Primero que todo, estuve de viaje. Demándenme por dejar esto botado, please.

2009 es un año en el que estuve particularmente alejado de las contingencias del fandom, dramas y demases. Probablemente la comidilla del año en cualquier animeblog sea el famoso Endless Eight, dolor de cabeza para muchos e innovación y estandarte de una nueva forma de apreciar el medio, para los menos. Pero no voy a ocupar más líneas en aquello.

Soy amigo de las historias simples, los finales que no son tan finales y la profundidad disfrazada de superficialidad. Respecto a estas tres cosas, este año me he encontrado gratamente sorprendido, más por calidad que por cantidad. Este año tuvo series para todos los gustos y colores, así que nadie puede quejarse. Excepto los feligreses de /m/, lol. Eso sí, el 2010 viene grandioso para ellos.

En fin, no más cháchara. Mis 5 series del 2009, a continuación. (¿por que no hubo más de 5 series destacables? quizás) Demás está decir que verlas es altamente recomendable.

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5.- Zan Sayonara Zetsubou Sensei

La tercera temporada de SZS es para mí, una vuelta a las raíces de la saga. En una oración, SZS es una mirada pesimista, más no alejada de la realidad, de una sociedad intrínsecamente autodestructiva a los ojos de un profesor con depresión endógena y un grupo de estudiantes que ni siquiera son personas, sino una representación de vicios, prejuicios y fetiches. Es humor negro disfrazado de slice-of-life.

Mientras que la segunda temporada (Zoku) se alejó de la asertiva crítica social y se convirtió más bien en un show de “ohhhh mira, es una referencia a X anime, esto es taaaan gracioso“, Zan vuelve -hasta cierto punto- a poner por delante una punzante crítica de lo cotidiano (concepto que me gustaría mucho expandir en una futura entrega :3), aderezado con el estilo artístico y direccional que se ha convertido en una marca registrada del estudio SHAFT.

Esto es más difícil de recomendar, dado que se necesitan dos temporadas previas y 3 OVAs. Por cierto, aquí pudo haber ido la secuela de Darker than Black perfectamente (y si, me encantó el final).

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4.- Blue Literature/Aoi Bungaku Series

El Azul comúnmente está asociado a la inteligencia y la sabiduría, pero más que eso, el azul es el color de la melancolía, de lo lacónico. De hecho el mismo concepto de “Literatura Azul” implica un estilo narrativo que no va en busca de la belleza, y es cruel consigo mismo, ya que muchas veces la desgracia contada proviene de la misma desgracia de quién la cuenta.

Escribiendo sobre la serie en sí, son 6 adaptaciones de clásicos literarios japoneses, y su duración va entre los 2-4 episodios. Los temas son amplios (centrados en las relaciones humanas), y la narración es exquisita. Pero todas tienen un factor en común: son historias de desgracia, de traición y sobretodo, acerca de la pérdida de la humanidad.

Si lo bueno, breve, entonces dos veces bueno. No hay excusa para no echarle un vistazo. Algunos estudios pueden tener destellos y franquicias que rindan muy bien, pero Madhouse sigue siendo el Alfa y el Omega.

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3.- Tokyo Magnitude 8.0

TM 8.0 es una bocanada de aire fresco. Una pequeña historia ambientada en un gran desastre. Concretamente un terremoto grado 8, y la historia es el regreso a casa de un par de hermanos.

Probablemente el mayor triunfo de Tokyo Magnitude 8.0 es hacer partícipe al espectador del desarrollo de Mirai, el personaje protagónico. Y eso en una serie centrada en los personajes, se agradece muchísimo.

Hablar de realismo en anime es difícil y se está propenso a cometer muchos errores, pero a lo largo de sus 11 episodios, al menos yo percibí un desarrollo bastante realista. Los episodios previos al último son, con toda seguridad, una de las secuencias más chocantes que me haya tocado ver. Creo que en si mismos, aquél par de episodios merecen la calificación de “obra maestra“.

TM 8.0 es un cuento a pequeña escala capaz de estremecer, hay que verlo, srsly.

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2.- Eden of the East/Higashi no Eden

Una serie que se llevó todo el hype de su temporada, Higashi no Eden tiene muchos elementos “atractivos” para prácticamente todo tipo de audiencias, por lo que es muy fácil perder el foco al tratar de explicar en el fondo de qué se trata esto.

Tiene un protagonista masculino con un alto factor de coolness y una cierta ingenuidad que le va muy bien con su actitud. También hay una protagonista femenina que es aún más ingenua, e inocente hasta decir basta. Incluso tiene el pelo rosa y una bufandita (awww). Luego hay un grupo de frikis, y además otro montón de frikis (20.000 para ser más exactos) que están en bolas. Y se supone que el protagonista masculino participa en un macabro juego en el cual tiene una cierta cantidad de dinero que debe usar para “salvar el país” a través de peticiones en un teléfono móvil, y de no lograrlo está muerto. Oh, y también hay amnesia involucrada. Suena brutalmente absurdo, y genial.

Pero Higashi no Eden es un inmenso engaño. De los buenos (si es que los hay, y de haberlos, éste es uno). Lo que a primera vista parece una serie con visos de acción rodeada de muchos elementos atractivos para otakus que parecen estrellarse unos contra otros en una ensalada que no se decide de qué ser, esconde en realidad una historia con un valor grandísimo.

Higashi no Eden es una historia sobre la sociedad. Sobre un profundo conflicto generacional que está estancando a nuestras naciones. La porfiria y ambición desmedida de unos y la dejadez y desesperanza de otros están chocando y dejando una huella terrible. Higashi no Eden es una historia sobre pertenencia, sobre el exitismo, sobre oportunidades y especialmente, sobre empezar de nuevo.

Kamiyama descarga su ira sobre los estamentos de la sociedad, e invoca a la rebeldía, como en aquellas películas que referencia en algunos pasajes de la serie. De tipos que creaban su propio futuro, y se liberaban de sus ataduras.

Sin esto, Higashi no Eden sólo sería otro animu de acción/misterio. Y que bueno que no sea así.

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1.- Kuchu Buranko/Trapeze

No es arriesgado pensar que la psicología moderna alcanzó al sentido común, y ha llegado a la conclusión de que prácticamente todos nosotros tenemos, en mayor o menor grado, algún tipo de condición mental. Incluso en pequeñísimos detalles. Por ejemplo, yo soy un tanto obsesivo con la ortografía.

La cosa es que en cierta medida, estamos todos un poco locos. Pero por suerte, tenemos gente como el Dr. Irabu, que no arranca el problema como quién desmaleza, sólo para que luego vuelva a crecer. Un tratamiento que involucra un cambio en el estilo de vida, enfrentar y adaptarnos a la dificultad, pero jamás reprimir. Y esto se puede apreciar en cada uno de los episodios.

Al final, complementando lo que ya he escrito al respecto, Kuchu Buranko es una serie que deja con una exquisita sensación de bienestar, no sólo por ser un producto elegantísimo en su presentación y acertado en su escritura, sino porque finalmente logra englobar todos esos problemas, todas esas sensaciones, todas esas relaciones, y todos esos sentimientos en una frase: Nadie es perfecto.

Atreverse a ser diferente es algo que ya no es tan asombroso como lo fue alguna vez. Pero Kuchu Buranko va mucho más allá de un estilo. Se desprende de elementos que pareciera que no pueden faltar en un anime y realmente trata de ser innovador también temáticamente.

Trapeze es, a juicio personal, lo mejor de 2009.

FUCK YEAH.
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PD: Dato curioso. 3 de las 5 series aquí listadas fueron transmitidas en el mismo bloque televisivo. Jueves de 00:45 to 1:15 en FujiTV, mejor conocido como noitaminA.
PD2: [troll] Bakemonogatari es mediocre. [/troll]
PD3: Feliz Año Nuevo y tal.

