Des oreilles dans babylone

Public Image Ltd - Rockstore (Montpellier) - 27/05/26

noreply@blogger.com (Nickx) — Sun, 31 May 2026 04:56:33 +0000

courtesy of Dominique "Doc" Psychèdelique"

Better days will never be...

Un concert brassant large la discographie de PiL et commençant par le furieux hit "Home" ne pouvait être mauvais. D'autant que John Lydon revenu d'une époque troublée (décès de son épouse, problèmes de santé, maltraitance médiatique, trahison des ex-Pistols....) porte plutôt beau. Enfin ce n'est pas l'espèce de chemise-chasuble-djellaba qui le met à l'honneur - notre homme s'est toujours habillé comme un sac- mais de ça il est coutumier du fait.
Tout est en place donc pour 1H45 de ruades post punk, de dub ambient, de tubes assénés par un quatuor très en forme ( Lu Edmunds déchaîné au bouzouki) où l'on se dit que tel un Kraftwerk amputé des trois quarts de son line-up légendaire, PiL est cette franchise qui emmenée par son leader, traverse les époques et peut défendre une discographie qui sans être pléthorique recèle bon nombre de classiques.
Ils sont tous là : "Home", "This is not a love song" (leur "Blue Monday" à eux), "Death disco" (aussi intitulée "Swan song"), "Poptones". On a même droit à "Flowers of romance" et à une impro rappelant grandement le "Banging the door" de l'album éponyme sur la présentation des musiciens. "World destruction" également, single d'Afrika Bambaataa, sur lequel John fit jadis un featuring. Fidèle à sa légende, PiL fait relativement l'impasse sur son album en cours.

Le son est hénaurme, l'ancien héros du punk grimacier en diable, tous les voyants sont au vert donc ; et il n'y a guère sur "Rise"balancé en rappel (en fait une pause clopes annoncée par Lydon) que l'ex Sex Pistols doit descendre d'un octave sur certains refrains. Un "Rise" repris à tue-tête par le public et qui a le bon goût d'être précédé d'un "Public image" revigorant qui met en extase le Rockstore garni comme un oeuf, de quinquas et sexas punk à chien.

John avait prévenu : "This Is Not The Last Tour". Et comme dit l'autre, les héros ne meurent jamais ; ils s'absentent.

Litania - s/t (2025)

noreply@blogger.com (Nickx) — Wed, 20 May 2026 17:44:45 +0000

Litania, nouvelle signature doom-métal italo-serbe, est un quatuor drone psychédélique. Drivé par la multi-instrumentiste Elisa de Munari, il est l'un des dernières sensations du label Heavy Psych Sounds qui porte bien son nom. La chanteuse-leader de Litania insuffle avec ses acolytes un souffle épique et spirituel qui n'est pas sans renvoyer aux plus belles heures des chants psalmodiés féminins que la pop a pu engendrer. Le tout dans un habillage oriental du plus bel effet.

C'est d'abord un son sourd et menaçant aux guitares accordées très bas qui prend l'auditeur aux tripes. Normal, car la prime influence d'Elisa et de son groupe n'est pas moins que Black Sabbath et plus près de nous des stoners de Kyuss. La grande particularité de Litania, ce sont bien sûr ces vocaux inspirés de l'hindoustani qui lui confèrent une dimension mystique ("Manasi devi"), un peu à la manière des mythiques chanteuses du label 4AD, Lisa Gerrard et Liz Fraser. Impossible de ne pas penser aux Cocteau Twins, notamment sur les fabuleux "Ghunghru" ou "Jimanuya" avec ce qui ressemble à des onomatopées enchanteresses. Mais un Cocteau Twins on l'aura compris aux basses et rythmiques testostéronées.

Elisa De Munari joue du sitar, du dilruba, autre instrument à cordes indien aux sonorités proches et jadis popularisé par un certain....George Harrison. Un autre gimmick malin est l'utilisation récurrente de l'harmonium à soufflet, finalement pas si courant que cela dans la pop contemporaine - vient à l'esprit le nom et la référence du très bon premier disque éponyme d'Anna Calvi.

Le son et l' "étrangeté" de la dynamique de Litania provient aussi de l'alliage ou opposition du métal lourd, organique avec les racines de la culture classique indienne incarnées par le dhrupad, musique ancestrale et méditative dans laquelle Elisa De Munari s'est plongée et qu'elle a longuement étudiée. Le sensoriel prédomine grandement dans la musique du groupe et a activement présidé aux sessions de composition, lesquelles étaient davantage tournées vers une convergence de sensibilité axée autour d'un drone sound, une écoute active des résonances émanant de chaque musicien ; ceci rendu encore plus prégnant par la diversité des cultures - le batteur Vladimir Markoski par exemple est d'origine serbe.

L'idée d'une certaine transe à l'écoute ce premier album n'est pas à exclure. C'est d'ailleurs sans doute l'effet inconsciemment recherché par le quatuor et son esprit de communion. Puisse celle-ci procurer aux aux auditeurs le même engouement et le même recueillement que ceux que recèle les hymnes de Collection D'Arnell-Andrea, fleuron de la pop méditative française auquel le très prometteur Litania fait aussi parfois penser.

En bref : un nouveau groupe heavy psych italien mené par une très charismatique chanteuse, secondée par des acolytes ferraillant une rythmique et un métal des plus avenants. Le tout saupoudré de lyrics hindoustani qui donnent à cette musique un aspect religieux et incantatoire.

Maxwell Farrington & Le SuperHomard - Window Tax (2026)

noreply@blogger.com (Nickx) — Thu, 14 May 2026 16:32:32 +0000

On ne sait si c'est cette assertion un brin erronée qui a coûté sa place à Pooley, habituel pourvoyeur des pochettes de Maxwell Farrington & Le SuperHomard. Car c'est à Guillaume Pinard plasticien nantais que l'on doit cette superbe toile d'illustration pour le 3ème long format du duo-franco-australien. Assertion qui prétendait qu' "il n'y a pas de mauvaises chansons, seulement de mauvais arrangements."

Bonnes chansons et/ou arrangements subtils, qu'on ne s'y trompe pas : dans Window Tax, il y a les deux.

Depuis les débuts de leur association, le duo n'a cessé de gagner en cohésion et en maîtrise de son songwriting pour atteindre l'acmé artistique ici. S'il revient à Christophe Vaillant une bonne part de l'écriture du disque avec une pertinence saluée pour ce qui est de ses arrangements, le rôle de Maxwell Farrington n'en finit pas d'avoir son importance dans ces textes souvent d'une grande drôlerie où le champ lexical de la nourriture est plus que jamais présent.

Cela débute comme du Jean-Jacques Perrey et son oscillateur sur ce "Brussel sprouts" d'ouverture, l'un des morceaux de bravoure de Window Tax. Qui comme sur trois autres titres voit Maxwell être secondé par le doux timbre de Lily Buchanan, muse du producteur Mike Lindsay qui a ouvert tout grand son studio rempli d'instruments et claviers vintage et bizarres. Dont le duo sait faire bon usage sans esbroufe. Ce n'est d'ailleurs pas la moindre qualité de Window Tax que de procurer des émotions et un plaisir auditif tout en restant sobre. Les mélodies sont plus solaires et catchy qu'elles n'ont jamais été malgré l'hygrométrie ressentie de Morgate (UK) lieu d'enregistrement de l'album : merveilleux "Do da da da" (non pas une reprise du hit de George Kranz), véritable pépite que Broadcast a oublié d'écrire. Sur cette chanson, on pense aussi à la douceur de Keren Ann dans le chant de Lily.

Maxwell n'a plus besoin de se prendre pour Scott Walker ni d'abuser de trémolos ; son superbe organe fait le reste et d'ailleurs on pense davantage en l'écoutant à un émule d'Adam Green tant les tessitures sont proches voire à Ian Mc Culloch ("The architect").
Sur le formidable morceau-titre (un manifeste de ses années cuistot ?), Maxwell s'interroge sur cet "impôt des riches" aujourd'hui disparu que constituait l'indicateur du nombre de fenêtres donnant lieu à taxation. Avec Christophe, les deux ne se prennent cependant jamais au sérieux ; et il est ainsi assez saisissant qu'une merveille de titre comme "Lorène" qui doit ravir la personne dépositaire de ce nom compte parmi les mélodies les plus évidentes et addictives du disque ; quand celle-ci a pourtant été conçue comme une déconnade. A l'arrivée, une mélodie des plus émouvantes et une partie de cordes à tomber. Sur "Fish and chips", même constat. C'est l'ombre tutélaire du grand Jean-Claude Vannier qui est présente.sur un air et des arrangements qui n'ont rien à envier à "L'hôtel Particulier" Gainsbourgien., Et dans le genre déconne, les percussions très sobres de l'album, souvent programmées et jouées à la main ne sont pas en reste ; ainsi celles de "Cake" le somptueux final du disque reposent-elles essentiellement sur des poubelles et des cartons que le duo avait sous la main pendant l'enregistrement.

Les guitares et accords de 9ème sont encore là, les changements harmoniques savants aussi. Mais le duo français le plus lounge du moment n'a jamais semblé aussi percutant et direct dans son écriture. On se surprend en effet à fredonner, à mémoriser instantanément ses compositions aventureuses. Et ceci a tout l'air d'une promesse culinaire et artistique à venir.

En résumé : le talent de Christophe Vaillant alias le SuperHomard et de son alter ego atteint ici une sorte de plénitude. Le 3ème long format du duo offre certaines de ses plus belles compositions et comptant parmi les plus catchy et émotionnelles de son répertoire. Une réussite.

Belle & Sebastian - Grand Rex (Paris) - 27/02/26

noreply@blogger.com (Nickx) — Sun, 01 Mar 2026 08:45:00 +0000

1996 : le groupe de Glasgow Belle & Sebastian enregistre un premier album que la presse d'alors qualifia de séminal, Tigermilk. Suivi et c'est assez rare pour l'époque, d'un deuxième album dans la foulée If You're Feeling Sinister qui les fait vraiment émerger dans le monde indé. 2026 et pour les 30 ans de ces deux premiers albums, l'ennéade écossaise les interprète chacun deux soirs consécutifs dans la grande salle parisienne.

Introduit par un émouvant film dans lequel l'un des anciens membres historiques Stuart David explique la genèse de ce qui n'était alors qu'un projet de fin d'études, Tigermilk exécuté in extenso a le charme et les maladresses d'un premier effort. Un côté compilation fourre-tout où rock endiablé (''You're just a baby") côtoie une espèce de new wave mal dégrossie ("Electronic renaissance") - sur ce titre, Stuart Murdoch fait le pitre sur le balcon et joue du mélodica - et pop acoustique empruntant au meilleur Love ("The state I am in").

Le groupe joue merveilleusement bien mais ça on le savait, Stuart Murdoch n'en finit plus de cabotiner parfois trop, comme sur ce final étiré et désormais convenu de ''The boy with the arab strap'' joué en deuxième partie de set avec la traditionnelle invasion de la scène par le public. Stevie Jackson fait admirer son remarquable jeu de guitare ainsi que son suave organe vocal sur la très tendre ''Seymour Stein''. Murdoch qui n'en est plus à une bravoure près note qu'il doit rajouter ''Sleep the clock around'' dans la setlist pour les prochaines fois à la demande du public........mais finit invariablement par la jouer avec ses amis.....comme lors de chaque concert. On note que le troisième album est particulièrement present ce qui accrédite la thèse d'une interprétation-anniversaire en 2028. Absentes helas les exceptionnels titres de Fold Your Hands Child, You Walk Like a Peasant.

