Este es probablemente el recuento más tardío que has leído acerca de “Lo mejor del 2010″, o “Mis favoritos del 2010″. Me inclino por la segunda opción, la primera es de una pedantería asombrosa.

¿Fue interesante este año? Por supuesto que sí, igual que todos los demás. No fue un 2007 pero soy un hombre con estándares medio-bajos, así que de todas formas estoy contento. Una de las cosas que he ido notando en el medio es que se mantiene una especie de apertura en cuanto a temas, pero de una manera muy subterránea, muy diferente a cómo fue en los 90′s, donde se llegó a pensar y crear animu diseñado especialmente para mentes occidentales. ¿Que el anime de antes era mejor? Era diferente. Viudas de Evangelion y Bebop, pueden retirarse. O mejor quédense ;_;.

Ahora, 5 series del 2010 que conquistaron mi corazón, y un par que conquistó mi mente también. Sin orden alguno, a excepción del absoluto favorito, ahí va.

-o-

Si alguien supiera la source...

· Panty & Stocking with Garterbelt:

La última creación del nuevo Gainax, es otro paso en el camino que por primera vez se marcócon el que me gusta considerar como el primer animu del siglo XXI, FLCL.

Incluyendo marcadas influencias de series como Re: Cutie Honey y Dirty Pair, y habiendo ya probado el estilo en Dead Leaves, inspirada y locuaz crónica cyberpunk, Hiroyuki Imaishi y la tropa de animadores a quiénes conduce (entre los cuales se cuentan algunos de los nombres más reconocibles en la industria, como You Yoshinari, Sushio o el maestro Osamu Kobayashi) se dejan llevar y dan vida una patética, maloliente, estúpida, grosera y denigrante serie acerca de un par de chicas cuya única defensa ante los demonios que azotan la ciudad, es su ropa interior.

Salida de uno de los pocos estudios que aún crean sin pensar demasiado en demográficas, Panty & Stocking with Garterbelt es una invitación a sentarte con la mente en blanco y ver pasar las imágenes. Es suciedad que limpia el espíritu, un antídoto para la amargura que sólo funciona si no eres un amargado.

-o-

Si, claro. :3

· Soredemo Machi wa Mawatteiru (disculpa… ¿qué?) (SoreMachi)

Sin dudas veo a SoreMachi como lo que más me ha sorprendido el año recién pasado. A tal punto que ha terminado en un post como éste, considerando que tengo problemas con la comedia japonesa.

Entre explicar SoreMachi y ver SoreMachi con tus propios ojos hay una enorme, pero enorme diferencia. Uno la explicaría más o menos así: “Un par de chicas, una de ellas especialmente tonta, trabajan después de las horas de escuela en un maid cafe. Entonces funny shit happens”. Es increíble lo mucho que puede hacer SHAFT adaptando obras que en apariencia tratan acerca de nada, y es allí cuando el estudio libera todo su potencial. Desde el estilo cinematográfico de la presentación, pasando por la maestría en la genuflexión y lo sincero del humor, SoreMachi obtuvo el tratamiento ideal por parte de Shinbo y Cía.

SoreMachi es muy ligera de contenido, pero cada episodio encierra sutiles pero interesantes lecciones acerca de lo humano y lo divino. Es una clásica comedia situacional bien hecha, y se ganó esta mención de manera definitiva por uno de los mejores finales que haya visto este servidor.

-o-

2 Tesalonicenses 3:10. Debo ser el único que se rió con eso.

· Kuragehime

Hace un buen rato ya que MTV y un puñado de series saturaron el mercado con historias estilo “antes éramos unos horribles nerds pero ahora somos geniales”, “baww, nos maltratan por ser diferentes :’((((” y/o “ser geek es como ser nerd pero re cool, oye”. Después apareció Kuragehime, y FUCK YES.

A pesar de que debido a la corta duración y un final más que abrupto parece más un “trailer” del manga que una serie autosustentable, Kuragehime se desliza con eficiencia entre temas tan complejos como el sentido de lo bello, la posición que adoptamos frente a los demás y la línea que separa el bienestar personal de la vanidad. Dos protagonistas que en un principio parecen disímiles, son solo dos consecuencias del mismo hecho trágico: la temprana partida de sus madres, la cual ambos afrontaron con actitudes opuestas.

También contiene a la mejor mascota, el peor espionaje, el mejor chofer, el peor juego de palabras (ore/olé D:) y LOLpolíticos.

-o-

· House of Five Leaves (Sarai-ya Goyou)

De esta ya había escrito. Luego me tiré de cabeza a ver Ristorante Paradiso, que es de la misma autora original y es igual de lenta, pero a diferencia de House of Five Leaves, se me está haciendo un poco pesada.

House of Five Leaves es una historia de samurai que no va de un maestro espadachín que busca convertirse en el mejor, vengar a alguien en una cruzada sangrienta, derrocar a un gobierno u obtener la súper increíble Espada Solar del Emisario de la Oscuridad y la Destrucción +10 con 4 slots y bono de 5 a tus saving throws. Es de un tipo normal que se quedó sin señor y sólo quiere buscar como ganarse la vida. En eso conocerá a tipos, que entre otras cosas, le ayudarán a superar uno que otro defectillo y le harán ver las cosas de otro modo.

Y me voy a quedar corto por ahora, hasta la review completa, que lleva ahí en los borradores aplastando el culo varios meses.

-o-

Y ahora lo más predecible, mi favorita del año pasado, de la cual ya escribí un poco aquí.

Escribiría hasta el cansancio sobre como, partiendo de la estructura, pasando por el carácter introvertido de la narración y la adición de la comedia de todos colores con precisión quirúrgica. O tal vez podría simplemente intentar expresar lo increíble que me sentí al terminar el último episodio. Como diría aquél niñito que juega a la pelota en la Isla Koholint: “El concepto hace que la cabeza duela”.

En un tour de force expresivo, sórdido y a la vez esperanzador, todos los halagos más elocuentes que pueda escribir van hacia The Tatami Galaxy. Mi favorito del 2010.

Menciones honrosas: Summer Wars, Giant Killing.

Nombre: Beyond Good & Evil · Año: 2003 · Desarrollado por: Ubisoft · Publicado por: Ubisoft · Género: Acción/Aventura · Plataforma: PC

Beyond Good & Evil es un juego difícil de entender en conjunto. Tiene muchas cosas que por sí solas pueden ser muy interesantes y considerablemente únicas, y asimismo tiene algunos aspectos que dejan perplejo, por decir lo menos. Siguiendo en esta línea, es una mezcla tan variada que a varios puede resultar completamente desagradable. Además el grandilocuente nombre del juego no dice mucho en realidad.

La reseña partió algo negativa, no? Vamos a darle mejor impresión al juego entonces. Del creador de Rayman (y por consiguiente, del maravilloso Rayman 2: The Great Escape), Beyond Good & Evil tiene el caos suficiente para establecer un setting muy excéntrico: Una fantasía futurista conformada por un mundo de arquitectura europea pero habitado por gente que perfectamente podría haber salido del Caribe. Y con gente me refiero a toda clase de humanos, alienígenas, furries y otras abominaciones. Y si hablamos de género, lo que parece ser un juego de aventura à la Tomb Raider, rápidamente comienza a pedir prestados elementos al RPG y al género de carreras, entre varias otras excentricidades que comentaré tras el salto.

Hyllis es un planeta limítrofe el cual finalmente ha sido alcanzado por la guerra contra los DomZ, una generic alien race. Entre el caos surge la agrupación militar conocida como Alpha Sections, quienes logran poner a los invasores a raya, hasta cierto punto. Pese a ello, la labor de las Alpha Sections es agradecida por la gente. Por otro lado, las Alpha Sections también tienen sus detractores, organizados bajo el nombre de Iris, la cual está vista como una entidad primordialmente subversiva.

