La nef monumentale du Grand Palais transformée par Daniel Buren est une plongée dans la couleur, on dirait la partie submergée des Nymphéas de Monet : l’air est saturée de couleurs. La lumière est filtrée par des sortes de pergolas circulaires en plexiglas transparent, bleues, jaunes, oranges et vertes. De diverse taille, de diverse hauteur. Sorte de peinture aérienne dans laquelle l’air est le médium où la couleur se dissout et les gens le support en mouvement : ils portent la couleur, changeante au cours de cette promenade à travers une forêt de pilotis bi-colores noir et blanc. Plus en haut, la coupole aussi est colorée, avec des sections alternant transparent et bleu. Sous la coupole centrale, il y a comme une clairière, ouverte. Au sol il y a des miroirs, circulaires, dans lesquels les gens peuvent se refléter tout en regardant la coupole et, au-delà, le ciel. Du haut des escaliers, les cercles de plexiglas brillent comme des étangs. Daniel Buren construit une expérience totalement sensorielle, un environnement où le public se promène, les enfants jouent. Il a crée un espace public pour le public, dans cette serre monumentale.

La navata monumentale del Grand Palais trasformata da Daniel Buren è un’immersione nel colore, diresti la parte sommersa delle Nymphéas di Monet: l’aria è satura di colori. La luce è filtrata attraverso delle specie di pergole circolari in plexiglas trasparente, arancioni, blu, gialle e verdi. Di diverse misure, di diversa altezza. Specie di pittura aerea nella quale l’aria è il medium in cui il colore si dissolve e la gente il supporto in movimento: portano il colore, cangiante nel corso di questa passeggiata attraverso una foresta di pali bicolori neri e bianchi. Più in alto, anche la cupola è colorata, con delle sezioni che alternano blu e trasparente. Sotto la cupola centrale, c’è come una radura, aperta. Al suolo ci sono degli specchi, nei quali la gente si può riflettere, guardando al tempo stesso la cupola e, più in là, il cielo. Dall’alto delle scale, i cerchi di plexiglas brillano come stagni. Daniel Buren costruisce un’esperienza totalmente sensoriale, un ambiente in cui il pubblico passeggia, i bambini giocano. Ha creato uno spazio pubblico per il pubblico, in questa serra monumentale.

Daniel Buren, Excentrique(s), travail in situ, Monumenta 2012, Grand Palais, Paris 8e, jusqu’au 21 juin 2012

C’était le 12 avril dernier, vers onze heures du soir, à la soirée de l’ouverture, ou bien de l’(Entre)Ouverture du Palais de Tokyo, dans la cohue des amateurs et des curieux circulant dans les nouveaux et anciens espaces, se confondant parmi les installations et les performances. En descendant les escaliers principaux, je me suis trouvée bloquée par l’avancée inattendue d’une meute de corps nus teints en violet, qui rampaient sur les escaliers, les uns sur les autres, se mêlant, s’enlaçant, s’entremêlant, les uns aux autres, les uns sur les autres, comme si c’était un seul être. Les corps avançaient, lentement, montaient les escaliers. Une cohue de curieux les suivaient, les photographiaient. Les gens au passage se collaient aux murs, se retiraient, essayaient de ne pas se faire effleurer, pris entre attraction et répulsion envers cette meute, cette créature, être irrationnel, presque animal, séduisante et menaçante à la fois.

Era il 12 aprile scorso, verso le undici di sera, alla serata d’ouverture, o piuttosto dell’(Entre)Ouverture del Palais de Tokyo, nella folla di amatori e curiosi che circolavano nei nuovi e vecchi spazi, confondendosi tra le installazioni e le performances. Scendendo le scale principali, mi sono trovata bloccata dall’avanzata di une meute (« muta ») di corpi nudi dipinti di viola, che strisciavano sulle scale, gli uni sugli altri, mescolandosi, intrecciandosi, gli uni agli altri, gli uni sugli altri, come se fosse un solo essere. I corpi avanzavano, lentamente, salivano le scale. Una folla di curiosi li seguiva, li fotografava. La gente che si trovava sul passaggio si appiccicava alle pareti, si ritirava, cercava di non farsi sfiorare, presa tra attrazione e repulsione verso questa meute, questa creatura, essere irrazionale, animale quasi, seducente e minacciosa al tempo stesso.

