No sabemos vosotros, pero por aquí no recordamos un hype más exagerado que el de Lizzy Grant, aka Lana del Rey. Un fenómeno al que nosotros mismos contribuimos en su día azuzados por esa belleza lujuriosa que recorre ‘Video Games‘. Quizás las que vinieron después, ‘Blue Jeans‘ y ‘Born To Die‘, no alcanzaron ese nivel de magia, aunque eran, y son, lo suficientemente buenas como para que la esperanza de un disco sobresaliente se mantuviese casi intacta. ‘Blue Jeans‘ de hecho dejaba entrever cosas muy interesantes: la guitarra vaquera, la métrica cerradísima (“you fit me better than my favorite sweater”), arreglos medidos, coros perfectos, esa flauta tan acertadamente fuera de sitio… Calidad, vamos. Todas estas canciones, salvo ‘Video Games‘, caminaban no obstante en el filo de la navaja: a un lado, ese mundo de hi-fi colindante con el hip hop, con producciones ampulosas, glamour y sensualidad con mensaje; al otro, la vulgaridad, el todo a 100, el producto en su peor acepción posible. El peligro estaba ahí, aunque las mencionadas caían, y caen, totalmente en el primer lado. Juntas con ‘Video Games‘ forman un inicio de álbum que no por conocido deja de ser menos admirable. Lo que haría de Born To Die el LP que todos queríamos o disco que muchos temían, era el resto. Y el resultado es… sí, regular.

Lo es porque, en ese resto, encontrar algo equiparable a las mencionadas es complicado. Al disco se le empiezan a ver las costuras en la tercera escucha: estribillos que entran en masa en el minuto uno o alrededores, gritos sampleados, chicos malos, coches caros, vestidos cortos, yeahs y colchones orquestales presentes por contrato, sumen o resten, cuenten o no, como el ingrediente secreto de la fórmula. Las cuerdas, como todo, cuando se usan bien funcionan. Hay algunos ejemplos. ‘Blue Jeans‘ es uno, claro. ‘Million Dolar Man‘, en la que Lana se pone el traje de noche y afina los graves, sensual y llena, en uno de los pocos momentos de verdadera brillantez que presenta la segunda mitad del disco, es otro. Cabría rescatar también ese exceso total que es ‘National Anthem‘, que por alguna razón, por lo menos en las primeras escuchas, no repele a pesar de su brillantina. No pregunten. Eso sí, mejor no prestale demasiada atención lírica. Por supuesto: estribillo en el 1:00, grititos sampleados y sinfónica prêt a porter. Lana vuelve a ponerse solemne en ‘Radio‘, otra canción de diseño a la que es complicado no caer rendido de primeras, pero a la que tampoco es conveniente buscarle más capas de las que tiene. Verso, pre-estribillo, estribillo. Vuelta a lo mismo, pero doblado y con violines. Bueno, va, no sé. Lo mismo le pasa a ‘Dark Paradise‘, redondita, fácil, pegadiza, agradable… pero más bien llena de nada.

Llegando en la recta final del álbum, cuando el enésimo estribillo entra cuando se le espera, cuando la canción ni rompe ni entra en coma, cuando vuelve el vestuario, el amor eterno, la espera desconsolada, cuando todo vuelve a desarrollarse en esa suerte de intensidad media, ahiphopada y sugerente, en la que Lana ejerce de aspirante a novia Tipo Que Papá No Aprobaría -y aunque lo que se escuche no sea malo-, uno se cansa. Se aburre. Es la sensación de estar ante decenas de intentos de llegar al mismo sitio, la de ver cortos con títulos distintos pero que cuentan la misma historia con los mismos recursos, una y otra vez. Y uno se pregunta: ¿Qué hay aquí de nuevo? ¿Qué diferencia en lo esencial a la mayoría de estos temas de cualquier nueva pseudodiva vendida través de campañas de márketing menos eficaces que esta?

Cuesta creer como alguien que es capaz de dar tan en el clavo con una letra como la de esa balada postmoderna (amor y videojuegos, joder) que es ‘Video Games‘, puede caer en tantos tópicos como los que contiene ‘Summertime Sadness‘. Una canción en la que, a pesar de todo, se salva. Ella resulta creíble y vuelve a explotar ese lado oscuro tan magnético. Entre tanto exceso de producción, la voz de Grant aparece sin mácula a lo largo de todo el disco, saltando entres esos graves de fumadora divorciada y esos agudos felinos que no sabemos describir. Especialmente desnuda y sensual se muestra en este tema, que sería más grande si no estuviese tan vacío. Y es que estas dos canciones explican bien la decepción que nos recorre. Los caminos inexplorados terminan el ‘Video Games‘, eso es así. Esa es, de hecho, la clave.

