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Joe Bonamassa - Blues Deluxe (2003)

noreply@blogger.com (Botafogo) — Sat, 07 Nov 2009 04:51:00 +0000

Al parecer, dijo en una ocasiónStevie Wonder que el viejo blues siempre seguirá fumando un cigarrillo en una oscura esquina y nunca morirá. Músicos como Joe Bonamassa dan validez a esta sentencia.

Bonamassa es un bluesman al más puro estilo Stevie Ray o Eric Clapton,de esa pasta que se forjó en los setenta y que ya no hay. Pero Bonamassa es una exepción más que notable a las nuevas generaciones. No obstante, hay que matizar que su estilo no se basa en la copia clónica de los grandes bluesman guitarreros; su sonido, por el contrario, es original en cuanto a la reverberación de la guitarra (la cual está tratada de una forma limpia, potente y un tanto elástica).
El neoyorquino recupera además una serie de instrumentos que parecían caer en el olvido en las últimas décadas del electric blues (tales como el banjo, trompetas, teclados, e incluso mandolinas ocasionalmente).
La influencia del hard rock en su carrera es innegable (reconoce a los virtuosos Page y Blackmore como sumos maestros), sobre todo el más setentero; la percusión es muy Steppenwolf en ocasiones, para luego seguir los patrones de los primeros albunes de Stevie Ray Vaughan. Este hombre no es un copista del Electric Mudd, este hombre innova y experimenta.
Quizás el "achaque" del que podemos hacernos eco es que la mayoría de las virtudes innovadoras las pierde en directo. Cae en sus conciertos en una imitación teatral de Vaughan (con sombrero incluido a veces) y el bajista sube los graves de una manera sobrecogedora para hacer notas limpias y elimina slap y otras delicadezas. Además, a veces utiliza unas voces muy similares a Clapton.
Pero en definitiva, lo cierto es que aún es joven (tiene 32 años, y la edad media de debut de los bluesman ronda los cuarenta) y puede rectificar aquellos pormenores que quizás ensombrezcan una trayectoria que por el momento se acerca a la perfección.
REDACCION

You Upset Me Baby
Burning Hell
Blues Deluxe
Man of Many Words
Woke Up Dreaming
I Don't Live Anywhere
Wild About You Baby
Long Distance Blues
Pack It Up
Leftovers
Walking Blues
Mumbling Word

Blue Floyd -Begins (2008)

noreply@blogger.com (Botafogo) — Thu, 22 Oct 2009 21:55:00 +0000

Espectacular Tributo Blusero a unos genios de la musica, a escuchar " The Blues Side of Pink Floyd"

Through the crucible of a pioneering, improvisational/blues collaboration by an eclectic mix of acclaimed, contemporary musicians - BLUE FLOYD endeavors to deconstruct the classic compositions of the legendary PINK FLOYD, into their primal, elemental form. As much an homage to the influence of Howlin’ Wolf, Willie Dixon and Muddy Waters as a re-discovery of both FLOYD classics and rarities, BLUE FLOYD plays iconoclastically familiar songs, heard again as if for the first time. "Begins" - features the original line-up of: ALLEN WOODY (bass with GOV’T MULE & ALLMAN BROS. BAND) MATT ABTS (drums with GOV’T MULE & DICKEY BETTS) MARC FORD (guitar with THE BLACK CROWES) JOHNNY NEEL (keyboards with THE ALLMAN BROS.) BERRY OAKLEY (bass & vocals with ROBBY KRIEGER, BLOODLINE)

Matt Abts - drums & percussion
Marc Ford - guitar & vocals
Johnny Neel - keyboardss, harp & vocals
Berry Oakley Jr. - bass, percussion & vocals
Allen Woody - guitar, bass, mandolin, lap steel & vocals

Additional musician :
Slick Aguilar - guitar & vocals on "Beatjam"

Disco Uno

1 - Hall 9000 Intro / Shine On You
Crazy Diamond
2 - Have A Cigar
3 - Fearless
4 - Interstellar Overdrive / Wish
You Were Here
5 - Drums
6 - Set the Controls For The Heart
Of The Sun
7 - Hey You / Another Brick In The
Wall, Pt. 2

Disco Dos

1 - In The Flesh / Sheep
2 - Money
3 - Us & Them / Jam
4 - Young Lust
5 - Beatjam: Come Together
6 - Beatjam: Taxman

Victor Heredia-Taki Ongoy (1986)

noreply@blogger.com (Botafogo) — Tue, 13 Oct 2009 16:49:00 +0000

Taki Ongoy es un algum editado en el año 1986 por Victor Heredia quien nos muestra al movimiento indigena politico y cultural surgido en los Andes Peruanos durante el siglo XVI contra la reciente invasion española.
Esta obra describe la historia de los pueblos originarios de América desde la época precolombina hasta la actualidad, desde la perspectiva histórica de los indígenas oprimidos en lucha por su identidad y su libertad.

Textos del album:

Texto Nº1: Tema introducción, Plática de los sabios y ancianos, 20.000 años patria.

Hubo un tiempo en el que todo era bueno.
Un tiempo feliz en el que nuestros dioses velaban por nosotros.
No habia enfermedad entonces, no habia pecado entonces, no habia dolores de huesos, no habia fiebres , no habia viruela
no habia ardor de pecho no habia enflaquecimiento, sanos viviamos.
Nuestros cuerpos estaban entonces rectamente erguidos.
Pero ese tiempo termino , desde que ellos llegaron con ese odio pestilente y su nuevo dios
y sus horrorosos perros cazadores, sus sanguinarios perros de guerra de ojos extrañamente amarillos, sus perros asesinos.

Bajaron de sus barcos de hierro: sus cuerpos envueltos por todas partes y sus caras blancas y el cabello amarillo y la ambicion
y el engaño y la traicion y nuestro dolor de siglos reflejado en sus ojos inquietos, nada quedo en pie , todo lo arrasaron, lo quemaron
lo aplastaron, lo torturaron, lo mataron . Cincuenta y seis millones de hermanos indios esperan desde su oscura muerte, desde su espantoso
genocidio que la pequeña luz que aun arde como ejemplo de lo que fueron algunas de las mas grandes culturas del mundo, se propague y arda
en una llama enorme y alumbre por fin nuestra verdadera identidad y de ser asi que se sepa la verdad , la terrible verdad de como mataron
y esclavizaron a un continente entero para saquear la plata , el oro y la tierra. De como nos quitaron hasta las lenguas, el idioma y cambiaron nuestros
dioses atemorizandonos con horribles castigos, COMO SI PUDIERA HABER CASTIGO MAYOR QUE EL DE HABERLOS CONFUNDIDOS CON NUESTROS PROPIOS DIOSES
DEJANDO QUE ENTRARAN EN NUESTRA CASA Y TEMPLOS Y VALLES Y MONTAÑAS.

Pero no nos han vencido, hoy al igual que ayer todavia pelamos por nuestra libertad .

TEN CUIDADO DE LAS COSAS DE LA TIERRA
HAZ ALGO, CORTA LEÑA , LABRA LA TIERRA
PLANTA NOPALES , PLANTA MAGUEYES
TENDRAS QUE COMER, QUE BEBER QUE VESTIR.
CON ESO ESTARAS EN PIE, SERAS VERDADERO
CON ESO ANDARAS, CON ESO SE HABLARA DE TI
SE TE ALABARA, CON ESO TE DARAS A CONOCER
SERAS VERDADERO
SERAS VERDADERO
SERAS VERDADERO.

PLATICA DE LOS SABIOS Y ANCIANOS ( NAHUAXL-HUAHATLACOLLI)

Texto Nº2: Encuentro en Cajamarca

No, ciertamente no eran dioses. No eran Viracocha: Cuando pizarro entro al cuzco y junto con el padre Valverde decidieron la muerte de Atahualpa.
A pesar del rescate que pagamos .Equivalente a tres habitaciones repletas de oro, nos dimos cuenta entonces de las verdaderas intensiones de esos
hombres. Pero ya era tarde, la sangre habia comenzado a derramarse y esas primeras y queridas gotas se iban a construir despues en un rio inmenso
que recorreria todo el continente y ya no habria salvacion.

Texto Nº3: Año 1530 - Peste

No habia descanso para nuestro dolor: no solo moriamos
a manos de los conquistadores sino que a nuestras angustias
vinieron a sumarse las enfermedades.
Las pestes como la gripe y la viruela , desconocidas hasta entonces en nuestra tierra,
cayeron sobre nosotros y la muerte no tuvo piedad

Texto Nº4 El Gran Lanzamiento Diaguita (1630-1643)

Don Juan Cahlimin: No fue la nuestra una lucha entre barbaros y civilizados, no lo fue ,
sencillamente pelabamos por nuestros derechos. Todos los indios Diaguitas: abaucanes,malfines,andalgala,yocavil,
calchaquies,luchabamos por la dignidad de nuestra comunidad y contra la crueldad con la que nos trataba el
invasor, en definitiva , luchabamos por nuestra libertad.
Don Juan Cahlimin, el barvo cacique, fue nuestro lider y guia, su sangre es un simbolo para america y la dignidad

[Texto Nº5: Canción por la muerte de Juan Chalimín]

Fueron 140 años de luchas: desde que supimos de la muerte de atahualpa y sufrimos asi mismo las torturas y mutilaciones con que nos castigaban los españoles.
Nos habian prometido la proteccion nada menos que de Dios y nos daban en realidad la tragedia y la persecusion mas atroz.
La guerra mas cruenta tuvo lugar entre los años 1630 y 1643. Finalmente nuestro bravo Juan Chalimin fue apresado y posteriormente asesinado y descuartizado.
Sus miembros fueron enviados para ser expuestos publicamente a distintas ciudades de nuestro territorio para escarmiento y temor de nuestros hermanos.
pero la cabeza en lo alto de una pica sonreira los ojos fieros todavia soñaban con un futuro hermoso de libertad.

[Texto Nº6: Potosí]

Asi ibamos desapareciendo de la faz del continente, lentamente nuestros lideres fueron asesinados y la indianidad esclavizada en las minas de oro
y plata que eran descubiertas y vaciadas impunemente con el esfuerzo y el sudor de nuestros hermanos.
Solamente en Potosi muerieron ocho millones de indios por la ambicion europea ocho millones de muertes es demasiado dolor como para olvidar que fueron
causadas solamente por una sisaciable sed de poder y riqueza.

[Texto Nº7: El dulce alfarero]

Casi cinco siglos de destruccion sistematica y de obliteracion cultural han contribuido a la desaparicion de tumbas centros religiosos poblados y tambien
a la extincion de las artes. No hay excusas para quienes pudieron desde sus lugares tratar de frenar ese proceso de involucion cultural, no hay excusa
por que vastas generaciones hemos crecido en la equivocada creencia que nuestros indios eran seres barbaros y sin inteligencia alguna.
Pero la verdad aflora siempre y alli estan para reafirmar su alto valor estetico algunas muestras del arte ceramico de la escultura en piedra y los
tejidos precolombinos que desde el silencio nos golpean con su callada y misteriosa belleza.
Que hubieramos sido si hubieramos podido ser en toda nuestra plenitud? Podemos todavia sin embargo tratar de reconstruir desde las tinieblas
las historias de los pueblos de los que ni siquiera sus huesos han sido respetados.

