el naufragio de las palabras

Juli Capella en el ojo del diseño

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Sun, 29 Jan 2012 05:46:00 +0000

Bravos, la exhibición que ha recorrido algunas ciudades de Estados Unidos y que también tendrá su estadía por Latinoamérica, se presentará próximamente en Puerto Rico, como parte de una gestión del gobierno español y la empresa privada (Banco Santander) para difundir el trabajo creativo de 21 diseñadores nacidos a partir de los años ´60 en la península Ibérica.

La muestra, que busca reunir lo más significativo del diseño contemporáneo español, también pretende enseñar cómo los diseñadores de España pueden insertarse en el escenario internacional del diseño, dominado por lugares de amplia tradición y reconocimiento como Milán.

La faena principal la realizó el destacado arquitecto Juli Capella, quien ha sido el curador de la exhibición y ha editado un libro sobre la muestra.

A partir de la selección de los diseñadores con un perfil particular, Capella tiene el obejtivo de ¨intentar recoger el rico abanico de tendencias, orígenes geográficos y enfoques tipológicos, siempre desde la perspectiva de la calidad del diseño de producto¨, influenciados por figuras como Gaudí o Dalí, y los llamados maestros del siglo XX André Ricard, Miguel Milá, Oscar Tusquets o Javier Mariscal.

Desde Madrid y previo a su visita a Puerto Rico, Capella habló con El Naufragio de las Palabras sobre el diseño español, las tendencias actuales y las preocupaciones principales de los diseñadores.

¿Cuando se habla de diseño español se categoriza así al estar trabajado por españoles o se identifican elementos particulares que así lo denotan?
Todo el mundo identifica los muebles sinuosos de madera clara con Finlandia, o las lámparas de papel con Japón. Hay productos que asociamos con diversos países. Pero la mayoría son universales. No hay nada concreto que denote ´hispanidad´ pero sí hay ciertos rasgos comunes, como la organicidad, el cromatismo vivo, el ingenio por encima de la tecnología, la influencia artística, etc. Hoy en día consideramos español todo aquel producto que haya sido diseñado o bien producido en España. Pero la realidad es que muchos productos acaban siendo fabricados en China, incluso muchos que han sido pensados en Estados Unidos, en Australia o Italia salen de China. La paradoja de la globalidad va en contra de definir nacionalidades. Por eso precisamente nace Bravos, para debatir este concepto que se está diluyendo desde el punto de vista creativo. ¿Existe un diseño nacional a principios del siglo XXI?

¿Qué predomina en el diseño español contemporáneo? ¿Hay más objetos, mobiliario, otros?
Nuestra creatividad más relevante es la arquitectura (que también es diseño, pero de gran formato) y los elementos urbanos, bancos, farolas,... También es notorio el interiorismo, el diseño de bares y tiendas, que tuvo en los años 80 del siglo pasado un fuerte auge. Pero actualmente destaca el mobiliario doméstico y sobre todo las lámparas. Si quieres un buen foco, son mejores los alemanes, pero si lo que pretendes es calentar espacios, darles vida, las lámparas españolas son sensacionales, son como organismo vivos que dan vida a tu hogar. Otro punto fuerte de nuestra creatividad es el diseño gráfico, y también cierto estándar de la moda del vestir que representan marcas internacionales como Zara, Custo, Desigual, Camper…

¿En dónde está el diseño español al presente en relación a lo que ocurre en el resto de las principales ciudades del diseño?
No somos la capital, pero sí una alternativa al poderío italiano. Milán sigue siendo la capital desde hace muchos años y es donde se concentra la industria productiva. Pero la Feria de Valencia en España sigue siendo una importante cita anual. Y Barcelona sigue siendo núcleo creativo al igual que Madrid. Somos un refrescante relevo a los líderes tradicionales que se repiten.

¿Cómo incide la economía actual en la industria del diseño?
La crisis mundial es precisamente una oportunidad perfecta para el desarrollo del diseño. Pero de un diseño auténtico y profundo, no epidérmico. Diseño no quiere decir añadir decoraciones o cambiar formas y colores, sino encontrar formas mejores para funciones determinadas. El buen diseño no solo hace más feliz a la gente que lo usa, sino que además rentabiliza a las empresas que han invertido en él. Hoy en día no se entiende el progreso sin un diseño adecuado. Por tanto me atrevo a decir que solo un mejor diseño puede salvar a muchas empresas de la actual crisis.

¿Qué prevalece en el diseño actual: funcionalidad, tecnología, arte?
Ahora mismo hay una creciente pujanza del diseño más artístico, incluso aquel que transgrede la función y ya no sabes si es una escultura sin uso. Pero en los objetos de nuestras vidas cotidianas coexiste una mezcla entre muchas virtudes: función, precio, prestaciones tecnológicas, estética,… La gente no es tonta y sabe elegir, pero hay públicos para muchos sectores, uno más sofisticado y lujoso y otro más pragmático. Lo innegable es que cada vez más la gente adquiere cultura selectiva a la hora de elegir un objeto. El viejo slogan de Raymond Loewy de ´lo feo no se vende´ y que entre dos objetos de igual calidad, función y precio la gente elige el mejor diseñado, sigue siendo válido.

¿Es más fácil o no concretar y producir diseños hoy?
Es facilísimo comparado con los inicios de la industrialización. Antes era necesario hacer una gran inversión en moldes, para lograr piezas repetitivas, todas iguales, que se vendían durante muchos años para amortizar la inversión inicial. Pero hoy en día con la robotización, es más fácil producir objetos diferentes, hacer tirajes cortos y cambiar rápidamente la forma, mediante moldeados económicos. Podemos decir que se tiende a la individualización de los objetos. Ese es quizás el problema, hoy en día es demasiado facial producir un objeto, y por eso el planeta esta tan lleno de cacharrería inútil y de basura.

¿Además de Bravos, en qué otros asuntos está ocupado Capella por estos días? ¿Trabaja en algún proyecto arquitectónico y cuál?
Bravos es la ocasión de conocer de primera mano a 21 diseñadores españoles del siglo XXI, que muestran un rico abanico de tendencias. Pero mi oficio es la arquitectura, desde mi estudio hacemos hoteles, centros de ocio, oficinas, y también trabajo de interiorismo, como el restaurante Jaleo, para el chef José Andrés que hemos hecho en Las Vegas y Washington. Tenemos proyectos en Viena, Múnich, Marrakech,… casi nada en España. También hacemos exposiciones, libros,… cualquier cosa relacionada con la creación.

¿Será su primera visita a Puerto Rico?
Afortunadamente conocí Puerto Rico hace muchos años, invitado por Jorge Rigau para hacer un libro sobre Gilda Navarra, Polimnia. Y cuando fue él director de la Facultad de Arquitectura vine a dar un curso sobre "Diseño de arquitectos". Tuve oportunidad de recorrer la Isla y disfrutar de su riqueza natural, su cultura y su gente. Un lugar muy especial en el planeta, una mezcla muy peculiar de valores, muy cercana a la cultura española pero a la vez muy independiente y única.

¿Cuál es el futuro del diseño? ¿Hay una mirada muy a futuro o los diseñadores han vuelto a mirar hacia el pasado?
El buen diseñador siempre mira al presente. Se inspira atrás para coger impulso mirando hacia delante, pero siempre desde el presente. Es decir, resuelve lo mejor posible las cosas en las circunstancias de cada momento. Pero luego los hay visionarios, que se encargan de anticipar cosas, como fueron Charles y Rey Eames o Joe Colombo. Con el paso del tiempo sus locuras van cobrando sentido. Por último los hay que miran hacia el pasado como fuente de inspiración, sobre todo estética. No está mal, es un recurso que siempre funciona, darle un toque moderno al mueble de la abuela. Pero lo considero un diseño menor, meramente esteticista y con poca sustancia. Eso si, se vende muy bien porque la gente aprecia lo que puede reconocer. Pero yo procuro ser muy consciente del ahora.

La muestra Bravos se presentará en el Museo de Arte de Puerto Rico entre febrero y abril de este año. A continuación los nombres de los diseñadores, la mayor parte de los cuales han estudiado y trabajado en el extranjero, en contacto directo con la comunidad internacional del diseño.

Antoni Arola (Tarragona, 1960 / http://www.blogger.com/www.estudiarola.com )
Martín Azúa (Vitoria-Gasteiz, 1965 / http://www.blogger.com/www.martinazua.com )
Nacho Carbonell (Valencia, 1980 / http://www.blogger.com/www.nachocarbonell.com )
Curro Claret (Barcelona, 1968 / http://www.blogger.com/www.curroclaret.com )
CuldeSac (Pepe García, Valencia, 1974 y equipo / http://www.blogger.com/www.culdesac.es )
díez+díez diseño (J. Díez, Madrid, 1966 y José L. Díez, Madrid, 1968 / http://www.blogger.com/www.diezmasdiez.com )
El Último Grito (R. Hurtado, Madrid, 1966 y R. Feo, Londres, 1964 / http://www.blogger.com/www.eugstudio.com )
Emiliana Design (A. Mir, Valencia, 1969 y E. Padrós, Barcelona, 1969 /
http://www.blogger.com/www.emilianadesign.com)
Luis Eslava (Valencia, 1976 / http://www.blogger.com/www.luiseslava.com )
Guillem Ferran (Tarragona, 1983 / http://www.blogger.com/www.guillemferran.com )
Joan Gaspar (Barcelona, 1966 / http://www.blogger.com/www.joangaspar.com )
Martí Guixé (Barcelona, 1964 / http://www.blogger.com/www.guixe.com )
Jaime Hayón (Madrid, 1974 / http://www.blogger.com/www.hayonstudio.com )
Lagranja (Gabriele Schiavon, Padua, 1973, & team / http://www.blogger.com/www.lagranja.it )
Ernest Perera (Vilanova i la Geltrú, Barcelona, 1974 / http://www.blogger.com/www.ernestperera.com )
Diego Ramos (Barcelona, 1978 / http://www.blogger.com/www.diegoramos.es )
Mario Ruíz (Alicante, 1965 / http://www.blogger.com/www.marioruiz.es )
Héctor Serrano (Valencia, 1974 / http://www.blogger.com/www.hectorserrano.com )
Stone Designs (C. Mazuelos, Madrid, 1973 y E. Prego, Logroño, 1974 / http://www.blogger.com/www.stone-dsgns.com )
Ramón Úbeda (Jaén, 1962 / http://www.blogger.com/www.ramonubeda.com )
Patricia Urquiola (Oviedo, 1961 / http://www.blogger.com/www.patriciaurquiola.com)

