Disclosure Day è un film del 2026, diretto da Steven Spielberg, con protagonisti Emily Blunt, Josh O’Connor e Colin Firth. La pellicola uscirà solo in sala, distribuita da Universal, a partire dal 10 giugno.

-Articolo di Michele Scarperia

Disclosure Day

Come sarebbe la reazione del mondo se scoprisse che non siamo soli? Pongo solo quest’interrogativo per parlare della trama di Disclosure Day, mantenendo il mistero che lo stesso regista vuole.

Il trailer del film

Steven Spielberg e il suo amore per gli alieni

Con Disclosure Day, Steven Spielberg torna ancora una volta in uno dei territori che più ama: il racconto dell’incontro con l’ignoto. I suoi cari alieni, qui, non sono semplicemente una minaccia o un mistero da risolvere, ma diventano lo strumento attraverso cui il regista riflette sull’umanità, riprendendo quella fascinazione che attraversa gran parte della sua lunga filmografia.

Come suo solito, Spielberg intreccia perfettamente la componente fantascientifica con una sotto trama socio-politica di spionaggio, che accompagna in modo funzionale il racconto dall’inizio alla fine. Un meccanismo che il regista conosce bene e che utilizza sapientemente per dare una dimensione più ampia alla vicenda (oltre che, come al suo solito, come minaccia umana), inserendo riflessioni che parlano direttamente al presente.

Il film affronta il tema della comunicazione in molte declinazioni. Non soltanto quella evidente tra esseri umani e alieni, ma anche quella mediata da tecnologia e nuovi mezzi di informazione. Disclosure Day si interroga su come le notizie vengano diffuse, manipolate e recepite dall’opinione pubblica. In questo senso, Spielberg realizza una delle sue opere più contemporanee, riflettendo sul rapporto tra informazione, paura collettiva e costruzione della verità.

Ma l’aspetto più interessante del film è il ruolo assegnato alla figura femminile. Con il personaggio di Emily Blunt, Spielberg costruisce una riflessione sull’empatia come strumento di massima comprensione umana. In un mondo dominato dalla paura, dal controllo e dalla diffidenza, è proprio la capacità di mettersi nei panni dell’ignoto a diventare la chiave per superare il conflitto.

Resta invece, purtroppo, in superficie la tematica religiosa. Il film accenna alla possibile lettura messianica degli eventi e dei personaggi, ma senza approfondirla davvero. Uno spunto che poteva arricchire il discorso sul rapporto tra fede, speranza e paura dell’ignoto, ma che finisce per rimanere sullo sfondo.

Disclosure Day – Emily Blunt, cuore emotivo del film

Emily Blunt è il vero cuore emotivo del film. La sua incredibile interpretazione riesce a trasmettere fragilità, determinazione e umanità, rendendo credibile ogni passaggio del percorso del personaggio. E’ lei a sostenere gran parte del peso drammatico della storia, confermandosi una delle attrici più brave nel panorama contemporaneo.

Josh O’Connor appare invece più trattenuto, rimane una grande prova ma leggermente sacrificata da esigenze narrative. Nella seconda parte scompare leggermente. Colin Firth invece, convince nel ruolo inedito dell’antagonista. Inizialmente sembra destinato a incarnare il classico villain stereotipato, ma il film riesce progressivamente a sfumarne le motivazioni, consegnando al pubblico un personaggio più complesso e meno caricaturale di quanto lasciassero intendere le prime battute.

Un grande comparto visivo (E come aspettarsi altro)

Visivamente, Spielberg dimostra ancora una volta la sua maestria. Qui alterna perfettamente momenti di grande spettacolarità a sequenze più intime, mantenendo sempre una forte chiarezza narrativa.

Gli alieni rappresentano un altro elemento distintivo del film. Non c’è alcuna volontà di rivoluzionarne l’immaginario: sono creature che appartengono pienamente alla sensibilità fanciullesca spielberghiana, più vicine alla meraviglia che all’orrore. Una scelta che qualcuno potrebbe definire ingenua, ma che in realtà costruisce una dichiarazione poetica ben precisa e riconoscibile.