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GLOSARIO Y BREVES NOTAS UTILES:

TAKI ONGOY: Movimiento milenarista politico-religioso ( 1560-1572 ) contra la aculturacion española

HUACA: Idolo, lugar sagrado, objeto sagrado.

PACHA: La tierra, el universo , el tiempo

PACHACAMAC: Señor de la tierra

VIRACOCHA: Dios creador y civilizador. Posteriormente se le atribuyo este nombre a los Españoles

MANCO INCA: Padre de Tupac-Amaru. Murio asesinado en 1545 por los españoles. Su cuerpo fue depositado
en el templo del sol al lado de las momias de sus antepasados. resistio en vitcos provincia de vilcabamba que
era el lugar mas sagrado del imperio y tambien el centro de la resistencia INCA desde 1537 hasta 1572 .
Fue manco quien exhorto a los incas a que abandonaran la falsa religion cristiana y volvieran a sus dioses y creencias

CHARQUI: Carne secada con sal

CHICHA: Cerveza de maiz

COYA: ESPOSA DEL INCA

CUMBI: Tejido de lana de vicuña muy preciado

MALLQUIS: Momias de los antepasados

RUNA: Hombre

INTI: DIOS SOL

VALVERDE : Sacerdote que llega al Peru con Pizarro y durante el encuentro en Cajamarca entre el español y el inca
Atahualpa, oficia como representante de la iglesia ofreciendo una biblia al inca para que escuche y respete la palabra
del nuevo dios. Atahualpa al no escuchar nada en el libro que habia llevado a su oido lo arroja al suelo.
Este acto de un inocente que no conoce la escritura y malinterpreta la traduccion de la conversacion es causa
suficiente para provocar la ira de Valverde quien considerando ese acto como una blasfemia acusa de sacrilegio
y salvaje al inca exigiendo su muerte inmediata . Atahualpa es entonces apresado y decapitado. Es el comienzo
del genocidio del Indio.

FRANCISCO PIZARRO: Llego al Peru en 1531. Desato la masacre de Cajamarca donde murieron miles de Peruanos.
Engaño vilmente a atahualpa a quien habia prometido perdonarle la vida si pagaban el rescate en oro que ellos exigian
Este fue pagado pero a pesar de ello el inca fue decapitado sumiendo al Peru en un dolor y desconcierto tran grandes que fue
como si el mundo hubiera acabado junto con el ultimo halito de vida del Inca Atahualpa.

AYA MARCAY QUILLA: Durante esta celebracion que se llevaba a cabo en el mes de noviembre, los indios solian sacar a sus difuntos
de sus sepulturas para exponerlos publicamente: les presentaban alimentos y bebidas los adornaban con suntuosas prendas y plumas y luego
danzaban alrededor de ellos los cargaban en andas por las calles en procesion y los llevaban casa por casa . Los antepasados eran considerados
vivientes durante la fiesta eso atestigua por si solo la creencia ( con independencia de los ritos de duelo ) que entre el pasado y el presente
es posible el transito en los dos sentidos.

TITU-CUSI: Hijo natural de manco. Hermano de Tupac Amaru, asumio en 1560 la jefatura de los indios desidentes y prosiguio braviamente la politica de
resistencia de su padre controlando una gran extension de tierra en las zonas calidas de los andes poniendo en peligro a la dominacion española
sobre el resto del peru. Esta desidencia y la consiguiente sublevacion estan intimamente ligadas al movimiento milenarista TAKI ONGOY . Fue la epoca
del renacimiento de Pachacamac el gran dios indigena.
La viruela lo abatio, pero antes inexplicablemente se rindio a las exigencias españolas aceptando incluso el bautismo. Con su muerte
gran parte de la esperanza nacida en la rebelion desaparecio.

TUPAC-AMARU: Hijo legitimo de Manco. asumio la jefatura del estado neo-inca en 1571 , al morir su hermanastro titu cusi. Su reinado fue muy breve
Francisco de Toledo decidido a pacificar definitivamente el Peru marcho hacia Vilcabamba. Alli fue apresado el gran jefe inca cuando intentaban huir
al pais de los manaris en la selva tropical.
El ultimo Inca cargado de cadenas y llevando todavia el llautu fue escoltado al Cuzco. Entre otros trofeos los españoles traian a Vitcos el cuerpo embalsamado
de Manco y la imagen de oro del sol. Despues de recibir el bautismo Tupac-Amaru fue publicamente decapitado en medio de una muchedumbre aterrada.
Esta muerte es casi un eco de la muerte de atahualpa. El choque sufrido por los indios fue tan profundo en un caso como el otro . La resistencia del peru
habia sido vencida y el resto del continente perdia con esa cultura destruida la oportunidad de un futuro tan esplendoroso como ese pasado que junto con
tupac amaru trataban de enterrar los españoles de la conquista.

JUAN CHALIMIN : JEFE DE LA REBELION DIAGUITA EN LOS VALLES CALCHAQUIES Lucho denodadamente contra la conquista española durante 1630 y 1643. Vencio en varias
oportunidades a las fuerzas comandadas por contreras . Se lo conocio tambien bajo el apodo de "el tigre de los andes" es un simbolo de la lucha
por la libertad americana desconocido sin embargo por una historia que lo ha negado como el heroe que verdaderamente fue. La muerte lo alcanzo luchando
por la libertad de su pueblo , fue descuartizado y cada parte fue a distintas regiones para escarmentar a sus seguidores .

1. Texto nº1:tema introducción - 7:43
2. Taki ongoy - 4:54
3. La puerta del cosmos - 3:07
4. Texto nº2: encuentro en Cajamarca - 2:59
5. Muerte de Atahualpa - 3:33
6. Texto nº3: año 1530-peste - 2:33
7. Aya marcay quilla - 2:13
8. Taki ongoy II - 2:35
9. Muerte de Tupac-Amaru - 4:43
10. Texto nº4: don Juan Chalamin - 2:58
11. Mutilaciones - 3:48
12. La cabeza de Pedro Chumay - 3:25
13. Un pedazo de mi sangre - 2:54
14. Texto nº5: canción por la muerte de Juan - 3:42
15. Texto nº6: Potosí - 3:16
16. Texto nº7: un dulce alfarero - 4:03
17. Ella esta conmigo - 2:45
18. Una tierra sin memoria - 4:12

P.Rey Y sus Redonditos de Ricota-Oktubre (1986)

noreply@blogger.com (Botafogo) — Fri, 02 Oct 2009 19:17:00 +0000

Pese a las explosiones iniciales, el verdadero comienzo del segundo álbum de los Redondos es más bien un advenimiento, la aparición en el horizonte de una tropilla de sobrevivientes después del desastre (¡Chernobyl!). Una escalada sonora rústica le gana terreno a la catástrofe nuclear y a los fuegos de una revolución oscura. Del destape democrático (o su desencanto), ni noticias. Las voces llegan de la agonía de la Guerra Fría y de un futuro de éxodos, terrorismos y sueños teledirigidos. Un disco cyberpunk hecho por hombres de formación beatnik, un catálogo de visiones distópicas puesto en la escena de un presente alterno: unos años 80 que no tienen nada que ver con los raros peinados nuevos ni la posmodernidad. Lo que el Indio Solari –un treintañero que enfrentaba al público de rock en mangas de camisa, pelada oficinesca y bigote montonero– tenía entre manos era un álbum programático, una obra conceptual motorizada por el resentimiento post dictadura (más que ímpetu de liberación, se respiraba el arte de la venganza), las transformaciones tecnológicas a la par de la crisis económica y la paranoia inflamada por el consumo de cocaína. A eso se refería Solari cuando, en diálogo con Rolling Stone, trataba de desmenuzar el sentido de “Jijiji”, séptima canción del disco y tema favorito de la mayoría ricotera. “Para mí es un poco la paranoia de la droga, cuando alguien está a la deriva dentro de esa situación. «Jijiji» es una risa medio perversa, marca una bidimensionalidad, es como que todo lo que estás diciendo no es una afirmación.”
La cocaína, en efecto, estaba ahí para espolvorearlo todo. “Semen Up”, basada en un fraseo de guitarra del inigualable Skay Beilinson, definirá para siempre la sumisión anhelante del merquero argentino: “La veo casi como un demonio/ y rasco la alfombra por su amor”. Pero la guerra subliminal que libraba el disco era mucho más abarcadora y profunda: lo que estaba en juego era el “secuestro de tu estado de ánimo” (“Ya nadie va a escuchar tu remera”), y lo que Patricio Rey venía a interpretar era una época de batallas culturales en las que el enemigo sería más difícil de identificar que un grupo de tareas. Así, “Divina tv Führer” concilia la tensión atómica con la explosión del mercado publicitario, mientras que “Canción para naufragios” cronometra el tiempo que le hubiera llevado a un misil viajar de los Estados Unidos a Rusia (o viceversa): “Son seis minutos y nuestra mami va a contestar…”.
El Oktubre Rojo y el Octubre Peronista. La masa Berni-bolchevique que ilustra la tapa del álbum evoca una épica revolucionaria que por entonces parecía derrotada. Rocambole, su autor, se lo contaba así a Gloria Guerrero: “Las ideas salieron de una noche de fernet. El Indio veía banderas, multitudes. Primero iba a ser todo rojo y negro, pero cuando lo fui haciendo más abstracto le agregué el gris. La tipografía parece soviética al estar invertida una letra.
En el reverso se ve la Catedral de La Plata en llamas: un símbolo revolucionario”. A dos años de la edición de su debut ( Gulp!, producido por Lito Vitale), los Redondos todavía eran una banda underground, aunque ya convocaban a más de mil personas por show. Oktubre fue registrado en los estudios Panda de la calle Segurola, con Osvel Costa como técnico de grabación, Tito Fargo como segunda guitarra, Daniel Melero en teclados y Claudio Cornelio en percusión. Todo el álbum está filtrado por un velo sonoro opresivo, una especie de tremor precario que lo ubica en un plano de percepción extrañamente lejano. “El técnico descubrió el reverb en el ínterin y hacía que todo sonara como en el baño de nuestras casas”, protestaba Willy Crook en La Nación, haciendo pública una insatisfacción que, al menos parcialmente, compartía con Solari y Beilinson. Sin embargo, la expresión sobrevivió a la resolución: el segundo disco de los Redondos encarna el espíritu de un rock que asume su ubicuidad política en las últimas décadas del siglo xx. Las canciones tienen ese ánimo, el de interpelar estéticamente al mundo, absorber elementos históricos y reordenarlos en un espectro de pesadillas y alucinaciones.En esa mezcla de hambruna y furor tecnológico, de valses eléctricos mortuorios y rocanroles festivos, de militancia frustrada y bohemia romántica, en esa mezcla de estados alterados reside la peculiar grandeza del disco. Un juego de profecías convertido en remera. Una agria epopeya de nueve canciones, y el rock como todo llanto.
REDACCION

01 -Preso en mi ciudad
02 -Música para pastillas
03 -Semen up
04 -Divina TV Führer
05 -Motor psico
06 -Jijiji
07 -Canción para naufragios
08 -Ya nadie va a escuchar tu remera

Big Mama Thornton with the Muddy Waters Blues Band (1966)

noreply@blogger.com (Botafogo) — Mon, 28 Sep 2009 20:40:00 +0000

Willa Mae Thornton nació en Montgomery, Alabama, en 1926. Se interesó en la música debido a la influencia de sus padres, ambos muy comprometidos con la Iglesia local; su padre como ministro y su madre como cantante del coro. A mediados de los 40 inició su experiencia en el mundo de la música como miembro de una revista itinerante llamada ‘Green's Hot Harlem Revue’, que se dedicaba a hacer one nighters a través del Sur. En 1948 se trasladó a Houston, y actuó en night clubs como el Bronze Peacock, propiedad de Don Robey, de Peacock Records. Su primera aparición en disco lo fue en 1950, con un grupo llamado The Harlem Stars, en E&W Records #100, con las canciones "All Right Baby" y "Bad Luck Got My Man".