Mais ça n'est pas grave ; l'ambiance est bon enfant, le groupe au sommet de sa forme.

Il faudra juste revenir en 2030.

Bar Italia - Elysée Montmartre (Paris) -26/02/26

noreply@blogger.com (Nickx) — Fri, 27 Feb 2026 17:23:00 +0000

Il est des concerts dont on n'attend pas grand chose et qui remplissent in fine largement l'office. Celui de l'une des dernières sensations indé (bien qu'ils aient déjà cinq albums sous le bras), permet de mesurer les étonnants progrès de ce trio londonien accompagné d'une accorte session rythmique. Introduits par le revigorant et très à propos "Music to watch girls by'' de la vieille gloire Andy Williams, Bar Italia va asséner sans temps mort une vingtaine de titres. Une bonne partie est bien entendu extraite de Some Like It Hot leur petit dernier et à la dynamique tres appréciée du groupe (mention spéciale au triptyque ''My little Tony'', ''Fundraiser'', ''I make my own dust'') ; celui-ci se distingue par le jeu croisé des trois voix de ses membres qui alternent le chant lead. Rusé.

Il paraît déjà lointain le temps où Bar Italia se révélait impossible à googliser et où leur musique sonnait un peu trop post punk air du temps pour être honnête. Nous avons affaire là à une formation idéalement pop et qui sait ruer dans les brancards.

Pour les chanceux et ou autres sudistes, le groupe sera notamment l'une des figures de proue de la prochaine edition du This Is Not A Love Song, deuxième du nom sous son nouvel intitulé Beau Weekend. A ne pas manquer.

The Boo Radleys - Paloma (Nîmes) - 13/02/26

noreply@blogger.com (Nickx) — Sun, 15 Feb 2026 14:31:00 +0000

(Rob Cieka + Sice)

Courtesy of Olivia Marco

On poursuit notre résidence au mythique Paloma avec ce soir de la pop indé de premier choix. C'est.d'abord le quatuor cévenol By The Bay qui s'y colle. Dans le rôle du support band sachant payer son tribut à ses mentors, le groupe régional de l'étape decouvert dans un précédent festival distille quelques vocalises la-la-la de bon aloi. Et on se surprend déjà à mémoriser certains titres ; ce qui est toujours bon signe.

Derrière, les mentors justement. Survivants humbles de la Britpop (ils n'en sont pas encore à donner dans la tournée de stades à tarif dynamique), les Boo ont su compter parmi les meilleurs pourvoyeurs de tubes du temps de leur grandeur. Ca tombe bien car de refrains aguicheurs, il va être fortement question en ce vendredi pluvieux. Emmené par un Sice débonnaire et hilare (pour l'accent français à y suspendre son pardessus, il faudra en revanche repasser), le trio originel orphelin depuis des années du démiurge Martin Carr envoie du bois. Renforcé par un très bon guitariste et accompagné d'une trompette soulignant l'ensemble de ses hits, Sice ouvre l'affaire avec un ''C'mon kids'' endiablé. Suivront moult morceaux de bravoure tels que ''Wish I was skinny'', ''Find the answer within'', ''Wake up Boo'' ou bien encore un revigorant ''I hang suspended. Alors que nombre de chanteurs tendent à baisser leur tessiture l'âge aidant, ce dernier titre se voit inhabituellement jouer en si soit deux demi-tons plus haut que la tonalité originelle. C'est assez rare pour être signalé et tend à prouver que Sice et son registre tres aigu tiennent encore la route.

Bien sûr il s'en trouvera pour renacler à l'absence de tubes, ces '' Everything is sorrow'', ''Heaven's at the bottom of this glass'' ou bien encore ''Eurostar'' (NDA). D'autant que Sice annonce un dernier morceau non suivi de rappel et que n'a toujours pas été joué ''Lazarus'', LE morceau des.Boo Radleys qui a fait leurs riches heures chez Bernard Lenoir. Mais le trompettiste de réapparaître et la jam d'intro de ''Lazarus'' sans doute la plus excitante de son epoque avec celle du ''I am the résurrection'' de Stone Roses de se faire enfin entendre.

Ouf !!

Adam Green - Paloma (Nîmes) - 10/02/26

noreply@blogger.com (Nickx) — Wed, 11 Feb 2026 09:13:00 +0000

Courtesy of Laurent Elfassy

Marinière , jeans tombants et KFC

Le retour d'Adam Green aux affaires fait bien plaisir. Où l'on s'aperçoit que ce trublion à la discographie déjà conséquente (une bonne douzaine d'albums) n'a rien perdu de sa popularité ni de sa bonhomie.
Remis au goût du jour et adoubé il y a 3 ans sur une double compilation où des pointures (Regina Spektor, Sean Lennon, Lemon Twigs, Lemonheads...) reprenaient son répertoire, le set du new-yorkais fait la part belle aux chansons courtes (2'30 /3"30"" au garrot) qui sont de toute façon l'ADN de son catalogue.

Succédant à son mentor et ami Cody Turner auteur d'une honnête prestation blues-country, l'artiste manifestement sous le charme des KFC locaux, enchaîne les "tubes". La grosse vingtaine de morceaux balancés en un peu plus d'une heure et demie sont repris en choeur par le public. Adam Green prodigue, distribue force baisers et poignées de main. Ils sont tous là ou presque, couvrant l'ensemble de son historique, les "Gemstones", "Jessica", "Carolina", "Emily", "We're not supposed to be lovers","Dance with me", beaucoup de singles en l'occurrence connus de tous.
Entre breaks, accélérations subites (l'admirable gigue de "Gemstones", celle de "Carolina" et son pont inattendu qui cite ....les Bangles), c'est un régal de bout en bout. Vêtu d'une marinière, de jeans tombants menaçant à tout moment de dévoiler son intimité et accompagné d'un violoniste percutant, Adam Green n'oublie pas de citer des titres de ses 3 ep's réunis récemment sous son nouvel album Chop Off Heads With Me.

Adam Green ou l'artiste no bullshit par excellence.

Top Dodb 2025

noreply@blogger.com (Ju) — Sat, 27 Dec 2025 14:26:00 +0000

18 ans plus tard, la terre entière s'arrête encore de tourner en attendant désespérément le top albums de fin d'année Des Oreilles Dans Babylone. Avec des rangs toujours plus clairsemés certes, mais avec trois propositions différentes ! HIPHOP, NICKX et JU, les trois piliers indécrottables se font un plaisir dans les quelques mots et images qui suivent de vous rappeler ce que vous avez peut-être manqué cette année. Bonnes fêtes et à l'année prochaine !

HIPHOP

1) CARDIACS - LSD - Alphabet business concern

Toute la famille Cardiacs se retrouve pour rendre un dernier hommage au défunt Tim Smith, le chanteur historique, sans ménager sa peine : 17 morceaux qui condensent le savoir faire du groupe, le génie mélodique et harmonique de son chanteur compositeur.

2) IGORRR - Amen - Metal Blade records

Igorrr change de braquet et réalise ses fantasmes musicaux : véritable choeur d'église, arrangements baroques et classiques, guests de luxe, et accord plaqué au piano par un tractopelle !

3) CORONER - Dissonance theory - Century media

Le retour d'un excellent groupe de trash technique disparu des radars, qui n'a jamais daubé sa musique dans l'espoir de passer à la radio.

4) REVOCATION - New Gods, New masters - Metal Blade records

Un groupe de trash death virtuose à deux guitares qui ne change pas sa formule mais qui a suffisamment d'idées musicales pour ne pas lasser.

5) JESSICA 93 - 666 tours de périph' - Born bad

J'ai toujours regardé ce gars d'un peu haut , mais je me suis fait avoir par ce disque : tel un blues archaique avec un seul accord, il repose sur pas grand'chose, mais a une âme.

1. Arthur Satan - A Journey That Never Was (Born Bad)

En ce qui me concerne, le game était plié dès le mois de janvier. Dès les premiers arpèges de clavecin de "The death of a king" on sentait que le bordelais avait changé de catégorie. Jusqu'à présent relativement hermétique à son univers, je ne pouvais plus que succomber et me faire accompagner toute l'année par un double album parfait de bout en bout. Pink Floyd ("A cold Morning"), Beatles ("My Valentine", "Lovely Suzy), Beach Boys ("Glamosaurus Rex"), Ty Segall ("To please you all") et enfin "The Pagan Truth", ça fait déjà beaucoup pour un seul disque. Indépassable en 2025 pour qui y a jeté ne serait-ce qu'une oreille.

2. Jerskin Fendrix - Once Upon a Time... In Shropshire (Untitled Recs)

A l'opposé sur la timeline 2025, puisque découvert pour ma part en décembre, cet artiste inclassable, déjà bien connu des cinéphiles mélomanes puisque coupable des bande sons des trois derniers films du réalisateur grec dérangé Yorgos Lanthimos. On reconnait ça sur l'extraordinaire ouverture "Beth's farm" qui m'a littéralement sauté à la gueule en voiture et en radio sur France Inter chez l'ami Michka Assayas. Le reste est un voyage intriguant de pop progressive et pastorale à la Sufjan Stevens (Princess), parfois très électrique ("Sk1"), ou même quasi a capella ("Sk2") voir carrément jazz bruitiste ("Jerskin Fendrix freestyle"). J'étais pas prêt à me faire bousculer comme ça en décembre.

3. Cameron Winter pour l'ensemble de sa carrière depuis un an (Getting Killed sous le nom de Geese et Heavy Metal en solo)

Bon. Ok. J'avais, je ne sais pourquoi, pas trop envie d'aimer, et du mal à rentrer dedans à la première écoute, mais je ne peux finalement que m'incliner devant tant de talent. Je peux comprendre que certains soient allergiques à cette voix de baryton sans concession - on pense à Anohni ou à Alec Ounsworth (Clap Your Hands Say Yeah, ça nous rajeunit pas) et elle ne laisse pas indifférent. Mais franchement, des morceaux comme "Nausicaa (Love will be revealed)" en solo ou "Au pays du cocaine" en Geese" m'ont déjà durablement marqué. Le mec a indéniablement un truc. Et une carrière devant lui.

4. Other Lives - Volume V (Pias)

Alors eux tous le monde les a oubliés. Ils font partie de ces vieux noms qu'on a aimé, qu'on écoute avec plaisir mais dont on n'attend plus rien d'excitant. Au même titre Midlake ou encore The Besnard Lakes qui ont tout deux sorti deux chouettes albums cette année, mais pas de là à figurer dans mon top. Mais il y a quelque chose de plus dans ce Volume V. L'impression d'écouter des classiques instantanés ("What's it gonna take", "Versailles", "Heading west" - en fait au moins les cinq premiers morceaux - du registre pop Morriconien indissociable des qualificatifs "cinématographique" et "grands espaces". Quelle flamme !

5. Andrea Laszlo De Simone - Una Lunghissima Ombra (42 Records)

Un nouvel album du meilleur musicien italien du moment ne pouvait pas ne pas figurer dans mon top. Il aurait vraiment fallu une grosse bévue. Et j'ai presque eu peur aux premières écoutes de ne pas retrouver tout de suite la magie du bien nommé mini album culte Immensita. Mais elle est bien là, un titre sur deux, ("Riccordo tattile", "La Notte", "Aspettero", "Un momento miglioro") et Andrea déroule son univers vintage mélancolique italien avec une beauté déconcertante. Je veux vivre dans ce monde là.

