Google Wave wurde als die Revolution in der Online-Kommunikation angekündigt. Ob es das wirklich ist, vermag ich nicht zu sagen. Aber es ist ein hilfreiches Tool, mit dem man sehr gut zusammen arbeiten kann. Wenn ich mich weiter vertraut damit gemacht habe, werde ich Google Wave in einem eigenen Beitrag vorstellen.

Falls Sie Google Wave noch nicht kennen, können Sie im folgenden Video erfahren, worum es geht:

Weitere Informationen finden Sie auf der Google About-Seite. Für alle, die Google Wave selbst ausprobieren wollen, habe ich acht Einladungen. Schicken Sie mir einfach Ihre Emailadresse, entweder hier als Kommentar (Sie müssen Ihre Emailadresse nicht öffentlich angeben, sie wird abgefragt, wenn Sie einen Kommentar eingeben) oder per Mail. Ich trage Sie dann in eine Einladungsliste ein und Sie erhalten in der Regel innerhalb von 24 Stunden eine Nachricht von Google.

Update: die Einladungen sind alle vergeben, danke für das Interesse. Ich hoffe, ich bekomme wieder welche…

Public Enemy sind aktuell ein schönes Beispiel für das Thema Cowdfunding. Auf der Crowdfunding-Plattform SellaBand versuchen sie gerade, 250.000 USD für ihre kommende CD-Produktion einzusammeln. Mit 25 USD ist man als sogenannter „Believer“ dabei und erhält im Gegenzug die produzierte CD. Seit gut eineinhalb Monaten sind sie auf der Plattform vertreten und haben in dieser Zeit knapp 70.000 USD einsammeln können.

Crowdfunding heißt also: möglichst viele UnterstützerInnen beteiligen sich mit – in der Regel – geringen Beträgen an der Finanzierung eines Vorhabens. Oder, um Wikipedia zu zitieren:

„Crowd funding (…) is an approach to raising the capital required for a new project or enterprise by appealing to a maybe large group of people (a Crowd) for even small contributions.“

Wer versucht, auf diese Weise Geld für sein eigenes Vorhaben zu sammeln, wird recht schnell auf die Frage stoßen, auf welchem Weg das Geld transferiert werden soll. Welche Erfahrungen gibt es mit den verschiedenen Systemen bzw. Anbietern?

Um diese Themen wird es beim nächsten Online-Webmontag gehen, der am 23. November (kommender Montag) um 19 Uhr stattfindet. Organisiert wird er von David Röthler und mir, die Teilnahme ist wie immer bei den Webmontag-Veranstaltungen kostenlos. Alle Informationen zu dieser Veranstaltung finden Sie im Wiki, unter anderem auch den Link, um dabei sein zu können.

Wenn Sie einfach nur zuhören und mitchatten wollen, brauchen Sie nur eine halbwegs schnelle Internetverbindung und einen funktionierenden Lautsprecher. Möchten Sie mitdiskutieren, dann empfiehlt sich ein Headset. Headset deshalb, weil es sonst über Ihr Mikrophon zu Rückkopplungen kommt.

Übrigens: falls Sie selbst etwas zu diesem Thema zu erzählen haben oder ein eigenes Crowdfunding-Projekt vorstellen wollen, sind Sie herzlich dazu eingeladen.

Eine Idee ist (in der Regel) schnell geboren. So begeistert ich von ihr bin, bevor ich sie in die Tat umsetze, sollte ich mir überlegen, ob ich selbst über die entsprechenden Fähigkeiten verfüge und wie die Rahmenbedingungen aussehen.

Herausfinden kann ich das mit Hilfe der SWOT-Analyse. SWOT steht dabei für Strengths, Weaknesses, Opportunities und Threats. Und wie funktioniert die SWOT-Analyse? Wenn Sie sich fünf Minuten Zeit nehmen, dann erfahren Sie in diesem Video, wie Sie dabei vorgehen können.

Vor mehr als vierzig Jahren schrieben William J. Baumol und William G. Bowen den Klassiker „Performing Arts – The Economic Dilemma“ , in dem sie konstatierten, dass in diesem Bereich Produktivitätssteigerungen nicht möglich seien, um den Anstieg der Kosten aufzufangen. Diese Lücke zwischen Einnahmen und Ausgaben wurde im Laufe der Jahre immer größer und lässt sich, zumindest in unseren Breitengraden, nur durch öffentliche Förderungen schließen.

