MALBEC & BLUES

AC/DC en River: una maquinaria implacable que no da señales de despedida

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Wed, 01 Apr 2026 05:10:00 +0000

Foto prensa DF.

En una noche espesa, con una humedad bochornosa que se adhería al cuerpo, y la luna llena recortando el cielo sobre un Monumental repleto, AC/DC volvió a hacer lo suyo sin desvíos ni sorpresas: tocar rock & roll, fuerte y directo. Más de 70 mil personas asistieron a un show que no necesitó novedades para impactar, y donde la la magia de Angus Young convirtió cada tema en algo tangible, casi físico.

El repertorio no cambió respecto de las dos fechas anteriores, aunque hubo un detalle que marcó el pulso emocional de la noche: el público le cantó varias veces el feliz cumpleaños a Angus, que celebró sus 71 arriba del escenario. Antes del show, circularon rumores sobre una posible aparición de Axl Rose. No pasó nada. Puro ruido de redes.

Todo el concierto orbitó alrededor del histórico guitarrista. No solo por lo que toca, sino por cómo ocupa el espacio. Se mueve sin pausa, estira los solos, recorre la pasarela como si el escenario fuera una extensión natural de su cuerpo. Su figura sostiene el show y lo empuja hacia adelante, sin dar respiro. No hay nostalgia en su performance, sino una energía concreta, presente, que organiza todo lo demás.

La banda responde con una solidez que no admite fisuras. Las guitarras encajan con precisión, la base rítmica empuja sin desbordarse y cada riff es como una clase de historia del rock. Brian Johnson sostiene su lugar con una voz áspera, exigida, casi al límite, que por momentos pierde claridad pero nunca actitud. A su lado, Stevie Young, Chris Chaney y el baterista Matt Laug hacen lo suyo sin estridencias: sostener la estructura para que todo avance con peso propio.

El set recorrió los clásicos casi sin omisiones: Back in Black, Hells Bells, Highway to Hell, Shoot to Thrill, Dirty Deeds Done Dirt Cheap, High Voltage y You Shook Me All Night Long. Fueron 21 temas en poco más de dos horas. Johnson solo se permitió una salida del guion para decir: “Ustedes son el mejor público del mundo y lo saben”.

Thunderstruck fue uno de los momentos más intensos. El campo se desarmó en un pogo masivo, de esos en los que la lógica individual desaparece. Lo que pasa ahí adentro ya no se controla: se atraviesa.

En el tramo final, cuando parecía que todo estaba dicho, la banda estiró el cierre media hora más. Una poderosa Whole Lotta Rosie abrió la puerta a Let There Be Rock y a un solo largo de Angus, que durante unos 15 minutos sostuvo al estadio entero en un mismo pulso.

Los bises llegaron con T.N.T. y For Those About to Rock (We Salute You), un cierre épico acompañados por fuegos artificiales que marcaron el final del tercer y último show de su tercera visita a la Argentina (ya habían estado en 1996 y 2009). No hubo despedidas grandilocuentes ni señales de continuidad. El final quedó abierto.

Más allá de lo musical, el contexto dejó en evidencia una tensión creciente en los grandes espectáculos. La expansión del campo VIP redefine la experiencia: diluye su carácter exclusivo para quienes pagan la entrada más cara, al tiempo que relega al público general a un espacio cada vez más distante de los protagonistas. Aunque en los dos últimos shows se intentó una corrección parcial adelantando la valla, la lógica comercial parece imponerse sobre aquella idea original del rock como experiencia horizontal.

AC/DC reafirmó su vigencia no desde la innovación, sino desde la fidelidad a una identidad inquebrantable. Es una maquinaria aceitada que, décadas después, sigue funcionando a máxima potencia. Sin adornos, sin guiños de más. Solo volumen, ritmo y una idea clara de lo que tienen que hacer.

Blues del Sur presenta Plan Perfecto, un álbum crudo y visceral grabado en toma directa

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Sat, 28 Mar 2026 16:25:00 +0000

Tras casi tres décadas de trayectoria, Blues del Sur vuelve a escena con Plan Perfecto, su cuarto álbum de estudio, una obra marcada por la intensidad emocional y una estética sonora directa, sin artificios. Grabado en una sola toma en los estudios Romaphonic, el disco refleja el pulso vital de la banda y su lectura crítica del presente.

Con producción artística de Marcelo Marín, guitarrista y principal compositor del grupo, el trabajo fue registrado en vivo en estudio, una decisión que, según sus protagonistas, responde a la necesidad de capturar la urgencia expresiva del material. “Este creo que es el disco más sincero y auténtico que podíamos hacer; las letras y la música reflejan mi momento de unos años hasta acá, enojado y oscuro a veces”, explicó Marín.

La formación se completa con el carismático Matías Fernández en voz y armónica; Alejandro Yaques en batería, armónica y trumpet lips; Hernán Herlein en bajo y Luciano Herlein en teclados. El álbum suma además una serie de colaboraciones destacadas: Ricardo Tapia en Espalda de Fakir, Vasco Bariain en Caída Libre, Meliza Blanco en Toda urgencia es mentira, Verónica Simo y Jackie del Rock en Un Guernica en Constitución, y una sección de vientos integrada por Lionel de Francisco y Lucas Clementi en Hagamos reír a Dios.

Uno de los momentos centrales del disco es Roma Blues, una composición nacida en el propio estudio. “Arrancamos en 2024, poco después que asumiera (Javier) Milei. El ingeniero Néstor Tinaro propuso hacer un slow blues instrumental porque nos quedaba tiempo. Le dije que sí, pero a la noche pensé: ‘¿Roma Blues instrumental? Si estamos viviendo en Roma’. Y en cinco minutos hice la letra”, relató Marín. El tema, registrado en primera toma, funciona como una metáfora política y social atravesada por imágenes de violencia, poder y resignación colectiva.

"Mucho lío y pocos héroes , las focas aplaudiendo al tiburón / gacelas elegantes , sonrientes / lustran los dientes del león / arde Roma , y es por propia decisión la sangre pinta estrellas en la arena / mientras rie el emperador"

El álbum se configura así como un “grito de furia”. “Se dice que lo contrario a la depresión es la expresión, y esto sería algo así. Cuanto más pesa la realidad, más fuerza contraria hacemos para no dejarnos pisar”, afirmó Marín. Esa lógica atraviesa también otras canciones grabadas sin ensayo previo, como Espalda de Fakir y Un Guernica en Constitución, esta última con una narrativa descarnada que refuerza el tono oscuro del conjunto.

Plan Perfecto se inscribe en la tradición del blues rock más visceral, pero con un anclaje explícito en la coyuntura argentina reciente, donde lo personal y lo político se entrelazan sin mediaciones. El resultado es un disco urgente, de sonido orgánico, que privilegia la intensidad por sobre la perfección técnica.

Blues del Sur presentará oficialmente el álbum el viernes 24 de abril en Café Berlín, en un concierto que buscará trasladar al vivo la misma energía cruda que define a este nuevo trabajo.

Dirty Work, 40 años después: el disco que expuso la fractura de los Rolling Stones

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Thu, 26 Mar 2026 23:00:00 +0000

A 40 años del lanzamiento de Dirty Work, el álbum de The Rolling Stones es todavía uno de los capítulos más controvertidos de su extensa discografía: un trabajo atravesado por tensiones internas, cambios en la industria musical y una búsqueda estética que no logró consolidarse.

Publicado el 24 de marzo de 1986, el disco nació en un contexto de fuerte deterioro en la relación entre Mick Jagger y Keith Richards, quienes apenas mantenían contacto durante el proceso de grabación. Mientras Jagger apostaba a consolidar su carrera solista con She's the Boss (1985), Richards avanzaba en la producción de un nuevo material de la banda con el apoyo de Ronnie Wood.

Las sesiones, desarrolladas entre París y Nueva York en 1985 bajo la producción de Steve Lillywhite, reflejaron esa fractura. La participación de Jagger fue intermitente y el protagonismo creativo recayó en Richards, quien incluso asumió la voz principal en dos canciones. La falta de cohesión también se evidenció en los créditos de composición, que incluyeron combinaciones inusuales dentro del grupo.

A este clima se sumaron dificultades personales. Charlie Watts atravesaba problemas de adicción que limitaron su intervención, lo que llevó a que bateristas como Steve Jordan, Anton Fig e incluso el propio Wood participaran en distintas pistas. En paralelo, la banda prescindió de una gira promocional, una decisión inédita en su carrera y síntoma del desgaste interno.

En lo musical, Dirty Work fue concebido como un retorno a las raíces rockeras tras las exploraciones más cercanas al pop y al dance de Undercover (1983). Sin embargo, la producción pulida y con fuerte impronta ochentosa —marcada por sintetizadores y efectos— terminó por anclar el disco a su tiempo y alimentar críticas sobre su falta de identidad.

Aun así, el álbum contiene momentos destacados. Temas como One Hit (To the Body), Had It With You o Winning Ugly exhiben una energía directa y agresiva, mientras que Sleep Tonight, cantada por Richards, aporta un tono introspectivo poco habitual. También sobresale Too Rude, una incursión en el reggae, y la versión de Harlem Shuffle, original de Bob & Earl.

El disco contó además con colaboraciones de alto perfil, entre ellas Jimmy Page, Bobby Womack y Tom Waits, en un intento por revitalizar el sonido de la banda en un contexto adverso.

Dirty Work también quedó marcado por la muerte del pianista y colaborador histórico Ian Stewart, fallecido poco antes del lanzamiento, lo que convirtió al álbum en su último trabajo con el grupo.

Más allá de su recepción dispar, el disco funciona hoy como documento de una etapa crítica. La disputa entre Jagger y Richards —basada en visiones opuestas sobre el rumbo artístico, entre la ambición pop y la fidelidad al blues— había comenzado años antes, tras el desplazamiento de Brian Jones, pero alcanzó aquí su punto máximo.

El contexto de los años 80 tampoco favorecía. La irrupción del CD, la expansión de MTV y la creciente digitalización de la producción musical empujaron a numerosos artistas consagrados a adaptarse —no siempre con éxito— a nuevas lógicas de mercado y sonido.

Tras el lanzamiento, la banda entró en un impasse: Jagger y Richards no se verían durante tres años. Recién en 1989 lograrían recomponer su vínculo para el regreso con Steel Wheels, acompañado de una gira mundial que marcó su revitalización.

Cuatro décadas después, Dirty Work permanece como una obra irregular pero reveladora. Lejos de su época dorada, el álbum retrata a los Rolling Stones en su momento más disfuncional, pero también deja entrever destellos de la energía que definiría su posterior resurgimiento.

Un viaje al corazón del rock sureño en el Abasto

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Sat, 14 Mar 2026 14:23:00 +0000

El Conventillo Cultural Abasto se transformó el viernes por la noche en una pequeña estación del sur profundo de Estados Unidos. Allí, una banda liderada por el guitarrista y cantante Juan Manuel Rodríguez Silva ofreció un tributo a The Allman Brothers Band que combinó virtuosismo, conocimiento del repertorio y un respeto absoluto por una de las tradiciones más ricas del rock.

Acompañado por Demian Núñez en guitarra, Lucho Herlein en teclados, Sebastián Heudtlass en bajo y Federico Renati en batería —con la participación especial de Franco Martino en guitarra—, el grupo desplegó un nivel de ensamble que sorprendió desde el primer momento. Aunque la banda ya había realizado tributos a George Harrison y Derek and the Dominos, la naturalidad con la que se movieron en este repertorio hizo pensar que tocan estas canciones a diario.

