Velarde refiere que desde que Juan Daniel F. Molero, el director, concibió la idea original de Videofilia (y otros síndromes virales) hasta llegar al Festival de Cine de Rotterdam han transcurrido alrededor de tres años. “Prácticamente, en el mismo festival hemos estado trabajando la película y seguramente la trabajaremos un poco más”, dice.

Destaca que la idea de que en la época actual resulta imposible ver y entender la realidad tal como es, que sólo se la puede apreciar y comprender de manera fragmentada. “Posiblemente, este sea el gran tema de la película, la realidad fragmentaria que aliena a los jóvenes y determina su relación con el amor, la soledad, los sueños de su generación, las redes sociales del siglo XXI, etc.”

Velarde anota que cuando Molero le contó la idea, inmediatamente pensó en la cueva de Platón, con sus luces y sombras. “Al final, esta incapacidad de ver la realidad en su totalidad -y ser consciente de nuestra discapacidad al respecto- es un problema humano fundamental que nos ha acompañado desde siempre, pero también que nos ha impulsado hacia adelante, como un intento de completar y explicarnos ese rompecabezas que llamamos vida”.

Videofilia no es la primera experiencia de Velarde como productor. De hecho, uno de sus anteriores proyectos de producción fue premiado en el Festival de Cine de Lima.

Aunque su primera aproximación a esta actividad no fue muy grata, igual está muy agradecido con ella. “Me dio experiencia, me regresó al cine, de alguna manera. Aprendí mucho y puse mi productora en Lima”.

Desde un principio lo que quería era ser director, y lo quiere todavía, pero asegura que ha tomado la coproducción, la producción asociada o la producción ejecutiva como un camino hacia un fin mayor: dirección.

“Sin embargo, en el proceso debo decir que he disfrutado mucho la experiencia porque un productor debe tener los pies en la tierra y tener una visión global del proceso creativo de una película, más allá del presupuesto con el que se cuente”.

Velarde sostiene que en el cine tiene referentes como Fellini, Kubrick, Bergman, Mizoguchi, Woody Allen, entre otros. “Pero en producción ejecutiva o asociada ninguno, porque es uno de los puestos más oscuros de una producción. Por supuesto, como todos los puestos de una película, esencial”.

Acerca de la experiencia de estrenar la película en un Festival como el de Rotterdam, uno de los más prestigiosos del mundo, indica que el certamen ha sido una escuela de cine extraordinaria, sobre todo a nivel de post producción, venta y distribución.

“Hacer cine no se trata sólo de ganas o talento, sino también, y mucho, de saber dar los pasos adecuados, de tocar las puertas adecuadas, de postular y conseguir los fondos y recursos adecuados, de trabajar con compromiso. Finalmente, un poeta puede escribir el mejor poema en una servilleta de papel, nosotros no. La industria en sí misma es un arte que un cineasta debe aprender a manejar si quiere sobrevivir y tener una oportunidad en este competitivo mundo”.

Tras el IFFR, Videofilia comparecerá en el Festival de Cine de Nuevos Horizontes de Polonia, en julio, y en el de Lima Independiente, en junio. Pero la idea es llevar la película a otros festivales y, eventualmente, a salas comerciales.

“Durante el propio Festival de Rotterdam nos propusieron otros festivales y tuvimos nuestros primeros acercamientos con los distribuidores, que esperamos se concreten en las próximas semanas y meses. En el negocio y el arte del cine, la paciencia es fundamental, es el único camino posible, así que en eso estamos”.

En lo inmediato, Velarde apunta a concluir el documental sobre el escritor Isaac Goldemberg y empezar dos más que mantiene en carpeta desde hace al menos un año y pretende incursionar en la dirección cinematográfica y en el guion.

”Ahora, la producción me ha terminado gustando así que si todo sale bien, espero que con los años tener el poder de realizar mis propios proyectos, pero también los proyectos de otros realizadores. Eso sería el mundo perfecto”, dice.

“Me enamoré del fútbol tal como más adelante me iba a enamorar de las mujeres: de repente, sin explicación, sin hacer ejercicio de mis facultades críticas, sin ponerme a pensar para nada en el dolor y en los sobresaltos que la experiencia traería consigo”, ha escrito Nick Hornby.

En su origen, mi relación con el fútbol tuvo que ver también con el amor, pero con el de mis padres.

Para leer la nota completa ingrese en El PortalVoz

Escribe: Horacio Gago Prialé*

La ciudad es un cuerpo vivo. No un cuerpo biológico vivo, sino un cuerpo social que tiene vida social. Un cuerpo que obedece a un orden con tres ejes: espacio privado, espacio ajeno y espacio de todos. Esa es la idea de vida que gustaba a la urbanista canadiense Jane Jacobs (1916 – 2006), autora de culto en temas de ciudad y defensora de la diversidad urbana.

