La Nota Grave

La oposición de lo contemporáneo en el arte del sonido

noreply@blogger.com (JM Alvarez) — Wed, 15 Oct 2014 16:37:00 +0000

La música es por seguro la expresión artística más difundida y emblemática del último siglo. Con una popularidad que abarca a todas las culturas, sub-culturas y grupos etarios, el arte del sonido y la industria fonográfica han alcanzado la masividad gracias a la increíble diversidad de estilos, los cuales buscan reflejar tanto las complejidades como lo primitivo del ser humano en su totalidad.

Miles de artistas y millones de obras. Miles de músicos y millones de canciones. A simple vista, la música y sus medios de difusión crean la imagen de ser un arte donde las fuentes creativas son infinitas y no existen mayores fronteras. Sin embargo, es en este escenario donde la herramienta se convierte en aliado pero también verdugo de la expresión.

Etiquetado, envasado y enviado

Como casi en todos los aspectos humanos en la era moderna y específicamente desde la segunda mitad del siglo XX que las artes también han sido víctima de la mercantilización de sus obras y, a lo que corresponde al plano estudiado, la industria de la música se convirtió en el principal vehículo efectivo para difundir la obra a los públicos y al mismo tiempo lograr la satisfacción del artista, o según lo contextualizado por Kandinsky, “la recompensa material que produce su habilidad”(1).

Así es como la apropiación de la música por parte del mercado creó las limitantes a un arte que en un principio se mostraba infinito. Tanto el formato de la obra como la intencionalidad de los artistas se vieron modificados a lógicas de mercado, ejemplificadas en gestos tan comunes y asimilados en la sociedad actual como la duración y constitución de los llamados “sencillos”. Tanto la adoración a la figura de Little Richard como “arquitecto” del rock and roll (2) como la larga lista de éxitos lanzados por The Beatles en su primera etapa son fieles representantes de este proceso.

La década de los sesenta y setenta es un momento crucial en todas las expresiones artísticas, puesto que todas enfrentan un problema directamente derivado del “la modernidad liquida” (3) expuesta por Bauman. Lo que en otras palabras es un “capitalismo liviano que imposibilita las posibilidades del individuo a ser único”, en el contexto de este arte sonoro lo sesga en lo que podríamos llamar las estéticas predefinidas, nunca nuevas ni ajenas al mercado.

Tal es el caso insigne del movimiento hippie, iniciado en los Estados Unidos, fue motivado ante el deseo de dejar atrás la satisfacción y bienestar superfluo añorado en la posguerra para buscar la “libertad”, ideales que fueron absorbido en su totalidad por una sociedad consumista, convirtiendo lo que podía llegar a ser una filosofía de vida en un simple producto ofertado por la moda de ese entonces. Muchos son los ejemplos hasta la actualidad: movimientos como el punk, el new wave y el grunge siguieron el mismo patrón (todos con sus respectivas excepciones, por supuesto).

A partir de la repetición cíclica de contracultura-cultura, se desglosan una serie de preguntas pertinentes a la identificación de expresiones en la música que transgredan los límites de su tan mecanizada industria y sus vicios propios ¿Hay señales de un arte sonoro capaz de transgredir exitosamente lo moderno? ¿Hay alternativas para innovar frente al crudo panorama propuesto ante la sociedad del consumo?

La respuesta es positiva para ambas interrogantes, siempre y cuando se entienda al arte de la música como plataforma multidisciplinaria y se abra a los marcos detrás de estas.

Medidas de oposición

La música ha mutado constantemente en su desarrollo y contexto histórico. Esto se ha fomentado principalmente por su capacidad innata de aprehender de otras ramas artísticas, adecuándolas a su discurso y nutriéndola de mayor significado. Aglutinando soportes tan diversos como lo performativo, lo audiovisual y el didáctico arte de la retórica (especialmente en su expresión sinestésica).

Ante estas características, es incuestionable no pensar que la música moderna tiene las facultades para haberse transformado en un arte de gran potencia reflexiva.

Si bien muchas corrientes tomaron cartas en el asunto a la hora de criticar el panorama

imperante, ciertamente lo que se considera hoy como Rock en Oposición (o en sus siglas en inglés, RIO) fue un caso que escapó de cualquier etiqueta en su época y quebró las barreras de la industria que muchos intentaron traspasar.

“Cinco grupos de rock que las compañías discográficas no quieren que oigas”. Así es como se promocionaba el movimiento en su primera presentación conjunta el 12 de marzo de 1978.

Desde sus orígenes a principios de los setenta, el RIO no responde a una estética previamente establecida o a una corriente filosófica premeditada, sino que más bien respondió a un sentido de emancipación desde el interior de la banda de rock progresivo británico Henry Cow (4) respecto de las limitaciones de las compañías disqueras. Este objetivo se transformó en un germen que se instauró en una serie de otras bandas europeas que compartían el deseo de disponer, distribuir y reafirmar el lazo del artista con su obra, sin mayores intermediarios.

A pesar de no existir mayores aspiraciones en relación a llevar al RIO hacia otro nivel, una vez que el movimiento relegó su nombre al dominio público, paso a ser utilizado por los críticos de música como una difusa etiqueta que abarca a ciertos grupos vanguardistas, pero que sin duda responden a un arte transgresor que busca perturbar la domesticación del arte conceptual moderno.

Magma (8) es una de las piedras angulares de este movimiento y una de las bandas que han logrado entender las dimensiones creativas de este arte en su totalidad. Principalmente reconocidos por utilizar el kobaiano en sus liricas (un idioma propio creado por Christian Vander (5), baterista y fundador de la banda), su propuesta logró cuestionar a través de su histriónico trabajo todas las bases impuestas por la industria de la música, las cuales han visto coartadas la dignidad creativa de la sociedad: su intencionalidad alude a que no se debe responder más que a las infinitas interpretaciones del espectador frente a la obra.

Hasta hoy, el impacto del RIO ha sido fundamental para mantener la vigencia de una corriente musical orientada solo a la apertura artística y no a los intereses comerciales. Sus diversos exponentes de las más variadas formas del arte, desde la avanzada, pasando por la electrónica, la música folklórica y experimental.

El silencio y el azar

Si bien el nacimiento del RIO correspondió a una simple acción evasiva a las cadenas de la cultura del capital, es necesario admitir que su trasfondo conllevaba raíces aún más profundas que lo dispuesto a simple vista. La crítica al arte de los sonidos se refiere también a sus extremos: lo que realmente se considera como música.

"No tengo nada que decir y lo estoy diciendo". Así es como sintetiza el intérprete David Tudor la pieza compuesta por Cage el año 1952.

Si bien se podría definir a la música en su sentido más amplio a través de la biología como “toda las frecuencias percibidas por el oído humano”, el desarrollo de este arte ha ubicado este paradigma en un nivel de mayor carga espiritual. Es en este plano donde resalta la figura de John Cage y sus trabajos, los cuales reflexionan el sentido de los 2 pilares de la música de forma íntegra: el silencio y el azar.

El gran compositor y multiinstrumentista en su famosa obra 4’33” problematiza la existencia del silencio como pieza musical. Estos tres movimientos mudos apelan a una infinidad de motivaciones, algunas más justificadas que otras, que se centran directamente en la figura del receptor, haciéndolo participe activo de una pregunta que pone en duda una rama del arte en su totalidad.

Por el otro lado, se puede plantear al azar como la solución definitiva a la originalidad. Influenciado por los sistemas de creencias relacionados con una cosmovisión muy ligada a la naturaleza, Cage expone en sus composiciones un contradictorio no-control (7) de la obra y la eliminación de la capacidad de decidir sobre ella. Así, el artista pierde toda intencionalidad, adjudicándole toda la responsabilidad a la naturaleza en sí.

Los dueños de las fronteras

Como producto de lo planteado, se puede afirmar que las fronteras de lo que se conoce como música es un espectro sólo condicionado por la capacidad de reflexión del ser humano, dejando atrás todas las pretensiones que podría entregar factores externos como el mercado, la moda y el “yo”.

Por otro lado, es importante recalcar la propiedad de la obra musical, puesto que en el sentido más contemporáneo es propiedad tanto del autor como del receptor. Si bien existen temáticas comunes, etiquetas compartidas y mensajes explícitos en la gran mayoría del fonograma actual, por ningún motivo se cerrará a una sola interpretación.

En un arte donde las posibilidades son infinitas, es necesario potenciar sus múltiples facetas de expresión. El discurso contemporáneo otorga a la música la posibilidad de mostrarse plena, sin simbolismos. En palabras de Cage,

"Hay que considerar no solo la música hermosa, sino la música que tiene vida en sí misma"

Bibliografía y Referencias

1. Kandinsky, V. (1979) de lo Espiritual en el Arte, P. 12. Editorial Premia. España.
2.“Little Richard, Arquitect of Rock N Roll”. Imagen extraída en http://o.scdn.co/300/8cb97608b07f3abe8cd1d70edf5a884bb80787de3. Zúñiga, A. (2013) Resumen del libro "La Modernidad Líquida", de Zygmunt Bauman. Extraído en http://manuelgross.bligoo.com/20130220-resumen-del-libro-la-modernidad-liquida-de-zygmunt-bauman4. Estilos de música progresiva. http://www.dlsi.ua.es/~inesta/Prog/progclass-e.html
5. Entrevista a Christian Vander. Extraído en http://defutura.blogspot.com/2007/05/entrevista-christian-vander.html6. Pritchett, J. (s.f.) Lo que el silencio enseñó a John Cage: la historia de 4’33’. Extraído en http://www.macba.cat/PDFs/jamespritchett_cage_cas.pdf7. Jurado, R. (s.f.) John Cage: Un nuevo paradigma artístico en las fronteras de la creación. Extraído en http://www.csmcordoba.com/revista-musicalia/musicalia-numero-1/184-john-cage-un-nuevo-paradigma-artistico-en-las-fronteras-de-la-creacion
8. Magma interpretando el tema “De Futura” en París el año 1977. Desde https://www.youtube.com/watch?v=a73XLkf43-s

Reavivándola

noreply@blogger.com (JM Alvarez) — Sun, 09 Oct 2011 22:26:00 +0000

Se callaron las cuecas. Septiembre trae y se lleva esta clásica tonada criolla que intenta resumir de forma inútil toda la cultura de nuestro país. La cueca es un género simple, no juega demasiado: Existen una infinidad de conjuntos e intérpretes que la tocan, pero son pocos los que escapan del simplemente tributar al sonido de antaño con la manta de huaso y la eterna alabanza a nuestras tradiciones. Hay algo aquí que no avanza... ¿Se podrá reinventar la cueca?