El concierto comenzó con Hot Lanta, un instrumental para entrar en calor, y siguió con Statesboro Blues, donde Núñez desató un brutal slide que encendió al público. Luego llegaron Trouble No More, con su esencia blusera y ejecución frenética, y una extensa y demoledora versión de In Memory of Elizabeth Reed. Allí apareció en plenitud el espíritu del grupo homenajeado: una compleja arquitectura rítmica en la que las guitarras se entrelazaron con el Hammond para recrear el clima hipnótico del rock sureño, con solos largos y texturas cambiantes.

En el tramo central del show el clima se volvió más íntimo. Rodríguez Silva invitó al escenario a Franco Martino y juntos ofrecieron un set electroacústico y minimalista con Midnight Rider y Blue Sky. Las dos guitarras fluyeron sincronizadas, sosteniendo melodías limpias y armonías vocales delicadas que aportaron un respiro antes de volver a la intensidad eléctrica.

El resto de la banda regresó para otro instrumental de peso, Jessica, y luego para un cierre con tres guitarras que encontró su punto alto en Ramblin’ Man. Tras la salida de Martino, el grupo se zambulló en la épica de Whipping Post, ejecutada con una energía casi cinematográfica, como si el mismísimo William Wallace hubiese lanzado un grito de batalla antes del ataque final. El remate llegó con You Don’t Love Me, con el guitarrista zurdo Juan Cruz Posadas, que había sido telonero del show con su trío, como invitado especial.

Más allá del entusiasmo del público, la noche dejó una sensación poco frecuente: la de haber presenciado algo casi inédito en la escena local. No abundan antecedentes de tributos dedicados exclusivamente a The Allman Brothers Band en Buenos Aires. En los años setenta, grupos como Stubeaker y Carolina habían tomado su influencia; poco después fueron los Dulces 16 de la mano de Conejo Jolivet; más tarde Víctor Hamudis y Yalo López mantuvieron viva esa tradición, pero siempre enfocados en canciones propias. En tiempos más recientes, el grupo Támesis versionó algunas de sus canciones y el guitarrista Nico Bereciartua —hoy integrante de The Black Crowes— también se declaró devoto de los músicos de Macon.

Pero lo ocurrido en el Abasto fue algo más que una cita nostálgica. Durante dos horas, el legado del rock sureño volvió a respirar con fuerza propia. Y lo hizo con la convicción de quienes saben que, cuando las guitarras dialogan de esa manera, la historia sigue viva

La Escuela de Blues celebró 25 años con una clase magistral sobre la historia del género

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Sun, 08 Mar 2026 14:58:00 +0000

La Escuela de Blues, fundada por Gabriel Grätzer, Mauro Diana y Gabriel Cabiaglia, celebró sus 25 años con un emotivo show en Lucille que fue mucho más que un recital: una clase abierta sobre la historia del blues, desde sus raíces más profundas hasta su expresión en la Argentina. Durante una hora y media, con la sala colmada, el escenario se convirtió en una suerte de línea de tiempo musical por la que desfilaron egresados y docentes de la institución.

El aniversario no es un dato menor si se considera el contexto en el que nació la escuela. Abrió sus puertas en 2000, en la antesala del estallido social y económico que marcaría a fuego a la Argentina. Desde entonces atravesó crisis recurrentes, cambios de época y hasta la pandemia, pero logró consolidarse como uno de los espacios de formación más importantes dedicados al género en el país.

La celebración tuvo como guía a Grätzer, quien ofició de maestro de ceremonias y comenzó la noche a capella con un cornfield holler, una forma primitiva de canto rítmico y expresivo de raíces africanas que los esclavos utilizaban en los campos del sur de Estados Unidos para comunicarse y aliviar el trabajo. Con sus melismas y entonaciones nasales, ese llamado ancestral marcó el punto de partida del viaje musical.

Luego invitó al guitarrista Juan Codazzi y, a dos guitarras, interpretaron Maggie Campbell Blues, de Tommy Johnson, y Frisco Town, de Memphis Minnie, dos clásicos del blues rural del Delta del Mississippi. El cantante Darío Soto aportó un matiz espiritual con Down by the Riverside, mientras que Leo Caruso rindió honores a la tradición del piano con una majestuosa versión de St. James Infirmary Blues.

Uno de los momentos más logrados llegó cuando Grätzer y Codazzi comenzaron Night Time Is the Right Time. El tema funcionó como una metáfora sonora de la evolución del género: de lo rural a lo urbano, del sonido acústico al eléctrico. A medida que avanzaba la canción se fueron sumando Miguel Ángel Romeo en batería, Lorenzo Padín en bajo y Matías Muriete en guitarra, transformando gradualmente la textura musical.

La segunda parte de la noche se sumergió en el blues eléctrico de Chicago. Un homenaje instrumental a Walter Horton, el Walter's Boogie con Ximena Monzón en armónica, abrió paso a clásicos como You Don’t Have to Go, de Jimmy Reed, y Smokestack Lightnin’, de Howlin’ Wolf, cantada con intensidad por Darío Soto. También subieron al escenario músicos como Roberto Porzio, Gabriel Cabiaglia y Nacho Ladisa.

El guitarrista Julio Fabiani evocó el estilo elegante de T-Bone Walker con Tell Me What the Reason, mientras que Pilar Padín le puso su voz a Wang Dang Doodle, de Koko Taylor, y Drown in My Own Tears, de Ray Charles.

Hacia el final, la historia del blues se cruzó con su desembarco en la Argentina. La cantante y pianista Cristina Dall se sentó frente al teclado y revivió el espíritu de Las Blacanblus con tres canciones consecutivas: Depre Blues, No quiero tu dinero y El paso.

El cierre reunió a todos los músicos en escena para un medley que incluyó Sweet Home Chicago y Estamos haciendo las cosas bien, de Easy Babies, en homenaje a Mauro Diana, cofundador de la escuela, quien no pudo estar presente por cuestiones de salud.

A 25 años de su nacimiento —y en medio de un presente nuevamente marcado por la incertidumbre económica, confrontaciones y el aumento del desempleo— la Escuela de Blues volvió a demostrar que el género nacido del dolor y la resistencia sigue encontrando eco en la Argentina. Como ocurrió en 2001, el blues vuelve a ser refugio, memoria y forma de resistencia.

Días de Pescado: un viaje al corazón salvaje de Spinetta

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Wed, 04 Mar 2026 15:59:00 +0000

El periodista Nicolás Igarzabál suma un nuevo volumen a la extensa bibliografía sobre Luis Alberto Spinetta con el lanzamiento de Días de Pescado, editado por Gourmet Musical. El libro pone el foco en un período breve pero decisivo: los años 1971 y 1973, cuando el fundador de Almendra impulsó la experiencia de Pescado Rabioso y se acercó a una sonoridad más cruda, influida por el hard rock y la psicodelia internacional.

Lejos de abordar la totalidad de su trayectoria, Igarzabál opta por concentrarse en la transición que siguió a la disolución de Almendra. Ese quiebre marcó para Spinetta una etapa de redefinición artística y personal que él mismo describió como “oscura” y “caótica”. En paralelo a la ruptura sentimental con Cristina Bustamante y a su inmersión en un entorno de alta experimentación y consumo de LSD, el músico buscó desprenderse de las exigencias de la industria discográfica, incluso cuando Muchacha (ojos de papel) se convertía en un éxito comercial masivo.

El libro reconstruye los primeros ensayos de Pescado Rabioso en la casa de la calle Arribeños y en una quinta de Castelar facilitada por Jorge Pistocchi. Allí, junto a Black Amaya y Osvaldo “Bocón” Frascino, comenzó a delinearse un power trío que miraba tanto al blues eléctrico como a la experimentación local. La influencia de guitarristas como Jimi Hendrix y el peso de bandas como Led Zeppelin aparecen como telón de fondo de esa búsqueda sonora.

Uno de los capítulos centrales está dedicado al debut oficial del grupo, en la madrugada del 6 de mayo de 1972 en el Cine Metro. Igarzabál reconstruye esa jornada a partir de crónicas de revistas como Pelo y La Bella Gente y del diario La Opinión. El concierto dejó buenas impresiones y abrió una seguidilla de presentaciones en un clima político y social atravesado por la crisis del régimen militar que había encabezado Juan Carlos Onganía y que continuaron Roberto Levingston y Alejandro Lanusse.

La grabación de Desatormentándonos en los estudios Phonoalex, la posterior incorporación de Carlos Cutaia y la abrupta salida de Bocón —quien abandonó la banda en pleno show— son narradas con apoyo en textos de época, entre ellos un artículo de Miguel Grinberg que el autor rescata para aportar contexto y mirada crítica.

El año 1972 resultó clave para la consolidación del grupo. Con la llegada de David Lebón, Pescado dejó de ser trío y amplió su paleta sonora. Participó del festival BA Rock y fue parte de la recordada noche del Luna Park en la que se atribuye a Billy Bond la arenga “¡Rompan todo!”. Ese mismo año editaron Pescado 2, álbum que incluyó composiciones como Nena boba, Credulidad y Hola dulce viento.

Igarzabál también repasa el verano de 1973, cuando la banda alcanzó su punto máximo de actividad, con giras por la costa atlántica y actuaciones en Buenos Aires en un contexto de creciente tensión con las fuerzas de seguridad. La aparición en la película Rock hasta que se ponga el sol amplió la exposición pública del grupo en un momento de transición política que culminaría con el triunfo electoral de Héctor Cámpora.

Sin embargo, el éxito artístico no evitó la fractura interna. A mediados de 1973, Pescado Rabioso se disolvió en medio de tensiones personales y diferencias creativas. Spinetta quedó solo con el nombre del grupo por cuestiones contractuales y decidió cerrar el ciclo con Artaud, un disco que llevaba el sello de la banda pero que en los hechos fue un proyecto solista, presentado en el Teatro Astral en agosto de ese año.

Con un enfoque documental y apoyado en testimonios, archivos, fotos inéditas y publicaciones contemporáneas, Días de Pescado propone releer esos dos años como una bisagra en la historia del rock argentino. Más que una biografía convencional, el libro se presenta como la crónica de una transición: la del artista que, tras el fin de una etapa fundacional, eligió “viajar” hacia territorios más intensos y riesgosos antes de volver a transformarse.

John Hammond Jr., una vida dedicada al blues

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Sun, 01 Mar 2026 21:12:00 +0000

El guitarrista y cantante estadounidense John Hammond Jr., una de las figuras centrales del revival del blues de los años sesenta y un nexo entre los clásicos del Delta y el público contemporáneo durante décadas, murió este sábado 28 de febrero a los 83 años, según confirmaron allegados a su entorno.

Nacido el 13 de noviembre de 1942 en Nueva York, Hammond fue hijo del legendario cazatalentos de Columbia Records, John Hammond Sr., aunque no creció junto a él tras la separación de sus padres. Su educación sentimental, más que doméstica, fue musical: descubrió la guitarra en la secundaria y quedó fascinado con la técnica del slide. Ver a Jimmy Reed en el Apollo Theater marcó un punto de no retorno.

En plena efervescencia del folk revival estadounidense, a comienzos de los años sesenta, Hammond abandonó una beca en Antioch College para dedicarse de lleno al blues. En 1962 ya era una presencia habitual del circuito de cafés y festivales de la Costa Este, donde interpretaba repertorio de maestros como Mississippi John Hurt, Rev. Gary Davis y Skip James, figuras redescubiertas por aquella primera gran “renovación” del género. Con apenas 20 años había sido entrevistado por The New York Times y ya era considerado un número artístico importante.

