Los Discos del Hombre Polilla

BOLETIN: ACTUALIZACION

noreply@blogger.com (Hombre Polilla) — Sun, 25 Aug 2024 23:06:00 -0500

Desde hoy comenzamos la actualización de los links. TODOS los álbumes “activos” estarán en la sección de “DESCARGAS”. El objetivo es activar TODO y que el blog este funcional al 100%. No sé cuánto me voy a demorar, pero una vez realizado todo el trabajo, la sección va ser eliminada y todo volverá a lo de antes: RESEÑA + DESCARGA. Disculpen la ausencia y el abandono del blog, pero por asuntos de trabajo se me limita el tiempo para dedicarme íntegramente al blog. Estaremos pendientes de todo y recuerden que se puede contactar conmigo para pedidos y activaciones de links. Volveremos a lo de antes porque es lo más justo para ustedes. Seguimos en el ruedo y gracias por seguirnos.

Saludos.

Clásicos de Oro: Captain Beefheart & His Magic Band - Safe As Milk

noreply@blogger.com (Hombre Polilla) — Sun, 25 Aug 2024 18:11:00 -0500

If you take blues rock and add psychedelic drugs you might get something like The Doors. Add more drugs and you end up with Captain Beefheart. This is some pretty far out music. Vocally, the raspy sound of his singing is pretty close to Howlin’ Wolf. Many of the 1960’s era rockers were replicating earlier African American musical sounds, but unlike his contemporaries who softened these influences, this is pretty true to its source. Unlike Howlin’ Wolf this music is pretty psychedelic, even delightfully odd at times. This isn’t The Rolling Stones doing blues covers. My favorite tracks are Sure ‘Nuff ‘n’ Yes, I Do, Zig Zag Wanderer, and Electricity.

This is one of those albums where at any given moment you could go from "that's cool" to "WTF" in an instant. And for that reason I smile.

This is Howlin' Wolf's first album after arriving in Hell.

Mientras los chicos de los Yardbirds reconfiguraban el blues para los mods, Captain Beefheart y His Magic Band desarmaban el blues pieza por pieza y buscaban nuevas formas de ensamblarlo, construyéndolo de nuevo desde cero.

Debut mítico de una banda con una visión adelantada a su tiempo. Safe as Milk, es un álbum esplendido, excéntrico y apoteósico que se deslumbra por la efusividad de su performance y lo extravagante de su propuesta sonora. Obra que en un punto toma por asalto la locura lisérgica (Abba Zaba) y en otras se vuelve totalmente accesible (Plastic Factory). No se puede decir más de este pastiche sonoro, en un punto de su desarrollo te vas “embolsando” con sus grandilocuentes posturas y que decir de la voz del fabuloso Beefheart, este toma por asalto el divertimento para volverlo una buena experiencia, Electricity es un ejemplo exquisito para apreciar sus virtudes y valorar las posturas de una época repleta de experimentación. Un álbum bastante interesante en verdad. En mi opinión me parece toda una aventura sonora. Aquí la banda comienza a experimentar con todo lo que está presente. Psicodelia, Blues, Jazz, Doo-Woop, Rhythm and blues, Boogie y un batiburrillos de elementos psicodélicos que prenden el álbum de una manera colosal.

Foto promocional del Safe As Milk

Mis impresiones son buenas. El álbum no decae en el hostigamiento sonoro, es toda una odisea escucharlo, pues nos ofrece un sonido ecléctico muy sugestivo, es una experiencia vivida de emociones que presenta un sonido abrumador, acido bastante surrealista; emergiendo como una banda realmente original con la que nos brinda el lado más eléctrico-psicodelico de Blues y aunque va más allá de eso, el sonido del álbum pareciera una mezcla entre The Rolling Stone, Frank Zappa & The Mothers of Invention y The Yarbirds, lo cual me parece realmente llamativo esa manifestación de ideas y conceptos bastante curiosos. Su performance hace de Safe as Milk algo que cala profundo, no es un álbum sencillo de escuchar, hay que tomarlo con humor, porque sencillamente es un álbum para disfrutarlo pleno y con buen ánimo. Hasta más vernos.

Minidatos:
*El álbum fue lanzado en junio del año 1967 por Buddah Records y fue producido por Richard Perry y Bob Krasnow.

*Antes de grabar Safe as Milk, la banda había lanzado un par de sencillos a través de A&M Records (los cuáles eran Diddly Wah Diddly y Moonchild), fue a esta compañía a la que el grupo propuso por primera vez su álbum debut en 1966.

*Beefheart dijo más tarde que el sello “los eliminó”después de escuchar la canción "Electricity" y declararla "demasiado negativa". Jerry Moss de A&M pensó que el contenido era demasiado atrevido para los oídos de su hija. Esto, más la indemnización de Leonard Grant como gerente, se sumó al descontento.

*Beefheart había estado planeando en secreto cambios en la formación de la Magic Band. El grupo que grabó los dos sencillos para A&M estaba formado por Doug Moon y Richard Hepner a la guitarra, Jerry Handley al bajo y Alex St. Clair a la batería. Hepner ya se había ido, y Beefheart estaba ansioso por reemplazar a Moon con Ry Cooder, quien entonces tocaba con Gary Marker y Taj Mahal en los Rising Sons. Estos y otros cambios dieron como resultado una Magic Band con Handley en el bajo, St. Clair en la guitarra y John French en la batería, con Cooder proporcionando partes de guitarra adicionales. La llegada de Cooder había sido influida por Marker, que había pasado tiempo con Beefheart y se le había dado a creer que produciría el álbum; de hecho, Marker solo se dedicaba a la grabación de demostración.

*John Lennon tenía entre la decoración de su casa de Kenwood, las pegatinas que venían incluidas en las primeras ediciones de este disco.

01.Sure 'Nuff 'N Yes I Do
02.Zig Zag Wanderer 3.Call On Me
04.Dropout Boogie
05.I'm Glad
06.Electricity
07.Yellow Brick Road
08.Abba Zaba
09.Plastic Factory
10.Where There's Woman
11.Grown So Ugly
12.Autumn's Child

CODIGO: @

Tomorow - Same

noreply@blogger.com (Hombre Polilla) — Sun, 24 Mar 2024 11:49:00 -0500

Ah, British psychedelia - bewitching and bewildering. Apparently the timing of this release was mismanaged and the album suffered in obscurity such was the fleeting Summer of Love. When Tomorrow is not talking about dwarves or covering The Beatles they are quite interesting. I could imagine a swinging sixties girl grooving along to this album. with her boyfriend sitting on the couch tripping on acid.

Leaning towards Psych Rock with lots of big/great guitars and a heavy, trippy use of effects. The pop side comes in the tight structures and strong sense of melody. Great stuff.

Un álbum que merece más reconocimiento por todo lo que representa y por todo lo que es. Cuenta la leyenda que Keith West y Steve Howe formaron la banda por los remotos 60’s y fueron citados constantemente como figuras decorativas de la primera generación del sonido underground londinense junto con: PINK FLOYD y SOFT MACHINE. Los Floyd se convirtieron en superestrellas y leyendas de culto influyentes de Soft Machine, pero TOMORROW fue recordado principalmente (si es que lo es) por presentar a Steve HOWE como su guitarrista principal en sus días previos a YES. La banda supo plasmar a la perfección todos los conceptos y visiones del atornasolado boom psicodélico de la vieja Inglaterra, por lo tanto en Tomorow apreciamos todo ese "espíritu" de los 60's, (MUCHA MEZCLA... SINTETIZADORES... y CINTAS EN REVERSA) que nos empila y nos motiva a pintar "el cuarto de mil colores". Es un álbum bastante interesante, prendidísimo y lleno de tantos detalles sonoros que uno se pierde en aquella travesía harmoniosa, su concepto y la forma como se desarrolla es de destacar en creces, cada canción es una experiencia vivida de emociones y en parte apreciamos ciertas salpicaderas de los Beatles, The Nice y de esos aires corrosivos de pop psicodélico bastante marcado que hacen de toda esa "fiesta" una manifestación proto-progresiva. El destino debió ser más amable con ellos, la banda tenía una visión brillante y un potencial enorme. Para todos aquellos que quieran explorar el universo de esta obra recomiendo la edición Deluxe pues contiene una visión más amplia de lo que era Tomorrow y con ello podrán apreciar mucho mejor su performance. La edición Deluxe contiene un extra-bonus bastante interesante pues nos brinda lo que fuera el proyecto Aquarian Age (Después de la disolución de la banda a principios de 1968, la sección rítmica compuesta por el bajista John "Junior" Wood y el baterista John "Twink" Alder se asoció con el productor Mark Wirtz para lanzar un sencillo. El sencillo siguió siendo su único testimonio en vinilo. Cuando se publicó a finales de mayo de 1968, Twink todavía se había unido a Pretty Things. En 1970, en su álbum debut "Think Pink", Twink volvió a visitar "10,000 Words In A Cardboard Box").

Los adoradores de lo psicodélico y el freak-beat estarán complacidos con esta placa ya que en sus venas lleva todo esa onda de los 60's, por lo tanto todo en ese pastiche sonoro se puede fumar.

Contraportada del acetato donde podemos apreciar a la banda en los días la reinante psicodelia.

Mis impresiones son altas, como ya dije el álbum es toda una aventura psicodélica, canciones como Revolution (recomiendo la versión mono) o My White Bicycle son claros ejemplos de toda la febril actitud que tenían. La enorme perspectiva que manejaba la banda sobre la exploración de ácidos hizo que experimentaran y se abrirán caminos hacia muchas puertas, el eclecticismo aquí no es muy arraigado pero podemos apreciar en sus surcos ciertas fogonazos de consistencia progresivas, no digo que sea una obra seminal pero dentro de su performance se aprecia algunas cosas que nos hacen ir por un rumbo exclusivo. Es un álbum colorido, pomposo y bastante curtido de sensaciones elevadas de ácidos. Magnifica representación de los 60’s pues su base, su "textura" y sus arreglos son lo mejor. Una banda que en verdad merece más oportunidad PERO el CULTO supo cobrar revancha. Hasta más vernos.

Minidatos:
*A pesar de los elogios de la crítica y el apoyo del DJ John Peel , quien los presentó en su programa de radio " Perfumed Garden ", la banda no tuvo un gran éxito en términos comerciales. Estuvieron entre las primeras bandas psicodélicas de Inglaterra, junto con Pink Floyd y Soft Machine . Tomorrow grabó la primera sesión del show de John Peel en BBC Radio 1 el 21 de septiembre de 1967.

*La banda incluía a Keith West de " Excerpt from A Teenage Opera " en la voz y Steve Howe en la guitarra, quien más tarde se uniría a la banda británica de rock progresivo Yes.

*Fundada en Londres, Reino Unido en 1965 (inicialmente como "In-Crowd") - Disuelta en 1968.

01.My White Bicycle
02. Colonel Brown
03.Real Life Permanent Dream
04.Shy Boy
05.Revolution
06.The Incredible Journey of Timothy Chase
07.Auntie Mary's Dress Shop
08.Strawberry Fields Forever
09.Three Jolly Little Dwarfs
10.Now Your Time Has Come
11.Hallucinations

CODIGO: I-9

Coven - Witchcraft Destroys Minds & Reaps Souls

noreply@blogger.com (Hombre Polilla) — Tue, 12 Mar 2024 22:47:00 -0500

It was the era of Wicca, neo-paganism, Satanism and "Rosemary's Baby". Black Sabbath describes a witches' ritual on a threatening tone. White Witch of Rose Hall is based on a Jamaican folk tale about a Haitian woman, Annee Palmer, who was murdered by her Jamaican husband and has been haunting the estate since. Wicked Woman is about a woman who cuts out her man's heart. It ends with a Satanic Mass, the opposite of a Catholic mass. The music is close to psychedelic rock, but with an occultist flavor. Jinx Dawson has a powerful voice.

It has a b-movie charm that wears reeeeeally thin after a while. The Satanic Mass is kind of cute though. That guy sounds like Ron Popeil. It's pretty fun to imagine him setting and forgetting it over a naked woman covered in blood.

Cheesy occult rock, a classic.
Un álbum peculiar y envuelto en mitos, no hay más que decir de este obra, el punto aquí es que se le considera como una de las primeras manifestaciones del ocultismo dentro del rock, por lo tanto el verdadero valor de la obra es su "temática". Su música por otro lado no es nada del otro jueves; su base instrumental es promedio y su performance está a la altura de la época, por consiguiente un álbum de regular calibre, aquí no sobresalen las incursiones psicodélicas, ni mucho menos la ejecución instrumental, aquí el factor transcendental como ya dije es: la atmosfera (El ambiente satanista) que se le quiere dar al Witchcraft Destroys Minds & Reaps Souls, por lo tanto un álbum promedio compuesto por una atmosfera oscura que se yergue en el rock psicodélico y las incursiones acidas. No hay más que decir de este álbum con postura siniestra. Si te sientes atraído por estos hippies satánicos, adelante, pero OJO, no esperes mucho del álbum, ya que te vas a encontrar con una especie de "Jefferson Airplane demoniaco", sin duda alguna un álbum modesto, cursi y hasta cierto punto exagerado con su propuesta maléfica.

Arte interno del álbum donde apreciamos una parodia a una misa negra, un poco exagerado y con ese rollo muy de su época.

Las impresiones que tengo de este álbum son un poco bajas, dentro lo que representa esta bien, pero su performance es de regular calibre y no me genera alguna emoción, sin contar con su rollo oscuro-diabólico y sus presentaciones en vivo, esta carece de cierta gracia -no obstante me toca sobrellevar esto a un buen ritmo-,sin embargo a pesar de su "mascada" formula, algo me llamo la atención con este debut y es que la banda aporto su grano de arena a la historia Rock. Algunos sabedores afirman que esta es la punta de lanza que tomaran las futuras generaciones para engredar posturas dentro del Black Metal y OJO antes que surgiera toda esta escena, Coven fue gran influencia para que muchas bandas de su época que apostaron por impregnar ese rollo oscuro-maldito en su música. Por ello se le respeta y marca un punto dentro de esa visión, por lo tanto Witchcraft Destroys Minds & Reaps Souls tiene un plus que hace que sea una obra de CULTO puro. Un álbum que rompe ciertas cosas, pero que no sorprende con su performance, aquí como ya dije su verdadero valor (histórico por así decirlo) está en su ambientación, letras y atmosferas. Cito como ejemplo 2 piezas claves: el cierre final del álbum Satanic Mass y el que abre el álbum Black Sabbath. Hasta más vernos.

Minidato:

*Recuerden el álbum estuvo en el mercado antes de que Black Widow sacara su archiconocido álbum Sacrifice, como sabemos, Black Widow estaba haciendo "música “Satánica" en el 69 pero OJO no saco un álbum si no hasta el año de 1970. Por lo tanto se podría decir que Coven fue una de las primeras bandas que comenzaron a explorar lo oculto y lo fusiono con el rock. Tal vez Coven sea uno de los Pioneros del "Rock Oscuro"; pero recuerden que ya existían bandas que navegaban en esas aguas, citemos como ejemplo a Jacula de Italia.

01. Black Sabbath
02. White Witch of Rose Hall
03. Coven in Charing Cross
04. For Unlawful Carnal Knowledge
05. Pact with Lucifer
06. Choke, Thirst, Die
07. Wicked Woman
08. Dignitaries of Hell
09. Portrait
10. Satanic Mass

CODIGO: F.1-28

Los Nuevos Shain's - Same

noreply@blogger.com (Hombre Polilla) — Thu, 7 Mar 2024 13:48:00 -0500

What a nice little oddity out from Peru. If you can bypass the primitive playing and production a treat is awaiting you at the end of the road in form of their interpretation of Cream, Blue Cheer, the Beatles, the Rolling Stones and the Who sound of the mid to late 60s, the psychedelic revolution. At times they tried somewhat to experiment like Zappa did with his Mothers of Inventions, but ultimately failed, but with No puedes oirme is a good Blue Cheer homage, trying to stand out, but not really due to not being that loud as they were. Still, a nice little oddity out of Peru worth checking out.

