el naufragio de las palabras

Comentario - ICP

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Wed, 14 Jul 2010 13:26:00 +0000

Ay bendito!

Salir del ¨ay bendito¨, esa frase tan endilgadamente boricua, y que nos repiten desde que comenzamos a crecer en las barrigas de nuestras madres, no es fácil. Más que una expresión coloquial, se me presenta como un acto de pena, de resignación, de ¨pues, qué se le va hacer¨. Se me hace de todo menos simpática, y conste que de vez en cuando me brota de la boca con tanta naturalidad como decir mi nombre, y doblemente me molesta.

Precisamente en esa expresión fue que pensé tan pronto terminé de leer la entrevista que le hiciera la excelente colega Ana Teresa Toro a la nueva directora ejecutiva del Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP), y que fuera publicada el 13 de julio en la sección de cultura del diario El Nuevo Día. Mercedes Gómez Marrero ocupa esa posición desde el primero de marzo y en un par de semanas cumplirá cinco meses en el cargo, lo cual nadie ha notado. Parece que ese es el propósito y me luce que se está logrando.

Toro le ha hecho preguntas importantes que fueron despachadas con tanta levedad, que todavía me cuestiono cómo se aguantaron las letras al papel. Sobre su agenda de trabajo Gómez Marrero dice que su ¨misión¨ es atemperar los procesos administrativos a la época, ya que muchos datan de 1958 y nunca se han enmendado. Ya está resignada a que esa será posiblemente su única aportación en los dos años y medio que le queda a este gobierno en el poder, si es que no revalida en las próximas elecciones.

Entonces la periodista insiste en cuál es el plan, y le entrevistada deja entrever que se encargará de agilizar el trámite o desembolso de las asignaciones legislativas. Por dios, desde que yo comencé a trabajar como periodista hace 19 años, y siempre estuve relacionado a los centros culturales en la región norte, la ya larga historia y que ahora es mucho más patética, es que esos pequeños centros de actividades apenas pueden hacer nada porque el ICP no tiene dinero para aportar a sus recitales de Julia de Burgos, a sus exposiciones de flamboyanes y a sus programas de los Tres Reyes Magos en la época de Navidad. De hecho, muchos de esos centros, han desaparecido.

¿Qué hará entonces con el presupuesto, que de seguro no alcanza ni para pintar las viejas paredes de la sede central del ICP?

Sobre su elección, admite que fue suficiente poco más de un hora, tiempo en que la Junta de Directores del ICP indagó en sus experiencias como directora ejecutiva de Ballet Concierto. Dijo que a los pocos minutos de terminar la entrevista y ya sentada en su auto, la junta había deliberado y era la escogida. Algo así como las políticas aquellas ¨fast track¨ de Roselló en la aprobación de proyectos altamente cuestionados.

En relación a las críticas por la visión tradicionalista del ICP, sólo dijo que ¨es parte de mi misión acercar a los niveles educativos todo lo que el ICP tiene en sus áreas programáticas¨. ¿Pero, cuál ha sido el programa del ICP los últimos años?

Como para muestra un botón basta, todavía tenemos fresco en la memoria los esfuerzos titánicos que han hecho los empleados del Programa de Artes Plásticas del ICP para mantener a flote -contra viento y marea- la Muestra Nacional de Artes Plásticas, entre otras pocas actividades. ¿Quién ha olvidado la precariedad del Arsenal de la Marina en el Viejo San Juan y sus salas de exposiciones con goteras y patios inundados en plenas aperturas de presentaciones? ¿Quién ha olvidado las salas del Arsenal cerradas porque no había personal para atender el público y vigilar las piezas expuestas, al quedar cesanteados con la Ley 7? ¿Quién ha olvidado a los empleados que realizan -a pulmón- dos, tres y cuatro tareas para que un evento se pueda realizar?

Sin embargo, su contestación más destacada -no precisamente por elocuente- fue la que ofreció cuando Toro le cuestionó por las críticas al gobernador Fortuño, para quien cultura y turismo es una misma cosa. Esto fue lo que dijo: ¨Desconozco la controversia. Pero quizás si hubo algún malentendido es porque el Gobernador fue director de la Compañía de Turismo y nos ayudó mucho cuando estuve en la Corporación de Artes Musicales. El tiene una sensibilidad exquisita hacia las artes, tan es así que veto la ley que enmendaba la música autóctona¨.

Me pregunto que tiene que ver la gimnasia con la magnesia. Aquí las explicaciones pueden ser muchas pero sólo me referiré a dos. O la nueva directora ejecutiva del ICP no sabe lo que es cultura, o la dama y el señor gobernador, ambos no saben lo que es cultura. ¿Cómo es eso? ¿Qué tiene que ver que Fortuño haya sido titular de Turismo bajo el gobierno de Roselló? Suerte tenemos que no haya trabajado en una mina de carbón o como buzo, por decir algo.

Para ser justo, es importante señalar que la luz siempre aparece al final del camino, y al fin atinó en decir que además de formar artistas -en todas las áreas, y esto no es únicamente la cultura-, en Puerto Rico se hace necesario ¨formar público para ese artista¨ mediante la educación. ¨Una vez el ser humano entra en contacto con las expresiones artísticas, eso le va a ayudar a definirse como buen ciudadano, como una persona con un sentido patrio bien profundo, como una persona que respeta valores, que se respeta a sí mismo. Esa es mi visión¨.

Muchas veces peco de pesimista y lo acepto. Pero ahora soy yo el que no ve la luz al final del tunel y el camino cada vez me resulta más oscuro. Ay bendito!

EXPOSICION

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Sun, 04 Jul 2010 20:35:00 +0000

VORTEX -Ciencia | Arte | Ficción- En la Liga de arte

La Liga de Arte de San Juan se complace en anunciar su más reciente exposición colectiva titulada VORTEX [CIENCIARTEFICCION] en la que participan 14 artistas que presentan su visión sobre la ciencia ficción. La apertura de la muestra será el jueves, 8 de julio a partir de las 6:00 pm en en la Sala Delta Pico de la Liga de Arte (# 1 Dr Francisco Rufino De Goenaga, Viejo San Juan).

Los artistas que participan son: Jessica Almy, Myritza Castillo, Carlos Fajardo, Teo Freytes, Teresa López, Javier Martínez, Elsa Meléndez, Mylivette Morales & Abdiel Segarra, Carmen Olmo, Marnie Pérez, Claudia Robiou , Aaron Salabarrias, Juan Carlos Torres y José Luis Vargas.

La ciencia ficción es un tema relevante en este siglo de grandes avances tecnológicos. Sin embargo, los artistas abordan este género con una mirada crítica hacia los dilemas sociales y morales que presenta este importante desarrollo. Las obras estarán a la venta de forma colectiva mediante portafolio gráfico, excelente para la inversión de individuos, empresas y museos, entre otros. Cabe destacar que este trabajo profesional es impreso por el maestro, fotógrafo y artista Johnny Betancourt. El ensayo de la exhibición ha sido realizado por María Teresa Martínez catedrática asociada de la universidad de Sagrado Corazón.

La exposición estará disponible por aproximadamente un mes, culminando el viernes, 6 de agosto. Los interesados en obtener el portafolio gráfico pueden comunicarse con el artista Javier Martínez al correo electrónico artegiro@gmail.com o al teléfono (787) 404-4438.

Oxígeno para la Escuela de Artes Plásticas

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Tue, 01 Jun 2010 13:56:00 +0000

Muy cerca de El Morro en el Viejo San Juan, hay un paciente que agoniza. Le están cortando la respiración. Su nombre es Escuela de Artes Plásticas (EAP) y tiene 44 años. Su padre -ya casi muerto- se llama Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP).

Aunque siempre vivió al amparo del padre protector, hace 20 años logró emanciparse. Sin embargo, la emancipación no fue del todo completa, ya que más bien lo que hizo fue cambiar de ¨protector¨. Ese que ahora le ha dicho que ya no le puede seguir subvencionando parte de sus gastos, lleva por nombre Gobierno de Puerto Rico.

Durante su desarrollo, no se ha portado mal. La EAP a logrado durante cuatro décadas formar a miles de maestros de bellas artes y artistas plásticos en diferentes disciplinas, los cuales han conseguido reconocimiento y destaque en y fuera de la Isla. También ha contribuido a la actividad cultural del país y ha fomentar desde su óptica la investigación y la experimentación creativa. En promedio, cuenta con una matrícula de 550 estudiantes regulares y otros 1,250 en sus programas de extensión.

La EAP no siempre ha recibido mucho oxígeno. Por eso, los recortes prespuestarios como parte de la ¨Ley especial declarando estado de emergencia fiscal y estableciéndo el plan integral de estabilización fiscal para salvar el crédito de Puerto Rico¨, mejor conocida como Ley 7, la han dejado con muy poco aire.

Su presupuesto consolidado recomendado para el año fiscal 2010-2011, según la Oficina de Gerencia y Presupuesto (OGP), es de $5,009,000. Esa cantidad se desglosa de la siguiente manera: $374,000 de una resolución conjunta del presupuesto general, $512,000 de fondos federales, $2,135,000 en ingresos propios, $1,450,000 del fondo de estabilización y $538,000 del programa de estímulo económico federal (ARRA, por sus siglas en inglés). Ese presupuesto representa una disminución en gastos de $1,055,000 en comparación con el año anterior.

La partida de $374,000 significa una reducción del 89% de la resolución conjunta de la cual proviene. Esta asignación anteriormente era de $3,325,000.

La baja presupuestaria conlleva necesariamente una reducción de personal y en los servicios de la institución educativa. Para el 2011 OGP proyecta que la EAP tendrá 43 empleados, divididos entre 16 maestros y otros 27 que corresponden al personal administrativo, de oficina y técnicos. En 2008 contaban con 62 trabajadores en total.

Por razones obvias, todos en el País están enterados de la situación en la Universidad de Puerto Rico, pero muy pocos se han enterado de los momentos en extremo difíciles que enfrenta la EAP y que ponen en riesgo su existencia. Eso no es de extrañar en una Isla donde el gobierno y el sistema de educación le confieren escasa importancia a las artes.

Que la EAP ha debido establecer a lo largo de los años otras estrategias creativas para allegarse fondos y asegurar su solvencia es muy cierto. Pero ahogarla al dejarla sin dinero mientras el país desconoce en realidad a dónde han ido a parar los fondos economizados con las distintas medidas del gobierno, es altamente cuestionable.

Que la UPR tiene un departamento de Bellas Artes donde se forman educadores y artistas, también es cierto. Pero el carácter de la EAP, su entorno y su visión más experimental se hacen necesarios y constituye otra opción para los que desean prepararse en las diferentes áreas de las artes plásticas.

Estudiantes, profesores y empleados han iniciado una serie de manifestaciones en reclamo de un trato más justo para la institución. Sin embargo, el apoyo contundente y amplio de otros sectores no ha llegado. Esto plantea otros asuntos, y tal vez es buen momento para que la administración de la escuela analice también su presencia en la comunidad y cómo la ven.

De seguro, muchas de las personas que cada fin de semana acuden a los predios de El Morro a volar chiringas y a deleitarse con una fría piragua bajo el sol candente del Viejo San Juan, desconocen que en esa antigua estructura donde estuvo la Casa de Locos, ubicada a la entrada del campo abierto del antiguo fortín, se forman destacados artistas y educadores.

Hasta ahora los estudiantes no han logrado llevar un mensaje y un reclamo contundente y efectivo, y por parte de la administración de la EAP ha habido tanto silencio que no se sabe si apoyan o no todo lo que está sucediendo.

El presente nos ha dejado saber que queda mucho por hacer en la EAP. También nos ha dejado saber -una vez más- que la cultura aquí no ha sido y no es una prioridad y falta un proyecto cultural enlazado con la educación. (Esto lo he repetido tantas veces, pero es mejor repetir que callar.)

No se puede tomar como excusa la situación económica para relegar todavía más a instituciones como la EAP.

De pronto recuerdo al presidente Franklin D. Roosevelt y su decisión respecto al arte en medio de la gran depresión tras el desastre financiero en octubre de 1929 en Wall Street. Roosevelt creó el Federal Art Project como parte de su plan Works Progress Administration, que consistía en impulsar el desarrollo de obra pública para estimular el empleo y la economía. Esto permitió el sustento de artistas como de Kooning, Baziotes, Guston, Gorky y Pollock, entre otros, quienes trabajaron en obras de arte público y murales, algunos bajo la dirección de los muralistas Rivera, Alfaro Siqueiros y Orozco.

Acciones como esa (que ya la había mencionado antes) estimularon la economía, emplearon a miles de personas y levantaron un sentido de orgullo -que no se mide en dólares y centavos- muy necesario para la salud social y la cohesión de una sociedad.

