el naufragio de las palabras

Fábula y sexo en la obra de Iván Girona

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Wed, 03 Apr 2013 19:10:00 +0000

Damas y señores con sus órganos ofrecidos y ocupados, en un caranaval de colores y liqueos pictóricos, protagonizan gran parte de la obra del artista Iván Girona. La otra, se la encuentra uno en formas y situaciones amorfas y reminiscentes de figuras con vida, sean humanas (o casi humanas), flora o fauna.

De reojo -en muchas ocasiones- la composición luce florida, eso hasta que el entrepiernas de una rubia resulta abundante, con sus cavidades invadidas y congestionadas. Resalta ella cual Mona Lisa que te sigue a todas partes, sobre todo si lo que buscas es equivarla.

Girona, de 36 años y egresado de la escuela de artes visuales Central Heights en Santurce y de la Universidad del Sagrado Corazón, no intenta perseguir al espectador, pero sí colocarlo frente al tabú para tantos, del mismo acto sexual de donde salimos todos. Que importa si la escena parece banal, irracional, y no necesariamente se perciba ¨la pureza del amor¨, lo que artista pretende no es entablar un diálogo de moralidad y mucho menos de religión.

¨Es la identidad sexual, lo orgánico y la naturaleza. Cuando trabajo con la pieza no voy diciendo esto es lo que quiero decir. Dentro de mi proceso, dentro de lo que hago no creo en lo coherente y racional. Puede que -al final- haya una racionalidad, pero es la mía y no necesariamente universal¨, explica el artista.

La obra de Girona (la más sexual), la enmarca en una especie de fábula sin pie ni cabeza, adrede, con lo cual logra producir una experiencia lúdica y exploratoria. El tema de la sexualidad se impone y subyace a un mismo tiempo en la obra, sin vías de escape. No hay subtemas, aunque lleguen por cada cual.

¨Lo inmediato es el ´shock´ y luego identifican códigos. De eso trata mi obra, de gente que no tiene prejuicios¨, explica Girona, quien recibió a El Naufragio de las Palabras en su taller en Santurce, y menciona que algunas personas cambian la vista de primera intención, pero son más los que se detienen y recorren la pieza.

Su estudio, el cual comparte con el artista Melvin Martínez, ubica en un amplio sótano de la calle Canales, de techos altos y con muy poco espacio desocupado. Allí encontramos sus composiciones sobre papel Mylar, sus pinturas al óleo en diferentes formatos, ya sea sobre lienzo o sobre plexiglass, y muchos dibujos a papel, a carbón, a lápiz, a pintura.

Según explica el artista, a pesar que desde sus inicios las figuras de órganos sexuales estuvieron presentes en sus dibujos, su propuesta posterior de collage y pinturas carnavalescas llegaron como un intento de subir el tono e impactar al espectador con lo mismo que trae en su cuerpo y con lo mismo que hace.

Al recordar sus inicios, Girona explica que hay una tendencia clara en sus preocupaciones y los objetos que le inquietan. Pero establece que los animales inventados, los ¨paisajes¨ recién nacidos, vulvas y penes, no son los mismos y cada uno enseña su evolución y tránsito por diversos contextos.

En su obra podemos establecer que son dos los protagonistas. Uno es la explosión del color y el otro es la figura en sí que se representa. Así vemos enredaderas florecientes que se entremezclan con las figuras y sirven de paisaje activo en cada pieza. Mientras, las salpicaduras o chorros de pintura igualmente aportan a los distintos planos que consigue.

Los entes amorfos o muchos de los animales -o como ya mencioné, casi animales- los crea las más de las veces, pero el cuerpo humano puede partir de un dibujo o es eminentemente apropiado. Lo sustrae de la cultura porno y la infinidad de revistas, no íntegro como lo usa Paul MacCarthy en sus composiciones recontextualizadas y repletas de tachaduras, o como las páginas que interviene el artista y crítico puertorriqueño Pedro Vélez en sus collage sobre collage.

Girona opta por recortar a las damas para resaltar sus atributos, o partes de estos, con sus promesas de sueños. El contexto ambiental le confieren otra atmósfera, que aunque pareciera disfraz pictórico para atenuar su impacto, en cambio no niega la acción pura del sexo tradicional, oral o anal, o como se le ocurra.

Girona colorista, Girona dibujante, produce piezas de mucha ¨carga¨ y medida belleza donde intenta liberarle al cuerpo -pero sobre todo a la mente- los infortunios del pecado original.

El artista frente al momento histórico

Los tiempos, estos y los muy pasados, en general nunca han sido los más buenos para la economía de los artistas, sin embargo, Girona reconoce que aun cuando ahora ¨hay más contratiempos¨, sobresalen razgos positivos.
¨La economía nos toca a todos. Pero gracias a esto -la recesión- se está comenzando a ver una efervescencia de artistas que han sido serios con su obra. Hay más contratiempos y no hay tanto tiempo para entretenernos en tonterías, y es tiempo de concentrarse y de hacer¨, sostiene el artista.

Aaron Salabarrías: Del otro lado de la basura

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Mon, 11 Feb 2013 16:41:00 +0000

White trash es una frase cuyo uso se identifica desde principios de 1800 como epíteto despectivo contra los blancos estadounidenses pobres, los que no han querido o no han podido despegarse del primer peldaño de la escalera. Los marginados, de baja cultura y modales, los estridentes. Una frase para describir lo que algunos entienden carece de valor.

Si extrapolamos el significante de la frase en su alusión al estrato social, y decidimos dirigirlo a otras áreas, podríamos estimar -por ejemplo- objetos de uso cotidiano, de escaso valor económico y que podemos desechar fácilmente como ejemplares de White trash.

Por esa segunda vía parece que nos conduce el artista multidisciplinario Aaron Salabarrías, con su exposición de instalaciones, pintura, dibujos, impresiones y objetos escultóricos, titulada White trash. Es la primera muestra en solitario que realiza en varios años el egresado de la Escuela de Artes Plásticas en el Viejo San Juan y de Pratt Institute en Nueva York. Se presenta en la Galería Nacional del Instituto de Cultura Puertorriqueña en San Juan.

A partir de lo que vemos en la presentación de Salabarrías, ¨basura blanca¨ alude también a los componentes desechables de algunos alimentos, puede referirse igualmente a ciertas actitudes, costumbres hasta cierto punto idealizadas pero prescindibles y carentes de valor real. White trash puede ser muchas cosas y el artista nos lo recuerda.

¿Quién no ha fabricado objetos con las paletas en madera de los mantecados? ¿Quién no ha visto los cascarones de huevo en las plantas de maguey? ¿Quién no recuerda esas cabezas de ¨foam¨ cubiertas con hilo de lana a modo de cabellera y largas trenzas? ¿Quién no se encontró en el camino los envases de cartón de la leche como guirnaldas revoloteando en el aire, colgada de algún árbol o planta, o en el balcón de una casa de madera?

Ciertamente Salabarrías observó esos elementos en su niñez y ahora los rescata como piezas artísticas para comunicarnos, no los recuerdos de un pasado estrecho y aderezado con las promesas de la industrialización en una isla agraria y empobrecida. Sino para confrontarnos con el presente de progresos a la carta, pero de economía estrecha, sin proyecto de desarrollo y encaminados a la desidia.

Los cascarones blancos de huevos ya no adornan nuestros jardines, ni la cabezona o cabezón de lana reposa sobre televisores de tubo o anaqueles laqueados en medio de la sala, setentosos. El cofre ni la lámpara hecha con paletas de mantecados aparecen por ninguna parte, salvo en proyectos de manualidades en los primeros grados escolares de alguna escuela.

Salabarrías coloca los cascarones en mata de espina en una instalación rodeada de fotografías con la misma imagen del arbusto. Recuerda sin sonido el estribillo de los mantecados Payco con una impresión frotagge sobre papel, y con un nítido cofre de madera en gran formato, que emula a las paletas.

También despliega decenas de figuritas de novios en casamiento, sobre una repisa que casi bordea una columna en cemento de la sala de exposiciones. Figuritas emblemáticas de las decoraciones de antaño y que a muy pocos -si no a nadie- se le ocurriría utilizar en estos tiempos. Todas plásticas, de a cien por paquete.

El artista rescata en esta muestra elementos reconocibles de trabajos anteriores, como el salvavidas plástico (igualmente blanco y transparente). Colgado en la pared, menudo, frágil y con posibilidades limitadas de salvar vidas. Es barato, efímero, hasta fantoche.

Resaltan Bañistas, una instalación que entre sus elementos incluye varias figuras en cerámica, ellas y ellos, culones todos, a la caza de sol, pero siguen blancos blancos.

La única pintura es una pieza en gran formato, Casa de perros, un tríptico en homenaje a Cassius Marcellus Coolidge, el pintor estadounidense recordado por sus obras de perros humanizados que juegan al póker. Es blanco y negro, e incluye impresiones de la obra del mencionado artista.

Aaron Salabarrías recoge elementos populares de la historia cotidiana de Puerto Rico en esta muestra, los replantea y los lanza como una plática abierta para señalar ese otro camino por venir, sino ya uno en el que estamos. Lenguaje depurado del kitsch, principalmente por esa pigmentación blanca utilizada por el artista para derramarla en toda la muestra y atenuar lo ordinario.

A partir de lo visualmente simple, Salabarrías elabora un marco conceptual amplio que no es llano ni transparente, lo cual sugiere que valió la pena esperar tantos años por otra exhibición suya en solitario.

La permanencia efímera del Land Art

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Wed, 05 Dec 2012 03:46:00 +0000

Con casi seis décadas desde que se originó en Estados Unidos, en medio de las rupturas artísticas de los años 60, y a la búsqueda de un nuevo paradigma creativo que alejara la obra de su característica objetual, el ¨Land Art¨ o arte de la tierra sigue vigente sin que se le considere una manifestación agotada.

Intervenir o alterar el paisaje como medio creativo para provocar una reacción, donde prevalece la relación del hombre con la tierra y su medio ambiente, convirtió entonces esta modalidad en una de las nuevas vía para denotar el significante en ¨la obra de arte¨.

Es así como la acumulación de piedras -en un lago de Utah- que forman un espiral en la pieza de 1970, ¨

Spiral Jetty¨, del artista estadounidense Robert Smithson, se convierte en una de las obras precursoras de tal movimiento y todavía hoy se le toma como referencia por artistas contemporáneos.

"Todo el arte contemporáneo desde 1950 nos dice que la obra de arte no reside en el objeto, porque no nos va a hablar necesariamente. Es la reflexión sobre ella¨, destaca Tonia Requejo, catedrática de la Universidad Complutense de Madrid y profesora titular de Teoría e Historia del Arte Contemporáneo.

Requejo, quien visitó Puerto Rico como conferenciante invitada para hablar de la experiencia estética de la naturaleza a través del arte efímero, convocada por la Fundación Fist Art, comenta que los artistas siguen encontrando en el Land Art un medio idóneo para lograr la participación del espectador, tanto en la fase procesal de la intervención como en el resultado ¨final¨ de la pieza.

Pero recuerda que el arte de la tierra no necesariamente concluye con el trabajo del artista, sino que una de sus características es la participación del medio ambiente, de las condiciones climáticas, que también dejan sentir su peso sobre la obra, hasta cambiarla o degradarla como parte de un proceso orgánico.

Requejo destaca que ese habitar natural de la obra no riñe con las nuevas tecnologías, que le sirven al artista para usar sofisticadas maquinarias con las que puede intervenir la tierra o los materiales naturales que emplee. Igual, puntualiza que ¨hay partes que no están nada reñidas con la tecnología, se monitorean las personas mientras se realiza la obra, se puede ver la obra en tiempo real en otros lugares e interactuar con otras personas y esto hace accesible su proceso creativo¨.

