El Bazar del Espectáculo Cine

¿Por qué El Bazar del Espectáculo Cine es un Archivo Histórico Digital?

2026-05-29T06:30:07.000-03:00

Hemeroteca y Archivo Histórico Digital de El Bazar del Espectáculo (2008 - 2018)

Nace una estrella 2018, pelicula con Lady Gaga: Sinopsis, reparto, ficha: A star is born

2018-11-25T23:29:00.002-03:00

SINOPSIS

En "Nace Una Estrella", Bradley Cooper y Lady Gaga fusionan su gran talento para representar la cruda y apasionada historia de Jack y Ally, dos almas artísticas que unen sus fuerzas en el escenario y en la vida.

El suyo es un viaje complejo a través de la belleza y el desamor de una relación que lucha por sobrevivir.

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Ocean's 8 Las estafadoras: Critica: Ocean's Eight

2018-11-13T17:46:00.003-03:00

Ocean's 8, las estafadoras, es la nueva entrega de la saga de La gran estafa en versión cien por ciento femenina que te hará pasar un rato más que entretenido gracias a su atractivo elenco y su buena química.

Tiene un excelente ritmo, logra predisponer más que bien al espectador desde su primer escena y sigue fiel a la premisa y dinámica con la que se caracteriza esta saga sobre la planificación y la realización en equipo del robo perfecto.

Pero los más exigentes seguramente van a extrañar la creatividad, complicación y originalidad de los robos anteriores, ya que si hacemos comparaciones este es bastante sencillito, pero siempre es entretenido ver cómo se las ingenian para que todo les salga con éxito.

Entretenimiento dinámico y garantizado.

Cintia Alviti

Encontrá en este otro artículo sinopsis, ficha y data

En este artículo podés leer porque mis críticas no contienen calificación, sinopsis o detalles técnicos .

Intensa-mente, poster latino afiche oficial: Inside out

2015-06-12T04:29:00.004-03:00

FECHA de ESTRENO

ARGENTINA

18 de JUNIO 2015

CON LAS VOCES DE
Mindy Kaling, Bill Hader, Amy Poehler

DIRECCIÓN

Pete Docter

Poster oficial de la distribuidora Argentina para promoción de la película en cines y medios de difusión.

Podés encontrar más data sobre la película buscando en el Índice

Solo: Sinopsis, elenco, ficha: Dirigida por Guillermo Rocamora

2015-06-28T06:01:00.003-03:00

SINOPSIS

Nelson es trompetista de la banda de la Fuerza Aérea desde hace más de veinte años.

Siente que no ha logrado nada en su vida.

Luego de que su mujer lo abandona encuentra en un concurso de música la oportunidad para romper con la rutina, hacer algo importante y realizarse.

Nelson siente que es el mejor músico de la banda pero que allí no puede consagrarse.

La Fuerza Aérea le impone un viaje a la Antártida con la promesa de un posible ascenso.

La fecha del viaje coincide con el día de la final del concurso y se ve obligado a elegir entre el certamen de música y su carrera militar.

NOTAS DEL DIRECTOR

El hombre lo dejó todo para empezar de nuevo. Yo vi como empezó otra vez, haciendo muchas cosas sin importarle si realmente sabía hacerlas. Estuve mucho tiempo convencido de que todo era para lograr el reconocimiento de los demás. Construía su éxito convenciendo a gente común de sus talentos. Siempre admiré su valentía. No hacer lo que se esperaba de él, sino lo que él quería. Era hombre buscando, decidido a cambiar su vida. Nada podía detenerlo.

Me vi muy reflejado en él, nos parecemos mucho. Siempre me pregunté si salimos a buscar lo que realmente queremos o salimos a buscar el aplauso de los demás. Los dos tenemos el anhelo de algún día poder liberarnos de todo esto y "ser" nada más.

"Solo" trata sobre nuestros propios miedos, deseos, mentiras y frustraciones.

BIOGRAFÍA DEL DIRECTOR

Guillermo Rocamora (Uruguay, 1981). Estudió Ciencias de la Comunicación en la Universidad de la República y cursó el taller de guión de la Escuela Internacional de Cine y Televisión en Cuba. Trabajó como asistente de producción en el largometraje "Whisky" (2004) de Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll. Participó como segundo asistente de dirección en "La perrera" (2006), de Manolo Nieto. Escribió y dirigió el cortometraje "Conexiones" (2004), al que siguió "Buen Viaje" (2008) en codirección con Javier Palleiro, selección oficial en el Festival de Cannes y premio a Mejor Producción Iberoamericana en Zinebi, Bilbao.

En televisión escribió y dirigió la serie infantil "El show de Walter Watts" (2010), producida por Televisión Nacional Uruguay. En 2010 escribió y dirigió el documental "Colonia, encuentro mágico", sobre el departamento de Colonia y patrocinado por la UNESCO. Productor asociado y co-montajista del documental "Las flores de mi familia" (2012), de Juan Ignacio Fernández. Trabaja además como director de publicidad desde 2008, produciendo piezas para México, Colombia, Ecuador y España. Actualmente se desempeña como productor y co-guionista del largometraje "Agua", dirigido por Javier Palleiro, apoyado por el Talent Campus de la Berlinale y el programa Ibermedia.

"Solo" es su primer largometraje como director, seleccionado en el Encuentro de Jóvenes Directores del Festival de Biarritz 2008 y ganador de los fondos de desarrollo Hubert Bals, Ibermedia e ICAU, de los premios de producción FONA, ICAU y Hubert Bals Plus y del premio a Mejor Ópera Prima en el Festival Internacional de Miami.

FESTIVALES

Festival Internacional de Cine de Miami

Premio Mejor Ópera Prima

Festival de Cine de Vancouver

Youth Jury Award Special Mention

Jecheon International Film Festival

International Competition

Festival de Cine de Lima

Múltiples Miradas

Mostra Internacional de Cinema São Paulo

Competição Novos Diretores

Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana

Concurso Ópera Prima

Chicago Latino Film Festival

Selección Oficial

ELENCO

Enrique Bastos

Fabián Silva

Bartolo Aguilar

Claudia Cantero

Rita Terranova

Marilú Marini

FICHA TÉCNICA

Dirección: Guillermo Rocamora

Guión: Guillermo Rocamora / Javier Palleiro

Dirección de Fotografía: Bárbara Álvarez

Sonido Directo: Fabián Oliver

Dirección de Sonido: José Luis Díaz

Dirección de Arte: Mariana Urriza

Edición: Juan Ignacio Fernández / Guillermo Rocamora

Jefa de Producción: Gabriela Boullosa

Asistente de Dirección: Lolo Paradell

Género: comedia dramática

Duración: 90 min

Formato de captura: Super 16 mm

Formato de finalización: 35 mm / CDP

Productores: Javier Palleiro, Guillermo Rocamora

Productor Ejecutivo: Javier Palleiro

Coproductores: Gastón Rothschield, Ignacio Rey, Denis Vaslin

Productores Asociados:

Juan José López, Samuel Chauvin - Promenades Films, Oriental Films

EMPRESAS PRODUCTORAS:

SÉACUÁTICO / SUDESTADA CINE / VOLYA FILMS

Coproducción uruguaya-argentina-holandesa

Distribuye: Primer Plano Film Group S.A

Ocho apellidos vascos: Sinopsis, elenco, ficha: Dirigida por Emiliano Martínez Lazaro

2015-06-28T05:57:00.003-03:00

SINOPSIS

Rafa (Dani Rovira), andaluz de pura cepa, nunca ha tenido que salir de su querida Sevilla para conseguir lo que más le importa en la vida: el jerez, peinarse a la gomina, la juerga y las mujeres.

Hasta que un día todo cambia cuando aparece la primera mujer que se resiste a sus encantos: Amaia (Clara Lago), una vasca orgullosa.

Rafa está decidido a conquistarla y viaja hasta un pueblo de la Euskadi profunda; para conseguir el amor de Amaia hará lo que haga falta.

¡Hasta hacerse pasar por vasco!

La película española más vista de la historia! Más de 10.000.000 de espectadores

PREMIOS

GANADORA DE 3 PREMIOS GOYA 2015
Mejor Actor Dani Rovira · Mejor Actriz de Reparto Carmen Machi
Mejor Actor de Reparto Karra Elejalde

CÍRCULO DE ESCRITORES CINEMATOGRÁFICOS
Mejor Actor Dani Rovira, Mejor Actor de Reparto Karra Elejalde

FOTOGRAMAS 2015: Premio del Público- Mejor Película

FICHA TÉCNICA

Titulo Original:

8 APELLIDOS VASCOS

Género:

Comedia

Director:

Emiliano Martínez Lázaro

Guionista:

Borja Cobeaga

Diego San José

Música Original:

Fernando Velázquez

Editor:

Ángel Hernández Zoido

Fotografía:

Gonzalo F. Berridi

Dirección de Arte:

Juan Botella

Productor:

Álvaro Augustín

Ghislain Barrois

Gonzalo Salazar- Simpson

Año:

2014

Idioma:

Español - Vasco

País:

España

Duración:

98 minutos

Elenco:

Clara Lago

Dani Rovira

Carmen Machi

Karra Elejalde

El espejo de los otros: Sinopsis, elenco, ficha: Dirigida por Marcos Carnevale

2015-06-28T05:52:00.004-03:00

SINOPSIS

Existe en Buenos Aires un lugar que pocos conocen, pero del que casi todo el mundo habla.

Detrás de un paredón insípido y de una puerta que no dice mucho, están los restos de una catedral gótica, donde funciona un singular restaurante que ofrece una sola mesa.

Un templo derruido, sin techo. El desnivel del altar es utilizado como escenario para una pianista y una banda de jazz.

Donde antes estaba la sacristía, ahora funciona la cocina. Y el bautisterio ahora es el lavamanos de un baño moderno.

En la intersección de ambas naves, está la famosa mesa de la que todos hablan. El nombre del lugar es Cenáculo.

Todas las noches una última cena. Nadie viene sólo a disfrutar solamente de una gran comida, de los mejores vinos y de buena música.

Los comensales que se sientan en la mesa, definen algo importante en sus vidas. Por Cenáculo pasa el amor, la vida, la muerte, la codicia y la soledad. Como todo res taurante, este también tiene dueños. Dos hermanos, Benito e Iris. Un secreto los une.

Ellos son testigos de todo lo que ocurre noche a noche en la única mesa. A lo largo de nuestra visita en Cenáculo, veremos pasar cuatro mesas, cuatro historias. Cenáculo es una experiencia para no contar y nunca olvidar.

Marcos Carnevale regresa al cine con "El Espejo de los Otros". La película es producida por Varsovia, Millecento, Mira Cine y cuenta con la co producción de Telefe y Az Films.

"El Espejo de los Otros" centra la historia en una catedral gótica donde funciona un singular restaurante que ofrece una sola mesa. Todas las noches una última cena.

Cuatro historias protagonizadas por Norma Aleandro, Graciela Borges, Leticia Bredice, Alfredo Casero, Pepe Cibrian, Mauricio Dayub, Julieta Diaz, Luis Machin, Oscar Martínez, Javier de Nevares, Ana María Picchio, Favio Posca, Carola Reyna, Marilina Ross y María Socas.

Ficha Técnica:

GUION Y DIRECCION: MARCOS CARNEVALE

PRODUCTORES: DIEGO DUBCOVSKY - MARCOS CARNEVALE

CO PRODUCTORES: SEBASTIAN PONCE - ALEX ZITO - AXEL KUSCHEVATZKY

PRODUCCION: VARSOVIA - MILLECENTO - MIRA CINE

CO PRODUCCION: TELEFE - AZ FILMS

ASOCIADOS: FI LMAGIC - ALTA DEFINICON ARGENTINA - ALFREDO ODORISIO - JUAN PABLO PIRES - BRENT FEDERIGHI - MAXIMO RECA - DIEGO RADIVOY - CRISTIAN CARDONER - JUAN PABLO GARCIA

ELENCO (por orden alfabético):

NORMA ALENADRO

GRACIELA BORGES

LETICIA BREDICE

ALFREDO CASERO

PEPE CIBRIAN

MAURICIO DAYUB

JULIETA DIAZ

LUIS MACHIN

OSCAR MARTINEZ

ANA MARIA PICCIO

FAVIO POSCA

CAROLA REYNA

MARILINA ROSS

MARIA SOCAS

y con la partici pación especial de: GYPSY BONAFINI - NATALIA COCIUFFO - ANA FONTAN

Equipo Técnico:

DIRECTOR DE FOTOGRAFIA: HORACIO MAIRA

DIRECTOR VFX: JUAN PABLO PIRES

DIRECTORA DE ARTE: MARIANA SOUROUILLE / RAMIRO FERNANDEZ

DIRECTOR DE SONIDO: JORGE STAVROPULOS

DIRECTORA DE PRODUCCION: LUCIA CHAVARRI

JEFE DE PRODUCCION: MATIAS FAMULARI

ASISTENTE DE DIRECCION: BRUNO HERNANDEZ

VESTUARISTA: PABLO BATTAGLIA

MAQUILLADORA: VERONICA SABBATINI

PEINADORA: ETHEL VERON

MONTAJE: ARIEL FRAJND

MUSICA: COCKTAIL TOUR - GIPSY BONAFINA - DAMIAN TORRES - LUIS ASCOT

Varsovia Films:

Es la nueva productora de Diego Dubcovsky. "El espejo de los otros" es su primer estreno comercial.

La compañía se encuentra en desarrollo y producción de los nuevos proyectos de Benjamin Naishtat, Pablo Fendrik, Gabriel Nesci. Luis Barros, Hernan Goldfrid, Sergio Wolf y Anahi Berneri.

Escribiendo de amor, poster latino afiche oficial: The Rewrite

2015-06-06T21:11:00.003-03:00

Poster oficial de la distribuidora Argentina para promoción de la película en cines y medios de difusión.

FECHA de ESTRENO

ARGENTINA

25 de JUNIO 2015

ACLARACIÓN: La fecha de estreno comercial en cines de Argentina puede ser suspendida o modificada en cualquier momento por la distribuidora del film.

Podés verificarla en la cartelera publicada en la parte superior del lateral de este sitio.

ELENCO PROTAGONISTA

Hugh Grant, Marisa Tomei, Allison Janney, J.K. Simmons, Bella Heathcote, Chris Elliott, Olivia Luccardi, Aja Naomi, Frank Harts, Annie Q., Nicole Patrick, Maggie Geha, Jason Antoon, Andrew Keenan-Bolger, Karen Pittman.

DIRECCIÓN

Marc Lawrence.

Podés encontrar más data sobre la película buscando en el Índice

Spy, una espia despistada: Sinopsis, elenco, ficha, critica: Spy

2015-06-06T21:42:00.006-03:00

SINOPSIS

Susan Cooper (Melissa McCarthy), una analista de la CIA confinada a su escritorio, es una mujer modesta y la heroína no reconocida detrás de las misiones más peligrosas de la agencia.

Pero cuando su socio (Jude Law) desaparece de la faz de la tierra y otro agente (Jason Statham) está comprometido en otra misión, se ofrece como voluntaria para infiltrarse de lleno en el mundo de un traficante de armas letal, y evitar un desastre mundial.

El escritor-director Paul Feig, que hace mancuerna por tercera ocasión con Melissa McCarthy, después de los rotundos éxitos Bridesmaids y The Heat, esta vez le agrega toneladas de acción a su distintiva comedia y sitúa su historia en hermosas locaciones europeas. Los ambientes bulliciosos y desconocidos de capitales famosas tales como Roma, París y Budapest, hacen que la transición de Susan en el trabajo de campo de la intriga y el misterio que trae consigo el espionaje internacional sea cada vez más desconcertante.

Feig comenta: "Soy un gran aficionado de las películas de espías, y quería hacer una comedia de acción marcada dentro de ese género. La comedia proviene de los personajes. No es una parodia o una sátira. Quería que tuviera el tono de un filme de espías, pero que fuera lo más divertida posible.

"También quería hacer una historia con la que el público se pudiera identificar, en la que pudiéramos preguntarnos, 'Si a mí me reclutaran como espía y me mandaran a una misión, ¿cómo podría reaccionar?' Melissa es perfecta para el papel porque, a pesar de ser extraordinariamente talentosa, todavía puede interpretar a ese tipo de persona 'común y corriente' y provocar una profundo sentimiento de empatía y apoyo".

Feig, al darse cuenta que él y McCarthy comparten el mismo sentido del humor y deseo por encontrar la esencia en una historia y no sólo las risas, comenta que lo que se exigen uno del otro es lo que ha hecho capaz de que lleguen a lugares donde solos no podrían llegar.

La productora Jenno Topping concuerda: "Hay una confianza mutua entre Paul y Melissa, así que a ella no le da miedo arriesgarse. Puede romperle el corazón al público, y, así, la apoyarán para que se sobreponga a aquellos que han sido desagradables o injustos con ella".

McCarthy simplemente le da crédito al secreto de su éxito al hecho de que "Paul es maravilloso, hace grandes películas, y me he pegado a él como una rémora".

Una vez que asegura su primera misión como espía, Susan Cooper, personaje de McCarthy, primero deberá hacer a un lado su inseguridad y la desconfianza que tiene de sí misma mientras se arma de valor para abandonar su escritorio en Langley (las oficinas centrales de la CIA) con el fin de liarse a golpes con una variedad de malandrines europeos bien calificados.

McCarthy comenta: "Susan siempre ha tenido la habilidad, y es maravillosa técnica y tácticamente, pero le falta confianza en sí misma. Ahora bien, sus experiencias de campo y la lealtad que le tiene al personaje de Jude, Bradley Fine, comienzan a hacer que saque todo su potencial. Descubre talentos que no sabía que tenía".

Susan Cooper podrá estar fuera de lugar. Pero no fuera de su alcance.

Paul Feig acota: "Leí que las mujeres son mejores espías que los hombres porque por lo general son mejores al leer señales físicas, ganarse la confianza y utilizar la intuición. Esto es Susan Cooper. No depende de la fuerza -tiene que descifrar las cosas conforme se le presentan. Disfruto trabajar con mujeres, y darles poder, además de que estaba intrigado con la idea de crear un trío de protagonista, compinche y adversario".

Al desarrollar la paleta para el filme, Feig, junto con el director de fotografía Robert Yeoman y el diseñador de producción Jefferson Sage, se inspiró en películas de James Bond. Se dieron a la tarea de hacer una comedia bajo el estilo visual de estos icónicos filmes, con tomas magníficas, fondos llamativos y secuencias de acción convincentes.

CRÍTICA

Spy, una espía despistada, es una eficaz, disparatada, delirante y divertidísima película con un guión muy bien elaborado que logrará entretener al espectador de principio a fin.

Luego de tantas comedias que nos llegan de Estados Unidos con historias tontas, pocas ideas, escatología por doquier y gags insulsos, por fin llega algo que se siente que fue hecho "con amor", es decir, se ve que desde el comienzo del proyecto hubo ganas de ofrecer algo realmente bueno y trabajado y no de escribir una tontería para que la interpreten actores de renombre, como para que los inocentes espectadores caigan en la trampa de creer que van a ver un peliculón.

El elenco está muy bien pensado y la química fluye naturalmente entre todos los personajes. El ritmo es muy bueno y tiene secuencias de todo tipo y estilo que incluyen luchas cuerpo a cuerpo muy bien coreografiadas, acción y persecuciones en automóviles, motos, helicóptero y hasta en un avión. Los títulos y los créditos también tienen su trabajo especial, nada está hecho a la ligera.

Una película para no perdérsela, pasársela bomba y reírse en serio.

Cintia Alviti

En este artículo podés leer porque mis críticas no contienen calificación, sinopsis o detalles técnicos .

ACERCA DE LA HISTORIA Y LOS PERSONAJES

Yeoman dice, "En las comedias la iluminación es típicamente brillante y plana, pero Paul la quería más oscura, con más contraste, para enfatizar algunos de los peligros y riesgos que hay en el mundo misterioso del espionaje. Cuando rodamos en locaciones hay una gran escala".

SPY: Una espía despistada se rodó principalmente en Budapest, Hungría, que también hace las veces de Roma y París. La arquitectura sorprendente y variada de la ciudad le permitió a Sage utilizar lugares históricos e interesantes, así como particularidades de colonias únicas para poder distinguir entre las tres capitales. Buda, localizada en el lado oeste del Danubio, es montañoso, con calles sinuosas de adoquín que se asemejan a Roma. Mientras tanto, árboles naturales y una vegetación abundantes sirvieron de manera efectiva para suavizar las locaciones de fondo que se hacen pasar por París, que los realizadores querían mantener más claras y amplias en tonalidad.

Pero la expectativa más emocionante para Sage fue dejar que la ciudad se interpretará por sí sola.

"Por lo general, Budapest se hace pasar por otros lugares, pero cuando Paul recorrió la ciudad quedó tan impresionado que cambió la historia para que se desarrollara ahí casi en su totalidad -muy parecido a cuando decidió que Boston se interpretara a sí mismo en vez de que hiciera las veces de Nueva York en The Heat. Budapest tiene esplendor y una agradable mezcla de estilos arquitectónicos, junto con el exotismo del este de Europa que le brinda una mística maravillosa a la historia".

"¿Mi identidad falsa como espía es la de una telefonista de marketing desempleada?... ¿Ni siquiera yo puedo encontrar un trabajo en esa área?" - Susan Cooper

Con razón Susan Cooper no tiene confianza en sí misma. Fue criada por una madre que le inculcó la firme convicción, "No, no puedes". Cualquier esperanza de que un trabajo nuevo con la CIA pueda fortalecer su autoestima y vida social, hasta ahora, se ha desmoronado como los pasteles de cumpleaños que les prepara a sus colegas.

Bendita con una memoria impresionante, Cooper labora en una deprimente oficina que se encuentra debajo de un sótano, donde es los ojos y oídos (además de estar enamorada) del súper agente Bradley Fine -un encantador, pero egocéntrico petimetre que logra terminar sus misiones sin que se le haya movido un solo cabello.

Jude Law comenta: "En lo que a Fine respecta, él y Susan son el equipo perfecto, imperturbables, la crema y nata de la CIA. Él ve la relación como meramente platónica, a pesar de los coqueteos ocasionales. Quizás y hay algunos elementos que ella no haya interpretado bien, o quizás la esperanza se desarrolle en algo más. Él no cree que ella tenga un deseo real por abandonar el sótano, pero podrías argumentar que sí quiere que Susan permanezca ahí porque sin ella podría estar perdido".

McCarthy concuerda: "Fine es hasta cierto punto manipulador, pero de una forma que es entendible. Si estás afuera, en el campo de acción, quieres que la mejor persona forme parte de tu equipo, y quieres que esté encima de las cosas totalmente".

Susan podrá fantasear acerca de Fine, pero el agente narcisista sólo tiene ojos para el espejo. O para el grupo de bellezas que se cruza en su camino en la tentadora intersección del peligro y el glamour.

McCarthy comenta, "Me encanta la manera en la que Jude interpreta a Fine, como alguien encantador, pero un poco sinvergüenza".

"Jude es apuesto, elegante, con un destello en su mirada, como si hubiera nacido para utilizar un esmoquin", añade la productora Jenno Topping.

Law admite que raramente se ha divertido más con un papel, y hace hincapié en que fue importante para Fine "cumplir las expectativas para atraer a la audiencia hacia los peligros que trae consigo el oficio de espía. Es uno de esos pocos personajes en pantalla que tantos chicos pretenden ser -astronauta, soldado, espía…

"Las pláticas que Paul y yo tuvimos acerca de Fine se centraron en la idea de que no queríamos que fuera malo. Tiene un afecto genuino por Susan, junto con un interés particular por conservar al equipo unido. Lograr ese balance es importante".

Pero el intento de Bradley por caminar en 'la cuerda floja' con Susan no le cae nada bien a Nancy (Miranda Hart), mejor amiga y colega de Susan. Tremendamente protectora, le echa la culpa a él por reprimir los avances en la carrera de Susan y por jugar con sus emociones.

"Nancy es una chica de escritorio, como Susan", comenta Hart. "Es vulgar, friki, muy buena en su trabajo, pero apesta desde un punto de vista social. Ella y Susan son dos peces fuera del agua, en la misma pecera vacía. Podrías decir que tienen un 'romance'".

Feig diseñó la parte de Nancy específicamente para Hart, a quien lleva admirando desde hace años. "He intentado llevarla a otros proyectos, pero nunca se había podido, así que siento una satisfacción enorme de poder trabajar con ella finalmente".

Topping señala que Feig le rinde tributo a mujeres no convencionales y Hart se ajusta a ese perfil -si el perfil puede acomodar sus 1.85 metros de estatura. Versada en el manejo de su complexión larguirucha y su modo de andar ante grandes efectos cómicos, la estrella británica de la comedia que lleva su nombre en el Reino Unido, también interpreta a 'Chummy' en la exitosa serie "Call the Midwife", que se desarrolla en la década de los '50, para la BBC.

Cuando parece que Susan ha violado todos los parámetros de su misión, Nancy es enviada por su jefa, Elaine Crocker (Allison Janney), para que vea qué trae entre manos la espía novata. Rápidamente descubre que su mejor amiga está absolutamente desatada.

"Como un tipo de mujer que se apega sólidamente a las reglas, Nancy está tanto impactada como intimidada por la manera en como Susan desafía la directriz de sólo 'observar y reportar' impuesta por Elaine", explica Hart. "Nancy está aterrada del mundo y comienza a arruinarle las cosas a Susan. Todo lo convierte en un completo desorden, que es donde gran parte de la comedia sucede".

El equipo de 'El Gordo y el Flaco' conformado por Susan y Nancy no es algo que haga reír al objeto de su investigación: Rayna Boyanov, una presuntuosa mujer de intriga internacional.

Ah, Rayna. Bella. Privilegiada. Su cabello es tan grande que tiene su propio código postal. Rayna, adinerada hija de un traficante de armas recién fallecido, que estudió en Oxford, ha tomado posesión de una inusual herencia: una pequeña arma nuclear táctica. Capaz de destruir una ciudad -pero no un estado. No hay necesidad de ser excesivamente rudos.

Rayna usa atuendos llamativos para realizar grandes entradas en los hoteles más finos. Perpetuamente aburrida y con la capacidad de no dejarse impresionar ante nada, carece de sentido del humor y tiene una manera brutalmente directa de hablar. Rose Byrne dice que su personaje es todo acerca del estatus.

"La comparé con la realeza, o con un miembro de una dinastía corrupta. Es elegante y habla como si fuera de otra época; un esfuerzo por compensar sus pobres raíces búlgaras".

A pesar de su frialdad, Rayna siente una ligera simpatía y curiosidad por Susan, quien le recuerda a un "payaso búlgaro triste".

De Byrne, quien también fue coprotagonista junto con ella en Bridesmaids, McCarthy dice, "Trabajaría con Rose 300 millones de veces. Logra interpretar un personaje que es ruin, pero agradable, que es algo difícil de conseguir. No ves el trabajo detrás de su actuación. Simplemente ves a un personaje notable que cambia en un instante".

Rayna Boyanov está confabulada con otro criminal adinerado, el egocéntrico Sergio De Luca (Bobby Cannavale), quien lucha con ella por esa necesidad de llamar la atención, y aparecer y desear el estatus social. Como el intermediario contratado para descargar el arma nuclear, De Luca está intentando cerrar un negocio con el oligarca ruso Dudaev (Richard Brake), una figura a la que se hace alusión, pero que no aparece sino hasta el último acto.

Bobby Cannavale, quien recibió elogios estelares por su actuación en Blue Jasmine y en "Boardwalk Empire", para HBO, dice que moldeó parcialmente el estilo de De Luca en el director Feig, quien es bien conocido por su impecable sentido de la moda y del vestir.

"Paul es el único tipo que conozco que tiene un bastón para caminar, así que tomé prestado esa pose de él", bromea Cannavale. "Quería interpretar a De Luca como una especie de dandi, que usa maquillaje profuso. Se rodea de tipos rudos para ocultar sus propias debilidades e inseguridad. Y cuando finalmente tiene que hacer su propio trabajo sucio, el velo se levanta y queda expuesto para convertirse en una figura algo cómica".

Cannavale añade, "Intenta sacarle ventaja a Susan y se percata que está subestimando completamente la situación. No está a su altura".

Y después está Rick Ford…

Quien cree estar a la altura de cualquiera. Todos. Al mismo tiempo.

Parte Rambo, parte Clousseau, el agente Rick Ford personifica las palabras 'intrépido', 'valiente' y 'despistado'. La confianza de Ford le es ajena a la competencia.

Jason Statham describe su papel como "diferente a cualquier cosa que haya hecho antes, y ha sido muy divertido. Ford es muy intenso, pero cómicamente inconsciente de su propia incompetencia".

Rayna y De Luca conocen la identidad de Ford, pero, no obstante, el aguerrido agente está furibundo de que Elaine haya considerado enviar a Susan en vez de a él.

En protesta, Ford renuncia a la CIA y se independiza, determinado a ver la misión con sus propios ojos.

Paul Feig, otrora aspirante a doble de riesgo, es aficionado de las películas de Statham, y, así como con Nancy y Miranda Hart, diseñó el papel de Ford para el actor. Melisa McCarthy dice, "Rick Ford, el personaje de Jason, te va a sorprender. Es hasta cierto punto un sociópata, y Jason lo interpreta con mucha convicción. No le guiña el ojo a la cámara o permite que se vaya hacia la parodia, que es lo que lo hace tan irreverentemente divertido".

Con Nancy y ahora Ford ya inmiscuidos en la misión de Susan, te presentamos a otro entrometido -Aldo (Peter Serafinowicz), el chofer locuaz y promiscuo de Susan. Enamorado al principio, Aldo sólo es capaz de expresar su deseo por Susan al comportarse como un libertino.

El ensamble del filme incluye a varios intérpretes que se han convertido en parte de la compañía de actores y escritores regulares de Feig, entre los que se destacan Jamie Denbo, Jessica Chaffin y Katie Dippold, así como algunos 'primerizos de Feig', tales como Curtis '50 Cent' Jackson, la estrella de Bollywood nacida en los EEUU Nargis Fakhri y Allison Janney, actriz de la ya extinta serie "The West Wing".

En el papel de la directora de la CIA, Janney, en su papel de Elaine Crocker, está preocupada con mantener a sus agentes vivos y en línea, y que eviten el contacto físico con Susan, de quien está convencida tiene conjuntivitis.

"Parece que obtengo papeles que no podrían ser más opuestos a mí", comenta Janney, ganadora de dos Emmy® en el 2014 por sus papeles en "Mom" y en "Masters of Sex". "No tengo idea de lo que es ser la persona más inteligente en el cuarto, así que elegí interpretar a Elaine como una mujer de apariencia seria y de pocas palabras, con la esperanza de que con esto se asuma que soy inteligente".

Janney conoció por primera vez a Melissa McCarthy cuando esta última era miembro de la compañía de comedia The Groundlings, en Los Ángeles, y desde entonces ha aparecido con ella en cuatro filmes.

"Siempre he estado consciente de cuán talentosa es, y también de cuán tierna, generosa y sencilla es", dice de manera halagüeña Janney. "¿Cómo puede funcionar tan rápido la mente de alguien?".

Afuera en el campo, Susan Cooper, papel de McCarthy, deberá depender de su rápido ingenio, así como de su entrenamiento, instintos y algunas de las pelucas más desaliñadas imaginables.

"Susan tiene que pretender que sabe lo que está haciendo antes de que pueda darse cuenta que sabe lo que está haciendo", comenta Feig.

En el centro de todo, SPY: Una espía despistada es acerca de una mujer que siempre ha sido subestimada por aquellos a su alrededor, y que, por ello, ha aprendido a menospreciarse. Es acerca de esa gente silenciosa, que pasa desapercibida en el fondo, que nos sorprende cuando se les da la oportunidad de brillar. O, en el caso de Rick Ford, es acerca de esa gente que hace que nos preguntemos, '¿Cómo demonios han podido vivir durante todo este tiempo?'".

ACERCA DE LA PRODUCCIÓN

Jude Law está corriendo por su vida, ocho metros bajo tierra. Es el primer día de rodaje, y el reparto y equipo de producción están reunidos en un laberinto de cuevas de caliza que corre aproximadamente cuarenta kilómetros debajo de una cervecería en Buda, Hungría. El personaje de Jude, Bradley Fine, está intentando eludir a algunos secuaces armados, pero depende de la información que le está haciendo llegar a su auricular Susan Cooper en Langley, quien se encuentra a 10 mil kilómetros de su predicamento en Bulgaria. Fine usa lentes de contacto especiales de la CIA que sirven como cámara, para mandarle imágenes de regreso a Cooper. (El director de fotografía Robert Yeoman utilizó cámaras GoPro pequeñas para simular las imágenes que la cámara en el lente de contacto entrega, y así permitirle a la audiencia ver exactamente lo que Susan está viendo en su monitor).

Law comenta: "Cuando Fine está en las líneas enemigas, Coop le está diciendo adónde ir, quién lo está siguiendo, la ruta de escape más cercana. Su vida está en manos de ella".

Las cuevas fueron excavadas originalmente como canteras en el siglo XVIII, y más tarde se readaptaron para almacenar cerveza. En varias ocasiones se han utilizado como refugios de emergencia e incluso como hangares ocultos para aeronaves Nazi. Es finales de marzo, y aunque la temperatura en tierra es templada, en esta profundidad subterránea el aliento se condensa en el aire, y los miembros del equipo de producción portan chamarras y sombreros invernales.

Es un papel físicamente muy exigente para el esbelto y atlético Law, a quien le piden que corra a lo largo de extensiones largas de los túneles, y se involucre en combates mano a mano. El coordinador de acrobacias JJ Perry comenta: "Jude tiene una reputación por ser bueno con las acrobacias, pero es mucho más que eso. Es una bestia. Eclipsó la secuencia".

"La comida me acaba de patear el trasero".

Un enfrentamiento mucho más heterodoxo sucede más tarde en la semana, en la cocina de un restaurante en Budapest, donde Susan y una asesina (Nargis Fakhri) llegan hasta el final de una pelea con frutas, vegetales, patas de pavo y utensilios de cocina. Perry y su equipo de dobles de riesgo pasaron semanas coreografiando, ensayando y "pre-visualizando" la pelea en la computadora. Comida, ollas y sartenes vuelan por doquier, mientras los moretones se incrementan tanto en McCarthy como en Fakhri con cada toma.

"¿Quién iba a decir que la ensalada podía ser un arma?", pregunta Fakhri, nacida en Queens, Nueva York e hija de padres checos y paquistaníes. "Melissa me dio unos buenos golpes con unas patatas, pero le regresé el favor con unos cuantos palitos de pan. Es difícil hacer este tipo de escenas, pero cuando se trata de Paul Feig, hace que todo se te olvide y lo hagas por el equipo".

La pelea es tanto cómica como peligrosa en tono, y espantosa al final. No creas que no te puedo matar con una zanahoria.

Perry comenta: "La pelea en la cocina nos tomó dos días en completar y demostró el compromiso de Paul para reforzar la acción. Es un entusiasta de las películas que Jackie Chan hizo en la década de los '80, como yo, así que tenía una buena idea de lo que quería: tomas de impacto, contra-picadas, con ángulos abiertos. Es divertido, dinámico y violento".

La siguiente semana la producción se mudó media hora a las afueras de Budapest, a una central eléctrica de la década de los '30 visualmente extraordinaria, que contaba con un cuarto de control que el diseñador de producción Jefferson Sage compara con un "fantástico puente de mando de una nave espacial de Flash Gordon". Con un techo de vitral elíptico y filas de paneles, parece ser tanto de época como futurista.

La impresionante apariencia del cuarto de control de la central eléctrica dio pie a una importante discusión creativa entre Feig, Sage y el director de fotografía Robert Yeoman, en cuanto a qué tan lejos querían llevar la paleta visual del filme.

Sage comenta: "Sabíamos que de usar esta locación se iba a intensificar el tono y el estilo de la película, y, por ende, a afectar la cantidad de decisiones acerca de otros sets y locaciones. ¿Queríamos llevarlo hasta allá? Y Paul dijo, 'Sí, quiero que esto se vea visualmente grande'".

En otra sección de la central eléctrica, en un cuarto de contención más pequeño y lóbrego, Susan y Aldo están apresados, amarrados con cuerdas, de las que se tendrán que liberar. Fue el primer día en el set de Serafinowicz, y ahí está, tendida encima y a un lado de McCarthy, toma tras toma. "Mis partes privadas prácticamente le están colgando en su cara", dice. "Hola, mucho gusto. Vaya manera de romper el hielo".

La siguiente locación del filme es una estructura antigua maravillosamente dilapidada conocida como el Edificio Express, que se localiza cruzando un parque frente a la embajada de los EEUU. Barcos esculpidos y emblemas náuticos en el exterior del edificio de 130 años de antigüedad revelan su anterior estatus, como un importante embarcadero para tráfico marítimo en el adyacente río Danubio.

El ambiente fantasmal y amenazante del edificio, así como su escalera elíptica, que da la apariencia de una mansión embrujada donde los fantasmas de Navidad de Dickens podrían sentirse en casa, ofrecen una representación visual de un umbral peligroso que Susan está a punto de cruzar. Mientras la cámara la sigue en su ascenso por las escaleras sinuosas, hay un sentido de temor, que Sage concluye con un "'Susan, ¿a dónde vas? ¡Sal de ahí!'".

Después de dos días de rodaje, la producción se salió de ahí para mudarse al legendario restaurante Gundel, en Budapest, que ha sido visitado por líderes mundiales, papas y realeza, durante décadas. Contra un fondo de columnas de mármol y una orquesta de cuerdas, McCarthy y Law filman una escena dialogada extensa, donde se vuelve dolorosamente evidente que Cooper y Fine no comparten el mismo nivel de interés.

Al día siguiente, en una secuencia rodada a lo largo de la exclusiva avenida comercial de Budapest, Susan compra un vestido costoso para poder espiar a De Lucca en un glamoroso casino en Roma. El sorprendente vestido negro es un cambio drástico de los atuendos anticuados y pelucas desaliñadas que usa cuando apela a sus otros alias como espía: Carol Jenkins, una madre soltera que decide ponerse suéteres bastante audaces. Penny Morgan, mujer divorciada y vendedora de productos Mary Kay, de Iowa. Amber Valentine, una mujer beligerante y grosera, cuyo vestido y capa negros es denigrado por Rayna al considerarlo "un atuendo de gata ladrona".

"Una de las cosas que más me atrajeron de la película fue tener la oportunidad de usar diferentes pelucas y vestuarios", comenta McCarthy. "Me encanta crear personajes desde el cabello hacia abajo". McCarthy y su equipo de peinados/maquillaje/guardarropa pasaron dos horas cada mañana creando la apariencia y el vestuario para el alias que iba a interpretar ese día.

Emperifollada y fingiendo un aire de seguridad, Susan Cooper ingresa en el lujoso casino previamente mencionado para poder espiar a De Lucca. Es el primer día de trabajo para Bobby Cannavale, y está vestido a la perfección en un esmoquin y con el cabello peinado hacia atrás con gel. En la escena también actúa Jamie Denbo, otra actriz frecuente en las películas de Feig, como la anfitriona del casino que echa a perder el intento de Cooper por tomar un asiento en la mesa de juego privada.

La producción después se mudó a una clásica locación en Budapest conocida como el Museo Etnográfico, que se encuentra cruzando la calle del parlamento. La bella estructura hizo las veces tanto de las locaciones interiores como exteriores del 'Club Nomad', un moderno salón de baile para citadinos jóvenes y bellos. Aquí, los personajes de la historia se entrecruzan entre 500 asistentes que disfrutan de un concierto de Curtis '50 Cent' Jackson.

Los realizadores tenían originalmente la intención de hacer la escena en el interior de uno de los afamados ruin bars de Budapest: antros improvisados establecidos de manera temporal en los patios o pisos de edificios decadentes, que están a la espera de ser demolidos o reconstruidos. Pero ninguno de los espacios disponibles funcionaba desde un punto de vista logístico, así que cambiaron de parecer y eligieron el esplendor del museo y sus interiores inmensos y elegantes.

Cooper ha logrado infiltrarse en el mundo de los tipos malos, y los hilos de la historia están comenzando a unirse en el Club Nomad, donde deberá evitar que ciertas personas se topen entre ellos. En un momento de necesidad, le ruega a Nancy que genere algo de diversión. Y lo hace como nunca.

Miranda Hart explica, "Nancy necesita distraer las miradas de la pista de baile, así que se sube al escenario y derriba a 50 Cent. Se le deja ir encima".

El mismo 50 Cent confirma que, en la primera toma, "Miranda me golpeó como si fuera un apoyador de futbol americano. Estaba preparado para fingir hasta cierto punto la caída cuando hiciera contacto, pero no tuve que recurrir a ella. Ya estaba tirado en el piso".

50 (Cent) Sombras de Gray…

Aclamado por la muchedumbre, Jackson interpreta su nueva canción, "Twisted", que describe como "un brindis, una celebración acerca de seguir avanzando en tu vida".

Jackson estaba impresionado con los valores de producción opulentos del Club Nomad, al reconocer que fue un gran lugar para rodar un video musical. Estaba igualmente impresionado con Feig, al decir, "Paul sabe lo que quiere y está a la espera de que lo se lo des. Llega con el firme objetivo de tener éxito. Un hombre con un buen reloj aprecia el valor de mi tiempo".

Miranda Hart dice que apreció haber pasado dos días despatarrada encima del "atractivo y muscular Sr. Cent". Lo conoció poco antes de que comenzaran a rodar.

Los numerosos moretones en su cuerpo después dieron fe del fervor con el cual Miranda interpretó la escena. "Lo monté de una manera bastante agresiva después de haberlo tumbado, que provocó que los guardias de seguridad me maltrataran. Estuvimos uno encima del otro durante horas de rodaje, lo que hizo que al día siguiente saludarnos fuera algo incómodo".

El lunes 28 de abril la compañía se mudó a los interiores igualmente espléndidos del Palacio Gresham del Four Seasons, de Budapest, considerado ampliamente uno de los hoteles más elegantes de Europa. Situado en el banco este del Danubio, que mira desde arriba el puente Chain y Castle Hill del lado de Buda, el Palacio Gresham fue construido en 1906 y sigue siendo uno de los ejemplos más finos de edificios de estilo Art Nouveau/Secesionista. El palacio fue dañado en 1944 cuando los Nazis en retirada volaron el puente Chain, y estuvo en malas condiciones durante décadas. El Four Seasons hizo un esfuerzo meticuloso para restaurar el edificio, incluyendo los bellos mosaicos, usando materiales de Venecia que consistían en los originales. En el 2004, se inauguró como un hotel de lujo ancla.

SPY: Una espía despistada es la primera película a la que se le permite rodar en sus interiores, y la producción se aprovechó totalmente de ello, mostrando el candelabro de cristal de hielo y el exquisito lobby de techos altos donde Rayna hace su gran entrada, escoltada por Susan y un guardaespaldas. Las banquetas del palacio también fueron utilizadas para el rodaje, incluyendo una escena donde Susan se sube a una motocicleta y va tras un potencial asesino a través de las calles de Budapest.

Montar motocicletas, ir tras malandrines, estar colgada de un helicóptero e involucrarse en combate mano a mano hacen de este papel, dice McCarthy, "el más agotador que jamás haya hecho. Correr, brincar, caerte. Tengo descalabrada la cabeza, cortadas y moretones. Después de todo, parece como si me hubiera caído por el cubo de un elevador. Pero cargué con esas heridas y ataques con un poco de orgullo".

Se lo ganó, comenta el director de acrobacias JJ Perry. "Tenemos a una gran doble de riesgo (Luci Ramberg) para Melissa, pero una vez que vimos cuán buena era Melissa, le pedimos que hiciera todavía más". Perry también elogia la impresionante habilidad de McCarthy para aprender y retener la coreografía, al argumentar, "Estaba ahí con algunas estrellas de acción de mano pesada, que pueden ser intimidantes, pero se mantuvo más que a la par. Su ética laboral es sobresaliente".

Aproximadamente a la mitad de las doce semanas de rodaje, la compañía se mudó al pintoresco lago Balaton, el lago interno más grande en Europa, localizado a hora y media en coche de Budapest. Dos villas a las orillas del lago sirvieron como locaciones para el filme. La primera, localizada en la costa norte del lago, en el Mar Negro en Bulgaria, donde Fine huye de gatilleros después de una misión estropeada y logra llegar hasta una lancha motora para escapar. La segunda villa, incluso más lujosa, se interpreta a sí misma, por decirlo de alguna manera, y está situada a 40 minutos de distancia, cerca de la popular comunidad turística de Balatonfured.

Los realizadores hicieron un reconocimiento aéreo alrededor de todo el lago cuando descubrieron esta propiedad, que se posa majestuosamente encima de una bella grama de múltiples hectáreas, que desciende hasta la ribera. Esta villa del siglo XIX fue en otros tiempos un hotel, antes de haberse convertido en una propiedad privada. Las puertas frontales se abren ante una gran escalera, ideal para la realeza. O, en este caso, para De Lucca, quien ahí vive cuando no está frecuentando casinos italianos.

Bobby Cannavale comenta, "La casa me ayuda a meterme al personaje. Pienso, 'Soy dueño de esto'. Es como si De Lucca haya encontrado esta escalera intrincada e hizo que construyeran la casa en torno a ella. Nunca está contento. No comparte sus juguetes y siempre quiere más".

En la vasta propiedad también se llevó a cabo un aterrizaje y despegue de un helicóptero para una de las escenas culminantes del filme.

En el gran jardín frontal, por primera y única vez, todo el reparto principal comparte una escena juntos -Melissa, Miranda, Rose, Jude, Jason, Peter y 50 Cent. El precioso lago, el soleado clima y la felicidad de tener a todos ahí, le inyectó un espíritu de campamento de verano al proceso. El reparto posó para fotografías del recuerdo y disfrutó haber tenido la oportunidad de haberse conocido y platicar.

Jason Statham comenta: "Conocí por primera vez a Jude varios años atrás a través de Guy Ritchie, y es todo un placer tener una escena con él. Cuando la gente me pregunte cómo es trabajar con él, o viceversa, sólo tendremos este día para reflexionar al respecto".

Ese día, 50 Cent, quien trabajó con Statham hace varios años en una película en Nueva York, posó en el set con él y con los otros actores en Balaton, frente a su helicóptero privado -la única fotografía de grupo que se tomó de todos los miembros del reparto principal.

Con la diversión y el sol del lago Balaton tras ellos, el reparto y el equipo de producción regresaron a Budapest para comenzar a trabajar en algunas escenas de acción complejas, así como en tomas en green screen del helicóptero, en foros y patios de los estudios Fot y Origo. En este último es donde Melissa McCarthy puede ser vista colgada cinco metros sobre tierra, agarrándose de las piernas de Jason Statham, quien, a su vez, está agarrado del patín de aterrizaje del helicóptero, mientras ventiladores gigantes echan viento a sus rostros. Los dos han estado allá arriba durante horas, haciendo algunas acrobacias desafiantes y provocando carcajadas al equipo de producción con sus chistes y diálogos. Esta secuencia de helicóptero es uno de los grandes momentos en la película, por lo que se requirió una semana adicional de rodaje para que quedara terminada. Este trabajo corrió a cargo de la segunda unidad.

McCarthy y Rose Byrne, quienes hacen la transición a una forma de transporte aéreo más lujosa, rodaron una secuencia de vuelo a bordo del jet privado de Rayna, que está repleto de su inconfundible estilo -a saber, forros de piel de leopardo y tapices rojos y dorados Versace. Al haber crecido bajo una aburrición interminable en Roma, Rayna se está llevando a su recién encontrado "payaso búlgaro triste" como acompañante a Budapest para unos tragos. El caos se desata durante el vuelo, y el avión se va en picada, por lo que experimentan el efecto de ingravidez que da la gravedad cero.

Para superar los retos de filmar esta secuencia, el supervisor de efectos especiales Yves De Bono hizo que montaran el avión en un cardán a 20º, lo que permitió rotarlo e inclinarlo en cualquier dirección. El movimiento fue controlado de manera hidráulica desde el piso, y tanto el reparto como el equipo de dobles de riesgo fueron asegurados con cables para simular la flotación. Rose Byrne pasó algún tiempo en la alberca para practicar sus movimientos físicos, a fin de prepararse para la secuencia, que requirió de una semana para completar.

Durante la escena, tanto McCarthy como Byrne soltaron risitas en varios momentos, hasta que Melissa salió con una ocurrencia, "Ha de ser la altitud". Mientras el avión sube y baja en el cardán, bromea con Feig, "Si el avión se está moviendo, no nos mandes el carrito de los cacahuates".

A finales de mayo, la producción se mudó a la plaza exterior de un atractivo centro comercial en Budapest conocido como 'La Ballena', llamado así debido a su contorno cubierto de vidrio y a que está a un lado del río. Con más de 300 extras a la mano, la sensacional artista travesti Verka Serduchka y su banda tocaron su éxito internacional "Dancing Lasha Tumbai" sobre un gran escenario en la parte norte de la plaza. Mientras la vigorosa audiencia baila ante el ritmo pegajoso, Susan Cooper, atrapada en medio de la muchedumbre, intenta de manera desesperada avisarle a Rick Ford que una vez más se ha puesto accidentalmente, y a otros, en riesgo.

"Me parece que es una de las escenas más hilarantes que he visto a Melissa interpretar", comenta Jason Statham. Entre los invitados que se detuvieron durante la secuencia que duró dos días estuvo el embajador de Inglaterra en Hungría, quien tuvo la oportunidad de platicar con Statham y los realizadores mientras veía a Verka arrasar durante repetidas tomas de "Dancing Lasha Tumbai".

En junio, la compañía regresó a los foros para las dos últimas semanas de rodaje, donde, entre otras, se rodó una escena que se lleva a cabo en el interior de un cuarto de hotel al que Susan Cooper llega por primera vez para comenzar su misión de campo. El cuarto está iluminado en demasía y los colores desentonan de manera intencional, explica el diseñador de producción Jefferson Sage, para poder reflejar el estado de incertidumbre mental y la paranoia de Cooper cuando llega.

"Una vez que el mundo y la vida se develan en Europa, también lo hacen las imágenes".

Y, efectivamente, la belleza y color de París es una transición sorprendente con respecto a los confines minimalistas y lóbregos del subsuelo de la CIA, donde Susan y Nancy laboran. Hecho de hormigón, la estructura de décadas de antigüedad ha sido renovada poco a poco a lo largo de los años, creando capas de espacios huecos…de donde salen - ¡murciélagos!

La plaga alada de repente sale del techo hacia la cabeza de Susan, en una de las espeluznantes escenas que se rodó a lo largo de dos semanas en el set más grande que se construyó para la película: el Cuarto de Comunicaciones de la CIA, donde se llevaron a cabo los últimos diez días de la fotografía principal. Paul Feig, metido debajo de un escritorio, operó las criaturas montadas en un palo, controladas mecánicamente, para agitarlas alrededor de la cabeza de Melissa.

"Soy Batman", dice.

Para el reparto y el equipo de producción, Feig es más que Batman. Es el mago elegantemente vestido, imperturbable y cortés que crea un poco de magia en el set todos los días. Famoso (y en ocasiones temido) por lanzar diálogos alternos y nuevos a sus actores durante tomas que pueden durar hasta 20 minutos o más, su método provoca reacciones espontáneas en ellos, que deben estar pendientes todo el tiempo.

Jason Statham: "Todos los días, Paul llega con nuevos diálogos al set, algunos de ellos anotados en pósits. Debes de estar bien atento porque muchos de los diálogos no vienen en el guión y te alienta a que improvises. Nunca antes había trabajado así, y estaba un poco ansioso al respecto. Pero, sabes, de perdidos, al río. Me dejo alimentar de la creatividad de Paul y ha sido maravilloso".

Para dar cabida a la duración de las tomas que Feig requiere, el director de fotografía Robert Yeoman aceptó rodar digitalmente por primera vez, agradecido con la flexibilidad inherente que brinda el formato.

"Siempre seré un tipo de celuloide, pero la cámara Arri Alexa es maravillosa, y evita que nos detengamos para cambiar el rollo de la película e interrumpir el ritmo", comenta. (¡Dice que hubo una toma que duró 32 minutos!) Y debido a que la cámara le ofrece a Yeoman la imagen exacta, también le permitió ser un poco más audaz y experimental con la iluminación.

Confiado por los elementos visuales que está viendo en el monitor, Feig es capaz de centrarse detenidamente en las actuaciones, lo que le permite llevar cada toma más allá del límite, jugueteando y experimentando con cada línea de diálogo. Al editor Brent White, quien ha trabajado en cuatro ocasiones con el director, le da una abundancia de material.

"Gran parte de las películas de Paul son manufacturadas en el cuarto de edición. Tenemos tantos elementos y opciones que la destilación es una parte vital del trabajo", comenta White. "No le dice a los actores los diálogos antes de tiempo porque quiere obtener una respuesta en 'tiempo real', para permitirles reaccionar de una manera similar a como podría reaccionar la audiencia".

White también menciona que Feig es siempre cuidadoso de asegurarse que la comedia no se vuelva muy vulgar o absurda, y que esto pueda llevar a minar los momentos emocionales del personaje. "Busca el humanismo que te conecta con los personajes dentro de la estructura que te da la comedia".

Melissa McCarthy lo resume simplemente, "Esta es la visión de Paul, de principio a fin. Es muy difícil de lograr, y él lo hace sorprendentemente bien".

La fotografía principal llegó a su fin en Budapest, con rodaje adicional en locaciones de Roma y París.

ACERCA DEL REPARTO

La actriz nominada al Oscar® MELISSA MCCARTHY (Susan Cooper) protagoniza la comedia "Mike & Molly", para CBS. McCarthy actuó previamente en la comedia mundialmente exitosa Bridesmaids (Damas en guerra) en el papel de Megan, hermana del novio y segura de sí misma, junto a Kristen Wiig. El filme fue dirigido por Paul Feig y producido por Judd Apatow. Este papel le valió una nominación al Oscar, Premio BAFTA, Premio Critics Choice y Premio SAG™. En el 2012, Melissa ganó por este papel el Premio MTV Movie a Actuación Cómica del Año. McCarthy ganó un Premio Emmy y recibió una segunda nominación por su papel como Molly en "Mike & Molly". También recibió dos nominaciones al Emmy por haber aparecido como conductora invitada de "Saturday Night Live".

McCarthy fue vista recientemente como protagonista de St. Vincent, para The Weinstein Company, y de Tammy, que coescribió con su esposo, el actor /escritor Ben Falcone, quien también funge como director del filme. También protagonizó Heat (Chicar armadas y peligrosas), junto a Sandra Bullock, para el director Paul Feig y Fox, Identity Thief (Ladrona de identidades), al lado de Jason Bateman, para Universal, This is 40 (Si fuera fácil), para el director Judd Apatow y Universal, y The Hangover Part I (¿Qué pasó ayer?), de Todd Phillips.

Las películas venideras de McCarthy incluyen la comedia animada de DreamWorks B.O.O.: Bureau of Otherworldly Operations, al lado de Seth Rogen, y Michelle Darnelle (2016).