Jacobs defendía la naturaleza dinámica, bullanguera, comercial, repleta de atractivos y pequeños emprendimientos que se podía encontrar en los barrios antiguos de las ciudades norteamericanas antes de la ola planificadora de la segunda mitad del siglo pasado. Con la misma fuerza con la que criticaba los conjuntos habitacionales que promovían las grandes urbanizadoras, repletos de concreto y soledad, la autora afirmaba que “las grandes ciudades eran generadoras naturales de diversidad e incubadoras prolíficas de nuevas empresas e ideas de todo tipo, espacios naturales donde germinaba un inmenso número y tipo de pequeñas empresas”. “¿Ciudad saludable?” se preguntaba: “solamente puede serlo aquella que sea orgánica, espontánea y azarosa”.

En el 2001 Jacobs vaticinaría que en el futuro “crecerían vigorosamente únicamente las ciudades que admitieran diversidad humana y las que convoquen a su vez otras diversidades como la económica y la arquitectural… Las altas concentraciones humanas y apreciable densidad demográfica, sin llegar al hacinamiento, son condiciones necesarias para el florecimiento de la urbe”, decía. En ese mismo tono, lo que distingue a la ciudad es que la vida humana en ese triple espacio aprecia sumamente la proximidad y la diversidad. En la ciudad es vital la coexistencia de muchos y varios emprendimientos, y es esencial la interactividad entre las personas que participan de ese triple espacio. El valor que las mentes de las personas atribuyan al espacio que ocupan en la ciudad será grande o reducido dependiendo de cómo se inserta ese espacio en un esquema de proximidad. En suma: en la ciudad pulula la vida humana, comercial, social, cultural y la proximidad de las relaciones humanas agregan valor a los espacios públicos y privados.

Jacobs no pensaba en la paradoja del deterioro de la infravivienda y la ruina arquitectónica, a la par de la vitalidad que se resiste a desaparecer del Rímac. Pero su forma de comprender las ciudades a partir de su vitalidad y no de su materia inerte resultan de enorme utilidad en el momento de analizar el problema de los tugurios y sus potencialidades inherentes. Por las venas de ese cuerpo social, ahí donde florece la vida a pesar del deterioro, donde se asienta el sentido de pertenencia y se revaloriza la cultura de los pueblos, corre un tipo de fluido social: el derecho.

“Es el derecho vivo” decía Joaquín Costa; son los hechos jurídicos, las relaciones que hacen posible que las personas alcancen en el triple (privado, ajeno y común) propósitos individuales o comunes. Y sin embargo, para lograr esta armonización tiene que haber una condición previa: que las personas, asistidas por el Estado para formalizar y dar seguridad, decidan y garanticen la propiedad de las cosas y de los espacios en base a acuerdos con los demás.

Pero sucede que en la ciudad tugurizada y en el viejo barrio, llenos de vida y bullentes de relaciones, no hay claridad sobre qué pertenece a quién. La posesión de los moradores es tan larga: una, dos tres generaciones, y la ausencia de los dueños, sus hijos o nietos, tan extensa también, que nadie sabe a ciencia cierta si la propiedad les sigue correspondiendo a ellos o a quién. Hasta los antiguos encargados de cobrar las rentas, que antes visitaban las quintas para reclamar los pagos, dejaron de hacerlo hace tiempo. Murieron o caducaron las autorizaciones con las que antes cobraban. Nadie los ha reemplazado. Los datos que se encuentran en los registros públicos sobre la propiedad se encuentran tan desfasados, incompletos e inexactos, que las relaciones que las personas quieren y deben desarrollar sobre esas casas no prosperan ni pueden concretarse. El resultado es la tugurización: el desplome, la ruina, el abandono, el gueto, una ciudad con vida y espacios, pero sin derecho integrado.

*Presidente de ELIS

Telenovelas

Trabajamos en la oscuridad, hacemos lo que podemos
y el resto es la locura del arte.

Henry James

No es que la gente inteligente
no viva los mismos dramas cotidianos
que la gente no inteligente,
sino que los vive y los piensa distinto,
de forma inteligente.

Libros

1

…un libro en el que estuviera lo no pensado
y en donde las cosas más extrañas resultaran naturales y viceversa.

Nilo Espinoza Haro

Ante la multitud agolpada al pie del cerro,
el Libro abrió la boca
y dijo que era un regalo de los dioses.
Nadie pudo imaginarse en ese instante
su progresiva evolución.
Primero su voz resonó en los templos:
transmitió al humano el origen,
las acciones y las cualidades de sus Creadores,
pronunciando ritos, conjuros y plegarias.
Su voz —libresca desde un comienzo—
reemplazó a la memoria del humano,
perfeccionada durante milenios para recordar.
Hablaron a través del libro y para la posteridad,
políticos y gobernantes, sacerdotes y soldados:
Fue un gesto de vanidad, cultivada
y favorecida por sus páginas.
Luego el Libro transcribió cantos
y poemas para la lectura individual,
poniendo sólo al alcance de unos pocos
y en privado lo que en su forma oral
fue disfrutado por todos y en grupo.