Los surcos del oficio en Antonio López

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Tue, 10 Jan 2012 05:17:00 +0000

MADRID - Los grises más profundos dejan de ser fríos y se vuelven cálidos en las telas y paneles de Antonio López. Más certeros los amarillos, mareados e intensos, casi sol crepuscular que todavía quema.
Millas y millas de profundidades infinitas que van desdibujando un paisaje familiar, cotidiano o añorado de ese Madrid o sus cercanías, que te dejan clavado en la contemplación.
Tras años de no exponer un conjunto importante de su producción, finalmente el Thyssen Bornemisza de Madrid ha logrado colgar y poner a relieve en más de un piso y en varias salas una muestra significativa del artista hiperrealista, en ocasión del 50 aniversario desde su primera exposición. Una retrospectiva anterior ocurrió hace 31 años en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
Miles de personas han llegado al encuentro con la obra pictorica y escultórica del manchego López, en un montaje donde sobresalen bocetos y dibujos y un documental con una amplio relato de entrevistas a colegas, entendidos del arte y del propio artista.
Paisaje y cuerpo, ambos naturaleza, ocupan años de estudio de la forma y el color, y la reiteración de alcanzar la perfección ya lograda. Aposentos -muchas veces precarios, blanquesinos- y objetos cotidianos, electrodomésticos, casi imagen fotográfica desde la distancia y la evidencia de las horas y el trabajo, ya de cerca.
Hay total poesía y la inconfundible intención de detener el tiempo de esos instantes (construidos a fuerzas de tantos otros) en tales piezas, eminentemente de gran formato, y en las escultura también grandes. La entrada al museo es la bienvenida que ofrece una enorme cabeza de un niño en el patio principal. Entonces, adentro, cuerpos enteros o parte de estos.
Es evidente el constante estudio del artista antes de realizar cada pieza y cómo analiza su objeto del deseo centímetro a centímetro.
Naturaleza, arbustos y membrillos, esa imagen objeto de gran interés, de muchos dibujos y bocetos, coloridos y descoloridos, y finalmente pintura. Hay bodegones, hay relatos con personajes, ha pintado a la Familia Real.
Piel y rostro surcado por años de vida labrada en el arte con sabor a oficio duro es el físico actual de López, quien cumplió 76 años el pasado 6 de enero. Mirada profunda del que ha visto sin agotarse.
Estos son apuntes que corresponden a una lectura ligera de una tarde corta (agosto 2011) por las salas de Thyssen. Imposible una reseña respetable de un Artista que no ha hecho más que trabajar. No recuerdo la última vez que utilicé la palabra excelente -en un escrito creo que nunca la incorporé-, pero así es Antonio López.

No me creo con derecho a nada, pero tomo la palabra

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Wed, 28 Dec 2011 04:01:00 +0000

Con los signos aun presentes de la recesión económica, que en cuatro meses cumplirá seis años en Puerto Rico, el mercado local del arte como tantos otros sectores no han logrado salir ilesos. Como saldo, una reducción variable en la actividad plástica de la Isla, el cierre de galerías de todo tipo y escasas posibilidades de venta para los artistas.
Sin embargo, la llegada del 2011 con sus sinsabores y pocas esperanzas de mejoría empezó a dar muestras de cambio para las artes plásticas con un incremento en la cantidad de exposiciones, principalmente colectivas, que se han presentado como la alternativa más viable para ofrecer al espectador y al coleccionista diversidad de opciones en una misma ocasión. Eso no necesariamente se ha traducido en actividad económica.
El último año han surgido también nuevos espacios de exposiciones y divulgación de las artes, en particular en el área de Santurce, donde los gestores y artistas han identificado espacios adecuados y asequibles al bolsillo. Como ya ha sido reseñado anteriormente, en concreto se puede hablar de un distrito artístico, como lo fue en su momento la avenida Andalucía en Puerto Nuevo, donde aún quedan algunas galerías.
No obstante, en el caso de Santurce, la actividad se da de manera individual y en ocasiones se impulsa cierta cohesión con el evento Santurce es Ley, una iniciativa con un potencial de desarrollo, pero que no alcanza todavía la magnitud que pudiera adquirir. Dicha gestión tendría la posibilidad de proyectarse como una gran feria de arte -dentro de un concepto particular-, más allá de llegar a ser una actividad cervecera como se convierten algunos proyectos en Puerto Rico.
La recesión -que no ha terminado- ha debido servirle a los artistas como pie forzado para la reflexión sobre la autogestión y el impulso personal de su carreras y proyectos dentro de un marco de posibilidades reales. Con este me refiero a la exploración de alternativas coherentes y dotadas de la formalidad necesaria, aún dentro de sus carácter alternativo. El no hacerlo de este modo, y con esto no pretendo ofrecer opciones salvadoras y únicas, y menos creerme con derecho a nada, hace que las pocas opciones de auspicios y ayuda pública y privada sean siempre capitalizadas por las mismas personas para el beneficio de unos pocos.
La forma y la manera en que se hacen, se desarrollan y se presentan los proyectos, marcan la diferencia entre obtener un resultado o un apoyo, y muchas veces no se logra comprender esto amparados en argumentos que podrían ser válidos, pero que al final no acercan la posibilidad de materializar ideas. Que es más complicado que despacharlo con esta liviandad, es cierto, pero un cambio de actitud -y no de principios- resultaría más positivo para despejar la escena local del arte del germen de ¨los mismos¨.
La política, el amiguismo y el control de grupos de poder obstaculizan demasiadas cosas en nuestro País, pero la responsabilidad compartida de los diversos sectores no termina de cuajarse en beneficio de los artistas. La academia sigue tímida y no promueve casi nada, salvo un par de exposiciones. Los museos, ya ni hablar. Éstos siguen en sí como piezas inmóviles, sea por falta de fondos, por falta de gestión o por ausensia de ganas.
Cómo es posible que no hayan muestras de artistas importantes puertorriqueños o con vínculos en esta tierra en ninguno de los museos. Dónde está Félix González Torres, Rafi Ferrer, Donde está Olga Albizu. Donde está tantos otros de ¨en antes¨ y de ahora. No todo es Campeche y Oller, sin minimizar en lo absoluto su importancia. Porque estos sí y porque también los otros, los demás.
Entonces me allego a la importancia del ¨Fuck Martorell¨ del ARTISTA que es Rafael Vargas Bernard. Acción no sólo lanzada a un artista como Antonio Martorell, sino dirigida a lo que encarna el grupo de ¨los mismos¨, del cerco cerrado para los pocos y no los muchos. No se trata de una afrenta personal contra un artista privilegiado (y que bien), es el llamado de conciencia en defensa de una comunidad de artistas que se agobian de mover piedras.
Pero es lamentable que estos asuntos no se discutan sino por la esquina. Venga el debate público PÚBLICO, desde la academia, desde la prensa, desde el foro que sea, que vengamos en conocimiento todos (los metidos en el arte, los arrimados, los casis casi, los que no y todos) de lo que ocurre con esta escena cultural. Por qué el miedo de los miedosos.
¨Fuck Martorell¨ ha sido uno de los detonantes más valientes de la recesión, y me refiero a la económica y a la de la falta de enteresa.

La constante en la obra de Raimundo Figueroa

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Wed, 30 Nov 2011 05:35:00 +0000

Raimundo Figueroa sostiene que una de las mayores dificultades que enfrentan los artistas es lograr encontrar el lenguaje con el cual se sientan cómodos, para poder continuar la exploración en su trabajo y llevarlo hasta el límite.

Ese lenguaje muchas veces está dado, mientras en otras instancias se forma en la marcha y se fundan maneras distintas -en ocasiones innovadoras- de plasmar o proyectar imágenes, conceptos o ideas.

En su caso, se ha agarrado del lenguaje abstracto, particularmente el de corte expresionista que tuvo su efervescencia en Nueva York hacia la primera mitad del siglo pasado y sus secuelas posteriores.

Formato grande, pigmento denso, color vibrante y la insistencia en estadíos emocionales o caminos filosóficos, entre la aspiración, el deseo o la consumación de la idea trabajada, definen a grandes rasgos su propuesta pictórica. Aunque prevalece la pintura, también el dibujo alusivo a animales, objetos y a la naturaleza, junto al collage, encuentran espacio importante en la producción del artista.

En entrevistas previas, Figueroa ha dicho que en su trabajo plástico trata de ser espontáneo y abierto con un lenguaje que pueda ser más entendido, y en esa intención llegan sus pinturas en apariencia monocromas. Es en apariencia ya que en los casos donde no limita la paleta a uno o dos colores con sus respectivas degradaciones, disfraza el protagonismo de un color con la yuxtaposición de otros no del todo ocultos para que los podamos identificar. Esa parece una manera de agarrar la vista del espectador y acercarlo al lienzo o el papel que comunmente le sirven de soporte.

Las referencias a algunos de los llamados maestros de la pintura moderna, y a otros más contemporáneos, es clara, pero sobresale con gran fuerza el recien fenecido Cy Twombly, con sus manchas gestuales, borraduras, textos o anotaciones a lápiz o razgadas sobre la superficie. Este es el caso de sus piezas ¨menos limpias¨.

En la obra de Figueroa, el texto cobra una relevancia preponderante, aunque no se le vea como principal elemento, aunque no se situe en todas sus piezas, aunque apenas lo materialice. Sea que esté escrito en la obra, o que solo lo acompañe como título de esta, denota una conciencia entrelazada con la palabra escrita. Texto frase, texto palabra, texto símbolo.

