L’attore Massimiliano Gallo ha parlato del suo primo film da regista La salita (di cui sul sito è presente anche la recensione) presentato in anteprima al BIF&ST 2026 e in uscita il prossimo 9 aprile. Nell’articolo i video della presentazione e della premiazione del regista che ha ricevuto il Premio Miglior Opera Prima.

di Antonella Molinaro

Massimiliano Gallo: l’esigenza di raccontare i giovani nel film La salita

La salita è il primo film da regista di Massimiliano Gallo, nel quale l’attore si è anche ritagliato una parte in un momento molto emozionante del film.

In questo video Gallo racconta il motivo per cui ha scelto questa storia per esordire dietro la macchina da presa: ha sentito infatti l’esigenza di raccontare una storia dedicata agli adolescenti di oggi guardando ad un periodo storico, quello di fine ‘900, in cui, a differenza dell’attuale, c’erano molte più speranze nel futuro.

E’ importante conservare la memoria perché spesso questo paese non ha memoria, ricordare chi eravamo e come facevamo le cose ma io sono convinto che i giovani ci possono salvare.

Massimiliano Gallo

La conferma della sua fiducia nel futuro sta anche in finale in un certo senso doppio che vuole comunicare che siamo ancora liberi di scegliere e abbiamo ancora la possibilità di salvarci.

Infine parla del rapporto con il tempo, nel film e nella realtà: l’impressione è che il tempo sfugga dalle mani, ci sia troppa velocità.

Com’è nato il progetto

L’idea è nata da Riccardo Brun (scrittore e sceneggiatore n.d.r.) che aveva scritto il soggetto e mi ha coinvolto in questo progetto bellissimo. Io in realtà ero partito dall’idea che avrei fatto una commedia come opera prima e non un film così complicato. Però poi mi ha talmente appassionato quello che voleva raccontare Riccardo, era talmente importante, che ho preferito cambiare idea.

Massimiliano Gallo

Massimiliano Gallo è approdato alla regia dopo una lunga esperienza. Com’è sorta la necessità di passare dietro la macchina da presa e come ha vissuto questa esperienza? Nel video la risposta in cui parla anche di come abbia scelto i ragazzi protagonisti, due dei quali Francesco Cossu e Alessandro De Renzi erano presenti in sala.

Napoli, Eduardo ed Enzo Avitabile: il cuore di Massimiliano Gallo

Nel video che segue Gallo risponde alla mia domanda su quanto ci sia della sua vita e della sua esperienza attoriale in questo film, sottolineando la colonna sonora di Enzo Avitabile ed il rapporto con Eduardo De Filippo che non ha conosciuto personalmente ma che è legato a suo padre, l’attore Nunzio Gallo.

Non possiamo ancora dire qual è il prossimo progetto però abbiamo già un progetto che è quasi in cantiere e speriamo di concluderlo in un annetto.

Le gallerie dei protagonisti del BIF&ST 2026

Termina qui l’approfondimento sulla conferenza stampa del film La salita. Continua a leggere tutti gli articoli dedicati al BIF&ST 2026. Hai già letto la recensione del film?

Con La salita, Massimiliano Gallo debutta alla regia cinematografica firmando un film intenso e sorprendentemente maturo, che racconta una storia vera di rinascita attraverso l’arte. Presentato al BIF&ST 2026, il film si distingue per la sua capacità di unire memoria storica e racconto emotivo.

di Antonella Molinaro

La salita

Ambientato nella Napoli del 1983, il film prende spunto da un fatto realmente accaduto: a causa del bradisismo, il carcere femminile di Pozzuoli viene chiuso e alcune detenute vengono trasferite temporaneamente nel carcere minorile di Nisida.

In questo contesto già complesso si inserisce la figura di Eduardo De Filippo, che decide di portare il teatro all’interno dell’istituto, avviando un laboratorio che coinvolge i giovani detenuti.