Su padre fue quien fichó a Bob Dylan para Columbia Records a comienzos de los sesenta, aunque siempre se dijo que fue él quien le recomendó al joven cantautor de Minnesota. Durante esos años, ambos músicos compartieron la escena folk neoyorquina.

Algunos críticos lo describieron como un “Robert Johnson blanco”, comparación que él nunca buscó pero que ilustra su intensidad interpretativa. Hammond construyó una identidad propia: solo en escena, guitarra acústica, armónica sujeta al cuello, voz áspera y expresiva, y una presencia sobria que devolvía a la vida canciones de los años treinta, cuarenta y cincuenta. Sin embargo, también supo liderar formaciones eléctricas con solvencia y energía.

En 1966, cuando vivía en el Village neoyorquino, fue testigo de la llegada de un joven guitarrista llamado Jimi Hendrix en busca de oportunidades. Hammond lo ayudó a conseguir actuaciones en el Cafe Au Go Go. Allí sería descubierto por Chas Chandler, quien lo llevaría a Inglaterra y lo catapultaría a la fama. “La siguiente vez que lo vi, un año después, ya era una estrella en Europa”, recordaría Hammond décadas más tarde.

A lo largo de los años sesenta y setenta grabó y tocó con músicos como Robbie Robertson, Duane Allman, Dr. John, Charlie Musselwhite, Michael Bloomfield y David Bromberg, ampliando su paleta sonora sin abandonar la raíz.

Su discografía, que supera las dos docenas de álbumes, incluye registros fundamentales como I Can Tell —grabado con Bill Wyman—, Southern Fried (1968), Source Point (1970) y la serie de trabajos para Point Blank/Virgin en los años noventa, entre ellos Got Love If You Want It, Trouble No More —producido por J.J. Cale— y Found True Love. Ya en el nuevo milenio publicó discos como Wicked Grin, en el que versionó temas de su amigo Tom Waits, Ready for Love (2002), producido por David Hidalgo, In Your Arms Again (2005), Push Comes to Shove (2007), el crudo Rough & Tough (2009) y el directo solista Timeless (2014).

Hammond nunca se presentó como compositor. Su misión fue otra: custodiar y revitalizar el cancionero clásico del blues. Con cada interpretación, invitaba al público a retroceder en el tiempo y descubrir a los autores originales. Esa tarea —más curatorial que autoral, pero no menos creativa— le valió el respeto de colegas y críticos.

Estuvo dos veces en la Argentina. La primera se presento como telonero del legendario Albert Collins en el Teatro Gran Rex, en los noventa, y la segunda fue con show propio en en el ND Ateneo en 2005.

Radicado en el norte de Nueva Jersey, continuó girando por Estados Unidos, Canadá y Europa hasta avanzada edad. En escena, ya fuera solo o con banda, conservaba la intensidad de sus comienzos. Su muerte cierra un capítulo esencial del blues moderno: el de un intérprete que entendió que la tradición no es un museo, sino un fuego que se mantiene encendido al pasarlo de mano en mano.

La Patria Stone celebró diez años del último rugido en La Plata

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Wed, 11 Feb 2026 18:28:00 +0000

A las seis de la tarde, el ritual ya estaba en marcha. No fue un martes más: se cumplían diez años de la última visita de los Rolling Stones a la Argentina y la Patria Stone volvió a reunirse para celebrar aquella despedida que, con el tiempo, adquirió dimensión histórica.

La cita fue en Musicomio, el amplio espacio de venta de discos ubicado en la esquina de Álvarez Thomas y Olleros, en Colegiales, donde también funciona el local de indumentaria rockera Hot Rocks. Entre las 18 y las 21, el encuentro fue un abrazo generacional. La mayoría del público rondaba esa edad en la que el rock ya no es descubrimiento sino biografía. Hombres y mujeres que estuvieron en el Estadio Único de La Plata en febrero de 2016 —muchos en las tres fechas— se reconocían como coprotagonistas de una fiesta épica, multitudinaria e intensa.

La música comenzó con un DJ bandejeando grandes éxitos de los Stones, para luego volverse orgánica y en directo con Gi Acosta & The Band, un trío acústico que eligió Miss You, Wild Horses y Night Time Is The Right Time para tocar la fibra sensible de los asistentes. Luego fue el turno de Los Complicados, liderados por los ex Blues Motel Gaba Díaz y Adrián Herrera. El repertorio sostuvo el pulso del ADN stone: una docena de canciones de raíz blusera que los Stones supieron hacer propias —I Just Want To Make Love To You, Honest I Do, Little Red Rooster— y clásicos inoxidables como It’s Only Rock And Roll y Dead Flowers. Hubo invitados que reforzaron la mística: Luli Bass, el vocalista Damián Rende y Fachi, bajista de Viejas Locas.

Pero la verdadera protagonista de la noche no estuvo sobre el escenario sino en la memoria colectiva.

En 2016, por primera vez, los Rolling Stones tocaron fuera de la Ciudad de Buenos Aires. Eligieron el Estadio Único de La Plata y esa decisión modificó la experiencia: ya no se trataba de tomar el subte o un colectivo hasta Núñez, sino de emprender una peregrinación. Los días 7, 10 y 13 de febrero, la Autopista Buenos Aires–La Plata dejó de ser un corredor vial para convertirse en una caravana de remeras negras y banderas con lengua.

Durante esa semana, La Plata fue la capital mundial del rock. Desde el conurbano, el interior y países vecinos, una marea humana confluyó en ese estadio que durante tres noches se consagró al rito stone.

El domingo 7, bajo una lluvia intermitente, Start Me Up abrió el fuego. Mick Jagger, con una energía que desmentía cualquier calendario, lanzó una frase que todavía circula como estampita: “¡Hola Buenos Aires! ¡Hola che! ¡Definitivamente acá hacen el mejor pogo del mundo!”. El público había elegido por votación online Street Fighting Man y el set incluyó clásicos y gemas como Paint It Black, Honky Tonk Women y Anybody Seen My Baby?. Keith Richards se lució con Happy y Can't Be Seen. Fue una declaración de amor mutua. El detalle, que se repitió las tres noches, fue la versión de You Can't Always Get What You Want, con el acompañamiento vocal del Estudio Coral de Buenos Aires.

El miércoles 10 quedó marcado por la emoción. Charly García estaba entre el público, días después de haber tocado para Jagger y Ron Wood en el Hotel Faena. Jagger saludó con picardía: “Tenemos invitados especiales. El famoso Charly García y el papa Francisco que nos mira desde México. ¡Hola Pancho!”. Esa noche sonaron Angie y la monumental Can't You Hear Me Knocking. Y también hubo sorpresas: Let's Spend the Night Together y Before They Make Me Run.

El 13 de febrero fue el cierre. Richards regaló una conmovedora versión de You Got the Silver que agingantó su leyenda. La sensación de estar ante algo irrepetible flotaba en el aire. Nadie lo decía en voz alta, pero muchos intuían que podía ser la última vez. Cuando las luces se encendieron y la multitud comenzó a desconcentrarse, el silencio posterior a Satisfaction tuvo algo de despedida anticipada.

Diez años después, en Colegiales, aquel duelo se transformó en celebración. Sin pantallas gigantes ni fuegos artificiales, pero con algo más persistente: la comunidad. Cada canción tocada fue una forma de volver a cruzar la autopista, de sentir el barro bajo las zapatillas y de escuchar el rugido de 50 mil gargantas cantando al unísono.

La conmemoración confirmó que los Rolling Stones en la Argentina no son solo una banda extranjera en gira, sino parte del relato emocional de varias generaciones. Y aunque el calendario marque una década desde el último acorde en La Plata, la bandera con la lengua stone sigue flameando. No como nostalgia, sino como presente continuo.

A las 21, cuando el volumen bajó y las luces de Musicomio se encendieron, nadie se fue de inmediato. Como en 2016, cuando costaba abandonar el estadio, muchos se quedaron un rato más, estirando el momento. Diez años después, la peregrinación continúa —ahora hacia adentro, hacia la memoria— y el ritual permanece intacto. Porque no es solo rock and roll, sino mucho más que eso.

Por qué la banda de sonido de Sinners puede provocar una nueva ola de interés por el blues

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Thu, 22 Jan 2026 18:28:00 +0000

La película Sinners, dirigida por Ryan Coogler, no solo hizo historia al convertirse en el film con más nominaciones al Oscar en la trayectoria de la Academia de Hollywood, sino que además colocó al blues en el centro de la conversación cultural contemporánea. En un contexto dominado por el pop, el hip-hop y las plataformas digitales, la banda de sonido emerge como un fenómeno capaz de revitalizar uno de los géneros fundacionales de la música popular estadounidense.

Ambientada en el Delta del Mississippi de los años treinta, Sinners es un thriller sobrenatural que encuentra en la música su verdadero eje narrativo. Desde su concepción, Coogler entendió que el blues no debía ser un simple acompañamiento atmosférico, sino un personaje central. Para ello volvió a convocar a su colaborador habitual, el compositor y productor sueco Ludwig Göransson, quien junto a Serena Göransson —en su debut como supervisora musical— construyó una obra sonora que dialoga entre pasado, presente y futuro.

El resultado es una banda de sonido ambiciosa y profundamente orgánica, con 29 momentos musicales integrados a la acción sin convertir a la película en un musical tradicional. “Queríamos que la música se sintiera viva, cotidiana, como parte natural de la comunidad”, explicó Serena Göransson en entrevistas previas. Para lograrlo, el equipo se trasladó durante meses a Nueva Orleans, donde músicos y actores trabajaron codo a codo, muchas veces grabando interpretaciones en vivo durante el rodaje.

El punto culminante del film —y de su impacto cultural— es I Lied to You, canción original interpretada por Miles Caton, quien encarna a Sammie, un joven prodigio del blues. La pieza, nominada al Oscar a Mejor Canción Original, condensa en pocos minutos la evolución de la música negra estadounidense: del blues rural al rock, del funk al hip-hop, atravesando décadas de historia en una secuencia memorable.

I Lied to You no solo destaca por su potencia dramática y musical, sino por su valor simbólico. En la voz grave de Caton y en el uso del resonator Dobro Cyclops de 1932 —el mismo instrumento que su personaje lleva en pantalla— la canción conecta la raíz del Delta con las expresiones urbanas contemporáneas. Esa fusión es, para muchos analistas, la clave de su impacto entre públicos jóvenes poco familiarizados con el blues tradicional.

La banda sonora de Sinners reúne además a un elenco intergeneracional poco frecuente: leyendas como Buddy Guy -quien además tiene una aparición en la película- y Bobby Rush conviven con figuras actuales como Brittany Howard, Raphael Saadiq, Rod Wave y James Blake. También participan músicos provenientes de otros universos, como Jerry Cantrell (Alice in Chains) y Lars Ulrich (Metallica), reforzando la idea de que el blues atraviesa géneros y épocas.

Lejos de una mirada nostálgica, la propuesta musical del film presenta al blues como una fuerza viva, capaz de dialogar con el presente sin perder identidad. En ese sentido, la nominación de I Lied to You funciona como un reconocimiento institucional inédito para el género en décadas recientes, y abre la puerta a una posible revalorización dentro de la industria.

Para Ludwig Göransson, el objetivo es claro: “Quiero que los chicos salgan del cine con ganas de agarrar una guitarra”. Para Serena Göransson, el mensaje es aún más amplio: “El blues es la mayor contribución cultural de Estados Unidos al mundo. Está en todas partes, aunque muchas veces no lo reconozcamos”.