Anche il ritmo giova della maestria del regista, capace di costruire tensione e stupore con apparente semplicità. Quando il film si concentra sulle emozioni e sul senso della scoperta, emerge ovviamente il miglior Spielberg.

Qualche difetto

Non tutto però funziona alla stessa maniera. La sceneggiatura di David Koepp presenta fin troppe ingenuità narrative che finiscono per indebolire alcuni snodi fondamentali del racconto. In particolare, il ricorso a soluzioni improvvise e troppo comode nelle quali si ricorre a un vero e proprio deus ex machina, abusandone. Questo espediente narrativo viene utilizzato troppo spesso per risolvere situazioni che avrebbero meritato uno sviluppo più organico.

Anche la già citata tematica religiosa rimane poco sviluppata, lasciando la sensazione di un’occasione solo parzialmente sfruttata.

Disclosure Day – Conclusioni

Disclosure Day non è il miglior Spielberg degli ultimi anni, ma è certamente uno dei più sinceri. Un film che porta sullo schermo tutte le ossessioni del regista: gli alieni, la paura dell’altro, il desiderio di comprensione e la fiducia nell’umanità.

Un’opera che conferma quanto il regista continui a guardare il mondo con gli occhi di un bambino. I suoi alieni sono ancora quelli della meraviglia, della curiosità e dell’incontro, lontani dal cinismo che domina gran parte della fantascienza contemporanea.

Si può criticare qualche scorciatoia narrativa o alcune occasioni mancate, ma è difficile non lasciarsi coinvolgere da quel finale capace di regalare la classica “Spielberg Face”: uno sguardo sospeso tra emozione, stupore e interrogativi. Perché, in fondo, la vera rivelazione non riguarda gli alieni, ma la nostra capacità di continuare a meravigliarci davanti all’ignoto. E Steven Spielberg, a quasi ottant’anni, sembra ancora crederci più di chiunque altro.

Seconda parte dell’articolo dedicato all’incontro di cinema che l’attrice Elena Sofia Ricci ha tenuto al BIF&ST 2026 dopo la proiezione del film La Farfalla Impazzita di Kiko Rosati. In questa seconda parte l’attrice prosegue a parlare della sua lunga e variegata carriera.

di Antonella Molinaro

Elena Sofia Ricci: i ruoli nella commedia ed i dialetti

Così come nei film drammatici l’attrice si muove altrettanto bene nel terreno della commedia. Infatti dopo aver ricevuto il Globo D’Oro con Impiegati di Pupi Avati, i premi successivi sono Nastro d’Argento e David di Donatello per la commedia Io e mia sorella di Carlo Verdone. Elena Sofia Ricci è dotata di una grande ironia e nel video parla del film e di come si muova bene nella commedia approfittando dei dialetti che conosce meglio: il toscano ed il romano. Il video si conclude con un’incursione molto simpatica nel dialetto barese

I ruoli difficili: Ne parliamo lunedì e l’uso del corpo

Un piccolo salto in avanti e arriva un personaggio molto diverso. Il film è Ne parliamo lunedì di Luciano Odorisio e lei è una moglie divisa tra il marito e l’amante e gioca molto sull’erotismo. A sua avviso il David vinto per quel ruolo è tra i più meritati della carriera perché il personaggio è molto diverso da lei.

Cos’è il corpo per un’attrice? Nel video parla di questo ruolo molto fisico che poi ha ripetuto anche nel film Mine Vaganti di Ferzan Ozpetek.

