John's Classic Rock

VOLETE SAPERE TUTTO, ma proprio tutto, SULLE CONVENTION DELDISCO? Guardate qua.

2026-05-31T02:17:31.852+02:00

Ciao Sis and Bro,

volevo segnalarvi un fenomenale articolo di qualche anno fa, ma imperdibile, sulle CONVENTIONS DEL DISCO RARO. In particolare quelle di Milano.

Fatti, foto e spiegazioni sui temi più dibattuti, e anche qualche quick chat con i super mega collezionisti e producer.

É un articolo sostanzioso, ma leggetevelo tutto. Ne vale davvero la pena.

Poi, se volete, c'è anche una mia versione sulle conventions, e su come iniziò la riscoperta del vinile nei primi anni Ottanta

É un post ancora attualissimo ("Cacciatori di Prog"), ma scritto la bellezza di ... pensate... vent'anni fa.

... tanto per dimostrare quanto John's Classic Rock sia ancora oggi un sito di riferimento per il prog italiano, ma soprattutto ... un libero e inossidabile custode della nostra migliore cultura musicale.

INVADERS MUST DIE !

NON ARRENDETEVI !

Joe The Lion

E.A.POE a colori (1974)

2026-05-03T02:38:00.007+02:00

Miracoli dell'intelligenza artificiale... gli E.A.POE a colori nel 1974 nei boschi di Ornago (BG).

2026-04-14T00:00:00.000+02:00

Osanna: Palepoli (1973)

2026-04-13T09:56:00.001+02:00

I MIGLIORI ALBUM DI ROCK PROGRESSIVO ITALIANO. N° 2

Correva il 1973 e all'estero sono come al solito avanti anni luce: i Genesis pubblicano "Selling England by the pound", i King Crimson "Lark's tongue in aspic", gli Yes "Yessongs", i Pink Floyd "Dark side of the moon" e gli ELP "Brain salad surgery".

In Italia, la lacerante frattura tra "underground" e "movimentismo" innesca uno dei periodi più intensi e sofferti della nostra nazione: il "personale" diventa "politico" e tutto deve essere vagliato nell'ottica dell'anticapitalismo.

Le avanguardie iniziano a sperimentare quel contropotere rivoluzionario che gli spetta di diritto
e i centri urbani di tutte le città, diventano i luoghi privilegiati di ostentazione delle merci, quindi, terreni di lotta, di espropriazione e di scontro.

Con il loro nuovo album, "Palepoli", gli "Osanna" si inseriscono con perfetta puntualità in questo angoscioso momento storico traducendo in arte la riscoperta dei valori popolari, da contrapporre all'urbanesimo, alla corruzione e alla freddezza della città moderna.

Il nuovo lavoro è disposto su due piani distinti: il primo è una rappresentazione teatrale scritta in collaborazione con Tony Newiller, sull'evoluzione della cultura popolare napoletana nel tempo, spettacolo che poi supporterà la tournèe di presentazione dell'LP.

Il secondo è un per l'appunto un disco altrettanto complesso ed intenso dove nulla appare casuale o fuori luogo.

"Palepoli" è nelle intenzioni del gruppo un invito a rifiutare le ipocrisie della città moderna ("Neapolis"), per riscoprire i valori più autenticamente popolari dei borghi antichi ("Palepolis"). Dura 40 minuti che, anche col passare degli anni, si riveleranno indimenticabili.

In tre sole suite, il quintetto Napoletano da prova non solo di essere uno dei gruppi più validi e affiatati d'Italia, ma di potersi tranquillamente misurare per tecnica e consapevolezza sociale con la maggioranza dei suoi contemporanei.

"Oro caldo" apre l'album con una citazione "etnica" (voci di un mercato, una taranta...) per entrare immediatamente in una ballata piena di contrappunti di fiati, ampie aperture "crimsoniane" ed un finale mozzafiato hard blues.

Nella seconda facciata, "Animale senza respiro" è la naturale evoluzione delle due suite precedenti in cui ogni variazione ritmica e melodica risulta perfettamente funzionale al concetto del disco:
fuga, mutazione, riappropriazione.

Ad un'azzeccatissima veste grafica fa eco una produzione altrettanto riuscita.

Resta il rimpianto nel constatare che questo accorato appello alla pulizia morale ed urbana rimane lettera morta anche a oltre 40 anni dalla sua pubblicazione, come amaramente sottolineò anche lo stesso Vairetti in una recente intervista.

Ma dei nostri rifiuti, gli Osanna, non hanno colpa.

OSANNA - Discografia 1971 - 1978:
1971: L'UOMO
1972: PRELUDIO, TEMA, VARIAZIONI E CANZONA
1973: PALEPOLI
1974: LANDSCAPE OF LIFE
1978: SUDDANCE

Lucio Dalla e Roberto Roversi: 1973-1976

2026-04-12T11:49:00.000+02:00

IL CONTROVERSO RAPPORTO TRA UN MUSICISTA E UN POETA MILITANTE.
NULLA DI PROGRESSIVO, MA POFONDAMENTE ATTINENTE ALLE IDEOLOGIE E
ALLE SPERIMENTAZIONI AUTORALI DEGLI ANNI SETTANTA.

Quando nel 1955 Pier Paolo Pasolini e Francesco Leonetti e fondarono la rivista Officina insieme all’allora trentaduenne Roberto Roversi, di sicuro non potevano immaginare che quest’ultimo sarebbe diventato il paroliere di un mito della musica italiana.
Eppure, quando nel 1973 su consiglio del suo produttore Renzo Cremonini, Lucio Dalla si presentò alla Libreria Palmaverde di Via Castiglione a Bologna chiedendogli dei versi per le sue canzoni, lui non disse di no.
Ed è così che cominciò una proficua ma tormentata collaborazione.

In quei giorni Roversi, poeta, libraio e intellettuale di sinistra, stava solidarizzando con Lotta Continua che rischiava di chiudere i battenti. Dalla invece, fresco di successo sanremese, era in piena crisi esistenziale: non gli piaceva essere considerato uno che fa canzonette, aveva già litigato con i suoi autori Pallottino, Baldazzi e Bardotti, aveva rinnegato Piazza Grande, e voleva a tutti i costi trovare una “terza via” alla canzone italiana.
Qualcosa cioè che non fossero Lolli o Guccini, ma neppure Battisti o roba da minestrone festivaliero. Insomma, uno stile tutto suo: che parlasse di personaggi, di emozioni, della società, dell’arroganza del potere, delle sofferenze del quotidiano e delle contraddizioni del capitale.
Roversi era la persona giusta per fornirgli quel materiale, e infatti la loro alleanza produrrà una delle più interessanti trilogie d’autore italiane: Il giorno aveva cinque teste (1973), Anidride Solforosa (1975) e Automobili (1976).
L’idillio però durò solo il tempo del primo album giacché poco prima del secondo tra i due scoppiò una lite furiosa, poi fortuntamente rientrata.

Non accadrà altrettanto invece nel 1976 quando, in seguito alla pubblicazione di Automobili (album tratto dallo spettacolo teatrale Il futuro dell’automobile), un nuovo alterco trascinò la coppia ai ferri questa volta cortissimi.
Roversi misconobbe la versione discografica dei suoi testi, accusò Dalla di non averne pubblicati almeno cinque avallandone la censura (I muri del 21, Statale adriatica Km 220, La signora di Bologna, Rodeo e Assemblaggio), nonché di aver epurato due strofe del brano Intervista con l’Avvocato. E di fatto, in segno di protesta firmò i sei pezzi dell’disco sotto pseudonimo.
Dopodiché, un lungo scambio di veleni e i due presero ciascuno la propria strada.

Roversi contesterà a Lucio di non aver voluto mai compromettersi ideologicamente (“Tutte le canzoni composte le ha poi cantate come un dovere doloroso. Senza felicità, senza un piacere autentico, senza condividerne la verità”) e di essersi poi mercificato a vantaggio di un pubblico “indifferente a ciò che ascolta” e che riempie gli stadi per tutti i motivi possibili “tranne che per pensare o per mettere in discussione l'ordine esistente".

Dal canto suo, Dalla ribattè: “Vorrei che tu assistessi ai concerti dei quali tu parli e scrivi”, e in un’intervista del 1982 arriverà persino a rinnegare buona parte del lavoro svolto insieme.
Beninteso, sempre manifestando gratitudine al suo ex autore che era pur sempre un fior di intellettuale, ma ricordando il percorso comune come “non bello, anzi, traumatico”. “Non mi piaceva urlarle quelle canzoni, come fossero cantate su un tavolo da chi aveva capito tutto ed era molto più avanti", aggiungerà ancora.

L’ascia di guerra verrà seppellita solo vent’anni dopo quando Lucio, in segno di pacificazione, pubblicherà il brano “Comunista”, tratto da una vecchia poesia inedita di Roversi (“Ho cambiato la faccia di un Dio”) e lui gli affiderà le musiche del suo spettacolo Enzo Re.
Si ricongiunsero, e proseguirono ancora insieme almeno fino a che nel 2012 la storia se li portò via: Lucio a marzo e Roberto a settembre.

Dicono in molti che il loro sodalizio cambiò la musica italiana. Io invece credo di no.
Cambiò semmai la sola carriera di Dalla che, grazie a Roversi, prima apprese e perfezionò l’arte di versificare, poi la introitò filtrandola e restituendola a modo suo nei capolavori che tutti conosciamo.

Deel resto non poteva essere altrimenti: Lucio non era né un severo intellettuale luxemburghiano, né tantomeno un miltante della sinistra storica, ma un artista che amava stare in mezzo alla gente, catturarne le emozioni, e da quella breve convivenza con Roversi fu sicuramente lui a guadagnarci. Questo naturalmente senza nulla togliere alla loro trilogia, frutto però, ripeto, più di un colpo di fulmine che di una reale progettualità codivisa.

Rino Gaetano: Mio fratello è figlio unico (1976)

2026-04-11T09:45:00.000+02:00

SATIRA, POESIA... e i PIERROT LUNAIRE.

Salvatore Antonio Gaetano, detto “Rino” dal diminutivo datogli da sua sorella maggiore Anna, nacque a Crotone il 29 ottobre del 1950, qualche anno prima di quel “miracolo economico” che tuttavia non coinvolse molte famiglie meridionali, costringendole a migrare in cerca di lavoro.
E così accadde anche a quella di Rino che nel marzo del 1960 si trasferì a Roma: città in cui lui si sarebbe stabilito definitivamente appena maggiorenne.

Educato cattolico in un collegio di Narni, Rino era però un bohemién, un creativo timido ma simpatico e controcorrente, e infatti trovò la sua prima culla artistica al Folkstudio Giovani dove saltuariamente si esibì accompagnato dalla sua chitarra.

Invero le sue bizzarrie non ottennerro molti consensi, ma il suo buon amico Antonello Venditti, ne colse subito le potenzialità, e nel 1973 lo presentò al produttore Pietro Montanari della IT (una costola della RCA) che rimase profondamente colpito da quel “giovanotto con la faccia pallida che scriveva canzoni senza né capo né coda”.
Gli venne proposto un contratto che firmò, e in capo a pochi giorni Rino si ritrovò allo Studio 38 di Roma per incidere in sedici ore esatte il suo primo singolo I love you Marianna con lo pseudonimo di Kammamuri’s. Un fiasco.

Fortunatamente il suo stile piacque a Nicola di Bari, allora famosissimo, che interpretò ben tre sue canzoni tra cui Ad esempio a me piace il sud, e il nome di Rino cominciò a circolare negli ambienti della discografia che conta.
E anche se il suo primo Lp del 1974 Ingresso Libero passò nuovamente inosservato, è evidente che il ventiquattrenne artista calabrese avesse tutte le carte in tegola per spiccare il grande balzo in avanti.

Previsione più che confermata l’anno successivo quando il 45 giri Ma il cielo è sempre più blu ottenne un notevole successo di critica e di vendite, facendo così da rampa di lancio per il successivo Lp Mio fratello è figlio unico del ‘76: ritenuto da molti il suo capolavoro, e inciso tra l'altro con la collaborazione dei due Pierrot Lunaire Gaio Chiocchio e Arturo Stalteri.

Molto ben calibrato tra nonsense e introspezione, l’album ritrasse in meno di mezz’ora tutte le poliedriche sfaccettature del complesso animo dell’interprete: un uomo di sinistra che soffrì molto per la deriva del partito e del Movimento, e per questo scelse l’arma della satira petroliniana per denunciare chi, secondo lui, li aveva ridotti in quella situazione. Ma non solo.

Dal disco emerse anche quella sua spiccata sensibilità civile che gli permise di dare un volto e un’anima alle cose più semplici e defilate, ma non per questo meno rappresentative di una società in transizione e dei suoi sentimenti più veri.
Straordinarie in questo senso la stessa Mio fratello è figlio unico, e soprattutto Al compleanno della Zia Rosina, là dove stati d’animo, ricordi, paesaggi, incertezze, delusioni e aspettative si fusero in un vero e proprio capolavoro di espressionismo musicale.

L'ironia poi (l'arma più forte del cantautore crotonese), la fece da padrona almeno per la metà dell'album, articolando senza nessun senso apparente fatti, luoghi e personalità. Patchwork davvero improbabili ma anche profondamente evocativi, come nel caso della splendida Sfiorivano le viole, autentica celebrazione dell'ineluttabilità del tempo che travolge ogni cosa eccetto che l'amore e la speranza. A mio avviso, una delle più belle canzoni di Rino in assoluto.

Tuttavia, malgrado il successo confermato dai successivi 33 giri Aida e Nunteregaeppiù, Rino non riuscì mai ad amalgamare completamente le sue due anime di poeta e di clown, e la sua debordante vena satirica non sembrò mai del tutto consapevole.
Irrise costumi e personaggi della politica e della società (Standard, Aida, Nuntereggaeppiù), ma senza proporre alternative reali, né prendendo mai alcuna posizione sino a professarsi inverosimilmente “apolitico”.
Infine, condì spesso le sue canzoni con miti e circostanze della storia, ma utilizzandoli in modo più figurativo che critico.

All’atto pratico, per usare le parole di Sergio Bardotti, rimase “un provinciale”. Un artista che, aggiungo io, raggiunse il successo anche perchè negli anni in cui produsse i suoi lavori più acclamati, il gusto di una larga fetta di pubblico (Movimento incluso) si stava inesorabilmente sottoproletarizzando, e il nonsenso stava rapidamente soppiantando l’impegno militante.