Por ejemplo, al utilizar frases cortas de entendimiento universal, no están lanzadas como idea única, y en cambio son a manera de sugerencia para activar la aspiración, el deseo o la consumación de la idea trabajada, pero en la mente de cada cual, a partir de las vivencias del espectador.

En síntesis, con todas estas anotaciones podemos definir -no al detalle-, de manera amplia la obra de Figueroa en la presente exposición ¨Raimundo Figueroa: CONSTANT BEAUTY¨, que constituye la segunda muestra que presenta el Instituto de Cultura Puertorriqueña en la nueva sala de la Galería Nacional en el Viejo San Juan.

La exposición cubre poco más de las últimas dos décadas del trabajo de Figueroa con una pieza de 1989 como la de mayor antiguedad en la muestra compuesta por 41 obras sobre lienzo y papel. No es una retrospectiva y más bien funciona a manera de ensayo sobre los campos de exploración en las ideas y preocupaciones del artista.

Resulta una muestra interesante para conocer de cerca el trabajo de Figueroa, quien ha logrado insertar su obra en importantes colecciones alrededor del mundo como las del Museo de Arte Moderno de Sao Paulo, Museo de Arte Moderno de México, Museo Tamayo, y Forbes Collection, entre otras.

De colecciones y donativos

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Mon, 05 Sep 2011 02:55:00 +0000

Aunque los museos en Puerto Rico establecen en sus reglamentos que una parte de sus presupuestos operacionales incluirán partidas económicas destinadas a la compra de obras de arte para nutrir sus colecciones, la realidad es que ¨nunca¨ han honrrado ese predicamento.
En lugar de conseguirlo con dinero, la llegada de nuevas piezas descansa principalmente en las relaciones que desarrollan para lograr que algún coleccionista privado, institución o mecenas, se decida por hacer el donativo. En casos excepcionales optan por levantar fondos para comprar una determinada pieza que se presenta en una oportunidad única.
Esos detalles salieron a relucir a preguntas de El Naufragio de las Palabras, durante el conversatorio ¨¿Qué es una colección de arte?¨, celebrado en días recientes en el Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico (MAC), en Santurce.
Tanto la directora del MAC, Marianne Ramírez, como su homólogo del Museo de Arte de Ponce (MAP), Agustín Arteaga, y el curador del Museo de Arte de Puerto Rico (MAPR), Juan Carlos López Quintero, coincidieron en que el dinero para nuevas obras nunca se separa. Mientras, la ex directora del MAPR, Carmen T. Ruiz de Fischler, se expresó en términos similares.
Todos también estuvieron de acuerdo en que las dificultades para poder levantar los fondos operacionales es tal que les resulta ¨difícil¨ e ¨imposible¨, separar presupuesto para nuevas adquisiciones.
Dicha situación representa otro escollo para los artistas puertorriqueños, sobre todo para los más jóvenes, quienes además de intentar sobrevivir en un mercado reducido del arte y tan cerrado, y que se concentra en las mismas figuras del arte de generaciones anteriores, ven lejana la posibilidad de que estos museos adquieran sus obras y paguen por ellas.
Casi queda planteado que la única posibilidad de ver sus obras en los museos oficialistas es haciendo una donación de su trabajo, si es que sus piezas logran el interés de dichas instituciones.
En un recorrido por las salas de exposiciones de los mencionados museos no es de extrañar el encontrar piezas que levantan más de un cuestionamiento sobre su llegada a dichos espacios, por encima de otras cuyos hacedores ofrecen una propuesta plástica innovadora, coherente, original y más depurada. En parte, la explicación podría ser que les llegaron como donativo, aunque aún así hayan pasado por cierto cedazo.
Durante su alocución, la Dra. Ruiz de Fischler habló de la importancia de la ética, sobre todo si tomamos en cuenta que varios coleccionistas son miembros de las juntas de directores de los museos. En esta parte, cabe destacar que no han sido pocos los señalamientos en el sentido de que algunos coleccionistas o galeristas en las juntas de los museos impulsen la adquisición de obras de artistas que ellos apoyan porque anteriormente han adquirido sus obras. Al colocarlos en museos oficiales les añaden valor a sus piezas.
La decisión de aduirir piezas en los museos en la Isla puede estar recomendada por el curador del museo, su director o directora o por la junta, que es la finalmente da el visto bueno de que se compra o se admite a la colección.
A pesar de no tener un presupuesto seprada para adquisiciones, en el MAP, su director Arteaga dijo que el último año lograron incrmentar las adquisiciones en un 20%, principalmente con donaciones aunque también hubo compras. De las compras, los museos aquí nunca informan cuánto pagaron y a quién por tal o cual pieza.
Muchas preguntas siempre quedan en el tintero, sobre todo en la escena local del arte donde la prensa cultural tradicional se limita a la cobertura de comunicados sin fiscalizar ni profundizar en el ¨mundo cerrado del arte¨. Habrá que esperar algunos años para ver cómo documentan los museos oficiales el arte contemporáneo puertorriqueño, el que tenemos ahora, el de la úlima década.

O tal vez ya los artistas no necesitarán mañana colocarse en la colección de un museo para oficializar el valor y la calidad de sus trabajo. Por ahí andamos...

Un Bravo para Ramón Feliciano

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Mon, 01 Aug 2011 04:14:00 +0000

Ante propuestas innovadoras que adoptan el uso de las nuevas tecnologías, la robótica, la ciencia y tantas otras posibilidades y medios para elaborar un discurso plástico contemporáneo, podríamos encontrar en la pintura y el arte abstracto una escuela fatigada y agotada.
Han pasado muchos años desde las primeras líneas y manchas y la obvia negación de la realidad, y el furor que conmovió tiempo después la escena artística de Nueva York con el expresionismo abstracto y toda la historia subsiguiente.
Pero cuando nos encontramos ante un cúmulo de piezas de creación reciente, entre los años 1990 al 2011, con una base fuerte en la abstración, necesariamente tenemos que remitirnos a la historia y ver cuánta vigencia sostiene el trabajo que está ante nuestros ojos.
Fue esa la primera impresión ante la muestra del artista Ramón Feliciano, nacido en Ponce en 1946, y que presenta hasta el 31 de agosto próximo el Museo de Arte de Caguas. La exposición está dividida en dos salas. Una lleva por título ¨Intimidad agresiva: compulsiones y conglomerados¨, y la otra¨Retorcimientos y otros extraños sucesos¨. Se incluyen 57 piezas de mediano y gran tamaño, que marcan las dos décadas más recientes de su producción.
Hay en Feliciano un trabajo minucioso, depurado, donde la repetición del trazo, o la manipulación del objeto empleado como medio pictórico, también reiterado, desemboca en imágenes difíciles de obviar. Por sobre todo cautiva el camino para llegar a la imágen última.
En el mundo del arte hay miles de piezas de pigmentos densos, corpóreos, aglomerados, y hay miles de piezas donde el caos se nos muestra con calidad de bello. Pero en Feliciano encontramos una labor fluida y pensada, donde la gestualidad y el accidente no parecen tener espacio. En cambio, se nota la medida del balance, la razón del equilibrio, sin que esto raye en monotonía.
Experimentación parece ser el apellido de Feliciano, quien como tantos otros artistas, utiliza concreto, resinas, alambre, materiales sintéticos y plástico para elaborar sus obras. También emplea el calor y el fuego para derretir botellas plásticas que adhiere a sus cuadros para formar superficies rugosas con la aparente intención de que sean tocadas y escrutadas con los dedos, no sólo con las ideas y las preguntas.
La obra se mueve constantemente y el color centellea en diferentes planos. Usa la tela, madera y el papel. Construye, emplea el collage, explota lo que parece desenfreno y nos lo ofrece domado. El tema ambiental es importante en su producción y las alusiones a la figura humana, aunque sean sólo a partes de esta.
Feliciano nos platica con la forma y el medio y nos recuerda que las modas y las escuelas pictóricas no siempre se fatigan y llegan al cliché. En su caso, la obra se coloca en otro nivel y no merece menos que respeto y un Bravo.

Inusual muestra en MAC de Bogotá

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Tue, 19 Jul 2011 03:10:00 +0000

