, desde la pantalla del ordenador, en mis libros, en la televisión del salón de mi casa. Dado el tiempo de mi vida dedicado a las películas y a la idea de ser profesional del cine, es imposible ignorar que la expectación es enorme y que, como consecuencia, me blindo por miedo a lo desconocido.

¿Qué espero, entonces, del curso?

Aprender. Muchísimo. Una barbaridad. No le temo al fracaso ni a la desilusión. No me exijo la genialidad y mucho me extraña que, manos a la obra, me venga abajo porque “esto del filmmaking… no sé”. Yo soy un alumno y voy a que me enseñen. Todo lo demás (divertirme, conocer gente, intoxicarme de cine hasta perder la cabeza), supongo que vendrá solo.

No sé por qué he esperado al último momento (mi vuelo sale en horas) para publicar que me iba. Podía haberme ido a la cama hace rato, pero siento que no puedo acostarme sin contároslo. Este blog ha sido testigo y parte, durante dos años, de mi pasión por el cine; y pase lo que pase, ahora más que nunca, tiene que seguir siéndolo. nosoydirectordecine se lo merece.

Hoy se cumplen 30 años de la muerte del director que mejor ha retratado las pasiones humanas, y el aniversario es una excusa perfecta para celebrar su obra. Nada de lo que aquí escriba puede transmitir una idea fiel de la experiencia de ver su mejor cine; así que hazte un favor: asómate a cualquiera de sus obras maestras, y mira.

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* Todas** están dirigidas por la misma persona: Alfred Hitchcock.

** La sombra de una duda
Marnie la ladrona
Crimen perfecto
Extraños en un tren
Con la muerte en los talones
Los pájaros
La ventana indiscreta
Encadenados
Psicosis
Vértigo

Scorsese, el ‘presionista

Martin Scorsese, siempre sensible a la historia del cine, a la evolución de técnicas y estilos, se ha empapado de otras películas como canales para liberar su propia visión, en la que las influencias son claras sin que por ello sea menos personal. David Borwell, historiador y teórico de cine, nos explica aquí como el director se ha valido de la manifestación cinematográfica de dos tendencias artísticas, el impresionismo y el expresionismo, para sugerir el estado mental de sus personajes.

Las mejores películas de Scorsese contribuyen a una rica tradición en la que el cine, habitualmente comprometido con la realidad objetiva, hace palpable lo que ocurre en nuestro interior.

La entrada del blog, como tantas otras, es una modesta y brillante clase de cine. (Está en inglés, of course, un idioma muy útil para esto de Internet).

Lynch el meteorólogo

David Lynch lleva sin informar al mundo del tiempo que hace en Los Angeles desde el 23 de febrero. Me preocupa que un conejo gigante le haya secuestrado de camino a la peluquería; y si me preocupo en vano porque sigue en su casa tomando café, es una descortesía abandonar los partes meteorológicos. Hay mucha gente que quiere saber qué tiempo hace en Mulholland Drive.

Actualización (29/04/2010): Ayer me escribió Lynch diciendo que había leído esta entrada (entiende bien el español y es fan del blog), que lo siente y que había actualizado el parte. Pinchando en el enlace podemos saber que ayer en Los Ángeles el cielo estuvo prácticamente despejado, que corría una fuerte brisa y que la temperatura era de 16 grados centígrados.

Buster Keaton, el héroe del río

Buster Keaton es uno de mis cineastas preferidos. Su álter ego es amable e íntegro, ejemplo de firme resolución en mitad del caos, de valiente determinación al borde del precipicio. No pide condescencia o aplauso, sus objetivos son humildes y sin embargo no es un conformista: si las circunstancias son adversas (y por suerte vaya si lo son) él, incansable, hace lo que esté en su mano para reestablecer el orden y alcanzar el final feliz. Y todo ello sin dejar un minuto de ser divertidísimo.

Pero eso es sólo mi impresión, y ni siquiera completa porque todavía no entiendo bien por qué me gustan tanto las películas de este tipo. Para comprender un poco mejor su cine, lo suyo es verlo primero -dvdgo tiene El héroe del río por poco menos de 6 euros, pero para los escépticos (”¿me voy a gastar 5,95 euros en una película muda?”) dejo este enlace en el podéis encontrar ésa y otras tantas buenísimas- y después, por ejemplo, leer el magnífico ensayo de Jim Emerson The Beauty of Buster. Again, en inglés; y sí, bajo el horrible diseño web de finales de los 90.