En tiempos donde la música parece fragmentarse en nichos cada vez más específicos, Sinners propone un regreso a la raíz como camino hacia el futuro. Y con los Oscar como amplificador global, el blues —ese lenguaje nacido del dolor, la resistencia y la comunidad— vuelve a hacerse escuchar con fuerza renovada.

Didi: una pieza fundamental del jazz argentino que revive el sonido de los setenta

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Fri, 09 Jan 2026 15:14:00 +0000

El álbum Didi, único registro como band-leader del pianista, compositor y productor Fernando Gelbard, se publica por primera vez en la Argentina en formato CD. Editado por RP Music, el lanzamiento recupera una obra clave del jazz local grabada en 1974 y suma dos bonus tracks, en una edición que completa el recorrido internacional del disco, previamente publicado en LP en el Reino Unido, Japón y, recientemente, reeditado en vinilo en Alemania.

Originalmente editado por el sello Redondel, Didi ocupa un lugar singular dentro de la discografía del jazz argentino. Aunque Gelbard integró innumerables grupos y participó en grabaciones y presentaciones históricas, este álbum fue el único en el que asumió el rol central de compositor e intérprete. “La selección de los temas de Didi fue algo natural. Me dije: ‘los voy a componer yo todos’”, recordó el músico en diálogo con la Agencia Noticias Argentinas. En una escena dominada por standards y repertorio compartido, la decisión de crear un programa íntegramente propio marcó una toma de posición artística.

El disco fue grabado en un contexto tan fértil como incierto. A comienzos de los años setenta, Gelbard era parte activa de la vibrante escena porteña, habitual de las jam sessions que se realizaban en la casa de Carlos Tarzia y punto de encuentro intergeneracional del jazz local, con visitas de figuras internacionales. Al mismo tiempo, el clima político anticipaba tiempos difíciles. “Era un momento muy especial porque yo sabía, como mi papá había sido ministro de Economía de Perón, que si se venía un golpe militar, me iban a matar o me iba a tener que ir, y entonces ese disco tenía que salir ‘ahora o nunca’”, explicó. “Entonces fui a los estudios Music Hall, que tenía una consola de ocho canales, y ahí grabé el disco rodeado de un grupo de músicos de primerísima”.

Para la grabación, Gelbard convocó a colegas y amigos que definieron el sonido del álbum: Horacio “Chivo” Borraro en saxo tenor, Ricardo Salas en bajo eléctrico, Norberto Minichilo en batería, “Chino” Rossi en percusión y Rubén Rada en percusión y voz. La producción quedó en manos de Juan Carlos Maqueira y AlbertoTsalpakian, mientras que Gelbard se concentró en la composición y la interpretación. “Con el Negro Rada éramos amigos y se me ocurrió llamarlo para grabar, porque hay una fórmula que no falla: si uno se rodea de los mejores músicos, es más factible que el disco salga bien”, señaló.

Titulado con el sobrenombre de su esposa, a quien está dedicado, Didi abre con Hola Didi, una pieza que funciona como homenaje íntimo y declaración estética. El álbum refleja además la curiosidad tecnológica del período: Gelbard utilizó piano eléctrico y un sintetizador Moog —“probablemente uno de los primeros sino el primero en la Argentina”— y desarrolló parte del material a partir de la experimentación sonora. “De repente me levantaba en medio de la noche y empezaba a buscar sonidos e ideas. Fue pura inspiración, es muy difícil de explicarlo”, afirmó.

La edición en CD incorpora dos bonus tracks: Havana Nights, una improvisación y experimento de Gelbard, y una mezcla alternativa de Alevacolariea, composición compartida con Rada. Para el músico, el álbum conserva vigencia: “El disco sintetiza el sonido de la década del setenta, un sonido que probablemente es válido hoy en día”.

Radicado desde hace años en Estados Unidos, Fernando Gelbard desarrolló una extensa trayectoria internacional como productor, arreglador y músico, trabajó con figuras como Rob McConnell, Phil Woods, Enrico Rava, Miles Davis y Henry Mancini, entre muchos otros, además de editar y recuperar grabaciones históricas de músicos argentinos en el exterior. La llegada de Didi en CD al país no solo completa su circulación local, sino que devuelve al presente una pieza fundamental de la historia del jazz argentino.

Memphis la Blusera: el libro que salda una vieja deuda

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Sat, 27 Dec 2025 20:20:00 +0000

Lo único importante – La fantástica historia de Memphis la Blusera es el título del nuevo libro de Guillermo Blanco Alvarado que acaba de llegar a las librerías y que se propone reconstruir, con mirada periodística y pulso narrativo, el derrotero completo de una de las bandas más influyentes del blues argentino. Editado por El Bien del Sauce, el volumen tiene 300 páginas y se presenta como una obra coral, sostenida por decenas de testimonios de músicos, amigos, familiares y allegados al grupo.

El libro recorre la historia de Memphis la Blusera desde sus primeros pasos a mediados de los años setenta hasta la actualidad, integrando no solo el relato interno de la banda sino también el contexto histórico y cultural que permitió su irrupción. En una escena donde el blues argentino, que había estado dominado por formaciones en formato de trío -como Manal o Pappo’s Blues-, Memphis propuso una identidad distinta, con una banda numerosa, una impronta rítmica poderosa y letras que conectaron con un público cada vez más amplio.

Adrián Otero, Emilio Villanueva y el Ruso Beiserman aparecen como figuras centrales en el nacimiento de un proyecto que alcanzaría su punto de mayor visibilidad en la década del noventa, cuando el blues vivió un verdadero boom en la Argentina. En esos años, la banda llenaba teatros como el Gran Rex y el Ópera, tocaba en el estadio Obras y vendía discos de manera masiva, en paralelo a la llegada al país de grandes músicos internacionales del género.

Blanco Alvarado estructuró el libro a partir de múltiples capas: biografías de todos los músicos que pasaron por la banda, reseñas de los discos a cargo de periodistas y colegas, y un relato cronológico que va desde los barrios de origen de sus fundadores —cuando el blues se escuchaba “en cuentagotas”— hasta los años de consagración, los cambios de formación, el declive, la separación y la posterior reconversión con nuevos protagonistas.

El texto no esquiva los conflictos: peleas internas, juicios, excesos, borracheras memorables y el impacto de muertes que marcaron al grupo forman parte de un recorrido intenso y sin edulcorantes. A lo largo de la lectura, el autor plantea interrogantes que se van revelando página a página: ¿por qué tantos cambios de integrantes?, ¿a quiénes estuvieron dedicadas canciones emblemáticas como La flor más bella o La bifurcada?, ¿fue Memphis la Blusera la banda de blues más grande de la Argentina?

Periodista de amplia trayectoria, Blanco Alvarado firma su tercer libro —el primero dedicado a la música— y vuelca en estas páginas su experiencia como conductor del programa radial No tan distintos, especializado en blues y jazz, por el que entrevistó a todos los miembros de la banda. En el prólogo, Humphrey Inzillo sintetiza el espíritu de la obra al señalar que resultaba llamativo que, hasta ahora, nadie hubiera contado esta historia. Por eso, define al libro como “un acto de justicia” con una banda que dejó una huella indeleble en la música popular argentina.

Stewart Copeland trastornó a The Police en clave sinfónica

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Thu, 18 Dec 2025 16:41:00 +0000

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Stewart Copeland, el histórico baterista de The Police, se presentó en el Teatro Gran Rex con una propuesta tan novedosa como provocadora: Police Deranged for Orchestra. “Deranged” significa trastornado, y el concepto atraviesa todo el espectáculo: tomar canciones consagradas, sacarlas de su forma original y reconstruirlas en un diálogo permanente entre rock, música contemporánea y orquesta.

El escenario reunió a las cantantes Sarah Jane, Alta Gracia y Rachel Melanie, que vinieron junto a Copeland; al bloque rítmico de Eruca Sativa con Lula Bertoldi en guitarra, Brenda Martin en bajo y la participación ocasional de Gabriel Pedernera en batería, cuando Copeland abandonó su puesto para empuñar la guitarra eléctrica. El marco sinfónico estuvo a cargo de Nico Sorín, quien dirigió una orquesta de más de 20 músicos que funcionó como un organismo vivo, siempre en tensión.

El teatro estuvo colmado por un público mayoritariamente de entre 50 y 60 años. Para todos ellos —para nosotros— las canciones de The Police formaron parte de la banda sonora de la adolescencia y juventud. El show comenzó minutos antes de las 21 y Copeland abrió con Demolition Man, uno de los temas menos populares del repertorio, una elección que funcionó como una clara declaración de principios.

Copeland se mostró locuaz, agradecido y con un humor constante. Bromeó con haber cometido “sacrilegios” con algunas canciones: “Hay temas que son diamantes y no se pueden cortar; otros, en cambio, se dejan transformar”, dijo antes de lanzar una versión casi irreconocible de Roxanne. Hubo elogios para Sting y Andy Summers —celebrados por el público— y chicanas sobre el amor de Sting por los “jazz chords”, antes de otro clásico del trío británico como Murder by Numbers.

El recorrido alternó melodías reconocibles con pasajes completamente desarticulados. Spirits in The Material World fue una de las más fieles a la original, mientras que otros temas brillaron por arreglos exquisitos y sorprendentes. No faltó un guiño demagógico —“Buenos Aires tiene la mejor audiencia del mundo”— que fue premiado con otra ovación. “Las canciones de Sting son muy intelectuales”, lanzó Copeland, siempre entre la ironía y la admiración.

Siguieron One World (Not Three), con un solo de percusión en la introducción, y Walking on the Moon, sostenida en un mano a mano de drum & bass que respetó su espíritu reggae. En uno de los momentos más celebrados, Copeland ocupó el lugar de Sorín y dirigió a la orquesta en una épica instrumental, The Equalizer, que compuso para la película homónima, con un intenso solo de guitarra de Lula Bertoldi. Luego llegó una introducción monumental para Every Breath You Take, con vocalizaciones cercanas al góspel, en uno de los momentos más emotivos de la noche.

De regreso a la guitarra, anunció a “Metallica interpretando a Stravinsky” para Orc Jam y, sin soltarla, encaró The Bed’s Too Big Without You. “Yo era una rock star y ahora soy un abuelo, así que tengo permitido tomar agua”, bromeó mientras se hidrataba de regreso a la batería.

El tramo final fue a puro hit: Don’t Stand So Close to Me, Message in a Bottle y Can’t Stand Losing You, en las que el público acompañó coreando los estribillos. En los bises, Bertoldi cantó una versión poderosa de Magoo, tema de Eruca Sativa grabado en 2010, con Copeland en guitarra. “Es un tipazo, nos pidió que toquemos una de Eruca”, agradeció. El cierre, intenso y emotivo, llegó con Every Little Thing She Does Is Magic.

El show combinó energía rítmica, melodías emblemáticas y la complejidad sonora de una orquesta conducida con precisión por Sorín, bajo la batuta —literal y simbólica— de un Copeland tan irreverente como lúcido.

Más que un homenaje, Police Deranged for Orchestra fue una relectura sin concesiones: Copeland no vino a reproducir el pasado sino a discutirlo, a ponerlo en crisis y volverlo presente. Entre el pulso visceral del rock, la arquitectura sinfónica y un humor que descomprimió toda solemnidad, el ex Police confirmó que el verdadero riesgo no está en trastornar los clásicos, sino en dejarlos intactos.