El álbum, en suma, tiene momentos soberbios, la mayoría anticipados, y pasajes sorprendentemente anodinos. Momentos audaces, simples pero inteligentes, y momentos vulgares, en la música y en las letras, como una película de sobremesa sobre niños huérfanos. Canciones notables y sobresalientes, ya reseñadas, y artefactos como ‘Carmen‘, que no hay por donde coger (por no hablar de la ‘Lolita‘ de la versión extendida, un bochorno). Fácil de escuchar, fácil de distrutar a píldoras y probablemente fácil de olvidar en poco tiempo. Por descontado, no es un álbum a la altura del hype, aunque siendo este tan grande, esperarlo era ingenuo. Tan ingenuo como inevitable.

Al fin y al cabo, lo que ha trascendido y trascenderá a este Born To Die es el fenómeno que le ha sucedido y precedido: el auge y la caída de una estrella en menos de medio año. De la revelación de 2011 y gran esperanza para 2012 a sonora decepción y desencanto de la comunidad alternativa. Lo de Lana del Rey ha sido una versión acelerada de cómo se crea y se destruye una estrella: ella, sus managers, Internet o quien fuera supieron manejar bien el misterio del hype, desgranaron con precisión esas primeras canciones que capturaron a tantos e hicieron crecer el interés de muchísimos más. A partir de ahí, sin embargo, la cosa se fue de madre, y Lana del Rey estaba apareciendo en portadas de revistas y acaparando esperanzas cuando prácticamente no había demostrado nada. De ahí que, de tan alto que estaba el listón, cualquier movimiento fuera mirado con lupa, de ahí que una mala actuación en Saturday Night Live (un sitio al que, para empezar, no debería ni haber ido) fuera criticada como nunca, de ahí que haya cancelado sus actuaciones en el SXSW y retrasado su gira australiana. No sabemos si Lizzy acabará por cumplir su propio pronóstico de que quizá no haga más discos, pero es muy probable que haya sido víctima de su propio éxito. Y en solo seis meses.

Como un suspiro pasó Emmy The Great por Barcelona. Era domingo, día después del concierto de Arctic Monkeys, salió al escenario de La [2] y en apenas 45 minutos ya volvía a bajar de él. Fue una pena, y lo decimos abiertamente, que por cosas de la vida Emmy The Great tuvieran que ejercer de teloneros en Barcelona (de los bonitos Papercuts, que pese a su inmaculada trayectoria no estuvieron muy finos después) cuando en el resto de la mini-gira española (Madrid, Vigo y Ourense) habían gozado de todo el tiempo del mundo al ser el grupo principal de la noche. Una pena porque si algo demostró Emma-Lee Moss mientras estuvo encima del escenario en Barcelona es que su talento como cantautora es enorme, que su capacidad de enamorar al público con comentarios encantadores es total (sean de Friends o de su accidentada gira –vuelos con Spanair incluidos–), y que incluso en una formación reducida (esta vez vino acompañada únicamente de su guitarrista y una teclista que de vez en cuando hacía algunos elementos de percusión) la esencia de canciones como ‘Paper Forest (In The Afterglow Of Rapture)‘ o ‘Creation‘ permaneció inalterable, e incluso ganaron nuevos enteros respecto a sus versiones en disco.

Como un suspiro pasó Emmy The Great, y de tan corto que se hizo, apenas pudo tocar cuatro canciones –contadas– de Virtue, el disco que venía a presentar, más maduro, más trabajado, y de recorrido mucho más largo –ninguna mención, por cierto, al disco navideño que ha publicado junto a Tim Wheeler de Ash–. Ni siquiera su single ‘Iris‘ hizo acto de aparición, puede que por la formación o puede que por la brevedad de su actuación. Empezó, eso sí, en acústico como parece que últimamente acostumbra a hacer: ella, su camiseta de Iron Maiden, su guitarra y su particular versión ‘Eastern Maria‘. Preciosa y conmovedora. Luego aparecieron sus dos compañeros de banda, y… aquello comenzó fatal. ‘Dinosaur Sex‘, la deliciosa canción que abre con calma y vaivén su segundo disco, quedó absolutamente desdibujada por una guitarra eléctrica demasiado alta, una voz de Emma que casi ni se escuchaba, y una especie de desbarajuste general que por suerte duró solo una canción.