En cambio, la visión gubernamental local, que no ha sido sólo la del presente gobierno, es ¨ahogar¨ a instituciones culturales y educativas como la EAP, que sí son necesarias y, dentro de sus posibilidades, pueden estimular la economía. Falta visión, falta creatividad, falta compromiso, falta conocimiento.

Si bien el gobierno tiene su responsabilidad ministerial, porque por algo se le elige y se le encargan los fondos del pueblo -y eso no se puede confundir con paternalismo gubernamental-, existen otros sectores que en esta crisis de la EAP han hecho mutis y no han asumido su deber. Dónde están los coleccionistas en este país, esos que gustan de pasearse por las exposiciones y museos para apreciar y comprar (a bajo costo) las obras de artistas que fueron preparados precisamente en la EAP. Dónde están los defensores de la cultura. Dónde están las empresas privadas y sus programas de responsabilidad social.

Aquí más de uno ha fallado y no podemos seguir dejando que el país, las instituciones y la cultura colapsen ante nuestros ojos, mientras cada cual sigue por su lado.

Los avestruces y el arte

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Wed, 24 Mar 2010 14:44:00 +0000

Recientemente revisaba un volúmen de 2008 de la revista Sculpture, que daba cuenta de las actividades realizadas por el Departamento de Parques de la ciudad de Nueva York en el 2007, en celebración del 40 aniversario de su programa de arte público. El artículo de Harriet S. Senie, va al pasado lejano y habla de la primera escultura pública en un parque niuyorquino, una estatua ecuestre que muestra a George Washington, realizada por el artista Henry Kirke y colocada en Union Square en 1856. También habla del inicio en la presentación de esculturas modernas a partir de 1967 en los parques de la ciudad.

A los pocos días de leer el artículo transité por la avenida Baldorioty de Castro y enseguida pude establecer contrastes entre la política pública de la ciudad de Nueva York y la ignorancia gubernamental de las autoridades locales. La obra de arte público de mayor extensión en Puerto Rico, que se llama 2112 y está ubicada en la principal avenida transitada por toda persona que visita esta Isla, se ha convertido en tablero de expresión pública, de la manera más indiscriminada.

Ya la artista Carmen Olmo Terrasa había escrito al respecto hace unos años en Da blog (puede acceder a través de www.dondeveoarte.com), pero el nivel de bandalismo y deterioro de la pieza del artista José Jorge Román, y cuyo costo de realización casi alcanzó el millón de dólares, se vuelve bochornoso. La pieza, que cubre los laterales de un tramo extenso de la avenida y fue parte del proyecto de arte público impulsado por la ex gobernadora Sila M. Calderón, tiene grafitis de todos los colores.

Ya la oficina de ese proyecto, y que estaba adscrita al Departamento de Transportación y Obras Públicas, no existe. Precisamente, el mantenimiento que requería esa y las demás piezas de arte público instaladas alrededor de la Isla, lo cuestioné durante la presentación del proyecto en el 2003. La contestación entonces de la primera ejecutiva fue que la agencia encargada manejaría ese asunto. Claro está que nadie manejó el fruto de un proyecto al que le destinaron $25 millones, y que tuvo sus aciertos y sus errores.

Me pregunto si el Departamento de Transportación y Obras Públicas recibe o recibió fondos especiales para mantenimiento del arte público los pasados años, me pregunto si finalmente se presupuestó una partida para esto, me pregunto si en efecto fue así a dónde fue a parar el dinero. Me pregunto muchas otras cosas.

Devolverle el lustro a la mencionada obra en la Baldorioty requerirá de tanto dinero y una logística que no es simple, que me atrevo a asegurar que no será atendida y todos seremos testigos de como la convierten en adefecio, tanto por los inconcientes que se arman de un pote de aerosol como de las autoridades que les vale igual que exista o no.

Unos días después de la lectura del artículo en Sculpture y de la travesía por la avenida Baldorioty de Castro, informes de prensa señalaban que la secretaria de Educación Odete Piñeiro, emitió una carta circular para informar que reducirán las clases de bellas artes en las escuelas públicas a medio crédito (como mucho) en los niveles intermedio y superior.

Está claro que a éste y a los pasados gobiernos les ha importado poco o nada el arte y las demás manifestaciones artísticas, igual importa que los niños de las escuelas públicas - esos que en su mayoría los padres no tienen dinero para pagarles clases de arte, música y demás- tengan una opción enriquecedora en su formación integral en nuestras escuelas.

Los que pintan y bandalizan obras como la de Román, no entienden de estas cosas, de estos grandes presupuestos, de la importancia del arte en nuestras vidas, de sensibilidad, de la proyección de un pueblo, de sus aspiraciones. Pero, ¿que sabrán las futuras generaciones si se les niega la enseñanza o se les reduce a lo mínimo? ¿Se habla en nuestras escuelas del arte público? ¿Se habla de nuestros artistas? (Y menciono artistas porque en este espacio se habla de arte, ya nos tendremos que imaginar qué sucede con nuestros escritores, historiadores, deportistas y demás.)

Ya lo había mencionado en otra ocasión aquí en El Naufragio de las Palabras, y lo repito. Hasta cuándo el gobierno y las autoridades continuarán como avestruces en cuanto al arte y los temas culturales (y en muchos otros temas). La criminalidad, la deserción escolar, la violencia se atacan desde muchos frentes. La educación y el arte son algunos de esos frentes. NO LOS JODAN MÁS (al arte, la cultura, la educación, al País...).

CONVOCATORIA Tipografía

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Thu, 18 Mar 2010 16:04:00 +0000

Trance Líquido invita a participar a todo artista plastico al Pabellón Experimental en el
Festival de la Palabra Puerto Rico 2010. Dicha actividad va a llevarse a cabo los dias 4 al
9 de mayo de 2010 en las facilidades del Cuartel de Ballajá en el Viejo San Juan. Esta
convocatoria surge con el interes de mostrar y promover los nuevos plantamientos en los
nuevos medios.
El Festival de la Palabra es un evento cultural de alto impacto mundial para promover la
literatura y el uso de la palabra. El tema a desarrollar para la participación en el Festival
de la Palabra en el Pabellón Experimental es la “Tipografía”.

Reglas de Participación:
1. Todo artista participante debe ﬁrmar un acuerdo de participación. Descarga pdf
aqui.
2. Se permitirán obras que demuestren experimentación con los nuevos medios y el
tema.
3. Las obras deben entregarse con todo lo necesario para ser presentadas.
4. La selección de obras estará acargo de Trance Líquido.
5. Los criterios para la sección de obras son los siguientes: la calidad artistica,
creatividad, innovación y experimentación con los medios y el tema.
6. Deben entregar propuestas en o antes del 15 de abril de 2010.
7. Todo artista escogido sera notiﬁcado por correo electrónico a partir de 17 de abril
de 2010.
8. La fecha del montaje del 1 al 3 de mayo de 2010.

Procedimiento: Enviar la siguiente información lista para publicar con ʻSubjectʼ Tipograﬁa a:
info@tranceliquido.com

1. Biograﬁa (100 palabras máximo)
2. Fotos de la obra montada y detalles de la misma.
3. Foto del artista (debe verse el rostro).
4. Descripción y explicación física y conceptual de la obra.
5. Ficha técnica de la obra. Nombre del artista, título, medio, medidas, año y país.
Descarga las bases y el formulario de la Convocatoria de Tipografia:
http://www.tranceliquido.com/wp-content/uploads/ConvocatoriaTipografia.pdf
Info: http://www.tranceliquido.com/2010/03/convocatoria-tipografia/

Federico Farrington: Sobre pieles

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Sun, 07 Mar 2010 16:22:00 +0000

El rapto de artemisa

Cuando se para frente a la tela, Federico Farrington no le teme al color. Mucho menos a las tendencias estilísticas actuales. No vacila en manejar una paleta de acrílicos brillantes ni en su acercamiento a las escuelas del surrealismo, la neofiguración y la transvanguardia.

Tras una carrera en el diseño y su vínculo a la pintura, es en su etapa madura cuando el artista decide completar un grado en pintura en la Escuela de Artes Plásticas (EAP) en el Viejo San Juan. De esto hace unos dos años, y sostiene que le ha permitido tener un acercamiento y entendimiento con los hacedores más jóvenes del arte, así como el respeto recíproco a sus respectivas propuestas.

Es en la EAP donde depura su práctica y se pone en contacto con otros medios contemporáneos, aunque prefiere seguir por ahora en la pintura.

En su encuentro con El Naufragio de las Palabras en su taller, reconoce que en el arte ¨prácticamente ya todo está hecho y por eso tengo la necesidad de hacer una pintura replanteada, que tiene que ser más fuerte, más contundente¨. Asegura que le ocupa el proceso de cuestionarse la pintura sin emigrar del medio.

¨Yo defino el arte como un proceso de transformación, primero a ti como artista y luego la posibilidad de transformar a otros con lo que les presenta¨, manifiesta Farrington. ¨Me afecta cualquier cosa que sea un atentado contra la libertad, que venga como una agenda o a manipular. Me busco mucho en lo que nos conviene a nivel espiritual. Lo que planteo es el no saber¨.

El artista elabora personajes frontales -para hacerlos más persuasivos- que se van transformando ante nuestros ojos y nos dejan con la idea de rebuscar sobre pieles. Construye personajes donde cada color es una nueva epidermis que brota una y otra vez sin revelarse por completo.

Es ahí donde entran en juego lo misterioso e indescifrable de sus hombres y mujeres que muchas veces son los que nos miran primeros para recordarnos que los intrusos somos nosotros, mientras continuan con su transformación. No sonrien, simplemente están ahí.

Las pieles les sirven las más de las veces de antifaz y la sexualidad casi siempre los rondan. Ya sea cuando estos personajes nos muestran su genitalia, o encontramos el referente en narices fálicas o bocas casi vaginas, y en pechos-pecherines desbordados.

Explica que siempre descompone la figura con un interés deliberado y controlado. Y destaca la importancia de los ojos ¨porque esa es la salida o entrada al interior, y trabajo con lo que hay detras de esa mirada, lo que está oculto, porque es ahí donde está el misterio¨.

Cuando trabaja, Farrignton dice que intenta buscar ¨un punto medio entre la razón y la intuición¨, pero establece que son pinturas bien pensadas sin espacio para accidentes.

Eso no quiere decir que se ciñe en exclusivo a un boceto, ya que no deja que este lo guíe hasta el final ¨porque un boceto te puede perjudicar una pieza¨.

¨Soy muy perfeccionista y si veo que el particular está afectando la totalidad de una obra yo lo cambio aunque no esté el boceto¨, añade.

El artista, quien prefiere no firmar sus obras, se prepara para tener su primera exposición en solitario este año, con piezas en mediano formato. Realizará principalmente rostros, a diferencia de piezas anteriores que abordan personajes de cuerpo entero y con una narración visual con más elementos.

En adelante, confiesa que continuará esa búsqueda de cuerpos mutantes que nos van revelando quien sabe si lo mejor o peor de cada uno, quien sabe si se refiere a sus propios personajes únicamente, quien sabe si nos encontramos también ahí.

Prototipo: proyecto editorial sobre cultura contemporánea

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Thu, 18 Feb 2010 16:09:00 +0000

Para los que buscan nuevas propuestas edioriales ya está disponible el más reciente volúmen de la publicación especializada en temas culturales contemporáneos, PROTOTIPO 7.0 fundada y dirigida por Dyanis De Jesús Colón, quien reside en Chicago y cuya trayectoria profesional abarca principalmente desde el arte, el periodismo y la publicidad.

De Jesús Colón ofrece en esta edición un viaje cultural por España, Francia, Argentina, Italia, Estados Unidos, México, Suiza y Puerto Rico, con propuestas creativas, escritos, imágenes y piezas de arte originadas en cada uno de estos países, todos interconectados por la tecnología y las redes del ciberespacio.

Al referirse al ¨network¨, como parte de la estructura que proyecta a través de su publicación, De Jesús Colón plantea una serie de cuestionamientos como introducción y saludo a la presentación de su proyecto editorial, en el cual cuenta con la colaboración de Eduardo Cintrón, como director de arte.

¨En esta versión de mundo que habitamos, esa interrelación es la norma (o se ha hecho más evidente). Algunos aprovechan este estado para divulgar, influenciar, exponer propuestas estéticas; otros te quieren convencer de las ideas propias y algunos otros pretenden ignorar este continuo flujo del que todos nos nutrimos y por el que toda acción tiene una reacción, colectiva¨, señala la joven creativa. Y añade que ¨no tenemos una respuesta a ninguna de estas cuestiones. Es una simple provocación para todos los creadores allá afuera, ¿qué rol juega el network en ti? ¿qué rol juegas tú en él como ente creativo? ¿cómo te alimentas de esta idea?¨.