Il film segue in particolare l’incontro tra un ragazzo recluso e una detenuta, un rapporto che si sviluppa proprio grazie all’esperienza teatrale, trasformando uno spazio chiuso in un luogo di possibilità e cambiamento.

Il film presenta un cast corale di grande solidità, un ensemble che restituisce autenticità e profondità a una storia fortemente radicata nel territorio.

Il trailer del film

La salita – Un esordio di cuore di Massimiliano Gallo

La salita è un film che colpisce per sincerità e per la forza del suo messaggio. L’esordio alla regia di Massimiliano Gallo è sorprendentemente equilibrato: la narrazione evita ogni retorica e costruisce invece un racconto umano, fatto di sguardi, silenzi e piccole trasformazioni.

Il grande merito del film è quello di raccontare il carcere senza stereotipi: non come semplice luogo di detenzione, ma come spazio abitato da persone, ciascuna con la propria storia e possibilità di cambiamento. In questo senso, il teatro diventa il vero protagonista simbolico, un mezzo capace di aprire varchi dove sembravano esserci solo muri.

Il film si regge su un cast corale solido, in cui spicca la presenza di Roberta Caronia, intensa e misurata nel dare profondità emotiva al suo personaggio. Accanto a lei, uno degli elementi più interessanti del film è rappresentato dai giovani attori esordienti, che interpretano i detenuti con sorprendente autenticità. Le loro performance, spontanee e mai costruite, contribuiscono in modo decisivo al realismo della narrazione.

Completano il cast interpreti esperti come Mariano Rigillo nei panni di Eduardo De Filippo, figura che incarna l’idea di cultura come strumento di riscatto, e Gianfelice Imparato, che offrono ulteriore solidità all’insieme.

La regia sceglie uno stile sobrio, quasi discreto, che lascia spazio ai personaggi e alla storia. Il risultato è un film che emoziona senza forzare, accompagnando lo spettatore in una “salita” che è prima di tutto interiore.

Dal 9 aprile al cinema. Continua a leggere l’articolo dedicato alla conferenza stampa del film alla presenza di Massimiliano Gallo o gli altri articoli dedicati al BIF&ST 2026. Hai letto la recensione di A War on Women o Igor – L’eroe romantico del calcio?

La galleria delle foto dei film presentati al BIF&ST 2026

È arrivato a Bari Il Circo d’Acqua, la nuova produzione firmata Internazionale Happy Circus, storica realtà guidata dalla famiglia Medini. Uno show che è molto più di un semplice spettacolo: è un’esperienza immersiva, capace di sorprendere e coinvolgere dall’inizio alla fine. Lo show resterà a Bari fino al 19 aprile.

di Antonella Molinaro

Il Circo d’Acqua – Energia, ritmo e grande spettacolarità

Fin dai primi minuti si ha la sensazione di entrare in un mondo sospeso. L’acqua, elemento centrale dello spettacolo, crea giochi scenici affascinanti: fontane che si alzano e si abbassano a ritmo di musica, riflessi luminosi che trasformano la pista in una superficie quasi magica.

L’atmosfera è coinvolgente e quasi ipnotica, capace di catturare l’attenzione di adulti e bambini senza mai lasciare cali di ritmo.

Gli artisti portano in scena numeri di alto livello, combinando tecnica e spettacolo con grande naturalezza. Le esibizioni acrobatiche sono precise e adrenaliniche, con momenti che tengono il pubblico con il fiato sospeso, seguiti da applausi spontanei e sentiti.

Particolarmente entusiasmante è l’alternanza tra numeri: si passa da performance spettacolari a momenti più leggeri e divertenti, grazie alla presenza dei clown che riescono a coinvolgere direttamente il pubblico, creando un clima di partecipazione autentica.