Steve Cropper, arquitecto del sonido Stax y guitarrista emblemático de los Blues Brothers

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Thu, 04 Dec 2025 00:46:00 +0000

El guitarrista y productor estadounidense Steve Cropper, uno de los nombres más influyentes en la historia del soul y pieza decisiva del sonido Stax, murió a los 84 años, según confirmó su hijo Cameron. Músico de referencia mundial, creador de riffs inmortales, miembro clave de los Blues Brothers y protagonista de más de seis décadas de grabaciones históricas, Cropper dejó una huella imborrable en la música popular del siglo XX.

Nacido en Dora, Missouri, y criado desde niño en Memphis, Cropper descubrió allí el poder del gospel y, a los 14 años, comenzó un camino autodidacta que lo llevó a convertirse en el guitarrista soul más reconocido del mundo. Tras sus primeras experiencias con los Royal Spades, formó parte de la mutación que dio origen a los Mar-Keys, cuyo éxito Last Night de 1961 abrió las puertas del sello Satellite, que luego se transformaría en Stax Records.

En 1962, junto a Booker T. Jones, Al Jackson Jr. y Lewis Steinberg (más tarde reemplazado por Donald “Duck” Dunn), fundó Booker T. & the MG’s, la legendaria banda estable de Stax. Allí nació Green Onions, uno de los instrumentales más celebrados de todos los tiempos y emblema del soul sureño. Su estilo —cálido, preciso, económico, siempre al servicio de la canción— se convirtió en marca registrada. Entre estudio y escenarios, Cropper también asumió tareas de A&R y producción en Stax, convirtiéndose en una figura clave en la definición estética del sello.

Entre 1965 y 1969 vivió su etapa más prolífica: produjo más de un centenar de singles, tocó en decenas de álbumes y coescribió clásicos absolutos como In the Midnight Hour, Just One More Day, Comfort Me o See Saw. Su sociedad creativa con Otis Redding alcanzó un punto culminante con (Sittin’ On) The Dock of the Bay” escrita junto al cantante poco antes de su muerte y convertida luego en el primer número uno póstumo de la historia del pop estadounidense.

Tras dejar Stax en 1970, Cropper cofundó TMI Studios y amplió su radio de acción: colaboró con Ringo Starr, John Prine, Buddy Miles, Ramsey Lewis y José Feliciano, entre muchos otros. A mediados de los setenta se radicó en Los Ángeles, donde continuó produciendo y participando en sesiones de rock, soul y R&B. En ese periodo también tocó en el álbum Rock ’n’ Roll de John Lennon y se unió a la banda de Levon Helm.

Su popularidad se multiplicó en 1978 al integrarse al proyecto de los Blues Brothers, primero en Saturday Night Live y luego en discos y películas que recuperaron para el gran público la sonoridad clásica de Stax. El éxito global de la banda lo convirtió en una figura reconocible también fuera del ámbito estrictamente musical.

En los ochenta y noventa alternó giras, grabaciones junto a artistas tan diversos como Dolly Parton, B.B. King, Etta James, Ringo Starr o Buddy Guy, y reuniones ocasionales con Booker T. & the MG’s. En 1992 ingresó al Salón de la Fama del Rock & Roll, reconocimiento a una trayectoria fundamental en la música afroamericana y sus derivaciones.

Lejos de retirarse, Cropper sostuvo una actividad intensa en el nuevo siglo: participó en bandas sonoras, colaboró con Shemekia Copeland, Frank Black, Paul Simon y Dr. John, y emprendió proyectos personales. Entre ellos destacan Dedicated: A Salute to the 5 Royales (2011), homenaje a una de sus grandes influencias, y los trabajos junto a Felix Cavaliere, con quien grabó Nudge It Up a Notch (2008) y Midnight Flyer (2010).

Aún en sus últimos años mantuvo una sorprendente vitalidad creativa. En 2021 publicó Fire It Up, nominado al Grammy, y en 2024 lanzó Friendlytown, disco que reunió a invitados como Billy Gibbons y Brian May.

Con más de 3.500 créditos como compositor, productor o arreglador, Cropper participó en más de 400 grabaciones y moldeó el sonido de artistas esenciales como Sam & Dave, Carla Thomas, Eddie Floyd, Mavis Staples, Wilson Pickett y Otis Redding. Su influencia se extiende a generaciones de guitarristas que encontraron en su estilo sobrio, rítmico y profundamente emotivo un modelo de elegancia y eficacia.

La muerte de Steve Cropper marca el final de una era. Su obra —y su inconfundible toque de guitarra— seguirán resonando como parte esencial del ADN del soul y del rock estadounidense. Su legado, vasto y luminoso, permanecerá vivo en cada compás que ayudó a crear.

Una canción hizo la diferencia: el rol decisivo de la música en la historia de los derechos civiles

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Mon, 24 Nov 2025 00:18:00 +0000

El escritor y periodista argentino Tony Vardé presenta Una canción hizo la diferencia, un libro publicado por Colectivo Flota Negra con prólogos de C. Niamibi Steele y Sol Ramos, en el que reconstruye el vínculo histórico entre la música negra estadounidense y las luchas por los derechos civiles.

El proyecto nació, según cuenta el autor, a partir de un artículo que escribió para el fanzine vasco Klask! sobre Strange Fruit, la canción interpretada por Billie Holiday que denunció la violencia racista en el sur de Estados Unidos. Aquella investigación, sumada a conversaciones con la activista afroargentina Sol Ramos, abrió la puerta para una obra más ambiciosa que conecta pensamiento político, activismo y cultura popular.

Vardé explica que el libro también dialoga con sus trabajos previos (Grabando emociones - Le revolución de Stax Records y ¡Escuchate ésto! 75 joyas de la música soul), donde ya había detectado la imposibilidad de separar música negra y política. “Stax fue uno de los primeros sellos en el que músicos negros y blancos trabajaban juntos en los años 60 en el sur de Estados Unidos; eso ya implicaba una revolución”, señala. La muerte de Martin Luther King, estrechamente ligada a la historia del sello, reforzó esa perspectiva. “Evitar esa implicancia política hubiera sido tapar el sol con las manos”, añadió en diálogo con la agencia Noticias Argentinas.

En el libro, Vardé repasa el impacto inicial de Strange Fruit, publicada en 1939, cuando el Movimiento por los Derechos Civiles recién daba sus primeros pasos. La canción, nacida en el ámbito de la izquierda neoyorquina, fue censurada en varias radios del sur y hasta hubo quemas de discos, pero su simbolismo creció con los años. “Strange Fruit fue ganando fuerza y se convirtió en un emblema contra el linchamiento y el terror racial”, explica.

Una de las claves del ensayo es la pregunta sobre por qué la música ocupó un rol tan central en el movimiento, más allá del lugar habitual del arte en la vida social. Para Vardé, el origen se remonta a los himnos surgidos de los spirituals afroamericanos que, en los años 40, comenzaron a salir por primera vez de las iglesias hacia huelgas y protestas laborales. “Ese camino —de los campos de algodón a las congregaciones y luego a las calles— generó un sentido de comunidad muy fuerte. Y esa música alimentó a todos los artistas que aparecen en el libro”, afirma. A partir de esa tradición, asegura que es posible trazar puentes entre figuras tan disímiles como Odetta y Public Enemy.

El autor también analiza el grado de conciencia política que tuvieron los músicos. Mientras algunos, como Nina Simone, Curtis Mayfield, Lauryn Hill o los propios Public Enemy, asumieron de manera abierta su papel dentro de la lucha, otros vivieron tensiones internas. Es el caso de James Brown, quien con Say It Loud (I’m Black and I’m Proud) enfrentó presiones de la industria y un cambio abrupto en su público. “Un año después decidió retirarla de sus conciertos y luego grabaría muy pocas canciones con carga política”, detalla.

Para desarrollar la investigación, Vardé recurrió a entrevistas propias, material de archivo, documentos sonoros y una amplia bibliografía centrada en la intersección entre música y activismo. Pese a la tentación de comparar contextos, el autor advierte que los paralelos con el presente son limitados. Aunque movimientos como Black Lives Matter retoman la protesta callejera y su potencia cultural, Vardé sostiene que hoy no existen referentes afroamericanos equivalentes a Martin Luther King, Malcolm X o Stokely Carmichael.

La obra se organiza alrededor de una pregunta central: ¿puede una canción cambiar algo o simplemente amplifica un proceso que ya está en marcha? Inspirado en una frase de Chuck D en el documental Let Freedom Sing, Vardé sostiene que la música potencia transformaciones existentes, pero alguien debe ponerle sonido a la lucha. “Convertir esa lucha en canción hace que el mensaje llegue con más fuerza”, dice. Como ejemplo paradigmático, recuerda que Strange Fruit nació como un poema, y su autor lo musicalizó justamente para hacerlo más efectivo.

Neil Young cumple 80 años: una vida sin concesiones en constante evolución

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Wed, 12 Nov 2025 14:07:00 +0000

Iconoclasta por naturaleza, Neil Young cumple este miércoles 80 años convertido en una figura única del rock mundial. En más de medio siglo de carrera, el canadiense recorrió una amplitud de estilos que pocos artistas exploraron con igual profundidad: del folk acústico a la electricidad abrasiva, del country melancólico al rock experimental, del blues y el rockabilly a la denuncia social y ambiental. Siempre distinto, siempre él mismo.

Nacido en Toronto en 1945 y criado en Winnipeg, Young empezó a tocar la guitarra en la adolescencia, alternando entre bandas de garaje y clubes de folk donde conoció a Joni Mitchell y Stephen Stills. En 1966 cruzó la frontera rumbo a Los Ángeles en su Pontiac fúnebre, acompañado por el bajista Bruce Palmer. Junto a Stills formaron Buffalo Springfield, una de las bandas pioneras del folk-rock californiano. Tras su disolución, Young comenzó una carrera solista que, desde el principio, mostró una voz inconfundible: aguda, quebrada, cargada de una franqueza que desarma.

En paralelo a su flamante carrera en solitario, a fines de los sesenta, se unió a Stills, David Crosby y Graham Nash para formar Crosby, Stills, Nash & Young, un supergrupo que encarnó el espíritu idealista y turbulento de su tiempo. Con ellos grabó Déjà Vu (1970), una de las cumbres del folk-rock estadounidense, y participó en el emblemático festival de Woodstock. Pero las tensiones internas, amplificadas por el ego y las drogas, provocaron rupturas recurrentes. Aun así, cada reunión posterior —como la gira de 1974 o el álbum American Dream (1988)— reavivó el magnetismo de esas cuatro voces que, juntas o enfrentadas, definieron una era.

En 1969 publicó Everybody Knows This Is Nowhere, su primer álbum con Crazy Horse, y al año siguiente After the Gold Rush, un clásico de la introspección folk. En 1971 alcanzó el número uno con Heart of Gold, incluido en Harvest, y reconoció luego que ese éxito “lo puso en el medio del camino”. Aburrido de esa comodidad, decidió desviarse y en los años siguientes produjo discos oscuros, dolidos y fundamentales como Tonight’s the Night (1975) y On the Beach (1974), impulsados por la muerte de su guitarrista Danny Whitten y su roadie Bruce Berry.

La década del setenta definió el molde de su obra: un vaivén entre la furia eléctrica y la ternura acústica, entre la denuncia política y la confesión personal. En los ochenta, ya en el sello Geffen, se permitió experimentos que confundieron a la crítica —el electrónico Trans (1982), el rockabilly de Everybody’s Rockin’ (1983), el country de Old Ways (1985)— pero que con el tiempo serían vistos como gestos de libertad artística.