En 1951 Thornton inició una larga conexión con el sello Peacock de Don Robey. La primera publicación del verano de ese año fue "Partnership Blues" y "All Fed Up" en #1567. Su siguiente grabación en Peacock fue en Diciembre con la banda de Bill Harvey, y las canciones "No Jody For Me" y "Let Your Tears Fall Baby" en #1587. Willa Mae hizo un Holiday Show en el Bronze Peacock de Houston con Billy Wright, Marie Adams y Jimmy McCracklin. "Let Your Tears Fall Baby" vendió bastante bien.

"Everytime I Think Of You" y "Mischievous Boogie", grabados con la Joe Scott Orchestra, fue lanzado en #1603. Thorton fue calificada como la "house rocker and show stopper" de Peacock Records en anuncios en la prensa musical. En Octubre, Thornton se fue con Johnny Otis por la Costa Oeste e inició una gira por Texas en las vacaciones. Al final del año "Everytime" funcionaba bien en Atlanta y Florida. En Enero de1953 Willa Mae prepare una gira con Johnny Ace y su banda, y también sacó su nueva edición Peacock. Aquello iba a cambiar el aspecto de la música en los años posteriores.

"Hound Dog" y "Nightmare" salieron en #1612, grabados con la banda de Johnny Otis. "Hound Dog" llamó la atención inmeditamente y todo hacía presagiar que iba a ser un hit nacional. Rufus Thomas grabó rápidamente una answer song titulada "Bear Cat" en Sun #181. Pero la grabación de Thornton tuvo un éxito tan descomunal que Peacock Records tuvo que recurrir a tres nuevas plantas de prensaje, trabajando a tiempo completo, para tratar de cubrir la demanda del disco. Los compositors del tema, los veinteañeros Jerry Leiber y Mike Stoller, tuvieron que recurrir a sus madres como tutoras para las regalías obtenidas del disco, y de buen número de cover versions que se hicieron de él. Hacia mitad del verano, era obvio que "Hound Dog" iba a ser el disco de mayor venta de la historia de Peacock Records.

En Agosto, Willa Mae apareció con Johnny Ace y su banda en el Shrine Auditorium en Los Angeles, en el Fourth Annual Rhythm & Blues Jubilee. Willa Mae y Johnny Ace hicieron una gran gira de costa a costa en el otoño. A finales de Septiembre, después del incredible recorrido de "Hound Dog", Willa Mae Thornton grabó su (segundo) tema distintivo: "They Call Me Big Mama" en #1621, con la banda de Johnny Otis, con Don Johnson en la trompeta, George Washington al trombón, James van Streeter sal saxo tenor, Fred Ford al saxo barítono, Devonia Williams al piano, Pete Lewis a la guitarra, Albert Winston al bajo, Leard Bell a la batería drums, y Johnny Otis al vibráfono y palos.

A finales de Octubre, Thornton y Johnny Ace aparecieron en el Apollo Theater de New York en su primer show en el Este, y después se les añadieron Little Junior Parker & his Blue Flames en la gira. Espoleados por el éxito de sus discos gospel, de "Hound Dog" y de Johnny Ace, Peacock y Duke Records se trasladaron a su Nuevo cuartel general en Erastus Street, en Houston. La noche de Acción de Gracias en Houston, B. B. King se unió al Ace-Thornton-Parker show. A finales de año Peacock lanzó "The Big Change" y "I Ain't No Fool Either" en #1626, y un dueto con Johnny Ace, "Yes Baby" en Duke #118 ( el flip era "Saving My Love For You" con Johnny Ace sin ‘Mama’). Willa Mae inició 1954 con una gira por el Suroeste con Johnny Ace y la banda del batería C. C. Pinkston. En Marzo Thornton y Ace se detuvieron una semana en el Pep's de Filadelfia, acompañados por la banda de Johnny Board, seguido de otra semana en el Apollo Theater de New York. Después recorrerían Ohio y el Medio Oeste. En Abril "I Smell A Rat" y "I've Searched The World Over" fueron publicados en Peacock #1632. En Junio "I Smell A Rat" vendía bien y consiguió unas grandes taquillas recorreindo las Carolinas.

En Agosto, cuando Thornton estaba de gira por el Suroeste, Peacock Records editó #1642, con "Stop Hopping On Me" y "Story Of My Blues". En Septiembre, "Hopping" estaba vendiendo a lo grande en Memphis y St. Louis. En Octubre, junto al equipo Ace - Thornton para un tour por la Costa Oeste, estaban Memphis Slim y Faye Adams. "Rockabye Baby" y "Walking Blues" fueron publicados en #1647. En Marzo de 1955 Peacock #1650 lanzó las canciones "Laugth Laugh Laugh" y "The Fish". En el transcurso del año Willa Mae sacó "How Come" y "Tarzan And The Dignified Monkey" con Elroy Peace como vocalista en #1654. Para 1956 el rock 'n roll había aterrizado y cuando la nueva sensación, Elvis Presley, grabó "Hound Dog" ante el asombro internacional, Peacock volvió a publicar la versión original de Willa Mae Thornton en Peacock #1612. La grabación de Presley provocó una serie de acciones legales sobre los derechos de autor. A principios de 1957 "Just Like A Dog" y "My Man Called Me" fue publicada en #1681. Por entonces a Willa Mae Thornton se la veía como alguien que estaba fuera de la corriente principal del rock’n’roll y su asociación con Peacock Records finalizó.

"Big Mama" Thornton continuó haciendo apariciones personales siempre apoyada por su versión original de "Hound Dog", que generó una enorme difusión en el verano de 1958 y que provocó otra reedición de la original. A finales del año Thornton se había instalado definitivamente en la Costa Oeste y era contratada por muchos clubs de California como el Rhumboogie de Oakland, el Gateway de Santa Cruz, y el Basin Street West de San Francisco. En 1961 Willa Mae grabó la para el sello Bay Tone de Oakland con "You Did Me Wrong" y "Big Mama's Blues" en #107. A mediados de los 60 grabó para Sotoplay Records de Los Angeles: "Summertime" y "Truth Comes To The Light" en #0033, y "Tomcat" en #0039. Willa Mae mostraba su talento con la armónica en "Before Day" y "Me And My Chauffeur" para Kent #424. Además del ‘Mississippi Saxophone’ (armónica) Thornton también era adicta a la batería.

Grabaciones adicionales en los 60 incluyen a Fontana #681, con una nueva versión "Hound Dog", con Eddie Boyd y Buddy Guy en directo en un festival de blues festival en Hamburgo, Alemania. Willa Mae Thornton era entonces una asidua de los festivals de blues y de folk tanto en los EEUU como en Europa. En Londres, a finales de los 60, grabó álbumes para la etiqueta Arhoolie con Shakey Horton, Eddie Boyd y Buddy Guy, y otra sesión con Muddy Waters, James Cotton y Otis Spann, con "Ball 'n Chain", que sería versionada por Janis Joplin con gran repercusión. Grabaciones posteriores incluyen Lps para Mercury y Vanguard (los Lp's "Jail" y "Sassy Mama", con Buddy Lucas & his combo. Otros Lps de finales de los 70 incluyen "Saved" para Pentagram y "She's Back" para Backbeat. Apariciones continuadas en todos los mayores festivales de música (Newport, Monterey, Montreaux, etc.) le ganaron una nueva generación de fans. En 1983 Buddha Records editó "The Blues - A Summit Meeting" que unía a Thornton con B. B. King, Eddie ‘Cleanhead’ Vinson y Muddy Waters en el Newport Jazz Festival.

Las últimas grabaciones de Willa Mae Thornton lo fueron para el sello británico Ace, con un título tomado de una línea de "Hound Dog": «Quit Snoopin' 'Round My Door». El final para Thornton llegó en Julio de 1984, y el mundo perdió a uno de los talentos más originales de la música americana. Su talento sobrevive en sus múltiples Lps, disponibles la mayoría en CD, y en «Hound Dog - The Peacock Recordings» un CD esencial en la evolución de la música pop en el mundo. Con toda seguridad, Elvis escuchaba a Big Mama en su época...

Tracklist
01. I´m Feeling Alright
02. Sometimes I have a Heartache
03. Black Rat (take 4)
04. Life Goes On
05. Everything Gonna Be Alright
06. Big Mama’s Bumble Bee Blues
07. Gimme A Penny (take 6)
08. Looking The World Over
09. I Feel The Way I Feel
10. Guide Me Home
11. Black Rat (take 2)
12. Wrapped Tight
13. Gimme A Penny (take 5)
14. Big Mama’s Shuffle
15. Since I fell For You
16. I´m Feeling Alright (fast version)
17. Big Mama’s Blues (My Love)

Sumo-Divididos por la felicidad (1985)

noreply@blogger.com (Botafogo) — Thu, 17 Sep 2009 15:01:00 +0000

Grandísimo disco de la banda argentina comandada por Luca Prodan, italiano de familia acaudalada, que renunció a la vida acomodada para rodar bajo, reventarse duro y crear un mito. En su juventud asistió al Gordonstown College, uno de los más caros de Escocia. En donde según se cuenta golpeó al mismísimo Príncipe Carlos de Inglaterra, por lo que huyó a recorrer Europa mientras era buscado por el Interpol.

Algunos años después en 1981 Luca llegó a las pampas Argentinas escapando de la heroína, droga que ya había cobrado la vida de su hermana, con la idea de comprar vacas y dedicarse a la vida tranquila, pero cambió de idea y fue a Buenos Aires para dedicarse a la música y al ginebra. Su primer disco "Divididos por la Felicidad" se llamo así en tributo a Joy División, una de sus bandas preferidas, al igual que los Sex Pistols y The Clash. Pero Luca también vivió muy de cerca el rock sinfónico de Pink Floyd y el apogeo del reggae jamaiquino, ya que paso los 70´s en Londres. Estas movidas las supo incorporar mejor que nadie al rock latino.