2

El libro es la propuesta contra el caos,
es el deber de la memoria y es la conciencia histórica.
Asuntos todos éstos, claves para el judaísmo.

Angelina Muñiz-Huberman

Antes del Libro
existieron numerosos signos
cuya lectura no era segura,
por lo que no había manera
de distinguir lo verdadero de lo falso.
El Libro fue el reflejo de la humanidad
del humano, pero en un espejo distinto.

Literal Publishing, de Houston, Texas, en coedición con la editorial de la Academia Norteamericana de la Lengua Española, acaba de publicar Diálogos conmigo y mis otros, nuevo poemario del novelista y poeta peruano Isaac Goldemberg. Precedidos todos los poemas por uno o mas epígrafes, el primer texto, titulado “Prefacio”, explica la intención del libro: “Estos poemas son el diálogo / que ellos sostienen con los epígrafes / y estos epígrafes son el diálogo / que ellos sostienen con los poemas. / Pero sin saberlo”.

Asimismo, los poemas de este libro, muchos de ellos breves, de corte epigramático, son también el diálogo que el poeta sostiene con otros poetas -de épocas diversas- sobre la creación poética y la poesía misma.

En palabras del poeta y crítico argentino Luis Benítez, “Diálogos conmigo y mis otros ofrece la particularidad de referirse a los grandes temas universales con un lenguaje fluidísimo y fácilmente reconocible por el sello personal de Goldemberg, donde campean por sus fueros el humor y la ironía más refinada, aunque —cabe destacarlo— estos siempre son empleados por el poeta como los recursos mejores para inducir a la reflexión sobre la condición humana, que es uno de los núcleos de sentido de su obra poética”.

“En estos poemas –continúa Benítez- el lenguaje de Goldemberg se expande desde su interioridad hasta abarcar la situación pasada y presente del ser judío y peruano… Goldemberg es uno de los poetas más originales de nuestro tiempo, dotado de un extraordinario manejo de las palabras, puesto al servicio de un humanismo que resiste toda prueba”.

Por su parte, el poeta chileno Oscar Hahn, Premio Nacional de Literatura, afirma que “en los poemas de Diálogos conmigo y mis otros hay una gran sabiduria de la vida y del rol del ser humano en el planeta, expresados en un lenguaje sobrio y reflexivo”.

En palabras del poeta y crítico peruano Miguel Angel Zapata, en Diálogos conmigo y mis otros Isaac Goldemberg “utiliza la ironía, la parodia y el humor mas refinados, para dialogar consigo mismo y con sus otros (escritores, poetas y pensadores en su mayoría peruanos y judíos) acerca de su ser judío y peruano, así como de la historia de sus dos pueblos”.

HOJARASCA

¿Recuerdas cuando tomándome enlazada y
apretándome el talle me dijiste,
no te dejaré nunca porque te amo?
Nunca hasta cuando hayamos caminado todo el trecho claro
y recogido las magnolias y llenado la cesta de cerezas.

He esperado trémula la hojarasca sobre mi pecho tibio.
Han caído secas y el viento se las ha llevado
He esperado a la lluvia, al sol y al agua correr por mis senderos.
Todo ha pasado como rumor de viento seco, desvanecido.
¿Qué hiciste de mis ojos que hoy están tristes?
No hay cerezas, ni magnolias, ni las pajas de mi techo.

Me he juntado con la angustia y ya estoy vieja.
¿Qué haré cuando llegues y me pongas un beso en las mejillas secas?
¿Qué camisa quedará en mis senos?
La de filo azul se ha deshilachado toda
y la rosada está pendiente de las ramas.
¿No estaré fea por lo mucho que he llorado?
Tremenda lucha, feroz carrera.
Quiero estar en el umbral después de muerta todavía.

(Del libro ‘Como cuando se riega jacintos tiernos’, Lancom Ediciones, 2012).

“Kloaka fue un movimiento artístico-literario. Fue también una pasión, una locura de amor. Una hermandad, una secta de iniciados. Una vanguardia peruana andesground: el cometa más brillante que pasó volando por el cielo de la poesía latinoamericana de los 80s”, declara Roger SantiváñezSantiváñez, fundador -en 1982, en Lima- del colectivo de poetas Kloaka.

