The Day Zero. Series de tv y cine

SURVIVOR PHILIPPINES: 5 razones para verla

noreply@blogger.com (Alx Zero) — Mon, 03 Dec 2012 11:59:00 +0000

Pese a ser un gran seguidor de Survivor, reconozco que tras su edición número 20 (Heroes vs Villains) di por acabado el formato. Tras el nivel alcanzado por esa temporada, creí que ya no merecía la pena seguir con el programa y que su mecánica terminaría agotándose por repetición de esquemas o por desafortunadas novedades. Y así pareció indicarlo sus siguientes ediciones. 'Survivor Nicaragua' aún fue decente, pero me declaro enemigo de las dos Redemption Islands. Ideadas como una vuelta de tuerca en busca de novedades, terminaron por resultar ediciones fallidas al servicio de unos concursantes veteranos que regresaban al programa por enésima vez. Cuando parecía que mi relación con el programa había terminado, llegó 'Survivor One World', cuya distribución de chicos contra chicas conviviendo en un mismo campamento y la presencia de Colton, uno de los concursantes más memorables y malvados que han pasado por el programa, demostraron que Survivor estaba muy lejos de ser declarado muerto.

Para su edición 25, Jeff Probst y Mark Burnett volvieron a traer concursantes que ya conocíamos, estrategia que hay que entender de cara a mantener unas audiencias que muy lejos se encuentran ya de los estratosféricos números de sus primeras ediciones. Lo que podía anticiparse como un Redemption Island 3, ha terminado revelándose como la mejor edición que hemos tenido desde 'Heroes vs Villains' y probablemente una digna merecedora de entrar en un top 10. Pero, ¿cuáles son las razones por las que 'Survivor: Philippines' está funcionando tan sorprendentemente bien? Aquí van cinco:

Tres tribus. Comenzar divididos en tres tribus sirvió para romper esa dinámica de las últimas ediciones en las que la tribu dominante fagocitaba a la inferior y restaba sorpresa al tramo post-merge. Cuando una tribu tiene los números y en la alianza todos se sienten seguros, el programa se vuelve mecánico y los tribal councils pasan a ser previsibles y aburridos. Si un concursante está en minoría y no hay brechas en la alianza enemiga, sólo puede sentarse a esperar que su cabeza ruede por la arena lo más tarde posible. Con tres tribus la dinámica cambiaba, es cierto que sólo perdía una de ellas, pero sirvió para mantener a Tandang lejos de las expulsiones durante la primera mitad del programa, sirviendo de caldo de cultivo para lo que luego estaría por venir. Pero no sólo eso, si no que también sirvió para que los dos supervivientes de la fenecida Masting se convirtiesen en imprevisibles wild cards cuya lealtad con la tribu que posteriormente les acogería no tendría por que ser tan firme.
Una temporada de cocción lenta. Esto viene por lo indicado en el punto anterior. Cuando dos de las tribus no tienen que enfrentarse al caos de las votaciones, se pueden establecer alianzas fuertes, pero también son el escenario perfecto para grandes traiciones. La amistad Penner / Jeff fue un buen ejemplo de esto y la obsesión de este último por no llevar lejos al que podía haber sido un gran aliado en su juego, terminó con su prematura expulsión. La enemistad Abi Maria / RC también se estuvo fraguando durante varios episodios, pasando de una alianza inicial a un odio visceral. Las piezas se fueron colocando de la mejor manera posible.
Unas expulsiones acertadas. En muchas ocasiones, tenemos la mala suerte de perder a grandes jugadores a principio del programa, lo que deja coja a algunas ediciones, teniendo que arrastrar en su tramo final a concursantes que no han hecho mucho más que tomar el sol y robar algún plano para recordarnos que no son una palmera más de la playa. En este caso, todas esos participantes menos llamativos fueron eliminados al comienzo, dejando a las grandes personalidades tomar el control del juego cuando la competición se recrudecía e incluso, sorprendiéndonos con concursantes que creíamos que venían a pasar unas tranquilas vacaciones (Lisa) y que terminaron por liarlo más de lo previsto.
Un casting imprevisible. La inteligencia de unos, unida a la ineptitud de otros, ha dado como resultado a algunos de los tribals councils más memorables de todo el programa. El desperdicio de idols, las estrategias dichas en voz alta y las continuas muestras, no veladas, de desconfianza y desprecio, están llevando la temporada por un camino completamente imprevisto. A lo que también hay que agradecer la suerte de algunas inmunidades (como esa de Jonathan Penner, en la que ganó en el mejor momento posible, salvándose de una expulsión segura) y la revelación de concursantes por los que nadie habría apostado. En un tramo que por lo general suele ser bastante previsible, Survivor Philippines está consiguiendo sorprendernos a cada expulsión, las alianzas no paran de dar vueltas y los final three, four o five ya sólo nos parecen promesas vacías cuyo único objetivo es sobrevivir una semana más.
Abi Maria. Ella es la revelación de este año, una chica mezquina, antipática, paranoica, con una forma molesta de hablar, arrogante a ratos y con una visión estratégica y social del juego prácticamente nula. Una joya que por azares del destino ha pasado de la semana 3 en la que tenía que haber quedado. Ella encabezó un eje del mal junto a Pete (una de las miradas más turbias que han pasado por aquí) y Artis que sirvió para polarizar todavía más la edición y que nos hizo posicioinarnos del lado de una pobre RC que veía como su principal aliada perdía los papeles e iniciaba una enloquecida cruzada contra ella (esperemos que regresa para algún futuro AllStars). Lo mejor de todo, es que forma parte de esos concursantes que no son muy conscientes del papel que están jugando, en cierto modo, ella es el reverso de Sugar, esa heroína accidental, que nunca fue consciente del inmenso poder que tuvo en 'Survivor Gabón'. Abi Maria es la villana que toda buena edición de un reality necesita: excesiva, exagerada, demente y sobre todo, imprevisible.

Apenas nos quedan un par de semanas para cerrar esta 25ª temporada, la situación no puede estar más igualada y en este punto, cualquiera puede ganar. Ya empieza a ser hora de pensar en el jury y quien es mejor no llevarte de cara a perder en una votación. La final promete ser trágica e intensa. Y después, Fans vs Favorites 2 en Febrero. La sombra de 'Survivor Micronesia' es alargada ¿estará a la altura?

FESTIVAL DE SITGES: Día 5

noreply@blogger.com (Alx Zero) — Wed, 24 Oct 2012 16:22:00 +0000

El quinto día lo comenzamos con una película que en su tono se alejaba a lo que se suele ver en el Festival de Sitges. Safety Not Guaranteed resultó ser una entrañable comedia indie con un punto friki. La investigación de unos periodistas sobre un anuncio en el que un tipo busca compañero para viajar en el tiempo desencadena la típica película, tanto en tono, como en música o guión, que se debe ver en Sundance por triplicado. Esto no quita que tenga sus aciertos, siendo sus personajes, escritos con tino, su principal baza. El humor y alguna que otra sorpresa hacen el resto, dejándonos con una sorpresa y perdonándole ese deja vú que se respira durante toda la película. Mencionar la presencia de Aubrey Plaza en un personaje similar al que interpreta en Parks and Recreations y que, al igual que en esa estupenda comedia, clava a la perfección.

Alois Nebel fue la segunda sesión del día, y no sé si fue por su mala hora, cuatro de la tarde o por su moroso ritmo, pero se me hizo eterna. La historia de un gris oficial de estación de un país del Este no llega a interesar y más allá de una curiosa animación en blanco y negro, su falta de ritmo y la apatía de su protagonista hacían difícil engancharse a algo.

Sightseers fue otra decepción, avalada por los positivos comentarios de aquellos que la habían visto en la sesión matinal, esperábamos una acertada comedia negra, que por desgracia no encontramos. Galardonada por el Festival con los premios de mejor guión y mejor actriz, cuenta el viaje de vacaciones de una peculiar pareja que termina convertido en una homicida road trip. Entre la irritante voz de la actriz protagonista y el medio camino al que se queda en su humor negro se convirtió en otra pequeña decepción.

Y al fin llegué a la que posiblemente era mi película más esperada de Sitges 2012: The Lords of Salem de Rob Zombie. Este director responsable de la loca La casa de los 1.000 cadáveres y la contundente y muy reivindicable Los Renegados del diablo, regresaba con un proyecto personal tras el fiasco de su paso por la saga de Halloween. The Lords of Salem resultó ser una alucinada película satánica protagonizada por su mujer, una Sheri Moon Zombi que por primera vez no da miedo, en la que un disco despierta una antigua maldición relacionada con las brujas que fueron quemadas en ese lugar varios siglos atrás. Zombi se las arregla muy bien a la hora de crear una atmósfera enrarecida e infernal y da rienda suelta a todo su imaginario en su alucinado tramo final. Interesante en su puesta en escena, pero con un guión demasiado débil que hacen de The Lords of Salem una curiosa experiencia sensitiva (a lo que el elevado volumen en el que estaban proyectando la película ayudó), pero que se desvelaba intrascendente y vacía de contenido.

No one lives fue la sorpresa de la madrugada. Película que coge el esquema de cazador cazado para construir una tensa historia sobre un grupo de delincuentes que tras intentar robar a lo que parecía una inocente pareja de recién casados, pronto comprobarán que han tomado la decisión más equivocada de su vida. La acción, el suspense y, como no, la sangre se dan rienda suelta en este juego del gato y el ratón que no da descanso a los personajes y que divierte sin apenas pausa al espectador. Un malo carismático y un enigmático personaje, que supondrá el principal punto de queja sobre la película, por lo desaprovechado que queda, principalmente. Desde mi punto de vista, uno de los mejores entretenimientos 100%Sitges que pude disfrutar.

FESTIVAL DE SITGES 2012: Día 4

noreply@blogger.com (Alx Zero) — Tue, 23 Oct 2012 15:33:00 +0000

Siguiendo con el repaso a Sitges llegamos al cuarto día, que tenía como plato fuerte el pase especial de Lo Imposible. La nueva película de J.A. Bayona, que posteriormente arrasaría en la taquilla española, llegó a Sitges despertando gran expectación después de su paso por San Sebastián. Esta historia sobre una familia que sobrevive al tsunami de Tailandia es toda una experiencia cinematográfica que te arrastra durante todo su metraje, golpeándote igual que a los personajes y haciéndote sufrir con todo lo que les sucede. Lo imposible es un tipo de película concreta que busca ante todo emocionar al espectador, al igual, que por ejemplo una de terror busca asustarlo, si quieres entrar en ella bien, si no, a otra cosa. Su primera hora es de una fuerza pocas veces vista en pantalla, el tsunami y la travesía de los personajes interpretados por Naomi Watts y Tom Holland (revelación de la película) agarra al espectador sin darle un respiro y lo ahoga en un mar de sensaciones milimétricamente trasladadas a la pantalla. El dolor y la angustia se transmiten a un espectador que se va encogiendo en su butaca esperando a que todo pase y pueda salir lo más (emocionalmente) indemne posible. Su segundo tramo centrado en el personaje de Ewan McGregor pierde en intensidad, pero gana en emoción. Lo imposible es un espectáculo que ha de disfrutarse en cine, para sumergirse tanto en sus espectaculares imágenes como en su magistral uso del sonido. Una película, que gracias a su formidable realización trasciende al carácter de telefilm que podría tener por las características de su historia. De lo mejor que he visto este año, o mejor dicho, de lo que más he disfrutado (sufrido) en una butaca.

Tras esta experiencia tan potente, la siguiente película cambió por completo el registro y terminó revelándose como una agradable sorpresa: ParaNorman. Película de animación entrañable, con momentos divertidos y sus guiños al género de terror. Curioso que este año coincidiese en Sitges con otras dos propuestas de animación con el mismo tono: Frankenweenie y Hotel Transylvania.

Maniac daría el pistoletazo de salida a una tarde/noche de películas non-stop. Este remake de un film de los ochenta protagonizado por Elijah Wood resultó ser una propuesta potente y salvaje sobre un asesino en serie que mata mujeres y les arranca la cabellera. Visceral y violenta, es un intenso ejercicio de estilo en el que se nos muestra toda la película vista (literalmente) desde los ojos del asesino. Esta visión subjetiva funciona a la perfección y añade un punto diferencial a esta potente película. Destacar la presencia de Alexander Aja (Alta Tensión) en el guión.

