La Web No Basta - F-Review

Frozen II: Más allá

2020-01-01T23:28:00.001-05:00

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Bien, luego de seis años el gran éxito de Disney retorna para tratar de exprimir el dinero de los padres de todo el mundo, objetivo muy legítimo para ser claros. Pero, ¿valió la pena alargar la historia en una nueva película? Digamos que como secuela es lo suficientemente correcta, tratando de resolver el gran misterio que dejó la original: ¿de dónde venían los poderes de Elsa? Y lo hace enlazando este origen con el pasado del mismo reino de Arendelle. Hay la consabida dinámica entre esta y su hermana, la princesa Ana, que está de novia con Kristof. Y los alivios cómicos siguen allí, Sven y Olaf, este último en una especie de etapa de búsqueda de autoconocimiento y de ¿madurar? La cosa que en esta nueva aventura hay todo un mambo medio místico, con magia elemental y todo, algo de rivalidad y un amor que la sobrepasa, traición y sí, más amor de heramanas... pero eso no más, cochinos. No puedo creer que haya gente que viera mal que Elsa no se convirtiera en la primera Princesa Disney LGBTQX o como se escriba ahora.

La historia se desarrolla de manera más o menos coherente, aunque con los esperables momentos musicales que pueden o no cortar el ritmo, pero... es Disney, ¿qué esperaban? ¿El remake de Mulán, "aconsejada" por los chinos? Lamentablemente, no hay nada a la altura de Libre Soy esta vez, así que los que se empacharon de esta hace unos años pueden respirar tranquilos. Mala suerte, ratón, sigue intentando. El giro me gustó, la conclusión no tanto.

En cuanto al apartado técnico, este es impecable. Por ejemplo, en las escenas de agua, muy bien hechas. Los colores son más otoñales esta vez, tratando acaso de reflejar la idea de cambio. La música, aunque no llegará a ser lo icónica que fue en la original, sirve. En general, aprobados, y no se esperaba menos.

En conclusión, es una película divertida de ver. Incluso Sven ya no es tan cargante y se agradece. Sin embargo, como que siento que la historia ya no puede dar más de sí, y espero que en unos años la gran D no trate de meternos por el gaznate una tercera parte... aunque los veo muy capaces. Ya entonces veremos.

El Cazador y la Reina de Hielo (2016): Tu amor es mi nevera

2016-05-03T22:39:00.000-05:00

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No voy a negar que lo que me gustó más de esta película es que no participó Kristen Stewart en ella. Claro, el personaje que hizo en Blancanieves y el Cazador es varias veces mencionado y hasta tiene un cameo... de espaldas, porque esta nueva película es una precuela/spin off/secuela de aquella cinta del 2012, pero por lo demás no asoma su inexpresiva careta. En esta, el protagonismo es de Chris Hemsworth (AKA Thor), con reapariciones de algunos otros figurantes de la anterior película, como el príncipe, un enano (recortes de presupuesto, que le dicen) y Charlize Theron de nuevo interpretando a la malvada, derrocada y supuestamente fallecida Ravenna.

Del lado de los nuevos aportes villanescos está la Reina de Hielo, Freya (interpretada por Emily Blunt), hermana menor de Ravenna, quien años atrás sufrió una gran pérdida y una traición que la hizo renegar del amor y establecer su frío reinado en el norte, donde desde una fortaleza que no es la de Elsa de Frozen, hace secuestrar niños para entrenarlos y convertirlos en sus Cazadores, sus tropas de élite, con las cuales conquistar un reino tras otro, más o menos como en Conan. Bueno, en su cabeza piensa que les hace un favor separándolos de sus familias y del engaño del amor. Buen plan si no fuera porque en un arranque de anacrónico inclusivismo secuestra tanto a niños como a niñas, como son el caso de Eric (Chris Hemsworth) y Sara (Jessica Chastain) quienes se vuelven de sus mejores guerreros... y al final se enamoran, lo cual es un crimen. (Si pensaba que poner a chicos y chicas a pelear juntos y que eventualmente no se iban a enrollar, pues es muy ingenua).

Y ese es el quid del asunto, por el cual la historia de esta película se me hizo un poco forzada: como dije Freya ha sufrido una gran decepción que la ha hecho renunciar al amor y combatirlo enterrando al mundo en hielo. Pero el amor, en la forma de Eric y Sara, lucha contra ella y al final... ¿el amor triunfa? No son precisamente un anti-San Valentín, pero la forma como presentan y resuelven el conflicto me supo a algo muy pero que muy cursi. Y eso que no incluimos cómo es el retorno de Ravenna y la relación con su hermana menor. OK, me gusta Charlize Theron, cómo actúa, pero al sacarla como la sacaron, opino que fue un recurso un tanto barato.

Pero no todo son amorosos pichones ni reinas con problemas existenciales, también hay humor... enano humor. ¿Gracioso? Sí, aunque igual al final acaba por contagiarse de la misma tónica romántica del plot principal.

Una de las cosas que caracterizaron a Blancanieves y el Cazador fue su esfuerzo por ser épica, su discurso visual no exento de misticismo oscuro, y un tanto de transfondo conservacionista. En esta, en cambio, ni sus batallas son demasiado masivas, lo más oscuro que se encuentra es una especie de... ¿simios con cuernos? y su transfondo es ñoñamente romántico. Es como si ya no les importara y sólo quisieran jugar con otro cuento clásico, del cual desaprovecharon muchas cosas. Mira, que ni el espejo se salva.

En fin, la verdad que esta película no fue la gran cosa para mí. Quizás si tuviera los estrógenos más altos podría haberme gustado un poquito más. ¡Quién te viera Charlize! Tú no, Chris, sonríe y saluda. sonríe y saluda.

El Libro de la Selva (2016): Mowgli vuelve a casa

2016-04-26T23:21:00.000-05:00

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Mowgli es un pequeño niño que ha sido adoptado por una manada de lobos en la selva, y todo parece ir bien, aunque le cuesta adaptarse bien, pero el gran tigre Shere Khan se entera de que existe y no le agrada nada. Él desconfía de los humanos y considera que es una abominación que viva entre ellos. Por ello, ante la amenaza, el mentor de Mowgli, la pantera Bageera, lo lleva para que se vaya de la selva y vuelva con los humanos, que es su lugar. Sin embargo, el viaje no será nada simple.

El Libro de la Selva, la película animada de Disney de 1967, fue mi primera experiencia en el cine. Ese día nos entregaron las libretas de calificaciones, nos llevaron del colegio y comí pan con palta (lo sé, porque manche mi libreta con ella). Recuerdo que me pareció genial, aunque después de eso sólo la volví a ver de nuevo una sola vez y ya no la recuerdo muy bien, excepto por el oso Baloo, me encanta el oso Baloo. ¿Debí volver a verla antes de tratar con esta nueva versión en acción real de la compañía del ratón? No creo, me hubiera sido difícil no dejar de compararla constantemente y apreciar lo que me entregaban esta vez. Y sobre eso, creo que hice bien, pues lo hecho se tiene bien merecido un reconocimiento. Esta película es muy buena... en su muy Disney manera, claro.

¿A qué me refiero? Bueno, es muy familiar, muy agradable de ver, y tiene un mensaje muy constructivo. Claro, es un poco más oscura que lo que habría sido su antecesor animado, y es obvio, son otros tiempos y ser demasiado naif ahora luce forzado. Y, es acción real, no pueden ser tan caricatura, aunque igual se las arreglan para meter de contrabando su clásico humor blanco (a ratos hasta bobo) de siempre.

La historia, por su parte, es lo suficientemente simple para que los más pequeños la entiendan y con los suficientes giros para mantener la atención, incluso de los padres. La forma en que caracterizaron el conflicto entre Shere Khan y el pequeño Mowgli, me pareció correcta. El tigre desea muerto al pequeño, tanto por su odio contra los Humanos (no es que hayamos hecho nada por merecérnoslo, claro) como por su sed de venganza, y no se detendrá ante lo que sea para lograrlo. Por su lado, Mowgli evoluciona claramente, desde un extraño niño criado por lobos que en realidad no encaja del todo, hasta lograr un sitio que sea suyo. La idea de que su caracter como ser humano, ajeno a la naturaleza, sea simbolizado por que su especie (nuestra especie) domina la "flor roja", el fuego, y cómo este elemento se hace presente como un nuevo giro, me hizo sentir un regusto a simbolismo prometeico.

Sobre las actuaciones... bueno, el único personaje humano es Mowgli, y el niño lo hace bien. Sobre el resto, al menos la versión doblada que vi es cumplidora. Y eso me lleva al apartado técnico: me sorprende cuánto se ha sofisticado la animación de animales desde... no sé, ¿Jumanji?. Todo luce muy real, con texturas verosímiles. La selva, escenario y personaje, se siente viva y es hermosa. Yo la vi en 2D, pero me hace pensar que el 3D puede valerlo.

En resumen, linda película. Para ver en familia, de ley.

No Estamos Solos (2015): Lejos del Mundanal Ruido

2016-01-20T23:11:00.000-05:00

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El último estreno cinematográfico peruano de terror del 2015 estuvo lleno de buenas intenciones. Reconozco que el apartado técnico es solvente,que tiene efectos muy buenos, encuadres cuidados y un ritmo adecuado... pero el guión... La cinematografía y sus valores de producción en el inicio del filme logran crear una atmósfera inquietante que te llega a sorprender y hacer saltar cuando es necesario. Por ejemplo, una escena que me gustó mucho: la protagonista en medio de una sala llena de muebles tapados con sábanas. Claro que el subrayar cada susto con un ensordecedor efecto de sonido quizás no era necesario, quizás fue un exceso, pero incluso con eso aún daba para un aprobado. El problema (creo yo) coincide con (aunque no lo causa) la introducción del personaje de Lucho Cáceres, que no llega a ser lo desarrollado que hubiera sido necesario considerando su entrevisto (y forzado, seamos claros) pasado que le ligaba con la historia de la casa. Así pués, de algo más de la mitad para adelante de la cinta la historia poco a poco se sale de control y toda la mezcla que hicieron de Poltergeist, El Conjuro y sobre todo El Exorcista comienza a hacer agua hasta llegar a la conclusión que (francamente) más parecía una parodia: si la gente se ríe en esa parte es por algo, ¿no?

