Ha suscitato clamore ed entusiasmo la proiezione di Hysteria, prima a Toronto, dove è stato presentato in anteprima mondiale e poi allo scorso Festival Internazionale del Film di Roma. Diretto e prodotto da donne il film non ha entusiasmato però il nostro Davide Cinfrignini.

Hysteria

Nella Londra vittoriana di fine 800, il giovane e impegnato dottore Mortimer Granville (Hugh Dancy) trova lavoro presso il dottor Dalrymple (Jonhatan Pryce), specialista nella cura dei casi di isteria attraverso il “massaggio manuale” sotto le gonne delle sue pazienti dell’alta borghesia.

A disapprovare la pratica è la figlia del Dottor Dalrymple, Charlotte (Maggie Gyllhenaal), che è una donna anticonformista  che cerca di aiutare e curare i più deboli.

Un film sopra le righe

Meriterebbe un’analisi approfondita il motivo per cui un prodotto come Hysteria sia stato invitato come pellicola in “Concorso” all’annuale Festival Internazionale del Film di Roma; una commedia di “cattivo gusto”, dalla critica sociale effimera, ricca di doppi sensi sconci e dalle interpretazioni constantemente sopra le righe.

Hysteria è popolata da personaggi unidimensionali che si muovono su uno sfondo irreale, scambiandosi battute sature di riferimenti sessuali. Commedia fintamente anticonformista che si propone di svelare manie e perversioni  della Gran Bretagna benestante di fine 800, ma ne raccoglie tutti gli stereotipi per metterli in scena.

Tania Wexler, regista del film, furbamente si pone dalla parte dei poveri e delle donne  attraverso il personaggio di Charlotte, vera eroina senza macchia della pellicola, con una coscienza sociale da “lezione scolastica di educazione civile”.

Portati a casa applausi e risate dal pubblico che popolava la  Sala Santa Cecilia di Roma durante la proiezione in Anteprima, si finisce a chiederci quale sia la sostanziale differenza tra Hysteria e i “Cinepanettoni”, “Cinecastagne”, “Cinecocomeri” (o come altro si voglia definirli) nostrani.

Clip dal film

“Quando ti placherai vorace cuore mio, stanco e desideroso..
Qui non mi fermo, forse sognerò…”

Adisa o la storia dei mille anni è il lungometraggio di esordio di Massimo D’Orzi

Questo lavoro nasce dalla volontà e dalla necessità del regista di raccontare le tristi e dolorose vicissitudini che deve affrontare oggi il popolo Rom (gli “zingari”) della Bosnia ed Erzegovina.

Il documentario, però, seppur (forse) involontariamente, si ritrova ad essere un film di memoria storica dove si raccontano lampi di vita, ricordi, pensieri, speranze per il futuro, sogni, desiderio di stabilità e di equilibrio culturale e geografico.

Sullo schermo prende vita la vera anima della comunità Rom con la sua musica, la sua lingua, le sue abitudini e, appunto, la sua storia.

Massimo D’Orzi utilizza un innovativo linguaggio della macchina da presa che, molto spesso, rimane immobile o ci regala intensi primi piani, soprattutto dei bambini e dei più anziani, come a voler sottolineare quali siano le vere forze di questa comunità: da una parte il futuro e la speranza e dall’altra la tradizione e la storia stessa del proprio popolo.

Quelli che appaiono sullo schermo non sono personaggi  ma attivi membri di una società che da anni lotta per la difesa della propria identità e del proprio costume, di un popolo che vaga senza sosta e che riesce a formare una famiglia e a farla crescere nei luoghi più disparati.

Ciò che più colpisce di questo documentario è l’uso della fotografia e della disposizione delle luci. Si possono vedere immagini dove regna assoluto il contrasto chiaro – scuro a tal punto che i volti riescono ad evocare le pitture del Caravaggio e, in alcuni casi (soprattutto per ciò che riguarda gli anziani) quelle di Paul Cezanne. Inoltre, c’è un equilibrio perfetto per ciò che riguarda parole, musica e silenzio. Il tutto accompagnato da immagini che scorrono sullo schermo in tutta la loro malinconica suggestività. Infatti, nei primi venti minuti del documentario c’è quasi del tutto assenza di dialogo ma domina la musica, per poi divenire fitto nella sua parte centrale (dove si racconta il vero corpo di questo popolo) tornando, infine, ad una parte finale dove nuovamente regna la musica nostalgica di una fisarmonica. Ed è proprio la musica la compagna ideale del popolo Rom cui proprio non può rinunciare.

Chi è Adisa?

Adisa è la bambina con cui Massimo D’Orzi decide di identificare, in un certo senso, il popolo Rom del domani. Attraverso gli occhi scuri e profondi di questa bambina egli vede le speranze e la realizzazione del sogno di accettazione della comunità Rom. Suggestivo è il racconto che la nonna fa ad Adisa dicendole cosa deve e non le conviene fare per far sì che abbia una buona vita e che possa crearsi una famiglia, che possa dar vita al suo futuro.