El trabajo cinematográfico previo de McCarthy incluye The Back-Up Plan (El plan B), al lado de Jennifer Lopez y Alex O'Loughlin; Life As We Know It (Bajo el mismo techo), con Katherine Heigl; Pretty Ugly People, con Josh Hopkins, Missi Pyle y Allison Janney; Just Add Water (Sólo agrega agua), con Danny DeVito; el misterio de ciencia ficción The Nines, del director John August, con Ryan Reynolds y Hope Davis; White Oleander (Déjame vivir), con Michelle Pfeiffer; Pumpkin, con Christina Ricci, y Go, dirigida por Doug Liman. Además, protagonizó el cortometraje God, de John August, como una joven que tiene una conversación chismosa y una discusión efímera con el Todopoderoso, y también apareció en The Life of David Gale (La vida de David Gale), protagonizada por Kevin Spacey.

En televisión, interpretó previamente al torpe genio culinario Sookie St. James, en "Gilmore Girls" y a Dena en la serie "Samantha Who?".

McCarthy dejó su huella por primera vez en recintos de comedia, que la llevaron a presentarse en The Improv y en Stand Up, ambos en Nueva York. Al mismo tiempo, recibió educación dramática en The Actors Studio, en Nueva York, donde protagonizó una variedad de producciones teatrales a lo largo de la ciudad. En Los Ángeles, McCarthy pasó nueve años como uno de los miembros principales de la mundialmente conocida compañía de improvisación y sketches The Groundlings.

McCarthy vendió su primer programa piloto, "Marbles", a VH1, donde interpretó el papel que le da nombre al título. McCarthy también está diseñando su primera línea de ropa.

McCarthy vive en Los Ángeles.

JUDE LAW (Bradley Fine) es considerado uno de los mejores actores de Inglaterra, con una gran cantidad de variadas actuaciones en cine y teatro en su haber.

Recibió nominaciones al Premio de la Academia® por sus actuaciones en Cold Mountain (Regreso a Cold Mountain), de Anthony Minghella, y The Talented Mr. Ripley (El talentoso Mr. Ripley); esta última también le valió el Premio BAFTA a Mejor Actor Secundario. Law también fue nominado para un Globo de Oro® por ambos trabajos, y de nueva cuenta por AI Artificial Intelligence (Inteligencia artificial), de Steven Spielberg.

Law llamó por primera vez la atención de la industria cinematográfica y de la crítica por su actuación como Lord Alfred Douglas, al lado de Stephen Fry, en Wilde, de Brian Gilbert, por la que obtuvo el Premio Evening Standard. Entre sus múltiples filmes subsiguientes se encuentran Midnight in the Garden of Good and Evil (Medianoche en el jardín del bien y el mal), de Clint Eastwood; Gattaca (Gattaca: Experimento genético), de Andrew Niccol; eXistenZ, de David Cronenberg; Enemy at the Gates (Enemigo al acecho), de Jean-Jacques Annaud; Road to Perdition (Camino a la perdición), de Sam Mendes, con Tom Hanks y Paul Newman; Breaking and Entering (Violación de domicilio), de Anthony Minghella; I Heart Huckabees (Yo amo Huckabees), de David O. Russell; Lemony Snicket's A Series of Unfortunate Events (Lemony Snicket: Una serie de eventos desafortunados), de Brad Silberling, como el narrador; Alfie (Alfie: El seductor irresistible), de Charles Shyer; la exitosa comedia The Holiday (El descanso), de Nancy Meyers, con Cameron Diaz; Breaking and Entering (Violación de domicilio), de Anthony Minghella; My Blueberry Nights (Noches púrpuras), de Wong Kar-wai; The Imaginarium of Doctor Parnassus (El imaginario mundo del Dr. Parnassus), de Terry Gilliam; 360, de Fernando Meirelles; Anna Karenina, de Joe Wright; la ganadora de múltiples Premios de la Academia Hugo (La invención de Hugo Cabret), de Martin Scorsese; Contagion (Contagio) y Side Effects (Terapia de riesgo), ambas de Steven Soderbergh; Dom Hemingway, de Richard Shepard; The Grand Budapest Hotel (El gran hotel Budapest), de Wes Anderson; y Black Sea, de Kevin Macdonald. Junto con Robert Downey Jr. y el director Guy Ritchie, hizo los exitazos taquilleros mundiales Sherlock Holmes y Sherlock Holmes: A Game of Shadows (Sherlock Holmes: Juego de sombras). Después será visto al lado de Melissa McCarthy en Spy (Spy; Una espía despistada), de Paul Feig.

Fuer productor y protagonizó la épica de fantasía Sky Captain and the World of Tomorrow (Capitán Sky y el mundo del mañana), de Kerry Conran, con Gwyneth Paltrow y Angelina Jolie; y Sleuth (Juegos siniestros), al lado de Michael Caine, que Harold Pinter adaptó del clásico thriller psicológico de Anthony Shaffer, para el director Kenneth Branagh.

Law compartió una nominación al Premio Screen Actors Guild® con sus compañeros actores del ensamble de The Aviator (El aviador), de Martin Scorsese; y compartió un premio del National Board of Review con sus compañeros actores del ensamble de Closer (Closer: Llevados por el deseo), de Mike Nichols.

Comenzó su carrera en teatro actuando con el Teatro National Youth a la edad de doce años. En 1994, Law actuó en la puesta en escena de Sean Mathias de Les Parents Terribles, por la que fue nominado para el Premio Ian Charleson a Novato Sobresaliente. Después, se le dio un nuevo nombre a la obra, Indiscretions, cuando se mudó a Broadway, donde Law recibió una nominación al Premio Tony. Más tarde, Law protagonizó `Tis Pity She's a Whore y Dr. Faustus, ambas dirigidas por David Lan, en el teatro Young Vic, de Londres.

En el 2009, interpretó el papel del título de la puesta en escena de Michael Grandage de Hamlet, en el Donmar Warehouse del West End de Londres, y después en Broadway, por la que recibió su segunda nominación al Premio Tony, así como una nominación al Premio Olivier.

En el 2011, Law protagonizó la producción de Donmar de Anna Christie en el West End, al lado de Ruth Wilson para el director Rob Ashford; por su trabajo recibió un Premio Olivier. En el otoño de 2013, Law regresó al West End para estelarizar durante varios meses el papel que le da nombre al título en Henry V, montada por Grandage. Pronto interpretará en pantalla al novelista Thomas Wolfe en Genius, dirigida por Grandage, junto a Colin Firth y Maxwell Perkins.

Law es Embajador para la organización benéfica Peace One Day. En el 2012, fue honrado con el Premio Variety en los British Independent Film Awards. En el 2007, la academia de cine francesa le otorgó a Law el César d'Honneur en reconocimiento a sus contribuciones al cine; y el gobierno de Francia lo nombró Caballero de la Orden de las Artes y las Letras por sus logros artísticos.

JASON STATHAM (Rick Ford) es una estrella internacional mejor conocida por sus contundentes thrillers de acción. Más recientemente fue visto al lado de Sylvester Stallone en The Expendables 3 (Los indestructibles 3),en Homefront (Línea de fuego), junto a James Franco y Kate Bosworth, y en Redemption, debut como director del guionista Steven Knight (Dirty Pretty Things, Eastern Promises). Otros filmes en su haber a ser estrenados próximamente incluyen HEAT y Furious 7.

Nacido en Sydenham, Inglaterra, Statham fue uno de los principales clavadistas del equipo nacional británico, que lo llevó a la postre a ser el 12º en el mundo. Cuando entrenó en el afamado Crystal Palace National Sport Center en Londres, equipos de cine y fotógrafos lo siguieron al ver en él un talento nuevo y a la postre conoció al productor ejecutivo de una película que estaba por hacerse. Statham después conoció al director de este proyecto, Guy Ritchie, y así fue como hizo su debut cinematográfico como Bacon en Lock, Stock And Two Smoking Barrels (Juegos y trampas) (1998).

Más adelante, Statham trabajó con Ritchie de nueva cuenta en Snatch (Cerdos y diamantes) (2000), al lado de Brad Pitt y Benicio Del Toro. Después, el empresario de cine francés Luc Besson le dio el papel de Frank Martin, al que hace alusión el título en The Transporter (El transportador) (2002); interpretó a Handsome Rob en la nueva y taquillera versión de The Italian Job (La estafa maestra) (2003); y le provocó taquicardia a los cinéfilos en su papel de Chev Chelios, el héroe de acción liado con la adrenalina que impulsó Crank (Crank: Muerte anunciada) (2006).

Statham regresó como Frank Martin en Transporter 2 (2006) y Transporter 3 (2008), antes de haber protagonizado The Bank Job (El robo del siglo) (2008), de Roger Donaldson, la aclamada historia verdadera del robo bancario en la calle Baker, en 1971. También encabezó la nueva versión de Death Race (La carrera de la muerte) (2008), donde actuó junto a Ian McShane.

Después, Statham repitió su papel como Chev Chelios en Crank 2: High Voltage (2009) e hizo mancuerna con algunas de las estrellas de acción más populares del mundo en The Expendables (2010), de Sylvester Stallone. Más adelante, Statham hizo una nueva versión de The Mechanic (El especialista) (2011), que fue protagonizada originalmente por Charles Bronson como el sicario profesional Arthur Bishop.

Los otros créditos cinematográficos de Statham incluyen Killer Elite (Nacidos para matar) (2011), basada en una historia real escrita por Ralph Fiennes y protagonizada por Robert De Niro y Clive Owen, Safe (El código del miedo) (2012), dirigida por Boaz Yakin y producida por Lawrence Bender, y la secuela cargada de acción Expendables 2 (2012). A la postre, protagonizaría el thriller Parker (2013), al lado de Jennifer Lopez.

ROSE BYRNE (Rayna Boyanov) es mejor conocida por su papel como Ellen Parsons en "Damages", al lado de Glenn Close. La serie, creada por Daniel Zelman, Glenn Kessler y Todd Kessler, se transmitió durante cinco temporadas por FX y más tarde por DirecTV. Byrne obtuvo dos nominaciones al Globo de Oro y una nominación al Emmy por su papel. También es conocida por su papel en la comedia Bridesmaids, dirigida por Paul Feig, al lado de Kristen Wiig, Maya Rudolph y Melissa McCarthy. La película fue nominada para un Globo de Oro a Mejor Película - Comedia o Musical, y para un Premio Screen Actors Guild a Actuación Sobresaliente de un Reparto en un Largometraje.

Byrne terminó recientemente su compromiso limitado en la obra de Broadway You Can't Take it With You. Interpretó el papel protagónico de Alice Sycamore, al lado de James Earl Jones y Kristine Neilsen. Este fue el debut de Byrne en Broadway.

Byrne también apareció recientemente en la nueva versión de Annie, junto a Jamie Foxx, Quvenzhane Wallis, Cameron Diaz y Bobby Cannavale. La película se estrenó en cines el 19 de diciembre de 2014.

El año pasado, Byrne protagonizó la película independiente Adult Beginners, al lado de Nick Kroll y Bobby Cannavale. El filme se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto el 8 de septiembre de 2014. Los derechos para su distribución fueron adquiridos por Radius-TWC, filial de The Weinstein Company. El filme será estrenado en cines en el 2015.

En el 2014, Byrne también apareció en This is Where I Leave You (Hasta que la muerte los junto), de Shawn Levy, al lado de Jason Bateman, Tina Fey, Corey Stoll, Adam Driver y Jane Fonda. La película fue estrenada en cines el 19 de septiembre de 2014. También apareció en la comedia Neighbors (Buenos vecinos), de Nicholas Stoller, junto a Seth Rogen y Zac Efron. La película se estrenó en cines el 9 de mayo de 2014 y recabó más de $268 millones de dólares en todo el mundo.

Ese mismo año, Byrne protagonizó la película The Turning, que fue estrenada en Australia el 26 de enero de 2014. Byrne obtuvo un premio en la categoría de Mejor Actriz Secundaria de la Australian Film Critics Association (Asociación de Críticos de Cine de Australia) y de The Film Critics Circle of Australia (Círculo de Críticos de Cine de Australia).

Los otros créditos cinematográficos de Byrne incluyen: The Internship (Aprendices fuera de línea), The Place Beyond the Pines (El lugar donde todo termina), Insidious (La noche del demonio),Get Him to the Greek (Misión Rockstar), X-Men: First Class (X-Men: Primera generación), Marie Antoinette (María Antonieta), Troy (Troya), Adam, y 28 Weeks Later (Exterminio 2), entre otras. Sus créditos teatrales incluyen La Dispute y Three Sisters, ambas de la Sydney Theatre Company (Compañía Teatral de Sídney).

MIRANDA HART (Nancy) es quizás mejor conocida por su papel como 'Chummy' en la popular serie dramática "Call the Midwife" (de la que Melissa McCarthy es una gran aficionada), que está entrando a su cuarta temporada, para la BBC. Por este papel ha sido nominada para el BAFTA y el NTA.

La excursión de Hart al Festival de Edimburgo en 1994 dio inicio con el viaje que la llevó a convertirse en una de las principales comediantes del Reino Unido. Después de diez años en el circuito de clubes de comedia en directo y sketches, dejó huella apareciendo en programas tales "Smack the Pony", "Absolutely Fabulous", "Hyperdrive" y "Not Going Out", antes de haberse convertido en un nombre popular en Inglaterra con su comedia "Miranda", en el 2009. Ese programa terminó sus cinco años de transmisiones a finales de 2014, ante críticas estelares.

Desde entonces, Hart ha sido coronada la Reina de la Comedia en los Premios British Comedy, y ha ganado tres Premios RTS a Mejor Actuación Cómica. Fue nominada para cuatro Premios TV BAFTA por sus últimas tres comedias. Su primer libro, Is It Just Me?, fue publicado ante un gran éxito, que lo llevó a ocupar el sumamente codiciado primer lugar en la Navidad de 2012, además de haber ganado el reconocimiento a Libro No Ficción del Año en los Premios The National Book Awards. Recientemente le publicaron su segundo libro, titulado The Best of Miranda.

Después de haber lanzado el año pasado su DVD cómico de entrenamiento físico, "Maracattack", Hart comenzó su primera gira de comedia en directo en varios años, "'My, What I Call, Live Show", que estuvo recorriendo todo el Reino Unido, durante el 2014, y que terminó con el lanzamiento del DVD.

El papel que puso en un primer plano a BOBBY CANNAVALE (Sergio De Luca) ante los cinéfilos fue como Joe en la premiada The Station Agent, de Tom McCarthy, por la que recibió una nominación al SAG como parte del ensamble.

Recientemente, Cannavale apareció en el filme Danny Collins, de Dan Fogelman, junto a Al Pacino, Jennifer Garner y Annette Bening. La película gira en torno a una estrella de rock entrada en años (Pacino), que decide cambiar su vida cuando descubre una carta para él de hace 40 años escrita por John Lennon.

Este año, Cannavale también aparecerá en Adult Beginners, al lado de Rose Byrne y Nick Kroll, y en Ant-Man, junto a Paul Rudd. Adult Beginners se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto el 8 de septiembre de 2014, y a la postre sus derechos de distribución fueron adquiridos por Radius-TWC, filial de The Weinstein Company. La película se exhibió en el Festival de Cine South by Southwest el 15 de marzo de 2015 y se estrenará en cines el 24 de abril de 2015. Ant-Man será estrenada en cines el 17 de Julio de 2015.

Cannavale acaba de comenzar la producción del proyecto de rock & roll todavía sin título de Martin Scorsese, para HBO, donde interpreta al personaje principal, Richie Finestra. La serie se centrará en un ejecutivo de Nueva York a finales de la década de los '70, que trabaja arduamente para forjar una carrera en la variada escena musical de la ciudad.

En el 2013, Cannavale obtuvo su segundo Premio Emmy y recibió una nominación al SAG por su papel como Gyp Rosetti en la aclamada serie "Boardwalk Empire", para HBO. También recibió dos nominaciones al Emmy por su papel en "Nurse Jackie", por la que también recibió una nominación al SAG. Cannavale ganó su primer Emmy por su papel como el novio de Will en la comedia "Will & Grace".

Los créditos cinematográficos adicionales de Cannavale incluyen: Blue Jasmine (Jazmín azul), Win Win (Ganar ganar), Shall We Dance (¿Bailamos?), Happy Endings, Roadie, Fast Food Nation, Romance & Cigarettes, Movie 43 (Parejas disparejas), Lovelace (Lovelace, Garganta profunda) y Parker. Créditos en televisión incluyen: "Third Watch", "100 Centre Street", "Ally McBeal", "Six Feet Under" y "Modern Family". Créditos en Broadway incluyen: The Big Knife, Glengarry Glen Ross, The Motherf**ker With the Hat (Premio Drama Desk y nominación al Tony) y Mauritius (nominación al Tony). Créditos fuera-de-Broadway incluyen: Hurlyburly, F--ing A y The Gingerbread House.

ALLISON JANNEY (Elaine Crocker) protagoniza la exitosa serie "Mom", para CBS, y aparece como actriz invitada en la serie de cable "Masters of Sex". Sus créditos cinematográficos incluyen The Way, Way Back, Touchy Feely, Trust Me y Bad Words. Además, prestó su voz para la película animada Mr. Peabody & Sherman (Las aventuras de Peabody y Sherman).

Recientemente, apareció en The Oranges, Liberal Arts yStruck By Lightning. Janney coprotagonizó la película nominada al Premio de la Academia The Help (Historias cruzadas), por la que el reparto obtuvo premios de ensamble del Screen Actors Guild, National Board of Review y Broadcast Film Critics.

Janney actuó en la exitosa película ganadora del Oscar Juno (Juno: Crecer, correr y tropezar), y en la versión cinematográfica de la obra ganadora del Premio Tony Hairspray (Hairspray, Suéltate el pelo). Por su papel en Life During Wartime (Del perdón al olvido), fue nominada para Mejor Actriz Secundaria en los Premios Spirit. También apareció en Away We Go (El mejor lugar del mundo), Strangers with Candy, y fue escuchada como la voz de Gladys en la película animada Over the Hedge (Vecinos invasores), así como la de Peach en Finding Nemo (Buscando a Nemo).

Janney recibió otra nominación al Premio Spirit por su trabajo en la película independiente Our Very Own, y actuó junto a Meryl Streep en The Hours (Las horas), que recibió una nominación del SAG a Ensamble Sobresaliente en una Película. Otros créditos cinematográficos en su haber incluyen la película ganadora del Premio de la Academia American Beauty (Belleza americana) (por la que ganó un Premio SAG a Ensamble Sobresaliente en una Película), así como Nurse Betty (Enfermera Betty), How to Deal (Enamórate), Drop Dead Gorgeous, 10 Things I Hate About You (10 cosas que odio de ti), Primary Colors (El escándalo), The Ice Storm (La tormenta de hielo), Six Days Seven Nights (Seis días, siete noches), The Object of My Affection (El objeto de mi afecto), y Big Night (La gran noche).

Janney es quizás mejor conocida por su papel protagónico como la Secretaria de Prensa de la Casa Blanca CJ Cregg en la serie de televisión "The West Wing", por la que obtuvo cuatro Premios Emmy y cuatro Premios SAG. Mientras cursaba su primer año de actuación en la Facultad de Kenton, Ohio, Janney hizo una audición para Paul Newman. Poco tiempo después, Newman y su esposa Joanne Woodward le sugirieron que estudiara en el Neighborhood Playhouse, en Nueva York. Siguió su consejo y a la postre haría su debut en Broadway en "Present Laughter", de Noel Coward, por la que obtuvo el Premio Outer Critics Circle y el Premio Clarence Derwent. Asimismo, apareció en "A View from the Bridge", original de Arthur Miller, por la que recibió su primera nominación al Premio Tony, además de haber ganado el Premio Outer Critics Circle. Janney fue vista más recientemente en Broadway en el musical "9 to 5", por el que obtuvo una nominación al Tony y ganó el Premio Drama Desk.

ACERCA DE LOS REALIZADORES

PAUL FEIG (Escritor-Director-Productor) es un multi-talentoso creador que trabaja exitosamente como realizador, escritor, director y autor. Las películas más recientes de Feig incluyen la comedia de policías The Heat (Chicas armadas y peligrosas), protagonizada por Sandra Bullock y Melissa McCarthy, que recabó más de $220 millones de dólares en todo el mundo, y la exitosa comedia Bridesmaids (Damas de Honor), protagonizada por Kristen Wiig, Rose Byrne, Maya Rudolph, y Jon Hamm, que se estrenó en mayo de 2011 ante críticas entusiastas, y llegó a recabar más de $283 millones de dólares en la taquilla mundial. El filme también recibió nominaciones al Premio de la Academia a Mejor Actriz Secundaria y Mejor Guión Original.

SPY, Una espía despistada es la tercera colaboración de Feig y McCarthy. Feig escribió, dirigió y produjo el filme a través de su compañía de producción Feigco Entertainment, que tiene un contrato de primera opción con Fox. Feigco Entertainment se especializa en desarrollar comedias atrevidas y comerciales para adultos, con un énfasis en personajes protagónicos femeninos fuertes. Otros proyectos de Feigco Entertainment en desarrollo incluyen: una versión nueva de Ghostbusters con un reparto totalmente femenino, que Feig dirigirá y coescribirá con Katie Dippold, y que será estrenado en julio de 2016; un filme con Jamie Denbo y Jessica Chaffin basado en sus personajes Beth y Gina de la reciente y exitosa comedia The Heat, de Feig; y un comedia aún sin título para un grupo de actrices de diversidad étnica que Melissa Stack escribirá basada en una idea original de Feig.

En la actualidad, Feig se encuentra colaborando con YAHOO en una serie original que se estrenará a principios de 2015. Other Space, una comedia de aventuras galácticas de media hora, sigue a un inadaptado grupo de aventureros del espacio que se topa con un universo alternativo. Feig creó la serie y está fungiendo como su productor ejecutivo.

Escritor/director nominado en tres ocasiones al Emmy y ganador del Premio DGA, Feig es también conocido por haber creado él solo la querida y aclamada serie "Freaks and Geeks", además de haber servido como director y productor ejecutivo de "The Office".

Fue nombrado uno de los Hombres Mejor Vestidos del 2012 por la revista Esquire, y "El Hombre Mejor Vestido en Hollywood" en la edición Black Book de invierno de 2012 de la revista Esquire.

"Freaks and Geeks" lanzó las carreras de Seth Rogen, James Franco y Jason Segel, y Time la nombró uno de los 100 Mejores Programas de Todos los Tiempos. Por su trabajo en la serie, Feig fue nominado para dos premios Emmy en la categoría de guión; uno por el programa piloto y otro por el episodio final de la serie, que también dirigió.

A la postre, Feig escribió y dirigió la película I Am David, basada en el libro homónimo danés de Anne Holm, que narra la inspiradora historia de un niño de 11 años que escapa de un campo de trabajos forzados de Bulgaria. La tercera película de Feig fue la comedia familiar Unaccompanied Minors (Menores sin Control) (2006), basada en un episodio de "This American Life", original de Ira Glass, para Warner Bros.

Feig ha dirigido múltiples episodios de las series de televisión "Arrested Development", "The Office", "Nurse Jackie", "Bored to Death", "Weeds", "30 Rock" y "Mad Men". Fungió como coproductor ejecutivo tanto de "The Office" como de "Nurse Jackie". En el 2008, su trabajo en "The Office" le valió una nominación al Emmy a Dirección Sobresaliente en una Serie Cómica por el episodio de una hora "Goodbye, Toby" y, en enero de 2009, obtuvo el premio DGA a Mejor Dirección en una Serie Cómica por el episodio "Dinner Party". Feig dirigió el episodio de una hora "Goodbye, Michael"; el último programa de Steve Carell.

Su incipiente carrera como comediante en centros nocturnos pronto lo llevó a una exitosa carrera como actor de carácter, con papeles periódicos en las series de televisión "Dirty Dancing", "Good Sports", "The Jackie Thomas Show", "The Louie Show" y "Sabrina the Teenage Witch". También apareció en películas tales como Ski Patrol, de Paul Maslansky, Heavyweights, para Disney, y That Thing You Do (Eso que tú haces), de Tom Hanks. Después de haber dejado la serie "Sabrina the Teenage Witch", Feig escribió, produjo y dirigió su primera película independiente, Life Sold Separately.

Además de su trabajo en cine y televisión, Feig es autor de dos autobiografías cómicas lanzadas por Random House: Kick Me - Adventures in Adolescence ySuperstud, Or How I Became a 24 Year Old Virgin. Esta última se convirtió en best-seller del New York Times y del Los Angeles Times. También es autor de dos novelas de ciencia ficción para adultos jóvenes: Ignatius MacFarland: Frequenaut! e Ignatius MacFarland: Frequency Freak Out!, ambas publicadas por Little Brown Books for Young Readers. El cuento de Feig "My Parents Give My Bedroom to a Biker", está en la colección de humor de adultos jóvenes Guys Read: Funny Business, de Walden Pond Press.

Graduado de la Escuela de Cine de la Universidad del Sur de California, Feig obtuvo el premio escolar Jack Oakie a Comedia en un Filme. Después de la USC, Feig trabajó como lector de guiones para el productor de Taxi Driver Michael Phillips, hasta que fue al programa "The $25,000 Pyramid" y ganó $29,000 dólares. "Siempre fui extremadamente competente", bromea.

PETER CHERNIN (Productor) es presidente y director general de The Chernin Group (TCG). Los activos actuales de TCG incluyen Chernin Entertainment, compañía de producción de entretenimiento; una participación mayoritaria en CA Media, una compañía de inversión en medios, ubicada en Asia; y varias inversiones estratégicas en compañías tecnológicas en los EEUU, incluyendo Pandora, Fullscreen, Tumblr, Flipboard, Scopely, Base79 y MiTú.

Chernin Entertainment produce programas de televisión y largometrajes. En la actualidad, produce la exitosa comedia de televisión "The New Girl", para FOX. El primer largometraje de la compañía, Rise of the Planet of the Apes [El planeta de los simios: (R)Evolución], fue estrenado en agosto de 2011 y recabó más de $480 millones de dólares en la taquilla mundial. El año pasado vio el estreno de Dawn of the Planet of the Apes (El planeta de los simios: Confrontación), que recibió elogios de la crítica y superó la taquilla de Rise. Chernin Entertainment también ha producido los éxitos taquilleros The Heat, Oblivion (Oblivion, El tiempo del olvido) y Parental Guidance (S.O.S. Familia en apuros).

Entre sus proyectos venideros se encuentra Miss Peregrine's Home for Peculiar Children, del director Tim Burton, basada en el best-seller de Ransom Riggs.

Antes de haber fundado TCG, el Sr. Chernin fungió como presidente y director general de News Corporation. Como presidente y director general, supervisó las diversas operaciones globales que abarcaban cinco continentes, incluyendo la producción y distribución de programación de cine y televisión; transmisiones de televisión, televisión satelital y televisión por cable; y la expansión de News Corp. a nuevos medios.

Chernin forma parte de los Concejos de American Express, Pandora, Twitter y es consejero superior de Providence Equity Partners. Forma parte del concejo de Friends of the Global Fight Against AIDS, Tuberculosis and Malaria (Amigos de las Lucha Mundial contra el SIDA, la Tuberculosis y la Malaria), además de ser presidente de Malaria No More.

JENNO TOPPING, p.g.a. (Productora) es presidente de cine en Chernin Entertainment, donde produjo y supervisó el desarrollo de Exodus: Gods and Kings (Éxodo: Dioses y reyes), dirigida por Ridley Scott y protagonizada por Christian Bale; St. Vincent, protagonizada por Bill Murray y Melissa McCarthy; The Drop (La entrega), con James Gandolfini y Tom Hardy; y The Heat, protagonizada por Sandra Bullock y Melissa McCarthy, que fue la comedia que más dinero recabó en el 2013.

Entre sus proyectos venideros se encuentra Miss Peregrine's Home for Peculiar Children, del director Tim Burton, basada en el best-seller de Ransom Riggs.

Los otros créditos de Topping incluyen Country Strong (Una nueva oportunidad), protagonizada por Gwyneth Paltrow y Tim McGraw; Catch and Release (Las vueltas de la vida), escrita y dirigida por Susannah Grant, con Jennifer Garner; las películas de Charlie's Angels (Los ángeles de Charlie); 28 Days (28 días) (Sandra Bullock); Dr. Dolittle (Eddie Murphy); la comedia juvenil Can't Hardly Wait (Ya no puedo esperar) y The Brady Bunch Movie (La tribu Brady), dirigida por Betty Thomas, de quien fue socia de 1998 al 2004.

Topping fungió previamente como ejecutiva para HBO Films, donde supervisó las películas ganadoras del Emmy y Globo de Oro "The Late Shift" (Kathy Bates) y "Rasputin" (Ian McKellen y Alan Rickman), en 1995.

JESSIE HENDERSON, p.g.a. (Productora) es vicepresidente ejecutiva de Feigco Entertainment.

Después de haberse graduado de la Facultad de Emerson, comenzó su carrera en el entretenimiento trabajando en "Tough Crowd", con Colin Quinn, y en "Chappelle's Show". A partir de ahí, Henderson fue a trabajar en Universal Pictures, antes de haber formado parte de Chernin Entertainment, donde organizó y coprodujo The Heat, protagonizada por Melissa McCarthy y Sandra Bullock. En abril de 2013, Jessie se unió a Paul Feig para fundar Feigco Entertainment, donde está produciendo y encabezando el desarrollo de numerosos proyectos bajo los auspicios de Fox.

JOHN J. KELLY (Productor ejecutivo) fue productor ejecutivo y gerente de unidad de producción de Divergent (Divergente), Abraham Lincoln: Vampire Hunter (Abraham Lincoln: Cazador de vampiros), 127 Hours (127 horas), Warrior (La última pelea) e Into the Wild (Camino salvaje). Sus múltiples créditos cinematográficos también incluyen Gentlemen Broncos y One Last Ride.

Entre sus proyectos venideros se encuentran Deadpool, para 20^th Century Fox.

MIKE LAROCCA (Productor Ejecutivo) es vicepresidente superior (cine) en Chernin Entertainment. Fue productor ejecutivo de The Drop y coproductor de Oblivion y Rise of the Planet of the Apes. Fue ejecutivo de producción de Dawn of the Planet of the Apes, Oblivion y The Drop.

ROBERT YEOMAN, ASC (Director de Fotografía) se une al director Paul Feig por tercera ocasión después de haber colaborado con él en los exitazos The Heat y Bridesmaids.

Yeoman tiene siete colaboraciones cinematográficas con Wes Anderson, incluyendo la sumamente aclamadaThe Grand Budapest Hotel (El gran hotel Budapest), así como Moonrise Kingdom (Un Reino Bajo la Luna), Bottle Rocket, Rushmore (Tres es Multitud), The Royal Tenenbaums (Los Excéntricos Tenenbaums), The Life Aquatic with Steve Zissou (Vida Acuática) y The Darjeeling Limited (Viaje a Darjeeling). El dúo también trabajó en el cortometraje Hotel Chevalier, protagonizado por Natalie Portman y Jason Schwartzman.

Yeoman nació en Pensilvania y creció en el suburbio de Wilmette, en Chicago. Obtuvo una licenciatura en artes de la Universidad de Duke y una maestría en bellas artes en producción cinematográfica de la Universidad del Sur de California.

Después de haber trabajado en comerciales al inicio de su carrera, hizo la transición al cine cuando fotografió la segunda unidad en To Live and Die in L.A., de William Friedkin. Esto lo llevó a ser director de fotografía de muchas películas independientes, incluyendo Drugstore Cowboy, de Gus Van Sant, por la que el Sr. Yeoman recibió un Premio Independent Spirit; Rampage, del Sr. Friedkin; The Substance of Fire (La Esencia del Fuego), de Daniel Sullivan; Permanent Midnight (Noches Eternas), de David Veloz; Dogma (Ídem), de Kevin Smith; C.Q.¸ de Roman Coppola; y la premiada The Squid and the Whale (Historias de Familia), de Noah Baumbach.

Sus películas para grandes estudios incluyen Get Him to the Greek (Misión Rockstar), de Nicholas Stoller, Whip It (Chicas sin Freno), debut como directora de Drew Barrymore; Yes Man (Sí, Señor), de Peyton Reed; y Red Eye (Vuelo Nocturno), de Wes Craven.

JEFFERSON SAGE (Diseñador de Producción) colaboró previamente con Paul Feig en The Heat y Bridesmaids, y en la serie de televisión de culto "Freaks and Geeks". El trabajo más reciente de Sage incluye Tammy, protagonizada por Melissa McCarthy. Previo a ello, hizo This Is 40 (2012), protagonizada por Paul Rudd y Leslie Mann, para el director Judd Apatow. Los créditos de Sage también incluyen Funny People (Siempre hay Tiempo para Reír) y Knocked Up (Ligeramente Embarazada), ambas de Apatow. Otros proyectos incluyen la comedia Bad Teacher (Malas Enseñanzas), para el director Jake Kasdan, y Paul (Paul: Encuentros Cercanos con este Tipo), para el director Greg Mottola. Además, Sage diseñó Year One (Año Uno), dirigida por Harold Ramis.

El trabajo de Sage en televisión incluye numerosos programas piloto y especiales, así como las series "The Bernie Mac Show" y "Undeclared".

Sage tiene un título en Artes Teatrales de la Facultad de William & Mary, y continuó sus estudios en la Escuela de las Artes Tisch de la Universidad de Nueva York, donde obtuvo una maestría en bellas artes en diseño de sets e iluminación en escena. Comenzó su carrera como diseñador en teatro, ópera, ballet e instalaciones industriales, antes de haber hecho la transición a la televisión y al cine.

BRENT WHITE, ACE(Editor) trabajó previamente con el escritor/director/productor Judd Apatow en las películas This is 40, Funny People, Knocked Up y The 40-Year-Old Virgin (Virgen a los 40), así como en las producciones de televisión Freaks and Geeks y Undeclared. Editó The Other Guys (Policías de Repuesto), de Adam McKay, protagonizada por Will Ferrell y Mark Wahlberg, y también editó las películas de McKay producidas por Apatow: Anchorman: The Legend of Ron Burgundy (El Periodista: La Leyenda de Ron Burgundy), Talladega Nights: The Ballad of Ricky Bobby (Ricky Bobby: Loco por la Velocidad) y Step Brothers (Hermanastros); además de Arthur (Arturo: Millonario Irresistible), de Jason Winer, protagonizada por Russell Brand y Helen Mirren.

White comenzó su carrera como editor en los talleres del Instituto Sundance y ha sido asistente en películas tales como The Milagro Beanfield War (El Secreto de Milagro), Glory (Gloria), Fluke (Ídem) y Home for the Holidays (Feriados en Familia). Sus otros créditos cinematográficos incluyen A River Runs Through It (Nada es para Siempre), Matilda (Ídem), Wildflowers, Panic y The Slaughter Rule.

En el 2002, White recibió una nominación al Premio Emmy por su trabajo como parte del equipo de edición de los Premios de la Academia. Sus otros créditos como editor en televisión incluyen Desperate Housewives y proyectos de largo formato, tales como Having Our Say: The Delany Sisters' First 100 Years, And the Band Played On, Mr. Murder, The Patron Saint of Liars y Critical Choices.

MELISSA BRETHERTON (Editora) fue editora de Anchorman 2: The Legend Continues, y ha trabajado en varias capacidades en el departamento de edición en películas tales como The Heat, This is 40, Step Brothers, Knocked Up, Talladega Nights: The Ballad of Ricky Bobby, The 40 Year Old Virgin, Funny People yRaging Bull (Toro salvaje).

CHRISTINE BIESELIN CLARK (Diseñadora de Vestuario) fungió como diseñadora de vestuario en The Maze Runner (Maze Runner: Correr o morir), 300: Rise of an Empire (300, El nacimiento de un imperio)yEnder's Game (El juego de Ender). Entre sus proyectos venideros se encuentran Deadpool, para20^th Century Fox, basada en el antihéroe de Marvel, y The Hill.

Clark trabajó en varias capacidades del departamento de vestuario en Tron: Legacy (Tron: El legado), X-Men Origins: Wolverine (X-Men Orígenes: Wolverine), 300, Babel y varios títulos más.

Escribiendo de amor: Sinopsis, elenco, ficha, critica: The Rewrite

2015-06-06T22:19:00.003-03:00

SINOPSIS

Para el guionista Keith Michaels (Hugh Grant), su momento de esplendor - un premio Globo de Oro y una exitosa película, una bella esposa e hijo, y una fuente aparentemente inagotable de ingenio y encanto inglés - ha quedado atrás.

Quince años más tarde, con casi cincuenta años, está divorciado, sin haber escrito un éxito en años y sin un centavo.

Por suerte, su agente tiene un trabajo para él, aunque muy lejos de Hollywood, como profesor de escritura de guiones en una universidad en el norte del estado de Nueva York, que Keith, en bancarrota total, no puede rechazar.

En la bucólica ciudad de Binghamton, descubre que su calidad de celebridad está intacta - le resulta muy fácil conquistar a la joven y deslumbrante Karen (Bella Heathcote), una de las alumnas de su clase, mientras que las demás estudiantes parecen naïve y simples.

Con la esperanza de prestarle la menor atención a sus tareas como profesor y dedicarse a escribir un nuevo guión, Keith comienza con el pie izquierdo con una importante miembro de la facultad (Allison Janney), una apática especialista en Jane Austen; pero entabla amistad con dos colegas que le prometen enseñarle cómo funciona todo (Chris Elliott, J.K. Simmons).

Keith empieza a cambiar su actitud cuando conoce a Holly (Marisa Tomei), una madre soltera que tiene dos trabajos para poder obtener el título universitario. A pesar de que Holly tiene un novio nuevo - y de que Keith no es capaz de mantener su romance en secreto - los dos se sienten identificados por su necesidad de una segunda oportunidad.

Cuando uno de los alumnos le presenta un guion que Keith sabe que se venderá, ve la oportunidad de dejar de enseñar y de regresar a la buena vida. Sin embargo, también ha descubierto que la enseñanza le ha dado esa segunda oportunidad de convertirse en una mejor persona y siente las mismas ansias de quedarse y ver hacia dónde lo llevará su talento.

CRÍTICA

Escribiendo de amor es una muy agradable comedia pasatista al mejor estilo de las que ya nos tiene acostumbrados Hugh Grant.

Es la típica película que si bien no te hace matar de risa, te mantiene constantemente con una sonrisa en los labios gracias a su ameno y rítmico guión.

El elenco que acompaña al protagonista es de primera línea, lo cual le suma varios puntos a esta historia gracias al carisma y profesionalismo de estos actores, que aunque seguramente más de un espectador no sabe sus nombres, sí en cambio los reconoce por su carisma y prolífico trabajo.

Un film imperdible si buscás pasar un rato distendido y más que agradable en el cine, sobre todo si tenés de treinta para arriba.

Cintia Alviti

En este artículo podés leer porque mis críticas no contienen calificación, sinopsis o detalles técnicos .

ACERCA DEL DIRECTOR

Marc Lawrence comenzó su carrera de escritor en Family Ties, de NBC, que estaba protagonizada por Michael J Fox, y por la que el guionista recibió nominaciones los premios Emmy y Humanitas. Sus créditos como guionista cinematográfico incluyen, The Out-of-Towners, protagonizada por Steve Martin y Goldie Hawn y Forces of Nature, protagonizada por Sandra Bullock y Ben Affleck. Como guionista y productor hizo Life With Mikey, protagonizada por Michael J Fox; Miss Congeniality y Miss Congeniality II, ambos protagonizados por Sandra Bullock. Asimismo, escribió y dirigió Two Weeks Notice, protagonizada por Sandra Bullock y Hugh Grant; Music and Lyrics, protagonizada por Hugh Grant y Drew Barrymore; y Did You Hear About the Morgans?, protagonizada por Hugh Grant y Sarah Jessica Parker.

En la actualidad, Lawrence vive en Nueva York con su mujer Linda y sus hijos Clyde, Gracie y Linus. Considera que su mayor logro es haber abandonado sus estudios de Derecho.

FICHA TÉCNICA:

Duración: 107 min

Título original: The Rewrite

País: USA

Dirección y Guión: Marc Lawrence

Reparto:

Hugh Grant, Marisa Tomei, Allison Janney, J.K. Simmons, Chris Elliott y Bella Heathcote

Con derecho a roce: Sinopsis, elenco, ficha, critica: Playing It Cool

2015-06-23T03:29:00.004-03:00

SINOPSIS

La historia presenta a un chico que ha dejado de creer en el amor, hasta que una noche, en una cena de recaudación de fondos para caridad conoce a una chica que le roba el corazón.

El narrador (Chris Evans) es un escritor y quiere escribir acción, pero su editor Bryan (Anthonie Mackie) quiere que primero, escriba sobre el amor.

El problema es que el narrador no cree en el amor.

Pero cuando se encuentra con Her (Michelle Monaghan), él se enamora de ella, hasta que descubre que ella ya se encuentra comprometida con Stuffy (Ioan Gruffudd).

Pero no puede dejar de verla, así que se propone iniciar una estrecha relación de amistad que, quizá con el tiempo, lleve a algo más

CRÍTICA

Con derecho a roce es una película simpática construida de una forma bastante amena que logra tapar sus falencias y carencias.

Es una historia de amor simple, naif, repleta de clichés y con un desenlace trilladísimo, pero el buen elenco, la empatía entre los protagonistas, algunas situaciones divertidas y las fantasías del personaje principal, hacen que su visión sea mucho más agradable.

El título que se ha inventado para Argentina deja mucho que desear ya que vende falsamente al film, pues da a entender que la historia se trata de una pareja de amigos que se la pasan "bomba" cada tanto, cuando en este caso sucede "algo interesante" apenas una vez.

Un film pasatista que se deja ver, aunque es recomendable que el espectador exigente lo piense dos veces antes de invertir en la entrada de cine.

Cintia Alviti

En este artículo podés leer porque mis críticas no contienen calificación, sinopsis o detalles técnicos .

FICHA

Título original

Playing It Cool

Año

2014

Duración

120 min.

Director

Justin Reardon

Guión

Chris Shafer, Paul Vicknair

Música

Andrew Feltenstein, John Nau

Fotografía

Jeff Cutter

Productora

Voltage Pictures / Wonderland Sound and Vision ELENCO

Chris Evans, Michelle Monaghan, Anthony Mackie, Aubrey Plaza, Martin Starr, Ashley Tisdale, Topher Grace, Patrick Warburton, Ioan Gruffudd, Luke Wilson, Sarah Dumont, Philip Baker Hall, Steven Wiig, Sean Carrigan, Joseph Aviel

Con derecho a roce: Critica: Playing It Cool

2015-06-25T12:30:00.003-03:00

Con derecho a roce es una película simpática construida de una forma bastante amena que logra tapar sus falencias y carencias.

Es una historia de amor simple, naif, repleta de clichés y con un desenlace trilladísimo, pero el buen elenco, la empatía entre los protagonistas, algunas situaciones divertidas y las fantasías del personaje principal, hacen que su visión sea mucho más agradable.

El título que se ha inventado para Argentina deja mucho que desear ya que vende falsamente al film, pues da a entender que la historia se trata de una pareja de amigos que se la pasan "bomba" cada tanto, cuando en este caso sucede "algo interesante" apenas una vez.

Un film pasatista que se deja ver, aunque es recomendable que el espectador exigente lo piense dos veces antes de invertir en la entrada de cine.

Cintia Alviti

Encontrá en este otro artículo sinopsis, ficha y data

En este artículo podés leer porque mis críticas no contienen calificación, sinopsis o detalles técnicos .

Solo, poster pelicula argentina afiche oficial

2015-06-28T05:41:00.003-03:00

Poster oficial de la distribuidora Argentina para promoción de la película en cines y medios de difusión.

FECHA de ESTRENO

ARGENTINA

2 de JULIO 2015

ACLARACIÓN: La fecha de estreno comercial en cines de Argentina puede ser suspendida o modificada en cualquier momento por la distribuidora del film.

Podés verificarla en la cartelera publicada en la parte superior del lateral de este sitio.

ELENCO PROTAGONISTA

Enrique Bastos, Fabian Silva, Claudia Cantero, Rita Terranova, Marilu Marini.

DIRECCIÓN

Guillermo Rocamora.

Podés encontrar más data sobre la película buscando en el Índice

Ted 2: Sinopsis, elenco, ficha, critica: Dirigida por Seth MacFarlane

2015-06-18T06:35:00.004-03:00

SINOPSIS

En 2012, un adorable pero increíblemente malhablado oso de peluche, conquistó al mundo.

Con su clásica buena apariencia peluda, su actitud fanfarrona, su vena humorística cuando consume marihuana y sus chistes con referencias sexuales, el inusual protagonista catapultó al éxito la comedia de Universal Pictures y Media Rights Capital, acerca de un tipo marihuano y su mejor amigo, hasta lograr el título de la comedia para adultos más taquillera de todos los tiempos.

En los años que han transcurrido desde que vimos por última vez a John y a Ted, ellos han permanecido en Boston. Aunque John ahora está soltero, Ted ha sentado cabeza con Tami-Lynn, la vulgar mujer de sus sueños. Cuando los problemas maritales comienzan a afectar a los recién casados, Ted y Tami-Lynn deciden tener un bebé para salvar su matrimonio. Sus esperanzas se derrumban cuando la Comunidad de Massachusetts declara que Ted no es una persona sino una propiedad, y por lo tanto, no es apto para poder adoptar. Él es despedido de la tienda de abarrotes y se le informa que su matrimonio ha sido anulado.

Enojado y abatido, Ted canaliza su frustración y le pide a su mejor amigo que lo ayude a demandar al estado para obtener los derechos que merece. Ellos contratan como abogada a una joven aficionada a la marihuana medicinal llamada Samantha L. Jackson (AMANDA SEYFRIED de Mamma Mia!, Les Misérables), pero cuando Ted pierde el caso, los tres se aventuran en un viaje por carretera para llegar a Nueva York en un último esfuerzo por persuadir al reconocido abogado de derechos civiles, Patrick Meighan (el ganador del Oscar ^® MORGAN FREEMAN de The Shawshank Redemption, Wanted) para que se encargue de su apelación. Si ellos ganan, probarán que Ted no es sólo un oso de peluche cervecero y marihuano, sino una persona que merece las mismas libertades que cualquier otro norteamericano cervecero y marihuano.

CRÍTICA

El mayor problema de Ted 2 es que en esta oportunidad no hay sorpresa, ni novedad, pero a pesar de sus altibajos, logra sacar unas cuantas risas sobre todo al que se enganchó con la primer entrega.

El guión, que tiene un muy buen ritmo, está repleto de gags efectivos que mantienen la línea de la primer película. Los títulos son muy atractivos de ver, así que tratá de no llegar tarde al cine. Y el osito, por supuesto se come la película gracias a su simpatía y técnica impecable.

Lo mejor sucede durante el primer tramo, y lo peor es la línea que tiene que ver con el personaje de Donny y la "maldad" que quiere hacer, pues dentro de toda la incoherencia que ya es el film en sí mismo, esta parte lo es aún más, y como si fuera poco es tonta y muy poco divertida (excepto la persecución en el Comic-Con). Pero felizmente todo esta parte ocupa pocos minutos.

Si te reíste con la primera, también lo vas a hacer acá, aunque quizás no con la misma frecuencia o intensidad, pero no se puede negar que se mantiene fiel a su estilo: guarra, atrevida, divertida, entretenida y pochoclera

Cintia Alviti

En este artículo podés leer porque mis críticas no contienen calificación, sinopsis o detalles técnicos .

ACERCA DE LA PRODUCCIÓN

Amigos para siempre: Comienza Ted 2

Este verano, SETH MACFARLANE regresa como escritor, director y voz estelar de Ted 2 , la secuela del éxito que lanzó la carrera del oso más escandaloso del mundo. Reunido nuevamente con MARK WAHLBERG (Transformers: Age of Extinction,The Other Guys) quien interpreta a John Bennett, los mejores amigos entran en un territorio inexplorado: Es tiempo de legalizar a Ted.

MacFarlane dirige la comedia a partir de un guión que escribió con sus frecuentes colaboradores y productores ejecutivos de Ted 2, ALEC SULKIN y WELLESLEY WILD (Ted, A Million Ways to Die in the West, la serie de TV Family Guy).

Los miembros del reparto que regresan para participar en la secuela de Ted incluyen a JESSICA BARTH (Family Guy, Parks and Recreation) como Tami-Lynn, la cajera compañera de trabajo de Ted y ahora ruborizada novia; GIOVANNI RIBISI (Selma,Avatar) como Donny, el psicópata favorito de Boston que ha ideado un nuevo plan para secuestrar a Ted; PATRICK WARBURTON (Family Guy,Rules of Engagement) como Guy, el aficionado al club de la pelea, amigo y compañero de trabajo de John; BILL SMITROVICH (Iron Man, la serie de TV Without a Trace) como Frank, el extraño supervisor de la tienda donde trabaja Ted; y el mismísimo Flash Gordon, SAM J. JONES, como el héroe de la niñez de John y Ted. Así mismo, el renombrado actor de cine y televisión, PATRICK STEWART (serie de X-Men, Star Trek: The Next Generation para la TV) regresa como el narrador de la comedia.

Junto con Freeman, se unen al reparto de la nueva película JOHN SLATTERY (Mad Men,Iron Man 2) como Shep Wild, el abogado de primera categoría contratado para llevar el caso en contra de Ted; MICHAEL DORN (Castle, Star Trek: The Next Generation) como Rick, el nuevo novio de Guy; y JOHN CARROLL LYNCH (Shutter Island, Gran Torino) como Tom Jessup, el Director General de la compañía de juguetes que hace un complot con Donny para secuestrar a Ted.

Encabezando las numerosas apariciones "cameo" están el mariscal de campo de los Patriotas de Nueva Inglaterra y ganador del Súper Tazón, TOM BRADY, como el posible donante de esperma de Ted, y DENNIS HAYSBERT (Think Like a Man Too, 24) como el doctor especialista en fertilidad de Ted y Tami-Lynn. Ellos es unen a famosas estrellas de la comedia cuyas apariciones no mencionaremos para no arruinar la sorpresa...

Vuelven a unirse a MacFarlane sus compañeros productores de Ted, SCOTT STUBER (Identity Thief,Safe House), JASON CLARK (A Million Ways to Die in the West, Cosmos: A Spacetime Odyssey) y JOHN JACOBS (Family Guy, Beverly Hills Chihuahua).

El equipo creativo detrás de cámaras de Ted 2 está liderado por el director de fotografía MICHAEL BARRETT (Ted,You Don't Mess With the Zohan), el diseñador de producción STEPHEN LINEWEAVER (Ted,Blades of Glory), el editor JEFF FREEMAN (Ted, Paul Bart: Mall Cop), la diseñadora de producción CINDY EVANS (A Million Ways to Die in the West,August: Osage County), el supervisor de efectos visuales BLAIR CLARK (Ted, The Smurfs) y el compositor WALTER MURPHY (Ted, Family Guy).

En verano de 2012, el mundo cayó rendido ante los encantos de Ted. A la altura de los casi $550 millones de dólares en venta de boletos a nivel mundial, el público asistió a tropel para reír con el indecente oso y su mejor amigo, John. Scott Stuber, de Bluegrass Films, quien produjo la comedia junto con MacFarlane, Jason Clark y John Jacobs, comparte por qué nuestro héroe tiene tanto atractivo: "Lo genial de Ted es que él puede decir cosas que una persona normal no podría… o de hacerlo, seguramente sería golpeado en la cara. Pero como él es un oso de peluche, él se puede salir con la suya".

Después del fenomenal éxito de Ted en la taquilla mundial y en video, era natural que surgieran pláticas entre los realizadores, Universal Pictures y MRC acerca de la realización de una secuela. Aún así, para MacFarlane no era una garantía que un nuevo capítulo se hiciera realidad. Él explica: "De hecho, yo no había planeado hacer Ted 2, pero cuando las cosas salen bien, siempre surge la oportunidad. No hay razón para hacerla si vas a repetir la misma película. No es satisfactorio para la audiencia, y es muy aburrido para nosotros".

Aún así, MacFarlane admite haberle tomado un gran cariño a los personajes y dice que el género se presta para construir ideas ilimitadas: "Es un poco más fácil con la comedia, porque es un género mayormente basado en los personajes que en la premisa, similar al tratamiento de las series de TV. Los personajes pueden ser puestos a cualquier situación; y sentimos que Ted y John podían respaldar una historia totalmente diferente. Ellos eran personajes muy fuertes interior y exteriormente, así que era posible hacer una secuela que valiera la pena. Fue divertido descubrir lo que podríamos hacer con estos personajes. Algo que fuera completamente diferente de lo que habíamos hecho en la anterior película".

Cuando se puso a discusión Ted 2, era imperativo que el equipo creativo fuera el mismo. Eso significaba que MacFarlane se reuniera nuevamente con los escritores de Ted, Sulkin y Wild para escribir el siguiente capítulo. "Hacer cualquier secuela siempre es un reto porque tienes que presentar algo original", comenta Stuber. "Seth, Alec y Wellesley querían hacer una película mejor que la primera, y trabajaron duro para entramar el género de comedia con la pregunta existencial de quiénes somos como personas. Para crédito suyo, crearon una película acerca de algo. No sólo continuamos con las cosas de las que el público se enamoró, como la relación entre Ted y John, y todo lo que ello conlleva, sino que ahora hay muchas sorpresas. Estamos orgullosos de haber creado algo original que también incluye elementos que todos aman de la primera película".

Sulkin bromea de que su título para la secuela fuera rechazado. "Mi título era Ted 2: Más de lo Mismo, pero fue rechazado, y en realidad sí pensamos en una nueva historia". El escritor está de acuerdo con Stuber en que en la primera película el público respondió al fuerte lazo entre Ted y John, y él quería que en la siguiente película se ahondara más el tema de la relación. "Esos fueron momentos que la gente amó, cuando John y Ted pasaban tiempo juntos, así que era una prioridad. Queríamos asegurarnos de tener una historia realizable pero que mantuviera como elemento central el que ellos estuvieran juntos".

Fue una improbable inspiración legal del siglo XIX lo que motivó a los socios escritores a contar el segundo capítulo de la historia de Ted. Wild comparte: "Seth estaba leyendo un libro acerca del caso de Dred Scott cuando se le ocurrió esta idea: 'Como Ted es un animal de peluche que cobró vida, ¿qué tal si él descubriera que no es un ciudadano? ¿Qué pasaría si no fuera considerado como una persona, sino como una propiedad? Él quería explorar esa veta y encontrar si había algo interesante bajo esta premisa… o si sólo sería una aburrida película sobre un caso en la corte con un par de chistes esparcidos por aquí y por allá. Terminamos inclinándonos por esa idea, la cual fue moldeada a partir del caso".

MacFarlane se extiende comentando que aunque fuera asombroso que en la primera película un oso de peluche cobrara vida, en algún momento la gente lo empezaría a ver como algo normal: "Los seres humanos se adaptan muy fácilmente. Seguramente muy pronto la gente diría, '¡Mira lo que sucedió! Sigamos adelante.' Nos quedamos con esa idea y descubrimos que el estatus legal de Ted eventualmente saldría a colación".