De todos modos, la música de Sumo es mucho más que un conglomerado de influencias y brilla con identidad propia en tracks como "La Rubia Tarada" o "Mejor No Hablar de Ciertas Cosas" donde el acido sentido del humor y la poderosa narrativa de Luca se hacen presentes. También destacan las intensas lineas de bajo funkadelico y un saxofón frenético incorporado en justas dosis.
Redaccion

1. La rubia tarada
2. Mula plateada
3. No acabes
4. Regtest
5. El reggae de paz y amor
6. Debede
7. Mejor no hablar (de ciertas cosas)
8. Divididos por la felicidad
9. No duermas más
10. Kaya

Megadeth-Rust in Peace (1990)

noreply@blogger.com (Botafogo) — Sat, 12 Sep 2009 15:17:00 +0000

El álbum abre con gran estilo con “Holy Wars… The Punishment Due”, perfecto ejemplo de una canción de metal con una técnica genial. Los riffs son bastante rápidos, pero sosteniendo un alto nivel melódico. Durante toda la canción se pueden escuchar los distintos ritmos que lleva la canción, haciéndola una de las mejores del disco. Dave canta enérgicamente, con una voz bastante clara y que combina bastante con el ritmo de la canción. Ellefson también hace un gran trabajo con el bajo, dando la precisa profundidad de sonido que caracteriza a “Holy Wars”. En el minuto 2:26, luego de que Marty toca en “acústico”, la canción cambia de ritmo, dando paso a la segunda parte de la canción llamada “The Punishment Due”. Aproximadamente al minuto 5:00, se oye a Mustaine con uno de sus riffs característicos, el “Spider Riff”. En cuanto a la lírica, la primera parte, “Holy Wars”, trata acerca de los conflictos entre el Ejército Republicano Irlandés con Irlanda del Norte, y no con el conflicto entre Israel y Palestina como muchos creen. La segunda parte “The Punishment Due” es acerca de un personale de Marvel Comics, llamado “The Punisher” (El Castigador), el cual Dave leía de vez en cuando. Claramente ésta es una de las mejores canciones de Megadeth.

Luego viene otra maravilla, “Hangar 18”. En esta pieza se destacan en gran forma las guitarras. Tanto el ritmo como los solos sumamente extensos la hacen una canción fantástica; en todo el álbum las guitarras suenan excelentemente bien, pero en “Hangar 18” es más que eso; suenan no menos de 11 solos de guitarra hechos por Friedman y Mustaine. El bajo también suena fenomenal, dándole un aspecto más técnico a los sonidos rítmicos. La intro de la canción tiene un acorde en D menor, que también fue usado por Metallica en su canción “The Call of Ktulu”, de su álbum “Ride The Lightning”, hecha para la demo “When Hell Freezes Over”, que en parte fue compuesta por Mustaine, cuando todavía estaba en Metallica. Luego de la estructura básica de versos y coros, la segunda mitad de la canción pasa a ser instrumental. Friedman de hecho reclamó a Mustaine que la versión original de “Hangar 18” era mucho más larga que la que aparece en el disco. La canción fue inspirada por teorías conspiratorias de OVNI’s, a pesar de que mucha gente piensa que es en referencia al Área 51. Sin embargo, el Hangar 18 está localizado en “Wright-Patterson AFB” en Ohio. Se especula que una nave alienígena fue llevada allí, traída desde Roswell en 1.947.

Prosigue “Take No Prisoners”, la más “heavy” del álbum. Dave y Marty bajan un poco el nivel, sólo aportando algo de distorsión, dando a Ellefson y Menza su chance de protagonizar el show y mostrar sus talentos, incluyendo un corto solo de bajo y un sonido rápido y contundente en la batería. Es una canción con unos coros algo oscuros que van bien con el ritmo pesado de la canción. Todos los instrumentos se combinan de una manera que demuestra agresividad, lo que hace sonar como si estuvieran dando toda su energía disponible en esta canción. Se dice que las letras son acerca de guerras, específicamente de la Segunda Guerra Mundial.

En “Five Magics” procuran ser un poco más complejos, llevando la canción a distintas velocidades y técnicas. El ritmo más constante es a medio tempo, pero como ya fué mencionado, con grandes variaciones impredecibles. El sonido de la guitarra es memorable y muy “pegajoso” si se quiere, sobre todo en la segunda mitad de la canción.

“Five Magics” es basada en la película oscura “Goreblade: Warrior King of the Universe”. En ella el héroe quien va con una espada, debe dominar las “cinco magias” para ser el Rey Guerrero y casarse con la princesa. De hecho, el héroe es advertido de que el poder de las magias podría corromperlo como sucedió con el último ser que intentó dominarlas. En el film, una de las magias es “Amor”, pero que no es incluída en la canción (están Alquimia, Magia, Brujería, Taumaturgia y Electricidad).

“Poison Was The Cure” es una de las más cortas y rápidas del disco. Inicia con un corto solo de bajo un tanto oscuro, acompañado de una percusión lenta y suave. Luego explota cuando las guitarras comienzan a sonar, y dando ese ritmo heavy a la canción, tornándola bastante poderosa. Las letras tratan acerca de una mujer, que lo envenenó, cambiándole por completo su ritmo de vida.

Sigue “Lucretia”, la canción más melódica del álbum, que al principio deja un parecer a “power metal”. Es un tema un poco menos trabajado que los demás; su ritmo no es malo, pero no tiene ese toque pegajoso de las demás canciones. Esta canción es rápida, con buen desempeño de las guitarras y con diversos solos, incluyendo uno de bajo bastante bueno. Otra canción bastante técnica, que colocan a Mustaine y Friedman como líderes, tanto en las guitarras, como Dave en la voz. Se dice que la lírica es acerca de la abuela de Mustaine, llamada Lucrecia, la cual su fantasma rondaba por el ático de Dave.

“Tornado of Souls” también viene a ser otra melódica, y una de las mejores del disco. Comienza con fuertes golpes dando paso a un ritmo frenético con el que más de uno ha “headbangeado”. Aquí se nota el verdadero thrash de Megadeth. Los 4 integrantes son protagonistas aquí; la batería golpea de una manera impresionante, los mejores riffs del álbum (en mi opinión, los mejores riffs de Megadeth), solos que “llegan al alma” y excelente sonido del bajo. Mustaine sigue dando la cara como un gran compositor de riffs y versos. Friedman toca un solo perfecto, uno de los mejores solos de toda la historia del metal. Menza y Ellefson dan los golpes contundentes y contribuyen a formar esta magnífica pieza. Se puede decir que “Tornado of Souls” es una especie de fusión de thrash con NWOBHM. Toda una obra maestra. Su lírica es un poco confusa, pero no hay duda que inspiran a no mostrar misericordia a nadie, y a hacer que los demás te paguen por lo que te hicieron.

Luego de la tormenta viene la calma. “Dawn Patrol”, un tema muy monótono, en el que no suenan las guitarras, sino un bajo bastante simple y una batería muy lenta. Sin riffs. Es como la canción de descanso de la banda, la que hicieron por agregarle “algo más” al disco. La letra es acerca del desastre post-nuclear

Para terminar, está “Rust In Peace…Polaris”, la canción “título” del álbum. Muy similar a “Hangar 18”, sólo que RIP comienza con percusión, seguido por unos riffs no tan potentes, pero muy creativos, haciéndolo el tema con una de las mejores intros. Buena pieza para terminar esta obra maestra, con buen desempeño en la voz por parte de Mustaine. Los riffs son bastante técnicos, medio tempo, un sonido básico agradable para todos los que los escuchen. La batería suena más sólida, con una rapidez vertiginosa que también agrada. En la última parte de la canción (más o menos al 4:20) suena el mejor riff del tema, para luego finalizar con un sonido bastante intenso. La letra se mantiene en el tópico de la guerra nuclear y esta vez menciona al misil “Polaris”.
REDACCION

1-"Holy Wars...The Punishment Due" – 6:32
2-"Hangar 18" – 5:11
3-"Take No Prisoners" – 3:26
4-"Five Magics" – 5:40
5-"Poison Was the Cure" – 2:56
6-"Lucretia" (Mustaine, David Ellefson)– 3:56
7-"Tornado of souls" (Mustaine, Ellefson) – 5:19
8-"Dawn Patrol" (Mustaine, Ellefson) – 1:51
9-"Rust in Peace...Polaris" – 5:44

Jimi Hendrix-Live at Woodstock (1969)

noreply@blogger.com (Botafogo) — Wed, 02 Sep 2009 21:00:00 +0000

Haber experimentado el amanecer de "Gypsy Sun and Rainbows" o mejor dicho haber presenciado a jimi Hendrix en woodstock '69 debe haber sido el momento mas surrealista y elevado en la vida de toda una generacion.Cualquiera de nosotros en el lugar de todos esos privilegiados haria el esfuerzo de recordar cada dia a la mañana esos sonidos ,esos colores que marcaron el fin de una era .¿para que ir mas lejos si se habia llegado al techo?
De aquellos 500 mil que en los dias anteriores del festival reventaron la granja de Max Yasgur,solo 180 mil llegaron a ver la mañana del lunes 18 de agosto de 1969 la performance de Jimi Hendrix,postergada hasta ese momento por el clima , dificultades tecnicas de la banda y otros miles de imprevistos que se presentaron a lo largo del festival.Asi solo un tercio de la concurrencia fue testigo de la mas memorable performance de la historia del rock.
En las dos horas que duro el concierto ( fue el show mas largo de su carrera), Hendrix pudo no solo superar de un solo acto la separacion de "The jimi Hendrix Experience" ,la banda que lo habia acompañado durante la mayor parte de su carrera, sino que tambien protagonizo el momento mas recordado de la era hippie , su version de "The Star Spangled Banner" se transformo en el icono imborrable para esa generacion.
La influencia de Hendrix es posiblemente una de las más frecuentes de todos los tiempos y es todavía considerado como uno de los mejores guitarristas en la historia 39 años después de su muerte en 1970.

De mas esta decir que lo mejor es darle a los dos discos completos, pero si tengo que marcar algun tema marco sin duda alguna "RED HOUSE" , superlativa version.

DISCO 1:
1.Introduction
2.Message To Love
3.Hear My Train A Comin'
4.Spanish Castle Magic
5.Red House
6.Lover Man
7.Foxey Lady
8.Jam Back At The House

DISCO 2:
1.Izabella
2.Fire
3.Voodoo Child (Slight Return)
4.Star Spangled Banner
5.Purple Haze
6.Woodstock Improvisation
7.Villanova Junction
8.Hey Joe

AC/DC -Highway To Hell (1979)

noreply@blogger.com (Botafogo) — Mon, 24 Aug 2009 02:13:00 +0000

Todo un clásico en la carrera de AC/DC, este gran disco de rock producido por Robert John "Mutt" Lange (famoso productor que había colaborado previamente con Graham Parker y trabajaría después con Def Leppard, Foreigner, Bryan Adams, The Boomtown Rats o.... Backstreet Boys) supuso el último trabajo del vocalista Bon Scott, fallecido lamentablemente poco tiempo después de la grabación de este álbum.

Dentro de su magisterio en el hard-rock, "Higway to hell" prosigue con las concomitancias líricas y sonoras de la legendaria banda rockera, centradas en potentes riffs, crujientes y neurasténicos respaldos de guitarras, corpulenta sección rítmica, estribillos insistentes, vocalidad lacerante y asuntos de básica esencia lúbrica.