BOGOTÁ, Colombia - Pocas veces nos encontramos con campañas publiscitarias desarrolladas por el estado para concienciar a los ciudadanos sobre los derechos de las personas homosexuales y que lleven un mensaje directo sobre el respeto a la diversidad en cuanto a preferencias sexuales.
En cambio, es fácil recordar campañas que alertan sobre la necesidad de protección contra enfermedades de transmisión sexual como el Sida, sobre embarazos prematuros, contra el abuso de menores, la violencia doméstica o el uso de drogas, entre otras.
Durante el mes de mayo y junio EL NAUFRAGIO DE LAS PALABRAS visitó el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, enclavado en la comunidad popular Minuto de Dios,y presenció en una de sus salas una pequeña muestra de los carteles que acompañaron la campaña auspiciada por la Alcaldía Local de Engativá y otras entidades, la cual habla sobre la comunidad homosexual y la prostitución infantil.
Además de resultar interesante ante la escasez de este tipo de campañas, la exposición muestra cómo el estado y una entidad pública utilizan un lenguaje sencillo y directo para reconocer el valor de un sector de sus constituyentes, sin caer en mensajes aderezados y políticamente correctos a la hora de enfrentar una situación. Al contrastar la iniciativa educadora de Engativá con la situación actual en Puerto Rico, claramente se pueden establecer amplios contrastes sobre el rol del gobierno en el manejo de estos asuntos.
¨Camina conmigo, soy más de lo que imaginas¨, es el lema que prevalece en los carteles que aluden a los homosexuales. En estos, sugerentes fotografías presentan la pierna velluda de un hombre con medias y calzado masculino, pero con faldas a cuadros, mientras cruza una calle. En otro cartel, un espejo nos devuelve la mitad de un rostro de hombre mientras se pinta los labios, y una tercera imagen proyecta a una mujer lesbiana mientras realiza alguna labor de carga.
Dichas imágenes podrían resultar estereotipadas, pero están acompañadas de mensajes que de alguna manera neutralizan tal contexto. ¨Algunas personas creen que todos los homosexuales quieren ser mujeres... que las lesbianas quieren ser hombres... que los trans son hombres o mujeres que se disfrazan. Estas ideas negativas sobre las personas LGBT han hecho que en algunas ocasiones usted y yo les vulneremos sus derechos¨, destacan algunos de los mensajes.
Mientras, otras frases señalan: ¨No somos anormales, somos seres humanos, auténticos y diversos¨.
Por el lado de la prostitución infantil, resalta un afiche donde una adolescente con uniforme escolar permanece recostada de una pared en una esquina de la ciudad. ¨Tengo una muñeca vestida de azul... la llevé a la cama con mucho dolor¨, es el mensaje principal, y luego lo acompaña otro en letras más pequeñas que lee: ¨Como ella, muchas adolescentes ofrecen su cuerpo en silencio y a escondidas. Día tras día, están en alto riesgo de adquirir el VIH-SIDA¨.
Este es un tema muy actual en Puerto Rico, donde recientemente se han descubierto organizaciones criminales dedicadas al la trata sexual de menores. Hasta ahora, más allá de los esfuerzos de la Fundación Ricky Martin y la alianza de la insitución financiera Doral Bank, el gobierno no ha hecho campañas para combatir este delito y proteger a los menores.
En general, la muestra en el MAC de Bogotá no solamente llama la atención por el contenido, sino por el lugar donde se presenta, que da crédito al valor estético y social de una campaña publicitaria para educar a las personas de una comunidad. El Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá es parte de un proyecto de obra social y evangelizadora del Padre Rafael García Herreros en un barrio marginado, ideado en 1958.
En Puerto Rico, de seguro, una campaña similar levantaría la queja de grupos religiosos y conservadores, y por supuesto, un amplio debate entre representantes del gobierno.
El Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá abrió en 1966 en una modesta estructura y luego en 1970 se inauguró el edificio actual, una obra premiada de arquitectura vanguardista, que cuenta con salas de exposiciones, centro de documentación y un espacio escultórico abierto a la comunidad, donde además se realizan diversos eventos culturales.
El espacio abierto es lugar de contínuo tránsito, es plaza de reencuentros cotidianos, es pista para acelerar patinetas y bicicletas, entre tantos otros usos espontáneos.

FRANCES GALLARDO: Tejedora de huracanes

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Tue, 07 Jun 2011 23:56:00 +0000

Fuerza y precisión definen gran parte de la nueva propuesta creativa de la artista Frances Gallardo, quien presiona filosas navajas contra hojas de papel para crear toda suerte de huracanes.
La experiencia de haber crecido en una Isla habituada a la llegada de estos fenómenos atmosféricos, han despertado su curiosidad desde hace algún tiempo, cuando comenzó a esculpir papeles de diferentes colores, dando forma a diversas composiciones.
Gallardo crea ¨manchas¨ con el tallado de hojas que al colocarlas unas sobre las otras consigue el descubrimiento de nuevos colores y profundidades. Cada incisión da paso a una forma distinta, que al final parecen encajes bordados sobre tela.
Según explica la artista, quien trabaja en intervenciones, instalaciones y performance, toda pieza conlleva un proceso de investigación, observación de imágenes y la preparación de bocetos preliminares, que en el camino adquieren diferentes grados de complejidad.
Sus huracanes, que varían en medidas y en la cantidad de papeles utilizados, tienen su ritmo particular, que bien podríamos identificar con el nivel de intensidad del ¨ciclón¨. En algunos casos, además del color de los papeles, la artista también les aplica diferentes tonalidades, que le confieren una sutileza particular.
A la imagen tallada, de notable belleza, Gallardo ha comenzado a explorar la posibilidad de añadirle sonido. Para esto, ya inició la investigación de antiguos fonógrafos, cuyos discos de cartón agujereados, también se asemejan a sus creativos huracanes.
¨Ahora estoy buscando como manejar el sentido sonoro y visual del huracán. Es una manera de rescatar la belleza de la destrucción del huracán¨, explica Gallardo, egresada del Departamento de Bellas Artes de la Universidad de Puerto Rico en Río Piedras.
La elaboración de estas piezas de arte conllevan largas jornadas que puedeen durar hasta semanas, según el tamaño de la obra. El cansancio mayor se registra en las delicadas manos de Gallardo, quien debe controlar la fuerza todas las veces que introduce las amoladas navajas en los papeles.
La selección de la materia prima es otro proyecto, ya que el papel debe tener el peso adecuado y el nivel de humedad preciso para evitar que se rasgue con las incisiones. En su mayoría son adquiridos en tiendas especializadas en Nueva York.
Aunque a la artista le gusta trabajar con piezas en madera, reconoce que eso requiere demasiada fuerza, y desde algún tiempo optó por utilizar el papel como medio para sus obras, toda vez que le resulta manejable y versátil.
Los huracanes de Gallardo ya han capturado la atención de coleccionistas, principalmente por los elaborados detalles y el resultado final del trabajo.

Por ahora, la artista espera formar parte de la nueva iniciativa de la Fundación Cisneros Fontanals, llamada Fund a Project, mediante la cual debe conseguir ciertos fondos para poder desarrollar un proyecto creativo. Gallardo necesita recolectar $2,000 para su proyecto, mediante el cual busca convertir las imágenes aéreas de huracanes en composiciones musicales y registrarlas en discos de papel.
Indicó que parte de la idea del huracán como una sinfonía, el cual a su paso transforma todo lo que toca en un juego dinámico de sonidos. Los detalles de la propuesta aparecen en el enlace de la Fundación Cisneros Fontanals: http://www.cifo.org/index.php?option=com_fundaproject&task=details&pid=32 . Mientras la serie de calados en papel que ha inspirado la producción de este proyecto pueden observarse en: http://francesgallardo.blogspot.com/p/hurricane-series.html.

Próximo en El Naufragio... Entrevista con Frances Gallardo. Singular exposición en Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, Colombia. Espérenlo...

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Thu, 02 Jun 2011 00:39:00 +0000

CULTURA viva?

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Thu, 21 Apr 2011 14:19:00 +0000

Las finanzas para las instituciones culturales de Puerto Rico, al igual como las de otras agencias públicas, reflejarán reducciones cuando comience el nuevo año fiscal 2011-2012 a partir del primero de julio póximo, según se desprende del presupuesto presentado por el gobernador Luis Fortuño.

Aunque en algunos casos las cifras no parecen dramáticas, lo cierto es que dichas agencias encargadas de promover o preservar asuntos relacionados a la cultura, ya vienen arastrando reducciones significativas de presupuesto durante los últimos años. Si hace más de dos décadas hemos venido escuchando que no es mucho lo que hay en caja en cada dependencia para apoyar o crear nuevos proyectos, o simplemente para mantener adecuadamente los que siguen vigentes, en adelante no es de extrañar que sea poco menos lo que se pueda hacer. Tal es el caso de la Escuela de Artes Plásticas (EAP), el Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP) y la Oficina Estatal de Conservación Histórica (OECH).

En la EAP el presupuesto de 2009 fue de $5,326,000 y el nuevo será de $4,980,000. De esa cantidad, $2,237,000 son de ingresos propios que se generan con el pago de matrícula de los estudiantes.

Las reduciones de dinero también están acompañadas del recorte de personal impulsado por la administración de gobierno, que reduce a 38 los empleados en la EAP, de 63 que tenían en 2009.

Cuando se lee en el presupuesto, cuyo documento está disponible en la página cibernética de la Oficina de Gerencia y Presupuesto (OGP), resulta irónico el planteamieno sobre la visión oficial para la EAP, lo cual no es cónsono con su raquítica asignación presupuestaria. La visión es: ¨Aspirar a convertirse en uno de los más prestigiosos centros de educación superior del arte en el Caribe, dedicado a la creación y la investigación artística, combinando de manera óptima la formación en destrezas tradicionales de taller con la experimentación, los nuevos lenguajes y el uso de la tecnología¨.

¿Se puede lograr eso, aún con los mejores profesores y el mayor de los empeños, sin los recursos económicos para ello? Podríamos pensar que si, pero nadie puede negar que el dinero es necesario y cuando se lee el desgloce de gasto, por ningún lado ni siquiera aparece la partida para investigación.

Mientras tanto, en el ICP deberán funcionar el nuevo año fiscal con un presupuesto de $24,061,000 versus los $28,349,000 que tenían en 2009. Aquí la reducción es de $4,282,000 y se quedan con 205 empleados, unos 179 menos de los que tenían hace dos años y medio.

Del total del presupuesto del ICP, $8,510,000 (poco más de una tercera parte) corresponden a Asignaciones Especiales que es el dinero que se reparte entre las acostumbradas entidades sin fines de lucro como el Museo de Arte de Ponce, Museo de Arte Contemporáneo, Museo de Arte de Puerto Rico, Museo de Las Américas, Fundación Luis Muñoz Marín, Fundación Felisa Rincón, Fundación Arturo Somohano, Fundación Puertorriqueña de Zarzuela y Opereta, y los centros culturales Guarionex, Jesús M. Muñoz y Ramón Aboy, entre otros.

En el caso de la OEPH, el presupuesto de 2009 era de $2,959,000 y para el fiscal 2011-2012 será de $2,804,000. De 30 empleados en 2009 ahora se queda con 22. Entre otras cosas, a esta oficina se le encarga por ley ¨proteger la integridad del recurso histórico, prolongar su presencia, influencia, rendimiento y disfrute¨. Es obvio que cumplir con esa encomienda es cuesta arriba con menos de tres millones de dólares, es más, resulta ridículo.

Al mirar estos números debemos ser solidarios con los trabajadores que sabemos dan la milla extra para provocar que aún en la penuria presupuestaria y la burocracia gubernamental se realicen cosas en las diferentes entidades públicas. Sin embargo, sigamos fiscalizando porque no se trata de dinero que nos regala el gobierno, se trata del dinero que pagamos en contribuciones, y los que apoyamos las artes y la cultura debemos esperar siempre que se de el reconocimiento real a la obra que hace falta.