Young fue capaz de reinventarse sin perder identidad. Con Freedom (1989) y Ragged Glory (1990), se convirtió en padrino del grunge y referente para bandas como Sonic Youth y Pearl Jam, con quienes colaboró en Mirror Ball (1995). En los 90 y los 2000 alternó introspección y militancia: Harvest Moon (1992) retomó su costado más luminoso, mientras Living with War (2006) denunció la invasión a Irak con una fuerte crítica al por entonces presidente de los Estados Unidos, George W. Bush..

El nuevo milenio lo encontró más prolífico que nunca. Publicó álbumes conceptuales como Greendale (2003), se volcó a la experimentación sónica con Le Noise (2010) y lanzó su propio sistema de audio de alta fidelidad, Pono. A la vez, reabrió sus archivos con la monumental serie Archives, rescatando grabaciones inéditas y conciertos de distintas épocas.

En los últimos años, Young mantuvo su ritmo incansable: con Crazy Horse editó Barn (2021) y World Record (2022), y en 2025 volvió a las raíces con Talkin to the Trees, junto a una nueva formación, The Chrome Hearts. Paralelamente, su esposa y colaboradora Daryl Hannah filmó Coastal, un documental sobre su última gira solista, que se estrenó en abril de este año junto con un álbum homónimo.

Su discografía —más de 45 discos de estudio y una veintena en vivo— es un territorio en permanente movimiento, tan contradictorio como coherente. Young puede pasar de un susurro a un rugido en una misma canción, pero siempre con una honestidad que desarma y una energía que desmiente el paso del tiempo.

Fiel a sí mismo, Neil Young frustró a sellos discográficos, se le plantó a Spotify, desafió modas y decepcionó ocasionalmente a sus seguidores más ortodoxos, pero también supo mantener su música viva y su discurso relevante. “Viajar por el medio del camino se volvió aburrido”, escribió alguna vez. Ochenta años después, sigue transitando la cuneta: incómodo, libre, indómito.

Rod Stewart en el Movistar Arena: medio siglo de hits en una noche inolvidable

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Fri, 24 Oct 2025 14:31:00 +0000

Rod Stewart es como la birome Bic o el Magiclick, símbolos de una época que, lejos de extinguirse, siguen cumpliendo su función con una eficacia casi poética. El cantante británico también desafía al paso del tiempo. Ni la tecnología, ni las modas, ni los años han podido corroer su brillo. Con su melena rubia intacta y una energía que parece inagotable, Rod Stewart demuestra sobre el escenario que lo clásico no pasa de moda: simplemente se perfecciona con la experiencia.

En poco más de una hora y media, Rod Stewart dejó el alma en el Movistar Arena con una selección de canciones que todos conocen, una combinación de grandes éxitos propios y versiones de otros que hizo suyas. El segundo de los tres recitales porteños de su gira One Last Time 2025 comenzó con Having a Party, tema que marcó el pulso festivo de la noche.

Vestido con un traje de cebra —el primero de los cuatro que luciría durante el show—, el cantante siguió con Tonight I’m Yours y This Old Heart. En un giro inesperado para quienes lo asocian con sus discos de baladas y estándares, rindió tributo al blues con una poderosa versión de Rollin’ & Tumblin’, de Muddy Waters, mientras en las pantallas LED desfilaban imágenes de leyendas del género como Albert Collins y Howlin’ Wolf.

El espectáculo fue tan visual como musical: luces, pantallas e instrumentos brillaron en un montaje digno de un show de Las Vegas. Ya con una camisa negra y pantalón a tono, Stewart atacó It Takes Two, el tema que grabó con Tina Turner, y continuó con los clásicos The First Cut Is the Deepest y Tonight’s the Night. Antes de Forever Young, detuvo a la banda para pedirle al personal de seguridad que permitiera al público acercarse y tomarle fotos.

La energía no decayó con Baby Jane, Young Turks y la gloriosa Maggie May, mientras una docena de músicos —entre ellos seis coristas y multiinstrumentistas— rotaban en escena, aportando violín, mandolina, arpa y percusión. En un momento de emoción, Rod Stewart dedicó I’d Rather Go Blind, de Etta James, a la memoria de Christine McVie, y luego interpretó Downtown Train, de Tom Waits. Durante un breve interludio, sus coristas Holly Brewer, Joanne Bacon y Becca Kotte mantuvieron el ritmo con una versión vibrante de I’m So Excited, de The Pointer Sisters.

El cantante regresó vestido íntegramente de rojo, con una rosa cursi en el ojal, para entonar I Don’t Want to Talk About It e If You Don’t Know Me by Now. Luego, acompañó You’re in My Heart con imágenes del Celtic, su amado club escocés, antes de ceder el centro del escenario a sus coristas, que desataron el baile con Proud Mary. La recta final lo encontró enfundado en un smoking brillante para recorrer su etapa ochentosa y disco con Some Guys Have All the Luck y Da Ya Think I’m Sexy?, momento en el que lanzó al público algunas pelotas de fútbol vintage y también un poco de demagogia con la bandera argentina ocupando buena parte de la pantalla gigante. Los bises fueron Sailing y Love Train, con una imponente suelta de globos multicolor.

El show mantuvo una estructura similar al de GEBA en 2023, aunque el Movistar Arena ofreció una acústica mucho más envolvente, donde cada instrumento y matiz de su voz encontraron un mejor lugar.

A los 80 años, con más de medio siglo sobre los escenarios, Rod Stewart sigue cantando, bailando y disfrutando. Aunque el título de la gira sugiera una despedida, todo indica que mientras pueda moverse y sonreír, no habrá “última vez”. Porque, al final, el tiempo pasa, pero quienes hacen lo que aman nunca se retiran del todo.

Rescatan un disco inédito del trompetista Emilio “Pipo” Troise grabado en 1968

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Sun, 12 Oct 2025 15:32:00 +0000

El escritor, musicólogo y especialista en jazz Néstor Ortiz Oderigo escribió una vez que “la jam-session es una reunión que efectúan los músicos de jazz después o fuera de la hora de labor con el objeto de ejecutar para su propio deleite. En ésta suelen crearse las mejores expresiones de la música sincopada, toda vez que priva en ella una atmósfera de absoluta independencia, pues los miembros de estos conjuntos, ocasionalmente constituidos tocan lo que desean, sin tener en cuenta ningún factor ajeno a la más pura creación artística”. Esta frase resume a la perfección el espíritu del álbum El legendario Pipo Troise, el único registro como band-leader del trompetista Emilio “Pipo” Troise, grabado el 24 de julio de 1968 en los estudios ION y hasta ahora inédito.

El material, editado por el sello RP MUsic, fue rescatado y digitalizado por Sergio Radoszynski con la colaboración de Fernando Gelbard, productor original del master. La edición recupera una pieza perdida de uno de los músicos más influyentes del jazz argentino de las décadas del 50, 60 y 70.

Troise integró formaciones emblemáticas como los Booker Pittman’s Boys, los D'Hellemmes’ Stompers y los Rhythmakers —junto a Bebe Eguía, Horacio “Chivo” Borraro y Enrique Villegas—, además de participar activamente en las jam sessions organizadas por Carlos Tarsia, núcleo del primer jazz moderno argentino.

El álbum cuenta con la participación de Gelbard (piano y flauta), Jorge “Negro” González (contrabajo) y Néstor Astarita (batería), además de invitados como los hermanos Hugo y Osvaldo Fattoruso, Fernando Brea y Micky Lerman. La producción artística estuvo a cargo de Gelbard, y la ejecutiva de César Nun y Leo Gorban.

Según escribió Gelbard en las notas del álbum, “Un día, hace años, se me ocurrió, no sé cómo, llamar a mis Estudios ION a un grupo de increíbles músicos para hacerle un homenaje a Pipo Troise. Llamé entonces a todos los músicos de jazz argentinos. No había un plan de producción de nada en este disco. Lo hicimos como hicimos otros discos. Fuimos al estudio a tocar y así salieron”.

La publicación de este registro histórico permite redescubrir a una figura clave del jazz nacional cuya obra permanecía inédita por más de medio siglo. Además se suma al extenso y pulido catálago de RP Music que incluye joyas históricas de Enrique Villegas, el Chivo Borraro y Jorge López Ruíz, entre otros.

Old Bones: arqueología eléctrica del blues primitivo

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Sun, 05 Oct 2025 21:59:00 +0000

El bar del club Lucille se transformó en una suerte de cápsula sonora. El aire viscoso de una noche húmeda y templada, el zumbido de los amplificadores y una guitarra de otra era crearon la atmósfera de un viaje en el tiempo. No se trató de un homenaje ni de un revival: lo que propuso Old Bones fue una experiencia sensorial, casi arqueológica, que buscó reanimar el instante exacto en que el blues rural se electrificó para adaptarse a las exigencias urbanas.

Recién en el segundo tema, cuando los acordes empezaron a tomar cuerpo, se reveló la alquimia del cuarteto que conforman Juan Duggan en guitarra, Darío Soto en voz, Andrés Fraga en armónica y Darío Scape en contrabajo. Con formación mínima y sin batería, Old Bones interpretó lo que se conoce como early electric blues, el sonido que predominó en el norte de Estados Unidos entre 1937 y 1953 y que sentó las bases de la música contemporánea, especialmente el rock & roll.

“El nombre lo dice todo”, explica Duggan. “Viejos huesos es una especie de búsqueda arqueológica de un sonido que representó una época puntual en la historia de la música contemporánea”. Ese período —previo a la consolidación del Chicago blues— mantiene la pureza de una transición: “Es el momento en que el músico rural llega a la gran ciudad y se electrifica. Esa primera época es muy pura. Después no significa que lo que vino no lo fuera, pero empezaron a expandirse, a incorporar batería y a ensayar más”, agrega.

El repertorio de la noche incluyó clásicos como That’s All Right, Mean Old World, Be Careful, Take a Little Walk With Me y Love Her With a Feeling. Cada tema fue un pequeño rito que evocó la presencia de Muddy Waters, Little Walter, Tampa Red, John Brim y Robert Nighthawk, nombres que parecen flotar entre las válvulas y los trastes.

La idea comenzó a gestarse en 2016, cuando Duggan viajó junto al armoniquista Nicolás Smoljan a California y conocieron a The Silver Kings, una banda que reinterpretaba viejos blues con instrumentos originales. “Ese sonido nos voló la cabeza. Preserva algo muy de la época, con nombres como Muddy Waters y Little Walter, antes de que encontraran su propio estilo”, recuerda.

El proyecto tomó forma recién este año, cuando Duggan y Fraga comenzaron a explorar ese repertorio archivado. Tras varios ensayos y retoques en la formación, Old Bones halló su equilibrio con Soto y Scape.

Duggan empuña una Harmony H62 de 1956 conectada a un amplificador Masco de los años cuarenta. “Para este proyecto abandoné la púa y toco a dedo limpio”, confiesa. Fraga usa un Champion de cinco watts, lo mismo que la voz y el contrabajo, que salen “sin intermediarios”.

El resultado es un sonido compacto, crudo y parejo. “Es un blues muy rítmico y nos permitimos no tener batería”, dice Duggan. No hay solos de guitarra ni exhibiciones virtuosas: la armónica se encarga de los breves desvíos melódicos. El foco está en el ensamble, en esa respiración conjunta que vuelve orgánico cada compás.

Old Bones no busca reconstruir el pasado, sino reanimar su espíritu. En Lucille, entre chasquidos de válvulas y riffs contenidos, el blues volvió a sonar primario. Como si esos viejos huesos todavía tuvieran electricidad.

