Orbit ya había lanzado información “encriptada” a través de su Twitter, pero en una entrevista que le dio a la revista inglesa New Musical Express, él mismo confirma la noticia.

El productor señaló que “Blur ha grabado nuevos tracks, aunque se detuvieron de repente hace unas tres semanas”. Agregó que las nuevas composiciones “suenan maravillosas”.

No obstante, William Orbit ha deslizado que el perfeccionismo y tensión que genera Damon Albarn al trabajar en el estudio, ha friccionado a la banda y que esta sería la razón para la detención en las sesiones de grabación, con la fuerte frase “Blur podría estar bien, pero Damon tan talentoso y brillante como es, es como una mierda para el resto de la banda”.

Recordemos que el propio Albarn había dicho en una entrevista a The Guardian, que Blur tenía sus días contados, lo que él mismo negó posteriormente, por lo que esta inestabilidad sobre la agrupación icono del britpop no es nueva. Habrá que esperar si este nuevo material llega o no a estanterías.

Por Manuel Toledo-Campos

Para realizar este minucioso trabajo, se limpiaron los masters y se renivelaron los volúmenes, para luego, en Holanda,  pasar por las estrictas normas mundiales de fabricación. También se trabajó el arte de cada álbum, para poder entregar un producto de calidad insuperable.

Por otra parte, en agosto de este año se reeditarán en formato CD, los discos “Fe” de Mamma Soul, “Made In Jamaica” de Gondwana, “Vivo” de Joe Vasconcellos, y se repiten el homónimo de Jorge González, “Mama Funk/La Medicina” de Los Tetas, “Peces” de Lucybell y “Ser Humano/Decisión” de Tiro de Gracia.

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“Men In Black” (1997) no era ninguna maravilla, pero lograba entretener y tenía cierta inteligencia en su humor, que daba como resultado un divertimento bastante digno en comparación a los blockbusters que estamos acostumbrados a recibir. Unos años después, llegó su continuación, la cual echó por la borda el buen hacer de la primera, tratando de replicar la fórmula, con un guión inconsistente y chistes cuya gracia residía en el carisma de Smith, el cual, lógicamente, no era suficiente para levantar una película que está al borde del despropósito. Sonnenfeld retoma el puesto de director, y filma una cinta que mejora en comparación a su antecesora, pero sigue siendo igual de olvidable.

Todo comienza en una prisión lunar, donde el alienígena Boris “El Animal”, logra escapar de su celda para dirigirse a la Tierra y vengarse del hombre que le cortó el brazo y lo envío a la cárcel, el agente K (Tommy Lee Jones). Sin el poder necesario para vencerlo en el presente, Boris viajará al pasado para cambiar el rumbo de la historia y deshacerse del “joven agente K” (Josh Brolin). Será tarea del agente J (Will Smith), regresar a los años 60 para cubrir las espaldas de su compañero y salvar al mundo de una inevitable invasión extraterrestre.

Los primeros quince minutos de película marcan la pauta de todo lo que propone MIB 3. Will Smith tratando de hacerse el gracioso, lanzando frases carentes de cualquier ápice de comedia ingeniosa y situaciones que pretenden sacar carcajadas, pero que finalmente sólo provocan el sonroje. Los acontecimientos transcurren sin una mayor intriga ni emoción, en una película que sigue una línea casi pareja en cuanto a revelaciones o giros dramáticos. Tomando en cuenta que estamos ante una trama de ciencia ficción, que contiene viajes temporales y sus respectivas paradojas, sorprende que no hayan podido articular una trama un poco más interesante, en un guión que avanza a tropezones, y muchas veces pisándose la cola con la propia historia de los personajes, como el romance del agente K con la agente O (Emma Thompson), que se supone marcó su vida, suprimiendo por completo el pasado amoroso que se nos había presentado en la primera entrega de la saga.

Parte de esta responsabilidad la tienen los productores de la película, quienes hicieron grandes modificaciones al guión, tanto en la estructura de la historia, como en su tono, suavizando la ironía e irreverencia que poseía en un principio, convirtiéndose en el mayor defecto de la cinta. Narrada en el contexto de los Estados Unidos de los años 60, el guión original contenía una serie de chistes sobre la sociedad de la época. Referencias raciales y sexistas, fueron limitadas a un par de momentos que vienen a ser lo mejor del filme y donde se puede sentir una pizca de humor más acabado e inteligente. La mofa al trabajo de Andy Warhol, cuando detienen al agente J por conducir un auto “muy elegante”, o incluso la aparición de Lady Gaga en una de las pantallas de la base de los agentes, siendo identificada como un extraterrestre, son sólo un par de chispas de lo que pudo haber sido.

Quizás lo único rescatable es la actuación de Josh Brolin, quien imita a la perfección al personaje de Tommy Lee Jones, y tiene los mejores momentos de la película, o por lo menos los más relevantes. Más allá de eso, sólo queda un entretenimiento mediocre, que sirve para ser consumido y olvidado unas horas después, y sin necesidad de neuralizador.

Por Sebastián Zumelzu

Partiendo de dicho contexto, es que hoy en día el documental “La Primavera De Chile”  busca reflejar lo acontecido durante ese 2011 que tan histórico fue para nuestra nación. La idea del pueblo manifestándose, nuevamente en conjunto y por una causa transversal en Chile, es entonces algo a lo que esta obra apela, para plantear que una fuerza ciudadana como esta, no tomaba forma como un bloque sólido y potente desde los años más duros de la represión dictatorial. En esa línea, la primavera a la que hace alusión esta cinta es, sin duda alguna, el re-florecimiento político y discursivo vivido por la mayor parte del país en torno a las demandas estudiantiles.

De este modo, la cinta da inicio con el enfrentamiento de los voceros del movimiento con el Ministro de Educación en las dependencias del Congreso en el mes de octubre del año pasado, para posteriormente adentrarnos en los hechos que eventualmente conducirán a dicho momento. Una breve introducción a lo ocurrido con anterioridad al movimiento de 2011, será mostrada también en pantalla, para que finalmente este metraje encuentre su ritmo y esencia definitivos, con el inicio de las variadas marchas acontecidas durante el ya mencionado año.

Narrativamente, el documental está compuesto en su mayoría por el registro que realizan de estas mismas marchas las cámaras de Cristián Del Campo, director del mismo, además de definirse por medio de un corpus argumental compuesto por imágenes de archivo, extractos de prensa y una serie de entrevistas realizadas directamente a los protagonistas del movimiento, dentro de los que se incluyen los miembros de la CONFECH, los dirigentes de los secundarios y uno que otro experto de áreas afines a la discusión, tales como Gabriel Salazar o Marcel Claude. En ese sentido, la constitución de esta cinta como “documento objetivo”, como una suma de registros de lo ocurrido, es probablemente la mejor forma de definirla.

El principal “pero” de lo anterior, resulta ser que dicha objetividad no es tal, si consideramos que “La Primavera De Chile” nos muestra sólo una cara de la moneda. De esta forma, las intervenciones que veremos de la clase política dirigente, serán en su mayoría sacadas de medios ajenos a la realización de este documental, en tanto que la oposición estudiantil tendrá gran nivel de representación en los múltiples discursos que los mismos jóvenes realizan a la cámara a lo largo del registro. La imposibilidad de generar un campo más amplio de discusión a partir de este metraje, resulta ser entonces una de las falencias del mismo, al quedarse sólo con una versión de los hechos (independientemente de que esta sea o no la correcta) y no dar cabida a otra posición más que la del estudiantado.

A nivel de experiencia estética, en tanto, si bien es cierto que este trabajo puede no destacar mayormente por su calidad audiovisual (ya que, en ocasiones, pareciera carecer de maestría en ámbitos cinematográficos claves como el montaje y el manejo de los encuadres, por ejemplo), sí cabe destacar el hecho de la sensibilización que es posible generar a partir del mismo dentro de la audiencia ante la cual se exhibe. En ese sentido, es preciso mencionar lo bien representados que en él se encuentran temas tales como la convicción y la audacia con la que un joven movimiento fue capaz de plantarse de frente, para discutir con una clase política ya rancia, o la manera colorida y carnavalesca en que logró unirse a un país hacía ya varios años dividido.

Por esto último es que, pese a todo y tal como reza la frase de Khalil Gibran utilizada en la cinta, en el corazón de todos los inviernos vive una primavera palpitante y es con “La Primavera De Chile” que nos queda claramente demostrado el cómo, efectivamente, es posible la generación de un renacer de nuestra ciudadanía, el regreso de una nación sin fracturas y el paulatino despertar de esta conciencia política adormecida.

Por Macarena Bello

Este trabajo fue grabado en los estudios Barefoot Recording de Hollywood, y su producción estuvo a cargo del conocido Eric Valentine, quien también fue responsable del primer disco de Slash (2010), y que ha colaborado con artistas de la talla de Queens Of The Stone Age, Smash Mouth y Good Charlotte. Como era de esperar, la mayoría de las canciones del álbum se fundamentan sobre potentes y bien logrados solos de guitarra, además de sólidos riff, que no hacen otra cosa que dejar en claro el virtuosismo de Slash, y un egocentrismo que lo motiva a plasmar su impronta en cada uno de los cortes del disco. A pesar del papel protagónico que asume la guitarra del inglés, en varios pasajes la voz de Myles Kennedy se logra imponer, alcanzando un equilibrio entre ambos elementos, lo que tiene como resultado lógico un trabajo consistente y lleno de potencia.

El tema encargado de abrir el disco, es también el que le da su nombre; “Apocalyptic Love” es un prólogo perfecto a lo que será el resto del álbum, con una guitarra que suena potente y la particular voz de Kennedy, exigiendo al máximo su registro vocal de 4 octavas. La segunda canción es “One Last Thrill”, que crece en velocidad respecto a su predecesora y que mantiene la energía en lo más alto. En “Standing In The Sun” se bajan un poco las revoluciones, para dar paso a una melodía mucho más armónica, en donde gana en presencia la guitarra de Slash. El siguiente tema, “You’re A Lie”, corresponde al primer sencillo de la placa, el cual destaca por lo fuerte de su sonido y un estribillo pegajoso. “No More Heroes” comienza mucho más relajado, con una batería que suena tímida, y en donde irrumpen las seis cuerdas y la voz de Myles, para completar una pieza potente. Los sonidos más crudos llegan de la mano de “Halo”, sin duda uno de los puntos más altos del trabajo, que saca ventaja en energía, casi forzando a seguir el ritmo con cada parte del cuerpo. El siguiente corte es “We Will Roam”, que en contraste con los anteriores temas, no aporta mucho al desarrollo del álbum. Un track del que perfectamente se podría prescindir sin ver impactada la integridad del disco.

La segunda mitad del trabajo comienza con la singular “Anastasia”, que desde un principio llama la atención por los sonidos limpios y melódicos de una guitarra acústica, pero que de inmediato vuelve a la realidad con toda la potencia del hard rock que llega de improviso. El disco continúa con “Not For Me”, en donde todo el protagonismo lo asume la voz de Alter Bridge, relegando a un segundo plano al resto de la banda. En el comienzo de “Bad Rain” el registro de Kennedy sigue dominando, pero de a poco vuelve a aparecer la batería y los sonidos ásperos de la guitarra de Slash. “Hard & Fast” hace honor a su nombre, imprimiendo mucha velocidad y una interpretación que no escatima en energía y entrega. El tema “Far And Away” trae de vuelta los sonidos más limpios en una suerte de balada rock, con un guitarra que suena al volumen exacto, para no interrumpir la perfección de la pieza. La última canción del álbum es “Shots Fired” que cierra el circuito de la misma manera en que comenzó, con sonidos potentes en cada una de las pistas y la fuerza vocal de Myles Kennedy que se convierte en pieza angular de los buenos dividendos que saca el disco. La edición de lujo también incluye los temas “Carolina” y “Crazy Life”, que mantienen la misma línea del resto del trabajo.

A modo de resumen, se puede decir que Slash consiguió superar con creces su primer trabajo en solitario, encontrando en Myles Kennedy el complemento perfecto para dar vida a un álbum lleno de energía y potencia, que cumple cabalmente con lo que se espera de un artista de su reputación.

Ahora, tres años después de aquella presentación, The Kooks regresa como una banda mucho más madura y con un nuevo trabajo bajo el brazo; “Junk Of The Heart” (2011). Si existe algo que se le criticó al cuarteto en su anterior incursión por nuestras tierras, fue la corta duración de su show, ya que en poco más de una hora de música repasaron gran parte de su repertorio, dejando con gusto a poco a los asistentes. En esta ocasión, que su catálogo de éxitos es mucho más extenso, era de esperar que ofrecieran un espectáculo más completo y que todas las expectativas que se generaron en torno a esta presentación sean superadas con creces. Si cabía alguna duda respecto a la ansiedad existente por volver a ver en vivo a los británicos, sólo bastaba con fijarse en lo rápido que se agotaron las 1.200 locaciones que fueron puestas a la venta.

Sólo un telón blanco y negro adorna el pequeño escenario, en donde casi por milagro se pudo montar el backline, de a poco se empieza a llenar la pista central de un público mayoritariamente clase ABC1, y llama la atención que la vista que tienen los que pagaron por una ubicación VIP, es exactamente la misma que los que pagaron por VIP Lounge. Mientras, afuera del recinto algunos asistentes discuten con los encargados de seguridad, que no los dejan acceder al recinto a pesar de tener entrada en mano, aludiendo que por normativa vigente para los clubes, se encuentra prohibido el acceso sin exhibir la cédula de identidad. Ya es casi la hora del evento, y se puede percibir en el ambiente que el público se encuentra extremadamente motivado, cantan cada canción envasada que suena, teniendo su punto más álgido cuando suena “De Música Ligera” de Soda Stereo, la cual es coreada por todo el recinto.

Con 15 minutos de retraso salen al escenario los ingleses, provocando una ovación generalizada que retumba en cada rincón del club. La canción encargada de dar el puntapié inicial es “Is It Me”, y desde el primer minuto se denota una entrega incondicional de parte de los fans, que no paran de saltar y cantar, y así se sucede a medida que avanzan cada una de las canciones que conforman el setlist. Ni siquiera los temas de corte más lento, tales como “Rosie”, “Sway”, “Tick Of Time” o “Shine On”, son impedimento para que el público baje las revoluciones. Una selección de canciones muy bien lograda, que combina perfectamente las composiciones de su última placa, con los grandes éxitos de sus anteriores producciones, que ya forman parte del inconsciente colectivo y que representan apuestas seguras a la hora de subir la intensidad, este es el caso de “Always Where I Need to Be”, “She Moves In Her Own Way”, “See the Sun” y “Ooh La”.

Existen cuatro momentos que resultan memorables y que perfectamente se podrían convertir en postales que grafiquen la intensidad de la presentación. Primero: Luke Pritchard, solo en el escenario, haciendo una versión acústica de “Seaside”. Segundo: el frontman montado en un amplificador tocando la guitarra, mientras las fanáticas del Vip Lounge se esfuerzan por tocar sus cabellos. Tercero: la interpretación de “Do You Wanna” durante la primera despedida de la banda, que por lejos fue la canción que más energía le imprimió al público. Y cuarto: el cierre del show que corrió por cuenta de “Naive”, que tuvo como condimento el ingreso al escenario de una fanática, que alcanzó a robarle un par de besos a Luke. Un show que estaba destinado a ser todo un éxito, ya que con un público tan incondicional resulta imposible no salir bien parado. Un sonido que quizás no estuvo a la altura de las circunstancias, y que dejaba en evidencia sus limitaciones en las canciones de corte más lento, pero que cumplía a cabalidad en los temas más potentes. Al momento de evaluar el concierto, la elección del recinto pasa a ser una anécdota más, lo cierto es que The Kooks ofreció un show en donde recorrió la mayoría de sus éxitos, cautivando a un público que se entregó por completo, y dejando en claro que más que una moda, son una banda ya consagrada.

Setlist

1. Is It Me
2. Always Where I Need to Be
3. Matchbox
4. Sofa Song
5. Rosie
6. She Moves In Her Own Way
7. Sway
8. Runaway
9. Down To The Market
10. If Only
11. Seaside
12. Tick Of Time
13. See the Sun
14. Eskimo Kiss
15. Ooh La
16. How’d You Like That
17. Shine On
18. Do You Wanna
19. Stormy Weather
20. Junk Of The Heart
21. Naïve

Por Gustavo Inzunza

Fotos por Sebastián Jiménez

Aún quedan entradas disponibles, las que se pueden adquirir a través del sistema Ticketek, en tiendas Falabella y Cines Hoyts, más cargo por servicio. Sin este cargo, directamente en tiendas The Knife del Eurocentro.

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Las entradas ya están a la venta a través del sistema Ticketek, en Falabella y Cines Hoyts, a un valor de Preventa de $15.000 (más cargo por servicio), Sin este cargo, directamente en tiendas Voz Propia (Portal Lyon), Rock Music (Eurocentro) y Nothing (Portal Lyon). Una vez agotada esta Preventa, el valor asciende a $18.000.

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En un principio, la cita iba a ser en el Teatro Teletón, sin embargo, debido a las constantes quejas de los vecinos del sector, la Municipalidad de Santiago decidió que, a partir del 1 de junio, el recinto de la calle Mario Kreutzberger quedaba inhabilitado para eventos masivos. Por lo tanto, y para todos aquellos que contaban sólo con la primera información, les avisamos que la presentación de Therion, más la participación de la banda chilena de metal gótico/sinfónico Denun, se traslada definitivamente al Teatro La Cúpula del Parque O’Higgins.

Las entradas ya se encuentran a la venta a través del sistema Ticketek, en tiendas Falabella y Cines Hoyts, con un valor de $18.000, más cargo por servicio. Sin este cargo, directamente en tiendas The Knife.