Su enraizamiento en las pautas blues-rock se comprueba en el afortunado tema que cierra el album, "Night Prowler" y su agresivo hard-rock de influencias zeppelianas y stonianas en enormes composiciones del trío Scott/hermanos Young (Angus y Malcolm), como "Touch too much", "Walk all over you", "Girls got rhytm", "Shot down in flames" o la homónima de álbum, todo un standard del proceder y sentir de la estupenda formación australiana, todo un icono del mejor, directo y más sudoroso rock'n'roll.

Redaccion

1. "Highway to Hell" - 3:26
2. "Girls Got Rhythm" - 3:23
3. "Walk All Over You" - 5:08
4. "Touch Too Much" - 4:24
5. "Beating Around the Bush" - 3:55
6. "Shot Down in Flames" - 3:21
7. "Get It Hot" - 2:24
8. "If You Want Blood (You've Got It)" - 4:32
9. "Love Hungry Man" - 4:14
10. "Night Prowler" - 6:13

Bob Marley & The Wailers -Exodus (1977)

noreply@blogger.com (Botafogo) — Sat, 15 Aug 2009 17:14:00 +0000

[...]Por el año 1977, Marley elige a Junior Marvin como nuevo guitarrista de la banda, siguiendo la recomendación de su representante Blackwell. Inmediatamente la química funciona de manera maravillosa, esta afinidad se vería luego reflejada en su primer trabajo junto al grupo, el álbum “Exodus”. El éxito fue extraordinario y su impacto en el mercado no tuvo precedentes. El álbum trepo inmediatamente a los charts británicos, permaneciendo allí durante 56 semanas. La guitarra de Junior en temas como Waiting in vain, One love/People get Ready y la que diera título al álbum esta en el recuerdo de todos los fanáticos. La verdad que la selección de temas del disco es extraordinaria y sin duda no hay que dejar de mencionar algunos como Natural Mystic y Jamming, los cuales han sido grandes hits a lo largo de la historia del reggae.

Un poco de mística…

Tras el impresionante éxito del álbum y la llegada de todos sus temas a todos los países del mundo, fundamentalmente a los de Europa, la prensa decía cosas como “Es la música de la gente de Jamaica que quiere llevar un mensaje de paz al mundo”.
Sin duda alguna esta frase se desprendería de la interpretación de la letra de Exodus, la cual represento una síntesis de la peregrinación a la que se perfila cada rasta, sea física, mental o espiritual, es decir un retorno a su tierra de origen. En un sentido mas amplio se podría ver como la voluntad espiritual de cualquier hombre, en su camino de regreso hacia lo divino, sea cual sea el dios que profese.

Poco antes de editarse el álbum, casi terminan con la vida de Bob, en un atentado que se le atribuye a la CIA, debido a que temían que pudiera desestabilizar la política del Caribe con sus proclamas de libertad e igualdad, palabras poco gratas para los intereses dominantes. Algunos fanáticos aseguran que este hecho fue causante de una especie de “Inspiración” por parte de Marley para lograr este disco, aunque en verdad sale a los pocos meses del atentado, es decir que la mayoría de los temas ya habían sido realizados.

Algunas curiosidades

- En el año 2001, la prestigiosa revista Time elige este disco como “Mejor álbum del siglo”. Logró ubicarse por encima de toda la industria musical mundial.
- La BBC, por su parte, nombró el tema One love/People get ready como himno del milenio.
- El tema Jamming, ha quedado en la memoria de muchos, ya que sonaba de fondo, aquel día histórico en abril de 1978, en el que Bob hacia el fin de un concierto en Jamaica, logra unir por sus manos a dos líderes opositores de ese momento, hecho transcendente y de espiritualidad que caracterizaba a Marley.
Redaccion

01 - Natural Mystic
02 - So Much Things To Say
03 - Guiltiness
04 - The Heathen
05 - Exodus
06 - Jamming
07 - Waiting In Vain
08 - Turn Your Lights Down Low
09 - Three Little Birds
10 - One Love-People Get Ready

Edgar Winter-White Trash (1971)

noreply@blogger.com (Botafogo) — Sun, 09 Aug 2009 03:46:00 +0000

Para hoy tenemos a este genio de la musica,hermano de otro genio (johnny winter).En este, su segundo disco, el primero con su banda white trash, sorprende con su estilo unico, con su voz en plenitud durante todo el disco.Un disco que mezcla el Sourthen Rock, con el blues, el rock y todo el gospel en la voz de edgar.Que se luce no solo cantando ,sino tambien en los teclados ,el saxo y percusiones.
Un discazo, fundamental en la historia del blues y el rock.La reseña dehoy es la que en su momento se hizo en Rolling Stone.

The first time I heard this album I wasn't sure whether Edgar Winter was a gospel singer gone mod or a fire eater escaped from Ringling Bros. & Co. The second time I was sure he is both. A master of both, no less.

White Trash is a pure delight, the more so for its unexpectedness. Winter sings, writes, plays piano and sax, and works with a seven piece R&B group. This is his second album -- his first with his own group -- and on it he conveys as great a sense of personal style as any white bluesman on the scene today.

The sound of the band is loose and rangy in the best tradition of white Southern R&B (a la the best of John Fred and His Playboy Band) and Winter's singing is fully equal of it: he never stops at mere competence. On a quick listen some of the music could have easily been mistaken for Stax soul. But the difference is in the white gospel roots that both Winter and co-vocalist Jerry laCroix exhibit throughout the record. Up-tempo songs like Save The Planet and Keep Playin' That Rock And Roll are fine rockers but the guts of the album is in slow, semi-religious You Were My Light. The latter is the highlight of the album: Winter sings flawlessly, first in front of his superb rhythm section, and then with a beautifully arranged and blended horn section. On the choruses the three elements come together with tremendous impact -- enough to blow me back listen after listen. The lyrics here, as throughout, are almost charming in their openness, directness, and simplicity. Perhaps the biggest surprise of the album is the emergence of Edgar Winter as an excellent songwriter.

At the peak of their frenzy, both Winter and laCroix cross over the gospel line and into pure shrieking and screaming. In the controlled doses they administer here, it is very powerful stuff. Such vocal techniques are easily misused, but like everything else on White Trash, Edgar keeps it under control and makes it work for him. The results are a revealing and exciting album -- hopefully, only the first of many more to come. It's the kind of record that makes you want to see the group perform. What higher praise is there for a new album by a new group?
~ Review by Jon Landau, Rolling Stone, 5/27/71.

1. Give It Everything You Got
2. Fly Away
3. Where Would I Be
4. Let's Get It On
5. I've Got News For You
6. Save The Planet
7. Dying To Live
8. Keep Playin' That Rock 'N' Roll
9. You Were My Light
10. Good Morning Music

Skip James - (I'm so glad) The Complete 1931 Paramount Recordings

noreply@blogger.com (Botafogo) — Wed, 05 Aug 2009 19:51:00 +0000

La historia de Skip James es notable, increible:
En 1931 ganó un concurso en una tienda local de discos, lo que le significa una grabación en Paramount, en aquella única sesión grabó las 18 canciones que estan en este disco, pero desafortunadamente para el, la crisis de esos años alcanzo a la discografica que al poco tiempo quebro, Skip se alejo del blues y se dedico a ser pastor en su iglesia siguiendo los pasos de su padre, luego de 30 años y con el resurgimiento en inglaterra del blues a cargo de musicos como Jeff Beck, Eric Clapton, Mick Jagger, en los 60's y coincidiendo con el 1° festival de Newport, Skip James aparece en un hospital y es llevado casi a cuestas hasta el escenario del festival donde deslumbra a todos interpretando sus temas del 31 como "devil got my woman". Luego de esto el grupo inglés Cream graba el tema "I´m so Glad" lo que le significa a james tener regalias por su musica por primera vez y que le sirve para financiar una operación que le daría tres años más de vida. luego de newport pudo hacer otras grabaciones hasta que fallecio victima del cancer que padecia. Su forma de tocar la guitarra y el piano también, tan particular y su especial voz son ahora un clásico de clásicos...

"para el que quiera saber algo mas de Skip James,lo invito a ver el volumen 2 de "the Blues",una serie de documentales de Martin Scorcese en los que recorre toda la historia del blues.Alli no solo encuentran el mejor material de Skip james sino tambien de muchos mas artistas,que construyeron a lo largo de la historia este gran genero,nuestro vicio." DESCARGAR Documentales "the blues"

1 Devil Got My Woman
2 Cypress Grove Blues
3 Cherry Ball Blues
4 Illinois Blues
5 Four O'Clock Blues
6 Hard-Luck Child
7 Hard Time Killin' Floor Blues
8 Yola My Blues Away
9 Jesus Is a Mighty Good Leader (Traditional)
10 Be Ready When He Comes
11 Drunken Spree
12 I'm So Glad
13 Special Rider Blues
14 How Long "Buck"
15 Little Cow and Calf Is Gonna Die Blues
16 What Am I to Do Blues
17 22-20 Blues
18 If You Haven't Any Hay Get On Down the Road

Charly Garcia-Modern Clix (1983)

noreply@blogger.com (Botafogo) — Mon, 27 Jul 2009 20:34:00 +0000

> LA TAPA:

Esta es sin duda una de las tapas más interesantes que se pueda encontrar dentro de toda la discografía de Charly García. Lo paradójico resulta en la no planeación de esta tapa. El sujeto central resultó de la casualidad cuando Charly se encuentra con este graffiti en una de las calles de New York y dicha consigna decide usarla como el título de su album. Por otro lado, es también una genialidad el uso del blanco y negro cuando toda la tecnología y los televisores a color arrivaban incesablemente por estas tierras. Se podría leer la sombra negra con una sonrisa y un corazón pintado sobre una pared blanca como una analogía hacia lo que se respiraba por ese entonces en la sociedad Argentina. Es como si la foto del genial Umberto Sagramoso resumiera en una sola imágen el sentimiento de toda una generación que tuvo que moverse entre las sombras. Al punto que era la sombra, y no el sujeto, el que actuaba como ser vivo dentro de la sociedad. Y el hecho de que el título haya sido en inglés (Modern Clix) le da aún ese toque moderno y sarcástico que tan sutilmente le brindara Charly. Y a un lado, el bicolor sentado mirándo a la nada, en una posición completamente distinta a la de su disco anterior, en donde es él el protagonista y no su entorno. En ciertos aspectos estilísticos, la tapa recuerda aquella de 1972 de "Vida" de SUI GENERIS, en donde el centro de atención no era el músico sino la pared como tal.