Con Aftershock iba con las expectativas por los suelos y quizás por eso terminó por gustarme. Los comentarios negativos de aquellos que la vieron en su pase matinal parecían anunciar una película fallida, pero por suerte no fue esa la sensación que me dejó. Protagonizada por Eli Roth y con un peculiar cameo de Selena Gómez, la película nos cuenta como tres americanos están de fiesta en Chile durante el terremoto que tuvo lugar hace unos años. Es cierto que ver esta película el mismo día que Lo Imposible no le hace mucho bien, pero aquí optan por la tensión y la sangre presentándonos a un grupo de presos que escapa de la cárcel tras el terremoto. Con unos primeros 40 minutos en los que vemos a los protagonistas de fiesta en fiesta, la película termina por arrancar para convertirse en una pesadilla en la que sus guionistas no escatiman en violencia y muerte. Hasta tal punto que uno termina justificando la excesiva longitud de su primer tramo como un medio para llegar a los 90 minutos.

Con Excisión comenzábamos el Killer Marató en el cine Retiro. Esta marciana película protagonizada por una irreconocible AnnaLynne McCord (90210) sigue la vida de una peculiar joven con problemas de socialización y fascinación por la sangre y la cirugía. Comedia muy negra con toques realmente inquientantes que la convierten en una rareza muy a tener en cuenta.

Girls Against Boys fue la segunda película de la madrugada y toda una decepción. Utilizando la estructura de violación y venganza que ya hemos visto otras veces (La última casa a la izquierda, I spit on your grave), nos cuenta esa misma historia con una apática protagonista que pasa de ser una estudiante normal a una fría y despiadada asesina sin una evolución creíble. Mal llevada y, lo que es peor, aburrida. Mal final para un día que tuvo películas muy interesantes.

FESTIVAL DE SITGES 2012: Día 3

noreply@blogger.com (Alx Zero) — Thu, 18 Oct 2012 17:02:00 +0000

La tercera jornada en Sitges comenzó con Blood-C: The Last Dark, conclusión cinematográfica del anime Blood-C, con diseño de personajes del estudio CLAMP y con el referente de Blood: The Last Vampire, mediometraje que ya es un clásico dentro del género, como espejo desde el que mirarse. Por desgracia la película fue un fiasco. Más allá de un entretenido comienzo con mucha acción, la historia se estanca en cientos de diálogos que nos explican lo visto en la serie, así que termina por aburrir tanto al espectador neófito, como al fan al que repiten lo ya visto. La calidad de la animación era buena y las puntuales escenas de acción se dejaban ver, pero más allá de eso, no hay nada que se pueda salvar.

Seguimos con anime, aunque en esta ocasión con mejor resultado, con la adaptación a la gran pantalla del manga Berserk. Esta primera película abre la trilogía The Golden Age con el subtítulo The High King´s Egg. No es la primera adaptación a la animación de esta historia, ya que hace unos años se trasladó el mismo arco argumental a la televisión. En esta ocasión, el presupuesto más elevado nos ofrece una animación mucho más espectacular, con grandes batallas y secuencias generadas por ordenador. La película funciona como introducción de situaciones y personajes y por lo que se ve, nos van a contar la historia de una traición, en vez de la historia de venganza que se relata en el manga. Que la historia en papel vaya por los treinta y pico tomos y todavía no esté completa justifica esta decisión. Me intriga ver como concluirán el arco argumental y si cerrarán a su manera, para no dejar al espectador colgado. Selecta Visión ha licenciado en España esta película y a finales de Octubre se podrá adquirir tanto en Dvd como BluRay. Por mi parte queda recomendada.

A las nueve de la noche tuvimos la oportunidad de ver en el cine Retiro una de las películas que más esperaba: Compliance. Contar de que va es arruinar la sorpresa, así que sólo mencionaré el punto de partida: la gerente de un restaurante de comida rápida recibe por teléfono la llamada de un policía que acusa a una de las empleadas de haber robado a una cliente y le pide que la retenga a la espera de que llegue al local. Esta es una de esas películas que exigen un salto de fé al espectador. Tienes que creer un par de decisiones de los personajes para entrar en lo que te proponen (a pesar de que, como se indica al inicio de la proyección, está basado en hechos reales). Las opiniones estaban enfrentadas entre los que no se creían nada de lo que sucedía en pantalla y los que entramos en la propuesta y sufrimos una película incómoda y claustrofóbica como pocas. Un auténtico tour de force en el que la estupidez humana llega a niveles casi insoportables. Una de mis películas favoritas de todo el festival.

American Mary fue la última sesión de ese día. Nueva creación de las hermanas Soska protagonizada por una estupenda Katherine Isabelle que cuenta con un sugerente punto de partida y algunos elementos visuales muy interesantes que terminan por quedar desaprovechadísimos. Una joven estudiante de medicina que quiere ser cirujana se queda sin dinero y comienza a realizar intervenciones ilegales. Lo que parece una situación puntual, tras cierto giro de la historia se transformará en un trabajo serio en el que no habrá límites en la transformación del cuerpo de sus clientes. El problema de American Mary es la brusquedad y poca verosimilitud del cambio de actitud de la protagonista por culpa de un suceso, que por traumático, no justificaba ese cambio de personalidad tan brusco. Lo mejor, esas muestras de cirugía enfermiza que dejaban un par de imágenes para el recuerdo.

HERE COMES HONEY BOO BOO: La sorpresa del verano

noreply@blogger.com (Alx Zero) — Wed, 17 Oct 2012 11:27:00 +0000

Las vacaciones son el mejor momento para los realitys. Descansar un poco de la intensidad de las series y engancharse a algo divertido e intranscendental. Este año en los USA ha triunfado un programa de la cadena TLC, responsable de 'maravillas' como 'My strange addiction' o el controvertido 'Toddlers and tiaras', del que ya hablé aquí. Y es de este último de donde surge el bombazo del canal en los últimos meses: Here Comes Honey Boo Boo.

Honey Boo Boo fue una de las niñas que aparecían en uno de los capítulos de este programa que sigue a jóvenes aspirantes a reinas de la belleza en concursos locales. Su posterior éxito en YouTube, por su extrovertida y peculiar personalidad, les llevó a crear un spin-off que en este caso seguiría el día a día de esta familia de white trash compuesta por June Thompson, matriarca con cuatro hijas, la mayor de 17 años y ya embarazada y la menor, Alana de 6 años (Honey Boo Boo en su nombre artístico). Cada hija (la primera la tuvo sólo con quince) es de un hombre distinto y en estos momentos se encuentra arrejuntada con el padre de Honey Boo Boo, un minero al que llaman Sugar Bear y que le faltan tantos dientes como hervores.

Para entender lo que es esta familia habría que decir que son lo que allí se conocen como 'rednecks', que en cristiano, vendría a ser paletos de la América profunda. Esta entrañable familia se divierte tirándose a un charco de barro, adoptando un cerdo o practicando el extreme couponing (práctica que permite a familias poco pudientes comprar por muy poco precio mucha cantidad de diferentes productos en un supermercado).

¿Y dónde reside el interés de este programa, que a priori podría ser otro docushow más? En el montaje, en la mala leche con la que está hecho. El programa está presentado de forma entrañable, pero muy autoconsciente. Los montadores y guionistas, saben que estamos viendo a una familia de paletos y lo explotan con mucha ironía. Bien merecerían un Emmy, ya que sacan oro de un programa que podía no haber pasado de anecdótico. Un buen ejemplo de ello son las declaraciones a cámara de la matriarca de la familia, en la que no dudan en mantener los constantes estornudos y demás flatulencias que esta mujer no para de tener.

En Here Comes Honey Boo Boo la verdadera protagonista es la madre, June 'Mama' Thompson que con sólo 33 años ya es abuela. La vemos como ahorra el presupuesto familiar acudiendo a subastas de comida, para luego gastarse 200$ en el corte de pelo de su hija para el concurso de belleza. Su familia con todo hijas es una locura (a veces se entiende la cara de resignación del pobre Sugar Bear), desde la mayor embarazada, a otra que también le debe faltar alguna neurona y siempre está de fondo puntulizando las declaraciones de su madre. Son un show los momentos en los que todos acuden a una peluquería o a un restaurante, por ver la cara de desesperación de los que les atienden.

Este programa es impagable por capítulos como en el que les vemos adoptar a una cría de cerdo que no para de gritar, su visita a un basurero en busca de alguna cosa que llevarse a casa o su 'divertido' juego de taparse los ojos y descubrir que miembro de la familia te está echando el aliento. Estas son algunos de los pasatiempos en los que se entretienen los Thompson mientras pasa el verano y vuelven las clases para las niñas.

Otro elemento curioso es el hecho de que el programa original está subtitulado en inglés, ya que los propios americanos no iban a entender a nadie por culpa de su acento. Su estreno ha sido un éxito en EEUU, liderando las audiencias de cable y siendo parodiado en multitud de programas. Las críticas (comprensibles) que incluso lo acusan de explotación infantil, tampoco se han hecho esperar.

Por mi parte, no puedo hacer otra cosa que recomendarlo, viene a ser la quintaescencia del guilty pleasure, un programa muy blanco repartido en diez capítulos de veinte minutos que se ven en un suspiro (alguno hasta con cliffhanger). Si os ponéis con ello, os aseguro un buen montón de risas y es que en el fondo, los pedos y las caras raras de una señora tras estornudar, sigue siendo algo muy divertido.

FESTIVAL DE SITGES 2012: Día 2

noreply@blogger.com (Alx Zero) — Tue, 16 Oct 2012 16:44:00 +0000

El viernes 5 de Octubre, segundo día en el Festival de Sitges, lo comenzamos con una sesión temprana de Branded, sátira sobre el mundo de la publicidad que cuenta con un punto de partida estimulante pero que se pierde a la mitad del camino. Centrándose en un joven y triunfador publicista ruso, se plantea un escenario en el que las empresas de comida basura han decidido cambiar el canon de belleza promoviendo la obesidad para así aumentar sus ventas. Los prometedores toques de thriller y comedia negra desaparecen en su tramo medio para dejar lugar a un sinsentido de película que además termina por aburrir al personal. Su manido discurso sobre lo mala que es la publicidad remata una película en la que sólo se salva la guerra de marcas representada como inmensos monstruos que sobrevuelan el cielo de Moscú. Fue perfecta para echar una cabezadita y estar más fresco para la segunda película de la jornada.

The Day era la película post apocalíptica que no podía faltar en un festival como éste. Por hacer alguna similitud, recuerda a otras historias como Hell, presentada el año pasado, o La carretera (The Road). Grupo de personajes que vagan por un mundo asolado, retratado con una fotografía gris y fría que plasma la desesperanza en la que están sumidos. Los protagonistas viajan con precaución, ya que en este caso no huyen de zombis, sino de los pocos supervivientes que quedan que han optado por el canibalismo. El descanso lo encontrarán en una casa en medio de la nada, pero obviamente, lo que parece una parada para coger fuerzas se convertirá en una trampa mortal. Acción, sangre y personajes medianamente interesantes hacen de esta película algo poco original, pero muy entretenido.

Le magasin des suicides fue la primera película de animación que disfrutamos en Sitges. Una pequeña delicia musical macabra que a ratos asombra por la crudeza de sus situaciones. Una familia que regenta una tienda de productos para suicidarse recibe con horror a un nuevo vástago que es la antítesis de ellos, alegre, vitalista y opuesto a ese hastío que parece impregnarlo todo. Con una primera mitad muy potente gracias al humor negro que destila, pierde parte de su esencia en su segundo tramo. A pesar de eso, es una película que no me puedo quedar sin recomendar, tanto por sus macabros momentos en la tienda, como por esos trágicos y desesperados números musicales en los que forma y fondo chocan por su contraste.

No faltó una comedia gamberra y friki, en este caso la marciana John Dies At The End. A ratos recordando a Donnie Darko, por lo alucinado de su trama, pero con mucho más humor. En esta nueva película del director de la ya clásica Phantasma, seguimos a dos amigos que se ven envueltos en una aventura de universos paralelos y viajes en el tiempo por culpa de una droga que consumen en un concierto. Triunfó entre el público de la sesión, que se divirtió y aplaudió en varios momentos. Entre lo extraño de su trama, su estructura desordenada y sus gags, la película se pasaba en un suspiro.

Holy Motors, sería galardonada al final del festival como mejor película y mejor dirección entre otros premios. Podría considerarse la película pretenciosa y enigmática de la edición. Una propuesta polarizante que exigía al espectador entrar en su juego y aceptar esas extrañas reglas por las que se articulaba. La historia parte con un hombre que sube a una limusina para ir a trabajar. A lo largo del recorrido que hará ese día, irá deteniéndose en diferentes lugares para interpretar a un personaje distinto cada vez. Una película que reflexiona sobre la identidad y sobre la línea que hay entre ficción y realidad.