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Y aunque los tickets, y la información previa, aseguraba que Mogwai aparecería a las 21 hrs., la verdad es que nunca fue la intención ni de la banda, ni de la producción, salir antes de las 10 de la noche, y pese al descontento generalizado del público, poco a poco irían olvidando ese pequeño gran detalle, al momento en que los cinco músicos, liderados por Stuart Braithwaite, aparecieron sobre el escenario para comenzar de lleno a ensordecer a la audiencia con “White Noise”, canción que abre su más reciente disco “Hardcore Will Never Die, But You Will” (2011). Un inicio que fue de menos a más en intensidad, dejando a todos atónitos con la iluminación del lugar, recatada en diversidad, pero impresionante en efectividad.

Desde el comienzo se pudo apreciar un sonido mayormente claro, que en momentos de poca intensidad instrumental, versus esa grandilocuencia sonora, hubo espacio para cada uno de los instrumentos dentro de la atmósfera creada por la banda. Así pasó con canciones como “I’m Jim Morrison I’m Dead”, donde el comienzo con la serenidad del piano, contrasta de lleno con la masa de guitarras que llegan al punto de enmascarar cualquier otro sonido que esté fuera de esa conversación melódica.

Sin duda, “Rano Pano” fue uno de los mejores momentos de la noche.  Esa delicia que cuenta con dos líneas; una rítmica y una melódica que todo el camino transita en armonía entre las guitarras de Barry Burns, Stuart Braithwaite y John Cummings, llegando a un sonido que en realidad asombra, y mientras avanza va sumando diversos sonidos sintetizados, cuando al mismo tiempo el público es atacado con luces estroboscópicas en todas direcciones.

Barry Burns, el hombre orquesta de Mogwai, y quien llegó como músico de apoyo en un comienzo, es quien se roba la película a lo largo del show. Utilizando su voz con un magnético vocoder en “Killing All Flies” y “2 Rights Make 1 Wrong”, donde también aprovechó de dar con estruendosos teclados que terminaron generando resonancia en todos los oídos. En “Ratts of the Capital” dejó su cómodo asiento para duplicar el bajo y crear una base de graves absolutamente poderosa.

Mogwai incluyó en su setlist algunas canciones donde podríamos decir que se convirtieron en el respiro sonoro de la entrega. “Stanley Kubrick”, con la tranquilidad y claridad del bajo,  fue un verdadero puente para lo que vendría a continuación con “How To Be A Werewolf”, que en su versión en vivo entrega un set de secuencias muchísimo más poderosas y atmosféricas que la versión de estudio. Y en la mitad del show Stuart Braithwaite  no dudó en tirarse al suelo en pos de concretizar los sonidos de un secuenciador, que junto al piano, entregan otro puente sanador con “I Know You Are But What Am I?”.

Barry Burns, vuelve a la guitarra y la voz en  “Travel Is Dangerous”, donde a ratos recuerda los momentos más lo fi del hardcore de fines de los 90’s. Una voz con poca claridad, que lejos de querer dar un mensaje, pasa a ser un instrumento más de la banda.

Definitivamente otro de los mejores –y más ensordecedores- momentos de la noche, sucedió con “Mexican Grand Prix”, esa mezcla kraftwerkiana donde Burns pareciera emular al mismo Bobby Gillespie de Primal Scream. Ensordecedora y extremadamente rítmica, que hasta los hipnotizados espectadores se dieron el tiempo de hacer pequeños headbangings, seguidos por un impresionante y sincrónico juego de luces en medio del estruendo de las guitarras, para dar paso nuevamente a las más plásticas secuencias.

Luego de tener a Braithwaite recordando la primera visita de la banda, en mayo de 2002, cerraron la primera parte con “Mogwai Fear Satan” y esa suma irreproducible de riffs de guitarras, con esa exquisita batería que va exageradamente a destiempo, queriendo hacer una canción propia, al borde del drum ‘n bass. También fue en este momento, donde posiblemente todos terminaron con tinitus, donde todos sus componentes llevan su intensidad casi al infinito, y de un segundo a otro hacer explotar al teatro entero. Una bomba sonora, que era EL momento para usar los famosos tapones. Poco a poco los músicos dejan el escenario momentáneamente.

Para el encore, volverían  con la hipnótica y extensa “New Paths To Helicon Pt. 1”, y con “Hunted By A Freak”,  donde nuevamente tuvimos a Burns en el vocoder, y a un inspirado Braithwaite en la guitarra. Y el final sería absoluto con la delirante “Batcat”, donde lograron la mayor estridencia con las guitarras de todo el show, y con una batería sacada de los mejores años de Metallica. Juego de luces delirantes y una vez más sincrónicas, gente por doquier perdiendo sensibilidad sonora, y cinco músicos con la misión cumplida. Eso era todo.

Sin duda, Mogwai no es una banda fácil de escuchar, y claramente ese nunca ha sido su norte. A ratos, puede que la instrumentalización haga mantenerse en un estado letárgico, en el que incluso más de alguna canción puede tener peligrosas similitudes, pero ese es el precio que hay que pagar por una banda así. Arriba del escenario suena con una potencia increíble, una claridad que se agradece, y entregan un show que sin tanta pirotecnia, logra enceguecer a cualquiera, a punta de luces que en ningún momento buscan destacar a alguno de sus músicos, si no que envuelven en un completo magnetismo a las masas de personas que tienen en frente. Y demuestran a cada paso, que estos diez años sin visitar nuestro país, han valido la pena.

La solidez musical y la comunicación entre ellos, es envidiable. Y a pesar de algunos detalles técnicos, como un amplificador que hubo que cambiar, o algunos segundos donde un bajo no sonó, valió la pena la espera y el maltrato a nuestros oídos. Quizás cuántos realmente usaron los tapones, sólo queda decir que en esta ocasión, estuvieron demás. Hubiese sido un crimen privarse de ciertas frecuencias a causa de quedarse un poco menos sordo. Seguramente todos quedaron con fatiga auditiva, pero de esas que cada segundo valió la pena.

Setlist:

1. White Noise
2. I’m Jim Morrison, I’m Dead
3. Rano Pano
4. Killing All The Flies
5. Stanley Kubrick
6. How To Be  A Werewolf
7. Travel Is Dangerous
8. I Know You Are But What Am I?
9. Mexican Grand Prix
10. Ratts Of The Capital
11. 2 Rights Make 1 Wrong
12. Mogwai Fear Satan
    ——————————————–
13. New Paths To Helicon, Pt1
14. Hunted By A Freak
15. Batcat

Por Pamela Cortés

Fotos por Sebastián Rojas

No es el mejor álbum de la banda, ni tampoco se ve que pueda tener el potencial comercial que tuvieron éxitos como “I Think I’m Paranoid” o “Only Happy When It Rains”. Tampoco van a cambiar o revitalizar el rumbo de la música, como fue en el tiempo de aparición a mediados de los 90s, justo cuando el mundo buscaba cómo “subir el ánimo” que no legó el grunge.

“Not Your Kind Of People” exuda ese espíritu desprejuiciado y dual que bien encarna la escocesa Shirley Manson, siempre entre la rudeza y la fragilidad, además de mostrar algunas directrices del modelo 2012 de la banda de Wisconsin.

Uno se podría dejar engañar por el mediocre inicio con el pop con visos de punk y electrónica “punchi-punchi” de “Automatic Systematic Habit”, canción que logra ser pegajosa, pero que no logra ir más allá, siendo superficial y carente de coherencia con el resto del registro. Un buen single sin oportunidades de trascender más allá de un gancho.

Pareciera que el disco partiera en serio con “Big Bright World”, definible como un track que delimita la esencia de la banda, corriendo las fronteras del pop a los rincones más oscuros posibles, y ahí jugar con la agilidad de la propuesta musical, junto a una letra romántica y atractiva, tendencia que se da también en “Blood For Poppies” o en “Felt”.

Más maduras suenan “Control” o “Sugar”, que desde sonidos sutiles logran crear atmósferas llenas de sangre, dolor y ternura, al revés de la superficialidad del track inicial, “I Hate Love” o de “Man On A Wire”, esta última, por lo menos tiene buena melodía y potencia genuina.

Sonidos más reflexivos se muestran con el track final, “Beloved Freak”, declaración de principios de los desechados, de los incomprendidos a los que la banda habló desde sus comienzos, casi como la continuación de una historia que lleva casi 20 años. Si incluso se atreven a incluir un cameo de la clásica canción góspel, “This Little Light Of Mine” de gran forma.

Pero los dos mejores tracks del álbum son los más extremos. “Battle In Me” es el estilo Garbage en su más pura expresión, utilizando sonidos electrónicos, intensos y coherentes, junto con guitarras afiladas y en su punto justo, con una Shirley Manson en uso de sus cualidades. Una joya de single, en clave Garbage, donde la capacidad de Butch Vig como productor denota arrojo y calidad.

El otro desliz es el track que le da nombre al disco, una composición compleja, sin obviedades, lejos de lo que la banda hace usualmente y que a muchos críticos les ha parecido una pérdida de tiempo, y a otros les parece una canción de cuna. Ni lo uno ni lo otro, simplemente hay un groove diferente, cercano a la balada y al dream-pop, lo que puede ser una buena noticia para algunos, y pésima para otros que ven en Garbage nada más que los precursores del pop-rock alternativo o del post-grunge.

La propia Shirley Manson suena diferente, más clara, directa y sin recurrir a forzosos recursos vocales para lograr transmitir emociones. Un acierto de Vig.

“Not Your Kind Of People” no es ni más ni menos que el quinto álbum de Garbage, con todo lo que ello conlleva. Es un retorno después de un hiato prolongado, lo que se nota en la empatía incompleta de “Blood For Poppies” o la olvidable “I Hate Love”, y esto no lo hace ser mejor o peor.

En el track que le da el nombre al LP, Manson canta “somos personas extraordinarias”, y en un mundo donde la reinvención desastrosa llega a niveles extremos, la mantención de las raíces de la propia identidad ya es algo extraordinario, y si bien no es de lo más granado, este lanzamiento logra configurarse como un imperdible del primer semestre de este año.

Jerry Lundegaard (Macy), es un hombre fracasado, de personalidad introvertida y atravesando por serios problemas económicos. Su esposa Jean (Rudrüd), es la hija de un millonario magnate, que se presentará como la única vía de escape, a través de la cual Jerry podrá solucionar su crisis monetaria. Para ello, urdirá un plan consistente en el falso secuestro de su mujer, con el fin de que el padre de ella se decida a pagar la recompensa. Dicho secuestro será llevado a cabo por la dispar dupla compuesta por Carl y Gaear (Buscemi y Stormare, respectivamente), una inusual pareja de criminales que tomará esta misión sin saber toda la avalancha de situaciones que la misma conlleva.

Como es de esperar, y tal como sucede habitualmente en el universo fílmico de los Coen, este plan, en apariencia sencillo, derivará en una serie de desafortunados eventos, entre los que destacará el constante acecho de parte de la ley a la figura de estos maleantes. El personaje de la sheriff Marge, interpretado por la genial Francis McDormand, será en este punto quien tome especial relevancia, al caracterizar a la perfección el papel de una suspicaz y embarazada policía, tras la pista de los hechos de violencia acontecidos en el pueblo de Fargo.

La historia se desarrollará así en medio de una suma de giros y situaciones inesperadas, todas ellas entrecruzadas por el permanente factor de la ironía y en la que los constantes virajes (del thriller a la comedia, del crimen a la ternura) se convertirán en los grandes protagonistas. Las actuaciones, en tanto, absolutamente magistrales, harán también lo suyo, para llevar a este metraje al sitio de gloria que hasta hoy para muchos suele tener.

Visualmente, el uso de planos generales, frecuentes tomas exteriores y la presencia constante de una fotografía gélida, propia del norte de los Estados Unidos, darán cuenta no sólo de lo arraigado que el cine de los Coen está dentro de su propio territorio (para bien o para mal), sino que hablará también acerca de la misma frialdad, o más bien neutralidad, que atraviesa en este metraje el relato propiamente dicho. Así, las decisiones y objetivos de cada personaje, no se verán determinados tanto por temas emocionales o pasionales, sino que responderán más que nada a los intereses personales de cada quién. La concepción de un hombre poniendo en riesgo la vida de su esposa, no resulta entonces aberrante ni cuestionable a los ojos de esta historia, sino que se presenta simplemente como el movimiento necesario para activar todo el artificio cinematográfico.

Esta misma falta de cuestionamientos morales, será también extrapolada al resto de los personajes, conformándose así en esta historia, un escenario en el que nadie resulta ser puramente bueno o malo, y en el que finalmente, la ejemplaridad en la conducta pasa a un segundo plano. La constitución de roles será entonces definida a partir de la figura del absurdo, en una configuración en la que el uso de la caricatura tomará primordial status, y para lo cual los directores nos presentarán una serie de delirantes y patéticos personajes. La aparente torpeza de los mismos será, sin embargo, combinada hábilmente con un guión inteligente, que encuentra su fuerte en los dinámicos giros y certeros diálogos al interior de la cinta, con lo que no será complejo el adentrarnos en un ambivalente y sofisticado universo de parodia.

El cine de los Coen es, ante todo, una suma de ácidas radiografías de todo aquello que resulta intrínsecamente gringo en el cine, una burla al establishment hollywoodense, en la que el delirio de lo absurdo, pasa a ser la mejor arma para ir en contra de la narrativa comúnmente establecida, como lo hace, por ejemplo, el falso/verdadero comentario que nos asegura hallarnos frente a una película basada en una historia real. “Fargo” resulta entonces una buena muestra de todo el leitmotiv del imaginario de estos hermanos y un imperdible, tanto para los seguidores de la dupla, como para todo aquél que comience a adentrarse en este universo coeniano. Una película dinámica e inteligente, que es capaz de mantenernos atento a su trama, pero con la que se corre el riesgo de adentrarse quizás demasiado hondo en las profundas aguas del patetismo y la ridiculez humana. La advertencia ya está hecha y la decisión depende de cuánto humor macabro sea cada uno capaz de soportar.

Por Macarena Bello

Gotthard fue la encargada de abrir la velada. Los suizos vienen estrenando nuevo vocalista, luego de que Steve Lee falleciera en un accidente de moto, durante el año 2010. El joven Nic Maeder fue reclutado para encargarse de las voces, y ésta es su primera gira mundial con la banda. De hecho, el del Caupolicán, vendría a ser su tercer show íntegro, por lo que estábamos frente a una agrupación en pleno proceso de adaptación. Claro que eso sobre el escenario, pasaba totalmente desapercibido. “Dream On” abrió los fuegos con una respuesta cálida de un público, que en su mayoría, estaba ahí por Unisonic, pero disfrutó y, con mucho respeto, escuchó el concierto de los suizos, que continuaron con “Top Of The World”.

Nic Maeder es dueño de una gran voz y carisma, típicas del estilo, y su performance sobre el escenario, dan cuenta de su calidad como frontman, llevando la batuta en cada una de las canciones. El resto de la banda, a pesar de los años, se mueve con soltura y con la misma actitud de antaño, casi como si se hubieran quedado congelados en el tiempo, porque la música de Gotthard se siente de esa manera. Incluso en los temas nuevos como “Starlight”, existe ese sonido característico, que a estas alturas sólo despierta nostalgia. Todo parece moverse en base a un libreto, donde se suceden las frases y piruetas clichés, que hacen del hard rock un estilo que sobrevive gracias al recuerdo. Así lo demuestran temas como “Sister Moon”, cuyo parecido con “Still Of The Night” de Whitesnake, es innegable, o en “Need To Believe”, la clásica balada rock.

El show siguió con “Give Me Real”, tema nuevo, y “Master Of Illusion”, para pasar a una balada, que fue presentada como el primer tema que escribieron con esta nueva formación, discurso que fue interrumpido por un grupo de impacientes desubicados (no se les puede decir de otra forma), quienes se pusieron a gritar el nombre de Michael Kiske. Aun así, “Remember It’s Me” fue escuchada con respeto y hasta sacó aplausos. El momento íntimo alcanzó su peak con “One Life, One Soul”, dedicada a la memoria de Steve Lee, y donde pudimos apreciar las bondades de la voz de Maeder.

Mediante el uso de un talkbox, Leo Leoni hacía hablar a su guitarra, para traer de vuelta el rock con “Mountain Mama” y “Right On”. Se escucharon de nuevo los cánticos para Kiske, pero esta vez fueron sobrepasados por los “olé, olé, olé, olé, Gotthard, Gotthard”, que fueron agradecidos por los músicos, asegurando que iban a volver a nuestro país. El coro siguió haciendo lo suyo, cuando tocó interpretar “Hush”, cover de Billy Joe Royal, momento en que los “na, na, na…” inundaron el Caupolicán. La base de batería, daba el pie para “Lift U Up”, antes de llegar al clímax de la presentación con “Anytime Anywhere”. Mientras los fanáticos replicaban los “ole, ole…”, Gotthard hacía una última reverencia y salía del escenario, sellando una presentación que dejo puro sabor a nostalgia.

Unisonic llegaba jugando de ganador. Con tan sólo un disco editado, las expectativas residían en la oportunidad de poder ver en vivo a la leyenda viviente del power metal, Michael Kiske, dueño de una voz única, que hasta el día de hoy se mantiene impecable. Esto sumado a su reunión con Kai Hansen, líder de Gamma Ray, y compañero de Kiske en las épocas de gloria de Helloween, hacían de la presentación de Unisonic, una de esas citas imperdibles con la historia.

El comienzo fue apoteósico, con la introducción de “La Cabalgata De Las Valkirias” de Wagner, seguido por la entrada de los músicos y los primeros riff de “Unisonic”, la canción. La respuesta del público fue inmediata al ver la figura del calvo vocalista sobre el escenario, más aún cuando se pudo comprobar in situ, que su voz se conserva intacta y poderosa. A pesar de que el sonido jamás fue perfecto, en parte por la saturación de los instrumentos, que a ratos opacaban la voz del alemán, la energía se mantuvo a tope en cada una de las canciones. Sin ser clásicos ni nada por el estilo, el catálogo de Unisonic fue capaz de sostenerse durante la hora y algo que duro el concierto. Así lo demostraron “Never Too Late” y “Renegade”, donde no faltaron las voces de los fanáticos más acérrimos.