Così, quando all’alba degli anni Ottanta gli ascoltatori cominciarono a richiedere prodotti ben più sintetizzati, il modello satirico-iconoclasta di Rino non resse alla prova dei tempi.

In più, a peggiorare la situazione, provvide anche il passaggio alla RCA che, insensibile al suo dualismo poetico e alla sua ritrovata coscienza sociale (Io scriverò, e la bellissimaTi ti ti), lo volle ad ogni costo campione di vendite.
Lo costrinse ad un’improbabile tournée con Cocciante e il New Perigeo, e come se non bastasse, gli impose persino un autore come Mogol (Resta vile maschio dove vai): paroliere distante anni luce dalla sensibilità di Rino, e la cui grande firma comunque non bastò a risollevarne le sorti commerciali.

Una serie di delusioni insomma, che credo acuirono in lui quell’inguaribile malinconia che lo condusse a spegnersi sotto tutti i punti di vista, nonché ad abbassare la soglia d’attenzione su se stesso sino a quella maledetta notte del 2 giugno del 1981.

E allora, meglio ricordarlo strafottente, donnaiolo, popolare e veracemente pazzo, quando, sotto gli occhi sconsolati di Vincenzo Micocci, spostava il piano dappertutto per trovare il giusto sound, e ci raccontava di zie, nonni, provincie, tramonti, migranti, fabbriche, cortili e metropoli.
Perché quella, e non altre, era probabilmente la sua dimensione più autentica.

SU RINO GAETANO CLASSIC ROCK CONSIGLIA: Alfredo Del Curatolo, "Se mai qualcuno capirà" (Selene Edizioni, Milano 2003)

Baricentro: Sconcerto (1976)

2026-04-10T12:00:00.000+02:00

Nel 1976 la lunga stagione del Prog Italiano è ormai agli sgoccioli.
Lentamente ma inesorabilmente si è modificato non solo l'humus socio-politico che l'aveva tenuta a battesimo cinque anni prima, ma anche soprattutto i gusti e la tecnologia musicale.
Il tutto, provocando sia una ramificazione dello stile primigenio in mille sottogeneri (es: jazz, jazz-rock e fusion), sia la "diaspora artistica" di molti musicisti verso linguaggi certamente più sofisticati, ma meno direttamente coinvolti con le sofferte mutazioni dei centri sociali.

Il concetto di "nuovo ad ogni costo" è ormai lontano e la sperimentazione che fu, per esempio, di Battiato in "Fetus", si sposta dall'originario ambito "concreto" ad un territorio più prettamente musicale, colto e accademico.
La musica pop, insomma, inizia a diventare sempre più una "proposta", che non un dialogo interattivo tra pubblico ed avanguardie e questo crea non poche tensioni all'interno del movimento.
Diversi padri del Pop italiano cominciano a cedere alle lusinghe del ritmo ribattuto e vengono duramente contestati (es: Alan Sorrenti). Altri, devono inevitabilmente arrestare la loro creatività per introiettare quel periodo di crisi (ad esempio, la PFM che nel 1976 rimane discograficamente silente).

L' assurdo e l'inverosimiglianza regnano incontrastati nelle classifiche dei 45 giri italiani (Ramaya, Sei forte papà, Johnny Bassotto), mentre tra gli albums sopravvive ancora una certa conflittualità, pur se limitata all'ambito del mainstream (Venditti, Pink Floyd, De Gregori).
In altre parole: è in atto una vera e propria controrivoluzione dalla quale in pochi si salveranno prima dell'arrivo del Punk

E' in questo contesto che si colloca il primo album del Baricentro, quartetto di Bari formato per 3/4 da elementi della ex Festa Mobile (Francesco e Giovanni Boccuzzi, Antonio Napolitano), con in più il batterista Piero Mangini.
Intitolato "Sconcerto" e registrato a Roma in soli due mesi (dicembre 1975 e gennaio 1976) per la prestigiosa discografica EMI , questo lavoro si pone sin dalle note di copertina come perfettamente aderente al suo tempo storico:
"La capacità comunicativa della musica strumentale […] esiste nella misura del suo essere sociale e nel rapporto di funzionalità che riesce a stabilire con la realtà a cui si ricollega. […] Rinnovare le concezioni del linguaggio finisce quindi per diventare, consapevolmente o no, un lavoro ideologico"

Come si nota, le idee sono chiare e la fase di auditing ne sarà una brillante conferma.
Di fatto, sin dalle prime note della title track è chiaro che il sound del gruppo si pone come "cavalcavia" tra un passato destinato a scomparire e un futuro non ancora ben definito (uso qui lo stesso concetto che due anni dopo Guccini esprimerà magistralmente nella canzone "Mondo nuovo").

Il groove dell'album è tutto appannaggio delle doppie, modernissime, tastiere dei fratelli Boccuzzi e il resto della strumentazione ne è il potente collante armonico e ritmico.
L'incisione è ineccepibile e l'incipit del disco si dipana tra una lontana idea di concept album (molti sono infatti i temi ripresi costantemente nel corso dell'esecuzione) e una nuova idea di comunicazione.

La solidità e la bellezza di questo disco sono esclusivamente affidate al lirismo della composizione ed alla metronomica onestà della sua esecuzione: tutto questo senza mai però, perdere in comunicatività, in poetica o in autonomia espressiva.
Sin dalla simpatica copertina di Leonardo Bellezza, si capisce che tra i solchi ascolterete musiche venate di forte e solare mediterraneità.

"Sconcerto" va ascoltato tutto d'un fiato e poco conta che io vi dica quali sono i pezzi più significativi, perché la sua complessiva omogeneità parla da se.

Dovendo scegliere, quoto il sound "totale" di "Meridiani e Paralleli" e la superba rilassatezza di "Pietre di Luna" e "Della Venis": non certo pietre miliari della musica Pop, ma rappresentative di una cultura che non voleva perdere la propria dignità e la propria collocazione nella storia.
Dissero del Baricentro che assomigliavano ai Weather Report.
A parte il fatto che non è vero ma, anche se fosse... vi pare poco?

Arti e Mestieri: Tilt (1974)

2026-04-09T00:38:00.000+02:00

Come abbiamo già accennato, il 1974 fu un anno di transizione contrassegnato dalla progressiva atomizzazione della galassia Controculturale.

Il profondo mutamento dello scenario Pop che ne seguì, vide da un lato l'inasprimento del sound di certe bands nell'intento di fotografare le tensioni socio-politiche dell'epoca (Area, Dedalus) e dall'altro, l'avvicendamento di quei gruppi che non ressero al cambiamento con formazioni nuove che proponevano sonorità sempre più articolate e distanti dal Progressive originario.

Trai gruppi più rilevanti di questa nuova ondata ci fu sicuramente il sestetto degli "Arti e Mestieri", fondato verso la fine del 1973 a Torino dall'ex batterista dei Trip Furio Chirico insieme a Gigi Venegoni, Giovanni Vigliar e Arturo Vitale che avevano precedentemente militato nel gruppo Prog-Jazz "Il sogno di Archimede". Completavano la formazione il bassista Marco Gallesi e il tastierista Beppe Crovella.

Battezzatisi inizialmente solo "Arti", i sei musicisti intrapresero da subito una notevole attività live trovandosi a suonare con PFM, Gentle Giant e soprattutto con gli Area, coi quali approdarono al Festival del Parco Lambro a Milano nel giugno '74, suscitando l'entusiasmo di critica e pubblico.

Mutato il nome in "Arti+Mestieri", pubblicano poco dopo il loro primo album, "Tilt", prodotto dallo stesso Paolo Tofani degli Area, distribuito su scala nazionale dalla Dischi Ricordi e dotato di una lussuosa veste grafica che, all'interno della leggendaria copertina con l'imbuto tra le nuvole, conteneva anche due gadgets promozionali (un imbuto di cartone e un poster).L'accoglienza al disco è unanimemente positiva e, cosa ancora più straordinaria, lo è anche da parte delle frange più radicali del movimento, di norma diffidenti e poco benevole verso la Cramps di Gianni sassi, considerato da alcuni troppo "imprenditore" per essere credibile.

Comunque sia, gli "Arti e Mestieri" non solo propongono un prodotto molto ben curato ed eseguito, ma diventano in breve tempo anche una band di culto grazie al loro impegno politico e sociale.

Pur ricordando i Soft Machine di quel periodo - ed evidentemente debitore al Miles Davis di "Bitches brew" - il sound di "Tilt" si presenta come una mescola tra Jazz e Rock sufficientemente personale per distaccarsi dai suoi contemporanei.

Veri e propri marchi di fabbrica sono per esempio, le esecuzioni all'unisono di più strumenti dei temi principali (es:"Gravità"), la passionalità della sezione ritmica che crea essa stessa un secondo livello percettivo e la grande ricchezza di ambienti proposti: lunghe composizioni hard jazz ("Articolazioni"), brevi intermezzi sonori che dinamizzano la sequenza dei brani ("Scacco matto", "Tilt"), e qualche pezzo cantato ("Strips") che, pur non eccellendo in poetica, completa il panorama dell'album.Numerose anche le parti soliste che si alternano nei vari passaggi con particolare riferimento alla bravura del fiatista Arturo Vitale che in "In cammino" da il meglio di se.
Con lieve autoreferenzialità, il sito degli Arti e Mestieri ci ricorda inoltre che: "oltre alla funzione orchestrale ogni strumentista nella band ha larghe possibilita' di intervento solistico. all'interno comunque di strutture armonico-ritmiche-contrappuntistiche manifestate del resto della band oppure in spazi pseudo acustici o solistici all'interno dei concerti."

In sostanza, potremmo dire che, al di là di ogni ulteriore valutazione musicale, l'importanza di questo lavoro risiedette anche e soprattutto nell'aver ulteriormente consolidato all'interno del movimento giovanile il linguaggio del Jazz che, di lì a poco, avrebbe contaminato il Prog sino a creare linguaggi totalmente inediti.

In più, la sua mistura con l'elettronica e il Rock - già portata avanti dagli Area e dalle estreme provocazioni dei Dedalus - l'ulteriore conferma di quel cambiamento che già da un anno a quella parte, iniziava ad essere veicolato con un certo riscontro dalle prime edizioni di "Umbria Jazz".
I giovani stavano insomma introitando nuove sonorità, e il Progressive andava loro sempre più stretto.

Gianluca Mosole: Verona Studio/Live (2013)

2026-04-08T20:05:00.000+02:00

SERIE: I PREFERITI DI JOHN
Questa scheda non c’entra nulla col Prog, ma è qualcosa di altrettanto superlativo.
Parliamo di Jazz-fusion: un genere che col Prog ebbe molto a che vedere essendo stato il cuore pulsante di gruppi storici quali Perigeo, Arti e Mestieri, Dedalus, Kaleidon, Napoli Centrale e molti altri.

Nella fattispecie sto parlando del nuovo lavoro di un mio buon amico da molto tempo.

Un mio coetaneo che mi ha anticipato di soli 4 mesi e 8 giorni e che soprattutto, considero insieme a un altro mio amico, Gigi Cifarelli, uno dei massimi chitarristi italiani.

Trevigiano, classe 1963, ha suonato con musicisti del calibro di Nanà Vasconcellos, Miroslav Vitous dei Weather Report, Gino Vannelli e la percussionista Sheila E., famosa per essere stata per anni a fianco di Prince.
Nel corso della sua carriera ha aperto poi i concerti di Sting, Gil Evans, Al di Meola e persino dell’immenso Miles Davis nel suo concerto al Palatrussardi di Milano il 17 novembre del 1987.

Dal 1983, anno in cui vinse a soli 20 anni un concorso indetto dalla CBS e pubblicò il suo primo album, vanta oggi ben nove Lp. Ha tenuto innumerevoli concerti in giro per il mondo ed ogni volta che passava per Milano, guarda un po’... io c’ero sempre.
Ma non solo: posso anche dirvi che quando negli anni ’80 suonava alle Scimmie, al Magia o al Tangram, in prima fila c’erano sempre tutti i più grandi chitarristi italiani stregati dal suo vituosisimo e da quel suo suonare da mancino senza girare le corde.
Vederlo all'opera è davvero impressionante.

Con scale alla velocità della luce e un gusto tecnico-estetico straordinario, ha sempre vantato band estremamente affiatate e in particolare, quest’ultima composta da giovani promesse della fusion italiana che potrete aprezzare nel suo ultimo cd “Verona studio/live”.

Il suo nome? E’ una garanzia:
Gianluca Mosole.

Forse qualcuno di voi non lo conoscerà o ne avrà sentito appena parlare, ma questo non è negativo, anzi: è un vanto. Gianluca infatti non è un presenzialista: preferisce concentrarsi più sulla musica che sui riflettori e ama anteporre qualità e passione all’irruenza della modernità.
Dosa con cura le sue apparizioni perchè effettivamente è un po’ timido, ma dovunque si esibisca incanta chiunque. Ascoltare dal vivo la sua “Blues for people” datemi retta, è un’esperienza unica.

Con “Verona Studio/Live” Gianluca celebra oggi i suoi trent’anni di carriera, iniziati nel 1983 con il mini album “After Rain” e devo dire che sin dalla presentazione del disco da parte di Joey Salapani, si rimane davvero colpiti da quell’atmosfera da raffinato Jazz Club che lo accompagnerà sino alla fine.

Registrato dal vivo a Verona nella scuola di musica di Roberto Cetoli e Karine Mensah a pochi passi dal balcone di Giulietta e Romeo e mixato al Calduccio Studio di Treviso, questo CD rifugge dal concetto che per fare buona musica occorrano necessariamente produzioni faraoniche.

Gianluca ci proietta anzi in un moderno Cotton Club: lo storico jazz club in cui sound e feeling erano le sole parole d’ordine. E si sente.
La smagliante backing band è composta in gran parte da musicisti giovanissimi. Forse sconosciuti ai più, ma già saldamente inseriti come turnisti nel panorama italiano: Raffaele Bianco, Simone Dinelli, Phil Mer e, sola eccezione, il vocalist Alex Balestieri, già da 10 anni collaboratore di Mosole.

La scaletta (53 minuti) parte e chiude con due inediti uno più avvincente dell'altro.
Si ripercorrono alcune tappe fondamentali del percorso di Gianluca con “Spring”, “Giuliva” “Skip search” e “I saw wind” e poi,arrivano le cover di lusso: un’ammaliante versione di “Woodstock” di Joni Mitchell, “Butterfly” e “Voyage” di Herbie Hancock, “Can it be done” dei Weather Report e la splendida “Beija flor” del compositore carioca Nelson Cavaquinho.