Pero el director supone que este nivel de comodidad sería moderado hasta cierto grado de sospecha. Él comenta: "Los seres humanos son inherentemente tribales. Para nuestro propio detrimento, necesitamos poner a la gente en grupos pequeños. Seguramente habría algo de resistencia en dejar a un oso de peluche parlante entrar a nuestro club, de la misma manera que hay resistencia en que la gente gay entre en nuestro club y-como en algún momento sucedió-en que la gente de color entrara a nuestro club. El personaje de Amanda tiene un diálogo en la película en donde dice que en cada conflicto sobre los derechos civiles, sólo somos capaces de reconocer el punto de vista justo después de años de haber sucedido el evento. Nunca lo vemos en el momento. Siempre pensamos que esta vez es diferente".

El productor Jacobs se sintió complacido de que los escritores tomaran esta ruta con la historia. Él comenta: "Ted y John son Hope y Crosby, y tienen una química mágica y especial. Este es el tema orgánico para la continuación de la película original, la cual exploraba lo lejos que podría llegar una historia de amor entre un hombre y su oso de peluche. Ted 2 nos lleva al siguiente nivel reflexionando acerca de quién es digno de no ser llamado un objeto inanimado o de que se le dé una ciudadanía".

Con una seria reflección como inspiración para la película, Sulkin admite que fue su amor por un ineludible programa de televisión lo que inspiró mucho del diálogo de la comedia: "He visto Law & Order desde que salió. Conozco todos los términos legales que escuchas una y otra vez en la corte, pero es más gracioso cuando este malhablado oso de peluche se ve inmerso en un verdadero drama legal. Ese fue un punto focal para mí mientras escribíamos el guión, asegurándonos de que esos momentos parecieran reales".

Después de años de colaboración con MacFarlane en proyectos de cine y televisión, los escritores han perfeccionado un método sencillo para la elaboración de un guión. "Tenemos un sistema en donde los tres nos reunimos y escribimos un borrador, y luego Wellesley y yo nos separamos y nos dividimos las escenas", explica Sulkin. "Literalmente lo hacemos así: 'Yo hago las pares y tú las nones'. Escribimos nuestra mitad de la película y luego se la enviamos al otro antes de entregárselas a Seth… sólo para asegurarnos de que no hayan grandes redundancias o coincidencias. La pulimos y luego vamos con Seth".

Una gran ventaja que tienen los escritores es que su co-estrella es animada. Esto les permite mantenerse vigentes en el diálogo y con los chistes de actualidad. Wild explica: "Debido a que Ted es animado, puedes escribir nuevas líneas para él. Porque sólo se trata de adaptar sus labios cuando su boca se está moviendo, así que puedes insertar cualquier cosa que se preste. Seth está constantemente pidiendo cosas que sean contemporáneas. Esto nos permitió escribir chistes hasta algunas semanas antes de que la película fuera estrenada".

Cuando nuestra historia comienza, han pasado varios años desde la última vez que vimos a John y a Ted. John lleva divorciado seis meses y está deprimido. La vida hogareña de Ted tampoco es la luna de miel que esperaba. Con la esperanza de salvar su matrimonio, Ted y Tami-Lynn deciden lo que muchas parejas cuando su relación está estancada: tener un bebé.

Clark nos narra dónde se encuentran nuestros amigos: "Encontramos a John, quien se siente solo porque su matrimonio se ha disuelto, y a Ted, cuya relación con Tami-Lynn ha progresado al punto del matrimonio. La película abre con una secuencia de una gran boda y vemos que Ted quiere ser una persona completa. Él se ha mudado con Tami-Lynn y quiere tener un bebé. Como él no tiene su propio órgano masculino, como primera opción quiere encontrar a un donante, y como segunda opción, adoptar. Conforme avanzamos en esta aventura con Ted, todo se centra en él tratando de encontrar su identidad como persona. Él tiene toda la humanidad de un humano, pero no tiene la etiqueta de uno; sigue siendo un oso de peluche".

Debido a que el estado no considera legalmente a Ted como a un humano, él no tiene nuestros derechos y no puede adoptar a un niño. La cruzada de Ted para probar que él es una persona ha comenzado. Después de perder su primer juicio, Ted, John y Samantha, su primera abogada, se embarcan en un viaje hacia Nueva York con la esperanza de persuadir a un legendario abogado de derechos civiles para que apele su caso. Durante este viaje, MacFarlane y sus amigos escritores rinden homenaje a una de sus comedias favoritas… en una escena a la que los realizadores se refieren como la escena "de hacer el tonto".

Mucho del humor de Ted 2 es comedia física, y era clave para el equipo rendir homenaje a los actores cómicos legendarios de esa escuela. Sulkin explica la inspiración para una escena central: "Queríamos que Ted hiciera esta secuencia 'de hacer el tonto', la cual es casi una escena 'toma-por-toma' sacada de Planes, Trains and Automobiles, con el gran John Candy haciendo las mismas cosas que hace Ted aquí. Pensamos que era una buena comparación porque Candy fue un oso de peluche de esa película. Él es adorable, increíblemente disruptivo y muy gracioso. Vemos a Ted de la misma forma; él trata de hacer lo correcto mientras trata de ser gracioso. Él se mete en la música y, por supuesto, todo sale mal; su auto termina saliendo del camino y volando hacia el techo de un granero".

Esta resultó ser una de las secuencias favoritas de Stuber en el guión. El productor explica: "Uno de los primeros errores que comenten es dejar a Ted al volante. Ted no está poniendo atención, todos se quedan dormidos y él saca el auto del camino y lo impacta contra un granero. Ellos están atascados en medio de la nada en un lugar que parece ser un granero donde viven unos narcotraficantes. Hay un enorme campo de marihuana al estilo Jurassic Park que genera un grandioso momento de éxtasis y se meten en problemas. Cuando ellos regresan al camino, hay una serie de grandes momentos cómicos antes de que finalmente terminen en la Ciudad de Nueva York en Comic-Con".

Lo Mejor de Boston:

Seleccionando el reparto de la Comedia

Cuando MacFarlane y los productores se acercaron a Wahlberg con la idea de hacer Ted 2, no le tomó mucho tiempo subirse abordo del proyecto. "La primera película fue la comedia para adultos más taquillera de todos los tiempos por una razón", comenta Wahlberg. "Tiene un humor increíble pero también tiene mucho corazón. En Ted, uno apoya a John para que mantenga su relación con Ted, y la razón por la cual me emocionó hacer Ted 2 fue que sabía que estaría trabajando con Seth. Es la primera vez que hago una secuela de una película, porque sabía que Seth la llevaría a otro nivel. Mientras hubieran lugares a los que ir y cosas que hacer para los personajes, la gente querría verla".

Wahlberg está de acuerdo con los productores en que John y Ted son los mejores amigos. Él nos comenta en dónde se encuentran ahora estos amigos: "En la primera película, John estaba caminando sobre esa delgada línea entre mantener su relación con su mejor amigo pero también volverse más maduro-el hombre que su novia y futura esposa quería que fuera. Ahora que han pasado varios años y John está divorciado, él no se quiere involucrar en otra relación porque no quiere salir herido ni exponerse".

Mientras que John tiene una actitud de "ya pasé por eso, nunca más", es el turno de Ted de tratar de mantener una relación que es crucial para él. Wahlberg explica: "Ted está haciendo todo lo que puede para retener a Tami-Lynn. Él quiere ser un adulto responsable y un padre, y eso plantea diferentes e interesantes retos en el camino. Mientras John y Ted trabajan juntos para demandar al estado para que se reconozca a Ted como persona, vemos como ellos tienen una causa real por la cual luchar. La gente va a apoyar a Ted para que tenga éxito".

Wahlberg admira la habilidad de los escritores para hilar una historia legítima y emocional al mismo tiempo que mantiene los elementos de una escandalosa comedia que los fans de la primera película esperan. Él reafirma: "Aunque Ted y John han madurado, ellos aún salen juntos tan seguido como les es posible y se meten en líos juntos. Gracias al éxito de la primera película, fuimos capaces de ir más allá pero manteniendo el balance entre lo emotivo y el humor".

MacFarlane aprecia la dedicación de su protagonista hacia el mundo de Ted: "Mark es brillante en todo lo que se le pide que haga. Su actitud siempre es: 'Si te funciona, cuenta conmigo'. Él es un fantástico actor dramático, es un fantástico actor cómico, y eso incluye tanto la comedia sutil verbal como la comedia física. No hay nada que no pueda hacer".

Jacobs se suma al reconocimiento y resume los sentimientos del reparto y equipo acerca de su protagonista humano: "Mark ha sido increíble. Hacer lo que él ha hecho muestra su rango más allá de lo que ha logrado hasta ahora. Interpretando a John, Mark es un amigo emocional y divertido, y al mismo tiempo interactúa con algo que no está ahí. Él simplemente usa su imaginación y sigue la voz de Seth".

Seleccionada como parte del reparto que trabaja junto a Wahlberg está Amanda Seyfried interpretando a Samantha L. Jackson, una entusiasta joven abogada que toma el caso de Ted como 'pro bono'. De hecho, su personaje es similar a Dorothy Lamour en las comedias clásicas de Bob Hope y Bing Crosby. La actriz comparte: "Yo hice A Million Ways to Die in the West con Seth, y él es un hombre leal. Cuando le gusta alguien, lo trae de regreso; su vida es su trabajo. Yo lo estuve molestando durante los seis meses siguientes de que terminamos de filmar, y un día me llamó. Como broma, le pregunté: '¿Acaso voy a participar en Ted 2?' Él me llamó meses después y me preguntó: '¿Qué vas a hacer en junio?' y me ofreció el papel del nuevo interés amoroso".

Seyfried describe su personaje: "Samantha acaba de salir de la escuela de leyes y está tratando de encontrar su lugar en esta firma. Su tío la contrata como abogada junior, y ella trabaja muy duro. Ella es sincera pero le gustan los porros ocasionales, bueno diarios, y tiene una personalidad poco convencional. Cuando Ted y John la conocen en su oficina, ella está desatada y ellos piensan: '¿Cómo esta marihuana despistada va a ganar nuestro caso para otorgarle a Ted el estatus de persona?'"

Stuber explica por qué ellos tenían sus dudas: "La primera vez que ven a Samantha, ellos no están seguros de que sea la persona correcta. Ella es un poco joven, y no saben si podrá manejar el caso". Aún así, para John y Ted, el amor sobrepasa todo. "Pero cuando ella saca la pipa, de pronto se convierte en la abogada perfecta. Hay una divertida dinámica entre los tres, y ella toma el caso de Ted porque cree que es alguien digno de merecer lo que busca".

Sulkin explica sus razones para el nuevo interés amoroso de John: "Sabíamos que no contaríamos con Mila Kunis para Ted 2, y quisimos usar eso en la historia y hacerlo parte del viaje emocional de John. Él empieza muy triste porque las cosas no salieron como esperaba con la mujer con la que se casó, con lo cual mucha gente se puede identificar. Una vez que la parte legal de la historia comienza, presentamos a Samantha y nos percatamos que ella podría ser otro gran interés amoroso para él. Ella es muy alivianada, mientras que Lori siempre reprendía a John por fumar marihuana, o por otras cosas. Samantha es mucho más fácil de trato y está más en sintonía con John. Esperamos que desde el momento en que el público la conozca quiera que estos dos terminen juntos".

Volviendo a participar como parte del reparto junto a MacFarlane y Wahlberg está Jessica Barth en el papel de Tami-Lynn, la compañera de trabajo de Ted en la tienda de abarrotes, quien ha pasado de salir con un oso a casarse con él. "Al principio, todo iba genial, pero después de algunos años de matrimonio, ellos están teniendo problemas financieros y emocionales y tienen algunas discusiones bastante acaloradas", explica Barth. "Ellos creen que un bebé los volverá a unir".

Cuando el estado niega a Ted su estatus de persona, Tami-Lynn se convierte en una de sus más feroces defensoras. "Ted y Tami-Lynn son muy leales," agrega la actriz. "Esa es su esencia. Son honestos y auténticos, y ninguno pretende lo que no es. Obviamente, ellos tienen sus problemas, pero se quieren mucho. Tami-Lynn tiene un corazón de oro. Quizá no sea tan elocuente, pero eso es lo que me encanta de ella".

También reinterpretando su papel está Giovanni Ribisi como Donny, el tipo obsesionado con Ted, quien no se lo puede sacar de la cabeza. Él y Ted nunca serán mejores amigos. El actor nos comenta acerca de su papel: "Donny tiene una fascinación por Ted. Él es su fan No. 1, y simplemente ha llegado muy lejos. En esta película, él regresa de las sombras y las entrañas de Boston, en su misión por encontrar una compañía en Ted. Él obtiene un trabajo como conserje en la compañía que fabricó a Ted hace 30 años. Donny consigue con artimañas una cita con el Director General Tom Jessup, y lo convence de participar en un plan para ir tras el oso para hacer muchos Teds, lo cuál podría traer billones a la compañía".

Los productores apreciaron la atención del actor a su psicosis. "Giovanni es un actor asombroso", comenta Clark, "y todo lo que hace como villano es glorioso. Él regresa en este capítulo con su misma intención maligna. Él ha pasado por todas las instancias de la corte y está nuevamente en la calle… pero no ha perdido su interés por tener a Ted. En el punto crucial de la historia, el piensa que si Ted fuera una persona sería un secuestro, pero si no lo fuera, sólo estaría robando un oso de peluche de $59 dólares".

El productor Jacobs estaba asombrado con su villano: "Giovanni es uno de los mejores actores que he visto. Él llegará tan lejos como se necesite para hacer su papel creíble y aterrador. Parte de la razón por la cual él fue tan gracioso en Ted es que realmente se convierte en su personaje. Él lo respira, lo duerme y lo fuma".

Entre los miembros del reparto que regresan, está el amante del club de la pelea, Guy, compañero de trabajo de John en el sitio de renta de autos, interpretado por Patrick Warburton; Bill Smitrovich como Frank, el excesivamente paciente supervisor de Ted y Tami-Lynn en la tienda de abarrotes; Sam J. Jones, quien es sinónimo de Flash Gordon; y Patrick Stewart como el narrador de la película.

Nuevos en el reparto están el ganador del Premio de la Academia^®, Morgan Freeman, interpretando a Patrick Meighan, el abogado de Ted y John que está dispuesto a tomar su caso en la Corte Suprema. Stuber comenta acera del propósito de su personaje en Ted 2: "La idea era que ellos perdieran su caso en Massachusetts para que inevitablemente hubiera un gran abogado en Norteamérica que tomara su caso. Esa persona es el personaje de Morgan Freeman, y resulta que él reside en Nueva York. Una vez que Ted, Samantha y John se dan cuenta de que lo necesitan y deciden apelar el caso, los tres se suben a un auto y viajan desde Boston hasta Nueva York".

MacFarlane Comenta lo que significó el involucramiento del querido actor en esta producción: "La cereza en el pastel fue tener a Morgan en esta película, y particularmente para ese papel. Su personaje es un ficticio abogado de derechos civiles que es el más importante del país. Necesitábamos a alguien que, cuando abrieran la puerta de su oficina y se levantara, uno supiera instantáneamente que era el mago al final del camino amarillo".

John Slattery, de Mad Men, fue llamado a participar como Shep Wild, el cortés abogado que está peleando porque Ted permanezca como una propiedad. Seyfried nos presenta a su personaje y contraparte: "Shep Wild es ese gran abogado canoso y sexy que nunca ha perdido un caso en su carrera. Él representa a la Comunidad de Massachusetts y nosotros lo conocemos en una escena en donde nos enfrentamos a él en la corte para tratar de pelear los derechos de Ted como persona". A ella le encantó la interpretación de Slattery. "John interpreta a Shep como un idiota ladino realmente encantador. Él es simplemente perfecto e hizo el rodaje muy divertido".

Curiosamente, el taimado abogado comparte algo en común con muchos otros personajes en el universo de Ted 2. El guionista y productor Wild explica: "Básicamente nombramos a todos los personajes en la película en honor a gente que conocemos. Shep Wild es Henry Shepherdson Wild: mi papá. Él no se parece en nada a John Slattery, pero simplemente dijimos: "¿Y qué tal si usamos el nombre de mi papá?' Ahora mi papá quedará inmortalizado en la película".

Las apariciones "cameo" en la película son muchas para mencionarse-y vale la pena mantenerlas como sorpresa al no develarlas en este documento-así que necesitarán de un muy buen ojo, sin hacer trampa consultando IMDB, para descubrirlos a todos.

Naves Espaciales y Carruseles de Marihuana:

Diseño y Locaciones

El deseo de los realizadores de crear un mundo en el cual viviera un oso de peluche que habla se estableció en la primera comedia, y la producción regresó a la ciudad de Boston para filmar Ted 2. "En Ted, Boston es un personaje de la película, y John y Ted son de Boston," comenta Clark. "Es un pequeño ecosistema, una personalidad por sí misma, y los bostonianos lo entienden. Cuando pones a Mark en este lugar real donde Ted es lo único fuera de la realidad, todo se siente verdadero. Cuando la gente ve a estos dos en lugares populares de Boston, eso nos permite aterrizar la película y la comedia".

Wild comenta que, para ser aceptado en este lugar, Ted debía tener una voz perfecta: "La voz de Ted me mata con ese acento de Boston. La gente de Boston es muy pero muy especial al emular esos acentos de Boston, y los actores en las películas han hecho versiones terribles de ese acento durante años. Pero con Ted uno piensa: 'Sí. Aprobado. Es auténtico'".

La producción tomó ventaja de varias ubicaciones conocidas entre locales y turistas, como el Parque de Boston con sus botes en forma de cisne, el Boulevard Seaport y el Muelle de Boston. Locaciones adicionales incluyeron la Aduana del Marriot en McKinley, la cual es la corte donde Ted está en juicio. Construida en 1834, ahora funciona como hotel.

Pasando el Puente Tobin y frente al Río Místico de Boston está la ciudad industrial de Chelsea. Originariamente, una comunidad de clase trabajadora, Chelsea se ha aburguesado a lo largo de los años, pero todavía mantiene esa mezcla de bodegas y residencias. Qué mejor lugar para el departamento que comparten Ted y Tami-Lynn.

La Iglesia Metodista Union United, hogar de una de las congregaciones afroamericanas más antiguas del país, es el sitio donde Ted y Tami-Lynn se casan en el Sur de Boston. También en el vecindario se encuentra el bar The Eagle -recientemente nombrado el Mejor Bar del 2014 por la revistaBoston- donde John y Ted regularmente se reúnen a beber. Igualmente, el Club Milton-Hoosic en Milton, Massachusetts sirve como local para la recepción de boda donde John y Ted interpretan su canción, "Thunder Buddies".

Abierto desde octubre de 1885, el edificio en memoria de Converse, en donde está ubicada la Biblioteca Pública Malden, fue diseñado por Henry H. Richardson y construido por Converse (de la famosa línea de zapatos) y su esposa en memoria de su hijo mayor, Frank, el cajero asistente del Banco Malden, quien fue trágicamente asesinado durante el primer robo armado a un banco de los Estados Unidos en 1863. Este exquisito lugar se presenta como la biblioteca de leyes donde John, Ted y Samantha investigan su caso, fuman marihuana y rinden homenaje a The Breakfast Club en una secuencia de canto y baile. Igualmente, la Cafetería de los 50's, Mill Pond, en Wareham, Massachusetts, es uno de los puntos donde paran durante el viaje de Boston a la ciudad de Nueva York.

Una de las locaciones favoritas del reparto y equipo fue la "Mansión Tom Brady", la cual fue filmada como una casa privada en Norfolk. "Tom Brady es un ícono", comenta Stuber. "Él y Mark son dos de los hijos predilectos de Boston. Estábamos filmando en un vecindario y eso fue como Disneylandia para los locales. Su sueño se había vuelto realidad: Tom y Mark en el mismo patio". Aún así, Stuber comenta que el tiempo estuvo muy ajustado. "Sólo tuvimos tres horas para filmar su escena. Fue durante su entrenamiento, y él fue tan amable y tan profesional de venir y hacer esto por nosotros. Él tuvo un ritmo maravillosos y estuvo genial. Todo salió sin contratiempos, Tom subió a su auto y regresó a Foxborough".

Algunas de la escenas con los sets más grandes fueron filmadas en la Granja Appleton en Hamilton e Ipswich. Establecida en 1638 gracias a unas tierras concedidas a Samuel Appleton, la granja tiene aproximadamente 400 hectáreas y representa una de las granjas más antiguas del país con una operación ininterrumpida -establecida y mantenida durante nueve generaciones por la familia Appleton.

Por su parte, el diseñador de producción Stephen Lineweaver necesitaba una locación para la escena en la que el auto que maneja Ted sale del camino y se estrella contra el granero. Cuando salen del granero, Ted, John y Samantha están rodeados por hectáreas y hectáreas de atractivos campos de marihuana. Descubiertos en la propiedad por unos narcotraficantes, ellos se ven envueltos en una divertidísima persecución de autos a través del campo.

Fue un proceso exhaustivo; el equipo acabó viendo más de 300 granjas antes de decidirse por construir la suya propia. Lineweaver recuerda: "Originalmente creíamos que íbamos a usar una granja real, pero nos dimos cuenta de que iba a ser un evento mucho más grande. El auto necesitaba filmarse volando 30 metros en el aire hasta estrellarse en un granero. Necesitábamos un risco para filmar el auto desde algún lugar. Es asombroso lo difícil que fue encontrar esta locación al este de Massachusetts, puesto que no hay riscos ni colinas donde están las granjas. Buscamos durante mucho tiempo hasta que encontramos la locación perfecta. Los árboles y el risco estaban en el lugar adecuado. Estaba lo suficientemente lejos como para que uno creyera que había un campo de marihuana así de grande. Después nos dedicamos a construir el granero y compramos un kit; es la forma más fácil de hacerlo".

Después el departamento de arte se dedicó a avejentar el granero. Ellos curtieron la madera, sacaron los tablones, usaron el hacha y eventualmente lució como un granero con 100 años de antoguedad. Igualmente, crear los campos de marihuana constituyó otro reto. "¿Cómo manejas a través de un campo de marihuana cuando no hay campos de marihuana?", pregunta Lineweaver. "Y, ¿cómo manejas a través de él de forma continua?"

El departamento de arte usó una combinación de miles de plantas de bambú y plantas de marihuana falsas hechas a mano y fabricadas de seda y musgo. Wahlberg comenta: "Ellos crearon unas asombrosas plantas de marihuana falsas con enormes brotes y hojas colgando". ¿Qué es lo primero que uno hace con una planta falsa de marihuana? Engañar a un amigo, por supuesto. El actor ríe: "Se ven muy reales, hasta el punto de haber tomado un puñado de ellas, ponerlas en un bolsa y llevárselas a un amigo. Él estaba tan emocionado cuando vio la marihuana... La sostuvo y la olió. No supo que era falsa hasta que se la llevó a su novia".

Para la persecución en auto a través del campo de marihuana, la producción creó dos enormes plataformas giratorias (cariñosamente nombradas "carruseles de marihuana") con plantas que continuamente arrojaban marihuana al auto de Ted y John-simulando como si pasaran a través de un enorme campo. El coche permanecía estacionado mientras que la cámara del fotógrafo Michael Barrett se posicionaba encima y a un lado del vehículo. "El campo de marihuana por el que manejan tiene sólo en ancho del sembradío, pero los de efectos visuales [liderados por el supervisor de efectos, Blair Clark] colocaron después más plantas", comenta Lineweaver. "Es asombroso ver la cantidad de departamentos que estuvieron involucrados, y lo que les costó conseguirlo".

Un foro en Woburn fue el lugar donde se construyeron los sets interiores de la oficina de Samantha, el departamento de John, la casa de Ted y Tami-Lynn, y varios escenarios de la corte.

La producción después se mudó a la ciudad de Nueva York para filmar las escenas exteriores de la Biblioteca Pública de Nueva York, el Parque Bryant, la zona Este, y la Comic-Con en el Centro Javits. Las escenas exteriores en la Comic-Con son el escenario para el punto climático de la película, y el interior fue creado en los estudios de FOX en Los Ángeles. El departamento de arte recreó la Comic-Con en un set enorme de 2,600 mts2.

"Comic-Con nos dio la oportunidad a todos de hacer cosas geniales", comenta Lineweaver. "El reto era lograr el tamaño adecuado, así que tuvimos el foro más grande que pudimos encontrar. Se convirtió en un proceso donde hubo que juntar a proveedores, marcas y compañías competidoras para hacerle justicia al set, visualmente nos emocionó a todos y parecía que no tenía final".

Esta construcción se convirtió en una alucinante proeza de coordinación para el departamento de diseño de producción, pero ellos fueron capaces de traer a proveedores con stands y pantallas de video extraordinariamente caros y armar todo en el transcurso de tres días. Clark explica que eso verdaderamente le dio un giro al diseño tradicional de cine: "Esto nos dio la oportunidad de encontrar los sets ahí. No fue sino hasta que todos los stands estuvieron colocados que pudimos inspeccionar el lugar y decir, 'Dios mío, esa es una gran toma. Deberíamos hacer algo ahí'. Tuvimos cosas como un Bumblebee de 5.5 metros de alto de Transformers, un stand de dos pisos de Black Sails y un stand increíble de Godzilla".

Quizá la joya de la corona de utilería de la Comic-Con en Ted 2 fue la réplica del Enterprise de Star Trek con una escena clave en la que el Enterprise está a punto de colisionar y uno de los personajes se estrella. "Fabricar el Enterprise requirió de todo un proceso", explica Lineweaver. "Seth tiene un modelo perfecto del Enterprise, que es como de 70 centímetros. El modelo del Enterprise para nuestra Comic-Con fue de 5.5 metros".

El director de arte de Lineweaver le pidió prestado el modelo a MacFarlane y se lo llevó a un diseñador que coordinó su reproducción digital, y después se lo llevó a un hombre que hace modelos gigantes. Clark ríe: "Todos somos "nerds" en esta película, y fue divertido tener un Enterprise de 5 metros para una gran escena".

MacFarlane estuvo bastante asombrado al ver la pieza final. Él comenta: "Creo que fue aproximadamente del tamaño del que usaban para el programa. Ellos tenían un gran modelo en el cual movían la cámara en varios sentidos, y este fue así de grande. Y lo construyeron en un tiempo record. Yo tenía un modelo pequeño de la nave Enterprise y se lo dí a nuestro diseñador de producción. Ellos lo escanearon y lo hicieron 100 veces más grande. Se veía increíble".

Mientras el equipo de producción estaba recreando el evento que mucha gente conoce bien-lleno de personajes y marcas muy queridas-Stuber comenta que la Comic-Con era una situación difícil de lograr a la perfección: "Nos asociamos con excelentes marcas y medios que estuvieron fantásticos y nos ayudaron a crear algo que se sentía real y mágico. La gente conocedora sentirá que está exactamente en el lugar, ya sea en la Comic-Con de San Diego o de Nueva York".

El Paso "Afelpado" y la Captura de Movimiento:
Efectos Especiales Visuales de la Comedia

Con sus grandes conocimientos y la curva de aprendizaje que les dejó la primera película, el equipo de producción trajo de vuelta a muchos de los miembros del equipo original de efectos visuales de Ted, liderados por Blair Clark, quien aprendió su arte en ILM como realizador de modelos para Indiana Jones and the Last Crusade y en el Estudio Tippett como supervisor de animación de Armageddon y supervisor de efectos visuales en Hellboy. Habiendo sido supervisor de efectos visuales en comedias animadas desde The Smurfs hasta Beverly Hills Chihuahua, Clark aporta una riqueza importante en experiencia a Ted 2.

"Cuando tú creas un personaje generado por computadora, las primeras tomas son las que tardan más porque vas descubriendo al personaje y manera de actuar mientras estás creando las imágenes generadas por computadora," explica el productor Clark. "A partir de su experiencia en la primera película de Ted, nuestro equipo de efectos visuales entiende quién es el personaje. Así que ahora, en vez de empezar en la primera toma de Ted, empezamos en la toma 601".

Siendo lo que Ted es, un oso de peluche, no es que su actuación sea difícil. Aún así, el equipo de efectos visuales se asegura de que Ted reaccione perfectamente -incluyendo cómo mira sobre su hombro o cómo hace una toma doble. Hay un ritmo en su interpretación. "Cuando haces una comedia, no quieres entorpecer la película y alentar el proceso con la tecnología", continúa el productor. "Entonces, ¿cómo creas una forma sencilla para que los actores sepan a dónde va Ted? Él mide 70 centímetros y no quieres que la gente camine a través de él por accidente. Así que creamos un proceso al que llamamos el "paso afelpado". Es básicamente un juguete de Ted, como el que comprarían en una tienda. Con él hacemos que el supervisor de efectos visuales imite la actuación de Ted mientras Seth hace el diálogo detrás de la cámara".

De hecho, mucho del conocimiento técnico se logra a partir del paso afelpado. Con el títere en cámara, el reparto y el equipo escuchan el diálogo desde donde está Seth. Esto les permite a los actores tener una referencia de la línea visual, ver a dónde está mirando, por dónde camina, qué tan rápido camina y hacia donde va. Así mismo, este "afelpado" sirve como una gran referencia para el extenso equipo de animación, quien es capaz de saber qué tan rápido quiere el supervisor de efectos visuales que se mueva el personaje de Ted, cómo la luz interactúa con su pelaje y en qué iluminación se encuentra-dado que su pelaje interactúa con las diferentes luces.

Una vez que el equipo de MacFarlane sabe por dónde pasa, se vuelve a filmar la escena sin el peluche en la secuencia, y el reparto y equipo ya son capaces de recordar las marcas, la línea visual y las referencias de iluminación. El equipo de cámaras de Barrett ahora sabe qué tan rápido hacer el paneo y qué tan arriba o abajo estar, y los actores se sienten más confiados al saber hacia donde mirar. El paso afelpado se le entrega a los animadores, así como la toma sin Ted, y ellos 'renderean' las imágenes.

Por su parte, MacFarlane basó su interpretación usando dos técnicas. La primera fue el diálogo, como la voz de Ted, la cual hizo en el set junto a los otros actores. De esta forma, si había sobreposición en la conversación, el equipo era capaz de capturar esos momentos para que la comedia se sintiera natural, no forzada. Así mismo, MacFarlane condujo sesiones en las que usó un 'Moven', lo cual es un traje de captura de movimiento que graba su actividad mientras imita las acciones de Ted. Por lo tanto, si el equipo de producción necesitaba un gesto de encogimiento de hombros o cualquier clase de simulación, el actor/director podía hacer coincidir la acción con su diálogo, y el equipo lo capturaba en el momento. También proveyó a los animadores de sus movimientos físicos reales como otro elemento necesario para la creación de Ted.

Además del "afelpado", el departamento de efectos visuales usó una herramienta de línea visual, lo cual era simplemente un par de ojos sujetados a un palo y colocado en áreas estáticas como un set, un sofá o una banca de parque. Después del paso afelpado, esto permitía que otros actores tuvieran otra herramienta de referencia para saber dónde mirar cuando estuvieran en escena con Ted. Barth recuerda: "Hay una escena en nuestro departamento donde Ted y yo estamos teniendo una acalorada discusión, y fue todo un reto trabajar sin un actor en frente y sólo escuchando la voz de Seth fuera de escena. Pero también fue un gran ejercicio de actuación. Yo estaba arrojando sartenes y tostadores y lo que fuera que encontrara, respondiendo a alguien que no estaba ahí".

Seyfried está de acuerdo con su co-protagonista: "Fue un poco difícil acostumbrarse al principio, pero cuando se hacía, funcionaba bien. Es como tener un amigo imaginario".

MacFarlane admite que la ausencia de Ted en el set fue un reto creativo. Él comenta: "Es difícil para un actor relacionarse con un personaje que no está presente, porque mucho de la interpretación depende de lo que obtienes de la otra persona. Aquí tratamos de hacerlo un poco más sencillo porque yo estaba físicamente ahí diciendo el diálogo que estará en la película. Al menos tienen la voz del personaje, y no sólo a alguien leyendo sus líneas. Aún así, se adaptaron bastante rápido".

Como Wahlberg pasa el mayor tiempo en pantalla con Ted, MacFarlane y los realizadores constantemente se sorprendían de lo bien que se adaptaba trabajando simplemente con una voz. Clark comenta: "Lo que yo noté acerca de la actuación de Mark en el set, y lo que siempre me sorprendía en Ted, era la sutileza con la que él interactuaba con un espacio vacío. Escuchamos su interpretación, pero él crea una línea visual y trabaja con un espacio vacío en el cual el Ted generado por computadora eventualmente será agregado. Observando la habilidad y el talento que Mark refleja en su actuación te hace creer más en John, Ted y en la película".

Universal Pictures y MRC presentan una Producción de Fuzzy Door y Bluegrass Films, de la película de Seth MacFarlane: Mark Wahlberg, Seth MacFarlane y Amanda Seyfried estelarizan Ted 2, junto a Giovanni Ribisi, John Slattery, Jessica Barth y Morgan Freeman. El reparto de la comedia de 'live-action' y animación por computadora ha sido reunido por Sheila Jaffe, y la diseñadora de vestuario es Cindy Evans. La música de la película es compuesta por Walter Murphy, su editor es Jeff Freeman, ACE, y su diseñador de producción es Stephen Lineweaver. El director de fotografía de Ted 2 esMichael Barrett, y los productores ejecutivos son Alec Sulkin y Wellesley Wild. La película está producida por Scott Stuber, p.g.a.; Seth MacFarlane, p.g.a.; Jason Clark, p.g.a.; y John Jacobs. Ted 2 está escrita por Seth MacFarlane y Alec Sulkin & Wellesley Wild. La comedia está dirigida por Seth MacFarlane.

ACERCA DEL REPARTO

MARK WAHLBERG (John) fue nominado al Premio de la Academia^® y al Globo de Oro por su sobresaliente trabajo en la película biográfica acerca de la familia del boxeo, The Fighter, y el aclamado drama de Martin Scorsese, The Departed. Wahlberg ha interpretado diversos personajes para visionarios realizadores como David O. Russell, Tim Burton y Paul Thomas Anderson. El papel que lo lanzó a la fama en la película de Anderson, Boogie Nights, estableció a Wahlberg como uno de los talentos más buscados de Hollywood.

La exitosa carrera cinematográfica de Wahlberg comenzó con Renaissance Man, dirigida por Penny Marshall, y The Basketball Diaries,con Leonardo DiCaprio, seguida por un papel estelar al lado de Reese Witherspoon en la película de suspenso, Fear. Después protagonizó Three Kings y The Perfect Storm, junto a George Clooney, y The Italian Job, junto a Charlize Theron. Wahlberg después estelarizó la película biográfica acerca del fútbol americano, Invincible, con Greg Kinnear, y Shooter, basada en la exitosa novela "Point of Impact." Él se volvió a reunir con el director de The Yards, James Gray y su co-protagonista Joaquin Phoenix en We Own the Night, la cual también fue producida por Wahlberg. Más recientemente, Wahlberg colaboró con el director de Pain & Gain, Michael Bay, en Transformers: Age of Extinction, y protagonizó la película de Rupert Wyatt, The Gambler. Créditos adicionales de Wahlberg incluyen 2 Guns, con Denzel Washington, Lone Survivor, The Lovely Bones, The Other Guys, Contraband y Ted.

Como consumado productor de cine y televisión, Wahlberg produjo The Gambler, Lone Survivor, Broken City, Contraband y The Fighter, la cual fue nominada al Oscar^® a la Mejor Película. Para la televisión, Wahlberg fue productor ejecutivo de la serie de HBO, Entourage, durante su impresionante octava temporada. Además de Entourage, Wahlberg fue productor ejecutivo de Boardwalk Empire, How To Make It in America y In Treatment de HBO, así como de Wahlburgers de A&E. Por su trabajo en televisión, Wahlberg ha sido nominado al BAFTA, a dos premios Peabody, a seis premios Primetime Emmy, a seis Globos de Oro y ganó un Globo de Oro por Boardwalk Empire en 2011.

Como comprometido filántropo, Wahlberg fundó The Mark Wahlberg Youth Foundation en 2001 para beneficio de niños y adolescentes de zonas marginadas.

AMANDA SEYFRIED (Samantha) se ha posicionado como una de las más cautivadoras jóvenes actrices de Hollywood. Este año, Seyfried suma a sus éxitos la producción fuera de Broadway de la obra de Neil LaBute, The Way We Get By, en la cual interpreta a Beth, al lado del Thomas Sadoski (Doug). Dirigida por Leigh Silverman, la producción se estrenó el 19 de mayo en el Teatro Second Stage de Nueva York.

En octubre, Seyfried interpretará a Mary en la película de Warner Bros. Pictures sobre Peter Pan, Pan, para el director Joe Wright. El reparto incluye a Hugh Jackman y a Rooney Mara.

Recientemente, Seyfried terminó la producción de Fathers and Daughters de Gabriele Muccinoy Love the Coopers de Jessie Nelson para CBS Films, la cual se estrenará en noviembre.

En 2013, Seyfried prestó su voz para la película de 20^th Century Fox Animation, Epic, junto con Beyoncé Knowles, Christoph Waltz y Colin Farrell. Ella protagonizó la película de Millennium Entertainment/Radius Films, Lovelace, un drama dirigido por Rob Epstein y Jeffrey Friedman. La película narra la verdadera historia de Linda Lovelace (Seyfried), la primera estrella de cine para adultos, quien es explotada por la industria y su coercitivo esposo.

En 2012, Seyfried estelarizó la adaptación para cine de la obra de Víctor Hugo de Universal Pictures, Les Misérables, en la cual interpretó a Cosette, al lado de Anne Hathaway, Hugh Jackman, Eddie Redmayne y Russell Crowe. Tom Hooper dirigió la película, la cual fue estrenada el 25 de diciembre de 2012 y recaudó más de $440 millones de dólares a nivel mundial.

En 2010, Seyfried estelarizó junto a Channing Tatum la taquillera, Dear John, la adaptación del exitoso libro de Nicholas Sparks ("The Notebook"). En la película, Seyfried interpreta a una joven que se enamora de un soldado (Tatum) mientras él está de licencia. Lasse Hallström (The Cider House Rules, Chocolat) dirigió la película a partir de un guión de Jamie Linden. Dear John recaudó más de $100 millones de dólares a nivel mundial, y es la apertura más taquillera hasta la fecha para Screen Gems de Sony Pictures.

En 2008, Seyfried estelarizó la exitosa película de Universal Pictures, Mamma Mia!, resaltando sus habilidades vocales al interpretar a Sophie, la hija de Donna (Meryl Streep). La película, dirigida por Phyllida Lloyd, fue estrenada en julio de 2008 y ha recaudado más de $600 millones de dólares a nivel mundial.

Originaria de Pensilvania, Seyfried comenzó su carrera como modelo a los 11 años. Ella pronto brincó a la actuación y consiguió su primer papel en 2000 como Lucy Montgomery en As the World Turns. Su gran presentación fue con la película de 2004, Mean Girls, el éxito de Paramount Pictures que co-protagonizó junto a Lindsay Lohan, Rachel McAdams y Lacey Chabert. Juntas ganaron el premio al Mejor Equipo en Pantalla en los Premios de Cine de MTV de 2005. Sus créditos de cine adicionales incluyen A Million Ways to Die in the West, Letters to Juliet, In Time y Chloe.

Seyfried es la embajadora de Very Irrésistible de Givenchy y la vocera mundial de la lujosa marca de productos de cuidado de la piel y maquillaje Clé de Peau Beauté. Ella vive en Nueva York.

Ganador del premio al Novato del Año de ShoWest en 1999, GIOVANNI RIBISI (Donny) se ha establecido como una popular presencia en la pantalla, capaz de interpretar una amplia variedad de personajes.

Ribisi acaba de firmar para aparecer en la próxima película de Annapurna Pictures, The Bad Batch, junto a Jim Carrey, Keanu Reeves, Suki Waterhouse y Jason Mamoa.

El año pasado, él terminó la producción de varias películas, incluyendo Meadowland,junto a Elisabeth Moss, Luke Wilson, Olivia Wilde y Juno Temple, la cual se presentó en el Festival de Cine de Tribeca; y Results,al lado de Guy Pearce y Cobie Smulders, la cual se presentó en el Festival de Cine de Sundance.

El verano pasado, él volvió a hacer equipo con Seth MacFarlane para la comedia A Million Ways to Die in the West. Ribisi también fue visto en la aclamada película de Paramount Pictures, Selma,con David Oyelowo, OprahWinfrey y Tom Wilkinson, la cual fue nominada a Mejor Película y ganó el premio a la Mejor Canción Original en los Premios de la Academia^®.

En 2012, Ribisi fue visto en la película de Universal Pictures, Ted,dirigida por MacFarlane, acerca de un hombre que desea que su oso de peluche cobre vida. La película hizo más de $545 millones de dólares a nivel mundial, convirtiéndola en la comedia original para adultos más taquillera de todos los tiempos.

Créditos más recientes de Ribisi en el cine incluyen la película de Universal Pictures, Contraband y The Rum Diary de GK Films, basada en la novela de Hunter S. Thompson. Ribisi también fue visto como parte del ensamble de Gangster Squad, al lado de Sean Penn, Josh Brolin y Ryan Gosling. En 2009, él fue visto en la película de James Cameron, Avatar, ganadora de tres Premios de la Academia^® y de dos Globos de Oro, la cual se ha convertido en la película más taquillera de todos los tiempos a nivel doméstico.

Entre sus películas más conocidas están Public Enemies de Michael Mann, Saving Private Ryan de Steven Spielberg, The Virgin Suicides y Lost in Translation de Sofia Coppola, Cold Mountain de Anthony Minghella, y Lost Highway de David Lynch. Otros créditos de Ribisi incluyen The Dead Girl, Perfect Stranger, Flight of the Phoenix, Boiler Room, Gone in Sixty Seconds, The Other Sister, Sky Captain and the World of Tomorrow, SubUrbia, Heaven, First Love, Last Rites, That Thing You Do!, The Mod Squad, Masked and Anonymous y The Big White. Ribisi recibió el premio Espíritu Independiente por su interpretación en la película de Sam Raimi, The Gift.

Además de sus numerosos créditos cinematográficos, Ribisi tiene una impresionante lista de papeles como estrella invitada entre sus créditos de televisión. En 2007 fue nominado al premio Primetime Emmy al Actor Invitado Sobresaliente en una Serie de Comedia por My Name Is Earl. Él también tuvo apariciones como invitado en The X-Files y Friends.

Ribisi y su hermana gemela, Marissa, nacieron y se criaron en Los Ángeles, donde él todavía reside. Comenzando su carrera como actor a los nueve años, él estudió teatro con el prestigiado Milton Katselas.

JOHN SLATTERY (Shep Wild) es un actor nominado al Primetime Emmy con incontables créditos de televisión, cine y teatro.

Slattery recibió cuatro nominaciones al premio Primetime Emmy como Actor de Soporte Sobresaliente en una Serie de Drama por su retrato de Roger Sterling en la serie aclamada por la crítica de AMC, Mad Men. La serie se convirtió en el primer programa de cable básico en ganar el premio a Serie Dramática Sobresaliente en la entrega de los Primetime Emmys de 2008 y después volvió a ganar en 2009, 2010 y 2011. También ganó el Globo de Oro a la Mejor Serie de TV- Drama en 2008, 2009 y 2010, y fue nominada en 2011. La séptima y última temporada de Mad Men salió al aire en AMC el 5 de abril y su final se transmitió el 17 de mayo.

Próximamente, Slattery reinterpretará su papel en Iron Man 2 como Howard Stark en la película de Walt Disney Pictures, Ant-Man, la cual se estrenará el 17 de julio y el 31 de julio aparecerá en la muy esperada nueva versión de Wet Hot American Summer de Netflix. Él recientemente terminó la producción de la nueva película de Thomas McCarthy, Spotlight, en la cual interpreta a Ben Bradlee Jr., junto a Mark Ruffalo, Michael Keaton y Rachel McAdams. La película se centra en la investigación de 2001 del Boston Globe que expuso el encubrimiento durante décadas del abuso sexual por parte de sacerdotes católicos en la Arquidiócesis de Boston.

Previamente, Slattery fue visto en Bluebird, la cual se presentó en el Festival de Cine de Tribeca de 2013 y fue estrenada por Factory 25 en febrero de 2015. La película narra los dramáticos eventos de un pueblo de Maine y fue estelarizada por Amy Morton ( Chicago P.D.) junto con Adam Driver (Girls)y Margo Martindale (Justified).

Previos créditos cinematográficos de Slattery incluyen la película de Universal Pictures The Adjustment Bureau, con Matt Damon y Emily Blunt; la película aclamada de Clint Eastwood, Flags of Our Fathers; Charlie Wilson's War de Mike Nichols; Reservation Road de Terry George; Mona Lisa Smile de Mike Newell, junto a Julia Roberts; The Station Agent de McCarthy; Bad Company de Joel Schumacher; Traffic de Steven Soderbergh; y, más recientemente, In Our Nature de Brian Savelson, junto a Zach Gilford, Jena Malone y Gabrielle Union.

Slattery dirigió cinco episodios de Mad Men. En 2014, él dirigió su primera película, God's Pocket, basada en la novela de Pete Dexter a partir de un guión de Slattery y adaptada y co-escrita por Alex Metcalf. La película fue estelarizada por el finado Philip Seymour Hoffman, Richard Jenkins, Christina Hendricks y John Turturro. God's Pocket fue estrenada en los Estados Unidos el 9 de 2014 por IFC Films, después de presentarse en el Festival de Cine de Sundance de 2014. También fue estrenada en el Reino Unido el 8 de agosto de 2014.

Slattery es instantáneamente reconocido por sus papeles en programas de televisión, incluyendo Desperate Housewives (por la cual fue nominado como parte del reparto de ensamble en los premios del Gremio de Actores de la Pantalla) y la cuarta temporada de la exitosa serie, Arrested Development. Créditos adicionales en televisión de Slattery incluyen Homefront, Ed, K Street de HBO y la serie dramática, Jack & Bobby. Él también ha sido visto en sus memorables apariciones como actor invitado en Sex and the City, Will & Grace, Judging Amy y 30 Rock.

En el teatro, Slattery ha aparecido en Broadway en la obra ganadora del premio Pulitzer, Rabbit Hole, por la cual fue nominado al Premio Drama League; en la nueva puesta en escena de Broadway de Betrayal;y al lado de Nathan Lane en la obra de Neil Simon, Laughter on the 23^rd Floor. Sus créditos fuera de Broadway incluyen en la producción original de Three Days of Rain, por la cual ganó el premio de Críticos de Drama de Los Ángeles y fue nominado al premio Drama Desk.

Slattery es originario de Boston y actualmente reside en Nueva York con su mujer y su hijo.

Habiendo crecido en Filadelfia, JESSICA BARTH (Tami-Lynn) siempre soñó con tener una exitosa carrera en la actuación. Su interpretación en Ted, la cual se convirtió en la comedia original para adultos más taquillera de todos los tiempos a nivel mundial, generó tal impacto que su personaje fue traído de vuelta para la secuela como un papel protagónico. En Ted 2, todas las escenas de Barth requirieron que ella actuara sin un co-protagonista como punto de referencia, pero su emoción hizo que sus escenas con un oso de peluche como esposo parecieran reales.

Barth recientemente también terminó la producción de la película independiente de suspenso sobrenatural, Tell Me Your Name. Ella interpreta a Tanya, la tía de una problemática niña que ha sido poseída por una fuerza maléfica mientras trata de conectarse con su madre muerta durante una sesión espiritista. Como su familiar más cercana, Tanya debe encontrar una forma de exorcizar el espíritu dentro de la niña.

Películas previas de Barth incluyen The Waterhole; Get Smart, al lado de Steve Carell; y Next, con Nicolas Cage y Julianne Moore. En televisión, Barth apareció en las exitosas comedias Family Guy, Parks and Recreation, That 70's Show, y How I Met Your Mother. Antes de su carrera en la televisión y el cine, Barth trabajó como actriz de teatro y como mesera para pagarse su carrera en la escuela de actuación. Ella recibió entrenamiento adicional en la Universidad de British Columbia y en el prestigiado programa de verano del Vassar College en asociación con New York Stage and Film.

El actor ganador del Premio de la Academia^® MORGAN FREEMAN (Patrick Meighan) es una de las figuras más reconocidas del cine norteamericano. Ha participado en muchas de las películas más exitosas de todos los tiempos, destacadas tanto por la aceptación de la crítica, como por su éxito comercial. Freeman ocupa el segundo lugar como uno de los actores más taquilleros de todos los tiempos a nivel mundial, acumulando más de $4 billones de boletos vendidos entre todas sus películas. Ya sea que el papel requiera de un aire de seriedad, una juguetona sonrisa, un brillo en los ojos o una profunda alma cansada del mundo, la habilidad de Freeman para ahondar en la médula de un personaje e infundirle una silenciosa dignidad lo ha llevado a crear algunos de los papeles más memorables y comprometidos con el cine.

Freeman ganó un Premio de la Academia ^® en 2005 a la Mejor Actuación en un Papel de Soporte por Million Dollar Baby. Él también fue nominado al Premio de la Academia^® en 1988 al Mejor Actor en un Papel de Soporte por Street Smart, en 1995 al Mejor Actor Protagónico por The Shawshank Redemption, y en 2010 al Mejor Actor Protagónico por Invictus. En 1990, ganó un Globo de Oro al Mejor Actor en una Comedia/Musical por su actuación en Driving Miss Daisy.

Freeman fue honrado con el Premio Cecil B. DeMille en los Premios Globo de Oro de 2012. En 2011, Freeman recibió un Premio al Logro de Toda una Vida en la 39^na entrega del AFI.

En 2008, Freeman fue galardonado con los codiciados Honores del Centro Kennedy por su distinguida carrera actoral y, en 2000, fue honrado con el Premio al Logro Sobresaliente en Actuación de Hollywood en el Festival de Cine de Hollywood.

En 2009, Freeman ganó el premio National Board of Review al Mejor Actor por su interpretación de Nelson Mandela en la aclamada película, Invictus. Además de su nominación al Premio de la Academia^® al Mejor Actor, él fue nominado a un Globo de Oro y al premio Broadcast Film Critics Association por ese papel. La película fue producida por Revelations Entertainment, la compañía que él co-fundó junto a Lori McCreary en 1996 con la misión de producir películas que revelaran la verdad. Desde su creación, Revelations ha seguido siendo líder en el campo de la tecnología digital. Otras películas de Revelations incluyen The Code, The Magic of Belle Isle, Levity, Under Suspicion, Mutiny, Bopha!, Along Came a Spider, Feast of Love, 10 Items or Less, The Maiden Heist, y The 16^th Man, parte de la serie documental de ESPN ganadora del Premio Peabody, "30 for 30".

A través de Revelations Entertainment, Freeman funge como productor ejecutivo junto con McCreary en la serie de la CBS, Madam Secretary, estelarizada por Téa Leoni, la cual se estrenó en septiembre de 2014 y ahora tiene contrato para realizar la segunda temporada.

Freeman es anfitrión y productor ejecutivo de la serie dos veces nominada al Primetime Emmy, Through the Wormhole With Morgan Freeman. En su sexta temporada en el Canal de Ciencia, el programa es producido en colaboración con Revelations Entertainment.

Freeman pronto será visto en la película de Focus Features, London Has Fallen, Ben-Hur de Paramount Pictures, y Momentum de Dutch FilmWorks. Más recientemente, él estelarizó Last Knights, Lucy, Dolphin Tale 2,Transcendence, The Lego Movie, Last Vegas, Now You See Me, Oblivion, Olympus Has Fallen y The Dark Knight Rises.

Freeman narró el programa del Canal de Ciencia, Stem Cell Universe; el documental de IMAX, Island of Lemurs: Madagascar; y el documental histórico, We the People. Narraciones anteriores incluyen los documentales ganadores del Premio de la Academia^® The Long Way Home y March of the Penguins.

Entre los créditos anteriores de Freeman como actor se encuentran Dolphin Tale, Born to be Wild 3D, The Dark Knight, The Bucket List, Glory, Clean and Sober, Lean on Me, Robin Hood: Prince of Thieves, Unforgiven, Se7en,Kiss the Girls,Amistad,Deep Impact,Nurse Betty,The Sum of All Fears,Bruce Almighty,Coriolanus, Attica, Brubaker, Eyewitness, Death of a Prophet yAlong Came a Spider.

Después de comenzar su carrera como actor en las producciones fuera de Broadway de The Niggerlovers, y en la afro-americana Hello, Dolly!, Freeman hizo una transición a la televisión. Él interpretó muchos papeles recurrentes en el clásico de larga duración del Children's Television Workshop, The Electric Company, de 1971 a 1976. En búsqueda de su siguiente reto, él fijo la vista tantp en "Great White Way" como en la pantalla de plata, y rápidamente comenzó a engrosar su currículum con memorables interpretaciones.

En 1978, Freeman ganó el premio Drama Desk por su papel de Zeke enThe Mighty Gents; y también fue nominado al premio Tony al Mejor Actor en una Obra.

Su trabajo en el teatro continuó trayéndole elogios y premios, incluyendo los premios Obie en 1980, 1984 y 1987, y una segunda nominación al Drama Desk en 1987 por su papel de Hoke Colburn, el cual creó para la obra de Alfred Uhry, Driving Miss Daisy, y repitió en la película de 1989 bajo el mismo nombre.

En su tiempo libre, Freeman ama la libertad del mar y el cielo; es marinero desde hace tiempo y tiene una licencia de piloto privado. También le gusta el blues y trata de mantenerlo vigente a través de Ground Zero Club en Clarksdale, Mississippi, el lugar de nacimiento de la música blues. En 1973, él co-fundó el Taller de Escritores Frank Silvera, ahora en su 42^da temporada. El taller busca crear exitosos dramaturgos para el nuevo milenio. Él es miembro del Consejo de Directores de Earth Biofuels (ahora conocida como Evolution Energy), una compañía cuya misión es promover el uso de combustibles libres de combustión, y también apoya a los Artistas para una Nueva Sudáfrica y la Campaña para la Educación Femenina (CAMFED).

Freeman ha sido nombrado por la revista Forbes como una de las Celebridades más Confiables cada una de las cinco veces en que la lista ha sido publicada desde 2006.

ACERCA DEL EQUIPO

SETH M AC FARLANE (Ted/Director/Escritor/Productor) es un verdadero hombre renacentista, poseyendo talentos que abarcan cada aspecto de la industria del entretenimiento. MacFarlane ha creado algunos de los más populares contenidos para la televisión y el cine actuales, mientras expande su carrera en la música, la literatura y la filantropía.

A los 25 años, MacFarlane se convirtió en la persona más joven detrás de una larga temporada en la historia de la televisión con su serie animada, Family Guy, transmitida por FOX. Ahora en su 14^ta temporada, Family Guy lo ha hecho acreedor a los premios Emmy por la Interpretación Sobresaliente en Voz en Off, y Música y Letra Sobresaliente. Además de Family Guy, MacFarlane es co-creador, productor ejecutivo y voz de American Dad! También fue productor ejecutivo de la versión del siglo XXI de Cosmos: A Spacetime Odyssey que se estrenó simultáneamente en 10 canales de los Estados Unidos a través de las plataformas de FOX y National Geographic, logrando el evento de premiere más grande de la televisión de todos los tiempos. La serie ha recibido el premio Peabody, dos premios Critics Choice Television, un premio de la Television Critics Association y nominaciones a 12 premios Primetime Emmy, incluyendo Documental Sobresaliente o Serie No Ficticia.