Lo siento, es época de exámenes, pero lo peor ya ha pasado. Rellenando con un re-review para volver al ritmo de posteo. Próximamente, impresiones de carácter sociocultural en Higashi no Eden (antes del 28, I swear it) y el Let’s Play (gracias Alien) de Final Fantasy Tactics. Ha! Fear me, tl;dr es mi segundo nombre. (?)

Ficha del Juego:

Nombre: Front Mission.
Año de Salida: 1995.
Desarrollado por: G-Craft
Publicado por: Square.
Género: Estrategia.
Gráfica: 32Mbit.
Plataforma: Snes (existen remakes de Playstation y Nintendo DS).

Personajes simples pero un relato atrapante, poco diálogo pero más acción. Front Mission no es un juego que se destaque precisamente por tener calidad como RPG. Y es que Front Mission dificilmente logra ser un RPG, más apropiado sería categorizarlo como un juego de estrategia pura.

Es un juego en el cual todo sucede en el campo de batalla y todo el resto gira en torno a él. Con una gran solidez en el gameplay, Front Mission es una de las mejores historias a pequeña escala que me ha tocado disfrutar.

Hace un año, Lloyd Clive (o Roid), un oficial de la OCU comandó una misión de espionaje en centros de desarrollo de armas (conocidas como B-Device) en Huffmann Island, bajo el control de los USN; junto a su prometida Karen Meure y su amigo Ryuji Sakata. Durante la operación son emboscados por fuerzas de los USN a cargo del Capitán Driscoll, y Karen es tomada como prisionera por Driscoll.

La operación fallida recibió el nombre de “Incidente de Larcus“, y como consecuencia de esto, Lloyd y Ryuji son dados de baja, y además de aquello, el tratado que estaba a punto de firmarse entre la OCU y el USN (las naciones en conflicto) fue anulado, originando la segunda guerra de Huffmann.

Un año después, Lloyd es contactado por un alto oficial de la OCU, para servir en una unidad de mercenarios. Lloyd acepta la oferta, no sólo con la intención de encontrar a Karen, pero también para terminar con la guerra iniciada por sus propios actos.

La saga de Front Mission está narrada en un futuro ficticio relativamente cercano, donde un puñado de supernaciones (OCU, USN, Zaftra, EC, Da Han Zhong) han formado verdaderos bloques de poder. La saga narra los diversos conflictos acaecidos entre estas supernaciones, por lo que las tramas de los diferentes títulos se entrecruzan entre sí. El conflicto de Front Mission se centra en Huffmann Island, por lo que podemos concluir que Front Mission es una historia “a pequeña escala“.

El sistema de juego de Front Mission se resume en hacer una misión, reabastecernos en una ciudad, comprar equipamiento para los Wanzers; nombre que reciben las máquinarías de guerra antropomorfas manejadas por un piloto ubicado en su interior (O sea, un mecha, lol). Y repetir lo anterior. A pesar de ello, el juego no resulta aburrido, debido a la gran personalización que presenta en ciertos aspectos.

Lo mejor de Front Mission es todo lo que conlleva la batalla. La preparación, el hecho en sí y las escenas después de. Antes de cada enfrentamiento, es necesario preparar el equipamiento de nuestros Wanzers, el cual es increíblemente variado y permite todo tipo de estrategias de ataque y defensa. A continuación daré un ligera descripción de la estructura de los Wanzers y de su armamento :3

Cada Wanzer posee 4 partes, que corresponden a sus dos brazos, las piernas y el cuerpo. En los brazos va todo el armamento (rifles, ametralladoras, misileras, escudos, etc), si el brazo es destruido el Wanzer no podrá hacer uso de sus armas. Las piernas tienen relación con la capacidad de movimiento y evasión del Wanzer. Si éstas son destruidas la máquina tendrá una capacidad de movimiento casi nula. El cuerpo es la parte más importante del Wanzer, puesto que si éste es destruido, el Wanzer queda inmediatamente fuera de combate, aunque el resto de sus partes estén intactas (no veo necesario explicar el porqué…). Se podría decir que el Wanzer es destruido cuando se destruye el cuerpo, pero también puede ser inutilizado si se destruyen sus dos brazos. Esto se puede prestar para fines estratégicos.

El equipamiento del Wanzer se subidivide en armas y partes. Las armas se equipan sólo en los brazos y se pueden posicionar tanto en manos (rifles, ametralladoras, bazookas) como en hombros (escudos y misileras). Además, se dividen en armas de corto (ametralladoras y rifles), largo alcance (bazookas y misileras) y de batalla cuerpo a cuerpo/”melee” (bastones y puños). Saber que tipo de arma utilizar depende de la orientación que se le quiera dar al Wanzer dentro de la estrategia del grupo y también depende del piloto, un punto que explicaré más adelante.

Las partes del Wanzer (brazos, piernas y cuerpo) poseen varios parámetros que los van diferenciando. Algunos dan más energía y defensa, mientras que otros otorgan más puntería, movimiento y agilidad, o una mezcla entre ambas cosas. Saber elegir correctamente las partes y lograr que la estructura del Wanzer se adapte a las aptitudes del piloto es el objetivo primordial.

Cada piloto posee tres niveles de habilidad de ataque (corto alcance, largo alcance y cuerpo a cuerpo). Dependiendo del tipo de arma que se use, aumentará en mayor o menor medida uno de los 3 tipos cada vez que el piloto sube de nivel. También en ciertos niveles el piloto aprenderá ciertas habilidades correspondientes a uno de los 3 tipos. Así, un piloto que utilice dos armas de corto alcance puede aprender “Switch” que le permite atacar con un arma y luego cambiar de mano y atacar con la otra, doblando el daño. O un piloto que sea hábil en armas a larga distancia puede aprender “Guide“, que es un ataque enfocado a algún área del Wanzer enemigo. En conclusión, un buen Wanzer es la suma de elegir armas que vayan de acuerdo a las habilidades del piloto y complementar esas habilidades con las partes correctas.

El sistema de batalla es el clásico sistema táctico de movimiento por cuadros y por turnos fijos, aunque tenemos la opción de elegir que Wanzers mover primero. Sólo podemos realizar una acción por turno o combinar en el orden mover + acción (atacar, item, etc). Al elegir atacar se verá el rango de todas nuestras armas y podremos elegir cual utilizar. La mayoría de las misiones tienen por objetivo eliminar a toda la tropa enemiga, salvo pocas excepciones.

Fuera de la batalla, nos iremos moviendo en un mapa de la isla de Huffmann, que es donde se desarrolla el juego. Dentro de las ciudades, tenemos inmediatamente las opciones de los lugares a los cuales podemos acceder (estilo FFTactics). Tenemos las tiendas, los bares (de donde se puede colectar información o realizar algunas de las -lamentablemente- escasas sidequests del juego) y los coliseos, donde podemos apostar dinero en luchas de 1 contra 1. Más adelante casi no presta utilidad alguna, salvo obtener un par de personajes más.

Las gráficas del juego son espectaculares, tanto en lo escenarios como en los detalles de las máquinas. Los personajes también están muy detallados. Son 32Mbit muy bien utilizados :3

El soundtrack, omg pedazo de música. Espléndido trabajo, y no podía ser menos, si fue realizado por Yoko Shimomura (Super Mario RPG, Parasite Eve, Kingdom Hearts) y Noriko Matsueda (Bahamut Lagoon). Temas para destacar la verdad no los hay porque la calidad de la música es pareja en todas las situaciones.

Front Mission es un juego relativamente fácil y corto, debido a la mecánica del juego. Teniendo los Wanzers correctamente equipados ya tienes cierta seguridad durante la batalla. Salvo una o dos misiones (cuidado con Hell’s Wall), el juego no presenta mucha dificultad. El juego como ya señalé es corto, es un trámite que no pasa de las 25 horas. La casi ausencia de búsquedas secundarias le dan un carácter lineal y de nulo replay value (uno de los pocos defectos del título), a diferencia de las versiones posteriores de PS y NDS, que incorporan un segundo modo de juego, desde el punto de vista del otro bando. Muy interesante.