Un menù di alta gastronomia musicale insomma.

Noi amanti del prog italiano anni 70 sappiamo bene che le perle rare esistono e vanno scovate.
Ce ne sono tante in giro ma, credetemi, questa è una delle più preziose, specie per gli amanti del grande chitarrismo italiano.
L’indirizzo per farla vostra è questo http://www.gianlucamosole.com.

Non fatevi scappare questa occasione. Mi raccomando.
Non ve ne pentirete neanche un attimo. Parola di JJ John.

Rovescio Della Medaglia: Io come io (1972)

2026-04-05T08:45:00.000+02:00

Se il primo lavoro "La Bibbia" fu un esordio davvero scioccante e il terzo album "Contaminazione" rivelò il lato più tecnico del gruppo, il secondo disco del Rovescio della medaglia, "Io come io", si colloca esattamente nel mezzo sia come tempistica, sia come percorso di evoluzione musicale.

Pubblicato nel 1972, l'album viene prodottto dalla RCA in maniera faraonica: tre diverse edizioni, copertina forata, inserto centrale con i testi e, limitatamente alle prime copie, un medaglione di bronzo in omaggio, firmato personalmente dall'artista fiorentino Brandimarte.

Il tutto, per neppure 30 minuti di musica: cosa che rende questo Lp uno tra più brevi della storia del Prog .

In tutte le release, la copertina cartonata apribile che contiene testi, note, tracking list e foto, è dominata da toni molto scuri giocati sul nero e sul rosso, lasciando già presagire il suono sanguigno dell'album.
Con tutte le liriche ispirate all'opera del filosofo Hegel ed alla "ricerca del sè in un mondo pieno di contraddizioni", "Io come io" si compone di quattro parti principali (di cui quelle pari sono divise in altrettanti movimenti), in cui il quartetto romano da finalmente sfoggio di quella autorevolezza tecnica che nel precedente "La Bibbia" era rimasta un po' ovattata.

Pur non essendo dichiaratamente un concept-album , il disco è chiaramente strutturato con una sua logica lirica e strumentale con le parti più dinamiche collocate in testa e in coda, e quelle più "tecniche" concentrate nei solchi mediani.

Il suono, pur se ruvido, graffiante e avulso da qualsiasi compromesso con il mainstream, risulta straordinariamente limpido e cesellato, esaltando così la dinamica di ciascuno strumento.

L'effettistica è praticamente assente e restituisce un groove compatto e privo di orpelli, al punto di evocare gli straordinari lavori heavy dei primi Black Sabbath.

Tuttavia, quanto detto sinora risulterà lampante solo passando alla fase di auditing.

Si comincia con i sei minuti e mezzo di "Io", una micro-suite introdotta da un secco colpo di gong e da un riff portante di chitarra che viene via via ripreso da un basso più asciutto che mai.
Passati due minuti di "call and answer" tra basso e chitarra, fa il suo ingresso la maestosa voce del cantante Pino Ballarini che impone al brano un'ulteriore sferzata timbrica conducendolo nella sua parte più free: breve ma intensissima.

Seguono una ripresa del tema iniziale e il corale della prima parte di "Fenomeno" che, oltre a chiudere "Io", introduce la seconda parte del del lato A.
Si entra così nella magia di "Rappresentazione" il cui svolgimento lascia frastornati per la sua straordinaria varietà di ambienti: c'è tutta la forza dell'hard-rock (questa volta molto più "complessificata" del brano precedente) e nondimeno, numerose parentesi acustiche e vocali che conferiscono al brano un'invidiabile agilità sonora.

Questa piacevole diversificazione che sembra anticipare il successivo "Contaminazione", prosegue anche nella seconda facciata con "Non io", che evoca inizialmente toni gotici e "silvestri".

Qui, un delicato arpeggio di chitarra contrappuntato dal flauto, introduce una delle parti vocali più melodiche che Ballarini abbia mai cantato.
La sua violenta chiusura e il ponte successivo ("Io come io / Divenire") però, non lascia dubbi su quello che sarà un potente finale in stile heavy. Aggressivi e violenti, i sei minuti e mezzo di "Io come io / Logica" chiudono il disco in un tripudio strumentale che ci rende spettatori del miglior "Rovescio" che di sia mai sentito sinora e, a questo punto, ci vuole poco per stabilire che "Io come io" è da collocarsi tra le migliori prove del gruppo.

Certamente "Contaminazione" fu musicalmente più strutturato e "La Bibbia" era molto più spontaneo ma, a mio avviso, in questo album la band raggiunse un perfetto equilibrio tra tecnica e ambizione (o se vogliamo, tra "pathos" e "rigore"), asservendo le proprie potenzialità ad un lavoro processualmente adamantino e perfettamente calzante allo spirito del gruppo.

Ovvio, i detrattori potranno trovarvi di tutto per svilirlo perché in fondo il Rovescio non erano i Led Zeppelin e nemmenogli Atomic Rooster ma, almeno in questo caso, l'onestà non va messa in discussione.

Banco Del Mutuo Soccorso (1972)

2026-04-03T09:45:00.000+02:00

Siamo alla fine del 1968: unl giovane tastierista di Marino (RM) Vittorio Nocenzi ottiene un'audizione presso la RCA, grazie all'intercessione della popolare cantante Gabriella Ferri con la quale aveva già collaborato in precedenza.

Non vuole presentarsi da solo però.
Per via della nota ostilità delle discografiche ad accogliere cantanti solisti, fa credere alla major di essere il leader di una grande e consolidata band.
"Bene, presentati col tuo gruppo, allora!", gli viene detto.
Il gruppo però esiste solo nella testa di Nocenzi e, per non far saltare il provino, il diciassettene tastierista assembla una formazione qualsiasi, con l'aiuto di amici e parenti.

All'appello si presentano il fratello Gianni, il bassista Fabrizio Falco, il batterista Mario Achilli - già insieme a Vittorio nei Crash -, e Gianfranco Colletta dei disciolti Chetro & Co.La formazione prende il nome di "Banco del mutuo soccorso" (probabilmente per evocare questa iniziale campagna di solidarietà).
Il provino va a buon fine, e il quintetto comincia a lavorare, producendo una cospicua dose di materiale e incidendo tre brani nella musicassetta "Sound '70".

Dopo diversi assestamenti, in cui ruotano intorno al nucleo dei Nocenzi anche anche Claudio Falco (fratello di Fabrizio), Franco Pontecorvi e - si dice - Leonardo Sasso (futuro Locanda delle Fate), il gruppo partecipa al secondo Festival Pop di Caracalla nel 1971, reclutando infine gli ex "Esperienze" Francesco Di Giacomo, Renato D'Angelo, Pierluigi Calderoni e il chitarrista dei Fiori di Campo Marcello Todaro, e definendo così la sua formazione storica.

Risolti i rapporti con la RCA, il gruppo migra a Milano dove comincia a farsi notare "nel giro", calcando tra l'altro i palcoscenici dello storico locale "Carta Vetrata" (Bollate) e del "Nautilus" di Cardano al Campo.

Notati dal produttore Sergio Colombini che li porterà alla Ricordi, il sestetto inizia così una nuova avventura discografica, che inizia nella primavera del '72 con un capolavoro del Prog Italiano: "Banco del mutuo soccorso", album noto anche come "salvadanaio" per via della sofisticatissima copertina fustellata su un disegno di Mimmo Melino.

Musicalmente il disco è straordinario tanto che "In Volo" sembra essere una delle migliori delle possibili opening tracks della storia del progressivo italiano: una sorta di breve respiro psichedelico, misto a sottili avvisaglie prog che troveranno conferma sin già dal brano successivo. Insomma: "Ciò che si vede, è!".

In "R.i.P." poi, l'impostazione del sound del BMS si rivela in tutta la sua maestosità e poesia: superbe galoppate ritmiche supportano una vocalità limpida e decisa, che esalta chiaramente ogni raffinatezza dei testi, incentrati sugli orrori della guerra.

Ogni strumento prende posto nello spettro sonoro senza alcuna prevalenza, e questo, malgrado il potenziale ingombro timbrico delle doppie tastiere.
I virtuosismi personali sono relativamente limitati e conferiscono al lavoro un groove solido e omogeneo.

La voce di voce di "Big" Di Giacomo arriva e si ritrae come un'onda alternando momenti di calibrata prepotenza a dinamiche più sottili.
Per esempio, nel brevissimo "Intermezzo", questa sembra affievolirsi in un momentaneo commiato, ma si fa desiderare nelle vulcaniche parti strumentali di "Metamorfosi": vero e proprio pezzo di bravura del gruppo.

Largamente impostato su sonorità rock, "Metamorfosi" è una magistrale dimostrazione di equilibrio e abilità in cui il "Banco" attesta sia la sua completa indipendenza da schemi precostituiti di stampo anglosassone, sia la sua capacità di sfruttare al meglio la sua peculiarità di "primo gruppo mediterraneo a due tastiere complementari".
Il resto, è una ritmica selvaggia su cui si appoggiano all'occorrenza i contrappunti e le varie sonorità delle chitarre di Todaro.

In "Metamorfosi", si badi bene, non c'è barocchismo esasperato: rock, psichedelia e citazioni classiche si mescolano in un kernel saldo e inamovibile. E solo dopo 8 lunghi minuti torna la voce ad introdurre, in un potente finale, quella che sarà la suite memorabile del disco: la chilometrica "Il giardino del mago" (18 minuti e mezzo).

Nel "Giardino", la band sperimenta tutte le sue potenzialità narrative sviluppando con equilibrio diverse varianti sinfoniche del tema principale. Nel rifiuto di qualsiasi ovvietà melodica, momenti molto tesi e soavi si alternano a movimenti di rock sinfonico alternati con breaks dal vago sapore psichedelico, classico o addirittura spaziale.

Il finale del brano, è un rock progressivo puro che sfocia nel brano conclusivo "Traccia": giusta sintesi di barocco, rock duro e radicale mediterraneità.

Più aggressivo della PFM, il Banco del Mutuo Soccorso offre con questo suo primo lavoro un biglietto da visita difficilmente ignorabile, se non altro per la sua mirabile sintesi di stili precostituiti e inventiva propria.
Acclamato da ogni frangia dell'underground, raggiungerà vette commerciali notevoli e spianerà una luminosa carriera al gruppo.

Dovendo trovarvi dei difetti, si rimane veramente in difficoltà. Forse l'eccessiva tendenza ad esasperare o "dinamizzare" certi passaggi potrebbe essere motivo di critica, esattamente così come l'aulicità dei testi, ma sono quisquilie.

L'album del "salvadanaio" è semplicemente perfetto.

BANCO DELMUTUO SOCCORSO - Discografia 1972 - 1978:
1972: BANCO DELMUTUO SOCCORSO
1972: DARWIN
1973: IO SONO NATO LIBERO
1975: BANCO (english)
1976: GAROFANO ROSSO
1976: COME IN UN'ULTIMA CENA
1978: DI TERRA

Battiato: pubblicità divani Busnelli (1971)

2026-04-02T06:30:00.001+02:00

Studente di medicina con la passione della pittura, Gianni Sassi fonda nel 1963 il suo primo studio: l'Al.Sa, Albergoni-Sassi - rispettivamente art director e copywriter - successivamente trasformatosi in in una vera e propria agenzia di comunicazione. Il suo intento è quello di spaziare,e colpire l'attenzione in modo inusuale inducendo così alla riflessione. La strutturaè praticamente una sorta di factory warholiana in cui trovano spazio intellettuali e artisti di ogni genere.

«La nostra firma era non tanto mettere in evidenza le qualità del prodotto, ma utilizzare un gioco che a volte era sofisticato, a volte era violento, a volte era ironico, a volte scherzoso, ma mai di immediata intelligibilità: un esempio è il manifesto del divano Busnelli». [cfr. Albergoni]

Grazie a un gioco che al contempo maschera e svela, Sassi si serve della semplice pubblicità di un divano per convogliare l'attenzione non solo sul prodotto ma sull'operazione in sé.
Sul divano fa sedere Battiato che indossa un paio di pantaloni a stelle e strisce (prestati da Claudio Rocchi), degli stivaloni neri e una maglia nera e rosa. La faccia è ricoperta con pittura bianca, pastosa, che tende a screpolarsi dando al volto un aspetto inquietante..

Siamo nel 1971; raccontalo stesso Battiato: «Avevo un gruppo (gli Osage Tribe) e in scena ci dipingevamo la faccia di bianco. Un giorno Gianni mi ha chiesto se poteva farmi delle foto... Ha voluto che mi truccassi come quando salivo sul palco ma, sotto le luci, il make up si è seccato creando delle inquietanti crepe sul viso».
A condire il tutto c'è lo slogan: "Che c'è da guardare? Non avete mai visto un divano?"
I manifesti invadono tutta Milano e l'immagine di quello strano personaggio diventa popolare.

(dal sito www.urlodelsole.it)

... Ma lui le aveva detto che avrebbe utilizzato quella foto?

“No. Difatti Busnelli, il padrone dell'azienda di divani, gli tolse la commissione e arrivarono migliaia di lettere di protesta.

La cosa andò così: Sassi mi disse che voleva fare un servizio fotografico, nel suo stile provocatorio, al gruppo con cui suonavo allora, gli Osage Tribe. Avevo degli orrendi pantaloni con la bandiera americana che mi aveva regalato Claudio Rocchi (grande musicista e cantautore, recentemente scomparso, ndr), degli occhiali, un paio di stivali e in faccia e sulle mani avevo messo del cemento che, sotto i riflettori, iniziò a creparsi. Mi fece sedere su un divano ma io non avevo proprio idea che volesse usare quella foto per fare la campagna pubblicitaria dei divani Busnelli.

Fu una campagna massiccia: quella foto era ovunque. Quando la vidi mi arrabbiai, c'era questa foto con la scritta: 'Che c'è da guardare? Non avete mai visto un divano?'. In quel periodo andai a fare la visita militare. Mentre aspettavamo c'era uno che sfogliava una rivista. A un certo punto si ferma alla pagina dove c'era la pubblicità del divano e dice: 'Ma guarda un po' questo trans!'. E io: 'Ma no, è solo un trucco pubblicitario'. Non mi riconobbe nessuno. Non era facile del resto, per fortuna”.

(grazie a Repubblica.it)

Battisti fascista ? Proviamo a parlarne.