Único trabajo de Los nuevos Shain's que se consagra como otro álbum clave dentro de la historia del rock peruano; este fue la antesala a lo que llegaría después bajo el nombre de Pax, por lo tanto la obra tiene un valor agregado que lo vuelve especial y en cierta forma de CULTO. La obra sin tirar para mucho evoca una postura psicodélica y absorbe la influencia del germen de aquellos días y nos brinda canciones de edulcorado tecnicolor (Carcel de Flores/Este Tiempo Mejor) como también grandes covers (Tu blanca palidez/Vino dulce). Una obra excepcional para aquellos días en donde la "floricidad" abría la puerta a todos y se gestionaban posturas psicodélicas reinantes de la vieja Inglaterra. Los nuevos Shain's estaban en un caldo de exploración y florecimiento, se endurecieron a su ritmo y comenzaron a expandir nuevos conceptos, tras lanzar un robusto EP se enfocan en gestionar lo que hoy nos toca hablar. Dentro de su propuesta nos llevamos una calada de su fiereza... y que siga girando el plato al ritmo de White Room.

Obra bastante colorida, con su propuesta psicodélica a flor de piel nos brindara momentos alegres. En mi opinión un álbum encantador, aunque con algunos riscos; los covers no sobresalen mucho PERO la performance de la banda es el valor oculto que tiene. Nos enfocamos en una época bastante complicada y el surgimiento de todas las propuestas se manifestaban con cierto garbo, por ello este pastiche tiene aquel espíritu de honestidad, siendo un trabajo llamativo aunque limitado, tiene la esencia de la época y es una capsula del tiempo para apreciar la movida de la vieja Lima de los 60’s. Una obra con afiladas propuesta, con una dinámica bien lograda, con una "visión" colorida y con una ejecución instrumental bastante decente. 11 pistas que mueven el corazón con un ritmo irreverente (para su época) y te cubren con el polen de la lisergia. Hasta más vernos.

Minidatos:
*Los Nuevos Shain's fue un grupo de rock psicodélico peruano, que tuvo actividad durante 1969, tras la separación de Los Shain's, grabaron varios discos de 45 r. p. m. y un LP.

*Fue considerada la banda transitoria que luego daría vida a PAX ( Una de las primeras bandas de Hard Rock/Proto Metal de Latinoamérica)

* Tras la separación de Los Shain's, Pico Ego Aguirre quien quería explorar nuevos sonidos como la psicodelia y el proto hard rock decidió formar una nueva banda con el estilo de Iron Butterfly, Santana y Jimi Hendrix. Por ello a inicios de 1969 decidió buscar nuevos músicos como el cantante y tecladista Zulu, Chicho Sotomarino como principal voz , este último luego sería reemplazado por Karl Seibt, además integraron la banda Loui Gay en bajo que luego sería reemplazado por Jesús Kruger como segunda guitarra y José Clarke en batería. Durante sus presentaciones solo interpretaban temas nuevos y algunos covers de The Yardbirds, muy poco de Los Shain's pese a que Pico es propietario del nombre y fundador del grupo. Tampoco ya no usaban uniforme como en Los Shain's sino esta vez un look más psicodélico y hippie. Para fines de 1969 el grupo se disuelve completamente y Pico Ego Aguirre empezaría un nuevo proyecto que se basaría en el hard rock que empezaba a dar sus primeros "relámpagos" y formaría PAX.

01.Massachusetts

02.Tu Blanca Palidez
03.Abre La Puerta
04.Departamento Paraiso
05.Este Tiempo Mejor
06.Carcel De Flores
07.Dile Que No
08.Me Tienes Corriendo Nena
09.Colapso
10.No Puedes Oirme?
11.Vino Dulce

CODIGO: E.1-14

Clásicos de Oro: Dug Dug's - El Loco

noreply@blogger.com (Hombre Polilla) — Thu, 29 Feb 2024 22:26:00 -0500

The prog elements here are more prominent than in the other albums and there's also more synths here, but their earlier psychedelic sound is intact, the album is also more ecclectic, as it has some real acid rock tracks as We We Always Hate Your Manners, Stupid People (With mariachi) or I Got My Emotion (that has a very psychedelic moog type of synth), there's also some poppish stuff as Quiero Verte, Joy To People sounds like an outtake from Smog, Let Me Breath and El Loco are very progressive sounding, as it is la Flauta del Fauno, that reminds me the best british prog folk stuff, La Gente has a beatlesque/harrisonesque heritage, maybe they were trying to make something a bit like Give Me Love, My Sweet Lord, Isn't It a Pity or Hey Jude.

...Vaya, cuando pensaba que los Dug Dug’s habían caído en el lado oscuro de la música con su edulcorado álbum titulado "Cambia, Cambia", me sorprendieron a lo BESTIA con un álbum de proporciones bíblicas, El Loco se convierte indiscutiblemente en uno de esos trabajos EPICOS. Hablar del Loco, es hablar sin duda alguna de una obra de CULTO, ya que nos encontramos con un pastiche sonoro muy bien logrado, maduro, impecable, original, fresco y con incorporación de nuevos elementos en su performance, sin duda alguna una obra magnifica y adelantada a su tiempo que consta de progresiones, incursiones electrónicas, elementos folk, experimentación, incorporación de mellotrones y moog, atmósferas Heavy psicodélicas, brochazos de pop y artilugios psicodélicos que consagran a formar parte de un todo, por consiguiente El Loco logra superar todas sus expectativas pasadas y los eleva como una banda LEGENDARIA, oh si señores, todo una chingoneria este trabajo. En mi humilde opinión El Loco refleja todo el potencial de los Dug Dug’s al punto de convertirse en una obra maestra ya que presenta 3 elementos básicos: 1) Innovación.-La banda experimenta con nuevas propuestas para crear nuevas expresiones sonoras, citando El Loco, 2) Performance optima.-Un álbum REDONDO y sin muchos puntos bajos y 3) Canciones memorables, citando Stupid People el cual inicia fantásticamente con un nuevo elemento en su performance, simplemente genial. Así pues tenemos un álbum MUY RECOMENDABLE que siempre sorprende y engancha de principio a fin; sin duda alguna El Loco es uno de esos álbumes que se pueden escuchar de 2 maneras: a) de la forma típica es decir de un solo tiron o b) en forma aleatoria. Sin duda alguna un DISCAZO que ya forma parte de los legendarios "México Gold" de los 70’s.

El Loco es un álbum muy especial, NO HAY NADA QUE SE LE PARESCA O QUE SE LE ACERQUE, su concepto es una locura y su performance está al nivel de las grandes manifestaciones de la época, basta escuchar clásicos como Let Me Breath o La Flauta Del Fauno para captar todo ese rollo de fusiones que maneja la banda. Es una obra casi redonda, no tiene muchos riscos aunque lo más próximo a cortar aquellos "subidones" son: Quiero verte y La gente; dichas canciones tienen un aire pop muy cursi para mi gusto, pero OJO, eso al final no cuaja la experiencia de la sesión, el álbum tiene un saborcillo agradable, aun siendo empalagoso/edulcorado se consigue conectar un hit y empalmar con la vibra del álbum. Todo en conjunto es un experiencia bastante enriquecedora, que puedo decir de mi experiencia con esta banda y en especial de este trabajo, no mucho en verdad, solo diré que la expresión intensa y su esquizofrénica performance logra brindarnos 33 minutos de puro vacilón rico e intenso, aún recuerdo cuando lo escuche por primera vez, vaya forma de reventar parlantes al ritmo de la penetrante EL LOCO. Excelente performance, buena ejecución instrumental, buena propuesta y magnifica "maquinación". La banda se superó a creces para entregarnos un álbum que para mí está a la altura de los grandes clásicos como: Paranoid, Led Zeppelin II, Demons & Wizards, Fresh Cream, Revolver, entre otros. Dosis de ácidos garantizado con este maravilla. Hasta más vernos.

Minidatos:
*Comenzando 1968, la banda se muda a la ciudad de Nueva York y hacen sus primeras grabaciones originales en un estudio local y deciden regresar a la ciudad de México, sitio donde comenzarían a consolidar su carrera, sobre todo, después de haber participado en el Festival de Rock y Ruedas de Avándaro en septiembre de 1971 y, a la par de ellos, sacan su álbum debut. Sus éxitos en ese tiempo fueron: "Lost in my world", "Let's make it now", "Cambia, cambia", "Smog" y "Al diablo con la gente". El resto de su discografía la concebirían bajo la censura por parte del gobierno y los medios de comunicación durante las décadas de 1970 y 1980.

*En 1960, se había formado en la ciudad de Durango, una banda llamada "Xippos Rock", formada por algunos estudiantes de bachillerato, nativos de dicha ciudad: Clemente Palencia (voz), Roberto Miranda (guitarra) y Moises Muñoz (bajo). Tiempo después, al cursar la universidad en el centro del país, es invitado Armando Nava al proyecto; así como Jorge Luján, instruido por Nava en cuanto a tocar guitarra. Posteriormente, se une Sergio Orrante en la batería y Francisco Alcalde en las vocales, así como Jorge de la Torre en las vocales, quien tocaba el pandero y la guitarra. Con dicha formación, comenzaron a tocar para estaciones locales de radio, usando como equipo una silla al revés y guitarras acústicas. Actuando también en lugares locales y teatros (como el teatro Ricardo Castro) así como algunas fiestas. Las canciones que entonces tocaban fueron covers de bandas mexicanas de la época, como Los Teen Tops, Los Locos del Ritmo, Los Rebeldes del Rock, Los Hooligans, etc.

01.Stupid People (Gente Tonta)
02.Let Me Breath (Dejame Respirar)
03.Joy To People (Alegria Para La Gente)
04.We Always Hate Your Manners (Odiamos Sus Maneras)
05.La Gente
06.El Loco
07.Quiero Verte (Junto A Mi)
08.La Flauta Del Fauno (Instrumental)
09.I Got My Emotion (Estoy En Onda)

CODIGO: @

Esperanto - Danse Macabre

noreply@blogger.com (Hombre Polilla) — Fri, 23 Feb 2024 00:19:00 -0500

In a Curved Airish manner, Esperanto were truly good but there's no Sonja Kristina galloping with sexy ways and tales of masturbation, ghosts and queens. Musically they are thrilling with speddy violins and waltzing cellos yet the male vocals are only interesting (Keith Christmas is unconvincingly melancholic in "Castle") and Brigette Du Doit's wordless voice should be more explored on other tracks or used as backing vocals.

Beautifully composed and executed avant-prog with classical and chamber leanings. The similarities to Renaissance and Curved Air are obvious mainly due to the female vocals and secondly due to the classical orchestration. Recommended for any fan of 70's progressive rock.

Esperanto is a language invented in 1887 by Zamenhof, who combined bits of various Romance language to make what he hoped would become a vehicle of universal communication.

Danse Macabre es la representación de ELP pero con violines y en efecto su performance nos da la impresión que en su "universo progresivo" se proyecta el sinfonismo de una manera voraz -resaltando estoicamente la labor del violín- por lo tanto nos encontramos con una manifestación intensa donde el sinfonismo, la vanguardia y el delirio se mezclan. The journey, The duel o Danse Macabre son los más claros ejemplos de mis palabras, son canciones que se elevan hacia una postura ART y se expresan febrilmente dando truncos dentro del aquel refinado rock sinfónico. La obra es considerada como una evolución natural de "Esperanto Rock Orchestra" (primer álbum de Esperanto) y el tema dramático de esta segunda entrega refleja los aspectos característicos de la banda, que de alguna manera se convierte en una aproximación muy precisa de la música contemporánea. Gran parte del logro en esta producción es debido a Peter Sinfield quien ha colaborado con bandas como KING CRIMSON /ELP y que deja una influencia notable en el sonido.

Contraportada del acetato donde apreciamos a la mega banda Esperanto

Que puedo decir sobre Danse Macabre, la experiencia de esta álbum resulta bastante intensa, su performance es lujosa, rimbombante y en parte vanidosa, se pronuncia esbelta dentro su concepto y la maquinación del álbum me deja alucinado, los pasajes orquestales que tiene y la forma como se manifiesta es un delirio progresivo exquisito, TODO el álbum es un viaje violento; ráfagas de eclecticismo con el concepto más fiero del rock sinfónico nos lleva hacia un punto donde ya no hay regreso, entonces que se puede esperar de Esperanto y de este álbum, pues una ostentosa proeza de 41 minutos, donde no hay tregua, cada canción vibra por su propia personalidad y consigue ser una experiencia bastante enriquecedora, el álbum nos brinda una propuesta bastante intensa, es una enajenación toda esa maquinación desbordante. En mi opinión una aventura sonora cargada de locura de cuerdas, cambios de tiempo y razonables trazos sinfónicos. En un punto de esta odisea “sinfo-eléctrica” podemos apreciar cierta influencia de Yes, ELP y King Crimson. Los fans del más excéntrico Rock Sinfónico tendrán en Danse Macabre una vivida experiencia, sobre todo por los subidones que nos brinda sus arreglos estrambóticos y esa atmosfera de ecos "Zappianos". Hasta más vernos.

Minidatos:
*De regreso a Inglaterra, los doce músicos se reunieron nuevamente, esta vez en un castillo de Gales, y comenzaron a preparar el siguiente álbum. La banda siempre tenía que reunirse en granjas y castillos debido al gran número de músicos y a las dificultades logísticas para reunir a toda la multitud en Londres. El castillo galés, por supuesto, estaba embrujado y su extraña atmósfera impregnó la música de lo que se convertiría en el segundo álbum de la banda (que incluye una canción llamada "The Castle"). Tras varias semanas de ensayos, el grupo grabó las primeras cintas e hizo un acetato que presentaron a A&M, pero el proyecto fue rechazado por la discográfica. La situación se volvió entonces difícil en el grupo, Glenn Shorrock, golpeado por la nostalgia, decidió regresar a Australia (quedó muy inspirado ya que más tarde tuvo mucho éxito, sobre todo en los Estados Unidos, con Little River Band). Luego, A&M pidió a Peter Sinfield (poeta y compositor de King Crimson y ELP, y traductor de la obra de Premiata Forniera Marconi - PFM) que produjera el nuevo álbum. Peter aceptó y trajo consigo un nuevo cantante: Keith Christmas. Keith Christmas, que luego tuvo una carrera como cantante solista, tenía un estilo muy diferente y estaba más orientado a la música folk, pero reemplazó a Glenn Shorrock como líder. Luego se presentó una nueva demostración a A&M con piezas diferentes o reorganizadas cantadas por Keith Christmas (en el acetato fue Glenn Shorrock; también hay piezas inéditas en esta reedición). Esta vez, A&M lo respaldó. Los tres cantantes todavía estaban en la banda pero pronto se marcharían, al igual que Brian Holloway, lo que explica por qué estos cuatro miembros del esperanto no aparecen (a pesar de que tocan en el álbum)

*El álbum fue lanzado en Francia sin la pieza "Danse Macabre", ya que los propietarios de los derechos de autor de Saint-Saëns se negaron a aceptar su publicación en ese país. Peter Sinfield puso tanta energía en la realización de este álbum que más tarde declaró en una entrevista que rechazó una oferta para producir el primer álbum de Supertramp después de la experiencia de Esperanto.

01. The journey
02. The castle
03. The duel
04. The cloister
05. The decision
06. The prisoner
07. Danse macabre

CODIGO:@

Hawkwind - Doremi Fasol Latido

noreply@blogger.com (Hombre Polilla) — Sun, 18 Feb 2024 20:24:00 -0500

Hawkwind retrofit their Harleys for deep-space travel, joyously passing cans of acid-spiked beer back and forth in drunken camaraderie while they cruise the spiraling highways of the Laniakea supercluster, occasionally making droll announcements such as "Space is dark, it is so endless" and "into the blackness we drown." Let's hope the beer never runs out.

Doremi Fasol Latido" is one of the most influential record ever in terms of stoner rock. Very loud, but very refreshing and powerful. A great moment of space metal!