6. Oracle Sisters - Divinations (Wizard Artists)

Arrivé très tôt cette année aussi, le meilleur disque de psych pop 2025 est français ! "Marseille" et ce sont mes bonnes vielles marottes de Seventeen Evergreen, MGMT et autres Black Bones qui ressurgissent. "Alouette", "Blue left hand", "Talk is cheap" ou encore "Divinations" feraient pâlir d'envie les groupes précédemment susnommés. Ne réinvente pas la roue mais peut-être l'essieu.

7. Cola Boyy - Quit to Play Chess (Record Makers)

Je l'avais presque oublié celui-là. Pourtant Dieu sait que je l'ai écouté cet été. Si vous ne connaissez pas vous devez vous jeter sur ce disque, et son prédécesseur. Il y aurait une chronique entière à faire sur Cola Boyy, artiste au destin hors norme. Pour la faire rapide, il est né en 1990 avec une malformation qui lui a valu - entre autres - l'amputation d'une jambe, et après une carrière aussi courte qu'intense, il s'est éteint l'année dernière à 34 ans. Sur son premier album on retrouve en featuring, excusez du peu : Air, The Avalanches, Myd, Bon Voyage Organisation, MGMT, John Carroll Kirby, ça laisse pantois... Sa recette : une pop carrément funk chantée avec une voix d'enfant, qui ne ressemble vraiment à rien d'autre. Culte.

8. Hollie Cook - Shy Girl (Mr Bongo)

Hollie Cook n'en est plus à son coup d'essai et Mr Bongo a toujours su mettre en avant sa pop mâtinée de soul et de reggae. Mais sur ce nouveau disque la recette semble avoir trouvé son parangon tant tout semble couler de source. La cure de soleil qu'il nous fallait pour cet hiver. Ni plus ni moins.

NICKX

1 VIRNA LINDT : Danube (THE CAMPUS)

Le disque vaporeux et envoûtant de l'année; mené par une ex-égérie pop qui n'avait pas édité d'albums depuis 40 ans. Un retour aux affaires époustouflant de grâce, de sensualité et de sonorités enchanteresses. Avec en sus, une chanson tout bonnement entêtante qui justifie à elle seule la possession de l'album. Quand l'organique fusionne avec le sensoriel.

2 BALCONY'S PARADISE : Spot The Difference (Bretford Records)

Difficile de comprendre pourquoi on accroche tant à ce disque fauché. Mais le fait est qu'au-delà de la pose et du parti pris lo-fi, le binôme germano-australien parvient à rendre crédible cette collection d'accords simples pourtant sur le fil et prêts à se casser la figure. Idéal pour les fins de soirées avinées.

3 COMET GAIN : Letters To Ordinary Outsiders (Tapete)

Deux décennies célébrées par l'un des secrets les mieux gardés du rock indé britannique. Et l'un de ses magnifiques fleurons songwriters David Christian. S'il y avait un groupe que personne ne connaît à sauver...

4 IGLU : Rainbow (OSA)

Un des secrets les mieux gardés....et tchèque : groupe protéiforme d'obédience funky et dansante. Des musiciens aguerris drivés par une chanteuse-saxophoniste à l'androgynie stupéfiante.

5 THE DIVINE COMEDY : Rainy Sunday Aternoon (Divine Comedy Records)

Revenu en grâce après une poignée d'albums quelques peu décevants, Neil Hannon dans un chant grave et chevrotant qui n'est pas sans évoquer celui de Paul Webb (Rustin Man), prouve si besoin qu'il est bien l'un des songwriters essentiels de sa génération. Ici c'est la perte du père qui guide cette émouvante et très feutrée nouvelle collection.
Avec un pic, l'emprunt littéraire "The heart is a lonely hunter". Superbe.

6 THE LEMONHEADS : Love Chant (Fire Records)

Même s'il passe en dessous des radars des media mainstream, le retour de l'ex-cabossé mais flamboyant Evan Dando et de ses Lemonheads ne peut que faire plaisir. Rien de neuf sous le soleil du Brésil si ce n'est un nouveau disque tout à fait digne.

7 LES ROCHE MARTIN : s/t (Warner)

L'une des rééditions les plus réjouissantes de l'année en ce qu'elle met en lumière l'un de nos plus éphémères groupes sixties même pas yéyé. Une certaine conception de l'orfèvrerie pop.

8 PORTUGAL. THE MAN : Shish (Knik Records)bbb

Rien de neuf sous le soleil d'Alaska si ce n'est que la tribu Portugal. The Man met depuis peu des mélodies plus tarabiscotées dans ses créations pop, sortant petit à petit de la zone de confort flashy et criarde qui aura fait son succès. Ce qui depuis Chris Black Changed My Life l'album précédent, leur va mieux au teint : et par là-même occasion, nous sied davantage.

Virna Lindt - Danube (2025)

noreply@blogger.com (Nickx) — Mon, 22 Dec 2025 15:28:00 +0000

Dans le genre retour en grâce et retour tout court, celui-ci se pose un peu là. Sachons d'abord gré à Bertrand Burgalat de nous avoir alertés sur le come-back musical de cette ancienne égérie suédoise découverte au milieu des années 80 et abondamment relayée par le journaliste Bernard Lenoir dans ses immanquables émissions sacerdoces. L'adorable blonde Hitchcokienne comme décrit très justement sur son Bandcamp, découverte avec le sautillant "Attention Stockolm" single paru en 1981, revient donc aux affaires ......40 après son deuxième album. L'attente valait la peine.

Quelques singles isolés avaient certes donné la voie ces dernières années, les très éthérés "Once" et "Out cold" d'ailleurs présents ici.

Publié d'abord exclusivement en digital - les fans ont déploré la non-sortie initiale en format physique de Danube - sous un magnifique portrait de Virna, mais avec un visage pareil pouvait-il en être autrement ; la musicienne toujours accompagnée de son mentor et pygmalion Tot Taylor, multi-instrumentiste renommé, compose et co-produit avec celui-ci 11 titres beaucoup moins pop que ceux auxquels elle nous avait habitué. Peu de tempos enlevés en dehors de ceux de "Once" après une intro des plus vaporeuses "Playpower" ou d'"Avant-garde (pts 1 & 2)" composé pour un film français et qui envoie toutes proportions gardées du bois ; le titre détonne un peu d'ailleurs. De manière générale, dans ses climats ouatés voire ambient sur nombre de ses pistes, l'album se révèle propice à des rêveries cinématographiques. Il est d'ailleurs permis de voir un clin d'oeil au septième art et au "Danube incident" du grand Lalo Schiffrin qui compte certainement dans les influences du binôme Lindt-Taylor. Et que dire de ce "Lelouch", court intermède dont on ne comprend pas grand chose aux paroles mais qui s'inscrit dans le champ lexical.

La voix diaphane de Virna Lindt, les boucles ainsi que les multiples effets de mix lancinant où toutes les nappes de claviers sont mêlées avec les très nombreux instruments acoustiques et électriques, modulateurs en tout genre, ne sont pas sans évoquer les moments les plus doucereux et apaisés de My Bloody Valentine. Ce n'est d'ailleurs pas le moindre attrait du disque que d'avoir su créer pareil magma sonore qui tend à principalement évoquer l'électronique quand tant de musiciens (une bonne dizaine et au moins le triple d'instruments vintage) sont présents. L'electro n'est jamais loin, on pense aussi aux savoureuses donzelles de Ladytron.

Tout grand disque comporte au moins une ou deux chansons mémorables. Ici il y en a bien entendu plusieurs mais retenons quand même la très enjouée et aux accords majeurs "The like song" "Powerplay" instrumental majestueux et Burgalatien en diable. Et évidemment "Silver sky", titre magique et parmi les plus organiques qui reprend la ligne d'accords introductive du morceau-titre joué au Prophet 5.
Vu que pour le Groenland et le Danemark c'est mort, demandons à présent asile à la Suède.

En bref : le disque vaporeux et envoûtant de l'année; mené par une ex-égérie pop qui n'avait pas édité d'albums depuis 40 ans. Un retour aux affaires époustouflant de grâce, de sensualité et de sonorités enchanteresses. Avec en sus, une chanson tout bonnement entêtante qui justifie à elle seule la possession de l'album. Quand l'organique fusionne avec le sensoriel.

Balcony's Paradise - Spot The Difference (2025)

noreply@blogger.com (Nickx) — Fri, 19 Dec 2025 18:18:00 +0000

Lorenz O'Tool est un musicien Berlinois ayant oeuvré dans divers groupes underground, qui en 2021 lance son projet Balcony's Factory avec son ami australien, le batteur Jeremy Tayler. Enregistré dans leur maison-studio de Tasmanie à la vue imprenable d'où le blaze du groupe, leur premier album (sans tires) donne à entendre une folk cafardeuse lo-fi qui ferait passer les premiers disques de Daniel Johnston pour du Burt Bacharach. Ce sophomore à la superbe pochette avec ses nénuphars sérigraphiées, le surpasse et enfonce le clou.

Amateurs de pop léchée, de voix cristallines à la justesse impeccable ainsi que d'envolées instrumentales et de guitares accordées, passez votre chemin. Ce disque auquel on aurait tort de renoncer dès la première écoute est de ceux qui se méritent même si le procédé et la démarche arty ont de quoi intriguer voire agacer. Spot The Difference a été enregistré sciemment dans un grille-pain immergé au fond d'une piscine. Comment peut-on expliquer sinon ces gouttelettes tombant à intervalles réguliers sur la console....à moins que bien sûr il ne s'agisse tout bêtement d'une reverb un peu forcée. Bon, au-delà de l'exercice de style déjà éprouvé et qui renvoie à certains de nos plus beaux fleurons de folk neurasthénique - le regretté Daniel Johnston déjà cité, Sparklehorse, Palace Music, Smog bref tous les grands cabossés - Balcony's Factory dispose d'un talent indéniable. Celui d'emmener très loin des morceaux déchirés et déchirants (magnifique "Fishing next to the lilies", les nénuphars encore), d'arrêter les titres qui viennent à peine de commencer ("Hollow diary", "Time after time"), et aussi de faire sonner des guitares comme des dulcimers (l'intro de "Spot the difference", autre réussite).
Et alors qu'il reprenaient les Beatles via John Lennon dans le premier album éponyme, le binôme s'octroie pas moins de quatre reprises pour un album dépassant à peine la demi-heure et ces titres-là comptent parmi les pics de Spot The Difference : d'abord un "Silly girls", classique des TV Personalities joué à la hussarde et à l'identique. Puis deux morceaux de M.O.T.O (Master Of The Obvious), groupe-culte de Louisiane du milieu des années 80 et ce sont les formidables "Alone with a crowd" et "But of course" qui sont revisités. Il y a aussi le "Weird Ways" de Jeff Clarke des Black Lips dans son projet solo Demon's claws. Avec le chant anémié d'"Aftermoon" et les accents punk débraillés de "Lovelonging" et "College knowledge" qui n'auraient pas déparé sur le premier Parquet Courts, on touche là d'autres sommets d'un album bringuebalant mais qui miraculeusement fonctionne en rappelant à notre souvenir les meilleurs inadaptés de l'indie rock"

Spot The difference, titre second degré s'il en est, permet d'envisager à nouveau un underground de musique blanche et blafarde avec sérénité. Avec trois fois rien : deux micros, une batterie, une chambre d'écho avec ici ou là quelque partie de saxophone. Et au détour d'un titre, de percevoir une mélodie qui dans son plus simple appareil, touche au coeur.
Miraculeux.