Un género que no progresa es un género que muere. La cueca hoy prácticamente descansa en sus pasados "oficiales", es decir, cuando era la tonada predilecta en los salones de hacienda, en el mercado porteño y hasta en las tierras chilotas. Al final, el interés por retomarla solo sucede en las fechas patrias.

Por suerte, existen los pocos audaces de siempre, que llegaron a una nueva y original fórmula para reavivarla: Cueca y Blues. Pareciera sacrilegio (dirían los Huasos Quincheros), pero no es tan así. Estos dos géneros pueden congeniarse muy bien entre ellos, quizá algo de sus orígenes tenga que ver con ello.

La cueca fue otro producto que trajo el mestizaje en América, un vástago de la indígena zamacueca y del fandango europeo y que en un principio era un ritmo solamente escuchado en los lugares más marginales de la sociedad. El blues es hijo de las discriminadas comunidades negras de Estados Unidos y en su tiempo fue acusada de ser "música diabólica", promotora de actos criminales.

La cueca y el blues comparten originalmente un sonido sucio pero a la vez muy de adentro. Ambos géneros comparten temáticas, eso se puede ver en la nostalgia, el amor, los lamentos y el olor a realidad que los caracterizan.

Empezando en la búsqueda, nos topamos con un viejo conocido, Mauricio Redolés. El poeta-músico/músico-poeta del Barrio Yungay más de alguna vez ha jugado con el blues, por nada el primer tema de su célebre álbum "Bello Barrio" es el "Blues de Santiago". Redolés es un gran conocedor del folclor y cuando toca su canción "Marcando Ocupa'o", reconoce que es un blues y que también es cueca. Aquí una versión en directo desde la mismísima Vega Central...

Otro muy interesado y un dedicado de lleno a jugar con cueca y blues es Luis Le-bert, conocido principalmente por ser mente fundadora de los legendarios Santiago Del Nuevo Extremo. En los últimos años ha grabado varios trabajos de forma independiente bajo el nombre de "Luis Le-Bert & Los Agricultores Del Cosmos". Este proyecto ha tenido una calidad tal que lo ha llevado a distintos países y hasta lo llevó a ganar un premio Altazor este año. Su trabajo dio fruto a quizá la mezcla más perfecta de estos géneros.

La unidad hizo a la música. Estos pequeños experimentos demuestran que se le puede dar un nuevo empuje a las viejas cuecas. Cambian la fórmula, pero la actitud nunca. La cueca es capaz de nacer de nuevo y con nuevos aires.

Da gusto saber que hay todavía quienes no se quedan quietos al ver como desaparecen sus tradiciones. Aún hay muchos buscando distintas maneras de renovar los viejos sonidos, quizá no sea la cueca o mediante un blues, pero sí con sed de reavivarla.

Bulgaria: Un Ejemplo Para El Metal

noreply@blogger.com (JM Alvarez) — Fri, 10 Dec 2010 02:07:00 +0000

¿Quien es capaz de ubicar en un mapa a Bulgaria? La mayoría no estaría ni cerca y pensaría que es un país que no tienen porque conocer, una más de esas naciones cero aporte... Pero la cosa cambia para esos fieles del más puro y grandioso metal: Cualquier headbanger sabe que en Bulgaria han pasado los momentos más ÉPICOS en la historia de género. A continuación, unas de las razones del por qué Bulgaria es más metalero que tú...

Inmortalizados

En una pequeña playa llamada Kavarna (hasta el nombre es metal... lml por eso) todo gira en torno a los sonidos pesados. Es el principal escenario del país, no es menor decir que solo el 2007 hayan pasado gigantes como Sabbath, Mötorhead, Robert Plant, Manowar y DIO (en la memoria siempre viejo!). Este lugar también tiene el equivalente al paseo de la fama, pero de metaleros: el Walk of Rock. Dentro de este, uno de los más impresionantes es sin duda el mural de David Coverdale, grande como él...

Y mientras acá en Chile nos enorgullecemos por estatuas como la del Condorito en San Miguel o un montón de piedras con cara'e na, en Kavarna fue inaugurado a fines del año pasado un enorme homenaje a nadie más y nadie menos que a Ronnie James Dio, fallecido en mayo de 2009, todo gracias al alcalde que todo headbanger quisiera tener en su comuna, Tzonko Tzonev.

Y Fue En Bulgaria...

Bulgaria es el Edén del Metal, cada vez que toda esta legión de bandas ponen su mira aquí, es para cosas grandes. Claro lo dejan los autoproclamados "Reyes de Metal", Manowar, quienes el 5 de Julio del 2008 rompieron el record Guiness del concierto más largo de la historia del heavy metal, tocando en el primer día del Kaliakra Rock Festival: 5 horas y 10 minutos, es decir, más de 40 canciones, agregando también el himno nacional de Bulgaria, también tocado por estos He-Man de carne y hueso...

¿Quién se hubiera imaginado ver los 4 grandes del metal en un solo escenario? Ese milagro, ese legendario momento no pudo debutar en otro lado que en tierras búlgaras, en el ya mítico Sonisphere Festival de ese año. Slanthrallicadeth (como metafórica y fácilmente les digo), UNIDOS EN UN SOLO ESCENARIO y lo pudimos ver acá, algunos, mosheando en una butaca del Movieland, o como la gran mayoría, viéndolos en su pagina amiga, Youtube...

Queda más que claro que Bulgaria es un país que respira metal, un real ejemplo de como una pasión se incrusta en una sociedad, creando cosas grandes. Por supuesto no sería así si no fuera por tener ciudadanos tan comprometidos con una cultura ya tan parte de ellos. Un aplauso para Bulgaria... un aplauso para un país unido por el gran HEAVY METAL!!

La Parrilla del 21

noreply@blogger.com (JM Alvarez) — Mon, 20 Sep 2010 17:45:00 +0000

La espera ya acabó, se tomaron los acuerdos y se aprobaron los proyectos: Ahora disfrutamos (virtualmente) de la música Made in Chile en cada dial sintonizado. El paréntesis da cuenta que aún no vemos el real impacto de esta ley, ya que la algarabía bicentenaria en actual retirada trajo consigo su propia oleada de sonidos de la casa, propia de los bailongos y tugurios de la fecha. Los días siguientes son la prueba de fuego para saber si este mandato estatal realmente se cumple por las radios o simplemente fue un producto más de la magia del Bicentenario...

Queda claro que es bastante complicado para las radios tener entre su parrilla musical una presencia estable de música chilena, que sea del gusto de sus auditores y por cierto, que no se recaiga siempre en los artistas clásicos que todos sabemos. Esto conlleva interesantes desafíos a los radiodifusores, que los veremos prácticamente "saliendo de caza" para nutrir y refrescar sus catálogos musicales. Todos sabemos la infinidad de estilos que se han desarrollado en la escena nacional, de admirable calidad y ya hace mucho dispuestos al recambio de sonidos con los que se ha empezado a experimentar o revitalizar. Nada de eso es un argumento para dejar de lado la iniciativa.

¿Esta ley traerá cambios palpables para la escena nacional? ¿Será suficiente pasar de un 10 a un 20 por ciento? ¿Será respetada a largo plazo? Tantas interrogantes se desprenden y que solo serán respondidas luego del 21 de septiembre, cuando los sonidos bicentenarios se esfumen en la resaca nacional. Tan solo es ver cómo responde, poner oído y rezar para que pase del 21...

Rock Carismático - Parte 1

noreply@blogger.com (JM Alvarez) — Sun, 15 Aug 2010 18:59:00 +0000

El rock siempre es bueno, pero lo es mejor cuando viene con una pasión adicional: Cuando la expresión y el talento de gran nivel se combinan y dejan espectáculos alucinantes. A continuación, una imperfecta (como toda) selección de los mejores momentos y exponentes que convierten un simple concierto en reales obras de teatro.

Van der Graaf Generator - Lost

Peter Hammill es uno de los vocalistas más carismáticos de la historia de la música, ese es suficiente argumento para incluirlo en la lista. Acompañado de solamente una batería, un saxo y un órgano, Hammill muestra esa poderosa arma que tiene de voz en medio del eclecticismo aún vivo en los 70's...

The Doors - The Unknow Soldier

Hablar de Morrison y The Doors hoy en día ya es una práctica estéril. Su legado en el mundo del Rock se convirtió en una biblia que muchos siguen de forma obligatoria: La pasión por sobre todo. The Unknow Soldier, del disco "Waiting For The Sun" salido en 1968; es todo un montaje cuando es tocada en vivo, teniendo como climax a Morrison fusilado por la guitarra del gran Robby Krieger. Bienvenidos a la celebración del lagarto...

Iron Maiden - Hallowed Be The Name

Saliendo del monocroma llega la pieza maestra de la doncella. Ninguna otra canción plasma tan bien la teatralidad que puede entregar banda de tal calibre. La historia de "Hallowed Be TheName" acompañada por la dramática voz de Dickinson no tienen comparación.

Genesis - I Know What I Like (In Your Wardrobe)

Llegamos a la banda pionera, Genesis, obviamente en sus años mozos con el camaleónico Peter Gabriel a la cabeza, quien hacía que cada show de la banda fuera un viaje alucinante. Gabriel y Genesis sin duda lograron lo más alto, dejaron un gran legado y un largo camino que aún falta por descubrir...

BONUS TRACK: Pink Floyd - Comfortably Numb

Pink Floyd a pesar de ser uno de los gigantes de la música de siempre, nunca destacaron mayormente por su carisma en el escenario (en definitiva, fomes). Hasta que llegó esa gloriosa/maldita gira de The Wall entre 1980-81, donde sacan a la luz el maximo el mejor despliegue escénico visto alguna vez en la historia de los shows en vivo. Comfortably Numb, momento memorable.