2026-03-19T11:12:00.001+01:00

Nella metà degli anni ’70, le accuse di fascismo a Lucio Battisti non sortirono affatto dalla pruderie di qualche “estremista malinconico”: furono semmai la logica risultante di un percorso che affondava le sue radici nell’immediato dopoguerra, quando le lotte per la supremazia politica avevano diviso la nazione in due formazioni opposte, DC e PCI, emarginando però un'ampia fetta di militanti, operai ed ex-partigiani (la cosiddetta “resistenza tradita”) che avrebbero voluto proseguire la lotta armata per arrivare a governare il paese.

Considerandosi “la parte sana della società opposta ad una borghesia corrotta e parassitaria”, essi non solo si rifiutarono di riconsegnare le armi una volta terminato il conflitto mondiale, ma nel corso della storia si sarebbero più volte riorganizzati in gruppi operativi (istituzionali e non) che avrebbero profondamente segnato gli anni successivi alla liberazione.

La loro ascesa politica alla fine degli anni ‘60 in pieno clima di “guerra fredda”, provocò sia la reazione dello Stato che vedeva nei “gruppi filocomunisti” un serio pericolo sovversivo, sia la loro definitiva frattura con i due grandi partiti-guida dello Stato italiano.

In particolare, la deriva a sinistra rispetto al PCI avrà l’effetto di radicalizzare la già preesistente incompatibilità con la destra rendendola definitivamente irreversibile.
Chiunque tentò di accostare analiticamente o praticamente i due fronti, venne relegato ai margini del proprio partito (Rauti) o vi causò traumi laceranti (il "compromesso storico" di Berlinguer).

In un simile contesto dunque, definire qualcuno “fascista”, non significava soltanto attribuirgli un colore politico, ma determinarne un preciso status socio-relazionale che abbracciava tanto la sfera ideologica quanto quella comportamentale.
In poche parole, nell’ottica di un comunismo nostrano che malgrado sforzi imponenti non riuscì mai a spiccare il volo, “fascista” era colui che “remava contro la rivoluzione”, che attingeva alle idee più innovative per trasformarle in merce, che anteponeva il privato al collettivo, che svendeva al potere la propria e l’altrui conflittualità.

“Fascismo” equivaleva a opportunismo, qualunquismo, massoneria, squadrismo, stragismo, padronato, incontraddittorietà, conservatorismo, falso populismo, ostentazione, servlismo, doppiogiochismo, razzismo, omofobia, sessismo, corruzione, vigliaccheria, violenza, collusione, asservimento e in quest’ottica, non era affatto difficile trovare dei bersagli tra cui Lucio Battisti fu sicuramente tra i più ovvi.

Non a caso, ancora oggi non è raro incappare in dibattiti quali : ”Ma Battisti era fascista?”
Certamente, considerando lo scacchiere politico odierno, dare oggi una risposta a questa domanda potrebbe sembrare poco stimolante se non addirittura inutile, ma all’epoca del “personale è politico” fu una questione di primaria rilevanza. “Con quale atteggiamento devo pormi rispetto a questo artista?”. “E’ politicamente corretto ascoltare Battisti?”. “Qual’è il valore rivoluzionario (o controrivoluzionario) dei suoi testi?” erano domande che non era infrequente leggere nelle pubblicazioni del movimento e da cui potevano sorgere veri e propri conflitti: il tutto, anche se lo stesso Battisti ammise apertamente di non interessarsi di politica ne tantomeno di andare a votare.

Com’è noto, il dibattito non portò mai a una risposta esaustiva, data anche e soprattutto la ritrosia del cantante reatino di sbilanciarsi su questo punto ma sicuramente, coloro che lo ritennero di destra non mancarono mai farne pesare il qualunquismo politico, cosa inconcepibile negli anni ’70.

Due poi furono le ulteriori accuse altrettanto gravi: l’opportunismo che Battisti dimostrò nelle sue produzioni attingendo di volta in volta ai generi più in voga e la misoginia che traspariva in maniera più o meno lampante dai testi di Mogol, atteggiamento mai perdonato, ad esempio, dal movimento femminista.

Tre imputazioni dunque sufficienti a definire Battisti fascista? Per l’epoca si, senza dubbio, al punto che molti critici e giornalisti si buttarono a pesce sul fatto gettando benzina sul fuoco.

Ricordiamo la celebre fotografia in cui Lucio faceva il saluto romano (in realtà si dice che stesse dando il La all’orchestra, ma ci sono molte altre versioni), i famigerati “campi di braccia tese”, il “mare nero” di "Non è Francesca", i presunti arrangiamenti per un lavoro di Fabrizio Marzi che di destra lo era eccome, fino ai paventati finanziamenti ai gruppi neofascisti di cui qualcuno pare abbia i documenti, ma che però nessuno ha mai visto.

Al di là delle illazioni e di miti comunque, Battisti ebbe sempre un rapporto contraddittorio, o per meglio dire un “curioso non-rapporto” con il movimento e con le avanguardie: non partecipò mai ad alcun festival alternativo (anche se ci andò vicino) , non si sbilanciò e andò dritto per la sua strada.La sua arte contribuì sicuramente ad elevare la musica italiana ma, si badi bene, solo una certa fascia: quella più vicina al mercato e all’airplay.

Non fu quindi un artista Prog e in ogni caso gestì la sua conflittualità sempre in maniera solupsistica, fatto anche questo non condivisibile da una certa parte del movimento.

Anche se a posteriori buona parte della critica si lavò le mani sull'argomento asserendo che “Battisti era semplicemente uno che si faceva i fatti suoi”, c'è chi come Pierangelo Bertoli non ebbe dubbi:
“Non c’è bisogno di dimostrare se Battisti fosse un fascista o meno. Lo era e basta.”

Voi cosa ne pensate?

Perigeo: Azimut (1972)

2026-03-14T21:00:00.000+01:00

QUANDO IL PROGRESSIVO ESPLORA ALTRI MONDI
NEI COMMENTS CI SCRIVE GIOVANNI TOMMASO

Fortemente influenzati da A Silent Way e Bitches Brew di Miles Davis, i cinque componenti del Perigeo, si uniscono nel 1971 per portare avanti - primi in Italia - un discorso jazz rock. Ma non lo fanno da dilettanti o da semplici cultori.

Sin dalla sua nascita, quella che sarà sicuramente una delle migliori band italiane in merito ad affiatamento e preparazione musicale, annovera nelle sue fila musicisti già ampiamente collaudati: il contrabbassista lucchese Giovanni Tommaso, emigrato appena maggiorenne a New York dove, tra gli altri, strinse amicizia con personaggi del calibro di Charles Mingus; il pianista altoatesino Franco D’Andrea che vantava già collaborazioni con stelle di prima grandezza quali Gato Barbieri e il Modern Art Trio; il batterista romano Bruno Biriaco, reduce da una lunga esperienza nel beat; il sassofonista veneziano Claudio Fasoli che aveva suonato a lungo nei circuiti jazz di Bologna, e non ultimo, lo straniero del gruppo Anthony Sidney all’epoca già quotato chitarrista.

Reclutati nel 1972 dalla RCA di Ennio Melis, imprenditore attentissimo nei confronti dei nuovi talenti e delle sonorità d’avanguardia, incidono presso lo studio D della sede romana la loro prima fatica a 33 giri Azimut, prestigioso biglietto da visita e ventata del tutto nuova nel pur già variegato panorama di casa noatra.

L’album invero non ottiene un riscontro commerciale immediato, ma la continua circuitazione del gruppo all’interno dei festival pop fa lievitare gradualmente la sua popolarità sino a renderlo un vero e proprio un punto di riferimento.
E anche malgrado il jazz fosse spesso osteggiato dalle frange più intransigenti del movimento, il Perigeo seppe comunque ritagliarsi una sua nicchia a colpi di coesione e qualità. Ciò al punto che, a mio avviso, ascoltare la sua discografia dal 72 al 76, equivale non solo a leggere un libro di storia, ma ripercorrere tutte le diverse tappe che contraddistinsero l'underground e la successiva controcultura.

Tornando ad Azimut, il sound che si respira è, dicevo, fortemente venato di jazz e di rock con ampie concessioni alla fusion, specie grazie al prezioso lavoro di D’Andrea.
Coraggioso, innovativo, a tratti stridente ma curato in ogni sua parte dai tecnici Gianni Oddi e Sergio Patucchi, l'LP si pone insomma come la terza via rispetto alle residue reminescenze tardo beat, e a quel nuovo rock progressivo che in quel 1972 viveva il suo primo anno di gloria.

Nessuno insomma aveva mai osato tanto e di fatto le polemiche non mancheranno: il gruppo verà accusato di blasfemia dai puristi del jazz (ricordo a tal proposito gli strali di Arrigo Polillo) e persino di tradimento da quelli del rock, ma saranno solo flebili brontolìi.

Gli "elementi di rottura" coniati dal Perigeo non solo entreranno rapidamente a far parte integrante della cultura musicale italiana, ma assurgeranno a veri e propri apertori di una scuola che di lì a poco produrrà risultati ancor più significanti.

Ascoltando Azimut, sin dal primo brano si percepisce un'infuocata contaminazione tra rigore e improvvisazione, ben restituita da "Posto di non so dove" in cui, nel corso di sei minuti di passione pura, si alternano momenti che sembrano sfiorare il silenzio con altri di apparente anarchia strumentale.
Ed è davvero sorprendente come dai suoi solchi traspirino realisticamente tutte le caratteristiche di una generazione in forte mutamento come quella del 72. Lo stesso vocalizzo che caratterizza, appunto, "Posto di non so dove" sembra quasi un richiamo apolide - ma universale - alla modernità gettato dal profondo di un vicolo urbano.

Il gioco continua negli stridori di "Grandangolo". Poi tra tensioni e meditazione in "Aspettando il nuovo giorno" e “36° parallelo” e, ancora, nella magistrale “Azimut”, là dove in un affresco impressionista, sembrano sfogarsi tutte le dicotomie di un mondo sospeso tra opposti: jazz o rock, personale o collettivo, meditazione o coinvolgimento?

Quesiti per il momento ancora senza risposta, ma a cui il Perigeo avrà modo di rispondere nel giro di un anno quando, grazie anche al continuo contatto con il pubblico, licenzierà uno dei suoi lavori più comunicativi, disvelando e reinterpretando, ancora una volta, il corso della storia.
Più di così non credo si possa pretendere.

Alberto Radius: America Good-Bye (1979)

2026-03-14T12:00:00.000+01:00

Nel 1979 il rock progressivo era ormai acqua passata, e molti dei suoi interpreti lo avevano da tempo rinnegato per un posto al sole. La PFM incubava il cantereccio Suonare Suonare, Alan Sorrenti deliziava le casalinghe, l'ex Rovescio della Medaglia Michele Zarrillo vinceva Castrocaro, e le Orme, chissà perché, regredivano al XVII° secolo.

Gli aromi di un tempo però, erano pur sempre indispensabili per insaporire qualunque nuova produzione. Non a caso Gino Paoli chiamò a raccolta Elio d'Anna degli Osanna, Franco del Prete dei Napoli Centrale e Tony Esposito per il suo inestimabile Ha Tutte Le Carte In regola (omaggio all'amico Piero Ciampi appena scomparso).

Pino Daniele reclutò Agostino Marangolo dei Flea/Etna, Tony Cicco della Formula Tre, Francesco Boccuzzi del Baricentro, e James Senese dei Napoli Centrale, mentre Paolo Conte registrò Un Gelato Al Limon insieme all'ex Locanda Delle Fate Ezio Vevey, a Renato Mantegna dei Dedalus, a Francone Mussida della Pfm, e al fu Area Patrick Djvas.

Rino Gaetano intanto si era preso Gaio Chiocchio dei Pierrot Lunaire, e Guccini i Pleasure Machine al gran completo, più Antonio Marangolo dei Flea e Gianfranco Coletta della RAM.

Eppure, mentre gli alfieri del pop italiano si accasavano sotto nuovi tetti, anche a costo di rinnegare il loro passato, c'è chi invece mantenne la propria coerenza, e tradusse quel momento di transizione in un album-capolavoro.

Parliamo di Alberto Radius che tra una produzione e l'altra trovò il tempo di pubblicare il suo quarto Lp da solista, America Good-Bye, sospeso tra il disincanto per un passato in dissoluzione, e i miraggi sponsorizzati dal nuovo ordine mondiale.

Un disco geniale che prese a prestito le incongruenze del mito americano per sbatterci in faccia le nostre, e rivelò una ad una tutte le contraddizioni in una società solo apparentemente sana.

Tecnicamente: otto brani firmati dallo stesso chitarrista su testi di Daniele Pace e Oscar Avogadro, qui in particolare stato di grazia.
Arrangiamenti del sopraffino jazzista Sante Palumbo, e ritmica d'eccezione: uno scatenato Tullio De Piscopo in overdose di Synare.
Il tutto registrato nel nuovo e fiammante studio di Alberto che di lì a poco avrebbe ospitato Alice, Battiato, Faust'o, Giuni Russo e molti altri.

E veniamo al disco.
Attacco fulminante con un omaggio al prog, ed è subito una parata di stelle spente: eroi sconfitti dal loro stesso mito, ma anche da quel potere rancido, violento e ben fotografato nella successiva Poliziotto.

È poi la volta di California Bll, in assoluto il mio brano preferito dell'album. Splendido affresco di una California popolata di "uomini e donne belli come nei sogni", dove persino Dio "verrebbe a morire", ma talmente idealizzata da apparire infine irreale. Anzi, talmente posticcia da trasformare questo brano in una sorta di California dreamin al contrario. E scusate se è poco.

Stop al primo lato con Il Buffone, omaggio a Cassius Clay su una cassa ribattuta non particolarmente memorabile, e si riparte con la più grande leggenda metropolitana di Manhattan: i Coccodrilli Bianchi che, quasi fossero moderni Frankenstein o rifiuti tossici, incarnano magistralmente le fobie del vivere urbano in salsa yankee, .

Ed è nuovamente il turno di altri due gioielli Patricia e Giù. Nel primo c'è tutto il dramma delle minoranze latine immigrate nelle metropoli della West Coast, e nel secondo quello dei cosiddetti binge drinkers (gli alcolizzati del fine settimana), fenomeno diffussissimo anche nei nostri weekend degli anni ottanta.