Wie es um die öffentlichen Haushalte bestellt ist, wissen wir alle. Was das für die Theater bedeutet auch, denn Armin Klein hat in seinem Buch „Der exzellente Kulturbetrieb“ festgehalten, dass bei den deutschen Theatern in der Spielzeit 2003/2004 die öffentlichen Zuwendungen 83,4% der gesamten Einnahmen ausmachten. Zwei Jahre später lag dieser Anteil laut der Statistik des deutschen Bühnenvereins immer noch bei knapp 82%.

In den USA stellt sich die Situation etwas anders dar (siehe dazu meinen Beitrag „Wie sich Kunst finanziert„), aber von den Ticketeinnahmen können die Theater, abgesehen von den Broadway-Bühnen, auch nicht leben. Während bei uns höchstens der Ruf nach höheren Förderungen laut wird, beschäftigen sich in den USA verschiedene Blogautoren mit möglichen Modellen der Theaterfinanzierung. Einen sehr interessanten Ansatz hat Chris Ashworth entwickelt. In seinem Beitrag „Toward A New Funding Model for Theater“ stellt er die Frage,

„How far away is the current theatrical model from representing a successful for-profit business?“

Die Theater würden, so schreibt er weiter, ca. 25 bis 40% ihrer Einnahmen über den Ticketverkauf generieren. Würden sie das ändern wollen, sähe das so aus:

„Let’s say I’ve got a 100 seat theater. Let’s say I’ve got 10 people in my company. Let’s say I want to pay them each 50K a year. Let’s say I run shows Thursday, Friday, Saturday, and Sunday, that each show I produce runs a month, and that I do six shows a year. A solid schedule. That makes 96 days a year I’m opening my door, or 9600 seats I can possibly sell. If I sell every single one of those seats, I’d have to sell them at over fifty bucks a ticket to pay my company members, and I’d have nothing left for rent, production costs, or anything else.“

Um also nur die Personalkosten decken zu können, müssten in diesem Fall die Tickets über 50 USD kosten. Bei einem solch hohen Preis wäre wahrscheinlich die Nachfrage gering, d.h. das Theater bliebe auf seinen Karten sitzen.

Überhaupt hält er den Verkauf von Tickets in der jetzigen Form für überholt. So stellt dieses System für ihn ein Transaktionsmodell aus dem Industriezeitalter dar (Ashworth verweist in diesem Zusammenhang auf das Blogpost „Pay Attention! If Selling Tickets Is Your Business Model, You’ve Got A Problem“ von Douglas McLennan). Zwei weitere Einwände:

• „If we pay undue attention to commercial metrics like ticket sales, aren’t we missing the point of our mission as a theater?
• Doesn’t the entire concept of tickets inherently damage the arts, by dividing us into art producers and art consumers?“

Trotzdem steht er dem Prinzip künstlerische Erfahrung im Austausch gegen Geld nicht ablehnend gegenüber (einen völlig anderen Weg formuliert Lewis Hyde etwa in seinem Buch „Die Gabe“ ; siehe dazu meine Beiträge „Von „Business Skills“, Nutzendenken und der Kunst“ und „Kunst und die Marktwirtschaft„), denn

„it is not a bad thing for me to measure how many people experience my art.“

Den in meinen Augen entscheidenden Grund formuliert Ashworth so:

„Your artistic risks should be buffered by the strength of your connection to your audience, not by your financial independence from them.“

Das heißt, statt sich von den Zuschauereinnahmen unabhängig zu machen und stattdessen auf – in unserem Fall – öffentliche Förderungen zu setzen, schlägt er den umgekehrten Weg vor. Allerdings gilt es dabei, die Idee des Ticketverkaufs neu zu erfinden, wie er schreibt.

Wenn wir heute ein Ticket für eine Aufführung im Theater kaufen, dann bekommen wir als Gegenleistung das „künstlerische Endprodukt“ zu sehen. Damit stehen die Tickets, so Ashworth, für ein Nebenprodukt, denn „Art is about the process“. Das heißt, vom eigentlichen künstlerischen (Entwicklungs)-Prozess bekomme ich trotz Ticketerwerb gar nichts mit. Dieser Prozess enthält für Außenstehende spannende, aber auch langweilige Momente. Für ein Theater besteht die Herausforderung darin, den Produktionsprozess so zu designen, dass es gelingt, zu den Zuschauern eine Beziehung aufzubauen.