En bref : difficile de comprendre pourquoi on accroche tant à ce disque fauché. Mais le fait est qu'au-delà de la pose et du parti pris lo-fi, le binôme germano-australien parvient à rendre crédible cette collection d'accords simples pourtant sur le fil et prêts à se casser la figure. Idéal pour les fins de soirées avinées.

Iglú - Rainbow (2025)

noreply@blogger.com (Nickx) — Wed, 17 Dec 2025 18:57:00 +0000

Découverts lors d'un festival sur l'île hospitalière de Kampa, Iglú est un quatuor Praguois actif depuis une dizaine d'années lorsque parait Rainbow son véritable premier album. Gravé directement des masters et ne procédant donc pas d'un pressage universel, ce disque bénéficie donc d'une sonorité roots que lui confèrent certaines plages - la prise de son sur "Křidlyka Muši" étant un exemple parlant.

Déjà auteurs d'un Ep 6 titres en 2021 dont la plupart des titres se retrouvent sur Rainbow, le groupe emmené par l'étonnante Julie Gubelova au chant et saxophone se voit vite étiqueter comme une formation de funk blanc. En vérité ils ont plus à offrir que d'être sur le papier un simple groupe de bal. De funk blanc ou en tout cas de rythmes chaloupés à faire bouger le popotin, il en est certainement question dans "Velkej Bill" et notamment sur le très incisif "Vetni Lečery". Ensemble plutôt inclusif et prônant tolérance et universalité - ces rares titres plus pop et plus longs chantés en anglais ("Helicopter people", "Rainbow"- le groupe de Julie Gubelova navigue de la jam bluesy ouatée (" "Křidlyka Muši") au ska débridé '"Teepee", l'intro à l'avenant de "Veselá O Válce" ou la rythmique reggae ("Kůže") sans jamais se départir de cet esprit festif qui le caractérise. La chanteuse volontairement ou pas joue de son androgynie et de son timbre vocal atypique. Sons de guitare nimbés de chorus et solos juteux et revigorants dans leur simplicité, Rainbow dispose de pas mal d'atouts pour séduire l'auditeur en dépit de la barrière de la langue.

Le saxophone, instrument très années 80 et parfois embarrassant dans ce qu'il véhicule, est ici utilisé avec parcimonie et souligne plus qu'il ne barbouille l'ensemble. Le quatuor, féru de pop classique et.....de Nick Cave fait plus que sans sortir avec honneur et l'auditeur avisé ne pourra que suivre l'actualité de ce groupe et de cette auuto-production du label OSA.
Czech your money maker!

En bref : un des secrets les mieux gardés....et tchèque : groupe protéiforme d'obédience funky et dansante. Des musiciens aguerris drivés par une chanteuse-saxophoniste à l'androgynie stupéfiante.

Les Roche Martin - s/t (2025)

noreply@blogger.com (Nickx) — Sun, 14 Dec 2025 00:47:00 +0000

C'est l'histoire d'un gars et de deux filles qui se rencontrent en Espagne. Elles (les soeurs Sanson) sont musiciennes et lui joue de la guitare et écrit des chansons.Violaine et Véronique se lient d'amitié avec François Bernheim et le trio qui prend les choses à la coule décide de prendre pour avatar les deux noms de famille les plus usités de France : ça aurait pu donner les Dupond Dupont ; ce sera donc les Roche Martin.

Détail amusant, si le recul nous permet de savoir quel membre du trio a construit une carrière couronnée du succès, ce n'est en définitive pas Véronique Sanson qui est la plus impliquée dans la composition ; Violaine et François se taillant en effet la part du lion. Dans leurs deux EP's extrêmement rares parus chez Odeon - enfin le deuxième est juste référencé et on ne lui connaît que leur arrangeur le grand Hubert Rostaing comme possesseur - ce sont huit morceaux d'obédience pop que le trio met en avant.
Warner a eu la bonne idée de donner une deuxième vie à ces titre mythiques et ravissants qui font le bonheur des fans et pas uniquement ceux de Véronique Sanson. Le tout sous une pochette iconique et reproduite par le groupe près de 60 ans après. On notera et appréciera la très politiquement incorrecte pose avec cigarettes.
Le premier EP qui une sorte de best-of du savoir-faire des Roche Martin propose le grandiose "Les mains dans les poches" de Violaine aux vocalises irrésistibles, aussi connu sous le sobriquet de "Macbird" (son héros) : basse qui s'insinue, petites touches discrètes d'orgue, breaks affolants ; ce titre est un must have qui devrait figurer en bonne place dans la série Whizzz éditée par Born Bad. Textes poético absurdes ("Déchéance"qui annonce Stereolab avec 20 ans d'avance, pas moins) ou priapiques ("Seul avec vous deux / J'étais très heureux / Deux femmes pour moi / J'étais le pacha") dans "C'est toi qui a gâché notre vie", sa trompette bouchée et les choeurs délicieux des deux soeurs répondant au décadent François. Ce dernier signe ces deux derniers titres. "Nathalie's blues" et sa dramaturgie, superbe nouvelle composition de Violaine complète le premier EP.
Terminant la première face, le deuxième EP jamais vraiment sorti, officieusement pour des bisbilles entre François Bernheim et le producteur Claude-Michel Schönberg, reprend les recettes du premier avec toujours une grande richesse d'arrangements/ Les titres -phares en sont "Tu as peur du bruit" avec ses ornements classiques et son clavecin à nouveau oeuvre de Violaine. Avec Maria de Tusha" qu'elle reprendra avec succès lors de sa carrière solo, Véronique signe son premier titre sous la férule bienveillante de ses deux compagnons. La face B de cette compilation consiste en 8 titres quasi exclusivement folk et presque tous de la plume de François Bernheim. Ceux-ci sont dans l'ensemble plus dispensables mais restent néanmoins des must-have pour les adorateurs du groupe. On retient notamment l'adorable "Miss gaffe" seul titre connu jusqu'alors, paru dans l'intégrale de Véronique Sanson et visible sur Youtube. Imaginez un Peter Paul and Mary inversé et un texte loufoque évoquant le Michel Polnareff de "Oh ! Louis" ....le tout susurré par la voix mutine de Violaine.

Les destins se sont donc inversés : Véronique Sanson aura donc fait la carrière internationale triomphale que l'on sait ; tandis que sa soeur Violaine toujours musicienne à ses heures a fait carrière dans le droit et le management. Que ce soit dans la musique - François Bernheim a plusieurs disques à son actif dont un fabuleux EP ("Tom" qui a eu lui les honneurs de Wizzz, sorti juste après le split du groupe). Il deviendra directeur artistique chez Barclay, deviendra l'homme de l'ombre derrière les Poppys et pour les cinéphiles, sera l'une des victimes de la veuve noire Isabelle Adjani dans le troublant Mortelle Randonnée de Claude Miller. Fin de l'histoire.

En bref : l'une des rééditions les plus réjouissantes de l'année en ce qu'elle met en lumière l'un de nos plus éphémères groupes sixties même pas yéyé. Une certaine conception de l'orfèvrerie pop.

The Lemonheads - Love Chant (2025)

noreply@blogger.com (Nickx) — Fri, 12 Dec 2025 10:25:00 +0000

Les années 2020's auront été fertiles en retours réjouissants pour ce qui est du rock indé. The The et plus près de nous d'autres mastodontes comme Stereolab, Pulp ou My Bloody Valentine (je fais sur moi) sont revenus aux affaires (mais étaient-ils vraiment partis ?) ; de cela on ne peut que se féliciter.

En 2025 Evan Dando est aussi de la partie avec ce qui doit être son 11ème album à peine dans une carrière qui a tout de même commencé tout à la fin des années 80.

Revenu de tout, de la dope et des avanies et légèrement plus buriné qu'au temps de la splendeur de It's A Shame About Ray (92) et Come On Feel....(93), le contemporain et frère d'armes de Sebadoh, Dinosaur Jr., Pavement et de tout cet aréopage de brailleurs velus lo-fi tant chéris revient avec Love Chant, album court, remuant, globalement inégal voire bâclé tel à son habitude mais au charme qui fait mouche. Désormais installé et filant le parfait amour au Brésil, le beau gosse qui ne s'est pas pour autant converti à la bossa, nous livre.....11 déflagrations lo-fi dans son style caractéristique : une prise de son à la va-comme-je-te-pousse, une alternance chansons tendres - superbe et émouvante "Together is all I'm after" malgré une intro foutraque - et des guitares crades et juteuses - tiens mais c'est bien sûr ! c'est la crinière de Jay Mascis que l'on voit pourvoyeuse d'un solo à la manière de et irrésistible dans le clip du single "Deep end"! Chouette.
Dans le registre énervé, un autre single le bien nommé "In the margin" emporte aussi l'adhésion. Belle voix mâle qui évoque tour à tour Stephin Merritt (Magnetic Fields) ou bien Kevin Ayers, Le perdant magnifique est à l'occasion rejoint pas sa garde rapprochée ; on reconnaît ainsi la fidèle et ex-membre emblématique Juliana Hatfield aux choeurs. L'album s'achève par un autre titre épatant que l'on imagine et pas que graphiquement, plus dédié à la légende des Thirteenth Floor Elevators qu'au boxeur Balboa ("Roky").
Ce sont là les 4 uniques chansons marquantes d'un album par ailleurs agréable et revigorant à l'écoute ; le reste étant plus anecdotique. Mais rien que pour ces chansons-là, il convient d'investir, d'autant que la pochette ultra-colorée (et plus encore dans sa version picture-disc) est superbe.

C'est bien là la trajectoire des beautiful losers, encore plus lorsqu'il s'agit de frayer dans une niche musicale : ils sont là où on ne les attend pas. Revenu le 18 septembre pour un concert acclamé au Café de la Danse, Evan Dando joue vite fait une poignée de morceaux de son nouveau disque tout en en ignorant une bonne partie. Resté près de 20 ans sans enregistrer le moindre disque de nouvelles chansons - les deux précédentes oeuvres étaient constituées de reprises - le voilà avec un nouvel album sous le coude avec Apollo Nove son nouveau producteur fétiche brésilien.
Le monde appartient à nouveau à Evan Dando.

En bref : même s'il passe en dessous des radars des media mainstream, le retour de l'ex-cabossé mais flamboyant Evan Dando et de ses Lemonheads ne peut que faire plaisir. Rien de neuf sous le soleil du Brésil si ce n'est un nouveau disque tout à fait digne.

Collection D'Arnell-Andréa - Villers-Aux-Vents (Février 1916) - 1994

noreply@blogger.com (Nickx) — Sat, 26 Jul 2025 17:59:00 +0000

Lorsque Jean-Christophe D'Arnell et Chloé Saint-Liphard créèrent cette escouade à l'intitulé en apparence alambiqué au début des années 90, se doutaient-ils que leur musique traverserait son époque et que forte d'une quinzaine d'albums elle resterait ainsi vivace près de quatre décennies plus tard ? D'autant que leur complice Pascal Andréa également du voyage et dont le patronyme serait le seul legs devait rapidement les quitter avant d'avoir même enregistré et de s'être produit en concert.
Et qu'accessoirement la musique pop en France mis à part Kat Onoma était peu propice aux sentiers non battus, condamnant de fait le groupe à vivoter dans une niche.