È un’opera di grande valore umano e antropologico anche se tecnicamente non perfetto.. ma ci sono fortunati – e rari – casi in cui il contenuto rende molto di più della sua struttura riuscendo a reggersi perfettamente in piedi seppur poggiato su basi non troppo stabili.

Documento verità, per capire l’orgoglio e la compostezza di un popolo ingiustamente messo al bando da tutti, vero simbolo attuale della discriminazione. Da vedere per capire.

di Francesca Barile

Trailer del film

E’ un viaggio nel mondo misterioso del popolo Rom quello che  propone il regista Massimo D’orzi nel suo docufilm “Adisa o la storia dei mille anni”.

In ottanta minuti e con l’ausilio di una telecamera fissa il suo sguardo cattura voci, espressioni e modo di vivere degli abitanti di un villaggio serbo di etnìa kalachi , un gruppo rom da sempre stanziale e che con il passare degli anni ha dimenticato di trasmettere la lingua originale per parlare esclusivamente in serbo-croato.

I protagonisti della storia aprono le loro case e parlano delle loro tradizioni attuando il metodo dell’autointervista: uno di loro pone domande ad altri che raccontano.

In apertura il regista si sofferma sul panorama mozzafiato e semiselvaggio per poi entrare nella misera dimora di una famiglia; un uomo spiega di aver preso parte alla trascorsa guerra, ma spiega anche che i Rom erano gli unici tra i tanti che abitavano la Serbia a non volere un conflitto.

Si racconta delle orgini del popolo Rom:  giunti in Europa dall’India si unì tranquillamente alle popolazioni autoctone, introducendo alcuni mestieri e dedicandosi soprattutto al commercio..poi tutto cambiò…

Osserviamo i volti delle donne: l’anziana sdentata, non ricorda più da quando si è trasferita nel villaggio che la ospita, la madre, volto indurito dalla fatica parla delle antiche tradizioni ormai perdute, dei riti di buon augurio, la ragazza che non conosce la lingua romanì e Adisa, la bimba che da’ il titolo al documentario. Occhi grandi e neri Adisa parla delle feste tipiche ma dice anche che non invita a casa i compagni di scuola perché si vergogna.

Fuori distese di neve, gli uomini si spostano con i cavalli, bianchi e fieri come nelle favole.

I Rom non hanno mai avuto un’organizzazione politica perché sono un popolo “allegro” ..eppure la loro musica eseguita con la fisarmonica è una dolce malinconica nenìa…sui titoli di chiusura una poesia in italiano di un appartenente all’etnìa sinti ( autoctona nel nostro paese).

Italiani a Berlino

di Antonella Molinaro

Erano 22 anni che l’Italia non vinceva al Festival di Berlino. Ci sono riusciti i fratelli Paolo e Vittorio Taviani che hanno vinto l’Orso d’Oro alla  62a  Berlinale per Cesare deve morire, opera che attraversa teatro, documentaristica e cinema per liberare chi è rinchiuso nel braccio di massima sicurezza del carcere di Rebibbia. Ed è proprio ai detenuti, che hanno messo in scena in prigione il Giulio Cesare di Shakespeare, i registi hanno dedicato la vittoria.

Ottimo successo anche per Diaz: non pulire questo sangue, il film di Daniele Vicari presentato nella sezione Panorama, che ha vinto il secondo Premio del pubblico.

Universal Pictures festeggia 100 anni

1912 – 2012: Per celebrare 100 anni di grandi capolavori, lungo tutto il 2012 Universal Pictures organizzerà grandi eventi ed uscite di film disponibili per la prima volta in Alta Definizione ed in Versione Restaurata, Collector’s e Gift Edition. Primo grande cult disponibile nella Collana 100th Anniversary Collector’s Series, in edizione limitata dal 22 Febbraio è Il Buio Oltre la Siepe.

Lo stesso film rimasterizzato in digitale e completamente restaurato sarà proiettato oggi alle 19.30 presso la Casa del Cinema a Roma. Ecco di seguito l’elenco di tutte le proiezioni:

ore 19.30 Sala Deluxe

• 21 Febbraio – Il Buio Oltre la Siepe
• 28 Febbraio – All’Ovest Niente di Nuovo
• 6 Marzo – Spartacus
• 13 Marzo – Psyco
• 20 Marzo – Casino
• 27 Marzo – Apollo 13

ore  16.30 Sala Deluxe

• 29 Maggio -  Letto Racconta

ore 21.00 Teatro all’aperto (inaugurazione)

• 8 luglio – La stangata

Ore 21.00 Teatro all’aperto (ultima domenica)

• 9 settembre – Gli uccelli

ore  16.30 Sala Deluxe

• 9 Ottobre – Harvey

Festival Culture Giovani, Linea d’Ombra

di Daniele Meloni

Partiamo con Festival Culture Giovani, Linea d’Ombra che torna a Salerno dal 16 al 22 aprile prossimi. Il festival diretto da Peppe D’Antonio con la condirezione artistica di Diego Da Silva, Luca Granato e Agostino Riitano, giunto alla sua XVII edizione, rafforza la sua identità multidisciplinare attraversando cinema, arti performative, musica e scrittura.