Terminé el día con algo sencillo a la una de la madrugada, el maratón de foundfootage. Por desgracia, el agotamiento de haberme levantado a las 8 de la mañana me llevó a aguantar sólo la primera película: V/H/S. Esta película es una antología de historias dirigida por varios directores, que tienen como punto común el uso de la cámara subjetiva como medio para relatar un cuento de terror. Vampiros, asesinos o poltergeist se daban lugar en esta película cuyo hilo conector eran unos jóvenes que se cuelan en una casa y encuentran estas cintas en una de las habitaciones. Como suele suceder en este tipo de películas el resultado es irregular, destacando el primer y el último fragmento como los mejor llevados. Los comienzos de todas las historias son bastante aburridos al mostrarnos a unos jóvenes descerebrados hacer el idiota con la cámara hasta que finalmente sucede algo. A V/H/S le siguieron Area 407 que recibió pésimas críticas de los que soportaron la proyección y The Bay, la nueva película de Barry Levinson que tuvimos la oportunidad de ver en el maratón sorpresa del último día.

FESTIVAL DE SITGES 2012: Día 1

noreply@blogger.com (Alx Zero) — Mon, 15 Oct 2012 17:22:00 +0000

Durante los días 4 y 14 de Octubre tuvo lugar la 45ª edición del Festival de cine fantástico de Sitges. Una cita obligada para los fans del género y una fecha ineludible en mi calendario tras la estupenda experiencia que supuso en su año anterior.

Para entender lo que me gusta Sitges hay que comprender la filosofía con la que me tomo el Festival, días de playa para el final del verano combinado con películas (cinco de media al día) y el mejor público posible acompañándote en las proyecciones. Gente que aplaude cuando la heroína tumba al asesino de un hachazo o que incansablemente vitorea sesión tras sesión el logo del Festival. Disfrutar de una película en el Festival de Sitges puede convertir la experiencia de verla en algo mucho más divertido que hacerlo en el salón de casa o en un cine normal. Ya por eso, merece la pena pasarse por aquí.

Sitges 2012 ha contado con una programación, que además de inabarcable, ha sido variada, ofreciendo todo tipo de películas más allá del género terror o scifi. Dramas, animes, películas de acción o thrillers pasaron por las pantallas de sus tres cines: el enorme Auditori del Hotel Meliá, el cómodo cine Retiro o la destartalado sala del Prado. Películas muy esperadas como Lo Imposible, Pieta, The Lords of Salem o Beasts of the Southern Wild. Propuestas potentes que polarizaron a los espectadores como Holy Motors, Compliance o Spring Brakers y como no, sangre a raudales en películas como Maniac, The Seasoning House o No One Lives. Y como si de un género más se tratase, el foundfootage (esas películas hechas de 'supuestas grabaciones caseras encontradas') inundó la programación con propuestas como La Cueva, V/H/S o The Bay.

Durante los próximos posts repasaré lo visto durante esos diez días, además, podéis escuchar lo que nos pareció esta edición de Sitges al equipo de Ohhh! TV Podcast, en nuestro segundo programa de la temporada que podéis descargar aquí.

Dicho esto, comenzamos con las películas del primer días:

La encargada de inaugurar Sitges 2012 fue la española El Cuerpo, protagonizada por José Coronado, Hugo Silva y Belén Rueda y dirigida por Oriol Paulo, guionista de Los Ojos de Julia. La desaparición de un cadáver en la morgue es el punto de partida para una película que bascula entre el thriller, el cine negro e incluso el terror. Una historia que va girando sobre si misma que por desgracia falla tanto en su realización, como en su sobreexplicación y, en lo que es peor, en su dirección de actores. Un desastre que termina por aburrir al no ser capaz de involucrarte ni intrigarte en lo que sucede en pantalla.

Como es normal, en Sitges había que reencontrarse con Takashi Miike, director del que este año se podían ver dos películas, For Love's Sake y Ace Attorney. La primera de ellas fue nuestra segunda sesión del festival y resultó ser un loco musical que recogía los códigos estilísticos del manga para adaptarlos literalmente con ironía y autoconsciencia a una película de imagen real. El resultado es en ocasiones tronchante con algunos números musicales realmente indescriptibles, pero el conjunto final es muy irregular. Cuando la trama toma peso y se pierde un poco el cachondeo la película se ralentiza y aburre. Es una rareza más del inconbustible Miike, en este caso apta sólo para otakus, que pillarán las constantes referencias al anime (esos petalos cayendo del cielo, esos monólogos...).

Terminamos el primer día con The Taste of Money, una de las películas más potentes visualmente que pudimos disfrutar en Sitges. La historia de una de las familias más ricas de Corea vista por el ayudante personal del patriarca. Un relato sobre la corrupción moral en la que están sumidos a través de una realización sobresaliente. Rodada con un cuidado máximo a cada uno de sus planos en los que se juega constantemente con la luz y los espacios, en los que nada es dejado al azar y dónde se cuenta la historia a través de imágenes. Un poco larga al final, sufriendo ese mal de muchas películas asiáticas que no saben cuando terminar y te frustran engañándote con varios falsos finales (como en el Retorno del Rey, para hacerse una idea).

Hasta aquí llegó un primer día tranquilo en lo que a películas se refiere. Sirvió para situarse y entrar en el modoFestival que exigiría despertarse todos los días a las siete de la mañana para reservar como prensa las entradas del día siguiente. Por mi parte, decidí prescindir de madrugones e intentar ir a los maratones, las sesiones más divertidas y más dadas a la casquería. Y es que reconozcámosolo, en el fondo, a eso he venido a Sitges.

BUNHEADS: Lidiando con la muerte

noreply@blogger.com (Alx Zero) — Tue, 26 Jun 2012 17:11:00 +0000

Tratar con la muerte de un personaje principal en una serie de televisión es algo que se puede abordar desde diferentes ángulos. Desde jugar con el shock de la sorpresa, a dedicarle un sentido episodio o aprovechar para jugar con los códigos de la serie y presentar algo especial. La muerte la hemos visto en televisión en muchas ocasiones, siendo el detonante, como en esa primera escena del piloto de Mujeres Desesperadas, funcionando como centro en torno al que gire el programa, como sucede en A Dos Metros Bajo Tierra o como mecanismo para llevar al resto de personajes a un nuevo punto, como ocurre con The Body en Buffy.

Pero ¿qué sucede cuando hay que abordarla en una amable y blanca comedia familiar de la cadena ABC Family? En esos jardines fue en los que se metió Amy Sherman-Palladino, creadora de Bunheads, esta nueva serie sobre una bailarina de Las Vegas que acaba de profesora de baile en un idílico pueblo de peculiares habitantes. Amy Sherman-Palladino, conocida por haber llevado las riendas de Las Chicas Gilmore durante seis años decidió dar un giro a su inverosímil punto de partida (chica que abandona su vida para casarse con un desconocido e irse a vivir a un lugar en medio de la nada con él), eliminando a un supuesto personaje importante y obligando a la protagonista a quedarse en un pueblo en el que no pinta gran cosa.

Si en este tipo de series, lo normal es que el personaje en cuestión acabe destinado por una u otra razón en alguna idílica comunidad, en principio opuesta a su carácter (Doctor en Alaska, Hart Of Dixie, Everwood...), en 'Bunheads' la Palladino ha tirado de su experiencia televisiva para enfrentarse a la muerte de un hijo y un marido en un segundo capítulo, que obligase a la alocada protagonista a echar raíces en un lugar que en principio no le corresponde. Echándole narices. Puede decirse que el resultado de este atrevimiento consiguió un aprobado, entregándonos un episodio que supo sortear temas y dramas que no se correspondían ni con el tono, ni con el punto en el que se encotraba la serie en ese momento (arrancando).

Es curioso como a lo largo de los primeros diez minutos de su segundo capítulo nadie menciona la palabra 'muerte'. Y como, cuando finalmente se explicita, no se vuelve a repetir en muchas más ocasiones. En este episodio no hay cadáver, no hay funeral, ni siquiera hay tumba o ataúd. Se sortean todos estos objetos que pueden dar una entidad más seria a la pérdida y se plantea el sepelio casi más como una despedida o incluso una reunión de conocidos.

No faltan las catarsis al final del episodio, pero se rehuye del dramatismo exagerado. La pérdida de un hijo rompe un corazón para siempre, pero se lleva con calma y estoicismo. Amy Sherman-Palladino decidió arriesgarse con éste comienzo y pese a que intentó abarcar demasiado, por estar en un punto tan temprano en la serie en el que todavía no hemos llegado a involucrarnos emocionalmente con los personajes, supo salir con elegancia y demostrando tablas, de ese pequeño atolladero en el que se había metido.

A parte de ésto, Bunheads se plantea como una propuesta correcta en su género, familiar y con un tono muy blanco, heredera de Las Chicas Gilmore, tanto en su protagonista (podría ser perfectamente la hermana melliza de Lorelai), como en la velocidad con la que hablan, las réplicas y la música. Una serie ligera, y reconozcámoslo, muy para mujeres, perfecta para el verano.

THE GLASS HOUSE: Sobre plagios y casas

noreply@blogger.com (Alx Zero) — Thu, 21 Jun 2012 12:05:00 +0000

Uno de los dramas del verano en la televisión americana ha sido el enfrentamiento (y demanda judicial) entre la ABC y la CBS por el estreno del nuevo reality de la cadena de Disney, The Glass House. Este nuevo programa introduce a una serie de concursantes en una casa con paredes de cristal, y les sigue con cámaras durante las 24 horas del día, con el único objetivo de irles eliminando hasta que sólo quede un ganador. Como se puede ver, un punto de partida similar al de Big Brother (US) de la CBS y de ahí, que la cadena intentase evitar a toda costa su estreno.

Se quejaban de estar plagiándoles el programa y acusaban a trabajadores de vender secretos del longevo reality de la CBS a la competencia, para montar The Glass House. Más allá de este enfrentamiento, es cierto que no falta parte de razón a esta acusación de copia, pero también que el formato cuenta con sus diferencias. Mientras en Big Brother US no hay intervención del público y los concursantes se nominan y expulsan entre ellos, en The Glass House son las votaciones de los espectadores las que marcarán el transcurso del programa. Será el público el que decidirá quien abandone la casa y esto, teniendo en cuenta la visión que tienen los americanos de este tipo de realitys, le resta interés.

La gracia de Big Brother (US) radica en como todos los concursantes tienen que sobrevivir a sus compañeros a través de un juego social intenso y extenso (tres meses), que eleva al cubo lo que se puede ver en Survivor. Sin las interferencias del público, los participantes pueden dar rienda suelta a su sinceridad en los confesionarios y las estrategias más rastreras son permitidas, ya que no importa lo que piensen fuera, lo importante es eliminar al adversario.

The Glass House tampoco sigue la estructura semanal de HoH, Veto y Expulsión que permite a Big Brother ser un programa dinámico en el que el poder cambia de las formas más inesperadas. El reality de la ABC se limita a un único programa semanal en el que asistimos al desafío y las votaciones en sus cuarenta minutos.

Por ahora sólo llevamos un capítulo y se puede decir que ha pecado de soso por un lado y de impostado por otro. La necesidad de crear conflictos, sobre todo cuándo ya no es tan importante la estrategia a la hora de permanecer en la casa, llevó a que un autoproclamado biggest villain from reality tv se dedicase a insultar y crear tensión de forma muy artificial. Tanto que ya se comenta que probablemente fuese un topo introducido por la cadena para agitar los primeros días.

Habrá que esperar a ver como evoluciona el programa, si el casting merece la pena y si los concursantes son lo suficientemente inteligentes como para aprovechar el margen que les dan las reglas. De primeras, lo mejor ha sido el comunicado de la CBS, que se ha tomado su derrota con mucho humor, anunciando un Dancing ON the Stars o un PostModern Family.

Por ahora, me vale como entretenimiento menor mientras esperamos a que regrese el plato fuerte de la CBS, Big Brother, que abrirá las puertas a su temporada número 14 en menos de un mes. Hasta el día 12 de Julio no comenzará, pero con la aparición de las primeras promos los rumores no se han hecho esperar. ¿Será el esperado All Stars 2? ¿Ese anuncio de "Concursantes a los que amas" y "Concursantes a los que amas odiar" será una división a lo Heroes vs Villains? Anuncian además el mayor número de concursantes hasta la fecha y cuatro twist.

Yo ya estoy mordiéndome las uñas por ver que será lo que Chenbot y compañía se han reservado para éste verano. Por mucho que me pese, éste es mi reality favorito y ayuda a hacer los veranos teléfilos mucho más apasionantes. Será que el calor hace más llevaderda tanta traición y backstabbing.

TRUE BLOOD 5x01 Turn! Turn! Turn!

noreply@blogger.com (Alx Zero) — Tue, 12 Jun 2012 12:10:00 +0000

Que la cuarta temporada de True Blood terminó siendo bastante fallida no es ningún secreto. El cachondeo de sus primeros capítulos terminó diluyéndose en un tramo final que parecía tomarse a si mismo demasiado en serio. Los dos últimos capítulos pecaron de falta de autonconciencia y momentos desarmantes. Eso, unido a un último episodio que casi funcionaba mejor como detonante de la nueva temporada que de cierre, me dejaron con miedo ante lo que nos deparaba este nuevo año.