Jade es una especie de reportera freelancer que vive en un faro junto a un grupo de huérfanos a los que cuida con la ayuda de Pey’j, un viejo amigo de su padre. Quién por cierto, es un puerco. Literalmente. Luego de ser testigo de un ataque de los DomZ desde una distancia no recomendada, y que puso en peligro el faro, recibe una misteriosa oferta de trabajo.

La poca correspondencia del título con el juego en sí se refleja básicamente en una historia que peca de ser simplona en ocasiones, pero sin dejar jamás de ser evocativa y atrapante. ¿Cómo es esto posible? Todo lo que rodea esta historia es raro de muchas formas, y bajo riesgo de estar muy equivocado, mucho en BG&E es único.

Vas en tu aerodeslizador (aparatosa palabra para decir hovercraft en español) y a tu alrededor ves ciudades blancas, penínsulas y playas. El mar es tranquilo y el clima es templado. Si tuviera que asociarlo con algún lugar del mundo, diría que estoy en el Mar Mediterráneo. Pero cuando voy a comprar accesorios para mejorar mi nave, empieza a sonar una especia de reggae fusion y me atienden unos rinocerontes jamaiquinos antropomorfos. Y cuando voy a las pistas de carreras empieza a sonar… ¿una especie de flamenco? ¿y cantado en español? ¿(◔ ◡ ◔)? Pero ocupémonos del soundtrack más tarde.

El asunto se juega como un típico acción aventura en tercera persona. Los sistemas de batalla y vida son de lo más simple. Lo que le aporta un toque interesante a la exploración es la fotografía. Prácticamente todas las misiones involucran la obtención de ciertas pruebas fotográficas, además también hay un par de sidequests importantes que involucran fotografías también.

Hay algunos momentos sorpresivos y brillantes, como algunas misiones de sigilo, un par de persecuciones con docenas de mechas y sistemas de vigilancia disparando a matar mientras corres por tu vida como en una escena del puto Indiana Jones y bestias en alta mar.

Hablemos de los personajes. Empáticos todos, y es obvio, porque el diseño de Jade es muy difícil que resulte ofensivo. Es una chica muy normal con todo bien puesto. El cerdo Pey’j es un BRO, y Double H tiene unas frases que nunca saldrán de mi subconsciente. Es el clásico estúpido (en el buen sentido) que se vuelve memético. Los villanos son de caricatura, en BG&E para ser francos, nadie esconde sus intenciones, es un juego inocente en ese sentido. ¿Entonces por qué el título es un referencia a Nietzsche? Ni idea. Ok, estoy haciendo un berrinche por un nombre desafortunado.

Movámonos a otro aspecto interesantísimo. La música compuesta por Christophe Heral es un espectáculo sensacional, y lleva la mezcolanza cultural que persigue el juego a niveles difíciles de igualar. Por ejemplo, hay un sitio donde se reúne gente sospechosa. Personajes enigmáticos, extrañas asociaciones, suciedad y apuestas. Puedes escuchar la música desde fuera del sitio aquél, pero cuando entras, lo que suena es algo como ésto:

Yo diría que son instrumentos árabes y -de acuerdo a los comentarios al respecto en Youtube- voces en búlgaro. Y ni siquiera es una canción, la letra es una conversación de lo más aleatoria. Lo vas a tener en la cabeza un par de días. Y en la pista de carreras hay una canción en español de lo más divertida :3.

Y así podría seguir, pero creo que he dejado claro el punto.

El juego es bastante corto, no da para más de 20 horas. Puedes sacarle más jugo si te dedicas a completar ciertas cosas, pero al menos yo no me sentí motivado a continuar tras terminar el juego en sí. Gran parte del avanzar en los sitios depende de tu paciencia y de esperar el momento adecuado. Si eres paciente el juego te será muy fácil.

Beyond Good & Evil no es en ningún caso un juego revolucionario, pero logra incorporar muchos elementos que lo hacen fascinante y difícil de olvidar. Un setting extraordinario, la música ideal para ambientar una locura y la dosis justa de caos para crear un mundo extraño, ingenuo y divertido. En muchos sentidos, el universo que ha creado Michel Ancel recuerda a alguna obra de Shin’ichiro Watanabe (Samurai Champloo, Cowboy Bebop): Hacen posible una fusión de culturas que no parecen poder coexistir entre sí. Recomendado porque sí.

Dejo aquí el primer teaser trailer de la secuela. Dews.

Después todo salió horrible. Es increíble la capacidad de evadir y aguantar que tiene el ser humano. A fin de poder avanzar a través del simple hecho de estar parado allí cumpliendo los deseos de personas que no eran yo, pasé por todos las instrucciones que ves en una guía cualquiera de “como arruinar tu juventud”. Excepto ir preso. Porque la idea es pasar desapercibido. Tarde o temprano todos estallamos.

Luego viene el desgano. Tú te crees muy especial porque piensas cosas que el resto no se plantea y comparado con la gente a tu alrededor, que corren todo el día porque siempre los está persiguiendo algo, eres un pseudo Buda. Y tienes “gustos adquiridos”, y te sientes satisfecho de lo mucho que te aburre la gente en general. Seguramente lanzas comentarios estilo “la gente es tan…” por lo menos 2 veces al día. La autoexploración es muy pero muy buena, pero créeme cuando te digo que puedes apartarte un poco del mundo y seguir pisando el mismo suelo que todos al mismo tiempo, en vez de armar un soberbio castillo para tí y tu mal disimulado ego.

Va a ser necesario que te saquen de tu jodida comfort zone. Eso y quizá dejar de fapearte por unos días. Entonces empiezas a pensar un poquito más allá.

La primera realización es que todo cuando se ha hecho, y en especial lo que se ha hecho mal, es experiencia. Y la experiencia siempre suma, siempre va hacia adelante. Por lo que siempre estás ganando algo, incluso cuando pierdes. Y vaya que yo sí había perdido. Y es allí cuando cobra sentido todo el montón de historias que te han hecho mirar a la nada por minutos después acabarlas, las películas que te han hecho llorar, los juegos que hacen soltar un suspiro de nostalgia y los amigos que supieron ver lo que era valioso en tí. Porque antes, a todo le llamabas entretención, pero ahora es muchas otras cosas. Este es un buen momento para llamar a esas buenas personas a las que apartaste por tanto tiempo, por excusas como “nah, mejor no molestarle”.

Sólo faltaba liberarse de los orgullos, de las aspiraciones inútiles y los cuentitos de autocomplacencia. Hizo falta abandonar la posición de ejemplo y ser mirado hacia abajo para sentirme libre al fin.

Y esta es la historia de como salí de esta galaxia de 4.5 años.

Descanse en paz, Satoshi Kon.

Hoy es un día triste. No sólo es un día triste para el anime, tampoco lo es exclusivamente para la animación. Ni siquiera podríamos englobarlo como una fecha negra para el cine. La humanidad ha perdido un trozo de sí misma. Satoshi Kon, director de obras como Paranoia Agent, Memories, Paprika, Perfect Blue, Millenium Actress y Tokyo Godfathers, ha fallecido el día de ayer a la edad de 46 años. Demasiado pronto.

Se dice que cada artista, sumerge primero la brocha en el interior de su alma, y luego imprime su propia naturaleza en la pintura. Si vemos de ese modo la obra que Satoshi Kon ha dejado atrás en su partida, podemos llegar a la conclusión de que siempre demostró, a través de su “amable inconformidad“, una profunda y sincera preocupación por la naturaleza del humano, por explorar sus límites y mostrarnos sus debilidades y fortalezas.