Nota: ¿Faltó alguno y surge la sed de sangre en contra de este pobre escriba? No se preocupen, simplemente pongan sus recomendaciones en los comentarios o escribanos por medio del simpatico Twitter. En una de esas nos alcanza para una segunda parte...

Arrianismo Rockero

noreply@blogger.com (JM Alvarez) — Sun, 04 Jul 2010 17:46:00 +0000

El término Arrianismo se define básicamente como la doctrina religiosa , postulada por un sacerdote cristiano llamado Arrio por el siglo III de nuestra era, y que niega rotundamente la existencia de la Santisima Trinidad. Por supuesto que este pobre presbítero fue condenado por tal "herejía" por la Iglesia Católica, al ver que sus ideas iban en contra de lo establecido por la institución... ¿A que todo esto? Es una simple analogía respecto a las últimas noticias en esta orbe de la que somos parte, en donde encontramos a un reinventado Peter Gabriel, quien con su último disco de covers "Scratch My Back", desafía la idea de lo que conocemos como Rock.

A veces pasa que los discos de covers pasan inadvertidos, mirados en menos, pero cuando se habla de un disco de aquellos hecho por un real vanguardista como Peter Gabriel, se nota que algo especial debe traer. "Scratch My Back" es un disco/proyecto del artista donde versiona un listado de otros destacados artistas como David Bowie, Paul Simon, Radiohead, Neil Young, entre otros. Lo nuevo llega cuando decide hacerlo sin los pilares fundamentales del Rock como lo son la guitarra, el bajo y la batería; acudiendo sólo a una orquesta de cámara.

Es cierto, este lanzamiento fue hace varios meses (en febrero de este año), pero la verdad es que cuesta comprender lo que trae esta placa, dotada de una emotividad impresionante y teniendo como responsable, además del mismo Peter Gabriel, el sublime trabajo del productor Bob Ezrin, responsable también del The Wall de Pink Floyd.

Y es en esa misma característica del disco donde recaen sus contras: "Scratch My Back" es demasiado conmovedor, muy anestésico. La respuesta de los críticos y fans del artista no ha sido mala, pero aún existe es elemento que no convence; a este trabajo se le ha reprochado varias veces la falta de percusiones, las lineas omnipresentes de un bajo, la tangibilidad de una guitarra: Falta la Santisima Trinidad del Rock.

Al final, el último trabajo de Gabriel sería una simple lista de canciones ajenas orquestadas si no fuera por la regla primordial de este proyecto donde cada artista elegido por Gabriel tienen la actual tarea de versionar un tema de él. Es eso, lo que convierte a este proyecto en puro y noble Rock: La capacidad de unir y relacionar a tanta gente solamente por ya viejas melodías.

Peter Gabriel sabe como resurgir, siempre con la ayuda de la nueva y fresca idea de música que siempre ha tenido en su genio. Esta vez quizás fue demasiado ambicioso al omitir las bases del Rock, pero su pacto de sangre con éste lo hace un intocable, imposible condenarlo. A pesar de todo, se lleva los aplausos...

Dejo la versión de "Heroes" de Gabriel, original de David Bowie y a uno que ya ha devuelto la mano al artista, Paul Simon, con el clásico "Biko"

Spock's Beard: X

noreply@blogger.com (JM Alvarez) — Sun, 06 Jun 2010 21:51:00 +0000

La reformulación de estos grandes del neo-prog ya no es novedad. Nick D'Virgilio, Alan Morse, Dave Meros y Ryo Okumoto han sabido encaminarse de buena forma luego de la traumática partida de gran Neal Morse, entregando nuevos trabajos con una calidad y espectación que han ido acrecentándose progresivamente. El lanzamiento de "X", su décimo disco, no es una excepción y nos muestra a un Spock's Beard enérgico, potente y deseosos de mostrar sus nuevos sonidos.

Como ya decía, este disco es de una energía desbordante, son ocho cortes totalmente frescos. El primer tema "Edge On In-Between" suena con una potencia pocas veces vista en esta banda, destacan la inspirada voz de Nick D'Virgilio y las muy bien construidas guitarras de Alan Morse, siempre presentes en los diez minutos y medio de corte.

"The Emperor's Clothes" recurre a un viejo truco del grupo como lo son los juegos vocales, muy al estilo Gentle Giant, ecléctico y pop(?) a la vez. Sigue "Kamikaze", un instrumental de altísimo nivel teniendo especial enfoque en los endiablados teclados de Ryo Okumoto. En la canción "From The Darkness" el tema cambia, ya que su duración (casi 17 minutos y la más larga del disco) la hace algo tediosa; personalmente, sobra en el disco.

En la segunda mitad del disco reinan los temas extensos y de corte más prog, siendo "The Quiet House" y "Jaws of Heaven" piezas espectaculares, de variadas atmósferas, donde todos logran la cohesión y son capaces de lucirse de manera individual de la misma forma. Otro a destacar es "Their Names Escapes Me", donde se aplauden los vocales de Nick D'Virgilio, escuchándose realmente cómodo en su labor de cantante principal y también para el excelente trabajo de Meros, quien además de ser el bajista, es ahora el principal compositor de la banda.

En definitiva, es un gran disco, que devuelve la frescura a la corriente del llamado neo-prog. De igual o mayor talla que la de su placa antecesora. La reinvención de Spock's Beard ha terminado, no duden que nos seguirán sorprendiendo.

DIO...

noreply@blogger.com (JM Alvarez) — Sun, 16 May 2010 20:08:00 +0000

Murió la voz más influyente, mas poderosa y más significativa en este mundo que llamamos Rock n' Roll. Una noticia hasta esperable, pero no menos dolorosa para sus seguidores, quienes siempre contaban con su recuperación. Esta vez DIO no pudo lograr matar al dragón, libró su última batalla en este mundo, es tiempo de su descanso muy merecido...

¡SABEMOS QUE NI EL CIELO NI EL INFIERNO SON SUFICIENTES PARA TI! ¡MUCHAS GRACIAS POR EXISTIR!

Mala Idea

noreply@blogger.com (JM Alvarez) — Sun, 02 May 2010 02:08:00 +0000

Son canciones que realmente te provocan cierto asco en el momento de toparte con ellas. Es que es terrible escuchar esos temas mal doblados al español, con pruonunceacioun insoportable y que destruyen canciones, que en su estado original son bastante buenas. He aquí unos artistas y grupos que hicieron ese desacierto no muy lindo de escuchar...
Tan solo sientense, lean y ¿Disfruten?

(Mejor omitan lo ultimo...)

Hombre Triste (Man of Sorrows) - Bruce Dickinson

Es la desdicha hecha canción para un fan de Dickinson. Con todos los "no se debe hacer al momento de doblar una canción" (que parece traducida totalmente del Google Traductor). La original esta incluida en disco "Accident of Birth" del '97.
La canción es bastante buena, pero le falto harto mas ensayo para modular, ya que existen momentos en que no se entiende absolutamente nada.

Vientos de Cambio (Wind of Change) - Scorpions

Luego de la primera vez de escucharla, la suprimí totalmente de mi cabeza, así que el buscar la canción para ponerla acá abrió un viejo trauma que tengo con esta canción.
A pesar de este problema personal, debo reconocer que Klaus se preocupo harto por el tema de modular, pero igual es imposible no escuchar un "Tus huevos..." por ahí. A-TEN-CIÓN

Padre (Father) - Manowar

La canción original es aceptable: Una balada, no muy complicada, inofensiva. El problema llega después, cuando deciden traducirla y cantarla en ¡¡¡16 IDIOMAS!!!!
Esta versión en español parece más una canción evangelica que una canción de Manowar. Muy mala idea...

Realmente no puse más temas porque si me acordaba de algún otro, era razón para terminar con mi vida. El tema ya quedo claro...

El Circulo Completo

noreply@blogger.com (JM Alvarez) — Thu, 22 Apr 2010 00:43:00 +0000

Fue una mensaje tajante y directo hacia sus fanáticos: Scorpions, luego de lanzar su último disco "Sting in the Tail", terminaría su carrera de más de 40 años, llena de himnos rockeros y guitarras salvajes. ¿Un Error? Para nada, es una decisión radical pero certera, pues así logran terminar su ciclo, volviéndose así parte del grupo de bandas que lograron abrir y terminar su carrera de forma brillante. Cosa que al final duele, pero los deja como reales consagrados de la historia del rock.

(( Personalmente, esta noticia me llegó mucho (dejando de saldo su par de lagrimitas, es cierto...) y desconozco el por qué realmente, ya puede que para cualquiera Scorpions sea una banda clásica más que se ve víctima del peso de los años. Pero hay algo que yo encuentro en ellos, en Klaus, Rudolf, Matthias, James y Pawel; es una actitud, mas allá de la rockera, y que realmente admiro: Su perseverancia a través de los años, su euforia que descargan en lo que realmente saben hacer y, ahora último, su capacidad de tomar buenas decisiones, aunque se necesite mucho esfuerzo y sacrificio para tomarlas. ))

Y si que es sacrificio asimilar esta decisión para la banda, ya que luego del término de su tour de despedida, le dirán adiós también a sus conciertos, a la mirada emocionada de sus fanáticos y el complacerlos con entregarles nuevos trabajos y álbumes.

Pero lo pongo de otra manera... ¿Que hubiera pasado si no hubieran anunciado el retiro ahora? Probablemente harían lo que cualquier banda: Girar eternamente con sus exitasos, sacar cada vez menos material y de menor calidad que a la larga producen quiebres por estar juntos tanto tiempo, etc, etc. En el fondo, verlos envejecer de mala manera. Algo que, obviamente, a nadie le gustaría presenciar. Ellos ya lo hicieron todo y eligieron lo más sabio y difícil que se haya hecho alguna vez en la historia del rock: No precipitarse, Mirar el Camino Recorrido, Cerrar el Circulo.

Recorran el mundo, invoquen huracanes con la misma emoción, enloquezcan a sus fanáticos y afirmen su legado. Solo necesitan un picotazo en la cola...

Una Triste Historia Llamada Badfinger

noreply@blogger.com (JM Alvarez) — Mon, 05 Apr 2010 01:03:00 +0000

Badfinger lo tenía todo para saltar el trampolín hacia el éxito y la grandeza: Fundadores del "Power Pop", un buen número de éxitos y a los mismos Beatles produciendo sus discos. Pero el gran sueño de esta banda tuvo una muy fea caída y triste final. ¿Su verdugo? Nada más y nada menos que su propio sello, Apple Records. Terminaron transformándose en unos de los primeros en recibir la fría crueldad de la naciente industria.