Además, al consistir de piezas efímeras, queda la documentación del proceso y la obra a través del vídeo y la fotografía. ¨Esto no es la experiencia, porque es parte de un acto efímero con un tiempo específico, pero en la documentación queda la experiencia estética y se puede apreciar esta otra parte¨, agrega la profesora, quien ostenta un grado de doctorado en arte.

Cuando se le pregunta sobre la evolución del Land Art y cómo lo toman o lo replantean los artistas contemporáneos, Requejo indica que al presente ¨la obra se inserta en lugares más asequibles, con más personas a las que llega. Antes era en lugares de menos población, o desérticos, y menos accesibles¨.

Mientras, al indagar en las fronteras que puedan existir al presente entre el Land Art y otras manifestaciones artísticas, en vista de los postulados de algunos artistas en el pasado quienes entendían la creación del arte de la tierra debía ser lo más natural posible, la estudiosa sostiene que ya eso no es así.

¨Dentro del arte contemporáneo yo no le veo ninguna frontera¨, indica Requejo, y establece que en el proceso creativo se utilizan maquinarias, diversos instrumentos, tecnología, y se siguen utilizando manifestaciones como el performance y el arte sonoro, entre otros.

Según la Catedrática de la Complutense, en España y en Europa, varios artistas con trayectoria y emergentes, siguen trabajando el Land Art con propuestas que no solo son referenciales a piezas reconocidas del movimiento, sino que evocan nuevas creaciones, y que aluden en una cantidad significativa a las preocupaciones actuales por la conservación del medioambiente.

En Puerto Rico, la conferencia de Requejo surgió en el contexto de la muestra ¨Archivos de lo efímero, diez intervenciones artísticas en la naturaleza¨, que recoge la documentación de diez artistas que han realizado proyectos en Dorado apoyados por la fundación Fist Art, originada en 2008 por Carolina Stubbe. La exposición se presentó hasta el 15 de noviembre en la Universidad del Sagrado Corazón en Santurce.

El paredón y la nube de Elsa María Meléndez

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Mon, 03 Dec 2012 03:24:00 +0000

Tan cargado de leyendas y muchas historias que no se han contado. Lugar al que se le adscribe tanto de principio o de final. Travesía de promesas.

No deja de ser el cielo un tema constante para la creación.

Desde siempre -o casi siempre- ha estado presente a lo largo de la historia del arte, ya sea expuesto o aludido, mientras quedamos al pendiente bajo su grandeza.

Turner (1775-1851) lo explotó con luz y color. Nubes profundas que se ciernen avasallantes sobre la tierra; a otro tiempo resplandor grisáceo, puede que asuste o enamore.

Cielo hoy. Más bien nube. Enorme y pesado, pero sobre todo cargado como un tornado que se ha llevado cuanto arrastró en su vuelta fiera. Este es el pedazo que comparte la artista Elsa María Meléndez como parte de una residencia en Área Lugar de Proyectos, en Caguas.

La Nube y El Paredón de los Peluches, son las dos instalaciones presentadas por Meléndez en un espacio encharcado como rastro de torbellino. Hay que pisar con cuidado entre objetos silenciosos y testigos. Mudos y silenciados por un ruido que vemos pero no escuchamos.

A un extremo del vacío una gran nube robusta y pesada, que cuelga del techo y casi toca el piso, presenta cuerpos que quieren salir de la madeja, objetos y toda cosa, mucha guata.

Vemos en esta instalación una exploración distinta en el trabajo de la artista, quien nos mantenía acostumbrados a sus relatos en cajas acrílicas, pero mantiene la estética del zurcido, los alfileres y el manejo de la tela cruda.

El remiendo y la recolección de textiles y ese afán de conferirle vida y uso –aunque sea de manera efímera, como en este caso- a los materiales desechados por otros, es algo que la artista arrastra desde antes de pensar en dedicarse a la plástica.

No hay trabajo gráfico sobre tela en esta ocasión, al menos no de manera perceptible, es muy poco y se limita a algunas palabras enredadas en la nube.

En cuanto al Paredón de los Peluches, están ahí en hileras y hacinados, atentos e inmóviles, listo para ser descuartizados (desaguatados) y terminar quien sabe si en la nube o en otros de esos personajes o palomas convertidos en esculturas u otra vez peluches grafiados que construye Meléndez.

En esta segunda instalación (aunque es la primera que vemos en la muestra) revienta el color de Elmos o Teletubbies, de ositos regordetes y leones mansos con abundantes melenas. Hay ironía, hay espera, hay ternura y revienta el dolor que nos remite a tantas cosas que la historia nos ha contado. Es paredón y su razón no es la de muro para la contemplación.

En definitiva, encontramos otra vez en Elsa María Meléndez piezas de gran contenido y mucho trabajo. La reflexión es extensa, hay un momento histórico de fuertes realidades, quien sabe si estamos llegando a las últimas horas de un paredón social, político o jurídico, que nos anuncia la cercanía de un cambio, no ya buscado, ni necesariamente añorado. Está ahí y debemos zurcir lo que queda para replantearnos otro cielo. Que sea mejor.

HOPPER: la quietud inquietante

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Sun, 02 Sep 2012 03:37:00 +0000

MADRID - Es principio de julio y un calor insorpotable se ha ocupado de Madrid. Sofoca, calienta, asfixia. Es seco, no como en el Caribe. Ni siquiera el agua fría lo calma.

Así está el ambiente a las afueras del Museo Thyssen. Adentro el acondicionador de aire refresca y refresca bien, a pesar del gentío.

La ocasión invita a ver la segunda parada de las telas y papeles del artista neoyorquino Edward Hopper en Madrid, luego de una ocasión anterior hace 23 años.

Hopper (1882-1967), la exhibición, incluye 73 obras, principalmente pinturas en mediano formato, aunque también encontramos grabados, acuarelas y dibujos de este artista de la figuración y el realismo. La muestra, que cubre varios periodos del trabajo del artista, se presenta hasta el 16 de septiembre en el Thyssen, y desde el 10 de octubre al 28 de enero de 2013 estará en el Grand Palais de Paris.

Una vez recorremos las galerías al encuentro con las pinturas de Hopper, otra vez llega el calor. Sofoca, calienta, asfixia. Son los amarillos y naranjas -y otras tonalidades- de esas escenas solariegas, esos cuartos y estancias infiltradas por un sol candente que parece inmovilizarlo todo.

El sol inunda por completo, aunque el rayo que se vea resulte escaso. De la misma manera ocurre cuando el paisaje -cual escena cinematográfica- es nocturno y es la luz artificial la que quema. Ambas claridades también desnudan. Son como agentes que desactivan las posturas apropiadas, que derriten el maquillaje y desgarran las vestiduras de los personajes.

Esa luz potente e incisiva, igual parece desactivar sueños y creencias, propaganda y panfletos. Son los actores de Hopper el rostro oculto tras la buena cara. Mujer desnuda y encorvada, silente, quieta, sí, absorta y quien sabe si perturbada. Hombre serio, inexpresivo, también inquieto.

A este artista de la ¨american scene¨ se le abscribe retratar en sus pinturas la atmósfera de la Gran Depresión de los años 30, y luego la carga pesada del capitalismo.

Al observar su obra me hace pensar en el sentimiento del espacio, ya que no siempre encontramos personajes. Sin embargo, es el sentimiento que deja quien ya no está, la familia que salió a trabajar en la mañana y aun no llega, las almas que parece que no quieren arribar a su destino, o que permanecen atrapadas en esas casas americanas de paisajes perturbadoramente quietos.

Atmósfera, luz y geometría son los elementos predominantes en las composiciones de Hopper. Llama particular atención los grabados y acuarelas de sus primeros periodos, no sólo por la limpieza de las líneas -lo cual también está presente en su pintura-, sino por la sensación de movimiento que se percibe en algunos de estos, algo que contrasta con sus telas.

La exhibición es una buena muestra de este artista que logró reconocimiento tardío y quien no se unió a las corrientes pictóricas de su época, desafiando las tendencias abstractas de la ocasión y los movimientos posteriores. Un buen montaje que completa el relato de una parte de la historia americana contada con trazos y pinceladas sutiles y contundentes.

Le llamaría pintura de récord, que no registra tendencias, sino el calor de un pueblo en un momento histórico, el calor de la cara y el del cuerpo completo.

( visita virtual a la exposición )

http://www.museothyssen.org/microsites/exposiciones/2012/hopper/vv/index.htm

CONTRAFUERTES: EL VALOR DE LO INTANGIBLE

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Thu, 14 Jun 2012 23:25:00 +0000

El arte se ve, se escucha, se toca, se huele, se siente. También se construye en estados intangibles. Se imagina.

Así se le encuentra, abierto y ofrecido, en la Casa de los Contrafuertes en el Viejo San Juan, donde quien quiera se le puede acercar sin protocolos ni distancias. En el disfrute, en la pregunta y en la explicación.

Este es un proyecto multidisciplinario del artista y profesor Charles Juhasz para la presente edición de la Trienal Poligráfica de San Juan, el Caribe y Latino América, que estará presente hasta agosto próximo.

De la mano de otros artistas como Teo Freytes, Juhasz ideó convertir el espacio que le ofreció el Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP) -organizadores de la Trienal- como un centro abierto de manifestaciones amplias, donde primara la colaboración y el intercambio de ideas. Hay instalaciones, arte en diversos formatos y medios, hay arte sonoro, publicaciones y literatura. Hay perfomance, poesía, lecturas, música, hay de todo.

¨Lo que perseguíamos era crear un espacio donde nosotros pudiéramos conocernos mejor e intercambiar colaboraciones. Aquí están los recursos de todo el mundo y el tiempo de todo el mundo¨, explicó Juhasz, cuya iniciativa recibió $10,000 del ICP para su organización.

Contrafuertes es el ejemplo de cómo se rompe con los espacios tradicionales para el arte y se le inyecta vida para proponer una experiencia ágil e interactiva dirigida al consumo de todos. Contrafuertes se me antoja contrapeso a todo lo demás que encontramos en la Trienal.

No así en menoscabo del resto de las exhibiciones y programas de la Trienal, sino porque Contrafuertes logra mantenerse en movimiento con la llegada de un público vario pinto y con el sentido amplio de la colaboración, al parecer una de las ideas principales de la convocatoria poligráfica, que alude de manera metafórica a la colmena de abejas.

Juhasz y sus colaboradores rescataron del abandono un espacio extraordinario y le asignaron cada estancia del caserón a diferentes artistas para presentar sus respectivos proyectos. Estos incluyen a Ana Rosa Rivera, Dhara Rivera, Papo Colo, Frances Rivera, Arnaldo Morales, Eduardo Martínez, Néstor Otero y Annex Burgos, el estudio de sonido de Fabián Wilkins y el salón de lecturas de Néstor Barreto y su editorial Colección Maravilla.

En la resguardada estructura de dos pisos igualmente está la sala del proyecto MSA de Teo Freytes, quien convocó a otro puñado de artistas para presentar sus piezas. Por su parte, el actor Teófilo Torres va de la mano de un proyecto repleto de abejas, Lynette Ruiz con un huerto para las abejas y también hay 13 mesas que emulan colmenas y se convierten en espacios expositivos para otros tantos artistas. Las mesas albergan trabajos de Ivelisse Jiménez, Mariela Castro, Elizam Escobar, Julio Suárez, Adelino González, Frances Rivera, Allora & Calzadilla, Art Kendall, Margarita Vicenti, Io Ana Carrión y Rafael Vargas.

En el patio interior de varios niveles se divisa una tarima para las actividades al aire libre, sobre todo con amplia programación cada jueves a partir de las 7:00 de la noche. Desde el mismo lugar se aprecian enormes murales trabajados por grafiteros como Bik Ismo.