Kiske es el dueño de la función, con una actitud lúdica y relajada, casi como estando de vacaciones más que en un tour de conciertos. Entre canción y canción, conversaba y bromeaba con el público, confesando que la noche anterior, en el show que hicieron en La Batuta, estaba algo borracho, pero que en el Caupolicán estaba con todas sus energías y concentración al tope. En un par de canciones, bajó del escenario para compartir con los fanáticos de las primeras filas. Kiske venía a pasarlo bien. Hansen, por su parte, a pesar de compartir “la buena onda”, es la columna vertebral de la banda y se encarga de poner la cuota de “seriedad” en el grupo. Balance que quedó patente en “King For A Day”, donde las personalidades de los dos líderes, se complementaban a la perfección en el escenario.

Desde una plataforma que servía de segundo piso, Hansen y Mandy Meyer, introducían con sus guitarras, los primeros riff de “I’ve Tried”, secundada por “My Sanctuary”. Todo el mundo esperaba algo de Helloween. Conscientes de ello, en cada uno de sus shows Unisonic se ha encargado de tocar uno o dos clásicos de la banda. Para esta oportunidad, la elegida fue “March Of Time”, del “Keeper Of The Seven Keys Part2” (1988), que despertó a todo el Caupolicán con una interpretación perfecta. Una vez más, la voz de Kiske se robaba la película.

Unisonic siguió mostrando lo suyo con “Over The Rainbow” y “Star Rider”, para seguir con una sección de solos de guitarra a cargo de Hansen y Meyer, que sirvieron como introducción para “Souls Alive”, tema en que Hansen aprovechó de fumar un cigarrillo, mientras tocaba su guitarra. El primer encore llegaba con “We Rise”, donde Kiske volvió a bajar del escenario, claro que en esta ocasión cometiendo un chascarro, al confundir este tema como el último de la primera parte, creando un momento bastante absurdo, cuando decidió abandonar el escenario, mientras sus compañeros se miraban entre si, y Hansen daba un grito señalando que todavía no era tiempo del bis. Kiske volvía desde bambalinas, entre risas y declarando “I fucked up!”. “Never Change Me” puso fin a la primera parte del set.

La banda volvía a escena para tocar dos clásicos de Helloween. “Future World” y “I Want Out”, coreadas por absolutamente todo el teatro. Aunque un servidor hubiese preferido un final más épico con la interpretación de “Eagle Fly Free”, el “regalo” fue suficiente para saciar las ansias de escuchar esos clásicos, en la voz del hombre que los hizo grandes.

Unisonic brilló con luz propia, sin salirse de sus parámetros, cerrando una noche donde los sonidos de las glorias pasadas lograron cautivar y, por sobre todo, demostrar que su magia sigue intacta. Por algo dicen, que el vino añejado, sabe mejor.

Setlist Gotthard

1. Dream On
2. Top Of The World
3. Starlight
4. Sister Moon
5. Need To Believe
6. Give Me Real
7. Master Of Illusion
8. Remember It’s Me
9. One Life, One Soul
10. Mountain Mama
11. Right On
12. Hush (cover de Billy Joe Royal)
13. Lift U Up
14. Anytime Anywhere

Setlist Unisonic

1. Unisonic
2. Never Too Late
3. Renegade
4. King For A Day
5. I’ve Tried
6. My Sanctuary
7. March Of Time (cover de Helloween)
8. Over The Rainbow
9. Star Rider
10. Souls Alive
11. We Rise
12. Never Change Me
13. Future World (cover de Helloween)
14. I Want Out (cover de Helloween)

Por Sebastián Zumelzu

Fotos por Praxila Larenas

En un comunicado a través del sitio oficial de la banda, su guitarrista, Michael Amott, desbordaba alegría por esta nueva gira, que tiene como lugar de partida a Chile, el 21 de noviembre, en el Teatro Caupolicán.

“¡Por fin! No hemos visitado a nuestros amigos latinoamericanos por más de 3 años. Esperamos con ansias presentarnos ante una de las mejores audiencias del metal en el mundo. Prometemos presentaciones y experiencias increíbles. ¡Latin American Khaos 2012!”.

Las entradas ya están a la venta a través del sistema Feriaticket, a un valor de $20.000, sin embargo, los primeros 500 tickets, tienen precio exclusivo de Preventa, a $16.000, ambos valores más cargo por servicio. La venta directa sin cargo, se realizará en lugares por confirmar.

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Así es, iba a ser, porque mediante un comunicado en su Facebook, el productor del evento, Jorge “Chargola” Hurtado, dio a conocer los motivos de la cancelación del festival, indicando, entre otros problemas, la baja venta de entradas para la cita.

Además de verse perjudicados los seguidores de Apocalyptica, de la misma forma quedan los fanáticos de Decapited, Exumer y Artillery, todas agrupaciones que venían por primera vez a nuestro país.

La devolución de entradas se realizará a partir del jueves 17 de mayo en tiendas The Knife y Rock Music (Portal Lyon y Eurocentro), y desde el viernes 18 para quienes compraron a través del sistema Ticketek, en tiendas Falabella y Cine Hoyts.

La historia comienza en la ciudad de Barcelona, donde Sergio (Fele Martínez), guionista y director de cine, está tratando de sacar adelante un western, el cual pretende rodar en el desierto de Atacama. Viéndose sobrepasado por las críticas a su trabajo, Sergio decide viajar al norte de Chile, para re-escribir su película en el desierto más árido del mundo. Para su infortunio, llegará a un pueblo perdido, donde es confundido por un tal Diego, quien mantiene una enemistad de años con Víctor, el hombre más poderoso y violento del pueblo. Sergio deberá sufrir los clamores de la venganza, mientras asume el pasado del desconocido Diego, el cual lo convertirá en el protagonista de su propio guión.

Lo más destacable de “Sal”, es el amor y fidelidad que derrocha por el género al cual se subyace. Los rituales de rutina están en su lugar, al igual que sus arquetipos, dando forma a la típica historia del “extraño en tierra extraña”, escapando de un pasado oscuro, en este caso, uno que desconoce. La trama se desarrolla en base a esta premisa, sin entregar grandes giros, más allá de los propios del western, en una historia que no sorprende en su desarrollo, pero funciona. Es de agradecer también, el que la historia se sienta chilena. Es una película de pistoleros, claro está, pero tiene en sus personajes y puesta en escena, un aire criollo que se apodera de las convenciones y las hace suyas.

La ambientación y atmósfera de western, están logradas a cabalidad. Desde los títulos de crédito, pasando por la fotografía y la banda sonora. El diseño de las locaciones, y el mismo desierto de Atacama, recrean un escenario idóneo para el desarrollo de una película de vaqueros, y se convierten en uno de los aciertos de la película.

Lamentablemente, “Sal” adolece de una serie de detalles, que merman una historia que camina, pero a ratos, exenta de ritmo o interés por lo que está pasando en la pantalla. Sobran, a lo menos, veinte minutos de metraje, sobre todo en su segunda mitad, donde la acción da tumbos, y al estar frente a una trama tan convencional, el camino hacia el clímax se diluye en situaciones predecibles y mal resueltas. Un ejemplo de esto son las escenas de acción, las cuales carecen de tensión al estar tratadas de una forma aletargada. Esta bien querer despegarse de los cánones impuestos por la industria hollywoodense, pero las escenas de acción en “Sal”, no tienen emoción.

El elenco, encabezado por el español Fele Martínez, logra buenas interpretaciones, a pesar de no contar con grandes personajes. El único que posee una verdadera tridimensionalidad es Sergio, todos los demás están relegados a cumplir su rol arquetípico dentro de la trama, pero sin la suficiente sustancia como para que lleguen a sentirse personajes con capas. “El malo” es “El malo” y “El matón”, “El matón”. La más perjudicada es Javiera Contador, haciendo el papel de “La traidora”, con un personaje de lo más insípido, protagonizando los momentos más bajos del filme, entre ellos, la escena de sexo más falsa en la historia del cine chileno.

Aun así, “Sal” se salva de la quema, irónicamente, gracias a su guión, el cual cierra el círculo del personaje, y salvo un par de inconsistencias en la escena del clímax, la historia deja todo en su lugar, con una conclusión “de western”. Más allá de las buenas intenciones, Rougier logra su cometido, entregando una película que, sin ser una maravilla, es un western con todas sus letras.

Por Sebastián Zumelzu

¿Qué dificultades tuvieron en la realización de este documental?

Si tú ves el artículo 1° de la ley de prensa, cualquier chileno, sea periodista o no, puede registrar todo lo que acontece en la vía pública, en vista de la responsabilidad de informar el quehacer político, y eso es un derecho. El otro día los pacos querían registrar a un escolar y voy y le saco una foto, me pide el carné y me quería llevar, le digo que el hecho de poder registrar lo que pasa en la vía pública es derecho y deber de los ciudadanos. Perdimos una cámara producto de las mojadas del guanaco, una Z1 cagó. No sé si este año vamos a reportear, porque el soporte económico con el que grabamos el documental ahora no está.

¿Cómo se solventó este proyecto?

En realidad fue un documental bien barato. Hubo un donante anónimo que creyó en el proyecto, por ejemplo, dentro de lo que te puedo mencionar, que nos pasó plata de sus ahorros con la idea de que lo podamos recuperar del cine, DVDs, concursos, festivales. Otra parte, fue con aportes de organizaciones sociales que no nos pidieron nada a cambio y que, si bien no era mucha plata, sumaba y sumaba fondos poquito a poquito. Más el aporte nuestro como El Faro. Básicamente fue un proyecto autogestionado, pero tampoco tuvimos nunca como objetivo tener al Gobierno, por ejemplo, como financista, porque queríamos trabajar con independencia, sin ataduras, ni de Gobierno ni de partidos políticos ni actores que nos cortaran contenidos.

¿Cuán importante para un trabajo como este es la independencia?

En realidad, siendo riguroso, también el Fondart no te ve nada, pero igual es poco coherente tener para un proyecto como este el logo del Gobierno de Chile. Es un documental “contra” el Gobierno. Básicamente, el documental se encarga de contar lo que pasó desde la voz de los cabros, o sea, de los estudiantes, profesores, trabajadores y algunas otras organizaciones sociales, como la Asociación Nacional de pobladores, algunos sindicatos e incluso la CUT, entendiendo que todos esos tienen diferencias entre ellos, pero básicamente queríamos que fuera la historia contada por ellos y esa fue la lógica para este documental.

¿De dónde sale el concepto Primavera de Chile?

Cuando yo tenía 20 años, pensaba que los hitos duraban lo que duraba un año escolar. Cuando pasas los 40 -como es el caso mío- te das cuentas que esos procesos son largos, muy largos. Como ejemplo, la municipalización de la educación fue el año 86, la LOCE es impuesta por Pinochet el día antes de dejar el poder y aparece recién la LGE el 2008, entonces el proceso para cambiar de LOCE a LGE demoró 19 años, y estos son procesos que no se han resuelto y ya hubo una marcha con adherencia muy grande, lo que indica que este puede ser un año lleno de movilizaciones y tomas donde todo puede pasar. Desde 2006 se marca un salto en la movilización, porque antes no se veía una orgánica y con los pingüinos ya se marcó una diferencia y hubo muchos otros momentos importantes, pero es un hito y como tal, es diferente a otros. Por ejemplo, ya no es Vallejo la presidenta de la Fech, ahora es Boric, este es un año electoral también, entonces se marca la existencia de un movimiento que se enfrenta a una derecha empresarial, a diferencia de la derecha política que era en la práctica la Concertación, aunque se ponga nombres como socialistas o socialdemócratas, en la práctica también son derecha. Con Piñera está la derecha dura. Los secundarios son trasgresores y estructurales en sus demandas. No plantean becas o rebajas en los créditos, sino que la desmunicipalización, fin al lucro, congelamiento de los decretos para los subvencionados e incluso algunos plantean la vuelta de los subvencionados. Entonces este hito es único y no se resolverá hasta que en el país haya, por ejemplo, una asamblea constituyente. Pero lo que pasa el año pasado marca una antes y un después y marca mucho. Es un salto. No hubo ni siquiera en dictadura una movilización como las del Parque O’Higgins, que aglutinó un millón de personas. Entonces las razones por las que la gente salió a la calle son distintas a las que usualmente hemos escuchado. En los últimos 20 años si decías que 200 mil personas marcharían frente a la Moneda pidiendo asamblea constituyente, plebiscito, no te hubieran creído. Tomamos el nombre La Primavera de Chile porque fue el concepto que acuñaron los mismos estudiantes. También porque es el que se utilizó en el mundo. También porque hay un despertar que se manifiesta en las calles y entre diferentes generaciones, me sorprendía cuando veía que las generaciones de ahora escuchaban a gente de 50, 60 años venir a decirles “pero si yo estudié gratis” y los cabros no lo creían. Entonces está tan internalizado que hay que pagar por todo, que no se entiende que la educación es un derecho. Para nosotros, los que vivimos la dictadura y la transición, esto fue despertar también.  En Chile estaba penalizado el carnaval, que la gente se expresara en las calles con alegría, colores.Quizás lo diferente de este movimiento, fue notar que las demandas iban más allá de las narices de quienes exigen cambios, como en este caso son los estudiantes.

Hay un testimonio que no está en el documental, pero que me llamó la atención. Una profesora de Ciencias que decía que lo que tú dices que cuando las personas son capaces de expresar demandas que van más allá de su beneficio personal y comienzan a pensar en un beneficio social, de las futuras generaciones, ese proceso, es un proceso complejo porque la persona se debe dar cuenta que hay algo más allá de su individualidad. Y eso fue lo que se naturalizó en los 90. Que el Estado no podía ser paternalista, que el desarrollo personal podía ser alcanzado, como si eso se disociara de lo social, entonces se elaboró una lógica/filosofía social donde cada uno se rascaba con sus propias uñas. Eso se cambió. No es que sea de un día para otro. Llega un punto que en Concepción, en el gremio de los Trabajadores de la Salud, plantean que el mejor reajuste es la Educación Gratuita, nada de sueldos, sino que educación gratis. Por lo mismo, si tú ves este paradigma social que cambia y te replantea cómo se benefician todos. Lo que se expresa en la calle es eso y por eso ves a tantas generaciones juntas. Rescato otra cosa: la clase política de este país está muy disociada de la gente y se ha encerrado en su burbuja. Hace años que la clase política viene en lo mismo, de pensar en maquillajes a lo ya existente y evitar las reformas estructurales.

Hay varios ejemplos en los que se puede denotar la desigualdad y la disociación entre políticos y ciudadanía, que me imagino puede desprestigiar a la política.

Pienso que la ciudadanía se está dando cuenta también de que los senadores, diputados, son meros muñecos de los poderes fácticos. Por eso, incluso diría que lo de los 2 millones del Senado es un chiste al lado de las platas que manejan las grandes fortunas y los grandes grupos económicos, quienes son también los que están en todo orden de cosas. Yo creo que las personas se están dando cuenta incluso que los políticos con cargos son un chiste. Las diferencias son, como dice Marcel Claude en el documental, entre el 5% más rico y el 5% más pobre de más de 400 veces en los ingresos. Entonces, en Chile se siente un nivel feroz de desigualdad. No somos pobres. Somos un país rico con pésima distribución del ingreso. Eso lo ve la ciudadanía, que ha tomado una conciencia de mayor nivel. Estamos en un proceso de reflexión como país para definir qué es lo que queremos. Lo que le ha faltado al movimiento, creo, es entender que lo que se pide es muy grande y se deben dar muchos pasos, más allá de lo que ya se han dado. Es un movimiento extraordinariamente fuerte en las demandas, pero le falta entender que la negociación con los que detentan el poder no llegará a nada.

Y tú justamente puedes tener una mirada desde afuera de todo este proceso.

Miro también con un afán de aprendizaje, por ejemplo, con el asambleísmo como forma de democracia. Nosotros venimos de una generación post-dictadura que no creía en eso, sino que en representantes que eligen por ti. Sin embargo, veo una cuota de inocencia en pensar que gente que trabajó 30 años en pos de este modelo, lo van a sacar de la noche a la mañana. No lo harán ellos. La única forma es que la misma ciudadanía establezca sus propias formas de movilización y de llegar al poder. El Gobierno no iba a hacer cambios con Lavín, Piñera, Bulnes, Beyer, Larroulet. Incluso si vas a la Concertación, los Aylwin también tienen sociedades en colegios. Varios políticos o afines a ellos son parte de los directorios de instituciones privadas de educación. Es muy difícil que ellos hagan los cambios que la educación necesita. En ese sentido, a este movimiento le faltó un arrojo que en verdad espero que lo logre. No encuentro descabellada la idea de la asamblea constituyente, considerando que es una forma de lograr cambios estructurales como los pide buena parte de la sociedad y no los cambios cosméticos que se han planteado. Y muchos piensan que va a quedar la cagada, pero yo creo que no y gran parte de la ciudadanía espera que alguien se la juegue. Hay una tremenda minoría que supo maniatar a una gran mayoría y dominarla, y vastos sectores no entienden bien lo que pasa en la sociedad. En el fondo, los Gobiernos creen en la economía de libre mercado, de educación de mercado, y puedes ejercer la oferta y demanda, las cuales pueden ser subsidiadas desde el Estado.

¿Y qué pasa con los otros movimientos? ¿Ayudan a la consecución de los objetivos de los estudiantes o no tienen relación con ellos?

Un mensaje muy potente fue “Todos Somos Aysén”. Ya no existe la idea de que Santiago es Chile y nada más. ¿Cuántos chilenos conocen Aysén? Muy pocos, y la mayoría no conoce nada y no tiene nada que ver con la vida del centro o norte del país. En el fondo te das cuenta que la ciudadanía no ve el problema en “su” jardín, sino que en “nuestro” jardín, sociedad, patio, donde estamos todos. La prensa, la política, no dan el ancho para hablar con la ciudadanía. Existe una cultura de síntesis absoluta que tiende al corte. Por ejemplo, el documental debió durar menos de lo que queríamos por la estructura de la industria, porque hay una tendencia al brief, al pasar superficialmente por los contenidos, sin dar espacio a la reflexión o al contexto, sin estudiar qué hay detrás de los hechos. Hoy puedes ver lo que quieras gracias a Internet. No debes estar sometido a los horarios de los canales, entonces esta televisión acotada que te secuestra y no te muestra las problemáticas, no debiera estar tan segura de ser lo predominante. Lo que pasó en Canal 13, que se atreven a revelarse, te marca un hito gigante y que tengan la solidaridad de los conductores del noticiero, y el canal lo borró de Youtube, pero al final educativamente estos son hechos muy potentes y marcan hitos. E incluso la gente en la casa ya no cree cuando los noticieros no muestran una marcha, porque lo ven al pasar, entonces sienten que hubo algo que no cuadra entre lo que muestran en la TV y en su propia realidad.