Para finalizar, sólo destacar a Front Mission como uno de los mejores títulos de estrategia que he probado. Una historia simple, pero bien llevada decorada con un interesante sistema de juego. Creo que su mayor encanto es lo mucho que logra siendo tan falto de pretensión, algo que ve poquísimo hoy en día. Es muy probable que a la mayoría de gente le deje un grata impresión. Los fanáticos de la estrategia simplemente implosionarán.

Adiós.

PD: A modo de dato curioso, este review es el más largo que he realizado. Tiene 1415 palabras.

“Attending to symptoms, we lose our purpose.”

Shoma Morita, M.D.

Luces muy mal, ¿eh?. Muy desaliñado, muy perturbado, muy inestable. Hay algo en tu vida que te incomoda profundamente, pero probablemente no te darás cuenta hasta presentar un agudo síntoma de aquello. Después, algún colega, familiar o amigo te dirá “deberías hacerte ver por un médico”. Arrastrando los pies sigues la indicación que te da alguien hacia la consulta de un “doctor de neurología”. Es que “psiquiatra” te hace ver como un loco, ¿no?. Imagínate lo que pensaría la gente de ti.

La consulta está en el subterráneo del hospital, cosa rara para tratarse de un profesional sobre el cual circulan tantos rumores. Abres la puerta y entras a una habitación… extravagante. Increíblemente extravagante.

Una… ¿persona? te da la bienvenida. Espera. No me digas que eso es el doctor…

“Irabu Ichiro. A tu servicio ^^.”

Kuchu Buranko (Trapeze), serie de animación estrenada hace exactamente 3 semanas, narra las venturas de Irabu Ichiro, un psiquiatra muy extraño, y un variado elenco de pacientes a los cuales somete a su inusual tratamiento. Lo primero que llamará la atención de quién se atreva a poner sus ojos en esta obra es la marcada excentricidad visual. Kuchu Buranko destila psicodelia por todos lados. Las screenshots a lo largo del post servirán de testimonio, y pasaré a abordar el tema del post en cuestión.

Los pacientes que acuden a la consulta de Irabu suelen presentar un síntoma concreto, el cual es la causa de su visita. Desde el momento en que ingresan a la oficina de Irabu, las sorpresas para éstos se suceden una tras otra. Tras el desconcierto inicial, el doctor procede a recetar una inyección, la cual es aplicada al instante por su asistente Mayumi, teh uber hot nurse. La única enfermera que traspasa la barrera dimensional en 5 segundos y tiene una pésima técnica para dar inyecciones. Pero a quién le importa el dolor si al mismo tiempo te está mostrando el escote ;3. Y todo esto… ¿para qué?. Fetichismo. El de Irabu son las inyecciones, lol. Una vez satisfecho, el doctor inicia su magia.

La metodología de Irabu Ichiro parece cimentarse bajo dos preceptos. El primero de ellos, aceptar los síntomas, sensaciones y sentimientos; sin intentar ir en contra de ellos. La segunda piedra angular de su tratamiento supone una desviación del tratamiento médico común.

En vez de atacar los síntomas del desorden, Irabu los ignora completamente, y en vez de dar consejo (cosa que considera inútil) sugiere en el paciente la ocurrencia de ciertas situaciones a fin de que el mismo paciente vaya en cierta forma, conduciento su tratamiento. Esto sumado a una inmersión en la vida del paciente (básicamente pasando mucho tiempo con él), genera en éste un desenlace favorable al aceptar el obstáculo que le impide seguir adelante, y en conclusión, la disposición mental para iniciar un proceso de recuperación de parte del mismo paciente. Sin embargo, suele suceder que antes de aquello, y claramente al servicio de la comedia, el pobre cliente suele empeorar bastante su estado, llevando a situaciones tan inverosímiles como disparatadas.

Detalles muy interesantes a la hora de comentar Kuchu Buranko son las fuentes a partir de las que se modela el método de Irabu. Mientras que los puntos mencionados en los párrafos anteriores sugieren una fuerte influencia del trabajo del Dr. Shoma Morita, se puede observar a la vez una posible reminiscencia del psicoanálisis de Sigmund Freud y su división de la psique en tres entes reguladores (Ello, Yo y Superyo).

Este concepto clásico se personifica en el mismo Irabu Ichiro, quién a lo largo de los episodios va cambiando de apariencia dependiendo de la situación en la cual se encuentra el paciente (sin que este lo note), para dar un “consejo” acorde. Como ya lo habrán pensado, la primera imagen [->] muestra a la trinidad. De izquierda a derecha (y a falta de mejores denominaciones) Irabu-niño, Irabu-oso e Irabu-joven-afeminado. Tomando en cuenta la personalidad de estas tres entidades, lo reservado y taciturno de Irabu-niño lo hacen más adecuado para interpretar el papel del Superyo, mientras que lo risueño y despreocupado de Irabu-oso -sin mencionar su fetiche- sin lugar a dudas le asigna el papel del volátil Ello. Con lo que nos queda Irabu-joven realizando el rol del Yo, al ser de una personalidad más balanceada entre los tres.

Kuchu Buranko está plagada de pequeños detalles de interés (y no son “referencias“). Simbología animal, apariciones esporádicas de un personaje explicando términos médicos, y quién sabe que más habrá.

Sin temor a equivocarme, este particular estreno aparece en mi horizonte no sólo como el salvador de esta temporada, sino también como una propuesta atrevida y delirante. Pero más importante que eso, a pesar de su extravagancia visual, Kuchu Buranko está muy lejos de ser un cascarón vacío.

Los dejo con un par de cosillas de poca importancia.

· Video Promocional
· Opening [Upside Down]
· Ending [Shangri-La (Y.Sunahara 2009 Remodel)]

Dew.

PD: Van sólo 2 episodios. Pero bueh, tenía ganas de escribir sobre esto. Que yo sepa no hay fansub en español que esté trabajando en esta serie, lamentablemente. Si convencí a alguien para verla, sólo queda tirar de gg. Y eso es como caminar en la cuerda floja.

Esta es una prueba de la nueva sección planeada en este post. Como siempre, el feedback al respecto es muy apreciado. En los próximos días saldrá la prueba para el otro título “en competencia” (lol). A falta de una palabra mejor en español, de momento he llamado a la categoría “RPG Storytelling“, aunque a veces me dan ganas de llamarla “Cool Story Bro” (?). Sugerencias son bienvenidas.

Al igual que en los últimos días, Ark despertó sobresaltado. Aquellos extraños sueños se repetían constantemente, y le mostraban escenas que lo llenaban de confusión sin saber por qué. Sin embargo, al ver a Naomi con una expresión de preocupación a su lado, recuperaba la calma.

“(…)* Deberías salir fuera. El cielo es de un azul cristalino y es precioso. Te ayudará a apartar las pesadillas.”**

Dicho esto, Naomi salió del cuarto. [♪]*** Siempre que Ark se quedaba dormido, Naomi iba a despertarlo, por lo que los rumores sobre ambos eran frecuentes en el pueblo. Y hoy no sería diferente. Apenas salió del cuarto los habitantes de la residencia del Sabio comenzaron con sus preguntas. Pero hoy Ark tenía otro asunto del que ocuparse, por lo que se dirigió donde el Sabio, a fin de disculparse por su última travesura. Tras terminar la charla, Ark se dirigió al telar a disculparse por lo sucedido con los tejidos el día anterior, a petición del Sabio.

Al salir de la casa, Ark notó que el día de hoy el cielo estaba de un color azul cristal, tal y como Naomi le había dicho. En el pequeño pueblo de Krista esto siempre era noticia, y estaba asociado a todo tipo de rumores y supersticiones.