The stronger the imagination, the greater the artist’s impression on the audience.

Navegando en las fronteras de la realidad, creó alegorías poderosas sobre como funciona la persona, tanto en conjunto como internamente. Y esto son conclusiones personales, pero por ejemplo, en Perfect Blue, enfrentó a la mente con sí misma, contra sus propios preceptos y valores, el llamado mindset. Paprika sigue una línea similar, a través de un macabro juego de sueños, pensamientos y las relaciones entre las psiques de cada personaje.

Otras de sus obras, como Paranoia Agent y Tokyo Godfathers, salen del ámbito de las relaciones interpersonales y centran su análisis en el concepto y funcionamiento de la sociedad. Personas que ríen al estar rodeadas de miseria, crímenes cometidos por el inconsciente colectivo, una visión sobre los elementos “descartados” de la sociedad. Cada obra de Kon es provocadora y evocativa, expresando mediante realidades superpuestas, sueños e ilusiones una gama inmensa de emociones y pensamientos.

En un género como el anime, siempre tan sobre-definido con sus propias etiquetas, sujeto a ellas, y un fandom siempre abogando por la polarización y particularmente “hipócrita”, Kon siempre mantuvo una posición madura, fighting the real enemy diría alguien. En consecuencia, me parece que uno de los mejores homenajes que se le podrían hacer a un creador de esta estirpe, es arrancarle las etiquetas. Porque Kon no merece ser descrito en dos o tres palabras. No merece ser tratado como una especie de estandarte contra las tendencias dominantes en el anime, como punta de lanza de un innecesario y mojigato movimiento “anti-moé“. Tampoco merece ser encasillado como un director incomprensible y pretencioso, como tanto se gusta hacer estos días. Kon jamás buscó con ahínco el realismo en su obra, simplemente sintió que un cierto grado fue requerido para contar sus historias. Asimismo, jamás consideró la fantasía como algo meramente vicioso y negativo. Y llegó a la conclusión de que hay bien y mal en ambos mundos. Merece ser admirado, apreciado, o al menos respetado.

Hay un libro bastante conocido acerca de la obra de Satoshi Kon. Su subtítulo difícilmente podría ser más apropiado: The Illusionist. Dedicando toda su vida a mostrar la realidad a través de espejismos, será su partida el más magnífico de todos. Porque mientras sea recordado como el visionario e increíble creador que fue, se mantendrá vivo por siempre.

Y su partida, será otra ilusión más.

'Time and Space' - ©2004-2010 ~VincentNorthwind

Previously on 24, Ark recorre con éxito la segunda y tercera torres y continúa con éxito su tarea de reconstrucción.

Es hora de nuevamente abandonar Krysta, y continuar con la dura tarea de reparar el daño causado. Pero no hay mucho tiempo para pensar, la penúltima torre ya está cerca. La entrada está expedita como siempre, y Ark ingresa con paso decidido.

La cuarta torre llama inmediatamente la atención. Abandona el aspecto tétrico de la primera y tercera torre y es aún más colorida que la segunda. Recién ingresando a la torre, Ark encuentra al Guardián, quién tras felicitarle por haber llegado hasta aquí, literalmente “ríe por lo bajo” y desaparece, dejando tras de sí a tres Mariners, que son Cadetes un poco más fuertes. Tras vencerlos fácilmente, toca comenzar a explorar la penúltima de estas enigmáticas torres.

Entre las criaturas que habitan este lugar, Ark encuentra a un espíritu, que le da un consejo útil pero algo escalofriante:

“Debes probar tu valor. A veces tendrás que arriesgar mucho.”

Una vez recorrida la primera planta, no hay escalera ni medio alguno de subida esperando ser encontrado. Pero si hay una plataforma sin protección, y parece poder vislumbrase algo bajo la profunda oscuridad del precipicio. ¿Tal vez a eso se refiere el espíritu con “arriesgar mucho”? Ark no le da demasiadas vueltas al asunto. Se detiene frente al precipicio, y salta.

Ark desciende hasta un nivel subterráneo, y rápidamente está rodeado por 4 Cadetes y una figura del Guardián a sus espaldas. Tras quitárselos de encima, nuevamente Ark se encuentra en el predicamento de no hallar escaleras de subida, salvo una plataforma superior a la cual es imposible acceder. En cambio, hay ahora 4 precipicios, uno en cada esquina del cuarto. Ark, ya habiendo perdido el miedo, salta al vacío nuevamente y llega a otra planta subterránea, la cual sí tiene acceso a pisos superiores. Ark regresa al primer subterráneo, pero desde la plataforma superior. Tras subir dos pisos más, Ark se encuentra en un camino sin salida.

Tras una investigación del segundo subterráneo, Ark descubre que uno de los 4 precipicios lleva a una zona diferente, la cual finalmente conduce a lo que parece ser la planta final de la torre. El camino está decorado por tótems de tonalidades marrón, diseños verdes y rojos en el suelo y las paredes, antorchas que emiten tímida luz en sus inmediaciones, y plataformas unidas por gruesas cuerdas, las cuales deben ser cruzadas a paso muy lento y haciendo equilibrio con la Lanza Diamante. Además de esto, los pasillos se encuentran infestados de Jubbas, Cadetes y figuras del Guardián.

Antes de alcanzar la puerta, Ark encuentra un tesoro bastante interesante: Un carrete de Hilo de Diamante.

Por fin, la puerta al centro de control está al alcance, pero al acercarse a ella, sorpresivamente (??), la voz del Guardián entra en escena, e invita a Ark a disfrutar de cierto “espectáculo”, el cual no es otra cosa que una docena de Jubbas moviéndose sincronizadamente uno tras de otro como una serpiente y claramente con la intención de terminar con Ark. El Guardián lo llama un “Ballet de Jubbas”. Las pelotas.

Tras una pelea extenuante, el Ballet es historia y Ark cruza la puerta, por cuarta vez.

Esta vez, el subcontinente que revive es Norteamérica. Y al mismo tiempo, algunas personas de Krysta vuelven a la normalidad, por supuesto. Ahora sólo queda una torre, y todo, se supone, estará solucionado. Por lo que Ark se da prisa y en un santiamén, se encuentra en la última torre.

Pero lo inesperado ocurre. Apenas ingresa, una poderosa fuerza lo inmoviliza, tras lo cual, aparece el Guardián, quién lanza una esfera de energía que impacta en Ark y lo expulsa de la torre. Sin posibilidades de avanzar más allá, Ark vuelve a Krysta por respuestas. Y de paso, quizá darle alguna utilidad a este hilo de diamante.

Una vez en Krysta, Ark va a ver a Naomi, quién decide usar el hilo de diamante para bordar una capa, y le promete a Ark que estará lista al otro día. A sugerencia de Naomi, Ark se va a descansar a la casa del Sabio. Varias horas después, quién sabe por qué, Ark se despierta durante la madrugada, y sólo por curiosidad, va al telar. Allí se encuentra a Naomi, quién continúa trabajando en la capa, a pesar de lo muy muy tarde que es ;___;.

Ark se acerca a Naomi, y ella no duda en expresar su temor.

“(…) Pero cuando la capa este hecha, intuyo que te vas a marchar. (…) Ark, tienes un brillo especial que los demás no tenemos. Pero siempre estaré contigo. (…)”

Luego, le pide que regrese al amanecer, ya que la capa estará lista para ese entonces.