Una hombre se muda con su pequeña hija y su novia a una casa apartada en el campo. La niña (que aún no supera la muerte de su madre) no está muy feliz ni con la nueva casa ni con la nueva pareja de su padre, pero pronto la familia debe de enfrentarse a algo peor: unas presencias extrañas que acosan a la niña y a mujer, por lo que el hombre, escéptico al principio y luego dudoso, acaba por hacer caso a su hija y acepta la ayuda del sacerdote del pueblo.

Guerra de Papás (2015): Que Comience el Juego

2016-01-12T23:27:00.001-05:00

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Esta comedia estadounidense (titulada originalmente Daddy's Home) protagonizada por Will Ferrel y Mark Walhberg trata de un ejecutivo de una estación de radio (Ferrel) que está luchando por que los hijos de su esposa lleguen a quererlo como el padre que él desea ser... y como que parece que ya lo está consiguuendo cuando de improviso reaparece el padre biológico de sus hijastros (Walhberg), un tipo genial que llega como un huracán a hacer tambalear todo lo que el personaje de Ferrel está construyendo, desatándose un enfrentamiento por el cariño de los niños y por el título de macho Alfa.

En general esta nueva colaboración entre Ferrel y Walhberg es una película que funciona bien gracias a la química entre los dos protagonistas y a la premisa y la forma cómo esta es llevada: dos hombres muy distintos entre sí compitiendo por ver quién se quedará como el papá, uno de ellos un tipo atlético y carismático (y manipulador) que se entera de que su ex-esposa se ha vuelto a casar y por ende sus hijos tienen un nuevo papá... y eso no le agrada y vuelve de donde sea que haya estado (se entiende que en una guerra... mejor no preguntar) a marcar su territorio frente al padrastro, un hombre más tranquilo y con un incuestionable anhelo de ser el mejor padre para sus hijastros. El papá biológco no es un villano, eso hubiera sido un error para el mensaje que se quiere transmitir. Nunca lo sentimos como alguien ruin, aunque sí un poco tramposo y pícaro.La relación entre él y el otro papá es mas bien de antagonistas, de rivales... aunque es obvio quién ganará desde el principio, porque es una película familar y el final debe de ser feliz. Aún así, la forma cómo sienten ambos hombres, sus dudas e inseguridades hacia la paternidad, los vuelven personajes entrañables con los que incluso uno se puede identificar.

En general es una película muy bonita, perfecta para ver en familia. Quizás algunos gags son muy estúpidos y su final es poco menos que cuestionable hasta que lo corrige el postrer giro que redondea el círculo, pero al final no se siente demasiado forzado... excepto por el personaje de color incluido. ¿En serio contribuye con algo relevante a la historia? Al menos sirven para la comedia sus inopinadas apariciones, pero para más no.

Como en el Cine (2015): El Hacer de los Ojos

2015-12-03T23:50:00.001-05:00

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Esta semana nos toca película peruana.

Veamos: Nico (Manuel Gold) es un graduado de ciencias de la comunicación que ya va por los treintas y que ha abandonado sus sueños juveniles de hacer películas por un trabajo estable de asistente de dirección en una empresa de publicidad. Sin embargo, todo cambia cuando descubre a su novia con quien ha estado nueve años poniéndole los cuernos... ¡y en sus sábanas de Star Wars! Así, pues, con el corazón destrozado y sin casa, acaba alojándose con su amiga Dani (Gisela Ponce de León) y decidiéndose a volver con su antigua amor, el cine. Buscará entonces a sus compañeros de la Universidad con quienes realizó un corto para que lo ayuden a volver a empezar... otro corto.

Como en el Cine es la opera prima de Gonzalo Ladines en largometraje. Este señor fue uno de los guionistas de Buenos Amigos (cosa que me enteré por el trailer más arriba), la anterior película peruana que pasó por este blog... y a la que en esa ocasion le dí su chiquita en algunos aspectos, ¡como su guión justamente! (Me cito a mí mismo: "no termina de hallar norte y tiene varias clamorosas inconsistencias"). No me retracto, me reitero... y tanto me reitero que por eso me ha sorprendido que en esta ocasión que Ladines baila solo en el guión, éste sea de los elementos que mejor funciona en esta nueva película.

En serio, no tengo qué criticar en ese aspecto... salvo algunas apariciones fugaces que para mí no aportan nada como la del personaje interpretado por Guillermo Castañeda, compañero del protagonista Manuel Gold en la serie web Los Cinéfilos. Parece que sólo lo pusieron allí porque es de la manchita de la productora Señor Z, que produce ambas... Bueno, supongo que simplemente hay que tomarlo como un cameo. Pero fuera de eso, la historia está bien construida y fluye muy bien. Sus personajes funcionan y sus situaciones no se ven muy forzadas. Incluso, aunque tengan mucho de cliché... este está autoasumido y hasta se dan el lujo de burlarse de eso en una escena del inicio cuando la amiga de Nico (el protagonista) acepta con desparpajo que ella es un cliché de lesbiana.

Las actuaciones son buenas, destacando para mí la de Pietro Sibile, quien interpreta a Rolo, reclutado por Nico como su productor. Este sigue en la Universidad como Jefe de Prácticas y aún no se titula. Gruñón y cínico, aporta una cuota de naturalidad para la comedia. También está la de Bruno, el otro compinche de Nico, encargado de la cámara del corto olvidándose un poco de su actual ocupación, la escritura de anodinos guiones de telenovelas. Del grupo, quizás sea Manuel Gold el que se queda algo atrás, quizás por lo enfático de su personaje, aunque llega a cumplir. Por el otro lado, los personajes femeninos son los que me ha costado más encontrarle gusto, sobretodo Ariana (Fiorella Pennano) en su papel de interés romántico del protagonista.

La música es otro aparte. Destaca la original de la cinta que hace un buen fondo. O sea, es funcional... y funciona.

Si eres un fan de Los Cinéfilos, la popular serie web ya mencionada como otra de las producciones de Señor Z, no esperes ver nada de ella en esta cinta... afortunadamente. Lo único que las relaciona es ser un intento de retrato de los amantes de las películas, burlesco aquel, añorable éste. ¿Se imaginan que hubieran intentado hacer un spin off o una adaptación directa? No, después de lo que hizo Smosh no estoy seguro de si hubiera funcionado.

Y este es el último aspecto que quiero poner en relieve: Como en el Cine está pensada para divertir a cualquiera, sí, pero es claro que está dedicada a los cinéfilos y al cine en general. No faltan las referencias y guiños a películas clásicas extranjeras... y nacionales (me vaciló su mención a El Pequeño Seductor, esa... cosa [insertar escalofrío acá]). Yo capté varias, pero según he escuchado hay más que se me han escapado por que... me falta todavía. Será motivo para verla de nuevo, más atento. Quizás cuando llegue a Netflix.

En resumen, para mí es de lo mejor en cine nacional que se ha estrenado últimamente, lo cual no puede parecer mucho, pero sí lo es: la calidad de nuestro cine es variada y se han hecho buenas cosas... y de las otras también (vuelvo a recordar El Pequeño Seductor y aún me pregunto ¿por qué, Deus?). Como en el Cine es una comedia efectiva que no abusa ni menosprecia a sus espectadores con la broma burda o la lisura gratuita. Se nota que es un trabajo personal hecho con mimo por Ladines; esperemos que sus siguientes proyectos sigan ese derrotero.

La yapa: Acá abajo está una lista de reproducción de las dos primeras temporadas del canal de la serie web Los Cinéfilos.Ya había oído de él, incluso el algoritmo de Youtube me lo había sugerido hace tiempo, pero he tenido que ver esta película para que acabara interesándome... y me gusta, por ahora que aún me estoy poniendo al día con esto. Ya veremos que pasará en lo que me falta.

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Al final de los créditos de Como en el Cine aparecen secuencias de un corto de Ladines cuya historia que en cierta forma es un antecedente del que trata de hacer Nico... porque no es plagio si te copias a tí mismo, ¿no?. Este es Rumeits.

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A la *&$%! con los Zombis (2015): Siempre listo... y si son dos, más listo todavía

2015-11-28T00:28:00.000-05:00

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Varias semanas que no iba al cine de mi ciudad y varios meses que no escribía acá, sí. Bueno, el trabajo le deja a uno cansado. Así que aproveché que ahora hay una oferta para las compras de entradas por internet y fui a ver una película para pasar el rato. Mi requisito: que no me hiciera pensar mucho. Creo que en ese aspecto Scout's Guide to the Zombie Apocalypse (el título original) cumplió sobradamente: no es la gran cosa, la verdad, pero como ya quedó claro (creo) no es que esperaba un clásico instantáneo del cine zombi.

La historia va así: los protagonistas son tres amigos miembros de los scouts que se preparan para una acampada de rutina donde se le entregará a uno de ellos (el gordito entusiasta) uno de esos emblemas que se consiguen los scouts cuando demuestran dominio en una técnica o disciplina, sea hacer nudos, encender una hoguera sin fósforos ni encendedores, tiro con arco, cocinar, pelear con osos... bueno, quizás no esto último, pero la idea es esa. Resulta que como adolescentes normales dos de ellos (no el gordito) se han dado cuenta de que ser scout no es exactamente la mejor opción para ser populares en la escuela y conseguir chicas; si no lo abandonan es simplemente porque les da pena dejar a su amigo de toda la vida (a quien sí le encanta esa afición) solo. De manera casual en el camino a la acampada logran ser invitados para asistir a una "fiesta secreta" de los jóvenes del pueblo a la que planean ir cuando su compañero y el instructor estén dormidos. Sin embargo al llegar al pueblo, lo hallan presa de una epidemia de muertos vivientes y no tendrán otra salida que tratar de sobrevivir a esta locura... con la oportuna ayuda de una voluptuosa strip... perdón, mesera.