“¡Mira!, ¡se ven cosas reflejadas en cristal azul! Veo cosas y gente que nunca había visto antes. ¡Es genial!”
“Yo quiero salir del pueblo y ver el azul cristal, pero dicen que el que lo mira se vuelve ciego.”
“Algunas veces veo el reflejo de una ciudad en el cristal. Me pregunto que será.”
“Hoy no me dejan salir porque el cielo está azul cristal.”

Luego de pedir disculpas en el telar, Ark regresó a la casa del Sabio para reportarle lo sucedido. Pero mientras iba de camino a su habitación, encontró a sus compañeros frente a aquella misteriosa puerta. Una puerta azul que el Sabio había prohibido abrir.

A pesar de los intentos fallidos de sus compañeros, Ark logró abrir la puerta mediante una de sus especialidades: provocar desastres lanzando jarrones. Tras hacerse añicos la puerta, una voz resonó desde el interior.

“Socorro! Que alguien me ayude!”

Sus compañeros, aterrados tras oír la extraña voz, decidieron no entrar al śotano que yacía tras la puerta y se desentendieron rápidamente del asunto. Pero Ark, al ver la puerta prohibida abierta y con el Sabio aún ausente, decidio entrar al cuarto y ver lo que tenía que ofrecer. Su curiosidad, sin duda, era más fuerte que su temor. [♪] Al descender las escaleras, Ark continuaba escuchando la voz que clamaba por auxilio. Lo que encontró al final del sótano fue una caja que levitaba y giraba emitiendo una tenue luz, que daba la impresión de ser el origen de aquella voz.

Ark avanzó lentamente hacia la caja, y al tocarla con sus manos, una brillante luz iluminó el sótano previamente oscuro. tras extinguirse la luz, Ark se encontró con un extraño ser de color rosa, quién se presentó a sí mismo (si, la cosa ésta habla) como Yomi. Tras la confusión inicial, Yomi le comentó a Ark algunas de las propiedades de la caja, ya que al romper el sello, ésta ahora le pertenece. En palabras simples, la caja parece ser un artefacto mágico, el cual permite transportar diversos tipos de objetos y contiene además valiosa información.

“El sabio temía que la gente entrara al mundo a través de esta caja”
“Ves? Estamos dentro de la caja. Puedes entrar y salir a tu gusto.”

Luego de la explicación de Yomi, Ark sale de la caja y aparece Naomi. Con voz temblorosa, murmura…

“Tengo un mal presentimiento sobre esto, Ark (…) Tengo miedo… (…) Tengo la sensación de que algo va a pasar… (…) Por favor, no me dejes sola…”

Tras decir esto, súbitamente se tornó fría y su cuerpo se congeló. Yomi le señala a Ark que para liberar a la gente del pueblo, Ark deberá salir de Krista y recorrer el mundo en el que vive.

“(…) Deberás descubrir el futuro que ha sido introducido en esta caja.”

Apenas salió del sótano, Ark encuentra a sus compañeros también congelados, y da crédito a las palabras de Yomi. Dado que el Sabio era quién estaba ocultando la caja, Ark decide hablar con él para indagar más acerca de los últimos hechos. Finalmente lo encuentra en la entrada de la casa. El Sabio le reprocha profundamente a Ark su excesiva curiosidad y lo que ella ha causado, pero también le dice la manera de volver a todos a la normalidad.

“Ark, sal del pueblo. Te esperan cinco torres. La puerta está abierta, pero… ¿serás capaz de conseguirlo?”

Al salir de la casa del Sabio, Ark divisó algo que jamás había visto. Una salida de Krista. Una salida, que llevaba al mundo exterior, un lugar que nadie ha pisado jamás.

El sabio fue demasiado breve, y Ark necesitaba más respuestas, pero la emergencia del momento apremiaba, y ya era hora de partir. Al salir de Krista, Ark tuvo la sensación de que iba a descubrir no sólo lo que ocultaban las cinco torres, sino también lo que ocultaba este mundo, con su tierra yerma y su cielo azul cristal. [♪]

Continuará :3

* – El símbolo “(…)” indica que hay una omisión de cierta parte del diálogo original.
** – El texto entre comillas y maquetado como “quote” son diálogos exactamente iguales a los del juego.
*** – La corchea [♪] es un indicador de música de fondo. La idea es clikear los links hacia una nueva pestaña, para… bueh, tener música de fondo D: Totalmente opcional, claro.

PD: Me estoy cargando los derechos de autor, lo sé. Al menos no profitaré. .___.
PD2: Traté de hacerlo lo más breve posible, pero ha salido tocho. Prometo acortar las próximas entregas.

Vengo a rellenar, con un re-review. Sobre el asunto del post anterior, voy a postear una prueba con ambos títulos, y a ver cuál gusta más. También tengo a medias algunos comentarios sobre obras audiovisuales recientes, y un post sobre un animu que empezó recién y su primer episodio me ha ocasionado un fulminante ataque de hype. DEBO ESCRIBIR SOBRE ELLO.

Ficha del Juego:

Nombre: Eltale Monsters, Holy Magic Century, Quest 64.
Año de Salida: 1998.
Desarrollado por: Imagineer.
Publicado por: THQ, Konami.
Género: RPG.
Gráfica: 128Mbit.
Plataforma: N64

El Nintendo 64 (SIXTY-FOOOOOAAAARR) debe ser la consola para la que tengo opiniones más dispares. En general, la falta de RPG’s me hace despreciarla un tanto, especialmente respecto de la prolífica PlayStation (la primera :3). Pero tiene por ahí un par de destellos tan notorios que siempre me hacen regresar a esta desgraciada consola, que tantos desarrolladores le hizo perder a Nintendo. Y no, Quest 64 no es de aquellos destellos.

Quest 64 es el ejemplo de juego que pudo llegar a ser algo más. No es un mal juego pero definitivamente está muy desproporcionado. Mientras algunos aspectos del sistema de juego son muy novedosos y muy entretenidos, el juego cae por el lado de la trama y la repetitividad de algunos elementos del sistema de juego.

Brian es uno de los mejores aprendices de magia en el monasterio de Melrode, donde se enseña el arte de dominar los espíritus. Hace algunos meses, el padre de Brian partió hacia lejanas tierras a realizar una misión muy importante. Pero el tiempo ha pasado y el padre de Brian no ha regresado.

La preocupación entre los magos se acrecienta, ya que si el padre de Brian ha fracasado en su misión, el mundo se encuentra en grave peligro. Por esto, Brian decide partir en busca de su padre y completar la misión de éste: recuperar el libro de Eletale, que según los rumores, ha sido robado con oscuras intenciones.

El juego se maneja con un único hilo instrumental, y a pesar de tener varios elementos de rol, éstos prácticamente no se manifiestan en el desarrollo de la trama. Ausencia de cutscenes, y muy pocos diálogos hacen de éste un punto muy bajo del juego.

El sistema de juego posee varios aspectos muy interesantes. Primero, no hay dinero, por lo que la única forma de obtener objetos es que otras personas te los regalen, u obtenerlos mediante cofres. Este hecho en si no es molesto, después de todo es algo así como un niño que viaja sustentándose en la caridad basada en su posición (como domador de espíritus, Brian es figura conocida entre la gente). No es una cosa muy alocada. El problema es la gran limitación para llevar objetos, lo que le añade una dificultad innecesaria a la exploración.

Otra característica interesante es que el desarrollo del personaje no es en base a niveles, sino que se basa en varios porcentajes que aumentan en distinta forma conforme se adquiere experiencia, de esta forma tenemos varios subniveles (agilidad, defensa, hp, mp y elementos). La manera en la cual se fortalecen estos elementos es lo más interesante del caso, ya que es un sistema muy natural. Quieres subir agilidad? Esquiva ataques. Más defensa? Aguanta varios golpes. Lo que hace posible un sistema de desarrollo tan interesante como éste es la estructura del sistema de batalla, punto a tratar más adelante.