Si Collection D'Arnell-Andréa n'est pas devenue un best-seller et a tous les dehors de la formation culte, le groupe originaire de la région d'Orléans a même en se faisant rare écumé les scènes européennes et a recueilli les faveurs du Melody Maker ; ce qui n'est pas rien. Le son de ce collectif inclassable à l'occasion septuor est souvent assimilé à la scène dark wave et son art se prête aussi bien à une pop mâtinée de symphonique que de gothique : la voix d'elfe habité de Chloé étant pour beaucoup dans le son du groupe. Mais pas seulement. Car dès ses débuts Jean-Christophe D'Arnell démiurge en chef et fan de......rock gothique - il voue un culte à Siouxsie And The Banshees et à Cocteau Twins, influences palpables - ainsi qu'à des compositeurs fin 19ème tels Debussy ou Fauré, a échafaudé une cathédrale sonore autour de ses claviers et synthétiseurs dont un fidèle DX21. Tout en entremêlant ces sonorités plus organiques et plus chaudes d'alto ou de violoncelle, omniprésent dans la patte sonore unique de CDAA, et tenu très tôt par Xavier Gaschignard. On ne peut s'empêcher de penser évidemment au duo mythique australien Dead Can Dance auquel le groupe a souvent et parfois abusivement été comparé. Autre influence avouée.

D'Arnell et ses complices sont obsédés par Dame Nature et aiment bien conceptualiser leur art. C'est au détour d'images stéréoscopiques sur la Grande Guerre qu'émerge l'idée du très dense 4ème lp qu'est Villers-Aux-Vents (Février 2016). Visions de tranchées; de corps déchiquetés, de terrains de bataille qui donnent jusqu'à leur nom aux chansons ("Verdun" ou l'extraordinaire "Le Chemin des Dames auquel Chloé confère une intensité à donner le frisson). Les paroles poétiques (des rimes à tous les étages) sont quasi exclusivement rédigées en français ; ce qui est à mettre au crédit du groupe. Mais à la vérité, on se surprend tout comme avec Cocteau Twins à percevoir la voix lead féminine comme un instrument psalmodiant et faisant partie du mix. L'effet conjugué du chant et du ton sépulcral est particulièrement envoûtant sur le titre d'ouverture '('Les cendre-lisières") devenu rapidement l'un des points d'orgue des concerts. Tout comme "L'aulne et la mort" ; ces deux titres sont à eux seuls annonciateurs d'une rythmique beaucoup plus rock et rentre-dedans que sur les longs formats précédents de CDAA. Les ambiances solennelles et recueillies sont toujours de mise et "Le chemin des Dames" en est un parfait exemple mais que dire du funèbre "L'ornière" :

"Ainsi nous ressemblons / aux profondes ornières / Exode sillage des âmes et des cris / Soldats marchant recrus aux furtives frontières, / "L'assaut, les baïonnettes, la troupe sans vie." Beau et glaçant.

Collection D'Arnell-Andréa a réussi ce tour de force de ne jamais reproduire un disque à l'identique, alors même que sa musique est profondément estampillée et frappée du sceau gothique et lyrique. Cirses Des Champs (1996) qui lui succède emprunte ainsi un tour plus folk. Quand The Bower Of Despair (2004) inhabituellement chanté en anglais reviendra par exemple aux ruades rythmiques de Villers-Aux-Vents (Février 1916). Mais si les réussites de la discographie de CDAA sont nombreuses, difficile de revenir à autant de fièvre que dans ce recueil pas très poilant certes mais divinement poilu.

En bref : à la fois gothique, symphonique et avec un son rock plus acéré qu'à l'accoutumée, ce disque de Collection D'Arnell-Andréa est en vérité un objet inclassable empreint de poésie et de lyrisme. Fascinant.

Comet Gain - Letters To Ordinary Outsiders (2025)

noreply@blogger.com (Nickx) — Fri, 25 Jul 2025 13:26:00 +0000

On est presque étonné voire déçu que le couple qui orne la pochette de ce très beau 10ème album de David "Feck" Christian (hors projets annexe et solo) ne soit pas celui mythique à la scène comme à la ville de Carole King et Gerry Goffin. L'une des plus mythiques paires de songwriters du Brill Building. D'abord parce que ce choix eût été raccord avec le reste de la discographie lettrée et référencée du sextet de David Christian. Ensuite parce que le visuel reproduit jusqu'à la maquette et les teintes d'une compilation de la dame.
Enfin, parce qu'avec Comet Gain à travers les indices semés par son démiurge, tout est toujours à l'avenant du bon goût des gloires passées.

Lorsque commence l'aventure en 90 avec l'excellent Casino Classics (1995), probablement l'une des pierres angulaires d'une ample discographie - citons aussi City Fallen Leaves (2005) - le groupe à géométrie variable de David Christian devient très vite l'un des secrets les mieux gardés du Royaume-Uni. On devine sans peine que John Peel en est gaga. Tout ce qui est paria, derelict, artiste culte plus ou moins installé dans le coeur du public se voit cité, choyé par le groupe lui-même chouchou d'une cohorte de fidèles qui même dans la confidentialité ne lui fera jamais défaut. C'est Dan Treacy le leader abîmé des Television Personalities (excusez du peu) qui rédige les notes de pochette de ce premier disque. Par la suite et comme s'il s'interdisait de devenir populaire ou plus sûrement assumait son intégrité artistique d'outsider, Christian n'aura de cesse de crier son amour à d'autres héros tels que Roky Erickson ou plus près de nous Robyn Hitchcock ou Julian Cope.

En guise de bilan, l'artiste qui vit désormais à Bordeaux avec sa compagne Anne Laure Guillain qui officie aux claviers, délivre à ses fans tout au long de 2024 des chansons comme autant de chroniques nostalgiques sur les rêves évanouis. L'auto-dérision est évidemment de mise. La plupart figurent sur Letters To Ordinary People et sont enrichies d'autres témoignages ; et cela donne ce magnifique album. Témoignage, le mot est adéquat puisque quasi chaque titre se voit entrecoupé d'un interlude de présentation où David s'adresse à un interlocuteur de ses connaissances. Ce sont deux notes entêtantes de piano qui ouvrent et reviennent tout au long de la très mélancolique "The ballad of the lives we led" où l'amour fait office d'épiphanie. Les chansons naviguent entre une pop indé délicieuse rehaussée à l'occasion de "trompettes indés" ("If they can't find the way then there's no way out". Beau comme du Michael Head ; un autre héros. Forcément.

"Beat of the veins" est l'incartade pop endiablée avec choeurs à l'unisson : pas forcément le titre le plus représentatif de l'album mais destiné néanmoins à faire une carrière honorable en single. La chanson "odd" de l'album avec "Ashtray cult", ode aux freaks des cimetières qui sonne comme un inédit de Jon Spencer.

Dans "We were paintermen" David Christian rend hommage à d'anciens acolytes musicaux et non il ne s'agit donc pas d'une citation mod envers The Creation, l'une de ses marottes. Officiellement... "Threads!" est un hilarant name-dropping vestimentaire aux illusions dandy perdues, son "Dedicated follower of fashion" à lui. Sur cette chanson, Christian évoque vocalement et pas qu'un peu Conor Oberst (Bright Eyes) quand artistiquement le morceau évolue en territoire The Fall. De même lorsque le chanteur est suppléé, c'est Rachel Evans l'une des plus anciennes membres du groupe qui s'y colle. Notamment sur les superbes "Yeah, it's a wonderful life, but there's always further you can fall" (ces titres !) ou les deux sentiments-clés de l'album, espoir et esprit désabusé sont conviés. Il y a aussi "Buildings", l'un des fleurons de Letters....Sur ces deux titres, on ferme les yeux et c'est la veine tendre et surannée de Ray Davies qui nous étreint une nouvelle fois par le truchement d'un organe offrant une troublante similitude de timbre avec Eleanor Friedberger des Fiery Furnaces. "Danbury road" emprunte le même chemin Kinksien.

Qu'un groupe fût-il l'oeuvre d'un seul homme trace ainsi son chemin sur plusieurs décennies force le respect. Intégrité et songwriting affirmé - car David Christian est un conteur, de la race des grands - sont sans doute la clé des oeuvres marquantes. L'Histoire saura rendre justice à ces héros ordinaires.

En bref : deux décennies célébrées par l'un des secrets les mieux gardés du rock indé britannique. Et l'un de ses magnifiques fleurons songwriters David Christian. S'il y avait un groupe que personne ne connaît à sauver...

The B-52's - Whammy! (1983)

noreply@blogger.com (Nickx) — Mon, 14 Jul 2025 16:04:00 +0000

Le 4ème long format des B-52's prend les fans à rebrousse-poil. Essentiellement acoustique jusqu'alors, le quintette d'Athens fort des hits revisités de Party Mix! (1981), va en effet se piquer au jeu du synthétique. L'une des raisons principales étant le parti-pris du batteur Keith Strickland qui s'est lassé de son instrument et souhaite s'orienter davantage vers les synthés et la guitare. Celle-ci et on y revient, est encore tenu par le fabuleux Ricky Wilson, musicien adepte du less is more, au jeu et aux accordages inclassables. Ce dernier s'est fait connaître avec ses acolytes, son pote Keith, sa soeur Cindy (chant) et Kate Pierson (chant, claviers) et Fred Schneider (chant parlé).

Le quintette le plus camp de la galaxie - les choucroutes des filles, leurs frusques improbables, les membres tous queer excepté Cindy - ont déjà triomphé via deux précieux premiers albums plus communément appelés le jaune et le rouge ; comme l'on disait naguère le bleu et le rouge pour les deux compilations multiplatinées des Beatles. Sur le rouge intitulé Wild Planet et qui est peut-être son sommet créatif, les B-52's créent cette musique hybride faite de rock and roll fifties et de pop hédoniste. Les voix souvent à l'unisson de Cindy, enfantine et suraiguë, et de Kate plus grave, chantent d'irrésistibles hymnes d'inspiration comics SF mâtinés de textes de séduction aussi bien soumis que mutins. Et tout ce petit monde gesticule sous le son aigrelet du Farfisa tenu par Kate. Pas de solo, pas de saturation inutile, l'esprit de danse et de fun est ce qui prévaut.

Après le semi-échec de Mesopotamia (1982) l'album précédent produit par David Byrne, un certain nombre de titres laissés sur le carreau lors de ces sessions sont remis en jeu pour Whammy!

