Appassionatosi di cinema “grazie” ad una ferita riportata in guerra (la Prima Guerra Mondiale, ndr), Renoir divenne uno dei maggiori esponenti del realismo poetico, corrente cinematografica nata nella Francia degli anni ’30 che pone le basi del cinema moderno.

“Se alcuni paesaggi e certi costumi ricordano i quadri di mio padre, - disse lo stesso Jean a proposito di Une Partie de Campagne - la ragione è semplice: perché l’azione è ambientata all’epoca e nei luoghi in cui mio padre ha lavorato molto; e poi perché io sono suo figlio e dai propri genitori si è fatalmente influenzati. Ho rifatto dunque uno studio del gesto dei pittori della sua generazione.”

La trama del film

Nei giorni scorsi ho potuto assistere alla proiezione di questo film di soli 40 minuti, a noi meglio noto come La Scampagnata, la cui copia restaurata è stata acquisita dalla Fondazione Cineteca Italiana di Milano.

La trama deriva dall’omonima novella di Guy de Maupassant: il commerciante parigino Monsieur Dufour (Andrè Gabriello) decide di trascorrere una giornata in campagna con la sua famiglia, pranzando in riva al fiume presso l’osteria del signor Poulain (Jean Renoir).

Due giovani canottieri ed esperti seduttori, Henri (Georges St.Saens, alias Georges Darnoux) e Rodolphe (Jacques Borel), avvicinano e corteggiano la moglie e la figlia di Dufour, Juliette (Jeanne Marken) ed Henriette (Sylvia Bataille), portandole sul fiume in barca.

Mentre la madre e Rodolphe vogliono solo divertirsi un po’, la figlia ed Henri si innamorano; passa un anno, e scopriamo che il loro amore è stato purtroppo ostacolato da Anatole (Paul Temps), il socio di Monsieur Dufour a cui Henriette è stata costretta a sposarsi.

Così le inquadrature ci fanno “vedere” i sentimenti

Il film è uno tra i più vividi esempi di impressionismo tradotto nel linguaggio cinematografico: la vita quotidiana dei personaggi, fatta di vizi ed ambiguità tipici della società borghese del tempo, è immersa in una natura molto simile a quella dipinta da Pierre-Auguste Renoir.

La stessa natura isola i personaggi, svelando la tragedia che conteneva in realtà fin dall’inizio: attraverso una spettacolare carrellata sul fiume sferzato dal temporale estivo, il regista interrompe bruscamente l’esplosione della passione tra i giovani.

L’atmosfera bucolica della campagna, rallegrata dalla fine e sottile comicità dei protagonisti, acquista allora un tragico senso di rassegnazione di fronte alle imposizioni della società.

Un progetto cinematografico un po’ travagliato

La pellicola venne girata nel 1936, tuttavia, come ci viene annunciato da un cartello all’inizio del film, molte furono le ragioni che portarono Jean Renoir ad abbandonare il progetto.

Innanzitutto, le riprese vennero effettuate, in puro stile impressionistico, quasi esclusivamente in esterno (ciò che in pittura si definirebbe “en plein air”); ma le condizioni climatiche di quell’anno non furono delle migliori (anche se il temporale di cui sopra ha sicuramente regalato una delle scene più intense).

Inoltre, pare che tra l’attrice Sylvia Bataille e Jean Renoir non corresse buon sangue, nonostante avessero già lavorato assieme sul set di Le Crime de Monsieur Lange (“Il Delitto del Signor Lange”, 1936).

Il produttore Pierre Braunberger e la montatrice, nonché moglie di Jean, Marguerite Houllè-Renoir decisero di riprendere il lavoro, con l’autorizzazione del regista esiliato, nel frattempo, negli Stati Uniti.

Il film venne presentato al pubblico solo nel 1946 (in Italia uscì nel 1962).