Los lustros posteriores a la disolución de Kloaka ofrecen testimonio de la consolidación de las voces poéticas de Domingo de Ramos, Mariela Dreyfus, Dalmacia Ruiz-Rosas (aliada principal), -además, claro, de la del propio Santiváñez- y dan cuenta -más allá de las estridencias y las actitudes juveniles- de lo que el colectivo constituia esencialmente.

“Kloaka siempre estuvo en poesía”, dice el autor de El corazón zanahoria (2002). “Para comenzar era un grupo básicamente de poetas, aunque tambien participara un gran pintor como Enrique Polanco. Como poetas entonces, Kloaka fue un taller de poesía, intenso, febril; animado por una discusión permanente, una acuciosa lectura de los poetas que nos interesaban y que compartíamos juntos. Una participación interna de los poemas que íbamos escribiendo: hacíamos lecturas mutuas y nos comentábamos nuestros textos, celebrábamos los hallazgos, soñábamos con escribir la gran poesía que la historia nos exigía. Ojalá lo hayamos logrado o lo estemos consiguiendo. Sólo el tiempo lo dirá”, agrega.

Los poetas José Alberto Velarde, Mary Soto, Guillermo Gutiérrez, Julio Heredia y el narrador Edian Novoa completaban el elenco, en tanto José Antonio Mazzotti fue el otro aliado principal.

Santiváñez deja constancia de que Rafael Dávila-Franco, Rodrigo Quijano, Fernando Bryce, Frido Martin, Bruno Mendizabal y Mario Wong actuaron como compañeros de ruta del movimiento.

En cuanto a la música, el grupo trabó una estrecha relación con cultores del rock y la fusión como Kilowatt, Durazno Sangrando, Delpueblo y Medias Sucias.

Visto desde aquí y ahora, a 30 años de su fundación -ocurrida en medio de una convulsionada sociedad peruana-, Santiváñez percibe que del movimiento Ha quedado el espíritu de la revuelta.

“Ahora Kloaka es el resultado de la obra individual de cada uno de los poetas y artistas que estuvieron involucrados en el movimiento, cuyo valor e importancia es innegable en el concierto de la literatura y las artes en el Perú. No hay distancia ni nostalgia, sino un presente claro en el trabajo real de sus ex-miembros -hoy por hoy- todos reconocidos creadores en el campo de la cultura”, indica.

San Marcos

Los bares, las calles de Lima, al igual que las viviendas de los propios integrantes y las de sus amigos, fueron los escenarios naturales sobre los que se desplazaba el colectivo, pero el marco principal para su actuación fue la Universidad Nacional Mayor de San Marcos.

“San Marcos fue fundamental”, asegura Santiváñez. “No sólo allí fue donde nos conocimos –en el Patio de Letras- quienes formaríamos Kloaka, sino que San Marcos nos dió la formación básica –ideológica- de donde partimos para formular nuestra posición anarquista radical. El núcleo central fundador del movimiento –es decir Mariela Dreyfus, Edián Novoa, Guillermo Gutiérrez y quien responde esta entrevista- fuimos, somos y seremos sanmarquinos de pura cepa”, apunta.

“Definitivamente Kloaka nació por una necesidad histórica. La época lo demandaba –como dice Ezra Pound-. Es decir, nosotros sentimos la urgencia que fundar y organizar un polo de acción y de activismo poético liberador. Creíamos en la liberación de la persona humana, en el Hombre Nuevo del que habló el Che Guevara. Pero ya estábamos decepcionados del comunismo realmente existente, de ahí que planteáramos una posición anarquista hacia la liberación total del individuo, contra toda la opresión de la sociedad, del Estado, de la religión, de la educación, de los convencionalismos y –por supuesto- de las formas estancadas y anquilosadas del arte y la poesía”.

A los jóvenes poetas les tocó experimentar las dramáticas contradicciones que atravesaban la sociedad peruana en la década de los 80s y acerca de ese trance también se pronuncia Santiváñez: “Fueron las contradicciones sociales –concretamente la álgida lucha de clases que se vivía en el Perú de los 80s- lo que hizo posible el surgimiento del movimiento Kloaka. Es decir, la crisis socio-política que se desencadenó después de la caída del reformismo velasquista mediante el golpe fascistoide de Morales Bermúdez, desembocó en el gobierno de Belaúnde elegido por el sistema de la democracia burguesa formal en 1980. Pero Belaúnde no hizo absolutamente nada por resolver los problemas fundamentales del pueblo peruano, sino que profundizó la miseria de la gente sencilla y los trabajadores. Los miembros de Kloaka fuimos sensibles a todo este terrible panorama y buscamos expresar en nuestro arte y literatura lo que estábamos viviendo y padeciendo como parte integrante de la juventud en el seno de las masas explotadas”.