Tradizione e innovazione che funzionano

La famiglia Medini, alla guida dell’Internazionale Happy Circus, dimostra ancora una volta la capacità di rinnovare il linguaggio circense. L’introduzione dell’acqua e degli effetti scenici moderni non sovrasta la tradizione, ma la valorizza, rendendo lo spettacolo accessibile e attuale.

Il Circo d’Acqua è uno spettacolo che conquista davvero. Non solo per la qualità tecnica degli artisti, ma per la capacità di emozionare e sorprendere continuamente.

A Bari si conferma un evento imperdibile: un’esperienza entusiasmante, coinvolgente e visivamente affascinante, capace di riportare al centro il senso più autentico del circo, quello della meraviglia.

Dove vedere il Circo d’Acqua

Gli spettacoli saranno a Bari nel parcheggio dello stadio San Nicola, da venerdì 3 a domenica 19 aprile. Sono in programma tutti i giorni alle 18 e alle 21, mentre la domenica sono previsti due appuntamenti alle 17.30 e alle 19.30. I biglietti sono disponibili sul sito.

Con Igor – l’eroe romantico del calcio, il regista Luca Dal Canto firma un’opera che va oltre il racconto sportivo per trasformarsi in una riflessione più ampia sull’identità, sulla fragilità e sul significato di “successo”. Il film si inserisce nel filone delle storie calcistiche, ma sceglie una prospettiva diversa: non quella del mito, bensì quella dell’uomo.

Il film è stato presentato in anteprima al BIF&ST 2026 ed è in questi giorni in tour nei cinema con proiezioni speciali accompagnate dalla presenza del regista e di ospiti in sala.

di Antonella Molinaro

Igor – l’eroe romantico del calcio

Al centro del film c’è Igor Protti, figura che incarna un’idea di calciatore lontana dagli stereotipi contemporanei. Non è l’eroe vincente a tutti i costi, né il simbolo del successo mediatico: è piuttosto un personaggio complesso, attraversato da dubbi, slanci emotivi e contraddizioni. Il termine “eroe romantico” non è casuale, ma definisce un protagonista che vive il calcio come passione autentica, quasi viscerale, più che come carriera.

Dal Canto costruisce così un racconto che utilizza il calcio come linguaggio universale, ma che parla soprattutto di scelte di vita, di sacrifici e di occasioni mancate. Il campo diventa metafora dell’esistenza, uno spazio in cui si misurano ambizione e limite.

Uno sguardo intimo e realistico ed il tema dell’eroe romantico

La regia privilegia un tono sobrio e diretto, evitando l’enfasi tipica di molti film sportivi. Non ci sono celebrazioni retoriche né costruzioni epiche: il racconto si sviluppa attraverso momenti quotidiani, silenzi e dettagli che restituiscono autenticità al protagonista.

Questo approccio permette allo spettatore di entrare in sintonia con Igor Protti non tanto per le sue imprese sportive, quanto per la sua dimensione umana. Il film suggerisce che il vero conflitto non è tra vittoria e sconfitta, ma tra ciò che si è e ciò che si vorrebbe essere.

Il concetto di “eroe romantico” è il cuore dell’opera. Igor Protti rappresenta una figura quasi anacronistica in un calcio sempre più orientato al business: un uomo che mette al centro i valori, le emozioni e una certa idea “pura” dello sport.

In questo senso, il film diventa anche una riflessione critica sul calcio contemporaneo, contrapponendo autenticità e spettacolarizzazione. L’eroe romantico non è perfetto, non è sempre vincente, ma è profondamente umano, ed è proprio questa imperfezione a renderlo interessante.

Igor – l’eroe romantico del calcio – Conclusione

Con questo film, Luca Dal Canto propone un racconto misurato e sincero, capace di distinguersi all’interno del genere sportivo. Igor – l’eroe romantico del calcio non cerca di impressionare con grandi effetti o narrazioni eroiche, ma conquista per la sua autenticità e per il cuore del suo protagonista.