Veronica Lario nel discusso film Loro di Paolo Sorrentino ed il tema dell’amore

Interpretare Veronica Lario in Loro di Paolo Sorrentino è stata un’altra esperienza importante nella sua carriera che le è valsa un Nastro d’Argento ed un David di Donatello. L’attrice ha interpretato donne diverse ma tutte, chi più chi meno hanno avuto a che fare con i sentimenti. In questo video l’attrice spiega cosa le abbia fatto capire dell’amore la preparazione di questi personaggi:

Elena Sofia Ricci e la danza

L’incontro si chiude con l’ultimo grande amore dell’attrice: la danza che ha amato da piccola e riscoperto da poco grazie all’invito a partecipare a Ballando con le stelle:

Termina qui l’articolo dedicato all’incontro di cinema di Elena Sofia Ricci. Continua a leggere tutti gli articoli dedicati al BIF&ST 2026. Hai già letto l’articolo dedicato all’incontro di Alessandro Baricco?

Le gallerie dei protagonisti del BIF&ST 2026

Scary movie 6, diretto da Michael Tiddes, con Anna Faris, Regina Hall, Marlon Wayans e Shawn Wayans. Dura circa 95 minuti e sarà al cinema dal 4 giugno 2026.

Scary movie 6 la non trama

Il misterioso assassino mascherato è tornato. Cindy Cambell e i suoi amici e figli sono di nuovo in grave pericolo. Eventi misteriosi, inseguimenti, coltelli.

Problemi madri-figlie, problemi figli-figlie, problemi figlie-fidanzati. Nessuno è sospettato, tutti sono sospettati.

Il trailer del film

Il seguito della saga

Serviva davvero un altro Scary movie? Serviva davvero fare un altro film parodia demenziale, in cui non esiste una trama, se non un pretesto per fare parodie di ogni cosa? Evidentemente si.

Scary Movie 6, vecchi personaggi che tornano, come Cindy (Anna Faris) e Brenda (Regina Hall), e ovviamente il killer mascherato che già aveva cercato di ucciderle in passato.

Un film pieno di gag, di parodie, di prese in giro ad altri film, un film che forse ne ha davvero troppe, e alcune di queste si dilatano in un tempo davvero lungo, e alla fine perdono il filo loro stesse.

Battute che nel 2026, mi stupisco che facciano davvero ridere il pubblico, gag scontate, scenette a sfondo sessuale, che dire imbarazzanti è fargli un complimento. Cose già viste, trite e ritrite. Citazioni, prese in giro di film vecchi e recenti, il tutto mischiato in un fumo di canna, urla, e sangue che scorre come non ci fosse un domani.

Visto uno scary movie li hai visti tutti, ma se proprio ci tieni a vederti anche l’ultimo, il film ti aspetta in sala dal 4 giugno.

Masters of the universe, un film di Travis Knight. Con Nicholas Galitzine, Camila Mendes, Idris Elba e Jared Leto. Il film sarà nelle sale italiane a partire dal 4 giugno 2026.

Masters of the universe, una spada che cambia i destini

Adam vive sulla terra, è un ragazzo come tanti, con un lavoro nelle risorse umane. Un tipico ragazzo amaricano, con degli hobby un po’ meno tipici. Cerca disperatamente una spada, da ormai 15 anni. E perché cerca una spada, chiederete voi. Perché la spada, riuscirà a riportare Adam nella sua terra, Eternia, dove lui è il principe. Un principe fuggito con la spada ben 15 anni prima e che da allora passa tutto il suo tempo nella ricerca spasmodica della spada, che è la chiave che lo riporterà sul suo pianeta, un pianeta ormai dominato da Skeletor, il cattivo col cappuccio che non ha faccia, ma uno scheletro.

Eternia, un mitico pianeta popolato da eroi, tigri verdi e magia, Eternia la terra che tormenta e chiama Adam. E quando finalmente Adam ritrova la spada, e riuscirà a tornare alla sua terra, si scorpirà essere un vero eroe sui generis, un eroe moderno cresciuto coi corsi di formazione delle risorse umane terrestri…

Il trailer del film

Masters of the nostalgia

Effetto nostalgia, non di certo il primo film che ci punta. Si cerca di ricreare un universo già noto, riportando in sala eroi di un tempo e cattivi d’altri tempi. Un eroe del passato che cerca di trovare il suo posto nei nostri giorni, riuscendoci. Più o meno.