Das heißt, das Ticket steht nicht mehr für das Endprodukt, die Aufführung, sondern ist die Eintrittskarte zu einer Community (siehe dazu Chris Brogan: „Audience or Community„). Oder mit den Worten Ashworths:

„(…) tickets transform from an artifact of a transaction into an artifact of a relationship.“

Bezahlt wird nicht für ein fertiges Produkt, sondern für „Access„, wie es Ashworth formuliert. Oder:

„It means you sell memberships, not tickets. It means that if I pay you ten bucks a month, I get access. I can visit every rehearsal. I get a guaranteed ticket to every show you do.“

Am Ende steht dann so etwas wie ein monatlicher Mitgliedsbeitrag und nicht mehr das Ticket für die Aufführung eines bestimmten Stückes an einem bestimmten Tag.

Da Chris Ashworth hauptberuflich mit der Entwicklung von Softewareprodukten zu tun hat, erkennt er das Potenzial der Technologien, die uns heute bereits zur Verfügung stehen:

„Live stream your shows. Post daily rehearsal photos on Twitter. Invest in a qualified videographer, and use the hell out of them. Build a living production document of every show online. Let your audience see how a scene is evolving from rehearsal to rehearsal with a quality video record of the evolution. Annotate each clip with a description of the director’s instructions, of the actor’s new choices, of the salient theatrical choices that made this version of the scene different from the last version. Put them up in a timeline. Let us see the process unfold, even when we can’t be in the room. Let me see how a scene is taken from a written blueprint to a live performance. Edit out the boring stuff.“

Ein entscheidender Faktor ist für ihn, dass die Mitglieder dieser Community dann auch an Entscheidungs- bzw. Entstehungsprozessen teilhaben und ihre Gedanken, ihre Kreativität einbringen können. Aber:

„I’m not saying you should run your theater by popular vote, I’m saying give your audience a chance to affect what you do.“

Dieses Modell führt dazu, dass ein Theater sein finanzielles Risiko minimieren kann, denn statt der von Ashworth als Beispiel angeführten 96 Aufführungen pro Jahr, kann es an 365 Tagen im Jahr Geld verdienen.

„Well, instead of selling 9600 tickets at 52 bucks a pop just so we can cover salary, we get to focus on signing up 4200 members at 10 bucks a month for the same result. We’re asking a lot fewer people for a little more money, and we’re giving them a lot more art in return“,

schreibt er. Das Ergebnis: statt die Zeit damit zu verbingen, öffentliche Förderungen zu beantragen, könne sich ein Theater um seine Community, um den Aufbau von Beziehungen kümmern.

Wenn Ashworth meint, dass die Mitglieder der Community an den Prozessen beteiligt werden sollen, dann werden wahrscheinlich bei manchen die Alarmglocken schrillen. Ashworth trennt aber weiterhin zwischen den Künstlern, also den Experten, und dem Publikum. Die Trennung zwischen Produzent und Konsument ist also nur im Ansatz aufgehoben.

Sehr viel weiter geht Scott Walters, der in seinem Blogpost „(Netflix + YouTube) / (time = money)“ das Modell Ashworths aufgreift und um die, ich würde sagen, Web 2.0-Komponente erweitert.

Für Walters bedeutet das Social Web, der User kann aktiv werden, Stichwort user-generated-content. Und genau diesen Punkt möchte er dem Modell hinzufügen. Auch Scott Walters ist für eine monatliche Gebühr (wie sie das von ihm genannte Videoportal Netflix anbietet), allerdings sieht er vor allem bei kleinen Bühnen das Problem, dass diese nicht über genügend Content verfügen. Das heißt, es bedarf einer Ergänzung, auf die z.B. YouTube setzt, wie er schreibt.

YouTube erfüllt seiner Meinung nach zwei Funktionen. Zum einen kann man dort seine eigenen künstlerischen Werke vorstellen. Auf der anderen Seite ermöglicht man es anderen, das dort online gestellte Werk weiter zu entwickeln. Auf das von Ashworth entwickelte Modell heißt das, dass wir nicht nur die Werke der Künstler zur Verfügung haben, sondern auch die der Community. Damit wäre nach Walters Vorstellung das Problem der fehlenden Inhalte gelöst. Das die von unterschiedlicher Qualität sein können, stört Walters nicht, denn

„The artistic staff’s job is not to serve as gatekeepers, but rather to encourage community creativity and to provide as much variety as possible. The artists can lead through their own work,of course, providing things to aspire to. And they can (and should) help improve skills through teaching as well as facilitation. But if you buy a monthly membership, you are buying a chance to be a creator“,

schreibt Walters weiter. Das Ziel formuliert er so:

„The goal is to keep the space humming with activity, beacuse ultimately the priority is the creation of community, or what Robert Putnam calls social capital.“

Einen Haken hat dieses Modell aber noch, denn die Nachfrage wird ja nicht automatisch generiert, wie auch die vielen ungesehenen Videos auf YouTube beweisen. Das heißt:

“ (.) if your goal is to get as many people spending face-to-face time together as possible, if you want people to try out a variety of arts events, then there needs to be a little extra motivation.“

Seine Idee: nur wer die Angebote nicht in Anspruch nimmt, zahlt die volle Monatsgebühr. Für jeden „Besuch“ gibt es also eine Art Rabatt. An dieser Stelle wird dann auch die Überschrift des Beitrags „(Netflix + YouTube) / (time = money)“ verständlich.

Nun könnte man vielleicht noch einen Schritt weitergehen und es den Mitgliedern der Community überlassen, welchen Betrag sie zahlen wollen. Ich denke, die katholische Kirche ist dafür ein schönes Beispiel (auch im Sinne des Community-Building; darauf gebracht hat mich Adam Thurman mit seinem Beitrag „Saving Souls„), die ja – mal abgesehen von der Kirchensteuer – auf das Prinzip des freiwilligen Gebens setzt. Von der Kollekte bis zur Erbschaft, die ihr vermacht wird.

Vor diesem Hintergrund kann man dieses Modell auch als einen interessanten Crowdfunding-Ansatz begreifen. Statt der öffentlichen Förderung, bei der das Risiko der Ablehnung sehr groß sein kann, verteile ich das Risiko auf die vielen Mitglieder der Community. Interessant ist die Frage, wie hoch z.B. die monatliche Gebühr anzusetzen wäre? Nach welchen Kriterien lässt sich das entscheiden?

Diese Fragen lassen sich sicher am nächsten Online-Webmontag diskutieren, der am 23. November 2009 um 19 Uhr stattfinden wird und sich mit dem Thema „Crowdfunding & Online Payment“ beschäftigen wird. Wenn Sie Lust und Zeit haben, seien Sie doch einfach online dabei. Informationen, Link und Anmeldungsmöglichkeit finden Sie hier.

Darüber hinaus interessiert mich aber nun aber natürlich Ihre Meinung zu diesem Ansatz oder Modell. Was halten Sie davon? Wo sehen Sie Probleme, welche Ergänzungen sind nötig oder lässt sich so etwas bei uns Ihrer Meinung nach gar nicht umsetzen?

Häufig ist die Rede davon, wie interessant das Social Web für Fundraising-Aktivitäten ist. Wie sieht das aber konkret im Sponsoring-Bereich aus? Theoretisch ist klar, dass man z.B. interessante Unternehmen über Twitter, Facebook oder Xing ansprechen kann. Wie sieht aber die Praxis aus?

Ich würde gerne einen Beitrag zu diesem Thema scheiben und bin im Rahmen der Recherche auf der Suche nach Kultureinrichtungen oder Personen, die das schon ausprobiert haben (oder gerade dabei sind bzw. etwas in dieser Richtung planen) und bereit sind, mir ein paar Fragen zu beantworten. Oder vielleicht kennt jemand ein gutes Beispiel, an dem er/sie aber nicht selbst beteiligt war?

Über Rückmeldungen würde ich mich freuen.

Vor mehr als zweieinhalb Jahren habe ich in einem Beitrag die Fördermöglichkeiten für den Kunst- und Kulturbereich in Österreich auf Bundes- und Landesebene zusammengefasst. Zeit, diese Infos zu überarbeiten und die Links zu aktualisieren.

Wer auf der Bundesebene um Förderungen ansuchen möchte, startet am besten auf der Website des Bundesministeriums für Unterricht, Kunst und Kultur. In diesem Ministerium ist die Kunstsektion angesiedelt, über die zahlreiche Förderungen vergeben werden. Im Förderungskatalog sind dort alle Programme und Maßnahmen aufgelistet.

Wichtig: Förderungen im Bereich der Museen sind in der Kultursektion angesiedelt, Infos dazu gibt es hier.

Weiterhin im Bundesministerium für europäische und internationale Angelegenheiten oder kurz gesagt im Außenministerium ist die Auslandskultur zu finden. Interessant ist hier der Aktionsplan, in dem es heißt, dass das operative Budget mittelfristig erhöht werden soll. Standardisierte Antragsverfahren gibt es dort nicht.