Pat Metheny deslumbró en el Gran Rex con un recital íntimo y lleno de historias

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Sat, 13 Sep 2025 17:38:00 +0000

Con camisa a cuadros, jeans y su melena clásica sobre los hombros, Pat Metheny volvió al escenario porteño del Teatro Gran Rex para presentar en solitario sus discos Dream Box (2023) y MoonDial (2024). El guitarrista eligió un formato íntimo, donde además de tocar habló extensamente con el público en tono de storyteller.

Recordó sus inicios en una familia de trompetistas, la primera guitarra que pudo comprar con sus ahorros tras escuchar a los Beatles y el impacto decisivo de Four & More de Miles Davis, álbum que descubrió a los 12 años y lo acercó definitivamente al jazz.

El concierto abrió con Better Days Ahead y en una primera parte acústica repasó piezas como Phase Dance Theme, Praise, The Sun In Montreal, Omaha Celebration y Slip Away. Metheny alternó más de una docena de guitarras, entre ellas una Gretsch 6120 de 1956, una Gibson ES-175N de 1959 y una Gibson ES-150 de 1938 que perteneció a Les Paul. Uno de los momentos más celebrados llegó con la guitarra Pikasso, de 42 cuerdas y aspecto cubista, construida por la lutier canadiense Linda Manzer.

También relató su búsqueda de las cuerdas adecuadas para guitarra barítono, que finalmente halló gracias a un fabricante argentino que descubrió en un video de YouTube. Hubo un homenaje emotivo a su socio y amigo Charlie Haden, con versiones de Waltz for Ruth, Our Spanish Love Song y First Song.

El repertorio incluyó clásicos revisitados como Garota de Ipanema, Cinema Paradiso, Alfie de Burt Bacharach y Two for the Road de Henry Mancini. El público acompañó con silencio respetuoso y ovaciones que crecían con intensidad tras cada tema.

En el tramo final, Metheny sorprendió al retirar unas mantas negras y revelar el Orchestrion, un dispositivo de percusión, cuerdas y teclados controlados por MIDI, que convirtió el escenario en una pequeña orquesta. Los bises se multiplicaron: Sueño con México, Wichita Lineman y Missing fueron el broche de una velada donde la cercanía y los matices se impusieron a cualquier artificio.

Canción llevame lejos, un relato íntimo atravesado por la música

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Sun, 31 Aug 2025 17:42:00 +0000

El escritor y periodista Mauro Libertella acaba de publicar Canción llevame lejos (Vinilo), un libro en el que la música se convierte en el hilo conductor de un recorrido autobiográfico que atraviesa la adolescencia, la juventud y la vida adulta. La obra dialoga con clásicos de la literatura musical como 31 canciones de Nick Hornby o Vives en las cintas que grabaste de Rob Sheffield, y se organiza como un mixtape artesanal grabado en cassette: cada capítulo funciona como una pista que enlaza recuerdos y emociones.

El relato repasa frustraciones y alegrías: no haber asistido al debut de Guns N’ Roses en River; el impacto de los Rolling Stones en 1998; la intensidad de un show de Nick Cave en el Malvinas Argentinas; o la irrupción fundacional de El amor después del amor de Fito Páez en los 90. También aparecen los Beatles como una presencia vital y constante, los ecos de un tango escuchado en la infancia, la muerte del Polaco Goyeneche, Oasis en un gélido viaje europeo y la pregunta de su hijo en Nueva York frente a un mural de Lou Reed que se transforma en una elegía de la Velvet.

El velorio musical de Kurt Cobain con el Unplugged de Nirvana es otro viaje a una década que todavía vemos como cercana, pero que nos ha quedado lejos. La música de Charly García, con Love is Love de La hija de la lágrima, también da pie a reflexiones sobre el paso del tiempo y la cercanía de un futuro sin ídolos. El libro, así, entrelaza la memoria íntima con la historia cultural de toda una generación.

Canción llevame lejos confirma a Libertella como una de las voces más sensibles de su generación, capaz de narrar con precisión cómo las canciones no solo acompañan la vida, sino que también la definen.

Born to Run: la epopeya sonora que salvó a Bruce Springsteen y marcó a una generación

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Fri, 15 Aug 2025 18:07:00 +0000

Hay discos que definen carreras y otros que definen vidas enteras. Born to Run, el tercer álbum de Bruce Springsteen, hizo ambas cosas. A medio siglo de su lanzamiento, el 25 de agosto de 1975, este trabajo es un testamento del poder transformador del rock'n'roll y de la búsqueda desesperada por escapar, ya sea de la rutina, del pasado o de uno mismo. En cada surco de este disco late la urgencia de un joven Springsteen de 25 años que sentía que no tendría otra oportunidad para decirlo todo y hacerlo a lo grande.

Antes de Born to Run, Springsteen era un músico prometedor con dos álbumes aclamados por la crítica pero sin éxito comercial: Greetings from Asbury Park, N.J. y The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle. Firmado por Columbia en 1972 con la etiqueta de “la próxima gran cosa”, el joven de Nueva Jersey aún buscaba el gran golpe. Había crecido en Long Branch, en un entorno obrero, moldeando su arte bajo el influjo de Elvis Presley y Bob Dylan. Para él, la música siempre fue una vía de escape; un medio para crear un mundo más grande que el barrio.

Con Born to Run, Springsteen se propuso algo tan sencillo como monumental: grabar el mejor álbum de rock que se hubiera escuchado jamás. Su idea era que sonara como “Roy Orbison cantando a Bob Dylan producido por Phil Spector”. Para lograrlo, reformó su banda: David Sancious y Vini Lopez dejaron paso al tecladista Roy Bittan y al baterista Max Weinberg. Junto a Jon Landau —su productor y futuro mánager, el mismo que había anticipado en una reseña que Bruce era “el futuro del rock”— y el co-productor Mike Appel, Springsteen dio inicio a una odisea de 20 meses que transformaría su vida y la historia del rock.

La grabación se convirtió en una obsesión. Bruce pasaba interminables jornadas en el estudio, desde las 3 de la tarde hasta las 6 de la mañana, revisando cada línea, cada nota, cada arreglo. Según el propio Springsteen, “las sesiones se convirtieron en algo que me destrozaba, como si me golpeara contra el suelo”. La intensidad llegó a tal punto que, durante la última sesión, el 19 de julio de 1975, la banda permaneció 19 horas seguidas mezclando.

El perfeccionismo rayó en la locura. Cuando recibió el primer acetato masterizado, Bruce lo arrojó furioso a la piscina. Contempló regrabar todo el álbum en vivo y empezar de cero, pero su equipo logró convencerlo. “Al final de la producción había perdido la habilidad de escuchar con claridad”, confesaría años después.

En su autobiografía, llamada también Born to Run, Springsteen elogió el trabajo de Landau como productor: “Simplificamos las pistas básicas para así poder superponer densas capas de sonido sin caer en el caos sónico. Esto hizo de Born to Run una obra impregnada de historia rock y a la vez moderna. Hacíamos rock and roll dramático, denso. Born to Run es su mejor trabajo de producción en uno de mis más grandes discos”.

Ese sufrimiento dio lugar a una obra monumental, un disco “estructurado como un tanque, construido para ser indestructible”, según sus propias palabras. Las canciones de Born to Run funcionan como capítulos de una epopeya urbana, con personajes que podrían ser cualquiera de nosotros.

El viaje arranca con Thunder Road, una apertura cinematográfica, con ese piano inolvidable, que es mucho más que una canción: es una invitación a escapar. Una declaración de intenciones con romanticismo desbordante, en la que Mary y el narrador buscan huir hacia un futuro incierto, pero lleno de promesas.

Le sigue Tenth Avenue Freeze-Out, celebración festiva de la amistad y de la mística de la E Street Band. Su energía se percibe en la complicidad que se ve en la icónica portada fotografiada por Eric Meola. Night refleja el ansia de evasión que ofrece la noche: ese momento de alivio fugaz tras el día agotador, pura adrenalina y urgencia. Backstreets es el lado oscuro del disco. Una historia de lealtad y traición en los callejones, donde la amistad es la única salvación contra la resignación.

La cara B comienza con la canción homónima Born to Run, el corazón palpitante del álbum. Con su riff inicial arrollador y espíritu de locomotora desbocada, se convirtió en un himno generacional. Springsteen tardó seis meses en terminarla, obsesionado con cada sílaba, cada matiz. Salió como single mucho antes que el álbum, y ya entonces se sintió como una llamada urgente a romper con todo.

She’s the One combina el deseo y la lujuria, un amor vivido al filo del abismo, donde todo se consume con intensidad y peligro. Meeting Across the River ofrece un respiro íntimo y cinematográfico. Una historia de perdedores y pequeños delitos, que se convierte en una fábula poética gracias a los arreglos delicados y la interpretación sentida. Jungleland cierra la travesía. Monumental en todos los sentidos, cuenta con el legendario solo de saxo de Clarence Clemons, grabado durante 16 horas ininterrumpidas. Una pieza donde se mezclan soledad, nostalgia y esperanza, cerrando el círculo con una fuerza emocional que pocos discos han logrado igualar.

El impacto de Born to Run no se limitó a la música. Con este álbum, Springsteen se consolidó como la voz de una generación, capaz de articular la frustración y los sueños de la clase trabajadora. Su autenticidad y compromiso social lo convirtieron en referente cultural.

El álbum llegó al puesto número 3 en el Billboard, consolidó la reputación de Springsteen como el Jefe del rock y su imagen ilustró las tapas de las prestigiosas revistas Newsweek y Time. En palabras de Clarence Clemons: “Nos convertimos en una banda haciendo Born to Run. Nos hicimos hermanos”.

Hoy, 50 años después, Born to Run sigue sonando como un grito de guerra, un himno a la vida, al amor, a la amistad y a la libertad. Springsteen no solo construyó un disco: creó un universo. Con cada escucha, nos invita a subir al coche, pisar el acelerador y escapar. Y en cada verso, nos recuerda que, aunque el mundo parezca desmoronarse, siempre hay una ruta esperando para ser recorrida.Final del formulario

Las memorias de Isa Portugheis: el beat del rock argentino en primera persona

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Sat, 28 Jun 2025 01:05:00 +0000

Adonde quiera que voy – Memorias de un pesado del rock es el título del libro donde Isa Portugheis, pionero del rock argentino, narra su vida con una prosa directa, sin adornos, pero plagada de intensidad y momentos clave de la historia cultural argentina.

Publicado por Gourmet Musical con prólogo y edición de Rodolfo Edwards, el volumen recorre desde su infancia en una familia judía de clase media en La Plata y como compañero de escuela del Indio Solari, hasta su rol fundamental como músico y productor de figuras como Miguel Cantilo, Riff, Los Fabulosos Cadillacs, Los Abuelos de la Nada y otros.

Desde sus inicios con The Nowhermens y Diplodocum Red & Brown –banda experimental junto a Skay Beilinson– hasta sus aventuras por Europa en los setenta, Portugheis fue parte de momentos decisivos del rock nacional.

En el libro reconstruye con detalle la famosa noche del Luna Park de 1972, cuando un recital de La Pesada del Rock and Roll terminó en escándalo. A contramano del mito, asegura que Billy Bond nunca dijo “rompan todo” y señala que el caos fue provocado por infiltrados y funcional al poder de facto. “(…) todo venía creciendo y cuando sucedió la historia del Luna Park todo se fue a pique”. Ese mometo fue bisagra: la generación de músicos que venía dominando la escena desde el 67 o 68 comenzó una diáspora que se profundizó a partir de golpe de Estado de 1976.