El sistema de habilidades se basa en magia elemental. Cada vez que subimos un nivel mágico, se debe elegir el elemento a fortalecer (aire, tierra, agua o fuego). Al fortalecer un elemento, podemos adquirir nuevos hechizos.

El sistema de batalla se compone de dos octágonos. El octágono mayor indica el área de batalla, y al salir de éste se huye de la batalla. El octágono más pequeño indica el área de movimiento del personaje. Si el personaje se encuentra lo suficientemente cerca del enemigo, puede golpearlo con su bastón sin tener que usar hechizos, los cuales tienen diversos rangos de ataque. Dos factores muy interesantes son el hecho de que cuando el enemigo lanza un hechizo, tienes un par de segundos para moverte e intentar evadirlo, lo cual lo hace muy dinámico. Lo otro es que el MP se va recargando más o menos rápido fuera de las batallas, lo que colabora a que todo sea un poco menos tedioso.

Gráficamente el juego es muy animado, aunque es inferior a otros títulos de gráfica semejante. Los polígonos en ocasiones se notan demasiado y afean el entorno, que por lo general luce muy bien y como ya dije anteriormente, luce todo “muy vivo”. El diseño de los personajes es muy bueno, al igual que los efectos de los hechizos y los enemigos tienen también un diseño muy original.

La banda sonora es regular, pero bastante limitada en cuanto a instrumentos y ritmos. Se queda demasiado en melodías que recuerdan la música celta y además carecen de profundidad. Aunque a favor de la banda sonora podemos decir que es de las primeras orquestadas del N64, aunque a pesar de ello no llegue al nivel de soundtracks de juegos del SNES.

La dificultad del juego es muy inadecuada. El juego en sí no es difícil, pero muchas veces obliga al jugador a pasar jornadas sólo subiendo niveles sin lograr mucha diversión, ya que a esto se suma que el sistema de exploración de Quest 64 es sin dudas, lo peor del juego. En ciertas ocasiones se hace asquerosamente lineal y generalmente es simplemente… insulso, frustrante y aburrido. Con esta afirmación aludo principalmente a la estructura de los dungeons, lo cual es un gran defecto muy difícil de obviar. Las ciudades, por otro lado, están muy bien diseñadas.

A pesar de ello la duración del juego no pasa de las 35 horas. A modo de conclusión, los pros en Quest 64 son casi tantos como los contras, que dependiendo del jugador, pueden llegar a pesar más. Un sistema de juego novedoso, pero al cual le faltaron varios retoques, un bonito entorno gráfico pero con una mala exploración, una buena banda sonora pero sin una trama medianamente decente que la acompañe y un buen sistema de batalla pero que se vuelve tedioso por el exceso en algunos lugares de encuentros aleatorios. Personalmente sólo se lo recomendaría a gente que disfruta de los Action-RPG’s, creo que lo disfrutarán más que jugadores de RPGs regulares.

Dews.

Hace ya muchos (bastantes… D:) años, me encontraba disfrutando de las aventuras de Cecil y Co. en Final Fantasy IV por primera vez.

El grupo de viajeros se encontraba en ése momento en el Castillo de Baron, el cual se hallaba sorpresivamente vacío. Poco tiempo bastó para que el grupo se diera cuenta que algo andaba mal: Golbez andaba haciendo de las suyas de nuevo. Tras vencer al -antiguamente- leal capitán de la caballería, y previamente a uno de los momentos más tristes de todo el juego (;______;), el grupo se encontraba con uno de los esbirros más temibles de Golbez, uno de los famosos elemental fiends, Cagnazzo.

[Música de fondo opcional AQUI]

La cosa es que yo ya tenía a Tellah sobre el nivel… 28 o 35, no recuerdo bien. El hecho es que tenía Bolt 3 y Cagnazzo no aguantó más que uno. Fue bastante patético debo decir. Así que después de mi sorpresa inicial, busqué explicaciones. Concretamente fuí a la Internets a buscar info sobre el HP de Cagnazzo (no, no se puede ver el HP de bosses en la versión de SNES). Lo que me encontré (además de que Cagnazzo tiene 5312 HP), tiene íntima relación con el tema de este post. Una idea sobre la cual me gustaría recibir un par de opiniones. Ya que de todas formas lo haré :D.

El caso es que me encontré con una bitácora de un tipo genial que iba narrando sus encuentros con los diferentes bosses de todos los FF (en inglés). De hecho, ya había escrito bastante sobre los tres primeros y estaba actualmente narrando acerca de FFIV. El tipo tenía un estilo de redacción muy bueno, sabía darle comicidad al asunto a la vez que hacía ver a los encuentros como titánicas batallas, con descripciones llenas de detalles. Era realmente una delicia de lectura.

Ah? que cuál es la dirección? NO LA SE COÑO TT____TT FFFFFUUUUU-. En ésa época usaba IE. No tenía interés en saber qué eran los “Favoritos”. Obviamente, la he buscado un par de veces, pero ha sido un ejercicio de futilidad.

El segundo antecedente es más reciente (rima :3). En uno de mis blogs de cabecera (también en el idioma de Shakespeare), hace bastante tiempo, se hizo algo parecido, pero siguiendo la historia de Chrono Trigger. Se descontinuó, y además los posts ya no están; pero en este caso la redacción tenía un tono mucho más humorístico y algo irónico, pero sin ser ofensivo hacia la joya en cuestión. Es que nadie puede ser ofensivo hacia Chrono Trigger, por el amor de [inserte divinidad preferida].

Con esos dos antecendentes en mano (?), me fui a la búsqueda de cosas similares. Y claro, no encontré nada. Después de haber narrado dos búsquedas fallidas en Google, deben de pensar que soy un saco lleno de FAIL cuando busco información, pero bueh, creo que ya saben a lo que voy.

RPG Blogging episódico sería algo así como cuando los que escriben blogs de animu ponen 20 imágenes en hachedé de cierto episodio y 10 líneas de texto con una descripción apresurada y floja redacción para decirnos cosas que hasta una manzana podría percibir tras ver el capítulo. Bueno, así lo hacen ellos.

Pero, yo lo haré con RPGs. Y siendo fiel a mi estilo, intentaré: ampliar un tanto la visión de la historia, darle buena continuidad a los relatos, lograr una buena extensión (no van a ser posts del tamaño de un review, por cierto), y tratar de algunas veces, observar el juego desde fuera, asociando algunas cosas con otras cosas en la Matrix, y tal. No es la idea escribir fanfiction. Tampoco lo es rolear, pero tiene un poquito de lo primero. Un poquito.

A fin de comenzar de forma más o menos satisfactoria esta posible nueva sección del blog, falta elegir con qué titulo iniciar. Para facilitarme las cosas, va a tener que ser un relato con una trama BASTANTE desarrollada, a la que se le pueda sacar bastante, y que sea algo conocido por mis 4 o 5 habituales. Lo último va a ser lo más fácil… montón de frikis :3. Pero tengo dos candidatos serios.

Necesito opiniones en esto. Feedback pl0x. Gracias :3.

Shau.

PD: BONUS TRACK FOR THE LULZ. Nicovideo Alert. Y tiene un pedazo spoiler de FFIV.

La emulación de DS no anda tan mal como yo pensaba. De hecho anda bastante bien en algunos juegos. Desconozco el porcentaje de juegos compatibles hasta la fecha, sólo se que aún falta un camino bastante largo que recorrer al respecto. En el caso específico de este título, DeSmuME hizo su trabajo de forma magnífica. Apruebo DeSmuME :D.