Il programma di questa edizione è pensato con massima attenzione alle nuove produzioni culturali e alle proposte dei giovani artisti, senza escludere i grandi maestri delle arti contemporanee. Il tema di quest’anno è Terre/moti: movimento di popoli e di idee: il terremoto inteso come metafora di un fattore liberatorio determinato dal rapido diffondersi di energie, che trasformano le vite, lo scenario culturale, economico e politico contemporaneo.

Ricordiamo inoltre che il Festival si sviluppa in quattro aree: Concorso, Fuori concorso, CortoEuropa e Corto Visual.

Accordo tra Cineama.it e il Mashrome Film Festival

E’ chiaro come in queste ultime settimane abbiamo sempre affrontato tematiche relative ad un nuovo mondo del cinema che sta avanzando di pari passo alle tecnologie e che vede sempre più impegnati non solo i giovani cineasti ma anche i semplici appassionati come noi. E’ tutto apparentemente più semplice per tutti nel mondo del cinema ma forse proprio per questo è più difficile trovare dei lavori e dei nuovi volti che diano nuova linfa e spessore a questo mondo.

E proprio a proposito di nuove iniziative e’ partita la collaborazione tra cineama.it – la nuova piattaforma social dedicata al cinema e all’audiovisivo e il MAshRome Film Fest – il primo festival in Italia sul mash up.  A concorrere  saranno filmati e video realizzati in un  montaggio di immagini e di suoni (remix), estratti da fonti diverse, copiate, ritagliate, incollate, trasformate, mixate e assemblate per creare una nuova opera.

Per il primo anno si è scelto di proporre come tema Alice Postmoderna: le intuizioni di Lewis Carroll come chiave di lettura del mondo contemporaneo.  I partecipanti al contest/concorso dovranno rappresentare a livello visivo la contemporaneità prendendo spunto dai personaggi che animano l’opera di Carroll: Alice, il Bianconiglio, la Regina di Cuori, il Cappellaio Matto.

Il tutto attraverso le “regole” del mash up, ovvero destrutturando, ricomponendo, mixando le opere audiovisive preesistenti di Alice nel paese delle meraviglie, per poi ricomporle aggiungendo materiali e suoni in modo da dar vita a nuovi immaginari possibili.

Le uscite del weekend

Infine chiudiamo anche questa settimana con le uscite in sala che questa volta non sono esaltanti visto che i film lanciati verso le statuette dorate dell’Oscar sono tutti in sala da qualche settimana. Questi i titoli: lunedì 20 febbraio Mother of rock: Lillian Roxon e Un couple parfait, giovedi 23 Adisa O La storia dei mille anni, di cui domani pubblicheremo la recensione.

Mentre venerdì 24 usciranno Un giorno tutto questo dolore ti sarà utile primo film americano di Roberto Faenza, Histerya e La scomparsa di Patò recensiti da noi di Cinemio, Knockout-resa dei conti, Viaggio nell’isola misteriosa, Qualcosa di straordinario e Quasi amici.

Riccardo Di Gerlando, insieme a suo fratello Marco, er già stato ospite di questa rubrica in occasione della presentazione del corto C’era una volta il cinema. Dopo anni di condivisione della macchina da presa (hanno infatti diretto numerosi cortometraggi , videoclip e documentari vincendo vari premi nazionali ed internazionali), Marco e Riccardo hanno deciso di provare l’indipendenza.

Classe 1980, Riccardo è laureato al Dams di Imperia con una tesi sulla Disabilità nel cinema e diplomato in regia cinematografica presso la scuola SDac di Genova nel 2008. Gestisce con il fratello l’associazione cinematografica Sanremo Cinema, fondata nel 2003 e dal 2008 si è specializzato in videoarteterapia per disabili  e realizza video, spot e cortometraggi con protagonisti ragazzi diversamente abili. 33 giri è il suo ultimo cortometraggio.

33 giri

Un ragazzo disabile, che ha da poco perso la mamma, è solito passare le giornate in un bosco vicino, frequentato, tra gli altri da una signora bionda che fa jogging. Improvvisamente vediamo il ragazzo trasportare con fatica un sacco dal quale fuoriescono capelli biondi. Cosa  sarà accaduto?

Storia d’amore materno e filiale, 33 giri è un cortometraggio intenso e misterioso che affronta la disabilità mentale senza scadere nel solito buonismo che spesso ritroviamo in molti film sullo stesso tema. Riccardo Di Gerlando sceglie come protagonista di questo suo ultimo progetto un ragazzo down che mostra, come quasi sempre è nella realtà, autosufficiente e capace di pensare con la propria testa.

Senza il minimo uso dei dialoghi e puntando solo su gesti e sguardi, sapientemente orchestrati da un’ottima regia, una splendida fotografia ed un efficace sottofondo musicale, 33 giri accompagna lo spettatore in questa misteriosa avventura, tra sogno e realtà, tra desideri e rimpianti fino al commovente epilogo finale.