Era 1965, pleno apogeo del rock y de las bandas que dejarían huella imborrable en nuestra conciencia colectiva. Hablando más directamente de unos ya inmensos The Beatles, que ya pensaban llegar más allá de la música en si, preparando lo que sería su propía discografica, Apple Records, la cual con el "protectorado" de EMI, buscaba las nuevas promesas del rock. Ahora sólo faltaba encontrarlos...

Entre estas "selectas" bandas elegidas para firmar con el sello, llegaron unos jóvenes galeses llamados The Iveys, que llamaron la atención del mismo Paul McCartney, quien también les regaló su primer éxito radial, "Come and Get It". Así comienzan una carrera más que cómoda, bajo el alero de los Fab Four, quienes empiezan a cambiar su sonido y hasta su propio nombre: The Iveys fue cambiado por Badfinger, inspirados por el nombre preliminar de la canción "With a Little Help of My Friends". La invasora presencia de The Beatles dentro de Badfinger dejó, obviamente, muchos éxitos como resultado, pero nada más.

Lamentablemente, su gran éxito en las listas y en las masas no se vio reflejada en el plano económico, a causa de una mala administración de parte de Apple Records los integrantes de la banda, que a todo esto son Pete Ham, Tom Evans, Joey Molland Mike Gibbins y Bob Jackson (siendo los dos primeros los principales compositores), no recibían el dinero que realmente producían con su música. Comenzando así, la serie de tragedias que azotaron a esta joven banda.

Corria ya el año 1975 y Badfinger ya tenia gran cantidad de éxitos bajo el brazo: "Without You", "Baby Blue", "No Matter What", "Come and Get It", entre otros. Pero su crisis económica aún rondaba en su carrera, produciéndose una serie de demandas y problemas legales con Apple, ya en bancarrota, y Warner, su nuevo sello. Perdieron millones y fue el hecho para que el guitarrista y compositor, Pete Ham se suicidara en su garaje.

Pero a pesar de tal desafortunado, el grupo siguió con su carrera, que tuvo otra tragedia: TomEvans, segundo compositor de Badfinger, se ahorca en enero del '83 por problemas legales (nuevamente). Terminando con la historia de una banda muy prometedora.

¿Que podemos sacar de esto? Una simple idea: Digan lo que digan y aunque se entregue todo el corazón en una carrera musical, el dinero siempre será importante, en gran o menor escala, pero siempre será el motor de la música que escuchamos y hablamos. Quiza sea un ejemplo muy extremo, pero es la verdad...

Y los años pasan...

noreply@blogger.com (Metal God) — Sat, 27 Mar 2010 15:12:00 +0000

Hace 50 años surgía de las ciudades industriales de Inglaterra un estruendoso y odiado sonido, que ayudado de las raíces del rock n roll y blues norteamericano, definió la mayor parte del siglo XX. La gente o quien sea lo denominó rock y de ese simple término nacieron muchas otras variantes de estilos y culturas. Imaginense, que esto fue en la decada de los 60, o sea, hace 50 años, y por ende los 70s pasaron hace 40 años, los 80s hace 30 y así susecivamente. Esto me hace sentir viejo, y eso que tengo solo 17 años. Pero, el innevitable paso del tiempo no es lo único que jubila mi mente, sino al ver a un patético Axl Rose creyendose de divo, a un Pete Townshend casi sordo, la cancelación del show de BB.King en Chile o ver a mis grupos favoritos en su gira de aniversario me envejece aún más. Que envidia tengo de la gente de los 60s y 70s (hablo internacionalmente para no meterme en política o dañar sentimientos), los cuales tuvieron la oportunidad de ver a los Creedence originales o los Doors de Jim Morrison y tuvieron la posibilidad de ser parte de un movimiento, sea este mod, hippie, punk, etc. Sin embargo, eso ya pasó.

En cambio, para la generación del 2000 (nosotros los "jovenes"), nos tocaron todos los conchos. No digo que todos estos sean malos, como el gran revival del garage rock, pero no existe esa explosión cultural de años anteriores. Además con la lacra del "reggaeton", y toda esa basura que con solo saber programar un computador te llegas a creer un genio de la música, las cosas empeoran mucho más. Como ejemplo concreto, doy una anécdota que le pasó a mi desaparecido grupo: para una teletón, se nos dio la oportunidad de tocar. Para eso decidimos tocar clásicos como Deep Purple, pero mientras tocabamos veíamos las caras de la gente aburrida, ni siquiera pifiando, lo que nos entristeció mucho, más aún cuando despúes de nosotros se subió un reggetonero que revolucionó a todos. Como se ha ido perdiendo el gusto por el talento y la creatividad...

Aunque todo pinte "color de negro", siempre habrá una esperanza de volver a la epoca dorada del Rock. Grupos como Wolfmother, Airbourne, o bandas más cercanas como The Ganjas, se tienen la tarea, creo yo, de llevarnos a las raíces del rock. La idea es que salgan más agrupaciones, como las nombradas anteriormente para hacer perdurar al rock y así no lamentar la pérdida de un ente cultural tan grande que marcó la historia da la humanidad. Uno se pone a pensar: ¿qué pasaría si Bob Dylan o Roger Waters murieran?, ¿sería el fin del rock, y en consecuencia, del mundo?. Por lo mismo es necesario de nuevas mentes que sean creativas para difundir la cultura del rock. Qué seria bonito ver a un nuevo Mick Jagger o a un nuevo Robert Plant, o no?.

"my my, hey hey, rock n roll is here to stay, it's better to burn out than to fade away, my my, hey hey".

La Infamia del Salón de la Fama

noreply@blogger.com (JM Alvarez) — Mon, 08 Mar 2010 21:19:00 +0000

Ya mucho se ha hablado acerca de este "exclusivo" Salón de la Fama del Rock n' Roll. Una entidad que supuestamente selecciona a la creme en cuanto a bandas y músicos respetados en el universo de esta materia. Algo muy delicado y de andar con cuidado, pues no todos pueden tener el "honor" de tal reconocimiento. Pero algo tiene esta famosa entidad que no reconoce ciertas cosas, como lo es el real significado de lo que seleccionan. Me pregunto... ¿Es Run D.M.C una leyenda del Rock? ¿O los Jackson 5 un estandarte del género?

Actualmente, el Salón de la Fama Del Rock n' Roll esta desvirtuándose del objetivo que tenía al principio, lo cual era servir como plataforma para homenajear a los proceres; a los que contribuyeron a enaltecer aún más tal estirpe. Ahora se concentra en figuras de la cultura pop y se olvida de otras grandes bandas que aún no han entrado y lo tienen más que merecido como lo son Rush, Judas Priest, Kiss y Deep Purple. ¡¡Como no han agregado a estas bandas y son capaces de considerarse un maldito Salón del Rock!!

También es curiosa la forma de nominar y seleccionar a los "afortunados", aunque su patrón siempre sea "El más vendedor". Esta es la respuesta del por qué podemos ver a Madonna raramente ingresada el año 2008.

La premiación de este año será proximo el 15 de marzo en Nueva York y en las menciones hay una gran variedad de artistas ingresados: Jimmy Cliff, The Hollies, unos dudosos Abba y otros con el premio realmente merecido, como lo son The Stooges y Genesis. En el caso de estos últimos, se extraña la asistencia del señor Peter Gabriel, principal responsable de que la banda sea realmente legendaria.

La verdad es que es bastante fácil hablar mal de esta entidad: Su falta de rigurosidad, sus grandes fallas etc, etc. Pero se obvia una cosa muy importante, la cual se agradece y es que es una de las pocas instituciones que busca reconocer a las grandes figuras de la música, algo que hace que a los fans se les infle el pecho y se enorgullescan de sus ídolos. No cualquiera puede hacer eso.

6 Episodios Sinfonicos

noreply@blogger.com (JM Alvarez) — Wed, 24 Feb 2010 18:25:00 +0000

Episodios únicos e irrepetibles (deben serlo... o si no serian bastante fomes). Donde la grandilocuencia orquestada une fuerzas con lo más salvaje del rock. ¿Agua y aceite? Para nada... Entre sí logran crean momentos memorables en la historia de la música conocida y por conocer. He aqui un pequeño compilado de increibles presentaciones donde los músicos se rodean de, bueno, más músicos.

Concerto For Group And Orchestra (1st Movement) - Deep Purple

Fue el primer encuentro. Llevado a cabo por una joven banda allá en el año 1969. Esa banda era nada más y nada menos que Deep Purple. Visionarios como ellos, tocan una serie de piezas junto a la orquesta y presentándose ante un público mitad jovenes/descontrolados, mitad viejos/desconcertados.

Hurricane 2000 - Scorpions

La versión milenium de este clásico del grupo llega orquestada, arreglada y tremendamente épica. Las guitarras de Rudi Schenker y Matthias Jabs suenan mejor que nunca en medio de los violines, clarinetes y percusiones.
Este arreglo de "Rock You Like A Hurricane" fue hecha para el disco "Moment of Glory" junto con la Filarmónica de Berlín en el año del Y2K.

Nota: Llega a dar risa ver a la gente toda fome sentada ahi. Eso obviamente no pasará eso cuando vengan en septiembre...jejeje

Kashmir - Page & Plant

En el año '94, "Kashmir" suena como siempre debería haber sonado: Orquestada. Solo la falta de John Paul Jones y de Bonzo, obviamente, evitan que sea una de las mejores versiones de este inmortal clásico. Notese el guiño a "Black Dog" en el final...

Fuel - Metallica (S&M)

No es una banda que realmente me guste pero... ¡¡¡Esta versión de "Fuel" es tremenda!!! Como hecha para tocarla orquestada, especialmente si es con la San Francisco Symphony. Parece tiempo de subirle el volumen al PC...

Detroit Rock City - Kiss

Sin duda, es un momento ya guardado en la memoria colectiva rockera: Kiss, mucha pirotecnia y toda una orquesta tocando. Sin agregar que todos estan pintados igual que ellos... un verdadero clasicaso.