Ya es de mañana. Ark va al telar, y recibe la capa de manos de Naomi, con sus mejores deseos y un hechizo de protección. Ahora es tiempo de acometer nuevamente la empresa; la última torre espera. Pero antes, una visita al adivino revela un entraño pronóstico.

“Te veo en tierras yermas, al principio de un largo viaje.”

Tras una larguísima caminata en estas desoladas tierras, Ark por fin regresa a la última torre. Y en la entrada, la capa prueba su gran poder, al reflejar la esfera lanzada por el Guardián, tras lo cual éste último precavidamente desaparece. La quinta torre es muy sencilla, los pisos son breves y los enemigos son pocos. Tras subir hasta la quinta planta, finalmente Ark llega a a una gran y oscura entrada.

El Guardián hace una breve aparición, y antes de esfumarse de nuevo, dice:

“Este es tu desafío final. ¡Adelante!”

Ark ingresa a un cuarto oscuro, y las estatuas se van iluminando a su paso. Tras alcanzar la séptima, es el final del pasillo. Y entonces entra en escena una enorme bestia, con forma de escorpión. Es la prueba final.

La bestia lanza dardos verdes desde su boca y luego golpea el suelo con sus enormes tenazas. Ark comienza usando la Defensa-X para evitar los dardos y luego retrocede para evadir las tenazas. Una vez éstas se encuentran extendidas a nivel del suelo tras su ataque, Ark las golpea furiosamente con la lanza diamante. Después de unas cuántas ráfagas, las tenazas son destruidas, entonces Ark supone que el cuerpo está ahora libre para ser atacado, pero antes debe lidiar con la amenaza del aguijón.

Tras algunos momentos difíciles, Ark logra esquivar el aguijón y posicionarse en el punto ciego del escorpión, e inicia una rápida descarga de golpes con su Lanza Diamante. Tras un largo esfuerzo, la resistencia de la bestia finalmente cede y es destruida.

El Guardián se apresura a felicitar a Ark, y le señala algo que podría tener relación con la predicción del adivino.

“(…) Tu viaje de verdad empieza aquí. Debes volver a ver al Sabio.”

En el cuarto de control, Ark revive el continente restante, Oceanía. Por fin, toda la gente de Krysta ha vuelto en sí. Pero la pregunta sigue presente, ¿cual es éste nuevo viaje que Ark supuestamente ha de emprender?

.-

Ficha:
Nombre: Tactics Ogre: Let Us Cling Together
Fecha de Salida: 1996
Desarrollado por: Quest
Publicado por: Quest (Atlus en PSX)
Género: RPG, Estrategia
Gráfica: 32MBit
Plataforma: Snes, PSX

La saga Ogre Battle es sin duda una de mis favoritas dentro del género de la Estrategia por Turnos. Contiene un universo de estilo medievaloide extremadamente rico en historias, lugares y personajes recurrentes en todos sus títulos, y además la gran mayoría de éstos exhiben tramas interesantes en las cuales se presentan varias rutas a seguir. En resumen, que nuestro destino está determinado por nuestras elecciones.

Tactics Ogre: Let Us Cling Together es el segundo juego de la saga en hacer su aparición, tras March of the Black Queen, pero cronológicamente es el séptimo episodio de la historia, mientras que March of the Black Queen es el quinto. Tactics Ogre difiere de su antecesor principalmente en el estilo de juego. Mientras los que llevan por nombre Ogre Battle son de estrategia en tiempo real con un ligero toque original, los Tactics Ogre son de estrategia por turnos.

Con un sistema de juego efectivo, una historia interesante y, probablemente por ser un título que sólo está disponible en inglés vía fan translation, una dificultad de temer, Tactics Ogre es quizá el último gran RPG de la Snes.

La región de Valeria está habitada por tres etnias distintas, la cuales siempre se han mantenido en una disputa constante por el dominio, con pequeños intervalos de paz. Pero tras la muerte del monarca que había logrado mantener a Valeria en calma durante décadas, varios poderes comienzan a mostrar sus verdaderas intenciones. Alianzas con países extranjeros, acuerdos por debajo de la mesa, e incluso limpiezas étnicas son parte del día a día en esta época desafortunada.

Pero quiénes se han llevado la peor parte son los Walstanians, la etnia minoritaria víctima de las políticas racistas de Bacrum. Denim (teh prota), un joven guerrero con aspiraciones pero falto de poder, ve en la misteriosa llegada de un grupo de caballeros del continente de Zenobia su oportunidad para cumplir sus ideales revolucionarios, pero la realidad no es tan simple, y Denim podría darse cuenta de la peor forma.

“Podría?”. Exacto. Tactics Ogre tiene una trama ramificada, cuyo desenlace dependerá, por una parte, de la elección de tu dios protector y sus características, y mayormente, por las decisiones que tomes en momentos claves del juego. Aquí entran en juego el Alineamiento y el Chaos Frame. El alineamiento cambia dependiendo de esas situaciones, por lo tanto hay hasta tres ramificaciones, la legal, la caótica y la neutral. El Chaos Frame no se ve, pero hay formas de intuirla, y se refiere a la percepción que tus compañeros tienen de Denim, el protagonista.

Si has jugado Tactics Ogre: Knight of Lodis, te puedes saltar los 5 párrafos siguientes. El gameplay es idéntico. Fuera de las batallas, tenemos un menú con el Warren Report, una especie de diario donde se consigna diversa información sobre la historia y algunos tips de batalla, pero la médula del menú es el modo Edición. Allí es donde se encuentra toda la información de nuestros personajes.

Cada uno de éstos tiene su propio alineamiento y pertenecen a un elemento, siendo éstos aspectos que no se pueden modificar. Los aspectos modificables son el equipamiento y la clase. Las clases son bastante variadas y corresponden a los típicos arquetipos (Knight, Priest, Cleric, Archer, Wizard, etc). Son diferentes para cada sexo y en total son alrededor de 20~25, sin contar los monstruos. Pese a que la gran mayoría de equipamiento lo puede usar cualquiera, las clases generalmente se ven más favorecidas con cierta clase de equipo. Algunas clases obviamente pueden usar magia, y éstas no son aprendidas, sino que son equipadas. Esto, sumado a que el crecimiento de los atributos como fuerza, destreza, etc, está dado por la clase, permite generar evoluciones interesantes.

Otro detalle digno de mencionar es el sistema de equipamiento en sí. Hay objetos equipables de varios tipos y el juego da mucha libertad para combinarlos y adecuarlos a las necesidades de cada personaje. Tienes 4 espacios y puedes poner casi interminables combinaciones entre pociones, armas, cascos, armaduras, accesorios, botas, etc.

Dentro de la batalla la cosa se pone más interesante. Como ya se mencionó, es un rpg de estrategia por turnos (TBS). El orden de los turnos está determinado por un atributo llamado WT, el cual depende de la clase y el peso del equipo. Una vez que toca turno de movernos en el campo, el estilo de juego es bastante común. Las diferentes clases tienen diferentes límites y patrones de movimiento y están enfocadas a diferentes labores. Lo que le da la riqueza a la batalla es, primero, la dificultad, y segundo las condiciones ambientales.

Los oponentes siempre estarán por sobre tu nivel, o al menos, estarán en el mismo nivel que tu personaje más fuerte. Y Tactics Ogre es un juego basado más en nivel que en skill, así que eso cuenta bastante, por lo tanto siempre se está forzado a pensar estratégicamente. Lo más trágico del asunto es que obtienes una forma de revivir personajes recién en la segunda mitad del juego, y sólo una clase puede emplearla. Por lo tanto el comienzo será difícil, y personaje que cae en batalla, es personaje perdido. Las condiciones ambientales son el tipo de suelo y el tiempo atmosférico. Pueden dar ventajas y desventajas a ciertos elementos, lo que no sólo se relaciona a la magia, sino también al elemento protector de cada personaje, ergo, a todo.