Las reacciones que tuve cuando vi este vídeo por primera vez parecían sacadas de una misa Gospel; a cada minuto sentí la necesidad -que por supuesto satisfice- de gritar con toda la fuerza de mis pulmones “¡AMÉN, HERMANO!”. Ahí quedaban expuestas, en toda su vergonzosa y triste realidad, las alarmantes deficiencias del sistema educativo (a nivel mundial), y la devaluación resultante de la creatividad humana.

La creatividad es tan importante como la alfabetización, y debería tratarse al mismo nivel.

Los niños no tienen miedo a equivocarse. No quiero decir que equivocarse sea lo mismo que crear, pero si no estás dispuesto a equivocarte, nunca darás con nada original. Cuando llegan a adultos, la mayoría de los niños han perdido esa capacidad. [...] Estigmatizamos los errores. En el sistema educativo lo peor que puedes hacer es cometer un error. El resultado es que estamos eliminando la creatividad mediante la educación.

Todos los sistemas educativos del mundo tienen la misma jerarquía: en lo más alto están las matemáticas y los idiomas, luego humanidades, y en lo más bajo la cultura y las artes. [...] Y en la gran mayoría, también hay una jerarquía en esto último: arte y música están mejor consideradas que arte dramático y baile. No hay un sólo sistema educativo en el mundo que enseñe baile como enseña matemáticas. ¿Por qué? ¿Por qué no? Las matemáticas son muy importantes pero también lo es el baile. [...] Todos tenemos cuerpo, ¿no?

Hay algo que también aquí choca con convicciones arraigadas, que no son sino prejuicios. ¿Cómo va a ser el baile (o la música, o la pintura, si se prefiere) tan importante como las matemáticas? Coreando a Sir Robinson: ¿Por qué no? Quizás porque nuestra visión de la inteligencia humana es pobre y esquemática, y no nos damos cuenta de su verdadero potencial. Por decirlo de otra manera: Johann Sebastian Bach o Diego de Velázquez son tan inteligentes como Isaac Newton o Albert Einstein, y su contribución a la humanidad tan preciosa e indispensable.

Nuestro sistema educativo se basa en la idea de habilidad académica. Y hay una razón: no había sistemas de educación pública antes del siglo XIX, surgieron para cubrir las necesidades de la era de la industrialización, [...] por lo que las materias que eran más útiles para trabajar están en la cima. Así que probablemente te apartaron de cosas en el colegio que te gustaban porque nunca ibas a conseguir un trabajo haciendo eso. “No estudies música, no vas a ser músico; no estudies arte, no vas a ser un artista”… Consejos bien intencionados que ahora son profundamente erróneos.

Si lo piensas, todo el sistema educativo es un prolongado proceso de admisión universitaria. Y la consecuencia es que gente con talento, brillante y creativa no saben que lo son… porque en el colegio no se les valoró en lo que eran buenos o directamente se les estigmatizó. Creo que no podemos permitirnos seguir así.

Según la UNESCO, más personas se graduarán, en los próximos 30 años, que todas las que lo han hecho desde el principio de la Historia. [...] De repente, los títulos no valen nada. [...] Ahora necesitas un master donde antes un título, o un doctorado donde antes un master: es un proceso de inflación académica que indica que toda la estructura educativa se tambalea bajo nuestros pies.

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El vídeo, en fin, acaba, y yo veo confirmadas mis sospechas, veo como se desmonta el concepto que tenía de la educación y, como consecuencia inevitable, veo como se desmonta el concepto que tenía de mi educación. Según aplico todo eso a mi caso particular, me lleno de rabia y frustración mientras se suceden imágenes del colegio y la universidad, unas familiares y otras olvidadas.

En el colegio, en los primeros cursos, dibujaba con frecuencia; en clase, en el recreo, en casa. También escribía, costumbre que mantuve durante más tiempo (conservo aún una novela inacabada que escribí a los 12, y perdí otra de ciencia ficción que pasaba a máquina con paciencia infinita la secretaria de mi padre). Nadie alentó esas inquietudes. Más adelante, me empecé a interesar por el cine. Salvo don Liberato, que hizo lo que pudo dentro de sus posibilidades, ni un alma vió aquello como algo más que una curiosidad pasajera.