Chiude in bellezza l'ennesima icona a stelle e strisce: Las Vegas, Città posticcia e icona del gioco d'azzardo in cui si è benvenuti sinché si hanno soldi da spendere. “Fino all'ultimo gettone hai diritto alla moquette”, e dopo 35 minuti si ha la sensazione di aver ascoltato un lavoro eccellente sia musicalmente che per qualità poetica.

Una riconferma di Alberto insomma dopo l'altrettanto avvincente Carta Straccia, che ci restituisce un Radius perfettamente a suo agio tra il suo passato di rocker progressivo e il suo nuovo ruolo di cantautore. Tanto di cappello infine alla preziosa copertina multistrato di un Luciano Tallarini al top della sua creatività.

Seconda Genesi: Tutto deve finire (1972)

2026-03-12T09:20:00.000+01:00

ECCELLENTE ROCK PROGRESSIVO NOBILITATO DALLA COPERTINA PIU' ESCLUSIVA DEL PROG ITALIANO.

Siamo a Roma nel 1972.
Prendendo il nome dalle iniziali del suo ideatore, apre i battenti la Picci: una piccola casa discografica fondata dal paroliere e compositore Pino Cassia che già nel decennio precedente aveva tradotto in italiano alcune hits di Holland & Dozier (“Reach out I'll Be There” diventata “Gira Gira”), Burt Bacarach (“Wishin and Hopin” = “Stupido stupido”; “Walk on by” = ”Non mi pentirò” e la celebre “This empty place” = "L'amore di Nessuno"), e collaborato con artisti del calibro di Dalida e Dionne Warwick.

Inizialmente distribuita dalla Rca e successivamente dalla Cgd, la label romana durò soltanto due anni, che comunque furono sufficienti per dare alle stampe uno dei dischi più ricercati del progressivo italiano.

Appena aperta, la Picci si concentrò prevalentemente sul mercato dei 45 giri, producendone ben 16 nel solo 1972, prevalentemente artisti di fama regionale tra cui si distinsero Fathia, Fiammetta e Pierluigi Terri. Successivamente però, incluse in catalogo almeno tre formazioni di culto del prog italiano: l’Officina Meccanica, Il Punto e i Seconda Genesi.

Quest’ultima band, consisteva un quintetto di Roma fondato dal chitarrista viterbese Paride De Carli che con il suo album “Naufrago in città” (uscito a nome di “Paride e gli Stereo 4”) aveva inaugurato nei primi mesi del ’72 le produzioni a 33 giri dell'etichetta di Pino Cassia.
In realtà, pur se quel disco consistette sostanzialmente di canzoni composte ed eseguite dal solo De Carli, dietro il nome d’arte di “Paride e gli Stereo 4” si celava un vero e proprio ensemble di cinque elementi (che dal vivo si facevano chiamare anche “Paride e gli Stereo 8” in omaggio a un supporto di riproduzione molto in voga in quel periodo) che spesso fungeva da backing band negli spettacoli dei vari artisti della Picci.

Oltre al De Carli, tale formazione era composta dal tastierista-cantante Alberto Rocchetti, da Giambattista Bonavera ai fiati (entrambi ex “Rokketti”) nonché dalla sezione ritmica di Nazzareno Spaccia (basso) e Pier Sandro Leoni, già batterista insieme al De Carli nei “Peppermint Group”e nei "Mhanas".

Va da sé che gravitando spesso negli studi della Picci, non ci volle molto perchè il quintetto si cimentasse in un proprio long playing, cambiando però denominazione per evitare di far sembrare il loro prodotto un secondo lavoro solista del De Carli.

Quei musicisti adottarno dunque il nome di Seconda Genesi (in omaggio al concept su cui s’imperniava il loro album) e il disco venne intitolato "Tutto deve finire” quale estrema sintesi del suo tema portante.

In questo senso, recitano le note di copertina:
“E se la notte e il grande silenzio cadessero ad un tratto su un mondo privo di qualsiasi forma di vita? E se il tempo trascorresse per millenni? E se infine l’ira di Dio si placasse e la sua mano tornasse a far risplendere il sole, ricreando ancora esseri umani fiori ed animali? Così fantasticando Paride De Carli e i suoi amici hanno trovato il nome col quale battezzare il loro gruppo, cioè: Seconda Genesi”.

Registrato presso gli studi Titania di Roma, l'album conteneva otto brani tutti firmati da Bonavera e dai produttori Cassia e Lucchetti.
Era piuttosto breve (32’ circa) e fu il risultato di un'unica session di otto ore in presa diretta in cui pare che durante certi passaggi il batterista non riuscisse neppure a sentire il resto della band. Una corsa al risparmio che però fu fortunatamente compensata da un eccellente resa acustica, e soprattutto da una veste grafica che fece epoca.

Le copertine di “Tutto deve finire” infatti, furono il primo esempio prog dell’applicazione discografica di una classica tecnica underground che, opponendosi idealmente alla mercificazione seriale dell’arte, prevedeva per ciascuna stampa la smaltatura manuale di un cartoncino bianco in Kromekote con inchiostri di colore casuale e diverso, generando così esemplari unici e differenti l’uno dall’altro.
Tra le tecniche artistiche più utilizzate: il dripping, lo splash e il whirl.

La notorietà della copertina non fu però pari a quella del gruppo che, malgrado avesse ottenuto ottimi riscontri ai festival pop di Viareggio e a Villa Pamphili dove pare avesse presentato l'intero album, furono penalizzati da una promozione men che modesta e tornarono rapidamente nell’anonimato.

Un vero peccato perchè malgrado i testi fossero pesantemente millenaristi e le parti cantate non all’altezza di quelle strumentali, il sound del disco sospeso tra jazz, barocco e psichedelia, restituiva una commistione timbrica davvero affascinante e difficilmente riscontrabile in altri prodotti dell’epoca (davvero belle in questo senso “Ascoltarsi nascere” e “L’urlo”).

Resta da chiedersi con rammarico cosa i Seconda Genesi avrebbe potuto ancora produrre, magari, con una maggiore cura della parti vocali e una produzione meno frettolosa, ma questo non ci è dato di sapere. Le basi tecniche ed esecutive comunque, c'erano proprio tutte.
Immancabile in qualunque discoteca prog che si rispetti, portafoglio permettendo.

Pooh: Un po' del nostro tempo migliore (1975)

2026-03-10T11:11:00.000+01:00

PUBBLICO QUESTA SCHEDA SU RICHIESTA. BUONA LETTURA.

Dopo la metà degli anni ’70 e con l’estinguersi del Prog, nacque in Italia un filone leggero-sinfonico che ebbe un gigantesco impatto commerciale.
Si trattava di uno stile mutuato dal progressive nella sua accezione più romantica, ma molto più semplificato nella struttura e nei contenuti e completamente asettico sul versante rivendicativo.

Protagonisti: un esercito di gruppi sospesi tra pop e balere, ma che ad un tratto assursero a leader delle hit parade con brani tanto melensi quanto al limite del provincialismo. In certi casi comunque, supportati da produzioni a livello internazionale che testimoniavano quanto quel genere fosse redditizio anche per il mercato estero.
Un nome su tutti: i Panda che nel 1978 sotto l’egida di Niko Papathanassiou (fratello di Vangelis) rivisitarono col nome di “Notturno” la Danza del Principe e della Fata Confetto di Tchajkovski.

I Panda però, non erano che la punta dell’iceberg: la tendenza a edulcorare e sinfonizzare qualunque melodia possibile, pareva avesse pervaso tutta Italia: dagli Albatros di Toto Cutugno ai Collage e dalla Prima volta di Andrea e Nicole alla Ragazzina dell’ex New Dada Franco Jadanza, battezzatosi per l’occasione Luca D’Ammonio.
Ricordiamo poi la Schola Cantorum, i Romans, Santarosa, i Daniel Sentacruz Ensemble, gli Armonium, gli Aequator, i Beans, i Santo California, Gli Alunni del sole, I vicini di casa, il Giardino de Semplici e qui ci fermiamo perchè l'elenco sarebbe troppo lungo
.
Una sorta di controrivoluzione populista insomma, da far impallidire persino i Cugini di Campagna la cui “Anima Mia” fu già nel 1972 un buon esempio di italianizzazione del glam angloamericano.

Ma chi fu realmente il colpevole di questa nuova ondata del Pop italiano?

Invero sarebbe sbagliato parlare di “colpe”, ma ciò che in effetti diede il La alla massificazione di quello stile, fu sicuramente l'enorme successo ottenuto dai Pooh. Precisamente negli anni in cui collaborarono col produttore Giancarlo Lucariello: da “Opera prima” a "Forse ancora poesia" che segnò la fine della loro collaborazione.

In origine un gruppo Beat, nel 1971 i Pooh trovarono in Lucariello un tesoro, ma allo stesso tempo una minaccia per la loro integrità di autori votati consapevolmente alla forma-canzone e pur se i risultati iniziali furono eclatanti (Pensiero, Tanta Voglia di Lei, Alessandra, Parsifal), intorno al 1975 tutte le magnificenze orchestrali, le volute barocche e i continui richiami al tardo romanticismo iniziarono a star loro stretti.
Negrini lo aveva capito e continuava a litigare con Lucariello e Riccardo Fogli se n’era già andato da tempo:ovvio sintomo dell'insoddisfazione di quattro musicisti in gabbia e per giunta stressati da un preoccupante calo delle vendite.

La fine dell'era sinfonica dei Pooh lasciò dunque un vuoto incolmabile nella canzone italiana, che a quel punto venne coperto da chiunque sapesse imitarli anche a costo di cadere nel patetico. E così accadde.

Comunque sia, pur se ritenuto da molti il vertice creativo dei Pooh, "Un po' del nostro tempo migliore" fu in realtà il loro disco più plagiato dal produttore napoletano e mentre Negrini, Facchinetti, Canzian, Battaglia e D’Orazio avrebbero probabilmente voluto muoversi in altre direzioni - come poi testimoniò il loro primo album autoprodotto “Poohlover” la cui prima canzone si chiamava non a caso “Il primo giorno di libertà” – la CBS e Lucariello continuarono a tenerli vincolati a cliché ormai prosciugati.

Nell’album gli spunti geniali non mancarono di sicuro: Facchinetti si dimostrò superbo, D’Orazio emerse anche come autore in “Eleonora mia madre”, gli arrangiamenti, i suoni e la resa acustica furono ineccepibili e Negrini superò se stesso in “Il tempo, una donna, la città”,

Sul disco però gravò impietosa la ripetitività, l’eccessiva levigatezza e una pomposità ormai quasi più necessaria che realmente ispirata
.
Gradevole ma fazioso il Preludio iniziale, aggraziate ma pesanti le successive Credo, Una storia che fa ridere, Oceano e la rinascimentale Fantasia.
Autoindulgente Mediterraneo con un tema reiterato all’infinito.
Giocata invece su abusate progressioni discendenti Eleonora mia madre. Tracotante nella sua bizantina magnificenza la closing track Il tempo, una donna, la città.

Fortunatamente, il divorzio con Lucariello era alle porte e malgrado quei gioielli che ancora oggi tutti noi serbiamo nel cuore, credo francamente che il gruppo avesse fatto bene a chiudere quella parentesi.
Con Lucariello i Pooh diventarono sicuramente adulti, ma a volte, è meglio una buona canzone Pop che voler strafare a tutti i costi.

Free Love. La notte in cui morì un sogno.

2026-03-09T00:55:00.001+01:00

IN RICORDO DI MIMI', UCCISA NEL 1995 DALL'IMBECILLITA' UMANA, E DI GIANNI E STEVE, PARTITI TROPPO PRESTO

IN ESCLUSIVA PER CLASSIC ROCK, LA STORIA DEI FREE LOVE RICOSTRUITA DA JJ JOHN CON LA COLLABORAZIONE DEL LORO ULTIMO TASTIERISTA FABIO CAMMAROTA E DELLA SIG.RA LAUREN TAINES, VEDOVA DI CARL STOGEL.

Siamo in Svizzera alla fine degli anni '60 e precisamente all'American College of Switzerland dove il cantante Antonio "Tony" Gizzarelli e il bassista Carl Stogel suonano in un gruppo studentesco sotto l'egida dell'impresario Winthrop Rockefeller.

Terminata l'università, ila coppia si trasferisce a Roma dove vive il fratello di Carl (Steve Sogel) e il il padre dei due che riveste l'incarico di dirigente per la Columbia Pictures.
Caso vuole che Steve stia promettendo bene con la chitarra, alchè Carl e Tony pensano bene di coinvolgerlo in un nuovo progetto musicale. E già che ci sono, chiamano a se anche l'amico batterista Gianni Caia. Nasce così la prima formazione dei Free Love.

Le cose si mettono subito bene al punto che la band che non solo viene invitata a partecipare al primo Festival pop di Caracalla nell'ottobre del 1970, ma diventa il resident group del Piper di Via Tagliamento e trova immediatamente un contratto per la discografica Vedette che pubblica il loro primo 45 giri ("Sandy", "Il tempo di pietra", 1970).
Pur essendo vagamente debitore allo stile dei primi New Trolls, il singolo ha un riscontro e una stamina talmente interessanti da catturare l'attenzione del M° Piero Umiliani che recluta il gruppo per eseguire il tema del suo film "Roy Colt & Winchester Jack", che sarà anch’esso immortalato su 45 giri per la Cinevox ("Roy Colt" / Dove", 1970).

Tra il 7 e l’8 maggio del 1971, una seconda apparizione a Caracalla accanto a bands quali New Trolls, Osanna, Delirium e Trip, consacra i "Free Love" come una delle più promettenti realtà italiane e da quel momento, i Free Love incroceranno la sua storia con quella dell’allora debuttante Domenica Bertè, al secolo Mia Martini e soprannominata la "Julie Driscoll italiana”.

Mimì all’epoca sta suonando in giro per l’Italia accompagnata dal suo gruppo “La Macchina”, composto dagli ex “I Posteri” Riccardo Caruso (voce e tastiere), Giorgio Dolce (chitarra), Giovanni Baldini (basso) e Daniele Cannone (batteria), con i quali inciderà anche una manciata di covers.
Intorno al maggio ’71, viene notata dal discografico Alberigo Crocetta che le propone un contratto con la RCA a patto però di sbarazzarsi dei suoi musicisti il cui sound è ritenuto troppo duro.Al momento, Mia probabilmente non se la sente di abbandonare i compagni ma per venire incontro alla discografica, accetta di registrare il suo primo singolo “Padre davvero” (RCA n° cat. PM 3589 ) con un’altra line up (chiamata anch'essa "La macchina") di cui fecero parte proprio alcuni componenti dei Free Love più il tastierista Stefano Sabatini che da allora cominciò a gravitare nel gruppo..Al Festival Nuove Tendenze di Viareggio (27 maggio – 2 giugno 1971) Mimì però ci va con i vecchi compagni e vince malgrado le roventi polemiche inscenate dal suo compagno di allora Joe Vescovi dei Trip. Quella sarebbe stata l’ultima volta che si sarebbe esibita con gli ex “I Posteri” (ovvero, la prima formazione della Macchina) che si congedano da lei lasciandola sola alla vigilia del Festivalbar dell’8 agosto 1971.