Justo este disco lo tengo encargado por Amazon. No lo he escuchado nunca, me gusta comprar discos que desconozco. Aun asi la banda la conozco mucho. Me fascina!!!! Es hiper estimulante. Te dan ganas de romper todo cuando los escuchas.
Werty

Recontra ponedor Polilla-Man. La traducción al español debe ser algo así como: Adiós al Prozac... Doscientos latidos por minuto o Salve dios Voltio.. Amen.. // .. Graciaaaassss...
Nicolás Bramón

«Yo aprendí a tocar el bajo con Hawkwind... me subía al escenario con un bajo como este (un Rickenbacker ). El anterior bajista, como un idiota, se olvidó el bajo en el camión... y yo recién aprendiendo. Entonces Nik Turner dice de hacer "algo de ruido", algo llamado "You Shouldn't Do That", y se va ...Yo no toco como un bajista, algunos se quejaron al respecto, no es como tener un bajista, sino más bien es como tener un "guitarrista profundo"
@Lemmy Kilmister

Hawkwind había dado un nuevo giro con su propuesta "psico-sideral"; a la nave espacial habían llegado 2 nuevos tripulantes (Lemmy Kilmister & Simon King) que aportarían una nueva visión al "concepto" de la banda, por lo tanto esta evoluciona, se endurece y se enrumba hacia el Sion. Gracias a la fuerza que transmiten el bajo de Lemmy y la batería de Simon la banda logra tener una base sólida y un sonido más denso/acido, la formula aquí era más eficaz y de plano más progresista. El concepto "SPACE ROCK" fluye con más naturalidad, aunque por momentos nos satura un poco, pero eso en parte era la gracia del Doremi Fasol Latido, sin todos esas atmosferas cósmicas y esos arrebatos psicodélicos este álbum no sería lo que hoy representa. "Los artilugios" aquí se aprecian más "palpitantes" y con ello podemos apreciar una banda más de "avanzada". Space is Deep es la rencarnada manifestación de la nueva propuesta de la banda, por lo tanto apreciamos un concepto más madura pero sin perder su esencia cósmica de sus primeras entregas. Es un álbum que sabe encumbrar bastante las emociones y llevarte por sendos parajes del universo con su atiborrada performance atmosférica.

Mis impresiones para este álbum son muy altas ya que consigue ser muy atmosférico y a pesar de que muchos digan que se abusa de los efectos sonoros y de más artilugios psicodélicos; a mí me logra llevar hacia una completa satisfacción. Todo el álbum es una odisea sonora, la propuesta de la banda es realmente atronadora, con este trabajo Hawkwind trasciende a las profundidades del cosmos y se autoproclama como una de los más grandes referentes del Space Rock. Jamás escuche un álbum tan prendido y sideral como este, sin duda Doremi Fasol Latido es el más claro ejemplo de lo que significa el "Space Rock". Cada canción es una postura fiera y pronunciada. Heavy psicodelia abrumadora que destila progresiones astrales. Encantador y fastuoso, atrevido e irreverente, malsano y espacial, no hay más que decir, una obra CULTO que para mí logra traspasar las barreras para ser una real OBRA MAESTRA, una joya "hija de su tiempo". Los 70’s están marcados en este álbum y eso es lo que rescato de esta obra, pero OJO el valor no radica ahí; su performance es BRUTAL: cambios de tiempos, atmosferas espaciales, sonidos que se sienten a METAL PESADO y esa cuota de libertades lisérgicas son sus bondades. No hay más que decir. Hasta más vernos.

Minidatos:
*Doremi Fasol Latido es el tercer álbum de Hawkwind, editado en 1972 por United Artists Records.

*La base rítmica de Terry Ollis (batería) y Dave Anderson (bajo) fue reemplazada por Simon King y un todavía desconocido Lemmy Kilmister respectivamente, cuyos estilos como instrumentistas dotaron a Hawkwind de un sonido algo diferente.

*Al igual que en X In Search of Space el arte gráfico corrió por parte del artista Barney Bubbles, siendo la portada de Doremi Fasol Latido, de hecho, una continuación visual-temática del disco anterior, lo cual culminaría en el doble en directo Space Ritual (1973). El título del álbum hace referencia al Solfeo y, según Bubbles explica, a la Armonía de las esferas: «El principio básico estelar y del "ritual del espacio" está basado en el concepto pitagórico del sonido. Para exponerlo brevemente: este [concepto] percibió al Universo como un inmenso y único acorde, con su única cuerda, tensada entre espíritu absoluto, y su más baja contraparte (materia absoluta). Junto a esta cuerda se posicionan los planetas de nuestro Sistema solar... a cada una de estas esferas, según giran en el cosmos, se le ha atribuido un sonido (tono) particular, causado por su desplazamiento en el éter. Estos intervalos y sonidos se dieron en llamar la "Armonía de las esferas", siendo el intervalo entre La Tierra y las estrellas fijas el más perfecto de ellos.»aron a Hawkwind de un sonido algo diferente.

01.Brainstorm
02.Space is deep
03.One change
04.Lord of light
05.Down through the night
06.Time we left this world today
07.The watcher

CODIGO:@

Walrus - Same

noreply@blogger.com (Hombre Polilla) — Sat, 10 Feb 2024 11:49:00 -0500

Similar to Blood, Sweat & Tears, in trying to clone the drifting jazz-rock sound of Chicago, Walrus are a simple band, made up of 8 blues-trained musicians which grew up musically in the sixties: the age of psychedelia and of the first examples of prog-rock (or proto-prog, whatever you call it). The brass band was not an unusual formula then, but now it can seem peculiar: playing heavy r&b ("Who Can I Trust", chosen as the first and only single, with a trumpet and sax solo which reminds Zappa's "King Kong" - as well as the outstanding "Blind Man", which has even proper lyrics), blues ("Rags and Old Iron", the quasi-punk psych mini-suite "Turning-Woman-Turning"), jazz (Traffic's "Coloured Rain", in a remarkable version), pop ("Why"). All is brass and/or guitar driven, all has a quite synthetic "black" feel, but anyway Walrus prove to be a compelling affair mixing non-original elements to build a sound which was, someway, ahead of its time.

Una manifestación contunde de rock progresivo que cala fuerte, aunque carece de ciertos tintes Proto-Metal, sin embargo este primer y único trabajo de Walrus logra dejar una pequeña marca en nuestras vidas gracias a su loable performance. Es una obra que se caracteriza por la robustez y la gran contundencia de sus arreglos, es un rock que cala directo por sus riffs pegadizos y esas posturas ligadas al Brass Rock. El álbum tiene mucho carisma, potencialidad y dinámica, es todo un delirio del eclecticismo y se puede apreciar ciertas posturas progresivas que nos recuerdan a bandas como: Mogul Trash, Colosseum e inclusive a Zappa. Una obra exquisita que el tiempo ha sabido darle el reconocimiento que se merece, pues con todas sus limitaciones esta se pronuncia estoicamente dentro de la fauna progresiva de la época y cumple con creces el objetivo deseado, por lo tanto tenemos entre nuestras manos un álbum que con su gracia ha superado el tiempo volviéndose así otro de esos álbumes de CULTO. Aquí mis impresiones.

Walrus es un álbum que tiene mucho que ofrecer pues su "maquinación" es sencillamente elegante, distinguida y repleta de pequeños detalles que hacen de "la sesión" una experiencia placentera y entretenida; tomen como ejemplo la suite Rags And Old Iron/BlindMan/Roadside y déjense llevar por sus sonidos marcados entre progresiones, retazos psicodélicos y texturas curtidas de Jazz, la experiencia será bastante reconfortante. El álbum esta impregnado de un swing bastante prendido, cada pieza trae una explosión colorida y por momentos pareciera que la banda bebiera de ciertos "elementos" de la escena de Canterbury, entre arreglos florales, cambios de tiempo y posturas de tonos psicodélicos Walrus gestiona una de las mejor ponencias progresistas; lamentablemente el álbum no gozo del éxito comercial y después de numerosos intentos de superar su crisis financiera -y a pesar de las brillantes actuaciones en vivo, en 1972- la banda se separa. Un segundo álbum nunca vio la luz. Una verdadera lástima ya que la banda tenía muchas cualidades y su rica experiencia hacia que evolucionaran hacia algo más grande, siento que nos hemos perdido de una masterpiece, sin embargo nada está perdido, Walrus nos deja una obra de CULTO, un pastiche sonoro que suena a un jazz-rock con esmerados arreglos de vientos y muy buenas improvisaciones. Una obra que merece una oportunidad pues dentro de su "formula" ya escuchada anteriormente esta brilla con una intensidad vibrante. Hasta más vernos.

Minidatos:
*Walrus fue una banda inglesa fundada en 1969, en Londres por el bajista Steve Hawthorne.

*Cuenta la leyenda que la banda realizaba giras a las afueras de Londres, cuando fueron vistos por la gente del sello "Decca". Ellos les propusieron grabar un álbum, por lo que ese mismo año (1969) entran al estudio de grabación. Para Diciembre de ese año ya tenían el material listo, pero por problemas técnicos no lo pudieron lanzar ese mismo año, se tuvo que esperar un año más tarde. El álbum contó con el liderazgo creativo del bajista Steve Hawthorn y la producción de David Hitchcock.

01. Who Can I Trust?
02. Rags and Old Iron/Blind Man/Roadside
03. Why?
04. Turning/Woman/Turning
05. Sunshine Needs Me
06. Coloured Rain/Mother's Dead Face in Memoriam/Coloured Rain (Reprise)
07. Tomorrow Never Comes
08. Never Let My Body Touch the Ground

CODIGO: Y-12

Clásicos de Oro: The Stooges - Fun House

noreply@blogger.com (Hombre Polilla) — Sun, 4 Feb 2024 23:48:00 -0500

She's got a tv eye on me
Fun house is my favorite stooges release. Iggy's voice was a hard hitting whip, the guitar was like a flamethrower, the drums like a machine gun, and the bass like a rifle, and saxophone as a brief explosion. Really just a huge jam with vocals.
Unbelievably dirty, sweaty, piss-stained, heroin-injecting, coke-snorting, whiskey-swilling rock n roll.

Voy a iniciar esta seudo-introducción con un comentario muy acertado sobre Fun House que a letra dice lo siguiente: “Si todos los mejores albúmenes del rock se unieran y formaron un solo ser como Voltron Sin duda alguna Fun House seria las bolas”

Es curioso que la banda nunca estuvo conforme con el resultado final, no se que concepto se quería pretender con ella o que cosa se quería buscar, pero al final de cuentas es bien sabido que ese trabajo se convirtió en un álbum icono para futuras generaciones y como por ahí dicen -me parece exagerado- fue "el álbum que mato los 60’s. En fin yo solo diré que este álbum no te acaricia, sino te escupe, es un álbum sucio, lisérgico, caótico, dinamitero, arrogante y con carácter. Una obra bien intencionada y para mí una obra de CULTO. ¿Y por que? Pues porque tiene 2 puntos importantes: 1) La performance de Iggy, y 2) el sonido de las guitarras. Escuchar este álbum es una verdadera experiencia. Toda una burla a la pomposidad y arrogancia cultural que representa el Rock Progresivo. Esto es directo, vomita blasfemias y lo mejor de todo, es subestimado por muchos críticos. Aquí mis impresiones.

Fun House es un álbum directo, enérgico y denso. Su performance es simple pero muy efectiva, y su formula consta de una entrega loable en donde las guitarras se vuelven por así decirlo el alma del álbum y la voz de Iggy Pop el vehiculó gestor del pulso del álbum, estos 2 elementos logran hacer de la obra una experiencia muy intensa. Por un lado el álbum se yergue bajo la influencia del acido, y por otro se desgarra dentro de las visiones de la decadencia del rock&roll y la promiscua visión podrida del Garage Rock lo cual hacen que canciones como Down on the Street o T.V. Eye sean "himnos" clásicas; como ya dije todos los elementos se impregnan aquí y eso lo vuelve algo admirable. Cada canción es brutal, filuda e irreverente, cada pieza es sónica y agresiva y eso me parece algo magnifico. Es un álbum que mereció tener una oportunidad en su tiempo, pero ahí esta la magia, pues a pesar de todos los palos que le cayeron se convirtió en una real obra de CULTO, creo que si la obra hubiera sido reconocida en su momento ese misticismo de hoy en día se hubiera perdido (es una opinión nada mas, no se lo tomen muy enserio, recuerda que las opiniones son como los culos, no hay uno igual y todos apestan, salvo uno que otra). En fin volviendo a la review, solo diré que aquí vamos a encontrar psicodelia dura, Jazz acido, performance proto-punk, y noise rock, por lo tanto, eso es otro punto que le acredito a este al álbum pues es mucho mas "maduro" y experimental que el debut, a pesar que el primero tiene grandes clásicos y un concepto mas emblemático, la diferencia aquí es que la banda toma elementos nuevos, juega y se adelantan al tiempo, como dicen por ahí: Es una banda fuera de su tiempo.

En mi opinión un álbum que no tiene modales, ni técnica, y ni una pizca de profesionalismo, es un álbum con huevos que supo como moverse y que además cuenta con una base instrumental que te rompe las pelotas, agregando el saxo con ese swing tan acojonante, temas como 1970 o Fun House son claro ejemplo de mis palabras. Álbum incendiario y necesario.

Minidatos:
*Tras la publicación debut de los Stooges con la colaboración de John Cale, Elektra les asigno un productor de segunda categoría para Fun House. Los Stooges se instalaron en Electra como si estuvieran tocando en un club, al tiempo que Iggy iba de un lado a otro de la sala como si fuera un escenario. Las sesiones se intercalaron con fiestas en el alocado y sórdido Tropicana Motel y la psicosis ambiental impregno los cortes.

*En 1999 en sello Rhino Handmade lanzo un box-set de 7 CD que registraba toda las sesiones del Fun House. Esta “caja” es lo mas privado que se puede estar de dicha obra, en ella se pueden encontrar desde intervenciones “studio dialogue” hasta mono singles. Para saber un poco mas de esta "caja" click en el enlace. http://tinyurl.com/mxqwyq9

01.Down on the Street
02.Loose
03.T.V. Eye
04.Dirt"
05."1970
06.Fun House
07.L.A. Blues

CODIGO: @

Blue Phantom - Distortions

noreply@blogger.com (Hombre Polilla) — Sat, 3 Feb 2024 00:02:00 -0500

Blue Phantom's sole album contains 10 heavy psych instrumentals, and is technically under the category of "incidental music for film and TV". That would be one hell of a film if anyone checked this one out of the "library". Apparently the trash master Jess Franco did in fact borrow some tracks for one of his sleaze-a-thons (of course he did). All the same, unlike most film music, these tracks are fully realized and not just sketches of songs. So not only do you get the cool period instrumentation - heavy fuzz guitar in particular - but the tracks are well written with memorable melodies. File Blue Phantom next to your Braen's Machine, Fourth Sensation, and Psycheground albums.

Blue Phantom es una banda italiana de carácter instrumental que muestra algunas influencias psicodélicas de fines de los 60’s. En 1971 lanza su único álbum titulado Distortions. Dicho trabajo se caracteriza por presentar una óptima performance instrumental ya que cuenta con un moog, guitarras con efecto fuzz, intensos cambios de ritmos y un prometedor ambiente psicodélico. Sin duda alguna una auténtica "masterpiece" de Psych Prog que es considera por muchos como una de las mejores propuestas instrumentales que Italia pudo sacar a la luz. La banda presentaba un sonido revolucionario y enmarcaba una idea que empezaba a tomar forma; se podría decir que fueron pioneros para el surgimiento de la escuela progresiva italiana, pero llegar a tal afirmación, sería hilar muy fino, sin embargo la banda tiene muchas cualidades y atributos para consagrarse como un ente engendrador de conceptos visionarios. Su performance era un elixir dentro de ese basto universo de posturas psicodélicas, basta escuchar Violence para captar la virtualidad de esta banda proto-progresiva y es que en su vena creativa se desprenden posturas que anunciaban "embriones progresivos". EL FUTURO SE ACERCA.

Distortions es un álbum muy interesante, oscuro y envuelto en un halo de misterio. Fue un proyecto secreto formado por un grupo de músicos de sesión; se dice que el proyecto fue planeado por el compositor H. Tical (Armando Sciascia) quien fuera el propietario del sello italiano Vedette Records, Sciascia produjo este álbum con el fin de usarlo como una banda sonora. El álbum es de los pocos documentos existentes de la psicodelia italiana de principios de los 70. Por tal motivo es una obra de CULTO y otro de esos santos griales de la escena subterráneo italiana. Mis impresiones son buenas, aunque debería reflexionar un poco sobre lo que representa Distortions y es que el álbum dentro de sus bondades tiene un valor oculto que realza aún más la labor de los músicos involucrados en el proyecto. Este "valor" radica en su producción y en su performance, pero OJO también en el contexto histórico que lleva en sus manos. Es una manifestación psicodelia de aires progresivos que se decanta en piezas de tintes ácidos envueltos en posturas improvisadas, Distillation o Microchaos son claros ejemplos de aquellas primigenias posturas progresivas. La obra desprende mucha virtualidad y en parte tiene una gracia especial, a veces es oscura y otras atornasolada y brillante, cada pieza tiene un sello propia y eso hace que la sesión sea sumamente agradable y la vez intensa. No hay desperdicio alguno, aun con cierta vibra arcaica en sus sonidos, es un muy singular y por ende una autentica pieza de CULTO. Hasta más vernos.