Pero Allan Ball parece que quiere despedirse en condiciones. El creador, que abandonará la serie tras esta temporada, nos ha regalado un comienzo que reunía las mejores características de la serie (y algunas de las malas, a las que ya nos hemos acostumbrado). Hubo humor, hubo sexo, no faltaron escenas bizarras ni el tan presente homoerotismo que permea toda la serie. Pero tampoco faltó ese exceso de tramas y esos momentos en los que hace amagos de tomarse en serio profundizando en sus personajes.

(A ver, a estas alturas, ya no es posible. Cualquier persona cuerda que hubiese pasado por lo mismo que los protagonistas de la serie estaría encerrada en un psiquiátrico intentando procesar todo lo sucedido. Así que no es necesario detenerse en los personajes.)

El capítulo, que podrá verse en Canal+ en Agosto, tuvo sus obligados highlights, desde Jason y esa puerta (o la abres o la cierras, pero no la dejes así), el reverendo reconvertido en vampiro que nos regaló el momento más WTF de la premiere, o la genial asociación entre Bill y Eric, algo que llevan explotando desde el año pasado y que no sirve más que para dejar en evidencia a Stephen Moyer en cada plano que comparte con el inmenso (por tamaño) Alexander Skarsgård.

Este 5x01 pudo pecar de atropellado, muchas líneas argumentales (demasiadas), tramas más interesantes como las de Bill y Eric en contra de su gente y otras que daban más pereza como la del marido de Arlene. Historias de personajes que deberían haber desaparecido hace un par de temporadas, como Alcide y otras que me mantienen expectante de ver el tono con el que las contarán, como es la transformación de Tara. De aquí puede salir algo grande o la línea argumental más cansina del año. Habrá que esperar para ver.

Habría que añadir que tuve la inmensa suerte de asistir al pase que organizó Canal+ en los cines Proyecciones en Madrid, en donde pudimos disfrutar de los abdominales de Eric en pantalla gigante. Se agradece este esfuerzo y hay que reconocer que este evento comienza a ser el pistoletazo de salida al verano seriéfilo, siendo ya éste, el tercer año que lo organizan.

Por mi parte, no me parece mal sustituto a Game Of Thrones, cambiando épica y solemnidad por sexo gratuito y cachondeo. Sólo pido que la temporada no se les vaya de las manos, que no se pierdan con tanta trama, que el humor no falte y que ante todo recuerden que en Bon Temps ya no hay nada que se pueda tomar en serio. Ah, y que nos regalen muchas más escenas entre Jason y el reverendo. Ese absurdo sólo tiene cabida en una serie como True Blood.

REVENGE: Cambiando de tercio

noreply@blogger.com (Alx Zero) — Thu, 07 Jun 2012 17:25:00 +0000

Hay series que no deben tener miedo a cambiar y evolucionar. Programas que deben huir de estancarse y atreverse a saltar al vacío. No me refiero a los procedimentales cuya razón de ser es la repetición del mismo esquema una y otra vez; sino a esas historias, que por tener una trama horizontal más marcada, sus recorridos terminan en destinos que obligan a una nueva valoración de lo que se quiere contar.

En un medio donde concluir una narración no es tan fácil como cerrar una novela, añadiendo la palabra 'Fin' cuando ya no hay más que contar. Donde los intereses comerciales son los verdaderos motores de la continuidad narrativa, relatos que no deberían haberse extendido más allá de unos pocos episodios, se ven abocados a un interminable calvario de capítulos que nunca tuvieron que ver la luz.

La mejor manera de solucionar este problema es liarse la manta a la cabeza y tirar hacia adelante. ¿Qué hay que reinventar la serie? Pues se hace. A Weeds no le tembló el pulso a la hora de quemarlo todo y comenzar de nuevo desde cero, quedándose con lo imprescindible. Si bien es cierto, que la serie de Mary-Louise Parker se aficionó demasiado a eso de hacer borrón y cuenta nueva, no siempre con un buen resultado.

Este año le ha tocado a Revenge, una serie que nos convenció por su magnífico manejo de las estructuras de los culebrones trasladado al primetime americano. Dinero, venganzas y botox, aderezado con personajes muy viles y miradas asesinas (pese a todo, se echó en falta alguna catfight en la piscina). El periplo de Amanda Clarke para vengarse de la familia Grayson, responsables de la caída en desgracia y muerte de su padre, nos ha ocupado toda la temporada 2011/2012.

Pese a sus altibajos, sus 22 capítulos fueron in crescendo, no escatimando en revelaciones y giros (algunos más afortunados que otros) y regalándonos un tramo final que lanzaba la serie a un nuevo nivel. Y aquí es dónde me asaltan las dudas. Hasta ahora, habíamos estado viendo una historia en el que el máximo ataque era lanzar una mirada aviesa u ordenar algún que otro asesinato accidental. Pero ahora, todo ha cambiado. Han dejado de mirarse en el espejo de las soap operas, para entrar en el camino de Alias o Nikita.

Ya no valdrá estropear una distinguida fiesta repleta de invitados de la alta sociedad. De repente, nos han pasado a hablar de una conspiración a nivel global, de intereses ocultos y de atentados terroristas que encajaban más en un programa como 24, que en un culebrón de sobremesa. Y es aquí dónde la serie tendrá que saltar al vacío. Abrazar su nueva naturaleza e ir a por todas. Ésto ahora va de otra cosa, e intentar quedarse a medias sólo les destinará al fracaso más absoluto.

Pero, además de éste cambio en el tono, el verdadero éxito de su segundo año seguramente esté en manos de ese personaje que se nos revela en su efectista cliffhanger final. Todos lo esperábamos, pero quizás nos sorprendimos con que realmente se estuviesen guardando a su propia Irina Derevko. Y de nuevo, comparando con Alias, si para este nuevo personaje encuentra una actriz que sepa sacarle provecho y unos guionistas que lo manejen inteligentemente, pueden tener una bomba entre sus manos. Perfecto vehículo para esa transición que Revenge se va a ver obligada a hacer para sobrevivir.

Pero por ahora, sólo podemos hacer cábalas sobre si la capacidad de adaptación de la serie es equivalente a la de Emanda, que no dudó en aprender artes marciales, hacerse pasar por camarera o tirar de pelucas cuando fue necesario. Y mientras, esperamos a que pase el verano recordando el consejo de Nolan:

"Do not do anything revengy until I get there. Got it?"

GIRLS: El sexo como retrato

noreply@blogger.com (Alx Zero) — Wed, 06 Jun 2012 11:27:00 +0000

Últimamente se han escuchado muchas críticas en torno a la representación del sexo en Game Of Thrones. Quejas sobre su gratuidad y su exceso. Sin entrar en el debate, diría que están muy bien empleadas para describir personajes y dar pinceladas sobre un mundo en el que tanto el sexo como la violencia campan a sus anchas. Evitarlo sería romper con la fidelidad del universo levantado por George R. R. Martin. Además, ¿a qué tanto miedo por unas tetas? Siempre me ha parecido más escandalosa la violencia mostrada en muchos procedimentales policiacos.

Pero retomando este tema, me parece curioso que el programa que más sexo está mostrando sea Girls, la nueva comedia estrenada por HBO, escrita, protagonizada y producida (y seguro que iluminada...) por Lena Dunham. Las crónicas de cuatro chicas neoyorquinas que son la antítesis de Sexo en Nueva York, niñatas que viven en una urbe más cercana a la retratada por esa otra comedia de la cadena How To Make It in America, menos glamurosa y más complicada.

Esta serie, que ha ido cogiendo fuerza conforme pasaban los episodios, ganando en confianza y dando empaque a un conjunto que en principio se veía muy desequilibrado en favor de su protagonista, nos ha regalado las mejores escenas de sexo de lo que llevamos de la temporada. Momentos que basculan entre lo íntimo, lo sorprendente, a ratos bizarras (en el sentido incorrecto y anglosajón de la palabra) pero revestidas de cotidianeidad. Identificables en las emociones, aunque no tanto en las situaciones.

Normalmente, en cine y televisión el sexo se muestra idelizado, perfecto, siempre con una delicada banda sonora, con una iluminación que esconde la realidad de unos cuerpos y unas posturas que pese ortopédicas lucen muy bien en el cuadro. Girls huye de ello y lo hace gracias a la desvergüenza de Lena Dunham y su alter ego Hannah. No hay episodio que no nos regale una escena sexual en la que no sepamos si reirnos a carcajadas o esconder la cara entre las manos para no tener que ver el "desastre" que está teniendo lugar.

Pero aquí es dónde creo que reside el valor de la serie, éstos momentos no están sólo para epatar al espectador a través del desconcierto, sino para describirnos los personajes. En Girls las relaciones sexuales están construidas para profundizar en las protagonistas. Sabemos más de ellas gracias a estos momentos, a su forma de enfrentarse a ellos y hasta el punto al que llegan.

Jessa lo puede utilizar para reafirmarse ante un exnovio, Marnie para valorar una relación con la que no sabe que hacer o Soshanna para descubrir sus inseguridades. Pero quien mejor las aprovecha es Hannah en su relación con Adam. Estos dos personajes construyen una de las parejas más fascinantes que han pasado por la pequeña pantalla en los últimos años.

Ambos, hasta arriba de taras emocionales, son dos seres que se necesitan y que sólo en sus desarmantes encuentros sexuales entendemos como pueden estar juntos. Hannah necesita estar con alguien y ha encontrado en la excéntrica persona de Adam alguien en quien apoyarse sin ser juzgada, sin que se espere nada de ella. Y él, pasota y despreocupado, comienza a engancharse a esta chica, que en su afán por dejarse querer, entra en su peculiar juego.

Funcionan, porque pese a todo son dos pequeñas personas vitalmente perdidas en una gran ciudad a la edad de veintitantos. Bueno, y porque ambos son muy guarros. Y es que ya sólo por momentos como la escena de la ducha del octavo episodio, en la que intimidad, desvergüenza y comedia se dan la mano, Girls ya merecería cualquier premio a mejor serie.

SCANDAL 1x01 Piloto

noreply@blogger.com (Alx Zero) — Wed, 11 Apr 2012 17:10:00 +0000

En televisión es difícil mantener la autoría de un programa. En un medio que lleva un ritmo imparable y en el que son muchos los implicados en la escritura, es difícil alcanzar una personalidad única y diferenciadora. Algunos lo consiguen: Aaron Sorkin y su vertiginoso talk&walk, Joss Whedon y la creación de ese slang repleto de referencias pop o los Palladinos y la chispa en sus rápidos diálogos.

Shonda Rhimes también tiene su estilo. Aunque en este caso, no es algo del todo bueno. Dos series de las que es plenamente responsable (Grey's Anatomy y Private Practice) han establecido una serie de características que bien pueden identificarse como shondismos. Resumiendo: personajes irritantes, diálogos ágiles, casos melodramáticos y salidas de tono a la hora de planificar eventos.

Este explosivo cóctel, tuvo la sorprendente suerte de funcionar durante la segunda temporada del Seattle Grace. Un cúmulo de casualidades debieron alinearse para dar 27 episodios maravillosos, una serie de capítulos que consiguieron un equilibrio que Shonda jamás fue capaz de igualar. Tras ocho temporadas de una serie y cuatro de otra, nos damos cuenta de que estamos ante una creadora mediocre y ensimismada en su universo (Shondaland...) que no será capaz de recrear un bombazo igual.

Scandal es su tercer intento y no hace más que corroborar mi párrafo anterior. Esta nueva serie, de la que por ahora sólo hemos visto el piloto, es un terrible ejercicio de creerse bueno y hacer el ridículo. Shonda quiere ser El Ala Oeste y también The Good Wife. Quiere una serie con personajes femeninos fuertes, laboralmente triunfadores y que además "sufran por sus agitadas vidas privadas".

El comienzo es una declaración de intenciones. Protagonista irritante y prepotente, interpretada por una insoportable Kerry Washington, que tiene el mérito de recitar una parrafada que debe ocupar dos páginas de guión sin apenas respirar. Hablar rápido para parecer ingeniosos. Si en el Ala Oeste lo hacían y les valía ¿por qué aquí no?, se debió preguntar Shonda. Se ve que no tuvo en cuenta que lo que salía por la boca de los personajes debía ser medianamente inteligente.

Más allá de su sonrojante estilo y de una premisa dificilmente creíble (superabogados que van desfaciendo entuertos en Washington), lo peor fueron los toques más Shonda. La necesidad de dar una turbulenta vida personal a sus personajes se salda con una protagonista que se pasea por el Despacho Oval como quien lo hace por el comedor de su casa y que nos plasma una historia de amor que no hay por donde coger. Una cosa es liar a tu protagonista con el jefe de cirugía y otra cosa es ésto.