Opciones adicionales incluyen poder reclutar personajes del otro bando, por ejemplo. Y creo que con esto el sistema de juego está más o menos cubierto. Vamos avanzando por un mapa con diversos puntos demarcados, en las ciudades podremos reclutar nuevas unidades y comprar equipamiento.

Gráficamente es un título impresionante, tanto así que la versión de PSX es casi idéntica en apariencia. Absolutamente todo está cuidado hasta el más mínimo detalle. La paleta es ligeramente oscura y le añade profundidad y seriedad a la historia. Los escenarios son entretenidos y variados, y las animaciones son top-notch. Realmente no tengo ninguna queja al respecto, es un juego precioso.

El soundtrack es una reedición de varias melodías del primer Ogre Battle más varias otras originales, y no podía ser de otro modo, ya que el equipo que trabajó en March of the Black Queen es el mismo. Y aquí comienzan una serie de extrañas similitudes con Final Fantasy Tactics. Especialmente en las melodías que suenan durante las batallas, su parecido es impresionante. Pero todas estas similitudes van más allá del aspecto sonoro.

Tactics Ogre y Final Fantasy Tactics comparten también el estilo gráfico de algunos escenarios y el mapamundi. También existen aspectos de la trama en las que coinciden. Esto es básicamente porque tanto los compositores como el diseñador y director, son los mismos para ambos títulos. Luego de diseñar y dirigir los primeros dos títulos de la saga Ogre Battle, Yasumi Matsuno se retira de Quest y se une a Squaresoft. Su primer proyecto allí es Final Fantasy Tactics. Todo esto podría haber sido una enorme alteración en La Fuerza (?), pero al final Square-Enix compró a Quest y todo está igual que antes, lol.

Respecto de la dificultad, Tactics Ogre ciertamente es un juego difícil, especialmente en la primera mitad, mientras nos vamos familiarizando con el juego, debido al nivel de los rivales y a la absoluta imposibilidad de revivir personajes caídos hasta ya entrada la segunda mitad. Me gustaría que alguien que haya jugado la versión de PSX pudiera iluminarme acerca de la dificultad, que a mi me da :effort: xD. Para intentar suplir esto, el juego incluye tutoriales y un modo de entrenamiento bastante entretenido y con la gran ventaja de que tienes la opción de que ambos equipos de entrenamiento los maneje la máquina. Coolshit. Tomando en cuenta que tendrás que hacer bastante entrenamiento para mantenerte vivo, Tactics Ogre da para poco más de 30 horas. Pero dado que es un juego no sólo con varios finales, sino con varios caminos para recorrer, otorga un buen replay value.

Para esta review he tratado de contener mi fanboy interno, pero es muy difícil. Tactics Ogre: Let Us Cling Together es un rpg de estrategia por turnos, que lo hace todo muy bien y sirve de forma espléndida como puerta de entrada a esta saga tan interesante. Muy recomendado para todo mundo.

Revenge is a kind of wild justice; which the more a man’s nature runs to the more ought law to weed it out.

~ Francis Bacon, “On Revenge” – 1625.

Hay ocasiones en las cuales el obtuso empecinamiento en buscar la inventiva puede llevar a algunos a su segura perdición. Creativos, y compañías completas tras de ellos, que arriesgan y se dan de bruces contra el suelo. Ante este hecho, es difícil ponerse en los zapatos de un equipo que decide realizar la adaptación de una obra que se ha ganado la denominación de “clásico” por unanimidad.

Una novela tan popular como El Conde de Montecristo ofrecía un reto muy interesante. Podría haber sido una adaptación más literal, empleando el mismo punto de vista que Alejandro Dumas; pero fiel a su propio estilo, GONZO no se conformó con dar un vuelco a la obra original, también mueve el foco de la narración y traslada París 3000 años en el futuro. Sin embargo, la transformación más extraordinaria es la que sufre el mismo Conde, Edmundo Dantés. El equipo dirigido por el notable Mahiro Maeda (Blue Submarine No. 6, Genius Party, The Animatrix) le otorga un nuevo matiz al personaje, infundiendo al Dantés de la novela una serie de influencias de clásicos modernos, trayendo consigo una reinterpretación efectiva y pura del gran Conde. Supongo que en esos detalles se notan las buenas adaptaciones.

Gankutsuou se inicia a mitad de la novela original, siguiéndola fielmente en el momento más desgraciado de Dantés. Sin siquiera saber las causas de su condición, lentamente Dantés se rinde a su destino, hasta que cierto encuentro le dará a su hasta ahora ingenua y apacible personalidad un nuevo ingrediente, tras conocer la identidad de quiénes lo han llevado hasta este desenlace. Dantés está sediento de venganza, y ahora tiene el conocimiento y la riqueza para ejecutarla de una manera magnífica.

La primera diferencia entre el Conde de la novela y el del anime está en su actitud respecto de sus enemigos. Si bien en ambos casos, la ejecución de los planes es extremadamente elegante y a sangre fría, en la novela el Conde se ve a sí mismo con alguien que actúa como agente de la Providencia, considerando su tarea una acción de justicia, mientras que en el anime la venganza sólo es usada como vehículo para la satisfacción del Conde. Así Gankutsuou comienza a delinear su propia representación del personaje.

Si bien el Edmundo Dantés de la obra de Dumas en cierta medida constituye un típico héroe byroniano, esta visión del héroe como un individuo en rebeldía con las leyes de la sociedad, ermitaño, especialmente seductor y dotado de gran inteligencia, es brutalmente magnificada en el anime, a fin de (además de hacerlo más atractivo para la audiencia) resaltar el hecho de que simplemente es un hombre que, a pesar del enorme poder que es capaz de ejercer, está fragmentado en su interior.

Gankutsuou toma la obra original, la instala en un setting futurista y le da a Dantés un aspecto mucho más cercano a la ficción Gótica, influencia que deriva de algunos elementos sobrenaturales prominentes en la trama del anime. Siguiendo en esta línea, el Dantés de Gankutsuou es mucho más inestable emocionalmente, pero a la vez muestra inmensa arrogancia y seguridad, es un Dantés más magnético, y porque no decirlo, mucho más sexual.

En cuanto a su relación con el resto de personajes, una de las adiciones más notorias que realiza el anime respecto de la obra original es convertir a un personaje secundario como Albert de Morcerf en un protagonista, y además como el personaje desde cuyo punto de vista se desarrolla la historia, lo que da origen a un eje de la trama que no figura en la obra de Dumas. Albert será un observador permanente y, dada su relación con el conde, muchas veces privilegiado de algunos hechos importantes, y a medida que la venganza de Dantés se va consumando, Albert tendrá que abandonar su cómodo estado de inmadurez y enfrentar cosas para las cuales no está preparado y así aprender a conocerse a sí mismo.

Varios incidentes menores de la novela han sido modificados y/o eliminados, a fin de continuar permeando la psicología del personaje del Conde. Todos estos detalles mencionados a lo largo de estos párrafos van dirigidos a formar un conjunto de características que definen al Conde del anime como un sujeto de intenciones más oscuras, con una actitud más frontal y de acciones más impredecibles.

Como último punto, aquello que le da el título el post no es sino una conclusión personal tras haber leído la obra original y haber visto la adaptación de GONZO.