Pour les raisons évoquées, la rythmique devient principalement synthétique et on en a un aperçu dès "Legal tender" qui chante la gloire de la contrefaçon de billets de banques. Le rythme est assez lent mais comme toujours avec les B-52's, assez lascif. Est-ce l'influence vaudou du studio de Nassau où est enregistré le disque ? En tout cas, "Whammy kiss" qui célèbre l'envoûtement par le baiser "whammy" devient très vite un autre classique du groupe. Tout comme l'hilarant "Song for a future génération" où en vrai geeks de culture trash, les membres du groupes se présentent tour à tour sous des atours de créatures SF. "Trism" a également ses airs futuristes bien que l'on ne sache trop s'il ne s'agit pas en fait d'une simple achronie. Pas besoin de chercher trop loin sur l'odyssée en absurdie de "Butterbean, envoyée au taquet avec la guitare twang tourbillonnante de Ricky. Que l'on retrouve également sur l'une des autres réussites de l'album (elles sont nombreuses) "Queen of Las Vegas" et son déchirant "Dont leave me..." asséné par Cindy.
Pour le reste, un inhabituel instrumental pour clôturer l'album ("Work that skirt") et une reprise plutôt anodine d'un morceau de Yoko Ono ("Don't worry") mais toujours plus écoutable que l'original et voilà le contenu d'un disque peut-être un peu trop passé sous silence mais l'un des favoris du groupe et qui mérite sans aucun doute d'être réévalué. Pour des raisons contractuelles, "Don't worry" sera retiré des futurs pressages et remplacé par "Moon 83", remix d'un morceau emblématique du premier album ("There's a moon in the sky")

Whammy! est aussi hélas le dernier album auquel participera intégralement le génial Ricky Wilson. Ce dernier atteint du syndrome HIV décédera brutalement deux ans plus tard et alors que l'excellent Bouncing Off The Satellites (1986) est en partie écrit. Raison de plus si besoin était,d'apprécier son jeu minimaliste et unique sur cet hymne clubbien qu'est Whammy!

En bref : le baroud d'honneur in extenso des B-52's dans leur mythique formation originelle. De la SF à gogo et des chansons délirantes toujours animées de l'esprit fun et danse du popotin des Fab Five d'Athens.

Death In June - But, What Ends When The Symbols Shatter? (1992)

noreply@blogger.com (Nickx) — Wed, 09 Jul 2025 13:33:00 +0000

Dans le grand chapelet de terminologies musicales, le terme "folk" a souvent été malmené voire affublé d'extensions absconses. Passe pour la scène acid-folk de Frisco encapsulée par Jefferson Airplane dans la bascule des seventies ; mais quid de la scène antifolk US du début des années 2000 qui désignait une espèce de punk acoustique certes, débraillé et lo-fi. Et que dire du courant neofolk de la décennie précédente.....de la folk sans doute mais plus blafarde et austère qu'autre chose ; en tout cas que vient faire le préfixe "neo" là-dedans. Dont acte.

Lorsque Douglas Pearce crée l'entité Death In June au début des années 80 en compagnie de deux acolytes dont il se sépare très vite, sa musique est celle d"une synth pop industrielle très mélodique entre Cabaret Voltaire à son plus martial et...Depeche Mode pour le versant primesautier. A partir de The Wörld Thät Sümmer (1986), tout est consommé et l'ancien punk anarchiste du groupe Crisis se retrouve seul aux manettes de son "groupe" phare, occasionnellement secondé par son complice David Tibet de Current 93 ; nous y revenons. Dorénavant, Death In June sera en outre largement associé à la scène gothique.

Il faut revenir sur le contexte sulfureux autour du groupe et de la personnalité de son leader. Déjà ce patronyme qui bien que son créateur s'en défende mollement fait référence à la Nuit des longs couteaux, synonyme de purge Hitlérienne envers ses opposants nazis. Mais Joy Division n'avait pas fait autre chose en s'affublant d'un nom dédié aux bordels das camps de la mort. La comparaison avec le légendaire groupe mancunien ne s'arrête pas là puisque dans cette 7ème oeuvre considérée comme la plus aboutie de Death In June, une statue issue d'un complexe sportif celui-là issu du Foro Italico de Rome, orne la pochette.
Douglas Pearce est un personnage torturé , connu pour ses outrances revendiquées : uniformes et décorum renvoyant à l'esthétique nazie, obsession pour les écritures runiques, une homosexualité exacerbée et assumée, la part sombre de l'homme, la guerre.... Cette dernière sert d'ailleurs de champ lexical à nombre de textes très noirs de But, What Ends When The Symbols Shatter? comme par exemple "The giddy edge of light". Les "disappointment", "dust", "sorrow" (l'admirable et hanté "The golden wedding of sorrow") abondent. Les guitares folk cristallines uniques sont désormais la marque de fabrique de Pearce sur ses disques, qui ne lésine pas ici sur les effets sonores et sur certaines enluminures de cuivres et de cordes qui lui confèrent une patine onirique. L'autre versant auditif du cauchemardesque masque de carnaval vénitien dont s'affuble le musicien très tôt dans sa carrière.
Les références littéraires et musicales abondent : Stuart Pearce reprend 4 musiques et textes d'une communauté gospel au destin mortifère mais on souhaite bon courage à quelque musicologue que ce soit de trouver la moindre ressemblance avec l'oeuvre du People's Temple's Choir dans la religiosité de "He's disabled", "The morning bench", "Because of him" ou "Little black angel".

Passé l'odeur de soufre de notre homme qui s'offre deux parenthèses aérées avec David Tibet chanteur lead sur "Daedelus riding" et "This is not paradise", But, What Ends When The Symbol Shatter? amène des moments réellement enchanteurs - les notes tristes du piano de "Death is the martyr of beauty", 'The golden wedding of sorrow", "Ku ku ku" (non il ne s'agit pas du sinistre KKK), "Hollows of devotion", le morceau-titre... Il faut donc faire fi de l'influence forcément Maurassienne présidant à l'oeuvre de guerre de T.S. Eliot infusée ici. Afin de se délecter de cette musique totalement obsédante et belle. Dont le crescendo final vers son locked groove n'est pas sans rappeler à nouveau......... Closer.

Flirter avec le Diable et en payer le prix de la censure ? Séparer l'homme de l'oeuvre ? Il n'en a jamais autant question ici.

En bref : le parcours tortueux et sujet à caution d'un ex-ponte de la synth pop vers des territoires folk plus apaisés. On peut faire abstraction de la poésie et des textes très sombres de Death In June et reconnaître sa beauté à cette folk magnifiquement austère.

Sibylle Baier - Colour Green (1973 / 2006)

noreply@blogger.com (Nickx) — Fri, 04 Jul 2025 07:56:00 +0000

Il est des découvertes affolantes et qui ne sont aucunement usurpées par le cliché de l'artiste culte. D'ailleurs jusqu'en 2006, Sibylle Baier, musicienne amateur et actrice à ses heures, n'est pas encore une artiste culte puisqu'elle est une parfaite inconnue.

C'est en furetant dans le grenier de ses parents en 2004 que Robby son fils musicien et producteur de son état, découvre des bandes magnétiques. Piqué de curiosité il les joue et découvre une bonne dizaine de vignettes chantées par la douce voix de sa maman.
Le monde ébahi ne va pas tarder à découvrir Sibylle Baier.

Artiste aux multiples facettes, baignant dans un environnement ad hoc - son défunt mari était également saxophoniste et flûtiste - Sibylle Baier a un jour une épiphanie. A peine âgée de 20 ans et rendue singulièrement maussade par une morne journée de février dans son Allemagne natale, elle décide de tout plaquer et à l'instigation d'une amie, d'entreprendre une itinérance. Ce qu'on appellerait aujourd'hui un burn-out la mènera entre autres destinations en France. Rassérénée et apaisée, Sibylle immortalise ce jour de cafard en enregistrant seule chez elle avec sa guitare sa première chanson "Remember the day". Elle sonne les prémices de ce qui deviendra des années plus tard Colour Green ; soit 13 gemmes guitare / voix toutes plus lumineuses les unes que les autres ; la quatorzième et dernière chanson de l'album (fabuleuse "Give me a smile") sera la seule à être arrangée a posteriori - sans doute par Robby - avec force cordes et orgue. Toutes enregistrées entre 1970 et 1973. On entend encore le chuintement de la bande.

Les textes des chansons sont d'obédience domestique et ainsi emplis de quiétude ; qu'il s'agisse de promenades avec enfants au zoo ("Softy") ou de tricot ("Colour green"). Si l'on devait décrire la musique enchanteresse de Sibylle Baier, l'on pourrait évoquer les rêveries d'une Linda Perhacs, autre artiste folk culte, les enluminures psychédéliques en moins. Les chansons ont parfois des toniques très grave (le do# en dessous de la 6ème corde pour "Softly", ré# pour "William) ; les tonalités les plus utilisées demeurant si, do ré et sol#, principalement jouées en arpèges avec parfois des ruptures étonnantes ("Colour green"). Le reste des chansons parfois complexes ("Says Elliott", "Girl", "Wim" - un hommage à Wenders ?) est à l'avenant. Pour les aficionados du metteur en scène, on peut apercevoir Sibylle Baier faire une douce apparition dans l'admirable Alice In Den Städten" (Alice Dans Les Villes), road-movie audacieux sorti en 1974 et absolument pas touchy malgré son sujet (Philip écrivain paumé, recueille Alice une gamine facétieuse et parcourt avec elle l'Allemagne pour la ramener chez elle). Sibylle y interprète la passagère du ferry qui fredonne alanguie "Softly" à 1'26''-1'27'' devant Alice et un autre enfant ravis.

La suite, on la connaît : Robby exhume les bandes et n'était un titre, les retouche à peine. Il les offre à sa maman à l'aube de son soixantième anniversaire. Stuttgart est déjà loin ; celle-ci ayant migré depuis lurette dans le Massachusetts, les chansons enfouies dans son inconscient. Plus aucun souvenir du journal intime mis en musique.

L'un des quelques CD pressés atterrit dans le giron de........Jay Mascis (!) le leader de Dinosaur Jr. qui subjugué, entreprend de répandre la bonne parole. Le disque sortira finalement sur Orange Twin Record en 2006 avec également un premier pressage vinyle rapidement épuisé sur le label Isota.
Ce disque devenu classique sur le tard connaîtra et c'est heureux maintes rééditions.

En dépit des sollicitations, Sibylle Baier n'a pas donné suite à son maître coup d'essai et n'a jamais accepté non plus de tourner. Reste ce témoignage qui à l'écoute ne peut que nous faire frémir à l'idée que sans l'opiniâtreté d'un fils, la beauté sépia de Colour Green serait à jamais restée dans les limbes.

En bref : un choc. Un disque OVNI découvert et publié sur le tard par une artiste rare et précieuse. Une voix de velours, des accords graves et des mélodies vague à l'âme belles à pleurer. On ne ressort pas insensible d'un tel disque pour lequel on remercie Robby, le fils initiateur du projet.

TINALS - An 8 - Paloma (Nîmes) - 28/06/25

noreply@blogger.com (Nickx) — Sun, 29 Jun 2025 13:46:00 +0000

INFECTIOUS GROOVE

Moins d'occasions de s'enthousiasmer en ce deuxième et dernier jour de TINALS 2025. Une fois encore, les meilleures choses se passeront en intérieur. Car une fois passé sous une chaleur accablante le set un peu pute de Almost Monday - le monde a-t-il vraiment besoin de nouveaux Arctic Monkeys dans leur virage rock de stade - retour en intérieur pour goûter à la soul jazzy gentiment ourlée de MRCY (photo ci-dessus), émanation d'un binôme chanteur et producteur.

Un colosse du nom de Kojo Degraff-Johnson aux faux airs de Cee Lo Green distille une soul très roborative et finement exécuté par un aréopage d'excellents musiciens. Les nouveaux Gnarls Barkley ?

"C'EST SYMPA D'ETRE VELUS"

Gros barouf autour de l'une des dernières sensations noise de la scène britannique. Le public se précipite donc en masse pour voir DITZ, quintette de Brighton. Si les deux premiers titres entretiennent l'illusion, on s'ennuie assez vite car côté chansons, cela tourne en rond. Et on pose la question qui fâche : si le chanteur ne s'habillait pas en femme et n'avait pas l'idée joyeuse d'escalader la rampe de projecteurs, le groupe déchaînerait-il autant les passions ? Rien n'est moins sûr.