Con un diseño ágil, actual y muy creativo, encontramos en la publicación un escrito de la curadora Marina Reyes Franco acerca de la dinámica presente del arte joven en Buenos Aires, donde reisde y realiza estudios en historia del arte. Por su parte Juan Roberts, quien reside en Rincón, Puerto Rico, comparte lo que denomina ¨una novela blog¨ titulada Strawberry Roaches. Piezas de la artista Migdalia Barens, joyería de Lucymar Delgado y editorial fotográfico de moda de Mara Corsino, son algunos de los tópicos que encontramos.

Los que deseen saber el costo y obtener un ejemplar de esta publicación PROTOTIPO 7.0 pueden escribir a dyanis@gmail.com / prototipomag@yahoo.com

RESEÑA CIRCA

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Tue, 02 Feb 2010 15:08:00 +0000

Ikaro Zorbar

Angel Otero

Omar Velázquez

Jorge Díaz Torres

Manuel Archain

Alrededor del arte: la experiencia Circa 2010

SAN JUAN, Puerto Rico - En su quinta edición, Circa, la primera feria de arte de Puerto Rico, a simple vista parece no lograr la trascendencia esperada para un evento de esta naturaleza y precisamente al cabo de cinco años desde su fundación.

Distintos factores podrían abonar a esta situación, entre los que cabe mencionar el enfoque de sus realizadores, la falta de apoyo del gobierno y, por supuesto, la crisis económica mundial que parece hacer más mella en la Isla.

Respecto al enfoque, aunque se trata de una feria de arte contemporáneo, esta vez sus organizadores Roberto Nieves (director y presidente) y Celina Nogueras (directora artística) apostaron por propuestas artísticas más ¨amigables¨ contrario a años anteriores cuando podían apreciarse trabajos más contundentes y arrojados, muy propios de estos tiempos, y por lo tanto más actuales.

Claro, eso podría tener una explicación en el sentido de que a diferencia de una exposición, la feria de arte es un mercado para vender piezas, y no necesariamente emarcadas dentro de una temática particular. El fin de la feria es vender y en el caso que nos ocupa ésta se realiza en un mercado que no está del todo maduro. En ese sentido, sus organizadores buscarán atraer piezas y artistas que logren capitalizar su inversión en un escenario de reducidos compradores. Esto no significa que carezcan de importancia y valor.

Circa se realiza con un presupuesto reducido que ronda los $200,000 poco más o poco menos, sin el apoyo, o más bien el apoyo tímido del gobierno (una asignación por debajo de los $20,000). La cultura, que nunca ha sido vista por ninguno de nuestros gobernantes como un instrumento de actividad económica, repite su experiencia de relegada en la celebración de Circa.

Tan reciente como la última semana de enero una delegación del gobierno local, encabezada por la Compañía de Turismo, acudió a una de las principales ferias de turismo del mundo, FITUR 10, celebrada en Madrid, España. Cómo se explica que la celebración de Circa no encuentre resonancia en el apoyo del gobierno como parte de sus estrategias para mercadear a Puerto Rico como destino. Cómo se justifica que se puedan repartir en ese evento en Madrid opúsculos de paradores sencillos de las diferentes regiones del país, y en cambio un evento como pudiera ser Circa no alcance ni siquiera ese espacio.

Obviamente existe un problema de proyección de la feria de arte, un problema en el convencimiento de las autoridades y posibles auspiciadores, y una falta de visión. Y no se trata de un señalamiento en una sola dirección.

Por qué puede y debe ser importante Circa. Bueno, porque además de ser una entidad privada que naturalmente beneficia a sus desarrolladores, también puede ser una ventana para presentar el trabajo de artistas locales que al entrar en contacto con expositores de otros países pueden lograr contactos y compradores internacionales. También puede ser un atractivo en la región para convidar a coleccionistas y amantes del arte, o simplemente viajeros, a considerar Puerto Rico como destino caribeño donde igual se puede apreciar y adquirir arte de calidad. No es que nada de esto ocurra, es que debe ocurrir más y ser más notable.

Sus organizadores sostienen que se genera un movimiento o actividades paralelas a la feria, como visitas a colecciones privadas, otras exposiciones y demás. Circa también genera empleos temporeros, genera ventas -pocas o muchas, pero ventas-, y eso no es negativo. Circa se convierte en una posibilidad de abrir espacios para educar sobre el arte contemporáneo aunque esto no esté ocurriendo.

Se le percibe como una feria elitista, de unos pocos, y basta irse a la calle y preguntar cuántos sabían qué era Circa, y muy pocos todavía no la conocen. Y no aludo a la masa -por referirme a la mayoría de las personas con una educación promedio-, sino a los profesionales, jóvenes profesionales que ni siquiera saben lo que es esta feria de arte.

Ya han pasado cinco años desde la primera Circa, y esta vez se cambió su fecha de realización que había sido alrededor del cuarto y quinto mes, para aventurarse a comenzar el año, antes que otras ferias establecidas a nivel internacional. Si esto resultó positivo o no, ya nos enteraremos.

Este año el espacio de exibiciones en el Centro de Convenciones en Miramar parecía menos ocupado, aunque los organizadores aseguran que el total de expositores es el promedio de siempre. Había galerías de Alemania, Argentina, Colombia, China, Costa Rica, España, Estados Unidos, Taiwán y Puerto Rico.

El proyecto Circa Labs, que consiste de contenedores donde se invitan a artistas emergentes o galerías, y hasta ahora había funcionado fuera del recinto principal, esta vez se les vio literalmente dentro de la feria. El concepto de los contenedores bajo un techo y la comodidad del Centro de Convenciones le confieren otra dinámica, no del todo adecuada.

Qué sobresalió en Circa 10. Poca fotografía, mucha pintura, dibujos, pocas instalaciones, pocos videos, y poco arte con carácter.

Una vez más, Omar Velázquez logra sobresalir por su trabajo, primero en la Muestra Nacional de Artes del Instituto de Cultura Puertorriqueña, y ahora en Circa. El joven artista presentó sus grabados de gente de la calle en tamaño natural, sobre enormes pedazos de papel simulando pescado colgando del techo. La mano diestra de Velázquez, la textura y el impacto de sus piezas casi hacían sentir el olor ocre al que aludían.

Muy cerca del espacio en solitario que ocupaba Velázquez, estaba el trabajo presentado igual en solitario del artista Jorge Díaz Torres, con su estética de imitar objetos comunes protegidos por enrejillados galvanizados, creados con esmero tal que casi resulta imperceptible la diferencia con el objeto real. La experiencia fue notable en dos de sus piezas, una con dos cilindros de gas realizados en papel, y una enorme nevera de hielo realizada con diferentes materiales.

De las galerías del exterior llamó la atención Casa Riegner con el trabajo rudimentario del artista colombiano Ikaro Zorbar, quien presentó pequeñas maquinarias que aluden a los sonidos, como una que accionaba un casete y se podía escuchar la pieza Volver, mientras al extremo de un tablero otra maquinaria recogía la cinta. Son canciones vinculadas a experiencias sentimentales del artista y la acción de la máquina como apoyo para la memoria.

Sobresalió, además, las fotografías del artista argentino Manuel Archain, con escenas cotidianas cargadas de ironía y surrealismo, como la pieza Secador. En esta muestra a una chica con toalla amarrada a su torso mientras su cabello chorrea en un lavabo. Tiene una mano extendida hacia atras y una mano de hombre en chaqueta negra le extiende un arma en lugar de un secador.

Del ya exitoso artista puertorriqueño Angel Otero, había una pintura de mediano formato con sus manteles y jarrones con flores, donde se destaca el uso de materiales y las sensaciones de profundidad logradas en su trabajo.

Cuál es el futuro de Circa. Eso sólo sus organizadores lo saben. Lo que sí esperamos es que este sea uno de esos eventos que puedan continuar y logren la trascendencia necesaria para el país. Que sea una feria inclusiva y que se le agreguen otros componentes para que logre mayor resonancia. Naturalmente eso requiere de más dinero, reenfoque y apoyo. Después de todo, es un logro mantener cinco ediciones vivas.

Desde la diáspora con Esteban Figueroa: Del infierno, el purgatorio y el paraíso

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Mon, 25 Jan 2010 14:04:00 +0000

BUENOS AIRES, Argentina - En el suntuoso vestíbulo del Hotel Emperador está sentado Esteban Figueroa. Está quieto. Sin embargo, tras el saludo y la presentación no deja de hablar y moverse, sobre todo moverse. El artista puertorriqueño -o niuyorican, que importan las etiquetas- habla con todo su cuerpo mientras va de una idea a otra, y a otra y a otra.

Es espigado, lleva una canosa cola de caballo e indistintamente habla español e inglés. El encuentro con El Naufragio de las Palabras estaba pautado para un breve relato sobre su estadía en la ciudad porteña y conocer de sus proyectos recientes. Al final, la amena conversación se extendió más de lo pronosticado, pero no lo suficiente frente a un artista de muchas historias y un proyecto de envergadura.

Este año Figueroa podría regresar a la Isla con su trabajo más reciente que le supondrá presentaciones en Buenos Aires, Madrid y San Juan, tres ciudades que integran la propuesta visual que recrea su visión del infierno, el purgatorio y el paraíso, basado en la Divina Comedia de Dante Alighieri.

El trabajo, según explica, consiste de una muestra fotográfica que partirá desde el Palacio Barolo en Buenos Aires, con la cual pretende explorar ¨de forma aguda y crítica¨ al ser humano y su destino. Figuras humanas desprovistas de vestiduras que revelan hasta sus entrañas son parte fundamental de esa exploración colectiva.

Figueroa combina la imagen desde la estética de la vieja escuela, pero a través de la tecnología actual, para presentar un trabajo fotográfico digital que evoca las texturas y la luz de Caravaggio y de artistas como el Bosco, Botticelli, Velásquez y Goya. Lo denomina "pintura digital".

Destaca que elabora las imágenes a partir de una referencia pictórica y por eso el espectador podría pensar que se encuentra ante pinturas.

El artista trabaja inicialmente con figuras reales que retrata sobre los techos de la ciudad para lograr cierta cercanía al cielo, y lo hace en horas nocturnas. Luego construye digitalmente los espacios o escenarios donde pululan esas figuras desnudas.

Explica que en esos escenarios aparecen sogas o agua, ¨como metáforas, que enlazan o mojan los cuerpos, anunciando la lucha eterna contenida en cada ser por liberarse o purificarse, a fin de cuentas… intentando evidenciar la tensión del hombre con su propia fe¨.

Resalta los símbolos religiosos mediante crucifijos y altares, que generan un espacio que desconcierta al espectador y lo transporta al mundo imaginado por el artista. Lo define como ¨el infierno de cada hombre¨.

Cuando se abraza al tema del infierno, lo hace desde una intención ¨humanista¨ para excarvar en la necesidad de revivir la fe sobre las instituciones tradicionales como la iglesia, el estado y la sociedad. Indaga en la muerte en un sentido filosófico, pero dentro de un “proyecto de vida”.

El Infierno comenzará en el Palacio Barolo en Buenos Aires, luego transcurrirá el Purgatorio en San Juan y llegará al Paraíso en Madrid.

El Palacio Barolo fue propiedad del productor agropecuario Luis Barol, quien arribó a la Argentina en 1890. Éste contrató al arquitecto Mario Palanti para realizar la estructura que tenía en su mente. Figueroa menciona que Palanti, quein era un apasionado de La Divina Comedia, decidió llenar el palacio con referencias a la obra.

Por ejemplo, la división general del palacio está en tres partes, mientras las nueve bóvedas representan los nueve pasos de iniciación y las nueve jerarquías infernales. Además, su altura es de 100 metros y son 100 los cantos de la obra de Dante, entre otras referencias.

Cada presentación consistirá de 20 imágenes de gran formato acompañadas de talleres en cada lugar, cuyo resultado se habrá de incorporar a la muestra.

El proceso de captar las imágenes estará influenciado por la formación teatral de Figueroa, quien utilizará la metodología del teatro del oprimido para conseguir que cada uno de sus modelos -que serán personas comunes de la calle- logren sacar “un carácter único asociado a un personaje siniestro el cual habita en el infierno de cada persona¨.

Con este proyecto el artista hace un reconocimiento a la obra de Dante, pero también busca conectar a los espectadores con la realidad actual y acercar las nuevas tecnologías al arte clásico. Y sobre todo la exploración interna del infierno de cada cual.