Le domande al regista

Nel link che segue è possibile ascoltare le risposte di Riccardo alle mie domande sul suo lavoro, le sue esperienze ed influenze, sull’associazione Sanremo Cinema e su com’è nata l’idea di 33 giri:

Di seguito invece il resto dell’intervista

Com’è andata la fase di preparazione del corto? Ci sono degli aneddoti che ti va di raccontare?

La fase di preparazione del corto è stata molto difficoltosa per numerosi aspetti. In primis la ricerca delle location, abbiamo perlustrato numerosi paesini che potessero rispecchiare l’ambientazione che richiedeva la sceneggiatura. Qui devo ringraziare un consigliere  comunale di un piccolo borgo dell’imperiese (Costarainera) che ci ha affidato praticamente le chiavi del paese.

Il bosco per esempio volevo fosse un angolo incantato quasi fiabesco. Quando ero ancora in fase di sceneggiatura sognai proprio una scena del mio lavoro: vedevo il protagonista camminare nella boscaglia e notavo scendere dagli alberi alcune mani di manichino appese ad una lenza. Ho voluto ricreare questa atmosfera onirica e inquientante per aumentare la tensione e l’atmosfera macabra della storia.

Il mio corto è ricco di contatti. Le mani sono fondamentali: gli abbracci, il tatto con oggetti che richiamano la madre, il levare e togliere la puntina del vecchio 33 giri. Le mani appese a metà tra aria e terra rappresentano il sogno, l’angolo magico che non si può toccare perchè  apparentemente non esiste specie per noi “normali”.

In secondo luogo abbiamo dovuto concentrare le riprese in 8 giorni consecutivi. Quindi la produzione ha contattato da Roma l’attore Massimo Botti, attore che ha interpretato numerose fiction e film (Habemus Papam), con la quale avevo già lavorato ad un mio precedente corto (C’era una volta il cinema), l’attrice brasiliana Lindy Lima e Nicoletta Napolitano, attrice della Compagnia teatrale del Teatro dell’Albero di San Lorenzo.

Il protagonista Marco Pingiotti

Come sei arrivato alla scelta degli attori e com’è stato lavorare con loro, in particolare con il protagonista Marco Pingiotti?

Con tutti gli attori ho lavorato in maniera ottimanale: sempre disponibili e collaborativi. Massimo Botti in particolare è un grandissimo professionista. Anche con tutta la troupe si è lavorato nella maniera piu’ tranquilla e professionale. Cito i miei tre assistenti principali Marco Di Gerlando (direttore della fotografia), Manuel Pidutti (operatore) e Giancarlo Pidutti (fonico).

La scelta del protagonista  è stata  la più semplice. Lavorando con un centro diurno per disabili, con cui avevo già realizzato un piccolo corto, ero rimasto colpito da Marco Pingiotti. Il ragazzo ha dimostrato subito delle qualità sorprendenti specie a livello espressivo. 33 giri è infatti un corto narrato per espressioni e gesti.

Nella maggior parte del film l’interprete principale si trova ad osservare elementi chiave della storia. Durante la direzione attoriale, ho dovuto ricorrere ad alcuni escamotage con il protagonista down. Nella prima scena per esempio, quando si trova al cimitero ad osservare la lapide della madre non è stato facile  fargli focalizzare lo sguardo su un punto preciso. Spesso il ragazzo disabile si distraeva  e distoglieva lo sguardo.

Ho optato così, durante la registrazione, all’elencazione vocale di tutte le lettere che componevano il nome scritto sulla lapide. Il ragazzo ascoltando la mia voce seguiva le lettere e il suo sguardo restava fisso e concentrato.

Nelle altre scene specie quelle in cui si prepara davanti allo specchio, quando trascina il corpo  e quando lo veste gli ho chiesto semplicemente di immaginare la scena che la storia richiedeva. In ogni gesto, ogni espressione appariva naturalissimo come se stesse vivendo realmente la storia del cortometraggio.

Qual è il riscontro di pubblico che 33 giri sta ottenendo?

Il corto è terminato nel dicembre 2011. Lo abbiamo messo in rete dopo Gennaio e per adesso ha già superato le mille visite! In poco tempo ho ricevuto contatti da alcuni cineforum e centri per disabili per proporlo in convegni. L’approccio è stato quindi  buono, ora parleranno i vari festival nazionali ed esteri.

Il tuo corto è appena stato selezionato ai David di Donatello? Come stai vivendo questo momento?

Si. Una splendida notizia e una vetrina importante. Credo sia importante restare con la testa sulle spalle perchè quello della cinematografia italiana è un mondo assai difficile. Mi godo comunque il momento. Spero che il corto possa avere la giusta visibilità nazionale per dimostrare che nel mondo handicap esistono anche  qualità geniali!

Quali sono i tuoi progetti futuri?

Come ogni regista indipendente il mio prossimo obiettivo è quello di girare il mio primo lungometraggio. Sto già lavorando alla stesura della sceneggiatura. Racconta una storia in bilico tra la vita e la morte ispirata al film Il Settimo sigillo di Bergman. Incrociamo le dita!