Masters of the universe è un film in cui gli effetti speciali non mancano di certo, forse manca un pò la trama, ma in un film del genere glielo si perdona tranquillamente. Di sicuro non si va al cinema per vedere la trama, ma si va per tornare bambini e vedere su schermo gli eroi d’infanzia.

Ci sono battute, e poi ci sono le battute brutte, quelle che si fanno forzatamente, cercando di far ridere, ma sapendo benissimo che la cosa risulta talmente forzata che ridere non farà. Tanti nuovi temi in questo film, dove ci si interroga sul ruolo dell’eroe, non più visto solo come il più forte e muscoloso, ma forse anche come colui che cerca la mediazione coi cattivi.

Ci sono frasi iconiche nella nostra immaginazioni, frasi che vengono tramandate di generazione in generazione. Frasi che quasi facciamo fatica a ricordare da dove vengono. Ecco, credo che una di queste frasi sia “Per il potere di Grayskull!”

E in Masters of the universe la troviamo, anzi la scopriamo e sentiamo in tutta la sua potenza. Un film che ovviamente strizza l’occhio al passato, che si fonda sul cartone di un tempo e che avrà delle grandi e belle sorprese per i fan. Se siete cresciuti col cartone e ricordate anche il vecchio film, beh… Sarete già al cinema seduti comodi e pronti ad urlare.

p.s. rimanete fino alla fine della fine, ci saranno dei colpi di scena che non ve ne faranno pentire!

Terza protagonista degli incontri di cinema al BIF&ST 2026 l’attrice Elena Sofia Ricci che ha parlato in sala dopo la proiezione del film La farfalla impazzita, film per la televisione diretto da Kiko Rosati e tratto dal romanzo autobiografico omonimo di Giulia Spizzichino.

di Antonella Molinaro

La farfalla impazzita

La farfalla impazzita di Kiko Rosati è un film intenso e necessario, capace di trasformare la memoria storica in un racconto profondamente umano. Tratto dall’omonimo libro autobiografico di Giulia Spizzichino, il film ripercorre la battaglia della protagonista per ottenere giustizia contro Erich Priebke, responsabile della strage delle Fosse Ardeatine, riportando alla luce ferite mai rimarginate della Shoah.

L’interpretazione di Elena Sofia Ricci è il cuore emotivo dell’opera: intensa, trattenuta e dolorosamente autentica, restituisce tutta la fragilità e la forza di una donna segnata dalla perdita di 26 familiari. Rosati sceglie una regia sobria, senza retorica, lasciando spazio alla memoria e alla dignità del racconto. Ne nasce un film che colpisce non solo per il valore storico, ma per la sua capacità di parlare ancora oggi di giustizia, responsabilità e necessità di non dimenticare.

In questo primo video l’attrice parla del perché abbia scelto proprio questo film per il suo incontro al BIF&ST 2026, in un momento storico così delicato in cui sembra che l’uomo non abbia imparato nulla dal passato

Elena Sofia Ricci nel ruolo di Giulia Spizzichino

Elena Sofia Ricci è un’attrice particolarmente versatile, in grado di passare dalla commedia al dramma e sempre con grande impegno e profondità. Però nel caso di Giulia Spizzichino ha dovuto attingere a risorse diverse da quelle alle quali un’attrice normalmente attinge perché questo è un personaggio davvero forte e reale

Mi è capitato di interpretare delle donne realmente vissute o viventi almeno quattro volte. Ho interpretato Francesca Morvillo, moglie di Giovanni Falcone, la professoressa Rita Levi Montalcini, una donna straordinaria e molto emozionante da interpretare. E potete immaginare cosa è stato interpretare Veronica Lario nel film Loro di Paolo Sorrentino che è un film introvabile in Italia (però si trova la versione internazionale). L’ultima è stata Giulia Spizzichino.

La carriera di Elena Sofia Ricci

Questo non è che uno degli ultimi tasselli di una carriera straordinaria: tre David di Donatello, cinque Nastri D’Argento, tre CIAK d’Oro, un globo D’Oro e tanti altri riconoscimenti. Il Globo D’Oro è stato il primo premio vinto: 1985 con Impiegati di Pupi Avati.

