Discazos online "Mas alla de tus oidos"

The Jimi Hendrix Experience- Bold as Love(1967)

noreply@blogger.com (Sebastian (Botafogo)) — Sat, 31 Dec 2011 14:23:00 +0000

Tras romper moldes con su apabullante "Are Tou Experienced?" estableciendo una conexión ácida entre el blues, el rock y la psicodelia, el malogrado guitarrista de Seattle volvía a la carga con esta segunda entrega en estudio facturando una nueva obra maestra en la que a las referidas constantes musicales añade con acierto dosis pop en canciones como la funky "Wait Until Tomorrow", con coros en los que interviene gente como Graham Nash o Roy Wood, "You Got me floatin'" o "She's So Fine", una maravilla escrita y cantada por el bajista Noel Redding que está fuertemente influenciada por los Who.

El jazz sirve de base para la elegante "Up From The Skies", mientras que el blues rock y la lisergia se asocian en "If 6 Was 9", excelente tema que se convierte en uno de los momentos imprescindibles del álbum junto a otras piezas memorables como la rockera "Spanish Castle Magic", con un extraordinario riff de guitarra, "Ain't No Telling", con una devastadora sección rítmica, la fabulosa balada "Little Wing", que conocería posteriormente una gran versión de Eric Clapton, "Castles Made Of Sand", tema que cuenta con un brillante texto acompañado de una magnífica melodía, la atmósferica "One Rainy Wish" o "Bold As Love", despedida de disco de intensa emotividad.
Toda una portentosa exhibición del guitarrista más genial e innovador que ha dado la historia del rock.
Redaccion

01 - EXP
02 - Up from the Skies
03 - Spanish Castle Magic
04 - Wait Until Tomorrow
05 - Ain't No Telling
06 - Little Wing
07 - If 6 Was 9
08 - You Got Me Floatin'
09 - Castles Made of Sand
10 - She's So Fine
11 - One Rainy Wish
12 - Little Miss Lover
13 - Bold as Love

Charly Garcia- Hello! Mtv Unplugged (1995)

noreply@blogger.com (Sebastian (Botafogo)) — Sat, 29 Oct 2011 18:34:00 +0000

Aprovechando el furor de los recitales acústicos, García se presentó en el ciclo "Unplugged" de la cadena televisiva norteamericana MTV, con un show que incluyó temas de todas sus etapas y que fue puesto en el aire para toda Latinoamérica en julio y editado en CD para fines de ese mismo año. El material fue tocado en vivo en el teatro Gran Rex, a fines del '95.

01. charly garcia - yendo de la cama al living (4:23)
02. charly garcia - rezo por vos (4:48)
03. charly garcia - fanky (4:35)
04. charly garcia - pasajera en trance (3:27)
05. charly garcia - seru giran medley, eiti leda - viernes 3 a.m (6:48)
06. charly garcia - cerca de la revolucion (5:04)
07. charly garcia - promesas sobre el bidet (3:06)
08. charly garcia - no soy un extraño (4:22)
09. charly garcia - los dinosaurios (3:33)
10. charly garcia - chipi chipi (3:50)
11. charly garcia - la sal no sala (4:44)
12. charly garcia - nos siguen pegando abajo (pecado mortal) (3:21)
13. charly garcia - ojos de videotape (4:06)
14. charly garcia - demoliendo hoteles (5:29)
15. charly garcia - fifteen forever (2:52)

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota -Momo Sampler (2000)

noreply@blogger.com (Sebastian (Botafogo)) — Sun, 03 Jul 2011 16:50:00 +0000

Nada más y nada menos. No por ser una obra de la banda más legendaria del rock sudaca voy a dejar de describir algunos detalles esenciales. Once son los temas que componen a la placa lanzada en el año 2000, de los cuales sólo 3 fueron cortes de difusión –“El templo de Momo”, tema que abre el disco con guiños de un concepto carnavalesco en su título, la alegórica “Una piba con la remera de Greenpeace”, y en menor medida “La murga de la virgencita”, otra murga-rock con lírica de callejón sin salida.
Hasta ahí pareciera un CD mas con la siempre sorprendente y admirable gestión independiente de los platenses, pero no lo es. Se suceden los artilugios electrónicos expuestos a modo de complemento de la esencia ricotera, tal como en su álbum antecesor -Ultimo Bondi a Finisterre, de 1998-, pero esta vez de un modo más conceptual y al frente. Ahora ustedes se preguntarán de donde saque yo semejante conclusiones…
Bien, tiene su explicación. Es el último de “Los Redondos” y no solamente por esta razón es diferente. Contiene un sonido más trabajado –por las dudas, a los escépticos los invito a degustar las tesituras y detalles técnicos de “Dr Saturno”, “Murga Purga” y “Sheriff”, por nombrar algunos. Lo apadrina un tema central a modo de eje o historia que unifica las canciones, ¿cuándo no?. En este caso le llegó el turno a Momo, mitológico rey del carnaval sudamericano.
Claro, no es la primera vez que el grupo liderado por Carlos Indio Solari y Eduardo Skay Beilinson dan formas conceptuales a sus creaciones musicales, cabe recordar al preciadísimo “Oktubre”, del lejano 1986 y su siempre simpático y oscuro “Luzbelito”, de hace casi quince años atrás. Cinco después y diez menos que ahora, un último trabajo discográfico -nunca mejor dicho- de Patricio Rey daba su ultimo zarpazo en las bateas. Valió la pena.

REDACCION

01 - Templo de Momo
02 - Morta punto com
03- La Murga de los Renegados
04- Dr. Saturno
05- Murga de la Virgencita
06- Pool, Averna y Papusa
07- Murga purga
08- Sheriff
09- Pensando como una Acelga
10- Una piba con la remera de Greenpeace
11- Rato molhado

Pappo´s Blues -Volumen 2 (1972)

noreply@blogger.com (Sebastian (Botafogo)) — Fri, 25 Feb 2011 20:45:00 +0000

Tras el enorme éxito alcanzado con "Volumen 1" Pappo decide encarar la grabación de su segundo LP conservando el formato de trío: guitarra, bajo y batería tan de moda en aquellos años (Jimmy
Hendrix, Cream etc). David Lebón y Black Amaya se habían integrado a 'Pescado Rabioso', es así que para este segundo volúmen recluta al baterísta estable de 'La Pesada' Luis Gambolini, (aunque en algunos temas todavía toca Black Amaya antes de unirse a Pescado) y a un ignoto bajista llamado Carlos Piñata.

Este disco contiene dos de los temas mas clásicos de Pappo de toda su carrera: "Tren De Las 16" y "Desconfío De La Vida", en éste último Pappo toca el piano.
Además Pappo incluye en este disco el tema de su autoría "Castillo De Piedra", tema que le cediera gentilmente a Spinetta para que lo incluya en 'Spinettalandia y Sus Amigos' (1971).
En el LP original Vol. 2 el tema fue rebautizado con el nombre "Tema I" y luego se hizo más conocido como "No Hay Tiempo Para Elegir". Aquí podemos escuchar la versión a cargo de su propio autor: Pappo (autoría que el sello RCA le negara al principio por haber sido incluído en el álbum de Spinetta).

De los ocho temas que lo componen, salvo "Cementerio", todos los demás se han convertido en
clásicos inolvidables de Pappo. Este álbum "Volumen 2" es de por sí un compilado de grandes éxitos del Carpo, y a juicio de muchos el más interesante de la serie de siete volúmenes que grabara durante los '70s para el sello Music Hall. (de hecho siempre ha sido el primero de los siete en agotarse en las dos reediciones posteriores que se hicieron hasta el momento).
Es el más clásico de los clásicos, aún habiendo pasado ya más de 38 años desde su edición original este disco de Pappo's Blues "Volumen 2" es inoxidable!