Zu den Bundesländern:

• Im Burgenland ist alles beim Alten geblieben. Über die Einstiegsseite burgenland.at gelangen Sie zum Bereich der Kulturförderungen, in dem Sie alle relevanten Informationen inkl. Antragsformular finden.
• Sind Sie in Kärnten auf der Suche nach Informationen zum Thema Kulturförderungen, dann steigen Sie am besten über diese Seite ein. Von dort geht es dann weiter zum Kultur Channel Kärnten, der ein eigenes Untermenü Förderungen enthält.
• In Niederösterreich stimmen die alten Links nicht mehr. Über das Portal Niederösterreich gelangen Sie zum Ressort Kunst & Kultur, wo Sie sich dann spartenspezifisch über Fördermöglichkeiten informieren können (rechte Menüleiste).
• Alles gleich geblieben ist in Oberösterreich: Über das Portal des Bundeslandes gelangen Sie zur Kultur und zum Thema Förderungen.
• Auch in Salzburg hat sich nichts verändert: Das Land Salzburg ist über salzburg.gv.at zu erreichen, von wo aus Sie zum Bereich Kultur und zu den Förderinformationen kommen.
• In der Steiermark gelangen Sie über die Portalseite zum Kunst- und Kulturbereich und den Informationsseiten zum Thema Kulturförderungen.
• Auch Tirol verfügt über eine eigene Portalseite, über die man zur Unterseite Kultur und den Informationen zum Thema Förderungen gelangt.
• In Vorarlberg: Portal; Überblick Kunst & Kultur; Infos über Förderungen
• Und zum Abschluss Wien, wo die alten Links gelten: Portal; Kunst & Kultur; Infos über Fördermöglichkeiten

Auch hier gilt: wenn Sie einen toten Link entdecken, informieren Sie mich bitte. Entweder per Email oder einfach in einem kurzen Kommentar.

© Rainer Sturm; Pixelio

Der Wunsch, mit Hilfe des Social Web zusätzliche Einnahmen zu generieren ist naheliegend. Man erreicht dank des Multiplikatoreffekts eine Vielzahl von Menschen, die sich dann hoffentlich für einen interessieren und entweder die angebotenen Produkte erwerben, die Veranstaltungen besuchen oder einem auf Spendenbasis Geld zukommen lassen.

Während der einfache Hinweis auf ein Produkt oder eine Veranstaltung häufig genügt, um jemanden zum Kauf oder Besuch zu bewegen, ist die Herausforderung, jemanden zum Spender werden zu lassen, eine ungleich größere.

Und noch größer ist die Herausforderung, wenn es darum geht, Online-Fundraising zu betreiben. Während es in verschiedenen NPO-Bereichen durchaus schon Beispiele gab, die zeigen, dass Online-Fundraising funktionieren kann, vor allem im angelsächsischen Raum, schaut es bei uns im Kunst- und Kulturbereich noch eher traurig aus.

Die Gründe dafür sind nicht neu. Einerseits ist die Finanzierung von Kunst und Kultur dem allgemeinen Verständnis nach Sache des Staates. Andererseits beginnt sich die Akzeptanz, Geld online zu überweisen, erst so allmählich herauszubilden und drittens sind die Transaktionskosten vor allem wenn es um kleine und kleinste Beträge geht, einfach noch zu hoch.

Nun kann man daraus verschiedene Schlüsse ziehen. Wer die genannten Hürden – und vielleicht noch weitere – in den Vordergrund stellt, wird wahrscheinlich zu dem Ergebnis kommen, dass sich Online-Fundraising nicht lohnt und wird in dieser Hinsicht nicht aktiv. Oder man geht davon aus, dass der Zug irgendwann einmal ins Rollen kommt und versucht möglichst bald Position zu beziehen, um dann gerüstet zu sein.

Eigentlich ist die Ausgangssituation für den letzteren Ansatz ideal, denn der Weg von einem Facebookprofil zum ersten eingenommenen Fundraising-Euro ist ein weiter. Wenn es heute auf dieser Basis noch nichts zu verdienen gibt, dann lohnt es sich trotzdem, eine entsprechende Community aufzubauen. Schließlich steht nirgendwo geschrieben, dass es einem erst jemand vormachen muss. Warum sollen nicht Sie die oder der erste sein, der/dem es gelingt, im Social Web erfolgreiches Fundraising zu betreiben?