¿Ponerse de acuerdo con los matices es una dificultad para la izquierda que es más heterogénea que la derecha?

Encuentro espectacular cuando los movimientos no se estancan y hay alternancia como lo que pasó con Camila y Boric, porque indica que existe una sana competencia, no como pasa con los políticos tradicionales que se apernan en sus cargos y siempre estamos hablando de los mismos.

¿Y la igualdad de dónde sale como demanda?

Yo entiendo que, por ejemplo, el tema de la gratuidad no estaba instalado en el Confech, que hubo divergencias fuertes y eso lo planteamos, de que hubo dirigentes que en su momento se la jugaron, desde los secundarios y las universidades más precarizadas como la de Playa Ancha o la UTEM, y lo plantearon y supieron llevar la problemática. La impusieron porque tuvo resonancia en las grandes mayorías y los matices son buenos, pero lo que pasa es que hay que saber construir con ellos un camino que esperen las grandes mayorías. Pero eso hoy no se da como una vinculación entre el mundo social, entre obreros, estudiantes y profesores, entre otros. Los universitarios tienen mucho que aprender del mundo popular, y con un proceso así, con mayor razón, los diferentes matices congeniarán y permearán en la población.

¿Cuáles son los triunfos del movimiento social?

Lo principal que nos movió, fue que nos sentimos vivos de nuevo a través de la movilización como ciudadanos de a pié, que para nosotros fue hermoso ver esto y quisimos hacer un registro con cariño a los cabros que convocaron esto, pero también para entender que lo del año pasado sí fue un triunfo. No se acabó la estructura del sistema contra el que se protestaba, pero se instaló la noción de que lo que había era necesario cambiarlo, y requieres mucho tiempo para hacerlo. El primer paso fue el más difícil, que era volver a movilizar a la gente. Recordemos que la sociedad chilena fue desmovilizada por los gobiernos de la Concertación en su afán de transición, porque para mantener los privilegios de la dictadura, la Concertación desmovilizó a la gente con la vía de la política institucionalizada y de los acuerdos. Este país era un país “niño”, porque había muchas cosas que no te dejaban hacer y otras que aprendiste de a poco, como las tarjetas de crédito por ejemplo, y la sociedad comenzó a creer que el consumo era la vía a la libertad. Diez años después tuviste, por tanto, a una sociedad empobrecida y además desmovilizada. El proceso de La Primavera de Chile no fue de un momento para otro, porque fueron 10 años de reconstrucción de ese espíritu, y si no se hubiera logrado, eso sí que hubiera sido un fracaso.

¿Qué se puede esperar la gente del documental y quién crees tú que debe ver el documental?

Llamaría a todos los que estuvieron ahí porque fueron parte del documental, dado que una parte es la explicación de la instauración del modelo y después el documental pone como eje la cronología de los hechos, y es bueno revivir esos hitos. Intentamos retratar esto que parte con las movilizaciones de abril y luego vienen las tomas, los flashmobs, las marchas, entonces es el recorrido del movimiento. Y obvio que también llamaría a que lo vieran todos los que no formaron parte de esto. Lo más potente del documental es que en el fondo nosotros, de forma patuda, nos colgamos de la historia de estos muchachos, con una historia con su nudo dramático propio, y es increíble como va in crescendo, porque paso a paso más gente se suma. Este documental también devela lo que pasa en la sociedad chilena. Hicimos seguimiento a las asambleas y también seguimos a los dirigentes universitarios y secundarios.

¿Hay algún otro formato que tengan en mente?

Lamentablemente el cine chileno hizo que con su política de películas “cortas” tuviéramos que pensar en el DVD como una opción para mostrar el trabajo completo. Aunque la idea es que por lo menos tengamos el documental un par de meses en salas de cine. Vamos a asistir a muchos festivales, donde incluso en Berlín tuvimos un predebut bastante exitoso.

¿Qué más cambió en la forma de trabajar en algo tan complejo como un documental como “La Primavera de Chile”?

Podemos generar nuevas plataformas y nuevos contenidos, pero lo que pasa es que hay que socializarlos, y en la medida que trabajemos en eso, es que vamos a contribuir a la comunicación y luego le puedes disputar a los grandes medios de comunicación, que no mostraban el carnaval de la movilización e incluso mostraron denuncias de carabineros encapuchados, porque Internet acorrala a los canales, ya que los flujos de información van rapidísimo.

¿Qué se puede esperar de este año de movilización?

Más conciencia social. Ese fue el gran triunfo y es difícil que eso se pierda de un año para otro.

Por Manuel Toledo-Campos

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El tema encargado de abrir el álbum, es también el que le da su nombre, “Rise Of The Fenix”, el cual sorprende por su capacidad para cambiar constantemente de velocidad, pasando sin problemas desde una balada, a un ritmo mucho más rápido, y viceversa. La apuesta se mantiene alta con “Low Hanging Fruit”, que destaca por mantener una intensidad permanente y en donde Black demuestra su “constantemente subestimada” capacidad vocal. El tercer track, “Classical Teacher”, corresponde a un diálogo entre Kyle y Jack, en donde discuten la fórmula para convertirse en la mejor banda de mundo (inclusive haciendo un giño a los canadienses de Arcade Fire). Llega el turno de “Señorita”, que se mueve sobre una base española, a guitarras clásicas, trompetas, palmas y una que otra palabra en español, una muestra más de la diversidad musical de Tenacious D. La variación de ritmos vuelve a ser protagonista en “Deth Starr”, la cual comienza y termina con melodías lentas, pero que en el medio se desarrolla a gran velocidad. La primera mitad del disco termina con “Roadie”, un corte más cercano a lo melódico que a los sonidos más duros.

El tracklist continua con “Flutes And Trombones”, el segundo diálogo del álbum, en donde Jack y Kyle descubren que secretamente, durante la noche, van al estudio a practicar pistas de flauta y trombón. “The Ballad Of Hollywood Jack And The Rage Cage”, es sin lugar a dudas una de las mejores canciones de la placa, que destaca por la rabia y angustia que Jack logra imprimirle a la historia. Dando otra muestra de su capacidad para mutar de un estilo a otro, “Throwdown” ofrece una melodía que se acerca bastante al blues, pero que hacía al final se las arregla para pasar a un rock mucho más clásico. “Rock Is Dead” es casi una suerte de improvisación de un minuto y medio, en donde Kyle demuestra toda su destreza con la guitarra. Llega el turno de las dos canciones más cortas del disco, por un lado “They Fucked Our Asses”, que produce una profunda disonancia entre lo armónico de su música y lo poco consistente de su letra, y por otra parte “To Be The Best”, una canción potente, precisa y energética. Y el cierre del álbum no podía ser de mejor manera, con “39”, una hermosa canción de amor, que presenta algunos toques de música country, y que se lleva el premio a la balada del disco.

Un trabajo que destaca por la maduración musical que ha experimentado Tenacious D, y que en ningún caso lo aleja de ese estilo tan particular que lo caracteriza. Este álbum dejará gratamente sorprendidos a los seguidores de la banda, y a quienes los escuchen por primera vez, les despertará la curiosidad por conocer más de su música.

La Preventa para este show ya está agotada, pero aún quedan entradas a precio normal para adquirir. Se pueden comprar a través de sistema Puntoticket, a un valor de $19.000 (más cargo por servicio), o sin cargo directamente en Bar Rockaxis (Metro Manuel Montt) y tiendas Rock Music del Portal Lyon y Eurocentro.

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Cuando “Myth”, primer single del disco, comienza a sonar, entramos de inmediato en la hipnosis de un track que, con sólo un quiebre en medio de la canción donde el ritmo de la batería aumenta su intensidad, no nos muestra más que la nostalgia y los recuerdos, rematada por el sonido del teclado que concluye de repente, como cerrando una cajita de música. Y cerrando esos recuerdos.

Oposición perfecta con “Wild”, que nos lleva hacia el otro extremo, donde aún hay esperanzas; una canción que suena muy linda sin ser en extremo limpia. Uno de los mejores elementos que componen “Bloom”. Y siguiendo con esta tónica, en que la voz de Victoria parece ser la mejor inducción hipnótica, aparece el segundo sencillo del álbum, llamado “Lazuli”. Aquí, el teclado suena casi como de juguete y, combinado con los coros de Legrand, se transforma en una pieza melancólica que si bien mejora en su desenlace, al resto de la canción le hace falta esa profundidad que sentimos hacia el final.

Con estos primeros temas, ya es posible visualizar los distintos matices que componen este larga duración, un trabajo muy bien armado que, en su totalidad, gira sobre un mismo eje. En “Other People”, Victoria nos regala su voz más melodiosa y relajante; bajo la misma tónica de “The Hours”, en la que además pareciera decirnos que dejemos ir las imágenes y los recuerdos que tenemos; llama a despreocuparnos.

Las primeras notas del teclado en “Troublemaker”, de a poco, empiezan a desenmascarar a una de las mejores canciones del disco. Una sucesión de sonidos hermosos, provocados por la prolijidad de Alex, se entrelazan con los tonos angelicales de Legrand en un tema que es capaz de dejarnos distintas postales a lo largo de sus casi cinco minutos de duración. Si pudiésemos definir a “Bloom” con sólo una canción, esa sería “Troublemaker”.

“New Year” aumenta levemente sus revoluciones y podría estar hablándonos con la misma temática que “The Hours”: superemos las etapas, no volvamos atrás, olvidémonos de todo y sigamos viviendo. Otra muy bonita canción. Y con “Wishes” entramos en la recta final de “Bloom”, siendo una sucesión muy acorde a “New Year”, como momento cúlmine antes del quiebre que viene a continuación.

En “On The Sea”, el teclado nuevamente se alza con el papel estelar, con una melodía como sacada de una feria, en la que, a medida que la canción avanza, se le van agregando pequeños actores secundarios, como si fueran niños jugando, ganando osos de peluche o comiendo algodón de dulce, pero que de repente les llega la hora de irse, dejando la feria abandonada.

Y la última gran canción llega justo al cierre. Por momentos minimalista, por otros muy shoegaze, “Irene”, a medida que va creciendo, se va convirtiendo en un espectáculo mágico del que, lamentablemente, hay que despertar.

El dúo Legrand-Scally, con este trabajo, no interviene en nuevos sonidos, ni tampoco explora caminos distintos, sin embargo, maximizan sus posibilidades, transformando a su LP 2012, en el mejor de su carrera: hipnótico, atmosférico y lleno de imágenes. “Bloom” es un sueño. Un sueño creado por Beach House.

Trailer

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Adelanto 1

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Adelanto 2

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Adelanto 3

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Adelanto 4

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¿Cómo surgió la idea de “Sal”?

Siempre amé los western, y cuando conocí el desierto de Atacama, me sorprendí que nunca nadie hubiera hecho una película allí. Tenía la idea en la cabeza y una noche me senté a escribirla, a la mañana siguiente tenía toda la estructura principal del film, la misma que quedó en la película.

Tu trabajo audiovisual se ha visto muy relacionado con la música, sobre todo en tus inicios en Argentina. Supongo que este tópico es importante en “Sal”. ¿Cuéntame un poco de la banda sonora?

Trabajé más de diez años con los músicos más importantes de Argentina y de afuera también. Tengo muchísimos amigos, he estado en las grabaciones de más de cien discos, con Charly Garcia, Illia Kuriaky, Merecedes Sosa, Bee Gees, Enrique Iglesias, Gustavo Cerati, Spinetta, etcétera, y la música siempre fue importante en “Sal”, tuvimos muchas reuniones con Niko Torres antes de empezar a componer el material. Me encanta lo que hizo, trabajamos mucho juntos, encontrando el punto adecuado, y quedó increíble, un sonido crudo y potente.

Has presentado la película en varios festivales alrededor del mundo, ¿cómo ha sido el recibimiento? ¿Qué es lo que más ha destacado el público extranjero, a tu parecer?

Sí, pudimos mostrarla en numerosos festivales en EE.UU. y también en Europa. De hecho, ganamos un par de festivales, incluso ganamos “Mejor Western 2012”en Texas, lo cual es un gran honor. A todo el mundo le sorprende el desierto, las locaciones, la fotografía, la historia, y siempre destacan el hecho de que a alguien se le ocurriera hace run western en el fin del mundo.

El elenco se nutre de grandes actores chilenos, pero hay uno que llama mucho la atención, el español Fele Martínez (“Abre los Ojos”, “La Mala Educación”). ¿Cómo lograste tentarlo para protagonizar “Sal”? ¿Cómo es trabajar con él?

A Fele lo conocí antes, por otro proyecto que yo quería filmar, pero cuando escribí “Sal”, se lo envié y me respondió 3 días después diciéndome “¡Hagamos esta película ahora!”. Fele es súper profesional, muy entregado y prolijo; hizo un trabajo estupendo, de hecho, está nominado como Mejor Actor por su trabajo en “Sal” en el festival de Milán, compitiendo con actores de la talla de Orlando Bloom y Robert Duvall.

Aunque a simple vista no lo parezca, para filmar en el desierto se necesita un gran director de fotografía, y en “Sal” ese cargo lo ocupa David Bravo, director de fotografía de “Coronación” (2000) y “El Regalo” (2008), entre otras. ¿Qué tal es trabajar con él? ¿Logra dar con lo que te propones visualmente?

Sí, David Bravo es uno de los mejores directores de fotografía que conozco, era ideal para esta película. Antes de partir a rodar, nos juntamos varias veces, y yo le mostraba referencias de lo que quería y cómo veían determinadas escenas. Para el momento del rodaje ya estábamos completamente sincronizados, no había dudas de la estética que estábamos buscando.

¿Qué ha sido, hasta el momento, lo más difícil con “Sal”?

El rodaje en el norte, fue duro y muy sacrificado para todo el equipo, pero cuando uno ve las imágenes, sabe que valió la pena.

¿Cómo atraer a un público que tiene cada vez más asimilado que los personajes pueden ser ambiguos, a diferencia del western, que tiene una tendencia a remarcar a los bondadosos, los malvados, los pillos?

Eso que puede ser un contra, es para mí una ventaja. En tiempos de un cine nacional más de sensaciones, llega “Sal”, que cuenta una historia concreta, con personajes súper claros y definidos, una historia de aventura y suspenso.

Mucha gente te asocia con “Casado Con Hijos” o “La Colonia”, pero hubo una serie que marcó mucho en su tiempo, “Bienvenida Realidad”. ¿En qué estado crees que se encuentra esa área de la TV actualmente?

Creo que las series son el reflejo de su tiempo, “Bienvenida Realidad” quizás habló cosas que no se hablaban mucho en la televisión, pero ahora las teleseries han subido su tono y problemáticas, se tocan de una manera que hace ocho años era imposible. Siempre creo que hay que ir hasta el final con lo que uno cree, en esa serie nos metíamos con una problemática de los chicos que dejaban el colegio y entraban a la universidad. Con “Casado con Hijos” nos metíamos con la problemática familiar, ridiculizándola y llevándola al extremo, pero mucha gente se identificaba con eso. “La Colonia” para mi era la evolución lógica de las sitcom; muy criolla. En definitiva sólo hay que ser honesto con el tema.

Como dicen por ahí, “nada es original, todo está creado, la diferencia se da en cómo lo narras”. Esto es un elemento marcado en muchos directores, que reciclan y logran re-crear algo original. ¿Crees en esa máxima? Si es así, ¿crees que lograste dar con algo original?

No sé si creo en eso, porque no siento que partí de algo ya hecho para rehacerlo. Partí de cero, pero “sabiendo” todo lo que se ha hecho, hay una cantidad enorme de películas increíbles que me han marcado, pero sin dudas me interesaba mucho poder mostrar una nueva faceta de este género, una faceta moderna, actual, y por sobre todo, muy nuestra. Eso es “Sal”.

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Los británicos, que estuvieron presentes en la primera versión del festival Lollapalooza Chile, vuelven a nuestro país para interpretar sus más grandes clásicos. Además, en la cita se presentará el exponente nacional del reggae, Quique Neira, en el marco de su último trabajo, titulado “Alma”.

Las entradas ya las puedes adquirir a través de sistema Puntoticket, en tiendas Ripley y Cinemark. Si deseas evitar el cargo por servicio, puedes comprarlas directamente en Tiendas 7veinte (Alto Las Condes, MallSport y Plaza Vespucio).

Valores:

• Galería Preventa: $9.000
• Galería General: $12.000
• Cancha Preventa: $15.000
• Cancha General: $18.000
• Palco Preventa: $20.000
• Palco General: $25.000

*Valores no incluyen cargo por servicio.

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Esto nos hizo sospechar y fuimos directamente a la fuente, la productora Transistor. La respuesta fue tajante: esos carteles son absolutamente falsos.

Durante esas fechas, y para evitar rumores y trascendidos poco confiables como se han venido dando, les recomendamos visitar HumoNegro, medio oficial de Maquinaria Festival 2012 o directamente las publicaciones de la productora a cargo.

De hecho, todo daba igual, porque para muchos la emoción fue más fuerte. Y es allí donde notamos la fuerza que las buenas composiciones pueden demostrar.

Noel es mucho menos carismático que su hermano Liam, su voz difícilmente llega a tonos altos si no es por medio de esforzados falsetes, y utiliza una puesta en escena sencilla, entonces son las canciones las que tienen la fuerza, y en la noche de este domingo 13 de mayo eso fue lo que pasó.