COMENTARIO: No salen del anclaje “las instituciones culturales”

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Tue, 19 Jan 2010 18:49:00 +0000

El Instituto de Literatura Puertorriqueña, que preside el Dr. Ramón Luis Acevedo, anunció recientemente que el Instituto de Literatura Puertorriqueña está en el proceso de considerar la producción periodística publicada durante el año 2009. Para esto convoca a los autores de artículos periodísticos publicados por primera vez durante el año 2009, para que participen en el certamen y aspiren a un premio que podría ser de $5,000.

Mientras por un lado todos cobramos cada vez más conciencia de la importancia y el rol que desempeñan las nuevas tecnologías, el Instituto de Literatura Puertorriqueña sigue anclado en un pasado de papiro y obvia los medios alternativos que divulgan importantes escritos e informaciones. De esa manera relega el valor, incluso periodístico y literario que puedan tener los escritos variados que encontramos en la red cibernética.

Los valores culturales trascienden los adoquines, las vigas de ausubo y las construcciones de mapostería. Cuándo nuestras instituciones –oficialistas, públicas y privadas- van a mirar al futuro. O ni siquiera al futuro, al presente. La historia es fundamental para un país, pero la historia igual se construye día a día.

El Naufragio de las Palabras enfoca sus escritos en el arte contemporáneo y sus hacedores, pero existen sobre un centenar de espacios cibernéticos producidos en esta Isla, que ofrecen historias, relatos y trabajo que bien podría considerarse periodístico, que resultan esclarecedores y que constituyen nuevas voces refrescantes e informadas en infinidad de temas. Estos no son considerados por entidades como la aquí mencionada, pero en cambio cuentan con los lectores que saben distinguir entre una historia y una Buena historia. Simplemente vean Diálogo Digital, Estruendomudo de Manuel Clavell Carrasquillo, Fractal de Karla Marie Ostolaza, y Quantum de la Cuneta de Eric Álvarez, por mencionar pocos ejemplos.

Para participar del comentado certamen, los artículos deberán estar en el Instituto en o antes del 1 de marzo de 2010 y podrán concursar periodistas puertorriqueños o extranjeros permanentemente domiciliados en Puerto Rico, mientras los artículos de prensa o revista deberán estar escritos en español.

Los trabajos deberán entregarse al Instituto de Literatura (Calle San Francisco 361, Apartamento 1 Primer Piso, Viejo San Juan), con diez copias de cada artículo, en los cuales aparezca el nombre del periodista, el nombre del periódico y la fecha de publicación. Para más información pueden llamar al 787-977-2307. Llamen todos para que sepan que más allá del papel se construye otra historia otro mundo, muchas veces más real.

CONVOCATORIA: Abrazo caribeño por Haití

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Tue, 19 Jan 2010 16:48:00 +0000

El Comité Pro Niñez Dominico Haitiana, una organización puertorriqueña que lleva casi una década haciendo trabajo educativo y humanitario en la frontera entre Haití y República Dominicana, y La Respuesta convocan a los artistas visuales a unirse en solidaridad con el pueblo haitiano. Abrazo caribeño por Haití reunirá a un extenso grupo de músicos, teatreros, performeros y artistas visuales con el fin de recaudar fondos para nuestros hermanos y hermanas haitianas. Entre los artistas confirmados se encuentran, Tego Calderón y sus Majaderos, Mima, Awilda Sterling, Y no había luz, Calle 13, Gisela Rosario, Abey Charrón, Teatro Breve, entre muchos otros.

Extendemos una invitación a todos/as los artistas visuales a donar una pieza (en cualquier medio, tamaño y valor) la cual estará a la venta durante la actividad. Todo lo recaudado será canalizado a través del Comité Pro Niñez Dominico Haitiana. Las piezas no vendidas pasarán a formar parte de un catálogo digital que se distribuirá entre posibles compradores.

Las piezas se estarán recibiendo el jueves, 21 de enero a partir de las 12:oo del mediodía en el local de La Respuesta, Ave. Fernández Juncos esquina Calle del Parque, en Santurce. El horario está aún por confirmarse. El evento multidisciplinario de recaudación de fondos para el pueblo haitiano será en La Respuesta los días 22 y 23 de enero de 2010

Para más información del proyecto y la convocatoria pueden comunicarse con Vanessa Hernández Gracia al 787 412-9498, Melissa Sarthou al 787 307-4686, con el Comité Pro Niñez Dominico Haitiana al 787 361-8383, o a través del correo electrónico: vanessahernandezgracia@gmail.com Además, más información en el blog: http://abrazocaribeno.wordpress.com/

RESEÑA: Grande la chiquita

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Fri, 15 Jan 2010 18:01:00 +0000

Javier Román

Kristine Serviá

Lillian Nieves

Arnaldo Román

El centro curatorial LA 15 cerró el 2009 con una ambiciosa propuesta donde logró reunir a poco más de 50 artistas en la muestra Chiquitolina, con trabajos de pequeño formato en diversos medios. Esto resultó en una pequeña muestra nacional de lo que ocurre en el arte contemporáneo en Puerto Rico, con expresiones que incluyeron pintura, dibujos, objetos, fotografía y vídeo, entre otros. El tema del consumerismo, ya tocado en demasía por los artistas a nivel global, en cambio estuvo efectivamente presente en las piezas más destacadas de esta exposición organizada por José Jorge Román, con una base referencial a las exhibiciones de pequeño formato iniciadas en la Isla hace más de 45 años por Luigi Marrozzinni.

Entre las piezas se puede destacar la propuesta de la artista Lilliam Nieves, quien presentó una lata paa recolectar donativos la cual tenía adherida una estiqueta que la presenta a ella en ropa interior. El texto en la etiqueta busca donativos de las personas para poder realizarse una lipoescultura. Esta pieza será parte de un performance que la artista se propone realizar durante este año. Mediante la ironía, Nieves cuestiona los parámetros de belleza establecidos por los medios de comunicación que constantemente están diciéndole a los consumidores cómo vestirse, como caminar, como hablar, como comer, incluso como amar.

Por su parte, Arnaldo Román presenta el único vídeo presente en la muestra donde también se incluye como personaje central, para denunciar el consumerismo rampante que lleva a las personas a plantearse la aceptación del Yo, a partir de lo que dicta el mercado y demas estructuras sociales. Roman, en su video en blanco y negro, aparece cambiándose una camisa y colocándose una máscara de latex que lo presenta con otro rostro y calvo. Durante la duración del video intenta una y otra vez acomodarse la máscara, mientras su insatisfacción es evidente. Al final se despoja de la máscara pero la insatisfacción sigue presente. En esta pieza entran en contradicción la personalidad, los deseos y la realidad de las personas.

De otro lado, cabe mencionar la pieza de Javier Román, que consistió de un dibujo a carboncillo cuya composición incluyó elementos que también aluden a los patrones de consumo, aunque desde una perspectiva más política. La pieza inluye un texto que lee: ¨El sueño de la nación produce monstruos¨. Por eso vemos el símbolo de la industrialización cementera en la figura de Luis A. Ferré, vemos figuras vampiros, vemos el cordero siempre relajado, y la invasión de Costco, Wal-mart y el anticipo de lo que ocurrirá con Krispy Kream. Del cielo o del infierno, o quizás de ambos lados, la figura siniestra de un Tío Sam que parece colocar y sacar figuras de la isla tablero.

De Kristine Serviá hay dos dibujos de su nueva producción que abordan el tema de la relaciones interpersonales a través de entramados de cables e interconexiones con cajas o archivos, y su distintiva preocupación por el orden. Ya es tiempo de que podamos presenciar una exposición en solitario de Serviá para poder apreciar en un marco amplio la estética y conceptualización de su trabajo.

También pudimos ver obras de Carmen Olmo Terrasa, quien presentó pequeños trabajos de su serie La Capilla, una de las mejores exposiciones de 2008. Se destacan piezas de Roberto Márquez, con sus caricaturescas pinturas que exploran los complejos de las personas, y el trabajo interesante de Edwin Jonathan Torres.

Román, fundador de LA 15, logró con Chiquitolina reunir una muestra representativa del arte contemporáneo local con artistas de distintas generaciones.

Reseña: LA MUESTRA DE LA MUESTRA

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Sat, 02 Jan 2010 20:29:00 +0000

Omar Velázquez

Isabel Ramírez

(Nota: Es necesario agradecer a la directora del Programa de Artes Plásticas del Instituto de Cultura Puertorriqueña, Marilú Purcell, y a sus empleados, por abrir las puertas del Arsenal de la Marina Española en medio de sus vacaciones. De esta forma la prensa alternativa de los diferentes espacios culturales que publican en la Internet pudo hacer su recorrido y cada cual realizar sus respective reseñas.)

Como barómetro de la realidad plástica de los últimos dos años, la Muestra Nacional de Artes Plásticas 09 del Instituto de Cultura Puertorriqueña, logra presentar un cuerpo de trabajos variados que en términos generales recoge una visión de mundo más amplia, desarraigada del tradicional discurso nacional e insularista.
Eso no quiere decir que los hacedores del arte contemporáneo estén desapegados del todo de la preocupaciones y realidades inmediatas y cercanas, sino que se arman de discursos más universales para plantearse situaciones -cuando es el caso- que bien ocurren en la Isla y en otros lugares.
La pintura como medio tradicional conserva el predominio en esta muestra donde participan 111 artistas de cuatro generaciones, pero encontramos también trabajos en fotografía, vídeo, instalaciones y performance. También hay esculturas, aunque son las menos.
En cuanto a la calidad de las piezas, los colores son varios. Unas apuestan al dominio de las técnicas pictóricas y del dibujo a través de propuestas figurativas (que abarcan variedades estilísticas que van desde la pintura expresionista, hasta el arte pop y el graffiti, entre otros), mientras otros exploran sus ideas desde la abstracción. Las propuestas que podríamos enmarcar en el arte conceptual ofrecen una gran dosis.
El humor y la ironía, y el convite a la reflexión se hacen sentir con frecuencia.
Una de las piezas de más impacto es la instalación ¨De lo más inofensivo¨, de la joven artista Isabel Ramírez (ver reseña del Naufragio, junio 2009). En esta se presenta la imagen de una niña sobre un armazón colgante de madera, y en una esquina en el suelo una montaña de pequeños troncos de madera cubren un cuerpo. Cuando el espectador se acerca a la pieza se activan en el vacío las risas de una niña. Ramírez explora la niñez desde un lugar incómodo, incluso doloroso. Logra la artista una pieza efectiva en términos conceptuales y de espacio, que ya habíamos visto durante su primera exposición en la Galeria 356 en mayo de 2009.
De otro lado, también resultan efectivas las pinturas de gran formato de Nathan Budoff, que recogen una cantidad de signos para relatarnos algunas historias en las piezas ¨Television Angels on the Lookout for Free Spirit¨, y en ¨Amores difíciles¨, con el matrimonio Clinton como eje central.
Cabe mencionar la escultura ¨Cannibal Duck¨ de Edwin Jonathan Torres, donde confonta lo grotesco mediante la presentación de figuras como son el Pato Donald y un payaso. El artista coloca al Pato Donald sentado sobre la cabeza de un payaso al que se está comiendo. Un poco hace recordar las coloridas esculturas del artista holandés Folkert de Jong.
La pieza instalación de Omar Velázquez, ¨Misifú¨ logra destacarse no sólo por su tamaño, sino por la amalgama de objetos recolectados y reordenados para confeccionar el imaginario de los desamparados que llevan a cuesta, no sólo el peso de su vida presente, sino el peso de lo que tuvieron o no antes de terminar en las calles. (Ver entrevista a Velázquez en el proyecto del Naufragio, 10CONTEMPO)
Mientras la obra de Dhara Rivera, ¨Homenaje al Pterocarpus¨, una instalación documentativa, resulta la pieza que incuye performance mejor documentada de la muestra.
La presente muestra ha sido un parto doloroso en medio de los recortes y las limitaciones con las que cuenta no sólo el ICP, sino el Programa de Artes Plásticas dirigido por Marilú Purcell. Al final, ha valido la pena, a pesar de los señalamientos que se le puedan hacer.
Es una muestra con varias figuras conocidas y de trayectoria en la plástica isleña, y con nombres menos conocidos, pero no por esto de menos monta. Luego de todo, de eso se trata, de proyectar la actividad plástica de los últimos años y sus creadores. Ahí están los que mantienen la escena viva, con un escaso presupuesto, los autogestores, los que deciden mantener su producción sin el apoyo de las estructuras tradicionales del arte. Ese es uno de los principales signos de esta muestra.

Año de retos

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Fri, 25 Dec 2009 17:43:00 +0000

Desde El Naufragio de las Palabras le extendemos una felicitación y un fuerte abrazo a todos y todas los que han patrocinado este espacio, que de alguna manera intenta producir cierta documentación sobre el arte en Puerto Rico y desarrollar proyectos editoriales.