Un’opera che invita a guardare oltre il risultato, ricordando che, nello sport come nella vita, ciò che conta davvero è il percorso.

Intervista al regista Luca Dal Canto

Luca cosa ti ha spinto a raccontare la storia di Igor e perché definirlo “eroe romantico”?

Quasi due anni fa io e Alberto Battocchi, l’altro autore, ci siamo domandati: ma come è possibile che a un’icona del calcio degli anni Novanta come Igor Protti, per noi un mito essendo tifosi del Livorno, non sia mai stato dedicato un documentario cinematografico. E allora ci siamo messi a buttar giù un’idea che ci ha portato subito verso la definizione di eroe romantico. Considerando l’aggettivo romantico sia nell’accezione più generale del termine, ovvero malinconia e nostalgia per il passato, in questo caso gli anni Novanta decennio della nostra adolescenza, sia come Romanticismo ottocentesco.

Igor, con la sua gentilezza, con la sua caparbietà e la sua passione ci ricordava infatti un eroe letterario d’altri tempi che non sempre trionfa, ma che cerca di realizzare i sogni delle collettività piuttosto che i propri. E’ anche per questo che visivamente nel documentario mi sono spesso ispirato alla pittura romantica – soprattutto di Friedrich – con le sue figure mostrate di spalle, immerse nell’immensità della natura mentre scrutano l’orizzonte.

Secondo te dal documentario vien fuori più il calcio di Igor Protti o l’uomo dietro il calciatore?

Beh, il suo modo di vivere il calcio è sicuramente lo strumento con cui volevamo raccontare l’uomo e secondo me alla fine dopo la visione del film rimane più quello rispetto allo sport in senso generale. Non c’è campione senza umanità. E ho cercato di farla venire fuori il più possibile. Igor è stato molto disponibile in questo senso.

Quali aspetti della personalità di Igor ti hanno colpita di più durante la lavorazione?

La gentilezza e la lealtà. E’ un personaggio dalle mille sfaccettature, ma tutte improntate verso la signorilità e il rispetto.

Qual è stata la sfida più grande durante la realizzazione del film?

Riassumere la sua carriera incredibile e molto prolifica. Anche perché Igor era molto attento nel dare lo stesso spazio e la stessa importanza a tutte le città e squadre in cui ha giocato. Anche questo vuol dire tanto e raramente si percepisce questo senso di appartenenza così forte in un calciatore, soprattutto ai giorni nostri. Alla fine abbiamo scelto di utilizzare una costruzione piuttosto lineare, per creare il crescendo emotivo dato dalla caratterizzazione del suo personaggio e dalle sue scelte sportive.

C’è una scena a cui sei particolarmente legato e perché?

Quella in cui lo riportiamo oggi nello stadio di Treviso davanti a quella rete divisoria del settore ospiti dove segnò il gol più importante della storia del Livorno, quello che lo riportò in serie B dopo 30 anni di sconfitte e umiliazioni. E’ stata veramente un’emozione, Treviso ha cambiato il senso di identità di un’intera generazione di livornesi, e tra quelli ci siamo noi. E’ il trionfo dell’eroe, la catarsi del suo personaggio, cinematograficamente parlando.

Il film parla non solo di calcio ma anche di sogni, fallimenti e identità. Cosa significa per te oggi essere un “eroe romantico”?

Significa sognare e lottare per un obiettivo cercando di anteporre l’onestà e la finalità collettiva piuttosto che i bisogni personali. Significa avere il coraggio di osare, di fallire e di imparare dagli errori e dalle delusioni. L’eroe piange e soffre nel suo incedere, ma deve avere sempre una finalità. E’ colui che non si adegua passivamente al destino ma cerca di modellarlo sui suoi sentimenti. Amo molto i racconti di formazione sia in letteratura che al cinema e mi ha sempre affascinato il romanticismo dei personaggi che li abitano, indipendentemente dal genere narrativo.