G-Spot Tornado - Zappa & The Ensemble Modern

Una muestra más de las genialidades de Frank Zappa. ¿Lo necesario? Una batuta, un grupo de músicos dispuestos, un par de bailarines interpretativos y, por supuesto, un titulo como TORNADO AL PUNTO G. Una presentación memorable antes de su partida...

Exclusivo: Entrevista a Crisalida

noreply@blogger.com (JM Alvarez) — Wed, 17 Feb 2010 22:53:00 +0000

La fuerza, la delicadeza y la expresión. Todo esto y más es lo que caracteriza la banda chilena Crisalida, que logra unir de singular manera al rock, al metal, al folk y al prog en su sonido. Logramos hablar con Cinthia Santibañez, vocalista de la banda, que nos cuenta un poco sobre lo que fue su pasado disco, Raco, la escena del prog nacional hoy en día y los proximos planes de la agrupación, que incluye el lanzamiento de un nuevo disco este año.

Todo esto y más, en ¡La primera entrevista exclusiva para LaNotaGrave!

LNG: Luego del lanzamiento de su última y genial placa “Raco”, que hicieron hace ya un par de años, realmente no han parado de tocar ni de presentarse en distintos lugares del país ¿Cómo creen que el público ha recibido al Crisalida “Post-Raco”?

C: Muchas gracias por lo de "genial placa"; la verdad es que el RACO fue un disco demasiado importante para nosotros y el público al día de hoy sigue recibiéndonos muy bien. Es extraño que un disco dure tanto tiempo en el sentido de "sacarle el provecho" a la placa pero este disco parece no morir (risas).

LNG: Es que realmente el disco tiene algo muy especial.

C: Gracias, para nosotros lo tiene. Es un disco pleno de energía, de mucha bondad también y por supuesto de una inspiración maravillosa.

LNG: Algo que siempre ha llamado la atención del grupo, aparte del virtuosismo de todos, son el contenido de sus letras, que hablan desde la degradación de la sociedad actual hasta la vuelta a las raíces ¿Como es el proceso de composición lirica en una banda como Crisalida?

C: El proceso se ha ido poniendo más complejo a medida que crecemos como banda. Soy la persona a cargo de las letras porque creo que la función completa y profesional de un vocalista es precisamente componer letras y melodía, en ese aspecto mi trabajo partió de manera más simple en un principio y hoy en día busco fuentes de inspiración (que las hay muchas por cierto); hay mucho trabajo en las líneas melódicas pero también en cada palabra del texto. No nos interesa hablar de amor o temas simples que abundan en la música.

LNG: Eso está claro...

C: Para nosotros es vital unir el sentido musical con una letra con igual sentido.

LNG: ¿Qué opinan de la escena del prog nacional actualmente?

C: Está tremendamente activa, hay muchas bandas nuevas y mucho talento. Y por supuesto están muchas bandas consagradas que han marcado un hito en el país. Chile es un país rockero sin duda, por algo se llenan los conciertos de Maiden o Metallica, pero algo extraño sucede con los coterráneos como que les da miedo o vergüenza aceptar que existen bandas en este país realmente buenas y a veces se nota la ausencia de públicos masivos en los conciertos, pero hay esperanzas creo yo.

LNG: Eso es como clásico de la actitud por estos lados, siempre mirando más lo de afuera, ¿no?

C: Lamentablemente sí. Suele suceder que se acerca gente después de los recitales a felicitarte y decirte que les encanto tu música y que se yo, porque la gente no está dispuesta a escuchar algo nuevo, pero si se dan la oportunidad se pueden encontrar con gratas sorpresas, falta más cariño y respeto por los nuestros.

LNG: ¿Alguna vez han pensado en forma seria internacionalizar su carrera?

C: Estamos trabajando lentamente en eso; no podemos enloquecer con la idea por varias razones: familia, trabajos, dinero, etc. Sin embargo tenemos una confianza tremenda en que nuestro trabajo de a poco comenzara a dar frutos reales y sin duda internacionales. Hay que estar preparados para enfrentar algo así, con mucha experiencia en la espalda para llegar a un nivel de real competencia en el extranjero. Como dije al principio estamos trabajando día a día en eso y esperaremos tranquilamente los frutos que tal vez lleguen con nuestro próximo álbum.

LNG: Hablando de eso ¿Cómo se ve viene Crisalida en esta nueva década?

C: Con mucho sabor a Chile, con mucha Pacha Mama. Tenemos varios temas listos y estamos trabajando en 4 o 5 más, será un disco doble y conceptual, muy ambicioso pero lleno de cariño.

LNG: ¿Alguna fecha para el disco?

C: Posiblemente abril o mayo.

LNG: ¿Algún aviso para los lectores de LaNotaGrave? ¿Próximos conciertos?

C: Hay varias fechas asignadas, algunas por confirmar muy importantes, puedo adelantar que participaremos del concierto de Quilapayun Francia (en su gira de los 45 años), que será el próximo 20 de marzo en el Teatro Caupolicán y un par de fechas en Santiago y Valparaíso. Luego nos encerraremos en el estudio.

LNG: Bueno mucha suerte y gracias por acceder a esta entrevista...

C: Gracias a ustedes por valorar nuestro trabajo.

Para tener más información sobre Crisalida, ingresen a su página oficial.

Black Sabbath: El álbum que lo comenzó todo.

noreply@blogger.com (Metal God) — Mon, 15 Feb 2010 01:14:00 +0000

Hace 40 años, un día 13 de Febrero, surgía de las profundidades del inframundo un estruendo que sería la semilla de ese sonido tan oscuro y provocativo llamado Heavy Metal. Aún frente al peligro inminente de los críticos músicales y la posible baja popularidad del álbum, Black Sabbath sigió reclamando almas en nombre del rock n roll y logró definir este estilo que hace tanto trataba de surgir del underground y hacerse respetar por todos los rockeros. Y que mejor que con un álbum tan potente y tan innovador como "Black Sabbath" para comenzar esta revolución. Pero, antes de entrar en detalle en lo que significó esta obra maestra, primero hay que definir lo que "es" la banda:

Primeros años.
A mediados de los 6o's se crea un sexteto de blues llamado Polka Tulk, luego transformado, eliminando a dos de su integrantes, en Earth, el cual estaba formado por unos jovenes John "Ozzy" Osbourne (voz), Anthony "Tony" Iommi (guitarra), Terrence "Geezer" Butler (bajo) y William "Bill" Ward (baterista). La banda comenzó tocando en distintos clubs de blues de Birmingham, Inglaterra, y ya para el 68, en Alemania, llamando la atención de la gente por su ruidoso y pesado estilo. Al año siguiente, deciden cambiarse el nombre a Black Sabbath, inspirado por una película de Boris Karloff. En paralelo, Butler y Iommi empiezan a leer novelas sobre magia negra, tema que influirá enormemente en la mayoría de las letras de los Sabs. Luego de diferentes cambios estéticos y musicales, la banda comienza a tocar una primitiva versión de la canción "Black Sabbath", dando como resultado una gran sensación de terror en el público, y por ende, aumentando la popularidad del grupo. Tras el éxito ganado en los "mini tours" realizados, llega su primer contrato discográfico.

Despúes del fracaso del primer single de la banda,"Evil Woman" (un cover de la banda Crow), el manager de la banda Jim Simpson se lleva al grupo a Regent Sound a grabar su primer álbum "Black Sabbath". Interesantemente, este estudio era donde Los Beatles grabaron la canción "Fixing A Hole" y Los Rolling Stones realizaron sus primeros álbumes, por lo que la influencia del lugar significó mucho para el conjunto.

Black Sabbath.
Con 600 libras, una baja calidad de producción y solo un día de grabación se logró grabar esta verdadera pieza de arte. En 6 potentes canciones queda demostrada la genialidad de estos músicos, la cual a logrado perdurar através de los años, influenciando a toda banda de Metal, Rock, Prog , y porque no decírlo, de Pop (ver este enlace) .

El álbum comienza con la majestuosa, y en mi opinión, la primera canción Doom de la historia, "Black Sabbath", contenedora de letras terroríficas para la época, riffs oscuros y tenebrosos, y una energía fresca y nueva. Además, tras la idea del productor, se le incluyen campanas y tormentas eléctricas, creando una perfecta sensación de estar viendo una película de terror. Siguiendo en una línea más blusera, se encuentra "The Wizard", canción inspirada en el personaje del Señor de los Anillos, Gandalf, el mago. De aquí se destaca la gran habilidad para tocar la armónica de Ozzy y los cambiantes "tempos" de la canción, transformandose en un sello indiscutido de la banda. A continuación esta el conjunto de "Wasp/Behind The Wall of Sleep/Bassically/N.I.B", una demostración musical bien elaborada, especialmente por Geezer en su solo de bajo y por las líricas que tratan sobre el amor que puede entregar Satán . Referente al significado de N.I.B, la banda dice: "un día Bill llegó con una barba en forma de punta de pluma ("nib" en inglés), por lo que desde ahí lo llamamos así y es lo que dió nombre al título". Luego se encuentra "Wicked World", con un connotado sonido Jazz, muy influyente en el bajista y guitarrista de la banda. Finalizando con este alucinante recorrido, se esconde ese tan desvalido temazo llamado "A bit of Finger/Sleeping Village/Warning", que solo escuhando sus letras me recuerda a "La Aldea", esa película del pueblito que lucha para protegerse de los demonios. Bueno, Iommi es el rey de la guitarra en esta canción (~~toma Page~~), experimentando al máximo con su Gibson SG. Una anécdota de esta canción es la extraña voz de Ozzy, desgastada por los conciertos.

Recepción e Influencia.
Sin importar los medios con que se hizo este albúm o la mala calificación que les dio la crítica ~~especializada~~, el proyecto, lanzado el 13 de Febrero de !970 en Inglaterra, logró alcanzar el puesto número 8 en los charts británicos y vendió más de 40.000 copias en solo dos semanas. Además, la tenebrosa portada, que muestra a una mujer de negro frente a una casa aparentemente embrujada, se transformó en todo un clásico.