El 2009 ha sido un año de muchos retos, y sobre todo de muchos ataques a la cultura. El 2010 se perfila como un año más intenso, que de seguro demandará de todos nosotros grandes sacrificios.

En este espacio intentaremos seguir contribuyendo con un grano de arena junto a los compañeros y compañeras de otros espacios, que igualmente sienten el compromiso de proponer alternativas para lograr una escena del arte más plural, más democrática y más ética.

Como siempre, están bienvenidas las colaboraciones y preocupaciones de todos nuestros lectores, y esperamos que en el 2010 podamos -a pesar de las circunstancias, o precisamente debido a ellas- ofrecer un trabajo de interés y calidad para todos.

Sigamos en marcha.

Reseña SUPRATEMÁTICA en LA 15

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Mon, 23 Nov 2009 13:49:00 +0000

Myritza Castillo

Inés Aponte

Dhara Rivera
Kristine Serviá

Fotos cortesía de Joel Cintrón Arbasetti, de post-data

Supratemática, la reciente exposición que nos presenta el artista José Jorge Román en su espacio LA 15, con una pequeña muestra colectiva de las artistas Inés Aponte, Dhara Rivera, Myritza Castillo y Kristine Serviá, no permite una lectura fugaz.

Las obras no están identificadas, ni siquiera sabemos si llevan títulos, pero no están ausentes de alegatos. Al detenernos en la puerta de entrada del reducido espacio expositivo, podemos divisar las piezas de las cuatro artistas de dos generaciones: las primeras dos hace tiempo establecidas, las siguientes dos en pleno desarrollo. Cada una planta bandera con su temática en medios diversos, Aponte presenta 15 piezas en fotomontaje, college y vídeo; Rivera muestra fotografias y una instalación de ¨objetos¨; Castillo enseña dibujos y una instalación, mientras Serviá opta por tres dibujos de mediano formato.

A la derecha nos encontramos con un pequeño escritorio y una maquinilla probablemente de los 70, con una larga hoja de papel. Esta es la pieza de Castillo ¨Little stories of a collectives sub-dreams¨, cuyo título y el de las demás obras me he enterado días después.

La instalación ¨trabaja con la capacidad de las personas en general para crear historias reales o ficticias dentro de un contexto de una historia o un relato¨, donde se convida al espectador a sentarse y agregar su parte de la historia, a la iniciada por Castillo en una acción la noche de apertura. Detrás de la pieza hay tres dibujos de la maquinilla, vista desde diferentes ángulos. Con su obra, la artista espera que ¨de alguna forma nos sensibilicemos y regresemos a las cosas básicas¨, mediante una tarea arcaica como resulta la escritura en una maquinilla en una era de alta tecnología.

Hay en la pieza una confrontación a la sofisticación del momento, y a la pérdida del valor en las cosas sencillas y cotidianas. Probablemente muchos de los asistentes a la exposición, y no podemos olvidar que aunque LA 15 es frecuentada por un público heterogéneo siempre abundan los jóvenes menores de 30 años, éstos nunca hayan tenido contacto con una maquinilla. Con la acción Castillo retrata un presente de carencias en medio del tumulto, y lanza un detente para reflexionar.

En el corto recorrido llegamos a la instalación de 15 piezas en pequeño formato de Aponte, que al principio nos parece una sola obra y luego descubrimos que no lo es. ¨Ropa, Casa y Comida¨ es el nombre de la serie, que integra el fotomontaje y el collage. Visualmente atractiva, la pieza ¨investiga la naturaleza frágil y compleja de la vida cotidiana¨.

Aponte utiliza un lenguaje de signos para explorar o denunciar la venta de casas con ¨Casas para la venta I y II¨, o ratoneras de cantazo, donde literalmente vemos las típicas trampas para cazar rajieros. La ironía y el humor ofrecen una gran dosis en la obra. Así vemos la relación literal entre imágenes y dichos populares en las diferentes piezas. Mientras en el vídeo hay un juego visual de cuadrados que se ordenan y reordenan constantemente.

Muy cerca están las piezas de Rivera, llamadas ¨Muestrario¨. Una serie de fotografías y una instalación de pequeños objetos dorados cubiertos en algunas de sus partes con tejido en crochet rojo, montados en una vitrina blanca.

El trabajo de la artista resulta enigmático, cuando nos enfrentamos con pedazos de objetos encontrados o pedazos de animales disecados. Hay un proceso arqueológico y de preservación de esas piezas que evocan vida desde su estado inanimado. Hay un respeto y un reconocimiento, por algo adquieren ese color dorado, por algo llevan ¨vestiduras¨ de rojo sangre que es vida. Hay rescate y hay apego.

Culmina el recorrido con la serie ¨Filtros¨, de Serviá, quien asegura estar ¨explorando cómo el desarrollo de conflictos y resoluciones se desenvuelven (se construyen, empeoran, mejoran y luego desvanecen) dentro de las relaciones interpersonales¨. Lo muestra con un tríptico sobre papel, en el cual cada hoja aborda una parte del proceso, o como la artista dice ¨la interactividad entre un emisor y un receptor¨.

Serviá construye -a dibujo riguroso- una serie de cajas, contenedores y archivos, unos sobre otros, amontonados, muchos, pero organizados, de los cuales salen líneas de conexión que viajan por la primera hoja, atraviesan la segunda y retumban en la tercera, y viceversa. La artista, con una preoccupación particular por el orden en sus trabajos anteriores, sigue esa temática en la presente pieza pero desde otro punto. Esta vez hay una exploración directa individuo-individuo, y no individuo-lugar, individuo entorno o espacio, aunque todo esto pueda estar presente.

En general, para esta muestra en la cual prevalece el lenguaje conceptual, el espacio resulta adecuado y cada artista respira desde el lugar asignado por la curaduría de Román. Ninguna pieza riñe con la otras. Supratemática resulta una muestra intrageneracional convincente con marcados diálogos donde sobresale la preocupación por el origen del presente -que es historia-, tanto a nivel personal y colectivo, desde un pasado rescatado y preservado, con miras a un futuro. Supratemática es el cuestionamiento del presente globalizado y desarrollado, con miras a un pasado. Supratemática es el diario vivir del yo con el yo, con el otro y con los demás.

Desde la diáspora: OSVALDO BUDET

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Fri, 20 Nov 2009 18:00:00 +0000

En la óptica de Budet

BERLIN, Alemania - Entre el antes y el después, justo en ese instante que relata una parte de la historia -o igual la encubre, o la transforma- es cuando el artista Osvaldo Budet se detiene para contarnos su relato. Es a mitad de camino que nos llama la atención, siempre de frente, husmeando, intentando llegar al lugar de los hechos cual paparazzi que busca la primicia.

Budet se codea con los que hacen historia, los aborda, los abraza, los entrevista, los acompaña en el camino y luego comparte la experiencia. Hace las veces de ciudadano curioso, pero las más de periodista incisivo siempre dispuesto a llegar hasta donde sea necesario.

¨Lo más que me interesa es que mi pieza sea un foro para hablar de lo que la gente no quiere hablar. No sé cómo la gente lo lee¨, contesta Budet, a las preguntas sobre qué pretende conseguir con sus obras y si percibe que el espectador logra captar su propósito.

El artista, que estudió pintura en la Escuela de Artes Plásticas de San Juan -donde se graduó en 2004- y luego hizo un máster en pintura en Maryland Institute College of Art (MICA), recibió a El Naufragio de las Palabras en su apartamento estudio en Berlín, en donde se ha instalado hace siete meses en busca de nuevas oportunidades en el complejo mundo del arte.

La ciudad de Berlín, uno de los centros vibrantes del arte contemporáneo en Europa, no ha estado ajena al golpe de la crisis económica mundial, pero todavía mantiene la actividad necesaria que atrae a artistas de diversos países -como Budet- dispuestos a forjar sus carreras. Muchas galerías han cerrado, pero muchas también mantienen su presencia. Él anda en busca de una.

Budet se ha destacado con sus pinturas figurativas en blanco y negro, y sus fotografías -principalmente en blanco y negro- que evocan documentales fílmicos, medio que cuestiona y reinterpreta para confrontar al espectador con ¨realidades¨ o ¨mentiras¨, o con lo que de ordinario no está dispuesto a ver.

Su aficción por los documentales lo ha llevado a poseer una colección extensa y a explorar desde su contenido hasta los materiales utilizados en el producto final. Por eso, no es extraño encontrar en cada pieza las referencias continuas a esos materiales, y al formato del medio, obras a las que además les agrega textos a modo de subtítulos.

¨Mi acercamiento al documental lo hago como artista, pero cumple con el formato de documental.

El documental plantea la realidad pero yo veo que no plantea la realidad, sino que parte de esta. Cuando trabajo una imagen no me importa que sea verídica, sino usar la historia para contar una historia¨, explica Budet, quien empezó con una cámara de vídeo a documentar marchas en contra de la Guerra a partir de 2006, mientras realizaba la maestría.

Una de sus piezas más conocidas es una fotografía que capta la visita de Barack Obama a Puerto Rico durante su campaña electoral, rumbo a la presidencia de Estados Unidos. En esta se observa a un Obama sonriente en medio de la multitud que le sigue, mientras un joven con grandes anteojos se agacha y lo abraza por la cintura.

A simple vista resulta una imagen simpática, hasta que se la ve con detenimiento. Es el retrato de la colonia en todo su esplendor de pleitesías, de loas al Americano que traerá el bienestar con ayudas de mantengo al pueblo que le recoge fondos para costear su campaña. El joven que abraza a Obama simboliza al colonizado agradecido de su condición, y que luego se irá a celebrar por haber tocado al colono, que aunque ni squiera lo mira, al menos sonrie, y eso le basta para sentir que lo acepta.

En esta pieza Budet encarna al personaje del colonizado. Es este un elemento distintivo en la obra del artista, ya que se inserta en las escenas de sus cuadros o fotografías, como un personaje más, por eso es paparazzi, es periodista, es espectador. Ocupa tantos otros personajes que aparecen una y otra vez junto a Fidel Castro, al lado de Hugo Chávez, en un buque de Guerra, en carrera para escapar de los ataques en Vietnam, y así en tantas otras historias.

¨Cuando llegué a la maestría de pintura lo hice sin querer pintar y empece a cuestionar la pintura, aunque le tengo mucho respeto, y empecé a trabajar el documental y la fotografía. Un día me di cuenta que no exploraba mi humor y es así que empiezo a insertarme -como personaje- en mi trabajo, sea pintura o fotografía¨, explica.

Asegura que en un principio no fue cómodo ¨trabajar con mi persona¨, porque además de exponerse ante el espectador, la preparación que eso requiere le toma más tiempo, toda vez que realiza sesiones fotográficas con las poses en las que desea aparecer y de ahí parte a elaborar los bocetos en computadora. ¨Yo me retrato con la sicología de cómo veo al puertorriqueño. Trabajo con mis complejos¨.

Cuando hace pintura prefiere trabajarla sobre panel, y lo hace con un enfoque bien pensado sin espacio para accidentes. Se acerca al medio con elementos del documental y recrea el pietaje en cada escena. Por eso presenta una imagen centralizda y los bordes superiores e inferiores siempre son negros, trabajados con óxido de hierro.

Budet, a quien su profesor José Lerma le inculcó el valor de la pintura, también entrelaza las referencias a otros pintores, ya sea al incorporar imágenes o personajes apropiados o mediante el uso de materiales empleados por otros pintores en el pasado. Son claras las referencias a obras de Goya, al nitrato de plata empleado por Pollock, al ¨diamond dust¨ usado por Warhol, y así se pueden añadir otros ejemplos.

Su trabajo, tal y como acepta, ¨siempre es político¨. En el demuestra sus amplias capacidades como dibujante y pintor, en particular al lograr expresiones y gestos creíbles, y ambientes igualmente reveladores. Trazo limpio y cuidadoso. Sólido contenido.

El tema de los documentales lo aborda desde hace casi tres años y asegura que desea llevarlo a otro nivel, porque necesita sentirse incómodo para poder trabajar. ¨Hay ciertos aspectos de mi obra que quiero darles un ´twist´ y estoy en un momento de investigación. Yo sólo hago cosas que me hacen sentir incómodo y ya me siento cómodo con la fotografía. En este momento dejé de hacer fotografías y estoy pintando¨.

¨Cuando el artista en general está en una posición de incomodidad el proceso creativo rinde mejor su resultado y no sé realmente porque ocurre así¨, agrega.