REDACCION

01. El Tren De Las 16
02. Llegará La Paz
03. Insoluble
04. No Hay Tiempo Para Elegir (a.k.a "Tema I" o "Castillo De Piedra")
05. Desconfío De La Vida
06. Solitario Juan
07. Blues De Santa Fé
08. Cementerio

Tanghetto - Emigrante (electrotango) (2003)

noreply@blogger.com (Sebastian (Botafogo)) — Thu, 10 Feb 2011 23:00:00 +0000

Tanghetto es una banda argentina liderada por Max Masri (synths y programación) y Diego S. Velázquez (guitarra) formada en 2001. El nombre "Tanghetto" (formado por las palabras "tango" y "ghetto") recuerda a las "pequeñas argentinas", comundades de argentinos exiliados en el exterior, especialmente por motivos políiticos y económicos.
A mediados de los 90s, Max Masri (uno de los últimos discípulos del maestro Virgilio Expósito) volvía a Buenos Aires tras vivir en Alemania experiencias interesantes entre estos argentinos emigrados. A raíz de esto y gracias a su contacto con la escena electrónica alemana, trajo una idea: crear un nuevo lenguaje musical que sintetizara el tango con los sonidos contemporáneos
de la electrónica.
A fines del ‘98 comenzó a trabajar con Diego S. Velázquez y en ese momento comenzó la experimentación en estudio con los primeros tracks de electrotango. En 2001 el proyecto tomó prioridad y comenzó el proceso de grabación del disco, con composiciones 100% propias y un buen nombre para el proyecto: Tanghetto.
La formación se completa con Federico Vázquez (bandoneón), Antonio Boyadjian (piano), Chao Xu (violoncello y el instrumento chino de cuerda frotada erhu) y Daniel Corrado (batería).

Argentina sigue reexplorando y reinterpretando su patrimonio musical.Tanghetto es caminante de un camino tambien transitado por agrupaciones internacionalmente conocidas como "Gothan Project" y "Bajofondo Tango Club" , dicho camino tiene la empresa de llevar el sonido caracteristico del tango a un publico globalizado hambriento de nostalgia.
A diferencia de emprendimientos similares , Tanghetto no se queda en fusionar el tango con ritmicas derivadas del Hip Hop y el Dub, sino que va mas alla , recreando de la mejor manera ambientes que trasladan a quien escucha a los callejones porteños mediante la interpretacion de diversas corrientes ritmicas caracteristicas del las costas del atlantico sur.
Emigrante es un disco cuyas pistas se mantienen todas unidas bajo un mismo concepto, la obra es una pintura de una Argentina , que historicamente fue tierra de inmigrantes y sinonimo de prosperidad y esperanza, que recien empezado el milenio se encontraba hundida en una profunda crisis economica que la borraba del plano mundial y veia a sus naturales emigrar a tierras europeas buscando esperanza y prosperidad.

1. Inmigrante
2. Una Llamada
3. Alexanderplatz Tango
4. Al final todos se van
5. Recursos Humanos
6. La Caída
7. El Boulevard
8. El Siguiente Capítulo
9. Vida Moderna en 2/4
10. Montevideo
11. Mente Frágil
12. Emigrante — Exilio del Alma

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota -Luzbelito (1996)

noreply@blogger.com (Sebastian (Botafogo)) — Sun, 30 Jan 2011 03:15:00 +0000

Sin duda este álbum presenta un fuerte cambio dentro de la obra de Patricio Rey y sus redonditos de ricota, y que culminaría con la etapa más experimental de la banda con El último bondy a Finisterre y Momo Sampler, el último trabajo que tuviera como principales exponentes a la dupla Solari-Beilinson antes de un impasse muy parecido a una separación que ya lleva más de ocho años.
La escena musical de los `90 fué atravesando un clima de verdadero revival, empujando a numerosos artístas de la época a generar cierta distancia respecto del eje principal de sus composiciones. Aparecen nuevos intérpretes y estilos que logran encender el desarrollo musical de artistas ya consagrados, surge el Grunge, domina el Pop y cae definitivamente la música Disco.
Hace pocos días durante el fin de año 2010 y tras conmemorarse los 30 años de la muerte de John Lennon, una nota periodística perteneciente a Rolling Stone edición Argentina daba cuenta de la magnitud del cambio musical provocado en la sociedad durante los días en que John había muerto. Realidad claramente determinada por la era del consumo y el auge capitalista que avanzaba sin reparo sobre la industria discográfica, sumado a los cambios y la apertura de nuevas experiencias artísticas y musicales que se hallaban ligadas a estos acontecimientos, produciendo un quiebre inigualable entre los más representativos artistas que luchaban en contra del despliegue de esta gran maquinaria de mecado encabezada por el ex beatle, quien sin embargo incursionó en las mas variadas propuestas del Rock alternativo a fin de hallar nuevos sonidos. Éste mismo espíritu se mantuvo vigente durante muchos años, las bases de aquel cambio consiguieron crear nuevas armas en materia musical ligado al debacle social que trajo consigo la crisis de valores, el aumento de las desigualdades, y el crecimiento de un Rock que llena estadios.
A nivel local la convocatoria de los redondos los lleva incluso a dejar de lado Palladium ó Cemento y no hablemos del ex- Obras en cuyas presentaciones la multitud ha llegado a cortar Av. Del Libertador, para alcanzar una definida masividad comparada con el rock que trasciende fronteras de la mano de Cerati, Bossio y Alberti. La toma de canciones de Luzbelito los lleva por primera vez a grabar en el exterior y fue este el primer álbum en presentar un diseño digi-pack con caja de cartón, algo nuevo para la época. Se trata de un disco con canciones algo festivas en algunos pasajes, y otras más cercanas al juego de creencias y experiencias personales que suelen ser codificadas por cada fanático, como la tan representativa “Juguetes perdidos” de mayor alcance en cada show en vivo y uno de los momentos más emotivos del ritual ricotero. Durante las presentaciones de Luzbelito los desbordes de gente terminaron con la suspensión de un concierto en la localidad de Olavarria, motivo de la presencia del Indio en TV para aclarar lo sucedido a merced de la frivolidad altanera de los medios de comunicación. Cabe resaltar que la independencia musical y el éxito alcanzado jamás se debió a innecesarias exposiciones en televisión, como “Jugate Conmigo”, “Ritmo de la noche” o “La movida del Verano”, se trata de un fenómeno que incluso traspasa lo musical hasta transformarse en un suceso cultural y social que ha crecido notablemente de la mano de esta placa.

Fuentes:
Mundo redondo, las puertas del nuevo cielo.
- Discografía oficial de la banda.
- Los shows.
Rolling Stone Latinoamérica:
- Anuario Dic/ 2010

REDACCION POR LIONEL .Thank You!

01- Luzbelito y las sirenas
02- Cruz diablo!
03- Ella baila con todos
04- Fanfarria del cabrio
05- Nuotatori Professionisti
06- Blues de la libertad
07- La dicha no es una cosa alegra
08- Me matan limón
09- Rock yogular
10- Mariposa pontiac - Rock del país
11- Juguetes perdidos

Deep Purple -Burn (1974)

noreply@blogger.com (Sebastian (Botafogo)) — Thu, 20 Jan 2011 18:37:00 +0000

Después de un exitoso line-up y quizás el mejor de su historia formado por Ian Gillan, Ritchie Blackmore, Jon Lord, Roger Glover y Ian Paice, dos de sus miembros deciden marcharse para empezar aventuras en solitario. En 1973, el vocalista Ian Gillan y el bajista Roger Glover se van. Es entonces cuando el grupo ha de buscar sustitutos y los encuentra en un vocalista totalmente desconocido de la escena rockera, David Coverdale, para cubrir la ausencia de Gillan y al bajista de los Trapeze, Glen Hughes para sustituir a Glover en las cuatro cuerdas.

Lo que parecía iba a ser la difícil sustitución de Ian Gillan (se le ofreció el puesto a Paul Rodgers) acabó siendo uno de los mejores aciertos en la historia de la música. Realmente sustituir una voz como la de Ian nunca puede resultar fácil tarea, pero lo consiguieron al encontrar a uno de los mejores vocalistas. David Coverdale batió todas las expectativas. Pero no tan solo él sino que con la nueva formación el bajista Glen Hughes quedaba como segundo vocalista y la fórmula fue sorprendentemente genial.

David tiene una voz completamente diferente que Gillan, mucho más negroide y orientada al Blues, o incluso al Soul, con lo que se daba un giro muy diferente a la trayectoria mantenida hasta entonces. Asimismo Hughes es muy diferente que Glover, mucho más funky y con el añadido de aportar una gran voz al conjunto.

Resultado de todos estos cambios es Burn, uno de los mejores, o quizás el mejor álbum de Hard Rock de todos los tiempos.

Un álbum irrepetible, inconmensurable y grandioso. Una obra maestra que tan solo grupos de la talla de Deep Purple fueron capaces de crear.
Después de más de 30 años de su creación 'still I hear, burn'.
Redaccion

01 - Burn
02 - Might Just Take Your Life
03 - Lay Down, Stay Down
04 - Sail Away
05 - You Fool No One
06 - What's Going On Here
07 - Mistreated
08 - 'A' 200 `

Pink Floyd -Wish you were here (1975)

noreply@blogger.com (Sebastian (Botafogo)) — Mon, 10 Jan 2011 03:01:00 +0000

Pink Floyd, aquellos cuatro hombres que parieron una obra tan grande como aquel disco llamado “Dark Side Of The Moon”, se enfrentaban en 1974 al gran reto que suponía mantener el listón tan alto como lo habían dejado con un disco que lleva vendidas más de 40 millones de copias en todo el mundo.