Juhasz explicó que cada espacio está abierto para apreciar las piezas, interactuar con ellas, agarrar libros, leer, y conversar. ¨Aquí hay un aspecto de voluntarismo muy amplio. Por ejemplo, el salón de los editores es una biblioteca pública donde las personas vienen, se sientan, leen. La gente está fascinada¨, destacó Barreto.

En el proyecto de Wilkins, se creó un singular estudio de grabación donde artistas sonoros y músicos acuden y experimentan con sonidos, se transmiten instancias en tiempo real y se llevan a cabo otras actividades.

Otros artistas como Awilda Sterling, llegan y presentan acciones en las que interactúan con las instalaciones, han llegado niños que han armado un entramado de hilos de colores a modo de cielo falso, y la oportunidad para crear no tiene límites.

Más allá de cada pieza o presentación, con su peso y relevancia, es el valor de la intangible lo que permea en la atmósfera, ese algo que no se consigue sólo con un cuadro colgado o con objetos dispuestos de cierta manera. Lo intangible es el ánimo de acercar voluntades en una escena dispersa donde predomina el protagonismo, pero en Contrafuerte protagonizan el arte, la acción y el público. La colmena está llena y la miel abunda.

El Prado y la difícil tarea de conservación

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Mon, 14 May 2012 19:45:00 +0000

(Entrevista exclusiva de El Naufragio de las Palabras con José Luis Diez García, jefe de conservación de pintura del siglo XIX del Prado. Le acompaña Borja Baselga Canthal, director gerente Fundación Santander)

Al cruzar las enormes columnas frontales del Museo Nacional del Prado, a la espera aguardan miles de piezas de arte, cada cual con una historia particular.

Una treintena de conservadores especialistas en distintas épocas y escuelas pictóricas son los responsables de desentrañar esas historias que abonan a la vida de cada obra o descubrirle otras. Estos laboran en la conservación preventiva, el estudio, el análisis y en la restauración de las piezas que así lo requieren.

Eso le ha ocurrido recientemente a una de las copias de La Gioconda, encontrada en los depósitos del museo y que recientemente se le reconoce haber sido pintada por uno de los discípulos de Da Vinci, para el mismo tiempo en que pintó la Mona Lisa. De hecho, la habría pintado en el mismo taller del pintor italiano.

Tal descubrimiento resulta del cúmulo de horas de estudios y análisis en los talleres de restauración del Prado, donde han dado en el clavo con la relevancia mayor que ha adquirido la pieza.

Otros ejemplos tiene el Prado y tal vez uno de los más conocidos en los últimos cinco años es la famosa pintura El Coloso de Goya. La mirada incisiva de un especialista le comenzó a cuestionar sobre el verdadero autor de la obra y finalmente (2009) llegaron a la conclusión que no era del pintor y grabador español.

Casos como los anteriores adquieren una relevancia de tal magnitud porque pueden cambiar la historia y llevar un cuadro por un camino muy distinto al que se le había trazado hasta entonces.

Llegar a conclusiones tan dramáticas no es tarea sencilla, sobre todo para los conservadores y restauradores, quienes tienen, primero en sus ojos y luego en sus manos esa labor incisiva que conduce al gran descubrimiento. Igual, un mal juicio, puede lesionar.

José Luis Diez García, jefe de conservación de pintura del siglo XIX del Prado conversó con El Naufragio de las Palabras sobre la ética y los límites a la hora de intervenir una pieza de arte, principalmente obras antiguas con capas y capas de pintura, de barniz, sucio e historia.

¨En nuestro trabajo como historiadores lo único que perseguimos es poner la verdad en lo que estamos buscando¨, expresó Diez García, en ocasión de su visita a Puerto Rico como parte de una conferencia en el marco de la exposición ¨Del Greco a Goya¨, en el Museo de Arte de Ponce, Puerto Rico. La visita es auspiciada por la Fundación Banco Santander y su director Borja Baselga Canthal, que han hecho posible la primera exposición exclusiva del Prado en América.

Los conservadores, como bien señaló Diez García, son historiadores del arte quienes han visto miles de obras y logran especializarse, lo cual los hace conocedores del proceder, la técnica y demás particularidades de los artistas de un periodo.

¨A la hora de la limpieza es cuando un cuadro corre más riesgos. Se encuentra uno con muchas capas de barniz y uno puede llegar hasta donde quiera en ese proceso¨, agregó el reconocido conservador, y aclaró que una radiografía no es lo que revela el autor real de una pieza.

Aseguró que la investigación histórica tiene más peso que la tecnología disponible o empleada, aunque aceptó que esta es de gran ayuda para estimar áreas que no pueden verse a simple vista. ¨La tecnología ayuda al historiador a entender como se ha concebido el cuadro¨, añadió.

Diez García indicó que a la hora de tomar decisiones -en cuanto a dónde llegar-, ¨el sentido común y el equilibrio¨, es lo que debe prevalecer y sostuvo que de esto se trata el gran reto para la profesión.

¨La conservación es la responsabilidad de preservar las obras de arte en las mejores condiciones posibles para la generación siguiente¨, según lo definió.

Escrutar en profundidad una obra saca a flote las correcciones, las borraduras, los tachones de pintura y toda clase de pincelada del artista, las que hizo a conciencia y las que pretendió ocultar. En ese indagar y limpieza de capas -no necesariamente puestas por su autor- igualmente se descubren detalles importantes ensombrecidos por el tiempo y que muchas veces son huella distintiva de la mano del artista.

¨Una radiografía no revela si el cuadro es de Velázquez o no. La experiencia y el ojo son fundamentales porque a Velázquez se le notan muchos los arrepentimientos (en sus pinceladas)¨, abundó el especialista, quien comentó sobre la reconocida pieza ¨Las Hilanderas¨ de Velázquez, objeto de importantes estudios que han permitido la construcción de una historia rica en detalles y esclarecimientos, y por supuesto, todavía inconclusa.

Una pieza que antes tuvo un fondo oscuro, puede mostrar una apariencia distinta con la brillantez de colores y un paisaje con otra atmósfera, tras un proceso de limpieza y restauración, tal como ocurrió con la copia de La Gioconda.

La intervención de obras puede y levanta grandes debates, precisamente por los riesgos que siempre se requieren tomar. La discusión más álgida es hasta qué punto se puede llegar. A esto, Diez García comentó que la escuela anglosajona está más dispuesta a un riesgo mayor, mientras en España se lo toman con una cautela distinta. La última palabra –y con ella el peso- la tiene el director de conservación.

A la hora de apreciar el arte

Por otro lado, para los museos, cada tiempo ha resultado complicado a la hora de lograr los ingresos necesarios para su mantenimiento y acaparar la atención y el respaldo del público.

El Museo Nacional del Prado, uno de los más reconocidos y visitados del mundo, no se le da fácil ese sitial y más allá de las consideraciones económicas y demás, la manera de presentar sus colecciones también es responsable del éxito de sus exposiciones.

¨Tenemos que tratar de hacerle fácil la comprensión de la exposición a los visitantes sin necesidad de leer mucho. La gente visitante del Prado es muy receptiva y lo entiende¨, comentó Diez García.

El Prado revisa su sistema de exposiciones y evalúa regresar a la manera en que se realizaba hacia el siglo XIX. Es un experimento ya tratado al que se le pondrá dimensión más amplia.

La idea siempre es contar una historia y establecer el diálogo apropiado entre obras. Todo esto es lo que mantiene vivo a un museo, sin que se convierta en depósito de telas pigmentadas, dibujos, esculturas y toda otra manifestación creativa.

Mirada al arte contemporáneo

Al hablar del arte contemporáneo, Diez García señaló que es importante apoyar lo que se está haciendo y tener el ojo afinado para saber seleccionar lo que podrán ser los grandes artistas en el futuro. Como ejemplo, dijo que una parte importante de la colección del Prado la ocupa esa selección de artistas contemporáneos en su tiempo, y que luego se convirtieron en los grandes pintores de su época con una cotización muy alta en precio.

¨El estado español apoyó el arte contemporáneo de entonces y adquirió piezas que ahora son muy valiosas¨, destacó.

Reconoció que al presente el mundo de arte es distinto, con un mercado y galerías que establecen el precio, lo cual también se ve influenciado por modas, ¨y tienen un riesgo evidente y es el de la apuesta¨.

Diez García mencionó que hoy ¨es más difícil entender o reconocer el valor¨ de una pieza. ¨Uno ve algo y se pregunta esto qué es. Pues habrá que ver en 100 años que sucede con todas estas propuestas¨.

El ruido de los cultumillones

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Mon, 05 Mar 2012 17:58:00 +0000

En boca de políticos, cuando tocan el tema cultural, sus palabras parecen sinfonía. El ruido del dinero no se escucha estridente. Una cifra exacta y el verbo apropiado.

Cinco millones de dólares es el costo de la cultura en tiempo de campaña política. Llega tímido el anuncio en fin de semana y el titular -de cierta manera- lo hace lucir grande.

En seis partes se ha dividido el bizcocho. No deja de ser agradable el pronunciamiento del Primer Ejecutivo, principalmente cuando se le ve que no ha olvidado a los que hacen cultura (bueno, esta frase puede cuestionarse), aun con los finanzas apretadas del estado.

Muchos han sido los recortes presupuestarios para la cultura durante las últimas dos décadas, y cuando llegan asignaciones económicas imprevistas -como ésta- se deben agradecer. SÌ, a pesar del año electoral, aunque haya sido este detalle el que lo provocó.

Un millón de dólares para una nueva convocatoria del Consejo de Administración del Fondo Puertorriqueño para el Financiamiento del Quehacer Cultural. Hay $1,761,425 que es parte de una autorización al Instituto de Cultura Puertorriqueña para sufragar gastos operaciones en las casas y museos que tiene en Ponce. Esa cifra también incluye gastos para adquisición, manejo y conservación de la Colección Permanente y mejoras en el Arsenal de la Marina en la Puntilla en el Viejo San Juan.

Un millón y medio de dólares para el programa ‘Soy Cultura’ del ICP, dirigido a festivales y talleres. Un millón cincuenta mil dólares para la Tercera Trienal Poligráfica de San Juan, que tendrá lugar a partir del 28 de abril próximo. Quinientos mil dólares para la segunda Campechada a celebrarse en octubre y que será dedicada a Francisco Oller y Cestero.

Por último, cien mil dólares para talleres de música, teatro, pintura, serigrafía, danza, entre otros, para el programa ‘Rescatando nuestras calles’, el cual es administrado por el ICP y el Departamento de la Familia.

Uno mira este desglose de fondos relatado por la prensa e inevitablemente la conclusión es una. Una apuesta al ruido inmediato, bien sonado, y para que retumbe en las conciencias ligeras de camino a las urnas. Nada más. El beneficio que llegue en esa ruta corta, pues, enhorabuena.

Las cifras de casos violentos, crímenes y asesinatos ya las conocemos. El cuadro social lo tenemos claro. Más de la mitad de la población bajo los niveles de pobreza, con vida asistida por las ayudas de beneficencia, y el acceso a una educación con serias deficiencias donde las humanidades, las expresiones artísticas y todo eso que abona a la cultura (da igual que sea popular, alta cultura o lo que sea), cada vez recibe menos apoyo. Cuando llegan cinco millones de dólares para esto es porque ya se han perdido veinte.

La cultura crea cohesión social, crea afecto, crea sensibilidad, crea conciencia y despierta el intelecto. La cultura también apoya la vida, el respeto, la compasión, el orgullo y hace PATRIA. No la patria de los políticos y sus mescolanzas pebliscitarias de las estrellas o el puño o el jíbaro.