El pésimo manejo de la tensión sexual no resulta entre Olivia Poppe y el presidente concluye en otra de esas escenas que te hacen maldecir a aquel que le dijo a Shonda que sabía escribir y que se dedicase a ello. Si hay cámaras en el Despacho Oval y no puedes hablar sobre tu amante ¿por qué te avalanzas sobre tu ex como si estuvieses en la intimidad de una cabaña en el bosque? Desastroso.

Scandal promete ser terrible. Tanto, que puede ser hasta disfrutable. Al menos yo pasé todo el episodio piloto gritándole a la tv: Shonda ¿cómo puedes ser tan lo peor?. La Rhimes se cree buena y ella, que debe ser bastante parecida a su protagonista, se la ve subida. Nos quedan por delante unas cuantas horas de agobiantes diálogos vergonzosos, situaciones melodramáticas e impostados alegatos políticos.

Obviamente, el segundo capítulo no me lo perderé.

GAME OF THRONES 2x01 The North remembers

noreply@blogger.com (Alx Zero) — Tue, 03 Apr 2012 12:07:00 +0000

Finalmente llegó una de las series más esperadas en esto de la afición por ver series americanas. Si la primera temporada de Game of thrones había despertado expectación entre los seguidores de la saga de Canción de Hielo y fuego, tras diez capítulos, los espectadores ajenos a este género también cayeron rendidos ante la serie.

Winter is coming, como reza el lema de los Stark, es cada vez una realidad más cercana. Tras la presentación de situaciones y personajes, en esta segunda temporada nos encontramos con un continente dividido, donde cuatro reyes pugnan por un trono que consideran por derecho, suyo. La guerra civil amenaza con destruir Poniente y mientras, Daenerys continúa su periplo más allá del océano, ahora con tres dragones y un kalasar al borde de la desaparición.

Los que hemos leído los libros, sabemos el titánico trabajo que tienen por delante sus guionistas: un ingente número de personajes, un inmanejable número de tramas, muchas completamente separadas del resto, una mayor ambición narrativa y un clímax final que desafiará las posibilidades del medio en el que se está desarrollando la serie. Su primer capítulo parece prometernos que las cosas irán por buen camino, el que nos marcaron en su primer año.

Por ahora, han colocado las piezas en el tablero y nos han situado: Desembarco del Rey con Cersei, Joffrey, Tyrion y Sansa (entre otros), el norte con Rob y Catelyn, Invernalia con Bran, el Muro con Jon Nieve, Arya huyendo, la presentación de Stanis y Melissandre y como no, Daenerys y sus dragones a miles de kilómetros de distancia. Y todavía faltan por aparecer Renly y los Tyrell y las islas del Hierro. Mucha tela que cortar y diez episodios por delante. Desde ahora, las semanas irán de lunes a lunes.

Lejos de hacer un recap, algo que odio, me voy a limitar a destacar algunas cosas de la premiere de esta segunda temporada (The North remembers) que tuvimos el lujo de ver en una pantalla de cine gracias al esfuerzo de Canal+.

LO MEJOR
Volver a ver los títulos de crédito de la serie en la que van surgiendo, como si del mecanismo de un reloj se tratase, las diferentes localizaciones por las que pasaremos. La épica de la música y la expectación ante lo que está por venir son suficientes para entrar de nuevo en el universo de Game Of Thrones.

EL PERSONAJE
Tyrion Lannister. 'Choque de reyes', segunda novela de la saga, es suyo y parece que en la serie no será menos. Su afilada lengua y sus escenas nos recordaron que este Lannister será pequeño de estatura, pero como personaje es enorme.

LA FRASE
Meñique: La información es poder
Cersei (tras un amago de mandar ejecutarle): El poder es poder

Cersei vuelve contundente y no va a dejar que nadie se ría de ella. Aunque quizás, su hijo Joffrey se le haya ido de las manos más de lo que creía. Su enfrentamiento con él frente al trono es otro de los highlights del episodio.

EL PLANO
Tras asistir a una matanza de niños en Desembarco del rey, el episodio se cierra con la imagen de Arya huyendo de los Lannister en compañía de uno de los bastardos del fallecido Robert ¿qué nos traerá esta unión?

LA SORPRESA
En la primera temporada ya quedaba indicado, pero parece que Robb es uno de esos personajes que han ganado frente a su contrapartida escrita, donde siempre aparece visto desde los ojos de su madre. La presencia de Robb en su escena frente a Jaime Lannister nos deja claro que el aspirante al trono del Norte es alguien a tener en cuenta.

LA MEJOR NOVEDAD
Al fin ha llegado Melissandre. Su lema: The night is dark and full of terror y su fé ciega en el Dios de la Luz arrastrará a Stannis a una guerra que incluso sus aliados consideran imposible de ganar. La presencia de la sacerdotisa/maga no decepciona y de nuevo vuelve a demostrar el magnífico ojo que tienen en esta serie para el casting.

LO PEOR
Tienen tanta historia que manejar, que mucho cuidado van a tener que poner para equilibrar todas las líneas argumentales. Pero después del trabajo que hicieron con la primera temporada, confío en ellos.

AWAKE: La negación de la pérdida

noreply@blogger.com (Alx Zero) — Wed, 28 Mar 2012 14:37:00 +0000

La pérdida de un ser querido y el proceso de duelo que conlleva superar esta ausencia es el tema en torno al que gira Awake, la propuesta más interesante de lo que llevamos de año. Una serie que utilizando el procedimental policiaco juega a ser una muñeca rusa que esconde en su interior varios niveles que, para mayor complicación, quedan multiplicados por dos.

Awake es la historia de un hombre que tras un accidente ve su mundo escindido en dos. En uno de ellos, es su mujer quien fallece, en el otro universo que se le desvela cuando va a dormir, es su hijo el que ya no está. Ambas realidades son viables, pero sólo una es posible. Descubrir cuál es la real podría ser la motivación del protagonista. Pero cuando aclarar esta situación sólo acarrea la pérdida final de una de las dos personas que más quiere, entonces no es tan fácil.

Aceptar que has perdido a alguien conlleva una serie de procesos que te ayuden a integrar a esa persona que ya no está en uno mismo. Es un camino largo y doloroso que ha sido retratado en televisión de mil y una maneras gracias a Six Feet Under (A dos metros bajo tierra). Pero en este caso no hablamos de superación, si no de negación.

Del furioso deseo de un marido y un esposo por no perder a su familia. De mantener el recuerdo vivo de sus seres queridos de la manera más literal posible y de negarse a soltarles la mano para dejarles ir. Michael Britten, interpretado por un sólido Jason Isaacs, navega entre dos mundos que distingue por el color de la pulsera que lleva. Dos mundos que el espectador diferencia por la tonalidad de la fotografía, y en los que debe enfrentarse además a su trabajo como policía.

Y es aquí donde la serie lanza su mayor apuesta, lejos de conformarse con el drama familiar construye un imposible castillo de naipes obligando a sus guionistas a crear dos casos policiales para un episodio de 40 minutos y a la vez ligarlos con las dos vidas personales del protagonista. Saltar de una investigación a otra y de una familia a otra, sin perder al espectador, interesándole en todas las facetas y a la vez conmoviéndole.

En el piloto lo lograron a la perfección, ensamblando un primer episodio modélico, que no han sabido reproducir en los siguientes capítulos, pero del que se han quedado cerca. Hasta ahora, su baza más débil son los casos policiales, pero esto queda compensado por las mejores escenas, las que tienen lugar en la consulta del psicólogo.

Michael acude a terapia en ambas realidades para superar su pérdida, dando lugar a uno de los elementos más potentes del programa, el enfrentamiento entre los psicólogos de ambos mundo. El convencimiento de ambos de que la suya es la verdadera realidad y la otra es tan solo un mecanismo de defensa ante el dolor, nos ayuda a profundizar en el protagonista, a entender, ya no sólo su situación actual, sino la que le ha llevado hasta ahí. Su relación con su hijo, con su esposa, con su trabajo. Sus miedos, sus angustias y sus culpas. Con un tono en algunos momentos cercanos a En Terapia, también se reservan esos momentos de lucidez que desarman por completo tanto al espectador como al personaje.

Awake se ha convertido en una de las propuestas más estimulantes de la temporada, que ha tenido la mala suerte de ver la luz en la NBC. Sus audiencias no están siendo muy buenas y seguramente no pase de este año. Pero este es uno de esos casos en los que merece la pena seguir una serie, pese a que no vaya a tener un final. Al igual que el personaje, quizás no nos interese saber cuál es la realidad y prefiramos terminar sin la amarga certeza de conocer quién no sobrevivió al accidente.

Defendiendo Spartacus: Vengeance

noreply@blogger.com (Alx Zero) — Wed, 22 Feb 2012 15:56:00 +0000

De vez en cuando me veo en la situación de defender Spartacus, tarea que al principio puede parecer un poco complicada. Hay que entender que en un primer acercamiento la serie te ciega con sus escenas porno softcore y un gore que en algunos casos nada tiene que envidiar a la saga Saw.

Estas son características que definen a la serie, pero que tan sólo son el envoltorio necesario para llamar la atención en una cadena como Starz. Bajo tanto exceso se esconde un culebrón clásico de los mejores, en la línea de Downton Abbey o Revenge. Me explico, en la serie británica, por ejemplo, sus tramas amorosas e ires y devenires de los personajes están maquillados por una pátina de clase y calidad (y dinero) que le dan un acabado con mucho más estilo. Aquí sucede lo mismo, pero con un acabado visual que les acerca más al cómic que al cine.

En Spartacus las tramas las mueven los personajes femeninos, seres retorcidos, hipersexualizados y maquiavélicos. Su red de conspiraciones y como ésta atrapa a todos los que están a sus alrededores, ya sean nobles o gladiadores componen el corazón de la serie. Las batallas o las orgías son meros instrumentos que utilizan una serie de pérfidos personajes para conseguir sus objetivos.

Si se analiza lo que llevamos visto en Spartacus, nos damos cuenta de que es una historia sobre el poder y las diferentes formas de alcanzarlo. Realmente, su protagonista Espartaco, es uno más en esa maraña de maquinaciones que habilmente han ido tejiendo los guionistas.

Y es en ese punto en el que más incido a la hora de defender Spartacus, lo bien hilada que está su trama. Las dos temporadas que hemos visto hasta ahora fueron concebidas como una única historia que se desarrolla a lo largo de una serie determinada de episodios. Esto nos lleva a una introducción que nos presenta personajes, inconexos en muchos casos y que nos confunden con su presencia en las tramas. Pero conforme avanza (en torno al capítulo cuatro), comenzamos a ver que tras todo lo que sucede hay una intención. Las historias se entremezclan y los destinos de los personajes van cruzándose, creando un historial de mentiras, traiciones y deseos de venganza que confluyen de manera milimetrada en su cierre.

Si hay algo que construye muy bien esta serie, son los clímax de temporada. Todos los detalles, conversaciones y complots de los que hemos sido testigos recobran un significado y ayudan a dar una energía a sus season finales que pocas series consiguen (de cuantos bluffs hemos sido testigos al final de una temporada que prometía mucho y luego se quedó a medias).

Spartacus: Vengeance parece ir por el mismo camino y tras un comienzo que pudo dejarnos fríos, los guionistas han comenzado a colocar las piezas. Espartaco está con sus hombres reagrupándose, mientras que en Capua comienzan de nuevo los tejemanejes guiados por la ambición. Ilythia, mujer que representa muy bien el arquetipo de romana noble, hermosa y fatal ha puesto de nuevo en marcha su maquinaria de mentiras, engaños e infidelidades, que precedidos por temporadas anteriores, imaginamos terminará muy mal.

Por su parte, nuestra adorada Lucrecia (Lucy Lawless) ha vuelto de entre los muertos e intenta pasar desapercibida haciéndose la tonta. Aunque todos los que hemos visto Gods Of The Arena sabemos que esto es sólo una pose y que en cuanto tenga la oportunidad, Roma arderá.

Pero los hilos del "destino" ya han comenzado a cruzarse y como nos han enseñado, aquí podrá ocurrir cualquier cosa. El baño de sangre se acerca y no precisamente entre los gladiadores.

BOARDWALK EMPIRE: Primera temporada

noreply@blogger.com (Alx Zero) — Wed, 25 Jan 2012 17:42:00 +0000

Boardwalk Empire nos arrastra a los años 20, somos testigos de la prohibición del alcohol y de los comienzos de la Ley Seca. Nos juntamos con aquellos que se lucran aprovechándose de esto a través del paseo marítimo de Atlantic City. Asistimos a fiestas, cenas de gala, pero también a trapicheos y tiroteos. Vemos lo más glamuroso y lo más sórdido. Porque en esta ciudad todo está conectado.