Si los Beatles lograron influir enormemente en el mundo del rock, Black Sabbath es su equivalente en el mundo del Metal. En definitiva, "Black Sabbath" es el álbum que abrió las puertas a muchos estilos que se desarrollarían en el futuro; el Thrash, Stoner, Doom, Heavy, Prog, Sludge,Groove, etc reciben directamente la influencia de este Cd, y si no es de este, de los que seguirían más adelante.

Para terminar este homenajillo, les dejo la canción que me introdujo a Black Sabbath y la que me llevó a tocar mi guitarra.

Nuevo Comienzo

noreply@blogger.com (JM Alvarez) — Thu, 11 Feb 2010 12:59:00 +0000

Alguna vez alguien dijo (o lo escuche en Avatar??) que una persona nace 2 veces. Esta vez, la regla sirve para la nueva fase de este blog: Renacemos. Pasamos de un simple blog creado por mí, como una especie de bitácora personal para escribir de rock, metal, prog y demases, a un sitio con altura de miras, siempre en conjunto con mi camarada Metal_God, con el que pondremos mayor cantidad de material y secciones como nunca antes se había hecho en LaNotaGrave.

Como había escrito en la entrada anterior, ya ha pasado un año de la inauguración oficial de este blog. Ha cambiado mucho... y no solo en el diseño, sino que también en la formas de escribir, en lo que escribimos (siempre con una volada distinta) y ahora especialmente en lo que nos mueve, que son ustedes, que son pocos pero locos...

Junto con los nuevos cambios del sitio, ahora le agregamos el infaltable y ya clásico twitter, para escribir las cosas que no alcanzan por acá. Puedes seguirnos perfectamente en la frase escrita en rojo que es esta.

Sin nada más que agregar, además de las bendiciones de San Dylan y todos los dioses y semidioses del rock que existen en el cosmos, nos vemos en nuevamente en LaNotaGrave.

"To bring the pieces back together,
Rediscover communication"

Los Subditos del Rey Carmesí - Parte 2

noreply@blogger.com (JM Alvarez) — Wed, 27 Jan 2010 21:53:00 +0000

Llegamos a la segunda (o tercera?) parte y final de la serie de artículos sobre King Crimson, aunque no creo que sean los últimos que haremos (lo siento headbangers...). Aunque, primero que todo hay que destacar ciertos eventos que han pasado en esta ultima semana y que le incumben a este noble sitio. Primero, celebrar el ¡¡Primer año de LaNotaGrave!! Primeramente teníamos pensado un megaconcierto de Pink Floyd, con Richard Wright resucitado incluido y a los mismos Crimson en su formación original junto con los 4 grandes del metal (dícese Slayer, Metallica, Megadeth y Anthrax)... Pero lo dejamos pues sabemos que este sitio aún tiene para rato. Queda para el décimo aniversario para cuando seamos .com.

Siguiendo con las buenas nuevas, pronto llegara un maldito Metal_God con el último show de Metallica en Chile, así que atentos, solo estamos esperando que se recupere de esa noche del carajo! Pero ahora a lo nuestro...

Como ya veiamos en la vez anterior, King Crimson es la indiscutible piedra angular en lo que respecta la música contemporánea y en especial al progresivo, con una trascendencia mucho más alla de la banda en sí. Y los principales encargados de llevar el estandarte real son sus integrantes, o mejor dicho, ex-integrantes que han sido parte de esta estirpe tan seminal. Los primeros vistos fueron Ian McDonald y Greg Lake, ahora es el turno de Boz Burrell, Bill Bruford y John Wetton.

Boz Burrell

Su estadía fue bastante corta dentro del grupo, pero lo suficiente para dejar su grano de arena, fue parte la ultima etapa del sonido realmente clásico de la banda. Estaba a cargo de la voz y del bajo (que el mismo Fripp le enseño a tocar), por lo que siempre fue eclipsado por la figura del ya legendario Greg Lake.

Alcanzó a aparecer en un solo disco (como era la costumbre en la dictadura Fripp), el llamado "Islands" de 1971, y a participar en la gira "Earthbound". Luego de su salida, se fue junto con Mel Collins e Ian Wallace a un grupo llamado Snape, que no tuvo exito. Pero el gran exito llego con la mitica banda que formo con Paul Rodgers, Simon Kirke (ambos venidos de Free) y Mick Ralph (ex-Mott the Hopple): Bad Company.

Con un sonido potente y blusero, Bad Company fue una de las superbandas con más exito masivo en los 70's/80's. Aunque la presencia de Boz era más musical que vocal, logro escribir una de las mejores canciones del grupo llamada "Gone, Gone, Gone". Burrel dejó el grupo en 1982, aunque volvio en 1986 y el año 1998 para una reunion. Desgraciadamente múrio en 2006 a los 60 años.

Un temazo de la era Burrel...

John Wetton y Bill Bruford

Ambos formaron parte de unas de las mejores alineaciones del grupo desde sus inicios. Llegaron para grabar el Lark's Tongues In Aspic, de 1973, siendo Wetton bajista/vocalista (quiza un fetiche de Fripp, no lo sé) y Bruford baterista/percusionista. Tienen el record de permancer en la misma alineación por 3 discos seguidos (En serio... es todo un logro): El ya mencionado "Lark Tongues...", el "Starless and Bible Black" y el clásico de todos los tiempos "Red". Su presencia en este nuevo King Crimson le otorgo un sonido muy duro, con mucho metal entremedio, viendose especialmente en el último disco hecho.

La salida de Wetton fue inmediata luego de lanzar el album "Red", para luego lanzar una de las carreras mas grandiosas de la historia del prog, empezando por participar con Brian Ferry y Roxy Music, pasando por Uriah Heep, Wishbone Ash y fundando grandes bandas como UK y Asia.

En UK paso algo muy especial, pues se volvia a juntar con su compañero crimsoniano Bill Bruford, con el que hizo el brillante primer disco homonimo de la banda en 1978, demostrando que aún seguía su fiato intacto. Y con Asia, congregó a grandes exponentes del prog como lo son Carl Palmer, Steve Howe y Geoff Downes.

Bruford, en cambio, siguio más tiempo en King Crimson, saliendo definitivamente en 1999. En los momentos en que no estaba en Crimson, tocaba en vivo con Genesis, trabajaba en su carrera en solitario, participaba en UK y se reunia con su real banda madre, Yes.

Luego del final de la era "Red", el futuro de la banda se veia muy borroso y, personalmente, es cuando el verdadero King Crimson muere y lo sustituye uno muy distinto, alias "Discipline", sin el alma de antaño ni el sonido propio. Pero hay algo que nunca podrá morir: Su legado, repartido entre tantas bandas distintas que tanto han aprendido de ella, de su genialidad musical, enalteciendo de tal manera a la figura de King Crimson, que se convierte en si mismo, EL REY CARMESÍ, omnipotente sobre el gran universo de la música. AMÉN

Para concluir un clasico de todos los tiempos...

Los Subditos del Rey Carmesí - Parte 1

noreply@blogger.com (JM Alvarez) — Tue, 12 Jan 2010 01:43:00 +0000

Como se bien explica y demuestra lo último escrito por mi compañero de armas Metal_god, King Crimson es una de las bandas pilares de la música contemporánea, incursionando por una diversa cantidad de corrientes y estilos siempre de manera creativa. Pero esta vez no quiero resaltar al líder de esta banda, Robert Fripp, como bien se hizo en la última entrada publicada, ya que la grandeza de este grupo no fue sólo por el esfuerzo de una persona, sino que también por los grandes miembros que formaron parte de la agrupacíon en su edad más esencial.

Aunque la asociaciones de King Crimson como tal duran escaso tiempo (y dejando a Fripp siempre como común denominador), los integrantes que dejaban el grupo nunca quedaron con las manos vacías; obtuvieron una experiencia tal que, luego vistos en sus respectivos trabajos posteriores, es imposible no catalogar a su banda madre como piedra angular de la música actual. Los principales responsables de plasmar este legado fueron Ian McDonald, Greg Lake, John Wetton, Bill Bruford y Boz Burrell. Como hablar de todos seria muy largo, por lo tanto ahora solo hablaré de los dos primeros...

Ian McDonald

Es uno de los padres fundadores de la orden crimsoniana, formando parte del genial disco debut del grupo "In The Court Of The Crimson King" en su labor como flautista, saxofonista y compositor, dejando a la clásica "I Talk To The Wind" como maximo legado. Pero fuertes tensiones entre los miembros, terminaron por marginarlo de la banda, junto con Michael Giles, para formar entre ellos mismos el grupo (con tan original nombre... ¬¬) McDonald and Giles.

Luego de haber hecho un solo disco con Giles, Ian tenia mejores proyectos que atender, como lo es el conocidísimo grupo Foreigner, quien con su Adult Oriented Rock logro un exito masivo en la industria, vendiendo durante su carrera la importante cantidad de 50 millones de discos.

Su labor como multinstrumentista influyó mucho en el sonido de la banda, el cual era bastante rockero, pero siempre sobrio y elegante. McDonald edito 3 discos con la banda, la cual dejo el año 1980, aunque dejándole por siempre una eterna marca de sangre azul en su música.

Greg Lake

Es sin duda una de las razones de la grandeza de King Crimson en sus inicios; su voz y bajo amenizaba la voragine de sonidos proveniente de la banda, aunque también podía ser parte del frenesí. Ejemplo claro es el himno total de Crimson "21st Century Schizoid Man", quien con megáfono en mano canta a todo púlmon y remata con fenomenales arreglos de bajo.

Pero todo decae luego de grabar el segundo disco de la banda "In the Wake Of Poseidon", ya que renuncia al ver la inminente confusión dentro de la banda y para unirse a lo que será uno de los mejores supergrupos en la historia (Otro grupo de "muy original" nombre ¬¬), Emerson, Lake & Palmer, quien con su mezcla de hard rock, jazz, clásica y el infaltable prog, llegan al Olimpo de la música como la conocemos. Luego de sus exitosos discos y exitos entre los 70's y 80's, cada uno de los integrantes se va por su lado, en sus respectivos trabajos y proyectos, reviviendo de cuando en cuando la música de ELP.

Su gran trayectoria como músico y cantante, lo han apodado "La Voz" (al igual que Sinatra...), pues su registro inmortal prevalece por siempre para los amantes y seguidores del progresivo en su gloria y majestad.