Sullo scioglimento della prima "Macchina" c’è anche chi sostiene che alcuni membri della band abbandonarono la cantante in quanto non se la sentirono di affrontare una tournèe nazionale. Tuttavia, è plausibile pensare che il veto della RCA avesse influito non poco sullo scisma.

Comunque sia, a partire dall’agosto ’71 Mia Martini si mette a caccia di nuovi musicisti per dar vita a una seconda formazione della Macchina e il primo ad arrivare fu ancora Stefano Sabadini che abbandonò definitivamente i Free Love, sostituito da John Picard al violino elettrico e dall’organista Fabio Cammarota.

Dopo qualche mese di attività con il nuovo assetto (Caia, gli Stogel, Cammarota e Picard) però anche i Free Love devono separarsi temporaneamente per impegni privati: John e Fabio per sostenere gli esami di diploma di violino e Carl (che nel frattempo aveva cominciato anch’egli a collaborare con la nuova Macchina) per un viaggio in America.

A quel punto, e siamo circa nei primi mesi del 1972, Gianni Caia e Steve Stogel rimasti discoccupati, raggiungono Sabadini nella nuova Macchina che finalmente acquisisce un’identità stabile (Caia, gli Stogel, Sabadini e Montaldo) e parte in tournèe con Mia Martini.
Nel mese di febbraio però, un destino crudele spezzerà la loro carriera.Ricorda così, il chitarrista dei Libra Nicola di Staso in un'intervista ad Augusto Croce del 2008:
"Ero amico di Gianni Caia, lavorava in un negozio di dischi a via Galli[...] Quando successe la disgrazia stavano suonando con Mia Martini. […] Tornando la notte stessa da una serata nel Sud Italia per poter assistere ad un concerto di un gruppo inglese a Roma - me lo ha raccontato il loro autista del furgone che conoscevo -, un colpo di sonno e.... morirono Gianni e Steve […]. Una vera tragedia."

In sintesi, la cronaca dell'epoca riportò invece così l’incidente:
“Gianni Caia, 20 anni e Steve Stogel 23, sono morti sull’autostrada Salerno-Reggio Calabria nello scontro tra il loro pullmino e un autocarro. Gli altri due, Stefano Sabatini (18 anni) e Mauro Montaldo (20) sono ricoverati in gravi condizioni all’ospedale di Salerno. I quattro giovani provenivano da Siracusa dove sul loro Ford Transit erano diretti a Milano e a Torino dove erano stati ingaggiati per alcune serate. Nelle vicinanze di Salerno verso le 23, il Transit ha tamponato violentemente l’autocarro che lo precedeva".

Gianni e Steve morirono sul colpo mentre Mauro e Stefano vennero soccorsi dall’autista dell’autocarro Emilio Panfili e portati all’ospedale di Salerno grazie a auto di passaggio. Per Stefano i medici si riservarono la prognosi e al momento il solo Mauro venne dichiarato guaribile in 40 giorni.

Questo è quanto ci è dato di sapere su quel terribile evento.

Non molto tempo dopo, venne organizzato un concerto al Piper per ricordare gli amici scomparsi ed aiutare economicamente le loro famiglie: in particolare la mamma di Gianni, all'epoca in stato di grave difficoltà econimica.

E chiaro che ricomporsi in un momento del genere non fu una cosa facile, ma con grande forza d'animo Sabatini e Carl Stogel ricostruirono un gruppo per partecipare al concerto di Caracalla nell'autunno del 1972 con il batterista Giovanni Liberti e il sassofonista Stefano Cesaroni: fu l'ultima volta dei "Free Love"
I soli Liberti e Sabatini avrebbero formato i Kaleidon l'anno successivo.

L'incidente ebbe gravi ripercussioni anche su Mia Martini che da quel momento in poi, acquisì la tristemente nota patente di iettatrice. Mimì raggiungerà Gianni e Steve il 12 maggio del 1995 seguita da Carl Stogel che ci ha lasciato nell'autunno del 2004.

GRAZIE ALL'AMICO FABIO CAMMAROTA, TASTIERISTA DEI FREE LOVE, PER LE FOTO INEDITE.GRAZIE A LAUREN PER L'AMICIZIA E PER I SUOI RICORDI.
GRAZIE A LORENZO COSTANTINI DEI G-MEN PER IL COMMENT

Alluminogeni: Troglomen / Ding Dong (versione Thailandese, 1972)

2026-03-08T18:56:00.000+01:00

Nel 1971 gli Alluminogeni non erano poi così sconosciuti: certamente un gruppo di nicchia, ambasciatore di improbabili visioni cosmiche e surrealiste, ma avevano pur sempre all’attivo tre singoli per la Fonit, diverse apparizioni televisive (Rai, Montecarlo, Capodistria) e diverse presenze in concorsi quali il “Cantagiro” e "Un disco per l'estate"

Non erano così ignoti insomma, per non essere interpellati quali autori di una colonna sonora del cosiddetto “cinema di genere”.
Del resto, anche altri colleghi post-beat molto meno famosi di loro avevano fatto capolino in numerosi musicarelli, e in ogni caso, mai nessuna band aveva disdegnato comparsate in pellicole di vario spessore.

E così, quando Bruno Corbucci propose a Patrizio Alluminio e soci di collaborare con lui e Giancarlo Chiaramello ai titoli di testa del suo film “Quando gli uomini armarono la clava... e con le donne fecero din-don”, i tre non si fecero sfuggire l’occasione, visto che tra l’altro sarebbero apparsi anche di persona accanto ad attori assai popolari all’epoca quali Antonio Sabàto, Aldo Giuffrè, Elio Pandolfi, Vittorio Caprioli e una giovanissima Nadia Cassini che poi sarebbe finita con loro sulla copertina del disco.

Peccato che il film, girato nella zona di Tor Caldara nel Lazio, risultò talmente modesto non solo da non apportare alcun vantaggio reale al gruppo, ma di partorire un singolo piuttosto prescindibile, fortunatamente nobilitato sul lato B dall'inedita “Costruendo astronavi”, registrata a Santagata di Puglia durante la trasmissione “Speciale tre milioni”.

Comunque sia, tornando al film, trattandosi del tema introduttivo, il lato A “Troglomen” (anche noto presso certi mercati orientali come “Ding Dong”) doveva più o meno rispecchiare la trama del film e in questo senso centrò l’obiettivo sia come contenuti, sia specialmente come goliardia.

La trama - ispirata alla Lisistrata di Aristofane piuttosto che a Le donne alla festa di Demetra - narrava le gesta di due tribù preistoriche, i Cavernicoli e gli Acquamanni in perenne conflitto tra di loro.

Al chè, in un periodo di pace, Ari, il capo dei Cavernicoli, vince in una competizione Istra, una vergine degli Acquamanni.
Sembra sia vero amore, ma purtroppo la guerra riprende, e stanche di vedere i loro uomini partire, le donne di entrambe le tribù proclamano uno sciopero del sesso, destinato a riportare pur se per poco la pace.

Al momento non ci è dato di sapere quanto gli Alluminogeni ebbero peso nella stesura di "Troglomen" che fu firmata a tre mani. Sta di fatto che quel brano fu realmente uno dei più avulsi dal repertorio del gruppo sia per sound che per ambientazione.
Sin dai primi secondi infatti, possiamo tranquillamente dimanticarci quelle sognanti atmosfere spaziali tipiche dei tre single precedenti, venendo invece investiti da un groove tribale di batteria sul quale una voce baritonale modula un gioco di parole apparentemente senza senso:
” Ding ding dong bada di ding dong ba di da / Ding ding dong...ecc.”

Come se non si fossse capito, il “Ding dong” in questione evocava palesemente l'accoppiamento e, tanto per far capire la particolarità del brano, c'è da sottolineare come mai e poi mai gli Alluminogeni avessero fatto in passato uso di allusioni così esplicite:

“Quando lunà verrà / e poi notte sarà / un gran fuoco si fa / cantando insieme ding dong
Ma tra gli uomini là / uno ancora ci sta / che la donna non ha e non può fare ding dong
“Un torneo si fa / e poi chi vincerà / la sua giovane avrà / per fare il primo ding dong”

Superfluo a questo punto proseguire con la disamina del testo che, come si può ben capire, resterà tutto giocato sul doppio senso sino al finale che riprenderà ad libitum il tema portante.

Un brano dunque leggero (per non dire bruttino) che comunque, al di là del giudizio qualitativo, dimostrò come pur se nati come band d’avanguardia, in fondo gli Alluminogeni non disdegnavano affatto le cosiddette “marchette” e, vista la loro filosofia politica relativamente qualunquista, è presumibile che ne avrebbero fatte altre se la loro carriera non si fosse interrotta con “Scolopendra”.

Diciamo che, per spezzare una lancia in favore di Troglomen, segnaliamo il micro assolo di chitarra di Enrico Cagliero che in dieci secondi netti sventagliò un’azzeccata scala rock che ben sottolineò il suo riuscito inserimento nel gruppo.
Per il resto, i Cavernicoli e gli Acquamanni rimasero fortunatamente solo un episodio nella ancora breve carriera del glorioso terzetto torinese.

COLLEZIONISMI: Il vinile originale Fonit con in copertina gli Alluminogeni in mise preistorica e una sensuale Nadia Cassini può considerarsi mediamente facile da reperire ad un prezzo di circa 20 euro.

Ancora più agevole è un EP per il mercato tailandese (etichetta anonima, numero di catalogo KS 009 – valore circa 8 euro) dove “Ding Dong/Troglomen” è affiancato a Daniel Boone/Beautiful Sunday, Gallery/Nice to be with you e Mouth & Macneal/How do you do.

Rarissimo è invece il 45 giri thailandese del 1972 in cui “Troglomen” occupa il lato A e il retro ospita invece il tema del film “Living Free” del regista Carl Foreman (1972) cantato da Julie Budd: abbinamento curioso dato che gli Alluminogeni non comparvero affatto nella pellicola di Foreman.
Il disco non ha numero di catalogo neppure sul trailoff dove invece compare a caratteri arial maiuscoli la scritta “TROGLOMEN”.
La copertina infine, riporta sul fronte un momento decisamente piccante del film, con le sole scritte “Troglomen” (nella stessa grafia originale italiana) e “Ding Dong”, mentre sul retro c’è la locandina di Living Free.
Un esemplare imperdibile di cui fino a poco tempo fa non si sapeva neppure l’esistenza, e la cui potenziale quotazione di 300 euro (EX) è sicuramente destinata a salire.

Sondaggio. Il miglior batterista del Rock Progressivo italiano anni '70: Ha vinto Giulio Capiozzo.

2026-03-07T00:30:00.000+01:00

Franz Di Cioccio sostiene che il miglior batterista del mondo, a patto che esista, non è soltanto quello più abile, più veloce, più tecnico, più potente ma colui che sa dare alla sua band una marcia in più, che suona in funzione di un collettivo e che, aggiungo io, da voce ed anima suo strumento.

E’ questa un po’ una caratteristica dei “ritmici” : bassisti, rhytm guitarist, percussionisti e per l’appunto batteristi: Ginger Baker con i Cream, Pierre Moerlen con i Gong, Bruford negli Yes, Phil Collins, Keith Moon, John Weathers, Carl Palmer, Mitch Mitchell sono i primi che mi vengono in mente, ma anche Biriaco, Mangini, Cochis, Gardino, Stinga, Marangolo, Herigers e tanti altri che seppero dare personalità non solo al proprio soud, ma a quello di tutti gli organici in cui militarono .

C’è n’è uno però che il mio cuore (e a questo punto anche il nostro) associa automaticamente a colui che fu il più grande batterista del Prog italiano anni ’70, ed è Giulio Capiozzo che vince senza mezzi termini il nostro sondaggio

Perchè Giulio? Che cosa aveva in più degli altri questo tipo baffuto, nervoso e “instabile”, come lo definivano i suoi amici?. Uno che ha fatto la gavetta nelle balere ma poi ha scoperto che la “consapevolezza” era quanto di più necessario per affermarsi in un mondo in trasformazione?.

Perchè era determinato, polemico anche con i suoi stessi compagni (Fariselli ne sa qualcosa), spesso strafottente, deciso, puntiglioso ma anche bello, potente, generoso. Perchè non era solo un tutt’uno col suo strumento e con il suo gruppo, ma non era mai sazio di fare esperienze, di migliorarsi, di ricercare.

Lui pensava che non esistessero barriere e se esistevano, andavano superate con lo studio, con l’abnegazione, con la tecnica e con il dialogo. Dietro una scorza dura insomma, si nascondeva un artista ansioso di comunicare, di migliorarsi per migliorare gli altri.

Chi l’ha conosciuto come me, sa che non era proprio quel che si dice un tipo “facile”, anzi: era proprio un po’ orso, ma tutto si dimenticava quando prendeva in mano le bacchette.

Al suo cospetto, gli altri sono stati soltanto degli “ottimi batteristi”. E tra questi, al secondo posto del nostro sondaggio troviamo Franz di Cioccio, “l’uomo spogliatoio” della PFM: tecnica potenza e soprattutto simpatia. Probabilmente il più “multimediale” di tutti i batteristi italiani (ricordate “Punk e a capo...”?) e dotato di una comunicatività fuori dal comune.

Difficile pensare cosa sarebbe stata la Pfm senza di lui.

Al terzo posto del nostro sondaggio c’è Furio Chirico.. Una nota davvero confortante questa perchè dimostra come ancora oggi il Prog italiano sia ricordato non solo per i mostri sacri come Banco, Orme e Pfm, ma anche per chi, come Furio, ha traghettato col suo batterismo il primigenio post beat psichedelico al Prog maturo sino al Jazz: un impresa che Furio ha compiuto con successo e forse per merito del suo spirito più Underground e meno sovrastrutturale rispetto ai propri colleghi.