El grupo había ganado muchísimo dinero y fama. Tal cantidad de dinero les dejaba cierta tranquilidad y confianza a la hora de plantear las ideas del nuevo disco, por lo que se podían permitir equivocarse, hacer y deshacer en el estudio por lo que se tomaron con calma su desarrollo. En enero del 75 entraron en los estudios Abbey Road para grabar lo que seria esta gran obra, y no acabarían hasta junio, pero vamos a lo que de verdad importa: el disco y su significado.

La obra se puede considerar un tributo al difunto Syd Barret, quien fue expulsado de la banda en los 60 por su fuerte adicción a las drogas, siendo sustituido por David Gilmour. Por otro lado, el disco contiene dos canciones referidas a la presión que sufría el grupo en ese momento y a la industria discográfica.

El disco abre con la magistral “Shine On You Crazy Diamond”, una suite de 9 partes divididas en dos pistas: la que abre el disco y la que lo cierra. Es una canción muy atmosférica e instrumental en su mayor parte, que se abre con una suave línea de teclado que sirve de base al emotivo punteo de Gilmour. Poco a poco se va dejando paso al resto de instrumentos, y no es hasta pasada la mitad del tema cuando Gilmour y Waters recitan las estrofas referidas a su ex-compañero Syd Barret, apoyados por los coros femeninos ya típicos en sus composiciones. La canción termina con un solo de saxo del que seria un colaborador habitual con la banda: Dick Parry.

A esta primera mitad de la suite, le sigue “Welcome To The Machine” otro tema bastante atmosférico compuesto únicamente por Waters y cantada en su mayor parte por Gilmour, en el que podemos escuchar numerosos efectos de sonido y uso de sintetizadores junto con unos acordes en guitarra acústica que nos acompañan durante todo el tema. Esta es una de las dos canciones referidas a la industria discográfica.

El siguiente tema no es nada menos que “Have A Cigar”, un tema muy rítmico, compuesto también por Waters y cantado por uno de los colaboradores en el disco: Roy Harper. En este tema, Waters describe la situación que lleva sufriendo el grupo desde su enorme éxito con su anterior trabajo. Pasada la mitad del tema, Gilmour nos vuelve a deleitar con un solo de guitarra siguiendo su inconfundible estilo acompañado con la melodía de teclado hasta el final del tema.

El cuarto corte del disco es una bonita balada acústica compuesta por el dúo Gilmour/Waters dedicada en gran medida a Syd Barret, “Wish You Were Here”. Gilmour vuelve a impresionarnos con su melódica voz y una letra muy lograda por parte de Waters (recomiendo leerla). Otro limpio punteo por parte de Gilmour marca la mitad de la canción para dejar paso a la estrofa que da titulo a la canción y al riff inicial de guitarra.

El tema que pone punto y final al disco es la segunda parte de “Shine On You Crazy Diamond”, que comienza con un efecto que deja paso al sonido del bajo. Continúa el tema incorporando la guitarra, la batería y otra melodía de teclado en la línea de la primera parte, dejando paso a un ritmo machacón y otro de los punteos slide de Gilmour. Siguiendo la estructura de la primera mitad, comienzan a cantar Gilmour y Waters las estrofas, acompañados en el estribillo por los coros femeninos. El corte acaba con una atmosférica y relajada parte instrumental que pone la guinda a un grandioso disco, de los más musicales de toda la historia del grupo.

Esta obra, a pesar de tener una innegable calidad musical, no obtuvo el éxito de su predecesor en cuanto a ventas, pero no bajo el listón en lo que a música se refiere, a pesar de haber sido número uno.

Fue a partir de este disco cuando Waters comenzó a liderar el grupo y se empezaron a hacer notables las diferencias entre Gilmour y el.

Resumiendo (mucho) la historia posterior del grupo, cabe destacar que Waters abandono la banda en 1985 para comenzar su carrera en solitario, y Gilmour continuó acompañado por Nick Mason y Richard Wright publicando dos nuevos álbumes de estudio y dos directos, tanto en formato audio como video, pasando por primera vez por nuestro país.

Los 4 miembros clásicos de la banda (Waters, Gilmour, Mason, Wright) no se reunirían hasta el año 2005 para un concierto benéfico.

Redaccion

1. Shine On You Crazy Diamond (Part 1-5)
2. Welcome To The Machine
3. Have A Cigar
4. Wish You Were Here
5. Shine On You Crazy Diamond (Part 6-9)

La Renga-InsoportablemENte VIVO (2001)

noreply@blogger.com (Sebastian (Botafogo)) — Sat, 01 Jan 2011 03:01:00 +0000

¿Que decir de un disco como este? elijo este material para dar inicio a este nuevo año (nuestro tercer año online) por varios motivos, el mas importante de ellos es la fuerza, esa energia que se trasmite a travez de este recital es lo mejor que se puede ofrecer a nuestros oyentes.Energia, mucha y de la buena.Este recital lo tiene, por eso se publica.
Elijo La Renga, una de las bandas mas influyentes del actual rock actual en Argentina, una de la bandas con mas años en los escenarios que aun sigue en la ruta y sin duda, la banda mas convocante del rock Argentino , heredera de las multitudes de la mitica "Patricio Rey y sus redonditos de Ricota".
Musicalmente se nota al trio formado por Chizzo (voz y guitarra) , Tete (Bajo) y Tanque (Bateria)
mas el saxofonista Chiflo ,una banda muy solida y compacta, con muchos años arriba del escenario.Con la participacion de grandes del rock como Ricardo Mollo (Sumo-Divididos) y el internacional Pappo .
A la lista de temas no hay nada que pedirle, son 31 temas cargados de poder y exitos, se hace incapie sobre todo en "Despedazado por mil partes" y "La esquina del infinito" , sus discos mas recordados.
Se elije la renga por ser hoy una de las bandas mas representativas del Rock Argentino actual, aunque no se refleje en el exterior, y se elije este disco por ser un disco que muestra mas que fielmente la esencia del publico argentino, muestra mas que fielmente la fuerza de 60000 almas que cantan todos los temas de principio a fin con una energia que contagia e invita a meterse de lleno en el medio del recital.
Salud.

01 Panic Show
02 Motoralmaysangre
03 Al que he sangrado
04 Bien Alto
05 Cuando Vendran
06 En el Baldio
07 El Mambo de la Botella
08 Blues Cardiaco
09 El Terco
10 En Pie
11 El Cielo del desengaño
12 Lo Fragil de la Locura
13 Un Tiempo Fuera de Casa
14 La Vida las mismas Calles
15 El Twist del Pibe
16 El Hombre de la Estrella

01 Paja Brava
02 Oportunidad Oportuna
03 2+2=3
04 Arte Infernal
05 El Circo Romano
06 Cuando estes Acá
07 Balada del Diablo y La Muerte
08 El rey de la triste felicidad
09 El final es en donde partir
10 Me Hice cancion
11 Psilocybe mexicana
12 El Revelde
13 Estalla
14 Hey Hey,My My
15 Hablando de Libertad

Pearl Jam -Ten (1991)

noreply@blogger.com (Sebastian (Botafogo)) — Mon, 27 Dec 2010 17:08:00 +0000

Ten es el nombre del primer disco oficial de Pearl Jam, grupo originario de Seattle. Este álbum el resultado final de un largo proceso iniciado por el trío Gossard/Ament/McCready, ya que la mayoría de las canciones provienen del mítico Gossman Project, complementado por nuevas composiciones de ellos mismos o de Eddie Vedder ya plenamente integrado a la banda.

El álbum se convirtió en uno de los discos trascendentales en la escena musical norteamericana en la década de los noventa, equiparándose al efecto producido por el disco Nevermind de Nirvana, banda también salida de la escena de Seattle. Pearl Jam se volvió de la noche a la mañana, gracias a Ten, una de las bandas más exitosas de entre todas las surgidas en la ciudad de Seattle.

DESCRIPCION

Ten produjo tres sencillos que se convirtieron en éxitos: "Even Flow", "Alive", y "Jeremy". Realizaron para cada canción un vídeo promocional. La canción "Black" alcanzó el lugar #3 en la lista de Mainstream Rock, a pesar de no haber sido lanzada como sencillo, además de que canciones como "Once" y "Why Go" recibieron una difusión en medios considerable, lo que aumentaría en gran medida la popularidad del grupo. La última canción del álbum, la tranquila y meditativa "Release", curiosamente se ha convertido en una de las canciones preferidas por el grupo para abrir sus conciertos.