Una performance lúdica

Pero junto a ese paisaje sociopolítico tan inquietante, dentro del propio colectivo hacían erupción las diferencias de criterios y tal vez los choques de egos que condujeron a una ruptura. Los motivos esgrimidos -al menos los de conocimiento público- para las expulsiones de Mary Soto, Guillermo Gutiérrez, Mariela Dreyfus o Julio Heredia suenan en sí mismos a actos poéticos, más que a dictados sectarios u odiosidades.

(Negaron 3 veces seguidas a Nuestro Señor/ como Pedro/ Serán la mofa del pueblo./ El que no computa NO computa/ Así es.)

“Las contradicciones dentro del grupo fueron finalmente procesadas con el llamado Parte de expulsión. Era nuestra manera de llamarles la atención a los patas que –por distintas razones- se habían alejado del Movimiento. Usamos el estilo y la forma de los mini-partidos de la izquierda peruana de esa época, en la cual las facciones en lucha se expulsaban mutuamente. Fue –definitivamente- una performance lúdica en este sentido”, acota.

A la luz de las velas

Si una década antes Hora Zero –fundado por Jorge Pimentel y Juan Ramírez Ruiz- había irrumpido en el terreno de la poesía en el contexto del terremoto socio-político desatado por el reformismo militar de los 70s, el Perú que ve nacer a Kloaka es el de la violencia desencadenada por la acción armada emprendida por Sendero Luminoso. Entonces para muchos jóvenes atentos al entorno se les impuso (leninista o no) la pregunta ¿Qué hacer?

(Cesar Vallejo, enfrentado a otro momento dramático en medio de la guerra civil española y ante el posible desplome de la república, escribió: ‘no sé verdaderamente qué hacer, dónde ponerme; corro, escribo, aplaudo, lloro, atisbo, destrozo’).

“Claro, nosotros estábamos como el sujeto del poema de Vallejo. Observábamos con estupor la violencia desencadenada, tanto por Sendero Luminoso como por las fuerzas armadas del Estado. Pero nuestro camino era el de la poesía. Recuerdo que nos quedábamos a la luz de las velas –durante los apagones- por ejemplo en la casa solitaria de Breña de nuestro querido Maestro y mentor el gran Pablo Guevara, hablando de poesía hasta altas horas de la madrugada. Naturalmente tuvimos varios amigos generacionales que tomaron la vía de la insurrección armada. Pero para nosotros siempre estuvo muy claro que lo nuestro era la poesía. Teníamos un lema interno que rezaba: Jamás cambiaremos nuestra máquina de escribir por ninguna otra que produzca muerte”, afirma.

Las experiencias de las vanguardias

Kloaka absorbió las experiencias de las vanguardias de comienzos del siglo XX -desde Dada hasta el Surrealismo, pasando por puertos intermedios-, la poesía beatnik y el rock, más concretamente las resonancias de la actitud y la estética punk que había irrumpido estruendosamente en el primer mundo un lustro antes.

“Kloaka recogió todo el entero legado de las vanguardias. Desde 1977 nos interesó el punk inglés, básicamente Sex Pistols. Y sentíamos simpatía por la posición anarquista de los sectores más avanzados internacionalmente del movimiento punk. Pero éramos concientes que no podíamos –era absurdo- imitarlos con una plantilla, debido a que el punk había nacido en una concreta realidad europea que no era la nuestra. Lo que podíamos hacer era recoger el espíritu de la revuelta que moraba en su interior: la Anarquía que esencialmente era la marca ideológica del movimiento Kloaka. Esto lo vieron muy claro, ciertos jóvenes simpatizantes de Kloaka, como Fernando Bryce, el joven punk como lo llamaba Polanco; probablemente el primer punk que hubo en Lima.Y también Rodrigo Quijano, ambos de la banda Duranzo Sangrando, así como Edgar Barraza, Kilowatt y su grupo La Kola Rok. Todos ellos participaron en los aquelarres públicos de Kloaka”

El trabajo poético de Santiváñez abarca ya largas décadas y ha conseguido un amplio reconocimiento como su obra personal en el idioma español. Paradójicamente, se diría, el poeta hasta 1984 formo parte de colectividades de creadores como Auki, La sagrada familia, Hora Zero, antes de fundar Kloaka en 1982.