MacFarlane hizo su debut como director de cine en 2012 con la comedia para adultos más taquillera de todos los tiempos a nivel mundial, Ted. La comedia acerca de un par de amigos, estelarizada por Mark Wahlberg y MacFarlane (como la voz de su adorable y malhablado oso de peluche). La película, co-escrita y producida por MacFarlane, hizo más de $545 millones de dólares a nivel mundial. Poco después del éxito de Ted, MacFarlane fue el anfitrión de los 85^ta entrega de los Premios de la Academia en 2013 y también fue nominado al Premio de la Academia^® al Mejor Logro en Música Escrita para Cine (Canción Original) por "Everybody Needs A Best Friend," de Ted. En mayo de 2014, Universal estrenó la comedia del Oste de MacFarlane, A Million Ways to Die in the West. La película, escrita, producida, dirigida y estelarizada por MacFarlane, contó con un reparto de ensamble que incluía a Charlize Theron, Liam Neeson, Amanda Seyfried y Neil Patrick Harris, entre otros.

El disco debut de MacFarlane, "Music Is Better Than Words," estuvo en el lugar No. 1 en las listas de jazz de iTunes en 2011 y recibió dos nominaciones al premio Grammy, incluyendo uno al Mejor Disco Vocal Tradicional de Pop. Lanzado por Universal Republic Records, el disco celebra el sonido clásico y sofisticado de las suntuosas orquestas de swing de los 40's y 50's, con MacFarlane cantando algunas de las joyas escondidas de esa época. Norah Jones y Sara Bareilles colaboraron con duetos para el disco. En 2014, MacFarlane estrenó su primer disco navideño, "Holiday for Swing!," el cual debutó en el lugar No. 1 de las listas de discos navideños de iTunes. El disco presenta canciones clásicas navideñas acompañadas por una orquesta de 52 personas.

En agosto de 2014, MacFarlane cantó en el Hollywood Bowl junto a la Orquesta de John Williams, reconocida a nivel mundial, prestando su voz barítona para interpretar "Luck Be a Lady" y "You're Sensational," con muy buenas críticas. MacFarlane también se ha presentado con llenos totales en Año Nuevo con la Sinfónica de San Francisco y con la Orquesta Sinfónica Nacional en el día de San Valentín.

El escritor norteamericano de televisión ALEC SULKIN (Escritor/Productor Ejecutivo) recientemente hizo equipo con Seth MacFarlane y Wellesley Wild en A Million Ways to Die in the West. Sulkin es reconocido por escribir y producir numerosos episodios de la serie animada, Family Guy. También ha contribuido con voces en Family Guy, así como en The Cleveland Show, otra serie del creador de Family Guy, MacFarlane.

Sulkin comenzó como escritor de The Late Late Show With Craig Kilborn durante los tres primeros años del programa.

Sulkin se unió a Family Guy en 2004, y desde entonces ha producido, escrito e interpretado voces para múltiples episodios, incluyendo el homenaje de una hora de duración a Star Wars, "Blue Harvest", así como "Chick Cancer," "Stew-Roids," "Stu and Stewie's Excellent Adventure," "Screams of Silence: The Story of Brenda Q," "Family Guy Viewer Mail #2," "Into Fat Air" y "Three Acts of God."

En agosto de 2010, Sulkin y su socio escritor, Wild, firmaron un pacto de tres años con 20^th Century Fox Television. En 2012, Sulkin co-escribió la bien recibida comedia Ted, junto con MacFarlane y Wild.

Sulkin, junto con los escritores de Family Guy, Julius Sharpe, Danny Smith, John Viener, Patrick Meighan y MacFarlane, fueron los escritores del material especial de la 85^ta entrega de los Premios de la Academia^®, donde MacFarlane fue anfitrión.

En 2010, Sulkin y Wild crearon su primera comedia de situaciones no animada, Dads.

WELLESLEY WILD (Escritor/Productor Ejecutivo) y su socio escritor, Alec Sulkin, recientemente co-escribieron A Million Ways to Die in the West, junto a Seth MacFarlane. Wild comenzó en la ciudad de Nueva York, trabajando en Saturday Night Live. Después de reubicarse en Los Ángeles, Wild trabajó como escritor de The Late Late Show With Craig Kilborn, y luego como editor de historia en The Pitts.

Wild es mejor conocido por escribir varios episodios de la exitosa serie ganadora del premio Primetime Emmy, Family Guy, a la cual se unió en 2004, convirtiéndose después en productor ejecutivo, así como en una voz ocasional del programa.

Mientras gozaban del éxito en televisión, Wild, junto con Sulkin y el creador de la serie, Family Guy, MacFarlane, se reunieron para escribir la bien recibida comedia del 2012, Ted.

En 2010, Wild y Sulkin firmaron un pacto con 20^th Century Fox Television para desarrollar su propio programa. Dads, la serie de comedia de situaciones, fue estrenada en septiembre de 2013.

SCOTT STUBER (Productor) es el fundador y Director General de Bluegrass Films, la cual ha tenido su base en Universal Pictures desde 2006.

Recientes estrenos de Bluegrass Films incluyen la película de suspenso dramático basada en hechos reales, Kill The Messenger, estelarizada por Jeremy Renner y dirigida por Michael Cuesta a partir de un guión de Peter Landesman; la comedia del Oeste de Seth MacFarlane, A Million Ways to Die in the West, estelarizada por Charlize Theron, Liam Neeson, Amanda Seyfried y MacFarlane;Identity Thief,con Melissa McCarthy y Jason Bateman, dirigida por Seth Gordon y la cual recaudó más de $100 millones de dólares a nivel doméstico; Ted, la comedia para adultos más taquillera de todos los tiempos a nivel mundial, escrita y dirigida por MacFarlane y estelarizada por Mark Wahlberg, Mila Kunis y MacFarlane; y Safe House, estelarizada por Denzel Washington y Ryan Reynolds, y dirigida por Daniel Espinosa.

Stuber está actualmente en producción del drama de la Guerra Civil The Free State of Jones,estelarizada por Matthew McConaughey, y de la comedia Central Intelligence,con Kevin Hart y Dwayne Johnson.

Bajo la marca Bluegrass Television, Stuber aventuró a la pantalla chica como productor ejecutivo de la comedia de la NBC, Whitney, la cual fue creada y estelarizada por la comediante Whitney Cummings. Actualmente está colaborando con Yahoo! en la serie de comedia original The Pursuit, de la cual es productor ejecutivo.

La primera producción de Stuber fue la comedia romántica de 2006, The Break-Up, estelarizada por Vince Vaughn y Jennifer Aniston. Ese mismo verano también fue testigo de la exitosa You, Me and Dupree, con Owen Wilson y Kate Hudson. Estas películas fueron seguidas de la cinta aclamada por la crítica de Peter Berg, The Kingdom; la exitosa Role Models de David Wain, con Paul Rudd y Seann William Scott; y Couples Retreat, con Vaughn y Jon Favreau.

Durante los ocho años de Stuber en Universal-cinco de los cuales estuvo a cargo de la producción mundial junto con Mary Parent-él fue responsable de muchas películas comercialmente exitosas y aclamadas por la crítica, incluyendo King Kong, Jarhead, A Beautiful Mind, Seabiscuit, Cinderella Man, Munich, Meet the Parents, Meet the Fockers, The Bourne Identity,The Bourne Supremacy,About a Boy,The 40-Year-Old Virgin,8 Mile,Spy Game,The Family Man, The Nutty Professor,Nutty Professor II: The Klumps, la franquicia deThe Mummy,la franquicia de American Pie,la franquicia deFast & Furious,Friday Night Lights,Bring It On, y muchas otras. Más de 20 de las películas que Stuber supervisó generaron más de $100 millones de dólares a nivel doméstico.

JASON CLARK (Productor) es un innovador productor en el mundo de las películas, las imágenes generadas por computadora y los programas de televisión.

Clark previamente produjo la taquillera comedia de Seth MacFarlane, Ted, la cual fue la comedia para adultos más taquillera de todos los tiempos, recaudando más de $545 millones de dólares a nivel mundial. Clark también hizo equipo con MacFarlane en la película A Million Ways to Die in the West, para Universal Pictures. Él desarrolló y fue productor ejecutivo de la película animada creada a partir de la caricatura clásica de Jay Ward, Mr. Peabody & Sherman, dirigida por Rob Minkoff y estrenada por DreamWorks Animation. Clark fue productor ejecutivo de la película de deportes biográfica aclamada por la crítica de Jackie Robinson, 42.

Adicionalmente, Clark fue productor ejecutivo de la película de suspenso y acción Act of Valor, la cual presentó a un reparto de marinos (SEALs) reales y fue filmada utilizando sólo cámaras digitales 5D de Canon. Clark fue productor ejecutivo de la película estereoscópica en 3D, Monster House, junto a Steven Spielberg y Robert Zemeckis. La película fue nominada al Premio de la Academia^® a la Mejor Película Animada. Clark también fue productor ejecutivo de las taquilleras Stuart Little y Stuart Little 2.

Para la televisión, Clark ha fungido como productor ejecutivo en la celebrada serie de FOX y del Canal National Geographic, Cosmos: A Spacetime Odyssey. El programa salió al aire simultáneamente en la plataforma de 10 canales, haciéndolo el evento de premiere más grande de la televisión de todos los tiempos. El programa ha recibido un premio Peabody, un premio PGA, un premio de la Asociación de Críticos de la Televisión y dos premios Critics' Choice Television. Cosmos también fue nominada a un premio WGA y 12 premios Primetime Emmy, incluyendo el de Documental Sobresaliente en un Serie de No Ficción.

Clark es miembro fundador de la organización de diseño, 5D: The Future of Immersive Design, y sigue siendo un miembro activo del Gremio de Directores de Norteamérica, del Gremio de Productores de Norteamérica y de la Sociedad Internacional de 3D.

JOHN JACOBS (Productor) es presidente y fundador de Smart Entertainment, una compañía que ha producido tres películas seguidas en el lugar No. 1. Más recientemente, Jacobs produjo The Boy Next Door, estelarizada por Jennifer Lopez. Él también produjo Ted, la cual tiene el honor de ser la comedia para adultos más taquillera de todos los tiempos, excediendo los $545 millones de dólares en la taquilla mundial.

Jacobs produjo otras exitosas películas, incluyendo Blades of Glory, estelarizada por Will Ferrell y Jon Heder; Beverly Hills Chihuahua, con las voces de George Lopez y Drew Barrymore; y Anger Management, con Adam Sandler y Jack Nicholson. Cada una de estas películas generó más de $100 millones de dólares a nivel mundial, y dos de las tres han engendrado franquicias.

Adicionalmente, Jacobs produjo The Ringer, estelarizada por Johnny Knoxville y Katherine Heigl, la cual sigue siendo una de las películas más taquilleras de todos los tiempos de Fox Searchlight; y My Boss's Daughter, con Ashton Kutcher, para Dimension Films. Jacobs también es exitoso en la televisión, siendo productor consultor de la enorme franquicia de FOX, Family Guy, y de la serie de TBS, American Dad!. Ambas series de televisión están en su segunda y tercera ronda de redifusión.

Jacobs es miembro del American Film Institute, donde se enfoca en la producción. Él tiene una maestría en medios de la NYU. Jacobs comenzó su carrera en Orion Pictures Corporation, donde trabajó en la clásica Dirty Rotten Scoundrels, estelarizada porSteve Martin y Michael Caine. Después se convirtió en presidente de la compañía de Dawn Steel en Disney, donde se involucró en el éxito internacional, Cool Runnings, estelarizada por John Candy. Después fue presidente de Atlas Entertainment, donde desarrolló la película de Universal Pictures, 12 Monkeys, con Brad Pitt y Bruce Willis; y la película de Warner Bros. Pictures, City of Angels, con Nicolas Cage y Meg Ryan.

MICHAEL BARRETT (Director de Fotografía) nació en Riverside, California. Barrett recibió un título de licenciatura en artes de la UCLA y una maestría en cine de la Universidad de Columbia. Los créditos de Barrett incluyen las películas Kiss Kiss Bang Bang, You Don't Mess With the Zohan, Bedtime Stories, Zookeeper, la nominada al Globo de Oro Bobby, A Very Harold & Kumar 3D Christmas, About Last Night y el debut como director de Seth MacFarlane, Ted, así como la película MacFarlane, A Million Ways to Die in the West.

Barrett ha sido nominado varias veces al premio de la Sociedad Norteamericana de Cinematógrafos (ASC) al Logro Sobresaliente en Fotografía en la categoría de Serie Regular por CSI: Crime Scene Investigation, y ganó un premio ASC por el episodio piloto de CSI: Miami.

Los primeros créditos de STEPHEN LINEWEAVER (Diseño de Producción) incluyen su trabajo como director de arte en la película de Martin Scorsese, After Hours, Something Wild de Jonathan Demme, The Brother From Another Planet de John Sayles y Dirty Dancing de Emile Ardolino. Lineweaver después hizo diseño de producción para directores como James L. Brooks en I'll Do Anything, y Cameron Crowe en Jerry Maguire y Singles, así como Michael Caton-Jones en This Boy's Life.

Créditos más recientes de Lineweaver incluyen la taquillera película de Seth MacFarlane, Ted, y A Million Ways to Die in the West, una comedia ubicada en el Salvaje Oeste de 1880, y Role Models de David Wain. Sus créditos adicionales incluyen Blades of Glory, con Will Ferrell; The Spy Next Door de Brian Levant; Are We There Yet?; Snow Dogs; Ace Ventura: When Nature Calls; Tommy Boy; y City Slickers II: The Legend of Curly'sGold.
El trabajo de Lineweaver en televisión incluye la consultoría visual con Brooks en The Simpsons, y The Tracey Ullman Show, siendo nominado a un premio Primetime Emmy. Ted 2 es la tercera colaboración de Lineweaver con MacFarlane. Él actualmente está en la producción de Central Intelligence, una comedia de acción estelarizada por Kevin Hart y Dwayne Johnson, la cual está dirigida por Rawson Marshall Thurber y producida por Scott Stuber.

JEFF FREEMAN,ACE (Editor) previamente colaboró con Seth MacFarlane en Ted y en A Million Ways to Die in the West. Por su trabajo en Ted, Freeman fue nominado al premio Eddie de los Editores de Cine Norteamericanos (ACE) en la categoría de Mejor Película Editada-Comedia o Musical.

Freeman ha sido editor de películas como Paul Blart: Mall Cop, estelarizada por Kevin James; Harold & Kumar Escape From Guantanamo Bay, estelarizada por John Cho y Kal Penn; Hamlet 2, estelarizada por Steve Coogan y Elisabeth Shue; Nancy Drew, estelarizada por Emma Roberts; Just Friends, con Ryan Reynolds, Amy Smart y Anna Faris; y Cruel Intentions, con Sarah Michelle Gellar, Ryan Phillippe y Reese Witherspoon.

Freeman también editó la película de Columbia Pictures, The Craft, con Neve Campbell, Robin Tunney y Fairuza Balk, y The Waterdance, con Eric Stoltz, Wesley Snipes, William Forsythe y Helen Hunt, que ganó un Premio de la Audiencia y un Premio de Guinismo Waldo Salt en el Festival de Cine de Sundance de 1992.

Freeman también fue editor de la película de Touchstone Pictures, Mad Love, con Drew Barrymore y Chris O'Donnell; Frankie and Johnny Are Married, con Michael Pressman, Lisa Chess y Alan Rosenberg; The Crow: City of Angels; Highlander II: The Quickening; Bad Dreams; y Bulletproof.

Los créditos de televisión de Freeman incluyen Reefer Madness: The Movie Musical de Showtime, con Christian Campbell, Kristen Bell, Alan Cumming, Steven Weber y Ana Gasteyer, por la cual fue nominado al premio Eddie (ACE) a la Mejor Miniserie Editada o Película para la Televisión No Comercial.

Freeman también editó el piloto de la serie de Showtime The L Word; The Brotherhood of Poland de David E. Kelley, New Hampshire; Angels in the Endzone, el telefilm de la ABC; el telefilm de USA, Deconstructing Sarah; el telefilm de SyFy, Deep Red; los telefilms de la NBC, A Family Torn Apart y The Revenge of Al Capone; y el telefilm de Disney Channel, The Ernest Green Story, ganador del premio Peabody de 1994.

Freeman asistió a la Escuela de Teatro, Cine y Televisión de la UCLA, donde se tituló en artes con Magna Cum Laude.

Freeman es representado por Jay Gilbert en APA y actualmente vive en Santa Monica, California.

CINDY EVANS (Diseño de Vestuario) afianzó su carrera con la película nominada al Oscar^® del director Christopher Nolan, Memento, y desde entonces ha disfrutado nuevamente de las actuaciones de esos actores y directores. Evans trabajó en Freedom Writers y en P.S. I Love You, ambas dirigidas por Richard LaGravenese y estelarizadas por Hilary Swank. Ella también trabajó en la película de Niki Caro, North Country, por la cual Charlize Theron y Frances McDormand fueron reconocidas por los críticos y nominadas al Premio de la Academia ^®.

Evans fue diseñadora de vestuario para la directora Catherine Hardwicke en Red Riding Hood, su narración del cuento de hadas de "Caperucita", estelarizada por Amanda Seyfried; así como en el drama de adolescentes de Hardwicke, Thirteen; y Lords of Dogtown, una ficción acerca del nacimiento de la cultura de la patineta. En la película Laurel Canyon, Evans nuevamente trabajó con McDormand y Hardwicke, como diseñadora de producción.

Evans luego volvió a trabajar con Theron en el debut como director de Guillermo Arriaga, The Burning Plain, la cual fue producida y estelarizada por Theron, y donde también actuó Kim Basinger. Sus otros créditos como diseñadora de vestuario incluyen la película de Oliver Stone, Savages; Marley & Me de David Frankel, con Jennifer Aniston y Owen Wilson; la película de suspenso y política Fair Game de Doug Liman, con Naomi Watts y Sean Penn; la película biográfica de Mick Jackson Temple Grandin para HBO, por la cual ganó un premio del Gremio de Diseñadores de Vestuario; The Forgotten, con Julianne Moore; y la comedia romántica Along Came Polly, con Aniston y Ben Stiller.

WALTER MURPHY (Música) es un instrumentista, arreglista y compositor que ha escrito diversos arreglos para la Orquesta de la NBC de Doc Severinsen enThe Tonight Show Starring Johnny Carson. El disco con la adaptación de Murphy de "la Quinta de Beethoven", basada en la Quinta Sinfonía de Ludwig van Beethoven estuvo en el lugar No. 1 de la lista de las "Hot 100" en 1976.

Murphy ha sido nominado a cuatro premios Primetime Emmy por su trabajo en Family Guy y ganó uno en 2002 a la Música y Letra Sobresaliente por escribir "You've Got a Lot to See," junto con Seth MacFarlane. Murphy también fue nominado a dos premios Annie por su trabajo en el programa. Más recientemente, Murphy colaboró en la película de MacFarlane, Ted, la comedia para adultos más taquillera de todos los tiempos a nivel mundial, y fue nominado a un Premio de la Academia^®, junto con MacFarlane, a la Mejor Canción Original por "Everybody Needs a Best Friend."

Créditos adicionales de Murphy incluyen The Cleveland Show, Seth MacFarlane's Cavalcade of Cartoon Comedy, American Dad!, The Winner, Buffy the Vampire Slayer y The Commish.

Murphy también ha contribuido a las bandas sonoras de Glee, Dancing With the Stars, The Cookout, The Stepford Wives, Johnson Family Vacation, Starsky & Hutch (2004), Austin Powers in Goldmember y The Simpsons.

ACERCA DEL DOBLAJE

Originario de Nayarit, México, JOAQUÍN COSÍO (Voz de Ted) es un actor con una gran trayectoria en el cine, el teatro y la televisión. Él ha trabajado con importantes directores mexicanos como Carlos Cuarón, Roberto Sneider, Beto Gómez, Luis de Tavira y Luis Estrada, así como directores de talla internacional como Luis Mandoki, Carlos Carrera, Mark Foster y los ganadores del Premio de la Academia^® Gore Verbinski y Oliver Stone.

Joaquín fue nominado en 2005 al Premio Ariel de la Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas por la película Matando Cabos, y en el 2011 fue acreedor a la Diosa de Plata (otorgada por los Periodistas Cinematográficos de México) al Mejor Actor de Reparto por su inolvidable papel como "El Cochiloco" en El Infierno, película por la cual también obtuvo un Ariel y el Premio Canacine. En 2013 ganó la Diosa de Plata al Mejor Actor Protagónico por la película La vida precoz y breve de Sabina Rivas. Entre sus créditos en cine se encuentran La Dictadura Perfecta, Cantinflas, Lone Ranger de Gore Verbiski, Savages de Oliver Stone, Salvando al Soldado Pérez, Pastorela, Backyard-el Traspatio, Rudo y Cursi, Arráncame la Vida, 007 Quantum of Solace, Un Mundo Maravilloso, La Habitación Azul, entre muchas otras películas.

Joaquín también tiene experiencia en el mundo del doblaje, prestando su voz para interpretar a Ted, en Ted y Ted 2; a la víbora Jake en Rango; y a El Jefe en El Santo Vs. La Tetona Mendoza; además de doblarse a sí mismo al español en algunas de las películas norteamericanas en las que ha participado.

Cosío también ha tenido memorables apariciones en la televisión en programas como The Strain, Kdabra para FOX Telecolombia, Eastbound & Down para HBO, Capadocia para Argos/HBO, Los Plateados para Argos/Telemundo, y Zapata, Amor en Rebeldía para Argos. Así mismo, ha participado en más de una docena de obras teatrales trabajando con directores de la talla de Daniel Gimenez Cacho, Enrique Singer, David Olguín, Sergio Zurita y Luis de Tavira.

La dama de oro: Sinopsis, elenco, ficha, critica: Woman in gold

2015-03-25T19:43:00.003-03:00

SINOPSIS

El film narra la apasionante historia real de una mujer que libra una lucha para recuperar lo que es suyo y resarcir a su familia.

Después de sesenta años de haber huido de Viena durante la Segunda Guerra Mundial, una mujer mayor proveniente de una familia judía, Maria Altmann (Helen Mirren), emprende un viaje para reclamar las posesiones que los nazis confiscaron a su familia, entre ellas la célebre obra de Gustav Klimt, el Retrato de Adele Bloch-Bauer I.

Junto al joven abogado, inexperto e intrépido, Randy Schoenberg (Ryan Reynolds) Maria se embarca en una enorme batalla que los llevará hasta el corazón del gobierno austríaco y la Corte Suprema de Estados Unidos y, en el camino, deberá enfrentarse a la terrible realidad de su pasado.

Reparto:

Helen Mirren, Ryan Reynolds, Daniel Brühl, Tatiana Maslany, Charles Dance, Katie Holmes, Antje Traue, Max Irons, Elizabeth McGovern, Jonathan Pryce, Tom Schilling, Moritz Bleibtreu, Anthony Howell, Allan Corduner, Henry Goodman.

CRÍTICA

La dama de oro es una interesante y agradable película que se destaca por la excelente actuación de Helen Mirren, que como es costumbre, se carga la película en sus hombros.

Si bien la historia real en la cual está basada es muy atractiva, el problema que tiene para los espectadores exigentes es que en el momento de plasmarla en un guión queda plana y sin sorpresas, es decir, la fórmula ya fue vista en el cine muchas veces, sin ir más lejos tenemos a Philomena, donde aunque era diferente lo que se buscaba, la lucha de la pareja protagonista, sus personalidades y el estilo de narración es prácticamente idéntico.

Pero si dejamos esto de lado y nos metemos realmente en el relato viendo lo que le sucedió a esta mujer y lo que logró gracias a sus deseos y a la firme convicción de su abogado, estamos en presencia de una muy buena película, con una gran fotografía y ambientación de época, plenamente disfrutable y de gran calidad, que no debemos dejar pasar.

Cintia Alviti

En este artículo podés leer porque mis críticas no contienen calificación, sinopsis o detalles técnicos .

CUANDO LA REALIDAD SUPERA A LA FICCIÓN

Abogados de Nueva York anunciaron que demandarán a la República de Austria para exigir la restitución de 14 obras de Egon Schiele, que afirman que fueron expoliadas a un actor austríaco, asesinado por los nazis en el campo de concentración de Dachau y se encuentran ahora en dos museos de Viena.

Similar al caso de María Altmann que en el año 1998 comenzó una demanda al Estado Austríaco para que le devolviera una obra de Gustav Klimt que fue expropiada por los nazis austríacos.

Finalmente después de seis décadas de haberse convertido en víctimas del saqueo Nazi, Maria Altmann y su familia consiguieron justicia en el año 2006 por un panel de mediación que anunció su decisión: las cinco obras de Klimt debían ser restituidas.

La dama de oro es el film que cuenta la lucha de María Altmann para recuperar lo que era suyo y resarcir a su familia. Es dirigido por Simon Curtis y protagonizado por Helen Mirren y Ryan Reynold.

LA HISTORIA DE MARIA ALTMANN

La menor de cinco hijos, Maria Altmann nació en Viena en 1916, nueve años después de que Gustav Klimt haya terminado la obra maestra dorada de tu tía Adele, hermana de su madre. Las hermanas Bauer se casaron con dos hermanos, Ferdinand y Gustav Bloch, y ambas familias, los Bloch-Bauers compartían un departamento señorial en una de las principales avenidas de Viena, Elisabethstrasse. Los Bloch-Bauer (sobre todo Adele y su marido Ferdinand) eran destacadas figuras de la floreciente comunidad judía vienesa y grandes mecenas del arte. La propia Adele organizó una exposición en Viena, la que visitaron artistas de la talla de Gustav Mahler, Arthur Schnitzler y Gustav Klimt. Este último era uno de los alumnos aventajados de la escuela del Art Nouveau de Viena.

Sus obras eran conocidas por su erotismo, y Adele Bloch-Bauer se convirtió en una de sus modelos favoritas. Su retrato dorado convierte a la tía de Maria en una reina egipcia, adornada con oro y joyas. Adele muere de meningitis en 1925, y el collar que abraza su cuello en la obra fue entregado a María por su tío como regalo de bodas.

A los 21 años, Maria se casó con Fritz Altmann, un aspirante a cantante de ópera. Seis semanas más tarde, el 13 de marzo de 1938, la Alemania de Hitler anexionó Austria al Tercer Reich. Conocido como Anschluss, las tropas fueron recibidas con vítores y flores por las amplias avenidas vienesas. Los nazis austríacos adoptaron rápidamente los métodos de sus homólogos alemanes, cortando de raíz la edad de oro de la comunidad judía austríaca. Los nazis entraron a la fuerza en empresas y domicilios judíos, y los Bloch-Bauer perdieron todo.

Luego de que Fritz fuera arrestado y pasara un corto período en el campo de concentración de Dachau, trazaron un plan para huir de Viena. Su primer destino fue Inglaterra y el último, Estados Unidos.

El padre de Maria se quedó en Austria y murió al poco tiempo de que ella se marchara. Los nazis saquearon el departamento familiar de Elisabethstrasse y se apropiaron de todo el contenido de valor, y el collar de Adele que había sido legado a Maria acabó en manos de la mujer de Hermann Goering, Emmy. En 1943, bajo el patrocinio de los Nazis austríacos, las obras robadas de Klimt formaron parte de una exhibición donde el retrato de Adele, originalmente titulado Retrato de Adele Bloch-Bauer I - fue apodado por primera vez "La Dama de Oro".

Al llegar a Estados Unidos, Maria y Fritz se instalaron en California, donde tuvieron cuatro hijos. En su testamento Ferdinand Bloch había cedido todos sus cuadros y pertenencias a Maria y a sus otras dos sobrinas que seguían con vida, pero el gobierno austriaco medió para que las herederas renunciaran a los cuadros de Klimt a cambio de recuperar las obras menores de la colección de Ferdinand.

En 1998, María se puso en contacto con Randy Schoenberg (nieto de otro refugiado vienés, el compositor Arnold Schoenberg), para desafiar al gobierno austríaco e impugnar la apropiación indebida de la obra de Klimt. Quién era el legítimo heredero de los cuadros era motivo de una gran polémica, debido a la voluntad de Adele Bloch-Bauer expresada a su marido de legar las obras a la Galería Nacional de Austria, pero Ferdinand había reemplazado su deseo con un nuevo testamento legal en el que nombraba como herederas a sus sobrinas. Cuando Austria rechazó la petición de María, ella y Schoenberg se vieron forzados a tramitar el caso a través del sistema judicial estadounidense que permite a los ciudadanos de Estados Unidos poner en marcha un proceso legal para llevar a juicio a un gobierno extranjero desde allí.

Después de unos cuantos años, ganaron en todos los niveles judiciales, a pesar de que Austria apeló a la Corte Suprema en un último intento por mantener las obras en su poder. Cuando ésta también falló a favor de Altmann, Austria finalmente aceptó llevar el caso a un panel de mediación compuesto por tres jueces austríacos. Todo parecía estar estancado a favor del país, pero el 17 de enero de 2006 anunciaron su decisión: las cinco obras de Klimt debían ser restituidas a Maria Altmann y su familia. Más tarde ese mismo año, las cinco obras fueron exhibidas en Los Angeles, antes de ser subastadas y vendidas a un coleccionista privado. El Retrato de Adele Bloch-Bauer I fue adquirido por el empresario de la industria cosmética Ronald Lauder en 135 millones de dólares, valor récord en ese momento, y puesto en exhibición en la Neue Galerie de la ciudad de Nueva York. Finalmente, después de seis décadas de haberse convertido en víctimas del saqueo Nazi, Maria Altmann y su familia consiguieron justicia. Maria murió en 2011 a los 94 años.

ACERCA DEL DIRECTOR

Simon Curtis comenzó su carrera como director de teatro y dirigió en gran parte en el Royal Court Theatre de Londres, así como también en el National Theatre, Donmar Warehouse y Lincoln Centre, de Nueva York. Asimismo, dirigió ROAD en La Mama y LITTLE VOICE en el Steppenwolf Theater de Chicago y en Broadway. Para la BBC dirigió a Maggie Smith, Ian McKellen y Daniel Radcliffe en DAVID COPPERFIELD; a Sally Hawkins en TWENTY THOUSAND STREETS UNDER THE SKY, a David Oyelowo en FIVE DAYS (HBO), Julie Walters en A SHORT STAY IN SWITZERLAND (Emmy Internacional a la Mejor Actriz) y a Judi Dench, Michael Gambon, Imelda Staunton, Eileen Atkins y Tom Hiddlestone en la multipremiada con el Emmy y Bafta CRANFORD. Asimismo, sirve como productor ejecutivo de INDIAN SUMMERS, próxima a estrenarse.

La película que marcó su debut en cine fue MY WEEK WITH MARILYN, con Michelle Williams, Eddie Redmayne, Ken Branagh, Emma Watson y Judi Dench, que fue galardonada con dos nominaciones al Premio Oscar, tres Globos de Oro y seis Baftas. Por su interpretación, Michelle Williams ganó doce premios a la Mejor Actriz, entre los que se incluyen el Globo de Oro y Spirit Award.

FICHA TÉCNICA:

Duración:

Título original: Woman in gold

País: USA

Dirección: Simon Curtis

La dama de oro, poster latino afiche oficial: Woman in gold

2015-06-03T07:13:00.003-03:00

Poster oficial de la distribuidora Argentina para promoción de la película en cines y medios de difusión.

FECHA de ESTRENO

ARGENTINA

18 de JUNIO 2015

ACLARACIÓN: La fecha de estreno comercial en cines de Argentina puede ser suspendida o modificada en cualquier momento por la distribuidora del film.

Podés verificarla en la cartelera publicada en la parte superior del lateral de este sitio.

ELENCO PROTAGONISTA

Helen Mirren, Ryan Reynolds, Daniel Brühl, Katie Holmes

DIRECCIÓN

Simon Curtis

Podés encontrar más data sobre la película buscando en el Índice

Lugares oscuros: Sinopsis, elenco, ficha, critica: Dark Places

2015-06-12T18:01:00.002-03:00

SINOPSIS

El pasado es el pasado… hasta que no lo es.

Libby Day (Theron) pensó que había dejado atrás su pesadilla de la infancia en su pequeño y escuálido pueblo rural. Ahora, fuerzas inexplicables han reabierto el capítulo de su vida que ella nunca hubiera querido enfrentar de nuevo.

A pesar de que cada hueso en su cuerpo le dice que se mantenga alejada, no puede. Como todos debemos hacerlo, ella tiene que enfrentar su destino explorando sus propios… lugares oscuros.

Libby Day tenía siete años cuando su madre y sus dos hermanas fueron asesinadas en Kinnakee (una ciudad rural ficcional de Kansas) en un aparente culto ritual satánico. Mientras su familia agonizaba, la pequeña Libby escapó de la granja y sobrevivió. Presionada por los medios, en ese entonces obsesionados con los "adolescentes satánicos", declaró que su hermano Ben, de unos quince años, había cometido los crímenes. Veinticinco años más tarde Libby, que se esfuerza por olvidar lo sucedido, vive de los últimos centavos que restan de donaciones de almas caritativas que ahora ya han olvidado su caso.

Es entonces cuando una llamada del Kill Club, una sociedad obsesionada por crímenes famosos que investiga de manera amateur, despierta el terrible pasado de Libby, presionándola para que descubra la verdad sobre los asesinatos. Ella, que ve en esto una oportunidad para ganar dinero, retoma el contacto con todos aquéllos que tuvieron algo que ver con esa fatídica noche.

CRÍTICA

Lugares oscuros es una película con una historia realmente de intriga y misterio cuyo guión (que oscila constantemente entre el pasado y el presente) va tirando pequeños datos prácticamente cada dos minutos, por lo tanto no te podés distraer con nada, sino seguramente te vas a perder algo importante.

El oscuro y bien trabajado personaje de Charlize Theron encaja a la perfección en una trama también oscura y compleja que se desarrolla como un rompecabezas que se va desgranando de a poco, cuya resolución puede no conformar a todos, pero es clara y no deja duda sobre lo sucedido en la noche de los asesinatos, algo que a veces no es habitual en historias retorcidas donde al final uno termina entendiendo poco y nada.

Una película con la cual es imposible no entretenerse, aunque más no sea tratando de adivinar quién fue el asesino

Cintia Alviti

En este artículo podés leer porque mis críticas no contienen calificación, sinopsis o detalles técnicos .

En locaciones dentro y alrededor de la ciudad de Shreveport, Louisiana, durante un verano particularmente cálido y sofocante, la ganadora del Premio de la Academia, Charlize Theron protagoniza la novela de Gillian Flynn, autora de Gone Girl, adaptada para la pantalla, escrita y dirigida por Gilles Paquet-Brenner para los productores Stephane Marcil, Cathy Schulman, Matthew Rhodes, Charlize Theron, A.J. Dix y Beth Kono.

Nicholas Hoult, Chloë Grace Moretz, Christina Hendricks, Corey Stoll y Tye Sheridan están a la cabeza de un sobresaliente elenco que trae a la vida la celebrada historia de Gillian Flynn sobre la familia, los amigos, los recuerdos… y el asesinato.

SOBRE EL DIRECTOR

GILLES PAQUET-BRENNER (Director/Guionista), un nativo de París, Francia, previamente dirigió y co-escribió las películas Sarah's Key (Elle s'appelait Sarah, 2010), con Kristin Scott-Thomas, que ganó Mejor Director y Premio del Público en el Festival Internacional de Tokyo, Walled In (Les emmurés, 2009), con Tim Allen y Mischa Barton, Pretty Things (Les jolies choses, 2001), con Marion Cotillard, que ganó el Premio Michel d'Ornano en el Festival de Cine de Deauville, entre otros.

SOBRE LA AUTORA

GILLIAN FLYNN (autora de la novela original) nació en la ciudad de Kansas, Missouri, hija de dos profesores de universidad comunitaria- su madre enseñaba lectura; su padre, cine. Por lo tanto pasó una gran cantidad de tiempo de su juventud leyendo y viendo películas. Asistió a la Universidad de Kansas, donde recibió su diploma en Inglés y Periodismo.

Después de dos años escribiendo sobre recursos humanos para una revista de comercio en California, Flynn se mudó a Chicago. Ahí completó una maestría en periodismo de la Universidad de Northwestern, después de abandonar la idea de convertirse en periodista de policiales, se mudó a la Ciudad de Nueva York y se unió a la revista Entertainment Weekly. Por 10 años, visitó y escribió sobre sets de películas alrededor del mundo. Durante sus últimos cuatro años en EW, Flynn fue la crítica de televisión.

La novela debut de Flynn en el 2006, el misterio literario Sharp Objects, fue finalista para el Premio Edgar y la ganadora de dos Premios Britain's Dagger- el primer libro en ganar múltiples Daggers en un año. Estuvo en la lista de bestsellers de New York Times por más de cuarenta semanas.

La segunda novela de Flynn, el besteller del New York Times del 2009, Lugares oscuros, fue un favorito de los críticos del New Yorker, el Mejor Libro del 2009 según Publishers Weekly y la Elección Favorita en Ficción del Chicago Tribune.

La tercer novela de Flynn, Gone Girl, fue también un bestseller, permaneciendo por más de dos años en la lista del New York Times y vendiendo más de 15 millones de copias a nivel mundial. Gone Girl también ha sido un bestseller en el Reino Unido, Irlanda, Francia, Brasil, Alemania y Noruega, entre otros. Flynn adaptó su trabajo para la pantalla grande para 20th Century Fox; una versión cinematográfica dirigida por David Fincher y protagonizada por Ben Affleck y Rosamund Pike fue estrenada en Octubre del 2014 y nominada para numerosos premios.

El trabajo de Flynn ha sido publicado en cuarenta países. Actualmente está adaptando la serie británica UTOPIA para HBO con David Fincher produciendo y dirigiendo, y es productora ejecutiva de la adaptación para televisión de SHARP OBJECTS.

Ella vive en Chicago con su esposo, Brett Nolan, su hijo e hija, y un gato negro gigante llamado Roy.

SOBRE LA PROTAGONISTA

CHARLIZE THERON (Libby) también trabajó como productora de Lugares oscuros.

Nacida en Sudáfrica, Charlize Theron es una de las actrices más celebradas de nuestros tiempos, cautivando a las audiencias con su habilidad para encarnar un gran rango de personajes. A través de los años, Charlize ha aparecido en numerosas películas incluyendo The Devil's Advocate, The Cider House Rules, la aclamada por la crítica, Monster por la que ganó un Premio de la Academia, North Country, Hancock, Young Adult, Snow White and the Huntsman y más recientemente la comedia western, A Million Ways to Die in the West escrita y dirigida por Seth MacFarlane.

Además del éxito de Theron en la actuación y su principal papel en su compañía de producción Denver & Delilah, Charlize sirve como Mensajera de Paz de las Naciones Unidas y fundadora del Proyecto Charlize Theron Africa Outreach (CTAOP). La misión de CTAOP es ayudar a mantener a salvo a la juventud africana del VIH a través de apoyo en el territorio, y organizaciones de involucramiento comunitario. CTAOP sirve como vehículo para que las comunidades y la juventud se fortalezcan para prevenir el contagio del VIH.

Ficha técnica

Director Gilles Paquet-Brenner

Autores Gillian Flynn (Novela) | Gilles Paquet-Brenner (Guión)

Música compuesta por BT y Gregory Tripi

Director de fotografía Barry Ackroyd

Montaje Douglas Crise | Billy Fox

Directora de casting Carmen Cuba

Diseño de producción Laurence Bennett

Dirección de arte Daniel Turk

Decoradora de set Linda Lee Sutton

Diseño de vestuario April Napier

Reparto
Charlize Theron - Libby Day
Nicholas Hoult - Lyle
Chloë Grace Moretz - Diondra adolescente
Christina Hendricks - Patty Day
Corey Stoll - Ben Day adulto
Drea de Matteo - Krissi Cates adulta
Tye Sheridan - Ben Day adolescente
Andrea Roth - Diondra adulta
Richard Gunn - Lou Cates
Laura Cayouette - Madre de Krissi Cates
Glenn Morshower - Jim Jeffreys
Sterling Jerins - Libby Day niña
Sean Bridgers - Runner Day
Jeff Chase - Calvin Diehl
Denise Williamson - Crystal
Addy Miller - Krissi Cates niña
Shannon Kook - Trey Teepano adolescente
J. LaRose - Trey Teepano adulto
Natalie Precht - Michelle Day
Lori Z. Cordova - Magda

Un gran dinosaurio: Critica: The good dinosaur

2015-11-29T22:04:00.013-03:00

Un gran dinosaurio es una película irregular y correcta pero demasiado simple y repetitiva en su estructura.

La premisa promete algo mucho más divertido y fresco de lo que realmente termina siendo, ya que la idea de estar los dinosaurios y los humanos juntos suponía mucho humor, pero en cambio las cosas en esta historia apuntan más para lo sentimental, el drama y los sentimientos. La única idea original es la inversión de características en los personajes, ya que los animales tienen comportamiento humano y el niño actúa como perro. o sea como mascota.

El arranque es muy bueno y con personajes visualmente muy simpáticos, pero cuando empiezan a aparecer otros "bichos" prehistóricos todo comienza a tornarse un tanto desagradable para el público más pequeño ya que las acciones y el diseño de los nuevos personajes no es muy recomendable para los chiquitines, sin dejar de lado el escaso humor y que además incluye la muerte de uno de los queribles personajes.

Dejando de lado su flojo guión, es de todos modos un film para ver en pantalla grande para poder disfrutar a pleno de su técnica fabulosa con un hiperrealismo realmente impresionante.

Cintia Alviti

Encontrá en este otro artículo sinopsis, ficha y data

En este artículo podés leer porque mis críticas no contienen calificación, sinopsis o detalles técnicos .

Un gran dinosaurio: Sinopsis, elenco, personajes, ficha, critica: The good dinosaur

2015-11-21T21:04:00.007-03:00

SINOPSIS

UN GRAN DINOSAURIO reflexiona sobre el interrogante: ¿Qué hubiera ocurrido si el asteroide que cambió para siempre la vida en la Tierra no hubiera impactado contra el planeta y los dinosaurios jamás se hubieran extinguido?

Pixar Animation Studios te lleva en un viaje extraordinario al mundo de los dinosaurios, donde un Apatosaurio llamado Arlo gana un compañero bastante improbable en el camino: un niño humano. Mientras viaja a través de un paisaje montañoso y misterioso, Arlo aprende a confrontar sus temores y descubre lo que realmente es capaz de hacer.

"Desde el momento en que nace, Arlo tiene miedo del mundo", afirma el director Peter Sohn. "Él es divertido y muy resuelto; tiene mucha fuerza cuando se trata del deseo de ayudar a su familia. Pero es temeroso, y su miedo lo retiene".

"Desde el principio, Spot es lo contrario de Arlo", continúa Sohn. "Él es tenaz, valiente y un animal en el sentido pleno de la palabra. Es la historia de un chico y su perro, sólo que, en nuestra historia, el niño es un dinosaurio y el perro es un humano".

Inspirados por el noroeste de Estados Unidos, los realizadores descubrieron que aún los imponentes dinosaurios podrían sentirse pequeños en el paisaje apropiado, una premisa que funcionó bien para intensificar los miedos de Arlo. Según la productora Denise Ream, el impresionante -y a menudo abrumador- paisaje que los artistas crearon, jugó en última instancia un papel importante en la historia. "La naturaleza puede superar cualquier cosa", afirma, "incluso a un dinosaurio enorme". Esta historia original catapulta a Arlo a un vasto paisaje desierto, en donde él lucha por hacer frente a sus miedos y sobrevivir mientras enfrenta la trágica pérdida de su padre. Arlo encuentra una serie de personalidades especiales que, adrede o no, contribuyen a su evolución. Pero la amistad que él construye con Spot tiene el mayor impacto. Spot no puede hablar pero, aun así, le da a Arlo el tipo de lealtad y amor incondicional que posibilitan su autodescubrimiento. "Arlo tiene mucho por superar", dice Sohn. "Su padre siempre supo que él era capaz de más, pero él tendrá que emprender este viaje emocional para darse cuenta de ello".

CRÍTICA

Un gran dinosaurio es una película irregular y correcta pero demasiado simple y repetitiva en su estructura.

La premisa promete algo mucho más divertido y fresco de lo que realmente termina siendo, ya que la idea de estar los dinosaurios y los humanos juntos suponía mucho humor, pero en cambio las cosas en esta historia apuntan más para lo sentimental, el drama y los sentimientos. La única idea original es la inversión de características en los personajes, ya que los animales tienen comportamiento humano y el niño actúa como perro. o sea como mascota.

El arranque es muy bueno y con personajes visualmente muy simpáticos, pero cuando empiezan a aparecer otros "bichos" prehistóricos todo comienza a tornarse un tanto desagradable para el público más pequeño ya que las acciones y el diseño de los nuevos personajes no es muy recomendable para los chiquitines, sin dejar de lado el escaso humor y que además incluye la muerte de uno de los queribles personajes.

Dejando de lado su flojo guión, es de todos modos un film para ver en pantalla grande para poder disfrutar a pleno de su técnica fabulosa con un hiperrealismo realmente impresionante.

Cintia Alviti

En este artículo podés leer porque mis críticas no contienen calificación, sinopsis o detalles técnicos .

" UN GRAN DINOSAURIO es una de las películas más emotivas que hemos hecho", dice el productor ejecutivo John Lasseter. "Es realmente divertida e inteligente y, a medida que la historia se desarrolla, emerge una profunda emoción. Uno se enamora tanto de Spot como de Arlo. Su vínculo es súper interesante y particular, y tan distinto de todo lo que hemos hecho antes. Es una película muy especial".

DESCRIPCIÓN DE LOS PERSONAJES

ARLO

Arlo tiene 11 años, es el más pequeño de su familia -fue el último de sus hermanos en salir del cascarón- y aún no ha sido capaz de dejar su huella en la granja familiar. Aunque está siempre dispuesto a ayudar con las tareas, a este joven Apatosaurio, amparado por sus padres, le cuesta superar sus temores. Sin embargo, cuando cae en un río y es arrastrado a cientos de kilómetros de su hogar, se ve obligado a enfrentar sus miedos por primera vez en su vida, desafiando a la dura y desenfrenada naturaleza en un largo y difícil viaje de regreso a casa. En el camino, Arlo desarrolla una amistad insólita con un niño humano llamado Spot, que lo ayuda a darse cuenta de que es capaz de lograr mucho más de lo que jamás pensó.

SPOT

Spot es un niño humano salvaje, rudo y tenaz, que ha vivido solo en la naturaleza durante la mayor parte de su vida. Si bien se comunica con gruñidos y rugidos, sus fortalezas son evidentes: es valiente, confiado y está preparado para sobrevivir. Spot rápidamente demuestra que es de gran ayuda para Arlo y, lentamente, se hacen amigos.

PAPÁ

Valiente y desinteresado, Papá es un esposo y padre dedicado, que trabaja sin descanso para mantener a su familia en la granja. Siente debilidad por Arlo, su hijo pequeño y temeroso, y lo cuida de una manera especial a medida que crece. Papá cree en Arlo y sabe que, con suficiente perseverancia, Arlo puede superar sus miedos y dejar su huella.

MAMÁ

Mamá es una madre y esposa cariñosa, inteligente e ingeniosa. Es muy trabajadora, con un gran amor por su familia, y es quien mantiene a sus hijos y a la granja en orden. Su silenciosa fortaleza es el pilar de la familia.

BUCK

Buck es el hermano de Arlo: tienen la misma edad, pero Buck es más grande, más fuerte y un poco revoltoso. Le gusta molestar al temeroso Arlo, ya que el pequeño es un blanco fácil. El tamaño, la fuerza y la seguridad de Buck le permiten hacer cosas que Arlo ni siquiera puede imaginar, como arrancar un árbol del suelo con los dientes.

LIBBY

La hermana de Arlo, Libby, es una niña habilidosa y determinada, capaz de encargarse de las duras tareas de la granja. La pequeña bromista tiene un gran sentido del humor y le encanta hacerle bromas ~~tontas~~ a su familia.

COLECCIONISTA DE MASCOTAS

El Coleccionista de Mascotas es un misterioso Styracosaurus que vive en la naturaleza. Al igual que Arlo, tiene muchos miedos irracionales. Su capacidad para camuflarse en sus alrededores le resulta de mucha ayuda, junto a la inusual (aunque no exactamente feroz) colección de criaturas del bosque que ha reclutado para que lo protejan.

BUTCH

Butch es un T-Rex robusto e intimidante -con una horripilante cicatriz en su rostro. Es un ranchero experimentado y un verdadero profesional a la hora de arrear el rebaño de cuernilargos. Butch alienta a sus hijos, Ramsey y Nash, a aprender mediante la acción y los empuja a afrontar una situación peligrosa detrás de otra. Butch disfruta compartiendo sus historias de batallas alrededor de una fogata al final de un largo día de trabajo.

RAMSEY

Ramsey es una valiente, inteligente y sensata T-Rex ranchera, que ama el desafío de arrear un rebaño de cuernilargos junto a su padre, Butch, y su hermano pequeño, Nash. Ramsey tiene una personalidad vivaz y extrovertida, le gustan las buenas bromas, sabe contar grandes historias y siente debilidad por aquellos que están en problemas.

NASH

Nash es un joven y entusiasta T-Rex que vive para la aventura y le encanta cuando sucede algo inesperado que rompe con la rutina de arrear ganado junto a su padre, Butch, y su hermana mayor, Ramsey. No es demasiado avispado y tiene dificultades para seguirle el rastro al ganado, pero su pícaro encanto y su actitud positiva lo convierten en un buen compañero en el rancho.

PTERODÁCTILOS

Los pterodáctilos son cinco y se dedican a la búsqueda y "rescate". Les encanta sentarse a esperar y dejar que las traicioneras tormentas hagan el trabajo sucio, para cosechar luego los frutos de la devastación. Pero cuando estos depredadores-carroñeros voladores se enfocan en Spot y Arlo, se llevan una gran sorpresa.

RAPTORES

Los raptores cazan al preciado rebaño de cuernilargos que le pertenece a Butch y su familia de T-Rex. Los raptores -o Cuatreros, como los llama Butch- tienen cuerpos fibrosos y emplumados y no se comparan en tamaño o fuerza con un T-Rex. Pero, como grupo, los raptores son una gran amenaza, e incluso un T-Rex podría necesitar refuerzos antes de enfrentarse a ellos.

El elenco vocal (de la versión original, en inglés) incluye a Jeffrey Wright (Los juegos del hambre: Sinsajo Partes I y II, "Boardwalk Empire", de HBO) en el rol del sabio Papá de Arlo; Frances McDormand ("Olive Kitteridge", de HBO; Fargo) como la poderosa Mamá de Arlo; Marcus Scribner ("Black•ish", de ABC) como Buck, hermano de Arlo; Raymond Ochoa ("The Night Shift", "Rizzoli & Isles", LOS FANTASMAS DE SCROOGE, de Disney) como Arlo; Jack Bright (MONSTERS UNIVERSITY) en el papel de Spot; Steve Zahn (Captain Fantastic, Ridiculous Six, Rescue Dawn, Mad Dogs) como el valiente pterodáctilo llamado Thunderclap; AJ Buckley ("Murder in the First", "Justified") en el papel del T-Rex adolescente llamado Nash; Anna Paquin ("True Blood") como la tenaz hermana de Nash, Ramsey; y Sam Elliott ("Justified", I'll See You In My Dreams, Grandma) como el patriarca de los T-Rex, Butch.

EL GRAN DINOSAURIO de Disney•Pixar cuenta con la producción ejecutiva de John Lasseter, Lee Unkrich y Andrew Stanton. Con un concepto original desarrollado por Bob Peterson, el film presenta una historia de Sohn, Erik Benson, Meg LeFauve, Kelsey Mann y Peterson, y guión de LeFauve. La música fue creada por el compositor laureado con el Oscar® Mychael Danna (Life of Pi) y por Jeff Danna, nominado a los premios Emmy®.

LA HISTORIA DE 'UN NIÑO Y SU PERRO', CON ALGUNAS MODIFICACIONES

Una amistad improbable que impulsa un increíble viaje de regreso a casa

En un mundo donde los dinosaurios nunca se han extinguido y los humanos vagan por sitios salvajes,
UN GRAN DINOSAURIO es una historia simple con la cual resulta sencillo identificarse. "Es realmente una historia sobre alcanzar la mayoría de edad", asegura el director, Peter Sohn. "Arlo tiene miedo de todo. Pero su padre, 'Papá', siempre está allí para él, animándolo a salir de su zona de confort para hacer frente a sus temores, para dejar su marca".

Arlo busca desesperadamente impresionar a su familia, pero siempre se queda corto. La guionista Meg LeFauve dice: "Arlo decepciona a su padre una y otra vez, pero Papá siempre cree en él. Y a pesar de que Arlo no lo sabe, el amor incondicional le da la fuerza que él necesitará más adelante".

Los hermanos de Arlo, Libby y Buck, son mayores y más seguros que él desde el primer momento. Las tareas de la granja parecen ser temas sencillos para ellos, lo cual sólo hace más evidentes las debilidades de Arlo. "Papá le da un trabajo a Arlo; una misión para ganarse su reconocimiento", dice Sohn. "A Arlo se le encarga capturar a una criatura, una plaga que está comiendo el alimento que ellos almacenan para el invierno. Por fin, Arlo tiene la oportunidad de demostrar su valía. Pero, finalmente, no puede hacerlo. Él no puede matar a esta criatura que ha capturado y la libera, para gran decepción de su padre".

Las posteriores lecciones de 'amor severo' de Papá resultan trágicas, y Arlo tiene problemas para sobrellevarlo. "Él culpa a la criatura de todo", explica Sohn.

La ira de Arlo finalmente lo conduce a dar un importante mal paso que lo deja perdido y lejos de casa. Según los realizadores, eso marca el momento en el que Arlo comienza su transformación. "Arlo realmente necesita ir por su cuenta y emprender esta búsqueda para convertirse en quien quiere ser", dice el supervisor de historia Kelsey Mann. "Sus luchas en la naturaleza lo ayudan a crecer y a ver más allá de su miedo".

Sus posibilidades de supervivencia son dudosas hasta que aparece un aliado inesperado y le da una mano. La criatura, más tarde conocida como Spot, no es muy distinta de Arlo, pese a los sentimientos de enojo del dinosaurio hacia él. Ese simple acto de bondad -cuando Arlo lo libera de la trampa- revela algo acerca del personaje de Arlo que él todavía debe comprender. Spot rápidamente prueba ser un gran recurso para Arlo y, lentamente, se convierten en amigos. "Spot es leal a Arlo", afirma LeFauve. "Este gran dinosaurio podría haberlo matado en el instante en que se conocen -de hecho, se suponía que era lo que debía hacer-, pero Arlo libera a la criatura. Y Spot nunca olvidará esa bondad".

