El otro día caminaba por la ruta de siempre hacia el trabajo y veo a una pareja tomando una foto al monumento del soldado que está en la Plaza del Cascorro en Madrid. Automáticamente recordé a Rodrigo Benavides, el responsable de algo así como el 80% de mi formación fotográfica. 

En muchas de sus clases, hacía bastante énfasis en tener cuidado con fotografiar monumentos y en especial el cómo las fotografiamos. Su argumento era que, dependiendo de cómo lo hiciéramos la foto, lograríamos una pieza propia o, por el contrario, una simple documentación del monumento y posiblemente una reproducción más de una imagen que ya se ha hecho miles (o millones) de veces.

Otra de las normas singulares que más recuerdo tiene que ver con la publicidad y las marcas comerciales. Siempre nos sugería que evitáramos captar algún anuncio o el empaque de alguna marca en nuestras fotos. De hecho, alguna vez descartó una u otra foto que tuviera potencial por el hecho de que una marca se haya colado en el encuadre. Por supuesto que para esta norma también tenía argumentación. Decía que las marcas y sus logotipos están diseñados para atraer la atención. Eso, en una foto, tiene el potencial de estropear la composición y que el punto de atención de la foto pierda protagonismo.

Son dos normas muy singulares que yo aplico cuando hago fotos también. Quizás no tan estrictamente como Rodrigo (hasta ahora, no he conocido a otro fotógrafo tan disciplinado como él) pero creo que son dos cosas a tomar en cuenta en la fotografía documental.

No es realmente un problema tenerlo pero sin duda hay que mantenerlo a raya. Cuando pasamos más tiempo mirando equipo que deseamos que tomando fotos y familiarizándonos con el que tenemos es cuando sabemos que tenemos un problema.

Como el mismo Eric Kim ha escrito un artículo bastante extenso al respecto dejo el enlace con la traducción. http://www.microsofttranslator.com/bv.aspx?from=&to=es&a=http%3A%2F%2Ferickimphotography.com%2Fblog%2F2012%2F03%2F04%2F10-tips-on-how-to-cure-yourself-of-gas-gear-acquisition-syndrome%2F

Por supesto que existen otros factores que influyen en que sea una de las ciudades con mayor número de buenas fotos y que la describan tan bien. La actitud de la gente, el mismo espíritu de la ciudad, la legislación se pueden contar entre esos factores.

¿Pueden otras ciudades siquiera comenzar ese camino ya muy recorrido por NY, París o Londres? ¿Puede Madrid entrar en esa categoría? Fotogénica es. ¿Tiene talento? Yo creo que sí, sólo falta que muestre interés y necesidad de demostrar cariño por la ciudad. De momento, ya vemos talleres sobre Street photography en algunas escuelas de fotografía y algunas iniciativas particulares que encontramos en la web o en Instagram. Yo por mi parte pretendo hacer mi contribución.

Llegando cuando todo se termina empezó en el 2010. Coincidió con mi llegada a España. Es sobre la soledad tratada en primera persona y no tenía ese nombre. La soledad era algo que personalmente venía inquietándome desde hacía un tiempo, sólo que esta vez la iba a tratar desde mi punto de vista.

Solamente la terquedad y el miedo a enfrentar el proyecto lo alargaron en el tiempo. Hace una semanas comencé a preguntarme si a lo mejor habría que cerrarlo. Decidí que sí.

La primera consecuencia fue casi instantánea: vinieron nuevos proyectos a la mente. Ha sido como Llegando cuando todo se termina, la obsesión por él, fuera un tapón que no me dejaba ver otras ideas de proyectos. Nada más tenía que desprenderme de él.

No considero que LCTST  esté terminado. Creo que sencillamente había que cerrarlo porque en realidad no iba a estar terminado nunca.

Dejo aquí la que decidí iba a ser la última edición del proyecto.

«Después de recorrer durante horas la imponente quebrada de Humahuaca hemos regresado a la antigua ciudad de Salta, tan hermosa en otro tiempo, hoy casi irreconocible, plagada de letreros y de edificios modernos que han roto la belleza de sus calles coloniales. Ya nada va quedando, como si nadie la mirara , aristócrata ciudad de Salta, como si también a ella le hubiera llegado este desencanto moderno que en nada pone empeño, que construye las casas para que se deshagan al día siguiente, ya sin frentistas, ni viejos herreros», Ernesto Sábato.

“Ya nada va quedando”, dice al hablar de Salta que va perdiendo sus vistas tradicionales. Soy de los que le aterra perder lo que tiene. Incluyo las memorias. Siento que esa, también, es la preocupación de Sábato en ese párrafo.

Entonces, ¿no está justificada esa violencia de la fotografía? ¿Es demasiado crimen robarle instantes a la realidad para que podamos consolarnos con una extensión del tiempo expresada en imagen? Creo que he encontrado otra de las razones por las que siento tanta atracción por la fotografía. Me permite arrancar un pedacito de la realidad de la que soy testigo.

Me viene otra referencia a la cabeza.