Le Corps Collectif, La Meute, Palais de Tokyo, Paris 16e, le 12 avril 2012

« Cos’è l’aura? » Il testo di Benjamin, con la sua microscopica calligrafia, è tracciato su un foglio di carta intestata della San Pellegrino. È un contrasto straniante, apparentemente inconciliabile: il supporto fa attrito col pensiero. Al tempo stesso, questo supporto d’emergenza, testimonia proprio l’urgenza del pensiero. Ed è tuttavia un incidente fruttuoso, uno scontro che carica di nuovi e imprevisti significati la domanda. Cos’è l’aura? È un incontro imprevisto, una scintilla.

« Qu’est-ce que l’aura? » Le texte de Benjamin, à la calligraphie microscopique, est tracé sur une feuille de papier à lettre de l’eau San Pellegrino. C’est un contraste étrange, apparemment non conciliable : le support se frotte avec la pensée. En même temps, ce support d’urgence, il témoigne exactement de la nécessité de cette pensée. Et il s’agit toutefois d’un accident fructueux qui charge la question de nouvelles significations imprévues. Qu’est ce que l’aura? C’est une rencontre imprévue, une étincelle.

Walter Benjamin. Archives : Images, textes et signes, édité par les Archives Walter Benjamin, Klincksieck, 2011 (cat. expo Musée d’art et d’histoire du Judaïsme)

De la poussière de ciment est éparse sur le sol de la galerie : l’artiste y exhorte le visiteur à cracher. Des photos sont accrochées, où un filet de salive entre pouce et index de la main est utilisé comme moyen pour mesurer, de loin, la hauteur des personnes se promenant. Du sous-sol une voix s’élève, qu’on peut entendre aussi dans la rue, elle résonne métallique, elle est comme un étrange rappel, une présence indéchiffrable, inconfortable. Le crachat est un élément inconfortable, considéré majoritairement comme « vilain », il n’aurait pas sa place « naturelle » dans une galerie d’art. Luciana Lamothe le remet au centre de la création, le crachat en tant que acte fondateur de la création – un lointain écho biblique, le crachat divin à l’origine de l’homme  – et pourrait ici transformer la poussière, inerte sur le sol, en bitume, matière vivante à façonner.

Della polvere di cemento è sparsa sul pavimento della galleria: l’artista vi esorta il visitatore a sputare (crache!). Delle fotografie sono appese al muro, in cui un filo di saliva steso tra il pollice e l’indice di una mano viene usato per misurare, da lontano, la statura delle persone che camminano. Dal piano inferiore, sottoterra, una voce si alza, la si può sentire anche nella strada, ha un suono metallico, è come uno strano richiamo, una presenza indecifrabile, scomoda. Lo sputo è un elemento scomodo, considerato « sgradevole » per la maggiore, per il quale una galleria d’arte non sarebbe il posto « naturale ». Luciana Lamothe lo rimette al centro della creazione, lo sputo come atto fondatore della creazione – un lontano eco biblico, lo sputo divino all’origine dell’uomo – potrebbe trasformare qui la polvere, inerte sul pavimento, in bitume, materia viva da modellare.

Luciana Lamothe, Crache !, Galerie Alberta Pane, 14 rue Saint-Claude, Paris 3e

Dicono che è iniziato lo sgombero. La Kunsthaus Tacheles è (era?) un centro d’arte occupato. IL centro d’arte occupato. Mi ricordo quando ci sono entrata un anno fa. Tacheles, in yiddish, significa « parlare franco ». Sempre più spazi aperti vengono chiusi. Sempre meno posti sono aperti al « parlare franco ».

Ils disent que l’évacuation a commencé. La Kunsthaus Tacheles est (était?) un centre d’art occupé. LE centre d’art occupé. Je me souviens quand j’y suis entrée, il y a un an. Tacheles, en yiddish, signifie « franc parler ». De plus en plus d’espaces ouverts sont fermés. De moins en moins d’endroits sont ouverts au « parler franc ». 

Kunsthaus Tacheles, Oranienstraße, Berlin

Une oeuvre très discrète de Maurizio Cattelan, passage inaccessible vers une dimension autre, qui pourrait évoquer une version contemporaine moins fantastique et plus fonctionnelle d’Alice au pays des merveilles, mais qui ne conduit nulle part. Les deux ascenseurs sont là, s’ouvrent et se ferment régulièrement, laconiques, stériles, image d’un rêve avorté.