Mientras ese mensaje no se puede dejar caer, todos sigamos con nuestros proyectos, nuestras iniciativas, nuestras gestiones, para que la expresión artística y cultural, como ha sido siempre, nazca y se sostenga entre los hacedores individuales y colectivos sin que el aparato oficial sea el que dicte la pauta con el control del dinero. Cultura viva.

Rogelio Báez Vega: lector de situaciones

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Tue, 19 Apr 2011 02:29:00 +0000

Rogelio Báez Vega es un ¨lector de situación¨, de esos que nos comenta Le Corbusier que hacen falta para reconocer el caos y formular propuestas. Esas que ¨sucesivamente expresan certidumbres adquiridas y aspiraciones unánimes¨.

Solo que su propuesta presente en Area en Caguas, no consiste de líneas con medidas específicas para ocupar y servir en tal o cual espacio. La suya es la de explorar el orden en cualquier parte para finalmente obtener un lugar habitable común. Nos propone torear el caos y no contribuir a su prolongación.

Por eso se agarra del referente arquitectónico como extensión de la intervención humana en la sociedad y repite el mensaje ¨Architecture is possible everywhere¨. Esto, no ya como un proverbio para establecer que en cualquier parte se pueden levantar vigas, vaciar concreto y conectar bloques. Sino para fijar la idea de que construir el orden es posible en cualquier paisaje.

Báez Vega retrata escenarios urbanos, con la estación de gasolina como punto de partida (y no limitada a éstas), y narra la experiencia visual de su entono intervenido, mal intervenido, y ahora en decadencia. El cuerpo de trabajo que presenta en su exposición en solitario -la segunda individual que realiza, a pesar de su carrera como artista-, y le ha llamado LandEscapes, también tiene mucho de economía. La ha producido precisamente durante los 60 meses de la recesión económica más profunda de la Isla desde los años 30.

Ese ha sido el tiempo en el que se ha generado el mayor cierre de estaciones de gasolina en Puerto Rico ante el alto costo del petróleo y el bolsillo apretado de las familias puertorriqueñas. Paisajes ¨gasolineros¨, paisajes de edificios, todos quietos, donde el tiempo ha dejado de transcurrir y se ponen en frente para mirarnos, no en imagen espejo, más bien en imagen pregunta. ¿Qué le hicimos al país? ¿Qué no funcionó? ¿Qué seguimos haciendo? ¿Lo volveremos a hacer igual?

Son preguntas que me podría hacer frente a una pieza de gran tamaño como lo es Isla. Es una estación de gasolina marca Isla, que muestra vibrantes colores en un espacio donde no aparece el elemento humano, sino sus acciones. En esta pieza resalta la profundidad de un hueco en la acera, la profundidad en el interior de la tienda de conveniencia, y los recovecos en los plafones. Surge entonces la sensación de búsqueda, de querer encontrar, tal vez allí, la respuesta, o una pista.

Llama la atención la desmitificación de los cielos en sus pinturas, que dejan de ser cielos para transformarse en otra pieza arquitectónica del cuadro, que la más de las veces cancela el paisaje u oculta estructuras, y se debate entre ser cielo o no serlo.

Acompañan la muestra algunas esculturas, resultado de retazos de maderas ensambladas, apiñadas, obligadas a la convivencia sin importar su procedencia ni su nobleza. El resultado termina en maquetas de edificios salpicados con pintura, creando una paisaje familiar donde pareciera que todo converge.

Aunque la muestra funciona como una gran instalación que recrea justamente el ambiente de una gasolinera, Báez Vega coloca otra instalación, que consiste de una casa a dos aguas, en madera, y en su interior desplega una serie de trabajos en pequeño y mediano formato. Aquí sobresale una pieza sobre lienzo donde el artista deconstruye la imagen de la casa típica del Santurce de su infancia, para convertirla en reliquía, en casa comercio, en casa ruina, en casa todo menos habitable.

Podría ser cualquiera de las casas de modestas familias relgadas del entorno santurcino que dio paso a enormes edificios de apartamentos para adornar los alrededores del Museo de Arte de Puerto Rico y aumentar el valor de los bienes raíces en la zona.

En conclusión, Rogelio Báez Vega consigue presentar una exposición interesante, de mucho diálogo y contexto histórico contemporáneo, que de seguro requerirá ser revisitada en años futuros, no como tantas otras muestras que resultan innovadoras pero no logran cumplir más que la cuota de lo nuevo. Funcionan las pinturas de brochazos imperfectos, funcionan las esculturas, funciona la conversación.

Colectivo artistas piden ayuda para niño

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Fri, 15 Apr 2011 22:04:00 +0000

El colectivo UNDOdigital solicita ayuda para el niño de tres meses, Yamil Colón Mercado, sufre del Síndrome Hemafagocítico (un tipo de cáncer). El pequeño recibe constantes quimioterapias, en lo que la familia puede conseguir el dinero suficiente para poder sufragar los costos de un transplante de médula ósea. Procedimiento que su plan médico no cubre.

Como parte de un esfuerzo por la vida del niño, el Colectivo de Artistas Digitales, UNDOdigital ha creado una galería virtual para recoger fondos. El dinero recogido por la venta de las piezas de arte, será entregado en su totalidad a la familia para lograr proveer el tratamiento que Yamil necesita.

La galería virtual se encuentra en: http://tinyurl.com/YamilC y cuenta con trabajos de numerosos artistas del colectivo. Además, piden al público, que aporten a la causa de la manera en que puedan. Ya sea comprando las piezas que exponen allí o depositando su aportación directamente en la cuenta de Ahorros del Banco Popular de Puerto Rico #707-233-52-6 la cual está a nombre de Yamil Colón Mercado.

UNDOdigital es un colectivo de Artistas Digitales. Laboran por crear un moviemiento de Arte Digital en su Puerto Rico. Puedes seguirlos en: http://www.undodigital.com.

Cuentopatuiter en twitter. Un relato en 10 entregas. Ya comenzó. Búscalo en twitter. Cuentopatuiter.

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Wed, 06 Apr 2011 05:51:00 +0000

CUENTOPATUITER

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Thu, 31 Mar 2011 01:48:00 +0000

Saludos. El lunes próximo inicio un nuevo proyecto que busca explorar sobre el consumo de literatura en plataformas no tradicionales como la alternativa de twitter, donde se busca una información amena, ligera, particularmente sobre asuntos inmediatos y cotidianos. Para este proyecto experimental he trabajado un cuento escrito en cortas fraes que serán difundidas a través de twitter a partir del próximo lunes. Una vez se complete la publicación y hayan leido el cuento, entonces esperaré por sus reacciones. Espero contar con ustedes y que rieguen la voz, y por su supuesto, que disfruten la historia. Lo encontrarán, en ¨ cuentopatuiter ¨. Vengan seguidores de twitter...

Pulso de post guerra en el Sur - Arte en Brazil

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Mon, 28 Mar 2011 04:43:00 +0000

SAO PAULO, Brazil - Cuando se habla de la abstracción geométrica y el arte concreto en Latinoamérica, son varios los ejemplos de artistas que lograron aportar una obra de reconocimiento a la mitad del siglo pasado. En Brazil, la efervescencia del arte internacional, con la vista a Paris y Berlín, de la mano de artistas y galeristas venidos de esas tierras, abonaron a la llegada de distintas corrientes pictóricas de post guerra.

El arte concreto, que surgió hacia los años 30 con exponentes como De Stijl, Kandinsky y Max Bill, tuvo su auge en las décadas de los 40 y 50 en Francia e Italia. Y muy pronto su repercusión entre artistas de la América Latina.

Una exponente, particularmente del arte concreto, ronda por estos días en el Museo de Arte Moderno de Sao Paulo con más de un centenar de piezas en mediano y pequeño formato, que muestran sus preocupaciones formales de entonces, la negación de un arte que asemejara la realidad, y la experimentación con distintos medios para desarrollar sus piezas. Su nombre es Judith Lauand, quien este año cumple sus 89, y se mantiene como su obra ¨fuerte, independiente, entusiasmada y siempre abierta a nuevas experiencias¨, como la describe el curador de la exposición, el periodista Celso Fioravante.

Entramados de líneas, cuadrados y esferas, sobre todo líneas, dan forma a geometrías sin nombre que proponen un juego visual, cargado de colores (en ocasiones), o con la paleta limitada otras veces. Colores planos, juxtaposiciones de elementos y mucho movimiento predominan en la muestra, con piezas que van desde el uso de la pintura -gouache, acrílico- hasta resinas, madera y otros objetos de metal (éstos más bien a partir de los 60) con los cuales crea distintos campos de color que le imparten movimiento a superficies planas y estáticas. Son obras sobre tela, madera y papel, y en algunas con su clara destreza como grabadora.

Lauand, quien como única exponente femenina ingresó a grupos ahora referenciales de los movimientos vanguardistas en Sau Paulo, como Ruptura en los años 50, inició su carrera en las corrientes impresionistas y figuración, y tras un periodo significativo y el más recordado de su producción como artista concreta, transitó también en el arte pop. Una pequeña muestra de sus trabajos en la línea de Roy Lichtenstein (pero cargados de mucho color) proyectan relaciones de parejas en un mundo que libra batallas para romper con las desigualdades de género, justo en los años de cambios sociales de relevancia en las principales ciudades del mundo. Otras piezas incluyen textos anti bélicos.

La exposición ¨Judith Lauand: experiencias¨, constituye un importante y ameno relato sobre la obra de una artista brasilera, paulista, que participó activamente de las rupturas artísticas en Latinoamérica, muy cercanas a sus surgimientos a nivel internacional. Esto en una época, que aunque de adelnatos tecnológicos, no permitían la llegada de la data a las velocidades actuales de lo que ocurría más allá de las fronteras de cada cual.

Otras muestras en el MAM

El MAM también presenta en marzo la exposición ¨Orden y progreso¨, enfocada en piezas de la colección del museo para proponer una lectura del arte a partir de los años 60, con fotografías sobre el levantamiento de la ciudad con una arquitectura mayor en medio de la planicie casi vacía. Traducen la preponderacia del progreso y la política.