> CONTEXTO:

Durante los inicios de 1983 Charly finaliza las presentaciones de su placa 'Yendo de la Cama al living'. Se presenta en Obras en donde incluye como repertorio temas como 'Cretino' (que se anunciaba como adelanto de un próximo disco) y 'Mujeres aburridas' de las Bay Biscuit. Luego, la banda conformada por los Abuelos de la Nada y Willi Iturri se desintegra, debido a los constantes compromisos de la banda de Miguel Abuelo, y Charly decide rearmar la banda, manteniendo únicamente a Iturri. Busca entonces a los músicos de Raúl Porchetto, Pablo Guyot y el ex-Los Gatos Alfredo Toth, convoca a los saxofonistas Daniel Melingo y Gonzalo Palacios, llama en coros a Fabiana Cantilo, y como reemplazo de Andrés Calamaro convoca a un jovencito de 19 años que se había hecho popular en la banda de Juan Carlos Baglietto: Fito Páez. Sin embargo, esa banda no hace parte de la grabación de lo que sería la próxima placa. Charly decide entonces viajar a New York y contactarse con el famoso productor Joe Blaney. Se interna por unos cuantos meses en los estudios Electric Lady Land (creados por Jimi Hendrix) y se dedica a lo que sería la grabación de su nuevo disco "Nuevos Trapos". Estándo en esa ciudad, Charly compra un montón de instrumentos nuevos que le permitirían experimentar con nuevos sonidos para su producción. Así como en 1974 Charly implementa el sonido del Melotrón, en 1983 Charly atacaría de nuevo con el uso de samplers, cintas pregrabadas, bajos de teclado, y sintetizadores de última tecnología. Durante el proceso de grabación interviene un viejo conocido por todos, Pedro Aznar, quien se encontraba en el país del norte producto de su continua actividad con la banda de Pat Metheny. Así mismo, convoca a Casey Scheuerell en batería, y al guitarrista Larry Carlton (Ex-Joni Mitchell y Steely Dan).
El primer asomo de la modernidad del disco se encuentra en el uso de la tecnología para los instrumentos. Pero faltaban algunos elementos más. Charly y Pedro deciden cortarse el pelo. Los ochentas son otra cosa, ven más allá. La tecnología es lo que llega y el idealismo, incertidumbre, y depresión de los 60s y 70s se acabó. Y que mejor forma de mostrar eso que con un radical cambio de look.
Según cuenta la historia, algún día Charly caminaba por las calles de New York cuando descubre un graffiti en una calle cerrada con la consigna: MODERN CLIX, que no era otra cosa sino un grupo underground de la escena Neoyorkina. Esa frase se le quedaría grabada en la cabeza al bicolor y sería a la postre el título de tan histórico disco. Como muchas veces ha sucedido en la obra de García, una jugada del destino y la aleatoriedad cambiaron el rumbo de lo que iba a ser inicialmente 'Nuevos Trapos".
El disco es finalmente presentado en Diciembre de 1983 en varias funciones en el Estadio Luna Park. Sorpresivamente, el disco no fue bien recibido por el público y sobretodo por la crítica, que consideraba que ahora sí Charly se había vendido. Si en 1982 lo habían criticado por el sponsoring de la marca Fiorucci, esta vez tenían motivos de sobra para atacarlo. No sólo hacía un disco 'Moderno' en un país que recién salía de una de sus mayores depresiones en la historia, sino que se cortaba el pelo, y encima grababa en New York con músicos anglosajones! Más comercial que eso no se podía.
Pero sucede que García no hacía de esos factores un fin, sino que los utilizaba como un medio para algo aún más complejo. Algo que se puede resumir en una frase del tema Nuevos Trapos: "Y mientras todo mundo sigue bailando, se ven dos pibes que aun siguen buscando encontrarse por primera vez". Charly utiliza el baile para dar a entender la ironía que representa levantarse, bailar, esa alegría maquillada que bajo las ropas y los raros peinados nuevos esconde una tragedia escondida, inexplicable, y sin resolver.
El episodio que más daría que hablar durante la gira por el interior sucedió en Córdoba, en donde para muchos comenzó la imágen de Charly como figura del escándalo que alimentaría la tapa de todos los diarios y daría de comer a muchos periodistas sensacionalistas durante los años por venir. Durante uno de dichos recitales, un sector del público comenzó a lanzar arengas en contra del músico, a lo que el respondió bajándose los pantalones dejándo al descubierto sus zonas intimas. Es ese pues el pico de un año en el que Charly revolucionó la música argentina en una forma tan avanzada, que hubo muy pocos en ese preciso momento que comprendieron el mensaje que el bicolor trataba de manifestar.

> EL DISCO:

Si hubiese que definir este disco en dos palabras, uno perfectamente podría decir "Baile" e "Ironía". Clics modernos fue, para su tiempo, uno de los discos más revolucionarios jamás grabados por un artista latinoamericano. Fue revolucionario no solo por sus innovadores sonidos, sino por el concepto en sí, que acarreaba consigo un peso bastante fuerte que no todos iban a ser capaces de entender. Juega sutilmente con la primera y tercera persona, en canciones como "Transas" en donde él se ubica en el centro de esa crítica recibida luego de su concierto de Ferro, en el cuál había sido acusado de venderse a la conocida marca de jeans "Fiourucci". Clics Modernos, como bien lo diría Fito Páez años después, trae el futuro, y es un reflejo de la sociedad no solo argentina sino mundial de aquellos tiempos, en donde el baile es el mejor distractor dentro de una sociedad que cada vez más se caracteriza por tener el cerebro lavado gracias a la mano de las crecientes multinacionales y las grandes cadenas televisivas manipuladoras de masas e ideologías. En resumen, Clix es un disco profético, de choque, donde la tecnología es genialmente usada no como un fin, sino como un medio por el cuál se establece una retórica. Esta retórica posee como común denominador la sátira, la desconfianza, así como la crudeza de las letras escondidas dentro de ritmos latinos, de tango, de rock, de pop pegajoso y bailable. Quizá a nivel creativo y revolucionario, Clics Modernos ha sido el punto más alto en la discografía del hombre del bigote bicolor. En resumen, la genialidad de un disco como Clics Modernos reside no sólo en su calidad y creatividad musical, sino en todo el concepto que involucró su producción, tanto a nivel visual como a nivel simbólico.

Redaccion

01 Nos Siguen Pegando Abajo [Pecado Mortal]
02 No Soy Un Extraño
03 Dos Cero Uno [Transas]
04 Nuevos Trapos
05 Bancate Ese Defecto
06 No Me Dejan Salir
07 Los Dinosaurios
08 Plateado Sobre Plateado [Huellas En El Mar]
09 Ojos De Video Tape

Nirvana-Mtv Unplugged in NY (1994)

noreply@blogger.com (Botafogo) — Mon, 20 Jul 2009 03:26:00 +0000

-Nirvana: m. En el budismo, bienaventuranza o felicidad plena obtenida por la pérdida de la individualidad y la incorporación a la esencia divina.-
Asi define la real academia de la lengua a la palabra "Nirvana", palabra que dejo de serlo y se convirtio en una institucion, un fenomeno y un legado de grounge, aunque al oir al grupo, sientes como la escencia divina se dezliza por las venas de tu cuerpo.

Si alguien dudaba de la capacidad de Nirvana como músicos, de su calidad melódica e interpretativa, con "MTV Unplugged In New York" les dieron con un canto en los dientes.
Nirvana ha sido, es, y será una de las mejores bandas de la historia del rock, y para todos aquéllos duros de oído a los que la mayoria de sus anteriores discos les sonaban demasiado "punk" (la gente a veces es muy delicada...), salió éste, dulce, suave, parco en instrumentos y a la vez sublime.
La voz de Kurt Cobain, un par de guitarras, un bajo, una batería casi muda, y un puñado de Excelentes canciones. Eso es todo lo necesario para hacer de un disco un obra de arte.
Hay músicas que te marcan tanto que al final llegan a ser parte de la banda sonora de tu vida... este es el caso de este grupo, de Kurt Cobain y especialmente de este CD .

"...Estoy arrepentido de haber hecho el unplugged, cambiamos todo nuestro estilo por unos cuantos dólares. Si pudiese volver al pasado intentaría cambiar muchas cosas, entre ellas el unplugged..."
Kurt Donald Cobain

Redaccion

1. About A Girl
2. Come As You Are
3. Jesus Doesn't Want Me ...
4. The Man Who Sold The W...
5. Pennyroyal Tea
6. Dumb
7. Polly
8. On A Plain
9. Something In The Way
10. Plateau
11. Oh Me
12. Lake Of Fire
13. All Apologies
14. Where Did You Sleep Last night

Janis Joplin -Pearl (1970)

noreply@blogger.com (Botafogo) — Wed, 15 Jul 2009 03:47:00 +0000

La voz femenina blanca (con un estilo a lo Aretha Franklin) más desgarrada de la historia del rock en su disco (póstumo) más famoso y probablemente más conseguido.
Rock emocional y apasionado de querencias blues, country y soul, interpretado de manera conmovedora por Janis junto a The Full Tilt Boogie y bajo producción de Paul A. Rothchild, colaborador de The Doors o Love.

La verdadera valía de Janis Joplin es la fuerza y pasión que imprime a su garganta y que eleva las composiciones que interpreta, a pesar de que éstas no sean lo suficientemente destacadas y en ellas se perciba escasa imaginación en sus estructuras musicales, especialmente en algunas baladas que bordean el soft-rock.

Con la temática amorosa dominando los surcos del álbum, los mejores temas del mismo son la rockera "Move over"; la irónica "Mercedes Benz", cantada a capella; el número 1 "Me & Bobby McGee", tema escrito por el cantante country Kris Kristofferson, el ritmo funky de "Half Moon", la balada soul "Trust me" y el sensacional instrumental "Buried alive in the blues" (fortuito instrumental ya que Janis había fallecido en mitad de las sesiones de grabación y no pudo incluírse el texto previsto).

01. Move Over
02. Cry Baby
03. A Woman Left Lonely
04. Half Moon
05. Buried Alive In The Blues
06. My Baby
07. Me And Bobby McGee
08. Mercedes Benz
09. Trust Me
10. Get It While You Can
11. Tell Mama (Live)
12. Little Girl Blue (Live)
13. Try (Just A Little Bit Harder) (Live)
14. Cry Baby (Live)

Joey Ramone- Don't worry about me (2002)

noreply@blogger.com (Botafogo) — Sun, 12 Jul 2009 02:16:00 +0000

Podría abandonarme en un panegírico necrofílico y alabar sin condiciones el disco póstumo del fallecido cantante de los Ramones. Lo haré sólo a medias, reconociendo que el inicio del álbum, una versión con marchamo cien por cien ramonero de “What A Wonderful World” –la popularizó Louis Armstrong, la escribieron otros- reabre el expediente X que supone situar el origen y desarrollo de la magia del cuarteto neoyorquino.

No lo resuelve, pero sí ofrece pistas acerca de la residencia de ésta: gran parte se aglutinaba en la garganta del espigado frontman. “Don´t Worry About Me” es el mejor disco que podíamos esperar tras la disolución de los reyes de las Chuck Taylor. Y lo es no por la excelencia o novedad de sus canciones -en realidad podrían pasar por las de unos Ramones circa “Halfway To Sanity” (87) o “Brain Drain” (89)- sino por la presencia, ergo, la garantía, de un cantante irrepetible que se sabía malherido (“Sentado en la cama de un hospital/la frustración invadiendo mi cabeza /apago la tele y tomo algunas drogas para olvidar”, “I Got Knocked Down”) pero que se mantuvo alerta (“María Bartiromo” y “Venting” dan fe de ello) hasta el último momento.