“Mis experiencias colectivas fueron muy importantes. Fundamentales diría yo. Un grupo de poetas amigos en algo de lo más hermoso que puede ocurrirle a uno. Al empezar, una collera de patas poetas nos da una cohesión, un ideal común, la posibilidad de compartir lecturas y proyectos”, dice el autor de Eucaristía (2004).
.
“Cuando yo llegué a Lima –desde mi natal Piura- en 1975 fui acogido por el grupo sanmarquino de profesores que editaban la revista Hipócrita Lector: Marco Martos e Hildebrando Pérez, básicamente. De igual modo fui recibido por Mito Tumi, quien era íntimo de Luis Alberto Castillo, y con ellos fundé la revista Escritura en 1976. Pero antes –desde 1974- yo había tomado contacto con Armando Arteaga, quien me llevó a formar un grupo con Luis La Hoz y Oscar Aragón. Eso ya fue AUKI en 1975. Este mismo año conocí a Edgar O’hara, una especie de líder de los poetas novísimos en la Lima de aquella época. Con él y Luis Alberto Castillo empezamos a reunirnos en un bar de la plaza San Francisco todos los sábados. Enrique Sánchez Hernani, Carlos Lopez Degregori, José Morales Saravia –entre muchos otros- y el narrador Willy Niño de Guzmán. De estas reuniones nació La Sagrada Familia en 1977. Cuando esto terminó fui invitado por Jorge Pimentel a integrarme –junto con la poeta Dalmacia Ruíz Rosas- a Hora Zero en 1980. De aquí salí para fundar Kloaka –junto a Mariela Dreyfus- en 1982”, refiere.

“En cada grupo en el que yo he participado, aprendí muchísimo –tanto a nivel poético como personal- y estoy muy agradecido por haber vivido estas esenciales temporadas para mi formación humana y en poesía”, comenta.

En cuanto al proceso de los afanes de ruptura con el pasado y el dialogo y/o la discusión con la tradición poética indica “Nosotros admirábamos toda la tradición peruana que es insoslayable en el gran río de la poesía latinoamericana. Digamos en síntesis: Valdelomar-Eguren Vallejo. Adán-Oquendo-Abril-Moro-Westphalen. Eielson-Varela-Belli-Guevara. Cisneros-Hinostroza-Martos-Lauer. Pimentel-Ramírez Ruíz-Verástegui. Sin embargo –desde Kloaka- una vez lanzamos un manifiesto parricida contra ciertos poetas emblema de nuestra tradición, porque necesitamos –como se dice en términos freudianos- matar al padre, para crecer y llegar a desarrollar nuestro propio lenguaje personal. En todo caso, fue un gesto radical, como para afirmar lo nuevo que traía la generación del 80. Este manifiesto –por supuesto- no se comprendió y fue duramente criticado. Visto a la distancia, pienso que fue un tanto exagerado, pero para nosotros fue una sincera necesidad en ese crucial momento de 1983.

Una especie de catarsis

Las discusiones y los debates acerca de posiciones y puntos de vista individuales en el interior del grupo versaban sobre lo humano y lo divino, tal y como lo hace cualquier grupo de jóvenes con imaginación creatividad y curiosidad ¿Había temas tabú?

“La verdad que no habían temas tabú. Nosotros –al interior de Kloaka- nos encerrábamos durante varias horas seguidas y nos entregábamos –a la manera de los beatniks- a una especie de catarsis personal y colectiva, exteriorizando todas nuestras vivencias más profundas, incluyendo paltas y sufrimientos de todo tipo; lo cual nos proporcionó una identidad colectiva y una hermandad sin límites en los días sagrados de la fundación de Kloaka”.

Kloaka reconocía un, ‘santoral’, pero eludía caracterizar bestias negras poéticas, a decir de Santiváñez. “No, no teníamos bestias negras. Pero sí un gran santoral en el que estaban –básicamente- todos los poetas radicales de la historia, empezando por los malditos Baudelaire y Rimbaud. Andre Bretón y los surrealistas. Tzara y los dadaístas. Apollinaire y los cubistas. Vallejo y toda la vanguardia latinoamericana. Pound , Eliot, Joyce y todo el modernism anglosajón. Ginsberg y los beats. Frank O’ hara y la escuela de Nueva York. Charles Olson y el grupo Black Mountain. Y también Lautreamont, Artaud,Henry Miller, Octavio Paz, Lucho Hernández. Juan Ojeda, Enrique Molina, Ramos Sucre, Gonzalo Arango y los nadaístas. Jack Kerouac y el antipsiquiatra David Cooper. Pablo Guevara, Hinostroza. Julio Cortázar”, dice.

“Todo tipo de activismo artístico-literario, performático, que cuestionara el orden establecido, captaba nuestra imaginación y fascinaba nuestras mentes, ávidas en el deseo de entregarnos en cuerpo y alma a la transformación del mundo y de nuestras propias vidas”, señala.

Neo-barroco

Santiváñez declara que en la actualidad sigue profundizando en el neo-barroco, “hoy por hoy, la vanguardia más innovadora de la lengua en el ámbito hispánico”.

“Mi poesía ha evolucionado desde el conversacionalismo que me vio nacer, hasta el trabajo de lenguaje –vía la música- que es lo que me atrae en estos últimos tiempos. Actualmente escribo por sonido, es decir, compongo mis versos como si fueran notas musicales. Elaboro sobre la secuencia fónica de la lengua. Y junto los sonidos como un textil –texto- que se va enhebrando en el proceso de construcción del poema”, acota.