Entre unas 80 piezas en difernetes medios, sobresalen las fotografías como documentación gráfica blanco y negro, y las piezas de artistas como Cildo Meireles, un vídeo de Mauricio Días y Walter Riedweg, y Franklin Caparo, entre otros.

De Meireles encontramos ¨Cameló¨, una figura humana diminuta acompañada de dos cajas de madera con alfileres y otros objetos. Su tamaño es tan peueño que el espectador debe ponerse en cuclillas y mirar desde abajo la pieza. Consiste de un vendedor ambulante que obliga llegar a su nivel para comprender su situación, principalmente para aquellos que ven por encima del hombro a estos trabajadores, y los estiman con inferioridad. La pieza es de 1998.

Por su parte, de Días y Riedweg observamos un vídeo en tres canales que enseña a un negro brasilero, pobre, con dentadura dañada, quien lee la nueva constuitución tras el final del régimen militar, como proyecto democrático e inclusivo. Frente a las pantallas, en el suelo, reposan 560 balanzas con los colores patrios verde y amarillo, como metáfora del peso real de la constitución.

Mientras, la pieza de Caparo consiste de cuatro enormes cojines que reposan uno sobre el otro y están hechos de hojas de periódico, correspondientes a los clasificados de venta y alquiler de propiedades. Alude a la construcción de un mercado fágil e improbable.

Esta vuelta por el MAM en Sao Paulo representa un puñado de piezas que revelan la inventiva temporal de la escena plástica brasilera y los cuestionamienos sociales de algunos de sus más connotados artistas, justo en estos tiempos de una ciudad ya creada y boyante en su economía, con índices que superan a muchos de los países del mundo.

¿Distrito cultural o promesa reciclada?

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Sun, 06 Mar 2011 15:59:00 +0000

Los dobles mensajes nunca son buenos y cuando se trata de política pública resultan fatales. De entrada, y muy por lo llano, parecería que poco confunden, sobre todo cuando vienen acompañados de cierto brillo y con estribillos de esas cosas que deseamos escuchar.
Por eso debemos detenernos y analizar los mensajes en un contexto amplio, y no como caso particular, tal cual planteado en la reciente designación de Santurce como ¨Distrito de las Artes¨.
¿Quién podría oponerse a la designación de un área deprimida como foco para el impulso de desarrollo cultural, con el alegado fin de promover las artes -entre otras cosas-, revitalizar la zona y además integrar la educación a tal esfuerzo? Si eso sólo no llena los ojos, entonces lo acompañamos con la cifra de $61 millones para impulsar la idea.
La idea, de la cual se comenta desde el pasado año, sigue en un nivel abstracto y en días recientes el gobernador Luis Fortuño dijo que las 16 instituciones que forman parte de la llamada ruta de Barrio Obrero a La 15 (Distrito de las Artes), tendrán 120 días para someter sus proyectos para la zona.
La mayor parte de esas instituciones han experimentado con mayor notoriedad los últimos años la precariedad de sus presupuestos, entre otros factores, por los recortes en los miles de dólares que reciben del gobierno, que los ha subvencionado por años. Un poco, ¨la idea¨ les devolverá para propósitos particulares algunos de esos fondos que se les redujeron.
El ¨Distrito de las Artes¨ deberá impulsar promesas repetidas y pre electoreras de anteriores gobierno sobre la revitalización de Santurce, que no termina de llegar, sino a cuentagotas y dispersa. Deberá remozar zonas deprimidas e inseguras, y deberá potenciar zonas privilegiadas y un poco más seguras.
Según citado por la prensa, el Gobernador dijo: ¨Nuestra fe en el poder del arte y la cultura como catalítico del cambio es la razón por la cual lo integramos como punto importante de nuestro modelo de transformación y superación social¨.
Hasta ese punto todo resulta esperanzador, hasta que se le contrasta con la crisis en la Escuela de Artes Plásticas, que finalmente llevó a su directora Marimar Benítez a renunciar, ante el recorte de presupuesto y de personal. Contrasta con el descalabro en el Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP), entidad seriamente afectada por el despido de empleados como parte de la Ley 7 para balancear el gasto público. Hay que recordar el escaso presupuesto general del ICP, que lo mantiene prácticamente inoperante.
La prensa también informa que los $3.2 millones del Fondo del Quehacer Cultural del ICP (que no funciona desde 2005), serán reasignados para financiar propuestas individuales y de entidades emarcadas en el ¨Distrito de las Artes¨. Esto, ¿para cuánto alcanza? Habrá que pregunatrse qué ocurrió con los centros culturales de los pueblos por los pasados 20 años y lo que hay al presente.
A esos dos ejemplos, podemos sumar la falta de maestros de bellas artes en las escuelas públcas de Puerto Rico (decisión tomada bajo la actual administración ante la poca importancia que se le da a las artes desde los centros donde se suponen se fomente la educación integral de nuestros niños). Ahora se promete que 29 planteles en la ruta de Santurce tendrán cada uno un educador de arte, como parte de un proyecto con el Departamento de Educación, denominado ¨Distrito Escolar de las Artes¨. Se necesita uno y más en todas las escuelas, y eso no requiere de proyectos pilotos.
Para no dejar el turismo afuera, el Gobernador también señaló que con la idea de Santurce ¨Se trata de ofrecer un valor añadido que estimule el turismo local¨. Uno de los eventos culturales de gran trascendencia en la Isla, el Festival Casals -que este año se celebra desde el pasado 19 de febrero hasta el 12 de marzo-, precisamente fue uno de los grandes ausentes en la promoción notable de Puerto Rico como destino durante la reciente feria de turismo en Madrid, FITUR. Nada más que abundar.
Quiero equivocarme y tragarme las palabras, porque me niego a que el próximo cuatrienio el gobierno de turno me hable de otro distrito cultural que no saldrá de la hoja suelta o el spot televisivo de medio minuto.
Para terminar, no me parece haber escuchado nada sobre los espacios alternativos que operan en la parte más modesta de Santurce. ¿Si el proyecto integra, porque no se les convidó, no se les consultó, no se les llamó a la mesa? Ahora, que compitan con todos los otros con sus propuestas, a ver cuál se cuela.
Ya me parece reconocer algunos nombres, alguna gente, algunos, algunas, y creo que serán siempre los mismos. Quiero equivocarme y tragarme las palabras, porque Puerto Rico se lo merece, los artistas se lo merecen, los hacedores de la cultura -los comprometidos-, se lo merecen.
Los dobles mensajes nunca son buenos.

Blog cultural del Mes - El Naufragio de las Palabras

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Mon, 10 Jan 2011 18:26:00 +0000

La Coalición de Artistas de Puerto Rico seleccionó a El Naufragio de las Palabras como el blog cultural del mes de enero de 2011. Agradecemos la mención y felicitamos a los demás blogueros que documentan y analizan desde diferentes ópticas la escena local del arte y la cultura. A todos que sigan respaldando nuestras propuestas.

2011: Año de más retos para la cultura

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Thu, 23 Dec 2010 13:15:00 +0000

Felicitaciones navideñas a todos los amigos seguidores de El Naufragio de las Palabras. Este año 2010 ha sido uno intenso en Puerto Rico en lo que respecta a la cultura y el arte. Menos reconocimiento a la actividad creativa como fuerza transformadora de la sociedad, acciones de censura, robo de obras, y la eliminación de eventos como la feria local de arte CIRCA, la crisis en la Escuela de Artes Plásticas, entre otros, han transcurrido, mientras impera el mismo silencio sobre asuntos importantes.

Desde plataformas alternativas en la Internet se continua con la documentación de exposiciones, eventos y situaciones que ocurren en el País, y desde estos mismos lugares se confirman incidencias analizadas y denunciadas, que luego los medios tradicionales reseñan o invisibilizan.

Siempre quedarán más retos por rebasar, pero lo importante es el compromiso de cada cual y colectivo para mantener un ojo crítico y sensible ante todo lo que sucede en nuestro entorno, para poder destacar el trabajo de nuestros artistas, para denunciar lo que así se merece y para construir desde este otro lado esa parte de la historia que no recibe espaccio en otros lugares.

Que en el 2011 sigamos contando con el apoyo de todos ustedes, no sólo en El Naufragio de las Palabras, sino en los demás espacios como Autogiro, Box Score, Repuesto, Donde Veo Arte, Fractal, Trance Líquido, Conboca, UndoDigital, El-Status, MSA Xperimental, Post Data, Quantum de la Cuneta, Dataestética y Coalición de Artistas, entre otros.

Un abrazo para todos.

La sutileza de la maldición en Elsa María Meléndez

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Thu, 18 Nov 2010 16:22:00 +0000

Hace un par de años, tras reseñar una exposición de la joven artista Elsa María Meléndez, escribí que se me antojaba entrar a una de esas cajas acrílicas donde flotaban sus personajes de papel y tela en pequeño formato, pero para esto era necesario ampliar la caja y las figuras. Ahora la experiencia está disponible para todos con la instalación ¨El ingenio colectivo o la maldición de la cotorra¨, expuesta en la Galería R.J. Reynolds del Museo de Arte de Puerto Rico en Santurce, y que fue creada como parte de la Beca Lexus para Artista 2009.

Con esta instalación la artista ofrece la oportunidad de interactuar directamente con sus personajes y convierte al espectador en una figura más de la pieza, que cubre un área de 450 pies cuadrados. Sólo que los personajes están segmentados, entre cabezas solas que flotan o cuerpos suspendidos en la pared alcochonada, algunos con pies, otros con brazos y manos, pero todos sin cabeza.

Meléndez se vale de la metáfora mediante el cantaleteo de la cotorra, que repite la palabra aprendida hasta la naúsea, y no se sale del mismo ¨verso¨. Y nos coloca en el espejo imaginario de las aspiraciones colectivas, restregadas sobre el mismo lodo sin conseguir una tranformación.

Esta vez, se deshace de la caja acrílica a través de la cual podíamos atravesar la vista, y por el contrario nos encierra entre telones de lienzo crudo, confinados, donde no podemos apartar la mirada del interior, para hacer de la experiencia y la reflexión una más íntima.