A partir de entonces, Emmy The Great pusieron la directa y eliminaron cualquier atisbo de relleno que pudiera haber en su setlist: abordaron la célebre ‘We Almost Had A Baby‘ justo después de ‘Dinosaur Sex‘, hicieron lo propio con ‘Paper Forest (In The Afterglow of Rapture)‘ justo después (lo hicieron tan pronto porque la propia Emma se confundió; aunque bordaron la canción) y completaron el pack de canciones infalibles con la maravillosa ‘MIA‘ y la ya clásica ‘Canopies And Drapes‘ (aún así, una de sus mejores canciones, que como Emma se encargó de comentar es tan antigua que dos de los grupos mencionados en ella se han separado y han vuelto a juntarse). Concierto exprés que, sin embargo, tuvo su momento de receso con la interpretación de la fantástica ‘William Blake‘, nueva canción que habían presentado apenas cuatro días antes en su paso por el programa Hoy Empieza Todo de Radio 3. Y que vio en el final de ‘Creation‘, otra canción de Virtue, una intensa emoción que nos llevó a pensar qué hubiera pasado si hubiéramos tenido a la banda al completo allí delante.

Y todo eso estuvo muy bien, pero luego vino ‘First Love‘, celebrada y querida, y al terminar Emma explicó que la última canción de la noche hablaba de una torre en Londres. Una torre muy cerca de donde ella vive. Y que es horrorosa y bonita al mismo tiempo, y que a ella le produce esta misma sensación. Y entonces empezó a cantar ‘Trellick Tower‘, su canción más sincera y valiente, sobre la ruptura de un amor por causas casi divinas, abiertamente dedicada a su ex-prometido, y aunque el concierto fuera un suspiro, aunque hubiera sido en formato reducido, aunque fuera domingo y el mundo tuviera que acabarse allí mismo… aquello lo compensó todo.

Setlist Emmy The Great (La [2], 29/01/12)

‘Estern Maria’

‘Dinosaur Sex’ (muy mal)

‘We Almost Had A Baby’

‘Paper Forest (In The Afterglow Of Rapture)’

‘William Blake’

‘MIA’

‘Canopies And Drapes’

‘Creation’

‘First Love’

‘Trellick Tower’

Ya prácticamente no hay día en que no haya alguna confirmación festivalera, así que tampoco tiene mucho mérito lo de hacer un seguimiento exhaustivo. Para eso, lo mejor casi es estar atento a nuestra cuenta de Twitter en la que intentamos dar cuenta de esas y muchas otras cosas que quizá no tengamos tiempo de desarrollar un poco más –¡y estamos a punto de llegar a 10.000 followers!–. Las confirmaciones de hoy, sin ir más lejos, incumben al Arenal Sound 2012, que ha confirmado a los geniales Metronomy (autores de uno de los discos de 2011, The English Riviera, un grower en toda regla) además de a nuestros queridos Kakkmaddafakka, y a Crystal Fighters y unos Love of Lesbian que con su nuevo disco no faltarán en ningún festival. Como nota negativa, el festival ha anunciado que Miami Horror cancelan su actuación debido a que han adelantado la grabación de su nuevo disco.

En un apartado más llamativo, el Bilbao BBK Live 2012 también ha confirmado a The Kooks, nuestro reivindicados Warpaint y los épicos Glasvegas, pero por contra anuncia que Klaxons se caen del cartel del festival, precisamente también por motivos de grabación de su nuevo disco. Menuda casualidad, y dolorosa cancelación puesto que los británicos son muy caros de ver por aquí. La noticia buena es que los de Jamie Reynolds y compañía están ya empezando la grabación de su tercer disco (¿seguirán grabándolo en julio?), como hemos visto en su Twitter, que será la continuación de ese Surfing The Void que al final no cumplió con todas las expectativas que habían puestas sobre él. Seguramente la presión fuera la culpable en gran parte, así que esperemos que estén más liberado de cara a este y la cosa pueda fluir mejor; de momento parece ser que trabajarán con James Murphy (ex-LCD Soundsystem) y The Chemical Brothers, así que la cosa va en serio. Por cierto, aunque sin Klaxons, se han anunciado las entradas de día del Bilbao BBK Live 2012, a un más que apetecible precio de 61€ (gastos incluidos), que saldrán a la venta este mismo viernes 10 de febrero. Además, ya se conoce la distribución por días: el jueves 12 de julio será el día de The Cure, mientras que el viernes 13 le tocará el turno a Radiohead (junto a The Kooks o Vetusta Morla). El cabeza de cartel del sábado 14 sigue siendo una incógnita, motivo por el cual las entradas todavía no han salido a la venta.