Mi experiencia en el género de las aventuras gráficas es escasa, más aún las llamadas novelas visuales (de hecho, sólo las conozco gracias a los mediocres anime en las que derivan). De ahí mi constante interés en probar algunos de estos títulos. En el caso de este título en particular… Phoenix Wright es muy famoso en la internets, casi un fenómeno memético. Por lo que todo fue impulsado por un “ya, a ver de qué va esto”. Y aquí está el resultado :3

Ficha del Juego:

Nombre: Gyakuten Saiban Yomigaeru Gyakuten (JP), Phoenix Wright: Ace Attorney.
Año de Salida: 2005 (DS)
Desarrollado por: Capcom
Publicado por: Capcom
Género: Aventura Gráfica
Gráfica: 64Mbit
Plataforma: Nintendo DS (hay versión de GBA, pero no la hallé D:)

Hay dos características muy marcadas en la saga Ace Attorney, de la cual este título es iniciador. La primera es el adictivo dramatismo que encierra en cada una de sus historias. La segunda sin dudas, potencia a la primera, pero también resalta por si misma. Ace Attorney es una saga con una presentación única, lo cual no es algo menor.

Es claro que a las compañías les cuesta innovar. Las causas, aparentemente evidentes, se alzan finalmente como desconocidas. Es como si vivieran en un mundo aparte. La innovación es arresgada, si, pero puede traer consigo grandes satisfacciones. Satisfacciones como Phoenix Wright: Ace Attorney.

Recién salido de la Universidad, Phoenix Wright es un incipiente intento de abogado defensor, quien entra a trabajar como aprendiz en las Oficinas Legales Fey & Co., dirigidas por la prestigiosa defensora Mia Fey (<3). El juego se inicia junto al primer caso de Phoenix, en el cual deberá defender a Larry Butz, un amigo de infancia quién está acusado de asesinar a su novia (o ex… quién sabe D:). Esto dará paso a nuevos casos cada vez más complejos, dónde Phoenix será puesto a prueba de forma permanente.

La trama del juego en conjunto se subdivide en varios casos, muchos de los cuales sacarán a relucir el pasado de los protagonistas y los enfrentarán con sus fantasmas, añadiendo un componente dramático muy interesante a la mezcla.

El sistema de juego en Phoenix Wright se divide en dos fases muy marcadas: la fase de investigaciones y la fase de la corte. Durante la etapa de investigación, el juego funciona muy al estilo de una novela gráfica normal. Nos vamos moviendo por diferentes locaciones, sosteniendo conversaciones con personas relacionadas al caso en cuestión, quiénes nos darán pistas, y más importante, evidencia, que luego podrá ser utilizada en la corte. Además de esto, hay varias otras opciones más “detectivescas”, como por ejemplo examinar lugares, analizar evidencia y un par de cosillas más, todo utilizando las capacidades de la consola.

Para ayudarnos durante el juego, existe un menú llamado “Court Record“, donde podemos revisar nuestra evidencia y leer los perfiles de los personajes involucrados en cada caso.

La segunda fase del juego se inicia cuando el juez da el primer martillazo, y siempre es la más emocionante :D. Phoenix Wright está inspirado en el modelo de justicia japonés, pero cualquiera que haya visto una serie/película de abogados se dará cuenta que es un sistema de Tribunal de Juicio Oral con algunas ligeras modificaciones, para comodidad del jugador y también de la trama, ya que varias situaciones se originan debido a ciertas leyes que rigen el sistema penal. Un abogado querellante (fiscal). Un abogado defensor. Muchos testigos. Blah blah, etc etc.

Phoenix, al ser un abogado defensor, en cada caso se enfrenta a un fiscal, quién va llamando a los testigos del caso a fin de imponer su posición y lograr su objetivo: un veredicto de “culpable”. (Y si, si eso pasa es Game Over para tí D:). El sistema de juego durante la corte se basa en los testigos, y es allí donde ocurre la mayor parte de la acción. La idea central de lo que debemos lograr en la corte se resume en “buscar contradicciones”. A través de la contradicciones se pueden descubrir vacíos en la teoría del fiscal y desde allí probar la inocencia de tus defendidos.

A fin de percibir contradicciones, es necesario conocer el caso en profundidad, y haber obtenido la mayor información y evidencia posible en la etapa de investigación. Ya en la corte, contamos con un par de herramientas importantísimas, que se aplican después el testimonio de cada testigo. A esto se le llama “examinación cruzada”, y es una instancia donde el abogado defensor puede hacer preguntas a los testigos.

Durante la examinación cruzada podemos presionar a los testigos a ampliar su descripción de cierto punto del testimonio a fin de encontrar un forado en su posición, o podemos directamente señalar la contradicción mediante el uso de evidencia. Pero siempre hay que ser cuidadoso, ya que en la mayoría de los casos presentar la evidencia incorrecta te hará merecedor de una penalización de parte del juez (si recibes 5 penalizaciones, es Game Over). Por eso es importante tener claros los hechos del caso, para saber en que momento utilizar cual o tal cosa. El resto es sólo seguir adelante, encontrar contradicción tras contradicción, desbaratando la teoría del fiscal y provocando la ira de algunos testigos. Dramas van, dramas vienen. Algunos giros argumentales son bastante inverosímiles, pero cuando estás tan inserto en la historia, no puedes hacer otra cosa que disfrutarlos :D.

Respecto del apartado sonoro, las voces muy bien todas (las pocas que hay), y los sonidos también bastante bien. Lo que me dejó una mala impresión fueron las melodías en general. Me sorprende que una portátil como la DS tenga limitaciones de sonido similares a los antecesores. Las melodías son bastante simples, y cumplen su función, pero no son nada del otro mundo.

Gráficamente, es un título muy correcto. Los diseños de personajes sobretodo, están llenos de detalles muy interesantes. Después de todo, Capcom siempre logra darle a sus personajes un toque muy personal. Los fondos y los elementos gráficos de menúes van bien con el estilo general del título. No hay quejas en este apartado.

Phoenix Wright tiene una curva de dificultad bastante conveniente y bien pensada. Si bien el primer caso es un truño, ya en el segundo entramos de lleno a utilizar todas las mecánicas del juego y a experimentar de verdad “de qué va esto”. A medida que vamos avanzando, será cada vez más difícil lograr hallar contradicciones en los testimonios y frecuentemente Phoenix se verá en grandes aprietos. El juego toma aproximadamente unas 20 horas, tomando en cuenta que te atrases un poco en algunos momentos.

Phoenix Wright es sin duda, una de las ideas más originales para un videojuego de los últimos años. Si, ya hay muchas aventuras gráficas detectivescas, pero Phoenix Wright toma esa tradición y va más allá de aquello, creando una vorágine (*) de sucesos que inmediatamente atrapan al jugador, acompañado por una pléyade de personajes carismáticos y únicos, de los cuales difícilmente te olvidarás durante un buen tiempo. Un gran título. Made of win. Muy recomendado.

(*) Me gusta esa palabra :3

Asha thrazi.

PD: Iba a hacer un post sobre la temporada animu de Otoño, pero probablemente vea 2 o 3 cosas, así que no da para post ;).

“Pero, sin importar lo mucho que se parezcan a mí, por dentro somos completamente distintos. Somos parecidos, pero en el interior somos diferentes. Así que varias veces esto me suele pasar por la mente… ¿qué es lo que piensas sobre mí?“

~Akiko, act:01

En el futuro, probablemente en Japón.
Los robots ya son utilizados desde hace un largo tiempo,
y el uso práctico de androides ha comenzado recientemente.

La introducción de androides a la vida diaria ha supuesto más de un inconveniente para algunos sectores de la sociedad. Casos de gente que simpatiza de manera excesiva con ellos (debido a su apariencia muy similar a la de los seres humanos) son tildados como un “problema para la sociedad”. La renovación que ha supuesto la nueva tecnología ha sacudido el mercado laboral y la aparición de agrupaciones que abogan por una “regulación” respecto al uso de los androides han generado un denso clima de efervescencia social.