Los improbables amigos se embarcan en un viaje lleno de acontecimientos a través de entornos impresionantes -pero a menudo implacables-, en un esfuerzo por lograr que Arlo vuelva a casa. Su historia se desarrolla visualmente, un sello de la narrativa Pixar que alcanza nuevas alturas en
UN GRAN DINOSAURIO. "Es una historia que no tiene mucho diálogo", cuenta Sharon Calahan, directora de fotografía e iluminación. "La combinación de impresionantes vistas panorámicas, climas espectaculares y una inmensidad abrumadora, nos afecta tan profundamente que estamos inmersos en la historia. Nos dejamos llevar. Podemos identificarnos personalmente con la relación que se desarrolla entre Spot y Arlo".

El dúo se encuentra con una serie de personajes intrigantes, entre ellos aves de rapiña, pterodáctilos y una familia de T-Rex. En el mundo de UN GRAN DINOSAURIO, los herbívoros han desarrollado la agricultura, mientras que los carnívoros se convirtieron en ganaderos. Según Mann, los Tiranosaurios Rex que Arlo conoce son la 'versión dinosaurio' de los vaqueros. "Son tranquilos, intimidantes, rudos y enormes, pero juegan un papel importante que es el de abrir los ojos de Arlo a sus propios miedos".

Arlo quiere que los T-Rex lo ayuden, pero se da cuenta de que él deberá ayudarlos a ellos en primer lugar. "Ellos no conocen a Arlo", explica LeFauve. "No saben nada acerca de su miedo, así que lo tratan como a cualquier otro dinosaurio y, así, no le dan más opción que ir por ello. El valor, como luego Arlo comprende, no se trata de no tener miedo".

Pero los sentimientos de Arlo hacia Spot son la clave de su crecimiento. "Spot le enseña a Arlo el significado del valor y le da fuerzas", dice Sohn. "Mirar hacia su interior le enseña más acerca del amor y la amistad. Pese a que Spot y Arlo no hablan el mismo idioma, ambos descubren que no sólo pueden comunicarse, sino que tienen mucho en común. Es a través de esa conexión que Arlo comienza a preocuparse más por su amistad que por sus temores; se da cuenta de que tiene más para ofrecer de lo que jamás imaginó, lo cual le da la confianza que necesita para combatir sus obstáculos, completar su viaje de regreso a casa y, finalmente, triunfar".

EL ELENCO

Artistas, técnicos y talentos vocales dan vida a los dinámicos personajes

El núcleo de UN GRAN DINOSAURIO es la amistad que se desarrolla entre Arlo y Spot, dos personajes que comienzan la historia con vicisitudes. Ellos no comparten una lengua y, al menos al principio, tienen pocas razones para sentirse unidos. Pero gracias a un viaje que les cambiará la vida así como a unos cuantos personajes -buenos, malos, grandes y gigantes-, Arlo y Spot encuentran un terreno común y una relación que los transformará para siempre.

Detrás de los personajes hay un fenomenal equipo de artistas, narradores y técnicos encargados de crear la apariencia y la personalidad de cada uno. La productora Denise Ream dice: "Todo el mundo se reunió para nutrir a los personajes y hacer de esta historia algo especial".

UN GRAN DINOSAURIO también cuenta con un extraordinario elenco vocal. "Tuvimos la suerte de trabajar con muchos grandes profesionales en el camino, y nuestra historia nos llevó en última instancia a reunir un grupo increíble y talentoso", cuenta el director Peter Sohn. "Todos estamos allí, de viaje con Arlo, y ha sido un privilegio ver a estos actores dar vida a nuestros personajes".

QUIÉN ES QUIÉN

El último en salir del cascarón de entre sus hermanos, ARLO, de 11 años de edad, aún no ha dejado su marca en la granja familiar. Pese a que está dispuesto a ayudar con las tareas, este protegido Apatosaurio pareciera no poder vencer su miedo a todo. "Arlo es joven y vulnerable", dice el director de arte de personajes Matt Nolte. "Él es tan inseguro de sí mismo que queríamos captar eso en su mirada. Él es más pequeño y más delgado que sus hermanos. He reparado en que los dientes, los pies y las orejas de mis propios hijos parecían superar el resto de su cuerpo a esa edad, así que jugué con la escala del hocico de Arlo, de sus patas y su cola, para contribuir a la idea de su incomodidad".

El supervisor de animación Mike Venturini añade: "La postura de Arlo muestra su falta de confianza. Él no es valiente y siempre parece un poco vulnerable. A menudo se lo ve con los ojos abiertos y las cejas levantadas".

Con 5,5 metros de altura y más de 7 metros de largo, Arlo es una criatura de tamaño considerable. "Hay una gran separación entre sus ojos y su boca; algo que puede parecer un poco extraño sin las lentes apropiadas", explica el director de fotografía y cámara Mahyar Abousaeedi. "Nosotros queríamos evitar estirar el hocico, así que definimos un conjunto de lentes que son ideales para tomar primeros planos de Arlo".

"También debimos poner la cámara hacia atrás lo suficientemente lejos en un primer plano", continúa Abousaeedi, "para poder leer la animación facial y el movimiento de boca de Arlo, ya que él es un personaje muy animado. Intentamos evitar el efecto 'títere de calcetín' lo más posible mediante el encuadre de su cabeza y cuello con otra parte de su cuerpo para lograr una composición más fuerte".

Raymond Ochoa fue elegido como la voz de Arlo para la versión en inglés del film. "Probamos muchas voces diferentes", comenta Sohn. "Arlo está en una encrucijada, evolucionando desde su debilidad e inocencia a ser un adulto joven más fuerte y maduro. Todos los actores que probábamos sonaban demasiado jóvenes o muy mayores. La voz de Raymond nos pareció sincera y realmente atractiva, con una textura áspera. Él es un gran actor y estaba dispuesto a ser vulnerable para las escenas más emotivas".

Ochoa, un fan de toda la vida de las películas de Pixar, disfrutó realizar este viaje con Arlo. "Para él, la naturaleza era un lugar de miedo", cuenta. "Muchas cosas malas pasan allí. Pero la naturaleza es, en realidad, el sitio donde él vive su transición de niño pequeño a un dinosaurio más maduro y valiente que siempre quiso ser".

SPOT es un niño humano salvaje, rudo y tenaz, que ha vivido solo en la naturaleza durante gran parte de su vida. Él habla sólo con ruidos y gruñidos, pero sus fortalezas son claras: es valiente y confiado. "Ésta es en gran medida una película de la naturaleza", dice la guionista Meg LeFauve. "Spot es el animal salvaje que aparece para ayudar al niño necesitado -en este caso, Arlo-. Spot pertenece a ese sitio. Él es un sobreviviente".

"Es realmente divertido impulsar la cualidad canina de Spot", señala Sohn. "Queríamos que quede claro que él piensa y reacciona como un animal al principio pero que, muy en el fondo, es un niño".

Para lograr la apariencia adecuada de Spot, los realizadores observaron tanto a niños humanos como a cachorros de animales. Venturini explica: "Tomamos referencias de un montón de animales, perros, mapaches, gatos y ardillas. Queríamos que él se moviera de una forma que resulte familiar a la audiencia, pero no demasiado literal ni demasiado humana. Sus expresiones son más similares a las de los animales; son simples en su diseño y no tan complejas como las humanas. Él a menudo está con los ojos abiertos. Nos hemos divertido con Spot".

El supervisor de simulación y multitudes Gordon Cameron, junto con su equipo, ayudaron a lograr en Spot esa apariencia algo descuidada. "Él aparece en tantas escenas y sus movimientos revelan tanto acerca de él", dice Cameron. "Esos toques sutiles -la manera en que el entorno lo afecta- realmente ayudan a hacer que el personaje sea más convincente".

Pero el emparejamiento de este humano con un dinosaurio resultó una tarea difícil. "Encuadrar a Arlo junto con todos los dinosaurios fue un gran desafío, debido al tamaño", explica Abousaeedi. "Pero cuando algo mucho más pequeño -como Spot- aparecía en el mismo cuadro, eso complicaba nuestra estrategia de cámara. Componer a Spot pequeño en el cuadro era importante. Queríamos recordarle al público que ésta era una historia de 'un chico y su perro' y que, aquí, el perro es Spot. Componerlo pequeño en el cuadro durante gran parte de la película generó una mayor conexión cuando este par comienza su amistad, y nos guió hacia Spot para un primer plano".

Un joven actor llamado Jack Bright provee la voz de Spot. Pero ya que Spot no habla, el rol requería creatividad y entusiasmo en partes iguales. "Jack es increíble", dice Ream. "Y Peter [Sohn] es tan natural con los niños, que puede explicar qué necesita de forma que resulta fácil entenderlo. Él y Jack realmente hicieron un gran equipo".

PAPÁ

Valiente y desinteresado, Papá es un devoto esposo y padre que trabaja incansablemente para brindarle una buena vida a su familia en la granja. Él tiene una debilidad por Arlo, su hijo más pequeño y temeroso, y le brinda especial cuidado a medida que éste crece. Papá cree en Arlo y sabe que, con la suficiente perseverancia, él podrá superar su miedo y lograr reconocimiento en su vida. "Queríamos que Arlo tuviera un padre comprensivo", dice la supervisora de historia Kelsey Mann. "Pero queríamos un padre que fuera auténtico. Incluso los mejores padres cometen errores. Nadie es perfecto".

Puede que él no sea perfecto, pero se siente orgulloso. "Papá es poderoso y capaz", dice Nolte. "Tiene una postura fuerte y camina en línea recta, sabe a dónde va, mientras que Arlo zigzaguea".

Según el supervisor de personajes Michael Comet, el diseño de Papá ayuda a transmitir su personalidad estoica. "Papá es un personaje poderoso, así que, cuando lo estábamos modelando, usamos referencias de elefantes para sus patas y su cuerpo", dice Comet. "En realidad, tiene cierto aspecto de bulldog, con sus patas delanteras bien al frente y un cuerpo muy fuerte y rígido".

Jeffrey Wright es quien puso la voz a Papá. "Queríamos alguien con fuerza y calidez", dice Ream. "Creo que Jeffrey tiene una voz realmente rica. En cierto punto, Papá se frustra con Arlo, y Jeffrey tiene tanta textura, tanta profundidad en su actuación, que Papá no resulta jamás demasiado rudo o cruel".

"La relación de Arlo con su familia, con su padre, lo forma como ser", dice Wright. "Él toma todas las lecciones que aprendió de Papá en su viaje de descubrimiento".

MAMÁ

Una cariñosa esposa y madre, Mamá es inteligente y perspicaz. Es una gran trabajadora, con mucho amor por su familia, y mantiene a los niños y la granja en orden. Su calma fortaleza es la columna vertebral de la familia. "Ella ama profundamente a Arlo", dice Frances McDormand, quien presta su voz a Mamá. "Pero está preocupada por su falta de confianza y por la forma en que eso lo afecta. Creo que, posiblemente por eso, lo lleva en un lugar especial de su corazón".

Los artistas utilizaron referencias clásicas de brontosaurios para el aspecto de Mamá. "Sus piernas son cónicas; su espalda también es curva", dice Nolte. "Mamá es amable; ella brinda estabilidad a la familia y en la granja. Su diseño refleja esas cualidades".

BUCK

Buck es el hermano de Arlo. Ellos tienen la misma edad, pero Buck es más grande, fuerte y un poco travieso. A él le gusta burlarse de su temeroso hermano tanto como puede, y Arlo es un blanco fácil. El tamaño de Buck, su fuerza y confianza le permiten hacer cosas que Arlo no puede imaginarse haciendo, como arrancar un árbol del suelo con sus propios dientes.

Los cineastas convocaron a Marcus Scribner como la voz de Buck. "Escuchamos un montón de voces", dice Ream, "y la de Marcus fue mi favorita. Él suena como un niño".

"Me conecté con Buck y con la actuación de Marcus porque soy hermano mayor", cuenta Sohn. "Tal como Buck, yo me hacía el tonto con mi hermano todo el tiempo, y Marcus sabía exactamente lo que estábamos buscando".

LIBBY

Libby, la hermana de Arlo, es una chica capaz y voluntariosa, que puede arar un campo entero. La pequeña embustera tiene un gran sentido del humor y le encanta jugar bromas tontas a toda su familia.

"Queríamos que Buck y Libby fueran más capaces y más valientes que Arlo", explica Mann. "Todo les llega con mayor facilidad, a pesar de que todos son de la misma edad".

Maleah Padilla es la voz de Libby en la versión del film en inglés.

COLECCIONISTA DE MASCOTAS

El Coleccionista de Mascotas es un misterioso Styracosauro que vive en la naturaleza. Tal como Arlo, abriga temores irracionales. Su habilidad para integrarse en su entorno lo ayuda, como también una colección inusual (aunque no exactamente feroz) de criaturas del bosque que él ha reclutado para que lo protejan. El director de arte Huy Nguyen dice: "Investigamos cómo los animales se camuflan y miramos los árboles que habíamos diseñado. Nos dimos cuenta de que los árboles de Aspen tienen un patrón que se asemeja a un racimo de globos oculares negros, así que colocamos estratégicamente al dinosaurio dentro de esos troncos de árboles y los iluminamos para echar algo de sombra en él y ocultarlo".

"Él es un gran ejemplo de lo que podemos llamar detalle inesperado", dice Harley Jessup, diseñador de producción. "Este personaje chiflado que vive en la naturaleza es muy divertido y creativo. Fue toda una hazaña diseñar los personajes con todas las criaturas complementarias; cada una era más cómica que la anterior".

Cuando llegó el momento de ponerle voz al Coleccionista de Mascotas, el productor ejecutivo John Lasseter tuvo una sugerencia: propuso al director Peter Sohn, quien ya había sido la voz de personajes emblemáticos como Scott "Squishy" Squibbles, de MONSTERS UNIVERSITY, y de Emile, de RATATOUILLE. "El Coleccionista de Mascotas es tan divertido y gracioso", dice Ream. "Uno siempre quiere más de él. Y es esencial para que Arlo comprenda que Spot es importante para él".

BUTCH es un robusto e intimidante T-Rex que exhibe una espantosa cicatriz sobre su rostro. Un ranchero veterano que es un verdadero profesional cuando se trata de pastorear ganado de cuernos largos, Butch anima a sus niños, Ramsey y Nash, a aprender mediante la experiencia, y los lanza así a una situación difícil tras otra. A Butch nada le gusta más que contar historias de guerra alrededor de una fogata al final de un largo día.

Los realizadores quisieron dar a Butch y a sus niños T-Rex la apariencia de auténticos vaqueros. Cuando ellos corren, sus patas resemblan las de los caballos al galope, mientras que sus extremidades superiores semejan las de los vaqueros a caballo. "Miramos una gran cantidad de películas de vaqueros", dice Nolte acerca de la apariencia de Butch. "Creamos un dinosaurio de gran mandíbula y ojos algo bizcos que, técnicamente, rompe con la anatomía de un T-Rex".

Los artistas y animadores pudieron incorporar más detalles esperables de un T-Rex a la apariencia de Butch, incluyendo su emblemático diente y la forma en que se mueve su boca. Sin embargo, cuando Butch sonríe, sus grandes dientes blancos parecen el clásico bigote del actor que lo interpreta: Sam Elliott.

Elliott dice: "Esta es la historia de dos niños y un viaje; su búsqueda para volver a casa y todo lo que han aprendido en el camino acerca de sí mismos, del otro y de la amistad. Esas son las cosas realmente importantes en la vida".

Según Sohn, Elliott personifica a un T-Rex. "Comenzamos la sesión hablando acerca del concepto de ser padre", recuerda el director. "Él habló de su hija y nos inspiramos con esa energía: tú eres padre en primer lugar. Cuando tomamos nuestro primer descanso y le mostramos la escena, su voz le encantó a todo el mundo. Es perfecta para un T-Rex. Todo el mundo se quedó boquiabierto".

Abousaeedi y su equipo de diseño emplearon cámaras para captar el hecho de que los T-Rex generan miedo -al menos, al principio- y que son muy grandes. "Cuando Arlo se encuentra con Butch y sus hijos por primera vez, realmente queríamos que la audiencia sintiera su dominancia y fuerza, así que colocamos la cámara tan abajo como podíamos, usando nuestra lente más amplia", dice.

La audaz, súper inteligente y sensata ranchera T-Rex RAMSEY adora el desafío de conducir un rebaño de ganado de cuernos largos junto con su padre, Butch, y su hermano menor, Nash. Ramsey tiene una personalidad vívida y extrovertida; le gustan las bromas, contar historias y tiene debilidad por los necesitados.

Los realizadores buscaron diferenciar a Ramsey de sus compañeros T-Rex alargando su hocico y creando un puente más delgado en su nariz. "Ella tiene unas protuberancias óseas en la parte trasera de su cuello, que intentan simular trenzas o cabello largo", dice Venturini. "La voz de Anna Paquin le dio vida a esa fiereza en Ramsey. Su energía fue genial".

Sohn añade: "Anna estaba tan emocionada de recrear a una verdadera T-Rex ruda, que se ponía colorada cuando rugía como Ramsey".

Un entusiasta y joven T-Rex, NASH, vive para la aventura y le encanta cuando algo quiebra la rutina de arrear ganado con su padre, Butch, y su hermana mayor, Ramsey. Pero él no es la más aguda de las espuelas, por así decirlo, y tiene problemas para manejar su manada, pero su travieso encanto y su actitud positiva le hacen buena compañía en la naturaleza.

"Nash es un poco distante, y puedo identificarme con eso, pero él tiene un corazón de oro", dice A.J. Buckley, quien presta su voz al personaje. "Éste es un sueño hecho realidad para mí. Tengo la posibilidad de traer a mi hija al cine y decirle: 'Papá es un T-Rex -no cualquier dinosaurio, ¡sino un T-Rex!-. ¡Papá es un superhéroe!'.

Los PTERODÁCTILOS son un equipo de búsqueda y "rescate" integrado por cinco miembros. A ellos les gusta sentarse y dejar que las tormentas, a menudo traicioneras en esa parte del mundo, hagan su trabajo sucio, para luego cosechar los beneficios de la devastación. Pero cuando estos carroñeros voladores ponen sus ojos en Spot y Arlo, se llevan una gran sorpresa.

Los realizadores descubrieron en su investigación que los fósiles existentes indican que la envergadura de un pterodáctilo real osciló entre los 0,60 y los 12 metros. Con los 5,5 metros de altura de Arlo en mente, y el hecho de que esas criaturas eran salvajemente intimidantes, los cineastas decidieron ir por lo grande. Los pterodáctilos que aparecen en UN GRAN DINOSAURIO tienen una envergadura de entre 9 y 12 metros.

Las voces de los pterodáctilos incluyen a Steve Zahn, Mandy Freund y Steven Clay Hunter. "Ellos los han interpretado como si no sintieran miedo, a diferencia de Arlo", dice Sohn. "Steve Zahn es la voz de Estruendo, el líder del grupo, quien sinceramente cree que no le teme a nada. Steve debía hacerse el bueno al comienzo; su personaje es servicial cuando nos encontramos con él por primera vez. Pero luego evoluciona hacia algo totalmente diferente, un poco loco. Steve nos dio todo y más, en términos de interpretación divertida".

Los RAPTORES se aprovechan de la preciada manada que pertenece a Butch y a su familia de T-Rex. Los Raptores -o Cuatreros, como los llama Butch- tienen cuerpos emplumados y fibrosos, y difícilmente se comparan en tamaño o fuerza a un T-Rex. Pero, como grupo, los Raptores son una importante amenaza, y hasta un T-Rex probablemente deba pedir refuerzos antes de meterse con ellos.

"Estos chicos son bastante duros", dice LeFauve. "No se andan con juegos. No les importa que Arlo sea un niño. Ellos pelean sólo por pelear, pero Arlo los enfrenta dignamente".

Dave Boat, Carrie Paff, Calum Mackenzie Grant y John Ratzenberger prestaron sus voces para los Raptores.

BAJO UN CIELO ESTRELLADO

Los realizadores se aventuran el noroeste de EE.UU. para seguir los pasos de Arlo

El director Peter Sohn y el equipo de artistas y genios técnicos de Pixar recorrieron grandes distancias para crear coloridas personalidades, capturar la magia de la naturaleza y, especialmente, para contar una historia atractiva y creíble. El esfuerzo, como suele ocurrir con todos los films de Pixar Animation Studios, comenzó con una profunda investigación.

El equipo consultó a expertos acerca de la anatomía de los dinosaurios y la psicología infantil. Para desarrollar su propio tono y estilo, investigaron una serie de películas clásicas del oeste, tales como Raíces profundas; películas de Carol Ballard, como El corcel negro, Lawrence de Arabia, Top of the Lake y Cuenta conmigo, entre otras. Algunos miembros del equipo visitaron el noroeste de EE.UU. en busca de una lluvia de ideas para la granja de Arlo; el equipo de efectos tuvo la posibilidad de recorrer el Río Americano y realizar viajes de investigación a Juntura, Oregón y a regiones aledañas a Jackson Hole, Wyoming, para sumergirse en el paisaje donde Arlo pronto se encontraría irremediablemente perdido.

La idea de perderse era un tema desde el principio. De hecho, según la productora Denise Ream, fue el lema de un temprano viaje de investigación a Wyoming para montar a caballo cerca de la Cordillera Teton y practicar canotaje en el Río Snake. "Armamos un viaje de inmersión en ese mundo para Peter y otros miembros de nuestro equipo", cuenta. "Viajamos allí con la esperanza de perdernos, para tener esa sensación de que cualquier cosa podía ocurrir sin advertencia".

Y así fue. La productora asociada Mary Alice Drumm estuvo a punto de sufrir lesiones graves durante la expedición del grupo a caballo. "Cabalgamos por un buen tiempo", cuenta Drumm. "Habíamos llegado a la cima de una colina donde encontramos nieve y estábamos a punto de dar la vuelta para regresar, cuando mi caballo se enfrió y decidió comenzar a rodar sobre la tierra. Logré saltar, pero mi pie quedó atrapado en el estribo".

Drumm logró quitar su pierna antes de que el caballo de más de 400 kilos la hiriera, pero el incidente mostró cuán cambiante puede ser la vida en ese contexto.

El vasto entorno le mostró al director Peter Sohn lo pequeño que uno puede sentirse allí. "Los caballos nunca habían atravesado parte de ese terreno, así que nosotros estábamos atentos a que los caballos cuidaran sus propios pasos sobre el agua helada para no caer. Fue emocionante, porque a causa de los rincones y rendijas del valle nunca sabíamos bien hacia dónde nos dirigíamos. Tomamos giro tras giro, subiendo cada vez más, hasta que finalmente vimos las cumbres posteriores de la Cordillera Teton".

"En todas partes adonde fuimos había una dualidad: algo bello y peligroso a la vez, como deslizamientos de tierra al atardecer", continúa Sohn, quien buscó incorporar esa sensación de peligro en el viaje de Arlo a través del extenso paisaje.

Los cineastas también hicieron rafting por el Río Snake mientras estaban en Wyoming. La experiencia les proporcionó referencias directas para la creación de las secuencias del río en la película. Pero fue la habilidad de un guía para leer el río y localizar una cámara GoPro caída lo que realmente dejó boquiabiertos a los realizadores. "Él conocía el río tan bien que pudo calcular dónde estaba la cámara, aguas abajo", dice Sohn. "Realmente admiramos ese nivel de comprensión de la naturaleza".

Al comienzo del viaje, el equipo de efectos tomó un viaje en balsa por separado en el Río Americano para experimentar la clase de corrientes veloces que Arlo enfrenta. "Empezamos a primera hora de la mañana, cuando el dique de levante hace que el río corra y genere corrientes rápidas", dice el supervisor de efectos Jon Reisch. "La corriente estaba realmente agitada y nuestro bote se dio vuelta y salió hacia atrás, golpeando la pared del cañón. Nosotros terminamos absorbidos por la corriente y expulsados aguas abajo. Tener esa experiencia visceral compartida, acerca de lo poderosa que es el agua, fue algo realmente informativo e inspirador para crear las secuencias del río en la película".

"El río se convirtió en el vehículo que llevaría a Arlo a cientos de millas de distancia de su casa, donde se despierta y comienza la búsqueda de su vida", agrega Sohn. "El mismo río se convierte en el camino de baldosas amarillas de regreso a su familia. Y ese sencillo concepto se convirtió en nuestra estructura básica: él es arrastrado en el primer acto y luego lucha por hallar su camino a casa durante el segundo y el tercer acto".

LA FAMILIA McKAY

Los realizadores querían experimentar la vida en los vastos espacios abiertos que Arlo llama 'hogar'. La encargada de producción Ann Brilz sugirió hacer un viaje a Oregón, donde una familia conocida por ella llevaba a cabo el estilo de vida que los realizadores querían experimentar.

Joe y Moyce McKay, junto con sus seis hijos -Gabriel, Claire, Luke, Anna Rose, JoAnn y Martin-, llevan vidas muy ocupadas en su rancho, en las afueras de Juntura. "Comencé el viaje pensando que sería una escena de Cowboys de ciudad", dice Sohn. "Creí que montaríamos a caballo y miraríamos cabezas de ganado. Pero cuando llegamos allí, el foco realmente fue la familia McKay", continúa el director. "Ellos son personas geniales, de gran corazón. El trabajo es difícil, pero ellos son lo máximo. Joe es un hombre que saluda con un fuerte apretón de manos. Joyce nos recibió en su hogar sin dudarlo".

Los realizadores no sólo fueron invitados a unirse a la familia para montar a caballo, sino también se esperaba que ellos contribuyeran. "Nos dimos cuenta de que nos mostraban cómo subir al caballo; nos daban el puntapié inicial", dice Kelsey Mann, supervisor de historia. "Pero para Joe, tú simplemente debías hacerlo, así fuera subirse al caballo o averiguar cómo maniobrar o montar a donde sea necesario para arriar el ganado. Él no te acompañaba a la piscina, quería que tú saltaras solo".

Los T-Rex fueron inspirados por esta familia; la relación de Joe con sus hijos se refleja en las directas interacciones de Butch con Nash y Ramsey. La escena con la fogata también incluye el estilo narrativo de los rancheros. Pero, para Sohn, fue la experiencia general de pasar tiempo con esta familia en ese sitio lo que causó el mayor impacto. "Había visto estrellas antes, pero nunca la Vía Láctea", afirma. "Salí a caminar en medio de la noche; creo que eran las dos o tres de la mañana. Todo el mundo dormía. En Juntura, Oregón, no hay luces de ciudad, yo podía ver de horizonte a horizonte. No tenía idea de ello antes de esa noche: yo pensaba que la Vía Láctea era un pequeño patrón en el cielo, pero es algo enorme. Fue impresionante. Me puso sensible".

"Me desperté a la mañana siguiente y pensé: 'Santo cielo, mira la increíble pureza de esta vida'", continúa Sohn. "Yo estaba tan envidioso de la forma en que esta familia vive. No puedes superar a la naturaleza, al igual que no puedes vencer el miedo. Pero siempre puedes encontrar la forma de salir adelante".

DINOSAURIOS

Una película sobre dinosaurios, particularmente una de Pixar Animation Studios, demanda cierta base de conocimiento acerca de estas criaturas. "Fuimos a una gran cantidad de museos para mirar los huesos y fósiles", cuenta Sohn. "Fue revelador entender cómo deberían ser nuestras lentes para captar algo tan enorme".

El supervisor de animación Mike Venturini dice que su equipo trabajó con un experto de Los Ángeles. "Habló acerca de la anatomía de los dinosaurios, las diferencias entre los herbívoros y carnívoros y la locomoción. Nos ayudó a entender el peso de los dinosaurios y la mecánica probable de estos animales, de forma que cuando estábamos construyendo nuestros modelos, tomamos todo eso en consideración".

Según la diseñadora de producción Harley Jessup, los realizadores hicieron una profunda inmersión en lo que se conoce acerca del tamaño de los apatosaurios reales, en un esfuerzo por añadir autenticidad a Arlo y su familia. "Creamos una impresión de tamaño natural de Arlo para ayudarnos a imaginar su enorme escala", cuenta Jessup. "Arlo mide más de cinco metros y pesa cerca de seis toneladas, y Papá, con 14 metros, es más alto que el edificio central de Pixar. Exageramos el tamaño de los T-Rex para nuestra historia, y ellos van desde los 11 a los 15 metros de altura. Butch pesa cerca de 45 toneladas".

Los realizadores también realizaron un par de excursiones para estudiar animales reales. "Observamos cómo se mueven los elefantes", dice Venturini. "Ellos son el mamífero terrestre más grande, así que los patrones de sus pisadas fueron muy descriptivos y pudimos capturar su autenticidad. Donde tomamos algunas libertades fue en la adición de personalidades humanas, para hacer que nuestros dinosaurios sean criaturas con las que resulte fácil identificarse".

Según el supervisor de personajes Michael Comet, el equipo también observó jirafas en vivo y directo. "Pudimos darles de comer de nuestras manos", recuerda. "Entendimos cómo funcionan sus cuellos y las observamos en movimiento".

UN BUEN VISTAZO

Los realizadores salen al mundo exterior para crear el impresionante entorno

Los realizadores deseaban captar el alcance total de los entornos que investigaron. Según el diseñador de producción Harley Jessup, sus experiencias en el noroeste estadounidense no sólo ilustraron el poder de la naturaleza sino también su belleza. "El área tiene una fantástica variedad de paisajes, que van desde el Valle de Jackson y la Cordillera Teton hasta los increíbles géiseres y cascadas de Yellowstone. Estudiamos las praderas de Montana y las mesetas del Desierto Rojo de Wyoming. Luego incorporamos todo aquello en el viaje de Arlo".

Su asombro por la belleza y el poder de la naturaleza inspiró a los realizadores a considerar el entorno como un personaje en sí mismo y no sólo como un escenario para Arlo y Spot. "Los dorados y rojos de los álamos eran increíbles, al igual que los álamos de Norteamérica... Nunca había visto algo así antes", asegura el director Peter Sohn. "El paisaje es tan enorme que te hace sentir pequeño. Hay una simplicidad tal en la naturaleza gráfica del lugar que parecía el sitio perfecto para hacer sentir pequeño a un animal enorme, como un dinosaurio".

Arlo y Spot enfrentan a una serie de antagonistas durante su aventura, desde raptores que son más desorganizados de lo que parecen, hasta los pterodáctilos que son buenos para nada. Pero es la naturaleza quien les representa su mayor desafío: inundaciones, cambios bruscos de clima, un río embravecido e impío y un camino traicionero que pondrá a prueba a los protagonistas como nunca antes. Con la naturaleza en un rol tan importante dentro de la trama, los realizadores sabían que todo debía lucir espectacular. El mundo debía ilustrar acertadamente el enorme viaje que Arlo tenía frente a sus narices, con su impresionante belleza y sus riesgos inherentes.

Según Sharon Calahan, directora de fotografía e iluminación, los viajes de investigación inspiraron a Sohn y al resto del equipo para llevar los escenarios de la película hasta nuevas alturas. "Una de las palabras que escuchamos un montón, al comienzo, fue 'sinceridad'", dice ella. "Ellos realmente querían que se sintiera como algo sincero, auténtico. Dibujé mucho a partir de mis experiencias personales. Pasé mucho tiempo en esa parte del mundo, practicando senderismo y dibujando y sintiendo la naturaleza. Queríamos apoyar el film a nivel emocional. Es mucho más que la iluminación. Es cómo el clima y los colores y todo te hacen sentir".

Como apasionada pintora de paisajes, Calahan se pasó incontables horas creando los mismos paisajes que inspiraron la apariencia de la película. "Días atrás, estábamos viendo algunas de las tomas de la película, y coinciden con algunas de sus pinturas de forma espectacular", comenta la productora Denise Ream.

En un guiño a directores de cine como Carroll Ballard (El corcel negro) y David Lean (Lawrence de Arabia), que inspiraron a Sohn, el editor Stephen Schaffer sazonó UN GRAN DINOSAURIO con imágenes de pinturas similares. "A medida que salimos del primer acto e ingresamos al segundo, Arlo y Spot caen al río. Cuando Arlo despierta, no sabe a dónde está. La forma en que esto está hecho realmente contribuye a la confusión y el estado mental del personaje".

"Peter [Sohn] ama esa clase de cine donde uno puede ver todo y la cámara se mueve con los personajes", dice el supervisor de sets David Munier. "Esa es la sensación que queríamos capturar".

Mientras que los personajes están diseñados de una forma más estilizada y caricaturizada para apoyar el lado cómico del film, los realizadores querían que el entorno pareciera lo más realista posible para la audiencia, de modo que ésta pudiera identificarse mejor con los peligros del viaje de Arlo. De todas formas, no se trata de un fotorrealismo: "Nuestros sets están completamente diseñados", dice Munier. "Aun cuando partimos de información del mundo real en el fondo, tenemos una apariencia, un estilo diseñado. Los álamos de Norteamérica o los álamos temblones pueden estar basados en árboles reales, pero nosotros hicimos nuestras propias formas o una representación propia del artista".

La productora Denise Ream agrega: "Es un equilibrio interesante entre contar con una ligera estilización y también captar el realismo de la naturaleza. Los detalles que hemos incorporado son impresionantes. Y nos hemos acercado de forma diferente; se pueden ver kilómetros y kilómetros".

"No queríamos que se sintiera como una simple caminata por un parque", agrega Sohn. "Este mundo se siente como algo grande, incluso para un dinosaurio".

A LO GRANDE

El objetivo era monumental. La idea de generar todo ese entorno y hacerlo lucir auténtico y creíble era abrumadora. Sohn dice: "Cuando creas por computadora (CG), debes renderizar todo. Nada es gratis. Así que, si está a tres metros de distancia, debes renderizarlo. Si está a tres mil metros, también".

Según Calahan, normalmente los realizadores invierten en lo que se conoce como un set héroe, dedicando el mayor tiempo a los elementos que aparecen más cerca de la cámara. "Cualquier cosa más allá de eso -lo que llamamos el set de extensión- se logra con pinturas mate", explica Calahan. "Estas pinturas, pese a ser bellas, pueden llevar mucho tiempo y limitaciones en cuanto a movimientos de cámara. También es más difícil iluminar una escena dada para hacer que los elementos mate pintados se integren bien".

Así, convocaron a los profesionales técnicos de Pixar para hallar una mejor forma de lograr el aspecto que deseaban. "Nos fijamos en las técnicas de procedimiento", dice Sanjay Bakshi, director de supervisión técnica. "Pudimos descargar datos del terreno de Wyoming. El Servicio Geológico de EE.UU. tiene datos de altura de campo de todo ese país, que se crea a partir de fotografías aéreas. Los datos de elevación fueron la base para el sistema procesal que construimos".

Bakshi y su equipo añadieron procesalmente la vegetación sobre esa información del terreno mediante la descarga de fotos de satélite. "Hicimos que la computadora agregara kilómetros y kilómetros de terreno, informándole que todo lo que era verde debían ser árboles. Si era color café, era suelo, y si era azul, agua. Esto le dio a Pete la libertad de filmar en cualquier dirección que quisiera para hacer que este mundo pareciera amplio y real".

El esfuerzo proporcionó a los realizadores una base de fondo que ofrecía flexibilidad en términos de movimiento de cámara e iluminación. "Las áreas de acción de primeros planos y planos medios siempre fueron modeladas a mano", añade Jessup. "Cuando habíamos terminado, nuestros modelos de paisaje eran totalmente especiales y creados por artistas, aunque aún auténticos en sus cualidades geológicas".

Según Munier, los artistas crearon una biblioteca de árboles para poblar el medioambiente. "Incluimos una gran cantidad de pinos torcidos, álamos de Norteamérica, abetos y pinos blancos", dice Munier. "Realmente nos gustó mucho el aspecto del álamo debido a su ondulación. Diseñamos las hojas para que pudieran moverse un poco".

Dependió de Gordon Cameron, supervisor de simulación y multitudes, y de su equipo, agregar el movimiento de los árboles y otra vegetación. "Tenemos alrededor de 270 tipos de vegetación y 15 niveles de viento prearmado", explica. "Generamos órbitas de 600 cuadros de simulación en esos árboles. Podíamos añadir otras cosas a los elementos de base para obtener el aspecto deseado".

LA MEJOR FILMACIÓN POSIBLE

Dada la libertad para mover la cámara a su antojo, los realizadores primero debían determinar exactamente cómo rodar la película. Según Mahyar Abousaeedi, director de fotografía y cámara, hay muchas decisiones que tomar, desde la composición a la selección de la lente, la ubicación de la cámara y de los personajes. Estas decisiones contribuyeron a la narrativa. Por ejemplo, cuando Arlo está seguro en su hogar, al comienzo de la película, la cámara es suave y constante para reflejar la seguridad de estar en casa. Pero cuando su viaje comienza, los realizadores optaron por una sensación más de Steadicam. "Es una cámara portable", dice Abousaeedi. "La operación activa refleja la incertidumbre de Arlo".

Gracias a los datos del Servicio Geológico de EE.UU., las posibilidades eran infinitas. "Una de las mejores partes de nuestro trabajo era saber que todos estos espacios estaban allí para nosotros", dice Abousaeedi. "Casi podíamos poner un dinosaurio en un entorno y mover la cámara alrededor; sólo enfocar y filmar, y luego terminar con un hermoso y vasto paisaje. Con tanta flexibilidad era difícil elegir nuestro ángulo favorito".

Pero la prioridad siempre fue el viaje de Arlo. Abousaeedi dice: "Una de las tomas clave de la película, que establece que él está totalmente perdido y solo, es cuando lo vemos en la cima de la colina, mirando hacia el río, mientras la cámara se aleja mostrando la enormidad de las montañas. Uno puede sentir el peso de su viaje. Él tiene mucho por recorrer. A lo largo de la película, vemos tomas de gran alcance que recuerdan a la audiencia lo hermoso que es el entorno así como también el enorme desafío que le espera a Arlo".

CIELOS NUBLADOS

Una vez que los cineastas comprendieron que estaban en el camino correcto para lograr las magníficas vistas abiertas que habían soñado, elevaron sus expectativas aún más, literalmente hablando. Calahan tenía una solicitud clave desde comienzos de producción. "Puse una estaca en el suelo y dije: 'Quiero hacer nubes 100 por ciento volumétricas en esta película'. A los paisajistas les gusta pintar afuera, en la naturaleza, así que pasamos mucho tiempo mirando las nubes".

El compromiso de lograr estas nubes significó el mayor cambio técnico en Pixar, pero Calahan -previendo el set totalmente exterior que incluía planos generales expansivos y secuencias de tormentas- supo que el resultado final valdría la pena. "Pintar nubes es un enorme trabajo, y están en casi todas las escenas. Además, las nubes de tormenta son una suerte de villanos en este film. Había que tratarlas como a cualquier otro personaje".

Con una gran cantidad de perfeccionamiento técnico, el equipo fue capaz de entregar estas nubes a Calahan. "Estas nubes en particular pueden ser renderizadas y podemos iluminarlas, algo que nunca antes habíamos podido hacer", explica. "Son hermosas".

El equipo construyó una pequeña colección de nubes, que incluyó varios tipos de cúmulus -las típicas nubes hinchadas-, que sirvieron como caballitos de batalla, según Calahan. También crearon varias formas y estilos que podían acumularse y manipularse para crear el aspecto deseado para cada toma. "Las mismas luces que iluminan los suelos iluminan las nubes", dice Bakshi. "Se integran muy bien y hacen que este mundo se sienta más real".

Ream agrega: "Resultó ser una manera más eficiente de aproximarse a las nubes, en comparación con las pinturas mate, que es como lo habíamos hecho siempre en el pasado. Así que cambiamos la forma de hacer nubes en Pixar. Ahora podemos filmarlas como a todo lo demás; son tridimensionales y tienen sombras reales. Agregan mucho más a lo que ya era un entorno rico y hermoso".

DETALLES, DETALLES

Con sus paisajes amplios, el set exterior de UN GRAN DINOSAURIO presentó a los realizadores unos cuantos retos y oportunidades. "Es la película con los mayores efectos que hemos hecho en la historia de Pixar, por lejos", dice Jon Reisch, supervisor de efectos. "Típicamente, cerca del 30 por ciento de las tomas de una película son tomas con efectos. Para UN GRAN DINOSAURIO fue más del doble: el 60 por ciento de la película, más de 900 tomas -de un total cercano a 1500- cuenta con trabajo del departamento de efectos".

A eso debemos sumarle la simulación de todos los elementos del entorno y las multitudes. "Nunca hemos movido en pantalla tantas cosas como en este film", afirma el supervisor de simulación y multitudes Gordon Cameron. "Con toda la vegetación -hierbas, hojas, arbustos-, cientos de luciérnagas, pájaros y más, estamos probablemente activos en el 99.5 por ciento de la película".

Reisch y su equipo son responsables de todo fenómeno natural de la película, desde la lluvia hasta los ríos y las inundaciones repentinas que destruyen todo a su paso. También retocaron escenas tranquilas, como el tierno intercambio entre Arlo y Spot, cuando comprenden que tienen más en común de lo que pensaban. "En un momento importante y emotivo, Arlo y Spot tratan de compartir historias acerca de sus familiares caídos", dice Reisch. "Ellos se comunican dibujando círculos en la arena para representar la familia. Es realmente un efecto sutil, mover la arena, pero es difícil de hacer. Es uno de mis efectos favoritos de la película. Requiere delicadeza y atención a los detalles para que se vea correcto, especialmente en una toma estática, donde no hay sitio donde esconderse".

Las tomas con lluvia requirieron habilidades diferentes. Con tantos efectos de lluvia por conquistar, la forma de encararlo fue sistemáticamente. "Con cerca de 400 tomas de lluvia en el film, necesitábamos lograr un sistema que nos diera una apariencia consistente que nuestros artistas de iluminación pudieran cambiar rápidamente", dice Reisch.

"Pero también estábamos interesados en impulsar la sensación de profundidad en la imagen y que nuestra lluvia no se sintiera demasiado 'hecha por computadora', y plana. Para hacer frente a esto, en cada secuencia pusimos varias capas de lluvia a diferentes distancias de la cámara. Estas cajas de lluvia son, literalmente, una caja en el espacio que se llena con una lluvia presimulada, que puede ser una llovizna ligera o un chaparrón violento. Nuestros artistas de efectos visuales podían simplemente mezclar y combinar diferentes cajas de lluvia para crear el clima en una secuencia, mientras que nuestros artistas de iluminación podían ajustar simplemente la iluminación y la profundidad de campo en cada caja por separado para acentuar la sensación de profundidad deseada".

El equipo de efectos creó también una colección de ríos con fragmentos de agua en movimiento que podía ser ensamblada en formas únicas para lograr las muchas tomas del río que aparecen en el film. "Éste fue un nuevo enfoque para nosotros, especialmente con un efecto en capas y tan complejo como nuestros ríos", dice Reisch. "Pero con 200 tomas de ríos en el film, era absolutamente fundamental para conseguir lo que queríamos ver en pantalla".

"El agua es siempre uno de los efectos más difíciles que tenemos", continúa Reisch. "En gran parte, debido a que se necesita un conocimiento tan especializado de la dinámica de cómo simular el movimiento del agua así como el sombreado y la iluminación de las aguas que definen el aspecto de éstas. Y como todo el mundo está tan familiarizado con el agua, el público sabe de inmediato si hay algo que se ve mal. Es por eso que una parte tan fundamental de nuestro proceso es observar nuestras referencias constantemente y asegurarnos de que estamos siendo tan realistas como podemos con lo que ocurre en la naturaleza".

La inundación repentina es un buen ejemplo de cómo el equipo trabajó en conjunto para lograr el aspecto correcto. "Intentábamos lograr un aspecto con calidad más cinematográfica", dice Calahan. "Eliminamos la mayor parte del color y optamos por algo más monocromático y más intenso en términos de contraste y niveles de iluminación. Está oscuro y hay mucha lluvia y movimiento. Es muy poderoso".

"Tomamos un personaje temeroso que es este dinosaurio incapaz", dice Sohn, "y lo arrojamos a la naturaleza para que experimente todo lo que ésta podía brindarle. La naturaleza es su viaje paralelo. Como el río cuando está movido y ondulante, Arlo atraviesa obstáculos muy difíciles. Cuando él se acerca a Spot y encuentra paz con él, el río se vuelve más vidrioso".

AVENTURAS MUSICALES

Los compositores amplifican el viaje de Arlo con instrumentos poco usuales

UN GRAN DINOSAURIO lleva a Arlo -y a la audiencia- a un viaje emocional de autodescubrimiento. Los realizadores optaron por contar la historia de una nueva forma, confiando menos en el diálogo y más en el poder de la naturaleza, los convincentes personajes y una música que capta la imaginación. Los compositores Mychael Danna, ganador del Oscar®, y Jeff Danna, nominado al Emmy®, se unieron para crear la banda de sonido, mientras que el diseñador de sonido Craig Berkey, también nominado al Oscar®, aprovechó su finca de montaña en Canadá para capturar los sonidos salvajes del film. "La música y el diseño de sonido son claves para mejorar la experiencia de 'inmersión' en la película", asegura la productora Denise Ream. "Agrega textura y eleva la historia".

"Es una película de dinosaurios, así que la música debía ser grande", explica el director Peter Sohn. "Pero es también una clásica historia de un chico y su perro embarcados en un viaje de regreso a casa. Eso exige una cierta sensibilidad para abrazar las emociones de la trama. Mychael y Jeff son artistas brillantes cuando se trata de crear un tema que puede ser dulce y lleno de esperanza en un momento, y fuerte y poderoso al siguiente. Y lo hacen de un modo único".

Los compositores, que además son hermanos, se sintieron inspirados. "Pixar aumenta las expectativas en cuanto a la animación y a la imaginación", dice Mychael Danna. "Por lo tanto, queríamos hacer algo diferente, mezclando instrumentación tradicional y el enfoque centrado en la melodía, con instrumentos de música alternativa de distintas partes del mundo. Tomamos influencias de todos lados -a nivel histórico y geográfico- para contar esta película".

Los instrumentos que utilizaron van desde las clásicas cuerdas, percusión y vientos, hasta lo inesperado. "Usamos algunos instrumentos precolombinos que reflejaban el paisaje alrededor de los personajes", dice Jeff Danna. "Usamos muchos instrumentos de tipo guitarra muy poco usuales, que son primitivos o folklóricos: el bouzouki, un instrumento griego de cuello largo que es similar a una mandolina; el jumbush turco; el saz iraní y uno nórdico llamado harpoleck. Son muy interesantes cuando se los suma al refinado mundo de una orquesta. Nuestro enfoque sobre muchas de las cosas de la película fue tomar elementos esperables o estándar y, tal como hace el film, modificarlos un poquito".

Ellos encontraron un desafío en Spot; este personaje algo áspero y poco refinado resultaba difícil de musicalizar. Optaron por un instrumento de viento [woodwind, en inglés] que se toca con apoyo gutural, y crearon así un tema que refleja los modos silvestres de Spot, en contraste con Arlo.

"Queríamos un sonido para el miedo de Arlo", dice Jeff Danna, "así que usamos un instrumento llamado fujara, que es una flauta eslovaca de pastores. Es una flauta larga, grande y exagerada, que resultó efectivamente oscura y evocativa para representar el estado de ánimo de Arlo en esos momentos de miedo".

Los hermanos Danna crearon un leitmotive para Arlo que permaneció intacto para todo el film. "Cuando él nace, es delicado, basado en un solo instrumento", cuenta Mychael Danna. "A medida que encuentra el miedo, la pérdida y luego la confianza, el tema evoluciona y se desarrolla y, en última instancia, es interpretado por una orquesta completa a medida que él galopa con alegría a través de las cimas de montañas".

Utilizaron un piano de juguete comprado en un mercadillo y un piano vertical deliberadamente desafinado. "Lo llamamos 'el piano del sótano de la iglesia'", dice Mychael Danna. "Es un piano vertical viejo y gastado que toqué, y que tiene una calidad hogareña encantadora que resultó perfecta para el film. Fue muy útil para crear la música que evoca ese hermoso lugar, cálido y lleno de amor, que es el hogar de Arlo; un lugar que él pierde y que, eventualmente, vuelve a hallar, aunque ya como un dinosaurio diferente, más maduro".

"Hay un entorno increíble, maravilloso", continúa Danna. "El paisaje es una parte súper importante de la narrativa; un mundo donde los dinosaurios tienen un hogar y los humanos son criaturas pequeñas que viven en los bosques. Pese a que se trata de un dinosaurio y un niño que nunca hablan, el film nos habla a todos. Hay un arco humano muy real en esta historia de personajes con los cuales todos podemos identificarnos. Eso es lo que me encanta de Pixar: que más allá de toda la parafernalia, las historias nos hablan a todos y nos conmueven profundamente".

Terremoto, La falla de San Andres: Sinopsis, elenco, ficha, critica: San Andreas

2015-06-03T06:42:00.004-03:00

Cuando se vence la infame Falla de San Andreas, causando un terremoto de magnitud de más de 9 grados en la escala de Richter en California, un piloto de helicópteros de rescate (Dwayne Johnson) y su esposa (Carla Gugino), de quien estaba separado,parten juntos desde Los Ángeles hacia San Francisco para salvar a su única hija.

Pero su peligroso viaje hacia el norte sólo es el principio y, cuando piensan que todo ya ha pasado… lo peor está aún por comenzar.

El thriller de acción "Terremoto: la falla de San Andrés"reúne a Dwayne Johnson con el director Brad Peyton y con el productor Beau Flynn, tras su colaboración en el éxito taquillero a nivel mundial: "Journey 2: The Mysterious Island".

La película también es estelarizada por Carla Gugino, Alexandra Daddario, Ioan Gruffudd, Archie Panjabi, Hugo Johnstone-Burt, Art Parkinson y el actor nominado al Oscar^®, Paul Giamatti ("Cinderella Man").

El guión fue escrito por Carlton Cuse y la historia es de Andre Fabrizio y Jeremy Passmore.Richard Brener, Samuel J. Brown, Michael Disco, Toby Emmerich, Rob Cowan, Tripp Vinson y Bruce Berman fungieron como productores ejecutivos.

El equipo de cineastas incluye al director de fotografía, Steve Yedlin;al diseñador de producción, Barry Chusid; aleditor, Bob Ducsay;a la diseñadora de vestuarios, Wendy Chuck;al productor de efectos especiales, Randall Starr;al supervisor de efectos especiales Colin Strause y al compositor,Andrew Lockington.

"Terremoto: la falla de San Andrés"será proyectada en formato RealD 3D en salas de cine selectas.

New Line Cinema presenta, en asociación con Village Roadshow Pictures, una producción de FlynnPictureCo., una película de Brad Peyton, "Terremoto: la falla de San Andrés".Será distribuida por Warner Bros. Pictures, una compañía de Warner Bros. Entertainment, y en algunos territorios por Village Roadshow Pictures.

CRÍTICA

Terremoto, La falla de San Andrés, es una película netamente pochoclera y muy entretenida, siempre y cuando no te la tomes muy en serio ya que su credibilidad es prácticamente nula.

Si te gusta el cine catástrofe, esta película es ideal para relajarse y disfrutar del fabuloso espectáculo visual, que ofrece terremotos y maremotos en forma constante, ya que a los pocos minutos de terminar un movimiento arranca otro, o sea, un poco de calma para que los actores puedan meter algunos diálogos.

Pero el problema radica en que todo lo que les pasa a los personajes encarnados por el elenco protagonista está muy bien siempre y cuando sean superhéroes y no personas comunes y corrientes como lo son. Es realmente imposible que zafen de tantas cosas, cuando los demás caen muertos como moscas. Por eso lo mejor es disfrutarla como si estuvieras viendo una de Avengers.

Por su argumento y sus personajes estereotipados, no es muy recomendable, pero como show espectacular y sin respiro es imperdible.

Cintia Alviti

En este artículo podés leer porque mis críticas no contienen calificación, sinopsis o detalles técnicos .

SOBRE LA PRODUCCIÓN

"¿Y si lo que sucedió en Nevada no fue una anomalía, sino un precursor?" - Dr. Lawrence Hayes'

"Terremoto: la falla de San Andrés" imagina al terremoto de magnitud más alta registrado en la historia. Un enjambre sísmico sobre una falla previamente desconocida cerca de la Presa Hoover, en Nevada, cruza la frontera estatal y desata la infame Falla de San Andreas en California. De ella brota una sacudida enorme que impacta a Los Ángeles hasta su médula. El sismo viaja por toda la falla, y desata una reacción en cadena de caos y destrucción que llega hasta San Francisco.

Dwayne Johnson estelariza como el personaje principal de la historia, Ray, un piloto de helicóptero de rescate de la LAFD que embarca en una misión profundamente personal tras la llegada del desastre, jurando mantener a salvo tanto a su esposa -de quien se encuentra separado- como a su única hija en medio del creciente caos. "Me cautivó el guión. Me conmovió. Me sujetó y no pude soltarme", dice el actor. "Cuando un terremoto golpea no hay advertencia previa. Los movimientos en las placas tectónicas pueden desatar réplicas e inclusive sismos adicionales y lo único que puedes hacer es sobrevivirlo, minuto a minuto, y es por esto que 'San Andreas' es una experiencia cardiaca. No pasa un minuto sin acción".

Fue esta fusión entre una calamidad a gran escala y las conexiones personales intensas que atrajo al proyecto tanto a Johnson como al director Brad Peyton, mientras el guión continuaba en las etapas finales de desarrollo con el productor Beau Flynn. Los tres habían colaborado anteriormente en la exitosa película taquillera "Journey 2: The Mysterious Island", y les agradó la idea de volver a trabajar nuevamente juntos y en un proyecto muy distinto en el que todo -la acción, la escala, la emoción- se amplifica.

Peyton dice, "Esto es distinto a todo lo que he hecho. Fue un proyecto mucho más demandante, no sólo debido a sus elementos sobrehumanos, sino también para lograr que tuviera un tono honesto. Quería que los personajes fueran realistas para que la audiencia pudiera ver la historia a través de su punto de vista en lugar de estar detrás de una cuarta pared mirando desde una distancia segura. Por más que acción sea impactante, el corazón de toda historia son los personajes que te despiertan afecto".

La idea para "Terremoto: la falla de San Andrés" empezcon Flynn, " "Sque te despiertan afecto te importan" la distancia.uy distinto en el que todo -la acciencuentra separado- como a ó con Flynn, un aficionado de los clásicos del cine de desastres naturales que tenía la ilusión de actualizar el género con las capacidades de 3D y la tecnología de punta para crear imágenes fotorrealistas. Más allá de eso, concede, "el motivo por el cual esta película es más personal es porque, a tres semanas de mudarme a Los Ángeles, pegó el sismo de Northridge. Nunca había sentido un temblor antes y experimentar un sismo de esa magnitud fue poderoso y aterrador. Te sientes muy pequeño y humilde. Siempre me sentí fascinado por la Falla de San Andreas en particular, a pesar de que crecí en Miami, a más de 4,800 kilómetros de distancia. Es algo que creo que la gente sabe, a nivel consciente u inconsciente. Está en el zeitgeist".