Vaya sobredosis de youtube que llevamos este mes. A finales de la semana pasada, M.I.A y su vídeo para ‘Bad Girls’. Acto seguido, el lamentable playblack show apoteósico de Madonna en la Super Bowl, con la ayuda inestimable de la ya mencionada, su finger y el gran Cee Lo Green. Luego, aparición del video para ‘Gold On The Ceiling’, de The Black Keys, una cosa sosa en plan documental de gira que, al parecer, sólo podemos ver en la web de El Mundo. Y por último, la ida de olla de turno de OK Go (con más de 5 millones de visitas en 2 días). Nada mal, pero qué quieren que les digamos, aquí seguimos enamorados de Strange Mercy, nuestro disco del año pasado, y su autora acaba de presentar el video para uno de los temas más grandes de ese trabajo, ‘Cheerleader‘. En la pieza, dirigida por Hiro Murai, podemos ver a una gigantesca Annie Clark expuesta como pieza de museo, atada por cuerdas, izada y, de pronto, liberada de ataduras. Dejamos que vean el resto, pero a nosotros nos encanta.

Pinche aquí para ver el vídeo

Además, según leemos en Stereogum, la de Texas ha participado también en un programa de la televisión americana llamado Portlandia. La aparición nos deja un video en el que Annie luce fotogenia y piernas. Así que denle al play, golosos.

Pinche aquí para ver el vídeo

Los belgas dEUS arrancaron ayer con su concierto en Madrid una mini-gira española que les llevará mañana 7 de febrero a Bilbao (Kafe Antzokia) y el miércoles 8 de febrero a Barcelona (sala Bikini). Todo viene justificado por la presentación de Keep You Close (escúchenlo en Spotify), sexto disco del quinteto, publicado a finales del año pasado casi cuatro años después del anterior, el desafiante Vantage Point. Con motivo de esta visita, pues, nuestro compañero Oriol Rodríguez interrogó brevemente a Mauro Pawlowski, guitarrista de la banda desde 2004 (que completan Tom Barman a la voz, Klaas Janzoons a los teclados, Stéphane Misseghers a la batería y lan Gevaert al bajo), acerca de este sexto disco más reposado y orquestral, de cómo se mantiene un grupo tras 20 años de trayectoria, y de su último y accidentado concierto en Barcelona.

Keep You Close es un disco que suena cálido comparado con el anterior, Vantage Point, algo más distante. ¿Os propusisteis conseguir esta evolución antes de hacer el disco?

Mauro Pawlowski: “Sí, porque aunque quedamos muy contentos de cómo salió Vantage Point, sí que pensamos que era un poco más duro para los oídos que los otros discos de dEUS. Nos acabó por dar la impresión de ser un disco demasiado frío y directo. Cuando lo escuchamos ahora, creo que hay canciones que no estaban terminadas del todo, y es por eso que decidimos hacer el siguiente, Keep You Close, más cálido y más libre en cuanto a estructura de canciones”.

Habéis dicho que decidisteis hacer este disco juntos, haciendo jams y más jams. ¿Podríamos decir que este no es el disco de Tom (Barman, cantante del grupo –ndr.) sino de dEUS como un grupo al uso?

“Los últimos tres discos fueron escritos al 50% por Tom, y el otro 50% por la banda. Pero de cara a Keep You Close, hicimos la regla de que cada canción debería evolucionar a partir de un proceso colaborativo. Eso implica mucho tiempo, pero después de muchas pruebas salió un montón de buen material, del cual solo una pequeña parte acabó incluida en el álbum tal y como lo conocemos hoy. Fue realmente interesante ver la simbiosis de ideas y personalidades de los 5 miembros del grupo, porque todos somos distintos. Ya sabemos que eso es algo que millones de bandas han hecho antes, pero para dEUS era la primera vez”.