Rikuo es un joven bastante normal que asiste a la secundaria. Tiene padres que trabajan hasta tarde, y una hermana un poco fastidiosa. Por lo tanto, quién se encarga de las labores del hogar, es un autómata, un androide. Como es natural, los androides tienen un horario de actividades a cumplir cada día de acuerdo a como han sido programados por sus dueños. Pero un día, Rikuo se percata de ciertas irregularidades en el itinerario del androide, por lo que decide revisar el registro. Entre la información, Rikuo encuentra un extraño mensaje:

** Are you enjoying the time of EVE ? **

Eve no Jikan (The Time of Eve) es la obra más reciente del Studio Rikka, responsable de varios cortometrajes, los más conocidos siendo Mizu no Kotoba (Aquatic Language) y Pale Cocoon. Al igual que los dos cortometrajes anteriores, el título de mente maestra en Eve no Jikan reside en el joven director, Yasuhiro Yoshiura. (Un tipo que probablemente dará mucho que hablar en unos cuantos años más)

Eve no Jikan es una ONA, siglas para Original Net Animation. Consta de 6 episodios de aproximadamente 15 minutos cada uno, y su distribución se realiza a través de sitios de streaming, como Crunchyroll y Yahoo Streaming Japón (GyaO!). El primer episodio se emitió el 1 de Agosto de 2008, el último vió la luz el 18 de Septiembre recién pasado.

La obra se ambienta, como ya está descrito en párrafos anteriores, en un futuro “cercano”, en el cual los androides han empezado a ser utilizados en la vida diaria, realizando desde trabajos en fábricas hasta las labores del hogar. Los androides son en apariencia idénticos a los seres humanos, excepto por una especie de halo que flota sobre sus cabezas. Obviamente, carecen de voluntad y razonamiento propio. Después de todo, son sólo herramientas.

Tras ver el mensaje en el registro de su androide, Rikuo decide visitar las coordenadas que indican el lugar dónde estuvo su androide, junto a Masaki, un compañero de escuela. Al llegar al lugar, un androide se cruza en su camino e ingresa al local. Al entrar, encuentran un misterioso café, precisamente llamado “Eve no Jikan“, en el cual existe una aún más misteriosa “norma“:

“No discriminación entre humanos y robots”.

En el café, Rikuo encuentra a varios individuos, la mayoría de ellos clientes habituales. Y es aquí donde empiezan a surgir las preguntas. El androide que ingresó antes que ellos ya no tiene el halo. Entonces… si todos están siguiendo la norma, ¿cómo se puede distinguir entre androides y humanos en aquél lugar?, ¿por qué su androide ha desviado su camino y llegado hasta aquí?, ¿acaso lo ha hecho por “propia voluntad”?. La pregunta de fondo es la primera, que en palabras más simples, es un “quién es quién“.

En un principio la respuesta parece bastante simple, pero a medida que Rikuo y Masaki comienzan a conocer a los clientes y sus historias, la línea que separa a ‘los unos de los otros’ se vuelve peligrosamente borrosa. Lentamente, Rikuo comienza a formar parte de esta extraña situación.

Y algo comienza a suceder en su entorno. No se sabe lo que es, pero se puede percibir. Los casos de personas con empatía hacia los androides (“android-holics”, los llaman) aumentan y comienzan a aparecer “zonas grises“, lugares que violan las leyes respecto de los androides. En una sociedad que se ha automatizado, ¿son los androides quiénes se están volviendo cada vez más humanos, o son los humanos los que se están conviertiendo en androides?

Claramente, el desarrollo de los personajes corre más que nada por cuenta de los dos protagonistas. Rikuo y Masaki, desde un comienzo tienen posiciones diferentes. Al ir avanzando los capítulos, irán conociendo diferentes realidades que van a probar la fuerza de sus convicciones. Los cambios en la forma de pensar de ambos protagonistas constituyen una piedra angular del relato, sobre la cual se van construyendo el resto de historias de los clientes del café, con algunos momentos tensos y dramáticos, pero también con momentos graciosos, con un humor muy ingenuo y accesible.

Técnicamente, Eve no Jikan es un relato asombroso, respaldado por una calidad de animación muy sólida. Quiénes conozcan el trabajo de Makoto Shinkai se sentirán bastante familiarizados con el estilo que cultiva Yoshiura y el Studio Rikka en cada una de sus creaciones.

Fondos muy trabajados, decorados con una iluminación prodigiosa y diseños de personajes simples, pero efectivos. Otro detalle único en la animación es el estilo en el cual la acción se desenvuelve. Es una especie de “cámara de mano“, que le da a cada una de las escenas un enfoque muy “casual” y particular, haciendo más creíble la obra. Pensar que todo eso está hecho por un puñado de tipos geniales, es algo que da escalofríos.

El apartado musical es limitado en cuanto a cantidad, más no respecto a la calidad. Se aleja de las tonadas clásicas del Sci-Fi, y es un trabajo muy delicado y preciso. Es el acompañamiento perfecto para una obra muy fuerte que se oculta tras la máscara de la liviandad.

Explicar en qué consiste Eve no Jikan en menos de *revisa el contador* 1135 palabras me hubiera resultado imposible. Como la mayoría de expresiones que gustan de recibir el elogio de ser “inteligentes“, Eve no Jikan trae consigo más preguntas que respuestas. El tema de la relación humano/robot es un tema muy utilizado, pero Eve no Jikan lo trata desde un punto de vista único. Una dicotomía entre el interior y el exterior. Una dicotomía entre lo humano y lo no-humano.

Eve no Jikan brilla con luz propia como una de las obras más originales de los últimos años, o -porque no decirlo- de la década.

Puedes verla aquí: (son sólo dos horas :3)
Time of Eve (Crunchyroll)

Adiós :3.

PD: Definitivamente este no será el único post que escriba acerca de esto. No me culpen por ser un fanboy de Rikka u_u.
PD2: Que en paz descanse, Yoshito Usui. Una lástima.

El que sepa de qué es el que acabo de poner, obtendrá satisfacción para sí mismo.

Ficha del Juego:

Nombre: Mystic Quest Legend, Mystic Quest, Final Fantasy Mystic Quest
Año de Salida: 1992
Desarrollado por: Square Co.
Publicado por: Square Co.
Género: Aventura, RPG
Gráfica: 8Mbit
Plataforma: Snes

Final Fantasy Mystic Quest es comúnmente referido como un título bastardo dentro de la franquicia, y por consiguiente, frecuentemente ignorado o vapuleado. Con el objetivo de convertirse en puerta de entrada para los jugadores al género de los RPG’s, es un título con cierto nivel de innovación en el sistema de juego a fin de darle mayores toques de acción y hacerlo más accesible al gran público.

Si bien las características de ActionRPG, y la disminución en la dificultad evidentemente podrían haber ayudado a cumplir el objetivo de Square, el hecho de que la simplificación también haya sido aplicada a la trama y al desarrollo de ésta (de manera brutal), causaron más desilusión que otra cosa, negando a Mystic Quest la posibilidad de ser un Final Fantasy en toda regla debido al rechazo que tuvo en varios círculos especializados.

Focus Tower, la torre ubicada en el centro del mundo, no es sólo una importante locación en la cual se cruzan las principales rutas del continente, es también el sitio que provee el equilibrio que el mundo necesita, puesto que los cuatro cristales que mantienen los elementos en paz residen allí. Pero cuando los cuatro cristales son robados, el caos se apodera del continente a la vez que ventiscas, terremotos y otros desastres comienzan a azotar a sus ciudades.

Huyendo de su pueblo tras un terremoto, se encuentra Benjamin, quién al encontrar a un misterioso anciano en la cima de una montaña, recibe en sus hombros la misión de acabar con la oscuridad que está poco a poco carcomiendo al mundo.