Al quarto posto la spunta sul filo di lana Calderoni su Dei Rossi.

E’ stata una battaglia all’ultimo sangue ma alla fine ha prevalso la mediterraneità sull’esterofilia, la creatività sulla tecnica. Credo che qualcuno avrà molto da obiettare su questa mia opinione, ma chi mi conosce sa che non avrei mai digerito vedere il Michi davanti a Pierluigi.

A dimostrare poi che il Prog italiano era una musica “di base” ecco che nella classifica arriva Golzi dei Museo Rosenbach, all’epoca lontanissimo dalle luci della grande ribalta ma comunque perfettamente coerente con quello che Herder o Goethe chiamarono “zeitgeist”, lo spirito del tempo: agire per comunicare, trasmettere per migliorarsi. Principio che a loro modo assunsero anche Bruno Biriaco dei Perigeo, Dall’Aglio, Calloni e Marangolo. Personalmente Biriaco lo avrei collocato tra i primi cinque, ma sapete che quando si parla dei Perigeo divento indecentemente imparziale.

Il resto della classifica lo vedete da voi e, per concludere, volevo citare qualche escluso che forse avrebbe meritato qualcosina in più a partire da quel pazzo di Gianluca Herigers dei Matamorfosi che in fondo diede a “Inferno” un imprint del tutto particolare.

Stesso discorso per Franco Lo Previte dei Duello Madre, Giovanni Liberti dei Kaleidon, Mauro Mencaroni degli Agorà, e... perchè no.. Daniele Ostorero dei miei adorati Alluminogeni che forse non era una cima, ma fu per l'epoca molto coraggioso.

Aspetto i vostri comments e ne approfitto per augurarvi un meraviglioso 2013, sereno, proficuo e più progressivo che mai.

Un grazie di cuore e un abbraccio a tutti

JJ John

La classifica finale

1	Giulio Capiozzo (AREA)	27,82%
2	Franz di Cioccio (PFM)	13,81%
3	Furio Chirico (TRIP / A&M)	11,48%
4	Pierluigi Calderoni (BANCO)	8,75%
5	Michi Dei Rossi (ORME)	7,78%
6	Giancarlo Golzi (MUSEO ROSENBACH)	4,09%
7	Bruno Biriaco (PERIGEO)	2,92%
8	Gianni Dall'Aglio (IL VOLO)	2,72%
9	Walter Calloni	2,53%
10	Agostino Marangolo (FLEA / GOBLIN)	1,95%
11	Franco del Prete (NAPOLI CENTRALE)	1,75%
12	Gianni Belleno (NEW TROLLS)	1,56%
13	Giorgio Gardino (LOCANDA DELLE FATE)	1,36%
14	Ellade Bandini (4th SENSATION ecc.)	1,17%
	Salvatore Garau (STORMY SIX)	1,17%
	Giancarlo Stringa (BALLETTO)	1,17%
17	Duilio Sorrenti (MURPLE)	0,97%
	Alfio Vitanza (LATTE E MIELE)	0,97%
19	Tullio De Piscopo (IBIS)	0,78%
20	Mauro Mencaroni (AGORA')	0,68%
	Renzo Cochis (JET)	0,68%
	Piero Mangini (BARICENTRO)	0,68%
23	Roberto Gatto	0,68%
24	Nunzio Favia (OSAGE TRIBE)	0,58%
25	Massimo Guarino (OSANNA)	0,39%
	Tony Esposito	0,39%
	Marcello Surace (APOTEOSI)	0,39%
28	Pino Sinnone (TRIP)	0,19%
	Maurizio Cassinelli (GARYBALDI)	0,19%
	P. Canavera (ACQUA FRAGILE)	0,19%
	Santandrea (ALPHATAURUS)	0,19%

Il Prog Italiano all'estero: un'avventura sofferta

2026-03-06T00:30:00.000+01:00

Che il Prog Italiano includa delle caratteristiche importate dall'estero, è cosa nota, ma sappiamo anche che esso riuscì a ritagliarsi anche una vera e propria personalità che lo portò ad essere il fenomeno che oggi conosciamo.
Le radici sono però incancellabili e, soprattutto dal 1973, con l'espandersi della Controcultura e la planetarizzazione delle informazioni e dei mercati, crebbe in Italia la voglia di saggiare il riscontro dei nostri prodotti al di là dei confini nazionali.
Inizialmente, furono le stesse majors discografiche straniere (es: Manticore e Harvest) ad interessarsi direttamente ai nostri gruppi, sia perché incuriosite dalla loro popolarità locale, sia per le loro effettive potenzialità: Premiata e Orme innanzitutto.

A partire però dalle prime dignitose affermazioni, si consolidò un'altra idea, quella più rischiosa: ossia che che la carta anglofona potesse essere giocata sempre e comunque, anche in assenza di una reale verosimiglianza tecnica o artistica.
Si generò così una strana generazione di dischi Italiani in lingua inglese, che ebbe come unico risultato quello di lasciare perplessa mezza Europa.

Tralasciando per un attimo i successi, diciamo che di norma i motivi di un flop internazionale risiedevano sostanzialmente in alcuni fattori, di cui i più rilevanti erano innanzitutto la pessima pronuncia inglese dei nostri cantanti e nondimeno, una scarsa "internazionalizzazione" della musica. A questi primi due items, si sommavano spesso grosse difficoltà nel rendere la poetica italiana nelle rispettive lingue di destinazione e la diffidenza rispetto ad una certa connotazione politica.
Peter Hammill ammise più di una volta le sue difficoltà nel tradurre la complessa spiritualità di Felona e Sorona, mentre la PFM venne bandita dagli Stati Uniti a causa di un concerto filo Palestinese.
Se cosideriamo anche una certa invidia per i nostri musicisti più dotati e gli ostacoli a cui furono sottoposte le nostre produzioni, il quadro è completo.

Sappiamo tutti che sin dai primi anni '60, il "british sound" non solo "dettava legge", ma si era talmente definito nei suoi vari steps (Beat, Psichedelia, Progressivo), che diventava davvero difficile per gli Italiani, re-importare in Inghilterra quei generi musicali che avevano sempre preso a modello proprio da quella stessa nazione.
La transazione poteva avvenire solo se si contaminavano gli stilemi originali con delle novità (come nel caso della Pfm) o se i prodotti erano commercialmente attendibili (es: un certo tipo di musica melodica).
In caso contrario, scattava l'invidia, il protezionismo discografico e il fallimento era assicurato.

Elemento non meno importante, era poi la pronuncia.
Com'è noto, certi popoli tra cui i Francesi, gli Americani e gli Inglesi sono estremamente gelosi della loro "foné" e parallelamente diventano anche molto caustici con chi non ne rispetta le regole. Tutto il contrario degli Italiani che per motivi storici, sono sempre stati da un lato più tolleranti, ma dall'altro, terribilmente ingenui.

Si da il caso che uno degli errori più gravi che commisero molti nostri artisti, fu proprio quello di non adeguarsi alla relativa inflessione straniera, provocando così imbarazzi e accantonamenti.
Contrariamente all'Inglese infatti, l'Italiano è una lingua romanza, chiara, scandita e caratterizzata principalmente da accentuazioni forti, mentre quella Britannnica è isolante, "non-rotica" e molto più fluida: accentuarla "all'italiana" era spesso percepito in Gran Bretagna e negli States come un segno di provincialismo, o peggio, di maleducazione.

Ora, considerato che pochissimi dei nostri vocalist avevano compiuto percorsi tali da introiettare le cadenze straniere, diversi esperimenti "in lingua" ebbero esiti decisamente opinabili.

Un esempio lampante fu quello di "Felona and Sorona" delle Orme, il cui scarso successo di vendite (che fece da contraltare ad una riuscitissima una tournee) fu dovuto sicuramente all'oscura traduzione di Hammill che ne penalizzò non poco la conflittualità originale, ma anche alla granitica inespressività Inglese di Tagliapietra,

Stessa sorte toccò al Rovescio della Medaglia con "Contamination" del 1975 in cui i soliti problemi di pronuncia (qui grossolanamente occultati da una valanga di effetti), erano anche aggravati dall'improbabile tentativo di imporsi là dove erano già passati Moody Blues, Deep Purple e Black Sabbath e con un linguaggio praticamente identico e già abbondantemente sorpassato.
Tra l'altro, proprio gli stessi Inglesi erano stati i primi artefici di quel sound e non si capisce la ragione per cui avrebbero dovuto importarlo dall'Italia.

Peggio ancora andò a Battiato nel 1974 il quale, malgrado fosse stato contattato dalla stessa Island, non solo restituì in "Foetus" un'accentuazione a dir poco indecente, ma non vide nemmeno pubblicati i suoi sforzi. Se a questo si aggiungono gli incidenti che il Franco ebbe durante la sua tournèè in terra Albionica, si possono capire i motivi della ritirata.

Non si parli poi di tentativi davvero strampalati quali quelli degli Alluminogeni ("Cry for me", versione inglese de "L'alba di Bremit") di cui non si comprende neanche lo scopo dell'operazione, vista la sostanziale modestia del loro percorso nazionale.

In ogni caso, sappiamo tutti che le lusinghe dell'esportazione discografica non colpirono solo gli artisti più "osé", ma anche quelli che, al di là del progressivo, rivestivano in Italia un ruolo davvero importante: per esempio Lucio Battisti che nel 1977 pubblicò l'album "Images".

In occasione di quell'ennesimo fiasco, è curioso invece constatare come malgrado tutte le esperienze pregresse dei colleghi, Battisti perseverò nel non prestare ancora una volta, alcuna attenzione per l'inflessione britannica, al punto di perdere la partita già in partenza: esattamente così come gli accadde per il mercato Francese.
Ma si sa: "il lupo perde il pelo ma non il vizio" e persino nel 1991, si incontravano produzioni "new-prog" come quella dei trentini "Men of Lake", inficiate da una pronuncia davvero risibile.

In buona sostanza, solo pochissimi artisti Italiani ebbero modo di esprimersi internazionalmente con risultati dignitosi e grazie a loro, occorre dirlo, l'Italia si è in parte salvata da una figura decisamente meschina.

Tra i pochi che si resero conto della necessità di adeguarsi al mondo estero, ci fu sicuramente la Premiata Forneria Marconi che non solo trovò in Mussida un ottimo ambasciatore ma che quando fu il caso, lo affiancò a Bernardo Lanzetti che vantava una dimestichezza con l'Inglese e con la cultura anglosassone in generale assolutamente invidiabile.

Per il resto, non si contano le decine di brani prog in lingua Inglese che non solo non furono neppure concepiti per l'esportazione, ma che non varcarono nemmeno una scala regionale.
Da questo lato, purtroppo, il Prog Italiano ha prodotto lavori di un provincialismo davvero deprimente, auto-condannandosi supinamente a "periferia dell'impero" sia per pigrizia, sia per non aver avuto il coraggio di proporre ed esportare le infinite possibilità della propria lingua.
La filosofia della "nave che va'", in questo caso, ha miseramente fallito.

Note dalle "Note di pop italiano" (Gammalibri, 1977)

2026-03-05T19:38:00.000+01:00

HO RILETTO RECENTEMENTE PER VOI IL LIBRO "NOTE DI POP ITALIANO" (GammaLibri, 1977) DI SAVERIO ANGIOLINI E ENZO GENTILE CHE. COME VEDRETE, NON ERA "GENTILE" PROPRIO PER NIENTE.
ALLORA HO PENSATO BENE DI TRASCRIVERE QUALCHE SUO GIUDIZIO SUI GRUPPI DI ALLORA.
COSA NE DITE? SIETE D'ACCORDO?

ALLUMINOGENI: “Un trio che faceva cose aberranti e che impersonavano tutto uno strato di musicisti banali e sciocchini e un ambiente che suggeriva loro teorie quali:
Noi siamo contrari a tutte le droghe. Io, per dire, non bevo e non fumo. Insomma, niente tabacco e Bacco. Tutto questo sia chiaro, non perchè sono un virtuoso. Quando posso mi rifaccio con Venere. Il fatto è che non vogliamo contaminare il nostro group con la moda delle droghe. Ecco perchè ci chiamiamo Alluminogeni”.

ROVESCIO DELLA MEDAGLIA: “Caotici, [...] ma con una forza d’urto senz’altro rimarchevole. [...] “La Bibbia soffre di quei mali oscuri chiamati incomprensibilità e pretenziosità.”

HUNKA MUNKA: “Sguaiato solista di organo elettrico che grazie a oscure virtù riusciva spesso a inserirsi nei prologhi di concerti milanesi fornendo prestazioni chiassose e squalificanti”

TRIADE, CAMPO DI MARTE, DUELLO MADRE, PHOLAS DACTYLUS: “Ragazzini acerbi la cui chitarra sembra un giocattolo troppo grosso.”

LATTE & MIELE: “Grigi e con poco fosforo (“Cosa c’entra la politica con la musica? La musica è arte e come tale è al di sopra di ogni strumentalizzazione, di compromesso. Sarebbe veramente un deprezzare la musica accostandola al marciume che regna in politica”)”

BALLETTO DI BRONZO: “Gente di buona volontà, ma senza infamia e soprattutto senza lode.”

JUMBO: Stimolanti e intelligenti. Senso della misura, umiltà, valutazione di propri mezzi , testi che non parlavano d’amore ma di realismo e di vita vissuta.”

PAESE DEI BALOCCHI, FLEA ON THE HONEY, PROCESSION, CIRCUS 2000, ALPHATAURUS, CAPITOLO 6, NUMI: “Frange smunte e anacronistiche della zona retrocessione.”

DEDALUS: “Taglienti e un po’ nevrotici ma essenzialmente sani e liberati. Il loro parto è di quelli che lascia il segno, o almeno dovrebbe”

AKTUALA: Vedono la terra, l’Oriente e i suoi frutti attraverso una fessura della metropoli che evita di far perdere di vista la continuità del nostro essere cittadini.”

MAXOPHONE, LIBRA, BIGLIETTO PER L’INFERNO, ALBERO MOTORE, PUEBLO: “Appartenenti non solitari alla feccia dei presuntuosi e dei saccenti che hanno creduto di essere i messi della divina Provvidenza inviati a rinnovare il Pop.”

ORME: “Non si sono mai preoccupate di un galoppante insterilimento e hanno indirizzato i loro prodotti verso un pubblico già attento ai parametri della musica leggera.”