Il regista Riccardo Di Gerlando

E con il sogno di Riccardo Di Gerlando chiudo questa interessante intervista dando appuntamento ai lettori di cinemio alla prossima settimana.

Clicca qui sotto e ascolta

Mr.K vi aspetta venerdi 24 febbraio per nuove recensioni dal vivo…stay tuned

Qui scopri una doppia recensione delle nostre due collaboratrici che hanno visto il film. E in puù una recensione di Antonella Molinaro come guest blogger.
Scegli tu quale preferisci e segnalacelo nei commenti a fine articolo.

Dopo “Schindler’s list” e “Salvate il soldato Ryan” Steven Spielberg torna a una tematica bellica con “War horse”.

Storia di sentimenti forti e di amicizia…

di Francesca Barile

Il regista sposta l’azione dalla seconda alla prima guerra mondiale, ma, nonostante le scene di battaglie e una seconda parte che si occupa prevalentemente delle situazioni nelle aree del conflitto, Spielberg respinge l’etichettatura di film di guerra per definire piuttosto “War horse” una storia di sentimenti forti e di amicizia.

In primis colpisce lo speciale rapporto che si crea tra il giovane Albert e il puledro Joey, mezzo purosangue di straordinaria bellezza poi il rapporto che si crea tra Joey e un altro splendido cavallo purosangue nero come un tizzone “incontrato” in guerra.

Per amicizia Joey, acquistato dal padre di Albert nelle sconfinate e verdissime colline del Devon,”accetta” di arare un campo brullo e pietroso “contro” la sua natura di purosangue abituato a correre senza vincoli e più tardi quando per i debiti di famiglia sarà venduto come cavallo di guerra per “amicizia” verso uno splendido cavallo suo compagno di sventure gli insegnerà a tenere il giogo e a trainare l’artiglieria.

…ma anche di guerra

La seconda parte del film è dominata dall’asprezza della guerra: la scena dell’assalto ai soldati dell’impero prussiano sciabola sguainata dell’esercito a cavallo è maestosa e altrettanto sconvolgente il piano lungo con corpi ammassati a carcasse di cavalli uccisi dalle mitragliatrici nemiche.

Un manicheismo di fondo domina la storia: i prussiani sono crudeli e spietati, privi di sentimenti.

Quei pochi che si ribellano alla logica della guerra vengono soppressi senza pietà: capita ai due giovani fratelli che disertano per prendersi cura di Joey e del suo compagno, capita al sergente impietosito dai due poveri cavalli, distrutti e sfiancati dall’immane fatica; i “buoni” sono in genere i contadini , dediti a pacifiche attività bucoliche ( il nonno della sfortunata bimba francese Emilie o Albert) e ovviamente i soldati inglesi, leali e coraggiosi.

Ai cavalli il regista attribuisce una forte identità di genere: un rapporto di amicizia tanto solido e forte quale quello che si crea tra Joey e il suo compagno nero è poco verosimile nel mondo animale soprattutto tra maschi dominanti.

Si torna quindi all’antropomorfismo che sin da Fedro ha sempre caratterizzato le storie edificanti: attribuendo ad animali sentimenti “umani” si vuole dare delle lezioni di vita.

Una seconda recensione per questo film, un altro punto di vista

di Beatrice Campagna

Tratto dall’omonimo romanzo per ragazzi (un best-seller) di Michael Morpurgo, edito nel 1982, “War horse” racconta una storia “classica” (un rapporto speciale tra un uomo e un animale) ed ha in sé tutti gli elementi per essere considerato una grande opera cinematografica.

Visivamente è un film che colpisce: straordinaria fotografia, panoramiche su scenari naturali di rara bellezza.

La ricostruzione dell’epoca storica è molto curata e realistica, belli i costumi, gli effetti; di grande spessore la colonna sonora, realizzata dal cinque volte premio Oscar John Williams.

Il regista non ha bisogno di presentazioni: Spielberg, con “War horse”, dirige il suo 43esimo film e ancora una volta sceglie di raccontare con le immagini una storia difficile da dimenticare, che sia espressione di forti valori e buoni sentimenti.

Ci troviamo in Inghilterra, l’anno è il 1914. Ted Narracot è proprietario di alcuni ettari di terreno, ha una moglie di nome Rose e un figlio, Albert.

Un giorno, non curandosi della propria difficile situazione economica, acquista un cavallo ad un prezzo piuttosto elevato.

Ne fa dono ad Albert, che inizierà ad occuparsene con molta attenzione; decide di chiamarlo Joey e si impegna ad addestrarlo, con ottimi risultati.

Joey è infatti un cavallo molto abile, un purosangue identificato da“calzini bianchi” sulle quattro zampe e una macchia sul muso che ricorda la forma di una croce. Il loro rapporto cresce con il tempo, insieme lavorano, corrono, condividono la bellezza delle campagne inglesi.

Ma un giorno il padre di Albert, per pagare dei debiti, si trova costretto a vendere il cavallo all’esercito inglese, in quanto la prima guerra mondiale era alle porte.