A quel film Elena Sofia Ricci è arrivata dopo il teatro e con Avati ha imparato ad entrare nelle vite delle donne che interpretava cercando di attingere a qualcosa di personale. Questo lavoro l’ha portata anche ad affrontare un percorso di analisi

Termina qui la prima parte dell’articolo dedicato all’incontro di cinema di Elena Sofia Ricci. Continua a leggere la seconda parte.

Hai letto gli articoli dedicati al BIF&ST 2026. Hai già letto l’articolo dedicato all’incontro di Alessandro Baricco?

Le gallerie dei protagonisti del BIF&ST 2026

Dal 30 maggio Sacro moderno, documentario di esordio di Lorenzo Pallotta, arriva su Raiplaysolo su Raiplay.

Sacro moderno finalmente in piattaforma

La giusta definizione di Sacro moderno è film documentario perché accanto alle suggestive immagini che impreziosiscono il lavoro di Pallotta, il regista, abruzzese di origine, unisce parti recitate.

La storia ruota intorno a due adolescenti Filippo e Simone, entrambi attori non professionisti, come tutti gli altri “interpreti”.

I due rappresentano due diversi approcci verso la tradizione e la cultura ancestrale.

L’ambientazione è Intermesoli, in provincia di Teramo. Il luogo è abitato da circa novanta persone. Intermesoli è incastonato tra i Monti della Laga e il Parco nazionale del Gran Sasso.

Tra Sacro antico e moderno

I due ragazzi protagonisti, Filippo e Simone, si muovono in un minuscolo paesello tra i monti abitato da pochi esseri umani. Simone accetta il passato e le tradizioni come sacralità. Pur esitante, Simone acquista nuove consapevolezze e porta avanti la memoria della sua comunità montana. Filippo invece se ne allontana sia con lo spirito che razionalmente.

Pallotta sceglie un doppio binario: da una parte l’ osservazione, caratteristica propria del documentario. Dall’altra il regista segue la fiaba nera, molto in parte con l’atmosfera del luogo scelto.

Le sequenze e i colori, la suggestiva scena conclusiva si focalizzano con le due scelte narrative registiche creando un unicum.

Girato oltre cinque anni fa, Sacro moderno è stato presentato nel 2021 nella sezione della festa del cinema di Roma denominata Alice nella città. L’occasione che ha portato il documentario su Raiplay, darà modo di conoscere luoghi pittoreschi e sconosciuti ai più. Inoltre il documentario offre la possibilità di entrare nello stile di vita di una comunità assai ristretta del tutto connessa con il luogo di appartenenza.

Decisamente di nicchia ma utile per conoscere un’umanità che è distinta dal mondo cittadino perché inglobata nella natura e nei suoi limiti.

Il trailer

Spider-Noir è una serie TV del 2026 di Prime, ideata da Steve Lightfoot, con protagonista Nicolas Cage. Questo prodotto uscirà a partire dal 27 maggio sulla piattaforma Prime Video.

Questa serie è basata sull’omonimo personaggio protagonista dei fumetti Marvel.

-Articolo di Michele Scarperia

Spider-Noir

Ben Reilly (Nicolas Cage) è un investigatore privato, dotato dei superpoteri di Spider-Man ma ormai da quel punto di vista in pensione. Ma arriverà un nuovo boss che lo costringerà a tornare in azione nei panni del super-eroe.

Il trailer della serie

Un tentativo coraggioso di rileggere Spider-Man

Spider-Noir prova disperatamente a essere qualcosa di diverso nell’ormai saturo panorama delle serie supereoistiche, restando però purtroppo un esperimento più interessante sulla carta che davvero riuscito sul piccolo schermo.