Para mantener a las audiencias al filo de sus asientos, los cineastas incrementaron la apuesta cinematográfica con "Terremoto: la falla de San Andrés". Aplicando licencia creativa a una amenaza real, los escenarios trascendentales de la historia buscan lograr un sentido de acción y de drama acrecentado. Sin embargo, aunque no todo lo que se narra es la película está basado en hechos, la película toma en cuenta la realidad detrás del tema.

En marzo del 2015, el Sondeo Geológico de los Estados Unidos estimó que las probabilidades de que California experimentara un evento sísmico de 8 grados Richter o mayor en los próximos treinta años ha incrementado, y también la posibilidad de rupturas en diversas fallas, como eslabones de una cadena. La atención ha sido dirigida por largo tiempo en la conocida Falla de San Andreas, pero hay otras que están creando presión a paso firme, incluyendo la Falla de Puente Hills, que va desde Orange County hasta el centro de Los Ángeles, la Zona Subacuática de Subducción, que va desde el norte de California hasta la Isla de Vancouver con su potencial para desatar tsunamis inmensos. Recientemente se han reportado sismos en Nevada, Virginia, Oklahoma, Missouri y en varios puntos activos que no habían sido identificados anteriormente a lo largo de todo el país, una realidad global. El servicio geológico de los Estados Unidos estima que hay aproximadamente 500,000 sismos detectables por año a nivel mundial, de los cuales 100,000 pueden sentirse y, de esos, 100 con potencial para causar daño.

"Tomé mis miedos y los plasmé en el guión", dice el guionista Carlton Cuse, "sabiendo queBrad ejecutaría cada secuencia con excelente calidad y superó mis expectativas".

Dentro del amplio espectro de un sismo catastrófico, "Terremoto: la falla de San Andrés"encuentra su corazón en los instintos más profundos que puede traer a la luz una fuerza de la naturaleza impredecible e incontrolable: nuestra necesidad de contactar a otros y de confirmar aquello que más nos importa. "Los desastres suelen sacar lo mejor de nosotros", sugierePeyton. "Los individuos se enfocan y encuentran una fuerza interna. Gente ordinaria se vuelve heroica y los héroes se llevan a sí mismos hasta el límite".

Flynn añade, "creo que es justo decir que nadie sabe exactamente qué haría ante un escenario de 'lucha o escapa' y eso es algo que exploramos en la película".

En Ray, este instinto es puesto a prueba. "Cualquiera puede relacionarse con la familia y con las cosas que estamos dispuestos a hacer para proteger a nuestros seres queridos", dice Johnson.

"Terremoto: la falla de San Andrés"sigue tres historias concurrentes. Después de que el primer sismo sacude a Los Ángeles, Ray busca a su ex esposa Emma, interpretada porCarla Gugino, en un rescate en helicóptero impresionante en el que vemos a la valiente y determinada mujer salir de los restos de un edificio en el centro de la ciudad. Juntos salen en búsqueda de su hija Blake, a su vez que las secuelas de un segundo terremoto golpean San Francisco, a unos 650 kilómetros de distancia. Mientras se apresuran hacia el norte, su hija adolescente de 19 años, Blake (interpretada por Alexandra Daddario), queda a la deriva cuando su futuro padrastro Daniel, interpretado por Ioan Gruffudd, desaparece.Blake debe acudir a su ingenio e instintos para sobrevivir y llegar a un lugar seguro junto con un joven que acaba de conocer, Ben, interpretado porque conociara proteger a nuestros para sobrevivir y llegar a un lugar seguro junto con un joven que conociara proteger a nuestroHugo Johnstone-Burt.

Paul Giamatti toma el papel de Lawrence Hayes, un reconocido sismólogo de Caltech que cree que ha encontrado una forma de monitorear al sismo y que lo peor no ha sucedido todavía. Plagado por contratiempos y la pérdida de electricidad y comunicación en su laboratorio en Pasadena, hace todo lo posible para advertirle a la gente con la ayuda de la intrépida periodista televisiva Serena (interpretada por ArchiePanjabi) quien se quedó varada con él. Cuse dice, "la historia del sismólogo se vuelve la columna vertebral de la película ya que enmarca y contextualiza la catástrofe".

"Brad es un narrador excelente y sabe encontrar el corazón y el drama de la historia", dice Flynn. "Siempre regresa el enfoque a los personajes y a esos pequeños momentos - ya sea una pareja joven como Blake y Ben, que están en los principios de comenzar una relación romántica en medio de la destrucción, o Emma y Ray, una pareja con una historia larga que redescubren lo mejor del otro cuando las cosas a su alrededor están en medio del caos".

Para capturar ese sentido de intimidad, Peyton buscó capturar lo máximo con la cámara, incorporando acrobacias, sets y efectos prácticos. Un ejemplo de esto es el rescate de Emma de un techo. Era una escena continua de varios minutos en la que, señala, "literalmente viajamos con ella, sin cortes, a través de un edificio que se está colapsando. Te mueves con ella y lo ves a través de sus ojos, sintiendo las decisiones súbitas que tiene que tomar para llegar de un lugar a otro en un ambiente en cambio constante. Carla transmite esa adrenalina ante los peligros a los que se enfrenta su personaje desde el principio hasta el final".

Las audiencias se encontrarán en el camino de una avalancha de escombros o en un auto colgando precariamente desde una colina, debajo del agua o en el borde derruido de la Presa Hoover.

Una confluencia gigante de partes en movimiento, "Terremoto: la falla de San Andrés" también empleó más de 1300 tomas de efectos visuales mientras las calles se cierran, los puentes se quiebran, se prenden fuegos por toda la ciudad y se caen construcciones embistiendo edificios como dominós gigantes. Luego, cuando parece que tendrás tiempo para tomar un respiro, un tsunami de 15 pisos -un muro de agua virtual- se estrella en San Francisco.

"Brad se enorgullece de su trabajo",relata Johnson."Llegaba todos los días al set con mucha energía, buscando nuevas formas de sumergir al espectador emocional y visualmente".

SUJETÁNDOSE… Y SUJETÁNDOSE EL UNO AL OTRO

"Sigue luchando, preciosa. Vamos en camino". - Ray

Antes de que se desate el caos bajo sus pies, el piloto de helicóptero de rescate, Ray Gaines, se encuentra sobre tierra inestable. Su esposa, Emma, le acaba de pedir el divorcio -un paso que si bien no es inesperado, marca el final de un matrimonio en el que sabe que podría haberse esforzado más para mantener la unión.Además, unas horas antes del primer terremoto, Ray se entera de que Emma se va a vivir con su novio Daniel, y encima Daniel acompañará a la única hija de Rayhacia la universidad en el Norte de California, un viaje que él quería hacer con Blake.

"Ray es un individuo muy especial, con corazón e integridad, y esas son cualidades que buscas para aceptar tus papeles", dice Johnson. "Como tantos de esos buenos hombres y mujeres que se enfrentan a este tipo de peligro todos los días, es capaz de cuidar a otros y salvar vidas porque ese es su trabajo y también su vocación. Pero está luchando con varias cosas por dentro. Está pasando por un divorcio, y cualquiera que ha pasado por eso sabe lo difícil que es, especialmente cuando tienes hijos". Como padre enfatiza, "yo haría todo por proteger a mi hija".

"Hay dos tipos de héroes", dice el director. "Están los héroes implacables que pueden caminar a través de paredes y que nosotros nunca podremos ser, y está el hombre que puede recibir un puñetazo y regresarlo, que es el héroe que deseamos ser. De cierta forma, Ray es ambos. Hay momentos en los que logra lo que parece imposible y te deja pensando '¡Dios mío!' y, al mismo tiempo, puedes notar que tiene defectos y problemas personales. Ha cometido errores en su vida y está intentando corregirlos y, en realidad, sólo es un tipo tratando de dar todo de sí y de solucionar las cosas. Dwayne hace que Ray se vuelva un personaje con el cual te puedas identificar y a quien quieres que le vaya bien mientras te sientes maravillado por las cosas que puede hacer. Y, por supuesto, todos queremos ser Dwayne Johnson".

Flynn añade, "La aproximación de Dwayne a este papel se basó en la búsqueda de hacer que el personaje se sintiera auténtico y no forzado o adornado. Eso es muy emocionante porque revela niveles de vulnerabilidad que nunca lo había visto representar antes".

Mientras que Ray escucha las noticias de Emma, queda claro que todavía tiene sentimientos hacia ella pero que los hará a un lado para que ella pueda ser feliz. Si seguir adelante la hará feliz, que así sea.

Carla Gugino, que toma el papel de Emma, explica, "todavía tienen una relación amigable. Te enteras que no se separaron porque ya no se amaban sino porque sucedió algo terrible con lo que no pudieron reconciliarse y que no pudieron superar así que su matrimonio comenzó a sufrir".

"Carla es perfecta",declara Flynn. "Es ruda y sexy y hace buena pareja con Dwayne. Es intrépida y nada la puede frenar en la búsqueda de su hija".

Entre la emoción y los requerimientos físicos del papel, añade Gugino, "representar a Emma siempre fue un reto increíble y cansado, de la mejor forma posible, y en general una experiencia extraordinaria".

Como era de esperarse, cuando el primer terremoto se desata en Los Ángeles, desestabilizando el rascacielos en el que Emma estaba tomando el almuerzo, ella busca a Ray para que la ayude y él no la decepciona. Pero aún cuando Ray lleva a Emma a la seguridad segundos antes de que la estructura se derrumbe, notan que el área de la bahía de San Francisco también sufrió un terremoto fortísimo. Eso los une de inmediato en un propósito en común: encontrar a su hija que está perdida en algún lugar de las ruinas de San Francisco.

Es un viaje peligroso y agitado con muchos contratiempos y callejones sin salida, durante el cual toman cada oportunidad que ven y utilizan todo medio de transporte posible: desde un helicóptero y un avión hasta un camión y un barco. Además, hacen mucho análisis introspectivo durante el camino. "Es curioso, crees que vas hacia un lugar en la vida y sucede algo y te encuentras yendo hacia otro completamente distinto y toda tu perspectiva cambia", observa Johnson.

A cientos de kilómetros de distancia, Blake se recupera del horror de haber estado atrapada en un automóvil machacado en un estacionamiento subterráneo y lucha por recobrar su fuerza. Sin forma de comunicarse con sus padres por teléfono con la excepción de unos breves segundos, descubre que las lecciones de supervivencia de su padre le sirven como guía.

"Las cosas pueden suceder en cualquier momento; la vida es muy impredecible", reconoce Alexandra Daddario. "Es interesante verla utilizar todas esas habilidades que aprendió de su papá y conectarse con partes de ella misma que probablemente ni siquiera sabía que existían. Ella es fuerte, resistente e informada, pero también es una chica normal con la que la gente se puede relacionar y a la vez evolucionar de niña a mujer durante su odisea. Por supuesto que ser la hija de Dwayne me hace sentir mucho más fuerte de lo que soy".

"Alexandra es inteligente, talentosa y cautivadora. Cuando vino a leer, supimos inmediatamente que habíamos encontrado a nuestra Blake", recuerda Flynn. "No es fácil convencer a la audiencia de que eres la hija de Dwayne Johnson y ella congeniaba con él a la perfección".

Recordando los consejos de su padre, Blake navega a pie, a pesar de los escombros y las réplicas, hacia uno de los puntos de referencia más conocidos de esta ciudad, la Torre Coit, donde Ray y Carla quedaron que la buscarían. Pero no va sola. Comparte su travesía con Ben, un británico penoso pero valiente representado por el actor australiano Hugo Johnstone-Burt.Habiendo visitado la ciudad para ir a una entrevista de trabajo y de vacaciones, con un hermano menor de la mano, Ben se cruza por primera vez con Blake en el lobby de un rascacielos ultra moderno con un intercambio coqueto que termina cuando ella le da su teléfono. Poco después, mientras se cae el edificio, Ben se niega a dejar a su nueva amiga atrás.

"La peor suerte del mundo", dice Johnstone-Burt, reflexionando sobre la ligereza y el sentido del humor que trae su personaje a la película. "Es un pobre tipo de vacaciones, en una entrevista de trabajo, acaba de conseguir el teléfono de una chica bonita y, de la nada, la ciudad comienza a desmoronarse".

Subrayando el hecho de que nunca sabes quien va a ayudarte cuando más lo necesitas los tres -Blake, Ben y su precoz hermano menor Ollie, representado por el actor irlandés de 12 años de edad Art Parkinson -se juntan y trabajan como equipo, ayudándose y apoyándose entre ellos. Daddario dice, "cuando pega el terremoto su relación se vuelve más cercana y se siguen moviendo".

Para que Ben y Ollie se queden con Blake cuando todos los demás corren en el sentido opuesto, necesitan dar un salto de fe, pero Blake pone su fe en su padre y se encamina hacia el lugar en el que prometió encontrarse con ella.

Mientras que Blake y sus acompañantes acortan la distancia entre ellos y la torre, Ray y Emma mueven cielo y tierra para llegar a San Francisco, a su vez que la tensión sigue acumulándose en el laboratorio de Caltech en Pasadena. El sismólogo Lawrence Hayes ha estado recolectando datos y monitoreando sensores mucho antes de que se desatara el primer terremoto en California, analizando un sismo que azotó Nevada, destruyendo la Presa Hoover, y que probablemente fue el precursor de los hechos en la Falla de San Andreas.

Si está en lo correcto, esto sería una validación del trabajo que ha hecho toda su vida, pero también significa que una destrucción mayor viene en camino. "Es un científico brillante y un poco rebelde y está en la vanguardia de estas investigaciones", dice Paul Giamatti sobre su personaje. "Lawrence ha estado desarrollando una teoría rastreando actividad de antes del terremoto y siguiendo su progreso, intentando predecir cuándo se desatará el próximo sismo monstruoso".

Un hombre con una misión, Lawrence está convencido de que sus datos indican mayor volubilidad sísmica y necesita comunicarlo rápido y en escala masiva. Ahí entra la periodista televisiva Serena. "Serena estaba haciendo un segmento sobre el terremoto inicial en Nevada, un lugar donde no se esperaría un sismo", dice la actriz británica Archie Panjabi. "Está en Caltech para entrevistar a Lawrence para su segmento y mientras está ahí se queda atorada con Lawrence y con su equipo debido a la reacción en cadena de la Falla de San Andreas. Es, probablemente, la historia más grande, no sólo de su carrera periodística, sino de la carrera de cualquier periodista".

"Terremoto: la falla de San Andrés" también es estelarizada por Ioan Gruffudd, como el arquitecto y novio de Emma, Daniel, un papel que sirve para desarrollar el tema de la naturaleza impredecible de los seres humanos cuando se encuentran bajo presión extrema. Daniel aparece por primera vez con buenas intenciones, abriendo su corazón y su casa a Emma y a su hija y ofreciéndose como voluntario para llevar a Blake a la universidad cuando Ray tiene que cancelar el viaje a última hora. "En el camino", dice Gruffudd, "Daniel es muy abierto con Blake y le confiesa que nunca tuvo hijos porque estaba demasiado ocupado con el trabajo, pero que se siente feliz de tenerla en su vida. Ella aprecia su franqueza y se nota que está dispuesta a darle una oportunidad".

Pero Daniel resulta ser poco fiable cuando más lo necesitan. "Es la antítesis del tipo que entraría corriendo a un edificio en llamas para salvar a alguien", dice Gruffudd. "La parte interesante es que Daniel bien podría haber pensado toda su vida que tomaría un rol heroico para al final descubrir, que ante una experiencia cercana con la muerte real, que hará justo lo contrario".

SETS, ACROBACIAS Y EFECTOS

"Necesito que llegues a un terreno alto. ¿Recuerdas la Torre

Coit? Ahí nos vamos a reunir".- Ray

Tejiendo los diversos elementos creativos -desde sets, ubicaciones y acrobacias hasta efectos prácticos y digitales- la regla de Peyton era hacer que cada parte del mosaico fuera lo más realista posible. Aunque "Terremoto: la falla de San Andrés" incluía muchos efectos CGI, era necesario lograr una cantidad significativa de acción grabada y, definitivamente, una cantidad más grande de la que se esperaría para una película de esta escala.

"Creo que pasaron tres días en total caminando sobre tierra firme", cuenta Peyton. "Si no estábamos en el agua, estábamos en un barco o en un helicóptero. Pasé una semana grabando un barco en un escenario con pantalla verde, haciendo acrobacias con agua volando por todas partes; luego otra semana era el helicóptero; a la siguiente, un avión. Fue una experiencia bastante loca. Creo que cambiar de escenario con tanta frecuencia fue bueno para la película porque siempre estábamos moviéndonos".

Sobre la complejidad de diseñar cada imagen dice, "Aunque sea una toma CG, como una toma por encima de los hombros de alguien sentado en un barco, le pedía a mi editor que pusiera todos los elementos de la pantalla verde para barcos para poder alinearlo y saber también a qué velocidad iba. Podía tener mi pre visualización, una toma compuesta, una toma de ubicación y luego una toma de efectos visuales, así que ya tenía cuatro imágenes de lo que tenía que juntar en una sola; y eso es tan sólo el nivel básico. Tienes que encontrar una manera para juntar elementos en una película así porque, literalmente, hay tomas que tienen 15 componentes. Hay muchas variables".

El producto de efectos especiales Randall Starr, colaborando por tercera vez con Peyton, dice: "Casi cada toma tiene que tener algo de acción en ella, desde algo tan pequeño como poner una grieta en una pared que solía estar pareja o tener algo de tierra cayendo para añadirle tensión a una escena, hasta escenas con olas generadas virtualmente, edificios o puentes".

A Peyton le gusta grabar sobre el eje Z, lo cual crea una sensación de alejamiento y acercamiento. "Inclusive en 2D te da una sensación de movimiento y en tres dimensiones es sensacional. Puedes sentir todo el movimiento, como si estuvieras viviendo en ese espacio y moviéndote hacia esos corredores. Es una gran técnica y el 3D la hace aún más efectiva", explica.

Flynn produjo el primer largometraje grabado en 3D de alta definición en toda la historia, la película del 2008, "Journey to the Center of the Earth",y utilizó una conversión a 3D para "Terremoto: la falla de San Andrés".Flynn dice, "soy creyente de la tecnología 3D. Avanza rápidamente, especialmente en el campo del espacio de conversión. Con 'San Andreas' queríamos producir la primera película de terremotos en 3D y esa es nuestra obligación como cineastas, seguir mejorando la experiencia de ir al cine".

La producción grabó muchos de los exteriores en Los Ángeles y en San Francisco, mismos que fueron combinados posteriormente con tomas en y alrededor de la región de la Gold Coast en Queensland, Australia. Varios sets importantes se construyeron en foros de los Village Roadshow Studios, incluyendo el tanque de agua de aproximadamente 13,000pies cuadrados, que el tanque de agua para películas más grande de Australia y unos de los más grandes del mundo con una capacidad de ms de 5.6 litros Roadshow Studioscidad de adrados -el tanque de agua para pelnstruyeron en escenarios de Village Roadshow Studiosás de 1.5 millones degalonesde agua.

El rescate en el techo en el centro de Los Ángeles

Cuando el temblor se desata en Los Ángeles, Emma se encuentra en un restaurante elegante en uno de los pisos más altos de un rascacielos moderno -y ficticio- con vistas panorámicas de la ciudad.

El diseñador de producción Barry Chusid imaginó al restaurante como un espacio elegante con candelabros, estanques, árboles en macetas y agregados como columnas y una barra de ónix color miel. Todo esto se creó a raíz de patrones que Peyton dispuso con el supervisor de efectos especiales Brian Cox y el coordinador de acrobacias Allan Poppleton hacia el subsecuente pandemonio de comensales aterrados corriendo hacia las salidas.

Peyton entrega la secuencia completa en una barrida continua, comenzando con el punto de vista de Emma: desde el momento en el que, atónita, se da cuenta de lo que está sucediendo hasta su lucha para salir del restaurante y subir por las escaleras para encontrarse con el helicóptero de Ray mientras que las cosas se caen a pedazos a su alrededor, y hacia su progreso dificultoso en el techo de concreto, con hoyos expuestos y caídas empinadas.

"Comienza arriba y el edificio colapsa tres o cuatro pisos", dice Peyton. "Sale de los escombros y vuelve a caerse. Logísticamente fue algo increíble".

"El operador de Steadicam y yo fuimos uno mismo durante varios días, siguiendo a Emma hasta arriba para lograr una toma extraordinaria", dice Gugino, que comparó a la experiencia con actuar en un teatro. "Hago mucho teatro y hay algo sobre sentir que estás caminando sobre una cuerda floja, no puedes brincar y tienes que seguir caminando. Con eso llega una cantidad fuerte de adrenalina y te ayuda a enfocarte y creo que creamos la energía perfecta para esta secuencia. Fue muy intuitivo de parte de Brad hacerlo así".

"Todo fue un proceso complicado, el dar entradas en el que cada acción individual lleva a otra acción", explica Cox, ya que la escena comienza con un sutil temblor reflejado en un vaso de agua, o en un cuchillo sobre luna mesa y sube encrescendo hasta que comienzan a quebrarse las paredes y las pipas de gas rotas comienzan a prender fuego, encendiendo una bola de fuego enorme que viene desde la cocina. "Teníamos árboles y charcos de agua moviéndose sobre un sistema de barras que podíamos agitar hacia delante o hacia atrás y las sillas y las mesas se movían de forma individual. Había distintas frecuencias de movimiento".

El esfuerzo de Cox se enlazó con el del equipo de efectos especiales, Haciendo echo de la estrategia, Starr dice, "lo dividimos en segmentos y juntamos cada pieza para formar el producto final". De los paisajes urbanos alterados digitalmente que intentó derrumbar de forma realista comenta: "Muchos edificios del centro de la ciudad son de décadas diferentes así que algunos tienen más probabilidad de colapsarse que otros más modernos que se mecen. Todo eso lo incorporamos a la escena".

Las tomas de Ray en el helicóptero representaban otra parte en movimiento. La acción se grabó en un escenario de pantalla verde en un helicóptero simulado construido en la imagen de los modelos del Departamento de Bomberos de Los Ángeles y montado sobre un cardán. El cardán se volvió a utilizar más adelante para controlar el barco que Ray y Emma toman para navegar las inundaciones del tsunami.

"No hay nada con alas o ruedas que no opero en esta película, hasta me toca manejar un barco", dice Johnson. "A los actores nos encanta decir que hicimos nuestras propias acrobacias. Yo tengo a un acróbata excelente que ha estado conmigo durante años, pero como íbamos a grabar muchas escenas sin cortar, yo hice una buena parte de las acrobacias, como bajar en rappel desde el helicóptero".

Johnson y los actores que representan a los miembros del equipo de Ray en las escenas tempranas de la película se entrenaron con CareFlight, un servicio sin fines de lucro de servicios de emergencia en helicóptero basado en Queensland, para aprender sobre los instrumentos, el equipo, los procedimientos básicos y en general de cómo sería la dinámica del equipo. CareFlight le prestó un helicóptero Bell 412 a la producción y permitió acceso a sus hangares para la grabación.

La búsqueda de Blake para llegar a terreno alto en San Francisco la lleva a The Gate, otra estructura ficticia diseñada por Daniel y aún en construcción cuando ella, Ben y el pequeño Ollie se refugian dentro de ella. Están en el piso 14 cuando el tsunami se traga a la ciudad, inundando el edificio y obligándolos a subir más. Mientras continúa subiendo el agua y las replicas continúan debilitando al edificio, Blake se queda atorada atrás de un atrio y cuenta con poco oxígeno.

Casi toda la acción se lleva a cabo entre los pisos 12 y 15, así que la construcción se enfocó en producir tres niveles de sets prácticos, confiándole las extensiones, ventanas, vistas exteriores y otros detalles a efectos especiales. Uno de los tres diseñadores de set de la producción, Nick Dare, que trabajó con Chusid en The Gate dice, "lo abordamos creando los tres sets sobre una plataforma para poder sumergirlos en el tanque de agua. Tenía un elemento de ingeniería importante y nos llevó semanas tan sólo ensamblar las vigas de acero y los arneses antes de poder comenzar a construir los sets. La plataforma se construyó sobre cuatro rampas hidráulicas que la empujaban hacia arriba o hacia abajo y podía inclinarse hasta 11 grados. Calculamos que el edifico tendría una inclinación de 15 grados pero es imposible caminar con 15 grados de inclinación, así que para darle lugar a la acción tuvimos que bajarle al ángulo y casi todo el tiempo estuvo inclinada entre 6 y 9 grados".

"El reto más grande fue el peso",dice Cox. "Terminamos con un peso de aproximadamente 105 toneladas métricas y tuvimos que poner bolsas de aire debajo en algunas partes para que pudiera levantarse".

Alzar o bajar la plataforma determinaba el nivel del agua. Además, se vertió agua desde contenedores de flete de 9,000 galones en la medida en la que fue necesaria, como cuando la estructura dañada en la medida en la que fue necesaria, como cuando la estructura daiera levantarse"agua. Ten por Daniel y a de adrenñada se inclinaba hacia abajo y entraba más agua. Desde el punto de vista del diseño de producción todo tenía que ser a prueba de agua o hecho de materiales que pudieran tolerar un mes de remojo en cloro y, mucho de ello tenía que sujetarse. A las piezas más grandes se les taladró materiales que pudieran tolerar un mes de remojo en cloro y mucho tenr Daniel y a de adrenó orificios para que pudiera pasar el agua y así aliviar un poco la presión.

Los actores junto con una gran parte del equipo, acróbatas, buzos y personal de seguridad, pasaban mucho tiempo en el agua. "El tanque era increíble", recuerda Daddario. La fuerza te empuja hacia atrás y a veces el impacto y la sorpresa al ser golpeado con litros y litros de agua es auténtico. Era muy fácil convencerme a mí misma de que estaba aterrada a pesar de que sabía que podía escaparme cuando quisiera.

Una situación de suspenso en la montaña, a pesar de que sabeado con litros y litros de agua es auten cloro y mucho tenr Daniel y a de adrenña, el estacionamiento, Cal Tech y otros sets

En una escena inicial para establecer la capacidad, compasión y nervios de acero de Ray, él y su equipo rescatan a un conductor cuyo coche se resbaló de la calle y est un desfiladero.se a a de adrenlecer la capacidad, compasitros y litros de agua es auten cloro y mucho tenr Daniel y a de adrená a punto de caerse a un desfiladero. Construido como un set exterior en la ubicación australiana de la producción, se modeló cuidadosamente para representar una parte de las vialidades en las montañas de Santa Mónica. Se tomaron moldes en espuma de una cantera cercana. Estos se ataron a una estructura de madera que también estaba sujetada a puntos de apoyo de concreto para los actores y pedazos de tierra para poner plantas vivas.

El auto se fijó con cables sobre una pista vertical en contra de la pared de roca para que pudiera ser soltado hidráulicamente en grados y un helicóptero verdadero fue suspendido de una grúa en un ángulo desde el cual los actores y acróbatas bajaban.

Más adelante, en San Francisco, la historia encuentra a Blake tratando de liberarse de un auto atrapado debajo de una viga caída. Un estacionamiento en la Isla de Capri fue la piedra angular de la escena, mismo que el diseñador de producción Chusid ajustó con luces de emergencia, rociadores, señalización y algunos otros detalles. Quería que las columnas de después del terremoto revelaran mallas y barras de acero debajo del concreto. En otra composición de efectos prácticos y CGI, se requería que un acróbata chofer tomara velocidad desde unos 15 metros de altura antes de caerse hacia una grieta virtual y posteriormente cayendo en el piso inferior. El auto tenía un techo de hule que podía ser abollado una y otra vez.

Para el caos en la Presa Hoover en Nevada, la producción construyó una calle en el Estacionamiento Outback Spectacular y porciones de túnel en una base agitadora en el escenario, misma que el equipo de efectos especiales transformó en un evento enorme en el cual se abre el dique y la vialidad desaparece.De forma semejante, el icónico Golden Gate Bridge de San Francisco se representó con una construcción de 16 metros con piezas que podían removerse de ambos lados y posteriormente, sería aumentado digitalmente.

La oficina de Lawrence y el laboratorio de sismología de Caltech, donde él y su equipo buscan apresuradamente más información mientras que las réplicas amenazan la electricidad y su seguridad personal, se construyeron en un espacio en el Aeropuerto Archerfield de Brisbane, adyacente a otro espacio que simuló la base de los Bomberos de Los Ángeles de Ray. "Tenía arquitectura de los años 50 y detalles que le gustaron mucho a Barry, como columnas de concreto pintadas y un piso de linóleo", recuerda Jacinta Leong, una de tres directores de arte que trabajaron en la película.

Paul Giamatti, que grabó aquí casi todas sus escenas, dice, "como Brad quería hacer una gran parte de la grabación de forma práctica, estábamos sentados aquí en el set de Caltech mientras sacudían escritores y columpiaban las luces, apagándolas y prendiéndolas. Nos transportó al momento".

La diseñadora de vestuario Wendy Chuck añade que para el final dramático de la historia, los personajes han pasado por una odisea, pero también sus ropajes. Debido a la secuencia rápida de los eventos, casi todos los personajes aparecen en un solo cambio de ropa, pero ese vestuario único representa una multitud de duplicados sobre los cuáles se marca el estrés de las condiciones exteriores. "Teníamos sangre, tierra, rupturas, todos los grados de deterioro", dice. "Podías ver un esquema de la historia con sólo mirar el guardarropas".

"CALIFORNIA DREAMING"

Para crear la música para "Terremoto: la falla de San Andrés", Peyton volvió a buscar a Andrew Lockington, el compositor tanto para "Journey to the Center of the Earth" como para"Journey 2: The Mysterious Island".Comenzando el proceso lo más pronto posible, Peyton explica que "la forma en la que me gusta construir un mundo es viendo hacia el tono y hacia la música. Para 'San Andreas' la pregunta giraba en torno a cómo crear una banda sonora original, épica y emocional, así que entramos directo y comenzamos a buscar temas, a encontrar la vibra de esta película. Puedes representar sonoramente a los personajes o al evento, así que tienes que preguntarte '¿es este un momento en el que estamos centrando la experiencia en el punto de vista de un personaje o estamos ofreciendo una mirada panorámica?'".

Siempre abierto a influencias únicas, Lockington incorporó una particularmente apropiada: sonidos de datos de ondas sísmicas tomados de la Falla de San Andreas hace un año. "Utilizando datos de un evento sísmico recolectados por el Sistema Geológico de los Estados Unidos, encontramos elementos sísmicos que podíamos manipular para crear sonidos increíbles", ofrece. "No lo usamos mucho, sino que lo usamos como un toque especial, en especial en las escenas en Caltech".

Para capturar un sentimiento de discordia Lockington cuenta que "tomé un piano viejo y me pasé dos días destruyéndole con martillo y alicate. Planeábamos grabar mientras le pegábamos con los martillos y esos sonidos están mezclados con los elementos orquestales de la película. Después de eso me senté a tocar ese instrumento roto, a duras penas manteniendo su estructura, y podía tocar algunas notas pero no sonaban como debería, ya ni siquiera sonaba a un piano. Así que de la nada me encontré con un instrumento nuevo y algunos de esos sonidos también son parte importante de algunas escenas. Es un elemento rítmico interesante"El compositor trabajó luego con un programador para sintetizar partes de las notas del piano dañado en algo que llama "un sonido crudo y aterrador que se siente como si cayera un puño sobre el resto de la banda sonora".

Haciendo la transición de temor y destrucción a perseverancia y esperanza, Lockington introdujo porciones de un coro de niños para "cortar con todo lo que había estado sucediendo y llegar a las profundidades emocionales de los personajes y mostrar sus ganas de vencer. También tenemos un tema muy bello que trasciende al desastre con muchos instrumentos de cuerda".

Manteniéndose consistente con ese tono, la cantante nominada en varias ocasiones a los premios Grammy, Sia, interpretó el clásico de los 60 "California Dreaming" para la banda sonora de "Terremoto: la falla de San Andrés". Producida por Oliver Kraus, la canción grabada por Sia exclusivamente para la película se escucha en conjunto con los ritmos finales de la película y con los créditos finales para hacer eco con las notas evocativas y edificantes del final de la historia.

"Cuando hablamos sobre consolidar la experiencia de un personaje, intentamos ver lo que ellos ven", dice Peyton, que podría aplicar eso a su aproximación general. "Más allá de la acción épica, de los edificios derrumbándose y las olas estrellándose contra una ciudad, hay historias de amor, conexiones emocionales y la idea de reunir a una familia".

"Es el tipo de historia que me encanta contar:con un gran concepto y emociones intensas", dice Flynn. "Hay muchos temas poderosos en 'San Andreas' y también es muy entretenida. Estoy encantado con la idea de investigar qué es lo que hace a un héroe ser héroe".

"Hay acción, amor, drama y héroes", resume Dwayne Johnson. "Y también está el oponente más formidable que conoce el hombre: la madre naturaleza".

ACERCA DEL REPARTO

DWAYNE JOHNSON (Ray) se ha cementado como un exitoso actor global con ingresos de taquilla por más de US$2000 millones a nivel mundial, y no da señales de bajar el ritmo.

Johnson actuó recientemente en una serie de películas de alta rentabilidad, como en el papel titular del éxito de acción y aventuras "Hercules", dirigida por Brett Ratner, y repitió su papel como el agente Hobbs en la séptima entrega de la exitosísima franquicia "Fast and Furious", junto con Vin Diesel, que se estrenó el 3 de abril. También hizo la transición a la pantalla chica para la serie de HBO "Ballers", dirigida por Peter Berg, sobre un grupo de jugadores de fútbol americano, sus amigos, familias y entrenadores. La serie debuta en junio del 2015.

Entre otros créditos recientes de Johnson están el thriller dramático "Snitch", sobre un padre que trabaja encubierto para la DEA para liberar a su hijo encarcelado; la película acción y aventuras"G.I. Joe: Retaliation", la segunda entrega de la franquicia, junto con Bruce Willis y Channing Tatum; el drama independiente "Empire State", con Liam Hemsworth y Emma Roberts; "Pain & Gain", junto con Mark Wahlberg; y las entregas más recientes de la franquicia "Fast 5" y "Fast and Furious 6", que recaudaron US$1400 millones en total a nivel global.

Entre sus películas anteriores están "Race to Witch Mountain"; "The Tooth Fairy"; "Planet 51"; "Get Smart"; "The Game Plan", "Journey 2: The Mysterious Island", que recaudaron más de US$325 millones en 2011; "Be Cool", la continuación de "Get Shorty", junto con John Travolta, Uma Thurman y Vince Vaughn; el remake del 2004 "Walking Tall"; y "The Rundown", una comedia de acción aclamada por la crítica dirigida por Peter Berg y coprotagonizada por Seann William Scott, Rosario Dawson y Christopher Walken.

Entre sus numerosos proyectos futuros están la película de acción y aventuras "Lore", basada en la novela gráfica de Ashley Wood; "Journey 3: From the Earth to the Moon"; "The Fall Guy",la adaptación para cine de la serie de televisión de los 80; la recientemente anunciada fantasía de acción "Shazam"; y la comedia de Rawson Marshall Thurber "Central Intelligence", actualmente en pre-producción con la coestrella Kevin Hart.

Johnson ha recibido muchos aplausos y el reconocimiento de la crítica por su rango y sus diversos papeles. En 2009, Entertainment Weekly lo puso a encabezar la lista "Next A-List" de Hollywood, junto con Robert Downey, Jr., Ellen Page, James McAvoy y Amy Adams.

El amor de Johnson por la actuación y su deseo de diversificar lo llevaron a aparecer en "Saturday Night Live" en marzo del 2000, sorprendiendo a muchos con su habilidad cómica y obteniendo la mayor audiencia del programa ese año. Posteriormente fue contratado por Stephen Sommers en "The Mummy Returns", que recaudó más de US$400 millones a nivel mundial. Su personaje fue tan bien recibido por los ejecutivos de Universal durante la proyección de las tomas diarias que inmediatamente planearon una película basada en su personaje, "The Scorpion King", que rompió los récords de taquilla en 2002, convirtiéndose en el mayor estreno de abril de todos los tiempos.

Dwayne Johnson nació en San Francisco y creció en Hawái; se destacó como All-American en secundaria y posteriormente como defensa estrella para los Hurricanes de la Universidad de Miami, ayudando a llevar a su equipo al Campeonato Nacional. Tras graduarse, Johnson siguió los pasos de su padre Rocky Johnson, que está en el Salón de la Fama de la WWE y de su abuelo, el Gran Jefe Peter Maivia, al unirse al mundo de los deportes competitivos de entretenimiento de la WWE. En un periodo de siete años (1996-2003), su intensa pasión le generó una carrerasumamente exitosa, rompiendo récords de taquilla por asistencia en todo EE.UU. y estableciendo récords de compras de televisión de pago. La creación de Johnson de "The Rock" se convirtió en el personaje más carismático y dinámico que la industria ha visto jamás. En marzo del 2012 rompió récords al regresar a la WWE, donde derrotó a John Cena en WrestleMania XXVIII en Miami.

Johnson escribió una autobiografía, The Rock Says, que llegó a ser #1 en la lista de best sellers del New York Times poco después de su publicación en enero del 2000. También creó The Rock Foundation en 2006, con la misión de educar, fortalecer y motivar a los niños a nivel mundial a través de la salud y el buen estado físico. Johnson es un filántropo dedicado. Es el vocero actual a nivel nacional de la Campaña de Concientización sobre la Diabetes de la Entertainment Industry Foundation. También es un comprometido Miembro del Gabinete de Celebridades de la Cruz Roja Estadounidense y es Celebridad Embajadora Nacional de la Make-A-Wish Foundation. En 2008, el Congreso de los Estados Unidos y la Comisión Conjunta de Liderazgo de Estados Unidos reconocieron a Johnson con el prestigioso premio Horizon, el premio que otorga el Congreso a una persona del sector privado que ha demostrado un liderazgo destacado y que ha ofrecido oportunidades para los jóvenes a nivel nacional.

CARLA GUGINO (Emma) es una aclamada belleza del cine y teatro, conocida por su papel como Ingrid Cortez en la trilogía de "Spy Kids", la Dra. Vera Gorski en "Sucker Punch", Lucille en "Sin City", Amanda Daniels en "Entourage" de HBO, Sally Jupiter en "Watchmen" y los personajes principales de los programas de televisión "Karen Sisco" y "Threshold".

Además de "Terremoto: la falla de San Andrés", Gugino puede ser vista este verano actuando junto a Matt Dillon en la miniserie "Wayward Pines". Gugino interpretará a Kate Hewson, una de los agentes desaparecidos y ex amante del personaje de Dillon. Escrita y creada por Chad Hodge y dirigida por M. Night Shyamalan, será emitida por FOX y está programada para su estreno el 14 de mayo del 2015. Gugino también será vista pronto en varios episodios de la comedia de HBO " The Brink "con Jack Black y Tim Robbins.

Su trabajo en el cine incluye papeles protagónicos en "American Gangster", "Night At The Museum", "Race To Witch Mountain", "Mr. Popper's Penguins", "Women En Trouble", "Elektra Luxx" y "The Son En Law". Más recientemente, Gugino apareció en la película independiente "Match", que se estrenó el 14 de enero del 2015.

El trabajo de Gugino en Broadway incluye turnos como Maggie en "After The Fall" de Arthur Miller, por el que recibió un Theater World Award y una nominación del Outer Critics Circle a Actriz Destacada en una obra de teatro; Catherine en "Suddenly Last Summer" de Tennessee Williams, junto a Blythe Danner, por el que recibió una nominación del Outer Critics Circle; y el papel de Abbie Putnam, junto a Brian Dennehy, en "Desire Under The Elms" de Eugene O'Neill, que también le valió una nominación del Outer Critics Circle por una actuación que recibió, entre otras alabanzas, una crítica excelente del New York Times.

Su otro trabajo en televisión incluye la miniserie estadounidense "Political Animals", junto a Sigourney Weaver y Ellen Burstyn, así como papeles memorables en "The New Girl", como la jefa atrevida e inestable de Schmidt, "Justified", como la contraparte del jefe de policía Raylan Givens, y como la perspicaz abogada y amante de David Duchovny en "Californication".

ALEXANDRA DADDARIO (Blake) recibió mucha atención de la crítica, los fans y la red con su papel revelación en la serie de HBO nominada al Emmy "True Detective", junto con Woody Harrelson y Matthew McConaughey. La serie se estrenó en enero del 2014, centrada en dos detectives cuyas vidas chocan y se enredan durante la búsqueda de un asesino en serie durante 17 años en Louisiana. Daddario interpretó a Lisa Tragnetti, una bella reportera jurídica cuyo romance con el personaje de Harrelson da un giro oscuro.

Daddario será vista pronto en "Burying the Ex" del director Joe Dante, que se estrenó recientemente en el Venice Film Festival 2014.

Anteriormente, Daddario actuó como Annabeth Chase en la franquicia de cine "Percy Jackson". Basada en la serie de best sellers de Rick Riordan, la primera película, "Percy Jackson & The Olympians", se estrenó en 2010 y recaudó más de US$227 millones a nivel mundial. La continuación, "Percy Jackson & The Olympians: Sea of Monsters", se estrenó en agosto del 2013 con una recepción similar.

Daddario lleva casi una década trabajando en la industria. Entre sus créditos anteriores en el cine están "Texas Chainsaw 3D", que se estrenó en primer lugar de taquilla el 4 de enero del 2013. Una sucesión de la película original de 1974, Daddario siguió los pasos legendarios de las protagonistas anteriores de Leatherface Renée Zellweger y Jessica Biel. También la vimos en "Hall Pass" de los hermanos Farrelly, en 2011; "Bereavement", también en 2011; "The Attic", 2008; "The Babysitters", 2007; "The Hottest State", 2006; y "The Squid and the Whale", 2005.

Sus créditos anteriores en televisión incluyen "New Girl", en 2014; "Parenthood", 2012; "White Collar", 2009-2010; "Law & Order: Criminal Intent", 2005-2009; "Nurse Jackie", 2009; "Damages", 2009; y "The Sopranos", 2006. Su carrera comenzó en "All My Children", en 2003.

Daddario fue mencionada en la lista "Faces to Watch in 2011" de V Magazine y fue nominada para un MTV Movie Award en 2013.

IOAN GRUFFUDD (Daniel)comenzó a actuar a los 11 años en una telenovela galesa llamada "Pobol Y Cwm" (People of the Valley) para la BBC en Gales. Luego estudió en la Royal Academy of Dramatic Arts, cuando a los 23 años, fue contratado como Pip en una adaptación para la BBC de Great Expectations.

Gruffudd fue presentado al público estadounidense como el 5^o oficial Harold Godfrey Lowe a bordo de "Titanic" de James Cameron en 1997. Poco después, fue contratado para el papel titular de la miniserie ganadora del Emmy "Horatio Hornblower", una adaptación de las novelas de C.S. Forester para A&E. En 1999 Gruffudd conoció a su esposa, Alice Evans, en el set de "102 Dalmatians" cuando interpretó a Kevin Shepherd, junto a Glenn Close. Fue el Tte. Beales en "Black Hawk Down" de Ridley Scott y apareció en el thriller de horror "The Gathering", junto con Christina Ricci. Tras mudarse a Los Ángeles en 2003, consiguió enseguida uno de los papeles principales en el drama de CBS "Century City", junto con Viola Davis. Ese mismo año apareció como Lancelot junto a Clive Owen, Keira Knightley, Hugh Dancy y Joel Edgerton en el épico recuento de Antoine Fuqua "King Arthur", producida por Jerry Bruckheimer.

Tras interpretar el papel principal de William Wilberforce en "Amazing Grace" de Michael Apted, junto con Benedict Cumberbatch, Gruffudd fue conocido a nivel internacional cuando fue contratado como el Dr. Reed Richards, alias Mr. Fantastic, en "Fantastic Four" y "Fantastic Four: Rise of the Silver Surfer", que recaudaron más de US$600 millones a nivel mundial. En 2011, mostró su lado cómico como el Wetwork Guy, junto con Jason Bateman, Charlie Day y Jason Sudekis en la comedia de Seth Gordon "Horrible Bosses".

Sus otros créditos en el cine incluyen la peculiar comedia "The TV Set", coprotagonizada por David Duchovny y Sigourney Weaver; el drama británico"The Kid", dirigido por Nick Moran; y la aventura fantástica "The Secret of Moonacre", junto con Tim Curry.También hizo la voz del personaje titular en la película animada "Agent Crush", apareció junto con Julia Roberts y Ryan Reynolds en "Fireflies in the Garden", y actuó en la trágica historia de amor "Solomon & Gaenor", que fue nominada a un Academy Award^® como Mejor Película Extranjera.

Adicionalmente, Gruffudd mostró su destreza musical en 2013 como actor invitado en "Glee", haciendo canciones y escenas de "Funny Girl" junto a Lea Michele.

Actualmente interpretaa un médico forense de Nueva York en la serie de la ABC "Forever", y en el futuro lo veremos en el thriller independiente "Home Invasion", con Bella Thorne.

Gruffudd recientemente recibió el Sian Phillips Award de los BAFTA de Gales por su Contribución Significativa al Cine o la Televisión.

ARCHIE PANJABI (Serena) fue mencionada recientemente como una en la lista de "Eight Actors Who Turned Television into Art", por la New York Times Magazine por su actuación como la provocativa Kalinda Sharma en el exitoso programa de CBS "The Good Wife". Panjabi ganó un premio Emmy por su actuación como Kalinda en 2011 y ha sido nominada dos veces. Adicionalmente, en 2013 fue honrada con una nominación a un Golden Globe, ganó el Image Award de la NAACP a Mejor Actriz de Reparto en una Serie Dramática en 2012, y fue nominada en 2013 y en 2014. Fue reconocida como Estrella Revelación de TV del Año por Entertainment Weekly, Actuación Más Original en Prime Time por People Magazine y fue listada en la "Top 10 Faces on TV to Watch" de Variety.

Vimos a Panjabi junto a Gillian Anderson en las temporadas uno y dos del aclamado drama de la BBC "The Fall", que se convirtió en la serie dramática de mayor audiencia en BBC Two durante los últimos 11 años. También continúa prestando su voz para la serie animada para niños de animación por fotogramas "Postman Pat".

Actuó más recientemente en "I Origins", una película protagonizada por Michael Pitt y Brit Marling y producida y dirigida por Mike Cahill. La película se estrenó en enero del 2014 en el Sundance Film Festival donde recibió estupendas críticas y ganó el prestigioso premio Alfred. P. Sloan. También fue uno de los personajes principales en "The Widower", un drama de ITV en tres partes escrito por el productor ganador de varios premios Jeff Pope.

Panjabi debutó en el cine como Meenah Khan, una chica no tan femenina y loca por el fútbol en la aclamada "East is East", que recibió una ovación de pie de 10 minutos en Cannes y ganó un premio BAFTA a Mejor Película del Año en 2000. Luego actuó en "Bend it Like Beckham", por la que se ganó un BBC Mega Mela Award, y la película fue nominada para un BAFTA y un Golden Globe.

Protagonizando como la joven musulmana en el papel titular de "Yasmin", Panjabi ganó premios a Mejor Actriz en el Festival de Reims y el Festival Internacional de Mons, donde recibió el Shooting Star Award. Luego apareció con Ralph Fiennes y Rachel Weisz en "The Constant Gardener", que ganó un Oscar^®, un BAFTA y un Golden Globe en 2005.

Junto a Angelina Jolie en la conmovedora "A Mighty Heart", Archie ganó el Chopard Revelation Award en el Cannes Film Festival. También apareció en el thriller de espías "Traitor", junto a Don Cheadle, y encantó al público como la traviesa y lista asistente de Russell Crowe en la comedia "A Good Year", para el director Ridley Scott.

La voz única de Panjabi y su amplio espectro de acentos se han utilizado en numerosos comerciales, documentales y proyectos animados. Ella hace varias de las voces para la conocida serie para niños "Postman Pat", en BBC y PBS, y recientemente grabó el audiolibro I am Malala, sobre la chica de 16 años a la que el Talibán le disparó por defender la educación.

Panjabi ha recibido el reconocimiento mundial por su apoyo a empresas benéficas. Es la Embajadora Global de Rotary International para la campaña We Are this Close para erradicar la polio en asociación con UNICEF y la Gates Foundation. En abril del 2013, presentó el primer Encuentro Global sobre las Vacunas al que asistieron los líderes mundiales en Abu Dabi, donde ella, junto con Bill Gates, ayudó a recaudar un poco menos de US$5000 millones para erradicar la polio durante los próximos 6 años. También habló en el Día Mundial de la Polio en la Universidad de Northwestern, en Chicago, en octubre del 2013. Panjabi fue la cara de la Campaña contra la Violencia de Género de Amnistía Internacional, que eventualmente generó varios cambios de políticas que apoyaban a las víctimas de la violencia. Ella también fue conferencista invitada en el prestigioso programa Artist in Residence de la Universidad de Harvard.

Panjabi tiene un diploma en Administración y recibió un doctorado honorario en Letras de su alma mater, la Universidad de Brunel, Inglaterra, por su contribución a las Artes. Ella continúa trabajando de cerca con la universidad junto con el profesor Ian Rivers, uno de los principales expertos en el estudio del matoneo en el Reino Unido y en los Estados Unidos.

Archie nació en Londres y pasó parte de su niñez en Mumbai.

PAUL GIAMATTI (Lawrence)es uno de los actores más versátiles de su generación, con una lista diversa de actuaciones maravillosamente labradas, premiadas y aclamadas por la crítica.

Los proyectos más recientes de Giamatti incluyen el drama biográfico del director Bill Pohlad "Love & Mercy" y "Madame Bovary" de Sophie Barthes. Actuó como Aleksei Sytsevich /The Rhino, en la exitosa segunda parte de Marc Webb "The Amazing Spider-Man 2", junto a Andrew Garfield, Emma Stone, Jamie Foxx y Sally Field, y también fue actor invitado en el Especial de Navidad de "Downtown Abbey".

Próximamente aparecerá en el drama biográfico de F. Gary Gray "Straight Outta Compton", sobre el grupo de rap NWA; la serie original de Showtime "Billions"; y el drama del guionista/director Noah Buschel "The Phenom", junto con Ethan Hawke. Adicionalmente, prestará su voz para el reparto vocal estelar de la película animada "The Little Prince", una adaptación de la querida historia de Antoine de Saint-Exupéry.

En 2013 Giamatti fue visto en varias películas: "Saving Mr. Banks" de John Lee Hancock; "Parkland" de Peter Landesman, con Zac Efron y Jacki Weaver; "Twelve Years a Slave" de Steve McQueen, junto a Brad Pitt, Michael Fassbender y Chiwetel Ejiofor; "Romeo and Juliet" de Carlo Carlei, como Fray Laurence, junto a Hailee Steinfeld y Damian Lewis; "All is Bright" de Phil Morrison, que él también produjo y en la que actúa junto a Paul Rudd; y "The Congress" deAri Folman, coprotagonizada por Robin Wright y Harvey Keitel.

Otros créditos de Giamatti incluyen "Turbo", "Rock of Ages", "Cosmopolis" de David Cronenberg, "The Ides of March", la película de HBO de Curtis Hanson "Too Big To Fail", en la cual su actuación ganó un tercer SAG Award a Actuación Destacada por un Actor Masculino en una Película o Miniserie para Televisión, así como nominaciones al Emmy y al Golden Globe. Giamatti también actuó en la aclamada "Win Win", del nominado al Oscar^® Tom McCarthy.

Su actuación en "Barney's Version" del 2010 le singificó su segundo Golden Globe. Basada en la novela best seller de Mordechai Richler, la película fue dirigida por Richard J. Lewis y coprotagonizada por Dustin Hoffman, Rosamund Pike y Minnie Driver.

En 2008, Giamatti ganó un Emmy, un SAG y un Golden Globeal Mejor Actor en una Miniserie por su interpretación del personaje titular en la miniserie de HBO ganadora del Emmy"John Adams", dirigida por Tom Hooper. En 2006, por su actuación en "Cinderella Man" de Ron Howard, ganó su primer SAG Award y un Broadcast Film Critics Award al Mejor Actor de Reparto, así como nominaciones al Academy Award^® y al Golden Globeen la misma categoría.

Giamatti fue aclamado por su actuación en la elogiada "Sideways" de Alexander Payne, incluyendo Mejor Actor de los Independent Spirit Awards y el New York Film Critics Circle del 2005, más nominaciones al Golden Globe y al SAG Award. En 2004, recibió críticas y felicitaciones destacadas, así como una nominación al Independent Spirit Award al Mejor Actor y a Actuación Revelación del Año del National Board of Review, por su interpretación de Harvey Pekar en "American Splendor" de Shari Springer Berman y Robert Pulcini.

Giamatti capturó las miradas de Estados Unidos por primera vez en la exitosa comedia de Betty Thomas, "Private Parts". Su larga lista de créditos en el cine incluye "Ironclad" de Jonathan English; "The Hangover 2" de Todd Phillips; "The Last Station", junto a Christopher Plummer y Helen Mirren; "Duplicity" de Tony Gilroy; "Cold Souls", de la que Giamatti también fue productor ejecutivo; "Fred Claus" de David Dobkin; "Shoot Em' Up",junto a Clive Owen; "The Nanny Diaries" de Shari Springer Berman y Roger Pulcini; "Lady in the Water" de M. Night Shyamalan; "The Illusionist", dirigida por Neil Burger; "Man on the Moon" de Milos Forman; "The Hawk is Dying" de Julian Goldberger; "The Cradle Will Rock" de Tim Robbins; "The Negotiator" de F. Gary Gray; "Saving Private Ryan" de Steven Spielberg; "The Truman Show" de Peter Weir; "Donnie Brasco" de Mike Newell; "Storytelling" de Todd Solondz; "Planet of the Apes" de Tim Burton; "Duets", junto a Gwyneth Paltrow; la película animada "Robots";y"Big Momma's House", coprotagonizada por Martin Lawrence. Giamatti también apareció en "Confidence" de James Foley y en "Paycheck" de John Woo.

Como actor de teatro consumado, Giamatti recibió la nominación de Drama Desk al Mejor Actor de Reparto como Jimmy Tomorrow en el nuevo montaje de Kevin Spacey para Broadway de "The Iceman Cometh". Sus otros créditos en Broadway incluyen "The Three Sisters", dirigida por Scott Elliot, "Racing Demon", dirigida por Richard Eyre, y "Arcadia", dirigida por Trevor Nunn. También fue visto off-Broadway en el reparto de "The Resistible Rise of Arturo Ui", con Al Pacino, y en el papel titular de la producción de "Hamlet" de Yale Rep.

Para televisión, Giamatti también apareció en la serie de comedia nominada al Emmy "Inside Amy Schumer"; "The Pentagon Papers", con James Spader; "Winchell" de HBO, junto a Stanley Tucci; y "If These Walls Could Talk 2" de Jane Anderson.

HUGO JOHNSTONE-BURT (Ben) se graduó del National Institute of Dramatic Art (NIDA) en Australia. Tras graduarse, inmediatamente fue contratado en el papel de Adam Andrew en la serie de televisión del Canal 9 australiano "Underbelly 3: The Golden Mile". Luego siguió con un papel de invitado en la serie de Richard Roxburgh de la Australian Broadcast Corporation, "Rake".