Al presente, trabaja en una serie -algo que no suele hacer-, esta vez sobre la Guerra Civil Española. Con este trabajo espera poder realizar una exposición en Berlín el próximo año. ¨Quiero trabajar más series y explorar el tema, la investigación es la parte que más disfruto¨, asegura Budet, quien es representado en Puerto Rico por Walter Otero Gallery.

En la Isla, el artista colaboró con proyectos de corte social con José Jorge Díaz en la comunidad de Caimito, y con Mary Ann Hopgood en el denominado Museo del Barrio de Santurce, un proyecto que se oponía a la expropiación de casas de los residentes humildes aledaños al Museo de Arte de Puerto Rico, para dar paso a desarrollos de viviendas de alto costo.

Por lo pronto, Budet se muestra satisfecho con su estadía en Berlín y enfocado en lo que tiene que hacer. Añora el calor de su Isla, pero no le incomodan las bajas temperaturas. Nos ha recibido descalzo e igualmente se despide.

José Luis Vargas y el memorial de los mitos

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Tue, 10 Nov 2009 16:14:00 +0000

Todo cuento pertenece a un paisaje y el que nos ha narrado a través de la pintura el artista José Luis Vargas, se sitúa en muchos escenarios. Aunque el fondo de sus enormes telas esté inspirado en horizontes isleños, en la campiña francesa, en los grises londinenses o en el tumulto niuyorquino, la imaginería creada nos remite siempre al terruño caribeño.

Consiste de una referencia a los elementos fantásticos -reales e irreales- de su niñez y adolescencia de los ´70, cuando la prensa amarillista daba cuenta de vampiros al acecho, de objetos voladores en busca de nativos y de enigmáticas figuras delictivas como Toño Bicicleta -mito para unos y verdugo para otros-. Garadiábolos, cuerpos amórfos, mitad gente, la otra mitad cualquier cosa, gente bestia, bestias bestias, y mensajes escritos a modo de avisos y de leyenda, se suman entre los elementos empleados con frecuencia.

Obra compleja que para nada combina con sofás ni futones, pero lista para desatar interpretaciones y conjeturas, obra obra.

Aunque subyace una carga nacional, Vargas se aparta del nacionalismo de culto y banderil, le da la vuelta, y se coloca arriba. Al igual que sus personajes flota y nos convida desde lo alto a otra mirada. El ojo a esa distancia abarca más, parece decirnos. El nacionalismo trazado es otro, el de experiencias locales, el de la memoria de pérdida y recate en el reloj biológico, el desprendimiento de la familia, y el nacionalismo enfrentado en la diáspora. Sin machete ni puño.

El artista reconoce la continua carga metafórica de su trabajo, donde la muerte y la vida se disputan el espacio sin vacilaciones, donde ninguno nunca gana. Es como morir y nacer, y viceversa, ad infinitum. Irónico y amargo, oscuro y ¨sonoro¨, sorpresa y genialidad.

Con Vargas ha conversado El Naufragio de las Palabras, de pie y sentados, moviendo cantidad de lienzos que el artista conserva en su taller ubicado en un campo de Carolina.

Se formó en el epicentro del post modenismo del Nueva York de mediado de los ´80, y en la experimentación contemporánea del Londres de los ´90. Así ha recorrido lugares por el mundo, que de alguna manera influencian su trabajo, a partir de las temáticas que le ocupan.

La referencia a la historia del arte está clara en el trabajo del artista. Desde el inicio, con sus animales que nos recuerdan a las rupestres figuras cuadrúpedas en las cuevas de Altamira, los rostros expresionistas -muchas veces sin cuerpo-, la informalidad de Tápies. El surrealismo, el trazo gestual y torpe de los abstracionistas en Nueva York, la neofiguración. Obra obra.

Vargas, cuyas creaciones estuvieron casi ausentes del ojo local mientras vivió en Europa, hace un par de años que trabaja con Iniciativa Comunitaria. Allí, coordina el Proyecto de Arte y Comunicación, dirigido a la población de pacientes adictos a drogas y deambulantes. Mediante el arte enfrenta a los pacientes con su valía y les ofrece otra perspectiva de la vida.

Esa experiencia también ha enriquecido su trabajo plástico, y al presente realiza una serie basada en las frases utilizadas por las personas confinadas en instituciones calcelarias. ¨Es sobre cómo esa cultura se transmite a la cultura popular una vez salen de las prisiones y tratan de integrase a la sociedad¨, explica.

Una de esas piezas es ¨Muerte al chota¨, un gran lienzo negro con una cabeza que flota en el agua, mientras un cielo de letras chorreadas proyecta la frase que le da título.

De su obra comenta que ¨es estar en un área de reto y complicación, por eso no lo doy todo para que la gente pueda llegar a comprenderla poco a poco¨.

Cuando realiza una pintura parte de una idea, pero en el trayecto hay mucha experimentación. Y en cuanto a las frases o mensajes que suele escribir, menciona que unas veces es lo primero que surge y en otras ocaciones es como el acento olvidado al final de la oración. ¨La obra me tiene que hacer reir aunque sea muy oscura. Que pueda moverse entre el drama y el humor, eso es lo que busco¨, añade Vargas.

Asegura desconocer cómo los espectadores procesan sus pinturas, pero en términos generales opina que ¨hay muchas personas que no aceptan la complejidad en el arte¨.

¨El arte en Puerto Rico se ha quedado para muchas personas en el flamboyán, en el arte nacionalista, que tienen su lugar, pero el mundo ha cambiado. A veces hay mucha resistencia en poder indagar en esas referencias frescas en la obra de otros artistas¨, expresa Vargas y añade que ¨el buen arte lleva a la reflexión y a ver qué capacidad tenemos nosotros para reflexionar¨.

Por eso, se cuestiona hasta cuándo el arte va a estar reaccionando a los mercados ¨y si nos va a llevar a un tipo de introspección¨.

En este momento sostiene que no es una prioridad la venta de su obra y, en cambio, pretende desarrollar un espacio para presentar su trabajo y desarrollar proyectos. ¿Cuándo ocurrirá eso? Aún no lo sabe. Tampoco lo fuerza. Llegará.

La transformación de los museos

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Thu, 29 Oct 2009 13:52:00 +0000

El museo es un espacio de encuentro con la comunidad, donde se establece un diálogo directo y se propician experiencias bilaterales. Debe ser dinámico y no un simple lugar para coleccionar objetos.

A grandes rasgos eso es lo que ha dicho Glen D. Lowry, director del Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York, a su encuentro con el público de Puerto Rico, durante la conferencia “Museos en el Siglo XXI”.

Ante un centenar de personas congregadas en el antiguo Hotel EL Convento en el Viejo San Juan, Lowry, quien está acostumbrado a la disertación frente a públicos numerosos, se mostró resuelto, enérgico y deseoso de continuar su plática. La conferencia organizada por el Museo de Arte de Ponce, contó con la colaboración de Renzo Casillo, presidente de Wal-Mart Puerto Rico, quien preside la campaña capital del MAP.

Desde el principio, Lowry estableció que los museos se han transformado y se han convertido en lugares con una función social. Dicha visión, aseguró, es la que está presente a la hora de establecer los programas expositivos del MOMA y al momento de planificar el desarrollo futuro de la institución.

Ofreció como ejemplo el trabajo que realizan en el PS 1, centro asociado al MOMA, donde realizan eventos con propuestas más contemporáneas que, además de lograr el acercamiento a nuevas experiencias, también provocan la interacción entre el público asistente. “El PS 1 transformó al MOMA. El PS 1 es energía. El nuevo museo de arte tiene que ser un lugar de experiencias”, destacó Lowry, de 55 años, quien dirige el MOMA desde 1995.

Destacó que los eventos al aire libre con proyecciones de video arte y otras propuestas en el PS 1 han conseguido atraer un público más joven y variado. “Nos sentimos satisfechos al disfrutar esa generación”, comentó, y agregó es importante “que el museo no intimide” y las personas se sientan cómodas de poder visitarlo.

Al hablar de arte contemporáneo reconoce el interés del MOMA en la adquisición de piezas de los últimos años, pero aclara que siempre han comprado arte contemporáneo al entender el concepto como obras adquiridas cercanas a su realización. El MOMA fue inaugurado en 1939 y posee la colección más amplia de arte del Siglo XX

Mientras, sobre el arte latinoamericano dijo que hay una mayor conciencia respecto al trabajo de artistas de países hispanos y de la región caribeña, aunque opinó que ahora los artistas viven en todas partes y hacen arte irrespectivamente de su lugar de origen.

Lowry, responsable de la campaña para recaudar $900 millones para el plan de desarrollo del MOMA, también habló del trabajo de día a día dirigido a conseguir los fondos necesarios para mantener los museos. Puntualizó la contribución de los mecenas, incluso la competencia que se da entre estos para sobresalir con sus aportaciones. Y dijo que al final del día “no se trata de dinero, se trata de pasión” y de amor al arte.

Lo importante es el proyecto que tenga la institución, la presentación de muestras interesantes, el poder de convocatoria a un público amplio, y eso atraerá el interés de los que aportan capital.

El director del MAP, Agustín Arteaga, agradeció la presencia de Lowry y dijo que su trabajo en el MOMA ha sido inspirador para él. En cuanto al MAP, señaló que además de la labor para preservar y difundir el arte, como institución contribuyen al desarrollo económico mediante la creación de empleos y al promover a la Isla como destino, con el préstamo de obras a otros museos.

Por su parte, María Luisa Ferré Rangel, presidenta de la Fundación Luis A. Ferré, habló de la labor de su abuelo, quien fundó el museo y de las enseñanzas que les dejó sobre la importancia del arte en la vida de los seres humanos.

El arrojo de Adrianna Fernández

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Tue, 27 Oct 2009 14:23:00 +0000

Delgada y espigada, y de carácter delicado, Adrianna Fernández nos asalta con su obra y con sus acciones. El miedo no parece encontrar abono en la piel de la joven artista y estudiante de la Universidad de Puerto Rico, quien se lanza a la conquista de un espacio en la escena local del arte contemporáneo.

Es la creadora de la Sociedad para la Fotografía Artística de Puerto Rico (SFAPR), una entidad sin fines de lucro, que en menos de un año ha desarrollado tres exposiciones colectivas donde convoca a estudiantes y artistas a presentar piezas que tengan como base la fotografía. Desarrolló ¨Colectivo fotográfico¨, ¨Errores fotográficos¨, ¨Alguien lo tiene que decir¨, y en agenda tiene otras muestras.

Si parece arrojada por desarrollar proyectos expositivos sin la subvención económica de ninguna entidad, sólo con la ayuda de su ingenio y de sus colaboradores, más atrevido resulta su trabajo artístico.

Fernández desarrolla piezas de una carga visual que inevitablemente captan la atención, aunque para algunos el próximo paso pueda ser de desagrado, incluso repulsión. La sangre es denominador común en muchas de sus obras, sean fotografías o instalaciones. Y la vemos a borbotones en animales sin vida, solos o acompañados por otros que aún se mueven, en figuras femeninas, en paredes.

Sangre vida y sangre muerte. Sangre transición, sangre pasión, sangre rabia. Amor, dolor, sexo, coraje, todo y nada.

¨Como artista, mi meta y objetivo principal es el excitar las pasiones o, despertar y volcar las emociones del espectador. Los temas fuertes e incómodos son bien importantes para esto. Mi temática general está basada en todo lo bizarro, lo extraño y lo sobrenatural¨, cuenta la artista, quien completa un bachiller en fotografía e historia del arte.

Fernández indaga en los aspectos sicológicos de las figuras que muestra como centro de sus obras, que en ocasiones permiten una lectura coherente, y a veces no. ¨Son, en parte, un reflejo de mi persona, de mis pensamientos, y de mis cuestionamientos. Me interesa traducir mis experiencias de vida en algo visual, aunque desde un punto de vista racional no tengan sentido¨, añade, y reitera que ¨son temas bastante personales pero que a la vez dan paso a una crítica social fuerte¨.

Entre los artistas que la han impactado incluye a Andrés Serrano, Jan Saudek, Annie Leibovitz, Elina Brotherus, Nan Goldin, y los Starn Twins, entre otros. Pero menciona que también la han influenciado el trabajo de Gottfried Helnwein, Salvador Dalí, Edvard Munch y Vincent Van Gogh, ya que la pintura fue el primer medio que experimentó. ¨No debo olvidar tampoco la influencia de quien considero mi mentor, mi amigo y profesor, Guy Paizy. Y tuve el honor de ser curadora de su retrospectiva, lo cual me llenó de mucha emoción y satisfacción¨.

En relación a su rol como gestora cultural, dice que su interés es impulsar la fotografía artística y darle continuidad al trabajo realizado en el pasado por diferentes artistas.