Como ven, nada del otro mundo. Funciona. Quizás haya por allí unas cuentas incongruencias argumentales, como lo de la velocidad a la que se expande la epidemia, la del estado del soldado que encuentran, el muy conveniente retorno de uno de su grupo de sobrevivientes, etc... pero la historia tiene buen ritmo y da mucha gracia, porque eso es lo que es, una comedia con zombies... y gore... y fanservice. Y eso agradezco. Bien podrían haberse quedado en su idea inicial de hacer una película más descafeinada (sí, te hablo a tí, Guerra Mundial Z, ¿qué tanto te costaba mostrar un primer plano de un brazo cortado al menos?) pero optaron por no guardarse la sangre y la truculencia... y las tetas. Me gustó que el gore en esta película esté menos para aterrar o dar asco como para sorprender y crear gags de mucho humor negro. En eso a ratos me recordaba a Shawn of the Dead, que tampoco se tomaba muy en serio llegando hasta a combinar una energética canción de Queen con una paliza a un zombi. En Scout's Guide to the Zombie Apocalypse de Britney Spears no pasan... pero tienen tetas (repito lo de las tetas por que vienen en pares).

Los protagonistas, usuales losers de secundaria que recuerdan al protagonista de Wellcome to Zombieland, son lo que menos uno espera para ser héroes de un Apocalipsis Zombi, y eventualmente usan de las habilidades de boy scouts para demostrar lo cool que es su afición... y lo práctica que puede ser si de verdad los muertos se levantaran para hacernos buffet.Quizás deploro que contrariamente a lo que trató de hacer Zombieland no hicieran más hincapié en esa parte práctica que el conocimiento tiene, contradiciendo un tanto el título original de la película en inglés: Guía Scout para el Apocalipsis Zombi. Hubiera sido interesante más profundidad en cómo sería esa guía.

Sobre los zombis de la película, estos conservan ciertas habilidades y recuerdos de sus vidas pasadas (como la stripper que le hace un baile del tubo a uno de los protagonistas antes de lanzarse a su garganta, o la anciana en su scouter electrico), aunque su fuerza está magnificada. Como es usual, es en grupos cuando son más peligrosos. Elemento no muy común en este género (Resident Evil para mí no cuenta) es el incluir animales zombificados, desde un venado hasta gatos... Ugh.

En general, es una película que se ve bien. Su público objetivo es el adolescente pero si sólo quieres algo para reirte también te va bien.

Viejos Amigos (2014): Muchachito chalaco del ayer

2014-08-26T22:48:00.001-05:00

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Acabo de ver una película nacional, una nueva ópera prima en nuestra peruana cinematografía avara en segundos filmes… algún día me sentaré a pensar sobre ello. Su director es Fernando Villarán, a quien no hay que confundir con el ex-Ministro de Trabajo de Toledo (como buenos, como si lo recordáramos).

Bueno, la cosa es que este muchacho de 35 años, Villarán, viene de la realización publicitaria, cantera de la cual salen muchos directores jóvenes. Hace unos años un proyecto suyo fue uno de los ganadores en la edición del 2011 del Concurso del CONACINE, y con ese pequeño empujón del fisco pudo empezar la producción de su filme, el cual luego de tres años por fin se estrenó este mes en pantalla: Viejos Amigos.

¿Y de qué va? Tres ancianos amigos chalacos, unidos por su pasión por el Sport Boys y sus aventuras de juventud, interpretados por los experimentados (por no decir veteranos) actores Ricardo Blume, Carlos Gassols y Enrique Victoria, asisten al velorio del cuarto integrante de su grupo, “Kike”, lamentando que su viejo compinche haya muerto sin ir con ellos al partido del equipo de sus amores que se jugaba ese día, y uno de ellos echando la culpa a la viuda que al parecer lo dominaba y lo habría matado del colerón por no dejar que se fuera con ellos. Así, pues, en un arranque roban la urna con las cenizas del finado para llevarlas al partido y luego en una viaje de despedida por los sitios que eran para él más importantes, recorrido que tendría que terminar al amanecer en medio del mar chalaco y al ritmo del vals El Pirata. Música, maestro:

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El Pirata

Yo no quiero una tumba, ni una cruz, ni corona
ni tampoco una lágrima, me aburre oír llorar
ni tampoco me recen, solo pido una cosa:
para el día en que muera que me arrojen al mar.

Los faros de los barcos, me alumbraran cual cirios
las boyas cual campanas se pondrán a doblar,
en la penumbra brava de mi capilla ardiente,
he de sentir salobre todo el llanto del mar.

Así como he vivido al azar, al azar quiero irme
A otras playas, mecido en la hamaca de la mar,
quiero dejar anclado mi corazón, vacío
en un lejano puerto, y muerto aún viajar.

No quiero que me entierren, no quiero estar inmóvil
¡Oh! que angustia tendría, dentro de un ataúd
más que los tiburones, me espantan los gusanos
quiero como un velero irme a la eternidad.

Mis manos en cruz saben, que sean cual dos velas
un barco mi cadáver, que ambule por el mar
no volveré quien sabe a ver aquellos puertos
que en vida vi y donde no pude retornar.

Que si temo a la muerte más que por ella misma,
es por esa parálisis de la inmovilidad
que mis últimos sueños los arrullen las olas
quiero morir tranquilo y sentir la quietud.

Así como he vivido al azar, al azar quiero irme
A otras playas, mecido en la hamaca de la mar,
quiero dejar anclado mi corazón, vacío
en un lejano puerto, y muerto aún viajar.

En un lejano puerto, y muerto aún viajar.

Imposible no incluirla en este post.

Y eso sería todo en cuanto a la trama: tres amigos (cuatro si contamos a las cenizas en la caja de galletas) dando vueltas por lugares representativos del Callao, recordando anécdotas del Sport Boys y de sus mataperradas de chicos, y encontrándose por allí no sólo a la viuda indignada por el “secuestro” de su marido que los perseguirá, sino también a algún conocido y a la guardia nueva del puerto y de la hinchada del Boys. Evidentemente no están para muchos trotes, y su condición e idiosincrasia de octogenarios los lleva a no pocas situaciones incómodas y aventuras en una largo adiós a toda una época.

La recepción del público en su estreno, hay que destacar, no fue mala, arrasando en la taquilla ese fin de semana. No sé en realidad cómo habrá evolucionado después. Supongo que no tan mal (el facebook oficial contabilizaba hasta ayer 215 mil espectadores)… ahora que si hablamos de su calidad. OK, para empezar, destaco las actuaciones de su trío protagónico. Se notan sus décadas en el oficio y es imposible no reconocérselos.

En cuanto a su apartado musical, este está hecho sobretodo de salsas, guarachas y valses criollos, con la incursión hip-hopera de Cartel Callao para el contraste. Esperable la elección de soundtrack, pero no desentona. Después de todo, es una aventura adolescente de octogenarios, como subrayó su director. Su tono es la comedia, pero salpicada de nostalgia, un cantar a la vida, pero también a la decadencia y a la muerte, y eso se llega a entender.

Donde tiene problemas la película es en el resto de sus elementos: el guión no termina de hallar norte y tiene varias clamorosas inconsistencias, las actuaciones de los secundarios en el mejor de los casos llegan a aceptable, el ritmo es disparejo, y así.

En resumen es una película con buenas intenciones, que aunque abusa del recurso fácil de la lisura y el eventual “mariquita” para arrancar risas, logra ser lo suficientemente divertida para justificarse. Sobretodo rescato lo arriesgado de su propuesta y la manera como busca sintonizar y empatizar con el público, a pesar de restringir sus escenarios al Callao y su pasión futbolística al Sport Boys (aunque el Atlético Chalaco también aparezca).

Puede verse, no es dinero desperdiciado.

Gravedad (2013): Revalorando la Vida donde la Vida no es posible

2013-12-16T22:36:00.000-05:00

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La Dra. Ryan Stone (Sandra Bullock) es una novata astronauta en el transbordador espacial comandado por un veterano Matt Kowalsky (George Clooney) en su último vuelo. Parte de la misión es que salgan en una rutinaria caminata espacial con el objeto de hacer mantenimiento al Telescopio Espacial Hubble, y todo parece estar bien hasta que los restos de un satélite en desuso detonado por los rusos los acribilla, destrozando el transbordador y dejando a Stone y Kowalsky a la deriva en el espacio sin contacto con Houston y con pocas posibilidades de sobrevivir.

Vista así estamos frente a una historia simple con un cast mínimo (Bullock y Clooney, Clooney y Bullock), en un metraje que esencialmente trata de los intentos de ambos por llegar a una cápsula de escape y regresar a la Tierra antes de que la lluvia de escombros los vuelva a alcanzar, y de la forma cómo uno de ellos (Bullock) es confrontado con la desesperación de la situación, reencontrando en su extrema vulnerabilidad su motivación para levantarse y vivir. Nada del otro mundo, quizás, y a algunos no les cae en gracia que sólo vaya de eso y de su planteamiento a ratos minimalista en sus momentos reflexivos.

Sin embargo, sin llegar al melodrama o a la exageración Cuarón se las arregla para conmovernos y sorprendernos a partes iguales, gracias a la que podría ser la mejor interpretación de Bullock de los últimos tiempos (sin desmerecer a Clooney, tan cómodo en su papel que es casi la interpretación de sí mismo), a una fotografía hermosa que recrea muy convincentemente la sensación de estar flotando en el espacio, y a una banda sonora discreta y funcional. Y, claro, al 3D.

Sí, el 3D. Aceptémoslo, este recurso ha sido tan usado y abusado en los últimos años con el sólo afán de hacer gastar al público un extra que la llegada de una película como la que nos ocupa ahora es un recordatorio de cómo un director de talento sabe sacarle provecho. Y es que en Gravedad el 3D no es sólo un añadido “gratuito” sino que se justifica plenamente al potenciar que el espectador se sumerja en la historia y aprecie el escenario dentro del que ésta se desarrolla. Por ello si la van a ver deben de buscar su versión 3D sí o sí.

Claro, no todo es perfecto. Ya varios han señalado ciertas incongruencias en el diseño de producción, como el que el Telecopio Espacial Hubble, la Estación Espacial Internacional, la Estación Rusa y la Estación China estén tan cerca entre ellas como para alcanzarlas. O que el cabello de la Dra. Stone no flote en gravedad cero. Pero son detalles que no logran deslucir ciertas escenas extraordinarias de la película, que nos mantiene en expectativa permanente, anonadados por la fuerza de sus imágenes y por su drama vital.