A pesar del tono rosado de la portada y de su fotografía con todos ellos unidos, las once canciones del álbum hablan acerca de cuestiones como la depresión, el suicidio, la soledad y la muerte. Mucha gente ha tomado a la canción "Alive" como un himno inspiracional por su intento de elevar la música y el coro hacia el final. Sin embargo, Vedder ha revelado que la canción tiene un cierto toque biográfico, ya que habla acerca de como un niño descubre que su padre es en realidad su padre adoptivo, mientras su madre comienza a acosarlo sexualmente debido a su gran parecido con su padre biológico.

En el año 2009 el album Ten fue reeditado en varias versiones, desde una edición sencilla que incluye el album original remasterizado y otro disco del mismo album pero con la mezclas de Brendan O'Brien e incluyendo temas inéditos; hasta una version de lujo que incluye CDs, DVDs, LPs, Cassetes, imágenes y notas personales de la banda.

El 13 de junio de 1992 en un concierto en Múnich, Alemania, el grupo tocó el álbum completo en el orden exacto de las canciones como parte del mismo. Algo parecido lo harían mucho tiempo después, el 19 de septiembre de 2006, pero en esta ocasión para su álbum homónimo.

01. Once
02. Even Flow
03. Alive
04. Why Go
05. Black
06. Jeremy
07. Oceans
08. Porch
09. Garden
10. Deep
11. Release

Slayer - Reign In Blood (1986)

noreply@blogger.com (Sebastian (Botafogo)) — Sat, 18 Dec 2010 21:58:00 +0000

Slayer puede ser el grupo más irreverente que haya pisado este mundo, pero es innegable que sin haberse alejado ni siquiera un instante de su línea musical tan extrema es reconocido por todo el mundo y que han inspirado a miles de grupos, motivo por el cual ha sido "víctima" de varios tributos.

Slayer es el dueño de uno de los discos más importantes de toda la historia del mundo del Heavy Metal el REIGN IN BLOOD, ¿por qué?, porque simplemente nadie ha podido siquiera acercarse a la forma tan bestial, devastadora y veloz de tocar Thrash Metal conjugado con una melodía como lo hizo Slayer aquí y que ha sido el punto de partida para que otras bandas por todo el orbe se inspiren y

Inicia el disco con "Angel Of Death", canción convertida en clásico de todos los tiempos, que representa al género en su máxima expresión y que te vuela los sesos sin misericordia alguna. Es una canción que te hechiza y que ya por si sola hace que te digas ya lo oí todo, solo ella vale el disco, pero resulta que todo lo que sigue te causará el mismo efecto.

"Piece By Piece" es arrolladora, 2:02 minutos de velocidad pura, "Necrophobic" más aun 1:38 de muerte hecha canción, "Altar Of Sacrifice" nos deja medio respirar pero con una de las línea más inolvidables del Metal: "ENTER TO THE REALM OF SATAN". Pero el "descanso" es ínfimo, imediatamente después, Tom Araya vuelve a hacer alarde de su capacidad de cantar a la misma velocidad de la música y nos deja con la letra del disco en la mano y sin poder siquiera seguirlo una sola línea en "Jesus Saves".

"Criminally Insane" tiene uno de esos inicios que nunca se te olvidan, sube y baja la velocidad que da vertigo, seguidamente Reborn, ¡¡¡que aplanadora!!!, para continuar con una de mis favoritas "Epidemic" que entra con una batería hiperveloz (sello del álbum y Lombardo) una melodía exquisita y que te contagia de la epidemia, por si no habías terminado de contrarer la enfermedad de SLAYER.

"Postmortem" simplemente es eso, ya en este punto tienes rato de haber muerto, pero la canción no es del todo rápida y te ayuda a resucitar sin que te pase por la cabeza lo que te espera para el "gran finale" (obviamente cuando lo escuchaste por primera vez), "Postmortem" se acelera, al final queda solo una guitarra y... pum pum pum se escucha la tormenta... pum pum pum... como en la mejor película de terror nos quedamos al filo del asiento esperando a ver que pasa y cuando entra esa línea de guitarra inconfundible de "Raining Blood" nuestro corazón definitivamente deja de latir, porque simplemente ya no se puede más.

¿Que nos queda ?, pues nada, recuperar el aliento, volverlo a poner y morir de nuevo. Es impresionante y eso que solo dura 28 minutos.

Reseña

1. Angel Of Death
2. Piece By Piece
3. Necrophobic
4. Altar Of Sacrifice
5. Jesus Saves
6. Criminally Insane
7. Reborn8. Epidemic
9. Postmortem
10. Raining Blood
11. Aggressive Perfector (bonus track)
12. Criminally Insane (remix, bonus track)

Rata Blanca- Magos, espadas y Rosas (1989)

noreply@blogger.com (Sebastian (Botafogo)) — Mon, 13 Dec 2010 21:23:00 +0000

Editado en 1989 por Polygram y alcanzando en menos de ocho meses el Disco de Oro, siendo uno de los discos más vendidos de la historia del rock argentino y sudamericano haciendo que el heavy metal, inconscientemente, subiera a puestos inesperados e inalcanzables hasta ese momento. Este es el primer disco grabado con el cantante Adrián Barilari y el tecladista Hugo Bistolfi...

A fines de los 80, el heavy argento tambaleaba por la retirada de sus dos patriarcas fundadores: Pappo habia disuelto la discutida formacion de Riff con JAF y Moro y volvia al blues; mientras que el V8 de Iorio venia de colapsar tras su vuelco al cristianismo, y su diáspora (Hermética, Horcas, Logos) recien cortaba los dientes de leche.

Tampoco movia el amperimetro la variante hair, encarnada por bandas como Alakran y Fiesta Americana.
Se Necesitaba un giro de llave que dejara entrar en el metal local todos esos elementos que hacian proliferar el genero en Anglosajonia.

Y para eso llegó Magos, espadas y rosas (1990), un trabajo que los puristas prodrán discutir, pero al que nadie desestimará en su rol de oportuno salvavidas de nuestra escena pesada. Una Obra de arte en el que cada uno de sus creadores se encontraban en sus pico maximo de inspiracion, destreza y hablidad.

Giardino Había formado el grupo en 1987, tras pasar fugazmente por una de las ultimas encarnaciones de V8. Tuvo a su propio Paul Di'Anno en Saúl Blanch, ex vocalista de Plus en los 70, con quien grabó un debut homónimo que no tuvo el éxito esperado (años mas tarde, como suele pasar, este trabajo sería rescatado por el ratismo extremo como el portador del verdadero espíritu de la banda), por lo que se abrió así la primera de muchas puertas: la que dejó entrar a Adrián Barilari. El joven e inquieto vocalista de pelo corto completó la fórmula de "guitarrista místico + frontman carismático" y fue clave en el nuevo estilo de grupo, una cruza entre el heavy clásico de Rainbow, el power épico de Helloween y -tambien- una pizquita de soft metal californiano.

Miembros:

Walter Giardino - Guitarra líder
Adrián Barilari - Voz
Sergio Berdichevsky - Guitarra rítmica
Gustavo Rowek - Bateria
Guillermo Sánchez - Bajo
Hugo Bistolfi - Teclados

Si uno tomaba como botón de muestra el tema de apertura "La Leyenda del hada y el Mago", que Rata eligiera un titulo como "Magos, espadas y rosas" era como si Riff titulara uno de sus discos "Cuero, fierros y minas": una especie de catálogo de lo que se oiría al posarse la púa sobre el negro vinilo. Así se abrió un nuevo portal: el que permitió que ingresaran al metal nacional los elfos y las brujas y los bosques y los dragones de J.R.R. Tolkien, temática que nunca terminó de prender en la escena argentina, siempre mas afecta a las letras contestatarias legadas por V8.

Y qué otra entrada inauguraron??

La del violero divo, extravagante, virtuoso y veloz, nieto de Ritchie Blackmore e hijo de Yngwie Malmsteen.
Hablábamos antes de la veta soft, y es ésta la que funciona como pasadizo para otro factor que hasta ese momento no habia pisado la escena local: los sentimientos. "Porque es tan dificil amar", se preguntan en un instrumental, cosa que habria horrorizado a las brigadas metálicas apenas un par de años atras. Pero si de fundamentalistas escandalizados hablamos, nada supera a "Mujer Amante", el aterrizaje definitivo de la mas rara avis del heavy: el hit crossover, la canción que entonan hijos y madres, el himno que termina sonando en las FM entre Haddaway y Luis Miguel hasta que Giardino y compañia le bajan el pulgar, hartos de la excesiva exposición que acaba por hacerles ganar, al mismo tiempo, el favor del publico pop y la desconfianza de la intelligentzia dura.