Repito. Uno mira ese desglose de fondos y sabe que ese llamado programa ‘Rescatando nuestras calles’ requiere no solo los cinco millones de dólares, muchos más, y no esas migajas de $100,000 que de seguro se consumirán en aspectos burocráticos en un pestañear y al final será inconsecuente con el rescate de nada.

Seguirán las comunidades marginadas y bajo el control de las drogas donde la alternativa inmediata y el modelo a seguir -el de la supervivencia y accesible- seguirá siendo el de la actividad delictiva. Así, con esa cultura, la violenta, la de los tiroteos en cualquier lugar, la que domina y aterra.

Mientras tanto, la asignación de fondos ruidosos a un ICP institucionalmente y pensadamente inoperante, salvo por el compromiso de mujeres y hombres que si creen en otro propósito genuino de la agencia. También habrá más dinero para la Campechada masiva y colorida que da lustro a unos pocos y entusiasma a muchos.

Son estos los fondos del titular y de las actividades que traerán otros titulares. La directora del ICP debe estar contenta, la Alcaldesa de Ponce debe estar contenta, la Campechada debe estar contenta.

Además de todo esto, también se ha anunciado que el Banco de Desarrollo Económico creó ‘Desarrollarte’, que son préstamos hasta $50,000 para empresas artísticas. Sobre eso, la prensa cita al Primer Ejecutivo cuando dice: “No puede ser que el tema cultural o artístico sea únicamente subvencionado por el Estado en su totalidad. Pero también aquí tiene que existir la posibilidad de que puedas desarrollar una carrera, mantener a tu familia y aportar a la sociedad”.

Demasiado simplista.

Tal vez ya la cultura se trate de otra cosa y todavía no me acostumbro al ruido. El del dinero preelectoral y el de los tiros.

Juli Capella en el ojo del diseño

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Sun, 29 Jan 2012 05:46:00 +0000

Bravos, la exhibición que ha recorrido algunas ciudades de Estados Unidos y que también tendrá su estadía por Latinoamérica, se presentará próximamente en Puerto Rico, como parte de una gestión del gobierno español y la empresa privada (Banco Santander) para difundir el trabajo creativo de 21 diseñadores nacidos a partir de los años ´60 en la península Ibérica.

La muestra, que busca reunir lo más significativo del diseño contemporáneo español, también pretende enseñar cómo los diseñadores de España pueden insertarse en el escenario internacional del diseño, dominado por lugares de amplia tradición y reconocimiento como Milán.

La faena principal la realizó el destacado arquitecto Juli Capella, quien ha sido el curador de la exhibición y ha editado un libro sobre la muestra.

A partir de la selección de los diseñadores con un perfil particular, Capella tiene el obejtivo de ¨intentar recoger el rico abanico de tendencias, orígenes geográficos y enfoques tipológicos, siempre desde la perspectiva de la calidad del diseño de producto¨, influenciados por figuras como Gaudí o Dalí, y los llamados maestros del siglo XX André Ricard, Miguel Milá, Oscar Tusquets o Javier Mariscal.

Desde Madrid y previo a su visita a Puerto Rico, Capella habló con El Naufragio de las Palabras sobre el diseño español, las tendencias actuales y las preocupaciones principales de los diseñadores.

¿Cuando se habla de diseño español se categoriza así al estar trabajado por españoles o se identifican elementos particulares que así lo denotan?
Todo el mundo identifica los muebles sinuosos de madera clara con Finlandia, o las lámparas de papel con Japón. Hay productos que asociamos con diversos países. Pero la mayoría son universales. No hay nada concreto que denote ´hispanidad´ pero sí hay ciertos rasgos comunes, como la organicidad, el cromatismo vivo, el ingenio por encima de la tecnología, la influencia artística, etc. Hoy en día consideramos español todo aquel producto que haya sido diseñado o bien producido en España. Pero la realidad es que muchos productos acaban siendo fabricados en China, incluso muchos que han sido pensados en Estados Unidos, en Australia o Italia salen de China. La paradoja de la globalidad va en contra de definir nacionalidades. Por eso precisamente nace Bravos, para debatir este concepto que se está diluyendo desde el punto de vista creativo. ¿Existe un diseño nacional a principios del siglo XXI?

¿Qué predomina en el diseño español contemporáneo? ¿Hay más objetos, mobiliario, otros?
Nuestra creatividad más relevante es la arquitectura (que también es diseño, pero de gran formato) y los elementos urbanos, bancos, farolas,... También es notorio el interiorismo, el diseño de bares y tiendas, que tuvo en los años 80 del siglo pasado un fuerte auge. Pero actualmente destaca el mobiliario doméstico y sobre todo las lámparas. Si quieres un buen foco, son mejores los alemanes, pero si lo que pretendes es calentar espacios, darles vida, las lámparas españolas son sensacionales, son como organismo vivos que dan vida a tu hogar. Otro punto fuerte de nuestra creatividad es el diseño gráfico, y también cierto estándar de la moda del vestir que representan marcas internacionales como Zara, Custo, Desigual, Camper…

¿En dónde está el diseño español al presente en relación a lo que ocurre en el resto de las principales ciudades del diseño?
No somos la capital, pero sí una alternativa al poderío italiano. Milán sigue siendo la capital desde hace muchos años y es donde se concentra la industria productiva. Pero la Feria de Valencia en España sigue siendo una importante cita anual. Y Barcelona sigue siendo núcleo creativo al igual que Madrid. Somos un refrescante relevo a los líderes tradicionales que se repiten.

¿Cómo incide la economía actual en la industria del diseño?
La crisis mundial es precisamente una oportunidad perfecta para el desarrollo del diseño. Pero de un diseño auténtico y profundo, no epidérmico. Diseño no quiere decir añadir decoraciones o cambiar formas y colores, sino encontrar formas mejores para funciones determinadas. El buen diseño no solo hace más feliz a la gente que lo usa, sino que además rentabiliza a las empresas que han invertido en él. Hoy en día no se entiende el progreso sin un diseño adecuado. Por tanto me atrevo a decir que solo un mejor diseño puede salvar a muchas empresas de la actual crisis.

¿Qué prevalece en el diseño actual: funcionalidad, tecnología, arte?
Ahora mismo hay una creciente pujanza del diseño más artístico, incluso aquel que transgrede la función y ya no sabes si es una escultura sin uso. Pero en los objetos de nuestras vidas cotidianas coexiste una mezcla entre muchas virtudes: función, precio, prestaciones tecnológicas, estética,… La gente no es tonta y sabe elegir, pero hay públicos para muchos sectores, uno más sofisticado y lujoso y otro más pragmático. Lo innegable es que cada vez más la gente adquiere cultura selectiva a la hora de elegir un objeto. El viejo slogan de Raymond Loewy de ´lo feo no se vende´ y que entre dos objetos de igual calidad, función y precio la gente elige el mejor diseñado, sigue siendo válido.

¿Es más fácil o no concretar y producir diseños hoy?
Es facilísimo comparado con los inicios de la industrialización. Antes era necesario hacer una gran inversión en moldes, para lograr piezas repetitivas, todas iguales, que se vendían durante muchos años para amortizar la inversión inicial. Pero hoy en día con la robotización, es más fácil producir objetos diferentes, hacer tirajes cortos y cambiar rápidamente la forma, mediante moldeados económicos. Podemos decir que se tiende a la individualización de los objetos. Ese es quizás el problema, hoy en día es demasiado facial producir un objeto, y por eso el planeta esta tan lleno de cacharrería inútil y de basura.

¿Además de Bravos, en qué otros asuntos está ocupado Capella por estos días? ¿Trabaja en algún proyecto arquitectónico y cuál?
Bravos es la ocasión de conocer de primera mano a 21 diseñadores españoles del siglo XXI, que muestran un rico abanico de tendencias. Pero mi oficio es la arquitectura, desde mi estudio hacemos hoteles, centros de ocio, oficinas, y también trabajo de interiorismo, como el restaurante Jaleo, para el chef José Andrés que hemos hecho en Las Vegas y Washington. Tenemos proyectos en Viena, Múnich, Marrakech,… casi nada en España. También hacemos exposiciones, libros,… cualquier cosa relacionada con la creación.

¿Será su primera visita a Puerto Rico?
Afortunadamente conocí Puerto Rico hace muchos años, invitado por Jorge Rigau para hacer un libro sobre Gilda Navarra, Polimnia. Y cuando fue él director de la Facultad de Arquitectura vine a dar un curso sobre "Diseño de arquitectos". Tuve oportunidad de recorrer la Isla y disfrutar de su riqueza natural, su cultura y su gente. Un lugar muy especial en el planeta, una mezcla muy peculiar de valores, muy cercana a la cultura española pero a la vez muy independiente y única.

¿Cuál es el futuro del diseño? ¿Hay una mirada muy a futuro o los diseñadores han vuelto a mirar hacia el pasado?
El buen diseñador siempre mira al presente. Se inspira atrás para coger impulso mirando hacia delante, pero siempre desde el presente. Es decir, resuelve lo mejor posible las cosas en las circunstancias de cada momento. Pero luego los hay visionarios, que se encargan de anticipar cosas, como fueron Charles y Rey Eames o Joe Colombo. Con el paso del tiempo sus locuras van cobrando sentido. Por último los hay que miran hacia el pasado como fuente de inspiración, sobre todo estética. No está mal, es un recurso que siempre funciona, darle un toque moderno al mueble de la abuela. Pero lo considero un diseño menor, meramente esteticista y con poca sustancia. Eso si, se vende muy bien porque la gente aprecia lo que puede reconocer. Pero yo procuro ser muy consciente del ahora.

La muestra Bravos se presentará en el Museo de Arte de Puerto Rico entre febrero y abril de este año. A continuación los nombres de los diseñadores, la mayor parte de los cuales han estudiado y trabajado en el extranjero, en contacto directo con la comunidad internacional del diseño.

Antoni Arola (Tarragona, 1960 / http://www.blogger.com/www.estudiarola.com )
Martín Azúa (Vitoria-Gasteiz, 1965 / http://www.blogger.com/www.martinazua.com )
Nacho Carbonell (Valencia, 1980 / http://www.blogger.com/www.nachocarbonell.com )
Curro Claret (Barcelona, 1968 / http://www.blogger.com/www.curroclaret.com )
CuldeSac (Pepe García, Valencia, 1974 y equipo / http://www.blogger.com/www.culdesac.es )
díez+díez diseño (J. Díez, Madrid, 1966 y José L. Díez, Madrid, 1968 / http://www.blogger.com/www.diezmasdiez.com )
El Último Grito (R. Hurtado, Madrid, 1966 y R. Feo, Londres, 1964 / http://www.blogger.com/www.eugstudio.com )
Emiliana Design (A. Mir, Valencia, 1969 y E. Padrós, Barcelona, 1969 /
http://www.blogger.com/www.emilianadesign.com)
Luis Eslava (Valencia, 1976 / http://www.blogger.com/www.luiseslava.com )
Guillem Ferran (Tarragona, 1983 / http://www.blogger.com/www.guillemferran.com )
Joan Gaspar (Barcelona, 1966 / http://www.blogger.com/www.joangaspar.com )
Martí Guixé (Barcelona, 1964 / http://www.blogger.com/www.guixe.com )
Jaime Hayón (Madrid, 1974 / http://www.blogger.com/www.hayonstudio.com )
Lagranja (Gabriele Schiavon, Padua, 1973, & team / http://www.blogger.com/www.lagranja.it )
Ernest Perera (Vilanova i la Geltrú, Barcelona, 1974 / http://www.blogger.com/www.ernestperera.com )
Diego Ramos (Barcelona, 1978 / http://www.blogger.com/www.diegoramos.es )
Mario Ruíz (Alicante, 1965 / http://www.blogger.com/www.marioruiz.es )
Héctor Serrano (Valencia, 1974 / http://www.blogger.com/www.hectorserrano.com )
Stone Designs (C. Mazuelos, Madrid, 1973 y E. Prego, Logroño, 1974 / http://www.blogger.com/www.stone-dsgns.com )
Ramón Úbeda (Jaén, 1962 / http://www.blogger.com/www.ramonubeda.com )
Patricia Urquiola (Oviedo, 1961 / http://www.blogger.com/www.patriciaurquiola.com)