Minidato:
*Se produjeron dos números en CD en el extranjero, ambos con portada británica: el primero de 1997 en el sello alemán Golden Classics Rebirth (GRC 013, un lanzamiento pirata) y uno reciente de 2012 en el sello inglés Kismet (KISCD 049), el este último contiene como bonus track Uncle Jim .

01.Diodo
02.Metamorphosis
03.Microchaos
04.Compression
05.Equilibrium
06.Dipnoi
07.Distillation
08.Violence
09.Equivalence
10.Psycho Nebulous

CODIGO: P-11

High Tide - Sea Shanties

noreply@blogger.com (Hombre Polilla) — Fri, 26 Jan 2024 23:20:00 -0500

Imagine yourself being treated by your local dentist, while you're forced to listen to Jimi Hendrix, Family, The Doors and Hawkwind - all at the same time. If you can, then you'll have an idea of the music played by High Tide on their debut album Sea Shanties.

Blue Cheer heaviness with a flower-power afterglow and a dash of Amon Duul II-style paganism. "Death Warmed Up" is the mind-dissolving highlight, and - thanks to the cover - indeed sounds like an Old World ship heroically trying to stay afloat amidst an abundance of violin-driven whirlpools.

Debut de High Tide que es considerado por muchos como un clásico del rock gótico o mejor dicho es considerado como: "un batiburrillo de bailes macabros llevados por un violín que enlazaba el acid rock y el hard rock"; por lo tanto aquí témenos una manifestación progresiva densa y oscuro que está adornado por guitarras "pesadas" y violines eléctricos que de una u otra forman le dan al sonido de la banda un tinte Acid Folk que ilumina un camino hacia la más empírica manifestación del Folk Prog de naturaleza HEAVY, así pues Sea Shanties demuestra estar plagado de fuerza, oscuridad, pesadez y elegancia. Su performance está a la altura de los grandes de la época y logra producir el efecto deseado por lo que podemos apreciar: cambios de tiempo, pasajes híbridos entre el hard prog y el folk prog –aunque este no asume una identidad totalmente folk, pero el juego del violín le da cierto sabor– ambientes oscuros, atmósferas acidas y arreglos progresivos. High Tide sin duda alguna demuestra algo nuevo al contar con un violín en sus filas (Fue uno de los primeros en utilizar el violín como instrumento de rock); los duelos entre guitarra-violín producen un efecto muy especial por lo que esto se vuelve una experiencia gratificante, por lo tanto aquí tenemos un sonido innovador, un Hard Prog con violines que hacen –como ya dije- un hibrido perfecto entre el Hard Prog y el Folk Prog. En resumen un álbum con un sello especial que traerá más de una sorpresa en sus melodías.

Mis impresiones son buenas, aunque debo confesar que en su momento (muy joven yo) no le di la importancia que se merecía y no valore lo que representaba este trabajo, ahora con más años en la espalda, mis impresiones cambiaron y Sea Shanties se proyecta como una obra adelantada a su tiempo y una punta de lanza para futuras generaciones. Su performance y su enorme "maquinación" es néctar para las posturas más aguerridas dentro del Metal Prog más oscuro. La banda entre sus movidas concibió un álbum muy elaborado y podría decir que hasta místico. Su ponencia con las progresiones y sus posturas folkies se yerguen en un mar de revelaciones. Cada pieza del álbum es pura epifanía y aunque tiene un sonido amateur este se cubre bajo un manto de misticismo; tiene tantos elementos a su favor que se eleva como una autentica manifestación del CULTO más puro. En mi opinión la obra se curte bajo la túnica de la gracia metálica y es que dentro de lo que representa el álbum este tiene un sello peculiar y único. Es gótico y en parte subliminal, estilizado y heavy, con una postura hacia los terrenos proto-metal, y porque no decirlo es otro de esos eslabones para la formación del Doom. Obra cubierta en un halo misterioso, una rareza absoluta, imperecedera en el tiempo que cala en el alma profundamente, canciones como Walking Down Their Outlook o DeathWarmed Up son prueba de aquella voraz dimensión que tenía la banda para crear emblemas inmortales, ecos que siguen retumbando en nuestros días. Hasta más vernos.

Minidatos:
*La portada fue dibujada por Paul Whitehead .

*Fundada en 1969 - Se separó en 1970 - Reformada brevemente en 1986, y nuevamente con una nueva formación entre 1989 y 1990

*Denny Gerrard de Warm Sounds produjo Sea Shanties a cambio de que High Tide actuara como banda de acompañamiento en su álbum en solitario Sinister Morning . Las sesiones de grabación de los dos álbumes se superpusieron: Sinister Morning terminó a finales de Junio de 1969, y Sea Shanties comenzó el día 2 de ese mes.

*La formación original era un cuarteto formado por un excelente guitarrista/cantante, un violinista que a veces tocaba KB y una buena sección rítmica. Después del lanzamiento del segundo álbum, su baterista se fue por razones de salud, y HIGH TIDE no lanzó otro álbum durante unos 18 años, aunque aparentemente todavía grababan con bastante regularidad con una formación permanente inestable con Tomlin, Theaker, House y Pavli yendo y viniendo. casi a voluntad, siendo el único pilar Tony Hill. A partir del 88, lanzarán siete discos en un lapso de tres años, asuntos muy confusos con pistas de todos esos años perdidos que aparecen en diferentes discos y sin fechas de grabación claras. Aparentemente tocaron juntos hasta 1990, y su último lanzamiento es otra mezcla de temas de todas las épocas lanzados en el sello Black Widow en 98, pero con las fechas de grabación finalmente mencionadas claramente.

01. Futilist's Lament
02. Death Warmed Up
03. Pushed, But Not Forgotten
04. Walking Down Their Outlook
05. Missing Out
06. Nowhere

CODIGO: Q-10

Josefus - Dead Man

noreply@blogger.com (Hombre Polilla) — Sun, 21 Jan 2024 19:05:00 -0500

Ultra-rare LP from a little-known Houston-based heavy psych band. That’s how it’s been classified here, at least. Hard rock might be more apt. Beer drinking rock. There are some auxiliary psych influences, at least in the fuzzy tones and rolling drums and sometimes-lengthy jams. Think Band of Gypsys. Killer bar band, indeed—it rocks hard with the riffage, vocals can be spotty, but it’s no dealbreaker. Predictably, there’s a little throwaway material, namely the no-brainer skippable “Gimme Shelter” cover. But it’s nothing a truly killer ending to the album—the 17-minute long slowburning title track—can’t fix.

Hard Rock "pantanoso" con bases de Blues y salpicado de elementos de Psicodelia y ciertos retazos de Boogie, por lo tanto esta banda (sureña) presenta una performance muy respetable y una ejecución instrumental densa, acida y heavy que da como resultado un sonido sólido y "PESADO". Josefus es una de las muchas bandas de "Rock&Blues-Psych" que surgieron a finales de los 60’s y comienzos de los 70´s, por lo tanto esta asimila y asume influencias de Blue Cheer, Black Sabbath, Cream y Zeppelin. No hay más que decir de ellos; su álbum Dead Man, es prueba contundente de la calidad de la banda y de los nuevos tiempos que llegaban y endurecían el sonido atroz del rock. Este es un álbum PESADO, oscuro y envuelto en un manto de CULTO, obra enorme con una propuesta ya vista pero aun así con bastante personalidad.

Dead man se yergue en las ponencias del Blues&Rok y se eleva hacia lo más alto gracias a su enorme performance y su visión de crear un sonido más afín a los nuevos tiempos. El álbum es una muestra irreverente del pesado sonido eléctrico que cala fuerte hacia la más fiera propuesta del rock más fangoso. Dentro de aquella "propuesta" esta alcanza un nivel muy alto, los músicos están a la altura y lo demuestran en creces con manifestaciones psicodélicas de alto octanaje, canciones como Proposition, Gimme Shelter o DEAD MAN son himnos lisérgicos de fierezas en tiempos duros, el rock se había comulgado por completo con la llegada de Black Sabbath y este fue una punta de lanza para muchas bandas que apostaron por endurecer su sonido y elevarlo hacia caminos más ligados "AL FUTURO" -recordemos que “EL TODO” es un proceso de aportes y acontecimientos que darán entrada a lo nuevo- por lo tanto Josefus es una de esas bandas que bebieron de la fuente de Black Sabbath; su performance y la ejecución instrumental tiene mucho de ellos, aunque también se aprecia el arrebato furioso de Cream, como las posturas psicodélicas de Iron Butterfly, es una banda con mucha potencia, oscuridad y fiereza. Podría definir su sonido como una manifestación de "Blues eléctrico psicodélico pantanoso" que cala fuerte desde el primer momento. La evolución hacia la nuevo era evidente, 1970 fue un año clave y desde su inicio ya sabíamos que rumbo tomaría la banda.

Dead Man es un álbum muy interesante, su sonido es pura lisérgica y su propuesta aunque es ya conocida tiene mucha personalidad, en un punto me recuerda un poco a The Groundhogs pero evidentemente va más allá, este digamos que desprende un aroma más ligado a lo pesado de la psicodelia y no se decanta tanto en las ínfulas del Blues eléctrico, sin embargo se nota en sus surcos mucha postura Blues que cala perfecto con su fórmula dándole así un sonido bestial y una firmeza con su postura la cual llama mucho la atención pues inclusive la portada ya te muestra su naturaleza y lo que posiblemente vas encontrar. Mis impresiones son buenas, no tan altas pero hoy en día todo a dado un giro muy brusco; volviendo a retomar el camino me doy con la sorpresa de que este álbum desprende mucha electricidad y nos presenta una senda oscura, pesada y con una postura proto-metal dentro de su performance, por lo tanto tenemos en nuestras manos una obra potente que cumple muy bien el objetivo ya que cuenta con los 3 requisitos fundamentales: buen sonido, buena propuesta y buena ejecución. Hasta más vernos.

Minidatos:
*Josefus fue una banda de Texas realmente valiosa que trabajó con el productor Bob Shad (el fundador del sello Mainstream, en donde grabaron su álbum homónimo).

*En el sello Hookah editaron “Dead Man” (1970), disco grabado cuando la banda estaba compuesta por el cantante Pete Bailey, intérprete también de armónica, el guitarrista Dave Mitchell, el bajista Ray Turner, y el batería Dave Tull.

*En 1.969 David Mitchell y Ray Turner, que procedían del grupo "West Rip", deciden unirse a Doug Tull y Pete Bailley para formar el grupo. A finales de ese año graban "Get Off My Case" que curiosamente no vio la luz hasta bastantes años después. Debido a esta situación el grupo decide grabar otro disco "Dead Man" y realizar una tirada inicial de 3.000 copias para distribuirlas por la comarca.

01.Crazy Man
02.I Need A Woman
03.Gimme Shelter
04.Country Boy
05.Proposition
06.Situation
07.Dead Man

CODIGO: H-44

Clásicos de Oro: Sui Generis - Confesiones De Invierno

noreply@blogger.com (Hombre Polilla) — Tue, 16 Jan 2024 23:50:00 -0500

I may not be able to understand the language, but the vocals are really wonderful. The music itself is very upbeat and absolutely tantalizing. Every once in a while you come across one of those albums where everything is perfect but you can't exactly give it the honor of the highest rating...this is one of them. Really wonderful album.

Divine
This album is very divine and feels quite intimate with the piano and acoustic guitar. I believe it's one of the pinnacles of Charly's career and contains so many classics of Sui Generis.

Segundo trabajo de Sui Generis que se asoma a las florales huestes del progresivas y logra concebir una real manifestación "sinfo-poética" que cala profundo por sus letras y su elaborada manifestación ART; aquí podemos apreciar un mayor compromiso estructural y orquestal, la banda incursiona con otros terrenos y amplía su gama de influencias, se extiende la visión agregando una cuota de eclecticismo y fecunda canciones de tintes mas estilizados, un Hada,un cisne alcanza las ponencias más elevadas dentro de las aguas del Rock Sinfónico, mientras que evocaciones más ligadas al Folk pastoral nos deslumbran, Lunes otra vez nos recuerden los tibios efluvios de Vida, mientras que el Rock&Roll más divertido e irreverente llega con Mr. Jones, O Pequeña Semblanza De Una Familia Tipo Americana; el álbum se consagra con el cierra más poético y dramático de todo el álbum: Tribulaciones, Lamentos Y Ocaso De Un Tonto Rey Imaginario, O No. No hay duda que estamos ante una obra que alcanza un punto de madurez exquisito, donde la maquinación se vuelve una ráfaga fresca de vitalidad sonora y donde el dúo adquiere un peso enorme con su propuesta, "el germen" había llegado a tierras remotas y las nuevas propuestas e experimentaciones están a flor de piel, las bandas comenzaron de empaparse de las influencias contra-culturales de Europa y el progresismo afloraba, Sui Generis había inicia un camino hacia aquellos movimientos y se acercaba a las nuevas posturas que llegaban desde Europa. Esta era la antesala a su obra más progresiva y polémica.

Mientras el invierno de la vida seguía, la música no podía parar y Sui Generis se convertiría en un "recinto" de paz. En un punto de mi vida y por medio de amistades de barrio descubriría su universo y este de alguna manera se tornaría en una ventana hacia nuevas sonoridades; la trova, el folk y las posturas de ciertas delicadezas se habían asomado a mi alma, eran días de Almendra, de Gieco, de Sui Generis, de Silvio, de Facundo, de Jara y otros tantos que sembraron en el corazón una sonrisa, por lo tanto en un punto crucial, este álbum tuvo un valor especial, quizás no sea uno que marcara tanto, pero estuvo ahí y eso es de agradecer. Confesiones de Invierno es unálbum que te llena el alma, que te pinta el dormitorio y que te lleva hacia lamás dulce reflexión de la vida, es un álbum enriquecedor, emotivo y que sedeslumbra lentamente hacia un sinfín de sensaciones. Dentro su reflexión por los pasajes de la vida, uno se quiebra y ante tal puesta de sol uno se va perdiendo también. Las impresiones que tengo de este álbum son muy altas, comparado con Vida este se yergue en la vanguardia de la creatividad y logra ser una manifestación muy poética, MUY SENSIBLE y aunque presenta ciertos riscos -no es un álbum redondo, está de más Mr. Jones, O Pequeña Semblanza De Una Familia Tipo Americana pues quiebra el feeling de la sesión- logra cumplir a creces su cometido, convirtiéndose

Minidatos:
*Tras el éxito de Vida y con una serie de presentaciones en vivo, García y Mestre volvieron a los estudios RCA Víctor y Phonalex para grabar Confesiones de Invierno, ahora con todo el apoyo y confianza de Talent Microfón, la gran disquera argentina de esos años; la producción de Jorge Álvarez, el gran productor de esos años; y el apoyo en grabación de Billy Bond, una de las grandes figuras del rock de esos años.

*En octubre vio la luz el segundo álbum de Sui Generis: Confesiones de invierno. La tapa exhibía una imagen candorosa del dúo realizada por el diseñador Juan Orestes Gatti. La portada, al desplegarse, mostraba un par de instantáneas (de los músicos y colaboradores) tomadas en los bosques de Ezeiza por el fotógrafo Jorge Fisbein. El vinilo traía la ficha técnica y las letras de los temas.

*El LP fue presentado el 7 de octubre de 1973 en el Teatro Ópera.

01. Cuando ya me empiece a quedar solo
02. Bienvenidos al tren
03. Un hada, un cisne
04. Confesiones de invierno
05. Rasguña las piedras
06. Lunes otra vez
07. Aprendizaje
08. Mr. Jones, o pequeña semblanza de una familia tipo americana
09. Tribulaciones, lamento y ocaso de un tonto rey imaginario, o no

CODIGO: N-37

Yamasuki – Le Monde Fabuleux Des Yamasukies

noreply@blogger.com (Hombre Polilla) — Sat, 13 Jan 2024 23:19:00 -0500

"Le monde fabuleux des Yamasuki" is another example of a delightful potpourri, somehow unbelievable and disconcerting due to the exceptional quality of the pasticheurs. At the end of the first listening we're craving for more and obviously the only thing that remains is the "Replay" button.

Absolutely fantastic. Anybody who dislikes this album has no heart, soul or appreciation for good music. Hard to believe it was recorded in 1971 as it still sounds great today.

Qué discazo ¡la puta madre!. Este blog es pura cultura, ¡que nunca decaiga!