Si bien no es algo que aparezca explícitamente en la obra original, comparando el elemento sobrenatural que subyace a las motivaciones del Dantés de la novela, con el elemento sobrenatural que da pie a la venganza de Dantés en el anime, es posible llegar a la conclusión de que mientras en la novela, Dantés camina por un empírico sendero de Dios, en Gankutsuou, el Conde ha de transitar por la otra vereda, en el sendero del Diablo.

Y al final, confiar y esperar.

–

Lectura complementaria:

· KonekoSensei realiza una interesante semblanza de forma y fondo al estudio GONZO, partiendo por las influencias de sus primeras obras hasta los factores de su declive. No, que aún no está muerto, carajo.

· Entrevista con Mahiro Maeda, con Gankutsuou como tema central.

–

Ficha:

Nombre: Shin Megami Tensei [真・女神転生]
Año de Salida: 1992
Desarrollado por: Atlus
Publicado por: Atlus
Género: RPG, Primera Persona
Gráfica: 16Mbit
Plataforma: Snes (con más de 9000 ports y remakes)

Si bien Shin Megami Tensei no es el primer título de la saga, es el primero que lo hace con una historia propia. Los originales Megami Tensei (desarrollados por Namco) estaban basados en novelas, y no fue sino después que Atlus obtuviera los derechos sobre Megaten, que esta franquicia comenzaría a despegar en cuanto a reconocimiento.

Como indiqué en el párrafo interior, Shin Megami Tensei es el primero con una historia 100% original. Sin embargo, conserva bastantes elementos de los Megami Tensei en cuanto al sistema de juego, y asimismo, conserva varios otros aspectos de la novela que los inspiró, tanto en la base de la historia, como especialmente respecto del sentido que Megaten le da a la mitología y su estrecha relación con la tecnología, y finalmente, la complejidad de un rol de protagonista cuyas elecciones no representan ni blanco ni negro, sólo son escalas de grises.

En un tortuoso sueño, conducido por varios senderos, dos figuras te son presentadas, una es supuestamente un enviado de Dios, la otra, un siervo de Satanás. De una u otra forma, algún día cruzarás tu camino con ellos, te dicen.

El protagonista despierta. Es Tokio durante la última década del siglo pasado. Por desconocidas razones, millares de demonios han logrado entrar en la Tierra y siembran el caos. Entre el desorden generalizado, un líder militar japonés decide utilizar a los demonios a su favor y establecer un régimen de facto. Al ver esto, el Gobierno de Estados Unidos decide intervenir y logra ocupar Tokio con relativa facilidad, dada la situación del país.

El protagonista revisa su computadora y descubre que le ha sido enviado un extraño software, el cual según las instrucciones, le permitirá no sólo interactuar con los demonios, sino también almacenarlos como datos. Con el estado actual de las cosas, no va a pasar mucho tiempo antes de que literalmente, todo se vaya al carajo. Dependerá solamente del protagonista saber de qué lado va a estar en el momento de decidir.

En un principio, las cosas no serán muy complicadas para el protagonista, las primeras decisiones serán bastante obvias y los retos pequeños. Pero a medida que vas avanzando, inevitablemente las preguntas serán más y más complicadas, y nos iremos desviando hacia alguna facción, lo cual desembocará en uno de los varios finales disponibles.

Shin Megami Tensei tiene un par de aspectos que han sido muy influenciados por los juegos de rol occidentales. La primera es que Shin Megami Tensei tiene un sistema de Alineamiento (Alignment), el cual se ve influenciado, en primer lugar, por las decisiones tomadas como jugador, y luego por el alineamiento de los demonios que utilices como acompañantes (punto a detallar más adelante). El alineamiento puede ser Legal (Law/Lawful), Neutral o Caótico (Chaos/Chaotic). No hay forma de conocer tu alineamiento actual.

El segundo punto es un aspecto importante del sistema de juego. Shin Megami Tensei es un RPG en primera persona, algo que es mucho más recurrente en juegos occidentales que en JRPGs. La perspectiva es muy al estilo de un Dungeon Crawler en primera persona. Arcana es otro ejemplo de ésto.

Otro aspecto fundamental del sistema de juego es el uso de los demonios. Pero primero parece necesario explicar cuál es el sentido de la palabra demonio aquí. A algunos la religión les importará una mierda, otros ya se habrán cambiado de camiseta culto, y están los que tienen su visión particular. Supongo que de la gente que lee o va a leer este blog, los cristianos de verdad creyentes son los menos, pero en fin, hay un hecho. Vivimos en países de tradición Judeo-Cristiana (al menos la mayoría de los que hablamos castellano/español), y en nuestros países el concepto de demonio es uno solo, y hemos crecido con él. Pero oh sorpresa (?), el concepto oriental de demonio es otro. No Shit, Sherlock. Básicamente, en Shin Megami Tensei, con “demonio”, se engloba a toda clase de criaturas mitológicas y/o religiosas. Incluso los ángeles como los conocemos. Y ésta definición tan “liberal” lleva a otra conclusión obvia que dejaré para más adelante.

Los demonios son manejados a través de la computadora, donde tenemos opciones para invocarlos, devolverlos a la pokebola, o dejarles partir. ¿Pero cómo obtengo uno? Oh, eso es divertido. La tasa de batallas aleatorias es bastante alta, así que chances no van a faltar. Nuestro software de comunicación permite acercarnos a los demonios tanto con una actitud amistosa como amenazante. A partir de allí tenemos que elegir la reacción correcta a las acciones del demonio, a fin de que esté dispuesto a escucharte. Una vez en ese estado, puedes solicitarle algunos favores contable$, o que se una a la fiesta. En un principio, probablemente (100% de veces) el demonio se termine enfadando bastante y todo termine en violencia, pero allí entra en acción tu intuición. A los chicos hay que saber tratarlos, todo depende de su alineamiento y también de su clase (los demonios están divididos en varios tipos, por cierto).

Una vez que tengas un par de demonios a tu mando, lo lógico sería emplearlos para luchar no? Seh, parecido a los Pokémon. “My demans, let me show you them”. Para invocarlos se requiere dinero, y para que puedan andar contigo, requieren un gasto constante de Magnetita, una cosa rara.

Además de los demonios, también están los personajes humanos. A diferencia de los demonios, los humanos pueden obtener experiencia, subir de nivel, aprender nuevas habilidades y equiparse con objetos. Entonces la pregunta está en el cómo poder hacer más fuertes a mis monstruitos. Si bien al avanzar el juego, obviamente los monstruos también serán más fuertes, hay otra opción. Podemos fusionarlos. Seh, es tan awesome como se lee. En ciertos sitios, tenemos la posibilidad de fusionar 2 e incluso 3 monstruos, es gratis y además podemos ver el resultado antes de hacer todo el embrollo. Las combinaciones y resultados dependen de la clase del monstruo (en la pantalla de estatus, la clase precede al nombre y luce como “Clase:Nombre”, por ejemplo, “Megami:Ame-no-Uzume”. Por cierto, Uzume pwns <3).

Los demás aspectos del sistema de juego son elementos típicos de cualquier RPG japonés. Los sistemas de habilidades, experiencia y atributos (fuerza, inteligencia, velocidad, resistencia, magia) son lo mismo de siempre. Tienes algunos puntos al principio para distribuir, y obtienes uno por nivel. Procura especializar a tus humanos, no los hagas parejos a todos.

Para un título de 1992, la gráfica es sensacional. Como todo buen vidya en primera persona, a pesar de lo monótono de los interiores, el ambiente otorga esa agobiante sensación de encierro. Algunos momentos del juego incluso dan un poco de repelús, aspecto en el que ayudan bastante la música y en especial los símbolos e imágenes un poco controvertidas que están casi en todos lados. El diseño de las secuencias está bastante bien, y los diseños de los demonios son uno de los puntos más altos del juego. La cantidad de demonios es inmensa, y van desde bestias y divinidades sintoístas hasta figuras clásicas del Hinduismo y el Cristianismo.