El siguiente papel de Johnstone-Burt fue el muy querido personaje Fish Lamb en la aclamada adaptación para televisión de la novela clásica australiana de Tim Winton Cloudstreet. La miniserie de seis partes llamó mucho la atención hacia su creciente reconocimiento como actor joven para observar. En 2012 Johnstone-Burt recibió nominaciones de ASTRA (Australian Subguionion Television y Radio Association) a la Actuación Más Destacada de un Actor y Mejor Nuevo Talento.

Sus créditos en televisión incluyen papeles en "Mr & Mrs Murder" de Network Ten, "Dance Academy" de ABC, "Home and Away" del Canal 7, y "Tricky Business" y "Love Child" del Canal 9.

El debut de Johnstone-Burt en el cine fue la comedia musical "Goddess" del director Mark Lamprell, en la que actuó junto al cantante Ronan Keating y la comediante australiana Magda Szubanski. En 2012 apareció en la película independiente de John Duigan "Careless Love".

Adicionalmente, ha interpretado al agente Hugh Collins, junto a Essie Davis, en una de las más populares series de ABC, "Miss Fisher's Murder Mysteries".

ART PARKINSON (Ollie)es un joven actor de County Donegal, Irlanda, proveniente de una familia de actores. Asistió a la escuela de teatro de su madre desde muy pequeño, junto con sus dos hermanos mayores. Sus primeros papeles fueron en programas de TV, al lado de su madre y actuando como su hijo. Su primera película fue "Red Mist".

Art tenía ocho años cuando obtuvo el papel de Rickon Stark en la serie de HBO "Game of Thrones", y recibió muchas alabanzas por su actuación. El año pasado apareció en la comedia romántica "Love, Rosie"; el drama fantástico "Dracula Untold", rodado en Belfast; en la comedia deportiva "Shooting for Socrates", escrita por Marie Jones; y en el thriller de ciencia ficción "The Anomaly", que debutó en el Edinburgh International Film Festival. Actualmente presta su voz para el papel principal en la película animada "Kubo and the Two Strings", dirigida por Travis Knight.

ACERCA DE LOS REALIZADORES

BRAD PEYTON (Director) es un guionista/director canadiense más conocido por haber dirigido la exitosa película "Journey 2: The Mysterious Island", que recaudó más de US$320 millones a nivel mundial y fue protagonizada por Dwayne Johnson, Vanessa Hudgens, Michael Caine y Josh Hutcherson. Antes de eso, dirigió la comedia "Cats & Dogs: The Revenge of Kitty Galore", estrenada en julio del 2010.

Peyton está ahora en posproducción de la película de Blumhouse Productions "Incarnate", protagonizada por Aaron Eckhart. También está desarrollando "Monument 14", para Strange Weather Films, y "Lobo", producida por Silver Pictures y Weed Road.

En televisión, su serie animada original "Dr. Dimensionpants", de la que es creador y productor ejecutivo, fue comprada para 26 episodios por Teletoon, bajo producción de DHX. También produjo y co-escribió la película animada "Pirates Passage", protagonizada por Donald Sutherland, que se estrenó esta primavera en la CBC de Canadá.

BEAU FLYNN (Productor) ha producido películas durante más de 20 años. Ahora es dueño y gerente de FlynnPictureCo, donde produce proyectos de alto concepto, de género y franquicias para todas las plataformas. A lo largo de su carrera, Flynn ha producido más de 30 películas que han recaudado más de US$1750 millones en taquilla a nivel mundial.

El estreno más reciente de Flynn, "Hercules", se estrenó el 25 de julio del 2014, con Dwayne Johnson como protagonista. Brett Ratner dirigió y Evan Spiliotopoulos escribió el guión. Está basada en el cómic de Radical Hercules: The Thracian Wars, y ha recaudado hasta ahora más de US$250 millones a nivel mundial.

Flynn tiene actualmente disponible el título de la Black List "Two Night Stand" en Video bajo Demanda, que se estrenó simultáneamente en cines por eOne. Hasta la fecha, la película es el estreno más exitoso de eOne. Financiada y producida independientemente, la protagonizan Miles Teller y Analeigh Tipton. Max Nichols hizo su debut como director con un guión de Mark Hammer. Ha llegado al número 5 en iTunes Top Movies y se ha mantenido consistentemente entre las primeras 20.

Actualmente se encuentra en posproducción "Solace", producida por Flynn, y protagonizada por Anthony Hopkins, Colin Farrell, Jeffrey Dean Morgan y Abbie Cornish. Afonso Poyart, director de la película brasilera "Two Rabbits", debutó como director en EE.UU. con un guión de Sean Bailey y Ted Griffin. FilmNation manejó las ventas en el extranjero de la película y Silver Reel financió el margen de endeudamiento. "Solace" llegará a los teatros en el 2015.

Flynn produjo el estreno de enero del 2013 "Hansel & Gretel: Witch Hunters", protagonizada por Jeremy Renner, Gemma Arterton y Famke Janssen. Hasta la fecha la película ha recaudado más de US$225 millones a nivel mundial. Se está trabajando en una segunda parte, y se espera su estreno para enero del 2016.

Previamente, Flynn produjo el éxito global "Journey 2: The Mysterious Island 3D", una colaboración anterior con Dwayne Johnson y el director Brad Peyton.La segunda parte de "Journey to the Center of the Earth 3D", "Journey 2" protagonizada por Johnson, Michael Caine, Josh Hutcherson, Vanessa Hudgens y Luis Guzman. Recaudó más de US$340 millones a nivel mundial tras su estreno en febrero del 2012 y fue una de las 20 películas que más recaudaron en 2012.

Además, el remake de "Red Dawn", producido por Flynn y protagonizado por Chris Hemsworth, Josh Hutcherson y Jeffrey Dean Morgan, llegó a los teatros el Día de Acción de Gracias del 2012.

En 2011 Flynn produjo "The Rite", de presupuesto moderado, y protagonizada por Anthony Hopkins y dirigida por Mikael Hafstrom, que recaudó US$100 millones a nivel mundial.

En el verano del 2008, él produjo la aventura familiar "Journey to the Center of the Earth 3D", protagonizada por Brendan Fraser. La primera película de acción en vivo rodada en HD 3D, fue el estreno digital más grande de la historia, y recaudó más de US$250 millones en cines a nivel mundial. En el otoño de ese año, Flynn también estrenó el aclamado éxito de Sundance "Choke", basada en la novela del autor Chuck Palahniuk, protagonizada por Sam Rockwell y dirigida por Clark Gregg.

Antes de esto, Flynn produjo "The Exorcism of Emily Rose" de Scott Derrickson, que recaudó más de US$150 millones a nivel global, así como "After the Sunset", dirigida por Brett Ratner. También, en 2007, Flynn estrenó el thriller "The Number 23", protagonizada por Jim Carrey y Virginia Madsen, bajo la dirección de Joel Schumacher. En la primavera del 2006, Flynn estrenó su primera película animada digital, "The Wild", que recaudó más de US$100 millones a nivel mundial. Ese otoño, produjo "The Guardian", protagonizada por Ashton Kutcher y Kevin Costner.

La primera empresa de Flynn, Bandeira Entertainment, produjo independientemente célebres películas como "Tigerland", "Requiem for a Dream", "The House of Yes", "The Alarmist", "Guinevere" y "Johns". El primer trabajo de Flynn en la industria fue como asistente ejecutivo de Scott Rudin.

CARLTON CUSE (Guión) es uno de los autores-productores más exitosos de la televisión, y actualmente está escribiendo y dirigiendo cuatro series dramáticas: "The Strain", para FX, "Bates Motel" y "The Returned", para A&E, y "Colony" para USA Network.

Cuse creció en Boston, Massachusetts y el Condado de Orange, California. Asistió a la Universidad de Harvard, y se graduó en Historia Estadounidense.

En 2004 Cuse se unió a Damon Lindelof y se desempeñó como encargado de la serie, productor ejecutivo y guionista principal de las seis temporadas de "Lost", en ABC, y ganó muchos premios a lo largo de su emisión. Mientras supervisaba "Lost", Cuse también fue pionero en el desarrollo del primer contenido de transmedia hecho en conjunto con una serie de televisión.

Cuse comenzó su carrera en los largometrajes, ayudando a desarrollar las historias y los guiones de una cantidad de películas de estudios importantes antes de emigrar a la televisión: primero como autor en la serie de Michael Mann "Crime Story", y luego como co-creador y productor ejecutivo de la serie de Fox aclamada por la crítica "The Adventures of Brisco County, Jr.". Luego creó y fue productor ejecutivo de la serie de CBS con altos índices de audiencia "Nash Bridges", con la participación de Don Johnson y Cheech Marin, que duró seis temporadas y 121 episodios. Sus otros créditos durante esta época incluyen crear la serie de CBS "Martial Law", con Arsenio Hall y Sammo Hung.

FX Productions produce "The Strain" para FX Network con la actuación de Corey Stoll. Su segunda temporada se estrenará en verano del 2015. Universal Television produce "Bates Motel" para A&E Network, con las actuaciones de Vera Farmiga y Freddie Highmore. Su tercera temporada se estrenó en marzo del 2015. "The Returned" es una adaptación de la serie francesa ganadora del Emmy Internacional, "Les Revenants", y también se estrenó en A&E en marzo del 2015. "Colony", co-creada por Cuse y Ryan Condal, está producida por Legendary Television y UCP para USA Networks y se estrenará en otoño del 2015.

Cuse ha recibido 10 nominaciones al Emmy por su trabajo y ha ganado 2 Emmys: por Mejor Serie Dramática y por Logro Destacado en Medios Interactivos por "Lost".

Entre sus otros honores, ganó un premio Peabody, un Golden Globe, un premio del Producers Guild, tres premios AFI, el premio Jules Verne, 4 premios Saturn, y un premio del Writers Guild.

En 2010, Cuse fue incluido en la Lista de las 100 personas más influyentes del mundo de Time Magazine.

ANDRE FABRIZIO (Guionista) nació en Milán, Italia, y se crió en Australia, donde se graduó como abogado y practicó brevemente antes de mudarse a Los Ángeles para estudiar cine en la University of Southern California.

Fabrizio comenzó su carrera cinematográfica del lado de la producción, coproduciendo el éxito del Sundance Film Festival "Special", con la actuación de Michael Rapaport, antes de pasar a televisión como productor asociado en el popular programa de Discovery Channel "I Shouldn't Be Alive".

Fabrizio luego formó equipo con su ex alumno de la University of Southern California Jeremy Passmore para escribir varios largometrajes de estudio y programas de televisión, inclusive las recientemente estrenadas "The Price" y "Vice", con la actuación de Bruce Willis. Actualmente tiene varios proyectos en desarrollo y producción.

JEREMY PASSMORE (Guionista) nació y se crió en el estado de Washington, y estudió cine en la University of Southern California

Coescribió y codirigió su primera película, "Special", protagonizada por Michael Rapaport, que se estrenó en el Sundance Film Festival en 2006.

Desde entonces ha trabajado como guionista, y coescribió el drama de acción "Red Dawn" para el productor Dawn" Beau Flynn, así como también películas más recientes como "The Prince" y "Vice", ambas protagonizadas por Bruce Willis.

RICHARD BRENER (Productor ejecutivo) ha sido veterano de New Line Cinema durante más de una década, y actualmente se desempeña como presidente de Producción para la empresa.

Durante su mandato en New Line, Brener ha supervisado y se ha desempeñado como productor ejecutivo en muchas de las películas más exitosas de la empresa, que incluyen el éxito de taquilla como "Sex and the City", "Wedding Crashers", "Austin Powers in Goldmember", "The Wedding Singer", "Monster-in-Law", la franquicia "Final Destination" y "Horrible Bosses". Más recientemente fue productor ejecutivo de "We're The Millers", con la actuación de Jason Sudeikis y Jennifer Aniston, y la secuela de la comedia "Horrible Bosses 2".

A continuación, Brener será productor ejecutivo de la comedia "Vacation", que reexamina al Rusty Griswold adulto y a su familia.

Brener se unió a la empresa como empleado temporal y rápidamente escaló posiciones, desde editor de historia a presidente. Durante el transcurso de su carrera, Brener ha supervisado las relaciones del estudio con gran parte de su talento clave, que incluyen a Adam Sandler, Ben Stiller y el difunto Ted Demme.

Nacido el criado en Short Hills, New Jersey, Brener se graduó en Historia en la Universidad de Yale en 1994.

SAMUEL J. BROWN (Productor ejecutivo) ha sido un ejecutivo en desarrollo para New Line Cinema desde el 2002 y actualmente es vicepresidente sénior de Producción del estudio.

Entre los proyectos de Brown se encuentran la próxima versión de "Vacation", la comedia "Central Intelligence", con Dwayne Johnson/Kevin Hart, el primer largometraje de Key & Peele, "Keanu", y la comedia de Will Ferrell "The House". Recientemente también se desempeñó como productor ejecutivo de la secuela de la comedia "Horrible Bosses 2", el musical de Adam Shankman "Rock of Ages", el éxito mundial "Journey 2: The Mysterious Island", la comedia romántica "New Year's Eve", la comedia "A Very Harold & Kumar 3D Christmas", la comedia "Horrible Bosses", y la exitosa comedia romántica del 2010 "Valentine's Day".

Anteriormente, Brown trabajó como vicepresidente, director de Desarrollo y ejecutivo creativo para New Line, donde supervisó y administró las producciones de "Ghosts of Girlfriends Past", "The Last Mimzy", "Fracture", "Rush Hour 3", "Harold & Kumar Escape from Guantanamo Bay", "Appaloosa" y "Pride and Glory".

MICHAEL DISCO (Productor ejecutivo), ejecutivo de desarrollo que trabaja en New Line Cinema desde el año 2000, actualmente se desempeña como vicepresidente sénior de Producción para el estudio.

Durante todo su cargo ha supervisado la franquicia "Journey", la serie "Harold & Kumar", la exitosa comedia "Horrible Bosses" y, más recientemente, su secuela, "Horrible Bosses 2", desempeñándose como productor ejecutivo. Además, Disco fue productor ejecutivo en las comedias románticas exitosas "He's Just Not That Into You" y "Valentine's Day", así como también la exitosa comedia del 2014 "Tammy".

Anteriormente, trabajó como director de Desarrollo y ejecutivo creativo, cuando supervisó y administró las producciones de "Fracture", "Hairspray" y "Four Christmases".

Disco se graduó en Estudios de Política en la Universidad de Syracuse, un programa conjunto entre la Facultad de Ciudadanía y Asuntos Públicos de Maxwell y la Universidad de artes y ciencias. Es miembro profesional de la BAFTA.

TOBY EMMERICH (Productor ejecutivo) se ha desempeñado como presidente y director de operaciones de New Line Cinema desde el 2008. Anteriormente, tuvo el cargo de presidente de Producción, al cual fue ascendido en enero del 2001, y supervisó el período más exitoso en la historia de la empresa. Recientemente aceptó la responsabilidad también de Warner Bros. Theatre Venture.

Desde que Emmerich tomó el mando de producción, New Line ha estrenado largometrajes tan diversos como el éxito de taquilla ganador del Oscar^® "The Lord of the Rings: Return of the King"; la exitosa comedia, "Wedding Crashers"; "Elf"; "The Notebook"; "Hairspray"; "Sex and the City"; "Journey to the Center of the Earth" y "Journey 2: The Mysterious Island"; "He's Just Not That Into You"; "Four Christmases"; "Valentine's Day"; "Horrible Bosses"; y "17 Again". Sus películas más recientes incluyen los éxitos de taquilla mundiales "The Hobbit: An Unexpected Journey", "The Hobbit: The Desolation of Smaug", y el episodio final de la trilogía, "The Hobbit: The Battle of the Five Armies", estrenado en 2014; así como también los éxitos mundiales "We're the Millers" y "The Conjuring", y la secuela de la comedia "Horrible Bosses 2".

Los próximos proyectos de Emmerich incluyen "Vacation", una reversión de la comedia clásica de los 80 con la participación de Chevy Chase, y la fantasía de acción "Shazam!", Que protagoniza la Dwayne Johnson.

Veterano experimentado en el estudio, Emmerich anteriormente se desempeñó no sólo como presidente de New Line Music sino también como guionista y productor consumado que escribió y produjo el éxito revelación de New Line "Frequency", con las actuaciones de Dennis Quaid y Jim Caviezel.

Emmerich se unió a la empresa en 1992 como doble ejecutivo en desarrollo y música. En su cargo de presidente de Música, supervisó el desarrollo de bandas sonoras que ganaron discos de platino y de oro para películas como "Seven", "Austin Powers: International Man of Mystery", "Austin Powers: The Spy Who Shagged Me", "The Texas Chainsaw Massacre", "Elf", "Friday After Next", "Menace II Society", "Love Jones", "Freddy vs. Jason", "Who's the Man?", "Above the Rim", "The Mask", "Dumb and Dumber" y "Mortal Kombat".

Antes de sus puestos en New Line, Emmerich fue representante de artistas y repertorios en Atlantic Records desde 1987 a 1992. Asistió a la Facultad Calhoun y a la Universidad de Wesleyan, de la cual se graduó Phi Beta Kappa en 1985 con honores en Lengua y concentraciones en clásicos y cine.

ROB COWAN (Productor ejecutivo) es un veterano de la industria con 25 años de trayectoria que ha trabajado en más de 35 producciones en cine y televisión. Como jefe de su propia empresa, POV Productions, el primer proyecto de Cowan fue producir "Righteous Kill" de Jon Avnet, con las actuaciones de Robert De Niro y Al Pacino. También se desempeñó como productor en "The Crazies" de Breck Eisner, con Timothy Olyphant y Radha Mitchell; "So Undercover", con la actuación de Miley Cyrus; "The Chernobyl Diaries" de Oren Peli; el éxito mundial de James Wan "The Conjuring", con la participación de Vera Farmiga y Patrick Wilson; y, la exitosa comedia "Tammy", con la actuación de Melissa McCarthy. Sus próximos proyectos incluyen la muy esperada secuela de "The Conjuring", y "Michelle Darnell", una comedia que lo reunirá con McCarthy, quien protagoniza, escribe y produce.

Cowan comenzó su carrera en Canadá a principio de la década de los 80, trabajando como director adjunto en películas exitosas como "Three Men and a Baby", con Tom Selleck y Ted Danson; "Stakeout", con Richard Dreyfuss y Emilio Estevez; y "Cocktail", protagonizada por Tom Cruise.

Durante esta época, Cowan trabajó en la película de Costa Gavras "Betrayed", con la actuación de Debra Winger y Tom Berenger, producida por Irwin Winkler. Winkler luego le pidió a Cowan que trabajara en "Music Box" de Costa-Gavras, con la actuación estelar de Jessica Lange, y que asistiera en el debut como director de Winkler, "Guilty by Suspicion", con De Niro y Annette Bening. Apenas después de terminar la película de 1990, le pidieron a Cowan que se desempeñara como jefe de desarrollo de Winkler Films.

Cowan coprodujo "Night and the City" de Wrinkler, con De Niro y Lange, y luego tomó las riendas como presidente de Winkler Films. Durante su mandato, produjo "The Net", con Sandra Bullock, que luego él y Wrinkler convirtieron en una serie de televisión para USA Network; "The Juror", con las actuaciones de Demi Moore y Alec Baldwin; "At First Sight",con Val Kilmer y Mira Sorvino; el filme aclamado por la crítica "Life as a House", con Kevin Kline, Kristin Scott Thomas y Hayden Christensen; "Enough" de Michael Apted, protagonizada por Jennifer Lopez; y la biografía de Cole Porter "De-Lovely", protagonizada por Kline y Ashley Judd, que fue seleccionada como película de la noche de cierre del festival de cine de Cannes del 2004. Cowan también fue productor ejecutivo del álbum de la banda sonora, que fue nominado a un Grammy ese año.

También produjo "Marciano" de Showtime, protagonizada por Jon Favreau y George C. Scott y seleccionada como la película de la gala de apertura del festival de Televisión de Monte Carlo, así como también dos películas para el mercado de videos para el hogar: "Shackles", con D. L. Hughley, y una secuela de "The Net", "The Net 2.0", que escribió y produjo. Cowan cerró su época en Winkler Films con la película sobre la guerra de Irak "Home of the Brave", protagonizada por Samuel L. Jackson, Jessica Biel, Christina Ricci y el rapero 50 Cent.

TRIPP VINSON (Productor ejecutivo) es un productor de cine y televisión con más de 15 años de experiencia en la producción de filmes de estudio independientes en los géneros de acción, terror y ciencia ficción. Los créditos de Vinson incluyen éxitos de taquilla como "Journey to the Center of the Earth", "Journey 2: The Mysterious Island", "The Rite", "The Guardian" y "The Exorcism of Emily Rose". En noviembre del 2011 Vinson lanzó su propia compañía de producción, Vinson Films. Más recientemente, Vinson vendió la película de anime japonesa "Vexille", escrita por Evan Spiliotopoulis, y también "Drone", a Lakeshore Entertainment; "High Value Target" a Millennium Films; "Into Africa" a TF1 y Endgame Entertainment; "Variant 13" a Straight Up Films, y el programa de televisión "Intelligence" a CBS, protagonizado por Josh Holloway.

Antes de abrir Vinson Films, Vinson fue socio en ContraFilm, una empresa de producción basada en New Line Cinema que cuenta con una recaudación mundial de más de mil millones de dólares. El primer estreno bajo su marca fue "After the Sunset", con Pierce Brosnan y Salma Hayek y dirigida por Brett Ratner. También producida por Contrafilm, en conjunto con Lakeshore, fue "The Exorcism of Emily Rose", dirigida por Scott Derrickson, que no sólo recaudó más de 150 millones de dólares en todo el mundo, sino que también fue una de las películas más rentables y exitosas del 2005. A principios del 2006, Contrafilm estrenó la película animada por computadora "The Wild", que ha recaudado más de 100 millones de dólares en todo el mundo y, ese otoño, Contrafilm produjo "The Guardian", con Ashton Kutcher y Kevin Costner. En febrero del 2007, en la empresa estrenó el thriller de Jim Carrey "The Number 23", también protagonizada por Virginia Madsen y dirigida por Joel Schumacher.

Contrafilm produjo "Journey to the Center of the Earth", la primera película de acción en vivo en la historia en ser filmada en Digital 3D, que recaudó más de 101 millones de dólares en el país y 241 millones de dólares internacionalmente desde su estreno en el verano del 2008. En otoño del 2008, Contrafilm estrenó su éxito de Sundance "Choke", basada en la novela del aclamado autor Chuck Palahniuk, que protagonizó Sam Rockwell y fue dirigida por Clark Gregg. "The Rite", escrita por Michael Petroni y con la actuación de Sir Anthony Hopkins y Colin O'Donoghue, se estrenó en enero del 2011, y recaudó 96 millones de dólares en todo el mundo. En otoño del 2011, se estrenó "What's Your Number?" con Anna Faris y Chris Evans. "Journey 2: The Mysterious Island", estrenada en febrero del 2012, ha recaudado 335 millones de dólares en todo el mundo. "Red Dawn", con Chris Hemsworth, se estrenó en otoño del 2012, y "Battle of the Year: 3D", basada en el documental "Planet B-Boy", con Chris Brown y Josh Holloway, se estrenó en 2013.

La lista actual de Vinson incluye "Man Behind the Curtain", protagonizada por Chris Hemsworth. También se encuentra desarrollando "Bob: The Musical" y "Terrestrial", así como también "Murder Mystery", con guión de Jamie Vanderbilt, y "Descendant", escrita por Jeff Buhler.

BRUCE BERMAN (Productor ejecutivo) es presidente y director ejecutivo de Village Roadshow Pictures. La empresa tiene una sociedad conjunta exitosa con Warner Bros. Pictures para coproducir una amplia gama de largometrajes, con todos los filmes distribuidos mundialmente por Warner Bros. y en territorios selectos por Village Roadshow Pictures.

La lista inicial de películas producidas bajo el pacto incluyó éxitos como "Practical Magic", con Sandra Bullock y Nicole Kidman; "Analyze This", que unió a Robert De Niro y a Billy Crystal; "The Matrix", protagonizada por Keanu Reeves y Laurence Fishburne; "Three Kings", con George Clooney; "Space Cowboys", dirigida y protagonizada por Clint Eastwood; y "Miss Congeniality", con Bullock y Benjamin Bratt.

Bajo la marca Village Roadshow Pictures, Berman ha sido productor ejecutivo de una amplia gama de éxitos como "Training Day", por la cual Denzel Washington ganó un Oscar^®, la trilogía de "Ocean's"; "Two Weeks' Notice", con Bullock y Hugh Grant; "Mystic River" de Eastwood, con Sean Penn y Tim Robbins en actuaciones ganadoras del Oscar^®; "The Matrix Reloaded" y "The Matrix Revolutions"; "Charlie and the Chocolate Factory" de Tim Burton, con Johnny Depp; el éxito de taquilla "I Am Legend", protagonizado por Will Smith; el aclamado drama "Gran Torino", dirigido y protagonizado por Clint Eastwood; la aventura de acción exitosa del director Guy Ritchie "Sherlock Holmes", con Robert Downey Jr. y Jude Law, y su secuela, "Sherlock Holmes: A Game of Shadows"; y "The Great Gatsby" de Baz Luhrmann, que ganó el premio AACTA a la Mejor Película, uno de 13 premios del Asutralian Film Institute. Más recientemente, Berman se desempeñó como productor ejecutivo en el éxito de taquilla "The LEGO^® Movie", dirigida por Phil Lord y Christopher Miller; el drama "American Sniper" del director Clint Eastwood, un fenómeno de taquilla internacional protagonizado por Bradley Cooper como Chris Kyle, el francotirador más letal de la historia militar de Estados Unidos; y "Mad Max: Fury Road", del cerebro detrás de la legendaria franquicia de "Mad Max", George Miller.

Sus próximos proyectos incluyen la aventura de acción de Ron Howard "In the Heart of the Sea", basado en el best seller de Nathaniel Philbrick sobre el verdadero viaje dramático del barco ballenero Essex.

Berman empezó en la industria del cine trabajando con Jack Valenti en la MPAA mientras asistía a la Facultad de Dderecho de Georgetown en Washington, DC. Tras obtener su título de abogado, obtuvo un trabajo en Casablanca Films en 1978. Al pasar a Universal, trabajó hasta llegar a vicepresidente de producción en 1982.

En 1984, Berman se unió a Warner Bros. Como vicepresidente de producción, y fue ascendido a vicepresidente sénior de producción cuatro años después. Lo designaron presidente de Producción teatral en septiembre de 1989, y en 1191 fue nombrado presidente de Producción mundial, cargo que mantuvo hasta mayo de 1996. Bajo su mandato, Warner Bros. Pictures produjo y distribuyó películas como "Presumed Innocent", "GoodFellas", "Robin Hood: Prince of Thieves", la ganadora del Oscar^® "Driving Miss Daisy", "Batman Forever", "Under Siege", "Malcolm X", "The Bodyguard", "JFK", "The Fugitive", "Dave", "Disclosure", "The Pelican Brief", "Outbreak", "The Client", "A Time to Kill", y "Twister".

En mayo de 1996, Berman inició Plan B Entertainment, una empresa de cine independiente en Warner Bros. Pictures. Lo nombraron presidente y director ejecutivo de Village Roadshow Pictures en febrero de 1998.

STEVE YEDLIN (Director de fotografía) estableció una relación temprana con el director aclamado por la crítica Rian Johnson y los dos han colaborado desde entonces. Sus créditos juntos incluyen la aclamada "Looper", protagonizada por Bruce Willis, Emily Blunt y Joseph Gordon-Levitt; "The Brothers Bloom", que se filmó por toda Europa oriental y cuenta con las actuaciones de Rachel Weisz, Adrien Brody y Mark Ruffalo; y "Brick", que gozó de la aprobación de la crítica en el Sundance Film Festival y ganó el premio especial del jurado por Originalidad de visión. "Brick" también fue nominada para el premio John Cassavetes

en los premios Independent Spirit y para el gran premio especial en el Deauville Film Festival.

Más allá de su trabajo con Johnson, Yedlin también ha firmado muchas películas independientes aclamadas por la crítica, que incluyen "May" de Lucky McKee; "Father of Invention", con Kevin Spacey; el drama de Natalie Portman "The Other Woman"; "Tenure", con Luke Wilson; "Conversations with Other Women", protagonizada por Helena Bonham Carter y Aaron Eckhart, que ganó el premio especial del Jurado en el Tokio International Film Festival; y "Girl Most Likely",con Kristen Wiig y Annette Bening, que se estrenó en el Toronto International Film Festival.

Yedlin también filmó el corto documental nominado al Oscar^® "The Witness from the Balcony of Room 306", un raconto de la muerte del doctor Martin Luther King desde la perspectiva del reverendo Samuel Kyles, que estaba parado junto a King en el momento de su asesinato.

Sus proyectos más recientes incluyen la nueva versión del 2013 del clásico de terror "Carrie", con el director Kimberly Peirce, protagonizada por Chloë Grace Moretz y Julianne Moore, y el largometraje dirigido por Dan Fogelman "Danny Collins", con Al Pacino, Annette Bening y Jennifer Garner. Próximamente, Yedlin tiene previsto desempeñarse como cinematógrafo en "Star Wars: Episode VIII", que será dirigida por Rian Johnson.

BARRY CHUSID (Diseñador de producción) es conocido por darle un lenguaje visual a su trabajo influenciado por su carrera inicial en arquitectura. Sus diseños incluyen futuros ambientales aterradores en los éxitos de taquilla de Roland Emmerich "The Day After Tomorrow" y "2012", un universo espacial de vaqueros para la aventura de ciencia ficción de Joss Whedon "Serenity", y un vistazo a un mundo futuro para el thriller de ciencia ficción de Duncan Jones "Source Code".

Chusid comenzó su carrera en el cine como diseñador de sets, más notablemente en "Wyatt Earp" de Lawrence Kasdan. También ha dirigido el arte de películas como "The Patriot", "Domestic Disturbance", "Se7en", "Mystery Men", "The Thirteenth Floor", "Blade", "Anaconda" y "Last Man Standing", entre otras.

Actualmente está trabajando con Roland Emmerich nuevamente en la próxima "Independence Day Resurgence".

BOB DUCSAY (Editor) trabajó recientemente en la mundialmente exitosa aventura de acción "Godzilla", con el director Gareth Edwards. Sus créditos de edición recientes también incluyen la aventura de fantasía de Bryan Singer "Jack the Giant Slayer" y en aclamados thriller de Rian Johnson "Looper".

Ducsay ha colaborado durante mucho tiempo con el cineasta Stephen Sommers, habiéndose desempeñado como escritor y productor de Sommers en "The Mummy Returns", "Van Helsing" y "G.I. Joe: The Rise of Cobra", además de producir "The Mummy: Tomb of the Dragon Emperor".

Otros créditos de edición de Ducsay incluyen "The Adventures of Huck Finn", "The Jungle Book", "Deep Rising" y "The Mummy". También fue productor ejecutivo del corto ganador del Oscar^® en el 2004 "Two Soldiers".

El nativo de Miami recibió un título universitario de la Universidad de Pennsylvania y una Maestría en Bellas Artes en la Facultad de Artes Cinemáticas de la University of Southern California.

ANDREW LOCKINGTON (Compositor) ha compuesto música para largometrajes y televisión desde 1997. Su banda sonora para "Journey to the Center of the Earth" del 2008 fue aclamada por la crítica mundial y obtuvo los premios a la Música de Cine BMI y SOCAN. También compuso la banda sonora de "City of Ember", producida por Tom Hanks y protagonizada por Tim Robbins, Bill Murray y Saoirse Ronan.

Los proyectos recientes de Lockington incluyen el éxito de taquilla de Thor Freudenthal "Percy Jackson: Sea of Monsters", así como también dos películas para el director Ritchie Mehta: el ministerio de ciencia ficción "I'll Follow You Down" y el drama "Siddharth". Su tarea como compositor para "Journey 2: The Mysterious Island" del director Brad Peyton lo hizo emprender un viaje como mochilero por las selvas distantes de Papúa, Nueva Guinea, para investigar y grabar tambores tribales ancestrales, y le hizo obtener sus segundos premios BMI y SOCAN. Se volvió a unir a Peyton con el próximo thriller "Incarnate". Lockington también compuso e interpretó la canción "Stalking Stars" para el aclamado drama del 2012 de Ben Affleck "Argo".

Anteriormente, compuso la banda sonora ecléctica para la película nominada al Golden Globe "Frankie and Alice", con Halle Berry y Stellan Skarsgaard, y la película de baile y parkour de Rob Adetuyi "Beat the World".

Otros créditos de Lockington como compositor incluyen los éxitos del Sundance Film Festival "Touch of Pink", "How She Move" y "Long Life, Happiness and Prosperity", así como también las favoritas del Toronto International Film Festival "Saint Ralph" y "One Week". Sin embargo, fue innovadora banda sonora orquestal para el thriller dramático del director James Isaac "Skinwalkers" en 2006 lo que le abrió la puerta a varias películas de estudio de grandes presupuestos.

En 2008, Lockington fue nombrado Compositor Innovador del Año en losInternational Film Music Critics Awards.También fue nominado como Revelación del Año en los premios World Soundtrack Awards.

WENDY CHUCK (Diseñadora de vestuario) ha colaborado con algunos de los actores y directores más celebrados de la industria: Jack Nicholson y George Clooney, Amy Poehler y Sandra Oh, Alexander Payne y Matthew Weiner. Con tela, patrones y colores, ha descrito personajes tan diversos como un ciudadano de Montana convencido de que un premio de un millón lo espera en Nebraska, un abogado de Honolulú al que su esposa le ha sido infiel y un estudiante de secundaria intrigante decidido a asegurar su puesto en el Consejo estudiantil.

Chuck obtuvo el premio del Costume Designers Guild 2003 por Excelencia en Diseño de Vestuario Contemporáneo por "About Schmidt" de Alexander Payne, protagonizada por Jack Nicholson. Los miembros del Costume Designers Guild denominaron en la misma categoría en 2012 por "The Descendants", dirigida por Alexander Payne y protagonizada por George Clooney, y en 2014 por "Nebraska", también dirigida por Payne y protagonizada por Bruce Dern. Payne y Chuck han trabajado juntos en todos menos uno de sus largometrajes, que incluyen "Sideways", con Paul Giamatti, y "Election", con Reese Witherspoon.

Diseñó vestuarios para el fenómeno conocido como "Twilight", con Kristen Stewart y Robert Pattinson, así como también la comedia de invasión alienígena de Ben Stiller/Vince Vaughan "The Watch" y, más recientemente, el thriller "Spotlight" del autor/director Thomas McCarthy. Actualmente Chuck trabaja la producción de la comedia "Michelle Darnell", dirigida por Ben Falcone y protagonizada por Melissa McCarthy, que también es autor de productora de la película.

En 1994, el Australian Film Institute nominó a Chuck por Mejor Logro en Diseño de Vestuario por la película de época "Country Life", con Greta Scacchi y Sam Neill.

Entre sus más de 30 créditos cinematográficos encuentran la comedia exitosa "Tammy", que marcó su primera colaboración con Falcone y McCarthy; "Varsity Blues", con Jon Voight; "Bad Santa", con Billy Bob Thornton"; y "The Ring Two", protagonizada por Naomi Watts y Sissy Spacek.

Generalmente las primeras impresiones de las personas y los personajes son visuales, y la forma de arte de Chuck es ayudar a los actores y directores a crear una realidad de tiempo, lugar y emoción que transporta al público al corazón mismo de una película. Capacitada en moda en la Facultad de Arte de Brisbane, refinó sus habilidades como cortadora/ajustadora/modista de vestuario para ABCTV y Opera Australia en Sídney. Antes de ingresar a la producción cinematográfica, fue diseñadora de vestuario en el Museum of the Moving Image de Londres.

El principito, poster latino afiche oficial: Le petit Prince, The Little Prince

2015-06-23T03:05:00.002-03:00

Poster oficial de la distribuidora Argentina para promoción de la película en cines y medios de difusión.

FECHA de ESTRENO

ARGENTINA

20 de AGOSTO 2015

ACLARACIÓN: La fecha de estreno comercial en cines de Argentina puede ser suspendida o modificada en cualquier momento por la distribuidora del film.

Podés verificarla en la cartelera publicada en la parte superior del lateral de este sitio.

ELENCO de VOCES PROTAGONISTA

Rachel McAdams, Marion Cotillard, James Franco.

DIRECCIÓN

Mark Osborne.

Podés encontrar más data sobre la película buscando en el Índice

Ocho apellidos vascos, poster latino afiche oficial

2015-06-28T05:47:00.003-03:00

Poster oficial de la distribuidora Argentina para promoción de la película en cines y medios de difusión.

FECHA de ESTRENO

ARGENTINA

9 de JULIO 2015

ACLARACIÓN: La fecha de estreno comercial en cines de Argentina puede ser suspendida o modificada en cualquier momento por la distribuidora del film.

Podés verificarla en la cartelera publicada en la parte superior del lateral de este sitio.

ELENCO PROTAGONISTA

Dani Rovira, Clara Lago, Carmen Machi y Karra Elejalde.

DIRECCIÓN

Emiliano Martínez Lázaro.

Podés encontrar más data sobre la película buscando en el Índice

Frente al mar: Sinopsis, elenco, ficha, critica: By the sea

2015-11-28T07:39:00.010-03:00

SINOPSIS

By the Sea sigue a un escritor estadounidense llamado Roland (Pitt) y a su esposa, Vanessa (Jolie Pitt), que llegan a un tranquilo y pintoresco centro de veraneo en la década de 1970 en Francia, con su matrimonio en aparente crisis.

A medida que pasan tiempo con otros viajeros, incluyendo los recién casados Lea (Laurent) y François (Poupaud), y los habitantes del pueblo Michel (Arestrup) y Patrice (Bohringer), la pareja comienza a ponerse de acuerdo con respecto a problemas no resueltos en sus propias vidas.

En su estilo y su tratamiento de los temas de la experiencia humana, By the Sea recuerda al cine y teatro europeo de la década de 1960 y 1970, con su estilo de narración concentrado y magro, diálogo sobrio e íntimo, a menudo en un clima inquietante.

Para la producción, se une a Jolie Pitt detrás de escena un equipo que incluye al cineasta CHRISTIAN BERGER (The White Ribbon, The Notebook), que utiliza su Cine Reflect Lighting System para rodar la película; el diseñador de producción JON HUTMAN (Unbroken, It's Complicated); los editores PATRICIA ROMMEL (The Lives of Others,In the Land of Blood and Honey) y MARTIN PENSA (Dallas Buyers Club, Wild); y la diseñadora de vestuario ELLEN MIROJNICK (Wall Street: Money Never Sleeps, The Knick de TV).

CRÍTICA

Frente al mar es una película artísticamente interesante, lánguida y bastante soporífera que será del agrado de un sector muy reducido del público, especialmente aquel que disfruta del cine más bien experimental.

Si su duración fuera muchísimo menor o si la historia se hubiera plasmado en un corto, el resultado final hubiera sido muchísimo más atractivo. Estar viendo por más de dos horas cómo los protagonistas hacen la nada misma (especialmente el personaje de Angelina Jolie) o como espían por un agujero a los habitantes de al lado es realmente monótono y cuando por fin te entusiasmás al ver que llega el momento crucial en el cual se va a aclarar por qué esta pareja tiene tantos problemas, la explicación es tan breve y tan sencilla que tu emoción vuelve a caer en picada.

Muy recomendable sólo para todos aquellos que gustan de las películas "raras" tanto en su estética como en su narración.

Cintia Alviti

En este artículo podés leer porque mis críticas no contienen calificación, sinopsis o detalles técnicos .

Pitt se une en sus tareas de producción, mientras que CHRIS BRIGHAM (Inception), HOLLY GOLINE-SADOWSKI (Unbroken) y MICHAEL VIEIRA (Unbroken) se desempeñan como productores ejecutivos.

Escrita, dirigida y producida por la ganadora del Academy Award^® ANGELINA JOLIE PITT, By the Sea es la tercera película de Jolie Pitt como directora y sigue a la épica del año pasado Unbroken.

La película dramática está protagonizada por BRAD PITT y Jolie Pitt, que son respaldados por un ensamble internacional liderado por MÉLANIE LAURENT (Inglourious Basterds, Now You See Me), MELVIL POUPAUD (Laurence Anyways, The Lady in the Portrait), así como el ganador del César en tres oportunidades NIELS ARESTRUP (The Diving Bell and the Butterfly, The French Minister) y el ganador del César en dos oportunidades RICHARD BOHRINGER (The Cook, the Thief, His Wife & Her Lover, Le grand chemin).

ACERCA DE LA PRODUCCIÓN

Comienza By the Sea

Antes de su debut cinematográfico como directora, In the Land of Blood and Honey, y mucho antes del comienzo de la fotografía en la épica de la Segunda Guerra Mundial de Universal, Unbroken, Angelina Jolie Pitt escribió el guión de By the Sea como una exploración del dolor y el amor.

Jolie Pitt refleja su motivación: "Escribí By the Sea pensando que quería explorar el dolor, ya sea que fuere como algunas personas no han estado expuestas al él, algunas han dejado que se instale, y otras han encontrado formas de superarlo. Todos en esta película representan una forma diferente de abordar ese tema." Habiendo notado eso, inicialmente ella no tenía intención de interpretar uno de los papeles protagónicos. "La escribí antes de comenzar a dirigir películas, así que no fue algo que pensé que Brad y yo alguna vez haríamos juntos. Cuando escribes algo, a menudo ni siquiera tienes conciencia de por qué lo escribes; no es hasta que estás atrapado en él y reaccionas ante él que te das cuenta de que algo te molesta o te afecta. Nunca supuse que realmente la hiciéramos o actuaríamos en ella, así que escribí con cierto grado de libertad."

Jolie Pitt admite que está fascinada por la fluidez de la existencia humana y que eso informó su guión: "Nunca hay solo tragedia o humor en la vida o la pura felicidad de ella. Tiene extremos. Las relaciones también tienen esos extremos. Puedes estar tirada en el suelo llorando y 20 minutos después puedes estar riéndote sobre algo bizarro. Esta película es una versión extrema de eso. Lo que resulta cercano para las personas es que puedes estar absoluta y enloquecidamente enamorado de la misma persona que a veces quisieras matar. Puedes ser atolondrado y tonto, y también deprimido y miserable con ellas. Son las oleadas de una relación. Las cosas que no tienen sentido ni cierran perfectamente, y que fuerzan una libertad como escritor."

A medida que su enfoque como artista viró a detrás de cámara, la atención de Jolie Pitt viró nuevamente al guión. Ella revela: "By the Sea no intenta ser una película comercial. Fue una oportunidad para todos nosotros de experimentar y explorar como artistas y crear algo delicado y especial. Hay libertad en no hacer una película comercial. Puedes ser más audaz y experimentar. Es emocionalmente más desafiante y creativa. Como artista, deseas poder probar cosas y a veces evitar las opciones seguras. Esperamos que las personas que buscan una experiencia cinematográfica diferente y tal vez desafiante puedan disfrutarla."

Se une a Jolie Pitt en las tareas de producción y frente a cámara para By the Sea su esposo Brad Pitt. Él reflexiona sobre la historia y su experiencia: "En el sentido que es escasa y elegante en su narración, Angie ha escrito una película muy europea. Nuestro trabajo como actores es hacerla más personal. De pronto, hacerla tan personal, se vuelve poco clara. Tenemos una historia y respeto mutuo...así como las expectativas de cada uno y nuestra familia. Fue una de las cosas más difíciles que he hecho. Pero al mismo tiempo, tuve mucha libertad, porque podemos experimentar y jugar. Fue, por extraño que parezca, un entorno más seguro que cualquier otro en el que haya estado antes, así que nos relajamos."

Seis personajes toman el centro del escenario en esta historia, y Pitt nos ayuda a repasar los actores clave: "Es una historia sobre múltiples parejas en diferentes etapas de sus vidas. Están Lea y François, una pareja que se acaba de casar y está entusiasmada con las posibilidades del futuro; Michel y Patrice, que, en forma de una amistad, se han endurecido e insensibilizado y ablandado y abierto debido a sus experiencias. Luego están nuestros personajes, Roland y Vanessa, que están en esa etapa en donde la novedad dejó de serlo y todo ha salido a la superficie. Es ese punto en donde pueden atravesar esto y fortalecerse más allá de ese punto o seguir por caminos separados."

Fue esta última pareja la que Jolie Pitt y Pitt finalmente decidieron interpretar en la pantalla. Explorarían las tribulaciones de la segunda etapa del amor, y cómo las parejas lidian con los golpes inesperados que la vida trae a una relación que comenzó con una promesa eterna y no está seguro de hacia dónde va a ir en el futuro.

El director explica la atracción para desarrollar estos personajes: "En las circunstancias de Vanessa y Roland la mayoría probablemente se divorciarían, pero hay una idea central de compromiso con alguien a quien te has dedicado. A veces, el matrimonio no es sencillo, pero sabes que has asumido ese compromiso, tienes una historia y sabes por qué estas con esa persona. Hay comodidad en ello. A menudo, es cierto que una persona desea abandonar más que la otra, y eso lleva a que uno lo mantenga vivo, como hace Roland en nuestra película."

Ambos productores admiten que esta producción les ofreció la oportunidad de redescubrir su amor por el arte de actuar. Jolie Pitt reflexiona: "Ha pasado mucho tiempo como actriz desde que sentí que era libre para crear y jugar, ser irreverente e inapropiado...y un poco fuerte y hacer elecciones audaces. Quería algo en donde pudiera ser audaz y explorar y no tener que encajar en algo que debía venderse de determinada manera."

Poblando el drama

Una vez que Pitt y Jolie Pitt decidieron que interpretarían al novelista Roland con sede en la ciudad de Nueva York y a la ex bailarina Vanessa, los actores/productores comenzaron a avanzar conversaciones sobre los personajes desde el punto de vista teórico y práctico. ¿Cómo podrían darle vida al esposo y esposa que habían estado en esta plácida costa en el sur de Francia en 1973? ¿Qué los había llevado a la Costa Azul y cómo se irían más fuertes de lo que llegaron...o se irían por caminos separados para siempre?

Una pareja lidiando con un dolor inimaginable, que no sabe como manejarlo, y cuyo matrimonio se está poniendo a prueba, Roland y Vanessa aún se aman profundamente. Sin embargo, esta relación se ha visto temporariamente perjudicada por la pérdida, una a la que ambos reaccionan de manera bastante diferente.

Jolie Pitt nos presenta a los protagonistas: "Cuando los conoces, supones que Roland es un matón y un borracho. Piensas que está bastante irritado con Vanessa y se concentra solo en sí mismo y su escritura. También supones que ella está concentrada en su aspecto, no le gustan las personas y está por encima de todo. De hecho, Vanessa está tomando medicación recetada en un momento en el que la mayoría de las personas no sabían ni siquiera qué era la depresión. Entonces, lentamente descubres que hay una razón que los dos están evitando...y una razón que les causa mucho enojo. Han estado sobre algo durante mucho tiempo, y ambos nunca lo han tratado con el otro. Tienen tanto dolor y lo expresan uno a otro. Al ser conscientes y estudiar a otras personas, les permite olvidarse un poco de ellos mismos y hace que se abran para redescubrirse el uno al otro."

El realizador es el primero en admitir que es un tipo diferente de estrés cuando estás del otro lado de la cámara. Ella reflexiona: "Cuando eres una directora que también actúa en la película, tienes muy poca simpatía por tu propio personaje...al menos al principio. Mi primer paso en edición estuvo muy concentrado en los demás personajes, y me llevó un tiempo concentrarme en Vanessa y cómo dejar que ella fuera importante para mí como narradora. Necesité esa distancia por un tiempo para encontrarla."

Por su parte, a Pitt le agradaba ahondar en un personaje tan diferente de sus papeles anteriores. Él explica: "Roland está tratando de imaginar su libro y llegan a este pueblo costero en busca de inspiración. Estoy segura de que tiene visiones de Hemingway en su mente, con su localidad y personajes. Pero su libro finalmente se trata de ellos y sus experiencias...así como el efecto que este tiempo y lugar ha tenido sobre ellos y cómo pueden salir del otro lado."

A medida que Roland comparte tiempo con los habitantes del lugar, trabajando en su libro y devanándose los sesos para saber cómo salir del otro lado de un momento tortuoso en su matrimonio, él encuentra una extraña comodidad en su impotencia. Pitt reflexiona: "Hay un rompecabezas al imaginar esas cosas que se interponen en el camino de tus verdaderos sentimiento con respecto a alguien, realmente de amor. Gran cantidad de inseguridades pasadas, desear algo tanto que te concentras demasiado en perderlo. Entonces, todo esto está en juego."

Analizando la experiencia de trabajar con su esposo fueran de la pantalla, Jolie Pitt expresa con su acostumbrada franqueza: "Tenemos una historia de 10 años, y todo esto alimentó estas actuaciones. Fue difícil. Me di cuenta de que es lo mejor como artista si puedes usar toda la intimidad con tu pareja, desafiar y empujar al otro y luchar por hacer las cosas mejor. Sacas algo del otro que se siente muy diferente."

Los recordatorios constantes de los felices amantes que Vanessa y Roland solían ser son Lea y François, dos jóvenes recién casados que todavía no han experimentado el dolor y la pérdida y sus devastadoras consecuencias. Están en el comienzo de su matrimonio, con una esperanza y posibilidad por delante y unas ansias de uno por el otro que actualmente parece insaciable.

La alegría de vivir de sus vecinos encanta a Roland y Vanessa, pero también los entristece. De hecho, nuestros personajes principales reconocen una calidad que alguna vez tuvieron y están luchando para recuperar. Como una novia reciente, Lea está vertiginosamente entusiasmada por la idea de pertenecer a alguien y busca a su esposo para que le brinde comodidad, guía y consuelo. François está comenzando a entender lo que significa mantener a una pareja, tener la responsabilidad de otra persona y potencialmente de una familia.

La percepción de Lea y François de la amistad de los estadounidenses, y lo que realmente sucede entre el cuarteto, es significativamente diferente. Pitt explica la importancia de los personajes en la historia: "Roland y Vanessa están buscando subir la cuesta del dolor. Específicamente, Roland está buscando reconectarse porque él la está perdiendo. Los vecinos de al lado son un dispositivo, al menos momentáneo, que les permite a nuestros personajes comenzar a sentir como que están reconstruyendo cierto asomo de lo que alguna vez fueron."

El actor francés Melvil Poupaud, que interpreta a François, valoró que By the Sea fuera un estudio deliberado en intimidad. Él nos guía por el escenario del hotel La Moët: "Vanessa y Roland descubren que hay una pareja al lado que es opuesta a ellos. Existe ese 'l'effet de miroir,' como decimos en francés 'efecto espejo.' Lea y François son felices, se ríen, pasan un buen momento, tienen sexo y disfrutan. Ambas parejas pasan las mismas vacaciones, pero están en un lugar muy diferente. Una está en el medio de una gran crisis, y la otra está comenzando una gran historia, esperamos."

Poupaud se sintió movilizado por cuán rica y entrelazada era la historia, a pesar de su languidez engañosa. "Está este sentimiento de pereza; es el final del verano y no hay muchas personas alrededor", comenta. "Es la mejor forma de tener unas vacaciones muy tranquilas, y ahí es donde transcurre nuestra historia. Fue muy sorprendente cuando leí el guión por primera vez, cuan íntima era y cuán libre fue la escritura. También pensé que era tan valiente por parte de Angie explorar aquellos temas que todas las parejas enfrentan.

Interpretando a su novia en pantalla está la actriz francesa Mélanie Laurent, que también apareció frente a Pitt en Inglourious Basterds. Poupaud ofrece perspectivas en su relación con su coprotagonista: "Estoy muy cerca de Mélanie, ya que la conozco desde hace muchos años. Somos muy amigos, así que las escenas que tuvimos que hacer fueron sencillas para nosotros. Le mostramos a Angie lo que teníamos en mente, y ella nos daba ideas y nosotros probamos cosas diferentes.

Laurent nos presenta a su personaje: "Lea está llena de energía y luz, sonríe todo el tiempo, y tiene una perspectiva de la vida muy inocente. Cuando ella se encuentra con la elegante Vanessa, desea ser como ella. Como una recién casada, desea creer que después de 15 años de matrimonio, aún todo es posible."

Laurent admite que rodar By the Sea se sintió como si estuviera actuando en una obra, no en una locación. Ella elabora: "Es realmente algo importante para una actriz estar en la misma habitación o café todos los días y no tener escenas en el lugar. Se sentía como si estuviéramos actuando en un escenario. Nos olvidamos de la cámara y nos permitimos ser simplemente actores. Cuando Melvil y yo rodábamos escenas en nuestra habitación, la cámara estaba escondida en la pared, así que pasó a ser la pared. No veíamos la cámara ni al equipo, así que estábamos esencialmente solos en el escenario. Nos olvidamos de todos y simplemente actuamos e improvisamos." Ella reflexiona: "Adoro que a Angelina le encanta que sus actores sean libres."

La artista aprecia tener a un director actor que interpreta frente a ella. "Tuvimos mucha libertad en el escenario", advierte Laurent. "Me sentí realmente impresionada porque Angelina actuaba al mismo tiempo que dirigía. Ella dirige a los actores como una actriz; hablamos el mismo idioma. Preguntaba: "¿Necesitas esto? ¿Estás conforme con esto, o deseas hablar sobre eso?"

Dos hombres mayores que han perdido a sus esposas pero han encontrado una apariencia de paz en ello, uno a través de la fe y el otro a través de la resiliencia y el humor, Michel y Patrice son la "pareja" final de la historia. Michel es el dueño del café hotel, Chez Michel, tiene una gran sabiduría sobre las relaciones que le imparte a Roland, a medida que el escritor va al restaurante todos los días para escribir, y beber. Sufriendo por su propia esposa, Michel le enseña a Roland a aceptar el pasado y amar a Vanessa por la mujer que ella es hoy. Por su parte, Patrice, el dueño del hotel, mantiene su dolor en privado y rara vez habla. Como Michel dice de Patrice: "Él nunca mira hacia atrás."

Interpretado por el adorado actor francés Niels Arestrup, Michel le enseña a Roland como es amar a alguien para toda la vida...y le brinda una sabiduría paternal al escritor en permanente lucha. El actor valoró que By the Sea fuera, de hecho, "muchas historias de amor difíciles". Él explica: "Michel es el dueño del único café de la zona, y allí es donde se encuentran todos los personajes. Es un hombre que ha vivido una historia de amor muy intensa con su esposa y está marcado por su reciente fallecimiento y lucha para encontrar un motivo para seguir adelante. No obstante, mantiene una fuerte fe religiosa e intenta ponerse de pie, seguir adelante con su negocio y enfrentar a las personas, a pesar de que está destruido por dentro."

Analizando a su directora, Arestrup sostiene que la película está influenciada "por el corazón y la cabeza de Angelina." Comenta: "Es bastante audaz de parte de ella haber asumido este proyecto experimental bastante incorformista. Pienso que será una gran sorpresa para el público estadounidense y europeo descubrir sus dudas, inseguridades y fragilidad, pero también su coraje y fortaleza para vivir." Dicho esto, Arestrup siente que Jolie Pitt está contando una historia cercana a nivel universal. "Creo que ella ha escrito una historia que es simplemente asombrosa.