“I’ve… seen things you people wouldn’t believe… Attack ships on fire. I watched c-beams glitter in the dar near the Tanhäuser gate. All those… moments… will be lost in time, like tears… in… rain. Time… to die…”, Blade Runner.

«Yo… he visto cosas que vosotros no creeríais: Naves de ataque en llamas más allá de Orión. He visto rayos C brillar en la oscuridad cerca de la Puerta de Tannhäuser. Todos esos momentos se perderán… en el tiempo… como lágrimas en la lluvia. Es hora de morir», Blade Runner

En la película, este sentimiento lo expresa un replicante, en teoría inhumano, y que, sin embargo, es capaz de expresar un sentimiento tan humano.

Un par de imágenes que me sugieren este sentimiento:

Hace poco me encontré con una foto en el Facebook en la que aparecía una persona con un cartel que anunciaba: “no creas que eres fotógrafo porque usas Instagram”. Estoy de acuerdo pero yo añadiría “tampoco creas que no lo eres porque lo usas”.

Este blog nació con la públicación precisamente de un tema que tiene mucho que ver con esto: la relación que existía entre las legendarias películas y cámaras Polaroid y el mundo digital que comenzaba a sustituirlo. Siendo así las cosas me parece buena idea retomar la actividad de Entre granos y pixeles con un tema relacionado.

Instagram, Hipstamatic, Snapseed, ShakeIt, Luminance, PictFrame… ¡que cantidad de herramientas tenemos para nuestros móviles con cámara hoy en día! Podemos retocar, ajustar, aplicar filtros, etc. a nuestras fotos y hacerlas mejor. Aunque esa última palabra hay que tomarla con cuidado.

Yo soy de los que piensa buena parte del valor artístico de una foto (y si a eso venimos, de cualquier pieza de arte) viene de la actitud que tomemos en el proceso de creación y de las intenciones que tengamos. En otras palabras, que es lo que buscamos con lo que estamos haciendo. Si nosotros usamos cualquiera de estas aplicaciones para materializar una idea que ya tengamos en mente, definitivamente estamos tomando una actitud artística. Al final, de lo que se trata es de que los responsables del producto final seamos nosotros, no la máquina que utilicemos para lograrlo. Como dice el fotógrafo de estilos de vida Chase Jarvis: “la mejor cámara es la que está contigo”.

Por el contrario, un efecto negativo que han tenido la gradísima popularidad de estas aplicaciones es la confusión que puede crear a la hora de juzgar la calidad de una foto. Suele cometerse el error de considerar una foto como de buena calidad solamente porque tiene “colores bonitos”, “está en blanco negro”, “queda bien con cierto marco” o “muestra algo que todos conocemos”. Al entrar en esta manera de ver la fotografía dejamos de evaluar cosas como qué criterios de composición se utilizaron para realizar determinada foto, que cosas están sucediendo dentro de la foto o que significado puede tener la foto más allá de lo que vemos.

No es mentira que mucha gente usa estos programas con el fin de entretenerse y no voy a negar que es una razón más que valida para usarlos. Pero de lo que hablamos aquí no concierne propiamente al uso de este software para divertirse. Sino lo que nos importa es tratar de esclarecer esa borrosa línea entre lo que hacemos por diversión y lo que hacemos con el fin de crear un elemento artístico. Está claro que no seré yo quien haga esa determinación pero no hace daño hacer un intento para lograrlo.

Titulo este artículo de esta manera para hablar de lo que ha sido mi experiencia como profesor del taller digital I en el Núcleo Fotosensible. Precisamente esa idea del conocimiento multiplicado es una de las razones principales que motivan mi participación en los talleres. Digamos que es mi manera de poner mi granito de arena y es tal cuál como dicen que es: una experiencia satisfactoria.

Otra razón es que, si bien el papel que me toca dentro del curso es de quien imparte el conocimiento, debo decir que, en mi caso, este flujo ha sido bidireccional. No hay un curso en el que no haya por lo menos un alumno no me sorprenda con algún comentario, alguna lectura distinta de una foto… Con esto no quiero decir que espero poco de los alumnos (todo lo contrario) sino que yo también me nutro de sus comentarios. Eso hace la experiencia el doble de enriquecedora. En verdad es muy satisfactorio ver cómo personas que llegan sabiendo poco o nada sobre la fotografía se “enganchan” con el tema y se les enciende la chispa que les pide profundizar sobre el tema.

Por último, existe otro motivador para dar estas clases. El hecho de tener que explicarle algo a alguien te obliga a conocer el tema a la perfección. Desde esta perspectiva, dar clases se convierte en una constante revisión y expansión personal de conocimientos. No sólo técnicos sino también estéticos.

Agradezco a todos los participantes que he conocido durante los cursos. Hasta un par de amigos me he ganado.

(Dentro de poco comenzaré a dar el taller de flash como herramienta también. Seguro que será un gran experiencia también)

P.D: No logro recordar dónde leí la frase del título ni quién es el autor. Si alguien sabe, por favor comparta esa información