De hecho, habéis comentado que grabasteis más de 30 canciones para el disco, todas ellas de estilos muy diferentes. ¿Es cierto que la ideal original era publicar dos discos?

“En un inicio sí, porque después de haber estado improvisando durante casi un año teníamos toneladas de material dando vueltas, y nos dimos cuenta de que no había manera humana de poder meter tantas atmosferas en un solo álbum. Teníamos baladas, temas más rock, cosas más épicas, etc… Y no veíamos cómo encajaba el puzzle. Así que un día Tom llegó al ensayo diciendo ‘tios, ¡hagamos un disco doble!’. El problema fue que en ese momento llevábamos ya más de un año y medio de trabajo, la fecha de lanzamiento estaba a solo seis meses, y ni siquiera habíamos empezado a grabar. Así que al final no lo vimos muy factible…”.

¿Y qué haréis con todo el material que os ha sobrado?

“En algún momento de este año sacaremos EPs con algunas de las canciones. Contendrán tanto descartes de Keep You Close como canciones que pese a no estar terminadas merecen ver la luz del día. ¡Pronto tendréis más noticias!

Muchas de vuestras canciones hablan de amor. ¿Es el amor el motor de la creatividad?

“El amor es probablemente el tema que inspira prácticamente a todos los artistas al menos durante la mitad de su existencia. Creo que todo depende de cómo de lejos quieras llegar a la hora de compartir esos siempre con tus oyentes. Algunos lo hacen de forma reservada, y otros con una admirable extroversión. Sin duda proporciona la dirección y el mensaje que cada canción necesita, pero de ahí a decir que determina la calidad de la creatividad me parece algo excesivo”.

Greg Dulli de The Afghan Whigs es una de las muchas colaboraciones del disco. En él, canta en un par de canciones. ¿Cómo le conocisteis y cómo acabó en el disco?

“Greg tenía concierto en Amberes y después del bolo él, Tim Vanhamel y Tom se fueron de copas. Tom sencillamente le preguntó qué iba a hacer el próximo día y lo próximo que supimos fue que lo tendríamos en nuestro estudio delante del micro. Realmente es una de las voces más grandes del rock, y fue un auténtico honor tenerle con nosotros”.

¿Cuál creéis que es la clave para la longevidad de una banda?

“La habilidad de escuchar lo que otra persona tiene que decir, el respeto mutuo, la amistad en general”.

Después de veinte años de giras y discos, ¿qué hace que sigáis en la música?

“Ser capaces de dedicarnos a esto es un privilegio. Imagina conseguir el trabajo perfecto, el que siempre habías soñado. ¿Lo dejarías en algún momento? Ya sé que no somos los Rolling Stones y que esto terminará algún día, pero por ahora seguiremos haciendo música”.

¿Cómo combinais esas ganas de evolucionar con las giras en directo? Especialmente cuando dEUS tocáis ‘Suds & Soda’ y otros clásicos cada noche…

“Nos aseguramos de tener suficientes canciones con nosotros cuando estamos en la carretera, para no tener que hacer el mismo setlist dos veces. Eso nos mantiene siempre alerta y, además, los fans nos lo agradecen mucho”.

¿Algún recuerdo especial de vuestros conciertos anteriores en Barcelona?

“El pasado verano tocamos en un festival aquí al lado del mar (se refiere al Cruïlla –ndr.). Debíamos tocar a las 23h pero por culpa del retraso de nuestros instrumentos en la aduana, tuvimos que retrasar el concierto hasta que llegaran. Acabamos tocando finalmente a las 2 de la mañana delante de solo 100 personas que, a pesar de la hora, se volvieron locas. El concierto acabó siendo uno de los mejores del verano”.

Texto: Oriol Rodríguez.