L’idea di portare l’universo di Spider-Man dentro un noir anni ’30 con Nicolas Cage poteva essere affascinante, e in effetti l’atmosfera è l’aspetto che funziona meglio. Non a caso, la scelta di distribuire la serie anche in bianco e nero si rivela quasi fondamentale: è lì che Spider-Noir acquista davvero una sua identità visiva. Le ombre, i nightclub fumosi, le strade sporche e i contrasti fortissimi riescono finalmente a immergere lo spettatore in quell’estetica pulp e hard boiled che la serie cerca continuamente di evocare. In versione a colori, invece, molti effetti e scenografie sembrano più artificiali e perdono fascino.

Spider-Noir – I vari problemi

Il problema è che, tolta la forte estetica, resta poco altro. Per essere una serie legata a Spider-Man, con Spider-Man c’entra poco o nulla. Si il protagonista usa i poteri nel modo giusto, ci sono le ragnatele (nere, bellissime), qualche sequenza action ben costruita e l’approccio da vigilante tormentato. Ma per il resto sembra più una classicissima storia noir già vista mille volte, con detective stanchi, gangster caricaturali, femme fatale e dialoghi pieni di cliché. La componente supereroistica appare quasi accessoria, come se fosse stata aggiunta dopo per poter sfruttare il marchio Marvel.

Anche il continuo inserimento di personaggi e riferimenti all’universo Spider-Man dà spesso la sensazione di essere puro fan service. Più che elementi davvero utili alla storia, sembrano comparsate messe lì per strappare il riconoscimento degli spettatori. E questo finisce per rendere la serie ancora più vuota narrativamente, già dotata di una scrittura pigra e prevedibile.

Persino Nicolas Cage, che almeno prova a dare personalità al personaggio con la sua buona interpretazione, non basta a salvare il tutto. Rimane qualche momento divertente e un certo fascino derivato dall’ambientazione, ma non abbastanza da sostenere otto episodi.

Conclusioni

Alla fine Spider-Noir è una serie, purtroppo, insufficiente: elegante da guardare, soprattutto in bianco e nero, ma banale nella storia e troppo distante da ciò che dovrebbe rendere davvero interessante un racconto su Spider-Man.

L’atmosfera è il suo vero e unico punto di forza, tutto il resta sembra una lunga imitazione di vecchi noir con sopra appiccicato il simbolo del ragno.

Dal 28 maggio al 3 giugno al cinema con Plaion Pictures e Midnight Factory una delle opere più celebri del cinema moderno, Kill Bill: The Whole Bloody Affair.

di Antea Cukon

Siamo stati invitati dal cinema Anteo a vedere probabilmente uno dei progetti più rappresentativi dello stile di Quentin Tarantino. Questa speciale versione unisce Kill Bill Vol. 1 e Vol. 2 in un unico film, permettendo allo spettatore di vivere la storia come era stata originariamente immaginata dal regista. Il risultato è un’esperienza intensa, spettacolare e visivamente indimenticabile, capace di fondere arti marziali, thriller, western e cultura pop in modo unico.

Kill Bill: The Whole Bloody Affair

La trama probabilmente la conosciamo tutti. La protagonista della storia è la “Sposa”, interpretata da Uma Thurman, ex assassina professionista tradita dal proprio gruppo il giorno del matrimonio. Dopo anni di coma, la donna decide di vendicarsi delle persone che hanno cercato di ucciderla, iniziando una lunga e sanguinosa caccia contro gli ex compagni guidati dal misterioso Bill. Da questo semplice punto di partenza nasce però un racconto molto più profondo, fatto di dolore, rabbia e ricerca della propria identità

Uno stile visivo inconfondibile

Nel film Kill Bill: The Whole Bloody Affair, Tarantino riesce a trasformare ogni scena in qualcosa di memorabile. I combattimenti non sono semplici momenti d’azione, ma vere coreografie cinematografiche costruite con luci, musica e movimenti di macchina studiati nei minimi dettagli. La famosa battaglia nella Casa delle Foglie Blu è ancora oggi considerata una delle sequenze action più spettacolari della storia del cinema, grazie alla sua estetica quasi fumettistica e all’uso creativo della fotografia in bianco e nero.