L’eredità di questo grande artista non è andata perduta nel corso degli anni: il suo insegnamento è giunto, tanto per fare dei nomi, a maestri quali Vittorio De Sica, Jean-Luc Godard (a cui il nostro Massimo Balducci ha dedicato un curioso post non molto tempo fa), Roberto Rossellini, e nondimeno Luchino Visconti, che fu tra l’altro uno degli assistenti alla regia proprio di Une Partie de Campagne.

Ecco l’intensa ripresa del temporale sul fiume

In poche parole… la trama

Gli ingredienti perché il film riuscisse c’erano tutti: una coppia scoppiata, il cuore di Manhattan, l’imprevisto e la svolta inaspettata. In breve la storia è questa: una ricca coppia newyorkese decide di separarsi dopo il tradimento di lui; lei è ferma sulla sua decisione di lasciarlo, mentre lui prova in tutti i modi a riconquistarla, fino a quando insieme non si trovano ad essere testimoni di un omicidio e quindi ad essere sottoposti ad un programma di protezione. Il programma consiste nell’essere trasferiti, sotto mentite spoglie, in un paesino sperduto del Wyoming dove, tra orsi e tori, i due devono condividere lo stesso destino con un finale quantomeno annunciato.

Ma gli attori?

Il problema del film non è tanto la trama scontata - le commedie sentimentali americane hanno più o meno tutte la stessa struttura - quanto la performance dei due attori. Il regista ha sfruttato - secondo la mia visione - troppo l’immagine della Parker di “Sex and the City” (seguendo le battute dell’attrice, sembra di assistere ad una puntata della fortunatissima serie) mentre Hugh Grant non ha nulla né dello sfacciato de “Il diario di Bridget Jones” né dell’imbranato che conquista Julia Roberts in “Notting Hill“.

Forse Sarah Jessica Parker era rimasta intrappolata in un negozio di scarpe e Hugh Grant stava ancora leggendo seduto sulla panchina di un parco quando il film è iniziato…

Sto parlando dell’ultimo film di Tim Burton Alice in Wonderland con Mia Wasikowska, Johnny Depp, Elena Bonham Carter e Anne Hathaway.

Un film davvero molto bello ma con qualche neo.

Locandina di Alice in Wonderland

La favola

Come affermato dallo stesso Burton, il film non è né un remake né un sequel ma una rilettura dei due romanzi di Lewis Carroll che hanno quasi 150 anni ma che sono intramontabili: Le avventure di Alice nel paese delle meraviglie e Attraverso lo specchio e quel che Alice vi trovò.

Il film è tratto quindi da una favola ed è prodotto dalla Disney: è ovvio che non ci si poteva aspettare il Burton più trasgressivo di alcuni suoi film (come Ed Wood o Sweeney Todd) ma quello più sognatore che ha al suo attivo anche film animati (Nightmare before Christmas o La sposa cadavere). Il risultato è però efficace, considerato che il film deve piacere a grandi e piccini: incredibile la varietà del sottomondo, dalle rane maggiordomo ai fiori parlanti, e bellissimi i suoi colori.

Johnny Depp

I protagonisti

Il film poi vanta un cast d’eccezione: primo tra tutti Johnny Depp alla sua settima collaborazione con il regista. Film dopo film i due sembrano sempre più in simbiosi: entrambi bravi disegnatori, Burton e Depp hanno l’abitudine, all’inizio di ogni film, di disegnare scene e personaggi del film e poi discuterne insieme.

Depp per esempio, dopo aver disegnato il suo personaggio, lo ha attaccato allo specchio e pian piano, come in una metamorfosi, si è splendidamente trasformato in lui: una volta visto infatti quel cappellaio matto è praticamente impossibile immaginarlo in un altro modo.

Elena Bonham Carter

Molto brava anche Elena Bonham Carter, compagna di Tim Burton, nella parte della diabolica regina rossa: sbeffeggiata per la sua testa troppo grande e sempre all’ombra della sorella minore, fin troppo sdolcinata, decide di prendersi una rivincita rubandole il trono e facendosi rispettare incutendo paura. Il risultato è una donna fondamentalmente alla ricerca d’affetto che quando però si lascia andare ad un sentimento viene puntualmente delusa.