El elemento de los alfileres enterrados sobre partes de los telones, que la artista asocia con su intención de explorar de manera genérica el Vudú, lo vinculo con esa astilla-espina o ¨piedra en el zapato¨, que incomoda, que jode, pero no acabamos de retirar. A nivel estético, desempeñan un rol visual atractivo, sobre todo cuando se observan las sombras que crean en la tela y la sensación de profundidad.

Meléndez, destacada por sus grabados y dibujos que transfiere a la tela (como ocurre con los rostros, las manos y los pies presentados en las presentes piezas alcochonadas), mantiene un deliberado control del color en la instalción. Todo es eminentemente crema claro, y rompen con ese ¨compas¨ la tinta en los dibujos y uno que otro pedazo de tela de color brillante y, por supuesto, las cabezas de los alfileres. De esta manera evita grandes distracciones, al tiempo que el aspecto general -orgánico- de la obra también resulta enigmático.

Al emplear paños, telas, retazos de telas y piezas de vestir para construir cuerpos, rostros y personajes, hay una intención clara de reformar con cada puntada de costura, que de seguro le toma innumerables horas de trabajo a Meléndez, quien además se desempeña como curadora en el Museo de Arte de Caguas. Tal intención de reformar, o surcir, igualmente está ligada a la aspiración de cambio colectivo para construir otra forma ¨de estar¨.

En el medio de la habitación que crea la instalación, se amontonan todos los retazos y otros objetos, como zapatos, a manera de un lío de ratones (figuras estas que ha trabajado en otras piezas), que también invitan a rebuscar.

Además de la parte visual, la instalación está acompañada de sonido, con el sonsonete de la incansable cotorra, y de un vídeo realizado en colaboración con el artista Teo Freytes, que consiste de una animación.

La animación está atada a otras partes de la instalación. En el vídeo una mujer baila o se sacude la ropa mientras entran y salen debajo de su falda rostros y manos. Esos mismos elementos los vemos entre los retazos del centro de la instalación, desde donde parece que salen a urgar en lugares prohibidos.

Meléndez, en definitiva, logra un lenguaje particular con sus propuestas y consigue convertir en sutilezas cargadas de significantes los ¨trapos¨, la voz chillona de la cotorra y las frustraciones estancadas de un pueblo.

Ahora se me antoja entrar a uno de esos modelos alcochonados y sin cabeza, y literalmente dar tumbos a ciegas, como muchas cosas en este país.

COMENTARIO - Honestidad urgente

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Tue, 16 Nov 2010 22:24:00 +0000

Son pocos los artistas plásticos que han logrado apoyar sus carreras con la gracia del estado y -por consiguiente- con las demás instituciones del país. Esa suerte de reconocimiento les ha permitido asegurarse un empleo, comisiones para trabajos particulares, y otra serie de beneficios que directa e indirectamente se convierten en caudales.

Eso incluye la realización de presentaciones en las principales salas de exposiciones del estado y privadas, la publicación de catálogos y libros, la compra de obras, y otra vez -por consiguiente- su inserción en los círculos culturales que garantizan reconocimiento, exposición y la validación a su trabajo. Todo esto puede estar genuinamente de la mano de una obra meritoria, pero no necesariamente siempre es así.

Son pocos los artistas que igual consiguen capitalizar la divulgación de sus ejecutorias en los medios de comunicación masiva, con tanta efectividad que ni siquiera se les pide el fruto de una nueva creación, el requisito mínimo es ¨estar¨, tal y como ocurre con el cantante de moda o la ¨socialité¨. Estar entre los que lucen, estar entre los que no dicen nada pero sonrien para el lente, estar.

Nada de eso es malo, por el contrario, el que lo consigue que así sea. La dificultad está cuando se los toma a esos artistas como ejemplo y representación de una ¨escena artística¨ que en realidad no representan. No siempre la etiqueta se la pone el mismo artista, pero viene a bien reconocerlo como equivocado cuando se sabe que no es así.

Por eso me lo tomo con cautela y con cuidado cuando advengo en conocimiento de actos de protesta o defensa de la cultura, el arte o de otra índole, provenientes de personajes, significados por la masa como heroicos. Es pertinente establecer diferencias entre la defensa del colectivo, y la defensa del Yo, ya que la línea puede ser muy fina.

El trabajo de un artista es por lo general muy personal e íntimo, y una de sus responabilidades es tener claro cual es su propuesta y poder defenderla. Pero cuando se trata de situaciones que afectan a un grupo de personas -sean artistas o no-, a una sociedad, a todo un pueblo, y el artista asume la posición de levantar su voz es necesario que la acción igualmente paresca y sea genuina, para que tal acto sea incorruptible.

En asuntos del arte, las condiciones son propicias desde hace mucho tiempo para voces y acciones agudas, por sobre todo, de los que amasan trayectoria, horas vividas y muchas canas. Ya sabemos que cada generación tiene sus luchas y sus gestas, pero aquí la escena del arte es muy reducida y todas las manos y todas las gargantas son necesarias para lograr cambios.

Censuran caricaturistas, ahogan a la Escuela de Artes Plásticas, se reduce la cobertura de la plástica en los medios de comunicación masiva, las instituciones invisibilizan el trabajo de los más jóvenes, las pocas ayudas del estado recaen sobre los mismos y así, el catálogo se mantiene abultado, mientras prevalece el Yo de algunos por encima del bien común.

Cada cual que defienda lo suyo, sí, hasta lo último. Pero que no se abracen al pueblo para abrogarse defensas mediáticas cuando mantienen tantas campos ocupados, y por tantos años.

Se me hace urgente que seamos todos más honestos y comencemos a sacar el agua de esta embarcación para hacer espacio y que la nave no naufrague. Que se sienten los Narcisos o que se paren como tiene que ser, de frente y con toda la cara. Que también ayuden a sacar el agua.

Y sigue la censura

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Sun, 14 Nov 2010 18:20:00 +0000

Comparto este enlace con otro caso de censura relacionada a las manifestaciones artísticas, esta vez a la realización fílmica.

En Union's Contemporary Collector's Space - Miramar

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Mon, 11 Oct 2010 19:10:00 +0000

En Union's Contemporary Collector's Space lo nuestro es la desidia. Como parte de una sociedad que se muestra colectivamente insensible, queremos convidarles a una exhibición donde los artistas fueron invitados con el propósito de reflexionar sobre el asunto del abandono. En este caso, una casa vacía, se presenta como una oportunidad para considerar la incapacidad común de conmoverse, olvidando pronto, el dolor de los demás, los actos diarios de corrupción, la falta de energía y de sentido de pertenencia. La pereza reina nuestras vidas y la apatía es la orden del día.
Qué esperas de un lugar deshabitado: pudor o descaro, orden o caos, gloria u olvido.

Elizabeth Robles

Rafael Miranda

Omar Velázquez

Roberto Gómez

Pedro Vélez

Kristine Serviá

Carlos A. Otero

Angel Rivera

W&N

CensurARTE

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Sun, 19 Sep 2010 18:14:00 +0000

La historia del arte está llena de incidencias y relatos de censura. Y cómo no, si más allá del uso que le dan algunos para contrastar piezas con el mobiliario y el tono de la pared, una parte importante de su poder es proponer ideas y lecturas diversas.

El arte puede ser divertido y agradable a la vista. Pero, igual levanta planteamientos o hace denuncias implícitas. Igual nos paramos frente a una obra que es directa, agresiva o cruda. El arte también transgrede, reta y libera.

Por su parte, la censura ataca por todos lados, desde el contenido a la forma, hasta el material empleado en la elaboración de una pieza. Desde el que la hace hasta el lugar donde se presenta. Temas como la política, la religion, la economía y el sexo han estado muy ligados a la censura.

Los que rompen esquemas tradicionalmente han sido censurados. No le fue fácil a Duchamp cuando se le ocurrió elevar a pieza de arte un urinal en 1917, y desde antes con otros objetos de consumo de producción masiva.

Sin ir muy lejos, busquemos en nuestro patio la historia de las mujeres desnudas o semidesnudas de la artista Luisa Géigel. Mal sabor que le dejaron a los puritanos aquellos óleos presentados en plena mitad del siglo XX.

Si nos situamos en las corrientes más contemporáneas, encontramos el rechazo a piezas que entre sus materiales incluyen fluidos y desechos corporales, entre tantos otros ejemplos. Por eso, cuando repasamos el devenir de la censura en el arte, resulta bochornosamente patética la decisión del presidente de la Comisión Estatal de Elecciones al limitar una muestra de caricaturas de políticos locales, al filo de la primera década del siglo XXI. Caricaturas de políticos incumbentes, que en algunos casos son los que ofenden con sus actuaciones, expresiones y trabajo en general.

¿Quién dijo que las caricaturas tenían que ser políticamente correctas? La caricatura es la representación de un personaje o situación de manera sarcástica, para llevar un mensaje. Precisamente una de sus razones es agarrar el lado “jocoso” y lanzarlo con toda la picardía posible, a medida de su creador, que para eso están los estilos y la individualidad que le dan riqueza al trabajo de cada cual. El arte y la caricatura hablan desde el silencio que observa, por eso muchos le temen.

Ya decía el poeta y crítico francés Charles Baudelaire, que “sin duda alguna, una historia general de la caricatura en sus relaciones con todos los hechos políticos y religiosos, graves o frívolos, relativos al espíritu nacional o a la moda, y que han agitado a la humanidad, resultaría una obra gloriosa e importante”.

Por supuesto que no podemos permitir la censura, no sólo en el arte, sino en todos los órdenes. Y más en un país que se precia de democrático, donde algunos de los que ocupan posiciones de poder revolotean y encharcan palabras al hablar de la primera enmienda de la Constitución, que garantiza la libertad de expresarse.

Es buen momento para recordar que en Puerto Rico hemos tenido una largo historial de censura. Sólo hay que leer ¨La mordaza¨, de la historiadora Ivonne Acosta, y repasar aquellas atroces leyes para acallar a las personas por razones políticas e ideológicas.