¿Podemos sentir la misma emoción de un lado del océano que del otro?

Espero que la respuesta sea afirmativa, y que el público sea sensible a esta aventura.

Analizando sus pensamientos sobre la empresa, Bohringer valora que Jolie Pitt hizo una película "del fin del mundo", una en la que la historia de amor tiene lugar y la búsqueda de deseo está, al final del mundo." Reflexiona: "El pequeño café de Michel está al final del mundo, y también el hotel de mi personaje; hay algo muy crepuscular en esto. Todos caminan por allí llevando sus propios secretos."

Bohringer acuerda con su amigo de larga data, Arestrup, que el trabajo de la directora está lleno de matices y es muy hábil. De su recreación de un período distintivo ambientado en la Costa Azul, reflexiona: "Es una historia de amor que intenta revivirse a sí misma. Como amante del cine, debo admitir que la forma en que trabaja Angelina es bastante sorprendente. Ella sabe hacia donde desea llevarnos. Es curiosa; está en una búsqueda. Al final, es escenario es meramente una base sobre la cual ella construye. Mi personaje, por ejemplo, se construye a medida que avanzamos. Inicialmente, Patrice es un hombre tranquilo, pero a medida que pasaban los días, ella le agregaba capas y lo formaba. Angelina no es simplemente una directora, ella es una verdadera realizadora. Me gusta diferenciar a los dos. Un director es alguien que tiene un rigor estricto. Un realizador es un tono, un punto de vista, que puede lograrse desde el punto de vista técnico y psicológico. Angelina trabaja de manera muy sensible, intuitiva y orgánica.

Francia en la década de 1970:

Locaciones y diseño

By the Sea se rodó durante nueve semanas en la ciudad de Mġarr ix-Xini en la isla de Gozo en Malta, con el café y los exteriores del hotel construidos con vista al maravilloso puerto. Del tiempo de la producción en el país, Pitt comenta: "Teníamos esa sorprendente bahía en Gozo, que se suponía que representaría a Marsella en Francia. El gobierno maltés/de Gozo fue muy amable en permitirnos el acceso."

Con un escenario creado junto al diseñador de producción Jon Hutman, con quien ella había trabajado en Unbroken y In the Land of Blood and Honey, Jolie Pitt decidió ambientar el drama en la década de 1970 porque era una época interesante para la política y el arte; naturalmente, que afectaba a todo en el diseño del escenario. Ella explica el fundamento para seleccionar el período para sus personajes: "Cuando estaba escribiendo, pensé que 1973 fue un momento muy interesante para el mundo, y un momento muy interesante desde el punto de vista creativo."

Aún cuando la producción se filmó en Malta, el escenario se parece a un calanque (una entrada de pared empinada) remota en el sur de Francia. Si bien hoy estaría lleno de diferentes tipos de restaurantes y turistas, en la década de 1970 uno todavía podía encontrar ese tipo de lugares del sur del país, con solo un pequeño albergue que alojaba a pescadores y turistas mezclados en el mismo lugar.

Jolie Pitt sintieron gran libertad con el período que ella eligió. Ella reflexiona: "Es muy claro en películas modernas en donde decimos: "esa es la conducta de una mala persona; esa es la conducta de una buena persona." Tener una excusa para poder ser desagradable y descuidado en una forma muy adulta, con todos los temas que rodean el mal comportamiento, era importante para la película. Se adecua al tiempo en que pensamos que era."

Pitt se ríe, y concuerda: "Bien, supongo que el mal comportamiento no se ha terminado, pero las personas eran un poco más peligrosas, y para nada políticamente correctas, por aquel entonces."

Laurent reflexiona sobre el período y el escenario: "Hay algo sobre la sensualidad y el sexo de principios de la década de 1970 y pienso que Angie deseaba estar alejada de la modernidad para traer algo hermoso a la pantalla. Su personaje mira a las personas hacer los mismos trabajos aquí, todos los días y solos, y eso le permite perderse fácilmente."

Como un microcosmos de descanso de los hastiados neoyorquinos, el sur de Francia les brinda a Vanessa y Roland nuevas energías y oportunidades para momentos de reflexión. Poupaud agrega: "Todos los días, Vanessa mira por la ventana al mismo pescador que sale al mar, intentando ganarse la vida. Ella y Roland comienzan a tener estas figuras simbólicas que los rodean, desde el pescador hasta el anciano en el café y la joven pareja llena de vida."

Con sus largas y ventosas calles, acantilados empinados, pequeño almacén, café íntimo, y maravillosas vistas de la bahía visibles desde cada parte del hotel, el escenario en Goza fue gratificante no solo para los actores, sino también para los artesanos que diseñaron cada aspecto de la producción de By the Sea. Allí, pudieron transportarse a un tiempo y lugar más simple, un tiempo libre de toda la parafernalia y distracciones de la vida moderna.

El nativo francés Arestrup quedó impresionado por lo que el equipo de diseño fue capaz de lograr, y señala: "Este lugar evoca una parte bastante conocida de la región de Marsella llamada les Calanques. Angelina trabajó como una pintora impresionista, y si el sur de Francia realmente se evoca aquí, no creo que el francés de aquel momento se debería reconocer aquí. Estamos en un lugar algo aislado, y allí es donde llegan los dos personajes principales."

La vestuarista Ellen Mirojnick, que diseñó para cine y televisión de cada tipo y período, fue responsable de los sorprendentes conjuntos inspirados en Yves Saint Laurent de Jolie Pitt y Laurent, mientras que al mismo tiempo creó los aspectos de firma de la década de 1970 para Pitt y Poupaud. Laurent murmura que los vestuarios estaban intencionalmente concentrados en el período: "El ánimo de Vanessa se extiende a la ropa de su personaje. Ella usa ropa de fines de la década de 1960 de una época en la que era más feliz. Tal vez ella no desea avanzar."

L'Effet de Miroir:

Cinematografía e iluminación

La línea inicial de By the Sea es: "Hay un motivo por el que los pintores se reúnen en el sur de Francia." Esa perspectiva guió la selección de Jolie Pitt acerca del director de fotografía de la película, Christian Berger. El cineasta ha estudiado durante mucho tiempo la trayectoria de la luz, y ha desarrollado un sistema de iluminación para preservar la belleza de la luz natural para el uso creativo. Esto cambia el método de trabajar en el escenario, y en esta producción, mejoró el período, la locación y el clima.

Jolie Pitt elogia el trabajo del equipo: "Tuvimos un sorprendente equipo de personas, desde Jon Hutman que creó los escenarios hasta Christian Berger que manejó toda la iluminación y la cámara. Hay elegancia y una belleza en eso que nos permitió ser incluso más irreverentes y salvajes, porque tiene algo muy sólido.

El sistema de iluminación no fue invasivo de ninguna manera.

El sistema de Christian es más íntimo. No arregla todas tus imperfecciones, así que te hace ver más humano.

"Había algo sobre este lugar en el tiempo, así como la pesadez del tema, que sabía que quien fuera que lo rodara tenía que sacarnos de lo que conocemos y en un tiempo diferente", continúa. "Él nos tenía que dar algo hermoso. También quería que la película pareciera una obra. Quería que nos pudiéramos mover por cualquier parte en la habitación y rodar...y no estar constantemente iluminados en una caja de luz. Christian tiene este extraordinario sistema que utiliza luz reflectiva. Parece natural. No sabes de donde viene la luz, pero es hermoso."

Su colega concuerda con la evaluación. Pitt dice: "Su sistema es único, y mucho de su trabajo utiliza prototipos. Mirando las cosas cotidianas, sentí una realidad en él, como si estuvieras en una habitación con el sol entrando por la ventana. Dado que el sistema de Christian se trata de luz que rebota y se refleja, obtienes una mayor distancia, te das cuenta que a lo que te has acostumbrado, en el frente técnico, es una luz fuente. Lo compramos y no tuvimos problema con él cuando vemos una película, pero ver una película sin este recurso masivo parece mucho más real."

El sistema C de iluminación de Berger protege la belleza de la luz natural y le da a Jolie Pitt la capacidad de crear un amplio rango de climas con un equipo mínimo. Esto permitió contar con un escenario despejado, que les dio a los actores una nueva libertad dentro de la cual trabajar. Para el director, el sistema C ofreció una flexibilidad antes desconocida. Cambiar la iluminación de una escena durante la puesta era solo cuestión de minutos.

"La luz tiene que venir de un rostro, una figura, un objeto, o incluso un paisaje, no de las lámparas", comenta Jolie Pitt. "En la naturaleza, solo vez la luz si se refleja en superficies de nuestro entorno. Christian respeta la forma en que la luz ocurre en el mundo real y ha creado un sistema que lo imita ingeniosamente. Con menos equipo requerido y menos tiempo empleado, el sistema C también redujo nuestro consumo de energía en aproximadamente 7:1. Me puso muy feliz saber que dejamos una menor huella de carbono durante nuestro rodaje."

Poupaud reflexiona que esa simplicidad en la iluminación se extendió al resto de las decisiones de cámara de Jolie Pitt: "Lo que fue sorprendente para mí fue que Angie dejaría que la cámara rodara durante 10 minutos, y nosotros improvisaríamos antes de la escena que estaba escrita en el guión. Luego, después de hacer la escena, ella dejaría que la cámara rodara cinco minutos más. Para Mélanie y para mí, fue como vivir nuestra vida, y también porque fue tan cerca que no vimos la cámara ni al equipo. Estábamos en esa habitación, así que los dos fumábamos, tomábamos algo, peleábamos y discutíamos. Fue una forma muy simple, pura y antigua de hacer cine que me recordó a las películas de John Cassavetes con Gena Rowland."

Por su parte, Laurent sintió que esas opciones cinematográficas hechas por By the Sea parecieron más como una historia de amor poética. Ella cuenta: "Las tomas son una mezcla de súper sensual, muy cerca de la piel y luego de pronto, tomas largas de estar perdido, solo y lejos."

La producción finalizó, y Jolie Pitt reflexiona sobre la película que ella y su equipo crearon y lo que espera que el público saque de ella. La escritora/directora de By the Sea concluye: "El dolor es parte de la vida, y uno puede enorgullecerse y sentirse cómodo de conocer el dolor y la pena y de aprender cómo manejarlos. Como el pescador de la película, a veces tienes que retroceder y avanzar a través de las mareas de la vida."

Universal Pictures presenta una producción Jolie Pas: Brad Pitt, Angelina Jolie Pitt en By the Sea, protagonizada por Mélanie Laurent, Melvil Poupaud, Niels Arestrup, Richard Bohringer. La música de la película es de Gabriel Yared, y su diseñadora de vestuario es Ellen Mirojnick. Los editores son Patricia Rommel, Martin Pensa, y el diseñador de producción es Jon Hutman. El director de fotografía deBy the Sea es Christian Berger, AAC, BVK, y sus productores ejecutivos son Chris Brigham, Holly Goline-Sadowski, Michael Vieira. El drama es producido por Brad Pitt, p.g.a., Angelina Jolie Pitt, p.g.a. By the Sea está escrita y dirigida por Angelina Jolie Pitt. ©2015 Universal Pictures

ACERCA DEL ELENCO

Uno de los actores de cine más fuertes y más versátiles en la actualidad, BRAD PITT (Roland)también es un exitoso productor de cine con su compañía Plan B Entertainment.

En los últimos años, Pitt ganó un Academy Award^® como productor de 12 Years a Slave, dirigida por Steve McQueen (la película también ganó Oscars^® por el guionista John Ridley y la actriz de reparto Lupita Nyong'o); dirigió a un equipo de cinco tanques en la épica de la Segunda Guerra Mundial de David Ayer Fury; interpreta un papel secundario en The Big Short, una película que también produjo con su placa Plan B; y actualmente está rodando War Machine, una provocativa comedia satírica de David Michôd para Netflix.

En 2013, Pitt protagonizó y produjo una de las 10 películas de mayor recaudación del año, World Word Z para Paramount Pictures. Después de World War Z, Pitt interpretó un papel secundario en The Counselor de Ridley Scott escrita por Cormac McCarthy. Antes de World War Z, Pitt interpretó el protagónico en Killing Them Softly de Andrew Dominik. Esta es la segunda vez que Pitt protagoniza y produce una película de Dominik, la primera fue The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford, por la cual fue nominado como Mejor Actor en el Festival de Cine de Venecia. En 2011, Pitt brindó dos de sus actuaciones más complejas y llenas de matices en Moneyball de Bennett Miller y The Tree of Life de Terrence Malick, películas que también produjo. Pitt ganó el premio de New York Film Critics Circle Award y el National Society of Film Critics Award por ambos papeles. Adicionalmente, Pitt fue nominado para los premios Screen Actors Guild, Globo de Oro y British Academy of Film and Television Arts (BAFTA), así como un Academy Award^® por su trabajo en Moneyball. La película también recibió una nominación como Mejor película al Academy Award^®. Malik ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes por The Tree of Life y la película también fue nominada como Mejor película en los Academy Awards^®. En los años anteriores, Pitt fue nominado al Academy Award^® por su actuación en The Curious Case of Benjamin Button de David Fincher y Twelve Monkeys de Terry Gilliam, por la que ganó un premio Globo de Oro. Pitt también fue nominado a un premio Globo de Oro por sus actuaciones en Legends of the Fall de Edward Zwick y Babel de Alejandro González Iñarritu.

En 2009, Pitt protagonizó en Inglourious Basterds de Quentin Tarantino como el Teniente Aldo Raine y, en 2008, apareció en el thriller de comedia de Joel y Ethan Coen Burn After Reading. Frente a George Clooney, su coprotagonista en Burn After Reading, también apareció en los éxitos de Steven Soderbergh Ocean's Eleven, Ocean's Twelve y Ocean's Thirteen.

Fue el papel de Pitt en la ganadora del Academy Award^® de Scott, Thelma and Louise que primero lo puso frente a la atención nacional. Pitt siguió protagonizando en la ganadora del Academy Award^® de Robert Redford, A River Runs Through It, Kalifornia de Dominic Sena y True Romance de Tony Scott. Pitt también recibió los elogios de la crítica por sus actuaciones en las dos películas de David Fincher. Se7en y Fight Club. Sus otras películas incluyen Mr. & Mrs. Smith de Doug Liman, que fue uno de los mayores éxitos de 2005 y Snatch deGuy Ritchie.

Plan B Entertainment de Pitt ha sido responsable de producir numerosas películas galardonas y exitosas desde el punto de vista comercial, incluyendo The Departed, The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford, The Tree of Life, World War Z, 12 Years a Slave, The Normal Heart y Selma. La próxima pizarra de la compañía incluye The Big Short basada en el libro de mayor venta de Michael Lewis y dirigida por Adam McKay para Paramount Pictures; War Machine de David Michôd para Netflix; The Lost City of Z de James Gray, basada en el libro de mayor venta de David Grann protagonizada por Charlie Hunnam; Lewis and Clark, una serie limitada de HBO; World War Z 2 que será dirigida por J.A. Bayona; así como el desarrollo con una cantidad de realizadores y escritores de marquesina en cine y televisión.

La ganadora del Academy Award^® y la ganadora del Globo de Oro en tres ocasiones ANGELINA JOLIE PITT (Vanessa),es una directora, actriz, guionista y humanitaria que recibió el premio Jean Hersholt Humanitarian en 2013 por su trabajo como Enviada especial para el Alto Comisionado de Naciones Unidas para los Refugiados (ACNUR) y su amplia defensa en temas mundiales.

En 2011, Jolie Pitt hizo su debut como directora con In the Land of Blood and Honey y en 2014 dirigió y produjo la nominada al Oscar^® Unbroken.

Jolie Pitt actualmente dirige First They Killed My Father: A Daughter of Cambodia Remembers, una descripción del genocidio camboyano a través de los ojos de un niño, y es productora ejecutiva de la próxima película animada ambientada en Afganistán,The Breadwinner.

Jolie Pitt más recientemente protagonizó el papel principal de Maleficent de Walt Disney Pictures, basada en la película animada de 1959 del estudio del cuento de hadas "La Bella Durmiente".

Entre los diversos créditos cinematográficos de Jolie se encuentran Changeling de Clint Eastwood, que le valió un Academy Award^®, un premio Globo de Oro, un premio Screen Actors Guild (SAG) Award y nominaciones al premio British Academy of Film and Television Arts (BAFTA); el thriller de acción Phillip Noyce Salt, el thriller de fantasía de Timur Bekmambetov Wanted, Beowulf de Robert Zemeckis, A Mighty Heart de Michael Winterbottom, la historia de Mariane y Daniel Pearl, The Good Sheperd de Robert De Niro, Mr. & Mrs. Smith de Doug Liman y Alexander de Oliver Stone.

Los créditos adicionales de Jolie Pitt incluyen la franquicia Kung Fu Panda; Taking Lives; las aventuras de acción Lara Croft Tomb Raider: The Cradle of Life y Lara Croft: Tomb Raider; Beyond Borders de Martin Campbell, en la que ella interpretó a una trabajadora de ayuda de Naciones Unidas y Gone in Sixty Seconds.

En 1999, Jolie Pitt ganó un Academy Award^®, un premio Globo de Oro, un premio Broadcast Film Critics' Award y un premio SAG como Mejor Actriz de Reparto, entre muchos otros honores, por su actuación en Girl, Interrupted de James Mangold. Ella también apareció en The Bone Collector, Pushing Tin y Playing by Heart de Willard Carroll, que le valió su premio National Board of Review por Actuación Destacada.

Jolie Pitt ganó un premio Globo de Oro y SAG por su actuación en la película de HBO de Michael Cristofer Gia. Recibió un premio Globo de Oro por su papel en la película hecha para televisión de John Frankenheimer George Wallace.

Jolie Pitt es la primera receptora del premio UNCA Citizen of the World Award de la United Nations Correspondents Association y recibió el premio UNHCR Global Humanitarian Action Award en 2005. En 2007, ella se unió al tanque de pensamiento no partidario Council on Foreign Relations. En 2012, ella fue designada Enviada especial de Alto Comisionado de Naciones Unidas para Refugiados António Guterres. En mayo de 2012, Jolie cofundó la Preventing Sexual Violence Initiative, que busca terminar con el uso de la violación como un arma de guerra y ha obtenido el apoyo de más de 155 naciones. En 2014, en una ceremonia en el Palacio de Buckingham, Su Majestad la Reina Elizabeth II le confirió a Jolie Pitt el rango de Honorary Dame Commander of the Most Distinguished Order of Saint Michael and Saint George, por sus extraordinarios servicios para la política exterior británica.

Conocida por su trabajo en cine en su Francia natal, MÉLANIE LAURENT (Lea) captó la atención de la comunidad cinematográfica mundial en 2009 a través de su interpretación de Shosanna Dreyfus en Inglourious Basterds de Quentin Tarantino. Con sus colegas actores de la película, ella compartió el premio Screen Actors Guild Award por Actuación destacada de un elenco en una película. Laurent también fue nominada al premio Empire y obtuvo menciones como Mejor actriz de Online Film Critics Society así como de Austin Film Critics Association.

Laurent ha aparecido en más de 40 películas. Sus créditos cinematográficos incluyen Jusqu'à toi y The Day I Saw Your Heart de Jennifer Devoldère, la última con Michel Blanc; Requiem for a Killer de Jérôme Le Gris; La Rafle de Rose Bosch, también protagonizada por Jean Reno; The Concert de Radu Mihaileanu; Le tueur de Cédric Anger; Paris de Cédric Klapisch; la ganadora de Cannes Days of Glory de Rachid Bouchareb; The Beat That My Heart Skipped de Jacques Audiard; Summer Things deMichel Blanc; The Bridge de Frédéric Auburtin y Gérard Depardieu; y Don't Worry, I'm Fine de Philippe Lioret, por la que ella ganó un premio César (el equivalente al Oscar^® de Francia) y el premio Lumiere. Laurent también fue honrada con el prestigioso Prix Romy Schneider.

En paralelo a su carrera francesa, Melanie continúa interpretando en películas internacionales. Beginners de Mike Mills, también protagonizada por Ewan McGregor; Now You See Me de Louis Leterrier; Enemy de Denis Villeneuve, también protagonizada por Jake Gyllenhaal; Night Train to Lisbon de Billie August; y Aloft de Claudia Llosa.

En 2010, Laurent actuó en teatro en Promenade de Santé de Nicolas Bedos, en la que fue nominada a Mejor recién llegada en los premios Molière.

Laurent escribió y dirigió los cortometrajes À ses pieds y De moins en moins; esta última fue exhibida en el Festival Internacional de Cine de Cannes. Luego dirigió y protagonizó The Adopted, desde su guión original, frente a Denis Menochet.

Su segunda película Breathe fue seleccionada en Cannes en 2014 y fue un éxito crítico.

Los créditos cinematográficos deMELVIL POUPAUD (François) incluyen Victoria; Mad Love; Le Grand Jeu; Tête baissée; Fidelio:

Alice's Odyssey; Lines of Wellington; Laurence Anyways; Mysteries of Lisbon; Les faux-monnayeurs; L'orpheline avec en plus un bras en moins; Hideaway; Black Heaven;The Edge; Crime Is Our Business; Lucky Luke; Speed Racer; The Brøken;Un homme perdu; A Christmas Tale; Towards Zero; Broken English;Time to Leave; Le divorce; Eros Therapy; Feelings;Shimkent hôtel; The Dark Room;The Heart's Root; Le trésor des pirates; A Hell of a Day; Marcel Proust's Time Regained; Les kidnappeurs; Shooting Stars; Genealogies of a Crime; Le journal d'un séducteur;A Summer's Tale; Three Lives and Only One Death;Fado, Major and Minor; Innocent Lies; Élisa; la película de televisión La vie de Marianne; Those Were the Days; À la belle étoile; Boulevard Mac Donald; Archipel; Normal People Are Nothing Exceptional; The Lover; The 15 Year Old Girl; The Insomniac on the Bridge; Dans un miroir; Treasure Island y City of Pirates.

NIELS ARESTRUP (Michel)nació en 1949 de padre danés y madre francesa en Montreuil, Seine-Saint-Denis, Francia.

A principios de sus 20 años, Arestrup comenzó su carrera en teatro y fue instruido por algunos de los entrenadores de actuación más estimados de Europa que incluye a Tania Balachova. En 1973, apareció en su primera película Miss O'Gynie et les hommes fleurs y se lo vio frecuentemente en papeles secundarios en cine y televisión. Arestrup entonces comenzó a interpretar papeles en películas comoThe Future Is Woman (1984),Foreign City (1988) y Meeting Venus (1991), que también protagonizó Glenn Close.

En 2006, Arestrup ganó su primer premio César (Oscar^® de Francia) por Mejor actor de reparto en The Beat That My Heart Skipped de Jacques Audiard, que ganó otros siete Césars incluyendo Mejor película. Al año siguiente, Arestrup dirigió su primera película The Candidate, que protagonizó junto a Yvan Attal y Maurice Bénichou. En 2009, Arestrup se reunió con Audiard en la película A Prophet, que le valió nueve premios César (incluyendo Mejor película, Mejor director y otro premio mejor actor de reparto por Arestrup). La película fue nominada para los premios Mejor película en idioma extranjero en los Globos de Oro y Academy Awards^®. También ganó el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine de Cannes de ese año.

Arestrup ganó otro César como Mejor actor de reparto por su trabajo en The French Minister (2013). Actualmente es el único actor que ha ganado el premio en tres ocasiones.

Otras de sus películas notables incluyen la película nominada al Academy Award^® The Diving Bell and the Butterfly (2007), que ganó el Globo de Oro por Mejor película en idioma extranjero; Sarah's Key (2010); y War Horse (2011), que fue dirigida por Steven Spielberg y obtuvo 6 nominaciones al Academy Award^®, incluyendo Mejor película.

Arestrup acaba de terminar de filmar la muy esperada serie dramática política de Canal+ TV, Baron Noir interpretando el papel del presidente francés.

RICHARD BOHRINGER (Patrice)nació en Moulins, Allier, Francia. Bohringer es un actor y director, conocido por The Cook, the Thief, His Wife & Her Lover (1989), Subway (1985) y Diva (1981).

ACERCA DE LOS REALIZADORES

ANGELINA JOLILE PITT (Escrita y dirigida por/Producida por): VER ARRIBA

BRAD PITT (Producida por): VER ARRIBA

CHRIS BRIGHAM (Productor ejecutivo)comenzó su carrera como gerente de producción de la unidad de películas como Lorenzo's Oil de George Miller, Six Degrees of Separation de Fred Schepisi y Interview with the Vampire de Neil Jordan, protagonizada por Tom Cruise y Brad Pitt.

En 1999, Brigham fue el productor ejecutivo de éxito comercial de Harold Ramis Analyze This protagonizada por Robert De Niro y Billy Crystal y su secuela Analyze That. En 2002, fue el productor ejecutivo de The Count of Monte Christo de Kevin Reynolds.

Brigham luego fue productor ejecutivo para Martin Scorsese en The Aviator (2004) y Shutter Island (2010); para Robert De Niro en The Good Shepherd (2006) protagonizada por Matt Damon; y para Christopher Nolan en el éxito de taquilla aclamado por la crítica Inception (2010).

Notablemente, Brigham fue el productor ejecutivo de la ganadora del Academy Award^® Argo (2012) de Ben Affleck. Más recientemente, Brigham fue el productor ejecutivo de Noah (2014) de Darren Aronosfsky.

Brigham actualmente trabaja en la última película de Ben Affleck, Live By Night.

Además de By the Sea, los créditos cinematográficos de HOLLY GOLINE-SADOWSKI (Productor ejecutivo) incluyen Unbroken y In the Land of Blood and Honey de Angelina Jolie Pitt.

Además de By the Sea, los créditos cinematográficos MICHAEL VIEIRA (Productor ejecutivo) incluyen Unbroken y In the Land of Blood and Honey de Angelina Jolie Pitt.

CHRISTIAN BERGER (Director de fotografía)es un cineasta, director, productor y escritor de numerosos documentales, películas hechas para televisión y documentales. Berger ha trabajado como cineasta para reconocidos directores como Michael Haneke, Luc Bondy, Wolfgang Glück, Stephen Gaghan, Amos Gitai, Peter Sehr, Marie Noelle, János Szász y Angelina Jolie Pitt.

En 2012, Berger recibió la "Golden Camera 300" por su Destacado aporte al arte cinematográfico mundial en el Festival de Cine Manaki Brothers en Bitola, Macedonia. Manaki Brothers es el festival de cine más antiguo del mundo que rinde homenaje al trabajo creativo de los cineastas y celebra los aspectos artísticos visuales del cine.

Por su trabajo en The White Ribbon, Berger fue nominado a un Academy Award^® y fue nombrado cineasta del año en Los Ángeles.

Berger fue el director y cineasta para las películas Raffl, Hanna Monster, Liebling y Mautplatz.

Berger desarrolló el nuevo Cine Reflect Lighting System (CRLS) en colaboración con Bartenbach Lichtlabor. Además de crear nuevas posibilidades estéticas para la cámara, este sistema les brinda a los actores y directores flexibilidad y libertad sin precedentes.

Berger empleó este sistema por primera vez en cierto grado en The Piano Teacher y usó exclusivamente el Cine Reflect Lighting System para rodar las películas Dead Man's Memories, Ne fais pas ça!, Mein Mörder, Hidden, el comercial Mastercard, Disengagement, The White Ribbon, Ludwig II de Michael Haneke, The Notebook de János Szász así como By the Sea.

JON HUTMAN (Diseñador de producción) ha colaborado con la directora Angelina Jolie Pitt desde su primera película, In the Land of Blood and Honey. Recibió una nominación al premio Art Directors Guild por su trabajo en Unbroken,antes de diseñar By the Sea.

Hutman primero trabajó con Jolie Pitt en The Tourist, dirigida por Florian Henckel von Donnersmarck. Sus otros créditos recientes incluyen Need for Speed de Scott Waugh y Rock of Ages de Adam Shankman. Actualmente está diseñando The Mummy, para el director Alex Kurtzman.

Hutman colaboró cuatro veces con la escritora/directora Nancy Meyers en las películas What Women Want, Something's Gotta Give, The Holiday y It's Complicated. Para televisión, fue honrado con un premio Primetime Emmy Award y un premio Art Directors Guild Award por su diseño en el episodio piloto de The West Wing de Aaron Sorkin. Adicionalmente, Hutman produjo y dirigió la serie Gideon's Crossing.

Hutman trabajó en varias películas de Lawrence Kasdan, desempeñándose como diseñador de producción y coproductor en Dreamcatcher y Mumford, diseñador de producción en French Kiss y diseñador de arte en I Love You to Death.

Hutman se desempeñó como diseñador de producción en The Horse Whisperer, Quiz Show y A River Runs Through It de Robert Redford y en The Interpreter de Sydney Pollack. Sus otros créditos cinematográficos incluyen Coyote Ugly de David McNally, Lolita de Adrian Lyne, Nell de Michael Apted, Flesh and Bone de Steve Kloves, Taking Care of Business de Arthur Hiller, Trespass de Walter Hill, Meet the Applegates de Michael Lehmann y el debut como directora de Jodie Foster, Little Man Tate. Obtuvo su primer crédito como diseñador de producción cinematográfica en la favorita de culto Heathers de Lehmann.

Hutman obtuvo un título en arquitectura de la Universidad de Yale, en donde también estudió diseño escénico, pintura e iluminación en la facultad de teatro de la universidad. Regresó a su Los Ángeles natal e ingresó en la industria del cine como asistente en el departamento de arte de The Hotel New Hampshire y luego como vestuarista de escenario en To Live and Die in L.A. Hutman obtuvo créditos como director de arte en Wanted:Dead or Alive, Shag: The Movie y Worth Winning, antes de pasar a diseñar películas por sí mismo.

Nacida en París, Francia en 1956, PATRICIA ROMMEL (Editora)tuvo su éxito como editora de Beyond Silence (1996) de Caroline Link. Otras colaboraciones con Link incluyen Annaluise and Anton (1999), la película ganadora del Oscar^® Nowhere in Africa (2001), A Year Ago in Winter (2008) y Morocco (2013).

Rommel también fue responsable de la segunda película alemana ganadora Oscar^® en los últimos años, The Lives of Others (2006) de Florian Henckel von Donnersmarck. Desde entonces, ella ha trabajado en producciones internacionales: The Last Station, Jane's Journey, The Tourist, In the Land of Blood and Honey, Eyes of a Thief, Umrika y Gloria.

Rommel ha editado más de 50 películas y proyectos de televisión. Ella comenzó su carrera en la industria cinematográfica en 1977, haciendo películas publicitarias y producciones de doblaje. Desde principios de la década de 1980, ella trabajó como editora independiente, en películas y en documentales y enseñó en diversas escuelas de cine alemanas.

Rommel ha recibido numerosas nominaciones y premios por su trabajo: Por Life is All You Get (1997) de Wolfgang Becker, fue nominada por German Camera Award (Deutscher Kamerapreis), y lo ganó en 2005 por Off Beat (Kammerflimmern). Otros créditos cinematográficos incluyen Fire Rider (Feuerreiter) (1997) de Nina Grosse, Emil and the Detectives (2001) de Franziska Buch, Nightsongs (2003) de Romuald Karmakar, French for Beginners (2006) de Christian Ditter. Sus créditos para televisión incluyen Doktor Knock deDominik Graf, My Old Friend Fritz(Mein alter Freund Fritz) de Dieter Wedel y Suddenly Gina de Maria von Heland.

En 2009, Rommel recibió una segunda nominación para el premio German Movie Award por la película de Caroline Link A Year Ago in Winter(Im Winter ein Jahr).

MARTIN PENSA (Editor) fue nominado para un Academy Award^® por Dallas Buyers Club con el director y editor colega Jean-Marc Vallée. Luego, colaboró con Vallée en Wild de Fox Searchlight, protagonizada y producida por Reese Witherspoon.

La colaboración de Pensa con Vallée comenzó en la aclamada obra del realizador Café de Flore, como primer asistente del editor. En la misma película, el Sr. Pensa formó parte del equipo de efectos visuales en Fake Studio, con quien compartió un premio Genie, equivalente al premio Academy Award^® de Canadá, por Mejor logro en efectos visuales. Pensa y Vallée también colaboraron en comerciales.

Atraído por las artes visuales y la música desde temprana edad, Pensa encontró que el cine apelaba a todos sus intereses. Comenzó su carrera como actor infantil en Montreal, y dobló al francés las actuaciones de actores infantiles como Macaulay Culkin y Elijah Wood para los lanzamientos en Canadá de sus películas.

En 2001, Pensa comenzó estudios formales en Los Angeles Film School. Allí, escribió y dirigió cortometrajes; fue el cineasta en obras de otros; y fue editor y editor de sonido en trabajos adicionales. Pensa luego regresó a Montreal y trabajó como director, editor y artista de efectos visuales en cortometrajes, videos musicales y comerciales. En 2007, pasó a ser asistente de edición en Technicolor y luego trabajó en otros estudios de post-producción hasta que se convirtió en un editor de cine independiente de tiempo completo en 2011.

Actualmente, Pensa está editando November Criminals de Sacha Gervasi, protagonizada por Ansel Elgort y Chloë Grace Moretz.

Las raíces creativas deELLEN MIROJNICK (Diseñadora de vestuario)son profundas. Nacida y criada en la ciudad de Nueva York, sus tempranos intereses por las bellas artes, la fotografía y la moda la llevaron a la prestigiosa High School of Music and Art. Después de graduarse, continuó sus estudios de diseño en The School of Visual Arts y Parsons School of Design.

Mirojnick ingresó al mundo de la moda después de Parsons School of Design. Sus instintos orientados a la moda rápidamente la impulsaron a convertirse en una de las diseñadoras más buscadas en el campo. Su talento para crear un estilo jovial au courant reverberó en toda la industria.

No pasó demasiado tiempo antes de que Mirojnick pusiera su mira en Hollywood, comenzando su carrera que ya lleva tres décadas. Como una preeminente diseñadora de vestuario de Hollywood, la pasión de Mirojnick por el diseño contemporáneo ha tenido un impacto en el estilo del cine. El trabajo cinematográfico de Mirojnick exhibió un enfoque sofisticado y eterno de la narración moderna y ha generado personajes icónicos que se han convertido en referencias culturales.

Ella ha sido nominada para los premios British Academy of Film and Television Arts (BAFTA), Primetime Emmy y Costume Designers Guild (CDG). En 1998, recibió un premio Saturn por su trabajo en Starship Troopers y fue honrada con un premio Cutty Sark Menswear por su declaración de elegancia en Wall Street.

La lista de realizadores prominentes para los que Mirojnick ha diseñado incluyen Steven Soderbergh, Steven Spielberg, Oliver Stone, Paul Verhoven, ambos Tony y Ridley Scott y J.J. Abrams.

En 2010, Mirojnick colaboró con el actor James Franco para crear imágenes que fueron incluidas en el libro de arte "Visionaire No. 59: Fairytale." Posteriormente, Mirojnick unió fuerzas con el artista Richard Phillips para crear videos que fueron exhibidos en la Bienal de Venecia de 2011. Gracias a su asociación, Mirojnick continúa como una innovadora en la encrucijada de la moda, el arte y el cine.

Mirojnick ha dado clases en UCLA, la Lincoln Center Film Society, el Directors Guild of America y la Academy of Motion Picture Arts and Sciences. Ha aparecido en notas en diversas publicaciones de moda internacionales, así como en Hollywood Fashion Machine Special Edition: Costume Design. Además, también participó en el libro de diseño "Filmcraft" y en el que se publicará próximamente "Behind the Candelabra."

Su trabajo se ha exhibido en la exposición de 50 diseñadores/50 películas en la Academy of Motion Picture Arts and Sciences, la Bienal de Florencia, Fashion Institute of Design & Merchandising's 2011, 2012, 2013 y 2015 Annual Film y Television Exhibits, y la prestigiosa exposición Hollywood Costume, que se origina en London's Victoria and Albert Museum.

Mirojnick ha recibido dos nominaciones al BAFTA y ha ganado premios Primetime Emmy y CDG por Behind the Candelabra. Recientemente, fue nominada por Costume Designers Guild por la primera temporada de The Knick, que protagoniza Clive Owen. Su trabajo con Soderbergh continuó en la segunda temporada de The Knick. Actualmente, está trabajando con Angelina Jolie Pitt en su próxima película como directora.

GABRIEL YARED (Música de) nació en el Líbano en 1949 y vivió allí durante los sus primeros 18 años. Desde los cuatro hasta los 14 años, asistió a un internado jesuita en Beirut en donde pasó la mayor parte de su tiempo. Junto con sus estudios, aprendió por su cuenta música, practicando en el órgano de la escuela y leyendo el repertorio gracias a la biblioteca musical de los jesuitas. Él era en primer lugar un niño fascinado por lo que escuchaba y pronto se decidió a aprender las técnicas de la composición musical.

El compromiso de Yared con la música rápidamente se convirtió en algo apasionado y exclusivo. Pasó todo su tiempo libre ampliando sus conocimientos musicales. Así, a muy temprana edad, la teoría musical y las notas se convirtieron en algo tan natural para él como el alfabeto. Yared persiguió y nutrió su búsqueda musical leyendo las obras clásicas. Si bien luego se benefició gracias a una formación más académica que le dieron los grandes maestros, sigue siendo un ferviente músico autodidacta, siempre en el camino de un ideal musical, abierto a todo tipo de música.

Desde 1980, dedicó la mayor parte de su tiempo a componer más de 100 músicas originales para cine, y algunas incluso le valieron prestigiosos premios. En 1997, obtuvo un reconocimiento internacional por The English Patient de Anthony Minghella por la que recibió un Academy Award^®, un Globo de Oro y un Grammy.

Coreógrafos incluyendo a Carolyn Carlson, Roland Petit y Wayne McGregor le han pedido a Yared que escriba música para acompañar sus coreografías.

Koblic: Sinopsis, elenco, ficha: Dirigida por Sebastian Borensztein

2016-03-30T02:06:00.003-03:00

SINOPSIS

Kóblic es un film cargado de suspenso, traiciones y crímenes. Narra los tormentosos años de la Dictadura militar de 1976-1983 en el marco de un thriller erótico.

Ricardo Darín interpreta a un ex capitán de la Armada partícipe de los llamados "vuelos de la muerte" donde se arrojaban "subversivos" desde un avión al Río de la Plata.

Tomás Kóblic (Ricardo Darín) es un ex capitán de la Armada que en tiempos de la última dictadura argentina, era participe de "los vuelos de la muerte", denominados así porque arrojaban vivos a los detenidos-desaparecidos al Río de la Plata.

Abandonará informalmente su carrera militar para refugiarse en Colonia Helena, donde la única ley que impera es la del comisario Velarde (Oscar Martínez), un delincuente con uniforme policial, líder de una banda de robo de ganado, y oscuros vínculos con jerarcas militares

FICHA TÉCNICA:

Género: Thriller

Idioma: Español

Formato: Digital 4K

Duración: 92 min

Dirección: Sebastián Borensztein.

Guión: Sebastián Borensztein y Alejandro Ocon.

Asistente de dirección: Adriana Vior.

Director de fotografía: Rolo Pulpeiro.

Edición: Pablo Blanco y Alejandro Carrillo Penovi.

Músico: Federico Jusid.

Dirección de Arte: Darío Feal.

Sonido: Juan Ferro.

Vestuario: Chris Mennella.

Casting: Gabriel Villegas.

Dirección de producción: Félix Rodríguez e Inés Vera.

Productores: Juan Pablo Buscarini, Pablo Bossi, Sebastián Borensztein, Axel Kuschevatzky, Mikel Lejarza y José Ibañez.

Productores Asociados: Eduardo Giana, Javier Beltramino, Juan Gonzalez del Solar, Martín Kweller y Mercedes Gamero.

Productores delegados: Hernán Kweller y Fernando Abadi.

Productora ejecutiva: Bárbara Factorovich.

Productoras: Pampa Films (ARG) y Gloriamundi Producciones (ESP).

En coproducción con: Telefe, DIRECTV y Endemol Argentina.

En asociación con: Atresmedia y Palermo Films.

Distribución: Buena Vista International.

Venta Internacional: Filmsharks

Elenco protagónico: Ricardo Darín, Oscar Martinez, Inma Cuesta.

Hermanas: Critica: Sisters

2016-05-07T07:32:00.003-03:00

Hermanas es la clásica película sobre fiestas alocadas en la casa de los padres del protagonista de turno donde los destrozos y las locuras están a la orden del día, pero en esta oportunidad la historia tiene una interesante vuelta de tuerca pues no gira en torno a adolescentes.

La química entre Tina Fey y Amy Poehler es excelente, y a pesar de la locura que es el guión, ellas logran brindar credibilidad a las situaciones más disparatadas.

Si todo lo que tiene que ver con la fiesta hubiera durado menos o aportado situaciones nuevas y no ya tan vistas en otras películas de este tipo, el resultado final hubiera sido muchísimo mejor. Es más, lo más logrado es todo lo que no tiene que ver con la "festichola".

Un film repleto de gags y comicidad que te hará pasar un rato super divertido.

Cintia Alviti

Encontrá en este otro artículo sinopsis, ficha y data

En este artículo podés leer porque mis críticas no contienen calificación, sinopsis o detalles técnicos .

Neruda: Sinopsis, elenco, ficha: Dirigida por Pablo Larraín

2017-02-05T06:08:00.004-03:00

SINOPSIS

Es 1948 y la Guerra Fría llega a Chile. En el Congreso, el Senador Pablo Neruda critica al Gobierno y el Presidente pide su desafuero. Le encarga su detención al duro prefecto de la Policía de Investigaciones Óscar Peluchonneau.

Neruda y su esposa, la pintora Delia del Carril, intentan salir del país pero fracasan. Peluchonneau les sigue los pasos de cerca. La única solución es pasar a la clandestinidad.

Pablo Neruda es ahora un poeta convertido en arma. Escribe el Canto General y realiza secretas excursiones nocturnas. La leyenda del poeta perseguido por Peluchonneau crece y en Europa los artistas, liderados por Pablo Picasso, claman por su libertad.

Peluchonneau le pisa los talones y respira su aliento. Cazador y presa se funden. Neruda lo usa para reinventarse. Ser perseguido lo convertirá en un símbolo de la libertad y en una leyenda literaria. Sin embargo, esto no será fácil porque el prefecto no se rendirá y seguirá a Neruda hasta el fin del mundo.El film retrata la vida del poeta durante la época de clandestinidad que vivió a fines de la década de los 40'.

En esta nueva cinta, Larraín, se inmersa en los años de persecución que sufrió el poeta, Pablo Neruda, por el presidente chileno, Gabriel González Videla a fines de los ´40. Protagonizada por Luis Gnecco como Pablo Neruda, Mercedes Moran como su esposa, Delia del Carril y el mexicano Gael Garcia Bernal en el papel del jefe de la policia de investigaciones Oscar Peluchonneau.

La mayoría de los exteriores fueron filmados en la ciudad de Buenos Aires. Constitución fue el barrio elegido por sus trenes de los años ´30 y su estructura antigua, San Telmo, Palermo y Recoleta tambien fueron utilizados como locaciones.

Elenco
Luis Gnecco: Pablo Neruda
Gael García Bernal: Óscar Peluchonneau
Mercedes Morán: Delia del Carril
Diego Muñoz: Martínez
Pablo Derqui: Víctor Pey
Michael Silva: Álvaro Jara
Jaime Vadell: Jorge Alessandri
Alfredo Castro: Gabriel González Videla
Marcelo Alonso: Pepe Rodríguez
Francisco Reyes: Bianchi
Alejandro Goic: Jorge Bellet

FICHA TÉCNICA
Dirigida por: Pablo Larraín
Producida por: Juan de Dios Larraín
Guión: Guillermo Calderón
Dirección de fotografía: Sergio Armstrong
Dirección de arte: Estefanía Larraín
Diseño de vestuario: Muriel Parra
Dirección de Producción: Eduardo Castro
Jefe de sonido: Rubén Piputto

Coproductores

ARGENTINA
AZ Films - Alejandro Zito, Ignacio Rey y Gastón Rothschild
Telefé - Axel Kuschevatzky
CHILE
Fabula - Juan de Dios Larraín
FRANCIA
Funny Balloons - Peter Danner y Renan Artukmac
Reborn Prods - Marc Simoncini
USA
Participant Media - Jeff Skoll y Jonathan King
ESPAÑA
Setembro Cine - Fernanda del Nido y David Sanz.

Brisas Heladas: Sinopsis, elenco, ficha: Dirigida por Gustavo Postiglione

2015-10-29T04:00:00.027-03:00

SINOPSIS

Dos hermanos que llevan vidas problemáticas se encuentran la noche menos indicada. Mabel intenta refugiarse en la casa de su hermano Bruno y esto desencadena una serie de situaciones en donde se mezcla el amor filial y la locura de dos personas que viven al límite.

El film muta desde un registro dramático con toques de comedia hacia una historia típica del género policial, atravesada por condimentos que la acercan a una tragedia clásica.

Datos de Interés

Luego de 6 años Gustavo Postiglione vuelve a estrenar en el circuito comercial una nueva película.

El realizador que en los últimos años se ha dedicado a escribir y dirigir teatro, como así también a realizar algunas producciones para televisión, documentales y films de características más experimentales, vuelve a las salas de cine luego de Días de Mayo (2009), su último largometraje estrenado comercialmente.

BIOFILMOGRAFÍA DE GUSTAVO POSTIGLIONE

Director y guionista de cine, tv y teatro.

Ha realizado más de una docena de films para cine y tv, como así también series y unitarios de televisión.

Es profesor titular de la Carrera de Comunicación Social de la UNR y del Instituto Superior de Cine y Artes Audiovisuales de Santa Fe. También ha sido docente de la Escuela Internacional de Cine y TV de San Antonio de los Baños en Cuba y TEA Imagen.

Entre sus films se destacan la trilogía compuesta por El Asadito, El Cumple y La Peli, y la más reciente Días de Mayo (2009), la serie de televisión La Nieta de Gardel (2011) y el ensayo documental Lejos de París (2013).

En 2004 publicó su libro Cine Instantáneo (editado por la Universidad Nacional de Rosario) y este año se publicó el libro Guiones Cinematográficos (editado por Beatriz Viterbo) con los guiones de su trilogía.

En los últimos años se ha volcado a la dirección de teatro, con sus obras Algo sobre el Amor y Brisas Heladas (que dio origen al film del mismo nombre). Algo sobre el Amor fue estrenada en Rosario (2011), se montó en el teatro Cervantes (Buenos Aires), la sala Haroldo Conti (Buenos Aires) y en Uruguay en el Festival Internacional de Teatro de Punta del Este. Brisas Heladas fue estrenada en Rosario en 2013 y en Buenos Aires en el Teatro El Cubo en 2014.

Actualmente alterna la dirección de cine con las puestas teatrales y se encuentra terminando la post producción de un film de género llamado Perra Negra vs. El Caballero de la Noche. A su vez se encuentra escribiendo un guión junto a Gastón Pauls. En 2016 estrenará su obra de teatro Obra Imprecisa y tiene previsto rodar un film policial inspirado muy libremente en el caso Nisman, del cual ya concluyó el guión y que será filmado en Rosario con un elenco de figuras muy conocidas.

Sobre Brisas Heladas

Brisas Heladas es una película basada en la obra de teatro del mismo nombre, escrita y dirigida por Gustavo Postiglione.

El elenco está conformado por actores rosarinos -como es habitual en sus películas- sumado a figuras nacionales e internacionales. Entre los locales se destacan los protagonistas María Celia Ferrero y Juan Nemirovsky, este último formó parte del elenco del film Días de Mayo y ha trabajado en las últimas obras de teatro de Postiglione. Y Ferrero se incorporó al equipo del director en su trabajo para el Bicentenario (mi) Historia Argentina, para luego ser la protagonista de la mini serie La Nieta de Gardel que Postiglione dirigió para la TDA. Ferrero, al igual que Nemirovsky, también formó parte del elenco de las propuestas teatrales del director. A estos actores se suman Gastón Pauls y Norman Briski, viejo amigo de Gustavo Postiglione con quien ha trabajado en varios proyectos, entre cine y televisión. Gastón Pauls se sumó al film como uno de los personajes principales de la historia. Postiglione le propuso a Pauls que se incorpore a Brisas Heladas a partir de un proyecto en el que están trabajando de manera conjunta para producir en el próximo año.

Y como novedad, Brisas Heladas cuenta con la participación de la cantante y actriz franco uruguaya Elli Medeiros.

LA MÚSICA DE BRISAS

En este film, Postiglione también participó de la composición e interpretación de parte de la música junto a músicos amigos. Uno de esos temas fue compuesto a medias con Elli Medeiros, quien a su vez aportó su voz a la banda sonora.

Acerca de Elli Medeiros

Elli comienza su carrera como la voz de Los Stinky Toys, banda pionera del punk francés que tocó junto a The Clash y The Sex Pistols. En los 80 y 90, ya saliendo de la escena punk, se transforma en icono del pop-rock francés e inicia su carrera como actriz trabajando en más de 30 films, entre los que se cuenta Apres luí, junto a Catherine Denueve y Leonera de Pablo Trapero, entre otras. Ha participado en diversas bandas sonoras de films en su condición de cantante, entre las que se cuenta la película Femme Fatale de Brian De Palma, quien fuera pareja de Elli.

ELENCO

María Celia Ferrero

Juan Nemirovsky

Gastón Pauls

Norman Briski

Elli Medeiros

EQUIPO TÉCNICO

Guión y Dirección: Gustavo Postiglione

Producción Ejecutiva: Fernanda Taleb

Jefa de Producción: Roxana Bordione

Asistente de Dirección: María Elia Rodríguez / Camilo Postiglione

Dirección de Fotografía: Héctor Molina

Vestuario: Ramiro Sorrequieta / Ana Julia Manaker

Dirección de Arte: Ana Julia Manaker

Sonido: Carlos Rossano / Iván Tarabelli,

Música Original: Iván Tarabelli / Gustavo Postiglione

Edición: Lucio A. García / Gustavo Postiglione

Género: Drama Policial

Producida por Gustavo Postiglione y Fernanda Taleb para 2779 Home Movies

Distribuye: Aura Films

El transportador recargado: Sinopsis, elenco, ficha: The transporter refueled

2015-10-29T04:00:00.026-03:00

SINOPSIS

Frank Martin, interpretado por el joven actor Ed Skrein, es un ex mercenario de operaciones especiales que vive tranquilamente - o al menos eso piensa- transportando paquetes secretos para gente cuestionable.

Cuando su padre (Ray Stevenson) lo visita en el sur de Francia, su tiempo juntos se ve interrumpido. Frank es interceptado por una femme fatale, Anna (Loan Chabanol) y sus tres compañeras con las que está orquestando el robo bancario del siglo.

Frank debe utilizar su experiencia y su conocimiento de autos veloces para vencer a un líder criminal ruso y al grupo de hermosas mujeres que busca venganza.

De los productores de "Lucy" y la trilogía "Búsqueda Implacable", EL TRANSPORTADOR 4 es una fresca personificación del icónico Frank Martin, que actualiza la franquicia trayendo acción y velocidad a nueva generación.

FICHA TÉCNICA

Titulo Original:
The Transporter Refueled

Género:
Acción - Crimen - Thriller

Director:
Camille Delamarre

Guionista:
Adam Cooper

Bill Collage

Luc Besson

Robert Mark Kamen

Música Original:
Alexandre Azaria

Editor:
Julien Rey

Director de Fotografía:
Christophe Collette

Diseño de Producción:
Hugues Tissandier

Dirección de Arte:
Gilles Boillot

Dominique Moisan

Stéphane Robuchon

Thierry Zemmour

Productores:
Luc Besson

Mark Gao

Año:
2015

Idioma:
Inglés

País:
Francia - China - Bélgica

Duración:
96 minutos

Elenco:

Ed Skrein

Ray Stevenson

Loan Chabanol

Gabriella Wright

Tatiana Pajkovic

El regalo: Sinopsis, elenco, ficha, critica: The Gift

2015-09-27T23:35:00.010-03:00

SINOPSIS

¿Puedes realmente pasar la vida sin dañar a nadie? Aunque no sepas cómo o a quién, seguramente alguien a quien lastimaste jamás te olvidará.

Simon (Jason Bateman) y Robyn (Rebecca Hall) son un joven matrimonio cuya vida va según sus planes, cuando reaparece un viejo conocido de la escuela de Simon.

Al principio, Simon no reconoce a Gordo (Joel Edgerton), pero luego de varios encuentros inesperados y extraños regalos, un horrible secreto sale a la luz después de más de 20 años.

Cuando Robyn descubre lo que verdaderamente ocurrió entre Simon y Gordo, comienza a cuestionarse cuánto conocemos a nuestros seres más cercanos y si los asuntos del pasado quedan realmente en el pasado.

Del productor de "Whiplash" y "The Purge" Jason Blum llega este thriller psicológico que marca el debut como director del aclamado actor y escritor Joel Edgerton ("The Great Gatsby", "Zero Dark Thirty", "Warrior").

CRÍTICA

El regalo es un excelente e inquietante thriller con un guión excelente, al mejor estilo "de los de antes".

El relato te va a sorprender varias veces, ya que cada vez que te parezca que ya tenés claro por donde pasa la cosa, la historia pega un giro inesperado. El desenlace es muy bueno y no deja ningún cabo suelto.

Los tres protagonistas forman un buen equipo actoral que le brinda una mayor cantidad de puntos a este thriller inteligente y que deja bastante que pensar con respecto al daño que hace el bullying.

Un film para no dejar de ver si te gustan los thrillers psicológicos y efectivos.

Cintia Alviti

En este artículo podés leer porque mis críticas no contienen calificación, sinopsis o detalles técnicos .

FICHA

Titulo Original:

The Gift

Género:

Suspenso - Thriller

Director:

Joel Edgerton

Guionista:

Joel Edgerton

Música Original:

Danny Bensi

Saunder Jurriaans

Editor:

Luke Doolan

Director de Fotografía:

Eduard Grau

Diseño de Producción:

Richard Sherman

Dirección de Arte:

Lorin Flemming

Productor:

Jason Blum

Joel Edgerton

Rebecca Yeldham Año:

2015

Idioma:

Inglés

País:

Australia - Estados Unidos

Duración:

108 minutos

Elenco:

Jason Bateman

Rebecca Hall

Joel Edgerton

Allison Tolman

Busy Philipps

Peter Pan, 2015, poster latino afiche oficial: Pan

2015-09-27T10:51:00.005-03:00

Poster oficial de la distribuidora Argentina para promoción de la película en cines y medios de difusión.

FECHA de ESTRENO

ARGENTINA

22 de OCTUBRE 2015

ACLARACIÓN: La fecha de estreno comercial en cines de Argentina puede ser suspendida o modificada en cualquier momento por la distribuidora del film.

Podés verificarla en la cartelera publicada en la parte superior del lateral de este sitio.

ELENCO PROTAGONISTA

Levi Miller, Garrett Hedlund, Hugh Jackman, Rooney Mara, Amanda Seyfried, Adeel Akhtar, Nonso Anozie

DIRECCIÓN

Joe Wright

Podés encontrar más data sobre la película buscando en el Índice