Le quatuor teuton Kadavar a fait sienne la devise de Manowar qui est que "même les sourds les entendent". Dès les premiers coups de grosse caisse de Tiger Bartelt, une déflagration nous percute le plexus. Ce dernier vêtu d'un seyant tee shirt filet sur poils envoie la purée tout comme ses acolytes bassiste (croisement improbable d'un Danyel Gérard longiligne et d'un Demis Roussos efflanqué) et le duo de bretteurs dont la présence ne déparerait pas au Hellfest. Il s'agit là d'un métal assez gras, serti de riffs bien juteux ; les voix sont limite pop et friendly, bien loin d'un doom stoner méchant que pourraient susciter leur dégaine. C'est convenu mais à vrai dire... assez jouissif.

SAVAGE OR WHEN THE WILD GOES MILD

A. Savage est la grande claque et l'une des rares satisfactions intégrales de ce TINALS. Déjà présent la veille pour un set acoustique, il se retrouve à nouveau dans un patio bondé et poisseux de sudation pour un medley de ses oeuvres solo. Si l'on soupçonnait l'un des hommes forts de Parquet Courts (ci-devant l'une des plus belles choses qui soient arrivées au rock indé ces 15 dernières années) d'être un mélodiste et un parolier de talent, on s'en veut un peu d'avoir passé sous silence son virage folk.

Armé d'une seule guitare, Andrew tient en haleine un patio hélas dissipé (effet de cuvette sonique oblige) et se révèle captivant de bout en bout au travers de morceaux qui sonnent déjà comme des classiques ("Hurtin' or healed", "Elvis in the army", "Thawing dawn"....).

Et de regretter qu'un si beau répertoire n'ait pas eu l'heur d'une Grande Salle sans doute plus adaptée pour son light-show intimiste qui eût forcé le festivalier à plus d'attention. On reparlera d'A Savage et des Parquet Courts.

That's all folks.

TINALS - An 8 - Paloma (Nîmes) - 27/06/25

noreply@blogger.com (Nickx) — Sun, 29 Jun 2025 10:54:00 +0000

THE SIX YEARS ITCH

Revenu d'un hiatus et d'une réflexion de près de 7 ans, le TINALS festival incontournable de la cité gardoise renaît de ses cendres. Affublé curieusement de l'extension "Beau weekend", le TINALS a réduit la voilure, ne propose plus que deux jours de programmations, lesquels ne comportent plus de noms ronflants. Qu'à cela ne tienne, une part belle a été accordée à l'éclectisme.

Très tôt, des jumeaux suédois Deki Alem (photo ci-dessus) de Göteborg affiliés à la maison Talent Boutique se proposent d'ambiancer la Grande Salle qui sera le théâtre de jolis moments. Et ils y parviennent par leur flow souple, arpentant la scène et secondés par un batteur très carré. Mélodique et aguicheur, leur rap enlevé est le premier coup de coeur de ce festival.

La soirée s'annonce bien. Qu'est-ce qui fait donc que les sets successifs en extérieur de BDRMM, Ghostwoman et des très attendus irlandais de Murder Capital nous laissent ainsi de marbre ? Un seul mot, les chansons. Ou plus exactement l'absence de chansons marquantes qui empêchent par exemple Murder Capital d'être les nouveaux Fontaines D.C. Enfin, on parle des Fontaines D.C punks énervés qui avaient enchanté la dernière édition du Festival. Pas de la baudruche de stade qu'est devenu ce groupe.

Rien à voir nonobstant avec le (nouveau) naufrage intégral de la tête d'affiche du jour DEATH IN VEGAS trahie par une scénographie forcément molle, un nouveau répertoire peu convaincant et surtout une ingénierie déficiente qui contraint le groupe ou plutôt ce qu'il en reste, à abandonner la scène pendant une bonne dizaine de minutes tandis que l'assistance déjà se clairsème. Cette musique n'est définitivement pas l'apanage du live.

ROCK EN -SEN

On n'avait jamais entendu parler de Heave Blood & Die (photo ci-dessus). Ce très jeune groupe - la bassiste bondissante toute menue a l'air d'avoir 14 ans - dispose de déjà quatre albums au compteur. Et dans une grande salle qui s'est quelque peu vidée, son rock inquiet aux ambiances assez paranoïaques ("Stress city", "Things that hurt", "Heatwave 3000") fait son petit effet. Avec son Korg obsédant et le chant enfiévré de Karl Loftingsmo Pedersen, ces norvégiens habités tiennent leurs promesses.

PA BAYOU PA BAYOU PA BAYOU PA BAYOU LE LE

Mais la grande claque de ce premier soir fut incontestablement la prestation de l'admirable septuagénaire protégé de Dan Auerbach (Black Keys), Robert Finley (photo ci-dessus). L'histoire de ce vétéran ancien technicien dans l'armée et auteur de son premier album à la soixantaine bien pesée, fait écho à celles des incroyables Lee Fields, Charles Bradley ou Naomi Shelton également célébrés en ces lieux.

Flanqué d'un jeune groupe et d'une Aretha grandeur nature à la voix de dingue au tambourin ; et dont on apprend assez vite qu'elle est la fille aînée du maître de cérémonie, Robert Finley qui à défaut d'avoir une carrière longue comme le bras a dès son plus jeune âge chanté et joué de la musique dans sa Louisiane natale et par-delà, subjugue l'assistance. Nourri au blues et au gospel comme tant de musiciens noirs qui ont compté, le vieil homme fait valoir un tremolo de baryton qui n'est pas sans évoquer la profondeur de celui d'Isaac Hayes (!) quand dans les aiguës et avec plus de force, son timbre incroyable réveille le fantôme d'un Al Green pas moins.

Le show d'une grande musicalité venge tous les chants atones et les à-peu-près entendus précédemment.
Et on en ressort en se disant qu'on devrait interdire le falsetto aux blancs-becs qui n'en ont pas les capacités vocales. Ici l'authenticité prévaut. Merci Monsieur Finley et indirectement, merci Monsieur Auerbach !

The Beach Boys - Sunflower (1970)

noreply@blogger.com (Nickx) — Fri, 13 Jun 2025 16:41:00 +0000

Avant que l'affaire ne tourne au sale avec les inévitables fâcheries fratricides, une inspiration en berne et l'irruption dans la saga Wilson du redoutable Dr Landy, voici l'un des derniers grands actes de bravoure des Beach Boys. Après cela il restera le sommet Surf's Up (71), Holland (73) et ce sera à peu près tout. Tous les membres du groupe sont photographiés dans un bel et rare unisson ; ce qui est rare. Al Jardine manquait à l'appel sur les premiers albums surf et était remplacé par David Marks. Entre temps revenu de ses années d'étude, le même Jardine manquait à nouveau la photo d'illustration sur le voilier pour Summer Days (and Summer Nights!!) de 1965 pour cause de dysenterie.

Brian absent des tournées du groupe dès 1965, n'étant pas davantage préoccupé par les visuels, se révélait absent de ceux de 20/20 en 69, l'une des nombreuses réussites des apprentis surfers postérieures au trauma Smile.

Et cette atmosphère idyllique et d'harmonie familiale retrouvée est présente dès le recto : les 6 membres d'alors dans un mood hippie de circonstance se font tirer le portrait avec les enfants de chacun. Tout le monde participe à l'écriture. Brian Wilson même en retrait depuis quelques années, parvient toujours à caser son brelan de merveilles. Ici celles-ci s'appellent "This whole world"; mini symphonie de poche d'à peine 2 minutes avec carillons, rupture harmonique étonnante et magnifiée par Carl devenu depuis "God only knows" puis l'album Wild Honey (67) l'emblématique chanteur lead. Puis c'est "All I wanna do" composée à l'ancienne avec Mike Love, ballade douce-amère où le timbre flûté et métallique du cousin fait à nouveau le métier. Puis "Cool, cool water" en ces années de conversion baba écolo clôt le 16ème opus de façon légère.

Dennis qui non content de battre, chante et compose divinement depuis peu, signe et interprète l'inhabituellement enjoué "Slip on through" introductif. Mais tout le monde se souviendra de la déchirante "Forever" annonciatrice des "4th of July" et "(Wouldn't it be nice (to live again)" à venir et de son Pacific Ocean Blues (77). Impossible de passer sous silence non plus "It's about time" également amenée par le plus SWAG des frères Wilson. Et que tous ceux qui sont toujours restés dubitatifs devant la puissance de rockeurs des Garçons de la Plage écoutent prioritairement ce titre dont il existe plusieurs versions live incendiaires sur Youtube. Et une nouvelle fois la puissance vocale de Carl emmène le titre très haut.

Album préféré de Bruce Johnston et il y a probablement lien de cause à effet ; ce dernier se voit confier 2 titres. "Deirdre" est une ballade délicate co-chantée avec Brian et préfigure la tendre "Disney girls (1957)" d"un an plus tard. "Tears in the morning" inaugure les-chansons-des-Beach-Boys-qui-ne-sonnent-pas-comme-des-chansons-des-Beach-Boys telles qu'on on en retrouvera notamment dans Holland. Mélancolique, douce-amère et soulignée d'accordéon, c'est peu dire que ce titre détonne. Il est arrangé par notre Michel Colombier national, tout comme le rageur "Got to know the woman" de Dennis et "Our sweet love" titre mineur d'Alan Jardine.

Album disparate et beaucoup plus hétéroclite que ne le sera son grand frère Surf's Up, un petit peu foutraque aussi, Sunflower est néanmoins un album terriblement attachant et qui encapsule très bien la diversité et le talent hors du commun en ce qui concerne le songwriting de ce groupe à nul autre pareil qu'était harmoniquement et vocalement les Beach Boys.

Et révèle définitivement un groupe sachant rocker ; bien loin des sages chemises à rayures des années surf.

En bref : album sonnant comme une véritable compilation mais n'en étant pas une. Tout le talent d'écriture des Beach Boys et de ses divers membres se révèle ici avant de réapparaître de manière encore plus éclatante avec Surf's Up l'année suivante. Hippie Hippie hourrah.

The Jesus Lizard - Epicerie Moderne (Feyzin) - 04/06/25

noreply@blogger.com (Nickx) — Fri, 06 Jun 2025 23:22:00 +0000

(de gauche à droite ; David Wm. Sims, Mac Mac Neilly, David Yow et Duane Denison)

)

Dans la foulée de l'excellent Rack leur album de reformation célébré en 2024, les mythiques Chicagoans de The Jesus Lizard s'offrent une belle tournée européenne. La France n'est pas ignorée : c'est ainsi qu'après une date à l'Elysée Montmartre, c'est au tour de la Capitale des Gaules et plus exactement sa banlieue d'être visitée.

Et l'on constate très vite que bien que sexagénaires bon teint, ces dépositaires hard-core aux sonorités jazz uniques n'ont rien perdu de leur superbe. Puisque dès le 3ème titre ("Mouth breather"), les premiers rangs sont déjà imbibés de bière et que l'ineffable et très alcoolisé David Yow fait le show. Bien qu'abîmé comparé à ses trois comparses qui portent beau, et assagi (il ne pisse plus sur le public), Yow a très vite un nombre déraisonnable de slams à son actif. Vociférant et à grand renfort de glaviots, il ouvre le set avec "Puss" un vieux classique qui a fait la gloire du groupe lors d'un split single avec Nirvana.