Il film è stato presentato in anteprima al BIF&ST di Bari, città a cui Igor Protti èmolto legato e di cui ha ricevuto la cittadinanza onoraria. Qual è stato il riscontro di pubblico di quella serata? E il ricordo più bello?

E’ stata un’anteprima molto emozionante, con la sala piena, il video-collegamento di Igor nonostante il difficile momento che sta vivendo. Il BIF&ST è uno dei festival più importanti nel panorama cinematografico italiano e ottenere una selezione con un progetto indipendente così piccolo ma ambizioso, prodotto da un’associazione culturale (Bredenkeik, distribuito da PianoB) è stato per noi un risultato incredibile. Tutto questo è stato poi amplificato dal fatto che si svolgesse in una delle città di Igor, dove ancora oggi, a più di 30 anni dal suo passato calcistico, i tifosi gli regalano abbracci, stima e affetto. Tutto ciò è l’essenza del romanticismo.

Continua a leggere tutti gli articoli dedicati al BIF&ST 2026. Hai letto la recensione di Non è la fine del mondo o La salita?

E’ l’ultima battuta? è un film del 2026, diretto, co-sceneggiato e co-prodotto da Bradley Cooper, con protagonisti Will Arnet e Laura Dern. La pellicola uscirà a partire dal 2 aprile 2026, distribuita da The Walt Disney Company Italia.

-Articolo di Michele Scarperia

E’ l’ultima battuta?

La vita di Alex (Will Arnett) crolla su se stessa, quando la moglie Tess (Laura Dern) chiede il divorzio. Per superare questa crisi sperimenterà un nuovo hobby, il cabaret. E da qui si svilupperà un talento nascosto.

Il trailer del film

La consacrazione di Bradley Cooper come regista

E’ l’ultima battuta? è un film che affronta con delicatezza e maturità il tema della separazione, esplorando non tanto il “perché” ci si lascia, ma il “come” lo si fa. La narrazione si sviluppa attraverso diverse fasi emotive: da una rottura inizialmente condivisa e consapevole, alle crisi individuali che inevitabilmente ne seguono, evitando con lucidità ogni semplificazione. Non esistono colpevoli o innocenti, ma due esseri umani che attraversano il dolore in modo diverso.

Il cuore del film è proprio questo: la complessità delle relazioni. Bradley Cooper costruisce un racconto che analizza il cosiddetto “arcobaleno sentimentale”, fatto di nostalgia, vulnerabilità, incomprensioni e silenzi. I protagonisti sono due persone che si mancano, ma non riescono a dirselo; forse non si amano più, o forse si, ma in una forma nuova, diversa, che entrambi devono scoprire. Il regista ci mostra come il superamento della crisi non passa attraverso elementi come rapporti occasionali, nuove relazioni o sfoghi autodistruttivi, ma attraverso qualcosa di più intimo e autentico: le passioni. Lì i personaggi ritrovano se stessi. Le passioni diventano ciò che ci tiene in vita, e ciò che potrebbe riavvicinarli, seppur diverse. Ci ricorda che, a volte, perdere tutto è l’unico modo per ritrovare la giusta prospettiva, per rimettere insieme i pezzi dell’equazione sentimentale e per avere il coraggio di mettersi a nudo.

Il titolo è emblematico per le tematiche trattate: E’ l’ultima battuta? suona come un monito. Invita a godere ogni istante condiviso con chi amiamo, perché quel punto interrogativo sospeso potrebbe diventare un punto, oppure no, evolversi attraverso una domanda. Ed è proprio in questa ambiguità che il film trova la sua forza.

Attori e lato tecnico

Dal punto di vista attoriale, le interpretazioni sono tanto intense quanto misurate. I due protagonisti, Will Arnet e Laura Dern, brillano per naturalezza e profondità, ma anche il cast di supporto contribuisce in modo significativo, aggiungendo ulteriori sfumature al racconto e ampliando il discorso sulle relazioni e sulle diverse modalità di affrontare una separazione.