Con una puntualidad al extremo –tan así, que partió dos minutos antes de las 21:00 hrs., hora de inicio del show-, sonó una versión remixeada de “If I Had A Gun” , conocida también como “Shoot A Hole Into The Sun”, y salió a escena Noel con su banda. De inmediato dieron un golpe a la quijada de los nostálgicos de Oasis con “(It’s Good) To Be Free”, lado B de la “banda más grande del mundo”, como alguna vez ellos, y varios más, llamaron.

Ya en esa primera canción se notaría una tónica refrescante: el público respondía con euforia, cariño, candor y energía, con lo que el esquivo Gallagher no dudaba en responder con miradas y sonrisas en medio de los potentes beats de “Mucky Fingers”, otra de Oasis, donde ya comenzaban a destacar los miembros de la banda, y en especial el organista/pianista Mike Rowe y el baterista Jeremy Stacey, ambos excepcionales en lo suyo.

Ya con el público medio noqueado con estos dos ganchos manchesterianos, Noel mostró el track inicial del disco “Noel Gallagher’s High Flying Birds” (2011), “Everybody’s On The Run”, donde el público mostró efervescencia, dejando en claro que no iban sólo por la nostalgia noventera.

“Dream On” y la romántica “If I Had A Gun…” del mismo disco, mostraban el in crescendo de un público que coreaba cada vez más fuerte, como en un karaoke, o como en el estadio del Manchester City, campeón algunas horas atrás, razón por la que abundaban las camisetas celestes y las bromas entre Noel y el público.

El lado B solista “The Good Rebel” vino después, intensa, con las guitarras un poco mejor, aunque la ecualización o el equilibrio no fue el mejor para destacar el trabajo de Tim Smith o del propio Noel.

Con “The Death Of You & Me” y su momentum exquisito, el karaoke volvió, aunque luego el público quedó un poco sorprendido con “Freaky Teeth”, aunque eso poco importaba cuando luego se quedaban solos Gallagher, Rowe y Stacey para hacer una versión acústica de “Supersonic”.

Luego un par de tracks más de su álbum solista: “(I Wanna Live In A Dream) With My Record Machine”, y, tal vez, la más débil del show, “AKA… What A Life”. Es que el track bailable de Noel perdió el groove de las guitarras en pos de destacar el piano, lo que fue apagando la energía de la canción poco a poco por la monotonía aparente que presentaba.

Nuevamente una canción de Oasis llegó al rescate, y “Talk Tonight” volvió a poner al público en bandeja. Esa obsesión de Noel con el disco “The Masterplan” de lados B, fechado en 1998, denota la importancia de las canciones por sobre lo conocidas que sean. Y la apuesta le resultó, porque pese a no ser singles, las canciones elegidas fueron tan coreadas como las nuevas.

“Soldier Boys And Jesus Freaks” y “AKA… Broken Arrow” pasaron luego, entretenidas, movidas, aunque poco relevantes, en especial cuando después vino “Half The World Away” de Oasis. O sea, del mismo Noel, que era el mastermind de la banda de Manchester.

El set fue cerrado con “(Stranded On) The Wrong Beach”, que dio paso a la pausa, donde la gente, de la nada, comenzó a corear “Live Forever”.

Noel devolvió las gentilezas con la que debe ser su mejor canción nueva, “Let The Lord Shine A Light On Me”, una canción tan reflexiva como dura, seca, antesala perfecta para sacudir la cabeza y enfrentarse a una tripleta de miedo para cerrar el teatro.

“Whatever” fue entregada con ternura y el público devoró el regalo vorazmente, y de vuelta armaba la fiesta karaoke con todo, con un rugido que se replicaría en “Little By Little”.

El gran final —era que no— fue con “Don’t Look Back In Anger”, donde el público se tomó los coros y Noel miraba con rostro de “ellos lo hacen bien”.

Oasis fue el comodín en el show, pero claramente no fue lo único que disfrutó el público, que se portó increíble, con energía a raudales. La gente recibió un show de alto vuelo con estos Pájaros de Alto Vuelo a los que refiere Noel en su nuevo proyecto, muy bien recibido por la gente. Y es que se puede tener un gran show sin recurrir a artificios cuando tu trabajo creativo tiene la suficiente calidad, sin necesidad de echar mano al ego sobreinflado que caracterizaba a ratos a Oasis. Y eso es lo bueno que tiene Noel Gallagher: la noción lógica y bien aprendida que en la música, lo más importante son las canciones.

Setlist:

1. Intro (remix de “If I Had A Gun…”)
2. (It’s Good) To Be Free
3. Mucky Fingers
4. Everybody’s On The Run
5. Dream On
6. If I Had A Gun…
7. The Good Rebel
8. The Death Of You And Me
9. Freaky Teeth
10. Supersonic
11. (I Wanna Live In A Dream) With My Record Machine
12. AKA… What A Life
13. Talk Tonight
14. Soldier Boys & Jesus Freaks
15. AKA… Broken Arrow
16. Half The World Away
17. (Stranded On) The Wrong Beach
18. Let The Lord Shine A Light On Me
19. Whatever
20. Little By Little
21. Don’t Look Back In Anger

Por Manuel Toledo-Campos

Fotos por Sebastián Rojas

¿Cómo participar? Muy sencillo.

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Ganadores:
Pablo Bustos
Carlos Marras
Vivian Valdivia
Pablo González
Daniela Salazar

Juan Francisco Espinoza
Anna Luisa MttHta
Millicent Moraga Martinez
Felipe Araneda del Canto
Pancho Henríquez

Las novedades vienen por parte de Unisonic, quienes brindarán un show de hora y media. Teniendo en cuenta que su única placa hasta el momento (“Unisonic”, 2012) no dura más de 55 minutos, se sospecha, muy fundadamente, que dará pie para interpretar algunos temas de Helloween. Hay que recordar que Michael Kiske (vocalista de Unisonic) y Kai Hansen (guitarrista), fueron la voz y primera guitarra de Helloween, respectivamente, en los principios de la banda, participando activamente en la elaboración de discos tan insignes como “Walls Of Jericho” (1985), ambas partes de “Keeper Of The Seven Keys” (1987 y 1988), “Pink Bubbles Go Ape” (1991) y “Chameleon” (1993). Habrá que estar atentos al setlist de hoy en Argentina (lugar donde comienzan la gira sudamericana) y ver si estas conclusiones son acertadas.

Las entradas para el show del martes 15 en La Batuta, tienen un valor de $20.000 y se pueden adquirir a través del sistema Ticketek (más cargo por servicio); sin este cargo en tiendas Rockmusic (Portal Lyon y Eurocentro) y para la gente de regiones, el proceso se hace vía el correo entradasunisonic@powermetal.cl.

Para el show del miércoles 16 en el Teatro Caupolicán, las entradas tiene un valor de $14.000 para Galería; $18.000 para Tribuna; $22.000 para Cancha y $30.000 Palco, y también se pueden adquirir a través de sistema Ticketek (más cargo por servicio) y sin cargo directamente en tiendas Rockmusic (Portal Lyon y Eurocentro), Giros Rock (Eurocentro), The Goat (Portal Lyon) y Black Box (Viña del Mar).

La canción encargada de abrir el disco es “Stranger”, una pieza que mezcla dos estilos, en su primera parte se mueve sobre sonidos suaves, con poca predominancia de la batería y de la guitarra, pero que en su segunda mitad explota con sonidos muchos potentes.  El segundo tema, “I’m A Mess”, es también el primer sencillo que se desprende de la placa, el cual fue estrenado de manera oficial en la final del Uuden Musiikin Kilpailu (Concurso de Música Nueva de Finlandia). Sin lugar a dudas, una de las mejores canciones del álbum y que describe a la perfección la línea musical que se busca plasmar en todo el disco. El tercer track es “It’s Your Night”, que mantiene la tendencia a los sonidos más melódicos y ritmos lentos, pero sin abandonar esos característicos quiebres donde se produce un incremento en el tempo de la canción. El tracklist continúa con la romántica “Save Me Once Again”, tema que baja completamente las revoluciones y que constituye la única balada del disco. La canción que cierra la primera parte del álbum es “Someone’s Gonna Light You Up”, que por su vitalidad y energía, perfectamente podría convertirse en otro de los singles del trabajo.

La segunda mitad de la placa comienza con “End Of The Story”, otra muestra de que el disco no destaca por su potencia, sino por melodías más cercanas al rock alternativo (con algunos rasgos de pop rock). La siguiente canción es “You Don’t See Me”, que apuesta por sonidos más rápidos y vigorosos, logrando matices bastante interesantes. “Somewhere” llama la atención desde un principio, al incorporar el acompañamiento de la guitarra acústica y sacar buenos dividendos del uso del sintetizador; uno de los puntos altos que se pueden encontrar en el álbum, que aporta en versatilidad y que rompe el esquema que había sido trazado por el resto de los temas. La penúltima canción del disco es “Friends Don’t Do Like That”, donde vuelven a tomar un papel protagónico los elementos más electrónicos, y en donde se nota la influencia de los sonidos más clásicos de The Rasmus. El cierre queda a cargo de “Sky”, que comienza con un estilo sinfónico, para mutar a melodías más rápidas y vivaces, y cuya fórmula se repite con éxito a lo largo de toda la canción.

A pesar de la mezcla de estilos y la constante variación de sonidos, todas las piezas del álbum parecen encajar a la perfección, ofreciendo una amplia gama de melodías que sin duda dejará satisfechos a los fanáticos de la banda y que llamará profundamente la atención de los que se encuentren con la música de The Rasmus por primera vez. Un disco fácilmente digerible, que se deja escuchar de principio a fin, sin dejar esa incomoda sensación de que existen canciones de relleno.

De este modo, en una de sus múltiples visitas y durante la polémica retirada de Langlois del directorio, Matthew conoce a los hermanos Isabella y Theo, dos jóvenes burgueses adictos al cine, que se encuentran unidos por una incestuosa y ambigua relación fraterna. A partir de entonces, estos tres personajes se verán involucrados en una curiosa y profunda amistad, que será definida a en torno a cuestionamientos políticos, analogías cinematográficas y la potente figura del deseo.

En efecto, a lo largo de toda la cinta, podemos distinguir cómo cada una de estas tres aristas va desarrollándose y tomando forma de manera intermitente en una u otra escena, siendo así posible hallarnos frente a tomas de corte revolucionario, como a algunas de tono erótico, u otras en que emergen fuertemente los recursos del metalenguaje fílmico. Esto último, por ejemplo, resulta de vital importancia en el desarrollo de la cinta, al emerger la misma desde sus inicios como una excusa a través de la cual se buscará, en gran medida, hablar de cine. La imagen de un fotograma de “Persona” (Ignmar Bergman, 1966) en medio de las pertenencias de Matthew, resulta entonces decidora, si consideramos que es dicha película uno de los emblemas del reflexivo ejercicio de evidenciar al cine dentro del mismo cine.

Dueña de citas a grandes clásicos de la historia del cine, tales como “Mouchette” (Robert Bresson, 1967), “Freaks” (Tod Browning, 1932) o “Scarface” (Howard Hawks, 1932), probablemente sea este aspecto el mayor fuerte que podemos encontrar en “The Dreamers”, especialmente en las escenas en que Bertolucci es capaz de intercalar sus propias tomas con extractos de los ya mencionados filmes, logrando con bastante naturalidad que dichos injertos parezcan también parte de su cinta. La escena del Loúvre, por ejemplo, resulta un fabuloso híbrido entre esta película con la obra original de 1964, “Bande À Part” de (el ya muy homenajeado por Bertolucci) Jean-Luc Godard.

Sin embargo, fuera de este atrevimiento de montaje, no se hace posible mencionar alguna otra arriesgada jugada visual del italiano en “The Dreamers”, la cual sólo destaca mayormente al poseer una imagen marcadamente saturada de rojos y verdes, pero que carece de un manejo de cámara más innovador que probablemente hubiese sumado puntos a la cinta. En ese sentido,  Bertolucci quizás decide no asumir aquí ningún tipo de riesgo estético, más allá del montaje, para dejar en claro que lo importante en “The Dreamers” es en sí el homenaje a estos realizadores pasados y no su posible novedad autoral.

Una película recomendada para cualquier amante del cine clásico que desee redescubrir a tan magníficos autores desde una mirada más actual, pero también para todo aquél que, sin conocer a los más grandes de la nouvelle vague y de toda aquella convulsionada época, esté dispuesto a adentrarse en el juvenil, sensual y soñador encanto de “The Dreamers”.

Por Macarena Bello

Vamos por parte. “Dr Dee”, dirigida por Rufus Norris, está basada en la vida de John Dee, un alquimista inglés del siglo XVI, quien fuera consultor de la Reina Isabel I, que recibió gran notoriedad por su participación en la investigación de la adivinación, magia y filosofía hermética. Y la interpretación de “Dr Dee” corrió por la Filarmónica de la BBC dirigida por André de Ridder. Toda la música fue compuesta por Damon Albarn.

Cabe destacar, que esta no es la primera incursión en estas lides de Damon Albarn, quien ya había probado suerte como compositor principal en la ópera “Monkey: Journey To The West”, y en la obra teatral “It Felt Like A Kiss”.

El disco abre con “The Golden Dawn”, una introducción de cuatro minutos, donde el viaje comienza con un paisaje sonoro campestre, al cual se van sumando diversos elementos musicales estridentes, para dar paso a una armonía más sutil. La forma de concretizar la idea del amanecer de la historia.

“Apple Carts”, vendría siendo el primer single de “Dr Dee”. Una canción que si bien no tiene componentes muy clásicos de la discografía en la que ha participado Albarn, sí posee una línea melódica más contemporánea y que no implica que sea de naturaleza clásica. Musicalmente, está más cercana al pop barroco que al estándar eléctrico. Damon Albarn, es un hombre que ha gastado rápidamente su voz a través de los años, y este tipo de canción pareciera adaptarse a su actual registro.

“Oh Spirit Animate Us” parte con una enérgica entrada de casi un minuto, de corte litúrgico, en donde se entrelazan piano y clavicordio, para dar paso a un melancólico Damon poseído por John Dee, en medio de una sacra línea vocal. Es en esta pieza que por primera vez aparece el canto lírico en su máximo apogeo. Una soprano que lleva a esta canción a adentrarnos en la historia que, por idioma o idiosincrasia, cuesta tomar cien por ciento en su significado puro.

“The Moon Exalted” es un apéndice de su predecesora. De corte purista, si se toma desde el punto de vista de la ópera. Los que en un comienzo pensaron que encontrarían un disco pop, llevados por el nombre y la portada del álbum, aquí se encontrarán a ratos con el fundamentalismo de la ópera europea, aunque en este caso sea quebrantada de golpe por la voz de Albarn en la segunda mitad de la canción, lo que la convierte en un extenso diálogo entre la Reina y el alquimista. El resultado es una pieza de casi seis minutos que tiene tres partes musicales.

“A Man Of England” tiene un oscuro comienzo, que nos traslada automáticamente a la oscuridad y humedad de Londres del siglo XVI. Una voz masculina barítono, narrativa y tétrica, que va jugando con la riqueza timbrística de las cuerdas frotadas. Contrabajo como base, violines en staccato y algunos elementos más ligados a la música concreta, crean un escenario perfecto para proseguir con la historia de un hombre inglés intrigado por la magia. Llama la atención el aire notorio en esos pequeños momentos de silencio, que bien podrían haber sido editados por el ingeniero, pero que en este caso le adhieren espacialidad al sonido, y hasta nos transportan a un lúgubre teatro.

“Saturn”, de un sonido un poco más pop, trae de vuelta a Albarn haciendo parte de lo mejor que sabe hacer: usar su voz de forma nostálgica. No por nada en su época brit pop, sus mejores logros fueron baladísticos. Y es así como juega con las armonías vocales, que en tiempos pasados trataba de esconder impostando su voz de distintas formas. Hoy no. Ya no parece malo tener una armonía a tres ó más voces y que todas sean reconociblemente de él. Musicalmente, la simpleza queda en manos de lo que pareciera ser un cromorno (instrumento renacentista), y un tímido clavicordio.

La primera gran entrega coral llega con “Coronation”. Una pieza totalmente sacra, de la cual emerge una voz grabada con un sonido lo-fi que habla del reino de Gran Bretaña. Sutil, minimalista y con una breve inclusión del arpa y el laúd.

“The Marvelous Dream”, al igual que “Appel Carts”, si fueran incluidas en un –esperamos- próximo disco de “The Good The Bad And The Queen” (2007), pasarían sin llamar la atención como piezas de ópera. Si bien, todo este disco es parte de una producción audiovisual, Albarn nunca ha dejado de ser la autodenominada pop person, y en medio de palmas y segundas voces, aparece una guitarra electroacústica que maximiza el sonido del traste y que sólo secunda la nostálgica voz.

“A Prayer” vuelve a traernos una pieza profundamente coral. Esta vez comandada por la misma voz barítono de “A Man Of England”. Una canción con inclusiones holísticas generadas por un sintetizador. Sutilmente, el antes y el ahora convergen.

Con “Edward Kelly” nos mantenemos en un estado permanentemente actoral. En este instante del disco, deja de ser un trabajo solista de Damon Albarn y pasa a ser realmente lo que es, el soundtrack de un teatro, que va dividiendo las piezas por momentos interpretativos de la historia de John Dee y la Reina. Donde nuevamente aparecen misteriosas voces lo-fi, y una orquesta que va en crescendo en cuanto a sonoridad.

Para la llegada de “Preparation”, nos encontramos por primera vez con un set rítmico, a cargo de su partner, el percusionista nigeriano Tony Allen. Sin duda algo nuevo para las ya once piezas del disco. Una entrega instrumental casi afro que va aumentando en intensidad; una isla sonora dentro que lo que ha congregado “Dr Dee”.

“9 Point Star” es una de las piezas más interesantes del disco, desde un punto de vista actual y sonoro. Albarn ocupa una faceta que bien podría haber ocupado en cualquiera de sus facetas musicales, incluyendo “Mali Music” (2002). Por muy teatral que resulte esta pieza, en un minuto y medio mezcla pop, world music y timbres más renacentistas. Y sí, es sólo un minuto y medio.