La regia alterna momenti estremamente violenti a dialoghi lunghi e pieni di tensione, mantenendo sempre alta l’attenzione dello spettatore. Anche la colonna sonora gioca un ruolo fondamentale, accompagnando ogni scena con brani ormai diventati iconici.

Kill Bill: The Whole Bloody Affair – Il trailer

Un cast straordinario

Uno dei punti di forza del film è sicuramente il cast. Uma Thurman regala una delle migliori interpretazioni della sua carriera, riuscendo a rendere la Sposa un personaggio forte ma anche emotivamente fragile. La sua presenza scenica domina il film dall’inizio alla fine.

Molto intensa anche la performance di David Carradine nel ruolo di Bill. L’attore interpreta il personaggio con grande calma e carisma, creando un antagonista affascinante e diverso dai classici villain dei film d’azione.

Tra i personaggi più amati troviamo anche O-Ren Ishii, interpretata da Lucy Liu, elegante e letale allo stesso tempo. Daryl Hannah porta invece sullo schermo una Elle Driver folle e imprevedibile, mentre Michael Madsen e Vivica A. Fox completano un cast ricco di personalità e perfettamente in linea con lo stile del film.

Kill Bill: The Whole Bloody Affair – L’importanza dei sottotitoli

Guardare Kill Bill: The Whole Bloody Affair con sottotitoli permette di apprezzare meglio i dialoghi originali e le diverse lingue presenti nel film, tra inglese e giapponese. I sottotitoli aiutano a cogliere le sfumature delle conversazioni scritte da Tarantino, ricche di ironia, citazioni e tensione narrativa. Inoltre, permettono di vivere l’esperienza in modo più autentico, mantenendo intatta la recitazione originale degli attori.

Perché resta un cult

Kill Bill: The Whole Bloody Affair non è soltanto un film di vendetta, ma una vera dichiarazione d’amore al cinema. Violento, spettacolare e stilisticamente unico, resta ancora oggi uno dei lavori più iconici di Quentin Tarantino e un cult imprescindibile per gli amanti del grande cinema d’autore.

A più di vent’anni dall’uscita originale di Kill Bill, questo progetto continua a influenzare cinema, serie TV e videogiochi. La forza del film non sta solo nell’azione, ma nella capacità di trasformare una semplice storia di vendetta in una leggenda moderna.

Kill Bill: The Whole Bloody Affair è cinema senza compromessi: eccessivo, stiloso, feroce e incredibilmente affascinante. Un’opera che divide alcuni spettatori per la sua violenza estrema, ma che resta imprescindibile per chi ama il cinema d’autore capace di intrattenere con personalità unica. Non perdetevelo!

Backrooms è un film del 2026 di genere horror, diretto da Kane Parsons, con protagonisti Chiwetel Ejiofor e Renate Reinsve. La pellicola uscirà solo in sala a partire dal 27 maggio, distribuita da I Wonder Pictures.

-Articolo di Michele Scarperia

Quest’opera è basata sull’omonima leggenda metropolitana e creepypasta dalla quale è stata tratta la webserie omonima di YouTube, girata dalla stessa regista.

Backrooms

Il film parla di Clark (Chiwetel Ejiofor), proprietario fallito di un negozio di mobili che scopre nel seminterrato un passaggio per un labirinto di stanze gialle.

Il trailer del film

Un horror psicologico dal web molto ambizioso

Backrooms è uno di quei film che sembrano nati per restare solo su internet, e che invece riescono a trasformarsi in evento cinematografico. Diretto dall’esordiente Kane Parsons, famoso su YouTube, prende la mitologia creepypasta delle “backrooms” e la trasforma in un horror ambizioso e straniante.

Un film che ti trascina dentro una sensazione di vuoto. Di fatti la cosa più impressionante del film è l’atmosfera. Il regista capisce che la paura non deve derivare dal mostro di turno, ma dall’idea di trovarsi in un tempo completamente sbagliato. Corridoi troppo silenziosi, moquette infinite, stanze senza uscita: il film lavora sul disagio psicologico.