Un’opera particolarmente discreta di Maurizio Cattelan, passaggio inaccessibile verso una dimensione altra, che potrebbe evocare une versione contemporanea meno fiabesca e più funzionale di Alice nel paese delle meraviglie, ma che non conduce invece da nessuna parte. I due ascensori sono lì, si aprono e si chiudono regolarmente, laconici, sterili, immagine di un sogno abortito.

Maurizio Cattelan, Untitled, Galerie Emmanuel Perrotin, Paris 3e

Sur les murs sont projetées les images en temps réel de la rue à l’extérieur, prises de points de vue différents. Ces images génèrent un bourdonnement de fond, des sons qui changent selon la lumière, la masse des objets et des personnes captés par les caméras. La rue, le bourdonnement de la ville et de sa vie, rentrent dans cet espace clos – un collège religieux, espace clos par excellence, espace de méditation et prière qui s’ouvre ainsi vers l’extérieur et le laisse rentrer dans ses murs. Le visiteur reste à l’intérieur à regarder la vie lui passer devant les yeux, avec une curiosité nouvelle. Des scènes du quotidien défilent. Des gens qui se promènent, des voitures qui passent, des pigeons, des chiens. Il reste absorbé à regarder la ville vivre, bercé par son bourdonnement, les images continuent à filer sous les yeux. Il essaie de recomposer l’histoire, les pans de réalité projetés sur les murs par les différentes cameras, l’espace et le temps. Il essaie de donner un sens à ces images, tracer une direction, redéfinir la concaténation des événements, il établit des connexions. Il recompose sa propre réalité, la réinvente. Il devient pour un moment spectateur, moitié amusé moitié surpris d’une réalité devenue « autre », il l’étudie d’un oeil désintéressé, il médite, avant d’y rentrer à nouveau à son tour.

Sulle pareti sono proiettate le immagini in tempo reale della strada, fuori, prese da punti di vista diversi. Le immagini generano un brusio di fondo, dei suoni che cambiano secondo la luce, la massa degli oggetti e delle persone captate dalle telecamere. La strada, il brusio della città e della vita, entrano in questo spazio chiuso – un collegio religioso, spazio chiuso per eccellenza, spazio di meditazione e preghiera che si apre così all’esterno e lo lascia entrare tra le sue mura. Il visitatore resta all’interno a guardare la vita passargli davanti agli occhi, con una curiosità nuova. Scene quotidiane sfilano. Della gente che passeggia, delle macchine che passano, piccioni, cani. Resta assorbito a guardare la città vivere, cullato dal suo brusio, le immagini continuano a scorrere sotto i suoi occhi. Cerca di ricomporre la storia, i pezzi di realtà proiettati sulle pareti dalle diverse telecamere, lo spazio e il tempo. Prova di dare un senso a quelle immagini, tracciare una direzione, ridefinire la concatenazione degli eventi, stabilisce delle connessioni. Ricompone la propria realtà, la reinventa. Diventa per un momento spettatore, mezzo divertito e mezzo sorpreso di una realtà diventata altra, la studia con un occhio disinteressato, medita, prima di rientrarci di nuovo a sua volta.

Céleste Boursier-Mougenot, Videodrones, commissaire Alain Berland, Collège des Bernardins (ancienne sacristie), Paris 5e du 10 février au 15 avril 2012

Cerith Wyn Evans, galerie Yvon Lambert, Paris

Loris Gréaud, A world of absolute relativity, 2012 (La Décadence, Galerie Yvon Lambert, Paris 3e, du 27 janvier au 25 février 2012)

Dan Flavin, Galerie Emmanuel Perrotin, Paris 3e, du 14 janvier au 3 mars 2012

Il neon è una forma allo stato gassoso. È una fonte luminosa, innanzitutto, di per sé. Con una data forma. È un medium al tempo stesso, perché oltre a emettere luce, è una forma malleabile. E una forma può essere imbrigliata e diventare segno, luminoso, portatrice di un messaggio. Un’insegna lampante. È un veicolo eccezionale di messaggi, il neon, ha un’anima pubblicitaria. Punteggia la città moderna, è il suo segno distintivo, indica il cammino e di notte la illumina.