Para despedirme les dejo una obra sublime con estas 2 figuras presentes...

Con ustedes, Robert Fripp.

noreply@blogger.com (Metal God) — Fri, 08 Jan 2010 02:12:00 +0000

Desde tiempos inmemorables, el hombre ha dedicado su vida a encontrar la perfección, sin lograr muchos avances, pero existe un mortal que ya la alcanzó. Me refiero al grandioso y casi alienigena Robert Fripp. Nacido en Inglaterra en 1946, es conocido por ser el fundador del grupo de rock progresivo ~~enfermo~~ King Crimson y uno de los guitarristas más innovadores de la historia.

El Da Vinci del rock:
Frippertronics, Guitar Craft, guitarrista, King Crimson, Robert Fripp, Soundscape, virtuoso
Al igual que los grandes artistas del renacimiento, Fripp posee un carácter muy especial: frio, serio, perfeccionista e introvertido en el escenario. Pero, apesar de todo esto, posee una genialidad incomparable. Con su música logra crear verdaderas piezas de arte surrealista, sin contar que es uno de los principales gestores de las ideas para crear las majestuosas portadas de los albumes del rey carmesí. Además de su gran capacidad artística, y hiendo de la mano con el tema de Da Vinci, es un espectacular inventor. Através de su experimentación con la guitarra logró crear una nueva afinación, llamada New Standard Tuning (NST) que consiste en afinar en CGDAEG (Do – Sol – Re – La – Mi – Sol). Sin embargo, sus mayores innovaciones vienen de su trabajo como productor:

Frippertronics:
Esta singular técnica fue creada a partir de la unión de dos magnetófones, en donde la cinta del primero pasaba al segundo, quedando guardada en este último. El primer magnetófono estaba puesto en modo de grabación y el segundo en reproducción. Através de un cable de audio, el sonido reproducido en el segundo era retroalimentado al primero (grabación). Después, se conectaba una guitarra al primer megatófono, en donde era grabada, y luego la cinta pasaba al siguiente, siendo reproducida con un retraso de 5 segundos. Posteriormente, se volvía a insertar la cinta en el primero y se volvía a grabar otra guitarra, siendo este proceso repetido muchas veces. Al final, se lograba crear un sonido con delay (retraso), que contenía varias guitarras retroalimentandose entre sí. He aquí un ejemplo.

ROBERT FRIPP - Frippertronics Demo (1979)

Soundscape:
Aunque no es atribuido a su innvención, Fripp ha sido uno de los músicos más vanguardistas en este tipo de arreglo musical, que de hecho es una "evolución" de los frippertronics. Este singular sonido, con la guitarra, se logra "sintetizando" la guitarra, através de varias máquinas e instrumentos. Aquí una demostración de la sutileza de este guitarrista.

Su legado cultural y musical:

Con solo decir que es el fundador de King Crimson ~~(la única banda que supera a Pink Floyd)~~, basta para demostrar la grandeza de Robert Fripp. La creación del rock progresivo siempre se le atribuye a esta banda, que ha mezclado el hard rock, la música clásica, el heavy metal, el jazz, la música experimental y el avant-garde en sus composiciones. También es importante destacar que a colaborado con músicos de la talla de David Bowie, Steven Wilson, Peter Gabriel, Andy Summers, entre otros. Otro factor importante dentro de su legado es que, "sin querer queriendo" es uno de los padres de la música electrónica, cosa que se puede ver es sus trabajos como solistas y las técnicas de grabación y sonido que creó.

Siempre fue adelantado a su época. Muchas de sus canciones con King Crimson tienen algo de futurista, siendo estas del 60' y 70', ademas, y volviendo a recordar, que dentro del estudio era y es un genio. Esta maestria a logrado a llegar a muchos guitarristas del rock, especialmente a los más experimentales. De hecho, es tanto su conocimiento que en 1985 creó la Guitar Craft, una escuela que enseña desde la postura para tocar guitarra, pasando por la moderna afinación NST, hasta Tai Chi y filosofía de la vida y la guitarra. Citando al dios Fripp, respecto a sus enseñanzas: "guitar craft son tres cosas: una forma de desarrollar una relación con la guitarra, una forma de desarrollar una relación con la música y una forma de desarrollar una relación con uno mismo" . De esta escuela, que recorre el mundo (de hecho Fripp vino dar clases a Chile), han salido prestigiosos grupos y músicos, entre ellos Trey Gunn y California Guitar Trio.

Bueno, aunque faltaron muchas, pero muchas cosas que decir de este grandioso guitarrista, termino este post tratando de dejar en claro todo lo que nos ha dejado este virtuoso y perfecto guitarrista.

El Músico: Then and Now

noreply@blogger.com (JM Alvarez) — Sat, 02 Jan 2010 03:05:00 +0000

Junto con el abrazo y los saludos correspondientes a las fechas recién pasadas, quiero compartir con ustedes este espacio que no usaba hace buen rato acerca de un tema bastante crucial en el futuro de este universo musical. Estoy hablando de la evolución que ha sufrido el "tocar y hacer música" durante el tiempo de vida de este ente llamado Rock. Quiero simplemente denotar los ciertos cambios y significados tenía y tiene el ser llamado músico, desde la formación, hasta los objetivos que quiere cumplir siendo este.

Sinceramente, me es imposible evitar mi postura acerca de este tema, ya que también mi cierta experiencia como ejecutor de un instrumento en estos tiempos de guitarras plásticas con botones de colores me ha dado una visión bastante franca y difícil de negar del como se forman los nuevos artistas.

Para empezar, no digamos que los objetivos han cambiado demasiado. Robert Johnson quería lo mismo que Cobain: Convertirse en un ídolo música y ser adorado por sus seguidores. Lo que ha cambiado principalmente es el como te conviertes en uno.

La cosa ha cambiado, como afirmó alguna vez Paul McCartney: "En nuestros inicios (con The Beatles, obvio) había que recorrer toda la ciudad para conocer al amigo de un amigo que sabe hacer un Si7". Ahora hay miles de opciones mucho más accesibles, especialmente a la hora de hablar de Internet: Ultimate Guitar, Youtube y el famoso GuitarPro te guían en el camino de aprender nuevas técnicas y notas. Estos sitios influyen en la forma de tocar de un músico y, personalmente, opino que han hecho un cierto mal a los actuales y futuros artistas quienes, apoyados en este tipo de herramientas, tocan con mucha precisión, pero suena empaquetado, frío. Quizá es un factor del por qué fue tan poco fructífera en el ámbito creativo de la década recién terminada.

Tampoco se deja de lado otro factor influyente y presente en la actualidad: Rock Bands y Guitar Heroes. Algo muy preciso es lo dicho por el baterista de Pink Floyd, Nick Mason, quien al ser preguntado por su posición, dice "me irrita haber visto a mis hijos jugando a estos juegos. Si hubiesen dedicado tanto tiempo a practicar con una guitarra en lugar de aprender a pulsar botones, ahora serían buenísimos músicos"; nada más que agregar.

En definitiva, estamos llegando (como todo en esta sociedad) a una especie de sedentarismo musical: Nadie quiere esforzarse por hacer algo nuevo en la música. No quiero sonar como el clásico abuelo que dice "todo tiempo pasado fue mejor", francamente me da miedo decirlo pues significarían tiempos de decadencia, de decaimiento. Pero es un nuevo año y fin de una década, para más encima, todos saben que esto significa un recambio en la materia que nos compete.

Mi gentil consejo: Inventemos sonidos, Volvamos al sentimiento y disfrutemos de la nueva música que viene...

LONG LIVE ROCK N' ROLL!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!!

Women, Leather and Hell

noreply@blogger.com (Metal God) — Tue, 08 Dec 2009 23:35:00 +0000

Sí, todos sabemos que desde tiempos inmemorables el hombre a sido el profeta, por excelencia, de la música del Diablo, el Rock. Pero, como dice el dicho "detrás de un gran hombre hay una gran mujer". Entonces, por lo entendido, el varón no ha sido el único difundidor de esta música, sino la dama también a hecho sus aportes:

Girls, Girls, Girls:

La mujer ha sido una pieza fundamental al momento de componer una letra. El amor, la alegría y hasta el odio se obverserba en las letras dedicadas o relacionadas a ellas. Muchas de estas canciones (principalmente mamonas) han logrado ser hits en las listas de los más escuchados, rompiendo la barrera del rock entre hombres y mujeres. Además han definido estilos del rock, como el glam o el new wave, creandoles una imagen visual y lírica de ellos. Sin embargo, todo no es rosado en este mundo, también se puede transformar en rojo. Existen grupos que usan al caracter femenino como figura sexual (Mötley Crüe o WASP). Esto se puede ver en portadas de Cds, letras, videos, su propia vida personal, etc. Esencialmente existe una denigración en la mujer que potencia la imagen de "macho fuerte" del rockero. De hecho hubo un movimiento en los 80s, creada por la esposa de ALL Gore, que luchaba contra estos "problemas que afectan a todos", pero no resultó y ganamos los metalheads (JAJAJA). Bueno, volviendo a nuestro tema, estos estereotipos potenciaron al rock a sobrevivir varias décadas hasta hoy. (cosa que ha los hombres nos debe preocupar...................o no? XD).

The Mothers of Invention:

Las feminas se han presentado en todos, pero todos los estilos del rock, incluso en la música en general. De hecho su influencia a sido tan grande que han llegado a crear nuevas formas de hacer rock y cimentado las bases de nuevas bandas que se identifican con su legado. Las leyendas más importantes de esta primera revolución rockera son:

Janis Joplin:
La recordada "Bruja Cósmica" fue una de las principales imágenes en la revolución femenina de los 60s. Fue una de las primeras en enfrentar la rígida estructura del rock dominada por los hombres, de hecho se decía que llegaba a infundir miedo a ellos por su actitud agresiva. Su rock y blues llegó a demostrar que la mujer también puede jugar a cosas de hombre, incluso mejor.

Patti Simith:
Poetísa y rockera, que mejor. Su figura andrógena se hizo presente en la creación del punk rock. La actidud rebelde y desinteresada que la define le ganó el nombre de "la madrina del punk". Su influencia ha llegado a grandes grupos, como U2 y R.E.M. Pero, su legado se ha hecho presente enormemente en las mujeres artistas, desde Shirley Manson (Garbage) haste la cantautora KT Tunstall. También ha aportado a la causa ecologista, compartiendo escenario con grandes de la música como Bruce Springteen o Bono.