Arriba loco.

“A fuzzed-out educational multi-cultural psych-rock-opera from 1971. Proto-psychedelic hip-hop with overweight drum beats and basslines.”

Una rápida ráfaga de nitrato de amilo para tu Hebe frénico interior.

Le Monde Fabuleux Des Yamasukies una obra conceptual pseudo japonés que está basado en un baile denominado Yamasuki. El álbum originalmente se había editado en pequeñas cantidades bajo el sello independiente Biram en 1972 y contaba con una colección de hermosas canciones populares cantadas por un coro japonés en base a patrones de percusión, vibráfonos y guitarras. El resultado de ese pastiche sonoro es simplemente MAGICO; es "una placa" exótico, dulce y rodeado de un ambiente japonés. Una delicia de la época que fue definida en su momento como: “música pseudo-japonesa kitsch, basada en el concepto “pop-etno-disco” para acompañar una nueva danza (creada ad hoc) cuyos movimientos estaban inspirados en las artes marciales. Un cóctel de sonido de funk, samba y psicodelia”. Por lo tanto una obra que tenía "la novedad" de la extrema mezcolanza cultural, pero que su éxito radicaba en la elegante manifestación estética de un sonido “esencializado” vagamente por la cultura japonesa.

Yamasuki comenzó como una moda de baile que contaba de 5 pasos, las instrucciones estaban en la contraportada del álbum

Mis impresiones son altas, el álbum es una explosión de sonidos pop-psicodelicos que nos llevan hacia una tierra de prendidas luces multicolores, en donde las fantasías en tonos rosas nos alegran el alma; un ritmo rimbómbate, eufórico y muy prendido se mezcla con la visión étnica de aquel concepto creado por Jean Kluger y Daniel Vangarde, lo cual es una locura de dimensiones apocalípticas, canciones como Abana Bakana o Kono Samouri son eléctricas manifestaciones de una época de experimentaciones y fusiones en donde se trataba de conjugar la música popular occidental con elementos folclóricos de diferentes orígenes. Este proyecto tiene una historia detrás de sus surcos que lo convierte en CULTO puro. La leyenda cuenta que Vangarde y Kluger se sumergieron por completo en su fantasía, aprendieron japonés y contrataron a un auténtico maestro de judo para que les gritara a sus cantantes. Pero en lugar de sonar abrumados y ocupados, los gestos musicales y los modos melódicos que Vangarde y Kluger utilizaron para su paleta orientalista se combinaron en ritmos nítidos y enganchados. Al final TODO el álbum es atractivo y consistente, una muestra real de música frikie y una expansión cultural a la cual hoy en día muchos consideran este proyecto como una puesta racista ¡Un belga y un francés creando música con un burdo concepto de la cultura japonés que lo lleva a la ridiculez!... En fin, hasta más vernos.

Minidatos:
*Jean Kluger fue uno de los hijos de Jacques Kluger, quien fue casi el editor de música más grande de Bélgica en la década de 1950.

*Yamasuki es una persona japonesa ficticia sobre quien Kluger y Vangarde crearon una historia conceptual musical con un maestro de judo cinturón negro haciendo todos los gritos de batalla y un coro femenino- las llamadas Yamasuki Singers- asumiendo las funciones vocales principales.

*La cara B del single Yamasuki, A E I A O A, tuvo una segunda vida cuando fue grabada por el grupo belga congoleño Black Blood con el título de A.I.E. A Mwana en 1975 y, años más tarde, se convirtió en el primer single de las británicas Bananarama.

01.Yamasuki
02.Kono Samouri
03.Yamamoto Kapote
04.Okawa
05.Aieaoa
06.Aisere I Love You
07.Yama Yama
08.Seyu Sayonara
09.Abana Bakana
10.Fudji Yama
11.Yokomo
12.Kasi Kofima

CODIGO: A-25

Clásicos de Oro: Rush - 2112

noreply@blogger.com (Hombre Polilla) — Wed, 10 Jan 2024 23:12:00 -0500

My only gripe with 2112 is that I feel it peaks way, way too early. The title track, a 20-minute long rock epic that takes up the entire A-Side, is one of the greatest songs I've ever heard. What's after that, though, doesn't really compare. Don't get me wrong, none of what's here is bad - hell, I love stuff like "Passage to Bangkok" and the surprisingly emotional "Tears", but if you're coming right after one of the most legendary tracks in prog history, then you're always gonna have some blunders and missed opportunities in comparison.

Pretty awesome album, the forward thinking and inventive ideas displayed by Rush so far before it was commonplace in music is very neat...

Un clásico de la banda que nace en una época interesante, pero que ya entraba en cierto declive dentro de las líneas progresivas, pues se estaba sobre-explotando el género y el surgimiento del Punk entraba con fuerza, eran otros tiempos y el concepto de vanguardia se iba desgatando, sin embargo muchas bandas aun apostaban por la inmensa creatividad y por ello el aura de ART ROCK seguía flameante. Rush había tomado un camino ligado a las posturas del Hard Prog y tras ese fracaso comercial de su última larga duración, "Caress of Steel" la banda apuesta por ir por lo segura y plantea una nueva fórmula concibiendo así el clásico 2112; este álbum tenía mucha vitalidad y cualidades increíbles, en parte fue una trabajo inspirador y fuente de influencia para las futuras generaciones. El álbum se concebía bajo la visión de "la vanguardia" y las posturas del progresismo, por lo tanto se aprecian 2 caras bien marcadas, la primera nos mostraba una suite compuesta de 7 partes con un fondo conceptual (una micro opera rock) y la segunda 5 canciones de tintes más digeribles conservando la esencia de Hard Prog, pero sin tanta maromas, era un álbum equilibrado y muy digerible, la obra no se decantaban en posturas complejas y atiborrados arreglos de fantasía platinada. Era un álbum con personalidad, que mantenía su postura de Hard Rock, pero que bebía un poco de esa fuente que se había establecido por años y aun cuando esta se encontraba en un punto de "quiebre final" la banda supo manejar la dirección y pudo llevarla al siguiente nivel, el resultado de eso fue que la banda maduro y nos regaló un álbum épico, bien construido y con una de sus mejores propuestas, Rush había alcanzado el éxito pero aun no llegaba a la cúspide de su carrera, eso llegara después y de ahí pasara ser otra de aquellas manifestaciones para el surgimiento del metal progresivo. Estamos ante uno de esos eslabones.

Arte interno del 2112 mostrando a Rush

Mis impresiones con este álbum son buenas, pero no tan altas comparadas con el universo en el que estaba metido en aquellos días, sin embargo fue con esta álbum que mi percepción con Rush cambio y aunque la primera vez que escuche este pastiche pesado/progresivo no pude digerirlo en toda su dimensión, una de las cosas que me tiraban para atrás era el labor vocal de Geddy Lee, pero tras repetidas sesiones pude apreciar que todo no estaba perdido, el álbum tenía una gran performance y la ejecución instrumental estaba bien lograda. Los cambios y arreglos que tenía más el trabajo vocal de Lee concebía una obra EPICA que cumplía a creces el objetivo deseado y es que el lado A es una fuerza enraizada en sonidos proto-metal mientras que el lado B es un macizo Hard Rock de los 70’s, por lo tanto había una conexión muy fuerte, todo en el álbum era fantasía heavy llevada hacia un terreno iluminado que explotaba en riffs salvajes, cambios de ritmo/tiempo y un concepto de naturaleza ARTI por lo tanto adquiría un “peso” extra que lo volvía un álbum que sobrepasaba el CULTO, la banda había conseguido elevarse hasta el poniente. Una experiencia realmente enriquecedora: "el volumen en lo alto, sonaba sin piedad 2112… y una voz que a lo lejos decía baja el volumen". Hasta más vernos pronto.

Minidatos:
*En la cubierta interior del vinilo original, aparece una nota junto a la suite titular reconociendo los paralelos entre su historia y la novela “Anthem” de Ayn Rand (traducida al castellano con el título ¡Vivir!). Su letra, como casi todas las letras Rush a partir de su incorporación a la banda, fue escrita por el baterista Neil Peart.

*La banda, aún bajo la presión de la compañía discográfica (Mercury Records) de no realizar otro álbum conceptual (tras el fracaso comercial de su último larga duración, "Caress of Steel", que contenía dos temas así), prosiguió con su idea original y compuso la que es considerada su primera obra maestra. El álbum fue el primero de Rush en figurar en los "Top Pop Albums" en Estados Unidos y alcanzar ventas de disco de oro el 16 de noviembre de 1977 (durante la promoción su siguiente álbum, "A Farewell to Kings"). El disco alcanzó ventas de platino el 25 de febrero de 1981, poco después del lanzamiento de su clásico "Moving Pictures".

01. 2112
a). Overture
b). The Temples of Syrinx
c). Discovery
d). Presentation
e). Oracle: The Dream
f). Soliloquy
g). Grand Finale
02. A Passage to Bangkok
03. The Twilight Zone
04. Lessons
05. Tears
06. Something for Nothing

Anexo:

2112: La historia
En el año 2062, tras una guerra galáctica, los planetas se unieron bajo el gobierno de la “Estrella Roja de la Federación Solar” (“The Red Star of the Solar Federation”). El mundo se encuentra bajo el control de computadoras llamadas “templos”, que rigen en materias de literatura, música y pintura. En este mundo “prefabricado” un hombre, el protagonista de la historia, descubre un instrumento conocido en una época remota como una guitarra. El hombre comienza a rasguear sus cuerdas y a jugar con sus perillas y descubre que tiene la capacidad para crear su propia música, muy distinta a la de los templos. El hombre presenta su descubrimiento a los “sacerdotes” del templo de Syrinx pero, para su sorpresa, los sacerdotes destruyen el instrumento, pues no calza con el plan de la Federación Solar.

El protagonista regresa a la caverna donde descubrió la guitarra y, en un sueño, es guiado a una tierra de una belleza tan inmensa que, al despertar, el hombre no cree que la visión haya sido sólo una fantasía. Deprimiéndose más y más cada hora después de haber pasado varios días en la caverna, el hombre finalmente decidiendo que no puede seguir formando parte de la Federación y se toma la vida. Al mismo tiempo comienza una gran batalla interplanetaria y al final de la suite se escucha una voz diciendo: “atención, planetas de la Federación Solar: hemos tomado control”, dejando el final de la historia ambiguo, tal vez deliberadamente.

2112 comienza con "Obertura" (“Overture”), un movimiento instrumental largo al fin del cual se escucha la línea “y los humildes heredarán la Tierra”, una cita del Nuevo Testamento. Esta obertura contiene una adaptación para guitarra de un conocido pasaje musical de la Obertura 1812, de Tchaikovski.

Los sacerdotes: El segundo movimiento, “Los templos de Syrinx” (“The Temples of Syrinx”), presenta un contraste inmediato a la línea antedicha al presentar a los villanos arrogantes de la historia, los sacerdotes del templo de Syrinx. Ellos son caracterizados en la letra a través de su declamación soberbia: “todos los dones de la vida se encuentran dentro de nuestros muros”. [1] Los sacerdotes rigen la Tierra y fueron ellos quienes tras la guerra unieron a las colonias humanas supervivientes bajo la Estrella Roja de la Federación Solar, y supuestamente bajo principios de igualdad y hermandad – la referencia bíblica de la obertura parece aludir a la complacencia de la humanidad bajo el gobierno de los sacerdotes y la Federación Solar.

La voz cantante de Geddy Lee, cuyo registro es atípicamente alto, se escucha en este movimiento de manera casi estridente y procesada con muchos efectos, como parte de la caracterización de los sacerdotes. Su voz se oye más naturalmente en el siguiente movimiento, al introducir al protagonista.

El Protagonista: El tercer movimiento, “Descubrimiento” (“Discovery”), presenta al protagonista y narra su descubrimiento de la guitarra en el interior de una caverna remota. Alex Lifeson comienza con un pasaje simple que progresa en complejidad, ilustrando el progreso del protagonista a medida que este aprende a tocar el instrumento.

Confiado en que su descubrimiento causará una impresión favorable en los sacerdotes, el protagonista les muestra la guitarra en el cuarto movimiento, “Presentación” (“Presentation”). El diálogo entre el protagonista y los sacerdotes es reflejado musicalmente en el estilo delicado de la guitarra y la voz clara del cantante como el “hombre”, contrastando el estilo “pesado” y la voz más estridente que corresponden a los sacerdotes, quienes terminan destruyendo el instrumento diciendo que era “un juguete más que contribuyó a la destrucción de la raza antigua de los hombres”.

El protagonista regresa a casa deprimido y en el quinto movimiento, “El oráculo: El sueño“ (“Oracle: The Dream”), tiene un sueño donde un oráculo lo lleva en un viaje de visita a la “tierra maravillosa” de la raza antigua, adornada con “el trabajo de manos habilidosas”. El protagonista es deslumbrado con su belleza y esplendor, y con la manera en que sus habitantes tenían libertad para hacer y crear lo que quisieran. Además, en su sueño ve aumentar el poder de la raza antigua y sus preparaciones para regresar al presente y destruir los templos.

En el sexto movimiento, “Soliloquio” (“Soliloquy”), el protagonista despierta perturbado al darse cuenta de que aquel mundo perfecto nunca existirá para él, y se quita la vida en la caverna donde descubrió la guitarra, incapaz de soportar una vida sin las maravillas que, como él ha descubierto, la raza humana es capaz de crear. El séptimo movimiento, “Grand Finale”, es instrumental y concluye con la frase “atención, planetas de la Federación solar: hemos tomado control”. Algunos fans interpretan este final como indicador del retorno triunfal de la raza antigua, mientras que otros concluyen que representa el poder absoluto de los sacerdotes, una vez destruido su último disidente.

La banda, bajo la presión del sello discográfico de no componer otro álbum conceptual (tras el fracaso comercial de su último larga duración, “Caress of Steel”, que contenía dos temas así), prosiguió con su idea original y compuso la que es considerada su primera obra maestra. El álbum fue el primero para el grupo en figurar en los Top 100 en EE.UU. y alcanzar ventas de disco de oro el 16 de noviembre de 1977 (junto con su siguiente álbum, “A Farewell to Kings” y “All the World’s a Stage”. El disco alcanzó ventas de platino el 25 de febrero de 1981, poco después del lanzamiento de su clásico “Moving Pictures”.

CODIGO: O-25

Clásicos de Oro: " Black Sabbath - Sabbath Bloody Sabbath

noreply@blogger.com (Hombre Polilla) — Sun, 7 Jan 2024 22:33:00 -0500

This is just such a fantastic album, full of complex songwriting and amazing production. Sabbath still feels like Sabbath but brings in some cool synths (Who Are You) and orchestra (Spiral Architect). Great heavy, complex songs (National Acrobat, Sabbra Cadabra) that take you on a journey through a hellish prog-flavored ocean of sound. The cover design is also sick, with so many mothers fighting against it. Although this album is sometimes hated among Sabbath fans for watering down the sound, I think the experimentation works out pretty well on this album. Great album that takes chances and expands their sound without losing touch with what the band really was. One of their best!

Sabbath does Prog rock really damn well, there’s even some tastes of synths on Who Are You, I fucking love this album. Most songs change and take on new forms when they could’ve very easily stayed the same like on older records. Everyone fits The style to a tee and does it amazingly, Ozzy to a lesser extent but that’s simply because of how good the instrumentals are that they kind of surpass him on this album. Amazing album, I’m glad they tried more with their sound.

La banda alquiló una casa en Bel Air y comenzó a escribir en el verano de 1973 pero, debido en parte al abuso de sustancias y la fatiga, no pudieron completar ninguna canción. "Las ideas no surgían como en el Vol. 4 y realmente estábamos descontentos", dijo el guitarrista y compositor Tony Iommi . "Todo el mundo estaba sentado allí esperando a que se me ocurriera algo. Simplemente no se me ocurría nada. Y si no se me ocurría nada, nadie haría nada".