En general, sin temor a equivocarme puedo decir que estamos frente a una candidata de peso al Óscar de este año. Ya veremos dentro de unos meses.

Nota: Las imágenes (la mayoría) las saqué de La Butaca. Allí también hay más críticas.

La Yapa: Jonás Cuarón, hijo de Alfonso Cuarón y coautor con su padre del guión de Gravedad, realizó el siguiente cortometraje titulado Aningaaq, donde nos muestra el otro lado de cierta escena de la película en que la protagonista logra contactar a una persona en la Tierra. Lamentablemente, su interlocutor no habla inglés, pero es una voz humana y en su soledad, para la Dra. Stone sólo oírla se convierte en un bálsamo para su desesperación. Pensado originalmente para ser lanzado como extra en el lanzamiento del BluRay, la Warner Bros. vio su potencial y la lanzó con miras a que sea considerada para las nominaciones al Óscar de Cortometraje de Acción Real.

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Elysium (2013): Los de Arriba y los de Abajo

2013-11-20T21:53:00.000-05:00

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En un futuro cercano la Tierra está superpoblada y arruinada, pero como no siempre todos se mojan cuando llueve los más ricos salen de ella para preservar su lujoso estilo de vida en Elysium, una gran estación espacial. El resto de la Humanidad deben de sobrevivir en medio de múltiples carencias. Entre ellos está Max, un tipo que en su infancia de huérfano se obsesionó con algún día reunir el dinero suficiente para comprar un boleto para llegar a Elysium (cosa posible si no te derriban primero, aunque igual te deporten después). Ahora, adulto, afrontando una libertad condicional por haberse dedicado al robo y ahora trabajando como obrero en una fábrica de droides, por necesidad termina aceptando un último “trabajito”

La nueva película del sudafricano Neil Blomkamp insiste nuevamente en el tema de la segregación dentro de un marco de ciencia ficción, un tipo de escenario en donde parece que se siente cómodo. La diferencia es que ahora con más presupuesto y Matt Damon y Jodie Foster en la nómina, ha tenido que suavizar su discurso y al hacerlo como que se ha sentido incómodo. No de otra forma se entiende cómo desde el desarrollo de una crítica social en su primera parte se pase de buenas a primeras a rellenar el resto a base de mera acción. Bueno, OK, District 9 tenía un esquema similar, pero creo que en Elysium Blomkamp ha exagerado un poco. Echo la culpa al guión, que la verdad no me ha convencido también con la forma cómo desde el principio se sacó del sombrero esas dichosas máquinas curativas a las que sólo los ciudadanos de Elysium tienen acceso y que al parecer son la principal motivación del conflicto social. Ni qué decir del final, demasiado utópico y absurdo para mi gusto. ¿Es que acaso suponen que una situación así es sostenible? Bueno, quizás algunos amigos de izquierda sí.

Sin embargo la película funciona, al menos eso debe reconocerse. Si se olvida las lagunas que tiene (¿en serio no hay un buen sistema de misiles o rayos laser instalados en la estación espacial para defenderse de los intrusos?) uno puede tragársela entera y disfrutar con el contraste entre la caracterización del desvencijado Los Angeles futuro, filmado en las barriadas del México actual (con el omnipresente español sonando constantemente), y la paradisíaca estación espacial de Elysium, visible desde la Tierra y en donde (irónicamente) parece que el francés es el lenguaje de moda de las clases altas. No está de más reconocer la solvencia de los protagonistas, encabezados por un Damon que luce como pez en el agua cuando de acción física se trata, y una Foster cómoda en su papel de política inescrupulosa a la hora de mantener su poder y el estilo de vida de la gente de Elysium a toda costa. Y por supuesto, Sharito Copley, el protagonista de la primera película de Blomkamp, que ahora la hace de robacámara villano de fuerte acento y sádicas intenciones.

En general, está aprobada. Podría haber salido mucho mejor, por ejemplo tomando algunas ideas de Gunnm, el manga de Yukito Kishiro, adaptada en dos OVAs de 1993, y que los fanáticos seguro habrán recordado al ver Elysium. Algunos hablaron de copia, quién sabe. Pienso que si hubo algo de eso, y para evitarse problemas (consideren que James Cameron tiene los derechos de Gunnm, aunque parece que no va a hacer nada con ellos), Blomkamp reculó y decidió reemplazar en su hipotético guión inicial lo del grotesco comercio de órganos de los infortunados habitantes de la superficie, con las infames máquinas curativas. Muy controversial, talvez. No sé, sólo especulo.

Nota: Las imágenes (la mayoría) las saqué de La Butaca.

RUSH: Pasión y Gloria (2013): Con el fierro a fondo

2013-10-24T23:29:00.000-05:00

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Años 70 en el competitivo y riesgoso mundo de la fórmula 1, donde la mortalidad por temporada llegaba fácil al 20%. Dos pilotos llegan a este ambiente desde las divisiones inferiores, James Hunt (interpretado por Chris Hemsworth), un inglés playboy y relajado, y Niki Lauda (que Daniel Brühl interpreta), austríaco metódico y serio, los cuales han desarrollado una fuerte rivalidad profesional dentro y fuera de las pistas. Basada en hechos reales, la película retrata la evolución de la relación de ambos protagonistas, sus diferencias a la hora de encarar su trabajo y su vida personal, y cómo a pesar de ello llegan a respetarse el uno al otro, historia que llega a su clímax en el marco del emocionante Campeonato Mundial de Fórmula 1 de 1976.

Veamos, es una lástima que esta película no esté teniendo una acogida acorde con su calidad. No, no es que sea extraordinaria, está lejos de ser la mejor película del oscarizado Ron Howard, pero no se puede negar que es una buena película, vibrante cuando necesita, conmovedora cuando cabe, emocionante en suma gracias a su bien llevado ritmo. Se nota la mano segura del que en otra era interpretara al Richie Cunningham de Happy Days y que ahora en su faceta de director es un buen y efectivo artesano de fórmulas.

Un aparte merecen los protagonistas. Hemsworth le achunta al papel de corredor carismático y mujeriego, pero es opacado por la genial interpretación de Brühl (si no lo recuerdan uno de sus primeros papeles protagónicos fue cuando en Good Bye, Lenin hizo de Alex, el preocupado hijo que trata por todos los medios que su convaleciente madre socialista no se entere de la caída del Muro de Berlín).

De otro lado, la ambientación es convincente, con una buena banda sonora de época, eficientes filmaciones de secuencias de carreras (sobretodo de los infaltables accidentes) y ese regusto nostálgico inevitable. El problema quizás sea que considerando que al tratar de una historia que tengo entendido es muy conocida por los aficionados del deporte de los fierros, el final es previsible, pero si sólo eres como yo un lego en la materia, no hay problema.

En resumen, aprobada. No será un nuevo Óscar para Ron Howard, pero cumple bien.

Nota: Las imágenes (la mayoría) las saqué de La Butaca. Dense una vuelta.

Otrosí: Leo que Rush significa apresurarse. Si, obvio.

El Hijo del Demonio (2012): En algún lugar de la Mancha cuyo nombre no quiero acordarme…

2013-10-23T20:57:00.000-05:00

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Deseosa de ser madre, Carla, una exitosa diseñadora, decide recurrir a la concepción asistida para tener a su primera hija. La mala suerte dicta que la niña nazca prematuramente y que a consecuencia de ello sus pulmones queden lastimados, por lo que su médico le recomienda a la acongojada madre trasladarse a donde haya aire más puro. Convenientemente, resulta que Carla había heredado de sus padres (muertos cuando ella aún era una niña) una finca manchega a la que no había ido en años, así que dejando trabajo y departamento en Madrid se traslada a su desatendida propiedad, donde se reencuentra con Marcial, que en su ausencia se ha hecho cargo de cuidar su tierra, y conoce a su hijo Marcos, un niño rubio un tanto siniestro, que de alguna forma llega a darle muy mala espina.

Veamos, creo que primero es pertinente señalar mi extrañeza por la que al distribuidor de esta cinta española en América Latina se le ocurrió pasar olímpicamente de su título original, Vulnerables, para vendérnosla como El Hijo del Demonio. Supongo que que el primer título no era para nada vendedor y que llegó a la conclusión de que cualquier ayudita extra para atraer algo de taquilla no le vendría mal. Considerando el bodrio que tenía entre manos no lo culpo.

Seamos claros, esta película es una falla. Y considerando lo perdonavidas que soy ya se imaginarán qué tan mala debió parecerme. Para empezar su historia después de un inicio algo halagüeño (¿los primeros cinco minutos tal vez? Capaz ni eso) no tarda en hacer agua para casi (casi) recuperarse con el clímax e irse definitivamente al diablo con la resolución. Las interpretaciones son sosas, quizás un poco menos la de la protagonista, la guapa Paula Echevarría, que leo tiene algún recorrido en el cine y la televisión de su país, y que en esta película hace sus pininos en el terror psicológico.

Porque eso se supone que es esta película de títulos que se prestan a confusión. Aunque también se le pude catalogar de suspenso, con una pizca sobrenatural… al menos hasta que el final nos descuadra todo. La verdad que se toma su tiempo para escoger una ruta y cuando parece que la encuentra… vuelve a abandonarla. Bien hecho, debutante director Miguel Cruz; haz demostrado que se necesita poco para arruinar tu opera prima. Y además eras el guionista: doble condena. Ni siquiera asustas bien.

Nota: La mayoría de las imágenes están sacadas de La Butaca. Allí también encontrarás crítica.

Guerra Mundial Z (2013): Cuando cruzas zombis con marabuntas

2013-07-15T23:12:00.000-05:00

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Después de haberme enganchado con el libro de Max Brooks, esta era una película que esperaba bastante. Grande fue mi decepción inicial cuando a través de los blogs y webs de críticas me enteré que de la historia original apenas sí quedaba el nombre y algún detalle más, casi sólo referencias. Ni modo, pues; al menos muchos coincidían en que como película mas bien de acción que de otra cosa, era divertida. Eso fue lo que fui a ver con una amiga y eso es justamente lo que encontramos.