La figura central es 'Nucky' Thompson, tesorero de Atlantic City, en torno al que se vertebra el relato. Todos están conectados con él. El emergente Jimmy, su hermano Eliah o la fascinante señora Schroeder. Todos ellos forman parte de un fresco que nos dibuja la corrupción a principios del siglo pasado, tocando temas como el sufragio femenino o el Ku Kux Klan.

Boardwalk Empire es fastuosa, casi obscena en el dinero que se han gastado en producirla. No escatima en gastos y el espectador se da cuenta. Visualmente es una delicia. Narrativamente también. Siempre y cuando, entendamos que tipo de serie es. Se critica su lentitud y la dificultad de entrar en lo que propone. Sin compartir esa opinión (la encontré apasionante desde su fascinante piloto), hay que reconocer que los doce capítulos que componen su primera temporada sirven de introducción para un relato que se adivina largo y complejo.

Esta primera temporada presenta ambientes, situaciones y personajes. Va iniciando un partido en el que se van colocando los diferentes participantes y los va acercando al abismo. Carga de balas el arma y apunta, pero no aprieta el gatillo. Boardwalk Empire es de cocción lenta y por ahora, sólo estamos al comienzo del relato.

Esta es una opción arriesgada, puede desanimar a los que comienzan, pero una vez te atrapa, ya se han asegurado que no les dejarás. Las positivas críticas que he leído sobre su segundo año (y que fueron las que finalmente me animaron a ponerme con esta serie), aseguran que cumplen con lo que prometen y que HBO ha acertado con esta apuesta.

Ahora sólo me queda esperar a que editen la segunda temporada en BluRay. Esperemos que no tarden tanto como con la primera.

Las estrellas de Project Runway

noreply@blogger.com (Alx Zero) — Thu, 19 Jan 2012 18:21:00 +0000

Siempre defenderé Project Runway como uno de los mejores reality-shows que se emiten al otro lado del charco. Si uno busca un talent show y está cansado de los 'te descubrimos el nuevo gran cantante de la década', debería echarle un vistazo a este programa. ¿Qué no te interesa la moda? Que más da. A mi tampoco. Y eso no quita que funcione igual de bien.

Project Runway es el proceso creativo llevado al límite. Desafíos que obligan a una serie de diseñadores de moda a estrujar, ya no sólo sus ideas, sino también su técnica, para conseguir un resultado satisfactorio que puedan presentar a tiempo en la pasarela. Lo más divertido, cuando tienen que diseñar con materiales que no son los que acostumbran. Los episodios más entretenidos, aquellos en los que deben llevar a cabo los desafíos en equipos. Aquí entra otra de las grandes bazas del programa, los egos.

Porque, como buenos artistas, estos concursantes tienen un alto concepto de si mismos. Su visión es la que les ha llevado allí y la defenderán a capa y espadad ante un jurado que ponga en entredicho sus aptitudes y sus creaciones. Todos opinan del trabajo de todos y cuando tienen que aunar fuerzas, no siempre están dispuestos a ceder terreno.

Llevamos ya nueve temporadas de Project Runway, disfrutando de una gélida Heidi Klum que no titubea al decir 'You are out', de un Michael Kors que saca su vena más bitchy para criticar lo que desfila ante él y una Nina García (voz de la razón) que con una mirada desaprobadora desarma a cualquiera. Por la pasarela han pasado decenas de diseñadores y finalmente ha llegado el momento de recuperar a algunos de los más memorables.

Project Runway acaba de estrenar su propio AllStars y lo ha hecho renovando host y jurado, en una decisión que pese a ser controvertida y un poco extraña para el espectador, es comprensible de cara a unas valoraciones que no arrastren prejuicios. 12 han sido los elegidos para volver, encontrando personalidades de casi todas las ediciones. El criterio de selección ha sido acertado y de primeras no sobra ningún concursante. Es cierto que hay grandes ausencias, pero supongo que no todo el mundo se debe prestar a regresar a una nueva edición del programa. Su extenuante ritmo (diseñar y coser un vestido en un día no es tarea fácil) y el constante juicio al que someten a los concursantes debe ser agotador.

Project Runway AllStars acaba de comenzar hace un par de semanas, pero ya nos ha servido para hacernos una idea del tono. De primeras se percibe una descompensación entre algunos diseñadores de gran nivel, frente a otros bastante más mediocres. Todos fueron interesantes en sus ediciones, pero todavía está por ver como funcionan trabajando todos juntos. Las expectativas, propias de un AllStars, son altas y por ahora, reencontrarse con antiguos participantes ha servido para que pasemos por alto la excesiva rigidez de su presentadora y un jurado un poco blando.

Añadir por último, que para esta edición el programa ha recuperado su formato de 40 minutos, frente a los 60 minutos que han durado las últimas ediciones. Aquí reconozco que en la octava edición me acostumbré a ese metraje extra, aprovechado para sacar más punta a los roces entre los concursantes y que ahora, los episodios me parecen un poco atropellados.

Para concluir, recomendar nuevamente Project Runway. Si todavía no os habéis puesto con él, empezad por la primera temporada, diez episodios perfectos que demuestran que en la telerrealidad también se pueden conseguir temporadas redondas.

SMASH 1x01 Pilot

noreply@blogger.com (Alx Zero) — Tue, 17 Jan 2012 11:33:00 +0000

Smash es Nueva York, es el mundo de los musicales, el backstage de Broadway, son canciones y es una historia que nos han contado una y mil veces, pero que pese a todo, sigue funcionando. Smash es la historia de Katherine, chica de pueblo que ha llegado a la Gran Manzana y que mientras trabaja como camarera acude a audiciones con el sueño de conseguir ese gran papel que la lance al estrellato.

Es lo mismo que hemos visto en el Bar Coyote, en Cabaret o en Showgirls. Lo que marcaba la diferencia era el tono y en este caso nos encontramos con una dramedia de primetime con un elenco de actores solventes, con su estrellona (Anjelica Houston), su deslumbrante debutante (Katherine McPhee, a la que American Idol lanzó a la fama) y una cara que es una alegría reencontrar (Debra Messing, nuestra involvidable Grace). No faltan los números musicales, la villana que hará la vida imposible de nuestra heroína (¿tendremos empujón por las escaleras?) y el atractivo y de vuelta de todo director de escena. Ah y claro, en un mundo como el de los musicales de Broadway no falta el compositor homosexual.

Tópicos, pero que bien empleados pueden darnos un espectáculo muy entretenido. Ya no sólo por los números musicales, sino por asistir al montaje de un espectáculo en Broadway. Y es que uno de los aciertos de la serie ha sido no centrarla unicamente en la esforzada aspirante, sino contar también con el punto de vista de la productora (Debra Messing), aportando algo más que un renacido espíritu de Fama (ya sabéis, '¡La fama duele!').

En estos momentos en los que Glee viene a ser algo así como una basura apestosa (y no me digáis que siempre lo fue, en su momento era entretenida, sí, aunque ahora no parezca posible), viene bien un relevo en lo que a serie musical se refiere. La serie de Ryan Murphy no sólo ha quemado a todos sus personajes y ha perdido el humor que la hacía diferente, sino que perdió cualquier atisbo de espectacularidad que hubiesen podido tener sus números. ¿Acaso es posible recordar algún momento musical especialmente reseñable (con permiso del mash-up de Adelle) este año? Parece que ahora será Smash la que se encargue de ello y potencial hay, como demostraron en ese número final que ahora no puedo parar de escuchar.

Smash me ha encantado y sólo me queda esperar que el público americano conecte con ella y no nos la cancelen. Y claro, que todo lo que el piloto promete se haga realidad y no se nos queden a medias.

Talking about... Regresos

noreply@blogger.com (Alx Zero) — Mon, 16 Jan 2012 15:20:00 +0000

Ya han pasado las vacaciones y con ello regresa la rutina también al ámbito seriéfilo. El 'aprovecho el parón navideño para ponerme con series pendientes' no ha dado mucho de sí y a duras penas terminé con todo lo pendiente del Otoño. Ahora, sin darnos un respiro, Followmy.tv se vuelve a llenar de episodios pendientes, por lo que aquí va un fugaz repaso a lo que ha regresado.

2 Broke Girls.

Sólo ellas te iban a construir un episodio en torno a unos tampones. La serie en la que parece que tienen por contrato mencionar la palabra vagina un mínimo de cuatro veces por episodio regresó en plena forma. Además venían con mención especial al reality Extreme Couponing.

The Vampire Diaries.

Reconozco que fue un alivio su marcha vacacional allá por Noviembre. El ritmo que llevaban era imparable y necesitaba un respiro. Pero han regresado con toda la energía y sin darnos tiempo a volver a estar in the mood. Intensidad apocalíptica, personajes al borde de la muerte (una vez más) y la sensación un tanto asfixiante de que no estaría mal echar un poco el freno de vez en cuando. Mención especial al episodio de esta semana, uno de los más oscuros de la serie, literalmente, no había quien distinguiese nada con tanta escena en penumbra.

The Secret Circle.

My sweet Cassie ha regresado y la serie continúa igual. Cada vez tengo más claro que deberían apostar por una trama lésbica. En una serie en la que los personajes femeninos son los únicos que merecen la pena, no es tan mala idea. Ay que penica de casting...

Shameless (US).

Se echaban de menos a los Gallagher y este primer capítulo nos sirvió para volver a entrar de nuevo en su rutina. Todo sigue más o menos como lo dejamos y la serie continúa igual de entrañable.

Suburgatory.

Dalia es un gran personaje y juntarla con Tessa siempre funciona. Esta trama además sirve para introducirnos, finalmente, el elemento romántico. A ver que tal lo manejan, aunque no sea algo que me ilusione especialmente.

Once Upon a Time.

Tras el sorprendente final de la fall season regresamos a Storybrooke para comprobar una vez más que son más interesantes los cuentos que nos narran en los flashbacks que lo que sucede allí.

Revenge.

Las aviesas miradas entre Emanda y Queen Victoria regresaron en plena forma. Primero con la locura de Tyler, personaje odioso donde los haya, y posteriormente volvimos a ver su famoso rotulador rojo. Mundo tiembla, que Amanda vuelve a tachar gente.

Parks & Recreation.

Best comedy ever. Y de nuevo, la serie de Amy Poehler no flojea (y ya llevamos así tres años) y nos regala un episodio divertidísimo, sobre todo en su parte final en la pista de hielo. La campaña Leslie Knope 2012 no tiene mucho futuro, pero lo que nos vamos a reir mientras tanto, va a merecer la pena.

30 Rock.

Un poco decepcionado con su regreso. Tras el increible nivel de su quinta temporada (y que sólo estropearon en un par de episodios al final), las expectativas eran altas y me dejaron con media sonrisa. Hubo grandes momentos, principalmente protagonizados por Jenna, pero después de haberse ausentado en Otoño, nos debían más. Esperemos que recuperen el 'momentum'.

Un vistazo a Downton Abbey

noreply@blogger.com (Alx Zero) — Mon, 09 Jan 2012 18:04:00 +0000

Downton Abbey nos recordó un género clave en la televisión, pero muy denostado, como es el culebrón. Lo presentó oculto en un envoltorio de calidad y en una producción visualmente deslumbrante. Downton Abbey entraba por los ojos y luego, su cuidada escritura te atrapaba, convirtiéndote en un habitante más de la mansión. Manejaron un ingente número de personajes, pero consiguieron el equilibrio adecuado para que, ofreciéndonos pinceladas, fuésemos capaces de involucrarnos tanto con los señores de la casa, como con sus criados.

Como buen culebrón, Downton Abbey ha contado con sus villanos de opereta, la malvada O'Brien o el arribista Thomas pusieron la pimienta a las tramas, que aderezado con los devenires románticos de Lady Mary y Mathew, nos tuvieron en vilo esa primera temporada.

Su segundo año tenía como reto ser igual de entretenido y equilibrado. Y quizás, han cojeado un poco. En su afán de dar historias propias a casi todos los personajes han manejado más tramas de las que debieron, perdiendo algunas por el camino o llegando a puntos muertos. Sus criticadas elipsis no fueron un problema en si mismas, ya que sólo sirvieron para mover sucesos en la línea temporal a capricho de sus guionistas, pero sin mostrar evolucion emocional en los personajes. No confundían, pero dejaban más al descubierto los mecanismos utilizados por Fellowes & co.

Querer contar tanto ha llevado a una falta de empatía por lo que sucedía. Matthew podía estar en la guerra, pero uno tampoco se daba cuenta viéndole ir y venir cada veinte minutos. Alguien podía marcharse para siempre y aparecer en el siguiente episodio, tener una enfermedad cuando los guionistas lo necesitaban para llevar la trama por donde querían o una muerte para solucionar embolados de los que no sabían muy bien cómo salir.