Álbum que se desarrolla en épocas de cambios, revoluciones y "posturas". Épocas en donde el arte era parte esencial del rock y alcanzaba su máxima expresión artística; eran los tiempos de los mega singles, las obras conceptuales y las megas bandas. 1973 fue un año en donde el germen progresivo se había acentuado y la corriente musical estaba en su mayor apogeo por ello Black Sabbath apuesta por incorporar ciertos elementos de esa época y beben de lo que eres más que evidente. Para muchos este álbum fue considerado una de los semilleros estelares que abrirá el camino para el surgimiento del metal progresivo, aunque para mí la verdadera esencia progresiva de la banda se decanta con el Sabotage -pero eso es harina de otro costal- por lo tanto me centro en esta obra que parte de la idea seminal de incorporar ciertos artilugios y estructuras complejas al "sello Sabbath". Cambios de tiempos, arreglos agraciados, atmosferas sombrías, sintetizadores, pasajes oscuros, y sonidos proto-metálicos cercanos al Doom son las manifestaciones que engalanan esta obra que se engredo bajo tenciones, problemas y excesos; el resultado fue un pastiche sonoro ABRUMADOR plagado de ARTE. Portada, concepto e idea plasmados bajo la visión estilizada del espíritu progresivo se ve reflejado en toda la obra, basta escuchar el cierre del álbum Spira Architect para captar la dimensión artística de la banda y el impulso creativo de unos Sabbath en una etapa de colapsos tras a abusos y aun así podemos apreciar en esta obra una puesta de sentidos, delicadeza y madurez.

Mis impresiones son altas, es un álbum perfecto dentro sus dimensiones y en el podemos apreciar el aire pesado que flota en cada pieza pero también podemos apreciar las insurgencias de la experimentación y esos ecos progresivos que se denotaban en algunos clásicos como la mítica Sabbra Cadabra (canción en la cual Rick Wakeman aporta su sello tocando el piano y el Minimoog). Sabbath Bloody Sabbath es un álbum oscuro, atmosférico, furioso, elegante y repleto de detalles y artilugios que cada vez que uno entra de lleno en la obra se va perdiendo entre esas capas de texturas y sonoridades, canciones como Who Are You? llevan la experiencia a otro nivel y te hacen volar la cabeza a mil, quizás porque como dice Ozzy: “lograron un equilibrio perfecto entre su antigua pesadez y su nuevo lado experimental”. Sea lo que sea el álbum es una odisea intensa de experiencias y evocaciones hacia la más dura entrega de lo HEAVY en donde las rimbombantes ponencias de la vanguardia cobraran revancha en la música de los Sabbath y lo elevaron hacia los más altos lindes sobrepasando el CULTO y convirtiéndola en una MASTERPIECE. Álbum inmortal con una postura que huele a futuro y se proyecta hacia nuevos caminos de luz. Sabbath da otro paso a su evolución y se reinventan. Caray aún recuerdo la primera vez que escuche este álbum, todo ello fue una explosión de sensaciones que me marcarían mis gustos y ampliarían aún más la visión que tenia de ellos, fue el álbum que detono la admiración por la banda, ya había escuchado el Greatest Hits, el subvalorado Never Say Die! y el híper clásico Paranoid, por lo tanto ya había un camino trazado, pero este trabajo fue el trampolín hacia nuevas sensaciones, pues pronto llegarían 2 álbumes que serían pura droga de la buena. Hasta más vernos.

Minidatos:
*Inicialmente, para "Sabbath Bloody Sabbath", la banda se encerró en el estudio intentando componer los temas que formarían parte del álbum, sin embargo, el demacrado estado provocado por la adicción a drogas y sustancias psicotrópicas había hecho mella en los componentes del grupo. La situación llegó a tal punto que Tony Iommi (guitarra y compositor) era incapaz de componer una sola nota nueva, ni un solo riff. Para remedio de la situación el grupo entero decide encerrarse en un castillo en Gales (Reino Unido) para inspirarse. Fruto de esas sesiones nacen los temas de "Sabbath Bloody Sabbath".

*La portada diseñada por Drew Struzan nos muestra la cruda imagen de un hombre acostado sobre una cama teniendo una pesadilla o una visión de ser atacado por demonios en forma de humanos. La muerte le rodea en su lecho de sufrimiento con el número 666 (el número de la bestia) grabado de fondo.

*El álbum marcó el quinto álbum consecutivo de platino con ventas de la banda en los Estados Unidos.

*El álbum contó una historia triste en la carrera de la banda porque su manager Jim Simpson los demandó por despido injustificado. La banda se dio cuenta de que su manager los había engañado por millones de dólares. El pleito duró dos años. Como dijo Osbourne, este álbum "Sabbath Bloody Sabbath" se hizo para pagar a sus abogados. A través de este álbum, Black Sabbath reflejó las brutales realidades del negocio de la música. Killing Yourself To Live representaba sus quejas desde el negocio de la música.

*Según el libro How Black Was Our Sabbath , la banda invitó a una orquesta a tocar en 'Spiral Architect' "pero no pudo meter a todos los músicos y sus instrumentos en Morgan Studios. Terminaron en el cercano Pye Studio a lo largo de la carretera, con Ozzy tratando de explicar qué quería que tocaran como una especie de director de orquesta loco. No tenía música escrita para darle a la orquesta, simplemente tarareaba la parte y ellos la retomaban".

01. Sabbath, Bloody Sabbath
02. A National Acrobat
03. Fluff
4. Sabbra Cadabra
05. Killing Yourself to Live
06. Who Are You
07. Looking for Today
08. Spiral Architect

CODIGO: @

Anexo: Articulo sobre el arte de la portada. http://tinyurl.com/4s78h2p6

Magma - Kobaïa

noreply@blogger.com (Hombre Polilla) — Tue, 2 Jan 2024 23:04:00 -0500

When talking about Zeuhl, Magma's contribution wasn't the fusion of progressive-rock's intricacy, jazz music's fluidity and classical music's grandeur, but rather it was the abrupt rhythmic shifts, sharp harmonic gradients, strict geometrical form, tense chanting and violent theatrics, attributes that made their music feel as if you were racing downwards a slope, with occasional anxiety-inducing drops into the void.

It's no wonder this band is so good, as even their debut pretty much kicked my ass. Or at least most of my ass. Not as off the wall or as symphonic as they would become, but this is pretty far off the beaten path for this time period. A more prominent jazz influence, but still plenty of progressive shifts. Actually a lot of this sounds pretty damn Krautrock sounding, and very good Krautrock at that. The second disc seems to falter a bit, but I must say I'm still surprised how well this album holds up.

How many other bands can you name that had the gall to debut with a double album?

El kobaïano es una lengua construida, creada por el baterista y compositor francés Christian Vander para su banda de rock progresivo Magma. Es el lenguaje de Kobaïa, un planeta ficticio inventado por Vander para una «ópera espacial» cantada en kobaïano en diez discos conceptuales de Magma.

Un debut que sobre-explota todos los recursos disponibles y consigue crear una descarga de sonidos que van más allá de la razón, el álbum es caos pero también es armonía, es una maraña de ideas que se apelmazan todas juntas y se concebí una revolución dentro del universo del Jazz. La performance de Magma está a un nivel muy elevado, su propuesta inicial es una mezcla vanguardista a base de rock, jazz y música contemporánea, pero ahí no acaba la el asunto, el "sello magma" manifiesta un sonido rítmico, poderoso, rápidamente cambiante a veces; es crudo, sombrío, pero también resplandeciente y está influenciado por Stravinksy, John Coltrane y/o Albert Ayler. Kobaïa abre la puerta a un universo y promulgara una corriente musical denominada Zeuhl (“celestial” en kobaïano) sin embargo este no es el álbum clave para el seminal concepto; aquí se abren las puertas que tomaran la forma, pero aún no se decanta la verdadera esencia, eso se apreciara mejor con el mítico Mëkanïk Dëstruktïẁ Kömmandöh y se comenzara a crear una escuela en donde nacerán nuevas propuestas e ideas para germinar por completo el género musical Zeuhl. Christian Vander concibe todo un universo y lo expande hacia el universo sonoro creando así una epopeya épica en donde se expandirá el concepto original y nacerá una propuesta experimental/innovadora rica en texturas, capas y conceptos de vanguardia. Magma es una entidad escalofriante que nos sumerge hacia una aventura cósmica dentro de un remolino de Jazz experimental que gira en una velocidad intermitente.

Mis impresiones son muy altas, la experiencia con este álbum es sencillamente delirante, su performance es progresismo puro y el concepto que tiene es una locura de proporciones bíblicas. Sumergirse a profundidad en esta obra es agotador, entre pasajes celestiales, arreglos pomposos, cambios de tiempo demenciales, atmosferas oscuras y sonidos pesados, uno termina exhausto de tantas sensaciones y experiencias; es una álbum que rebosa de un sin fin de elementos y cada vez que uno regresa a "la experiencia" siempre se encuentran nuevos detalles. Una de las cosas que más rescato de Kobaïa es la conceptualidad de la obra, la propuesta creativa para engendrar una historia y plasmarla en música es loable, es todo un nuevo universo de capaz, texturas y visiones. Vander es un visionario que se adelantó a su tiempo, por lo tanto TODAS su obras tienen su propia personalidad y esencia y este debut posee un concepto inicial que deja en claro su enorme creatividad, basta escuchar canciones como Thaud Zaia, Naü Ektila o Kobaïa para captar la enorme dimensión de Magma. Muchos califican el debut de la banda como: "Una Ópera oscura de jazz-rock con algo de orquestación sinfónica, tambores grandilocuentes, “atmósfera orffiana” y vibraciones tribales" y tienen razón pero para mí es más que eso, es una obra atemporal que fusiona un universo e inventa una conjugación sonora que se elevara por lo éteres y engendrara una nueva generación de músicos que tomaran sus bases y darán a luz el Zeuhl. Hasta más vernos.

Minidatos:
*Magma (posteriormente relanzado como Kobaïa) es el álbum debut de la banda francesa de rock progresivo Magma. En 1969 apareció el primer single, y finalmente en 1970 fue publicado en su totalidad como un doble LP. En este álbum relata la historia de Kobaïa, un planeta ficticio en el que se asientan un grupo de refugiados que huyen de La Tierra. Todas las letras del álbum (y del resto de álbumes de Magma) están en kobaïano, un lenguaje construido inventado por Christian Vander, líder de Magma, para contar la historia conceptual de sus álbumes.

*Vander dijo en una entrevista que había inventado el kobaïano para Magma porque «el francés no era lo suficientemente expresivo. Ya sea para la historia como para el sonido de la música». Además, reveló que el lenguaje se desarrolló en paralelo con la música, y que los sonidos aparecían mientras componía en el piano, e incluso en sueños. Vander basó el kobaïano en elementos eslavo-germánicos y del scat-yodelling, estilo vocal estadounidense del cantante de jazz de vanguardia Leon Thomas.

*Christian Vander llamó a la música de Magma Zeuhl ("celestial" en kobaïano) El Zeuhl se convirtió en un género musical, el cual se usó para describir a la música similar a la de Magma. Con el tiempo, han aparecido varias bandas Zeuhl japonesas, incluyendo a Ruins y a Kōenji Hyakkei, cuyas letras también son cantadas en lenguajes construidos similares al kobaïano.

*La garra, dentro de la mitología kobaïana, pertenece a Kreühn Köhrmahn, la deidad o ser supremo de este universo que sería desarrollado conforme se agiganta la carrera musical de Vander y compañía.

01. Kobaïa
02. Aïna
03. Malaria
04. Sohïa
05. Sckxyss
06. Auraë
07. Thaud Zaia
08. Naü Ektila
09. Stoah
10. Mûh

CODIGO: @

¡Feliz Año Nuevo! ¡Nuevos días, nuevas oportunidades!

noreply@blogger.com (Hombre Polilla) — Mon, 1 Jan 2024 00:44:00 -0500

Un año más contra todo y seguimos en el ruedo porque nos gusta el maltrato pero también las ganas de compartir, por ello estamos dándole brillo al blog aunque ya no con el mismo ritmo de antaño, sin embargo aquí estamos y esto nadie lo para.

Fue un año muy lento y con un golpe muy fuerte casi al final del camino, pero eso no fue motivo para dejar de hacer las cosas con corazón; como sabrán Ulož.to paso a mejor vida. UNA LASTIMA la página host hizo unos cambios muy drásticos como una respuesta forzada a la legislación europea entrante (DSA) así que ya no es posible compartir archivos y carpetas y el servicio es solo para fines de copia de seguridad personal o comercial. Se ha eliminado el enlace a buscadores externos. El acceso a los archivos de otros usuarios ya no es posible, por lo tanto todo lo que se almaceno en mi cuenta (más de 100 enlaces de descarga) ya no es accesible al público, por ello tome la dura decisión de no compartir enlaces de descarga en el blog pues realmente ya estoy cansando de que me bajen las cuentas, pero eso no sería justo para nadie así que luego de meditar mucho opte por la opción de compartir el material en privado. Así que ese es el único cambio drástico que tendrá el blog. Para este 2024 se vuelve a plantear el viejo ritmo de fase interdiario, se han quitado unas secciones que estaban de más, se han recortado las propuestas que se habían plateando a principio y se agregado un nuevo formato -que de nuevo no tiene nada- solo es volver al planteamiento original del blog. Como sabrán el blog nació como una idea de compartir links externos y hacer una reseña sencilla; esa idea se amplió y luego dio otro giro, ahora replanteé la idea de crear un pequeño catálogo universal aunque debo decir que la idea matriz fue crear un blog-zine pero ante el desarrollo de eventos y circunstancias que tuve eso se quedó "flotando" en un viejo blog que se perdió, ahora con un poco más de años la idea surge de nuevo pero... es otro el objetivo final: "Compartir vivencias mas no profundizar en el tema" pues eso se lo dejo a los sabedores. Esto es más personal e íntimo. Un año sin mucho que aportar pero que al final se dio un brinco, se creó una idea y ahora vamos con un nuevo camino. Así que solo me queda decir UN FELIZ 2024 y larga vida al CULTO. Hasta más vernos.

The Mahavishnu Orchestra - The Inner Mounting Flame

noreply@blogger.com (Hombre Polilla) — Sat, 30 Dec 2023 14:17:00 -0500

Holy shit. It helps that John McLaughlin is already one of the most underrated guitar players ever, but his band is also made up of incredibly tight, masterful musicians. The Inner Mounting Flame is jazz fusion at its heaviest, most punching, at quite possibly at its best. From complex prog pieces to demented blues jams, McLaughlin's orchestra is a powder-keg of energy that's always on the verge of exploding. It should stay that way, too.

This album is rad for so many reasons. It is the moment whence through sheer force of will, jazz circled back around to smash headlong into progressive rock. This album is almost as heavy as King Crimson's Red, for reals. Jan Hammer who plays piano on this album went on to do the theme song for 80s Miami Vice.

This is the album that made John McLaughlin a semi-household name, a furious, high-energy, yet rigorously conceived meeting of virtuosos that, for all intents and purposes, defined the fusion of jazz and rock a year after Miles Davis' Bitches Brew breakthrough.

Entrañable debut de una banda que supo cómo plasmar la fusión del Jazz a niveles garrafales y elevar su ponencia a horizontes remotos con una visión vanguardista. McLaughlin tenía ideas muy sui generis acerca de cómo instrumentar su grupo buscando siempre el concepto de mezclar géneros a la hora de componer. Especialmente, buscaba un violinista. Luego hizo patente su guitarra de doble cuello (con 6 y 12 cuerdas), y Hammer añadió un sintetizador Moog, lo cual le permitió entablar un diálogo con el lenguaje de la guitarra de McLaughlin y el resultado fue un álbum interesante que desprende de sus adentros un sonido jazz con influencias progresivas, por lo tanto el álbum desarrolla un ambiente místico envuelto en un jazz ecléctico y compuesto por elementos progresivos, en si un álbum intenso, "extrovertido", complejo, audaz y que se yergue en los jams y trepa por los muros de la sinrazón; en pocas palabras un álbum DES-CO-MU-NAL que siendo inexperto e inmaduro en cuestiones de performance este logra producir momentos intensos y brillantes. En resumen un debut magistral que desarrolla un sonido explosivo y se desenvuelve libremente.

Contraportada del acetato donde se aprecia a la banda en un collage fotográfico.

Mis impresiones son altas, para ser un debut esta obra me dejo flotando en un mar de sensaciones, la performance aquí es vanguardia pura y la manifestación sonora es una vorágine de pulsaciones eléctricas; los cambios de tiempo, los arreglos elegantes y los pasajes eclécticos deslumbran demasiado, la conexión de los músicos y la visón de la banda consigue ser una experiencia fantástica, canciones como Vital Transformation es una explosión de libertad, mientras que A Lotus on Irish Streams es la otra cara de la moneda. Hay una puesta sonora que da cabida a las altas ponencias progresivas pues beben mucho de ello, en un punto el álbum se quiebra en progresiones y se impregna de esas influencias. Aun inmaduros en conceptos e ideas el debut logra elevarse hacia los terrenos del CULTO. En mi opinión es una antesala hacia la verdadera evolución de Mahavishnu Orchestra, la banda expandirá su propuesta y dejara a futuro verdaderas OBRAS DE ARTE, por el momento The Inner Mounting Flame es la punta de lanza hacia la magnificencia del Jazz más elegante, vanidoso y rimbómbate, pretensión resplandeciente del concepto JAZZ PROG. Hasta más vernos.