Fueron tiempos de vale todo: decenas de miles de copias en circulacion, discos de platino, shows con orquesta sinfónica y piezas de Bach; Vélez hasta la manija, bailantas, playbacks en Ritmo de la Noche.

Que quedó?:

- Popularidad, claro: veinte años después, siguen vendiendo y convocando. Pero tambien parquedad y recelo, reciduo de una época brillante que se hizo áspera por culpa de los dos crímenes menos perdonables del metal: llegar primero y pegarla.

1. "La leyenda del hada y el mago" - 5:24
2. "Mujer amante" - 6:05
3. "El beso de la bruja" - 4:19
4. "Haz tu jugada" - 6:22
5. "El camino del Sol" - 9:28
6. "Días duros" - 7:24
7. "Por qué es tan difícil amar" (instrumental) - 5:33
8. "Preludio obsesivo" (instrumental) (tema extra) - 3:40
9. "Otoño medieval" (instrumental) (tema extra) - 2:34

John Lennon- Imagine (1970)

noreply@blogger.com (Sebastian (Botafogo)) — Thu, 09 Dec 2010 01:08:00 +0000

Imagine es el segundo álbum de estudio de John Lennon y es considerado como su trabajo más popular como solista. Grabado y publicado en 1971, el álbum contiene canciones más sofisticadas, más comerciales y menos vanguardistas que en sus anteriores proyectos, como John Lennon/Plastic Ono Band. Según Lennon, la diferencia entre Imagine y sus trabajos previos era el "baño de chocolate para el consumo público" del primero,en referencia a los arreglos de cuerda que prevalecen durante todo el álbum.

Tras su publicación en septiembre de 1971, Imagine recibió buenas reseñas por parte de la crítica, alcanzando el primer puesto a nivel global y despuntando en el nivel de ventas. El tema "Imagine" alcanzaría el puesto #3 en las listas de Billboard y el #1 en las británicas tras la muerte de Lennon.
En 2000, Yoko Ono supervisaría la remezcla de Imagine para la reedición del álbum en formato CD.
En 2003, la revista musical Rolling Stone colocó Imagine en el puesto #76 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos.

1. "Imagine" – 3:01
2. "Crippled Inside" – 3:47
3. "Jealous Guy" – 4:14
4. "It's So Hard" – 2:25
5. "I Don't Wanna Be a Soldier Mama I Don't Wanna Die" – 6:05
6. "Gimme Some Truth" – 3:16
7. "Oh My Love" (John Lennon, Yoko Ono) – 2:44
8. "How Do You Sleep?" – 5:36
9. "How?" – 3:43
10. "Oh Yoko!" – 4:20

Vox Dei -La biblia (1971)

noreply@blogger.com (Sebastian (Botafogo)) — Thu, 25 Nov 2010 22:33:00 +0000

Vox Dei fue una de las bandas pioneras del rock cantado en español, en Argentina. La que constituyó uno de sus primeros hitos al presentar la que debió ser la primera obra conceptual del rock argentino, La Biblia, inspirada obviamente en los textos sagrados.

Vox Dei, una banda pionera del rock en Argentina

Constituida por Ricardo Soulé (guitarra y voz), Juan Carlos Godoy (guitarra), Willy Quiroga (bajo y voz) y Rubén Basoalto (batería), la banda Vox Dei apareció en 1968, integrando una de las bandas inaugurales del rock en Argentina, junto a otras tales como Los Gatos, Almendra y Manal.

Su primer disco apareció en 1970, Caliente, poniéndose a trabajar rápidamente en la composición de La Biblia, la que terminaría por ser la obra cumbre del grupo, que se publicaría un año más tarde.

La banda produjo tres discos más, pero en 1974 Ricardo Soulé anunció su retiro de la formación, algo que anteriormente ya había hecho Juan Carlos Godoy.

Nunca se resolvió el tema de si la composición de La Biblia pertenecía absolutamente a Soulé, o si había sido realizada en colaboración con Quiroga, algo que originaría fricciones en la relación y terminaría por desgastar a la banda.

Ya como solista, Soulé emprendería una obra sobre el Cantar del Mío Cid, también en versión rock, pero nunca pasó de la presentación de dos o tres canciones.
"La Biblia", la obra cumbre de Vox Dei

Enseguida de darse a conocer la elaboración del trabajo, el Arzobispado de Buenos Aires se mostró muy interesado al enterarse de la factura del producto, pero enseguida se volcó a favor de la obra, encontrándola recomendable para la juventud, y sorprendiéndose de la enorme capacidad de síntesis (el disco dura apenas cincuentaiséis minutos), por lo que el mamotreto pudiera reflejarse fielmente en apenas un puñado de canciones.

Lejos de sonar a banda de Acción Católica, la obra de Vox Dei es irrefutablemente rock, con una poética despojada de todo partidismo religioso y pretensión evangelizadora; antes bien, es un mensaje de amor universal, más parecido a lo que como antecedente puede encontrarse en Jesucristo Superstar.
Redaccion (Roberto Langella. )

La lista de canciones es la que sigue:

* Génesis
* Moisés
* Las guerras
* Profecías
* Libros sapienciales
* Cristo (Nacimiento)
* Cristo (Muerte y Resurrección)
* Apocalipsis (instrumental)

B.B King -Live (2008)

noreply@blogger.com (Sebastian (Botafogo)) — Sun, 14 Nov 2010 04:16:00 +0000

Riley B. King mejor conocido como B.B.King… Grabado en vivo en 2008 desde los B.B. King Blues Club’s en Nashville y Memphis.Un show similar al que pudimos disfrutar durante el mes de marzo en Argentina.Una grabacion impecable con la magia de siempre.Disfrutenlo

01. Mr. King Comes On Stage
02. Why I Sing The Blues
03. I Need You So
04. Bad Case of Love
05. Bluesman
06. When Love Comes to Town
07. All Over Again
08. You Are My Sunshine
09. Rock Me Baby
10. Key To The Highway
11. Thrill Is Gone
12. When The Saints Go Marching In

Pink Floyd - Animals (1977)

noreply@blogger.com (Sebastian (Botafogo)) — Sun, 15 Aug 2010 22:20:00 +0000

En 1975, los Pink Floyd ya habían exorcizado la salida de Syd Barret, con el impresionante ábum tributo Wish You Were Here. Aunque, escuchando los reportajes, hasta estos días manifiestan algo de culpa por no haber podido ayudarlo. Casi podríamos decir que “le soltaron la mano” poco tiempo después que David Guimour -el salvador que llegó cuando Syd ya no funcionaba- se incorporaba al grupo.En 1976, pero editado en el ´77, hacen ANIMALS. Este disco se trata de una obra conceptual. La historia está basada en la novela “Rebelión en la Granja” (Animal Farm - 1945) de George Orwell. La novela trata de un grupo de animales que, en una granja, eran sometidos por el humano. Los animales se organizan y se revelan al orden, tomando el control y echando al hombre del lugar. De a poco, la comunidad liberada se va volviendo anárquica, y como contrapartida del ese caos, surje un nuevo orden (al cual estaban al mando los cerdos), que resulta igual o peor que el anterior. La figura del cerdo fue utilizada recurrentemente por Pink Floyd hasta estos días. Con ella representan su posición contestataria frente al sistema.

Ya en este disco comienzan los problemas en el grupo que desembocaron luego con la salida de Roger Waters de la banda. Es que hasta Wisk You Were Here, los temas eran compuestos entre todos, o con participación de todos. En Animals (y mucho peor en The Wall, el siguiente álbum), ya la posición de líder de Waters era absoluta. Casi los trataba como si fuesen “su banda” y, si bien la fuerza y empuje que Waters tenía en ese momento era impresionante (reconocido por los otros, tanto en calidad como en energía), el resto lo sintió avasallante y comenzaron a sentirse molestos.

Salvo un tema (Dogs, por Guilmour), todo fue obra de Waters. Los Lyrics, el concepto de la obra, el diseño, hasta el cerdo colgado entre las enormes chimeneas de la refinería de carbón “Battersea Power Station”.