Para los que han tenido contacto con el género de las películas de zombis, cuya inicio y padre reconocido son Night of the Living Dead de George E. Romero, me entenderán cuando les digo que harán bien que igual que yo no esperen encontrar ese espíritu a veces crítico, a veces ácido, morboso y grotesco que caracteriza los buenos títulos del mismo. Nada de lentas muchedumbres de zombis en distintos grados de putrefacción, sino masas rabiosas con un estado físico digno de atletas, capaces de correr, saltar, hacer torres con sus propios cuerpos para escalar un enorme muro, etc, que me hicieron pensar más bien en los (aquí sí literal) rabiosos infectados de 28 Days Later, cuando no en ese pequeño clásico The Naked Jungle (que acá conocimos como Cuando Ruge la Marabunta) por sus masivos ataques.

Tampoco el esquema clásico de poner a un disímil grupo de sobrevivientes atrapados en medio del apocalipsis que tratan de seguir sobreviviendo en medio de sus propios conflictos es usado en esta película. Acá es Brad Pitt, Brad Pitt y Brad Pitt… corriendo, saltando y cuando no preocupado por la familia que ha dejado en un portaviones atestado, mientras vuela en un avión militar alrededor del mundo en busca del origen de la epidemia y acaso la cura.

Pero no se confundan tampoco. Como lo que empecé explicando en el primer párrafo, Guerra Mundial Z es una buena película… de acción. Frenética, bien llevada, con buenos efectos y un Brad Pitt que se luce a pesar de su ya madurez. Empieza con una tranquilidad que no dura pues pronto aparece el caos, no dejando después casi respiro a su protagonista, Gerry Lane (sí, Brad Pitt), un investigador retirado de las Naciones Unidas (supongo que presentarlo como agente estadounidense hubiera sido demasiado cliché) que ha sido vuelto a reclutar por sus jefes por su experiencia en situaciones y lugares peligrosos. Los detalles no importan, y tampoco nos los dan. Él, que como sea ha logrado que su familia logre huir de una ciudad infestada a un portaviones en alta mar, es puesto en la disyuntiva de dejarlos solos y arriesgarse a morir en su nueva misión, o que todos sean dejados a su suerte en un campamento de refugiados.

Si todavía la están dando, véanla. Es evidente que los encargados han pensado bastante para que sea apta para todo público, no sólo para los incondicionales de los zombis. Descafeinado, quizás, pero funciona. Los sensibles al menos no se sentirán asqueados por el clásico canibalismo o excesivo gore porque no se ve, y eso es mucho decir. Y para los otros, bueno, pudo ser peor el manoseo; sí se acuerdan de Warm Bodies, supongo.

El Despertar de los Muertos (2011): Del Escepticismo a…

2013-02-08T20:42:00.000-05:00

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Inglaterra, año 1921. La Gran Guerra ha pasado no sin dejar secuelas en la gente que la sobrevivió, donde muchos de los que perdieron algún ser querido (bien por los enfrentamientos o bien en la epidemia de gripe española) buscan en el espiritismo un consuelo que les es esquivo. Florence Cathcart es una escritora de éxito que se dedica a desacreditar supuestos hechos paranormales y desenmascarar a los charlatanes que lucran con lo sobrenatural, labor que le granjea varias antipatías. En una de esas es contactada por los administradores de Rookford, un internado escolar en la campiña, para que investigue la supuesta aparición de un niño fantasma en el claustro escolar, el cual habría ya producido una muerte. La Srta. Cathcart acepta (no sin hacerse de rogar) y cuando llega con sus aparatos científicos dispuesta a descubrir lo que piensa que es una broma de niños que se salió de control, acaba enfrentándose a la incertidumbre de que acaso hay más cosas bajo el sol de lo que la ciencia en la que tanto confía conoce. Y aparte su pasado.

The Awakening es el título original de esta cinta que nos llega a Latinoamérica con nombre tan equívoco (¿que diría George A. Romero? Al menos en España la titularon menos torpemente La Maldición de Rookford). Es una cinta inglesa y se nota. Nada de efusiones sanguíneas u horripilantes criaturas del Averno, mucho diálogo, un ritmo pausado y unas interpretaciones cumplidoras. Como película de terror y suspenso no se presenta como revolucionaria; es mas bien humilde y contenida. Lo cual a la larga la hace derivar más al drama en su sorpresivo final anticlimático, el cual me pareció acertado por la forma cómo logra hacer evolucionar a su protagonista desde el escepticismo más militante a su choque con sus paradigmas racionales.

En cuanto a la ambientación, vale. El ambiente aunque opresivo es moderado (mención especial para cierta tenebrosa casa de muñecas, estense atentos). La protagonista (Rebecca Hall, que leo participó en Vicky Cristina Barcelona, de Woody Allen, y que la veremos en Iron Man 3… vaya) cumple bien su papel, llevando sobre sus hombros la trama con eficiencia y verosimilitud.

En general, aún con algún altibajo en su guión, esta es una película que aún sin ser una obra maestra destaca del montón.

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Hansel y Gretel: Cazadores de Brujas (2013): Que no te cuenten cuentos

2013-02-05T23:44:00.000-05:00

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Los hermanos Hansel y Gretel son abandonados en lo profundo de un oscuro bosque por sus padres, topándose con una sospechosa casa hecha de caramelo. Al entrar son recibidos por una bruja que los ha atraído a ella para comérselos. Sólo que su plan falla y los dos niños la matan quemándola en el horno que aquella había preparado para ellos. Han pasado quince años y ahora ambos hermanos son unos reconocidos, feroces y bien preparados cazadores de brujas que llegan al pueblo de Augsbugo contratados para tratar de recuperar a varios niños que se piensa han sido secuestrados por brujas por misteriosas razones... algo relacionado con cierta Luna de Sangre. Sin embargo, en un giro de la trama se toparán con mucho más y que incluirá sus propios pasados.

¿Qué podría decir de esta nueva reinvención hollywoodense de los viejos cuentos de hadas? ¿Es relevante? ¿Es notable? ¿Es al menos divertida? Uhm, al menos no está Kristen Stewart.

La verdad no esperaba mucho de ella, aparte de una de acción y aventura con sangre aquí y allá en 3D y sin compromiso… y eso justamente recibí. Hansel y Gretel: Cazadores de Brujas no es nada del otro martes o viernes, ni siquiera lo suficientemente mala para dedicarle muchas páginas. ¿Es ridícula? Sí, pero no tanto como otras. ¿Hace un uso barato del 3D en escenas de cosas que salen de la pantalla hacia los espectadores? Claro. ¿Es tonta? Ni qué decir. A propósito… ¿alguien sabe en qué siglo sucede la historia de marras? Bueno, no importa. Pero esas botellas de leche con dibujos de niños perdidos pegados en ellas… Ufff.

A medio camino entre la parodia, el horror… y Van Helsing, se nota el gusto de su director Tommy Wirkola (noruego responsable de la bizarra Dead Snow, la de los zombis nazis que salen de la nieve) por el gore y el exceso. Del guión no se puede decir mucho. Personalmente creo que debieron insinuarnos un poco aunque sea la ubicación de Augsburgo dentro de la historia previa de los hermanos Hansel y Gretel, al menos para que la revelación del último cuarto no pareciera tan sacado de la manga.

En cuanto a las actuaciones no hay nada para destacar. El protagónico masculino (Hansel) quedó a cargo de Jeremy Renner, más conocido por su reciente papel de Clint “Ojo de Halcón” Barton en Los Vengadores; mientras que el femenino (Gretel) lo interpretó Gemma Arterton que hizo de la princesa Tamina en El Príncipe de Persia.

Bueno, si no hay nada mejor…

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Life of Pi (2012): Poesía 3D del CGI

2013-01-23T00:02:00.000-05:00

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Con el título capciosamante traducido al español (en Latinoamérica) como Una Aventura Extraordinaria, la última película del director taiwanés Ang Lee (Crouching Tigger Hidden Dragon, Brokebak Mountain, Lust Caution, Sense and Sensibility) llega a nuestras pantallas como para refrescar un verano caluroso.

La historia en apariencia no podía ser más simple: Piscine Molitor Patel, un inmigrante hindú en Canadá, es entrevistado por un escritor a quien le contaron que su vida podría hacer una buena historia. Pi (como logró que le apodaran en la escuela en vez del infamante Pissing –pipí- a punta de punche, incluso memorizándose cuchucientos dígitos de pi, el número irracional) accede a contarle desde su infancia en la India, donde su familia poseía un zoológico, su apego a la religiosidad hindú, su descubrimiento del cristianismo y el islam que empieza a seguir paralelamente, hasta cuando en un momento de apuro económico sus padres deciden cerrar el Zoo y emigrar a América. Para ello abordan un barco japonés con los animales destinados a ser vendidos en Estados Unidos, pero en medio del Océano Pacífico una tormenta hunde el barco y Pi queda como un náufrago en un bote salvavidas con la única compañía de un imponente (y peligroso) tigre de Bengala llamado Richard Parker. De la extraña convivencia entre dos seres tan distintos trata la historia y de cómo sobreviven juntos a esa aventura no exenta de misticismo iniciático.

Basada en la novela homónima de un tal Yann Martel, que muchos (leo) juzgaban imposible de filmar (diez años tuvo la Fox los derechos sin encontrar a un director que se atreviera a hacerla), Ang Lee sale airoso de tal vaticinio a fuerza de su habilidad con las imágenes. Porque Life of Pi es esencialmente una película de líricas imágenes, sobrecogedora a momentos, a ratos lisérgica, bella en general. Me atrevería a decir que pocas veces la animación por computadora ha sido usada de manera tan sentida, y con un cuidado y verosimilitud tal que el estudio ha tenido que jurar por Krishna que no ha habido maltrato al tigre, pues se habría usado uno de CGI en las partes más difíciles. Será cierto, supongo, quiero creerlo. En todo caso quedan varias secuencias que potencian la historia de manera exponencial –la escena submarina del hundimiento verbigracia-, justificando el 3D como no lo veía desde The Invention of Hugo Cabret de aquel otro maestro, el tal Martin Scorsese.