Pero de todas formas hay que volver a contar una historia de la forma más vocal posible, es por eso que, de vez en cuando, aparecen nuevamente las piezas más corales como “Temptation Comes In The Afternoon”, que son seguidas una vez más por los sonidos renacentistas del flautín, viola de gamba, caramillo, entre otros instrumentos.

Llegamos a “Watching The Fire That Waltzed Away”, una enérgica pieza que pareciera congregar todo lo que nos ha traído hasta el momento “Dr Dee”. Teatralidad, música coral, sonidos marcados por las cuerdas como el laúd, y los instrumentos de viento maderosos.

“Moon” es un interludio de exactos veintiocho segundos de guitarra casi juglar, que resulta una especie de puente para llegar a “Catedrals”, que con una recreación de los sonidos más eclesiásticos londinenses, seguida por la voz nostálgica de Albarn, intensa y a ratos casi desnuda. El flautín se convierte en la segunda voz perfecta dentro del intenso momento de Dee.

Casi llegando al final, nos encontramos con “Tree Of Life”, y nuevamente el coral sacro en su estado más puro. Esa sensación casi religiosa tenebrosa, secundada por una intensa grabación a baja fidelidad de un paisaje sonoro de campanas. Antecediendo al final de la historia.

Y todo termina con “The Dancing King”, y la culminación, con un Albarn que canta con el alma sobre el final de la tragedia de John Dee en base a sus creencias y la notoriedad que tuvo en el reinado británico, “la actual reina que parecer un fantasma”. Pensar que un disco de ópera debería llegar a su fin con un gran y explosivo gran finale musical, es casi un error aquí, donde los componentes vuelven a ser una guitarra y los sonidos de viento renacentistas. Y le da un final equivalente a su inicio, con el mismo paisaje sonoro de “The Golden Dawn”, un minuto y medio de viento, aves y agua. Bajan las cortinas.

Siendo realistas, “Dr Dee” es un disco que mezcla distintas vertientes musicales por conveniencia. El renacentismo más inspirado en la vida inglesa común, la música sacra y, por qué no decirlo, el pop. Damon Albarn como siempre no deja nada al azar, y sabe muy bien que su extensa fanaticada y los nuevos oyentes que podría interceptar en el camino, deben recibir a cambio un gancho un poco más pop, para dejar felices a todos. Pero para estos tiempos, no es sencillo vender un disco de ópera con etiqueta de pop, y el lenguaje universal –la música- pierde universalidad cuando se trata de una historia tan nacionalista. Podríamos tener la traducción exacta de cada palabra de la obra, pero después de todo, no somos ingleses y Albarn no ha perdido –sólo escondido a ratos- ese ímpetu por hacer de la música inglesa, un ritmo con códigos propios que sea entendido de distinta forma dentro y fuera de la isla.

Albarn es el titiritero más grande de la música, y hasta lo acusan de sobrevalorado, pero, ¿cómo no sobrevalorar a un tipo que un día hace afro-funk, al otro hip-hop, y a los días después ópera? ¿O será que se ha convertido en uno de sus propios personajes y sólo está ocupando todos los recursos que logró cosechar post 90’s?  Sólo sabemos que para un auditor promedio y no de una selección docta, quedará a su propio juicio la aceptación o rechazo de este disco, la última invención del mastermind.

Durante varios meses del convulsionado 2011, el equipo de El Faro Producciones registró los hitos del movimiento estudiantil, con lo que retrató el ambiente social en el país, lo que complementaron con entrevistas y testimonios de analistas, protagonistas de los hechos como la ex presidenta Fech, Camila Vallejo, o el líder de los secundarios de la ACES, Alfredo Vielma.

El documental tiene 110 minutos de duración y expone cuán relevante es para el quehacer político de un país el hecho de que los ciudadanos se expresen como disidentes en aspectos claves, como la educación o el desarrollo económico.

Si quieres ser uno de los invitados al estreno de este documental, debes estar atento a HumoNegro durante estos días. Si deseas saber más de esta histórica obra, puedes visitar el sitio Web de La Primavera de Chile, pinchando aquí. Por mientras, te dejamos un adelanto exclusivo.

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Duran Duran ya suma su cuarta visita a nuestro país. La primera, en 1993, es recordada por muchos como una de las presentaciones más pobres de la historia de la banda. Instante justo en el cual estaban promocionando su laureado “The Wedding Album” (1993). La segunda visita, fue en el marco del Festival de Viña del Mar, el año 2000, presentación que fue claramente lo mejor que se pudo ver en esa semana. Su tercera visita, harto más digna que la primera, fue el año 2008 en el Mosvistar Arena, con una presentación algo floja, y un sonido sobre exigido a ratos. Todo para promocionar aquel error discográfico conocido como “Red Carpet Massacre” (2007).

Esta vez, la visita llegó con “All You Need Is Now” (2010) bajo el brazo, un disco que, sinceramente, es lo mejor que Duran Duran ha sacado en mucho tiempo.

Aunque la espera debió haber terminado a las nueve en punto, en un Caupolicán absolutamente lleno, aquella puntualidad inglesa tardó en llegar veinte minutos, para que sobre el escenario aparecieran los históricos Simon Le Bon, John Taylor, Roger Taylor y Nick Rhodes, junto al newbie de la banda –que ya lleva seis años-, el guitarrista Dominic Brown.

Y el puntapié inicial se dio con “Before The Rain”, de su último disco. Bajo un escenario cuidado de luces discos, y un telón de donde emanaban imágenes del cine ruso militar en blanco y negro. Y aunque la canción no era para entusiasmar mucho a la audiencia, sí sirvió para el griterío inicial, los últimos detalles del audio de la sala, que en su mayor magnitud casi siempre fue correcto. De ahí en más, todo fue una lluvia de hits, partiendo por “Planet Earth. A esa altura, el sonido se agradecía con una limpieza y claridad. La voz de Le Bon  se escuchaba a la perfección por sobre la música, pero no robaba protagonismo al reconocible bajo de Taylor, que siempre se ha llevado los aplausos en la historia antigua y presente de la banda. Luego siguieron con “A View To A Kill”, donde en vivo, Brown se luce con las seis cuerdas.

En “All You Need Is Now”, de líneas más rockeras, y más actual que el pop vacilante de los 80’s, Le Bon demuestra que al paso de treinta años, su voz se mantiene en bastante buena forma, aunque la ayuda de Anna Ross, su eterna corista, es más que agradecida. Roger Taylor, pareciera no dar mayor trabajo a espaldas de sus otros compañeros; en vivo, resulta un tipo que hace muy bien su trabajo, sin precisamente destacarse como un agudo baterista.

Simon Le Bon bajó hasta la audiencia, y le pidió a un emocionado y joven fan, que lo ayudara a cantar el coro característico de uno de sus mayores éxitos; “The Reflex”. Canción que por lo demás tiene uno de los inicios más ejemplares de la época, con el bajo y la batería de los Taylor en completa sincronía. Un segundo álgido dentro de la historia pop de los miles que estaban ahí. Una vez más el uso de apoyo vocal pre grabado, pasó desapercibido entre la caldera de gritos y aquella delicia de bajo modulado.

Los 90’s volvieron con “Come Undone”, una balada que resultó una réplica de su original. Lo que podrían haber alterado de buena forma, pero que probablemente por no ser una canción que destaque instrumentalmente y sí lo sea por haberse convertido en un mensaje vocal, no fue finalmente necesario jugar un poco más con la sonoridad. Y por más austero que sea, “Come Undone” es de esas canciones que se agradecen porque sí.

“Safe”, sería la tercera canción “nueva” que presentarían, a diferencia de Sao Paulo donde se dedicaron a tocar más de su último disco. Y para los que no estaban muy enterados de las últimas jugadas de la banda, resultó ser absolutamente efectiva sobre el escenario; logró prender a más de algunos de los chicos de oficina presentes. Con Anna Ross como reina del micrófono, Roger Taylor apropiado de ritmos más setenteros y de una funky línea de bajo de John Taylor, por momentos, el dueño de la noche. Gente bailando, punto.

“Is There Something I Should Know?” llegó con imágenes que rápidamente hacían recordar a los alemanes de Kraftwerk. Y Brown, que a medida que avanzaba el show se movía más por el escenario y tocaba la guitarra con más soltura. Sea como sea, el tipo siempre será el outsider de la banda. Y también sería el momento para que hiciera aparición en escena el saxofonista Simon Willescroft, para ensalzar más aún el sonido.

Para finalizar con el repaso de su último disco, fue hora para “Girl Panic”, una canción que fue editada en 2010, pero que ciertamente tiene toda la pinta de haber sido escrita en la era del “Meddazaland” (1997). Sin ir más lejos, la pantalla gigante mostró imágenes del video, una parodia de la banda misma con top models de los 90’s, en sus cuarentas. Una canción enérgica en vivo, con Rhodes dando la nota alta una vez más, con esa facilidad que tiene para llenar un escenario que claramente no sólo se nutre de la voz y el bajo, aunque este último regaló uno de los mejores solos de la noche para este momento.

“Save A Prayer”, llegó para convertirse en uno de los momentos más altos del show. Una canción que ya tiene treinta años y que tiene la respuesta casi litúrgica de la audiencia. El momento justo para que Brown, se atreviera a avanzar en frente del resto y demostrar por qué fue elegido para reemplazar a Andy Taylor. El sólo es el mismo, pero la digitación e interpretación, varía según las manos. Y las de Brown parecieran estar más que bien. A ratos, el karaoke generalizado calla incluso los intentos de la banda por sonar claros y definidos, pero aquella frase “Don’t save a pray for me now, save it till the morning after”, pareciera ser más fuerte que cualquier otro sonido dentro del teatro. Y “Save A Prayer” fue otra más que no fue ni mínimamente tocada para convertirse en una versión en vivo, haciendo alusión a esa memorable frase “igual que el cd”.

“Notorious” debe ser uno de los mayores éxitos de Duran Duran, por eso fue extraño que se convirtiera en uno de los puntos bajos de la presentación. Con algunas milésimas de segundos por debajo de las revoluciones normales de la canción, se vio una interpretación lenta y algo desgastada.

Pero a un punto bajo, lo secundó otro de los grandes momentos. “White Lines”, del disco “Thank You” (1995), resultó absolutamente todo lo contrario que su predecesora. Con Le Bon rapeando con tal actitud sobre esta canción anti drogas. Brown fue una de las veces que más hizo sonar su guitarra en toda la noche, y aunque la voz se perdió en pequeños espacios, ante tal embate musical de los Taylor y de Rhodes, era imposible combatir. Energética, rockera, y por qué no decirlo, actual.

Antecedida por un pequeño discurso de Le Bon sobre las pérdidas sentimentales, llegó la reconocida “Ordinary World”, que sonó nostálgica y cercana, con el frontman en la guitarra acústica, y los arreglos de cuerdas sintetizados por Rhodes. El solo de guitarra desgarrador de Brown, acompañó un momento emotivo entre tanto baile y gritos de la audiencia.

Rápidamente volveríamos a 1982 con otro de los singles de “Rio”, “Hungry Like The Wolf”. John Taylor haría uso de su despliegue como bajista y eje principal de la noche. La batería de Roger Taylor fue seguida por las percusiones gatilladas de Rhodes. Clásico de proporciones. Y la única sobreviviente de “Astronaut” (2004), fue “Sunrise”, una canción que si bien tiene buena energía para ser tocada en vivo, no logró encender mucho a la fanaticada, que mayormente reconoce ese vacío de la primera década de 2000.

Para el final de la primera parte, llegó “Wild Boys”, con John Taylor una vez más haciendo un dueto lleno de testosterona junto a Le Bon. Una versión extendida de las capacidades musicales de Rhodes y Brown, que desemboca en un enlace con el cuasi one hit wonder de Frankie Goes To Hollywood, “Relax” de 1983. Enlace que ha hecho a lo largo de la última gira de la banda. Con esto se retirarían momentáneamente.

De vuelta en el escenario, Duran Duran atacaría con la versión más larga de la noche, con “Girls On Film”, que entre medio de los característicos sonidos de obturadores, llevarían a toda la banda en frente. Los principales, Brown, Ross y Willescroft para una presentación a tablero lleno. Y la introducción al público de uno por uno de los músicos. Luego Le Bon bajaría y haría que una fan lo presentara, imágenes que se podían ver directamente en la pantalla del escenario.

Lamentablemente, en la vuelta, algo falló en la mesa de audio de sala. El bajó perdió presencia, y la voz también se perdía entre un desorden sonoro. Luego se generó un desconcierto que duró los minutos que demoró en terminar la canción.

Y el gran final, esperado por todos, llegó con “Rio”, que el 10 de mayo cumple treinta años de su edición. Buena forma para terminar un concierto plagado de éxitos, y para celebrar el disco que definitivamente catapultó a los oriundos de Birmingham al estrellato. Aunque nuevamente no existió la claridad en el sonido que si hubo el resto de show.

El recital, fue un mar de nostalgia para tanto adolescente ochentero. Musicalmente estuvo más que correcto, pero cabe destacar, que no sería para nada lo mismo sin la inclusión del apoyo pre grabado. Duran Duran es una banda que llena espacios a modo multi-timbrístico, y recrear ese sonido en vivo sin el trabajo de Rhodes sería una batalla difícil de ganar. Taylor demuestra por qué su música siempre ha girado en torno a las cuatro cuerdas. Le Bon es cercano con su público y se entrega casi por completo.

Resulta casi difícil de explicar cómo una banda que lleva más de treinta años en esto, ha tenido una evolución en vivo en nuestro país, cuando por lo general, es al revés. Cada vez que vuelve Duran Duran, pareciera arreglar los errores de la visita anterior. Esto hace pensar que estos cincuentones poperos aún están en este negocio por algo más que sólo revisitar la nostalgia de un puñado de adultos adictos a los 80’s.

Setlist:

1. Before the Rain
2. Planet Earth
3. A View to a Kill
4. All You Need Is Now
5. The Reflex
6. Come Undone
7. Safe (In the Heat of the Moment)
8. Is There Something I Should Know?
9. Girl Panic!
10. Save a Prayer
11. Notorious
12. White Lines
13. Ordinary World
14. Hungry Like the Wolf
15. (Reach Up for the) Sunrise
16. Wild Boys / Relax (Frankie Goes to Hollywood)
17. Girls on Film
18. Rio

Por Pamela Cortés

Te dejamos “Held In Light”, un adelanto de la placa que verá la luz a través de Ipecac Records. (vía RCRDLBL)

La película comienza en plena guerra civil española, donde una función de circo es interrumpida por los militares, quienes reclutan a los trabajadores del lugar para luchar contra los rebeldes. Javier, hijo de uno de los payasos del circo, tiene que sufrir las penurias de la guerra, mientras su padre es prisionero de la milicia. Con el sueño de seguir el legado de su progenitor, Javier decide convertirse en payaso. El único problema es que él no hace reír a los niños, debido a que nunca pudo sentirse como uno, haciéndose llamar “El Payaso Triste”. En el circo conocerá a Natalia, practicante de tela y novia de “El Payaso Feliz”, con quien comenzará una sangrienta contienda por el corazón de la chica.

Muchos han querido entregar una serie de lecturas sobre el verdadero significado de la película. Desarrollada en plena dictadura franquista, los protagonistas vendrían a ser una metáfora de la España de aquellos años. No por nada uno de los personajes, durante la secuencia final, enuncia: “No somos nosotros, es este país que no tiene remedio”, en una de las cuantas alusiones a la situación que vivía España durante esa época. A decir verdad, estas interpretaciones pueden ser válidas en un análisis más acabado de la cinta, ya que lo que se nos entrega a primera vista dista mucho de la metáfora, que se supone, se esconde detrás de la trama.

El relato brilla por su exceso, en situaciones donde la verosimilitud de lo que estamos viendo, depende meramente del compromiso del espectador con la película. Es difícil entrar en el juego del director, cuando la trama avanza a ratos, sin una dirección concreta. Muchos podrán alegar que el estilo y estampa del español es sólo apreciable por unos pocos, pero la verdad es que, al terminar su visionado, este servidor sólo tuvo sentimientos encontrados.

Por una parte, la puesta en escena es magnífica. El trabajo de arte y cinematografía, se luce cuando toca retratar a la España de los años treinta. El diseño de los personajes y locaciones, son de lo mejor de la película. Las actuaciones también se mantienen en buen nivel; a pesar de que los personajes puedan resultar estereotípicos -o hasta caricaturizados-, cumplen. El gran problema está en la construcción de la trama. Una especie de sangrienta comedia romántica, donde dos hombres se harán pedazos – literalmente- por el amor de Natalia, quien cumple el rol de femme fatale. La trama se mueve por los celos, deseos y fantasías de los personajes, en un constante “quiero y no puedo”, que da como resultado un filme que nunca logra establecerse en un tono. Tampoco ayuda el hecho de que la empatía por el personaje principal, sea prácticamente nula, convirtiéndose en una suerte de “ángel vengador” sesgado por la venganza y la locura, sobre todo en el tramo final, donde la exageración de la propuesta llega a caer en el completo absurdo.

Álex de la Iglesia firma una película cuya máxima virtud reside en la libertad absoluta que se siente detrás de cada fotograma, que pueden gustar o no, pero definitivamente confirman que ésta es la película más personal del realizador. Si son capaces de entrar en su juego, y son aficionados al cine del español, disfrutarán “Balada Triste de Trompeta”, para todos los demás, se recomienda acercarse con cautela.

Por Sebastián Zumelzu

Clic para participar: Crítica The Avengers

Además, estarán presentes los polacos Decapitated, junto al thrash de los alemanes Exumer y la agrupación danesa Artillery. Las bandas nacionales presentes serán Kingdom Of Hate y Krudo.

Todos los músicos internacionales de este año en el festival, visitarán Chile por primera vez. Decapitated aprovechará de interpretar temas de su más reciente placa “Carnaval Is Forever” (2011); Exumer vendrá promocionando su primer disco en 24 años, titulado “Fire & Damnation” (2012); Artillery tocará los temas de “My Blood” (2011) y Apocalyptica dará rienda suelta a su variado setlist.