Minidatos:
*The Inner Mounting Flame es el primer álbum de estudio de la banda estadounidense de jazz fusión Mahavishnu Orchestra, lanzado el 14 de agosto de 1971. Ocupa el puesto 89 en el Billboard 200 de 1971.Publicado como The Mahavishnu Orchestra with John McLaughlin, se le considera uno de los primeros álbumes de jazz rock.

*Sus dos primeros álbumes son obras maestras absolutas del género. Un logro sorprendente y seguramente uno de los mejores álbumes jamás creados, "The Inner Mounting Flame" desafía la categorización ya que yuxtapone influencias de rock, jazz, música clásica, india y celta de una manera que es a la vez agresiva y sutil apenas un año después.

01. Meeting of the Spirits
02. Dawn
03. Noonward Race
04. A Lotus on Irish Streams
05. Vital Transformation
06. The Dance of Maya
07. You Know, You Know
08. Awakening

CODIGO: E.10

8 Days In April - The Hamburg Scene

noreply@blogger.com (Hombre Polilla) — Fri, 29 Dec 2023 14:28:00 -0500

What would you expect from a band and album simply titled the hammond player's surname? An album full of hammond bombardment? Classical music adaptations? That's exactly what i was expecting but instead i found a real bluesy, proggy rock band playing very well written and arranged tunes. What really surprised me is that this is not a hammond album. I mean guitar parts are at least as long as organ parts and guitarist Thomas Kretschmer is really one of a kind. He plays with that eerie tone similar to Down to Earth era Ritchie Blackmore which i adore.

Kravetz is Jean-Jacques Kravetz, keyboardist extraordinaire for Frumpy. At its core, this is a blues rock album, not that dissimilar to Frumpy themselves. But there's long sections given for instrumental work, and almost all of it is astounding. Kravetz puts in a fine performance, especially on organ - some of it moves towards the experimental recalling Xhol on Motherf*ckers & Co. Perhaps a distant cousin to the Brian Auger albums of the same time period. Essential Krautrock.

Muy buena banda y fenomenal disco que cumple con todas las exigencias del mejor progresivo. Puro rock. ¡Gracias!

@Carlos (León)

Proyecto de Jean Jacques Kravetz que nos plasma una propuesta interesante de rock progresivo con tendencia hacia lo ecléctico y aromas que nos recuerdan un poco al viejo pasado de Kravetz (Frumpy), por lo tanto el sonido del álbum se decante en posturas más dóciles y melódicas que atiborradas ponencias de ligues más "pesados". The Hamburg Scene fue lanzando 1972 y está armando por 5 pistas que encierran una elegante performance instrumental la cual nos demuestra un desempeño melódico muy prometedor en donde se puede degustar melodías con un sonido menos denso a comparación de lo que se hacía en la Alemania de aquellos días. En pocas palabras 8 Days in April logra producir un sonido con un sello característico, el cual es una propuesta menos compleja pero espontánea (sus improvisaciones no eran tan acidas o "extravagantes"). Su postura era más fresca y lograba captar mucho la atención, pues bebe mucho de la influencia británica y de las fusiones; por ello el resultado de ese coctel es un rock progresivo melódico con elementos del Krautrock y refinados tintes sabor a Jazz. La presencia de sintetizadores y efluvios cósmicos en parte logra producir una sensación muy placentera, aunque no es un viaje hacia lo "DURO", la pausada y estilizada manifestación sonora hace de la sesión algo bastante entretenido.

Contraportada del acetato original donde se aprecia a los 3 miembros de la banda. Kravetz aparece en la portada

Mi impresión con este álbum de CULTO es regular, no es de las cosas que logre saborear al máximo, pues su lado más "melódico" me causa una sensación de abrumador letargo, por lo tanto no consigo alcanzar un clímax profundo cuando estoy en plena sesión, sin embargo a pesar de aquellos vértigos debo decir que el álbum tiene mucho que ofrecer; no es una álbum desdeñable en sus capacidades y bondades, es todo lo contrario, pues su performance es bastante loable, tiene momentos de intensidad progresivas que hace deslumbrar a cualquier fan del sonido de los 70’s, sus arreglos son pura vanidad, los cambios de tiempos envueltos con los sonidos del hammod y los sintetizadores logran producir una buena sensación, canciones como Routes o Ann Toomuch son claros ejemplos de esa exquisita manifestación progresiva. Una obra con pros y contras pero que al final consigue alcanzar el objetivo que se busca, pues la banda alcanza ser un pequeño prodigio dentro de aquella fauna de los 70’s. En mi opinión merecía mas luz de la que destila -siempre entre las sombras de la escena, pero marcando una diferencia con su concepto y propuesta- no hay un punto de quiebre en la obra, salvo su edulcorada manifestación soft rock con la soporífera I'd Like To Be A Child Again PERO aparte de ello es un álbum precioso y de CULTO por donde se le mire. Una auténtica chispa alemana con varias influencias generales y minimalistas. Hasta más vernos.

Minidatos:

*Al principio el proyecto iba ser una obra en solitario. Sin embargo, eventualmente 8 DAYS IN APRIL se convirtió en una banda de cuatro miembros principales y dos invitados especiales. Udo Lindenberg fue el segundo en importancia después de Kravetz, escribiendo y cantando las voces, además de componer gran parte de la música. Steffi Stephan, al bajo, y Thomas Kretzschmer, a la guitarra (con, a veces, una frescura asombrosa) se unieron a la musicalidad.

*La pieza "I'd Like To Be A Child Again" está arreglada principalmente por la vocalista Inga Rumpf, también conocida por algunas de las experiencias de FRUMPY. Originalmente el proyecto se llamada "Kravetz" (dado el promotor), la banda finalmente adoptó el nombre “8 DÍAS EN ABRIL”, y su álbum de 1972 se tituló The Hamburg Scene.

01.I'd Like To Be A Child Again
02.Ann Toomuch
03.Routes
04.When The Dream Is Over
05.Master Of Time

CODIGO: E-32

Nota: Para apreciar el arte de la portada original click en el enlace.
https://ibb.co/x1bX52w

Satin Whale - Desert Places

noreply@blogger.com (Hombre Polilla) — Mon, 25 Dec 2023 14:56:00 -0500

Consistently fantastic, hard edged prog, featuring great guitar, organ, flute, and sax, as well as excellent mat'l. Among my fave krautrock albums. Dated and well within the parameters of progressive German rock but still so well executed and felt that I cannot call it anything less than very good.

Very good and consistent first album by the germans Satin Whale. Hard edged bluesy and jazzy progressive rock. Excellent organ and guitars and tasty flute. A mix of Tomorrow's Gift, Jane and Eiliff.

"Con o sin aporte seguire compartiendo con ustedes pues merecen toda una debida dedicacion, espero fidelidad de su parte, pues yo quiero plasmar mi pasion en ello, por lo tanto TODOS tienen ingreso"...Mil y mil gracias por ser así amigo polilla.. ya te siento una amistad... ojalá, gracias por cada review por cada disco.. yo no tengo tu espiritu.. si subiese mis archivos bien podría tener un blog.. pero no tengo ese espiritu para hacer un rar , subirlo y esconder un link..

@EdProgressive

Un torbellino energético, es lo que es este disco, rapido vibrante,contundente, a ratos parece una jam, a ratos un directo, también con sus momentos sofisticados.(se nota que son buenos instrumentistas)estupendos solos. Imposible estarse quieto escuchando este estupendo revitalizante. Zozquert Hace pocas semanas "descubrí" este álbum y verdaderamente me ha sorprendido y atrapado. Aún no he oído los trabajos posteriores, pero este debut me pegó fuerte. Un abrazo desde Chile.

@LaCavernaMusical

Uno de esos debuts que logran captar una vibra enorme desde la primera escucha. La performance de estos eclécticos alemanes los harán volar de la silla pues aquí se pronuncia una vitalidad única. Energía pura, grandes cambios y una atmosfera que no siendo progresiva peca con ello, así esto: "una obra demencial pero muy técnica". Desert Places es un tremendo debut. Una obra que consigue pronunciarse hacia un buen futuro. La banda realiza un buen trabajo y la base instrumental es pieza clave para el sonido particular de los "Whale", sin duda alguna sorprenderá a más de uno ya que esto es un torbellino de sonoridades que explotan una y otra vez. Aquí mis impresiones.

Desert Places es un álbum bastante interesante pero un poco difícil de catalogar, su performance en si es un remolino de cosas, una sensación de virtudes y una forma extraña de plasmar un concepto, toma elementos del Jazz, el Rock Progresivo, la Psicodelia, el Folk y el Krautrock. Por un lado cabe muy bien como una entidad Jazz Prog, pero por otra se decanta hacia los terrenos del Heavy Prog y por otra se mueve bajo un tinte Krautrock de naturaleza Jazz, por lo tanto es muy difícil llegar a un estilo preciso pero OJO su música es una experiencia sumamente enriquecedora, grata y llena de detalles dentro de su concepto. Su sonido es melódico, veloz, "progresivo", y con toques de Jazz y brochazos de psicodelia. Cada pieza es toda una aventura sonora y en ellas se pueden apreciar un tecnicismo bárbaro. El álbum esta compuesto por excelentes arreglos, cambios de tiempo y un swing cañero. Por consiguiente una experiencia gratificante y mágica. En mi opinión un épico debut lanzado en un año bastante "florecido" dentro de un genero que había tomado por asalto todo y por ende entraba en una etapa muy rica, pero en boga hacia un futuro inhóspito y es que esta la banda la siento como una especia de repuesta a esa época y a muchas cosas que surgían en Inglaterra. Pero volviendo al asunto en si, es un álbum con una acertada visión y/o concepto. Eclecticismo injurioso que debió tener un poco mas de valoración en su momento, pues muchos lo encuentran muy sobrevalorado, yo no estoy conforme con ello, para nada es una obra subestimada, tiene carácter, pasión, técnica y logra alcanzar un clímax muy alto.¿Que se espera de ella? Pues 3 cosas muy marcadas: 1) guitarras intensas, 2) ambientes psico-progresivos y 3) cierta onda a Jazz Rock alemán. Como punto aparte puedo decir que a este debut lo encuentro con un gusto muy cercano a Camel, pero más que ello, puedo sentir una influencia de Camel, Jethro Tull, y Colosseum. Volviendo al review; Desert Places es toda una experiencia sonora, la banda supo utilizar muy bien todos los recursos a la mano y de una u otra forma pudo reciclar todo ello y convertirlo en este magnifico álbum. Lamentablemente luego de este trabajo la banda no volverá a sonar igual, tomaran una postura mas seria, no dejaran su concepto, pero de alguna formara gestionaran una formula mas madura y pasaran igual suerte como otras bandas que se iniciaron en el 74, me refiero a Camel y es ahí que me detengo solo un momento para decir que entre Satin Whale y Camel hay cierto semejanza (obvio separando distancias), pero esa es otra historia y no vale la pena llegar ahí.

Minidatos:

*La banda alemana 'Satin Whale' fue fundada alrededor de 1971 en la región de Colonia por Thomas Brück (bajo, voz), Gerard Dellmann (teclados), Dieter Roesberg (guitarra, saxo, flauta, voz) y Horst Schöffgen (batería). Su primer disco 'Desert Places' fue lanzado en 1974 por el sello The Green Brain.

*Durante un concurso de rock en 1974 ('Rocksound 74'), Satin Whale fue elegida la banda alemana más popular. Para el segundo lanzamiento, Lost Mankind de 1975, se unió el nuevo baterista Wolfgang Hieronymi y la banda cambió al sello 'Teldec', continuando musicalmente en la misma dirección que su primer disco, con un trabajo de flauta inspirado en 'Jethro Tull'. La banda luego se fue de gira como acto de apoyo para 'Barclay James Harvest'

01.Desert Places

02.Seasons Of Life

03.Remember

04.I Often Wondered

05.Perception

CODIGO: C.1-35

Gravy Train - (A Ballad of) A Peaceful Man

noreply@blogger.com (Hombre Polilla) — Sat, 23 Dec 2023 00:26:00 -0500

Waiting for this one to Grow on Me

This is my least favorite Gravy Train album. In no particular order, here's why:

The band commits here three rock cardinal sins:
1. Lyrical content is too obviously religious or preachy.

2. There is too much sax. To me sax is only a good rock instrument when it is off-the-wall like in King Crimson, Van der Graaf or Hawkwind. Woodwind player JD Hughes would have been wise to have used his flute more here, not that it is absent or anything

3. STRINGS! Need I say more?!

Overall tunage is simply not as catchy as on the other three Gravy Train albums.
To me the album doesn't get cooking until it's almost over. The last two tracks, "Won't Talk about It" and "Home Again" are sure two juicy slices of boogie.

Hola Polilla. Mientras espero a que Rapidshare me dé la autorización para pasar a la siguiente página y al tiempo que escucho las flautas "enfuzzrecidas" (huy!, qué "palabro" me salido) del primer LP de Gravy Train, te dejo este pequeño comentario de agradecimiento por la labor de extensión cultural que realizas con tanta generosidad y entrega, dándonos a conocer tantas y tantas obras maestras de la cultura popular olvidadas y menospreciadas por los responsables de su difusión, quienes quizá no las sepan apreciar en su verdadera dimensión. Como se suele decir por mi tierra, "Dios da pañuelo a quien gasta mocos".

Te felicito también por los textos críticos con los que introduces cada disco, en mi opinión excelentes, y por toda la información que oportunamente nos vas facilitando a quienes siempre queremos saber un poco más de nuestros grupos y discos favoritos.

Como dijo Miguel Ríos, "los viejos rokeros nunca mueren". Larga vida al Arte, larga vida al ROCK!
@Carlos (León, España)

Segundo álbum de Gravy Train que fue publicado en 1971 y que tiene como soporte principal el sinfonismo, por lo tanto este álbum emana una postura "Hard-Sinfónica" que se aleja un poco del concepto inicial que se había formulado con su homónimo trabajo. (A Ballad of) A Peaceful Man se convierte en una obra de rock progresivo con cimientos sinfónicos; en sí una puesta sonora interesante y prometedora pero carente del "enganche" de su fórmula anterior, no obstante ante el bajón de fuerza en su performance y la nueva propuesta más afín a los nuevos tiempos la obra nos muestra un rostro ecléctico que de cierta forma le da "sustancia" al "nuevo sonido", pero OJO aun con todos sus "artilugios" no logra despegar del todo.

En mi opinión la banda logra evolucionar y en el proceso se aleja de aquella postura tirada hacia el lado de lo HEAVY, por ello su replanteamiento conceptual y su enfoque hacia "las nuevas visiones" gira hacia un lindero más sinfónico y asume una postura progresista; por consiguiente el resultado de esa madurez da como contestación un álbum entretenido y muy versátil, que está lleno de pasajes elegantes, arreglos vanidosos y atmósferas sinfónicas que se acoplan muy bien al sonido pesado de la banda, canciones como Can anybody hear me o Jule's Delight son claros ejemplos de aquellos procesos de evolución, mientras que uno suena como lo que debería haber seguido después de su homónimo álbum, el otro suena a la nueva visión conceptual que se estaba planteando con las influencias de su época; se alejan de la postura dura para asumir la cara más refinada del rock, por lo tanto (A Ballad of) A Peaceful Man, es álbum recomendable a pesar de que este presenta ciertos riscos y un ligero "ablandamiento" sonoro, sin embargo es una buena experiencia y la sesión se vuelve muy placentera, estamos ante el sonido más fiel de los 70’s.