Candidata al Óscar de este año, Life of Pi es una fuerte candidata que le podría hacer repetir por tercera vez el plato a su director. Méritos no le faltan.

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Ronal Barbaren (2011): Bárbaros a la danesa

2012-11-28T22:00:00.000-05:00

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En la lejana tierra de Metalonia, la tribu de los Bárbaros, descendientes del legendario guerrero Crane (aquel que venciera al terrible Demonio Zaal), pasan los días entrenándose para sus correrías en busca de aventuras y así mantener en alto la fama de ser los mayores guerreros. Todos, excepto Ronal, quien pese a ser uno de ellos es todo lo contrario de lo que podríamos esperar: flacucho, débil y medio cobarde. Una noche, sin embargo, la tribu es atacada por Volcazar y todos los bárbaros son capturados, quedando sólo Ronal para rescatarlos con la única ayuda de un bardo desesperante, una poderosa guerrera y un elfo “metrosexual”.

Con producción danesa, y la dirección a cargo de Kresten Vestbjerg Andersen, Thorbjørn Christoffersen y Philip Einstein Lipski (¿los conocen? yo tampoco), esta parodia del cine de bárbaros fue hecha a poco del estreno del remake de Conan y por lo tanto es clara su motivación de filme explotation. Así, pues, careciendo de ambiciones, se puede dar el lujo de ser todo lo desenfadada que le permite el buen gusto y la censura que se supone para una película “para toda la familia” (cosa que machacan en su trailer junto al “in 3D”), representada por una buena cantidad de gags subidos de tono en una narración frenética, que incluyen elfos amanerados, guerreros masoquistas, amazonas urgidas, mucho cuero, hilos dentales, etc. En cuanto a la animación está es un tanto misia, al nivel de lo que se esperaría encontrar en una serie de TV; quizás fuera el 3D, yo la vi en un 2D descargado del internet. Finalmente el desarrollo de la trama: personalmente pienso que debieron meter un poco más de metraje para redondear la historia, pues hay puntos de la trama que están como metidos a los hachazos. En resumen, aún con todas sus falencias es un aceptable divertimento. Bueno, tampoco es que los daneses se alucinen Pixar.

La yapa: Ya he puesto al principio el trailer principal, pero no podía dejar de postear el resto de la campaña de promoción de la película que francamente fue muy buena con su uso descarado de calaveras cantantes, rock heavy y promesas de “chicas, bolas y músculos”. Eso llamo vender.

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Valiente (2012): Las adolescentes pelirrojas sólo quieren divertirse

2012-08-10T21:56:00.000-05:00

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En un reino medieval que bien podríamos ubicar en algún lugar muy muy lejano… por Escocia, nos encontramos con los afanes de la reina Elinor para instruir a su hija Mérida en su papel de princesa. Sin embargo, la pelirroja princesa prefiere cosas más interesantes a tantas aburridas clases de poesía, bordado, historia, política, modales, bla bla bla. Sólo es verdaderamente feliz aquellos días que puede ser libre para salir y explorar el bosque cercano a caballo y practicar arquería, en lo que es muy hábil. Exactamente, está en “esa edad” que a muchos padres les da miedo: la adolescencia. Y aunque a su padre el rey Fergus el carácter independiente de su hija mayor le hace gracia, hay una ley antigua por la cual convoca a una competencia entre los primogénitos de los Clanes del reino por la mano de Mérida, a quien el asunto de casarse tan joven despierta su airada oposición, rebelándose y en el camino provocando en el reino el caos y la discordia. Y, para acabar de matarla, pide ayuda a una bruja que mete a su familia en un terrible dilema, por lo cual deberá usar de todo su valor y habilidad para arreglarlo antes que sea demasiado tarde.

La última película del matrimonio Disney-Pixar no es lo mejor que los creadores de Wall-E y Toy Story se han sacado. OK, no es razonable que esperemos obras maestras cada año. Mantiene eso sí la calidad acostumbrada en animación (¡esos rizos de la protagonista!) y es definitivamente entretenida. Sin embargo como que se nota más una mayor influencia del arquetipo cinematográfico Disney en ella, no sé, es lo que me ha parecido.

Poco más puedo escribir. Leo que el proyecto estuvo a cargo de Brenda Chapman, quien dirigiera El Príncipe de Egipto para Dreamworks a fines de los noventas. También que en sus entrevistas ha declarado cuál fue el origen de la idea para Brave (el título original de Valiente; en España, Indomable): “La historia fue principalmente inspirada por la relación que tengo yo con mi hija. Ella tiene una fuerte voluntad y un carácter independiente... Ella tenía como unos 4 o 5 años cuando se me ocurrió la idea y me pregunté: "¿Cómo será cuando sea adolescente?", bueno ahora ya lo sé”. Desacuerdos creativos la sacaron del proyecto cuando este ya estaba avanzado, tomando su posta Mark Andrews, que venía de dirigir unos cuantos cortos (además de un dilatado trabajo como técnico y guionista) y para quien este sería su primer largometraje. Uhm, eso quizás explique algunas cosas.

Con un mensaje claro y constructivo: un llamado a la unidad familiar basado en el respeto y el diálogo, Valiente es una buena opción de cine familiar (valga la redundancia). Y a esperar la próxima de Pixar… me parece que lo que se viene es una secuela de Monters Inc que se titulará Monsters University y algo oí de una de acción real sobre el terremoto de San Francisco de 1906.

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Otrosí: También vi la última entrega de Batman, pero ya tantos han escrito sobre el asunto llenándola de elogios que me da pereza reincidir en lo mismo. Lo que puedo decir es que a pesar de que es un grandioso y digno final a la “oscura” saga de Nolan sobre el héroe de Gotham, he extrañado terriblemente a Ledger y su Joker. Tom Hardy compone un masivo y contundente Bane y todo, y Anne Hathaway una deliciosa Catwoman que curiosamente nunca es llamada Catwoman sino simplemente Selina Kyle (chúpate esa Halle Berry, tú no Michelle Pfeiffer, a tí sí te recordamos con cariño), pero ese agente del caos sin sentido que hizo la vida de cuadritos a Batman en la anterior película era difícilmente superable. Aparte de eso, más que recomendable… no, indispensable. Vamos, ¿tengo que decírtelo con muñecos?

Sombras Tenebrosas (2012): La sangre es más espesa que el agua, así sea de mar

2012-07-09T21:30:00.000-05:00

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A fines del siglo XVIII, una familia inglesa, los Collins, sale de Liverpool rumbo a América a llevar su industriosidad a esas salvajes tierras. Allá, en la costa del ahora Estado de Maine, inician un emporio de pesca y les va muy bien en el pueblo que fundan con su nombre, Collinsport. El hijo, Barnabas, crece en la mansión levantada por su padre, Collinswood, rodeado de la dignidad de ser parte de una familia de valía. Pero una de las sirvientas de su casa, Angelique, se ha obsesionado con él y cuando la rechaza ésta decide desquitarse. Sí, la clásica “mío o de nadie”. La desgracia para Barnabas es que la mujer en cuestión es una bruja (literalmente) y se encarga de destruir a sus padres, a su amada… y convertirlo a él en un vampiro para que sufra por toda la eternidad. Y para más inri levanta a la gente del pueblo contra él y lo entierran “vivo” en un ataúd de hierro. Típico. Y así pasan casi doscientos años, hasta que en 1972, Barnabas es liberado de su prisión y se encuentra que el mundo ha cambiado. Y vaya que lo ha hecho. Pero igual para él primero es la familia, así sea una tan disfuncional como la que encuentra sobreviviendo en el semiderruido caserón que alguna vez llamara hogar.

Es obvio el toque de Tim Burton en esta película, la cual no es otra cosa que la adaptación de una serie de televisión de culto (allá en Estados Unidos, que acá en Perú no la conocemos ni en pelea de perros, valgan verdades) que él siguiera de niño allá entre fines de los 60’s y principios de los 70’s. Fan de ella tiene en su ambientación y la actuación de Jonny Depp (quien acá cumplió su sueño de infancia de “ser” Barnabas Collins) sus puntos fuertes. Escenarios de sabor gótico, pálidos semblantes, personajes bizarros, criaturas de la noche… sí, ese es Tim Burton.

Mención especial se merece la inclusión en contrapunto del mundo moderno setentero, con su música disco y su rock estridente (un ambiente que en algo me ha recordado al suburbio vecino a la mansión de Edward Manos de Tijera, aunque sólo sea por el contraste mundo “normal”-mundo Burton), haciendo épico el encuentro de un anacrónico Barnabas Collins con tan incomprensibles cosas como autos, luces eléctricas, teléfonos, satánicos letreros de Mcdonald’s, etc. Por otro lado, Elfman como siempre es un profesional al darnos un soundtrack que incluye la música de la época, dándole espacio inclusive al controversial Alice Cooper (“¡Pero qué mujer más fea!”, dice Barnabas) en un cameo interesante.

Ahora los puntos flacos: aún cuando Depp está genial como siempre, sus interacciones con los otros protagonistas se muestran un tanto forzadas, con excepción acaso de los encuentros y desencuentros “apasionados” con su némesis y acosadora inmortal (sí, la bruja aún vive), a la cual no se le entiende bien: ¿lo odia, lo ama, le tiene envidia? Pero igual, Eva Green (Angelique o Angie, para los amigos) cumple y llama la atención más (muchísimo más) que el supuesto interés romántico de Barnabas, Victoria Winters, interpretada por una fantasmal Bella Heathcote. Francamente yo votaba por la bruja. Vamos, que pudieron prescindir de ella y ni lo notaba. Pero no de Michelle Pfeifer ni de Helena Bonham Carter, que también hacen su trabajo. Tampoco cuaja la forma cómo Barnabas toma el puesto de patriarca familiar para rescatar a los Collins de su actual decadencia. Todos esos tropiezos al parecer han sido obra del guión, que recayó en Seth Grahame-Smith, autor de las delirantes novelas Orgullo y Prejuicio y Zombies y Abraham Lincoln, cazador de vampiros, la última de las cuales estrenará adaptación cinematográfica este año. Espero que allí haga mejor trabajo.