Las entradas ya se encuentran disponibles a través de sistema Ticketek (más cargo por servicio), y sin cargo, directamente en tiendas The Knife y Rock Music (Portal Lyon y Eurocentro). Los primeros 500 boletos tienen un precio de $18.000, llegado a esa cifra, el valor es de $25.000 (sólo hasta el 15 de mayo), y pasada esa fecha, el valor asciende a $30.000.

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El oriundo de Chicago, se consagró en la década de los 70’s, cuando llegó reemplazando en la armónica al recientemente desaparecido George “Mojo” Buford, en la banda de McKinley Morganfield, más conocido como Muddy Waters. Desde ese momento, Portnoy se codeó con los mejores elementos del blues, tales como el mencionado Eric Clapton, convirtiéndose en uno de los referentes mundiales de la armónica.

La cita musical será el miércoles 23 de mayo, a las 21 hrs., en el Multiespacio Ladrón de Bicicletas, ubicado en Dardignac 0163, Providencia. Las entradas ya pueden ser adquiridas a través del sistema Feriaticket, y tienen un precio de $36.300, valor que incluye el cargo por servicio.

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Concebida como un remake de la clásica, aunque no tan conocida, “Scarface” (1932) de Howard Hawks, la versión de De Palma nos introduce en la historia criminal de Tony Montana (Al Pacino), un refugiado cubano en Estados Unidos, a la espera de una oportunidad que lo conduzca a la cima del mafioso mundo en el que se desenvuelve. Por este motivo, cuando el negocio de la cocaína toque a su puerta, Montana no dudará en involucrarse en dicho ámbito para llevar a cabo sus ambiciosos planes, dentro de los que se incluirán no sólo la obtención de grandes sumas de dinero, sino que también el derrocamiento del actual jefe de la pandilla y la eventual conquista de la mujer del mismo.

De este modo, el ascenso al poder de Tony Montana será retratado por el director de manera vertiginosa, mostrándonos cómo él mismo pasará de ser un desconocido lavador de platos inmigrante, a constituirse como una de las figuras más respetadas de la escena del narcotráfico. En la misma línea, será posible ver cómo las ansias de poder de este criminal son tales, que su concepto del éxito se encontrará firmemente ligado a la idea de poseer el mundo, un deseo que quedará de manifiesto cuando, casi al comienzo del relato y en respuesta a la consulta de su amigo Manny, Tony no dudará en afirmar que lo que merece para sí, es nada menos que “el mundo, chico, y todo lo que hay en él”, en una aseveración que será el anuncio anticipado de todo el caos y la codicia que se vendrán. A partir de esto, la frase “The world is yours” será algo que rondará no sólo en la cabeza del protagonista, sino que también se establecerá de modo simbólico en la cinta, al presentársenos de manera explícita cuando el poder irrumpa definitivamente en la vida del cubano y al instaurarse, más adelante, como el texto permanente de una escultura de mal gusto que él mismo instalará en su mansión.

A partir de esto, si hay algo que podemos afirmar acerca de “Scarface”, es que sin duda se constituye a sí misma como una explosiva oda al exceso. Su metraje, de más de dos horas de duración y la actuación exagerada, pero certera, de Al Pacino, no hacen más que complementar a la perfección toda la profunda exaltación a la violencia que esta cinta encierra. El exagerado kitsch en su ornamentación y la misma decisión de ambientar la historia en un mundo envuelto en pieles felinas y sábanas de seda, en tanto, responde a la necesidad de construir y transmitir, también de manera exagerada y con cada escena, la vulgar y desmedida ambición presentada de parte de los involucrados en el relato, especialmente en la ansiosa figura de Montana.

Sin embargo, si hay algo que diferencia al personaje de Al Pacino en esta cinta, y que puede también justificar el éxito que el mismo actor ha tenido a nivel de cultura popular (por encima, incluso, de su caracterización de Michael Corleone en “El Padrino”), es el hecho de que se trata de la historia de un hombre común y corriente, alcanzando la gloria y el poder, elementos con los que ha soñado toda su vida. De este modo, independiente de que su meta esté relacionada de manera directa con el crimen, la empatía que genera Tony Montana en pantalla es capaz de trascender a su posible maldad, producto de la representación que en el público genera la humanidad presente en su interpretación y no, como en el caso de otras películas, producto del glamour gangsteril o la superioridad jerárquica de su personaje.

En cuanto al resto de los roles, podemos ver cómo el correspondiente a Frank López (Robert Loggia) funcionará, de manera antagónica, como la figura opuesta al ascenso de Tony al poder, siendo sólo posible el triunfo de este último una vez que el primero desaparezca de escena. El imaginario de la mujer como un objeto trofeo, en tanto, se desarrollará a la perfección en la representación que Michelle Pfeiffer hace de Elena, la caprichosa y rubia debilidad de Montana, que no dudará en cambiar de dueño cuando la fortuna le indique que es necesario. Por otra parte, los personajes de Manolo y Gina (interpretados respectivamente por Steven Bauer y Mary Elisabeth Mastrantonio), se constituirán como la evidencia de que existe un lado sensible en Tony, al ser ambos quienes él considerará parte central de su vida, sin saber que, eventualmente, serán esta pareja uno de los elementos decisivos del quiebre del universo Montana.

A nivel visual, la saturación existente en la imagen, es más que un reflejo de la época en que se encuentra ambientado este relato. Los colores chillones y el uso de palmeras caribeñas, tanto en trajes como en los mismos muros, marcan una estética característica de esta cinta, que se encuentra plenamente identificada con el Miami latinizado que actualmente solemos tener en mente, pero que también fomenta todo el exceso referido anteriormente. La musicalización de la historia y el uso evidenciador de la cámara, por otra parte, fomentan también la idea setentera y saturada sobre la cual se plantea esta historia, con una gran presencia de la onda discotequera y una serie de dramáticos acercamientos a los rostros de los protagonistas, en los que se denota el uso recurrente de un recurso prácticamente olvidado en la actualidad.

Narrativamente, será sin duda la impactante escena final el cierre perfecto para toda la potente estructuración de violencia vivida a lo largo de la historia, constituyéndose la misma como el último eslabón necesario para un cierre meritorio de tan clásico relato, con una secuencia que servirá de referente para directores como, por ejemplo, Tarantino, y que será citada en múltiples ocasiones de la cultura pop, por medio de la reconocida expresión “Say hello to my little friend”, su más famosa frase.

Hoy en día, pese a que bastante fuerza ha tomado el rumor de una posible tercera versión de esta histórica pieza para el próximo año, queda la permanente duda acerca de quién podría actualmente alcanzar la maestría demostrada aquí por Al Pacino, en el que fuera su más sólido y recordado personaje. La oportunidad de verlo a él mismo en dicho rol, llega entonces de la mano de este reestreno: una película imperdible, no sólo para quienes no han tenido aún la experiencia de su visionado, sino que también para todos aquellos que disfrutamos con la posibilidad de poder revisitarla y para aquél que considere que, una creación de esta talla, merece aún más ser vista en la gran pantalla.

Por Macarena Bello

El elenco, que también contiene a los confiables William H. Macy y John C. Reily, presenta a un grupo de personajes que a primera vista no tienen mayor relación entre ellos, pero resultan tener más en común de lo que se puede pensar inicialmente. Nos vemos inmersos en las distintas historias de las que cada uno es protagonista, y observamos cómo estas se enlazan de distintas maneras y tocan temas en común.

Porque “Magnolia” trata acerca de lo conectados que estamos entre nosotros, a veces sin saberlo. Es así como podemos observar similitudes entre un anciano en su lecho de muerte, un niño que participa en un programa de televisión, una mujer desesperada lidiando con sentimientos de culpa, una joven adicta que no sabe cómo empezar a poner su vida en orden y un solitario hombre estancado emocionalmente que vive de recuerdos del pasado.

Por la forma en que está construida, la trama sigue a los distintos personajes sin permanecer más de un número reducido de minutos con uno, antes de pasar al siguiente. Esto nos da un sentido de simultaneidad y realismo muy cercano a lo que podemos apreciar en la vida cotidiana. Todas estas historias, con sus distintos grados de relevancia, están sucediendo al mismo tiempo. Al igual que en la vida misma, todo se desarrolla en un espacio de tiempo coincidente, y un acontecimiento no va a dejar de suceder sólo porque otro más relevante se esté llevando a cabo en otro lugar.

Anderson, con sus invasivos acercamientos de cámara, planos secuencia y seguimiento continuo de los personajes, busca que la cámara pocas veces esté estática, lo que provoca esta sensación de actividad imparable en la pantalla y evita que el espectador tenga un momento para distraerse. Es más, el ritmo que genera este constante movimiento, es crucial para mantener la trama activa y previene que la duración de la película –más de tres horas- se sienta tan agotadora.

Pero tantos detalles técnicos no tendrían mayor relevancia si no estuvieran en función de una historia digna de contarse, y “Magnolia” tiene en su centro varias de ellas. La cinta especula sobre las conexiones humanas, las coincidencias, el destino, el azar, e indaga en el sentido de la muerte, la soledad y la redención, así como también en la forma en que estos temas pueden provocar cambios significativos en nuestras vidas.

Así como toca temas tan amplios e intangibles, la película también muestra un lado íntimo, representado en la interioridad de los personajes. Los sentimientos que a ellos acongojan a lo largo de las pocas horas de su vida que muestra la película y, especialmente, las formas en que deciden reaccionar ante ellos, logran ser tan universales como los temas más grandilocuentes que la película se atreve a abarcar. Definitivamente, una de las grandes fortalezas de “Magnolia”, es esta capacidad de sentirse universal en un determinado momento, e íntima y personal al siguiente.

Es así como, a pesar de no habernos visto en esos casos particulares, es posible empatizar e identificarse con el resentimiento de un niño hacia su padre, con la culpabilidad que siente una esposa infiel, con la debilidad de una mujer joven que cae en vicios para llenar un vacío y de la patética y excesiva benevolencia de la que peca un policía.

Vemos a este grupo de histriónicos personajes que se encuentran al borde de un colapso nervioso verse enfrentados a situaciones límite. La película los muestra en sus momentos más fuertes y más vulnerables, tratando de crear conexiones y buscando redimirse de alguna forma, ya sea admitiendo culpa de errores pasados, confesando su necesidad de afecto o buscando ser tomados en serio. La situación a la que llegan los personajes es propulsada por un acontecimiento drástico que produce un quiebre hacia el final de la película.

Y es que no se puede dejar de mencionar ese incidente que altera la trama de forma dramática. El hecho –si han visto la película, saben de lo que estoy hablando- no es gratuito. Sirve como forma de agnición para despertar a los personajes del ensimismamiento en que están sumidos. El giro –si es que se le puede llamar así, porque también desafía esa categorización- es sin duda uno de los más inesperados del cine del último tiempo y difícilmente podría ser predicho. Pero ésa es la gracia de “Magnolia”, que nos dice que lo inesperado no sólo puede suceder, sino que sucede.

Anderson ha sido citado diciendo “para bien o para mal, ‘Magnolia’ es la mejor película que jamás haré”. Eso no es decir poco, considerando la rica filmografía que el director tiene a su haber a pesar de su corta edad (“Sydney”, 1996; “Boogie Nights”, 1997; “Punch-Drunk Love”, 2002; “There Will Be Blood”, 2007). Sea o no la mejor de sus cintas, “Magnolia” es un testamento del talento de un realizador valiente que se atreve a ser original, y que lo posiciona como uno de los directores contemporáneos más importantes y talentosos que tenemos.

Por Ignacio Goldaracena

El tema encargado de abrir el álbum es “Teenager In Love”, original de Dion And The Belmonts (1959), y que ya había sido lanzado como parte de un lado B de la placa “By The Way” (2002). La principal virtud de esta versión, es la frescura que los RHCP logran imprimirle, lo que acompañado de una melodía bastante alegre y pegajosa, lo convierten en un verdadero acierto. El segundo track es el cover de la canción “Havana Affair”, que pertenece al disco debut de The Ramones (1976), y que ya había sido editado en el álbum “We’re A Happy Family: A Tribute To The Ramones” (2003). Esta es sin duda la mejor versión que encontraremos en el EP, ya que al quitarle velocidad, en contraste con el tema original, se logra un sonido mucho más armónico y por consecuencia más grato al oído. El último de los temas de estudio es “Search And Destroy” de The Stooges, que aparece en su tercer álbum de estudio (1973). Esta versión ya había sido editada como lado B de los singles “Give It Away” y “Under The Bridge” del “Blood Sugar Sex Magik” (1991), y es uno de los puntos más bajos de esta entrega, debido a sus pocas variaciones respecto a la canción original, cayendo en una suerte de karaoke con un poco más de guitarras.

El primero de los registros en vivo, es del tema “Everybody Knows This Is Nowhere”, de Neil Young, el cual le da nombre a su segundo trabajo de estudio (1969). Esta versión fue grabada durante la gira de promoción del álbum “I’m with You” (2011 – 2012), y al igual que el tema anterior carece de originalidad, sólo aportando con un sonido más potente y definido. La segunda versión en directo, corre por cuenta de la canción “I Get Around” perteneciente a la sexta placa de los míticos The Beach Boys (1964), y que los RHCP interpretaron en 2005 durante un concierto en homenaje a Brian Wilson. Otro de los puntos modestos de este EP, en donde los californianos se quedan cortos en su intento por dar nueva vida a este clásico playero. El último track del trabajo corresponde al cover de la canción “Suffragette City” de David Bowie, que aparece en álbum conceptual “The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars” (1972). Esta canción había sido editada como Lado B del single “Aeroplane” (1996) y cuenta con la participación de Dave Navarro en guitarra. Otra versión que pasa sin pena ni gloria, quedando muy por debajo de lo logrado por el Duque Blanco 24 años antes.

Siempre he sido un convencido de la enorme responsabilidad que involucra el tratar de versionar una canción que ya tiene un lugar ganado en la historia del rock, y es en este contexto que el trabajo de RHCP resulta ser bastante modesto (salvo un par de excepciones), quizás dejando entrever que el objetivo principal de este EP no es superar a las versiones originales, sino dar una muestra de la versatilidad de la banda, que les permite moverse libremente por diferentes estilos, sin perder su propia identidad. Sin lugar a dudas no estamos en presencia de una pieza fundamental dentro de la discografía de los californianos, pero sí es un material que no debe faltar dentro de la colección de todo fanático.

El comienzo es directo, y bastante amigable, con dos temas que dan preponderancia a las bases electrónicas y a esa sensación de estar escuchando un tema fabricado para la radio. “Hey, Cruel World…” y “No Reflection”, son Marilyn Manson, con todos sus ingredientes tradicionales, pero suavizados y gancheros. “Pistol Whipped”, es un tema que perfectamente calzaría en una noche discotequera. Afortunadamente, para todos los que estaban esperando a un Manson más visceral, llega “Overneath The Path Of Misery”, un tema más pesado, cuya simple base rítmica da espacio para que las guitarras hagan lo suyo, en una canción que contiene todos los tópicos de las letras del norteamericano.

“Slo-Mo-Tion”, tiene todo el groove de canciones como “The Dope Show” o “The Nobodies”, y el bajo y batería llevan el ritmo de la rockera “The Gardener”. “Born Villain” es un disco bastante oreja, siguiendo la línea que sentaron los discos “Eat Me, Drink Me” (2007), y “The High End Of Low” (2009). Pero a pesar de alejarse del sonido que esos dos discos trataron de imponer, todavía existen reminiscencias de ellos en temas como “The Flowers Of Evil”.

La influencia de Trent Reznor queda patente en “Children Of Cain”, canción que perfectamente podría pertenecer al catálogo de NIN. A decir verdad, no hay mucha variedad musical en este regreso. Casi todos los temas se sostienen en una base electrónica, donde la voz de Manson es la protagonista, y que a pesar de sonar más cercanos a su estampa, pecan de ser muy largos y monótonos, siendo “Disengaged” una prueba de ello.

Las guitarras vuelven a ser protagonistas en “Lay Down Your Goddamn Arms”, para un tema ganchero, pero que no representa nada nuevo en la carrera de Manson. “Murderers Are Getting Prettier Every Day”, viene a romper el letargo, con un tema muy poderoso, donde la voz de Manson, por fin pone a prueba sus cuerdas vocales, y el ritmo hiperkinético de la batería, dan forma al tema más extremo de la placa.

“Born Villain” (la canción), tiene un aire al Depeche Mode de los últimos años, que no se lo saca nadie, en otro tema que parte interesante, pero peca de repetitivo. Lo peor del disco, llega para el final con “Breaking The Same Old Ground” y “You’re So Vain”, sobre todo en la última, repitiendo todos los errores que hicieron que sus últimos dos discos pasaran sin pena ni gloria.

Un álbum sólo para fanáticos, que agradecerán el volver a escuchar el sonido característico de la banda, pero no encontrarán nada nuevo bajo el sol. “Born Villain”, es sólo otro disco más en la carrera del americano.

Ahora, hay que argumentar esto, y la verdad, no es muy complicado. Desde la hermosura de la intro (“Huh?”) hasta el épico y tierno final de “So Long You Pretty Thing”, el séptimo disco de la banda, “Sweet Heart, Sweet Light”, es una muestra de belleza, emoción, arrojo y vida en múltiples dimensiones.

Y esto sorprende cuando pensamos que Jason Pierce –también conocido como J Spaceman-, compositor y productor del álbum, estaba medicado con un cóctel de pastillas para controlar sus adicciones a las drogas y el alcohol. Por eso el Huh? de la intro y la portada del disco, casi como un cartel de advertencia del estado anímico de quién armó la placa.

No hay que desconocer que Spiritualized cae en los mismos clichés de siempre: religión, redención, dolor, espiritualidad. La diferencia, es que suenan más iluminados y creíbles que nunca en los 2000.

La influencia de sonidos armónicos se nota. En entrevistas, Pierce atribuyó a los Beach Boys gran parte de la frescura del álbum y eso sí que es cierto. Pero también hay referencias a la psicodelia Beatles (el inicio de “Get What You Deserve” es “Within Without You” cien por ciento), o al blues R&B (“I Am What I Am”) o hasta tristes canciones de cuentos de hadas (“Too Late”).