Les "Fuck Trump" abondent forcément, le son est nickel ; en particulier les riffs incendiaires que cisaille Duane Denison qui demeure l'un des plus brillants bretteurs de la scène punk US, le JJ Burnel de la six-cordes pour le port même si moins exubérant. Avec 7 titres, Rack est forcément à l'honneur avec une mention spéciale pour "Grind" et "Alexis feels sick". Tous les albums sont passés en revue à l'exception notable et justifiée de Blue (1998); sans doute l'album le moins réussi du quartette. Et surtout le seul orphelin de Mac Mc Neilly, le très racé batteur parti à l'époque sous d'autres cieux. Avec David Wm. Sims il forme une section rythmique démoniaque.

Les trois musiciens ne laissent que peu de répit à David Yow pour s'adonner à ses frasques car tel un Panzer, la machinerie des ex-acolytes de Steve Albini ne faiblit pas et enchaîne. L'incroyable limpidité du jeu de Denison fait d'harmoniques, d'écarts de phalanges et de glissandos au bottleneck particulièrement sur 'Blue shot", "Thumper" et "Thumbscrews" de ce qui demeure leur sommet - l'album Shot de 96 - fait merveille.

Et de ressortir rincé d'un show de 23 titres long de deux heures et ponctué de deux rappels placés sous ls signe du stupre et de la sueur. A aucun moment on ne leur en voudra de ne pas avoir joué "Dancing naked ladies".

Quel groupe.

Hugh Cornwell - Cargo de Nuit (Arles) - 01/05/25

noreply@blogger.com (Nickx) — Fri, 02 May 2025 16:54:00 +0000

Rendez-vous avec la légende des Hommes en Noir pour ce jour de travail chômé. En formation très resserrée - une basse, une batterie et c'est tout - l'autre homme fort des légendaires Stranglers des 15 premières années, armé de sa Telecaster revisite pendant près de deux heures son riche répertoire.

Le line-up très dépouillé détonne par rapport à la palette sonore à laquelle nous avait habitué les Etrangleurs : cela fait certes un drôle d'effet d'ignorer ainsi les parties de claviers de frère Greenfield sur la bagatelle de 8 titres (!) extraits de l'oeuvre du groupe mythique. Mais étonnamment, c'est pratiquement "Strange little girl" et sa revigorante partie de basse qui s'en sort le mieux. Et sans doute un "Nuclear device" envoyé du feu de Dieu sur lequel Hugh n'oublie pas son fantastique monologue sur l'Australie.

C'est peu dire qu'en comparaison des morceaux-que-tout-le-monde-attend, le répertoire récent de l'Homme en Noir ferait presque un peu chiche. Comment en effet lutter face à de tels monuments que "Tank", "Nice 'N' sleazy", les morceaux précédemment cités ou l'infernal "Duchess", peut-être la plus belle composition de Cornwell à ce jour. Alors, il y a bien ici ou là quelques couacs - ce solo de guitare irrémédiablement raté sur "Golden brown" ; malgré ce la magie opère encore chez ce monsieur à l'âge vénérable dont le timbre, le grain de voix et l'humour tongue-in-cheek demeurent inusables.

En rappel, notre homme enfonce le clou avec "White room", formidable reprise extraite de son premier effort solo Nosferatu dont l'album va faire prochainement l'objet d'une réinterprétation intégrale lors d'une tournée britannique. Et comme "Goodbye Arles" n'existe pas au répertoire (op cit Etienne Déconing), le set se conclut donc par une revigorante "Goodbye Toulouse".

No More Heroes, qu'il disait ?

The 13th Floor Elevators - The Psychedelic Sounds Of The 13th Floor Elevators (1966)

noreply@blogger.com (Nickx) — Fri, 07 Mar 2025 13:50:00 +0000

L'album qui encapsule les années psychédéliques du garage US ne contient pas l'ombre d'un effet psychédélique. Bon il y a bien une cruche électrifiée à l'arrière-plan mais pourquoi pinailler !

Roky Erickson et ses deux assesseurs que sont le guitariste Stacy Sutherland et Tommy Hall l'homme à la cruche créent leur quintette en 1966 en compagnie de deux sbires et d'emblée le groupe obtient un succès local et texan ultime avec l'un des plus grands hymnes qui soient : ce "You"re gonna miss me" échappé des Spades et composé par Roky est l'hymne repris par à peu près tout le monde et pas uniquement par des groupes punk à chien. On note notamment la cover marquante synth pop de Jad Wio au milieu des années 80.

Roky Erikson né Roger comme un autre célèbre frappadingue contemporain, a déjà fait sien avec ses copains l'adage de la fumette et des drogues psychotropes. C'est l'époque où de grands gourous et essayistes tels Thimothy Leary valident l'ouverture des portes de la perception. L'éphémère carrière du groupe ne sera d'ailleurs que suites de descentes de police et de mains basses sur de la marijuana quand ce ne seront pas les sacro-saints buvards qui vaudront à leurs détenteurs de sérieux démêlés avec les forces de l'ordre.

"You're gonna miss me" trône en bonne place sous sa chatoyante pochette au centre de laquelle se trouve l'Oeil de l'élévation humaine secondé au verso par le signe cabalistique de la pyramide ascensionnelle. Tout un programme.

La musique dans tout ça ? Elle est irrésistible et ce que l'on entend derrière la cruche quasi omniprésente qui imite le roucoulement du pigeon dans "Roller coaster", ce sont des chansons remarquablement écrites et qui pour une fois ne donnent pas dans les seuls slogans hédonistes amoureux du type "I need you so bad baby". Peu de résonances blues ou rhythm and blues dans la musique du groupe texan contrairement à nombre de leurs confrères de la même époque si ce n'est sur la lancinante intro de "Kingdom of heaven" qui n'aurait pas déparé une bande-son de David Lynch. Tout sonne... différent même si le groupe s'est nourri de ces mêmes influences à travers des reprises de Bo Diddley.

Et gimmick remarquable, pas une once de distorsion sur les guitares, aucun effet de flanger, feedback ou wah wah tellement empreints de leur époque. Autre élément à mettre au crédit des Elevators assurément. Dans ce disque sans temps mort, on note ces autres hymnes parmi les plus représentatifs du groupe que sont "Fire engine" lui aussi abondamment repris ainsi que "Tried to hide" réhaussé tout comme "....miss me" de l'harmonica de Roky.

Quand il ne jouait pas au possédé nasillard poussant des cris de hyène, le leader du groupe culte, savait être aussi ce chanteur formidablement touchant. Ainsi enfin débarrassé de la cruche, l'homme assène dans le magnifique "Splash 1 (Now I'm home)" ces douloureux et déchirants "I've seen your face before / I've known you all my life / And though it's new / Your image cuts me like a knife" prouvant s'il en était besoin que loin d'être cruche, le légendaire groupe Texan tel que décrit par le musicien rock critic Gilles Riberolles, disposait en plus d'un leader cinglé d'un son épuré qu'aucun autre groupe garage ne pouvait lui envier.

Deux autres albums incontournables même si forcément moins réussis du fait de la démise progressive de Roky en proie à des tourments psychiatriques et carcéraux allaient suivre. Dont notamment Easter Everywhere (1967). Mais aucun ne réunirait autant de folie et de sauvagerie que ces Sonorités Psychédéliques, premières de cet intitulé dans l'histoire de la pop.

En bref : avec une première occurrence du mot "psychédélique" et sans l'ombre (ou presque) d'un artifice sonore, le coup d'essai des Thirteen Floor Elevators du grand fêlé Roky Erickson demeure l'une des pierres angulaires du garage US.

Julian Cope - Friar Tuck (2024)

noreply@blogger.com (Nickx) — Tue, 31 Dec 2024 18:02:00 +0000

Qui pour intituler l'un de ses titres "Will Sergeant blues" ? Julian Cope bien sûr qui a plus que bien connu le guitariste de Echo and the Bunnymen. Celui-ci faisait partie de la même valeureuse scène liverpuldienne de la fin des années 70 et jusqu'au milieu des années 80.

L'inénarrable druide auto-proclamé fan de krautrock et de musique psyché nous revient avec son 30 ème album (mais il s'agit peut-être de son 35 ème). Tout en évoluant dans un relatif anonymat car en dehors de ses terres galloises et britanniques dans leur ensemble, personne n'a eu l'heur de s'intéresser ni même de consacrer quelques milliers de signes au géant de Deri lors de la sortie de ce disque sur l'inamovible label Head Heritage

Point de krautrock ici mais une nouvelle oeuvre intemporelle sans chichi ; de belles ballades à la guitare parsemées de wah wah et saupoudrées du Mellotron de rigueur, un chant assuré et serein bien loin des outrances de ses débuts. Julian Cope ne vieillit pas : la plupart de ces 12 titres auraient pu être enregistrées à l'époque bénie de Peggy Suicide, Jehowahkill ou Interpreter ; le grain reste le même. Combien de disques de cette qualité a-t-on pu écouter même en cette année fertile année 2024. Mais à l'image des tournées désormais dévolues à des festivals de bikers outre-Manche (pour faire vite) de ce personnage fantasque, fécond et ultra-créatif, la musique de Julian Cope se mérite.

De l'avis de tous les aventureux qui ont risqué une oreille à ce très dépouillé nouvel album, Friar Tuck qui désigne le Frère et dévoué serviteur de Robin des Bois - le précédent album de 2023 s'intitulait Robin Hood - compte déjà parmi les meilleures oeuvres de l'artiste de ces 20 dernières années.

On retrouve l'appétence pour les mots et jeux d'esprits du Druid dans la simple et belle "Too Freud to rock'n'roll too Jung to die" parée de 4 accords et citation de Brain Donor, l'un des actes musicaux des années 2000 de Julian. La vacharde et speedée "You gotta keep your halfwits about you" lui emboîte le pas. Puis arrive "Four Jehovahs in a Volvo state", comme du Stereolab accéléré qui ferait des turlutes à Eno. Introduite par une basse accorte car c'est après tout l'instrument premier de Julian "The dogshow must go on" a des faux airs de "Queen-Mother" de l'excellent 20 Mothers (95), et après ! Le toujours féru d'occultisme, d'histoire et de magie fait une pige du côté de Guillaume le Conquérant sur la magnifique ballade "1066 & all that" - il en a usiné comme ça des dizaines - pas moins. Dans cet album d'une petite quarantaine de minutes et au format idoine quand on sait combien l'artiste a parfois pu se montrer prolixe, seule "Me and the Jews" (la judéité, une marotte de l'artiste) atteint et dépasse même les 7 minutes.

Objet de fascination et de répulsion tendant parfois à l'ambiguïté, la religion est une nouvelle fois au centre d'un disque de Julian Cope. Empreint de paganisme; le disque fait la part belle aux obsessions païennes de notre homme. "Done myself a mischief" est une charmante chanson d'auto-apitoiement non dénuée de dérision qui (presque) clôt un disque revigorant et débarrassé de toute exégèse superflue. Les divagations religieuses de Cope ne sont en effet pas toujours à prendre au sérieux.

Julian Cope, plus que jamais to cope with, signe un nouvel album en apparence badin mais qu'on aurait tort de dédaigner maintenant qu'il a été découvert. Une vraie réussite.

En bref ; le retour en forme du Druide qui dans la plus grande discrétion ajoute néanmoins une nouvelle pierre angulaire à une oeuvre déjà plantureuse. On attend maintenant les concerts.