Los surcos del oficio en Antonio López

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Tue, 10 Jan 2012 05:17:00 +0000

MADRID - Los grises más profundos dejan de ser fríos y se vuelven cálidos en las telas y paneles de Antonio López. Más certeros los amarillos, mareados e intensos, casi sol crepuscular que todavía quema.
Millas y millas de profundidades infinitas que van desdibujando un paisaje familiar, cotidiano o añorado de ese Madrid o sus cercanías, que te dejan clavado en la contemplación.
Tras años de no exponer un conjunto importante de su producción, finalmente el Thyssen Bornemisza de Madrid ha logrado colgar y poner a relieve en más de un piso y en varias salas una muestra significativa del artista hiperrealista, en ocasión del 50 aniversario desde su primera exposición. Una retrospectiva anterior ocurrió hace 31 años en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
Miles de personas han llegado al encuentro con la obra pictorica y escultórica del manchego López, en un montaje donde sobresalen bocetos y dibujos y un documental con una amplio relato de entrevistas a colegas, entendidos del arte y del propio artista.
Paisaje y cuerpo, ambos naturaleza, ocupan años de estudio de la forma y el color, y la reiteración de alcanzar la perfección ya lograda. Aposentos -muchas veces precarios, blanquesinos- y objetos cotidianos, electrodomésticos, casi imagen fotográfica desde la distancia y la evidencia de las horas y el trabajo, ya de cerca.
Hay total poesía y la inconfundible intención de detener el tiempo de esos instantes (construidos a fuerzas de tantos otros) en tales piezas, eminentemente de gran formato, y en las escultura también grandes. La entrada al museo es la bienvenida que ofrece una enorme cabeza de un niño en el patio principal. Entonces, adentro, cuerpos enteros o parte de estos.
Es evidente el constante estudio del artista antes de realizar cada pieza y cómo analiza su objeto del deseo centímetro a centímetro.
Naturaleza, arbustos y membrillos, esa imagen objeto de gran interés, de muchos dibujos y bocetos, coloridos y descoloridos, y finalmente pintura. Hay bodegones, hay relatos con personajes, ha pintado a la Familia Real.
Piel y rostro surcado por años de vida labrada en el arte con sabor a oficio duro es el físico actual de López, quien cumplió 76 años el pasado 6 de enero. Mirada profunda del que ha visto sin agotarse.
Estos son apuntes que corresponden a una lectura ligera de una tarde corta (agosto 2011) por las salas de Thyssen. Imposible una reseña respetable de un Artista que no ha hecho más que trabajar. No recuerdo la última vez que utilicé la palabra excelente -en un escrito creo que nunca la incorporé-, pero así es Antonio López.

No me creo con derecho a nada, pero tomo la palabra

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Wed, 28 Dec 2011 04:01:00 +0000

Con los signos aun presentes de la recesión económica, que en cuatro meses cumplirá seis años en Puerto Rico, el mercado local del arte como tantos otros sectores no han logrado salir ilesos. Como saldo, una reducción variable en la actividad plástica de la Isla, el cierre de galerías de todo tipo y escasas posibilidades de venta para los artistas.
Sin embargo, la llegada del 2011 con sus sinsabores y pocas esperanzas de mejoría empezó a dar muestras de cambio para las artes plásticas con un incremento en la cantidad de exposiciones, principalmente colectivas, que se han presentado como la alternativa más viable para ofrecer al espectador y al coleccionista diversidad de opciones en una misma ocasión. Eso no necesariamente se ha traducido en actividad económica.
El último año han surgido también nuevos espacios de exposiciones y divulgación de las artes, en particular en el área de Santurce, donde los gestores y artistas han identificado espacios adecuados y asequibles al bolsillo. Como ya ha sido reseñado anteriormente, en concreto se puede hablar de un distrito artístico, como lo fue en su momento la avenida Andalucía en Puerto Nuevo, donde aún quedan algunas galerías.
No obstante, en el caso de Santurce, la actividad se da de manera individual y en ocasiones se impulsa cierta cohesión con el evento Santurce es Ley, una iniciativa con un potencial de desarrollo, pero que no alcanza todavía la magnitud que pudiera adquirir. Dicha gestión tendría la posibilidad de proyectarse como una gran feria de arte -dentro de un concepto particular-, más allá de llegar a ser una actividad cervecera como se convierten algunos proyectos en Puerto Rico.
La recesión -que no ha terminado- ha debido servirle a los artistas como pie forzado para la reflexión sobre la autogestión y el impulso personal de su carreras y proyectos dentro de un marco de posibilidades reales. Con este me refiero a la exploración de alternativas coherentes y dotadas de la formalidad necesaria, aún dentro de sus carácter alternativo. El no hacerlo de este modo, y con esto no pretendo ofrecer opciones salvadoras y únicas, y menos creerme con derecho a nada, hace que las pocas opciones de auspicios y ayuda pública y privada sean siempre capitalizadas por las mismas personas para el beneficio de unos pocos.
La forma y la manera en que se hacen, se desarrollan y se presentan los proyectos, marcan la diferencia entre obtener un resultado o un apoyo, y muchas veces no se logra comprender esto amparados en argumentos que podrían ser válidos, pero que al final no acercan la posibilidad de materializar ideas. Que es más complicado que despacharlo con esta liviandad, es cierto, pero un cambio de actitud -y no de principios- resultaría más positivo para despejar la escena local del arte del germen de ¨los mismos¨.
La política, el amiguismo y el control de grupos de poder obstaculizan demasiadas cosas en nuestro País, pero la responsabilidad compartida de los diversos sectores no termina de cuajarse en beneficio de los artistas. La academia sigue tímida y no promueve casi nada, salvo un par de exposiciones. Los museos, ya ni hablar. Éstos siguen en sí como piezas inmóviles, sea por falta de fondos, por falta de gestión o por ausensia de ganas.
Cómo es posible que no hayan muestras de artistas importantes puertorriqueños o con vínculos en esta tierra en ninguno de los museos. Dónde está Félix González Torres, Rafi Ferrer, Donde está Olga Albizu. Donde está tantos otros de ¨en antes¨ y de ahora. No todo es Campeche y Oller, sin minimizar en lo absoluto su importancia. Porque estos sí y porque también los otros, los demás.
Entonces me allego a la importancia del ¨Fuck Martorell¨ del ARTISTA que es Rafael Vargas Bernard. Acción no sólo lanzada a un artista como Antonio Martorell, sino dirigida a lo que encarna el grupo de ¨los mismos¨, del cerco cerrado para los pocos y no los muchos. No se trata de una afrenta personal contra un artista privilegiado (y que bien), es el llamado de conciencia en defensa de una comunidad de artistas que se agobian de mover piedras.
Pero es lamentable que estos asuntos no se discutan sino por la esquina. Venga el debate público PÚBLICO, desde la academia, desde la prensa, desde el foro que sea, que vengamos en conocimiento todos (los metidos en el arte, los arrimados, los casis casi, los que no y todos) de lo que ocurre con esta escena cultural. Por qué el miedo de los miedosos.
¨Fuck Martorell¨ ha sido uno de los detonantes más valientes de la recesión, y me refiero a la económica y a la de la falta de enteresa.

La constante en la obra de Raimundo Figueroa

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Wed, 30 Nov 2011 05:35:00 +0000

Raimundo Figueroa sostiene que una de las mayores dificultades que enfrentan los artistas es lograr encontrar el lenguaje con el cual se sientan cómodos, para poder continuar la exploración en su trabajo y llevarlo hasta el límite.

Ese lenguaje muchas veces está dado, mientras en otras instancias se forma en la marcha y se fundan maneras distintas -en ocasiones innovadoras- de plasmar o proyectar imágenes, conceptos o ideas.

En su caso, se ha agarrado del lenguaje abstracto, particularmente el de corte expresionista que tuvo su efervescencia en Nueva York hacia la primera mitad del siglo pasado y sus secuelas posteriores.

Formato grande, pigmento denso, color vibrante y la insistencia en estadíos emocionales o caminos filosóficos, entre la aspiración, el deseo o la consumación de la idea trabajada, definen a grandes rasgos su propuesta pictórica. Aunque prevalece la pintura, también el dibujo alusivo a animales, objetos y a la naturaleza, junto al collage, encuentran espacio importante en la producción del artista.

En entrevistas previas, Figueroa ha dicho que en su trabajo plástico trata de ser espontáneo y abierto con un lenguaje que pueda ser más entendido, y en esa intención llegan sus pinturas en apariencia monocromas. Es en apariencia ya que en los casos donde no limita la paleta a uno o dos colores con sus respectivas degradaciones, disfraza el protagonismo de un color con la yuxtaposición de otros no del todo ocultos para que los podamos identificar. Esa parece una manera de agarrar la vista del espectador y acercarlo al lienzo o el papel que comunmente le sirven de soporte.

Las referencias a algunos de los llamados maestros de la pintura moderna, y a otros más contemporáneos, es clara, pero sobresale con gran fuerza el recien fenecido Cy Twombly, con sus manchas gestuales, borraduras, textos o anotaciones a lápiz o razgadas sobre la superficie. Este es el caso de sus piezas ¨menos limpias¨.

En la obra de Figueroa, el texto cobra una relevancia preponderante, aunque no se le vea como principal elemento, aunque no se situe en todas sus piezas, aunque apenas lo materialice. Sea que esté escrito en la obra, o que solo lo acompañe como título de esta, denota una conciencia entrelazada con la palabra escrita. Texto frase, texto palabra, texto símbolo.

Por ejemplo, al utilizar frases cortas de entendimiento universal, no están lanzadas como idea única, y en cambio son a manera de sugerencia para activar la aspiración, el deseo o la consumación de la idea trabajada, pero en la mente de cada cual, a partir de las vivencias del espectador.

En síntesis, con todas estas anotaciones podemos definir -no al detalle-, de manera amplia la obra de Figueroa en la presente exposición ¨Raimundo Figueroa: CONSTANT BEAUTY¨, que constituye la segunda muestra que presenta el Instituto de Cultura Puertorriqueña en la nueva sala de la Galería Nacional en el Viejo San Juan.

La exposición cubre poco más de las últimas dos décadas del trabajo de Figueroa con una pieza de 1989 como la de mayor antiguedad en la muestra compuesta por 41 obras sobre lienzo y papel. No es una retrospectiva y más bien funciona a manera de ensayo sobre los campos de exploración en las ideas y preocupaciones del artista.

Resulta una muestra interesante para conocer de cerca el trabajo de Figueroa, quien ha logrado insertar su obra en importantes colecciones alrededor del mundo como las del Museo de Arte Moderno de Sao Paulo, Museo de Arte Moderno de México, Museo Tamayo, y Forbes Collection, entre otras.