La idea de la SFAPR surgió a partir de su admisión al Departamento de Bellas Artes de la UPR, cuando le preguntaron sobre sus planes para el futuro. ¨Debo confesar que dije lo primero que se me ocurrió, que quería abrir una galería dedicada exclusivamente a la fotografía. Con el paso del tiempo, la idea como que me iba haciendo más sentido y me pareció que era algo que podía hacer¨.

¨En cuestión de expectativas, hay varios objetivos que deseo logar con este proyecto. El más importante es quizás abrir un espacio cultural dedicado a la fotografía artística en donde no sólo se exhiba sino que propicie la investigación de este medio en la Isla. Me interesa crear en este espacio una biblioteca y un archivo¨, señaló.

Parte de su propósito es llevar la fotografía artística a un público más amplio a través de las exposiciones y del blog SFAPR, donde documenta las exposiciones y las distintas gestiones que realizan. ¨Ya la fotografía comercial y la periodística han avanzado muchísimo, pero la fotografía artística aún está en pleno desarrollo. Esto no quiere decir que no haya excelentes artistas que se dediquen a este medio, por el contrario hay muchos buenísimos que se han destacado desde los 70. Cuando hablo de desarrollo, me refiero más que nada a la aceptación que tiene entre el público en general y en el mercado del arte local¨.

Reconoce que ¨las generaciones anteriores (70, 80, y 90) tuvieron que romper con un cánon tradicional de lo que era este medio para que fuese más a tono con lo que ocurría en la fotografía en el mercado internacional. Estas generaciones comenzaron a hacer fotografía conceptual y a añadirle algo mas al incorporarla a instalaciones y medios mixto. De esta forma ampliaron las posibilidades del campo de la fotografía artística enormemente¨.

Mientras tanto, Fernández parece estar decidida a seguir sorprendiéndonos con sus piezas y sus acciones, y en agenda tiene la exposición ¨Re-interpretación de Íconos de la fotografía puertorriqueña¨, el 13 de noviembre en la Galería Fotográfica PL 900 en Casa Aboy. En diciembre 11 organizará ¨Experimento Fotográfico¨, en el mismo lugar.

DESCARGA

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Fri, 16 Oct 2009 18:10:00 +0000

El Naufragio de las Palabras es un espacio para establecer un diálogo sobre el arte contemporáneo en Puerto Rico y para desarrollar proyectos de arte. No por eso permanence al margen de la realidad social, política y económica que padecemos al presente y que también impacta adversamente a nuestra cultura, y por consiguiente al arte en sus diversas manifestaciones. Les comparto la siguiente reflexión. Antes reciban un abrazo.

Así…

¨Tengo 41 años. Soy padre de tres niños. Me gano la vida como periodista y estoy por completar un grado de maestría que había pospuesto hace mucho tiempo. Además, escribo sobre arte y realizo pinturas, objetos e instalaciones. Mi auto no funciona.¨

Esa es la historia más que abreviada de un ciudadano común que día a día -hace bastante tiempo ya- ve como se va desmoronando ante sus ojos la idea de País y de Progreso que le fueron construyendo desde el hogar familiar, desde la escuela motivadora de un mañana mejor, desde el púlpito de las utopias salvadoras. Las peripecias de camino apuntaban a otra realidad, pero el optimismo y la esperanza inyectada combatían siempre lo que debía ser obvio.

¿Y, ahora qué? La esperanza tiene otro sabor. El Estado es una amalgama de promesas incumplidas, de bochornosas mentiras, al calor del necesitado. Y el pueblo entero -casi entero- está necesitado. De pronto la crisis escupe a la cara y sorprende. Pero había hecho su entrada mucho antes, lo que sucede es que iba de ¨a poco¨, casa a casa, gente a gente.

¨Bendito por los otros¨. Siempre los otros. ¿Y, ahora qué? Bendito por todos. Por primera vez, 16,000 familias, 25,000 familias nos recuerdan que no son los otros, que somos todos. Que la crisis nos escupirá a todos -a casi todos-.

¿Dónde se quedó el País? ¿Dónde quedó el progreso? ¿Se quedó en la mesa familiar, en la vieja libreta de apuntes, en la boca del abuelo, en la garganta del cura? ¿Se quedó en la Constitución prostituida por los intereses mezquinos?

Ya estamos viejos (517 años) para historias salvadoras. El trabajo y la acción, la honestidad y el respeto, la solidaridad y el común acuerdo, son los que nos hacen lograr cosas y vivir con dignidad. Esto no es asunto de idealistas, esto es tener conciencia.

O queremos un País donde salir a flote conlleve el engaño al que tenemos al lado, aplastar a cuantos podamos, y asumir la actitud de obviar principios con la excusa de ¨pa que lo coja otro lo cojo yo¨, ¨pa que le toque a otro, me toque a mi¨, ¨yo primero, yo segundo, yo tercero¨. O realmente queremos decir no cuando tengamos que decir no, decir ¨si no es bueno para mi no es bueno para los demas¨, y cuidar del otro.

Pues ha llegado el momento -de ahora o nunca- de insertarnos en la escena y no quedarnos entre bambalinas, porque se nos va la esencia como sociedad, como grupo cultural, como País.

La indiferencia es un germen, una plaga muy entronizada en las culturas antiguas y modernas, y muy presente en la nuestra que es colonial, tercermundista y pobre.

Es urgente un cambio. Basta ya de atropellar a los menos afortunados, basta ya de vapulear a los trabajadores en aras de un ¨nuevo¨ orden económico. ¨QUÉ NOS QUEDA¨.

Nota al calce: Hace unos días revisaba mi biblioteca y le acerqué a mi hijo mayor -tiene 11 años- un libro de Rosario Ferré. El empezó a hojear el libro y se detuvo en uno de los relatos, y con una carcajada me preguntó el significado de una frase. Tomé el libro, sonreí y sentí verguenza. No por las palabras, sino por sus significados, por todo lo que está sucediendo. Esta era la frase: ¨el día que la mierda valga algo, los pobres nacerán sin culo¨. QUE FUERTE.

¿Reinvención del MAP?

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Sun, 11 Oct 2009 23:25:00 +0000

Como parte del ciclo de conversatorios que realiza el Museo de Arte de Ponce (MAP), en su sede en Plaza Las Américas, se celebró recientemente ¨Encuentro de artistas: uniendo espacio, tiempo y vida¨.
El MAP busca impulsar un diálogo sobre cómo replantear su colección de arte (compuesta principalmente por arte europeo, en específico arte Barroco y del siglo XIX) y la inclusión de más expresiones plásticas realizadas por artistas puertorriqueños. Además, la curadora del MAP, Cheryl Hartup le pidió a los panelistas que hablaran acerca de cuáles habían sido las iniciativas más destacadas para impulsar el arte contemporáneo en la Isla durante los últimos cinco años.
En el panel se presentaron el artista y fundador del espacio alternativo LA 15, Jose Jorge Román, y los artistas Marta Mabel Pérez, Carmelo Sobrino, Omar Obdulio Peña Forty y Héctor Médez Caratini.
Román propuso un análisis del trabajo de la cosecha más reciente de artistas contemporáneos y su obra y realizar una selección. La idea es que pueda establecerse un contraste entre la colección clásica del museo y las nuevas expresiones para el disfrute de los visistantes, para que puedan entender los cambios estilísticos y la variedad de propuestas a través de la historia lejana y reciente.
Pérez, por su parte, dijo que le gustaría ver un diálogo entre obras de diferentes periodos -incluyendo los trabajos contemporáneos de Puerto Rico- en una misma sala.
Sobrino elogió la labor del MAP y Méndez Caratini realizó un recuento autobiográfico de su obra.
A la pregunta de Hartup, Peña Forty señaló que la iniciativa más destacada de los últimos cinco años ha sido la autogestión y el junte entre generaciones de artistas. Se refería a proyectos como =DESTO, del cual fue fundador junto a otros artistas, y AREA en Caguas, entre otros.
Román coincidió en que la autogestión ha sido la estrategia de las nuevas generaciones para dar a conocer su arte sin la necesidad inmediata de los sectores tradicionales del arte. También mencionó el rol desempeñado por los espacios cibernéticos y los blogs, como agentes activos en la discusión de asuntos relevantes relacionados a las artes plásticas y la cultura, la documentación y la promoción del arte contemporáneo.
Pérez resaltó la feria de arte Circa y la promoción internacional del arte de Puerto Rico, como iniciativa positiva de los últimos años. Y habló del cambio de dirección en el Museo de Arte Contemporáneo.
Mientras, Sobrino comentó que el registro de artistas e información relacionada a las artes en la página cibernética El Status, desarrollado por Lisa Ladner, ha sido positivo, al igual que los diferentes proyectos de autogestión impulsados por Ladner como El Pulguero de los Artistas, la Feria de Arte Sonoro y los recientes ciclos de exposiciones fotográficas en Casa Aboy.
Al concluir las ponencias de los artistas, Arlette de la Serna, curadora asistente del MAP, dijo que para la institución que representa es importante desarrollar los conversatorios para establecer un diálogo directo con la comunidad artística y el público, y poder desarrollar la nueva visión del museo. ¨Nosotros queremos dar un paso más y mostrar el arte puertorriqueño y darle su importancia¨, expresó De la Serna.
Miembros del público -cerca de 40 personas-, plantearon la posibilidad de que el espacio temporero del MAP en Plaza Las Américas continúe en operaciones, pero Hartup mencionó que eso se está evaluando, ya que conlleva otros gastos y personal. De la Serna reiteró la importancia de salir del área metropolitana donde también se puede ver arte.
La artista Myrna Báez estuvo presente y abogó por más exposiciones individuales de artistas y no colectivas. Sostuvo que es necesario presentar trabajo en solitario de artistas para conocer mejor su obra.
Próximamente se realizarán otros conversatorios, previos a la reinauguración del MAP pautada para el próximo año.
En mi opinión…
El MAP habrá de reinstalar su colección de arte, que abarca distintos periodos y escuelas pictóricas. Y le interesa posicionar el arte realizado por artistas puertorriqueños para ¨darle su importancia¨. Hablar de una sala dedicada al arte local, resultaría en una sala más. Pero esa no parece ser la idea contemplada por el MAP.
Bien podrían cuestionar algunos -o muchos- el que no se mantenga la distancia entre escuelas pictóricas y se impulse un ¨maridaje¨ (por llamarle de algún modo) entre piezas barrocas y pinturas, objetos, artefactos o instalaciones de este tiempo, sin dejar atras el video arte o piezas sonoras.
Si cada vez hablamos más de globalización -nos guste o no-, de convergencia, de la pluralidad, entonces el arte como expresión de un tiempo, igual no está ajeno a esto. Después de todo, siempre habrá una referencia, por mínima que sea, a la historia del arte. Y en ese sentido, claro que pueden convivir piezas de distintos periodos, claro que se pueden acompañar obras del ayer con nuevas manifestaciones artíticas. Eso ya está superado. ¿Cómo lograrlo? Esa es la tarea para nada sencilla que tienen por delante Hartup y De la Serna con la reinstalación de la colección del MAP. Esperemos una lectura diferente, de riesgos y llena de nuevas posibilidades en el MAP. El presente lo demanda.

La crisis de la cultura

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Sun, 04 Oct 2009 01:08:00 +0000

He tropezado con esta columna de opinión del periodista, filósofo y escritor español Josep Ramoneda, publicada en 2008 en el periódico El País de España. Me ha resultado interesante, y tal vez nos lleve a otras reflexiones. Ahí se las dejo.
¨Hemos llegado aquí porque la globalización abolió los límites éticos y culturales. El mismo Estados Unidos proclamó que todo le estaba permitido, legalizó la tortura y dio barra libre a la insaciable quimera del oro¨. (Pulse el título para leer la columna completa)

Adios a FELIX CORDERO

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Thu, 24 Sep 2009 04:11:00 +0000

(El artista y fotógrafo ha ido a morar a otro lugar. Ya emprendio su viaje y nos queda su obra, su trabajo, la esencia.)
Se necesita urgente donación de sangre, así como ayuda económica para el artista Félix Cordero. Cordero ha sido diagnosticado con cáncer y se encuentra hospitalizado desde mediados de agosto recibiendo tratamiento.
Las personas que desean donar sangre pueden acudir al Banco de Sangre de la Cruz Roja en el Centro Médico en Río Piedras e informar que la donación es para Cordero. Además, ante lo costoso del tratamiento, se ha abierto una cuenta en el Banco Popular para ayudar a sufragar parte de los gastos.

La cuenta es: Pro Fondos Féliz Cordero BPPR - Cuenta número 106-22120-5.