Complementando al párrafo anterior, la banda sonora, realizada por Macco (Tsukasa Masuko) está claramente dirigida hacia lo tétrico y misterioso, complementando muy bien la tensa atmósfera que rodea una historia llena de imágenes místico-apocalípticas.

Los primeros títulos de Megaten estaban enfocados al jugador más dedicado y dispuesto a retos más complicados. En consecuencia, Shin Megami Tensei es un juego ciertamente difícil, como varios otros que nunca fueron publicados fuera de Japón. De hecho, generalmente las versiones de juegos que se publicaban en América por aquella época, tenían la dificultad disminuida en mayor o menor grado. Final Fantasy IV es un nefasto ejemplo. Pero volviendo a SMT, los demonios son difíciles de reclutar, las batallas contra bosses suelen ser complejas y a veces puedes quedarte parado mucho rato sin saber como continuar la trama. No sabría decir cuanto tiempo tardaría terminarlo (en este momento me he estancado), pero muchas webs mencionan por lo menos 50 horas. Uf. Al menos no es Dragon Quest VII. ヽ(´ｰ ｀)ノ

Ahora, la conclusión obvia que dejé colgada (como ésta otra) hace ya varios párrafos. Además de bajar la dificultad, las versiones americanas de juegos japos, por lo general incluían otra cosa. El reemplazo de imágenes o símbolos cristianos por otros sin significado o derechamente paganos. Ejemplos los hay por montones. Se cambian sprites, líneas de diálogo, nombres de habilidades, incluso diseños de personajes. Haría buen material para un artículo, sin dudas. Mientras en la mayoría de títulos todos estos símbolos e imágenes son fácilmente reemplazables sin alterar en lo más mínimo la “esencia” del juego, Shin Megami Tensei está en la otra vereda. La concepción de Dios y Diablo simplemente como dos caras de una misma moneda en vez de absolutos opuestos, y especialmente toda la historia tejida en torno a este concepto, sería imposible de “adaptar”, y quizá eso sea la causa de que una saga tan condenadamente popular como Megaten haya salido tan tarde de Japón (sin considerar el spin-off “Persona“, el primer Megami Tensei publicado oficialmente es Nocturne, recién en 2004).

Para cerrar el review, creo que ya no tengo nada que añadir. SMT puede tener una historia apocalíptica bastante clicheada y todo, pero creo que el encanto va por el lado de lo que el jugador decide hacer de la historia; las causas y las consecuencias de sus acciones dentro del juego, además del simbólico decorado místico. Insisto, es un juego difícil pero que no aburre fácilmente.

Muy recomendado si estás dispuesto a dedicarle el tiempo necesario.

Ark and Yomi Ministeck - ©2007-2010 ~KuroiSenshi

En el capítulo anterior, Ark recorrió la primera torre, y conoció al misterioso Guardián, quién le confió algunas revelaciones interesantes. Ansioso por observar los resultados de su aventura en la torre, Ark regresa a Krysta.

Ya en Krysta, Ark se da cuenta de que las únicas personas que han vuelto a la normalidad han sido las chicas que trabajan en el telar. Lo bonito es que eso también incluye a Naomi. Y lo interesante es que todas las trabajadoras del telar han señalado infidencias muy raras respecto a su “sueño”.

Me siento como si despertara de un sueño milenario en un lugar desconocido.

Estaba en una ciudad con edificios altos, y allí también me aburría haciendo bordados.

Es interesante porque esas visiones son similares a las cosas que se pueden ver tras el llamado “azul cristal” en el cielo. En fin, Ark va a ver a Naomi, y extrañamente, parece comprender lo que había sucedido. Que Ark había tenido que luchar para que volviera a la normalidad, por lo que decide tejer algo especial para él. (d’aaaaawww)

Sin ningún otro asunto que resolver, Ark marcha hacia su siguiente destino.

[♪]. La segunda torre es completamente diferente de la primera en el aspecto interior. A diferencia de la frialdad que exhibía la anterior, el piso de terracota y los adornos de las estatuas le dan un aspecto bastante más cálido. Como le hace notar un espíritu, una de las claves para poder avanzar en esta torre está en observar el color de las gemas situadas en la parte superior de las estatuas de piedra.

De esta forma, Ark puede avanzar al segundo nivel tras mover estatuas que ocultaban dos escaleras de subida. En el segundo piso, dos interruptores brillantes llaman la atención de Ark. Pero en su camino se cruzan los Cadetes, hechiceros que se mantienen levitando y llevan un sombrero puntiagudo, cuya habilidad más impresionante es la de paralizar a sus oponentes mirándoles a los ojos cuando éstos desvían la mirada. Ark decide utilizar una de sus especialidades: lanzar vasijas. Tras vencer a los Cadetes con el increíble poder de la cerámica inca (?), Ark activa los dos interruptores y accede al tercer nivel.

En éste piso, esperan más interruptores brillantes, por lo que rápidamente Ark accede al siguiente nivel, en el cual Ark, con mucha precaución empuja ciertas estatuas a fin de desactivar la verja que protege la escalera al último nivel, so pena de que una docena de monstruos caigan del techo. Tras superar esta dificultad, Ark se encamina hacia el último piso.

Una vez allí, Ark se encuentra nuevamente con el Guardián, quién sin mediar mucha palabrería, deja el paso libre a Ark tras esfumarse.

[♪] Nuevamente en el centro de control, Ark es testigo de como otra zona de la Tierra (cosa que Ark no tiene idea que es, por cierto) revive, y al mismo tiempo, algunas personas de Krysta vuelven a la normalidad. Más concretamente, los trabajadores del Molino.

“En este día, lamentablemente ha renacido Sudamérica”. Nah, que es broma :3.

-o-

Sin dilación alguna, Ark decide darse prisa y marchar directamente hacia la tercera prueba.

[♪] El primer piso de la tercera torre está formada por varias plataformas, algunas que caen al contacto, y también varios precipicios, así que gotta be careful. También vuelve la ambientación fría de la primera torre. En la segunda planta, lanzas y figuras del Guardián que salen de las paredes resultan obstáculos muy sorpresivos.

En la tercera planta, Ark encuentra el Sello Insomnio, el cual le permitirá evitar la somnolencia producida por los ataques de las figuras del Guardián. Al final de esta planta, tras activas dos interruptores a fin de abrir la puerta, una horda de Jabbas irrumpe en el cuarto. Tras vencerlos, Ark ingresa al último cuarto de la torre. Una vez en el centro del cuarto, se escucha la voz del Guardián:

“(…) Si quieres entrar, debes superar esta prueba.”

[♪] Todas las salidas se cierran y en un espacio muy pequeño, Ark deberá enfrentar a un Cadete y dos ilusiones de éste. Sin saber con certeza cuál es el verdadero, sólo queda atacar al que sea. Es un combate complicado tomando en cuenta el reducido espacio que tiene Ark para moverse. Eventualmente Ark destruye al verdadero Cadete, y el Guardián replica:

Que así sea. Cruza el umbral.

[♪] Una vez más en el centro de control, Ark revive África. Y asi mismo, 3 habitantes de Krysta vuelven a la normalidad. Van 3 y quedan 2.

Mientras tanto, las personas de Krysta que han sido descongeladas, continúan teniendo memorias de lugares lejanos y desconocidos, lugares como los que se ven tras el Azul Cristal del cielo.