The Runaways:
Principalmente, mi grupo femenino favorito que se movia entre el punk y el rock n roll. Formado por las conocidas Joan Jett (la misma de "i love rock n roll"), Sandy West, Cherie Currie, Jackie Fox y la sexi Lita Ford, fomentaron una larga carretera de grupos femeninos, hasta la actualidad. Según muchos contemporaneos de la época, representaban la decadencia de la juventud, debido a que sus cortos 16 años de promedio se les conocía por sus excesos del alcohol y las drogas, pero para otros es conciderada la banda femenina de rock más importante de la historia. Ellas dejaron completamente demostrado que las mujeres pueden tener las mismas o más "bolas" que los hombres, tomando la misma actitud rockera que ellos.

The Beauty and The Beast:

Ya hablando sobre el estilo que me define, el metal, podemos encontrar famosisimas bandas que son lideradas por mujeres. En el caso del gothic metal, existen bandas muy conocidas, como Nightwish, Within Temptation y Lacuna Coil que han logrado conquistar el mercado estadounidense, simplemente por su nueva forma de crear música e integrar a la mujer a los estilos más oscuros del metal. Esto se ha potenciado por la cuota de belleza que ponen estas cantantes, llamando la atención del mundo masculino. Aquí se encuentra el caso de la vocalista de Epica, Simone Simons (mi amor platónico) que uno no sabe si va a ver la banda por su música o simplemente por ella, aunque yo los encuentre muy buenos músicos (...eso sí espero verla en marzo en Chile y sacarme fotos con ella...xD por 2). Pero no todo es imagen, las hermosas voces que ponen estas artistas logran crear un gran equilibrio con las voces guturales que "vomitan" los hombres en las canciones de este estilo. Siguiendo con otros estilos del metal, el caso que más se destaca es la cantante de Arch Enemy, Angela Gossow, que llegó ser parte de los dioses del metal más extremo, el Death metal. Lo mas raro es ver a una mujer con voces guturales, sabiendo que es mujer.

En Conclusión, la mujer se ha ganado merecidamente un puesto en el olimpo del Rock n Roll.

...solo para enamorarse de la voz femenina...

La Dulce Esquizofrenia Melómana

noreply@blogger.com (JM Alvarez) — Tue, 08 Dec 2009 01:00:00 +0000

((Este es un paréntesis que quiero inmortalizar en este lugar, una especie de confesión ya sabida entre mis pares pero siento que se debe decir de todas maneras...No quiero sonar como si fuera el unico que sufre/vive esto, aunque a veces suele sentirse de esa forma. También seria muy triste para el mundo de la musica que yo sea el unico, pero estoy seguro de que no es asi.

Así es, nada nuevo ni novedoso: Mi amor por la música es descomunal, sin fronteras ni frenos. Aunque a veces suele asemejarse demasiado a una adicción, casi narcótica, que no me deja pensar en otras cosas importantes de mi vida, y que, a veces logran hartar mi cabeza. Es por eso que suelo buscar distintos modos para lograr vivir de forma normal(?) mi vida, adecuándola y equilibrándola con mi manía, para que esta no se desate de manera descontrolada (cosa que han pasado antes).

Mi solución es simple: De ninguna manera esconder ni suprimir mi problema (segundo "?", pongo esa palabra porque no conozco otra mas apta para describir mi condición), sino amenizar todas las facetas de mi vida con esa "radio" que tengo de cráneo, convivir con ella y dejar que se alimente con mis experiencias, emociones, pensamientos y proyectos que tengo a futuro. Por eso encontré un objetivo que espero poder realizar: Ser un periodista de la industria de la música. No es por plata o porque alguna vez tendré la oportunidad de conocer a Dio o Bob Dylan, por decir nombres. Simplemente quiero combinar la facilidad que creo que tengo con el comunicar y el escribir cierta información, con este dulce afán como lo es la música en si.

Hoy para mi, el ser un real adicto a la música, es parte de mi esencia, de mi yo. Ya no puedo hacer más con eso, aunque ya no me preocupo. Ahora lo tomo como un impulso a seguir mis proyectos, como lo es este sitio: no será lo último en información ni las primicias, pero es una forma de entregar opiniones que nos hacen pensar y actuar desde esa pequeña caja de música que tenemos cada uno en la cabeza.

Estoy seguro que no soy el unico...))

Música en Vivo= $$$$$$$ x 1000000

noreply@blogger.com (Metal God) — Sun, 22 Nov 2009 20:16:00 +0000

Hace unos 4 días me enteré que el gran monstruo del Metal, !!!METALLICA¡¡¡ había confirmado su venida a nuestra querida patria Chile. Esto después del fallido concierto que tocarían el 2003. Bueno, yo estaba super feliz por la confirmación..........hasta que llegó el maldito día domingo. Se publicaron el precio de las entradas, y todo se me vino abajo. 30 lukas la porquería más barata y sabiendo que quedaría a la mierd@ del mundo. Esta lamentable noticia nos afectó a todos los metaleros que esperamos con expectación la venida de los cuatro jinetes del apocalipsis. A raíz de este fatal hecho, se me vino a la mente muchos otros conciertos que no pude asistir por el carísimo precio de las entradas (Faith No More, Coldplay cuando me gustaba).

Todo esto deja en claro que la piratería ha afectado a todos los aspectos de la música; desde la venta de Cds hasta los conciertos. Muchos de los músicos se ven obligados a hacer largas giras para poder recuperar y ganar dinero perdido por el problema con el mercado. En consecuencia, suben el precio de las entradas.

Pero no es toda la culpa de ellos, también existen las "endemoniadas" productoras. De ellas es la mayor culpa, ya que siempre planean llenarse los bolsillos vendiendo descaradamente las entradas. Además de que no entregan el mejor servicio y siempre crean una enorme brecha entre el precio de los tickets (la mas barata de metallica cuesta 30 lukas y la que sigue cuesta 60).

Otro factor que influye en el enojo que existe entre los melómanos es el "si vale la pena ir a verlos". ¿Por que esto?, simplemente porque todo el que paga por ir a un concierto espera que sea increíble y perfecto. Aquí se ven cosas como si los artistas tienen el estado para seguir haciendo tours y que no caigan en el camino, sus últimos trabajos musicales, su trascendencia en el mundo musical, etc. Asociándolo con el tema del dinero, encuentro una gran estafa el precio de las entradas de Faith No More, en este ámbito, ya que no puedes poner 40 lukas a una entrada para un grupo que hace 10 años no lanza un disco o sabiendo que los de Metallica son millonarios y poner una entrada poco accesible.

En Conclusión, pienso que el gusto por tocar y alegrar a la fanaticada se ha ido mezclando con el gusto de ganar dinero y ser indiferente con la calidad que se entrega en escena. La Música se ha transformado en Dinero.

.....y como siempre he dicho, "a juntar platita noma".

El Rock a las Tablas

noreply@blogger.com (JM Alvarez) — Sun, 22 Nov 2009 02:18:00 +0000

El Rock llegó a Broadway, y de una manera como nunca se habia visto. Llegó de forma explosiva, con esos raros aires de "concretidad", y de la mano de dos grandes superproducciones musicales como los son American Idiot de Green Day y el magnánimo The Wall de Pink Floyd, ambos con una expectación no vista desde los lanzamientos noventeros de "Tommy" y "Quadrophenia" de The Who. A continuación les muestro que mueve a una banda para convertir una de sus obras musicales en increibles montajes.

Solo en Broadway

Es el escenario de Manhattan: Más de 39 teatros y una infinidad de compañías trabajando para fantásticas adaptaciones a musicales de películas, obras teatrales, novelas, historias, etc. Todo esto a lo largo de solo una calle de la famosa ciudad.

Tras esto, puede que suene absolutamente normal y viable montar uno de estos musicales basados en legendarias operas-rock, pero no es tan fácil como se cree, pues los músicos,

creadores y responsables de sus obras, son muy quisquillosos con estas adaptaciones "broadwaydianas", siendo muy complicado que un montaje de estas características salga a luz oficialmente, es decir, con los permiso correspondientes de la banda.

El Idiota En Escena

Es considerado uno de los mejores discos de la decada e incluso de la historia del rock, con más de 15 millones de copias vendidas desde su lanzamiento el año 2004, American Idiot de Green Day es una critica contra la sociedad estadounidense y al odiado gobierno de Bush de ese entonces; todo englobado en la historia dos personajes (que en realidad son la misma persona) llamados Jesus of Suburbia y St. Jimmy.

Al tener un disco de tan grandes magnitudes, Green Day estaba consciente de que esto no terminaría tan rápidamente: Sabían que esto tiene que convertirse en un musical. El proyecto se comenzó a preparar tiempo después de haber lanzado la placa, junto con el director Michael Mayer. La fecha de estreno fue el 4 de Septiembre de este año.

Una Muralla Dura De Levantar

El álbum, relato de la vida de Pinky, un artista lleno de traumas , fracasos y presiones, con los que, simbólicamente, construye un muro que lo va aislando de la sociedad y acercándolo a una propia autodestrucción.

La intrincada historia de Pink Floyd luego del lanzamiento de este álbum ya es totalmente conocida: Aspiraciones divinas de Waters, Waters pelea con Gilmour, Waters pelea con Wright, etc, etc. Dejando como consecuencia una de las peores relaciones personales entre los miembros del grupo, hablando especialmente de Waters y Gilmour.

Sin duda, mal escenario para siquiera pensar en llevar esta obra a las tablas de Broadway con los permisos adecuados de la banda... Hasta que hubo un chispazo el año 2004, con un contrato para producir el musical, incluyendo arreglos de Waters incluidos; aunque pronto se fue abajo a causa de los problemas de las canciones hechas por Gilmour en el disco ( Run Like Hell y la indispensable Comfortably Numb, entre otras).

Pero llego el año 2009, ya pasada la reunion para el Live 8 y recordando el aniversario número 30 de "The Wall", Pink Floyd por fin logra un acuerdo, confirmando el esperado proyecto, que seria estrenado a mediados del 2010.