Con paso por Israel, Suiza, Ámsterdam, Londres y las Baleares, el libro también retrata el lado más crudo del exilio, los encuentros con músicos y personajes como Pappo, Ricardo Soulé, Ángel Sucheras o el Gordo Pierre, y recitales inolvidables de leyendas como Eric Clapton, Humble Pie, Procol Harum, Queen y la Mahavishnu Orchestra.

Ya de regreso en Argentina, su etapa como manager y productor lo ubicó en el centro del renacimiento musical post dictadura. Además, narra un episodio policial: sobrevivió de milagro tras ser baleado en su propia casa en en 1985, un episodio que cambió su vida para siempre.

Adonde quiera que voy -título inspirado en la canción que el mismo compuso y fue un éxito rotundo de Miguel Cantilo y Punch- es una autobiografía sin pretensiones literarias pero imprescindible para comprender desde adentro la historia del rock argentino.

Wilco y una comunión perfecta entre melodía, emoción y oficio

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Sun, 01 Jun 2025 01:03:00 +0000

Las luces se atenúan y, entre sombras y aplausos, los seis músicos de Wilco toman sus posiciones en silencio. Jeff Tweedy se cuelga la guitarra, baja la cabeza y lanza los primeros acordes de Company in My Back. Así comienza un viaje hipnótico de más de dos horas, donde cada canción es una pequeña joya de melodía, textura y emoción. Frente a una multitud atenta y madura, la banda despliega una actuación impecable, cargada de matices, con un sonido tan nítido y envolvente que por momentos parece irreal. No hay poses ni alardes, solo músicos profundamente conectados con su arte y con cada segundo del presente.

Sobre el escenario del C Art Media, un cartel luminoso con las letras del nombre de la banda destella al ritmo de la música, marcando el pulso emocional del show y aportando un detalle visual tan sutil como efectivo. El sonido, con cada instrumento en su lugar y bien balanceados, potencia la experiencia sin empaques innecesarios.

Wilco es una banda sin hits, dicen algunos. Puede que sea cierto en términos comerciales, pero es algo que no importa . Las melodías pegadizas y las letras de Jeff Tweedy -que bien podría ser considerado uno de los compositores más destacados de su generación- hilvanan una narrativa que aborda el amor, la pérdida, la soledad y la condición humana con una sensibilidad única. Sus letras no gritan, susurran, y en ese murmullo logran una conexión profunda con el oyente.

Si hay algo que distingue a Wilco es su excelencia en vivo. Cada uno de los músicos está completamente presente, conectado con cada centésima de segundo del show, y esa entrega transforma sus canciones en una experiencia tangible. Tweedy, más allá de su maestría compositiva, es un intérprete formidable: canta con el corazón en la garganta y la paciencia de un artesano.

El desempeño del grupo es sobresaliente, pero hay que detenerse especialmente en el trabajo de los guitarristas Nels Cline y Pat Sansone, que se lucen en extensas improvisaciones que remiten a las jams de los Allman Brothers o los Grateful Dead. Porque Wilco, aunque suene moderno, es una esponja de la música de los sesenta y los setenta: The Band, The Beatles, Gram Parsons, algún momento de introspección al mejor estilo de Pink Floyd e, incluso, en la voz de Tweedy, se cuela el influjo de Van Morrison. El country está presente en buena parte de su repertorio, pero por encima de todas esas referencias, el sonido de Wilco es único, reconocible, con una firma propia.

Uno de los momentos más intensos del show llega con Via Chicago, donde la banda se permite su cuota de caos controlado, una esquizofrenia sonora que contrasta con la belleza de la seguidilla de canciones que siguen: You Are My Face, Whole Love, Either Way, Impossible Germany, Jesus, Etc” y Hate It Here, un tramo de altísimo vuelo emocional.

El final del concierto es una suerte de regreso a las raíces más country-rock de la banda, con el clásico que Tweedy escribió junto a Billy Bragg, California Stars, y un cierre encendido con Falling Apart (Right Now), Walken y I Got You (At the End of the Century), temas que hacen vibrar a una audiencia que, lejos de la euforia adolescente, responde con una gran devoción. Wilco no necesita hits. Tiene algo mucho más poderoso: canciones que resuenan, que acompañan y que, cuando las tocan en vivo, se vuelven inolvidables.

Juanse y una noche con el espíritu del Carpo

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Sun, 25 May 2025 21:58:00 +0000

El humo espeso que flota sobre Vorterix revela una verdad ineludible: es noche de rock and roll. El telón se abre como un velo que se corre para mostrar lo que de verdad importa. Un rugido se empieza a formar cuando suenan los primeros acordes de El hombre suburbano y el tributo cobra vida: Pappo está de vuelta, otra vez encarnado por Juanse y una banda que es como esas Harley que le gustaban a Norberto.

La cosa toma temperatura rápido. Malas compañías ya no es una canción, es un grito de guerra, y cuando llega Sucio y desprolijo, el teatro tiembla. El sonido es denso, compacto, y la guitarra de Nicolás Yudchak emana unos solos limpios y penetrantes, mientras Juanse lanza esos esos riffs que son como el ADN del rock. Entre canción y canción, el público canta con el corazón y las tripas: “¡Y dale Pappo, dale, dale Pappo!”, porque lo que está pasando ahí no es solo música: es una celebración de lo que fuimos y todavía somos.

Juanse sigue con Tomé demasiado, una gran postal del rock argentino. Blues local llega con esa frase que es una verdad absoluta: donde hubo fiesta, hubo amigos de verdad. Y entonces sube al escenario Gabriel Carámbula, un viejo zorro de mil y un rocanroles, para tocar Adónde está la libertad. Tres Gibson Les Paul escupen fuego al mismo tiempo, al igual que en Pájaro metálico, de ese álbum clásico que es Pappo's Blues Vol. 3, de 1973. Cuando suena Una casa con diez pinos, el delirio es total. Todos sabemos que el tema no es de Pappo, pero bien podría serlo. En esa poesía de Javier Martínez está también su espíritu. Yudchak vuelve al frente con absoluta naturalidad. Nació para estar ahí. No le pesa el partido del debut en Primera y juega como requiere un equipo grande. En El viejo, mientras la letra nos interpela a los que la escuchamos desde hace varias décadas, aparece el hammond de Nico Raffetta, exquisito, redondo. Bolsa y Ponch, en la base rítmica, son un dique de contención para que todo fluya como el show lo demanda.

Desconfío es un momento aparte. Juanse deja la guitarra, se adelanta y en modo crooner canta con voz rasgada una plegaria compartida. Al final de la primera vuelta de “Tan solo en la vida, que mejor me voy”, Yudchak se adueña del escenario. Muestra el carnet de egresado de la Escuela de Blues y tira unos solos inspirados en los mismos dioses que le hablaban a Pappo, y a Freddie King también.

Pasa Fiesta cervezal y todo su desmadre sonoro. Aparece Sarco en escena, porque si hay alguien que puede cantar El gato de la calle negra con el alma es él. Promediando el show, Juanse se corre del cancionero de Pappo para meter sus canciones como solista: Energía, La esquina del sol, Estoy de vuelta… y hasta una sólida versión en español de Under My Thumb de los Rolling Stones. La banda suena bien, eso no cambia, pero el aura baja un poco: esas composiciones –a excepción de la de la banda británica- no tienen la misma fuerza que las anteriores. Y eso queda más en evidencia cuando Juanse se zambulle en la historia de Los Ratones Paranoicos. Rock del gato, Cowboy, Sigue girando, Rock del pedazo, Ceremonia y Estrella, todas canciones llenas de magia, emblemas de una época en la que la mayoría de los que estamos ahí éramos jóvenes.

Con los bises vuelve Pappo, porque siempre se vuelve a Pappo. Suben al escenario Fachi (bajista de Viejas Locas) y Sarco, porque el rock también es hermandad. El tren de las 16 y Ruta 66 suenan como lo que son: canciones de viaje eterno, de ir y volver, de nunca quedarse quieto. Juanse presenta a sus músicos. Para él Nico Raffetta es Nicky Hopkins y Nico Yudchak es Mick Taylor. Una hora y cuarenta y tantos minutos después, el humo se disipa, el telón se se cierra, y el espíritu del Carpo vuelve a las calles, a cada motor que va rumbo a Paternal.

Joe Louis Walker, una fuerza indomable del blues moderno

noreply@blogger.com (Martín Sassone) — Fri, 02 May 2025 21:25:00 +0000

Joe Louis Walker, el innovador guitarrista, vocalista y compositor, cuya fusión de géneros le dio un nuevo toque al blues moderno, murió como consecuencia de un paro cardíaco el 30 de abril por la noche a los 75 años.

Con una carrera que abarcó más de seis décadas, el electrizante trabajo de guitarra de Walker, su candorosa voz y su composición reflexiva dejaron una huella imborrable en la escena del blues contemporáneo.

La producción musical de Walker abarcó todo el espectro de la música de raíces estadounidense, lo que le valió un lugar entre los bluesmen más venerados de su generación. Billboard describió una vez su estilo como “desbordando todos los mapas… blues crudo, góspel jubiloso, el estruendo roquero al estilo Rolling Stones y un R&B desgarrador”, y añadió: “La guitarra de Walker es impecable y feroz”.

Guitarrista brillantemente expresivo, vocalista conmovedor y compositor prolífico, Walker recorrió el mundo durante décadas, pisando los escenarios de festivales de renombre internacional como Glastonbury y Montreux. Sus actuaciones dinámicas llegaron a millones más a través de apariciones en televisión nacional en Late Night with Conan O'Brien, The Don Imus Show y el británico Later… with Jools Holland, consolidando así una fiel base de seguidores internacionales.

En noviembre de 2012, Walker se presentó en La Trastienda, en el marco del Buenos Aires Blues Festival. Tuvo una actuación descomunal acompañado por Nasta Súper, la banda liderada por Rafael Nasta.

A lo largo de su carrera, Walker colaboró con íconos como Ike Turner, Bonnie Raitt, Taj Mahal y Steve Cropper; fue telonero de leyendas como Muddy Waters y Thelonious Monk; y contó entre sus amigos y contemporáneos a figuras como Freddie King y Mississippi Fred McDowell. También fue amigo cercano y excompañero de cuarto del virtuoso guitarrista Mike Bloomfield.

Su álbum debut de 1986, Cold Is the Night, lanzado por HighTone Records, marcó una llegada contundente y señaló la aparición de una nueva y poderosa voz en el blues. Lanzamientos posteriores en sellos como Verve, Alligator y Stony Plain consolidaron aún más su reputación como uno de los artistas de blues más destacados de su época. The New York Times lo elogió como “un cantante con una voz tipo Cadillac”, y señaló que sus solos “gimen con desesperación blusera”. Rolling Stone lo describió simplemente como “feroz”.

Walker fue incluido en el Salón de la Fama del Blues, nombrado USA Fellow por United States Artists y recibió múltiples premios W.C. Handy y Blues Music Awards. También fue reconocido con los prestigiosos Bammy Awards de San Francisco y recibió un premio a la trayectoria por parte de la Mississippi Valley Blues Society.

Ampliamente considerado como un “músico de músicos”, Walker se ganó su lugar en el panteón de los grandes cantantes y guitarristas de blues eléctrico junto a B.B. King, Buddy Guy y Robert Cray. Herbie Hancock lo calificó como “un tesoro nacional”. Chick Corea, con su característico ingenio, lo apodó “el Chick Corea del Blues”, mientras que Aretha Franklin lo honró de manera simple y definitiva como “el Bluesman”.

El legado de Walker perdura a través de su vasto catálogo de grabaciones, las generaciones de músicos que inspiró y los incontables fanáticos cuyas vidas fueron conmovidas por su música.