Casi por sorpresa, el nuevo disco de M. Ward se ha convertido en uno de los que más esperamos de cara a los próximos meses. Anunciado apenas hace unos días y con fecha de lanzamiento prevista para el 10 de abril, ya dijimos que no tardaríamos en tener un adelanto en forma de canción… y aquí está. ‘The First Time I Ran Away‘ es la delicia que anticipa A Wasteland Companion, una canción que muestra el lado más íntimo e introspectivo de Matt Ward, sin llegar a los niveles de ‘Hold Time‘ (canción que, por cierto, también sirvió de adelanto para su disco) pero seduciendo al oyente por su aire cálido y casi susurrado. Aunque, como en el disco anterior, no dudamos que en A Wasteland Companion tendremos un poco de todo, tanto del Ward más folk y de raíz como del más delicado y dulce. Sea como sea, nos gustan estos adelantos tan bien escogidos, y más todavía si vienen con un videoclip hecho expresamente para el lanzamiento: en este caso de animación, a cargo de Joel Trussell, quien en su día ya dirigió el de ‘Chinese Translation‘ (del disco Post-War). Bonita manera de comenzar una semana, ¿no?

Pinche aquí para ver el vídeo

Es siempre una de las proclamas de los aficionados: “¿cuándo saldrá la distribución por días del festival?” Para todos aquellos que no pueden permitirse comprar el abono entero del festival, o sienten tal devoción por un grupo que son capaces de ir uno de los días solo por él. Y este año, la organización del San Miguel Primavera Sound 2012 les ha hecho un favor, empezando el mes de febrero con la distribución por días del cartel anunciado a principios de esta semana con la ya célebre rueda de prensa. Total, que ya tenemos la distribución por días de los artistas confirmados (recordemos que todavía falta alrededor de un 10% del cartel por anunciar), y la primera impresión es que el jueves la cosa va a estar saturadísima: podríamos decir, de hecho, que será el día fuerte para nosotros, porque el primer día en el Parc del Fòrum contará con nada menos que Wilco, Death Cab For Cutie, Franz Ferdinand, Refused, The xx, Beirut, Japandroids, Mudhoney, The Afghan Whigs o The Olivia Tremor Control, y John Talabot y Erol Alkan para el desfase nocturno. ¡Uf! Da vértigo solo ver la lista de nombres, 12 artistas o grupos casi imprescindibles que ver en un solo día. Los dos días restantes son algo más ligeros en nuestra opinión, aunque eso tratándose del Primavera Sound no es decir mucho. El viernes será el día de The Cure, así como de Jeff Mangum (recordemos que tocará viernes y sábado en el Auditori del Fòrum), The Rapture, The Drums, Wavves, Big Star’s Third, Girls o Rufus Wainwright. Más tranquilito, como mínimo. El sábado, por su parte, día para Björk y Justice, Beach House y Kings of Convenience, Yo La Tengo y Atlas Sound, Lisabö y Refree. Muy buena pinta, el sábado.

La principal novedad desvelada por esta distribución por días, sin embargo, ha sido la de las actuaciones en el escenario del Arc de Triomf, gratuito, los días previo y posterior del festival. Atención: el miércoles 30 de mayo tocarán Black Lips, Jeremy Jay, St. Ettienne y The Wedding Present (tocando Seamonsters), mientras que el domingo 3 de junio subirán al escenario gratuito nada menos que Joe Crepúsculo, Nacho Vegas, Richard Hawley (¿por qué? ¡Se merece un Auditori del Fòrum en silencio!) y Yann Tiersen.

Total, que las entradas de día ya están a la venta por 70€ (más gastos de distribución). Y para los que quieran comprar el abono pueden hacerlo a 180€ (más gastos) hasta la medianoche de hoy, cuando pasarán a costar 190€ (más gastos, también). Precisamente Gabi Ruiz –director del festival– comentaba en su Twitter que ayer fue día de record de venta de abonos para el festival, así que pinta animada la cosa.

Por si no fuera suficiente presentar el videoclip de ‘Bad Girls‘ –la canción nueva que desveló a principios de esta semana–, que vuelve a estar dirigido por Romain Gavras (responsable del de ‘Born Free‘), M.I.A. también ha sido noticia hoy por aparecer en el también nuevo videoclip de Madonna, que también anticipa hoy el single de su próximo disco, ‘Give Me All Your Luvin’‘. Y no deja de ser curioso que mientras en ‘Bad Girls‘, M.I.A. siga apostando por una cierta reivindicación política (aunque en este caso camuflada por una serie de secuencias de carreras de coches en pleno Oriente Medio), la frivolidad de la canción de Madonna sea de lo más absoluta, con tanto M.I.A como Nicki Minaj (una especie de M.I.A. algo más comercial). Lo cual no está mal, pero resulta llamativo. El caso es que ‘Bad Girls‘, videoclip aparte, es un temazo, más pausada que otros hits como ‘Born Free‘ o ‘XXXO‘, pero pegadiza a más no poder y con todas las señas de identidad de la cantante de Sri Lanka (el fraseo, los toques étnicos,…). Al parecer, se trata del avance del nuevo disco de M.I.A., que se espera para este mismo verano, pero del que no se sabe nada más. Veremos.