Redaccion

1. What a Wonderful World (Cover de Louis Armstrong)
2. Stop Thinking About It
3. Mr. Punchy
4. Maria Bartiromo
5. Spirit in My House
6. Venting
7. Like a Drug I Never Did Before
8. Searching for Something
9. I Got Knocked Down (But I'll Get Up)
10.1969
11.Don't Worry About Me

Stevie Ray Vaughan -Texas Flood (1983)

noreply@blogger.com (Botafogo) — Wed, 01 Jul 2009 16:18:00 +0000

De familia bluesera (no en vano su hermano Jimmy Vaughan fue uno de los baluartes de los míticos Fabulous Thunderbirds), el maestro STEVIE RAY VAUGHAN recuperó a lo largo de la década de los 80 la esencia del blues más clásico y la poderosa maestría guitarrera de Jimi Hendrix. En el verano de 1990 un maldito helicóptero privaba al mundo de seguir disfrutando de uno de los más grandes guitarristas de blues eléctrico de la historia.

El primer álbum de Mr.Vaughan es excepcional por todos sus poros. Genial, fantástico, imprescindible o fundamental son otros de los calificativos que podríamos asociar a esta básica obra. En “TEXAS FLOOD”, la fender stratocaster de este bluesman adquiere dimensiones casi divinas. No es un álbum con blues lento. La gran mayoría de sus temas son rápidos, con lo que todavía se hace más accesible para toda clase de públicos.

El disco se inicia con un alegre y perfectamente elaborado rock’n’roll titulado “Love struck baby”. Con sublime elegancia Mr.Vaughan ejecuta algún que otro blues inmortal repleto de amor tal como “Pride and joy”, “Lenny” o “I’m crying”. Además consigue dejar boquiabierto al oyente con el tema que da título al álbum (cover de Larry Davis), con la intensa "Dirty pool" o con "Tell me" (donde resucita a Howlin Wolf), y adquiere un veloz frenesí en “Testify” (versión de George Clinton) o “Rude mood”. Y en medio de tanto gozo, “Mary had a little lamb”, donde el maestro se atreve a adaptar una tradicional canción infantil dotándola de una singularidad encomiable, y con la que a buen seguro que el mismísimo Buddy Guy se sentiría orgulloso de comprobar lo que se puede hacer con parte de su legado.

En definitiva, blues blanco con alma negra para paladares selectos, y para todas las razas, sexos, edades o condiciones sociales.

Redaccion

1. Love Struck Baby
2. Pride And Joy
3. Texas Flood
4. Tell Me
5. Testify
6. Rude Mood
7. Mary Had A Little Lamb
8. Dirty Pool
9. I'm Cryin'
10. Lenny

Helloween-High live (1996)

noreply@blogger.com (Botafogo) — Sun, 28 Jun 2009 00:31:00 +0000

Durante la gira promocional del álbum "The Time Of The Oath", Helloween graba un álbum en vivo y lo lanza con el nombre de "High Live" el 01 de Octubre de 1996 por Raw Power. Luego de esto, la noticia del suicidio del ex-baterista Ingo Schwichtenberg, da un fuerte golpe a la banda, a los fans, y a la gente relacionada con la banda. Debido a este acontecimiento, Weikath y compañía dedicaron su segundo disco, a quien los acompañó durante tantos años, como músico y amigo.

1.- We Burn
2.- Wake Up The Mountain
3.- Sole Survivor
4.- The Chance
5.- Why?
6.- Eagle Fly Free
7.- The Time Of The Oath
8.- Future World
9.- Dr. Stein

1.- Before The War
2.- Mr. Ego (Take Me Down)
3.- Power
4.- Where The Rain Grows
5.- In The Middle Of A Heartbeat
6.- Perfect Gentleman
7.- Steel Tormentor

Eric Clapton- Me and Mister Johnson (2004)

noreply@blogger.com (Botafogo) — Mon, 15 Jun 2009 19:14:00 +0000

Cuenta la leyenda que Robert Johnson, músico nacido en 1911, parecía estar destinado a ser un mediocre guitarrista de blues y sólo eso, uno más de tantos.

Pero el hombre, conciente de sus limitaciones, decidió superarlas por la vía rápida: nada menos que un pacto con el diablo, que se habría realizado una noche en el cruce de la autopista 61 con la 49, en Clarksdale (Missisipi).

Créase o no, la cuestión es que el músico mediocre se ausentó por un tiempo de los lugares que frecuentaba....y volvió convertido en habilidoso ejecutante de la guitarra y cantante de blues.

Eso sí, el diablo no esperó mucho para hacer valer su contrato: luego de grabar 29 temas y teniendo tan sólo 27 años, Robert Johson moriría de manera tan misteriosa como había vivido.

Las diferentes versiones acerca de la causa de su muerte van desde el envenenamiento por parte de un marido engañado hasta enfermedades como sífilis o neumonía. Curiosamente, su certificado de defunción nada dice, a excepción de la fecha y la aclaración de que no hubo autopsia.

Su brevísima carrera le alcanzó para ser admirado por muchos músicos posteriores y extender su influencia por décadas en el mundo del blues. Tanto los Rolling Stones como Cream y Jimmy Hendrix han grabado temas suyos.

En esta oportunidad, es nada menos que Eric Clapton quien ha elegido 14 de los temas de Johnson para versionarlos.

Redaccion

Mis Favoritos: Tracks 1 (When You Got A Good Friend) , 5 (Traveling Riverside Blues) y 13 (32-20 Blues).
El disco en lineas generales el disco tiene un muy buen nivel, y es innegable que es de lo mejorcito de Clapton este ultimo tiempo, como para calmar las ansias de sus fans Clapton se luce con estas excelentes versiones de un tipo al que (se sabe y se nota) admira mucho.
Ahora si con este se completa el binomio de homenajes a Robert Johnson, formado por este y el que publique hace algun tiempo "Eric clapton-Sessions for Robert Johnson (2004)" .Sin mas ,Disfruten.

TRACKS

1 When You Got A Good Friend
2 Little Queen Of Spades
3 They're Red Hot
4 Me And The Devil Blues
5 Traveling Riverside Blues
6 Last Fair Deal Gone Down
7 Stop Breakin' Down Blues
8 Milkcow's Calf Blues
9 Kind Hearted Woman Blues
10 Come On In My Kitchen
11 If I Had Possession Over Judgement Day
12 Love In Vain
13 32-20 Blues
14 Hell Hound On My Trail

Janine Jansen-The four Seasons (Vivaldi)

noreply@blogger.com (Botafogo) — Mon, 08 Jun 2009 18:51:00 +0000

La Artista
"La musica es,al igual que la naturaleza, un elemento inagotable,sorprendente .Es,por mucho,mi mayor fuente de inspiracion." Asi nos habla Janine Jansen, la brillante y joven violinista Holandesa cuyo primer disco (bajo el sello Decca) ha tomado al mundo de la musica por asalto."Para mi hacer musica es una forma de expresar mis sentimientos,es por eso que tomo cada pieza tan frezca y espontanea como sea posible.Ademas de serle fiel a la pieza en si,trato que la emocion y la pasion sean lo mas importante de mi actuacion.La tecnica tiene que estar ahi, por supuesto, pero nunca debe ser lo unico.Creo que es mejor un concierto en el que el artista toma riesgos (aun si falla alguna nota), que uno en el que prevalezca la tecnica por sobre el alma del artista."

La obra

Las cuatro estaciones es el título de cuatro conciertos para violín y orquesta reunidos, y unas de las obras más recordadas y admiradas de Antonio Vivaldi. Éstas se encuentran contenidas en "Il cimento dell'armonia e delll'inventione" Op.8.

El primer libro comienza con Las cuatro estaciones, una obra descriptiva o programática que contiene cuatro conciertos (La primavera, El verano, El otoño y El invierno) que evocan, a través de elementos de lenguaje musical, distintos aspectos de las estaciones del año.

La primavera

La primavera es uno de los conciertos para violín que forman parte del II cimiento dell´armonía e dell´invenzione (Ensayo de la armonía y la invención). Esta obra, publicada en 1726, está dividida en dos libros, cada uno de ellos con seis conciertos. Vivaldi, introdujo en la partitura explicaciones escritas de aquello que describe mediante la música: el canto de los pájaros, los truenos...

Ésta obra está compuesta para violín solista y orquesta barroca de cuerda: violines, violas y lo que llamamos el bajo continuo (línea de bajo que se extiende a lo largo de toda la pieza), formado por violonchelos, contrabajos y clavicémbalo. Que consta de tres movimientos: 1.º: Allegro, 2º.: Largo, 3.º: Allegro. Uno de los recursos compositivos de Vivaldi es la repetición de un estribillo, llamado ritornello. A continuación se presentan los tres movimientos de "la primavera".

Primer movimiento: Allegro

Con un sonriente tema de tres compases la orquesta anuncia la llegada de la primavera, eco de este tema, aparición del solista acompañado por un par de violines imitan el canto de los pájaros, después en ondulantes figuras de dobles corches tendremos la descripción del agua brotando libremente en una fuente, súbita aparición del solista sugiriendo una tormenta, nuevas exposiciones del tema con eco y fin del movimiento.

Segundo movimiento: Largo

Sobre el verde campo y a la sombra de un frondoso árbol un pastor de cabras duerme una placentera siesta, cerca de él su perro ladra. En este movimiento la formula rítmica está a cargo de los violines, el ladrido del perro es remendado por la viola con dos notas repetidas –do-do….sol-sol, ausencia de voces graves.

Tercer movimiento: Allegro (Danza pastoril)

En el campo y bajo el cielo azul pastores y ninfas danzan gozosos por la llegada de la primavera. Musicalmente la escena se desarrolla sobre un compás de 12/8 con figuras rítmicas iguales para todas las cuerdas a excepción de las prolongadas notas largas de las cuerdas graves.

El verano

Primer movimiento: Allegro non molto

Una lenta introducción describe el intenso calor del verano, de nuevo oímos el canto de las aves en el súbito allegro, el cú-cú en figuras de dobles corcheas por el violín solista, después la tórtola el jilguero cuyos cantos son arrebatados por un fuerte viento y el llanto del pastor por miedo a la tormenta. Con huracanados vientos descritos por dobles corcheas en toda la cuerda finaliza el movimiento.

Segundo movimiento: Adagio-Presto-Adagio

El temor del pastor aún no se disipa, el solo de violín es interrumpido por los truenos que anuncian la tormenta.

Tercer movimiento: Presto

Gran cantidad de insectos voladores revolotean huyendo de la tormenta, los rayos iluminan el cielo ambiente pleno de tempestad, descripción llena de virtuosismo por el solista.

El otoño

Primer movimiento: Allegro

Los alegres campesinos celebran con danzas y cantos la recolección de la cosecha, musicalmente la danza esta escrita en un compás de 4/4 en donde las figuras rítmicas son iguales para el solista como para toda la orquesta, el cambio rítmico del solista en arpegios de dobles corcheas describe a un borrachín que después de varias travesuras al fin se queda dormido.

Segundo movimiento: Adagio molto

Los demás campesinos no dejan solo a este borrachín y lo acompañan en su embriagues hasta que el vino y el sueño los vence.

Tercer movimiento: Allegro

Llenos de gran entusiasmo y acompañados por los ladridos de sus perros y el sonar de sus cornos los cazadores se dirigen al bosque.