El resultado de tanta fuerza y crisis revuelta fue, pese a todo, excelente. Es uno de los álbumes más profundos de Pink Floyd, y si bien para mí lo mejor de Floyd son El Lado Oscuro y Wish You… Animals y The Wall vienen inmediatamente atrás.
Redaccion

01 - Pigs On The Wing (Part 1)
02 - Dogs
03 - Pigs (Three Different Ones)
04 - Sheep
05 - Pigs On The Wing (Part 2)

Willie Dixon - I Am The Blues(1970)

noreply@blogger.com (Sebastian (Botafogo)) — Fri, 30 Jul 2010 21:46:00 +0000

1.- Back Door Man
2.- I Can't Quit You, Baby
3.- The Seventh Son
4.- Spoonful
5.- I Ain't Superstitious
6.- You Shook Me
7.- I'm Your Hoochie Coochie Man
8.- The Little Red Rooster
9.- The Same Thing

Guns N' Roses -Greatest Hits (2004)

noreply@blogger.com (Sebastian (Botafogo)) — Mon, 21 Jun 2010 18:18:00 +0000

Guns N’ Roses es una banda de hard rock que nació en Los Ángeles, en marzo de 1985. El grupo estaba formado por el cantante Axl Rose, los guitarristas Tracii Guns e Izzy Stradlin, el bajista Ole Beich, y el baterista Rob Gardner. El nombre deriva de la combinación de dos bandas muy importantes en Hollywood, los L.A Guns y los Hollywood Rose. Su primer concierto tuvo fecha el 26 de marzo de 1985 en el Troubador (Hollywood, California). Hasta el momento han vendido 100 millones de copias.

Hollywood Rose fue la banda creada por Jeffrey Isabell (Izzy Stradlin) y William Rose (Axl Rose) después de dejar Lafayette, Indiana y establecerse en Los Ángeles. Posteriormente se transformaría en una de las bandas más importantes de hard rock de finales de los ochenta e inicios de los noventa: Guns N’ Roses.

Tras su formación en 1985 debutaron como banda en el Troubadour Club, realizando su primera gira llamada The Hell Tour por clubes de Seattle, Portland, Eugene, Sacramento y San Francisco. Dicha gira no llegaron a finalizarla debido a una avería en la furgoneta en la que viajaban que les obligó a regresar a Los Ángeles. Siguieron haciendo actuaciones esporádicas en locales de Hollywood consiguiendo una cierta reputación. Todos vivían y ensayaban en la misma habitación.

Guns N’ Roses regresa al panorama musical tras diez años de ausencia. Este greatest hits está formado por 14 temas y recorre toda la carrera del grupo desde sus inicios, con temas que les pusieron en la parte de arriba de las listas musicales. Además se incluye por primera vez el tema de los Rolling Stones “Simpathy For The Devil” perteneciente a la banda sonora de la película de 1995 “Entrevista con el Vampiro”.

1. Welcome to the jungle
2. Sweet Child o’ Mine
3. Patience
4. Paradise City
5. Knockin’ on Heaven’s Door
6. Civil War
7. You Could Be Mine
8. Don’t Cry (original version)
9. November Rain
10. Live and Let Die
11. Yesterdays
12. Ain’t It Fun
13. Since I Don’t Have You
14. Sympathy for the Devil

Leon Gieco- De ushuaia a la quiaca (1985)

noreply@blogger.com (Sebastian (Botafogo)) — Tue, 25 May 2010 03:05:00 +0000

El proyecto "De Ushuaia a la Quiaca", consistió en ir a los lugares donde la música misma náce y grabarla en su ambiente natural y no llevar los músicos a un estudio de grabación en una ciudad grande donde perderían parte del sentimiento que dá el lugar de origen. Para ello se viajó con un estudio móvil de grabación de 16 canales , dentro de una combi (camioneta cerrada) se tenía la "cabina de grabación" que le servía al ingeniero Gustavo Gauvry para monitor de lo que se estaba grabando. En la mayoría de los lugares no se tenía acceso a electricidad entónces se usaba un generador eléctrico portátil y se lo ponía a más de 200 metros para que el ruido no se grabara. Cuando se grabó en el sur argentino hubo una ocación en que el frío era tan grande que los micrófonos tendían a congelarse y había que darles calor para que funcionaran correctamente. También se tomaron cerca de 2000 fotografías y se grabaron mas de 50 horas de video registrando los momentos mas gloriosos de la gira.
De Ushuaia a la Quiaca es un proyecto que no regístra antecedentes en la historia de la música argentina. Más de 600 conciertos recorriendo cada rincón argentino dió fruto a éste legado cultural. Poetas, maestros, alumnos, músicos, y la tierra misma, juntos en una película auditiva fascinante!!!.
León Gieco junto a Leda Valladares grabaron en el cementerio de Maimará, en las ruinas de los indios Quilmes y en el anfiteatro de el Cadillal en Tucumán. Leda recopiló un montón de bagualas, algunas de más de 400 años de antiguedad que han ido pasando de generación a generación. También, en una casa de adobe de Amaicha, grabó a la gran bagualera del norte argentino Gerónima Sequeida.
Canto colectivo en el Anfiteatro Natural de Piedra en los Valles Calchaquíes. Un grupo de 1500 chicos tucumanos reunídos para cantar bagualas y vidalas. La grabación se realizó con un sistema holofónico que es lo más parecído al oido humano, captando los sonidos en un ángulo de 360 grados dando la sensación de espacialidad natural.
León Gieco junto a Isabel Parra grabaron a orillas del canal de Beagle frente a la frontera chilena, a orillas del rio Pipo y en Ushuaia Tierra del Fuego.

"…y que se acaben los ruidos en la frontera

por un puñado de tierra no quiero guerras."

"cuándo será ese cuándo , señor fiscal

que la america sea sólo un pilar"

La dirección y producción musical estuvo a cargo de Gustavo Santaolalla. Participó tambien como músico, tocando guitarras, charango, percución y voces. Gustavo creía firmemente en el proyecto, en todo momento fue el motor y el timón de el barco. Fué quizás el primero que integró la tecnologia MIDI a la música tradicional.
En muchas ocaciones, la música, la danza, la artesanía, y muchas otras formas de expresión cultural se mezclaban para dar forma en plenitud al folcklore argentino. La idea era integrarse con todo tipo de artistas, y que ellos mísmos determinaran el límite cultural de este proyecto. El resultado, una verdadera obra maestra.

1. Esos ojos negros
2. Don Sixto Palavecino
3. Por el camino perdido
4. Príncipe azul
5. Para Pete
6. Cola de amor
7. Camino de llamas
8. Carito
9. No existe fuerza en el mundo
10. Yo vendo unos ojos negros

1. Los chacareros de dragones
2. En la frontera
3. Vidala del monte
4. Chacarera del violín
5. Kilómetro 11
6. Canto en la rama
7. Ay naranjal
8. Dimensión de amistad
9. No sé qué tienen las penas
10. Indiecito latino
11. Grillito del pueblo
12. Agüita de Putiña
13. Del brazo con la suerte
14. Maturana

1. El canto del tero
2. Amigos tengo por cientos
3. La gritona
4. Sobre las flores
5. Solo como el cardón
6. Las hojas tienen mudanza
7. Me voy quedando
8. Dale soga nomás
9. La calandria
10. Baguala centrífuga [potpurrí]
11. Los pueblos americanos
12. Pai Julián
13. Baguala para mi muerte

1. Cuando oigo sonar la caja
2. Me la paso cantando
3. Esta comparsa
4. Tengo una vaquita
5. Torito cumbreño
6. Maturana (versión instrumental)
7. Maturana (versión cantada)
8. Maturana (ensayo con León)
9. Que se viene el agua
10. Yo vendo unos ojos negros
11. Me caballo bayo
12. Por lo que me gustan las uvas
13. Para Ale
14. Zamba de los yuyos
15. Adiós pueblito de Iruya
16. Con cuchillo de palo
17. La del encuentro
18. Coplas populares
19. Sólo le pido a Dios
20. Soy la que pinta las uvas
21. Maturana (versión en Cañada)
22. Brazo de guitarra

PANTERA- Vulgar Display Of Power (1992)

noreply@blogger.com (Sebastian (Botafogo)) — Sun, 23 May 2010 01:13:00 +0000

¿El mejor disco de la década de los noventa? Quizá suene demasiado pretencioso… ¿Uno de los diez mejores? Sin duda alguna. PANTERA cambiaron la forma de entender el metal con este trabajo. No es descabellado decir que tanto Phil Anselmo como Mike Patton marcaron una generación a nivel vocal en la que muchos cantantes vieron ejemplos a seguir; uno en su vertiente más agresiva, y el otro en la más melódica y alternativa. Además, Pantera contaban en sus filas con otro ejemplo para muchos, el guitarrista Dimebag Darrell.