Su más reciente libro publicado es Roberts Pool Crepúsculos –su reciente edición venezolana por Monte Ávila- ya que el 2011 salió por vez primera en Lima bajo el sello Hipocampo, en su colección Premio Libros de Poesía Breve.

“Actualmente tengo listo un nuevo libro titulado Virtú. Y este verano que termina ha sido altamente productivo: he estado componiendo varias nuevas series durante mis caminatas por las bucólicas orillas del río Cooper a la vuelta de mi barrio y en algunas incursiones contemplando el Atlántico norte en las playas de Ocean City”, informa el autor de El chico que se declaraba con la mirada (1988).

Homenaje a Pablo Guevara en NYC con Roger Santiváñez, Zachary Payne y Odi Gonzáles

CONOCI a Pablo Guevara en el taller de poesía de la Universidad de San Marcos hacia fines de los 70s. Pablo era el autor invitado de esa semana y se presentó con un morral repleto de poemas. Yo había leído en mi original Piura, costa norte del Perú, su libro ‘Hotel de Cuzco y otras provincias del Perú’ (INC. Lima , 1971) encontrado en uno de mis buceos en la librería Studium de la ciudad del estío. Eso había ocurrido en el verano de 1973 y su lectura me dejó marcado para siempre. Una dicción poundiana se apoderaba del verso, modernizando la expresión poética peruana: “ Mi país enrumba hacia Nacimiento y hacia Extremaunción / a la Gloria de las destrucciones en este Orden atormentado / Aunque hay niños que se arrojan enloquecidos y luchan por los valles / y los viejos dicen que se arrojarían prestos a despanzurrarse / por las inscripciones de sus arcos votivos “.  Por esa misma época leí ‘Kenacort y valium 10’ (HZ. Lima ,1970)  primer libro de Jorge Pimentel –cofundador junto a Juan Ramírez Ruíz del Movimiento Hora Zero- y en una de sus primeras páginas rezaba: ‘A Pablo Guevara y a su primer libro de poesia Hotel del Cuzco y otras provincias del Perú’ aludiendo a que dicho texto situababa una especie de nuevo nacimiento del gran poeta de la generación de 1950. Es decir, la dedicatoria no tomaba en cuenta “Retorno a la creatura” (Madrid, 1957) su primera obra y tampoco las siguientes: “Los habitantes” (La Rama Florida. Lima,1965) ‘Crónicas contra los bribones” (Milla Batres. Lima,  1967). Libros casi inhallables cuando yo me trasladé a Lima –desde mi natal Piura-  en 1975 a estudiar literatura en San Marcos.

Sin embargo encontré “Retorno a la creatura” en la biblioteca familiar de mi compañera de entonces la poeta Dalmacia Ruiz- Rosas, ejemplar con dedicatoria ológrafa de Pablo Guevara a los padres de Dalmacia, el pintor Alfredo Ruiz Rosas y la actriz brechtiana Dalmacia Samohod. Pues bien, allí me encontré con el famoso poema ‘Mi Padre, un zapatero’ y ‘Dos monarcas’, extraordinarios textos de los que yo había oído hablar a mis maestros del taller de poesía Marco Martos e Hildebrando Pérez. Luego conseguiría en librerias de Viejo por el cercado de Lima “Los habitantes” donde está el impactante poema ‘Los burgueses son bestias’ , y tambien ‘Crónicas contra los bribones’, con sus poemas de amor.

Aquella vez del Taller de Poesía Pablo Guevara leyó unos inéditos de sus libros ‘Mentadas de Madre’ y ‘Cosa de Blancos’ y luego para explicar su Arte Poética espetó: “El recipiente cultural poema ha estallado” aludiendo a la absoluta libertad conversacional con la que él había trabajado esos poemas, donde con pericia Pablo Guevara enhebraba una crítica socio-histórico-política a su discurso poético. La consigna lanzada por el poeta caló hondo en el espíritu de varios de los que presenciamos esa lectura.  Y nos dió base para la experimentación en el lenguaje con plenas alas de libertad y armadas –desde entonces- de una poderosa  antiretórica. Porque Pablo era el súmum de la creación viva, el espíritu más inquieto y buscador de la poesía peruana. Una cita del propio Pablo nos dará una idea cabal de lo que trato de decir. En la entrevista que le hizo Jaime Urco : “Sigo soñando siempre con una lengua de todos y no con una lengua exclusiva, entoncs el discurso perdiodístico, el discurso popular, las tradiciones orales,  las conversaciones, las interjecciones, los insultos forman parte, para mi, del lenguaje humano y no creo que haya un lenguaje poético. Creo que la poesía es una contínua transformación y por lo tanto en esa transformación  – o si tú quieres mutación constante – lo que hay es la lengua de todos y no mi lengua “ (En Lienzo # 7. Universida de Lima, 1987) .De allí que circa la admiración que le profesaron los poetas de Hora Zero (por ejemplo Enrique Verástegui escribió un poema- publicado en la revista ‘Azur’ de la Universidad Católica- hacia 1977, en el que desarrolla e intertextualiza los planteamientos de la sección ‘Lo que queríamos demostrar lqqd’ del texto ‘Apis blanco, civa rojo y Europa con los yankees encima’ perteneciente a Hotel del Cuzco); a partir deentonces –decía- Pablo Guevra se convirtió en una suerte de guru totémico para todas las generaciones posteriores.