Estos recursos, que una serie como Revenge veríamos de lo más normal, han molestado un poco en la perfección de la que hacía gala Downton Abbey. Por suerte, para cerrar el segundo año supieron llegar al espectador y centrarse en el corazón de la serie: lady Mary y Matthew. Al fin volvieron a emocionarme con los ires y venires de estos dos, pareja que fue desarrollando poco a poco una química magnífica entre ambos. Las circunstancias se empeñaban en separarlos, pero nosotros éramos conscientes de que ambos eran perfectos el uno para el otro.

En el cierre de la serie me vi gritándole a la tele y maldiciendo a los guionistas. Les perdoné ciertas gripes oportunas y el cansancio que producía el drama Anna/Bathes. Habían recuperado el espíritu más Downton y concluyeron con un especial navideño que, haciendo concesiones a la fecha en la que se emitía, nos dejaba con una sonrisa de oreja a oreja.

Ahora tocará esperar un buen puñado de meses a que regresen y además, tendrán que hacerlo por caminos distintos. Impaciente estoy por las novedades que se saquen de la manga y tranquilo ante la noticia de que para esa nueva tanda de episodios, el tiempo no avanzará tan enloquecidamente.

Muero de ganas por volver a esa rutina de intrigas de alcoba, cenas de gala y tés en la sala de estar.

Los mejores momentos televisivos del 2011 (Parte II)

noreply@blogger.com (Alx Zero) — Tue, 03 Jan 2012 16:45:00 +0000

Llego un poco tarde a la segunda parte de lo mejor del 2011. La culpa, el retraso que llevaba con todas las series que seguía, por lo que no tenía mucho sentido hacer un ranking sin ni siquiera haber terminado de verlo todo. Supongo que ya estaréis saturados de tanta lista (siete distintas acabo de leer antes de ponerme a escribir), pero allá vamos, aquí otra selección de grandes momentos que nos ha dado este año (pasado) la televisión.

- American Horror Story ha tenido varios momentos de esos que se te quedan grabados, algunos por grotescos y otros por sorprendentes. Pero si tuviese que escoger uno, sería el cierre del episodio doble de Halloween. Esa escena con todos los fantasmas de la casa regresando al hogar una vez concluída la noche de todos los Santos dejaba claro lo que era esta serie. Hasta ese momento el espectador andaba un poco despistado con lo que Ryan Murphy y Brad Falchuck ofrecían, empeñados en confundirnos con esa acumulación de tópicos y personajes. Tras esta escena, ya no hay dudas, American Horror Story es la historia de una casa encantada a la que llega otra familia más y no al revés. Las reglas ya estaban claras y en el resto de episodios sólo nos quedaba por ver que sucedería con los Harmon, unos desgraciados más que se sumaban a la macabra lista de personas que había tenido la mala suerte de ser inquilinos de ese lugar.

- El cierre de la segunda temporada de The Walking Dead ante el granero. Su nuevo año ha sido muy discutible debido a su falta de ritmo y la impresión de que no sabía muy bien a donde se dirigía ha pesado en el conjunto de lo visto. Pero cuando parecía que ya no había salvación, los dos últimos capítulos antes del parón Navideño arreglaron las cosas y se permitieron sorprendernos con la que para mi fue una de las mejores secuencias del 2011. Finalmente se abren las puertas del granero y la forma en la que está planificada y realizada la escena nos va llevando en un crescendo emocional que termina como un disparo en el estómago. Destrozado, pero con ganas de aplaudir, The Walking Dead se atrevió a regalarnos una secuencia de una calidad que ya no esperábamos en ella.

- Un resbalón en una mierda de caballo fue el chiste que dejó claro lo que iba a ser 2 Broke Girls. Esta no era una comedia de metachistes inteligentes. Aquí habría bromas zafias, la palabra vagina repetida un mínimo de cuatro veces por episodio, comentarios sexuales y chistes malos. Todo ello redondeado con un aroma a sitcom noventera. Entonces ¿cómo es posible que funcionase esto? Por que es divertida y la química que hay entre sus dos protagonistas es una de las mejores cosas que nos ha traído este 2012.

- La secuencia de apertura de The Crimson Petal and the White. Sin haber leído la novela en que se basa, me resultó una miniserie difícil en la que costaba conectar con sus personajes. Pero esto no restaba el magnífico trabajo de su dirección artística y su realización. Algo que queda muy claro en la secuencia que abre la miniserie con Sugar recorriendo las sucias calles de Londres. Belleza y sordidez en apenas tres minutos que le dejan a uno clavado ante la pantalla.

- Dalia intentando parpadear en Suburgatory. Esta comedia que encaja muy bien en la noche de los miércoles de la ABC sigue la estela de Modern Family y The Middle de ofrecernos una serie familiar con una vuelta de tuerca. En este caso, su sarcástico repaso a los suburbios y la química entre la quinceañera protagonista y su padre han funcionado muy bien. Pero reconozcámoslo, lo mejor viene de parte del personaje interpretado por Cheryl Hines, esa especie de muñeca de plástico con más seso y corazón del que aparenta y su hija Dalia con sus impagables (y constantes) caras de asco/todo-me-da-igual.

- Ver a Warwick Davies en un cubo de basura porque a Helenna Boham Carter le daba grima mirarlo y decía que olía mal, fue uno de tantos momentos en los que el protagonista de esta serie se humilla hasta niveles realmente incómodos en Life's too short. Los cameos de la serie junto a la secretaria de Warwick son los mayores aciertos de esta secuela no confesa de Extras.

- Cualquier encuentro de miradas entre 'queen' Victoria y Emanda, en el que ella asienta con una gélida sonrisa y Amanda corresponda con una mirada de odio infinito tras una respuesta cortés. Eso es Revenge. Bueno, eso y hundirle la vida a todo el que se pase una temporada por los Hamptons.

Por último, comentaros que ya ha comenzado el concurso de blogs de 20 Minutos y que cualquier voto (en el banner de la parte superior) será agradecido.

Mis libros del 2011

noreply@blogger.com (Alx Zero) — Wed, 21 Dec 2011 13:02:00 +0000

Siguiendo con las listas, aquí va, como ya es tradición en este blog, un recuento de los libros leídos este 2011. De primeras, puedo decir que echo en falta las tres horas de transporte público que me tragaba todos los días para ir y volver a la universidad, rato en el que devoraba lo que estuviese leyendo en ese momento. Los viajes de 15 minutos al trabajo y las obligaciones seriéfilas y cinéfilas han pesado mucho y he terminado leyendo menos de lo que me habría gustado. Por lo demás, hago un balance bastante positivo y gran parte de los libros que he escogido me han gustado, como mínimo, bastante. Así que allá vamos:

#1 Festín de cuervos. Canción de Hielo y fuego IV de George R.R. Martin
Con la salida de la serie de Juego de tronos decidí retomar esta cuarta parte que había abandonado en su momento por aburrimiento. Como no recordaba nada, lo retomé desde el principio, esta vez con las expectativas mucho más bajas, lo que ayudó a que finalmente no me disgustase tanto como la primera vez que me puse con él. En este libro, unicamente aparecen la mitad de los personajes protagonistas, limitándose a los que se encuentran en el continente de Poniente. Tiene buenos momentos, pero le sobran muchos capítulos y la inclusión de nuevos personajes sólo parece añadir más paja a una saga ya de por si muy extensa.

#2 En la montañas de la locura de H.P. Lovecraft
Primera novela que leo de Lovecraft. Me encanta su capacidad descriptiva y como te sumerge en una atmósfera de horror e incertidumbre. Maneja muy bien el lenguaje para sugerir un terror cósmico que arrastraría a la locura a todo aquel que lo contemplase. El problema está en su segunda mitad, cuando comienza a contar la historia de esos "Primordiales", al perder todo el misterio, pierde también todo el interés y termina por aburrir.

#3 Yerma de Federico García Lorca
¿Qué decir de este clásico? Maravillosa tragedia de una mujer que se va amargando al obsesionarse con tener lo único que no puede conseguir.

#4 Sinsajo. Los juegos del hambre III de Suzanne Collins
Maravillosa conclusión de la saga. Rehúsa ir por el camino fácil y nos plantea una situación más compleja de lo que podría esperarse de una novela juvenil, donde la línea divisoria entre los "buenos" y los "malos" queda completamente confundida. Es una novela cínica, cruel y desoladora. Suzanne Collins no da descanso al lector y lleva a sus personajes hasta su límite máximo de resistencia.
El triángulo Peeta -Katniss - Gale se complica de una forma inesperada y para nada dulzona y la conclusión de la revolución es cuanto menos inquietante. Los personajes van cayendo uno tras otro y la sensación de desastre es siempre constante. La narración es rápida y ágil, manejando capítulos cortos y efectivos cliffhangers.
Temas como los genocidios o la manipulación de la información durante conflictos armados campan a sus anchas en esta tercera parte y ayudan a darle una mayor profundidad a un planteamiento de por si inteligente y que ha sabido escaparse de los límites propios de la literatura juvenil.

#5 Historias de Chueca de Abel Arana
Divertido y rápido de leer, recordando en ocasiones más a un blog que a una novela. Un repaso con humor y autoconsciencia a la fauna de Chueca.

#6 El aliento de los dioses de Brandon Sanderson
Tras la interesante Elantris y la estupenda saga 'Nacidos en la bruma', esta nueva novela de Brandon Sanderson se antoja fallida. Reúne alguna de las buenas características de su autor, como la creación de un sistema de "magia" original. Si en 'Mistborn' utilizaban los metales y creaba la alomancia, en esta novela inventa un innovador sistema basado en colores y alientos.
También habría que destacar que de nuevo sabe llevar al lector por donde le interesa, haciéndole creer una cosa para cuando menos lo espera, sorprenderlo dando un giro radical a sus expectativas, consiguiéndolo además sin pecar de gratuito ni improvisado.
Por desgracia, estos elementos positivos quedan empañados por una historia que tarda mucho en arrancar y por unos personajes bastante faltos de carisma, e incluso irritantes, que impiden involucrarse plenamente con la novela.
Si le doy un aprobado a 'El aliento de los dioses' es por sus últimas cien paginas donde todas las historias confluyen de forma sorprendente y se crea un clímax a la altura de lo que Sanderson nos tenía acostumbrados.
Añadir, que al igual que con Elantris, pese a habérsenos vendido como una novela individual, queda abierta para una continuación.

#7 Teleshakespeare de Jorge Carrión
Interesante repaso a algunas de las mejores series de televisión venidas de USA. Utilizando como excusa los distintos programas, analiza diferentes facetas, tocando otros ámbitos como el cine o el cómic. Reflexiona sobre su validez como obras de arte y como reflejo de una época y un tipo de expresión cultural.

#8 Zonas húmedas de Charlotte Roche
Escatológico e irreverente, pero también muy divertido. Las experiencias que va relatando Helen no son aptas para estómagos sensibles, su afición por sus fluidos corporales es fascinante y su falta de pudor a la hora de confesarlas al lector es sorprendente. Pero entre todo eso, se puede vislumbrar un punto de ironía e incluso unos instantes de ternura que choca con las burradas que la protagonista va desgranando y que nos ayuda a acercarnos a ella.

#9 La virgen de los sicario de Fernando Vallejo
Una mirada llena de rabia y cinismo a la Colombia más voiolenta y deshumanizada. Un paseo por un lugar donde la vida no vale nada y el lenguaje que se entiende es el de las balas. Pesimista y desesperanzador, pero muy bien escrito.

#10 La ira de los justos. Apocalipsis Z III de Manel Loureiro
Tras el bajón que supuso el segundo volumen de la saga, el autor nos compensa con un magnífico cierre para esta trilogía zombi. Si en la anterior novela se le quedaban grandes algunas ideas, en esta es capaz de manejar las tramas con pulso, acertando en las connotaciones políticas (poco sutiles, eso sí) e intrigando al lector como hizo en su primer libro.
La novela avanza a través de dos líneas argumentales, que en un punto se dividen en tres y que en su tramo final se combinan para crear un clímax tenso y a la altura de las expectativas creadas. La novela es fácil de leer, con ese estilo, que aunque no muy cuidado, permite devorarla en apenas unos días. Seguimos empatizando con el abogado protagonista y sufriendo como tontos por el destino del gato Lúculo y de Pritchenko, ese ruso loco que se termina ganando nuestro cariño. Muy recomendable.

#11 Memorias de Adriano de Marguerite Yourcenar
A través de unas cartas a Marco Aurelio, el emperador romano Adriano nos va relatando su vida, evocando las diferentes facetas que había en él. Escrito con un lenguaje cuidado y medido, como si de poesía se tratase, consigue acercarnos de forma increíblemente vívida a la mente de esta importante figura histórica.