El invierno

Primer movimiento: Allegro non molto

En este movimiento Vivaldi ingeniosamente describe los efectos del frío, el castañeo de los dientes y el temblor del cuerpo. De nuevo aparece el elemento de tempestad, para mitigar un poco el frío los campesinos corren y patalean.

Segundo movimiento: Largo

Con una placentera y larga melodía del violín solista, Vivaldi, evoca una tarde de lluvia disfrutando de ésta al abrigo de la casa y al calor del fuego de la chimenea.

Tercer movimiento: Allegro

El movimiento en su inicio hace referencia al caminar lentamente sobre el hielo por miedo a caerse, el hielo comienza a agrietarse y todos ahora corren a refugiarse dentro de la casa en donde por la hendiduras de la puerta y de las ventanas se filtra el fuerte viento, así es el invierno que pese a todo nos deja grandes alegrías.

Metallica-Metallica (The Black Album) (1991)

noreply@blogger.com (Botafogo) — Wed, 27 May 2009 16:12:00 +0000

El mayor golpe de timón en la historia de Metallica. El disco que les significó perder a miles de seguidores a cambio de ganar millones… de fanáticos y de dólares. “Metallica” es sin duda el álbum más polémico de la agrupación, su entrada a las grandes ligas del superestrellato y su salida (por expulsión y autoexpulsión) de las oscuras sendas del metal subterráneo. Intoxicado quizá por los excesos experimentales de …And Justice For All, el cuarteto optó por dar un giro radical y dirigirse a lo básico. Había que simplificar su música, escribir canciones más cortas; si eso les redituaba una mayor comercialidad, no hallaron razón para rehusarse. Así, Hetfield, Ulrich, Hammett y Newsted volvieron a correr otro riesgo, pero esta vez en sentido contrario al que corrieron con Ride the Lightning. De pronto, el factor melódico cobró una mayor importancia y asi surguieron composiciones más accesibles para el gran público. Sin perder su esencia metalera, conservando parte de su fuerza trashera pero dando evidentes concesiones, surguieron temas como “Enter Sandman”, “Sad But True”, “Wherever I May Roam” y sobre todo “Nothing Else Matters”, con las cuales escandalizaron a las buenas-malas conciencias de sus viejos seguidores, quienes los acusaron de traición de lesa metalidad. A la comercialidad de Metallica contribuyó sin duda el productor Bob Rock, quien dio al disco un sonido púlido, muy alejado de las “sucias” grabaciones de las cuatro obras anteriores del grupo. A pesar de la condena del sector más ortodoxo de los fanáticos de Metallica o tal vez por ello, este disco significó de una u otra manera una nueva provocación que influyó en el heavy metal y cambió la dirección del mismo – ¿para bien, para mal?- de manera irreversible.

Redaccion

TRACKLIST

1 Enter Sandman
2 Sad But True
3 Holier Than Thou
4 The Unforgiven
5 Wherever I May Roam
6 Don't Tread On Me
7 Through The Never
Written By - Hammett
8 Nothing Else Matters
9 Of Wolf And Man
10 The God That Failed
11 My Friend Of Misery
12 The Struggle Within

C.C.R - Willy And The Poor Boys (1969)

noreply@blogger.com (Botafogo) — Fri, 22 May 2009 21:49:00 +0000

“Willy & The Poor Boys” es una rotunda obra maestra, una joya atemporal, un discazo de los que hacen época, uno de los mejores trabajos de los esenciales Creedence Clearwater Revival, banda capitaneada por el gran John Fogerty, el lúcido autor, tanto en textos como en música, de la mayoría del material grabado por el grupo de El Cerrito.

El disco contiene estupendas canciones de rock clásico, con aromas sureños y emocional ejecución, confluyendo en su composición herencias country, blues y folk, en las que la guitarra solista y la desgarrada voz de John están secundadas con maestría por la rítmica de su hermano Tom, la batería del fenomenal Doug Clifford y el bajo de Stu Cook.

Todos estos elementos son el fundamento de las combativas piezas que componen este LP, magistrales canciones que acometen principalmente temáticas de índole sociopolítico como "Down On The Corner", rítmica pieza rock con lucimiento para Stu al bajo y armonías en el contagioso estribillo, el animoso rock’n’roll "Don't Look Now (It Ain't You Or Me)", o "Fortunate Son", potente rock con esa inolvidable guitarra, la aspereza vocal de John y la fortaleza rítmica que aportan en conjunto, utilizando también un miramiento mordaz a los poderes fácticos tras un encuentro extraterrestre en "It Came Out Of The Sky", un rock’n’roll de primer orden que podría firmar el mejor Chuck Berry.

Aires folk y country se encuentran en la magnífica “Cotton Fields” (original del legendario bluesman Leadbelly), mientras que el poso bluesy desde la perspectiva pantanosa del grupo californiano se hace notar en la afligida y magistral "Feeling Blue", con una atmósfera hechizante en el desarrollo de tempo insinuante, en la instrumental “Poorboy Shuffle”, con John tocando la armónica, en la tradicional “The Midnight Special”, o en el extraordinario instrumental "Side O' The Road".

Una de las mejores piezas del álbum es la apocalíptica "Effigy", un hechizante y sensacional tema de folk-rock psicodélico que arremete, al igual que la gloriosa "Fortunate Son", contra la guerra del Vietnam, conflicto bélico que en el momento de la grabación de este LP estaba en uno de sus momentos más álgidos.

Redaccion

1. Down On The Corner
2. It Came Out Of Sky
3. Cotton Fields
4. Poorboy Shuffle
5. Feelin' Blue
6. Fortunate Son
7. Don't Look Now
8. The Midnight Special
9. Side O' The Road
10. Effigy

The Sex Pistols-Never mind the bollocks (1977)

noreply@blogger.com (Botafogo) — Wed, 20 May 2009 01:41:00 +0000

Un disco verdaderamente histórico del mítico grupo punk Sex Pistols, creación de Malcom McLaren (sin duda un gran publicista) que centró su éxito en la teatralidad y violencia de sus actuaciones, en las rabiosas y provocadoras diatribas escupidas por Johnny Rotten contra todo lo institucionalmente establecido en Gran Bretaña, con coléricos estribillos y un hiriente, feroz y pegadizo sonido instrumental.

Revolucionario en su postura social aunque no sonora, recogía tendencias de variados grupos proto-punk americanos.

Más allá de su legendaria y semiartificiosa irrupción en el panorama musical, las once canciones de este álbum son grandes temas de acerba energía y audaz apostura punk con influencia primordial de Stooges y Ramones.

En ellas perviven, desde un asentamiento agudamente juvenil y rebelde, recios ataques a la monarquía y vívidas proclamas anarquistas y nihilistas, en un mundo sin futuro exhibido por medio de iracunda factura vocal. ¿De verdad se lo creerían?...

01. Holidays in the Sun
02. Bodies
03. No Feelings
04. Liar
05. God Save The Queen
06. Problems
07. Seventeen
08. Anarchy In The U.K.
09. Submission
10. Pretty Vacant
11. New York
12. E.M.I

Magic Slim -Grand Slam (2000)

noreply@blogger.com (Botafogo) — Fri, 15 May 2009 23:25:00 +0000

Discazo sin dudas, infalible. Con un apoyo mas que satisfactorio de parte de " The teardrops" , Magic slim se despacha y se luce con 13 temas que tienen una frescura que muchos artistas han buscado y pocos han logrado.Pocas bandas pueden sonar en vivo , tan bien como en el disco.Estos "chicos" si lo pueden hacer.
"Slim" y su banda enfocan cada tema como si fuera el ultimo , saltando a la accion con una energia sorprendente.Ejecutan tanto los covers como las composiciones propias con tal autoridad y tanta fuerza que dejan a los "Blues-Lovers" a la espectativa de su proxima presentacion en tierras cercanas, para sentir en vivo todo aquello que en el estudio se plasmó.
Este disco fue originalmente grabado en 1982 (si mal no recuerdo) y reeditado en 2000.Fue seleccionado para representar la discografia de " The Teardrops" en la coleccion "The Blues collection" que reune a los mas grandes artistas y discos del genero.
Disfruten.

Mùsicos:
Morris “Magic Slim” Holt- vocal, guitar
Pete Allen – guitar
Nick Holt- bass
Nate Applewhite- drums
Coleman “Daddy Rabbit” Pettis, Jr.- vocal, gutar
Steve Cushing- drums

01. Early every morning
02. She belongs to me
03. Just to be with you
04. Walking the dog
05. Slammin’
06. Rough Dried Woman
07. Fannie Mae
08. Give me back my wog
09. Scuffling
10. Make my dreams come true
11. 1823 South Michigan Avenue
12. Wonder why
13. If you need me
14. Teardrop

Elvis Presley - Elvis Presley (1956)

noreply@blogger.com (Botafogo) — Mon, 11 May 2009 19:47:00 +0000

Hoy , a mediados de 2009, lo cuento yo y todo parece tan simple; el sello RCA pone unas fichas a un chico de raices humildes proveniente de Memphis, la television tambien se interesa en el al mismo tiempo y el resto es historia.Las circunstancias que rodearon a este disco no fueron ni simples ni promisorias, no habia nada en la historia de la musica popular que nos diera la pauta de que Elvis presley no fuera mas que otra locura del productor Steve Sholes , de hecho asi lo creian sus competidores.Todo fue muy inestable en la primera de las dos sesiones que se efectuaron para llevar a cabo la grabacion de este , el disco debut de Elvis. Tambien fue inentendible el hecho de grabar todo un album, cuando la tendencia decia que el publico joven compraba simples en vinilos 45s y no LP´s.
De aquellas primeras sesiones nace , entre otros, "Heartbreak Hotel" un potencial single que en un principio no fue considerado bueno y fue desechado.Dias despues fue regrabado y finalmente, lanzado. Durante casi un mes nada sucedio con el single, pero un buen dia todo comenzo a moverse.La television posaba sus ojos en Elvis y comenzaba la fiebre.
Durante los meses de enero y febrero del '55 se hicieron dos sesiones de grabacion de las que resultó el album debut de Elvis Presley.El exito fue inmediato y sorprendente , como nunca se habia dado.Rockabilly, blues, R&B, country, y pop fueron los ingredientes para una mezcla explosiva .
Asi nacia el primer album de la historia del Rock and Roll , el cual alcanzo el nº1 en los Chars y fue el primer album en llegar al millon de dolares en ganiancias.

¿Mi recomendacion?
Escuchen "Blue suede shoes" y "Money honey", pero claro,no dejen de pasar por todos los tacks que hay entre esos. Este es uno de esos discos que deberian de considerarse fundamentales, nadie se puede privar de ir a las raices del rock and roll , aunque sea una vez en la vida.

1. Blue Suede Shoes
2. I'm Counting on You
3. I Got A Woman
4. One-Sided Love Affair
5. I Love You Because
6. Just Because
7. Tutti Frutti
8. Trying to Get to You
9. I'm Gonna Sit Right Down and Cry (Over You)
10. I'll Never Let You Go (Lil' Darlin')
11. Blue Moon
12. Money Honey