De colecciones y donativos

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Mon, 05 Sep 2011 02:55:00 +0000

Aunque los museos en Puerto Rico establecen en sus reglamentos que una parte de sus presupuestos operacionales incluirán partidas económicas destinadas a la compra de obras de arte para nutrir sus colecciones, la realidad es que ¨nunca¨ han honrrado ese predicamento.
En lugar de conseguirlo con dinero, la llegada de nuevas piezas descansa principalmente en las relaciones que desarrollan para lograr que algún coleccionista privado, institución o mecenas, se decida por hacer el donativo. En casos excepcionales optan por levantar fondos para comprar una determinada pieza que se presenta en una oportunidad única.
Esos detalles salieron a relucir a preguntas de El Naufragio de las Palabras, durante el conversatorio ¨¿Qué es una colección de arte?¨, celebrado en días recientes en el Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico (MAC), en Santurce.
Tanto la directora del MAC, Marianne Ramírez, como su homólogo del Museo de Arte de Ponce (MAP), Agustín Arteaga, y el curador del Museo de Arte de Puerto Rico (MAPR), Juan Carlos López Quintero, coincidieron en que el dinero para nuevas obras nunca se separa. Mientras, la ex directora del MAPR, Carmen T. Ruiz de Fischler, se expresó en términos similares.
Todos también estuvieron de acuerdo en que las dificultades para poder levantar los fondos operacionales es tal que les resulta ¨difícil¨ e ¨imposible¨, separar presupuesto para nuevas adquisiciones.
Dicha situación representa otro escollo para los artistas puertorriqueños, sobre todo para los más jóvenes, quienes además de intentar sobrevivir en un mercado reducido del arte y tan cerrado, y que se concentra en las mismas figuras del arte de generaciones anteriores, ven lejana la posibilidad de que estos museos adquieran sus obras y paguen por ellas.
Casi queda planteado que la única posibilidad de ver sus obras en los museos oficialistas es haciendo una donación de su trabajo, si es que sus piezas logran el interés de dichas instituciones.
En un recorrido por las salas de exposiciones de los mencionados museos no es de extrañar el encontrar piezas que levantan más de un cuestionamiento sobre su llegada a dichos espacios, por encima de otras cuyos hacedores ofrecen una propuesta plástica innovadora, coherente, original y más depurada. En parte, la explicación podría ser que les llegaron como donativo, aunque aún así hayan pasado por cierto cedazo.
Durante su alocución, la Dra. Ruiz de Fischler habló de la importancia de la ética, sobre todo si tomamos en cuenta que varios coleccionistas son miembros de las juntas de directores de los museos. En esta parte, cabe destacar que no han sido pocos los señalamientos en el sentido de que algunos coleccionistas o galeristas en las juntas de los museos impulsen la adquisición de obras de artistas que ellos apoyan porque anteriormente han adquirido sus obras. Al colocarlos en museos oficiales les añaden valor a sus piezas.
La decisión de aduirir piezas en los museos en la Isla puede estar recomendada por el curador del museo, su director o directora o por la junta, que es la finalmente da el visto bueno de que se compra o se admite a la colección.
A pesar de no tener un presupuesto seprada para adquisiciones, en el MAP, su director Arteaga dijo que el último año lograron incrmentar las adquisiciones en un 20%, principalmente con donaciones aunque también hubo compras. De las compras, los museos aquí nunca informan cuánto pagaron y a quién por tal o cual pieza.
Muchas preguntas siempre quedan en el tintero, sobre todo en la escena local del arte donde la prensa cultural tradicional se limita a la cobertura de comunicados sin fiscalizar ni profundizar en el ¨mundo cerrado del arte¨. Habrá que esperar algunos años para ver cómo documentan los museos oficiales el arte contemporáneo puertorriqueño, el que tenemos ahora, el de la úlima década.

O tal vez ya los artistas no necesitarán mañana colocarse en la colección de un museo para oficializar el valor y la calidad de sus trabajo. Por ahí andamos...

Un Bravo para Ramón Feliciano

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Mon, 01 Aug 2011 04:14:00 +0000

Ante propuestas innovadoras que adoptan el uso de las nuevas tecnologías, la robótica, la ciencia y tantas otras posibilidades y medios para elaborar un discurso plástico contemporáneo, podríamos encontrar en la pintura y el arte abstracto una escuela fatigada y agotada.
Han pasado muchos años desde las primeras líneas y manchas y la obvia negación de la realidad, y el furor que conmovió tiempo después la escena artística de Nueva York con el expresionismo abstracto y toda la historia subsiguiente.
Pero cuando nos encontramos ante un cúmulo de piezas de creación reciente, entre los años 1990 al 2011, con una base fuerte en la abstración, necesariamente tenemos que remitirnos a la historia y ver cuánta vigencia sostiene el trabajo que está ante nuestros ojos.
Fue esa la primera impresión ante la muestra del artista Ramón Feliciano, nacido en Ponce en 1946, y que presenta hasta el 31 de agosto próximo el Museo de Arte de Caguas. La exposición está dividida en dos salas. Una lleva por título ¨Intimidad agresiva: compulsiones y conglomerados¨, y la otra¨Retorcimientos y otros extraños sucesos¨. Se incluyen 57 piezas de mediano y gran tamaño, que marcan las dos décadas más recientes de su producción.
Hay en Feliciano un trabajo minucioso, depurado, donde la repetición del trazo, o la manipulación del objeto empleado como medio pictórico, también reiterado, desemboca en imágenes difíciles de obviar. Por sobre todo cautiva el camino para llegar a la imágen última.
En el mundo del arte hay miles de piezas de pigmentos densos, corpóreos, aglomerados, y hay miles de piezas donde el caos se nos muestra con calidad de bello. Pero en Feliciano encontramos una labor fluida y pensada, donde la gestualidad y el accidente no parecen tener espacio. En cambio, se nota la medida del balance, la razón del equilibrio, sin que esto raye en monotonía.
Experimentación parece ser el apellido de Feliciano, quien como tantos otros artistas, utiliza concreto, resinas, alambre, materiales sintéticos y plástico para elaborar sus obras. También emplea el calor y el fuego para derretir botellas plásticas que adhiere a sus cuadros para formar superficies rugosas con la aparente intención de que sean tocadas y escrutadas con los dedos, no sólo con las ideas y las preguntas.
La obra se mueve constantemente y el color centellea en diferentes planos. Usa la tela, madera y el papel. Construye, emplea el collage, explota lo que parece desenfreno y nos lo ofrece domado. El tema ambiental es importante en su producción y las alusiones a la figura humana, aunque sean sólo a partes de esta.
Feliciano nos platica con la forma y el medio y nos recuerda que las modas y las escuelas pictóricas no siempre se fatigan y llegan al cliché. En su caso, la obra se coloca en otro nivel y no merece menos que respeto y un Bravo.

Inusual muestra en MAC de Bogotá

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Tue, 19 Jul 2011 03:10:00 +0000

BOGOTÁ, Colombia - Pocas veces nos encontramos con campañas publiscitarias desarrolladas por el estado para concienciar a los ciudadanos sobre los derechos de las personas homosexuales y que lleven un mensaje directo sobre el respeto a la diversidad en cuanto a preferencias sexuales.
En cambio, es fácil recordar campañas que alertan sobre la necesidad de protección contra enfermedades de transmisión sexual como el Sida, sobre embarazos prematuros, contra el abuso de menores, la violencia doméstica o el uso de drogas, entre otras.
Durante el mes de mayo y junio EL NAUFRAGIO DE LAS PALABRAS visitó el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, enclavado en la comunidad popular Minuto de Dios,y presenció en una de sus salas una pequeña muestra de los carteles que acompañaron la campaña auspiciada por la Alcaldía Local de Engativá y otras entidades, la cual habla sobre la comunidad homosexual y la prostitución infantil.
Además de resultar interesante ante la escasez de este tipo de campañas, la exposición muestra cómo el estado y una entidad pública utilizan un lenguaje sencillo y directo para reconocer el valor de un sector de sus constituyentes, sin caer en mensajes aderezados y políticamente correctos a la hora de enfrentar una situación. Al contrastar la iniciativa educadora de Engativá con la situación actual en Puerto Rico, claramente se pueden establecer amplios contrastes sobre el rol del gobierno en el manejo de estos asuntos.
¨Camina conmigo, soy más de lo que imaginas¨, es el lema que prevalece en los carteles que aluden a los homosexuales. En estos, sugerentes fotografías presentan la pierna velluda de un hombre con medias y calzado masculino, pero con faldas a cuadros, mientras cruza una calle. En otro cartel, un espejo nos devuelve la mitad de un rostro de hombre mientras se pinta los labios, y una tercera imagen proyecta a una mujer lesbiana mientras realiza alguna labor de carga.
Dichas imágenes podrían resultar estereotipadas, pero están acompañadas de mensajes que de alguna manera neutralizan tal contexto. ¨Algunas personas creen que todos los homosexuales quieren ser mujeres... que las lesbianas quieren ser hombres... que los trans son hombres o mujeres que se disfrazan. Estas ideas negativas sobre las personas LGBT han hecho que en algunas ocasiones usted y yo les vulneremos sus derechos¨, destacan algunos de los mensajes.
Mientras, otras frases señalan: ¨No somos anormales, somos seres humanos, auténticos y diversos¨.
Por el lado de la prostitución infantil, resalta un afiche donde una adolescente con uniforme escolar permanece recostada de una pared en una esquina de la ciudad. ¨Tengo una muñeca vestida de azul... la llevé a la cama con mucho dolor¨, es el mensaje principal, y luego lo acompaña otro en letras más pequeñas que lee: ¨Como ella, muchas adolescentes ofrecen su cuerpo en silencio y a escondidas. Día tras día, están en alto riesgo de adquirir el VIH-SIDA¨.
Este es un tema muy actual en Puerto Rico, donde recientemente se han descubierto organizaciones criminales dedicadas al la trata sexual de menores. Hasta ahora, más allá de los esfuerzos de la Fundación Ricky Martin y la alianza de la insitución financiera Doral Bank, el gobierno no ha hecho campañas para combatir este delito y proteger a los menores.
En general, la muestra en el MAC de Bogotá no solamente llama la atención por el contenido, sino por el lugar donde se presenta, que da crédito al valor estético y social de una campaña publicitaria para educar a las personas de una comunidad. El Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá es parte de un proyecto de obra social y evangelizadora del Padre Rafael García Herreros en un barrio marginado, ideado en 1958.
En Puerto Rico, de seguro, una campaña similar levantaría la queja de grupos religiosos y conservadores, y por supuesto, un amplio debate entre representantes del gobierno.
El Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá abrió en 1966 en una modesta estructura y luego en 1970 se inauguró el edificio actual, una obra premiada de arquitectura vanguardista, que cuenta con salas de exposiciones, centro de documentación y un espacio escultórico abierto a la comunidad, donde además se realizan diversos eventos culturales.
El espacio abierto es lugar de contínuo tránsito, es plaza de reencuentros cotidianos, es pista para acelerar patinetas y bicicletas, entre tantos otros usos espontáneos.