#12 Hiroshima por John Hersey
Interesante y duro repaso sobre lo que supuso la bomba atómica de Hiroshima a algunos de los habitantes de esa ciudad. Con una descripción cruda, pero que no se ensaña en los detalles, conocemos el horror que significó esta bomba. Un libro duro y conciso que no sólo se circunscribe a los días posteriores al desastre, sino que sigue a los afectados a lo largo de sus vidas, mostrandonos como realmente les afectó la bomba.

#13 A Dance with dragons. Canción de Hielo y Fuego V de George R.R. Martin
Las expectativas eran altas, sobre todo tras la decepción que supuso Festín de cuervos. Por desgracia, los fallos de ese libro también se encuentran en este. Sólo vemos a la mitad de personajes (estos más interesantes), pero por desgracia muchos de ellos sólo se dedican a deambular a ir de un lado para otro sin avanzar la trama e incluso dando marcha atrás. La forma en la que Martin va demorando esos sucesos que todos sabemos que tienen que suceder es frustrante y la falta de un clímax en condiciones que cierre estas mil páginas te deja con una sensación muy agridulce.
Tiene cosas buenas, como algunos capítulos genialmente escritos que uno se lee volando, varias sorpresas que te pillan completamente desprevenido y unos cuantos cliffhangers interesantes. Pero no compensa el resultado final.
Hasta ahora, en estos dos últimos libros todo han sido promesas, esperemos que en el sexto las cumpla, o si no, como empiezo a temerme, la historia se le habrá ido de las manos. Hablé más en profundidad de esta novela aquí.

#14 Rama II. Cita con Rama II de Arthur C. Clarke
Segunda parte del clásico de Arthur C. Clarke y mi novela favorita de este autor. La aparición de una inmensa nave espacial cilíndrica de origen desconocido que pasa cerca de la Tierra, siendo indiferente a nosotros, sólo genera preguntas y una certeza, esos desconocidos extraterrestres hacen las cosas por triplicado y habrá que estar preparados para la segunda nave. Eso es lo que se relata en esta continuación. Rama II pierde parte del misterio y sentido de la maravilla que producían todas las preguntas sin resolver de la primera novela, pero gana en una construcción de personajes más cuidada.

#15 La cosecha de Samhein. El ciclo de la Luna Roja I de Jose Antonio Cotrina
Primera parte de esta saga a la que me acerqué por los comentarios que la comparaban con Los juegos del hambre. Por suerte, pese a salir de un punto de partida parecido, sigue un camino distinto. En este caso, nos encontramos con una novela que hace gala de una imaginería gótica y siniestra muy atractiva en la que se da vida a Rocavarancolia, una abandonada ciudad de los horrores a la que llegan doce jóvenes con la única misión de sobrevivir a los peligros que se esconden tras cada callejón. Las aventuras de estos chicos se intercalaran con los intrigas por la regencia por parte del consejo de la ciudad, un grupo de personajes a cada cual más interesante, siendo ésta la parte que sorprendentemente más me ha gustado.
La historia promete, pero hay que comprender que este primer libro sirve de introducción para toda la saga (y no funciona como novela independiente), comenzando a despegar al final. Aún así, es rápida de leer y tiene a su favor la gran imaginación de la que hace gala su autor, Jose Antonio Cotrina, dando vida a la ciudad y habitantes de Rocavarancolia. Como punto negativo, unos diálogos que no ayudan a diferenciar a los distintos personajes, algo importante cuando manejas 12.
En conclusión, estupendo comienzo de una prometedora saga juvenil que incluyo en ese grupo de novelas que no tratan a sus lectores como niños inocentes (La materia oscura, Los juegos del hambre...)

Ahora mismo ando enfrascado en la lectura de Los hijos de las tinieblas, segunda parte de El ciclo de la luna roja y luego retomaré American Gods de Neil Gaiman. Entre futuras novelas que ya tengo en el lector electrónico se encuentran El caso de Jane Eyre de Jasper Fforde y sagas pendientes como La Torre Oscura o Geralt de Rivia, pero ando abierto a recomendaciones.

Los mejores momentos televisivos del 2011 (Parte I)

noreply@blogger.com (Alx Zero) — Thu, 15 Dec 2011 14:51:00 +0000

Con el final del año llegan las listas y para no repetir una con las mejores series, voy a escoger algunos de los mejores momentos que me han hecho aplaudir y agradecer mi afición seriéfila.

- Una canción de Mika y un ascensor que va deteniéndose repetidas veces mientras sus dos pasajeros sólo esperan por llegar a la habitación que han reservado. Unos dedos que se tocan, unas miradas que se evitan y finalmente unos besos que llevamos dos años esperando. La conclusión de la segunda temporada de The Good Wife cerraba un frenético tramo final en el que los secretos finalmente salían a la luz y dónde las diferentes relaciones entraban por caminos desconocidos. Pese a conocer de antemano lo que iba a suceder, esa escena me hizo aplaudir y no pude evitar repetirla una y otra vez en YouTube.

- Shameless (US) equilibró muy bien la comedia con el drama, riéndose de desgracias propias de un drama de Mike Leigh y construyendo una serie de personajes que era imposible no adorar. A lo largo de los episodios nos fueron introduciendo en esta peculiar familia y nos acostumbraron a su extraño status quo. Por eso, el regreso de la matriarca de los Gallagher supuso un terremoto emocional, tanto para ellos como para los espectadores. Esa reencuentro en el salón de todos los hijos con su madre fue uno de los highlights del año.

- Pese a conocer lo que iba suceder en la primera temporada de Game Of Thrones por haber leído previamente los libros, el cierre de su noveno episodio, Baelor, me dejó sin respiración. Una secuencia magníficamente planificada y rodada que rompe con todas las expectativas y que es toda una declaración de intenciones. Deja al espectador sin aliento y con la pregunta de ¿Y a partir de ahora qué?. Este fue el clímax de una primera temporada maravillosa que comenzó bien y fue escalando en calidad hasta cerrar magnificamente. Si tuviese que hacer un top de series, creo que esta producción de HBO estaría en primer lugar.

- Un fin de semana en una cabaña en el bosque da lugar para mucho. Y más si se establece un velado juego del gato y el ratón, dónde las mentiras se solapan con las verdades y los sentimientos quizás no son tan fingidos como se pretenden. Deslices y confesiones, un cara a cara que parece poner todo sobre la mesa conforma una de las mejores secuencias de este Otoño. Homeland, por mi parte, se ha ganado el puesto de mejor estreno de esta fall season.

- Parks and Recreation se merecería un mejores momentos para ella sola. Pero por quedarme con alguno, tarea difícil teniendo en cuenta el nivel al que nos han acostumbrado, escogería la aparición de la primera exmujer de Ron Swanson. La serie de Amy Poehler ha alcanzado una madurez increíble y ya no queda nada de ese regustillo a The Office de segunda. Desde hace un par de años, sólo 30 Rock puede igualarla.

- La conclusión a toda la trama del segundo año de The Vampire Diaries tuvo su cierre un episodio antes de lo previsto. Y claro, nos pilló a todos por sorpresa y sin estar preparados para todo lo que traería, muertes trágicas, resucitaciones, traiciones y planes que al final acaban saliendo mal. Un final a la altura, teniendo en cuenta que esta serie acostumbra a marcarse seasons finales cada cinco episodios. Las exigencias eran mayores y fueron capaces de volver a sorprendernos. Y pese a los temores, este tercer año, continúan superándose. Lo de esta serie está siendo muy grande y sin apenas darnos cuenta.

- Lo del muerto en el loft del segundo capítulo de Ringer es antológico. Es la síntesis de lo que es esta serie. Sarah Michelle Gellar deja un cadáver en un piso vacío medio envuelto en una alfombra, cuando regresa está teniendo lugar una fiesta, pero el muerto está colocado en una esquina, ahí para no molestar y sin que nadie se diese cuenta. Nada como meterlo en un baúl y dejarlo en medio de la fiesta ¿Quién va a sospechar? Claro, que no se le ocurre comprobar que no lleve un móvil encendido. Las cosas en esta serie suceden porque sí, los guionistas necesitan un giro, pues se lo sacan de la manga y nosotros los espectadores tan contentos. Por que no podemos quejarnos, ya que estamos con la mandíbula desencajada intentando asimilar tanto horterismo (ese moño) y falta de vergüenza. Todo es horrible y a la vez genial. Es un culebrón loco en el que han aunado una considerable cantidad de falta de talento y les ha salido algo tremendamente divertido y sin complejos. Guilty pleasure del año. Sin duda.

- La cuarta temporada de Torchwood quizás no haya estado a la altura de lo esperado. Pero el personaje de Gwen mantuvo el carisma ganado en su tercer año y verla con una pistola en la mano y en la otra cargando a su hijo en el 4x01 de Miracle Day no tuvo precio.

- Y en una pequeña concesión a los realitys incluyo la doble expulsión a mitad de la última edición de Big Brother (US). La casa estaba enfrentada y este acelerado episodio resumió una semana de estrategias en sólo cuarenta minutos, dándonos uno de los mejores capítulos de un programa que lleva 13 ediciones y que todavía tiene cuerda para rato. Esta doble eliminación removió los cimientos de la casa y disparó de la mejor manera posible el tramo final en el que la batalla por el poder en la casa es más encarnizada. El newbies vs veterans que se marcaron este verano ha entrado directo en el top 5 de ediciones regalándonos tres meses de alianzas, traiciones y estrategias, con un final que fue el broche pefecto para todo lo que habíamos visto.

De clásicos y Mad Men

noreply@blogger.com (Alx Zero) — Mon, 12 Dec 2011 12:20:00 +0000

Ver series de televisión es una afición y como tal se hace para divertirse. Pero hay series de todo tipo y calidades y cuando este hobby te lleva a devorar entre diez y veinte series semanales parece ser algo un poco más serio. Y al igual que ocurre con el cine o la literatura, entre tanto material hay lugar para clásicos y programas imprescindibles para el aficionado. Imprescindibles para entender como hemos llegado a las series que ahora tenemos o para disfrutar de las mejores creaciones televisivas que están teniendo lugar en estos momentos.

Series como Oz, Los Soprano, A dos metros bajo tierra o Sexo en Nueva York deberían ser conocidas por los hard fans de esto de la televisión, un poco como 'bagaje cultural' que permita entender programas posteriores como Mujeres Desesperadas o Mad Men. Pero muchas veces, reconozcámoslo, la pereza nos puede.

Los Soprano puede ser la mejor serie que se ha hecho en televisión, pero abordarla sabiendo que tiene seis temporadas por delante con episodios de entre 50 y 60 minutos es algo que puede echar atrás en un principio. Por mi parte, he hecho un esfuerzo en ir viendo algunas de estas series, reconociendo, a mi ritmo, que su estátus de clásico era merecido.

Algunas me engancharon y convirtieron en fiel seguidor, como me sucedió con The Wire, y otras me costaron un poco más y que si bien no me atraparon incondicionalmente, si pude reconocer su calidad, como por ejemplo me sucedió con Los Soprano o Mad Men.

Todo esto viene a que en el puente de Diciembre he aprovechado para finiquitar la tercera temporada de la serie de Don Draper, haciendo un hueco entre tanta CW y buscando un poco de excelencia televisiva. Le he echado ganas y he podido completar esta serie de episodios, que a diferencia de años anteriores, se me han hecho muy cuesta arriba. Y reconozco, que si hice el esfuerzo, sólo fue por su carácter de clásico instantáneo.

Mad Men nunca se ha caracterizado por sus tramas frenéticas, pero aún así, el ritmo de este tercer año ha sido excesivamente contemplativo. Había una serie de temas que se insinuaban a lo largo de los episodios, que se iban construyendo poco a poco, pero que dejaban a los capítulos faltos de gancho, por ausencia de algo a lo que agarrarse. Llegado un punto decidí que si la cosa no mejoraba, me bajaba de la serie al final de la temporada. Sería un clásico, pero quizás no estaba hecho para mi.

Pero hay que reconocer que Weiner sabe recompensar al espectador y todo lo que se ha ido plantando a lo largo de la temporada, todas esas escenas que en principio sólo parecían estar para extender el episodio hasta sus cuarenta y cinco minutos cogen un sentido y precipitan la serie en sus dos últimos capítulos a una carrera a la que no nos tienen acostumbrados.

En la tercera temporada de Mad Men no sucede nada hasta el final, pero cuando finalmente ocurren cosas, dinamitan los cimientos de la serie. Y no hay nada que se agradezca más, teniendo en cuenta el ritmo que normalmente se gastan. Ese 'Sit down. Close the door' me han renovado la fé en Mad Men y ahora no puedo esperar a empezar con su cuarto año, que se promete cuanto menos, movido.