A proposito di effetti speciali non posso non menzionare l’abilità con cui Burton delinea tutti i personaggi ‘umani’ del mondo delle meraviglie: quasi come attraverso degli specchi deformanti, vediamo ogni personaggio con qualcosa di spropozionato.

Così come la regina rossa ha una testa enorme, il cappellaio matto ha gli occhi troppo grandi e la regina bianca le sopracciglia, gli occhi e la bocca sproporzionati rispetto all’ovale del viso. L’effetto è sottile: sembra quasi che in questo mondo delle meraviglie, gli strani siano proprio gli umani.

Nonostante abbia apprezzato il film nel suo complesso devo però puntualizzare ciò che non mi ha convinta: per prima cosa le prove di Anne Hathaway e della protagonista Mia Wasikowska decisamente poco incisive.

Anne Hathaway

La prima, poco delineata nella parte della Regina Bianca, diventa a volte quasi caricaturale nei suoi gesti e movenze ripetuti sempre allo stesso modo.

La seconda, a mio avviso troppo sopravvalutata (l’hanno persino definita la nuova Jodie Foster!) è diafana come il suo viso esageratamente pallido: dovrebbe essere la paladina del mondo delle meraviglie ma la sua forza fuoriesce, e impercettibilmente, solo dalle sue parole.

Mia Wasikowska

Il 3D

Un’altra nota di demerito è il 3D: Burton ha affermato di averlo montato a film già concluso, e purtroppo questo si vede. Probabilmente la necessità era legata ad operazioni di marketing, fatto sta che il 3D dà proprio l’impressione di un surplus non necessario: in fondo, eccetto il momento in cui Alice cade nel buco, il film si potrebbe benissimo vedere in 2D senza perdere assolutamente nulla.

Anzi, considerato che gli occhialini scuriscono l’immagine, l’effetto è anche peggiorato, vista l’incredibilità dei colori con cui Burton pennella tutto ciò che di animato o immobile è presente nel meraviglioso mondo di Alice.

My Name Is Khan è il nuovo film di Karan Johar.

Per maggiori dettagli, scopri di seguito la recensione di questo film.

Non che io sappia molto di Karan Johar, a parte quello che ne ho letto nella scheda di wikipedia su Karan Johar; come del resto conosco ben pochi registi di Bollywood: questo mondo resta per molti non-indiani una simpatica ed esotica curiosità, e io stesso non ho mai avuto gran voglia di approfondirla.

My Name Is Khan, però, è tutt’altra questione: qui l’incrocio tra il melodramma “all’indiana” con un approccio da cinema indipendente americano crea un risultato imprevedibile: non dico che sono rimasto sconvolto, ma poco ci manca.

I tanti livelli di lettura in “My Name Is Khan”

La quantità di strati su cui si articola il film, infatti, è roba da far girare la testa.

In cima c’è un’opera popolare, che si può guardare come fosse un qualsiasi sceneggiato televisivo (ma molto meno noioso delle principesse Sissi nostrane): la storia di un giovane indiano che raggiunge il fratello in California, a San Francisco, e dal nulla costruisce il suo personale “sogno americano”.

Ma, praticamente da subito, il film non è solo questo.

Il protagonista (che si chiama appunto Khan) è infatti portatore della sindrome di Asperger, e all’inizio lo si vede da bambino, nel suo paese d’origine, alle prese con una moltitudine di difficoltà a interagire con gli altri.
Questi problemi però, mano a mano che la storia prosegue e Khan si integra nel suo nuovo mondo, si dimostreranno più apparenti che reali: mantiene tutte le sue stranezze, che si manifestano in paure inspiegabili (quella del colore giallo per esempio) ma impara a gestirle e riesce ad integrarsi perfettamente.