Sehr hilfreich in dieser Hinsicht ist das Blogpost „The Right Way to use Social Media for Fundraising: Wildlife Direct“ von Beth Kanter. In ihm listet sie einige Punkte auf, die ihrer Meinung nach für Fundraising-Aktivitäten im Social Web wichtig sind. Zwei Punkte möchte ich dabei herausgreifen:

• „Build your network before you need it.  Don’t have your first interaction be a request for money.
• Focus on engagement and relationship building all the time.  You don’t have to be doing it at hyper level at the time, but remember relationship building doesn’t have an on and off switch.“

Ihre Anmerkungen erinnern mich an Chris Brogans Beitrag „Audience or Community„, in dem er die Unterschiede zwischen  Publikum und Community sehr schön herausarbeitet.

„Community happens when people feel they’re among like-minded others and when they feel their contributions matter“,

schreibt Chris Brogan. Wie so etwas dann in der Praxis aussieht, erfährt man in Beth Kanters Beitrag am Beispiel von WildLifeDirect. Aus der Community heraus entstand innerhalb kurzer Zeit eine Vielzahl von Weblogs, über die Spenden lukriert werden konnten. Das heißt, nicht die Tierschutzorganisation alleine sammelt Geld, sondern es ist die Community, die sich engagiert und zum Spenden animiert.

Aber so etwas braucht Zeit. „Community happens“ schreibt Brogan, d.h. Sie können nur für die geeigneten Rahmenbedingungen sorgen, der Rest geschieht dann „von alleine“.

Über das Potenzial des Social Web habe ich schon häufig geschrieben. Was kann man dort nicht alles machen? Sie können einen eigenen Kanal auf YouTube einrichten, oder einen Fotostream auf Flickr, Sie können sich ein Profil auf Facebook zulegen, ein Blog einrichten und einen Twitteraccount aufmachen. Klar, um alle diese Kanäle bespielen zu können und mit all den UserInnen da draußen zu kommunizieren, braucht man Geld. Geld, um jemanden bezahlen zu können, der der Kultureinrichtung ein Gesicht und eine  Stimme gibt.

„Aber das können sich nur die Großen leisten“, bekomme ich dann häufig zu hören. „Die Kleinen haben dafür keine Zeit, keine Ressourcen.“ Ist das Social Web also nur etwas für große Kultureinrichtungen? Um diese Frage geht es auch bei Beth Kanter. In ihrem Beitrag „Can Small Nonprofits Reap Success With Social Media?“ zitiert sie aus einer Email, die zeigt, wie auch kleine Organisationen das Social Web nutzen können. In diesem Fall ist es Twitter.

All den (kleinen) Einrichtungen, die glauben, sich Social Media nicht leisten zu können, rät sie, es auf einen Versuch ankommen zu lassen. Es ist sicher richtig, dass Erfolge im Social Web etwas kosten. Aber auf der anderen Seite sollten Sie sich die Frage stellen, was es Sie kostet, wenn Sie das Social Web nicht nutzen?

Während Beth Kanter davon überzeugt ist, dass Social Media auch für kleinere Organisationen sinnvoll ist, sieht das Julio Vasconcellos etwas anders. In seinem Blogpost „Why Small Nonprofits Should Tread Lightly with Social Media“ rät er zur Vorsicht, vor allem wenn sie finanzielle Ziele damit verfolgen. Seine Kernaussage:

„Given the scarcity of time, small nonprofits should primarily look at activities that provide them with the greatest leverage — those where a small time investment can generate a disproportionate level of returns.“

Zwei Anmerkungen dazu:

1. Julio Vasconcello ist zuzustimmen, wenn er schreibt, dass es um die Relation von Nutzen und Aufwand geht. Ein zusätzlicher Aufwand ist häufig notwendig, weil es bis jetzt kaum oder gar keine Aktivitäten gegeben hat.
2. Wer Social Media hauptsächlich als Möglichkeit betrachtet Geld zu lukrieren, der sollte sich vorweg überlegen, auf welchen Weg das passieren soll? Ein Twitteraccount und ein Spendenbutton sind nicht ausreichend.

Bei Matias Roskos habe ich in der Kategorie „Song der Woche“ das hier entdeckt: „Daniel“ von Bat For Lashes. Gefällt mir…

Karin Janner hat auf der Jahreskonferenz von Musikland Niedersachsen einen Vortrag zum Thema Kulturmarketing 2.0 gehalten, schreibt sie in ihrem Blog. Ihre Präsentation bietet eine schöne Einführung in das Thema und bringt auch gleich jede Menge Beispiele.