Ya no dibujo, y recuperé la costumbre de escribir gracias al blog. Si no lo hago mal del todo es porque mi padre consiguió inculcarme el hábito de la lectura. Pero hoy escribiría cien veces mejor si, desde el momento en que imaginé la suicida misión espacial del capitán François y sus valientes colegas, alguien hubiera estado allí para apoyarme. Y no me refiero a una palmadita en la espalda; sino a un horario, una asignatura, un profesor. Tanto tiempo agachando la cabeza, avergonzado, por no saber tocar la guitarra… Si alguien se hubiese molestado en que aprendiese a dibujar, o a tocar la guitarra, o a escribir, como aprendí la tabla de multiplicar, ahora podría ser una persona que no soy. No digo escritor, pintor o músico -por si alguien se ve tentado de simplificar, aclaro que no todo el mundo tiene por qué ser artista. Lo que quiero decir es que habría explorado -y explotado- mi potencial, y que eso habría cambiado mis decisiones posteriores. (Por cierto, aprenderse la tabla de multiplicar no es matemáticas, es memorización).

Lo peor de todo esto es que, durante mucho tiempo, me he sentido culpable. Creí perder esas maravillosas inquietudes por indisciplinado, por vago. Ahora sé, y duele saberlo, que todo eso es mentira. No me lo ha dicho la conferencia de Ken Robinson, me lo ha confirmado: llevo dos años con un blog de cine del que no saco nada salvo satisfacción personal; cuando he tenido que montar imágenes (en una productora o por mi cuenta) lo he hecho sin cobrar un duro y con plena dedicación; y he terminado una carrera que no soportaba, una asignatura tras otra, por un sentido del deber.

¿Por qué elegí ingeniería informática -superior-? Se me daban bien las matemáticas, pero no fue por eso. Don Juan José me dijo que era su mejor alumno de filosofía, y que si había pensado en hacer una carrera relacionada. Ni me lo planteé, entendí que era un consejo bien intencionado pero absurdo. Ahora mismo no recuerdo ningún ingeniero que admire (aunque los haya dignos de admiración) y sí docenas de filósofos. Pero entonces creía que ser ingeniero era ser alguien por definición. ¿Por qué? ¿Porque iba a encontrar trabajo más fácilmente? ¿Porque iba a ganar más dinero? (¿qué clase de argumento es ése?) ¿Porque otras opciones de vida no eran viables? ¿Porque era “útil”? ¿Porque no sería nadie sin un título? Todas estas razones, que acepté conforme y sin más reflexión, las veo, por primera vez con claridad total, como herencias anacrónicas alejadas de la realidad y en ningún caso motivo para elegir una forma de vida.

8 largos años después de empezar la universidad, y unos cuantos más desde la guardería, tengo dos ingenierías técnicas que no me sirven de nada. Me niego a dedicarme a algo con lo que no me siento realizado en lo más mínimo, que difiere completamente de mis intereses y que elegí sin apenas conocerme. Sin embargo, a pesar de que creo haber desperdiciado mi tiempo, ya no siento la misma rabia o frustación. Sí, tengo mucho que recuperar (¡por fin me estoy leyendo El Quijote!), pero ya no escuece como antes.

Como sabéis, he desarrollado, en medio de todo esto, una especie de obsesión por el séptimo arte, y necesito descubrir a dónde me lleva. Ahora que entiendo mejor qué pasó, soy más libre para tomar ese camino. Ahora sé que había otra opción, y todavía tengo la oportunidad de elegirla. Ahora, a mis 25 años, estoy más convencido que nunca de que esto del cine no puedo dejarlo pasar.

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Ken Robinson en Wikipedia.
TED en Wikipedia.
Entradas de Wikipedia sobre la inteligencia en español y en inglés. Especialmente interesante para el tema de la educación y la creatividad es el apartado de “Teorías de la inteligencia”, mucho más completo en la versión inglesa.
Aquí tenéis otro vídeo de Ken Robinson sobre su libro The Element: How Finding Your Passion Changes Everything. Es muy largo, pero un buen resumen son los capítulos del 6 al 10.