Nell’America dopo l’11 settembre

Questo aspetto (che ricorda parecchio Forrest Gump) si integra poi con il drammone sentimentale, l’amore come parte di un più ampio processo di crescita della persona.

A questa dimensione privata se ne contrappone poi - con esiti notevoli, mi pare - una sociale e politica: Khan è musulmano, la ragazza di cui si innamora è indù, ma anche in questo caso la vicenda narrata sembrerebbe destinata ad un prevedibile happy end.

Invece si tratta solo della prima parte del film, perché una serie di eventi tragici (sia pubblici che privati) fa abbandonare  completamente lo stile e il tono da commedia e li catapulta in tutt’altra dimensione.

Con la semplicità del suo carattere, che lo porta a ripetere come un mantra “My Name Is Khan, and I’m not a terrorist”, il protagonista diventa un involontario eroe e profeta di un’America diversa.

Moltissime informazioni sul film si trovano nella scheda di wikipedia su My Name Is Khan, che mi pare in questo caso la fonte più completa.

OSCAR 2010

La 82° edizione degli Academy Award, condotta in modo sobrio da Steve Martin ed Alec Baldwin (fantastica la presa in giro di Paranormal Activity con i due a letto insieme) ha visto primeggiare Katherin Bigelow a discapito del sue ex marito James Cameron; era già nell’aria che il colossal Avatar si sarebbe dovuto accontentare degli effetti speciali ed in effetti… sorpresa invece per Precious che porta a casa 2 statuette;

Tarantino deve a Christoph Waltz la vittoria di Inglorious Bastard, meritato premio come attore protagonista (lo meritava anche Colin Firth però);

Sandra Bullock e Jeff Bridges migliori attori mentre il miglior film straniero è stato El secreto de sus ojos dall’Argentina.

Ma la vera protagonsta della serata è stata Elisabetta Canalis, che abbiamo seguito in tutte le sue peripezie, eccole:

ELISABETTA STYLE

ore 24.20 Elisabetta arriva sotto braccio a George vestita di rosso

ore 24.30 George viene intervistato dalla Abc ed Elisabetta, visibilmente intimorita mostra il suo bel faccino da ebete in vacanza

ore 01.15 Elisabetta non capisce dove si trova, e cerca qualche faccia amica, forse nella fritteria italiana ambulante davanti al red carpet?

ore 02.00 Inquadratura tra il pubblico: Elisabetta sgrana gli occhi e fa un pisolino

ore 03.15 Un applauso scuote e sveglia la Canalis dal torpore, sono gli Oscar bella!

0re 04.00 La canalis accenna un sorriso ma George le rimette il ciuccio

ore 04.48 Mauro Fiore vince l’Oscar per la Fotografia di Avatar e all’urlo di “grazie Italia” Elisabetta si alza e chiama la mamma

ore o5.24 la Canalis tira fuori il termos del caffè

ore 5.43 la Canalis si alza, si fa una doccia, si veste e intuisce che l’evento sta per finire

ore 06.00 il pubblico lascia la sala, la Canalis è in balia dei saluti mondani, George recupera il suo soprammobile e se ne torna a casa

Ma ecco le statuette consegnate nell’edizione 2010:

Miglior film:
The Hurt Locker

Miglior regia:
Kathryn Bigelow per The Hurt Locker

Miglior attore protagonista:
Jeff Bridges per Crazy Heart

Miglior attrice protagonista:
Sandra Bullock per The Blind Side

Miglior attore non protagonista:
Christoph Waltz per Bastardi senza gloria

Miglior attrice non protagonista:
Mo’Nique per Precious

Miglior sceneggiatura originale:
Marc Boal per The Hurt Locker

Miglior sceneggiatura non originale:
Geoffrey Fletcher per Precious

Miglior film d’animazione:
Up

Miglior film straniero:
El secreto de sus ojos (Argentina)