Tan reciente como hace unas semanas todos fuimos testigos de cómo era reducida a la invisibilidad con rolos de pintura, la manifestación de un grupo de mujeres en un espacio público, donde crearon un texto para llamar la atención sobre la violencia por género.

En el lado del arte, la censura la han vivido los artistas en galerías, en museos, en instituciones públicas y privadas. Son muchos los proyectos abortados, las grandes obras que permanence desconocidas para el gran público. Algunos creadores han elegido rendirse, son más los que se mantienen firmes en su compromiso con el arte y sus principios.

Recordemos cómo en sus comienzos, los artistas Rafael Villamil y Rafael Ferrer vivieron la censura cruda con la exposición ¨Dos pintores¨, que tuvieron en 1961 en el Museo de Arte, Antropología e Historia de la Universidad de Puerto Rico en Río Piedras. El rechazo era fundamentalmente a sus propuestas vanguardistas no toleradas por la burguesía cultural de entonces, y su impacto mediático fue tal que acaparó páginas en los diarios.

Censura sufrió el artista cubano Félix González Torres, incluso de parte de los mismos artistas de su época mientras residió en Puerto Rico. Es en Estados Unidos que alcanza el reconocimiento a su trabajo y a años de su muerte se le sigue reseñando en la escena internacional del arte.

No menciono casos de los últimos años, sobre todo con los artistas más jóvenes en nuestras principales salas, porque no me alcanza el tiempo ni el espacio.

En estos momentos de ataque a las libertades, de atropello a las artes y a los artistas, recuerdo una vez más el silencio infame de la misma escena del arte. Es que no se escuchan nunca a los funcionarios de los museos, a los galeristas, a los críticos, a los coleccionistas, a las entidades culturales, a la mayoría de los artistas, sino muy por lo bajo, el quejarse públicamente y denunciar de manera activa estas cosas.

Para una sociedad, la peor de todas las censuras es la que se autoimponen sus ciudadanos.

Reseña FAS 2010

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Tue, 17 Aug 2010 23:38:00 +0000

La experiencia del ruido
Luego de algunos tropiezos que llevaron a su fundadora Lisa Ladner a retirar la actividad del Museo de Arte Contemporáneo, finalmente se llevó a cabo la segunda edición de la Feria de Arte Sonoro en el edificio de la Fundación Arana en el Viejo San Juan, del 13 al 15 de agosto.
Como sólo hice el recorrido por la feria en horario diurno, remitiré mis comentarios a la observación general de las piezas en el contexto de la feria. Por razones obvias no hablaré de las piezas y presentaciones en vivo, una parte fundamental de la FAS, ya que no pude presenciarlas.
Esta vez la FAS ofreció una experiencia distinta a lo que fue su primera edición, cuando levantó gran expectativa y consiguió mover a más personas. Necesariamente haré referencias a la FAS 2008, celebrada en el espacio alternativo La Respuesta en Santurce, ya que el impacto que tuvo y su desarrollo general al ser la primera edición marcan un punto de partida, el cual se espera quede superado con los subsiguientes eventos.
Aunque el Viejo San Juan tiene su magia y podría ofrecer la posibilidad de un público cautivo, en términos de la presentación de las piezas -que esta vez fueron menos que las expuestas en 2008- no lograron marcar unidad en la presentación. Las piezas estaban dispuestas en tres salones inconexos que interrupían el tránsito visual entre una obra y otra, lo cual fue una falla de la antigua estructura que no resultó del todo adecuada para este evento.
El primer año, las piezas fueron dispuestas alrededor del salón y como eje central estaba el espacio o tarima donde se efectuaron los eventos en vivo. A pesar que la mayor parte del tiempo el salón estaba invadido por ruidos y esto no necesariamente permitía el disfrute de todas las piezas, que precisamente ofrecían una experiencia particular a partir de sus propios ruidos o sonidos, lo cierto es que la atmósfera general en La Respuesta constituía una experiencia particular en sí misma. Eso no ocurrió esta vez, al menos durante mi visista.
La parte experimental en vivo en FAS 2010 se realizó en el segundo piso del espacio Arana, donde habían otras piezas, que corrieron el riesgo de perderse entre cables, amplificadores y otros objetos.
En términos generales, las pocas piezas resultaron interesantes, aunque algunas ya habían sido presenciadas en otras exhibiciones. Cabe mencionar ¨En medio de una discusión utópica¨, de Vimarie Serrano, basada en la obra de otra artista, donde propone una discusión a través de amplificadores que bordean al espectador como receptor y testigo de un asunto que no llega a nada.
Mientras, la pieza de Adál Maldonado y Berta Jottar, ¨El coco que habla y los rollos de un caracol¨, resultó enigmática y cautivadora. Un coco conectado a un audífono ¨profetiza el futuro de todo aquel que busca un consejo¨, al tiempo que un caracol colgando del techo le habla a un micrófono que amplifica ¨el sentir cotidiano de un caracol sediento de todo¨.
Araceli Pino, con su pieza ¨Escucha la felicidad¨, que consiste de un sintetizador dentro de un estuche de aluminio, el cual podemos manipular, siempre logra generar encuentros refrescantes con sus obras.
Por otro lado, un aporte importante de la primera FAS fue el elemento educativo que le impartió Ladner con la celebración de un foro de discusión sobre qué es el arte sonoro, en el cual participaron la directora de la Escuela de Artes Plásticas, Marimar Benítez, así como varios artistas con trayectoria en este tipo de arte. Además se les unió entonces, de manera informal, el artista sonoro Francis Schwartz, quien aportó atinados comentarios. También hubo un foro sobre el manejo social del ruido con funcionarios gubernamentales.
Por el contrario, en esta ocasión no se incluyó el elemento educativo en sentido formal y hubiese sido buen momento para retomar el tema como ejercicio de exploración, lo cual le habría conferido otra dimensión al evento.
La FAS es un proyecto ambicioso e innovador, que debió contar con más auspiciadores y una programación más abarcadora. Tal vez, una espacio más amplio, con el desarrollo de estaciones visiblemente delimitadas para exponer cada pieza y discurrir cómodamente entre éstas, las hubiese hecho lucir mejor.
Sin embargo, este tipo de presentación a la que no estamos acostumbrados siempre resulta interesante, por la experiencia que provee. A Ladner, se le agradece el llevar a cabo este evento ¨a pulmón¨ junto a sus colaboradores y esperamos que no sea el último.
Un niño de 12 años que experimentaba con una de las piezas interactivas durante mi recorrido (es necesario decir que es uno de mis hijos), a la pregunta de qué le parecía la feria, contestó ¨esto está interesante¨. Tal vez eso es indicio de que necesitamos ofrecer más experiencias de este tipo.

VORTEX: Entre el arte, la ciencia y la ficción

noreply@blogger.com (Carlos Antonio Otero Aponte) — Tue, 17 Aug 2010 23:32:00 +0000

Un mundo imaginado a partir de las ideas imposibles de un pasado reciente, y que ahora se nos sirve en la cotidianidad, ha sido el pie forzado para aventurar en la creación de imágenes tal vez presentes, tal vez futuras. Próximas.

Están ahí en las 14 piezas enigmáticas de varios artistas, que convidados por el también artista Javier Martínez, se han presentado en la Galería Delta Pico de la Liga de Estudiantes de Arte de San Juan, en la exposición VORTEX (cienciarteficción). El trabajo se presenta como parte de un portafolio de piezas en tamaño de 17¨X22¨, impresas por Johnny Betancourt.
Según cuenta Martínez, el convite estimulaba a los artistas a crear imágenes a partir de la experiencia de cada uno con las películas y programas de televisión presenciados en su infancia, los cuales proponían mundos desconocidos, de experimentos y adelantos insospechados, y la mayor parte de las veces inverosímiles.
Es con ese ¨material¨ que han trabajado los creadores, los cuales se han lanzado con diferentes propuestas críticas, a presentarnos el resultado de su experiencia en el tiempo.
Aaron Salabarrías juega con la idea casera de la experimentación tecnológica bajo un cielo crepuscular, donde presenta antenas ¨artesanales¨ confesionadas con un gancho en metal para colgar ropa y otra revestida de papel de aluminio. Mientras, Teo Freytes pone a flotar un astronauta sobre vórtices de líneas que giran en un mismo punto, donde no sabemos si los observado nos conducirá a otro lugar o no.
José Luis Vargas presenta a uno de sus garadiábolos que se apodera de un hombre en un cuerpo de agua, y Elsa Elena Meléndez propone reconstruir el pasado de la infancia -el de las experiencias ¨fantásticas¨- con una de sus alcochonadas muñecas flotando sobre un amasijo de retazos de tela y objetos infantiles.
Carmen Olmo Terrasa trabaja con un afiche de la película de 1958 ¨Young and Wild¨ del director William Witney, e inserta la imagen de la señora mayor para establecer un contraste de la juventud y la vejez. Una en el glamour de Hollywood, y la otra en la realidad cronológica de la vida.
Teresa López se coloca como personaje encapsulado en una especie de casco de astronauta, en la pieza 2056: La artista antes de nacer. Incluye en la pieza el texto: ¨La artista después de su muerte¨. Hay una referencia a la vida a partir de algún momento transcendental, que no necesariamente surge a partir del nacimiento biológico.
Javier Martínez ofrece la imagen de una pintura en la que aparecen unos libros en una repisa, mientras una especie de medusa flota. Entre otros artistas, el dúo de Abdiel Segarra y Mylivette Morales han trabajado una tirilla cómica con una historia de ¨terror¨, y Carlos Fajardo trae uno de sus ¨grafitis collage¨ de personajes para recordar.
Ha resultado una exposición interesante y variada, que ofrece al coleccionista la oportunidad de obtener una muestra del trabajo de varios artistas establecidos y emergentes, a un precio accessible, no sólo para coleccionar, sino para ver una y otra vez.
Como parte del proyecto de Martínez, se creará una página cibernética donde se presentarán otros trabajos a partir de la misma temática. La muesra podría presentarse en otros espacios y fuera de la Isla.