FRANCES GALLARDO: Tejedora de huracanes

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Tue, 07 Jun 2011 23:56:00 +0000

Fuerza y precisión definen gran parte de la nueva propuesta creativa de la artista Frances Gallardo, quien presiona filosas navajas contra hojas de papel para crear toda suerte de huracanes.
La experiencia de haber crecido en una Isla habituada a la llegada de estos fenómenos atmosféricos, han despertado su curiosidad desde hace algún tiempo, cuando comenzó a esculpir papeles de diferentes colores, dando forma a diversas composiciones.
Gallardo crea ¨manchas¨ con el tallado de hojas que al colocarlas unas sobre las otras consigue el descubrimiento de nuevos colores y profundidades. Cada incisión da paso a una forma distinta, que al final parecen encajes bordados sobre tela.
Según explica la artista, quien trabaja en intervenciones, instalaciones y performance, toda pieza conlleva un proceso de investigación, observación de imágenes y la preparación de bocetos preliminares, que en el camino adquieren diferentes grados de complejidad.
Sus huracanes, que varían en medidas y en la cantidad de papeles utilizados, tienen su ritmo particular, que bien podríamos identificar con el nivel de intensidad del ¨ciclón¨. En algunos casos, además del color de los papeles, la artista también les aplica diferentes tonalidades, que le confieren una sutileza particular.
A la imagen tallada, de notable belleza, Gallardo ha comenzado a explorar la posibilidad de añadirle sonido. Para esto, ya inició la investigación de antiguos fonógrafos, cuyos discos de cartón agujereados, también se asemejan a sus creativos huracanes.
¨Ahora estoy buscando como manejar el sentido sonoro y visual del huracán. Es una manera de rescatar la belleza de la destrucción del huracán¨, explica Gallardo, egresada del Departamento de Bellas Artes de la Universidad de Puerto Rico en Río Piedras.
La elaboración de estas piezas de arte conllevan largas jornadas que puedeen durar hasta semanas, según el tamaño de la obra. El cansancio mayor se registra en las delicadas manos de Gallardo, quien debe controlar la fuerza todas las veces que introduce las amoladas navajas en los papeles.
La selección de la materia prima es otro proyecto, ya que el papel debe tener el peso adecuado y el nivel de humedad preciso para evitar que se rasgue con las incisiones. En su mayoría son adquiridos en tiendas especializadas en Nueva York.
Aunque a la artista le gusta trabajar con piezas en madera, reconoce que eso requiere demasiada fuerza, y desde algún tiempo optó por utilizar el papel como medio para sus obras, toda vez que le resulta manejable y versátil.
Los huracanes de Gallardo ya han capturado la atención de coleccionistas, principalmente por los elaborados detalles y el resultado final del trabajo.

Por ahora, la artista espera formar parte de la nueva iniciativa de la Fundación Cisneros Fontanals, llamada Fund a Project, mediante la cual debe conseguir ciertos fondos para poder desarrollar un proyecto creativo. Gallardo necesita recolectar $2,000 para su proyecto, mediante el cual busca convertir las imágenes aéreas de huracanes en composiciones musicales y registrarlas en discos de papel.
Indicó que parte de la idea del huracán como una sinfonía, el cual a su paso transforma todo lo que toca en un juego dinámico de sonidos. Los detalles de la propuesta aparecen en el enlace de la Fundación Cisneros Fontanals: http://www.cifo.org/index.php?option=com_fundaproject&task=details&pid=32 . Mientras la serie de calados en papel que ha inspirado la producción de este proyecto pueden observarse en: http://francesgallardo.blogspot.com/p/hurricane-series.html.

Próximo en El Naufragio... Entrevista con Frances Gallardo. Singular exposición en Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, Colombia. Espérenlo...

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Thu, 02 Jun 2011 00:39:00 +0000

CULTURA viva?

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Thu, 21 Apr 2011 14:19:00 +0000

Las finanzas para las instituciones culturales de Puerto Rico, al igual como las de otras agencias públicas, reflejarán reducciones cuando comience el nuevo año fiscal 2011-2012 a partir del primero de julio póximo, según se desprende del presupuesto presentado por el gobernador Luis Fortuño.

Aunque en algunos casos las cifras no parecen dramáticas, lo cierto es que dichas agencias encargadas de promover o preservar asuntos relacionados a la cultura, ya vienen arastrando reducciones significativas de presupuesto durante los últimos años. Si hace más de dos décadas hemos venido escuchando que no es mucho lo que hay en caja en cada dependencia para apoyar o crear nuevos proyectos, o simplemente para mantener adecuadamente los que siguen vigentes, en adelante no es de extrañar que sea poco menos lo que se pueda hacer. Tal es el caso de la Escuela de Artes Plásticas (EAP), el Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP) y la Oficina Estatal de Conservación Histórica (OECH).

En la EAP el presupuesto de 2009 fue de $5,326,000 y el nuevo será de $4,980,000. De esa cantidad, $2,237,000 son de ingresos propios que se generan con el pago de matrícula de los estudiantes.

Las reduciones de dinero también están acompañadas del recorte de personal impulsado por la administración de gobierno, que reduce a 38 los empleados en la EAP, de 63 que tenían en 2009.

Cuando se lee en el presupuesto, cuyo documento está disponible en la página cibernética de la Oficina de Gerencia y Presupuesto (OGP), resulta irónico el planteamieno sobre la visión oficial para la EAP, lo cual no es cónsono con su raquítica asignación presupuestaria. La visión es: ¨Aspirar a convertirse en uno de los más prestigiosos centros de educación superior del arte en el Caribe, dedicado a la creación y la investigación artística, combinando de manera óptima la formación en destrezas tradicionales de taller con la experimentación, los nuevos lenguajes y el uso de la tecnología¨.

¿Se puede lograr eso, aún con los mejores profesores y el mayor de los empeños, sin los recursos económicos para ello? Podríamos pensar que si, pero nadie puede negar que el dinero es necesario y cuando se lee el desgloce de gasto, por ningún lado ni siquiera aparece la partida para investigación.

Mientras tanto, en el ICP deberán funcionar el nuevo año fiscal con un presupuesto de $24,061,000 versus los $28,349,000 que tenían en 2009. Aquí la reducción es de $4,282,000 y se quedan con 205 empleados, unos 179 menos de los que tenían hace dos años y medio.

Del total del presupuesto del ICP, $8,510,000 (poco más de una tercera parte) corresponden a Asignaciones Especiales que es el dinero que se reparte entre las acostumbradas entidades sin fines de lucro como el Museo de Arte de Ponce, Museo de Arte Contemporáneo, Museo de Arte de Puerto Rico, Museo de Las Américas, Fundación Luis Muñoz Marín, Fundación Felisa Rincón, Fundación Arturo Somohano, Fundación Puertorriqueña de Zarzuela y Opereta, y los centros culturales Guarionex, Jesús M. Muñoz y Ramón Aboy, entre otros.

En el caso de la OEPH, el presupuesto de 2009 era de $2,959,000 y para el fiscal 2011-2012 será de $2,804,000. De 30 empleados en 2009 ahora se queda con 22. Entre otras cosas, a esta oficina se le encarga por ley ¨proteger la integridad del recurso histórico, prolongar su presencia, influencia, rendimiento y disfrute¨. Es obvio que cumplir con esa encomienda es cuesta arriba con menos de tres millones de dólares, es más, resulta ridículo.

Al mirar estos números debemos ser solidarios con los trabajadores que sabemos dan la milla extra para provocar que aún en la penuria presupuestaria y la burocracia gubernamental se realicen cosas en las diferentes entidades públicas. Sin embargo, sigamos fiscalizando porque no se trata de dinero que nos regala el gobierno, se trata del dinero que pagamos en contribuciones, y los que apoyamos las artes y la cultura debemos esperar siempre que se de el reconocimiento real a la obra que hace falta.

Mientras ese mensaje no se puede dejar caer, todos sigamos con nuestros proyectos, nuestras iniciativas, nuestras gestiones, para que la expresión artística y cultural, como ha sido siempre, nazca y se sostenga entre los hacedores individuales y colectivos sin que el aparato oficial sea el que dicte la pauta con el control del dinero. Cultura viva.

Rogelio Báez Vega: lector de situaciones

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Tue, 19 Apr 2011 02:29:00 +0000

Rogelio Báez Vega es un ¨lector de situación¨, de esos que nos comenta Le Corbusier que hacen falta para reconocer el caos y formular propuestas. Esas que ¨sucesivamente expresan certidumbres adquiridas y aspiraciones unánimes¨.

Solo que su propuesta presente en Area en Caguas, no consiste de líneas con medidas específicas para ocupar y servir en tal o cual espacio. La suya es la de explorar el orden en cualquier parte para finalmente obtener un lugar habitable común. Nos propone torear el caos y no contribuir a su prolongación.

Por eso se agarra del referente arquitectónico como extensión de la intervención humana en la sociedad y repite el mensaje ¨Architecture is possible everywhere¨. Esto, no ya como un proverbio para establecer que en cualquier parte se pueden levantar vigas, vaciar concreto y conectar bloques. Sino para fijar la idea de que construir el orden es posible en cualquier paisaje.

Báez Vega retrata escenarios urbanos, con la estación de gasolina como punto de partida (y no limitada a éstas), y narra la experiencia visual de su entono intervenido, mal intervenido, y ahora en decadencia. El cuerpo de trabajo que presenta en su exposición en solitario -la segunda individual que realiza, a pesar de su carrera como artista-, y le ha llamado LandEscapes, también tiene mucho de economía. La ha producido precisamente durante los 60 meses de la recesión económica más profunda de la Isla desde los años 30.

Ese ha sido el tiempo en el que se ha generado el mayor cierre de estaciones de gasolina en Puerto Rico ante el alto costo del petróleo y el bolsillo apretado de las familias puertorriqueñas. Paisajes ¨gasolineros¨, paisajes de edificios, todos quietos, donde el tiempo ha dejado de transcurrir y se ponen en frente para mirarnos, no en imagen espejo, más bien en imagen pregunta. ¿Qué le hicimos al país? ¿Qué no funcionó? ¿Qué seguimos haciendo? ¿Lo volveremos a hacer igual?

Son preguntas que me podría hacer frente a una pieza de gran tamaño como lo es Isla. Es una estación de gasolina marca Isla, que muestra vibrantes colores en un espacio donde no aparece el elemento humano, sino sus acciones. En esta pieza resalta la profundidad de un hueco en la acera, la profundidad en el interior de la tienda de conveniencia, y los recovecos en los plafones. Surge entonces la sensación de búsqueda, de querer encontrar, tal vez allí, la respuesta, o una pista.

Llama la atención la desmitificación de los cielos en sus pinturas, que dejan de ser cielos para transformarse en otra pieza arquitectónica del cuadro, que la más de las veces cancela el paisaje u oculta estructuras, y se debate entre ser cielo o no serlo.

Acompañan la muestra algunas esculturas, resultado de retazos de maderas ensambladas, apiñadas, obligadas a la convivencia sin importar su procedencia ni su nobleza. El resultado termina en maquetas de edificios salpicados con pintura, creando una paisaje familiar donde pareciera que todo converge.

Aunque la muestra funciona como una gran instalación que recrea justamente el ambiente de una gasolinera, Báez Vega coloca otra instalación, que consiste de una casa a dos aguas, en madera, y en su interior desplega una serie de trabajos en pequeño y mediano formato. Aquí sobresale una pieza sobre lienzo donde el artista deconstruye la imagen de la casa típica del Santurce de su infancia, para convertirla en reliquía, en casa comercio, en casa ruina, en casa todo menos habitable.

Podría ser cualquiera de las casas de modestas familias relgadas del entorno santurcino que dio paso a enormes edificios de apartamentos para adornar los alrededores del Museo de Arte de Puerto Rico y aumentar el valor de los bienes raíces en la zona.

En conclusión, Rogelio Báez Vega consigue presentar una exposición interesante, de mucho diálogo y contexto histórico contemporáneo, que de seguro requerirá ser revisitada en años futuros, no como tantas otras muestras que resultan innovadoras pero no logran cumplir más que la cuota de lo nuevo. Funcionan las pinturas de brochazos imperfectos, funcionan las esculturas, funciona la conversación.

Colectivo artistas piden ayuda para niño

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Fri, 15 Apr 2011 22:04:00 +0000

El colectivo UNDOdigital solicita ayuda para el niño de tres meses, Yamil Colón Mercado, sufre del Síndrome Hemafagocítico (un tipo de cáncer). El pequeño recibe constantes quimioterapias, en lo que la familia puede conseguir el dinero suficiente para poder sufragar los costos de un transplante de médula ósea. Procedimiento que su plan médico no cubre.

Como parte de un esfuerzo por la vida del niño, el Colectivo de Artistas Digitales, UNDOdigital ha creado una galería virtual para recoger fondos. El dinero recogido por la venta de las piezas de arte, será entregado en su totalidad a la familia para lograr proveer el tratamiento que Yamil necesita.