En general, esta comedia de terror más cercana a Beetlejuice que a La Leyenda del Jinete sin Cabeza, aun cuando no sea lo mejor de Tim Burton lejanamente tampoco es lo peor (dudoso honor que podría caberle a su Alicia o a El Planeta de los Simios): se deja ver y entretiene, lo cual dice mucho del profesionalismo de un director que, como él, así trabaje en piloto automático igual se ha ganado a pulso un sitio en la industria.

La yapa: Más imágenes en La Butaca, así como críticas más amplias.

Blancanieves y el Cazador (2012): La más (algo) de todas

2012-06-28T08:03:00.000-05:00

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Y para acabar de ver a todos los protas de Twilight en sus nuevas chambas, esta vez le llegó el turno a Kristen Stewart (aka Bella Swan). ¿Qué puedo decir de la película en que le ha tocado actuar? Bueno, como su nombre lo indica es una versión libre (hasta el delirio) del tradicional cuento europeo. Está el Rey, la Reina que muere dejando a su bella hija sola, la bruja que seduce al Rey y luego usurpa el trono, cierto Espejito, ciertos enanitos, y, claro, la princesa, tan dulce, virginal y con ganas de patear traseros…

Y es que eso es la “originalidad” de esta película, combinar el cuento de hadas con una “épica” lucha a lo Lord of the Rings por devolver el reino a su legítimo gobernante. O por lo menos eso intenta. Pero la verdad, machacarnos en una vuelta de forzado feminismo a la Srta. Stewart como la elegida y la que con su belleza sanará el mundo contaminado por la maldad de la usurpadora Ravenna (una eficiente Charlize Theron)… digo, ¿no?

Y sin embargo, hay flores en el Bosque Oscuro. La actuación de Theron que llena la pantalla con su presencia, a pesar de algunos disfuerzos, la de Chris Hemsworth (en su papel de Eric, el torturado cazador del título. Si les resulta conocido es porque es el Thor de The Avengers), las secuencias de los enanos, la presentación del mismo Bosque Oscuro (verdaderamente ominoso en su tenebrosa estampa)… Pero al final el guión y la misma realización hechan por tierra lo que quizás en otras manos hubiera tenido mejores resultados, quizás poniendo más énfasis en la parte oscura. La verdad ni las referencias a Mononoke Hime (una de las mejores obras de Miyazaki-sensei) me han llegado a ilusionar.

En general, espero que a la Srta. Stewart le toquen mejores trabajos en el futuro, quizás algo en que pueda explorar nuevas facetas. Hasta el momento en eso, Robert Pattinson (aka Edward Cullen, el vampiro vegetariano) tuvo más suerte con Agua para Elefantes.

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Los Juegos del Hambre (2012): Reality Shows los de mis tiempos

2012-06-20T08:15:00.000-05:00

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Los Juegos Del Hambre - Trailer oficial from Juegos del Hambre on Vimeo.

Es evidente que luego de que una de sus mejores franquicias este año estará llegando a su fin (hablo de Crepúsculo) los chicos de Hollywood ni tontos ni perezosos se han puesto a la caza de la siguiente veta en adaptaciones de populares sagas de best-sellers. La cuestión es aprovechar la fanaticada cautiva y atraer a más público. Y así pues, ahora les toca el turno a los libros de la Sra. Suzanne Collins. Sí, otra escritora. ¡Vaya que las mujeres estos años han estado de buenas en estas adaptaciones taquilleras!

Los Juegos del Hambre se desarrollan en un futuro post-apocalíptico en el país de Panem, lo que antiguamente era América del Norte. En este distópico porvenir el gobierno (conocido como Capitolio) en castigo por una rebelión acaecida décadas antes convoca cada año a los doce distritos para que envíen a un chico y una chica de entre 12 a 18 años bien por sorteo o bien voluntarios para hacerlos participar en una lucha a muerte de donde sólo uno saldrá con vida. El premio a obtener es fama y mucha riqueza. Y, claro, todo es televisado en vivo y en directo para la diversión general: un circo romano en toda regla.

Así, pues, en una pobre zona minera dentro del distrito 12 vive Katniss Everdeen, una chica de 16 años, cuyo padre muriera años antes en un accidente de socavón. Por ello, para ayudar a mantener a su madre y a su hermana pequeña, Katniss se dedica a la caza en los bosques fuera de los límites de su zona para intercambiar lo conseguido en el mercado negro local, llegando a adquirir gran habilidad como arquera. Y ese es todo su horizonte: sobrevivir. Entonces llega una nueva elección de Tributos para la 74º edición de Los Juegos del Hambre, la primera vez que su hermana pequeña, Primrose, participa, ocurriendo lo inesperado encarnado en su elección; así que para salvarla de una muerte segura Katniss se ofrece voluntaria para ir en su lugar junto con su vecino Peeta Mellark, el Tributo varón del distrito 12. Puestos a las manos de un estilista que buscará que den la mejor impresión posible para que obtengan los auspicios necesarios que les den alguna ventaja, y del antiguo Campeón de unos anteriores Juegos que les servirá de mentor y entrenador, Katniss y Peeta marchan a la capital sabiendo que quizás no volverán a ver a sus seres queridos.

Mucho tiene que agradecer esta película a varios referentes cinematográficos evidentes (o no tanto), como Battle Royale, Gymkata, Logan’s Run, THX-1138, 1984, Death Race, etc. En ese punto se nota que los realizadores han hecho su tarea, aunque quizás otros pueden pensar que exageraron. En todo caso, al menos sirve como trivia. Ahora bien, en lo que respecta a la película y su narración en sí, digamos que después de un inicio un tanto complicado, merced al abuso de la cámara en mano, el filme agarra viada a partir de las escenas de los preparativos de los Tributos para los Juegos en sí para volverse a complicar en su secuencia final, donde tenemos un desenlace bien a lo Deus Ex-Machina.

En cuanto a las actuaciones, no han estado tan mal los protagonistas, sobretodo la actriz Jennifer Lawrence en su papel de joven aguerrida. Quizás si dé talla para la secuela que está cantada dado el éxito de esta primera adaptación.

Ahora bien, el tema… La verdad que en ese punto la crítica social implícita en la película se desaprovecha en tibiezas, a excepción de una secuencia en que se muestra los disturbios en un distrito por la mala muerte de uno de sus Tributos. ¿Qué tipo de régimen es el Capitolio? ¿Cuáles son las relaciones entre y dentro de cada distrito? Supongo que en el libro se habrán dado más detalles, y es posible que se ahonde en ese conflicto en las posteriores entregas cinematográficas de las siguientes novelas de la saga.

En conclusión, al menos no parece ser un nuevo Crepúsculo… aunque sólo sea porque la protagonista no me ha caído mal. Y a pesar de que también anuncia un triángulo amoroso.

La yapa: Más imágenes en La Butaca, así como críticas más amplias.

Nota: Ya tenía este post comenzado hace un tiempo, pero por alguna razón se me “traspapeló”.

Los Descendientes (2011): Grande Clooney Pá

2012-03-27T22:12:00.000-05:00

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Gran sorpresa me fue que el multicine local se haya atrevido a traer esta película; quizás los he menospreciado, o quizás el hecho de que fuera fuerte candidata al último Óscar les haya decidido a mostrárnosla… o talvez no tenía suficientes blockbusters palomilleros este mes… qué más da. El hecho de ver a George Clooney en estado de gracia no tiene pierde.

Matt (George Clooney) es el típico padre de familia a quien su dedicación al trabajo (es un reconocido abogado) le pasa factura. Tiene problemas con su esposa, una mujer aficionada a los deportes de riesgo, y con sus hijas no le va mucho mejor. Eso hasta que un día justamente su mujer sufre un accidente de lancha que la deja en coma y él tiene que asumir mayores responsabilidades con sus dos hijas de 10 y 17 años y, sobretodo, poner al tanto a la familia y amigos cercanos de la decisión que se ha tomado sobre aquella. Y sin contar que su propia familia (la de él, descendientes de una princesa de la estirpe de Kamehameha y un banquero… historia de amor muy buena) está en conversaciones para vender unos grandes y preciosos terrenos junto al mar, alguna de la última tierra virgen hawaiiana, para convertirla en otro desarrollo turístico más. En estas idas y venidas Matt descubre la infidelidad de su mujer, lo cual lo pone a reexaminar su pasado, tratando de cerrar el ciclo mientras trata de acercarse más a sus hijas.

Ambientada en el archipiélago de Hawaii pero sin caer en la facilidad de abusar de una ambientación de postal turística (el mismo Matt nos avisa desde un principio que Hawaii no es necesariamente un paraíso), Alexander Payne (el director, responsable también de Entre Copas, con la que ganara un Óscar a mejor guión adaptado… plato que repitió con Los Descendientes) nos entrega una a ratos graciosa, a ratos dramática (aunque sin llegar al facilismo del melodrama tampoco) historia familiar. Mucho de su efecto claro son las soberbias actuaciones de George Clooney y Shailene Woodley (la joven que hace de Alexandra, la rebelde hija mayor de Matt) como del apoyo de un reparto variopinto aunque mas relleno que otra cosa y una banda sonora muy linda, pero también de un ritmo narrativo muy lineal y sin muchos sobresaltos, lo cual la puede hacer parecer algo cansina. Y es que Payne lo que busca no es tanto el estallido emocional barato sino mostrarnos a un hombre que busca arreglar y poner en orden su vida, sus relaciones, su propia herencia y su legado, y que por momentos roza el minimalismo de los sentimientos de gente común y corriente, componiendo una historia muy cálida, humana y optimista.

En resumen, espero que les alcance el tiempo para ir a verla antes de que salga de cartelera (las películas que pasan cual bólidos no creo que sean sólo una excepción en mi ciudad), preferiblemente con alguien al lado para conmoverse con ciertas partes que seguro querrán compartir con alguien.

La yapa: Más imágenes y varias críticas más detalladas en La Butaca.net.