No descarto que Polanski se interesara por la novela de Robert Harris por sus claros parelelismos con las administraciones Bush y Blair, ni creo que le importen un pito las actuaciones de los mismos, o que no haya en la película un aire de denuncia; quiero decir que lo que separa a El escritor de la caterva de thrillers políticos que a docenas se estrenan cada año, es la armoniosa cristalización de las obsesiones que caracterizan la filmografía del director. No es un largometraje más de corrupción y poder porque aquí la culpa, el destino trágico, la desconfianza y el miedo, vistos por Polanski, son los que dominan la película y le dan su valor diferencial.

Hay incontables detalles que crean esa atmósfera pegajosa e inquietante -que resultará familiar a los que conozcan Chinatown, Repulsión, El quimérico inquilino, La semilla del diablo…-: las pertenencias materiales del primer escritor, muerto en circunstancias sospechosas; el gris permanente, sucio y triste, de la isla; el esfuerzo inútil poner una bici en marcha en medio de densa gravilla; el mar azul oscuro, siempre rizado; barrer una terraza al tiempo que el viento la cubre de arena. Además de servir a la historia, la puesta en escena compone un ritmo y una estética acordes -pero independientes- que son los auténticos protagonistas.

En este sentido, Jim Emerson escribe en su blog:

Estando sentado, sonriendo a la imagen final (porque era la absurda e inevitable conclusión a la que sabías que Polanski apuntaba), un tipo detrás de mí gritó: “¿Éso es todo? ¿Ése es el final?”. Vaya si lo es, y aunque puede que no te guste en términos narrativos, formal y temáticamente es justo donde tenía que acabar.

(Posible SPOILER) Exacto. La última imagen de El escritor me recordó a la de Un tipo serio, no por composición ni similitud temática (que podría argumentarse que la hay), sino por lo bien que pone fin a todo lo anterior. Ese fuera de plano que desperdiga cientos de folios llenos de (¿falsas?) memorias tiene todo el sentido del mundo.

Sin querer teorizar ni extenderme en algo de lo que no tengo ni puñetera idea, como es la neurología, está claro que a nuestro cerebro le pirra el orden. Si puede establecer relaciones lógicas en una información determinada, podrá memorizarla con incomparablemente menos esfuerzo que si ésta es arbitraria. La asociación de conceptos o ideas independientes, sirve además para establecer causas, y eso sí que hace que las neuronas griten de júbilo; en un universo donde la Incertidumbre es la reina, un poco de orden, por impostado que sea, aumenta nuestra seguridad y confianza.

Así que puntué y puntué, y mi cine dejó de ser algo indefinido para convertirse en ceros y unos muy bien dispuestos: porque Vertigo me encantaba, tenía un 10, y si Vertigo tenía un 10 era porque me encantaba. Del 1 al 10 clasifiqué cerca de 1000 películas, seguro del inmutable veredicto, el cual iba guiado, únicamente, por los vestigios de la impresión que me dejó la película cuando la vi por última vez, de lo que en muchos casos hacía tiempo suficiente como para que el número no fuera más que una vaga aproximación. Pero me daba igual, porque qué bien puesto estaba ese 9, no menos tal 4, y por supuesto merecido este 10.

No pasó mucho tiempo hasta que mi condición de indeciso patológico hizo que cada estrellita estuviese bajo riguroso examen: ¿un 6? ¿De verdad? Un 7 casi, porque la escena del bar aquel estaba muy bien resuelta, y el tipo este, ¿cómo se llama?, interpreta bien a su personaje por difuso que sea… Bueno, pero el rollo final moralizante ese no tiene excusa, aunque el resto sea convincente: un 6. ¿A pesar del tiroteo del principio?… Sí, un 6… ¿Un 6?. Cuántas veces pude revisar puntuaciones, comparándolas con las de otras películas, lamentando que los números fuesen naturales, cambiando lo que al rato dejaba igual que al principio. Era un profesor (qué osadía y cojones los míos), y las películas exámenes de alumnos.