En cuanto a Madonna, pues qué decir. No tenemos duda alguna de que ‘Give Me All Your Luvin’‘ será uno de los hits de la temporada (el disco, llamado MDNA, sale en marzo), pero ni la canción ni el videoclip nos llaman especialmente la atención, reduciendo la colaboración de M.I.A. y Minaj en la canción a un par de fraseos y unos coros bastante tontos. Parece que después de aquella legendaria actuación con los besos a Britney Spears y Christina Aguilera, Madonna quiere modernizar un poco sus amistades y opta por M.I.A. y Nicki Minaj como acompañantes, tanto en la canción como en su videoclip –vestidas de animadoras, por cierto–, que también pueden ver aquí debajo. En fin, vean y juzguen. Lo que sin duda puede ser interesante es la anunciada actuación en directo de Madonna, acompañada de M.I.A. y Nicki Minaj, en la SuperBowl de este próximo domingo 5 de febrero. ¿Qué tendrán preparado para esta ocasión?

M.I.A. – ‘Bad Girls’ 

Pinche aquí para ver el vídeo

Madonna – ‘Give Me All Your Luvin”

Pinche aquí para ver el vídeo

Explicaba mi compañero Daniel Boluda en su excepcional crítica de Metals que Leslie Feist hubiera querido que ‘The Bad In Each Other‘, la canción que abre deliciosamente un disco que se confirma como uno de los mayores growers del pasado año, fuera el primer single del disco. La compañía discográfica, sin embargo, optó por la –algo– más accesible ‘How Come You Never Go There‘ (que también nos encanta, ojo). Pero a la segunda Feist se ha salido con la suya, y el siguiente videoclip de Metals ha sido precisamente para ‘The Bad In Each Other‘. Dirigido por Martin de Thurah con una factura totalmente cinematográfica, el videoclip fue grabado en México y consta de múltiples pequeñas historias que de alguna manera tienen relación –en sentido opuesto– con la letra de la canción, cuando dice lo de “And a good man / And a good women / Can’t find de good in each other“. Historias breves de luchas personales, como ha explicado la propia Leslie. Sea como sea, una tremenda canción y un videoclip acorde con su grandiosidad. Y no podemos terminar el texto sin mencionar que Feist ha anunciado gira europea para el mes de marzo, con fechas en Francia o Portugal pero de momento nada de España. O la tiene algún festival veraniego, o parece que nos quedamos sin ver a Leslie en directo al menos durante unos cuantos meses. Y sería una pena, la verdad…

Pinche aquí para ver el vídeo

Arctic Monkeys han vuelto a cambiar. No es que eso sorprenda a nadie a estas alturas, porque los de Alex Turner ya nos tienen acostumbrados a evoluciones poderosas, pero sí da que pensar cuando el cambio se produce incluso dentro de la gira de presentación de un mismo disco. Nos contaba el propio Turner en una entrevista previa al concierto –que intentaremos publicar pronto– que pese a haber abrazado el pop clásico en gran parte de su reciente y fenomenal Suck It And See, seguramente tiren por otro camino en el futuro inmediato. Que, una vez hecho, quieren volver a la aventura. Lógico: tienen 25 años y ganas de comerse el mundo. En definitiva, lo que vimos el pasado sábado 28 de enero en un Palau Sant Jordi de Barcelona con 9.000 personas fue un grupo de rock tocando canciones pop. Con todo lo que ello implica. Cuatro chavales que nada tienen que ver con los que publicaron Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not hace apenas seis años, cuya ambición parece ilimitada ahora mismo.