El grupo nacen a principios de los años 80, cuando los hermanos Abbot, Vincent Paul (amante del jazz) y Darrell Lance, más conocidos como Vinnie Paul y Diamond Darrell deciden montar un grupo junto al cantante y guitarra Terence Glazer y al bajista Rex Brown. Denominados Panther en un principio, optaron por Pantera tras descubrir que el primer nombre estaba registrado. Sus primeros discos eran propios de una banda de hard rock, acompañados de una estética cercana al glam. En esta etapa editaron ‘Metal Magic’, ‘Projects In The Jungle’ y ‘I Am The Night. Tras estos tres trabajos deciden echar a Glazer de la banda, lanzándose a la búsqueda de un vocalista más abierto de miras para el estilo de la banda. Es en 1987 cuando hace aparición Phil Anselmo, uno de los cantantes más completos de la historia del metal. Con solo dieciocho años graba “Power metal”, donde ya se ve una evolución en el sonido del grupo, y no es de extrañar, teniendo en cuenta que las bandas favoritas de Anselmo eran Slayer, Venom, Metallica, Iron Maiden, Black Sabbath…

Empiezan la década fichando por el sello ATCO (filial de Atlantic) y rompen con su pasado. Su primera obra en los 90, ‘Cowboys From Hell’ marca un nuevo nacimiento en Pantera; el sonido de la banda se va asentando, con un soplo de aire fresco en el panorama de la música por aquella época. Anselmo empieza a mostrar sus dotes como vocalista y sus diferentes registros y Dimebag lo que se puede hacer con ingenio y una guitarra en sus manos.Pero lo mejor estaba por venir, y la continuación superó al predecesor de manera sobrada. Haciendo un inciso en la grabación de ‘Vulgar Display Of Power’, formaron parte del Monsters of Rock de 1991 junto a ACDC y Metallica, y es año siguiente en el que el grupo se pone en boca de todos con la publicación de este disco. El álbum llegó en plena revolución musical de los años 90. Por un lado estaban los experimentos de Faith No More y su ‘Angel Dust’ y Red Hot Chili Peppers con ‘Blood Sugar Sex Magic’; por otro, el fenómeno grunge encabezado por Nirvana y el multimillonario ‘Nevermind’; y por último, el cambio de Metallica con su disco homónimo de 1991. Simplemente un hecho para entender el fenómeno de este cuarteto: el single “Mouth For War” entró directamente al número uno de ventas en EEUU, desbancando por aquel entonces a ‘Enter Sandman’ de los citados Metallica, permaneciendo el álbum cuarenta y una semanas en la lista.

El disco se abría con dicho tema, canción que versa sobre el turbio pasado de Anselmo; un corte seco, directo, mostrando un grupo haciendo un disco de thrash moderno, con la peculiar y genuina voz de un Phil que impactó a toda la comunidad metalera no solo con su estilo, sino con su tatuado cuerpo y su cabeza rapada. Todo el álbum es un no parar de temas para el recuerdo. ‘New Level’, más heavy y pesada, continuada por ‘Walk’… y rematada por completo con ‘Fucking Hostile’, corta, intensa, agresiva… así son Pantera.

La primera pausa relativa del disco viene con ‘This Love’, donde la dualidad de amor-odio calma en algunas partes al grupo. Nada más lejos de la realidad, ya que los estribillos se muestran igual de contundentes que los anteriores temas, y la velocidad vuelve con ‘Rise’, una premonición de lo que les sucedería, pues el grupo desde ese momento no paró de crecer. ‘No Good (Attack The Radical)’ fue criticado por algunos medios por alguna referencia racista que el grupo negó en todo momento; la personalidad de Anselmo y sus letras siempre estuvieron en el punto de mira. Dimebag muestra uno de sus trabajos más espectaculares en ella acompañando a la voz melódica de Anselmo, y vuelve a destacar con nombre propio en ‘Live In A Hole’. El nivel baja un poco con ‘Regular People (Conceit)’, pero el final es el mejor de los posibles. Por un lado, ‘By Demons Be Driven’, desquiciante, lenta, muy en la línea de la estructura de los primeros cortes del álbum; por otro, ‘Hollow’, el tema más lento y triste del disco, donde Anselmo abre su corazón en referencia a, presumiblemente, la perdida de un ser cercano. Entre tanto riff y tanta descarga de brutalidad, Pantera demuestra que saben hacer temas lentos… con un final donde vuelven a demostrar que lo suyo es la contundencia.

Algunos piensan que lo que marcó el principio de todo fue el ‘Cowboys From Hell’, otros creen que la brutalidad del ‘Far Beyond Driven’ o ‘The Great Southern Trendkill’ fue la cota más alta en la carrera de Pantera… pero sin duda, si hay un disco por el que serán recordados, será ‘Vulgar Display Of Power’. Los malos rollos en el seno del grupo serían posteriores, pero ni uno con Down y Superjoint Ritual ni los otros con Damage Plan se acercaron a lo conseguido con su banda original. Y por desgracia, si hay un hecho por el que serán más recordados, será por el asesinato de Dimebag Darrell la noche del ocho de Diciembre del 2004, donde un loco hijo de puta mató a uno de los mejores guitarrista de la historia del metal durante un concierto de Damage Plan, aparte de gente del público y técnicos de sonido. Descansen en paz tres años después…
Redaccion

01 - Mouth for War
02 - A New Level
03 - Walk
04 - Fucking Hostile
05 - This Love
06 - Rise
07 - No Good (Attack the Radical)
08 - Live in a Hole
09 - Regular People
10 - By Demons Be Driven
11 - Hollow

Dividos-Acariciando lo Aspero (1991)

noreply@blogger.com (Sebastian (Botafogo)) — Mon, 26 Apr 2010 19:48:00 +0000

Acariciando lo Aspero, de 1991, fue el segundo disco de Divididos,la aplanadora del rock n' roll, banda formada por dos ex-integrantes deSumo, Ricardo Mollo(guitarra y voz) y Diego Arnedo(bajo), y que ha contado con distintos bateristas a lo largo de su historia, en el período 1990-1995, quien se encargó de los tambores fue Federico GilSolá.
Acariciando lo Aspero está considerado entre los mejores discos de la banda y difiere del álbum debut marcando un distanciamiento entre el sonido de Sumo y el de Divididos.

1. El 38
2. Sábado
3. Cuadros colgados
4. Cielito lindo
5. Qué tal
6. Sisters
7. Ala delta
8. Azulejo
9. El burrito
10. Jamelosapoaí
11. Paraguay
12. Voodoo Chile
13. Haciendo cola para nacer

Pink Floyd- P.u.l.s.e. (1994)

noreply@blogger.com (Sebastian (Botafogo)) — Sat, 03 Apr 2010 03:15:00 +0000

P.U.L.S.E. es básicamente el registro de uno de los últimos conciertos de la gira Division Bell. Grabado en el Earls Court de Londres en Octubre de 1994, como un especial para televisión, no tardó en comercializarse en VHS y LaserDisc.
Mucho se ha dicho que P.U.L.S.E. constituye el último registro de Pink Floyd en vivo. Y aunque a nivel industrial así lo es, no hay que ser ciegos ni sordos para percatarse que las recientes giras en solitario del guitarrista David Gilmour y del bajista Roger Waters no son más que tours de Pink Floyd con otro nombre. Lo mismo vale para la reunión del Live 8 el año pasado, otro ejemplo de que después The Beatles, Pink Floyd es el marca inactiva más “activa” del rock. Y el dato de que la edicion de este concierto en DVD debutara número 1 en las listas de todos los países, da luces del peso y el impacto que el grupo aún arrastra.
P.U.L.S.E. está dividido en dos discos. El primero parte con una inmejorable versión de “Shine on you crazy diamond” para luego recorrer lo mejor del disco Division Bell, excusa de la gira del 94. Temas como “High Hopes” y “Coming back to Life” ganan mucho en vivo, condenados a convertirse en clásicos de la banda, tan válidos como cualquier tema de The Wall o Meddle. El primer volumen regresa a la etapa clásica floydiana con “Another brick in the Wall. Part 2”
Pero indiscutiblemente la joya viene en el segundo volumen, donde Gilmour, Mason y Wright, más una manada de sesionistas -entre los que destacan el tecladista Jon Carin y la corista Sam Brown (chica rubia responsable de ese one hit wonder en solitario que fue “Stop”)-, interpretan a cabalidad Dark Side of the Moon, opus fundamental en la historia de la banda. Y es precisamente al final de esta entrega cuando más se extraña la ausencia de Roger Waters. La voz de Gilmour no alcanza el dramatismo necesario para darle carácter al epilogo “Brain Damage/Eclipse”, algo que se repite en “Confortably Numb” y "Run Like Hell”, donde a pesar de los solos inigualables del guitarrista líder, las voces de “auxilio” no dan el tono épico para los duetos vocales originales entre Waters y Gilmour. La ausencia de Waters no pena como un fantasma, pero uno sabe que mucho de lo que este registro entrega mejoraría mucho si el mítico bajista hubiese estado ahí, junto a sus camaradas. Eso sin embargo no desentona ante el hecho de que ver este concierto es experimentar casi en vivo y en directo la experiencia de estar ante el equipo estereofónico más monumental y perfecto de la historia de la música popular. Mason es un baterista correcto que sabe apoyarse en las percusiones de su compañero Gary Wallis, Wright sigue siendo el arquitecto de los colchones de teclado más hermosos del planeta y su trabajo a dúo con Carin eriza los pelos. El bajista Guy Pratt explota en las cuatro cuerdas con un talento instrumental –auque le duela a los puristas- muy superior al de Waters. Pero si hay alguien que reina sobre el escenario, ese es David Gilmour. Hace un tiempo Pete Townsend de The Who dijo, respecto de su amigo Gilmour, que era el guitarrista con sonido más único de la escena británica, el único al cual por más que trataba no lograba igualar. Brian May de Queen ha repetido elogios similares y basta sentarse a experimentar “Shine on you crazy Diamond” para darse cuenta el porque del respeto y la admiración que el cantante y guitarrista despierta entre sus pares.