IL VOLO: “Aveva già esaurito le sue spinte motivazionali nel momento in cui si costituiva: i presupposti erano e sono perdenti. Non esiste un tipo di addizione matematica capace di sommare 5-6 talenti e di ricavare la formula dei gettoni d’oro.”

OPUS AVANTRA: “Intellettualismo fine a se stesso, pieno di citazioni e trovate saccenti.”

Evito di riferirvi la monografia sul PUEBLO per rispetto al mio caro amico Max Meazza.

C'era una volta... Antonio Musso dei LASER

2026-03-05T00:03:00.000+01:00

E' arrivato ieri un gradito commento di Antonello"Tonino" Musso, batterista dei LASER. Lo ripubblico in prima pagina e aggiungo una mia nota. Thank you Mr. Musso. Please stay tuned on Classic Rock.

11/03/09 -> Sono il batterista dei LASER ed adesso vivo in America. Prima di giudicare un disco fatto con un badget minimo ed a velocita' eccezionale, occorre capire il contesto della musica del 1973. Abbiamo fatto solo un "take" senza possibilita' di correzioni, quindi il disco che ne' e' uscito e' un "miracolo" d'improvvisazione. Il nostro gruppo ha poi cambiato il chitarrista, tastiera ed ha introdotto una una eccezionale cantante americana Janice ad un chitarrista Sergio, ma all'offerta dei discografici di incidere una canzone "commerciale", la Janice si rifiuto' rinunciando al sicuro successo. Ciao a tutti. TONINO MUSSO

Grazie Mr.Musso per il tuo comment che mi fa davvero onore.
Immagino certamente la precaria condizione in cui avete lavorato e che però sottolineo, era comune a molti gruppi.
Pur rimanendo sulle mie idee riguardo alla valutazione del vostro album, devo però aggiungere a questo punto una considerazione.Sappiamo tutti che il Prog Italiano è stato importante, ma occorre tenere conto che all'epoca non era un genere iper-considerato così come lo è oggi.
Spesso le discografiche "non specializzate" pubblicavano i dischi d'avanguardia non tanto come investimento commerciale, ma solo per differenziare il proprio catalogo ed essere "presenti" pur minimamente su quel mercato. Aggiungo inoltre che, di norma, ciò avveniva perché altri artisti più redditizi della stessa scuderia avevano generato un budget sufficiente per una produzione alternativa.

Questo atteggiamento, va da se, gravava i gruppi meno avvantaggiati di una scarsissima attenzione a livello artistico, tecnico, produttivo e soprattutto di distribuzione.
Quindi, anche se certi album "minori" suonano oggi raffazzonati o poco professionali, se certe bands non hanno avuto la possibilità di crescere o di esprimersi al meglio, se certi dischi non erano addirittura rappresentativi del vero sound del gruppo (es: "Scolopendra" degli Alluminogeni), non sempre questo deve implicare un crucifige critico dei protagonisti.
Studi poco atrezzati, strumentazione minima, poche tracce a disposizione, disattenzioni tecniche, ammortamento dei costi della sala che si riflettevano in sessions stringatissime, impossibilità di correggere gli errori (e poca voglia di farlo), scarso aiuto all'inesperienza di chi si trovava catapultato per la prima volta in sala, nessuna possibilità di intervento nella costruzione del sound, erano tutti elementi di cui spesso gli artisti erano inconsapevoli vittime.
I risultati potevano essere belli o brutti, fortunati o meno, ma quello che un disco comunque non può restituire è il coraggio, l'abnegazione e il trasporto emotivo di coloro che lo hanno suonato.
Ad ognuno di questi musicisti, indipendentemente dalla conflittualità dei risultati, va tutta la nostra stima incondizionata e il nostro più grande ringraziamento per il lavoro che hanno svolto. Questo, da parte mia, vorrei che fosse chiaro.
Grazie davvero a tutti per ciò che avete fatto ! Anche a lei Mr. Musso.
John

I Pooh: Parsifal (1973)

2025-12-11T08:50:00.000+01:00

Diventato ormai un quartetto transregionale e quasi senza più traccia dei componenti originali, il gruppo d'oro della musica Italiana è nel 1973 una band di successo con cinque albums all'attivo e una nutrita serie di hits alle spalle.

Non particolarmente amati dai movimenti underground e controculturale per la loro melodicità adolescenziale e la loro presunta collocazione politica di destra, i Pooh vogliono comunque dimostrare di essere al passo coi tempi pubblicando un nuovo Lp molto più omogeneo dei precedenti e soprattutto a forte spessore sinfonico.

Nasce così sotto l’egida del produttore Giancarlo Lucariello un progetto imponente che vedrà il gruppo affiancato da un’orchestra di ben 40 elementi diretta dal maestro Giancarlo Monaldi.
Gli studi di registrazione sono gli storici “Idea Recording” di Via Moretto da Brescia in zona Città Studi a Milano, punta di diamante della CGD e alla cui consolle operano i tecnici Gualtiero Berlinghini e Franco Santamaria.
Una sfarzosità notevole, insomma, che coinvolgerà anche copertina del disco, tratta da una locandina della Scala di Milano e sul cui retro compare il gruppo in abiti di scena originali, noleggiati sempre dal Teatro alla Scala e ritratto nel mese di giugno in una casa diroccata ad Erba in provincia di Como.

Il disco si chiamerà “Parsifal”, verrà pubblicato il 31.8.1973 e annovererà otto brani a matrice melodica (di cui almeno due diventeranno dei grossi successi a 45 giri), nonché di una lunga suite finale di 10 minuti ispirata proprio al celebre dramma sacro di Wagner, sospeso tra eroismo, religiosità e misticismo.

Quest'ultima traccia, solleva un caso a sé nella storia della musica Pop Italiana venendo considerata non solo una delle vette artistiche del gruppo, ma anche dell'intero mainstream nazionale. Per questo, da ora in poi, concentreremo le nostre attenzioni soltanto su questo brano.

Lungi dall'essere considerata rock progressivo e non inscrivibile nemmeno per un attimo nel panorama alternativo dell'epoca, Parsifal era tuttavia una composizione talmente bene articolata che col tempo non mancò di incuriosire anche molti fan del Prog.

In effetti, anche senza averla ascoltata, non si poteva non notarne la sua lunghezza, anomala rispetto al resto delle canzoni dell'album, i testi fiabeschi dal tono leggendario e la sua struttura costituita da due movimenti concatenati, vocale il primo e strumentale il secondo, cosa piuttosto comune a molti lavori prog del periodo (es: “La prima goccia bagna il viso” dei New Trolls)

Frutto della fusione tra una colonna sonora commissionata a Facchinetti e realizzata poi da Morricone ("Questa specie d'amore") , la title track dell'album "Contrasto" e da un brano inedito ("Un maiale per Ringo"), Parsifal è da considerarsi un vero gioiello di pop sinfonico all’italiana, sviluppato una su solida partitura orchestrale, estremamente ben arrangiato e realizzato con ogni dovizia tecnologica.
Nondimeno, un opera che certificò definitivamente la maturazione artistica dei due compositori, Negrini e Facchinetti.

Non meno incisiva fu specialmente la performance del chitarrista Dodi Battaglia, il cui assolo riprende quello di Mario Goretti in "Contrasto": il brano tratto dall'omonimo album "fantasma" dei Pooh del 1968, dai cui ultimi due minuti venne - come dicevamo - parzialmente tratta l’ossatura della seconda parte della title track.

Pur lontanissima dai gusti del movimento, la mini-suite dei Pooh fu stranamente una delle poche produzioni di una multinazionale (la CBS) a sopravvivere ai conflitti di classe: da un lato tenendosene opportunamente lontana e dall'altro conquistandosi per così dire l'indifferenza dei critici più radicali che, pur snobbandone il valore, non la sottoposero mai a contestazioni, men che meno violente.
Fatto questo, che dimostra come i Pooh e le avanguardie movimentiste viaggiassero su binari divergenti, distanti e nella più totale indifferenza reciproca.

GRAZIE AL SITO WWW. MICHAELA.IT PER LE PREZIOSE INFORMAZIONI

Il miglior brano del Prog italiano anni 70 Ha vinto: Impressioni di Settembre

2025-12-11T08:15:00.002+01:00

QUESTO SONDAGGIO É STATO PUBBLICATO PER LA PRIMA VOLTA NEL GENNAIO 2012. PIÚ DI 13 ANNI FA.
VEDIAMO SE LA PENSATE ANCORA NELLO STESSO MODO...

Non deve essere stato facile per nessuno astrarre solo cinque brani da un totale di circa due migliaia, eppure, il sondaggio sul miglior brano del prog italiano anni 70 ha avuto un riscontro davvero eccezionale.

La mole dei votanti è stata vasta, articolata e mista, 175 i brani scelti e alla fine ne è uscito un quadro molto interessante in cui tutte le sfaccettature di una musica così complessa hanno trovato un loro senso.

Diciamo subito che ha stravinto un monolite come “Impressioni di Settembre” della Premiata Forneria Marconi con lo 6,14% delle preferenze, e questo potrebbe risultare un dato sin banale trattandosi di uno dei brani più rappresentativi del nostro prog in Italia e all’estero.
Eppure, esattamente come accadde 40 anni fa nei circuiti della controcultura, per un solo brano “classico” che conquistava il cuore delle masse, ce n’erano almeno altrettanti che si facevano largo a scala locale o sotterranea.

E così, se dal secondo al quarto posto, arrivano i brani più progressivi del Banco (“Canto Nomade” II° col 4,45% e “Il giardino del mago” IV° con il 3,82%) e della Premiata (“La carrozza di Hans” al III° posto - 3,91%), tra la quinta e la sesta posizione svettano almeno due gioielli del prog italiano più radicale come “Introduzione/Primo Incontro” del Balletto di Bronzo (V° col 3,29%) e la suite "Zarathustra" del Museo Rosenbach (VII° col 2,84%).

Dal canto loro, Le Orme piazzano appena tre brani nella top 30, ma tutti di enorme qualità: “Sguardo verso il cielo” in sesta posizione, “Sospesi nell'incredibile” in undicesima e “La porta chiusa” in ventisettesima. Segno evidente che i lettori di Classic Rock sanno distinguere il prog dalla socialdemocrazia musicale, accantonando i vari "collages" e "giochi di bimba".

Meno coraggio invece è stato dimostrato con gli Area di cui sono stati prediletti due classici come “Luglio agosto settembre nero” e la “Mela di Odessa”, relegando il lato più aggressivo della band appena al 34° posto con “Consapevolezza”.
Stesso discorso per gli Osanna laddove “Canzona” e “L’Uomo” sono state preferite alle più ruvide “Oro Caldo” e "Animale senza respiro".

Chiudono infine il discorso dell’”alternanza” almeno 5 gruppi minori (Alphataurus, Quella Vecchia Locanda, Pholas Dactylus, Locanda delle Fate, Biglietto per l’Inferno) un tempo considerati davvero marginali, ma fortunatamente recuperati da un lungo lavoro d’archivio di cui anche Classic Rock è stato protagonista.

Ecco dunque la Top 50 completa, estesa a 58 titoli a causa della lunga serie di ex equo che hanno condiviso il 34° posto. Per inciso, tutti quei piazzati a pari merito sono citati in ordine alfabetico.
I rimanenti 117 brani, condividono una percentuale totale di circa il 33,18%.

Come sempre, un grazie di cuore a tutti coloro che hanno partecipato a questo sondaggio e... a risentirci al prossimo.
JJ John

Il miglior brano del Progressive Italiano anni '70 - Top 50

1	Impressioni di settembre - PFM	6,14 %
2	Canto nomade per un prigioniero politico - Banco	4,45
3	La carrozza di Hans - PFM	3,91
4	Il giardino del Mago - Banco	3,82
5	Introduzione / Primo Incontro - Balletto di Bronzo	3,29
6	Sguardo verso il cielo - Le Orme	3,20
7	Zarathustra - Museo Rosenbach	2,94
8	R.I.P. - Banco del Mutuo Soccorso	2,85
9	Canzona - Osanna	2,49
10	Luglio agosto settembre nero - Area	2,13
11	Sospesi nell'incredibile - Le Orme	2,05
12	Arbeit macht frei - Area	1,78
13	Appena un po' - PFM	1,69
14	La mente vola - Alphataurus	1,29
15	La città sottile - Banco	1,25
16	750.000 anni fa l'amore - Banco	1,20
17	La mela di Odessa - Area	1,11
18	Vorrei incontrarti - Alan Sorrenti	1,07
19	Realtà - Quella vecchia locanda	0,98
20	L'evoluzione - Banco	0,93
	L'uomo - Osanna	0,93
21	A volte un istante di quiete - Locanda delle fate	0,89
22	A land to live a land to die - New Trolls	0,85
	Concerto delle menti - Pholas Dactylus	0,85
	Pollution - Battiato	0,85
23	Confessione - Biglietto per l'Inferno	0,80
24	La porta chiusa - Le Orme	0,76
25	Oro caldo - Osanna	0,75
26	La realtà non esiste - Claudio Rocchi	0,74
27	Per un amico - PFM	0,73
28	La prima goccia bagna il viso - New Trolls	0,71
29	Adagio (Concerto Grosso) - New Trolls	0,62
	Sequenze e frequenze - Battiato	0,62
30	Alpha Ralpha Boulevard - I Numi	0,58
	Anonimo - Lucio Battisti	0,58
	Bambini Innocenti - Officina Meccanica	0,58
	C'è troppa guerra - New Trolls	0,58
	Consapevolezza - Area	0,58
	E' triste il vento - Madrugada	0,58
	e mi viene da pensare - banco mutuo soccorso	0,58
	Il trionfo dell'egoismo… - Paese dei balocchi	0,58
	John - Yuri Camisasca	0,58
	L'amico della porta accanto - Ibis	0,58
	L'amico suicida - Biglietto per l'Inferno	0,58
	Le labbra del tempo - Area	0,58
	Le utime parole di Brandimante - Stelle di Schifano	0,58
	Man pt.1 & pt.2 - planetarium	0,58
	Non sei vissuto mai - Osanna	0,58
	Paura del niente - De de lind	0,58
	Rising - Spirale	0,53
	Song - Living music	0,58
	Stalingrado - Stormy Six	0,58
	Storia mai scritta - Enzo Capuano	0,58
	Unione - Odissea	0,58
	Visioni dell'aldilà - The Trip	0,58
31	L'ultima ora - Trip	0,56
32	Aria - Alan Sorrenti	0,53
	Vendesi saggezza - Locanda delle fate	0,53