A pesar de que durante la aventura, Benjamin se va encontrando con una variada gama de personajes y además el relato tiene algunas inflexiones y giros argumentales interesantes; la simplicidad de los personajes y el casi nulo desarrollo de éstos a lo largo de la aventura, dan como resultado una trama algo plana y atractiva sólo hacia cierto punto.

El sistema de juego, como se anticipaba, tiene varias aristas que lo diferencian de otros Final Fantasy. La mayoría de modificaciones están dirigidas a hacer más dinámica la experiencia de juego asimilando varios aspectos de un ActionRPG, por ejemplo, agregando mayor interacción con objetos -especialmente en las mazmorras- y modificaciones al sistema de batalla. Como primer punto, el susodicho no es con apariciones aleatorias, sino que podemos ver a los enemigos antes de enfrentarlos, al estilo Lufia. Además Mystic Quest luce un sistema de batalla frontal.

Entrando en temas más específicos, Mystic Quest tiene un sistema de habilidades muy sencillo el cual reemplaza al “MP”, y que es más cercano a los títulos más antiguos de la saga. Fuera de las mazmorras nos movemos en un mapa con lugares fijos y sin batallas de por medio, excepto en lugares designados como “Battlefields” dónde se puede hacer “leveling” fácilmente.

Durante la aventura varios personajes ayudarán a Benjamin en su misión por cortos períodos de tiempo. El juego ofrece la posibilidad de manejar de manera automática al segundo personaje en batalla, cosa que personalmente no recomiendo. Es jodidamente idiota. Como conclusión obvia, todas estas modificaciones se corresponden con lo expresado al inicio del review: dar mayor simplicidad y dinamismo.

En el aspecto gráfico, rápidamente uno se da cuenta de lo vivos que son los colores en Mystic Quest. La gráfica es de una calidad semejante a Final Fantasy IV, pero más brillante, por lo que se mantiene a la altura de otros títulos de su época. Durante las batallas la calidad disminuye un tanto. Los sprites de enemigos utilizan paletas algo sosas, y las animaciones de batalla son también bastante simples. De todos modos, en este apartado Mystic Quest sale airoso.

A modo de dato curioso, el sprite del cofre rojo es idéntico al de Final Fantasy IV. Se podría decir que ese sprite es lo único que relaciona a Mystic Quest con los demás de la saga, lol. Aparte del nombre, claro. Y los cristales no cuentan, son trilladísimos.

La banda sonora, como es de esperarse, no pertenece al maestro Nobuo Uematsu, compositor ícono de Final Fantasy. Pero (éste es un “pero” con mucho énfasis) esto no le resta mérito. A todas luces, el trabajo de Ryuji Sasai y Yasuhiro Kawakami es sencillamente fantástico. Las melodías te sumergen en el ambiente de cada lugar y los temas de batalla son geniales. Y no son para nada cansinas.

Normalmente si estás jugando en un emulador, cuando la música se vuelve repetitiva y tal, subimos los frames y “volamos” a través del juego, no? Pues bien, Mystic Quest lo jugué a velocidad normal todo el tiempo. Así de bueno es el apartado sonoro de este título, lo que al final constituyó una positiva sorpresa y aumentó en cierta medida mi valoración general.

La dificultad, como ya se ha descrito en párrafos anteriores, es bastante baja. La inclusión de lugares de “leveling” simples, lo suave de las curvas de experiencia, y otros detalles como el hecho de poder grabar en cualquier lugar, y la existencia de “cofres renovables” con items curativos (seh, sales del lugar, vuelves y el cofre vuelve a tener los items, parece bug pero no lo es D:) confirman esta afirmación.

Para cortar y cerrar este review, creo que es importante dejar en claro que Mystic Quest no es un mal juego. Tiene falencias en la trama y especialmente en el desarrollo de sus personajes, en ese aspecto el nombre le pesa muchísimo, pero tiene como punto de redención el impecable sonido y -en cierta forma- la simplificación de los mecanismos del juego, que puede ser tanto un defecto para unos, como una virtud para otros (“para gustos, los colores…“). Si bien un jugador que ya ha probado la savia de los JRPG’s no encontrará desafío aquí, puede constituir un buen punto de partida para otros. Ligeramente recomendado.

Adiosin :3

PD: Espero recuperar el momentum =o
PD2: Había puesto un chiste MUY malo en una parte del review la primera vez que publiqué. Ya no está, era terrible D:

¿Más reviews? Ir a la sección de Reviews.

Apruebo esto (algo así como I approve of this) es una especie de sección donde escribiré sobre los anime que me causaron -al menos- una muy buena impresión. Para tener una idea de cuáles obras podrían estar aquí, referirse a mi MyAnimeList y buscar lo que tenga de un 8 hacia arriba. Y si, son reviews que siguen una mecánica parecida a los reviews de juegos. Que lo disfruten.

Un día cualquiera, algo te obligó a mirar hacia atrás. Tuviste una vida simple, pero llena de cosas para recordar. Tuviste un amor. Tuviste compañía. Tuviste una familia. Tuviste un hogar. Tuviste momentos alegres, así como también momentos tristes. Tuviste todo aquello. Hoy estás solo, pero siempre estarán contigo tus recuerdos, y aquello que construiste con tus propias manos, dará fiel y eterno testimonio de tu existencia.

La Maison en Petits Cubes (o House of Small Cubes) es un corto del año 2008, creado y dirigido por Kunio Kato, y musicalizado por Kenji Kondo.

La narración se sitúa en una localidad donde debido a las continuas subidas en el nivel del mar, la gran mayoría de casas ya se han hundido. En una de estas casas habita un anciano, quién para evitar que su hogar se hunda, debe continuamente construir una nueva casa sobre la anterior, de manera que la construcción está formada por muchos cubos, uno sobre otro. Su soledad le muestra que ya no necesita tanto espacio como antes, los cubos superiores son cada vez más pequeños y menos decorados. Mientras se encontraba en aquello, su apreciada pipa cae en una escotilla abierta que da hacia los pisos inferiores de la casa. Y es aquí donde comienza su viaje hacia el pasado.

Tras conseguir un traje de buzo, el anciano decide ir por su pipa, y se sumerge. Mientras va descendiendo por los pisos inferiores, los recuerdos comienzan a aflorar. Los poderosos símbolos del relato se reflejan en este descenso al origen, ya que mientras más cerca se encuentra del fondo, aparecen memorias más y más lejanas. Objetos que ya no fue necesario llevar al “siguiente piso” están allí y conectan al anciano con las personas que fueron (y son) importantes para él.

Finalmente el anciano llega al fondo, al primer piso, con una sensación de recogimiento. Abre la puerta y al salir, no sólo ve la grandeza de su casa. Es que en cierta forma esa grandeza es también la grandeza de su vida, la humilde grandeza de quién ha llevado una vida plena. La vida se va construyendo con tus propias manos piso a piso, cubo por cubo. La suya, que parecía tan solitaria, no lo es tanto después de todo.

Es un mensaje muy sencillo, pero mostrado de una manera indescriptiblemente bella e interesante. La musicalización, que sólo se vale de instrumentos acústicos y un tímido piano, va de maravillas con el relato. La animación definitivamente no corresponde al estilo tradicional nipón, y es mucho más cercano a estilos occidentales, lo cual, además de no dejar indiferente a nadie, no va para nada en desmedro de la obra.

A modo de cierre, La Maison en Petits Cubes es, a todas luces, una pequeña obra maestra de la animación moderna. Dotada de un potente simbolismo y una animación muy nostálgica, es un must-see no sólo para fanáticos de la animación… es para cualquiera. Cualquier persona que esté dispuesta a usar 12 minutos de su tiempo en observar una obra que le hará recordar una de las lecciones más antiguas y ciertas de la vida.

Dew.

PS: Un pequeño dato. La Maison en Petits Cubes recibió el Oscar al Mejor Corto Animado este año. No es que sea algo taaaan importante hoy en día, pero me pareció bueno mencionarlo.