Albert non può fare niente per evitare la vendita di Joey, il cui nuovo proprietario è il capitano Nicholls.

Da qui parte la storia del loro straordinario viaggio di ricerca: non perderanno mai la speranza di ritrovarsi.

Joey in guerra rivela tutta la sua forza e il suo coraggio, cambiando in meglio la vita di coloro che incrociano il suo cammino.

Albert si arruola, partendo per il fronte in cerca dell’amico che gli è stato tolto.

Il trailer del film

Nonostante lo scenario di fondo sia la Grande Guerra, Spielberg ha dichiarato:

questo è un film d’amore, non di guerra. Una storia sull’amicizia, la devozione, la lealtà.

Questa opera si configura infatti come uno spettacolo indimenticabile per un pubblico di tutte le età: sono escluse infatti scene di pura violenza e spargimenti di sangue.

Commovente e coinvolgente, parla essenzialmente di sentimenti ed è ricco di tematiche da approfondire.

Una di queste, è sicuramente il dibattito etico sull’impiego dei cavalli nelle guerre; spiega Spielberg:

A me interessava raccontare il mondo bellico prima della grande rivoluzione tecnologica, quando i cavalli erano i compagni di trincea dei soldati e portavano un sostegno reale alle truppe.
Dopo i conflitti del ’15-’18 questi animali sono tornati a pascolare nei campi.
Ed è forse lì che sarebbero dovuti sempre stare. In realtà non lo considero un film di guerra. Anzi, è decisamente un film anti-guerra, e che dà speranza.

Il cast è composto da Jeremy Irvine, che interpreta Albert, scelto da Spielberg per le sue

qualità ineffabili, che l’hanno subito reso diverso dagli altri, per la sua autenticità di fronte alla telecamera.

Peter Mullan è il padre del protagonista e troviamo Emily Watson nel ruolo di Rose, la madre; Tom Hiddleston è il capitano Nicholls; il cavallo Joey, in realtà, è interpretato da otto esemplari in tutto, ma principalmente da due: Abraham e Finder, addestrati da Bobby Lovgren.
A completare il cast troviamo David Thewlis, Niels Arestrup, Eddie Marsan, Benedict Cumberbatch, David Kross.

La recensione di Antonella

Leggi infine la recensione di Antonella Molinaro come guest blogger della testata Fermenti Divi.

Quale di queste due recensioni ti piace di più?

Dai il tuo giudizio nei commenti qui sotto.

Per scoprire di cosa parliamo, scorri verso il basso e leggi la scaletta che abbiamo preparato per te.

Ecco di cosa parliamo in questa puntata

• Cinema italiano e artisti emergenti: Riccardo Di Gerlando ci parla del suo corto “33 giri”;
• Ritorna Francesca Barile e la Commedia italiana dei primi anni ’40;
• Con Antonella Molinaro andiamo a sondare i film in uscita in queste settimane in vista anche degli Oscar 2012;
• Mr.K, il nostro critico speciale, commenta la classifica degli incassi dei film in sala questo weekend;
• Un’altro artista emergente ci parla del suo lavoro e del suo ultimo progetto: è Roy Geraci, che ci presenta ‘Cortometrando’ il nuovo programma televisivo dedicato ai cortometraggi.

Puoi scaricarlo o ascoltarlo da qui

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di Francesca Barile

Cinema in jazz: il programma

Il programma della manifestazione Cinema in JAZZ fortemente voluta da Nietta Tempesta, attrice di grande impatto e nume tutelare del teatro e dal direttore artistico Mike Zonno musicista e cantante jazz assai noto, sarà così strutturata:

• 29 febbraio: Round Midnight – Dexter Gordon Tribute (dal capolavoro di Bertrand Tavernier del 1986), con Michele Carrabba (al sax), Guido Di Leone (alla chitarra), Nico Marziliano (al piano), Maurizio Quintavalle (contrabbasso), Mimmo Campanale (alla batteria) e Serena Brancale (voce).
• 7 marzo: Orchidea bionda un omaggio alle canzoni di Marilyn Monroe (dal titolo del primo film con la Monroe protagonista a 360 gradi): Eleonora Farri alla voce, Nucci Guerra (pianoforte), Mike Zonno (C.basso) e Beppe Brizzi (batteria).
• 14 marzo: Mirko Signorile in Piano solo proporrà le alchimie fra “Bertolucci & Sakamoto”.
• 21 marzo: Accordi e disaccordi di Woody Allen (regista, attore ma anche clarinettinsta jazz) con M.Biancofiore e Max Monno alle chitarre, Alex De Nicolo’ C.Basso,special guest Pino Pichierri Clarinetto&Sax Sopr.

Le serate introduttive

La serata al Bluorg, seconda delle tre serate introduttive, ad ingresso libero, organizzate per presentare la rassegna, è stata introdotta dal giovane, ma già noto giornalista e critico Gianluca Doronzo che ha fatto un breve excursus sulla stretta relazione che lega cinema e jazz.