Tecnicamente il film vive di dialoghi: battute, pause, silenzi carichi di significato. Non c’è spettacolarizzazione, ma un’attenzione precisa ai momenti, agli sguardi, ai dettagli quotidiani. E’ un cinema intimo, d’altri tempi, quasi teatrale che trova la sua forza nella parola e nella verità emotiva.

E’ l’ultima battuta? – Conclusioni

In definitiva ,Bradley Cooper firma un’opera sensibile e riflessiva, capace di raccontare l’impreparazione agli imprevisti della vita e le delusioni d’amore senza mai cadere nel banale. Sono certo che se dietro ci fosse stato un nome più navigato, si sarebbe usata la parola “capolavoro”.

Super Mario Galaxy-Il film è un lungometraggio del 2026, diretto da Aaron Horvath e Michael Jelenic, prodotto dalla casa d’animazione Illumination. Nel cast dei doppiatori tornano Chris Pratt, Anya Taylor-Joy, Jack Black e tanti altri. La pellicola uscirà solo in sala a partire dal 1 aprile.

-Articolo di Michele Scarperia

Quest’opera rappresenta il sequel della pellicola del 2023 Super Mario Bros-Il film, ed è basato sugli omonimi videogiochi.

Super Mario Galaxy – Il film

Mario, Luigi, la principessa Peach e Toad si imbarcano in una nuova avventura insieme al dinosauro verde Yoshi, per combattere Bowser Jr. figlio di Bowser.

Il trailer del film

Uno spettacolo visivo travolgente tra fan service e gameplay

Super Mario Galaxy-Il film riesce nel compito non banale di partire dalla semplicità narrativa del primo capitolo e darle una lieve, ma percepibile, evoluzione. L’intreccio resta chiaramente pensato per un pubblico molto giovane, senza particolari ambizioni di profondità, ma prova quantomeno ad articolarsi leggermente di più, introducendo dinamiche e motivazioni che rendono il viaggio meno lineare. Per quanto non mancano le ingenuità narrative.

Ciò che davvero sorprende, però, è la maestosità tecnica. Siamo di fronte a un lavoro tecnico visivo che, per una produzione come Ilumination, raggiunge vette raramente viste: gli scenari iconici del videogioco vengono ripresi e amplificati, trasformandosi in ambienti spettacolari, coloratissimi e pieni di dettagli. E’ un continuo senso di meraviglia, una vera gioia per gli occhi che cattura fin dai primi minuti e non smette mai di stupire.

Il film è ben ritmato grazie a una serie di sequenze d’azione e combattimento efficaci. Ancora più riuscite sono le trasposizioni delle meccaniche di gameplay: molte sequenze sembrano prese dal videogioco e adattate al linguaggio cinematografico con grande cura e rispetto, risultando tra i momenti più divertenti e visivamente interessanti della pellicola.

Super Mario Galaxy – Fan service e conclusioni

Come nel precedente capitolo, non manca il fan service: compaiono numerosi personaggi, anche di nicchia, che fanno sicuramente la felicità degli appassionati storici. Un film che riesce a parlare ai fan senza escludere il nuovo pubblico, per quanto si possa trovare lievemente disorientato di fronte a certe apparizioni. E lancia anche l’amo per un futuro universo condiviso Nintendo.

Nel complesso Super Mario Galaxy-Il film è questo: un grande spettacolo visivo, un divertimento immediato e colorato, che magari non lascia un segno profondo sul piano tematico e narrativo, ma sa intrattenere con energia e un evidente amore per il materiale originale.

Il 24 marzo è uscito Lamenti siderali, un corto davvero indipendente diretto da Manfredi M. Destro (Roma, 2001) giovane regista italiano al suo quinto cortometraggio.