Claro que hay tantos experimentos en “Sweet Heart, Sweet Light”, que escucharlo de una vez resulta desgastante, dada la montaña rusa de emociones a la que se somete al oyente.

Desde la aplanadora tosca al estilo Velvet Underground de “Headin’ For The Top Now” hasta el fallido country emo de “Freedom”, y volviendo al groove de “I Am What I Am”, para llegar al lamento de “Mary”, la maravillosa belleza de la tristeza de “Life Is A Problem”, para cerrar con la épica construcción de “So Long You Pretty Thing”. Y eso que nos saltamos los 5 primeros tracks. Todo un viaje emocional, ¿no?

El adelanto del disco fue con una canción tosca, ágil y llena de armonías como “Hey Jane”, que además tiene un video de antología. Y fue un buen aperitivo porque denota que, pese a los clichés de Jason Pierce, el producto tiene un momentum digno de las grandes composiciones.

Más que la coherencia del álbum completo, aquí hay 3 años de trabajo que se nota que fueron tortuosos y donde se refleja cuán genuino es Pierce, lo que permea al trabajo de Spiritualized. Porque al final de todo, “Sweet Heart, Sweet Light” es un puñado de música puesta al servicio de la emoción, en todas sus extensiones, y eso hace que de inmediato esa frescura del “Ladies And Gentleman We Are Floating In Space” vuelva y nos haga flotar, otra vez. De lo mejor del año, sin dudas.

Quizás en algún momento le intimidó mostrarse, pero al escuchar el resultado, por primera vez caratulado con su nombre artístico, se agradece la transparencia y la riqueza de experiencias auditivas desplegadas con una multiplicidad de matices. Esto porque ya no se escuda en estar en un querible monstruo de dos cabezas (White Stripes), estar en la batería dejando que Alison Mosshart tome el micrófono (Dead Weather) o que Brendan Benson tome las riendas compositivas –en parte- (The Raconteurs). Ahora no escatima recursos en mostrarse, tímido, pero al mismo tiempo multifocal.

En presentaciones en vivo tiene dos bandas, una conformada por hombres y otra por mujeres. Este diálogo con los matices, debe ser lo más rico de “Blunderbuss”, que se refleja de forma brutal en el single “Love Interruption” o el track inicial, “Missing Pieces”.

Es que ya no es post punk, revisionismo, blues o jazz, sino que es todo eso e incluso más: nuevas influencias quedan de manifiesto, como el hip-hop en la imperdible “Freedom At 21” o el pop de los 50’s en el final del LP, con “Take Me With You When You Go”.

También, obviamente, hay un mayor nexo con la raíz folk country, con el hermoso track que le da el nombre al disco, “Blunderbuss”.

Es que el viaje sonoro que hace White en este álbum está lleno de referencias, pero he aquí la más sorprendente: el mayor referente vocal de Jack, se nota con más fuerza que nunca, y no es otro que Mick Jagger. El sonsonete, los fraseos, el uso de los pianos dulzones, pero bien bluseros como acompañamiento, el desparpajo en todos los tonos posibles, todo grita Jagger.

Pero no todo es la referencia y la influencia de otros. En “Blunderbuss” hay mucho de White, y para notarlo basta escuchar las letras, con invitaciones a dañar y ser dañado, juegos de palabras, juegos sensuales, juegos sonoros para oírse menos severo o quedarse en el relato coral, como en la notable “I Guess I Should Go To Sleep”, con un meneo que recuerda al “Elephant” de los White Stripes (2003).

White entiende como pocos el valor de la diferencia y la verdad puesta a disposición de la música. Muchos dirán que es más de lo mismo, u otros que le falta rock. Nada de eso es cierto, porque lo que hace Jack es, desde la música del pasado, proyectar la música de esta era, llena de mezclas apropiadas y genuinas. Es que White esperó para mostrarse con el alma al aire, pero cuando lo hizo no dejó espacio a dudas. De lo mejor del año, sin vacilaciones ni escondites.

Graham Coxon, va por otro lado. Primero se desesperó del brit pop, luego se hundió en las melodías folk, para llegar a una constante de pop rock maduro. Quizás es por esto que nadie se esperaba que “A+E” fuera completamente lo contrario a todo lo que ha hecho. Algo que va en contraposición con su “carnet” y con su historia de vida, un disco post adolescente de sonido garage, que bien podría acompañar en laureles a un “Slanted And Echanted” (1992) de Pavement.

El disco abre específicamente con ese tipo de arreglo poco pulcro de comienzo de los 90’s, en “Advice”. Un riff que usa un par de segundos, y un Coxon que cuenta lo aburrido de la vida en giras, haciendo gala de su ya conocido inconformismo con la vida en carretera.

“City Hall”, una magnética y repetitiva canción con aires post punk. Una caja que intencionalmente suena seca y sin cuerpo, va marcando el paso junto con un incombustible y recatado riff, mientras Coxon juega de diversas formas con las seis cuerdas, sucias y casi sintetizadas. Un cuasi-canon-noise.

En el primer single de este disco, “What’ll It Take”, Coxon hace de unos cuantos sonidos electropop una fiesta inalcanzable de viejos sonidos de programas de astronomía de los 80’s. Y obviamente su vieja Telecaster va tomando mayor protagonismo. El video, fue un hecho a partir de un viral, llamando a sus fans en todo el mundo a grabar una serie de pasos de baile. El resultado es un collage de personas bailando al tiempo que Coxon una vez más se pregunta “¿Qué está mal conmigo?”

“Meet And Drink And Pollinate”, es uno de los experimentos más raros del disco, con voces alteradas que recuerdan al joven Morrissey gritando “big mouth!”. En varios momentos del disco, se juega con elementos disonantes, notas disminuidas para lograr su aún más anhelada suciedad. Y “sin querer queriendo” nos remolcan al disco “13” de Blur y su trashy Bugman.

Graham Coxon lleva probablemente unos quince años escribiendo sobre el amor. Tanto así, que uno de sus temas recurrentes en algunas de sus canciones era el matrimonio. Y ahora, con canciones como “The Truth”  ha decidido decirle adiós al amor, retorciendo sus letras y declarándole la guerra a aquellos entrañables sentimientos. Y no pasa en vano con un bajo ruidoso y saturado, nuevamente la disonancia y los solos espeluznantes de la guitarra. ¿El resultado? Casi se siente como si nos diera la corriente.

“Seven Naked Valleys”, pasa a ser un apéndice de “The Truth”, enlazada con una guitarra limpia, pero otra vez distorsiona todo de nuevo, incluso unas trompetas con sordina que suenan sin parar. Coxon se enrabia con el mundo y en estos momentos puede tratar a alguien de loca y débil. Mientras una tenue voz femenina aparece por ahí.

En algún momento debía salir una amalgama entre dos de los próceres del noise. Y eso sucede con “Running For Your Life”, que en las guitarras trae de vuelta a Moore y Ranaldo de Sonic Youth, y que en voces recuerda a Malkmus de Pavement. Guitarras afiladas, bajo saturado, coros a gritos en todos direcciones, como si realmente nos tuviéramos que salvar de algo.

“Bah Singer”, pareciera ser una especie de indirecta a Damon Albarn, acusando a un cantante, que con sus mejores zapatos va a herir a muchas personas. El problema, es que por enérgica y sólida que suena la desesperación instrumental en este punto del disco, se siente constante, y a ratos falta un respiro. Imposible no extrañar en estas situaciones al Coxon de “In The Morning”.

Cerca del final, llega “Knife In The Cast”, y al fin el momento justo para un respiro de proporciones.  La lejanía de su voz, los sonidos concretos aleatorios, respiran esa complejidad que rememoran a John Cage tantas décadas atrás. Una batería potente en interpretación, pero tan lejana como su voz. Y la electricidad de una guitarra principal que es ya la firma de Coxon. Otro golpe de corriente.

Para el cierre llega “Ooh, Yeh Yeh”, que se ha convertido en el segundo single de Coxon. Aquí prueba con algo un poco más folk, más norteamericano, y que tiene un interesante juego de panoramización entre los componentes. No se escapa al sonido sucio que Coxon ha alcanzado, y seguramente cuando Jack White la escuche, va a querer conocerlo.

A+E logró lo que ni Gallagher, Greenwood o Moore lograron, darle un segundo respiro totalmente veinteañero –como solista- a alguien que ya se empina por sobre las cuatro décadas. Graham Coxon tiene la capacidad de dejar las letras que llaman a asentarse y ser un hombre de bien, y reconsidera el mundo con liviandad, sin ataduras y con oscuridad. El único problema, es que tanto noise hace que se pierda el norte del plan de Coxon dependiendo el auditor, y para los que venían acostumbrándose a una evolución madura, extrañarán las melodías más rosadas. Pero los que también estén dispuestos a oír una buena guitarra con distorsión, no perderán el tiempo con “A+E”. Graham Coxon es de los buenos, y si hizo este disco, es porque tuvo las ganas y las herramientas para llegar a un sonido sucio que a su edad es tan esquivo. El sonido de este chico tímido que no envejece.

Y mucho de eso se vio la noche del jueves 3 de mayo en el Teatro Caupolicán, lleno en un 85% -cancha completa, dos tercios de las plateas ocupadas-, donde bajo el nombre Electric Circus, se aglutinaron varias propuestas electrónicas, teniendo a Justice como cabezas de cartel.

El show de los franceses no fue una sorpresa. El setlist es prácticamente el mismo con el que están girando alrededor del mundo y extrae los éxitos de sus dos trabajos de estudio, además de incluir ese remix de Simian, “We Are Your Friends”.

El 2009, en pleno apogeo de su debut y tras el reconocimiento global, Justice llegó a hacer un DJ set olvidable en el Movistar Arena, por lo que esta fue su primera vez con su propio repertorio en escena, y si es que había alguna deuda pendiente, esta quedó saldada y con intereses.

Muchos odian “Audio, Video, Disco”, pero lo cierto es que muchos de los sonidos de este LP alimentaron de forma eficiente los hits de “†”, enriqueciéndolos y dando un buen soporte para estos.

Tras una intro breve, sonó “Genesis”, canción que inevitablemente debe abrir cada presentación del dúo, porque parece haber nacido para ello, seguida de la enérgica “Helix” y la potente “Phantom pt. I”.

Algo que se repetiría durante los 85 minutos que duró el show, es que mientras sonaba un tema, otro se deslizaba mediante el sampleo de este, como “Civilization” durante “Genesis” o “Let There Be Light” durante “Phantom pt. I”. Incluso algunos extractos ganarían su propio espacio, como “New Jack”, que vino después de ese single indomable que es “Civilization”.

La parafernalia de luces, las torres de amplificadores Marshall que se iluminan a cada lado de la famosa cruz luminosa, todo eso protege a Gaspard Augé y Xavier de Rosnay. Claro, los protege, porque en una propuesta que elige shockear y extremar recursos a través de la estridencia y la grandilocuencia, exponerse es un riesgo. Ya lo mostraba el documental “A Cross The Universe” de 2008, donde ellos caían en el estilo de “sex, drugs & rock ‘n roll”, pero al mismo tiempo pujaban por tener un poco de tiempo de tranquilidad en medio del vértigo de una gira intensa.

Aunque en la electrónica la mayoría de los artistas efectivamente se escondan, esto se nota aún más en Justice, dado que su doctrina tendiente al choque, hace que los únicos momentos de apertura sean precisamente para momentos análogos, calmos y cercanos, como el inicio de “D.A.N.C.E.” o en gran parte de “On’n’on”, donde cada uno se sentó a tocar el teclado.

“Canon”, “New Lands” o la sorprendentemente bien hecha “Horsepower” son instantes propios que denotan que los samples más cercanos al rock clásico sí pueden ser exitosos, claro que con mayores cantidades e intensidades en los beats que en sus versiones de estudio.

Por el contrario, “D.A.N.C.E.” y “Stress” logran transmitir la misma aura que en el álbum debut, pero multiplicada varias veces. El temor que se siente con las alarmas de “Stress” o la motivación subyacente al coro ingenuo de “D.A.N.C.E.”, son cosas que no sólo se componen, sino que también brotan naturalmente y que generan reacciones en la gente. Por esto hay dos alternativas para que el de Justice en Electric Circus no haya sido un concierto perfecto del estilo. Uno, que el público no participó y no formó parte de la experiencia necesaria para convertir a una presentación en algo memorable. Segunda vía, que las sensaciones que el show de los franceses le transmite a la gente son tales, que el shock es algo inevitable y transforma a un espectáculo en una mera contemplación de los hechos.

Luego de “Stress” vino la épica “Waters Of Nazareth” donde ya comenzaba a sonar el inconfundible “We Are Your Friends”, sin antes pasar someramente por “Helix” (de nuevo) y una pizca de “On’n’on” antes de hacer “Audio, Video, Disco” y llenar de fuerza el Caupolicán.

Gaspard y Xavier hicieron un break mientras por fin la gente entendía que debía corear la frase “We are your friends / You’ll Never Be Alone Again” con fuerza, después de cinco intentos algo fallidos. Y ahí, de inmediato, tuvieron de vuelta al dúo para hacer “On’n’on”, ahora sí en serio, y cerrar la fiesta con “Phantom Pt. II”.

Y así, con “Parade” de fondo, pasaron 85 minutos de un mix vertiginoso, intenso, de choque, pero también con cierta contención y contemplación, que provocaron que muchas veces los propios miembros de Justice debieran hacer ademanes para que la gente los siguiera.

Es que esos son los riesgos de la doctrina que sigue Justice, dado que al ir de frente, es el público el que tiende a retraerse un poco y ser más un observador que un participante, dejando de potenciar una experiencia que en vivo deja en claro por qué, pese a lo discutible de su segundo álbum, son uno de los conjuntos electrónicos más interesantes del planeta, y por qué valía la pena que trajeran su propio show a nuestros escenarios.

Setlist:

1. Intro
2. Genesis (con elementos de Civilization)
3. Helix
4. Phantom Pt. I (con elementos de Let There Be Light)
5. Civilization
6. New Jack (con elementos de Civilization)
7. Canon
8. D.A.N.C.E. (version a capella y remix, con elementos de DVNO)
9. Horsepower
10. New Lands
11. Stress (con elementos de We Are Your Friends y Phantom Pt. I)
12. Waters of Nazareth (con elementos de Helix y On’n’on)
13. Audio, Video, Disco
14. On’n’on (con elementos de We Are Your Friends)
15. Phantom Pt. II
16. Parade (suena mientras Justice se despide del público)

Por Manuel Toledo-Campos (@toledo_campos)

Fotos por Sebastián Rojas (@zeva24)

Sobre dos paneles, se proyectaban distintas gráficas que acompañaban los temas de los alemanes, quienes se ubicaron con sus maquinas en el centro del escenario. Bronsert con su usual sombrero y Szary con su boina, dando la bienvenida al público –en un perfecto español- para comenzar la fiesta con “Grillwalker”, una canción muy “a lo Kraftwerk”, marcando un inicio potente, pero calmó.

Usando el sonido de la bocina típica del reggaeton –recurso que muchos DJ´s internacionales ocupan cuando están de visita en Sudamérica- fue presentada “Pretentious Friends”, cuyas proyecciones en las pantallas nos mostraban una calurosa conversación entre dos amigas en un chat de Facebook. “2000007”, tema de su disco “Happy Birthday!” (2007), marca la primera pausa del concierto, un acontecimiento bastante particular, tratándose de DJ´s. Bronsert anuncia que esa noche estaba celebrando cumpleaños su compañero de perillas, por lo que pidió que todo el teatro coreara la conocida melodía para estos casos. La gente cumplió a cabalidad y, agradecidos por el gesto, continuaron con “German Clap”.

El dance llegó con “Black Block”, pegada al sencillo “Evil Twin”, de su más reciente álbum “Monkeytown” (2011), seguida de “Kill Bill Vol. 4”, donde los músicos bajan del escenario para ubicarse en el foso de prensa y lanzar alcohol a los fanáticos de las primeras filas. Nueva pausa, para reiterar los agradecimientos y presentar un remix de Radiohead. El tema “Morning Mr. Magpie”, del disco “King Of Limbs” (2011), en una versión que conserva la atmósfera del original, con una base house.

“Let Your Love Grow”, con una proyección de un bosque de fondo, mantiene la calma en el lugar, para llegar a la última pausa del concierto, donde tocó presentar “Berlin”, condimentada con psicodélicas proyecciones de fondo, dieron el toque justo para uno de los temas más populares del dúo, que jugaban sobre el escenario tomando el micrófono, simulando cantar como Miss Platinum, la encargada de las voces en “Berlin”.

Después de unos minutos, se realizaba el encore. Manos y puños se proyectaban, acompañando el ritmo de “My Anthem”, último tema de los alemanes, cerrando su primera visita al país. Un debut correcto, que demostró que “la formalidad” de la electrónica europea, puede convivir perfectamente con la euforia latinoamericana.

Setlist:

1. Grillwalker
2. Pretentious Friends
3. 2000007
4. German Clap
5. Black Block
6. Evil Twin
7. Kill Bill Vol. 4
8. Morning Mr. Magpie
9. Let Your Love Grow
10. Berlin
11. My Anthem

Por Sebastián Zumelzu (@SZumelzu)

Fotos por Sebastián Rojas (@zeva24)

En su batalla contra el cáncer, MCA se sometió a cirugía, radioterapia e incluso siguió los consejos de algunos doctores tibetanos.

Yauch falleció esta mañana en New York City, su ciudad natal, tras una lucha de casi 4 años contra esta enfermedad, que se llevó la vida de este gran músico a los 47 años.

La leyenda viviente del heavy metal, nos visita dentro del marco de su gira “Running Free Tour 2012”, e interpretará, de forma completa, los discos “Iron Maiden” (1980) y “Killers” (1981).

Las entradas ya están a la venta, a través de sistema Ticketek, en tiendas Falabella y Cines Hoyts, con valores de pre-venta que van desde los $8.000 a $12.000, más cargo por servicio. Sin este cargo, directamente en tiendas The Knife del Eurocentro.