Sonido monstruoso, una presentación historica. P.U.L.S.E. lo tiene todo para ser una obra maestra. De hecho lo es, sino fuera por la ausencia de Waters, algunos extras de más y esa honda sensación de que quizás sea lo último editado bajo la marca Pink Floyd que queda mientras se apagan los ultimos gritos. El adiós, en todo caso, es con fuegos artificiales.

1. "Shine on You Crazy Diamond"
2. "Astronomy Domine" (4:20),
3. "What Do You Want From Me"
4. "Learning to Fly"
5. "Keep Talking"
6. "Coming Back To Life"
7. "Hey You"
8. "A Great Day For Freedom"
9. "Sorrow"
10. "High Hopes"
11. "Another Brick In the Wall (Part Two)"

1. "Speak to Me"
2. "Breathe"
3. "On the Run"
4. "Time"
5. "The Great Gig In The Sky"
6. "Money"
7. "Us And Them"
8. "Any Colour You Like"
9. "Brain Damage"
10. "Eclipse"
11. "Wish You Were Here"
12. "Comfortably Numb"
13. "Run Like Hell"

Eric Clapton- Mtv unplugged (1992)

noreply@blogger.com (Sebastian (Botafogo)) — Thu, 18 Mar 2010 03:59:00 +0000

Unplugged es un álbum de Eric Clapton que salió a la venta en agosto de 1992. Fue grabado en vivo el 16 de enero de 1992 en los estudios Bray Film de Windsor, Inglaterra, para la serie MTV Unplugged. Este álbum incluye la versión acústica de "Tears in heaven" y una versión especial para "Layla" con arreglos distintos. Presenta además interpretaciones de otros autores, que han influenciado bastante a Clapton, como Robert Johnson y Big Bill Broonzy.

Por este álbum Clapton ganó tres premios Grammy, en las categorías "Álbum del año", "Vocalista de rock masculino" y "Mejor canción de rock"; además de otros tres por la grabación de "Tears in heaven".

En el 2000, la revista Q lo puso en el número 71 de la lista de "Los 100 mejores álbumes británicos de todos los tiempos". Algunos medios se han referido a este álbum como el origen del éxito de la serie Unplugged de la cadena televisiva estadounidense MTV y como una vuelta a las raíces blues de Eric.

1. Signe
2. Before You Accuse Me
3. Hey Hey
4. Tears In Heaven
5. Lonely Stranger
6. Nobody Knows You When Youre Down & Out
7. Layla
8. Running On Faith
9. Walkin Blues
10. Alberta
11. San Francisco Bay Blues
12. Malted Milk
13. Old Love
14. Rollin & Tumblin

Manal- Manal (1970)

noreply@blogger.com (Sebastian (Botafogo)) — Thu, 11 Mar 2010 04:50:00 +0000

En 1970 , varios años despues de su debut , con una par de simples y una banda de sonido en el haber , Manal saca su primer disco.
Un disco que amen del probable debut del rythm/ blues castizo , fue el primer caballito de batalla del sello mandioca.
En manal , entonces , se funden varias de las primeras rutas de nuestro rock.
Jorge alvarez, tanguito , la cueva , moris , miguel abuelo y pappo no resultarian del mismo gusto sin esta banda.
El album en cuestion marca quizas el punto mas alto en la parabola manalense.
Nada seria lo mismo despues del exito para el trio.

El debut de Manal era un manifiesto audaz que respondía al desarrollo del blues británico por parte de bandas como Cream o Ten Years After, pero también rescindía en el sostenimiento por interpretar en idioma castellano y seguía poniendo a Argentina en abanderados por lo menos en ese rubro. Las canciones persiguen una magia sabrosa porque perfilan como una verdadera banda sonora de una bohemia Buenos Aires, que encontraba en La Cueva (mítica lugar de inicios del rock en la ciudad) un refugio donde poder ejecutar la música que más amaban. La voz cruda de Javier Martinez y la guitarra jocosa de Claudio Gabis son reconocidas como necesarias en su país en la actualidad.

01 - Jugo De Tomate
02 - Porque Hoy Nací
03 - Avenida Rivadavia
04 - Todo El Día Me Pregunto
05 - Avellaneda Blues
06 - Una Casa Con Diez Pinos
07 - Informe De Un Día
08 - Que Pena Me Dás (Bonus 1er Single Lado A)
09 - Para Ser Un Hombre Más (Bonus 1er Single Lado B)
10 - No Pibe (Bonus 2do Single Lado A)
11 - Necesito Un Amor (Bonus 2do Single Lado B)

Buddy Guy-Stone Crazy (1981)

noreply@blogger.com (Sebastian (Botafogo)) — Sun, 07 Mar 2010 15:52:00 +0000

Every year, blues fans from around the world make the pilgrimage to Buddy Guy's Checkerboard Lounge on the South Side of Chicago. Sadly, they often leave disappointed, because if Guy is coaxed into playing at all, he's apt to put in a perfunctory appearance and then beat it back to tending bar. Fortunately, there are still nights when Guy catches fire and is truly terrific, nights when no one can touch him. Stone Crazy!, though recorded in a studio, captures one of these bursts of grandeur, presenting the artist at his frantic and frenzied best.

Technically speaking, Guy is no virtuoso. What distinguishes him is intensity. Throughout much of this album, Buddy Guy's savage guitar playing and fiery vocals are so riveting that a casual listening is impossible. "I Smell a Rat" and "When I Left Home" stand out as the wildest, most effective cuts. Like many live studio jams, Stone Crazy! has some uncertain moments, but the star's band always adjusts quickly to maintain the groove. They also enhance Guy's dramatic singing with sharply contrasting dynamics, propelled by ace drummer Ray Allison, who's working with Muddy Waters now. While purists may not dig the syncopated bass lines and general funk overtones, Stone Crazy! is both a fine blues record and one of the year's most passionate LPs.

Passion keeps a considerably lower profile on Koko Taylor's From the Heart of a Woman. Though this Chicago-based, gravel-voiced blues belter has recorded some hot stuff in the past, a lot of her singing here sounds detached and uninspired. "Sure Had a Wonderful Time Last Night," "Blow Top Blues" and "If Walls Could Talk" are the only memorable performances. But an interesting mixture of material – swing music, gospel-flavored tunes, disco-tinged funk, straight blues–and a bevy of brilliant guest musicians compensate for Taylor's uneven vocals. Criss Johnson and Sammy Lawhorn turn in excellent guitar solos, A.C. Reed wails on sax and Bill Heid sparkles as a sensitive keyboard player. The end result is a pleasant contemporary blues disc.

You can play Koko Taylor's From the Heart of a Woman at a party, but don't fool with Buddy Guy's Stone Crazy! unless you're ready to take on a maniac.

Para no traducir: Stone Crazy! de 1981 es una obra fundamental, un discazo, de este gran musico.Buddy Guy puede que no sea tecnicamente un gran virtuoso, pero es espectacular y tiene una pasion que muchos otros no.A los amantes del buen blues,esto que sigue es lo que nos gusta.

1. I Smell A Rat
2. Are You Losing Your Mind?
3. You've Been Gone Too Long
4. She's Out There Somewhere
5. Outskirts Of Town
6. When I Left Home