Un día, saliendo del cine, no sé cual, ni si fue uno concreto o muchos superpuestos en la memoria, me sentí tan estúpido rumiando el total de estrellas que iba a marcar al llegar a casa -sin siquiera haber atado los últimos cabos sueltos de mis emociones- que decidí que mi tiempo de puntuar había terminado. Tuve una revelación que me llevó a unas conclusiones que todavía mantengo, y espero que así siga siendo en un futuro por el bien de mi salud cinematográfica. Tales, fueron:

Reducir la interpretación de una obra a un número es, inevitablemente, empobrecerla. Por un lado inmediato, se empobrece al asignar un valor concreto, simple e indiferente, a un conjunto de sensaciones complejas y difícilmente definibles. Por otro, el hábito de la puntuación condiciona futuras respuestas, porque te predispone a un tipo de razonamiento que está orientado no ya a descubrir la película y por qué te ha hecho sentir de tal manera, sino a averiguar qué nota le corresponde. Aunque efectivamente son las virtudes de la película las que deciden su lugar en la escala, profundizas en tu interpretación para hallar un número que hable por ti.

El fenómeno de poner nota, que supongo que tiene muchos antecedentes que no vienen al caso, ha alcanzado su paroxismo en la web 2.0. Todo es puntuable, desde los vídeos de Youtube hasta, en muchas páginas, los mismos comentarios. Es una forma rápida y clara de manifestar tu opinión, acorde con la cultura de la inmediatez y el consumo de grandes cantidades de información característicos de Internet; pero como es igualmente insustancial y escasa, no vale igual para el vídeo de una ardilla amenazante que para la experiencia de ver Chinatown.

Esto no quiere decir que el pensamiento crítico lo deje para mejor ocasión -interiorizar la película de forma consciente y deliberada, “terminarla” fuera de la sala, debe formar parte del hecho de ser espectador; descifrar sus claves (por qué y cómo) es algo que me veo inclinado a hacer como cinéfilo y como aspirante a director-, significa que ahora puedo disfrutar de la película con mayor libertad. Ya sólo estamos ella y yo; la reacción que me provoca y mi interpretación de la misma no le deben nada a nadie.

En el blog, en un principio un sistema de cámaras rojas juzgaba la calidad de la película de 0 a 5. Eso también cambió, como algunos sabéis. He querido mantener sin embargo un sistema binario de me gusta/no me gusta la película, mucho menos riguroso y que no condiciona el hecho de verla: en la inmensa mayoría de los casos sabes, instintivamente, si te ha gustado o no, si la recomendarías a un amigo indeciso o si le dirías que a otra cosa.

Mantengo en IMDb, eso sí, la lista de películas que he visto, repartidas en carpetas que corresponden a cada década, desde la primera del siglo XX hasta la actualidad. Sigue siendo mi cine, ordenado, con su innegable componente de onanismo mental (”!Cuántas he visto y cuántas me quedan por ver!”), pero sin la odiosa dictadura matemática. No puedo decir ni quiero, si la última película que he visto es un notable bajo, alto o mediano; ¿a quién le iba a interesar eso? A vosotros seguro que no. A mi, tampoco.

Cine en cartelera

El escritor (2010), Roman Polanski

Todavía inédita para mí por lo que la recomendación podría carecer de fundamento, si no fuera porque la dirige Roman Polanski (ese de Chinatown, La semilla del diablo, Repulsión, Tess o El pianista). Dicen además, aunque nunca hay que fiarse, que es muy buena.

La cinta blanca (2009), Michael Haneke

Los que la encuentren, que todavía resiste en algún cine, van a toparse con una pregunta sin respuesta sobre el origen del mal, inexorable en su fría determinación de retratar lo más terrible del alma humana, genialmente desprovista de color por Christian Berger, y dirigida por Michael Haneke (Caché).

Shutter Island (2010), Martin Scorsese

No es demasiado tarde para ver, en el cine, a Scorsese creando intensidad, ambiente y tensión, con una película descendiente sin tapujos de Tourneur, Hitchcock o Aldrich. Lo que me convenció de Shutter Island fue el retrato de la contagiosa esquizofrenia que todo lo comprende en la isla, espejo ésta de una mente consumida por la culpa y al borde del precipio (¿os suena?). No es el argumento; son las sombras, la niebla, las negras rocas afiladas, las miradas sin rumbo, la permanente desconfianza. Especial crédito merecen la interpretación de Leonardo DiCaprio y la fotografía de Robert Richardson.