Miglior documentario:
The Cove

Miglior scenografia:
Rick Carter, Robert Stromberg e Kim Sinclair per Avatar

Miglior fotografia:
Mauro Fiore per Avatar

Migliori costumi:
Sandy Powell per The Young Victoria

Miglior montaggio:
Bob Murawski e Chris Innis per The Hurt Locker

Miglior trucco:
Barney Burman, Mindy Hall e Joel Harlow per Star Trek

Miglior colonna sonora:
Michael Giacchino per Up

Miglior canzone originale:
Ryan Bingham e T-Bone Burnett “The Weary Kind (theme from Crazy Heart)” per Crazy Heart

Miglior sonoro:
Paul N.J. Ottosson e Ray Beckett per The Hurt Locker

Miglior montaggio effetti sonori:
The Hurt Locker

Migliori effetti visivi:
Joe Letteri, Stephen Rosenbaum, Richard Baneham e Andrew R. Jones per Avatar

La locandina della rassegna “Cinemania” del circuito marchigiano

Questi i comuni promotori dell’iniziativa cinefila

Sono ben 16 i Comuni delle Marche (e altrettante le sale cinematografiche) che si fanno promotori dell’iniziativa; verranno proiettati 53 film d’essai in 155 giornate di programmazione. Va detto che la rassegna è già partita - anche se da pochissimo - e durerà almeno per un altro mese.

I film che verranno proposti

Il cartellone accontenta davvero tutti, riproponendo (o proponendo in anteprima, in alcuni casi) titoli come “A serious man” dei fratelli Coen, “Alza la testa” di Alessandro Angelini con Sergio Castellitto, “Cosmonauta” di Susanna Nicchiarelli, “Il nastro bianco” di Michael Haneke, “Lebanon” di Samuel Maoz, “La cosa giusta” di Marco Campogiani, “Soul Kitchen” di Faith Akin e tanti, tanti altri film, con un occhio di riguardo per le giovani generazioni, che meritano una buona guida verso il mondo del cinema e a cui sono dedicate alcune pellicole in particolare.

Un concorso cinematografico dedicato alle scuole

A tal proposito va anche segnalato un bel concorso dedicato alle scuole (promosso da Agiscuola), legato alla visione del film di Giovanni Veronesi “Genitori e Figli: agitare bene prima dell’uso“, che mette in palio ben 50 mila Euro (il bando si può scaricare dal sito dedicato correlato al concorso).

L’elenco dei Comuni che partecipano a Cinemania (rassegna promossa da Agis Marche, Assessorato alla Cultura Regione Marche, Anec, Fice e Agiscuola), potete trovarlo sul sito della rassegna (www.agiscinemania.it), dove potete scaricare anche la brochure con tutte le date e i titoli dei film in programmazione nelle cinque province marchigiane. Buona visione!

La sceneggiatura

La sceneggiatura risulta originale ed attuale: la storia è basata su un fatto di cronaca realmente accaduto nel gennaio 2005 a Mohammed Daki, un marocchino, accusato di essere complice di terroristi, rimasto quasi due anni in carcere per poi essere rilasciato pur rimanendo sotto stretta sorveglianza fino alla definitiva sentenza di innocenza.

Contrariamente alla drammaticità dei fatti, il film però alterna momenti intensi a momenti comici. Molto efficace per esempio la scena del pedinato che in bicicletta indica con il braccio la direzione a chi lo segue.

Marco Campogiani:

“L’idea del film è nata da un’immagine: il pedinato che mette la freccia indicando a chi lo segue che sta svoltando. Un gesto ironico, che indica un rapporto strano tra il sorvegliato e i sorveglianti”

E questo in effetti è il momento di ‘svolta’ della storia: quando Khalid dimostra di aver capito di essere sorvegliato, il rapporto tra i tre cambia. Inizialmente pieni di pregiudizi, i due poliziotti scoprono la verà realtà del tunisino e ne capiscono di più la situazione di disagio.