La galería virtual se encuentra en: http://tinyurl.com/YamilC y cuenta con trabajos de numerosos artistas del colectivo. Además, piden al público, que aporten a la causa de la manera en que puedan. Ya sea comprando las piezas que exponen allí o depositando su aportación directamente en la cuenta de Ahorros del Banco Popular de Puerto Rico #707-233-52-6 la cual está a nombre de Yamil Colón Mercado.

UNDOdigital es un colectivo de Artistas Digitales. Laboran por crear un moviemiento de Arte Digital en su Puerto Rico. Puedes seguirlos en: http://www.undodigital.com.

Cuentopatuiter en twitter. Un relato en 10 entregas. Ya comenzó. Búscalo en twitter. Cuentopatuiter.

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Wed, 06 Apr 2011 05:51:00 +0000

CUENTOPATUITER

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Thu, 31 Mar 2011 01:48:00 +0000

Saludos. El lunes próximo inicio un nuevo proyecto que busca explorar sobre el consumo de literatura en plataformas no tradicionales como la alternativa de twitter, donde se busca una información amena, ligera, particularmente sobre asuntos inmediatos y cotidianos. Para este proyecto experimental he trabajado un cuento escrito en cortas fraes que serán difundidas a través de twitter a partir del próximo lunes. Una vez se complete la publicación y hayan leido el cuento, entonces esperaré por sus reacciones. Espero contar con ustedes y que rieguen la voz, y por su supuesto, que disfruten la historia. Lo encontrarán, en ¨ cuentopatuiter ¨. Vengan seguidores de twitter...

Pulso de post guerra en el Sur - Arte en Brazil

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Mon, 28 Mar 2011 04:43:00 +0000

SAO PAULO, Brazil - Cuando se habla de la abstracción geométrica y el arte concreto en Latinoamérica, son varios los ejemplos de artistas que lograron aportar una obra de reconocimiento a la mitad del siglo pasado. En Brazil, la efervescencia del arte internacional, con la vista a Paris y Berlín, de la mano de artistas y galeristas venidos de esas tierras, abonaron a la llegada de distintas corrientes pictóricas de post guerra.

El arte concreto, que surgió hacia los años 30 con exponentes como De Stijl, Kandinsky y Max Bill, tuvo su auge en las décadas de los 40 y 50 en Francia e Italia. Y muy pronto su repercusión entre artistas de la América Latina.

Una exponente, particularmente del arte concreto, ronda por estos días en el Museo de Arte Moderno de Sao Paulo con más de un centenar de piezas en mediano y pequeño formato, que muestran sus preocupaciones formales de entonces, la negación de un arte que asemejara la realidad, y la experimentación con distintos medios para desarrollar sus piezas. Su nombre es Judith Lauand, quien este año cumple sus 89, y se mantiene como su obra ¨fuerte, independiente, entusiasmada y siempre abierta a nuevas experiencias¨, como la describe el curador de la exposición, el periodista Celso Fioravante.

Entramados de líneas, cuadrados y esferas, sobre todo líneas, dan forma a geometrías sin nombre que proponen un juego visual, cargado de colores (en ocasiones), o con la paleta limitada otras veces. Colores planos, juxtaposiciones de elementos y mucho movimiento predominan en la muestra, con piezas que van desde el uso de la pintura -gouache, acrílico- hasta resinas, madera y otros objetos de metal (éstos más bien a partir de los 60) con los cuales crea distintos campos de color que le imparten movimiento a superficies planas y estáticas. Son obras sobre tela, madera y papel, y en algunas con su clara destreza como grabadora.

Lauand, quien como única exponente femenina ingresó a grupos ahora referenciales de los movimientos vanguardistas en Sau Paulo, como Ruptura en los años 50, inició su carrera en las corrientes impresionistas y figuración, y tras un periodo significativo y el más recordado de su producción como artista concreta, transitó también en el arte pop. Una pequeña muestra de sus trabajos en la línea de Roy Lichtenstein (pero cargados de mucho color) proyectan relaciones de parejas en un mundo que libra batallas para romper con las desigualdades de género, justo en los años de cambios sociales de relevancia en las principales ciudades del mundo. Otras piezas incluyen textos anti bélicos.

La exposición ¨Judith Lauand: experiencias¨, constituye un importante y ameno relato sobre la obra de una artista brasilera, paulista, que participó activamente de las rupturas artísticas en Latinoamérica, muy cercanas a sus surgimientos a nivel internacional. Esto en una época, que aunque de adelnatos tecnológicos, no permitían la llegada de la data a las velocidades actuales de lo que ocurría más allá de las fronteras de cada cual.

Otras muestras en el MAM

El MAM también presenta en marzo la exposición ¨Orden y progreso¨, enfocada en piezas de la colección del museo para proponer una lectura del arte a partir de los años 60, con fotografías sobre el levantamiento de la ciudad con una arquitectura mayor en medio de la planicie casi vacía. Traducen la preponderacia del progreso y la política.

Entre unas 80 piezas en difernetes medios, sobresalen las fotografías como documentación gráfica blanco y negro, y las piezas de artistas como Cildo Meireles, un vídeo de Mauricio Días y Walter Riedweg, y Franklin Caparo, entre otros.

De Meireles encontramos ¨Cameló¨, una figura humana diminuta acompañada de dos cajas de madera con alfileres y otros objetos. Su tamaño es tan peueño que el espectador debe ponerse en cuclillas y mirar desde abajo la pieza. Consiste de un vendedor ambulante que obliga llegar a su nivel para comprender su situación, principalmente para aquellos que ven por encima del hombro a estos trabajadores, y los estiman con inferioridad. La pieza es de 1998.

Por su parte, de Días y Riedweg observamos un vídeo en tres canales que enseña a un negro brasilero, pobre, con dentadura dañada, quien lee la nueva constuitución tras el final del régimen militar, como proyecto democrático e inclusivo. Frente a las pantallas, en el suelo, reposan 560 balanzas con los colores patrios verde y amarillo, como metáfora del peso real de la constitución.

Mientras, la pieza de Caparo consiste de cuatro enormes cojines que reposan uno sobre el otro y están hechos de hojas de periódico, correspondientes a los clasificados de venta y alquiler de propiedades. Alude a la construcción de un mercado fágil e improbable.

Esta vuelta por el MAM en Sao Paulo representa un puñado de piezas que revelan la inventiva temporal de la escena plástica brasilera y los cuestionamienos sociales de algunos de sus más connotados artistas, justo en estos tiempos de una ciudad ya creada y boyante en su economía, con índices que superan a muchos de los países del mundo.

¿Distrito cultural o promesa reciclada?

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Sun, 06 Mar 2011 15:59:00 +0000

Los dobles mensajes nunca son buenos y cuando se trata de política pública resultan fatales. De entrada, y muy por lo llano, parecería que poco confunden, sobre todo cuando vienen acompañados de cierto brillo y con estribillos de esas cosas que deseamos escuchar.
Por eso debemos detenernos y analizar los mensajes en un contexto amplio, y no como caso particular, tal cual planteado en la reciente designación de Santurce como ¨Distrito de las Artes¨.
¿Quién podría oponerse a la designación de un área deprimida como foco para el impulso de desarrollo cultural, con el alegado fin de promover las artes -entre otras cosas-, revitalizar la zona y además integrar la educación a tal esfuerzo? Si eso sólo no llena los ojos, entonces lo acompañamos con la cifra de $61 millones para impulsar la idea.
La idea, de la cual se comenta desde el pasado año, sigue en un nivel abstracto y en días recientes el gobernador Luis Fortuño dijo que las 16 instituciones que forman parte de la llamada ruta de Barrio Obrero a La 15 (Distrito de las Artes), tendrán 120 días para someter sus proyectos para la zona.
La mayor parte de esas instituciones han experimentado con mayor notoriedad los últimos años la precariedad de sus presupuestos, entre otros factores, por los recortes en los miles de dólares que reciben del gobierno, que los ha subvencionado por años. Un poco, ¨la idea¨ les devolverá para propósitos particulares algunos de esos fondos que se les redujeron.
El ¨Distrito de las Artes¨ deberá impulsar promesas repetidas y pre electoreras de anteriores gobierno sobre la revitalización de Santurce, que no termina de llegar, sino a cuentagotas y dispersa. Deberá remozar zonas deprimidas e inseguras, y deberá potenciar zonas privilegiadas y un poco más seguras.
Según citado por la prensa, el Gobernador dijo: ¨Nuestra fe en el poder del arte y la cultura como catalítico del cambio es la razón por la cual lo integramos como punto importante de nuestro modelo de transformación y superación social¨.
Hasta ese punto todo resulta esperanzador, hasta que se le contrasta con la crisis en la Escuela de Artes Plásticas, que finalmente llevó a su directora Marimar Benítez a renunciar, ante el recorte de presupuesto y de personal. Contrasta con el descalabro en el Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP), entidad seriamente afectada por el despido de empleados como parte de la Ley 7 para balancear el gasto público. Hay que recordar el escaso presupuesto general del ICP, que lo mantiene prácticamente inoperante.
La prensa también informa que los $3.2 millones del Fondo del Quehacer Cultural del ICP (que no funciona desde 2005), serán reasignados para financiar propuestas individuales y de entidades emarcadas en el ¨Distrito de las Artes¨. Esto, ¿para cuánto alcanza? Habrá que pregunatrse qué ocurrió con los centros culturales de los pueblos por los pasados 20 años y lo que hay al presente.
A esos dos ejemplos, podemos sumar la falta de maestros de bellas artes en las escuelas públcas de Puerto Rico (decisión tomada bajo la actual administración ante la poca importancia que se le da a las artes desde los centros donde se suponen se fomente la educación integral de nuestros niños). Ahora se promete que 29 planteles en la ruta de Santurce tendrán cada uno un educador de arte, como parte de un proyecto con el Departamento de Educación, denominado ¨Distrito Escolar de las Artes¨. Se necesita uno y más en todas las escuelas, y eso no requiere de proyectos pilotos.
Para no dejar el turismo afuera, el Gobernador también señaló que con la idea de Santurce ¨Se trata de ofrecer un valor añadido que estimule el turismo local¨. Uno de los eventos culturales de gran trascendencia en la Isla, el Festival Casals -que este año se celebra desde el pasado 19 de febrero hasta el 12 de marzo-, precisamente fue uno de los grandes ausentes en la promoción notable de Puerto Rico como destino durante la reciente feria de turismo en Madrid, FITUR. Nada más que abundar.
Quiero equivocarme y tragarme las palabras, porque me niego a que el próximo cuatrienio el gobierno de turno me hable de otro distrito cultural que no saldrá de la hoja suelta o el spot televisivo de medio minuto.
Para terminar, no me parece haber escuchado nada sobre los espacios alternativos que operan en la parte más modesta de Santurce. ¿Si el proyecto integra, porque no se les convidó, no se les consultó, no se les llamó a la mesa? Ahora, que compitan con todos los otros con sus propuestas, a ver cuál se cuela.
Ya me parece reconocer algunos nombres, alguna gente, algunos, algunas, y creo que serán siempre los mismos. Quiero equivocarme y tragarme las palabras, porque Puerto Rico se lo merece, los artistas se lo merecen, los hacedores de la cultura -los comprometidos-, se lo merecen.
Los dobles mensajes nunca son buenos.

Blog cultural del Mes - El Naufragio de las Palabras

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Mon, 10 Jan 2011 18:26:00 +0000

La Coalición de Artistas de Puerto Rico seleccionó a El Naufragio de las Palabras como el blog cultural del mes de enero de 2011. Agradecemos la mención y felicitamos a los demás blogueros que documentan y analizan desde diferentes ópticas la escena local del arte y la cultura. A todos que sigan respaldando nuestras propuestas.