Un profeta (2009), Jaques Audiard

Tampoco la he visto, pero la recomienda todo el que sí, incluídos mi padre y dos comentaristas habituales del blog, lo que es decir suficiente.

Reposiciones, cine Doré

Una noche en casa blanca (1946), Archie Mayo

El sábado a las 17:30 proyectan a Groucho y compañía: -”¿Sabes?, creo que eres la mujer más guapa del mundo.”; -”¿De verdad?…”; -”No, pero no me importa mentir si me lleva a alguna parte.”

Trono de Sangre (1957), Akira Kurosawa

Domingo, también a las 17:30, la adaptación de Macbeth de Akira Kurosawa. El director japonés explica:

El gran problema era adaptar Macbeth al gusto japonés. Los sortilegios son diferentes en Occidente y en Japón. (…) La singularidad, la potencia, el rigor, la densidad del drama me recordaban al Nô. En esta forma de teatro, los actores se desplazan lo menos posible, contienen sus energías; de esta manera, el menor gesto suscita una emoción de una gran intensidad. En la película, las expresiones de los actores se corresponden a las de las estilizadas máscaras del Nô

Seas oriental o no, es imprescindible.

Cine en casa

El beso mortal (1955), Robert Aldrich

Hasta hace poco no tenía idea de su existencia, y me gustó tanto que parece haber estado ahí siempre. Me explico: después de lo que engañosamente parecen muchos años viendo cine, y leyendo sobre cine, descubrir una pelicula como El beso mortal, tan extraña e hipnótica, tan buena como la que más, es algo arqueológico; como desenterrar un objeto milenario que a pesar del polvo y el olvido es brillante, exótico y bellísimo. No os quedéis sin verla si no la podéis encontrar, caso en el que animo a descargarla por mucho que digan nones los del proyecto Manhattan.

Con motivo del centenario del nacimiento de Akira Kurosawa, el cine Doré dedica el mes de abril, entre otras cosas, a reponer “Rashomon“, “Trono de Sangre“, “El infierno del odio“, “Barbarroja“, “Dersu Uzala“, “Yojimbo” o “Los siete samuráis“. No va a estar “Ran“, muy discutible omisión porque es una de las películas de Kurosawa que más ganaría, entiendo yo, en una pantalla grande. Tampoco “Vivir“, imprescindible, pero nunca llueve a gusto de todos.

No dejéis de lavaros los dientes antes de dormir, ni de asistir a la proyección de alguna de estás películas, que son grandes todas.

¿Las vacaciones bien?

La sincera preocupación que transmite la carta, esa urgencia de un aspirante por demostrar que es mejor de lo que parece, me sorprende especialmente porque el autor es Clint Eastwood. Es una misiva de lo más normal en alguien que intenta hacerse un hueco en el mundo del cine, pero elevamos a naturaleza de semi-dios a nuestros ídolos, y no es propio de ellos las menudencias de los mortales. Imaginar a un Eastwood a los 24, entusiasmado y ansioso con la posibilidad de trabajar con el gran Billy Wilder puede ir en contra del mito, pero nunca disminuye al actor y director; al contrario, lo hace más humano, lo enaltece, porque permite que nos sintamos identificados.

(La transcripción sin traducir la tenéis en la entrada original)

Martes 26 de octubre de 1954

Querido señor Wilder,

Gracias por tomarse el tiempo de verme el pasado martes cuando señor Arthur Lubin fue tan amable de presentarnos en su plató. El señor Solly Baiano de la Warner Brothers parecía muy entusiasmado con la posibilidad de que hiciera el papel de Lindbergh, cuando me conoció aquí en Universal donde estoy contratado.

Me preocupó que mencionara a señor Lubin que le gustaría ver una prueba. La única que Universal me ha hecho fue una de esas entrevistas complicadas en la que creo que no estuve muy bien, a pesar de que me contrataran por ser ésta convincente. Cuando llegue el momento del casting, le agradecería tremendamente que me permitiese hablar con usted en lugar de ver esta prueba, porque he mejorado en todos los aspectos desde aquel momento. Creo que encontrar las cualidades que está buscando será más fácil en una entrevista personal.

Le doy las gracias de nuevo y espero no haberle robado demasiado tiempo. Espero con ganas nuesto siguiente encuentro.

Respetuosamente,

Clint Eastwood