Marco Campogiani:

“Quello che mi interessava era anche il passaggio dallo sguardo dal di fuori sulla persona, alla conoscenza derivata dal dialogo. Tutti e tre i personaggi cercano di uscire fuori da quello che è il loro ruolo stereotipato, quello che ci si attende da loro e la cosa termina un pò in uno scacco: inizia il tentativo di relazionarsi al di fuori dei pregiudizi”.

I personaggi non stereotipati

Un’altra scelta efficace del film è stata quella di mostrare la coppia tunisina in una veste lontana dai soliti stereotipi degli arabi.

Marco Campogiani:

“Nel delineare il personaggio di Sofia volevo uscire dagli stereotipi della donna musulmana sottomessa: si capisce che lei è una donna che ha aspettato il proprio uomo che è stato scarcerato dopo diverso tempo senza smettere di amarlo.Ha anche fatto delle scelte: accade che persone che vivono in Italia in una situazione precaria lasciano i figli in custodia nel loro paese di origine. Si capisce che lei ha subito la situazione e ha paura che riaccada ma il suo personaggio ha una compostezza, è ostinato ma non fa scenate. Fino alla scelta finale di non seguire il marito nel rimpatrio.”

Lo stesso Ahmed Hafiene ha affermato di aver accettato il film anche per questo motivo, tanto che alla domanda di come mai non avesse ancora fatto fiction televisive ha risposto:

“Perchè in televisione l’immagine dell’altro è molto stereotipata, non è a livello del cinema italiano: le parti che ti offrono sono o di qualcuno che costringe la figlia a portare il velo o di qualcuno che dà botte alla moglie.”

A detta del regista Marco, il film dovrebbe avere una nuova distribuzione ad Aprile: e noi attendiamo fiduciosi.

Nell’attesa guardiamo insieme una clip del backstage del film:

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Personalmente non ho visto moltissimi film di questo regista, sceneggiatore toscano, ma in realtà il suo lavoro l’ho già potuto notare in alcuni film di Pieraccioni, visto che è suo grande amico ed insieme hanno scritto I laureati, Il ciclone, Fuochi d’artificio, Il pesce innamorato, etc… film che bene o male tutti hanno visto.

Tra l’altro credo l’ultimo film di Veronesi fratello dello scrittore Sandro, sia proprio stato Italians, che, a quanto mi ricordo, fu un bel successo.Veronesi,  che appartiene al cosiddetto cinema toscano,  se da un lato mi affascina per la sua parlata tipicamente toscana che fa sempre il suo effetto, sarà anche per le battute che sicuramente fanno ridere, dall’altro lato guardando i suoi film dopo un pò mi annoio perchè i personaggi a volte si ripetono e si sa già come andrà a finire.

locandina ufficiale del film

Anche in questo caso sarei attirata da questo film soprattutto per il cast, c’è la simpatissima Lucianina Litizzetto, il bravissimo Silvio Orlando, ma anche Michele Placido, Margherita Buy e Elena Sofia Ricci ma nello stesso tempo so che dopo un pò mi annoierei per la banalità della storia.

In fondo il film affronta un tema piuttosto importante come è quello del rapporto tra genitori e figli soprattutto adolescenti, e lo fa attraverso un tema che Nina, la ragazzina protagonista, figlia di Luisa (Litizzetto) e di Gianni (Silvio Orlando), deve scrivere a scuola sulla sua famiglia, l’altra coppia presente all’interno del film è quella di Rossana (Buy) e Alberto (Placido), un professore, una persona acculturata ma nello stesso tempo un pò rozzo.