Entrevista a Henrik Hedinge

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Mon, 07 Sep 2009 04:48:00 +0000

Performance ¨Me siento un poco LesBiGayTrans¨, en Planta Alta Galería en Asunción, Paraguay, 2009. Foto por Laura Mandelik

¿Quién es Henrik Hedinge?
El artista sueco Henrik Hedinge se prepara para continuar con su compilatorio de escritos sobre el performance por varias ciudades latinoamericanas y algunas en Europa, para difundir las expresiones de artistas de diferentes partes del mundo.
Pero, ¿quién este joven artista que ha encontrado en ciudades latinoamericanas la fuente de inspiración para muchos de sus trabajos?
Tras incluir en su proyecto Performance de Cartón, uno de los escritos del proyecto ¨10CONTEMPO¨, en específico la historia sobre el trabajo del artista puertorriqueño del performance Rafael Vargas Bernard, EL Naufragio de las Palabras entrevistó a Hedinge acerca de su trabajo.
Hedinge, quien nació en la provincia de Östergötland, en la ciudad de Mjölby en Suecia y pasó tres años en una universidad de arte en Inglaterra antes de decidir viajar a Latinoamérica, explica que todo comenzó a partir de un viaje a Costa Rica en 2002.
Pero la conexión concreta con el arte en este lado del mundo tomó forma desde su país, en donde participó en conferencias sobre el performance colombiano y dominicano en 2007. Luego visitó una feria de arte alternativo en Bogotá, Colombia, donde se contactó con representantes del proyecto Harte Espacio -con sede en Montevideo, Chile- y posteriormente con Planta Alta Galería en Asunción, Paraguay, con el propósito de realizar proyectos colaborativos. Así comenzó a establecer vínculos con diferentes personas y también llegó hasta Paraguay donde conoció el proyecto de Felícita Cartonera (una editorial comunitaria que realiza libros con cartones), a través del escritor y editor paraguayo Cristino Bogado.
Es entonces cuando comienza a darle forma a la idea de recopilar escritos sobre el performance realizados en diferentes países y lanza una convocatoria abierta en Internet. De los escritos recibidos realizó la selección que finalmente incluyó en el libro artesanal ¨Performance de cartón¨, presentado en la pasada feria del libro en Asunción, Paraguay.
¨Yo había comenzado a trabajar con Planta Alta Galería ofreciendo charlas y vídeo proyecciones de performance y haciendo algún performance pequeño. Y pensé en las distintas formas de performance y lo interesante que podría ser realizar un proyecto colaborativo y así junto a Cristino comenzamos a buscar textos y aquí estamos¨, relata.
Explica que ya desde que estudiaba en Inglaterra tenía un interés particular por la cultura latina y buscaba información sobre el performance en español, idioma que ha estado aprendiendo poco a poco desde su primer viaje a Costa Rica. ¨Encontré artistas de performance en Myspace y Facebook en México y Colombia con los cuales comencé a colaborar hasta que un festival de performance en Caracas me invitó en septiembre 2008. Y desde entonces todavía sigo aquí en Latinoamérica¨.
Sus inicios en el performance comenzaron con la documentación ¨en el jardín de mi madre, donde yo estaba cortando un árbol y tomando fotos del resultado, alrededor de 2001¨. En adelante siguió experimentando con el medio, y al principio dice que mezclaba la poesía con elementos del performance, e intentaba comunicar mediante esta manifestación artística lo que no conseguía transmitir unicamente con el lenguaje oral o escrito.
A la hora de hacer una presentación asgura que hay mucha preparación antes y después que inicia el performance ¨porque lo debes adaptar a los condiciones del momento, el espacio, el público, el co-performer, el clima, los objetos¨.
Su proceso creativo comienza con la escritura. ¨Escribo todo. Escribo, leo, dibujo. Experimento en todas las direcciones para encontrar lo que es interesante en el momento. A veces los performances nacen de otros performances. Por el momento con todos los proyectos de talleres y publicaciones estoy realizando muy pocos performances, por eso el proceso ahora es más reflexión. Probando métodos de escritura creativa, intervenciones de fotos, diseños digitales¨.
Entre los temas que aborda, antes mezclaba temas culturales -provinciales y nacionales-, pero al llegar a Latinoamérica ¨comencé a trabajar con temas más relacionados a la cultura popular global, como estereotipos de Hollywood y CNN. Llegando a algunos temas más violentos y sexuales, y psicológicos. Más recientemente estoy involucrado en charlas sobre mi obra e incluyo algunos experimentos performáticos y realizo trabajos curatoriales¨.
Asegura que su interés es crear diálogos y discusiones. ¨Discusiones dentro de mi mismo. Entre el público y yo. O dentro el público. Quiero aprender más de mi mismo y del público. Es como un ciclo sin fin¨.
¨Veo el discurso o la discusión como algo más importante que la obra. La obra es sólo un catalizador para llegar al discurso o la discusión. Por eso es necesario pasar más límites personales, o límites del evento, el espacio, la institución. Siempre cambiando en diferentes direcciones para pensar en lo que será lo más interesante en una situación o contexto¨, añade el artista.
Mientras estudiaba, sus referentes eran Matthew Barney, principalmente la conceptualización de sus trabajos y sus métodos visuales, y Paul McCharty, entre otros. Ahora comenta que admira diferentes aspectos de muchos artistas, que pueden o no influenciar su trabajo.
Y mientras sigue con sus charlas y performances, y con su libro cartonero, destaca que tiene muchas ideas y proyectos que espera llevarlos a cabo. ¨Hay muchas ideas y propuestas, vamos a ver qué pasa¨.

Relato y opinión sobre ¨Encuentro con los Blogs de arte¨

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Sat, 08 Aug 2009 06:36:00 +0000

CLIC
Desde Berlín se escuchan voces que saludan. Rompen el hielo a través de una pantalla al fondo del salón. Les sigue otra voz que proviene de Chicago, reconocida por punzante, pero esta vez sosegada, aunque siempre firme. Otros tres saludan y hablan desde la mesa del frente. Un nutrido grupo de personas, los muchos sentados, tantos otros de pie, están atentos.
Todos hablan de cómo se iniciaron en eso de colocar textos, fotografías y videos en un espacio que se ve, que está en el aire y que podemos capturar cuando nos venga en gana y ahí estará siempre aguardando por nosotros. Son espacios embrionarios, la mayoría de estos gatean, mientras algunos rozan la pubertad.
Todavía falta mucho camino por andar, pero lo transitado ha rendido frutos. Uno sigue al otro, y al otro, y al otro, y la cadena no se quiebra. Ya varios se han reinventado y los que aún no la han hecho tendrán su turno. La consigna es una: Poner sobre cubierta la escena local del arte contemporáneo.
La artista de La Capilla modera el encuentro de voces y personajes, al tiempo que ciertas interrogantes o planteamientos igual encuentran su espacio. El ambiente es cálido -incluso afectuoso-. Hasta un niño de algunos meses se expresa a sus anchas y a nadie le molesta. Una criatura mucho más grande igual se expresa a sus anchas y transforma lo cálido en ataque ardiente. Pronto se apaga.
La pantalla del fondo sigue iluminada, los tres sentados sonrien, la de La Capilla agradece la comparescencia. Al principio la Curadora ha dado la bienvenida, la Curadora Asistente se ha referido a la historia cercana y a los futuros cambios. Al final, el Director está complacido, se adueña del micrófono y la temperatura es otra vez agradable.
En el aire siguen flotando muchas cosas por descubrir, a la espera de un simple CLIC.
Leyenda:
El Salón - Museo de Arte de Ponce
Voces desde Berlín - Lilliam Nieves y Arnaldo Román (TRANCE LIQUIDO)
Voz desde Chicago - Pedro Velez (BOX SCORE)
Los Tres Sentados - Javier Martínez (AUTOGIRO)
Walter ¨Tito¨ Fernández (REPUESTO)
Carlos Antonio Otero (EL NAUFRAGIO DE LAS PALABRAS)
La Capilla - Carmen Olmo Terrasa (DONDE VEO ARTE)
La Curadora - Cheryl Hartup (Curadora MAP)
La Curadora Asistente - María Arlette de la Serna (Curadora asistente MAP)
El Niño - El hijo de Tito Fernández y Nani Alvarez (W/N)
La Criatura más grande - Sylvia Villafañe
El Director - Agustín Arteaga (Director MAP)
Los Muchos Sentados, Tantos Otros de Pie - Artistas, amigos, amantes del arte.
Para la historia completa acceda http://www.ustream.tv/recorded/1938648

En mi opinión…
El ¨Encuentro con los blogs de arte en Puerto Rico¨ resultó una iniciativa positiva para difundir el trabajo que por años realizan los artistas para documentar la historia contemporánea del arte en la Isla. En ese sentido, es necesario felicitar al Director del Museo de Arte de Ponce (MAP), Agustín Arteaga, a la Curadora Cheryl Hartup y a la Curadora asistente María Arlette de la Serna, por el esfuerzo que propició dicho diálogo.
En cuanto al contenido, es importante destacar que se trató de un encuentro informal para compartir la existencia de unos espacios que realizan el trabajo que otros dejaron de hacer hace mucho tiempo. Los blogs son espacios informales los cuales son adaptados según los intereses de sus creadores. Por eso la variedad de tono. Tal vez, los que ya conocen tales espacios no encontraron a simple vista nada nuevo en el encuentro, pero los que no estaban familiarizados tuvieron cierto acercamiento y eso es positivo.
Por supuesto que una discusión más amplia y unos temas más detallados le imparten a la ocasión otra formalidad y una mayor cohesión de las ideas. Sin embargo, aunque cortas, se plantearon ideas sobre la existencia de los blogs, su funcionamiento y propósito, y en cierto sentido sobre las aspiraciones de una escena democratizada.
La parte final del encuentro, tiene dos vertientes. Por un lado, resultó en un ejercicio de la libertad de expresión de Sylvia Villafañe, esa libertad que todos aseguramos defender y que reclamamos. Eso es independientemente de que no compartamos la motivación, la expresión y el momento. Por el otro lado, resultó un acto demostrativo de las diferencias entre la visión de arte entre dos sectores. Uno que lo defiende en principio como objeto mercadeable, al margen de consideraciones conceptuales, estéticas, creativas, referenciales, históricas, entre otras. Y otro que busca destacar procesos creativos, la concepción de la obra, el transfondo de los artistas , la comunicación de ideas, la manera de abordar temas y la importancia para el desarrollo del arte realizado desde aquí.
Igual quedó demostrado, las acciones de influencia y de poder cuando no se está de acuerdo con aquello que no es afín a nuestros intereses.
Entonces, es doblemente plausible la enteresa de la directiva del MAP de no amilanarse ante reclamos de control de un sector -o una persona-, el que fuera. En otros espacios, la historia hubiese sido distinta, en esos lugares tan dados a la complacencia y el amiguismo. Por lo tanto, el incidente habla por sí solo en muchas direcciones y lo que podamos desentrañar del entrelíneas, o sobre las líneas, es revelador e importante.
En cuanto a lo que se hace o no se hace en los blogs, a mi me resulta insostenible el que se pretenda que un espacio sea de una manera u otra, a semejanza de lo que nos agrade como lector. Para eso están las opciones, para seleccionar lo que nos agrade o llene nuestras expectativas, y lo que no, pues no lo vemos. Que sean formales, informales, que tengan sólo texto, sólo fotos, sólo vídeo, que sean cursi, poéticos, blasfemos, lo que sea. Las posibilidades son infinitas, y como decía Teo Freytes, el valor de la individualidad es fundamental. Estos blogs no son productos de consumo ¨self service¨ que podemos adaptar a nuestros gustos. Son para compartir información, imágenes, ideas, preocupaciones, incidencias. En el camino se convierten en documentación de un momento, de una experiencia.
Karla Marie Ostolaza, de la Asociación de Estudiantes de Historia del Arte de la Universiad de Puerto Rico, planteaba la necesidad en los blogs de una información más profunda y más formal, sobre el arte. Me parece bien, pero eso puede ser un nicho que bien pueden llenar precisamente los estudiantes de la asociación. De hecho, visito constantemente el espacio de éstos, HARTE, y quisiera ver más críticas desde la óptica de jóvenes formados en historia del arte y de la propia Karla Marie, quien es una joven inteligente, con iniciativa y escribe muy bien.
En definitiva, la experiencia del primer encuentro de los blogs me resultó positiva, y como ha dicho Javier Martínez, debe haber una segunda ocasión. Si puede ser en el MAP, enhorabuena, si no, lo podemos propiciar de igual manera y ser nosotros los anfitriones.
Una vez más, gracias a Hartup, a De la Serna y al Director Arteaga por convidarnos a este diálogo.