Mis impresiones son de regular calibre, es un buen álbum, pero no me cala tanto como su debut, este a pesar de tener una performance más madura, refinada y pulida no consigue llevarme a un clímax profundo. Tiene una maquinación muy loable y está compuesta de una exquisita base orquestada, cambios de tiempo, fusiones y una atmosfera de sinfonismo que se cuela entre los surcos del disco. El álbum muestra una eficiente conjugación de posturas que logran producir una buena experiencia, pero ante tal deslumbramiento se diluye la postura hacia lo PESADO por lo tanto el objetivo deseado no alcanza su plenitud, siento que ante tal resplandor de ciertos momentos progresivos, su elegancia efusiva y furiosa se ha desvanecido, pero OJO a pesar que se intenta retomar a la gracia rustica del pasado y nos evocan temas como Old Tin Box o Won't talk about it no se consigue crear aquella sensación "tosca" de su debut (la madurez toca la puerta de la razón). No es un álbum mediocre pero ha perdido un poco esa cuota de experimentación hacia lo HEAVY, sin embargo nada está perdido, el álbum tiene mucho que ofrecer, si sabes pillarlo bien tendrás una buena experiencia, pues tiene 2 caras, una más dócil y otra que retoma su lado PESADO, de ti dependerá como consumirás la música de esta pequeña joya subvalorada. Hasta más vernos.

Minidatos:
*El segundo álbum, aclamado por muchos críticos y seguidores como el mejor de su carrera, salió ese mismo año (diciembre de 1971). Eso también supuso el fin de las obligaciones contractuales con Vertigo. Sin embargo, Dawn Records los contrató para otros 2 álbumes. "Second Birth" fue lanzado en 1973 y "Staircase to the Day" en 1974. Después de eso nadie escuchó realmente de ellos...

*Una característica única del álbum es que separa las pistas pesadas de las más ligeras: todas las baladas están en la cara 1, mientras que todos los rockeros están en la cara 2.

01. Alone in Georgia
02. (A Ballad of) A Peaceful Man
03. Jule's Delight
04. Messenger
05. Can anybody hear me
06. Old Tin Box
07. Won't talk about it
08. Home again

CODIGO:I-42

Clásicos de Oro: Frank Zappa & The Mothers of Invention - Freak Out!

noreply@blogger.com (Hombre Polilla) — Wed, 20 Dec 2023 11:40:00 -0500

Only a week after Blonde on Blonde, Zappa and his Mothers shocked the US with this double LP consisting of Doo-Wop pastiches, some Rock & Roll and much more. The lyrics are drenched in irony and the yelling and screaming was unheard of in popular music. I especially appreciate the crooked Who Are the Brain Police?, but every song is catchy, fun and well constructed. The C-side takes a hard turn left with the socially conscious rocker Trouble Every Day and the absurd Help, I'm a Rock and the album finishes on the funnily titled The Return of the Son of Monster Magnet. Yes, maybe a bit too crazy, but can still be fun. This was one of my favorites for a long time and still is.

Mother’s Debut (Experimental Rock Essentials)
The Mother’s debut satirizes R&B, Doo-Wop, and many other pop music staples of the 1970s. The majority of album pokes fun at yuppies, and other assorted privilege assholes. I think one of the other major themes of the album are of civil disobedience, and the unwashed masses taking the power back from ruling class, so hence the title of the album “Freak Out!”…some other themes are: anti-censorship, consumerism, policing, racial injustice, anti-semitism, and America’s other societal ills. I think some songs are referring to the 1968 riots…I don’t really know. Um…I really enjoyed the album musically, the album switch’s from dark avant-garde soundscapes, and creepily whimsical tracks…it’s really cool. I think Zappa on this record is really great, and I also enjoyed Roy Estrada’s vocal performances. So yeah, this a great album, if your someone who enjoys experimental music, but haven’t listen Frank Zappa…what are you doing?

A revolutionary album that broke countless boundaries within rock music, both in content and format. Instead of purely being about love or heartbreak like most rock songs were at the time, this criticizes those happy, bright messages with a hard dose of reality that shows the darker side of the world and love. It’s also one of the first rock albums to play with tape manipulation, using it to make some wild collages (see the last two songs).

"No era como si tuviéramos un sencillo de éxito y tuviéramos que construir a su alrededor. Cada melodía tenía una función dentro del concepto satírico completo"

Era 1966 y la vanguardia psicodélica había comenzado a tomar por asalto el mundo, en Inglaterra los Beatles habían lanzado aquella píldora psicodélica llamada Revolver, mientras que Cream reinventa el nuevo sonido con su álbum Fresh Cream y en Canterbury se comenzaba a gestionar una escena que se volvería una fuente de inspiración para muchas generaciones, en Japón la fructífera fragancia de la ola británica tomaba parte de su escena lanzando álbumes de un atornasolado aroma psicodélico y en U.S.A Zappa y sus Mothers habían lanzado lo que se consideraba uno de los primeros álbumes conceptuales de la historia. 1966 se volvió un año clave y con ello el surgimiento del álbum Freak Out! tomaría parte de la historia. El álbum era una clara señal del gran ingenio creativo de Zappa y eso se puede apreciar en la enorme performance de esta obra, pues la tarea exhaustiva de la banda te atrapa y te embarca hacia una aventura delirante; Zappa supo cómo girar las tuercas y plasmar una idea abrumadora llena de ácidos, humor, sátira y vanguardia, supo conceptualizar en su música la farsa sardónica de la cultura popular de los Estados Unidos, por lo tanto el álbum es una obra interesante que sobrepasa su tiempo ya que es un trabajo muy extraño para su época y por ende es una obra de auténtico CULTO.

Cuando el álbum fue lanzado, realmente no logró el éxito comercial ni transmisión en radios o televisoras. Pero como álbum debut, sí se tradujo en la base de una selecta fanaticada de The Mothers Of Invention, y subsecuentemente de Frank Zappa. Es visto como un álbum intelectual, lleno de sátira y, aunque con sonidos poco convencionales, bastante accesible dentro de todo.
Fuente: plus.cusica.com

Este pastiche sonoro está compuesto por rhythm and blues, doo-wop, rock con influencia de blues, arreglos orquestales y collages sonoros de avant-garde. Aunque el álbum fue recibido al principio con poco entusiasmo en los Estados Unidos, fue un éxito en Europa. En Estados Unidos se ganó seguidores de culto y siguió vendiendo en cantidades sustanciales hasta ser descatalogado a principios de los años 70’s.

La contraportada del álbum incluía una "carta" de la personaje ficticia creada por Zappa, Suzy Creamcheese (que también aparece en el álbum), que leía así:

Estos Mothers están locos. Te puedes dar cuenta por la ropa. Uno de ellos lleva abalorios y todos huelen mal. Les íbamos a traer para el baile de después del partido de baloncesto, pero mi mejor amigo me avisó de que nunca se puede saber cuántos iban a aparecer... Algunas veces el tipo de la chaqueta de pieles no aparece y otras veces aparece con un montón de gente rara y bailando por todos lados. A ninguno de los chicos del colegio les gustan esos Mothers... Especialmente desde que mi profesor nos dijo lo que significaban las letras de sus canciones. Siempre atentamente, Suzy Creamcheese, Salt Lake City, Utah.

Mis impresiones son muy buenas, no tan altas, pero cada vez que el disco vuelve a sonar en la bandeja, la experiencia se amplia y las impresiones cambian, es un álbum que siempre tiene algo nuevo que ofrecer, esa es la magia del "Rey de los freaks". La primera vez que escuche este álbum me dejo pensando; que inmensidad tan ignota y que manera tan profunda de crear. Zappa siempre ha sorprendido por la maña que tiene y sobre todo por su gran talento, realmente es un genio entre los genios y es que juega con tanto que no deja nada a la imaginación. Freak Out! me llevo hacia la experiencia más sobrenatural, siendo un trabajo un poco sencillo en algunos puntos, lo que dejaba en flote su verdadero valor era la maquinación que tenía y la forma como desarrollaba la idea para convertirla en música ¡AHÍ SE ENCUENTRA EL VALOR Y LA ESENCIA DEL ALBUM!, en ese punto se quiebra todo. No hay duda que estamos ante uno de los debuts más ambiciosos de la historia del rock, Freak Out! fue un álbum conceptual (fundamental) que de alguna manera presagiaba tanto el art rock como el punk al mismo tiempo. Sus cuatro caras del LP deconstruyen las convenciones del rock a diestro y siniestro, y finalmente avanzan hacia un territorio inspirado en los compositores clásicos de vanguardia. Fue un álbum intrépido, sesudo y bastante potente; con todo lo que tenía y enmarcaba; se podría decir que esta joya logra calar profundo, si hasta el mismo Paul McCartney comentó que Freak Out! fue una inspiración para Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Hasta más vernos.

Minidatos:

*Aunque a menudo es citado como uno de los primeros álbumes conceptuales, el verdadero nexo de unión del álbum no está basado en la música del mismo, sino en la actitud satírica basada en la percepción única del líder de la banda Frank Zappa respecto a la cultura popular de Estados Unidos.

* El guitarrista Elliot Ingber, que luego trabajaría con The Magic Band de Captain Beefheart bajo el nombre de Winged Eel Fingerlin.

*El álbum fue producido por Tom Wilson, que ofreció un contrato discográfico a The Mothers, anteriormente una banda que tocaba en bares, conocida como Soul Giants, creyendo que era una banda de blues formada por gente blanca.

* A principios de los años 1960, Zappa conoció a Ray Collins. Collins se ganaba la vida trabajando como carpintero, mientras que los fines de semana cantaba con una banda llamada Soul Giants. Collins se peleó con el guitarrista de la banda, que abandonó dejando una plaza vacante que después pasaría a cubrir Zappa. El repertorio original de Soul Giants estaba compuesto únicamente de versiones. Una noche, Zappa sugirió a la banda comenzar a tocar material propio e intentar conseguir un contrato discográfico. Mientras que a la mayoría de los integrantes de la banda les gustó la idea, el por aquel entonces saxofonista y líder de la banda Davy Coronado pensó que tocar material original les costaría perder actuaciones, por lo que abandonó la banda. Soul Giants se convirtió en The Mothers, y Zappa tomó el control de la banda.

01. Hungry Freaks, Daddy

02. I Ain't Got No Heart

03. Who Are the Brain Police?

04. Go Cry on Somebody Else's Shoulder

05. Motherly Love

06. How Could I Be Such a Fool

07. Wowie Zowie

08. You Didn't Try to Call Me

09. Any Way the Wind Blows

10. I'm Not Satisfied

11. You're Probably Wondering Why I'm Here

12. Trouble Every Day

13. Help, I'm a Rock

14. It Can't Happen Here

15. Return of the Son of the Monster Magnet

CODIGO:@

Anexo: En 2006 se lanzo The MOFO Project/Object, un documental en audio acerca de la grabación del álbum, fue lanzado en honor a su cuarenta aniversario.

Canarios - Ciclos

noreply@blogger.com (Hombre Polilla) — Fri, 15 Dec 2023 00:21:00 -0500

Overblown prog-rock "epic" with a huge budget. This is an album that wholeheartedly embraces all the clichés which make prog - from our jaded post-modern perspective - terminally "uncool." Which of course makes it a lot of fun, in an "ironic" way. But from an authentic, emotional perspective, I find most of the passages too overwrought for their own good. Still, over the course of 4 sides, there is enough to warrant an occasional listen.

A Spanish Beat band, transforming into a Classical Prog act to work on Vivaldi's ''4 Seasons''.2-LP press with four 16 to 21min. tracks, which still sounds rather fresh.Apparently the Classical influence is huge, but there are also some impressive operaric arrangements and keyboard complexities around with a personal character, a bit close to the sound and style of the Italian bands.Plenty of synths and Mellotron as well.

Es una obra maestra, excepcionalmente compleja, magistralmente ejecutada, pero desde mi punto de vista queda excesivamente encorsetada por la búsqueda de la complejidad, perdiendo la frescura que rebosa en multitud de grupos que has posteado. Aunque criticar el considerado como mejor disco español de todos los tiempos sea algo osado, pienso que la visión progresiva de la obra maestra de Vivaldi es muy original, pero no seduce. Por otra parte, no deja de ser un disco imprescindible en cualquier discografía que se precie, idem de un blog como este, o incluso de mi pobre discografía original. En cualquier caso recomiendo su escucha, ya que es más que probable que esta "miel no pueda ser apreciada por la boca del asno", es decir, yo mismo. Muchas gracias!

@Antonioae

"... Ciclos (*) no es una adaptación al gusto popular, sino una compleja recreación de la obra de Vivaldi en una dimensión nueva; una dimension que tiene sus propios medios de expresión y que se ha venido a llamar "Pop". (*) palabras de Alfredo Carrión, extraído del libreto del CD

Una manifestación artística tan enorme y tan repleta de detalles que el concepto de "Art Rock" le calza perfecto a esta obra de los españoles Canarios. Ciclos es una obra conceptual basada en las cuatro estaciones de Vivaldi y que consta de cuatro conceptos entrelazados por una estética increíble y envuelta por una visión vanguardista de primer nivel. El álbum está compuesto por cambios de tiempos dramáticos, arreglos elegantes, innovaciones y un esplendor inmenso en cada suite. Si te gusta el sonido prog sinfónico en la línea de bandas como: TRIUMVIRAT, ELP o YES este álbum seguramente lo disfrutaras de principio a fin. La obra es una puesta intensa del más claro e irreverente rock sinfónico; una obra de absoluta postura ARTI que cuela entre sus paredes la rimbombancia electro-sinfónica y la vanidad entrañable del progresismo más "ficho". 4 Suites repletas de entonaciones lumínicas compuestas por las más elocuentes composiciones que dentro su desarrollo te llevan a navegar por un mar de sensaciones, pues está repleto de capas sonoras que con cada sesión descubres un detalle nuevo, la experiencia es enorme y no hay duda que la obra abraza de una forma magistral el concepto de rock progresivo.

Mis impresiones son muy altas, demasiado para describir la obra en toda su dimensión, mis palabras quedan cortas ante tal muestra de pomposidad sonora y es que el álbum es pura expresión artística de alto nivel, no hay duda que es una obra ambiciosa y por ende logra calar profundamente en el espíritu de quien la escucha. La primera vez que pude "saborear" este álbum me dejo atónito ante tal maquinación que tenía, pues no es una obra sencilla, es agotador escucharlo, pero vale la pena prestarle toda la atención porque en ella encontramos la finura de la sonoridad más profunda, como la rimbombancia del concepto progresivo. Debo decir que es otro de esos álbumes que se aprecian mejor en toda la quietud de la noche, en completo silencio y concentrado. Su performance es sencillamente electrizante y sobrenatural. Dentro de su dimensión nos encontramos con una intensa experiencia; una aventura épica hacia la divergencia del caos. CICLOS es una obra atemporal e inimaginable para su época. Hasta más vernos.

Minidatos:

*Los Canarios fue una banda originario de Las Islas Canarias, que funciono en la década de los 60's alrededor de su cantante y lider Teddy Bautista; grabando su primer disco en 1967 para la película de Carlos Saura "Peppermint Frappe", pero el éxito no les llego hasta 1968 con la grabación en Londres del single y éxito del verano del 68 "Get On Your Knees" para Movie Play y producido por el frances Alain Milhaud.

*Teddy y Alan llamaron para el evento a músicos reconocidos por aquel entonces como: Mathias Sanuellian, Christian Mellies, Antonio Garcia, Teddy Richard, Alfredo Carrion y a la soprano de moda por aquel entonces Rudmini SYKMAWATI, hija de Sukarno, presidente por entonces de Yakarta.

01.Primera Transmigración (Paraiso Remoto) (16:50)

- a) Genesis

- b) Prana (Grito Primario)

- c) Primera Visión de un Mundo Nuevo

- d) Himno a la Armonía Magistral del Unverso

- e) Primeros Pasos en un Mundo Nuevo

- f) Metamorfosis Extravagante

02. Segunda Transmigración (Abismo Próximo) (16:45)

- a) Narración Extravagante

- b) Primeras Preguntas en un Mundo Nuevo

- c) Canto al Niño Neurótico

- d) Himno Crítico a la Primera Adversidad

- e) Desfile Extravagante

- f) Proceso Alienatorio

- g) Serenata Extravagante

03. Tercera Transmigración (El Entorno Futuro) (17:47)

- a) Pequeño Concierto Extravagante

- b) Paginas de Plata de un Diario Intimo

- c) Anti-Himno a la Programacion Cibernetica

- d) Monasterios

- e) Proceso Ciberetico

- f) Villancico Extravagante

04. Cuarta Transmigración (El Eslabón Recobrado) (21:53)

- a) Hibernus

- b) Crisis

- c) Ballet de las Sombras

- d) Himno a la Armonía Implacable del Fin

- e) Vanessa (El Aliento de la Osamenta)

- f) Nirvana Extravagante

- g) Diálogos a Alto Nivel

- h) Hiperdestrucción

- i) Apocalipsis

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