Un aspetto che mi piace di Veronesi è proprio quello di saper leggere bene i comportamenti tipici dell’italiano, per farmi capire, non so se un suo film farebbe ridere un inglese ad esempio, ma un italiano sicuramente si, perchè noi ci riconosciamo in quello che viene rappresentato, molto bella la scena ed esempio nella quale Gigio, il figlio di Alberto, sogna di entrare a far parte del Grande Fratello, o perlomeno nel mondo dello spettacolo o come attore di qualche spot. Proprio qui viene fatta vedere la distanza di prospettive, di tutto che ci può essere tra un padre e un figlio adolescente…

Lo so non si può criticare un film prima ancora di averlo visto, ma vorrei solo fare una domanda, ma perchè in questi film tipici della commedia italiana degli anni ‘90 bisogna dividere la vicenda in episodi? Non sarebbe meglio affrontarla in maniera unica e senza suddividerla?

Regista fantasioso e un po’ bugiardo (ad una giornalista dichiarò di non fidarsi mai di ciò che lui stesso raccontava), disegnatore goliardico e provocatorio, grande e spiccato sognatore. Insomma, un nome, e non solo, da ricordare sempre.

Le proiezioni, iniziate già il mese scorso, si concluderanno domenica 7 marzo alle ore 21 con I Vitelloni (1953), geniale disegno di un inerte ma saporito mondo provinciale, che, oltre a confermare il talento di Federico Fellini agli occhi della critica, riuscì a rilanciare un Alberto Sordi fino ad allora mal visto dagli addetti alla distribuzione.

Un cortometraggio “particolare”: i disegni di Fellini animati dal regista russo A. Khrzhanovskij

Accanto a capolavori come Amarcord (1973), La Strada (1954), Lo Sceicco Bianco (1952), e ovviamente La Dolce Vita (1960), è stato proiettato, su concessione della Fondazione Federico Fellini di Rimini, anche un interessante e poco noto cortometraggio, Il Lungo Viaggio (1997), diretto dal regista russo Andrej Khrzhanovskij.

Questi, attraverso la sceneggiatura del poeta e scrittore Tonino Guerra, ha dato vita alle centinaia di schizzi e bozzetti che Fellini era solito disegnare come preparazione per un film.

Citando le parole dello stesso Fellini:

“all’inizio [di un film][...] ho bisogno di disegnare. [...] è un modo per cominciare a guardare il film in faccia, per vedere che tipo è, [...] è un espediente per trattenere il film, o meglio ancora per intrattenerlo”.

L’ Erotismo Caricaturale delle immagini oniriche di Federico

Il risultato è un cartone animato nel quale trovano spazio quelle “anatomie femminili ipersessuate ossessive”, come egli stesso le chiamava. In questi disegni dal tratto veloce e dal colore essenziale ma accuratissimo, la trasgressione erotica sfiora l’oscenità e la pornografia.

Il linguaggio appare allusivo e poetico allo stesso tempo, e l’eccessività delle immagini viene abilmente alleggerita dalla musica di sottofondo, che fonde la sinuosità del jazz alle note classiche di grandi maestri come J.S.Bach o P.I.Tchaikovsky.

Le figure oniriche provengono direttamente da quell’inconscio nel quale Fellini diceva di avventurarsi meravigliosamente, e dal quale tirava fuori i soggetti dei suoi film.

Protagonista assoluto degli schizzi è la donna procace, abnorme, che nel suo essere prorompente fa sì che l’uomo venga raffigurato esclusivamente dal suo “membro”.

L’appuntamento di questa sera con 8 1/2

La dimensione trasgressiva di questo cortometraggio, che ha peraltro ricevuto la targa del Presidente della Repubblica come miglior documentario sull’arte italiana, durante il Festival di Palazzo Venezia a Roma nel 2006, lascerà spazio alla visione, prevista per questa sera (sabato 6 marzo, ore 21:15), di un altro caposaldo della filmografia di Federico Fellini: 8 1/2 (1963), il film nel film, o meglio, la “meditazione potentemente creativa sull’impotenza di creare”, come lo definì il critico Christian Metz nel ‘72.

E dunque, perchè mai perderselo?