Basti pensare che il primo film sonoro della storia del cinema è stato Il cantante di jazz ( 1927) con Al Jolson noto per seguire la moda del “minstrel show” ( attori o cantanti bianchi che usavano recitare con viso tinto di nero e labbroni bianchi).

Successivamente la musica jazz ha fatto da sfondo o è stata protagonista in una innumerevole serie di film. Mike Zonno (voce) e Nico Marziliano ( pianoforte) hanno eseguito tredici canzoni e due “sorprese” tra le più note e significative del connubio “cinema e jazz”.

Spiccano tra le tante Night and day mitica canzone scritta da Cole Porter, e As time goes by leit motif di Casablanca ( a proposito…pare che il primo a essere stato contattato per il ruolo da protagonista fu Ronald Reagan…chissà come sarebbero andate le cose…).

E poi Quizas quizas classico della canzone sudamericana, la romantica Moon river eseguita con un fil di voce dall’affascinante Audrey Hepburn in Colazione da Tiffany ( il 2011 ricorreva il cinquantesimo anniversario del film), New York New York cavallo di battaglia per molti grandi artisti da Liza Minnelli a Frank Sinatra.

Tra una nota e l’altra qualche curiosità sulle canzoni e sugli autori.

Terzo ed ultimo appuntamento, vivamente consigliato e che, ripetiamo, è ad ingresso libero e finalizzato a presentare la rassegna è al Piccolo Teatro il 23 febbraio. Prima di concludere ecco la locandina del primo appuntamento della rassegna.

di Davide Cinfrignini

Iniziative per appassionati e addetti ai lavori

Talenti in Corto : Scelti i 10 finalisti

Sono stati scelti i 10 protagonisti della finale della terza edizione di Talenti in Corto. La giuria della rassegna sceglierà tre vincitori che avranno la possibilità di sviluppare, realizzare e proiettare nelle sale cinematografiche delle commedie di cinque minuti.

Arcipelago 2.0

E’ arrivato alla ventesima edizione ARCIPELAGO – Festival Internazionale di Cortometraggi e Nuove Immagini, che si svolgerà a Roma, alla Casa del Cinema e alla Multisala Intrastevere, dal 15 al 22 Giugno 2012. Per partecipare è necessario inviare cortometraggi e documentari entro il 17 Marzo. Tutte le informazioni sono sul sito del festival.

Genere: femminile quando le donne criticano il cinema

Artemedia ha indetto la seconda edizione del concorso di critica cinematografica Genere: femminile quando le donne criticano il cinema, dedicato a tutte le donne che abbiano compiuto 18 anni (entro il 15 giugno 2012).

Si può partecipare con un massimo di 3 recensioni di film la cui uscita cinematografica sia compresa tra il 30 aprile 2011 e il 15 giugno 2012. Le recensioni dovranno avere una lunghezza compresa tra i 2000 e i 4000 caratteri (spazi inclusi) pena l’esclusione.

In palio 200€ di biglietti cinematografici, la posibilità di assistere alla 31esima edizione del Premio Internazionale per la miglior sceneggiatura ‘Sergio Amidei’ che si terrà a Gorizia dal 19 al 28 luglio e molto altro ancora.

Nuovi italiani. Da migranti a cittadini seconda parte

E’ partita ieri e si concluderà il prossimo 19 febbraio la seconda parte della rassegna Nuovi italiani. Da migranti a cittadini, dedicata al documentario dal 2005 ad oggi organizzata dalla Cineteca Nazionale al cinema Trevi.

I film in programma portano in primo piano le mille storie degli stranieri e delle cosiddette seconde generazioni che vivono in Italia, e raccontano in prima persona e dal proprio punto di vista,  le sfide che hanno affrontato per raggiungere il nostro paese e i sogni con cui si confrontano giorno per giorno.

Box Office ed uscite cinematografiche negli Stati Uniti

Ben quattro new entry stravolgono la classifica del Box Office dell’ultimo week-end negli Stati Uniti. A sorpresa si accaparra il primo posto, The Vow con protagonista la lanciatissima Rachel McAdams, con 41 milioni di Dollari di incasso, che in appena in tre giorni supera il costo di produzione di 30 mln.

A seguire i due favoritissimi del week-end, Safe House con la coppia Washington-Reynolds e Journey 2: The Mysterious Island, rispettivamente con 39,3 e 27,5 mln. Quarta piazza per la versione 3D del primo episodio della Saga di Star Wars; La Minaccia Fantasma di George Lucas si ferma a 23 mln.

Ottime medie per sala per tutti i film legati agli Oscar, tra i quali spicca l’iraniano Una Separazione, che presente in 45 sale, è riuscito a raccogliere 288 mila dollari nell’ultimo week-end.

Appena tre invece uscite di rilevo durante il prossimo week-end negli Stati Uniti: Ghost Ryder 2 che uscirà in 3000 sale, Arrietty di Hayao Miyazaky in 1,300  e This Mean War con Reese Witherspoon, Tom Hardy e Chris Pine in 3100.