Pero eso no es malo. Arctic Monkeys constataron que han dado un salto adelante en su directo, que ya son por todos lados un grupo preparado para llenar grandes recintos y cumplir con las expectativas que ello genera. Eso ya lo vimos en su visita anterior a Barcelona, en esa gira de presentación de Humbug que nos dejó maravillados. Pero entonces hubo una diferencia con respecto a esta reciente visita: hubo unidad en el concierto. Arctic Monkeys estaban completamente inmersos en la densidad de Humbug, y eso impregnó todo el concierto, convirtiéndolo en un ejercicio redondo de guitarras reverberadas, coros con eco y desarrollos pausados.

Lo que pasó en Barcelona esta vez, en contraposición, fue que Arctic Monkeys vinieron a presentar un disco repleto de gemas de pop clásico siendo un grupo de rock con tupés y chupas. Y eso derivó en que las canciones rockeras sonaron fabulosas, poderosas y aplastantes (la inicial ‘Don’t Sit Down ‘Cause I’ve Moved Your Chair‘, la colosal ‘Library Pictures‘, incluso ‘Brianstorm‘), pero las canciones pop perdieron todos sus matices por un bajo demasiado contundente (‘The Hellcat Spangled Shalalala‘, ‘She’s Thunderstorms‘ y sobre todo ‘Black Treacle‘). Eso, sumado al injusto olvido de Humbug (de él solo rescataron la imprescindible ‘Crying Lightning‘ y una remozada ‘Pretty Visitors‘; ni siquiera ‘Cornerstone‘) dio como resultado un concierto algo irregular, de un grupo que técnicamente lo tiene todo, que incluso se ha ganado el respeto de muchísimos nuevos seguidores por su demostrada madurez, pero que esta vez chocó con sus propias canciones. Demostraron que, a estas alturas, sus primeras composiciones no tienen secreto alguno para ellos (bordaron ‘The View From The Afternoon‘ y ‘I Bet You Look Good On The Dancefloor‘ –seguidas– o ‘Still Take You Home‘ casi sin pestañear), que son capaces de manejar el tempo de un concierto a la perfección –inicio demoledor y casi encadenado con ‘Don’t Sit Down…‘, ‘Teddy Picker‘ y ‘Crying Lightning‘. Pero donde se les vio realmente disfrutar fue con canciones como ‘Evil Twin‘ o ‘Library Pictures‘, en los solos, en los desarrollos guitarreros, en las partes instrumentales. Y es por eso que no entendimos la ausencia tan notoria de Humbug, al mismo tiempo que nos resulta lógica la presencia de las canciones de Suck It And See (aunque estuvieran algo deslucidas).

Un Alex Turner (¿demasiado?) desatado, sin embargo, ejerció de buen maestro de ceremonias, amén de una iluminación sencilla pero realmente impactante, casi física en los momentos álgidos de ‘Brianstorm‘ o ‘Library Pictures‘. Pese a la modesta puesta en escena, Arctic Monkeys son capaces de llenar un recinto de miles de personas cuando atacan canciones como ‘Crying Lightning‘, la eterna ‘I Bet You Look Good On The Dancefloor‘, o ese final apoteósico de la siempre reivindicada ‘Do Me A Favour‘ que tanto les gusta. Seguro que cada fan tenía en mente su bis perfecto, pero en esto Arctic Monkeys no se la jugaron: la canción de pre-cierre de su último disco (‘Suck It And See‘), el hit facilón (‘Fluorescent Adolescent‘) y la intocable ‘505‘, que vio subirse al escenario al eufórico Miles Kane –quien, por cierto, había dado como telonero un concierto con más entrega que técnica– y que fue prácticamente el único punto de amarre imperturbable de un grupo que, pese a este traspiés, sigue en el trono de su generación.

Fotos: Germán Parga

SETLIST ARCTIC MONKEYS (PALAU SANT JORDI, 28/01/12)

‘Don’t Sit Down ‘Cause I’ve Moved Your Chair’

‘Teddy Picker’

‘Crying Lightning’

‘The Hellcat Spangled Shalalala’

‘Black Treacle’

‘Brianstorm’

‘The View From The Afternoon’

‘I Bet You Look Good On The Dancefloor’

‘Library Pictures’

‘Evil Twin’

‘Brick By Brick’

‘This House Is A Circus’

‘Still Take You Home’

‘Pretty Visitors’

‘She’s Thunderstorms’

‘Do Me A Favour’

‘When The Sun Goes Down’

‘Suck It And See’

‘Fluorescent Adolescent’

’505′