Backrooms è un incubo liminale incredibile. La fotografia e scenografia trasformano luoghi apparentemente banali in qualcosa di alienante. Evidenti le influenze dal mondo videoludico, ma al contempo con una forte identità cinematografica grazie al grande utilizzo del falso fan footage alla The Blair Witch Project.

Backrooms – Punti imperfetti

Non tutto però funziona alla perfezione. Il limite principale è rappresentato dalla sceneggiatura: l’idea di base funziona, ma dilatare un concept web corto nato come virale in un film non era facile. Di fatti a tratti risulta una certa ripetitività narrativa e personaggi troppo superficiali. Il film cerca di concentrarsi troppo sul senso di smarrimento che un vero sviluppo emotivo e narrativo.

In questo senso può anche essere visto come un qualcosa di nuovo: il primo vero horror generazionale costruito da un autore cresciuto tra YouTube, videogiochi e lore online.

Conclusioni

Il risultato finale è divisivo ma affascinante. Chi cerca una trama tradizionale potrebbe trovarlo frustrante, chi invece ama l’horror atmosferico e sperimentale probabilmente lo amerà. Non un film perfetto, ma uno di quei rari casi in cui un fenomeno nato sul web riesce davvero a evolversi in un cinema senza perdere la propria identità.

Backrooms è un horror che funziona più come esperienza sensoriale che come racconto classico: un viaggio claustrofobico nell’ansia contemporanea, dove la paura nasce dal sentirsi intrappolati in uno spazio che semrba infinito e senza significato.

Seconda parte dell’articolo dedicato all’incontro di cinema che Alessandro Baricco ha tenuto al BIF&ST 2026 dopo la proiezione del film Amadeus di Milos Forman, occasione per parlare del compositore e del contesto storico in cui è vissuto.

di Antonella Molinaro

Amadeus – La storia della Messa da Requiem

Un’altra domanda che ci si fa sempre sul film è come sia andata veramente la storia della Messa da Requiem, l’ultima opera rimasta incompiuta di Mozart, spiegata in questo video:

Alessandro Baricco: la vita di Mozart nel contesto storico

Nel video che segue, lo scrittore inserisce nel contesto storico dell’epoca la vita di Mozart, il suo rapporto con la moglie, con il padre e la sepoltura della fossa comune

Amadeus – La figura di Salieri

In questo video Alessandro Baricco racconta la figura di Salieri o dei musicisti come lui che oggi si considerano minori rispetto a Mozart ma che allora erano molto in auge.

Amadeus – L’industria del divertimento e l’influenza di Mozart nella società dell’epoca

In questo video conclusivo Alessandro Baricco parla dell’industria del divertimento ai tempi di Mozart, l’influenza del musicista nella società del tempo e l’eredità che è arrivata a noi:

Alessandro Baricco premiato al BIF&ST 2026

Lo scrittore ha ricevuto il Premio BIF&ST Arte del Cinema con questa motivazione:

Alessandro Baricco, autore a tutto campo, scrittore saggista e regista, ma soprattutto creatore di mondi che hanno segnato l’immaginario collettivo, lo sguardo e il passo sempre in anticipo sul suo tempo. Anticonformista per vocazione, intellettuale raffinato ed al contempo popolare, ha scardinato i codici tra schermo e parola con una voce visionaria e musicale aprendo nuove strade ai linguaggi che ha attraversato imprimendo una traccia indelebile nella nostra cultura. E’ un riconoscimento questo alla sua instancabile ricerca di bellezza e di autenticità che continua ad incantarci e a interrogarci.

Termina qui l’articolo dedicato all’incontro di cinema di Alessandro Baricco. Continua a leggere tutti gli articoli dedicati al BIF&ST 2026. Hai già letto l’articolo dedicato all’incontro di Kasia Smutniak o di Elena Sofia Ricci?

Le gallerie dei protagonisti del BIF&ST 2026