Uscite Cinematografiche in Italia

Venerdì 17 fortunatissimo per chi frequenterà le sale cinematografiche italiane,dove si potrà assistere ad almeno tre uscite di notevole interesse. Steven Spielberg torna a pochi mesi dall’uscita di Le Avventure di Tin Tin con War Horse, adattamento dell’omonimo romanzo di Michael Morpurgo.

Lynne Ramsay presenta il suo E ora parliamo di Kevin con protagonisti due pesi massimi come Tilda Swinton e John C.Reilly e Alexander Payne arriva nelle nostre sale con l’attesissimo Paradiso Amaro, con un George Clooney in procinto di conquistare il suo secondo Oscar della carriera.

Pillole di Cinema. Film in sala

J.Edgar

Clint Eastwood scava nel privato di J. Edgar Hoover, direttore del F.B.I. durante otto presidenti degli Stati Uniti. Aiutandosi con numerosi flash-back e grazie alla carismatica interpretazione di Di Caprio, Eastwood va a fondo della tormentata esistenza di un ossessionato idealista, sessualmente represso e in continua dicotomia-dualismo con la figura della madre protettiva.

Clint gioca con sapienza con la macchina cinematografica sfruttando il punto di vista distorto del passato raccontato dall’ormai anziano Hoover, trasfigurando la realtà, ponendo le basi di un confronto critico tra il vero e il reale visto dall’americano medio plagiato dai fuorvianti organi di comunicazione di massa. Voto : 6,5

Shame

Steve Mc Queen sceglie di raccontare la quotidianeità  mettendo in scena il particolare piuttosto che l’universale, scelta che riflette un certo utilizzo dei dialoghi e delle scene almeno apparentemente non drammaturgico. Narrazione, estetica e scenografia asettica che riflettono lo stato d’animo anaffettivo del protagonista.

Le azioni di Brendon finiscono per essere un “eterno ritorno” , un continuo riaffacciarsi della malattia che lo coinvolgono in un processo di autodistruzione senza fine. Voto : 8,5

Tutto l’amore che c’è

di Francesca Barile

Carlo (Damiano Russo) detto Topo Gigio è un adolescente che vive in un piccolo paese dell’entroterra di Bari. Siamo nel 1975, in epoca tardo hippy ma al paesello i ragazzi, a parte i capelli lunghi e un look più casual non hanno raggiunto una sufficiente apertura mentale.

Piuttosto che frequentare i suoi coetanei, Carlo si lascia affascinare da un gruppo di ventenni tra cui spiccano lo studente universitario più  colto, ma castrato dalla famiglia, il “bello”, il “comunista” barbuto  che ha vissuto a Torino e ha lavorato in Fiat per dieci anni.

Un elemento di “stranezza” in più nella vita di Carletto è dato dal padre (Sergio Rubini), impiegato postale col pallino della recitazione che organizza in paese improbabili commedie coadiuvato dai suoi parenti. L’arrivo di una coppia monzese e in particolare delle tre figlie di questi finirà col creare profondi squilibri nella consolidata routine del paese dando la stura a un pesante confronto socio-culturale e originando addirittura un dramma…

Sergio Rubini in questo film del 2000 propone alcune tematiche a lui care: il paese natìo, la figura del padre a cui è molto legato, la voglia di libertà espressa nella metà degli anni Settanta da una gioventù ribelle ma con idee poco chiare in un paese pur vicino alla “metropoli” Bari sognata e millantata, ma ancora troppo arretrato e chiuso in posizione difensiva.

Ispirato vagamente a due capolavori del passato I basilischi di Lina Wertmuller ambientato in Puglia e I vitelloni una delle prime pellicole di Fellini, il film ne condivide diverse tematiche: il gruppo di amici scanzonati e con il complesso di Peter Pan tanto che paradossalmente il più maturo è proprio il più piccolo, l’immobilismo e nello stesso tempo il desiderio di scappare da un destino già scritto da altri.

La vicenda  ha come filo rosso la figura del giovanissimo Carlo, interpretato con naturalezza dal giovane attore barese Damiano Russo, prematuramente scomparso nell’autunno 2011, il quale, come avvenne per Franco Interlenghi ne I vitelloni è la voce narrante sia pur silenziosa della storia.

I suoi occhi osservano e apprendono come una spugna. Il film è quindi un Bildungsroman, un romanzo di formazione che coinvolge tutti i giovani protagonisti nel passaggio dalla giovinezza alla maturità e alla consapevolezza, ‘passando dalle azioni del branco (si pensi alla lezione di sesso data a Carlo dagli amici più grandi e più “scafati”) a una maggiore interiorizzazione.

Interessante documento di un passato prossimo. Buona recitazione da parte di un cast affiatato tra cui spiccano in ruoli minori ma azzeccati Mariolina De Fano, aficionada alle pellicole di Rubini, un Depardieu doppiato in stretto dialetto nordbarese nel ruolo di uno zotico contadino anarchico e una attrice non professionista abilissima nella parte della mamma dello studentello. Consigliato.

In ricordo di Damiano

Ecco alcune clip del film nel quale compare Damiano Russo, allora appena sedicenne