Il neon nell’arte ha uno status insolito, ambiguo in quanto contemporaneamente luce, colore e forma. Può essere luce tout court, colore nello spazio. Oppure veicolo luminoso di messaggi, spesso parodia della pubblicità. Una mostra di soli neon in uno spazio chiuso produce una allegra cacofonia visiva di messaggi e idee che si materializzano in insegne di vario colore, di segni che indirizzano gli occhi e la mente verso le direzioni le più disparate. È per essenza stessa contraria a ogni tentativo di riflessione, ha i tempi dello sguardo pubblicitario, esclude ogni indugio, è un invito allo zapping, a una passeggiata veloce, come lungo i marciapiedi della città.

Le néon est une forme à l’état gazeux. C’est une source lumineuse, avant tout, en soi. En une forme donnée. C’est un médium, en même temps, parce que tout en émettant de la lumière, ça reste une forme malléable. Et une forme peut être bridée et devenir signe, lumineux, porteur d’un message. Une enseigne criarde. C’est un véhicule exceptionnel de messages, le néon, il a une âme publicitaire. Il pointe la ville moderne, il est son signe distinctif, il indique le chemin et l’illumine pendant la nuit.

Le néon dans l’art a un status insolite, ambiguë parce qu’il est en même temps lumière, couleur et forme. Il peut être lumière tout court, couleur dans l’espace. Ou véhicule lumineux de message, souvent tourné en parodie de la publicité. Une exposition de néons dans un espace clos produit une joyeuse cacophonie visuelle de messages et idées qui se matérialisent en enseignes de différents couleurs, de signes qui orientent les yeux et l’esprit vers les directions les plus disparates. Elle est par son essence même contraire à tout tentatif de réflexion, elle prend les temps du regard publicitaire, excluant l’indécision, c’est une invitation au zapping, à une promenade rapide, comme tout au long des trottoirs de la ville.

Néon, who’s afraid of red, yellow and blue ?, di David Rosenberg, dal 17 febbraio al 20 maggio 2012 alla Maison Rouge, Paris 12e

Jan Fabre, Pietas, Scuola grande di Santa Maria della Misericordia, Venezia, agosto 2011

Francesco Vezzoli, Fondazione Prada, Venezia, agosto 2011

Francesco Vezzoli, Galerie Yvon Lambert, La Décadence, du 27 janvier au 25 février 2012

Ovvero la sempiterna lotta dell’artista preso tra tradizione e modernità. L’estate scorsa a Venezia, a margine della Biennale e in due luoghi distinti, ho visto queste due sculture di Jan Fabre e Francesco Vezzoli. Due artisti contemporanei, entrambi conosciuti per linguaggi e tecniche non-tradizionali, si ritrovano sul terreno dell’arte classica. Ne prendono a prestito il medium, il marmo. Ne riprendono le forme, distorcendole (e così facendo, ne distorcono il contenuto): la Pietà di Michelangelo (Jan Fabre), l’arte classica del ritratto in forma di busto (Francesco Vezzoli). Entrambi, mettono se stessi al centro della rappresentazione. Jan Fabre prende il posto di Cristo tra le braccia di Maria (trasformata nella Morte) e Francesco Vezzoli si contrappone a un busto di Apollo (veramente classico), in un atteggiamento irridente salvo poi fare il proprio autoritratto, serissimo, nelle veci del « dio sole » nell’opera esposta in questo momento alla galleria Yvon Lambert.

Autrement dit, la lutte sempiternelle de l’artiste pris entre tradition et modernité. L’été dernier à Venise, en marge de la Biennale et en deux endroits différents, j’ai vu ces deux sculptures de Jan Fabre et Francesco Vezzoli. Deux artistes contemporains, les deux connus pour un langage et une technique non-traditionnels, se retrouvent sur le terrain de l’art classique. Ils lui empruntent le médium, le marbre. Ils en reprennent les formes, en les déformant (et ainsi faisant, ils en déforment le contenu): la Pietà de Michel-Ange (Jan Fabre), l’art classique du portrait sous forme de buste (Francesco Vezzoli). Dans les deux cas, les deux artistes se placent eux-mêmes au centre de la représentation. Jan Fabre prend la place de Christ dans les bras de Marie (transformée en la Mort) et Francesco Vezzoli se met face à un buste d’Apollon (vraiment classique), avec une attitude burlesque sauf après faire sérieusement son autoportrait en « dieu soleil » dans l’oeuvre exposée en ce moment à la galerie Yvon Lambert.