La Chica del Dragón Tatuado (2012): Hola de nuevo, Lisbeth Salander

2012-03-22T23:14:00.000-05:00

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Muy bien, luego de las demoras habituales para su estreno en mi localidad (bueno, fue peor con otro reciente remake de película sueca, Déjame Entrar, debo decir) pagué mi entrada para ver lo que David Fincher había hecho adaptando la novela Los Hombres que No Amaban a las Mujeres, la primera parte de la Saga Millenium… Obvio, no es el Fincher de Seven o de El Club de la Pelea… pero Fincher es Fincher y lo hace bastante bien (como lo hizo con La Red Social valga recordar) y sale mas o menos aprobado del gran reto que tenía entre manos cuando aceptó encargarse de la versión estadounidense del reputado bestseller del fallecido autor sueco Stieg Larson, adaptada al cine notablemente por el también escandinavo Niels Arden Oplev el 2009. Una valla alta para uno de los mejores directores estadounidenses en activo.

Mikael Blomkvist es un periodista caído en desgracia. Merced a una trampa en la que cayó, es sentenciado por difamar al corrupto industrial Hans-Erik Wennesrstöm quedándose sin ahorros, con la reputación por los suelos y herido en su amor propio. En estos apuros a través de cierto abogado es invitado a la algo apartada localidad de Hedestad para que el empresario retirado Henrik Vanger le haga una oferta suculenta: Con la pantalla de estar supuestamente redactando sus memorias, investigar la desaparición (y posible homicidio por parte de un familiar) de su querida sobrina Harriet que ocurriera cuarenta años atrás. El bonus, aparte de unos honorarios muy generosos, es la promesa de recibir la cabeza de Wennesrstöm (que iniciara su carrera justamente en el Grupo Vanger) en bandeja de plata. Puesto a trabajar, Blomkvist encontrará que la verdad tras de la desaparición de Harriet es aún más sórdida que lo que podría imaginar, remontándose al oscuro pasado de varios de los integrantes de su disfuncional familia. Para ayudarle en ello, recibirá la valiosa asistencia de la menuda Lisbeth Salander, una hacker de clase mundial, inteligente, de carácter fuerte, dada a resolver sus problemas por su cuenta y que trae tras de sí su propio difícil pasado que la ha condenado a ser una marginal.

Para empezar es claro que Fincher no ha tomado mucho como referencia la película de Oplev, haciendo una adaptación en general más cercana al libro, cosa que se ve cuando toca algunos puntos con más detalle, como la relación de Lisbeth con su primer tutor, el abogado Holmer Palmgreen, la apariencia más andrógina (¿o debería decir alienígena?) de la hacker, y el epílogo luego del clímax, salvo un par de detalles diseñados para sorprender con el giro.

La música va bien, pero es en la ambientación donde se nota que se ha puesto esmero para crear un ambiente más ominoso y siniestro. Es notable la secuencia en cierta casa de arquitectura moderna y cómo nos golpea con las imágenes de los asesinatos en la parte de la investigación en sí. Incluir la participación del personaje de la hija de Blomkvist quedó mejor que el giro que le dio Oplev. Los protaginistas van bien, quizás es mejor Daniel Craig que Rooney Mara (que no llega al carisma de Noomi Rapace, lamentablemente).

Dentro de lo malo, debo mencionar que no me quedó claro en qué momento Blomkvist y Salander se hacen más “íntimos” al punto que llega ésta a aquel revelarle parte de la razón de porqué es una pupila del Estado. Ese punto (como hizo ver el amigo Shigure) matará la intriga de la posible secuela; Oplav también hizo algo parecido, pero al menos él fue más discreto. Y, bueno, el ya mencionado epílogo que -sí- después del clímax se hizo muy largo. Y no digo el título misio con que llegó a Latinoamérica, traducido de la traducción estadounidense de la novela… ¡Por favor! Ni era tan grande el tatuaje.

El Gato con Botas (2011): El inicio de la leyenda… ¡miau!

2011-12-27T23:06:00.000-05:00

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El Gato con Botas es acaso uno de los personajes favoritos de las películas de Shreck, producto acaso de la magia de sus ojitos tiernos y de su voz de hidalgo español que Antonio Banderas le presta (tanto en las versiones ánglicas como las castellanas, ¡olé!). Por ello no era ningún absurdo el que desde el éxito de su primera aparición (Shreck 2, donde se robó la película) los chicos de Dreamworks hablaran de darle su propio protagónico. La verdad que su buen tiempo se han demorado, consecuencia al parecer de los disímiles resultados que tuvieron las dos últimas secuelas de la historia del ogro verde… no en taquilla claro. Pero ya con todos los cabos atados, este mes por fin se hizo el estreno… como para hacer antesala a la temporada navideña. Merry Christmas!

En un pueblito muy muy lejano (OK, no), un pequeño gatito acaba en un orfanato con otros muchos niños huérfanos. Allí conoce y se hace amigo de Humpty Alexander Dumpty, un chico-huevo obsesionado con hallar los frijoles mágicos del cuento de un tal Juanito, escalar la planta mágica, entrar al castillo del gigante y conseguir la Gansa Dorada. Con Gato juran realizar este sueño, pero unas cuantas circunstancias (que incluyen una vil traición) los separan, convirtiéndose Gato en un fugitivo de la justicia y cat-lover. Después de varios años, los ex-amigos se reencuentran y retoman esa búsqueda con la ayuda de Kitty Patitas Suaves, una “gatita muy mala” (en palabras de Gato). Sin embargo, tal aventura sólo será el comienzo.

Con una simpática historia que logra agradar tanto a padres como a hijos, una banda sonora y una animación dignas, El Gato Con Botas es una buena opción para ir en matiné. Quizás tarde en agarrar cuerpo hasta que se inicia la aventura en sí, pero de allí en adelante la acción transcurre rápida y suavemente hasta el desenlace. En resumen, es efectiva como entretenimiento, usando del mismo esquema de la saga de donde salió su felino protagonista de usar los cuentos de hadas tradicionales (en parte de forma paródica y en otra actualizándolos) para armar una historia de amistad y reinvindicación. Y tiene buenos gags.

Por último, si quieren leer el verdadero cuento de El Gato con Botas pueden echar un vistazo a este post.

Sin Escape (2011): De la piel de lobo quizás aún no

2011-09-28T22:35:00.001-05:00

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Es evidente que para Taylor Lautner es una necesidad imperiosa el empezar a dejar atrás su papel de Jacob Black, el hombre lobo bueno por el que buena parte de las chicas crepusculosas suspiran (siempre y cuando no están embobadas por cierto vampiro crudo vegetariano), puesto que en noviembre próximo se estrenará la primera parte de Amanecer, la adaptación del último libro de la saga de Crepúsculo y al año que viene la segunda. Muchas satisfacciones le habrá dado (no sólo económicas) ese rol, pero es una etapa y a menos que se mueva podría correr el riesgo de desaparecer completamente del firmamento como otras jóvenes estrellas antes que él (tal el caso de los que interpretaron a Luke Skywalker y la Princesa Leia en la Trilogía original de Star Wars, por ejemplo).

Así que alejándose de su papel de tercer vértice en el triángulo amoroso creado por la Sra. Myers, decidió ponerse a las órdenes del director Jhon Singleton (Los Chicos del Barrio, Shaft, entre otras) en un proyecto donde pudiera demostrar sus habilidades de artista marcial y su “capacidad actoral”. El resultado es Sin Escape (título origina: Abduction), una simple y honesta película de acción con persecuciones, balas, peleas, una chica rebuena (Lily Collins, que hizo de la hija del personaje de Sandra Bulock en The Blind Side) con ciertos toques de Bourne y los clichés inevitables.

Nathan Harper es en apariencia un chico común de preparatoria, importante miembro del equipo de lucha de su plantel, al que le gustan las fiestas y hacer alguna locura de vez en cuando, además de estar enamorado de su vecina y compañera de clases, Karen (aunque de un saludo y ciertas miraditas no pasen). Sin embargo, desde que se acuerda ha tenido la sensación de ser “un extraño en su propia vida”, a pesar de todo el cariño y respeto que tiene hacia sus padres, y que se exterioriza en sentimientos de rabia por los que va periódicamente donde una psiquiatra. Aparte de eso, todo bien.

Sin embargo esta tranquila vida se ve sacudida cuando descubre en una web de niños desparecidos su propia imagen y entonces empieza a preguntarse si a los que llama padres son en verdad sus padres, y si su vida no será una elaborada mentira. No tiene mucho tiempo de ahondar en la verdad con sus “padres” porque pronto debe huir para salvar su vida y la de su amiga Karen, al volverse blanco de unos asesinos entrenados y de la mismísima CIA que lo buscan vaya a saber por qué. Concluyendo que la respuesta a la pregunta de quién es él y la vía de su salvación son lo mismo, inicia una carrera en búsqueda de su pasado.

Como película de acción es cumplidora en el sentido de que no te hace bostezar, pero no notable. Como adelanté, ya desde el poster se olía un tufillo a la saga de Bourne (que tanto éxito le ha dado a Matt Damon) en el asunto de la búsqueda de su pasado perdido y de su propia identidad. Sin embargo en ese punto el drama del abandono/pérdida de sus padres no llega a ser “dramático” (ni lo necesita), pues el peso de la película está en la persecución en sí y los esfuerzos del personaje de Lautner para evadirlos y encontrar las pistas que lo lleven a encontrar la verdad de su origen. Pura acción física en que se luce la joven estrella con el trabajo que hizo en su cuerpo (y que ya exhibiera constantemente en la Saga Crepúsculo, al punto de ser una una de las más celebradas parodias de esa cosa llamada Vampires Suck). Definitivamente el papel lo hicieron a su medida. En cuanto a su expresividad… digamos que aún le falta camino que recorrer (bastante, qué rayos) para ganar un Óscar algún día. Por ello se agradece la inclusión de buenos y experimentados actores como Sigouney Waver, Alfred Molina o Jason Isaacs que le dan cierta solvencia a la historia. En conclusión, si no hay nada más interesante en cartelera puedes ir a verla.

El Trailer:

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La Yapa: La web oficial de la distribuidora en Latinoamérica acá.