Notas:

· Haz clic a esto: [->]. Eso es un tótem inca. Ahora fíjate en las estatuas de la segunda torre. MIND = BLOWN.
· Ya estoy pensando en ponerme a jugar en inglés. Hay algunas partes de la traducción en español que si bien no son horrendas, sacan un poquito de contexto algunas expresiones.

En Abril, tras mirar el afiche del bueno de chartfag, decidí ver más de 5 series. Más de 5 series es bastante para mí, así que ya suponía que esto venía cargado de goodness. Por supuesto que cabía la posibilidad de grandes decepciones, pero nah.

A continuación, un recuento con mis favoritos de la temporada recién pasada, en orden más o menos ascendente en términos de satisfacción personal.

No Riku, así no hace un 'Kanchil'

A pesar de ser de la opinión de que SHAFT como estudio recibe un poco más de crédito del que merece, no se puede negar que ha realizado grandes y muchas veces exitosos intentos por forjar una visión particular. O más bien, Akiyuki Shinbou lo ha hecho; y con eso ha logrado realizar adaptaciones que se creían imposibles. Y es que la adaptación de Arakawa Under the Bridge tiene ese extraño sello a-la Sayonara Zetsubou Sensei, el frenético ritmo del gag rápido y la espontaneidad del llamado humor de lo cotidiano.

Kou Ichinomiya es un tipo que ha dedicado su vida a permanecer en la cima, a ser el mejor de su rubro, a formar parte de la élite, bajo una sola consigna: “No dependas de nadie“, un mensaje que está escrito en su mente, y en su corbata. Pero cuando por una desafortunada situación, sus pantalones terminan colgados en el armazón superior de un puente, recibe una ayuda inesperada. Lo normal para Kou en este caso sería pagar su deuda inmediatamente, pero ¿qué sucede si la otra persona no quiere nada a cambio de ese favor?.

Para resumir, Kou decide irse a vivir con la chica que lo salvó, bajo el puente, y pagar su supuesta deuda con ella. Pero resulta que en la ribera del río que cruza este puente, vive gente MUY RARA. Y comienza el show. Arakawa Under the Bridge es una comedia rápida con un toque bizarro, muchos personajes bastante coloridos y ofrece una reflexión ligera sobre temas como el éxito y la riqueza. La de tener, o la de vivir.

Finalizada, 13 episodios, segunda temporada ya anunciada.

–o–

RAINBOW es un drama con ribetes históricos. Tras la Segunda Guerra Mundial, al igual como sucede en todos los países perdedores en cualquier post-guerra, en Japón la gente continúa muriendo, porque pierde las ganas de vivir, al verse rodeada por paisajes desolados y calles sin esperanza.

Es 1955. Siete jóvenes empujados al crimen se reúnen en la celda de una escuela disciplinaria, un lindo eufemismo para una cárcel juvenil. RAINBOW es la historia de la lucha de esos 7 jóvenes, no sólo por salir de prisión, sino también para recuperar su propia alegría. A pesar de que personalmente, considero a los villanos de la serie faltos de toda profundidad e irónicamente, caricaturescos, además de ya estar cansado del bromance entre los protagonistas, creo que la idea subyacente y lo poderoso de la ambientación le dan a RAINBOW un toque distinto. Para bien o para mal, pero distinto. Madhouse a la carga.

Sigue al aire, ni idea cuantos episodios.

–o–

La adaptación del manga futbolero Giant Killing, la cual recae en manos del muchas veces vilipendiado estudio DEEN, se explica a sí misma desde el primer momento.

El barullo del público es ensordecedor. Es la cuarta ronda de la FA Cup, y en el campo de juego se encuentran dos equipos tan disparejos que parece imposible que estén en la misma cancha. Uno es un club profesional, perteneciente a la Premier League. El otro es el Eastham FC, un club amateur de futbolistas part-time. Su delantero es un panadero y sus mediocampistas son un policía y un cocinero. “Pero aquí están, luchando contra los mejores. Un club pequeño tratando de vencer a un rival mucho más fuerte. Es un sueño hecho realidad” comenta un espectador.

Es una historia de David contra Goliat, la búsqueda de ese milagro del fútbol llamado Giant Killing.

La serie comienza cuando, tras su paso como técnico por el Eastham FC, Tatsumi Takeshi decide regresar a Japón, y asume la dirección técnica del equipo que lo vió nacer como jugador, el East Tokyo, el cual se encuentra en una situación más que difícil. Si, el protagonista es el DT. Además de tratar al fútbol desde un enfoque bastante realista dentro de lo que el medio suele ofrecer, Giant Killing tiene una virtud preponderante. Los personajes son, como decirlo, casi avasalladores. Son interesantes y empáticos, y las relaciones entre ellos están llenas de tensión y choques entre egos muy fuertes. Como anime de deportes, Giant Killing está muy por encima de la media.

Sigue al aire, serán 26 episodios.

–o–

Un ronin en Edo. Fácilmente podría ser otra historia sobre héroes y sus hazañas, sobre fabulosos espadachines, o sobre grandes revoluciones, pero no. Si hay una palabra para definir a Manglobe, sería elegante. Sarai-ya Goyou (House of Five Leaves) es una serie muy contemplativa y de lento desarrollo, enfocada mucho más en el desarrollo de los personajes por medio del diálogo en desmedro de la acción tradicional. Es la historia de 5 individuos, y sus circunstancias.

Akitsu Masanosuke en un samurai de gran porte y aspecto imponente, pero debido a su tímida personalidad, no ha podido mantener un empleo estable. Ergo, es un ronin. En eso conoce al misterioso Yaichi, quién le invita a formar parte de su grupo, una banda de secuestradores llamada Las 5 Hojas. Aunque en un principio muy reticente a formar parte de todo esto, Masa-san poco a poco y sin darse cuenta se va internando en la vida y motivaciones de estos, uh, criminales.

Al final, es una historia muy simple, una reflexión sobre ver más allá de la superficie, pero más importante que eso, sobre la influencia del pasado sobre nuestro presente. Con una ambientación visual y sonora simplemente exquisita, Sarai-ya Goyou se siente como acariciar un gato mientras tomas té/café al lado del fuego una fría tarde de viernes. Feels good man. Se viene review.

Finalizada, 12 episodios.

–o–

La oportunidad pende frente a tus ojos FFFF-

Tras esta semblanza, tengo poco que añadir. Tatami Galaxy es un triunfo para la condición humana, y es también un triunfo para la visión creativa de un auténtico genio, como lo es Masaaki Yuasa.

Un muchacho ingresa a la universidad con un enorme saco de ilusiones y prospectos para sí mismo. No mucho tiempo después se da cuenta de que las cosas no van del modo en que él las preveía. En ese momento, la aparición de un personaje caótico y entrañable marca su recursiva existencia dentro de este universo, la cual no avanzará jamás, a menos que el protagonista abandone su propia naturaleza auto-destructiva y prejuiciosa, y tome la oportunidad que tiene en frente. Una realidad por episodio, un universo por episodio.

Intentar resumir Tatami Galaxy es, a final de cuentas, un ejercicio de futilidad. Es una mirada cruel pero maravillosa a la vida en sí, y es un espejo en el que muchos se verán reflejados. Una nueva obra fundamental.

Finalizada, 11 episodios.

–o–

Tras esto, un par de vídeos para la barriada (?)

Arakawa Under the Bridge ED ["Sakasama Bridge" - Suneohair]

House of Five Leaves OP ["Sign of Love" - immi ]

Y eso sería. Lo mejor de todo es que son de temáticas muy distintas, así que es difícil que haya alguien que lea esto y no se sienta atraído/a hacia algo. En caso contrario, estás muerto por dentro y/o es primera vez que lees este blargh. (?)

Dews.