Asi fue como con mis compañeros generacionales –José Antonio Mazzotti, Dalmacia Ruiz- Rosas, Rafael Dávila-Franco, Raúl Mendizábal, Julio Heredia- nos dedicábamos a visitarlo periódicamente en su casa de la avenida General Varela en Breña (la que había sido la casa de su mamá) y su campestre morada de Pachacamac.  Los bombazos de Sendero Luminoso oscurecían la casita de Breña y nosotros seguíamos conversando de poesía. Algo de ésto está testimoniado en el poema ‘Visión de Guevara’ de José Antonio Mazzotti, incluído en su primer título ‘Poemas no recogidos en libro’. En Pachacamac nos pásabamos el día entero y hasta la madrugada con sendas botellas de vino. El gran Pablo estrenaba sus poemas delante de nosotros, provenientes de libros en proceso ‘Casa de Padrastros’ y ‘Diente(s) de ajo’. Eran textos entrañables como  ‘Cosa de Blancos’, sobre la época del boom económico de Chimbote y el predominio del magnate Luis Banchero Rossi –a nivel mundial- con la explotación de la harina de pescado (que según últimas noticias no era sino la blanca y radiante cocaína) o aquel de Soledad Bravo una mujer trabajadora y empobrecida que –cuasi demente- encadenó a su menor hija a los barrotes de la cama de su cuarto en un callejón de los Barrios Altos de Lima; área del Cercado donde había nacido Pablo y nos contaba de la familia de su padre y Bazzetti y Forero y sus amigos en los alrededores de la Plaza Italia de los Barrios Altos, mientras flotaba en el aire la memoria de Pinglo y sus valses criollos: cito el arranque del emblemático poema ‘Mi padre’: “Tenía un gran taller. Era parte del orbe /Entre cueros y sueños y gritos y zarpazos / él cantaba y cantaba o se ahogaba en la vida / Con Forero y Arteche. Siempre Forero, siempre / con Bazetti y mi padre navegando en el patio / y el amable licor como un reino  sin fin”.

Después de muchos años de silencio, Pablo Guevara publicó finalizando el siglo XX su libro La Colisión formado por 5 volúmenes de poesía. Esta obra obtuvo el Premio Copé de Poesía de Lima y volvió a poner a la orden del día la excelente y rotunda expresión de nuestro querido Pablo. En el 2006  volví a Lima en las vacaciones de verano y encontré al extra-ordinario Pablo en la Feria Internacional del libro . Esto fue en el mes de julio y el poeta de ‘Los ecuestres’, estaba perfectamente bien. Cual no sería mi sorpresa al enterarme algo así como un mes después que estaba hospitalizado. Y aún no me repongo de la honda tristeza que me poseyó cuando en noviembre de aquel 2006 mi amado maestro y compinche de tantas conspiraciones poéticas pasó a la Gloria. Pero en ese interregno escribió el libro que hoy celebramos en versión bilingue de Zachary Payne, ’ Hospital’ , de donde leo estos versos como mi más emocionado homenaje: “ignoran los que llegan a esta inmensa ciudad que aquí tambien llegan como emigrantes…todos somos pasajeros de paso por la tierra…[al mundo nos lo prestan como una pelota por unos instantes y como un agiotista de torva mirada bien ladino cuenta y recuenta las horas minutos y segundos…de nada servirá presentarle nuestro más bello cuerpo o magníficas obras por hacer o terminar…el usurero dice basta y cobra al instante y punto…]”  Sabemos que te cobró entonces Pablo, pero tú le cobraste tambien, mejor dicho ganaste –con tu gran poesía- un lugar en la eternidad.

Soho, 4 de noviembre 2011

El certamen, el mayor en su género en el mundo de habla hispana, se inaugura el 26 de noviembre y concluye el 4 de diciembre. Este año es Alemania el país invitado de honor y el hecho resalta con la presencia de 35 autores de ese país.

EDUARDO CORRALES