Lamenti siderali: la storia

Lungo quindici minuti, Lamenti siderali, un corto davvero indipendente, è il terzo episodio di una “trilogia della solitudine” diretta e ideata dal giovane regista Manfredi M. Destro. La storia ruota intorno ad Ellis, scrittore horror Pulp contemporanea versione di un Poe.

L’ uomo, con un rituale oscuro, vuole incarnare la protagonista delle sue opere. I confini tra realtà e fantasia si annullano. Echi gotici e contaminazioni di cinema di genere ispirano sicuramente il plot.

Interpretato da Samuele Ferri, Maria Vittoria Casarotti Todeschini, il corto è stato girato tra le province di Belluno e Treviso in un’ ambientazione al tempo stesso magica e surreale regalata dal bianco della neve. Il lavoro è stato interamente finanziato dal crowfunding con un budget di 500 euro. Musiche di Gabriele Rossi.

Qui è possibile vedere il trailer:

https://www.youtube.com/watch?v=9P7J8DERcic

Quattro domande all’autore

Ciao Manfredi, potresti raccontare qualcosa di te e soprattutto sulla tua passione per il cinema?

Mi chiamo Manfredi. Il cinema per me è sempre stato un po’ come guardare con il binocolo sui tetti, quando sei abbastanza piccolo da godere delle tue vertigini. È e potrà sempre essere un qualcosa di proibito.

Potresti parlare del tuo progetto e della sua genesi? Cosa ti ha ispirato in particolare?

Lamenti Siderali nasce dalla sfumata immagine di un uomo solo, in una casa di montagna, che cerca di diventare la protagonista del suo ultimo romanzo. Volevo raccontare cosa succede quando la linea tra
autore e personaggio si dissolve del tutto. L’ispirazione viene certamente dal cinema di genere italiano, dalla letteratura gotica e dal paesaggio veneto che  d’inverno ha qualcosa di naturalmente inquietante. Il film è stato girato interamente con troupe ridotta e finanziato in crowdfunding, il che ha condizionato molto le scelte estetiche, in meglio credo.

Perché hai pensato a una trilogia?

La trilogia è nata a posteriori, non era pianificata. Dopo La LottaVana e Traumnovelle mi sono reso conto che i film raccontavano la stessa cosa da angolazioni diverse. Lamenti Siderali chiude il cerchio ed era il momento giusto per farlo.

Progetti per il futuro? È tua ferma intenzione continuare con la cinematografia indipendente?

Il cinema indipendente per me non è una scelta ideologica, è semplicemente l’unico modo in cui riesco a lavorare adesso. Mi piacerebbe avere più risorse, certo, ma la libertà creativa che ho avuto finora non la baratterei facilmente. Per il futuro ho alcune idee, ma preferisco non parlarne prima che prendano forma.

L’autore

Manfredi M. Destro, nasce a Roma nel 2001 ma ha vissuto a lungo a Venezia. In questa pagina ulteriori dettagli sulla sua produzione artistica

Con Non è la fine del mondo, Valentina Zanella porta sullo schermo una storia contemporanea che riflette con lucidità sulle difficoltà e le contraddizioni della giovane età adulta. Il film, adattamento dell’omonimo romanzo di Alessia Gazzola, vede come protagonisti Fotinì Peluso, Andrea Bosca, Paolo Ruffini, Paolo Rossi e Barbara Bouchet ed è stato presentato in anteprima al BIF&ST 2026 in concorso nella sezione Per il cinema italiano.

di Antonella Molinaro

Non è la fine del mondo

La protagonista è Emma De Tessent, interpretata da Fotinì Peluso, una ventottenne che vive a Roma e affronta una quotidianità fatta di lavori precari, ambizioni frustrate e continui tentativi di rimettersi in piedi. La svolta arriva quando ottiene un lavoro in una casa di produzione cinematografica, ambiente che rappresenta per lei un’opportunità concreta ma anche una nuova fonte di insicurezze. Qui incontra Pietro Scalzi, interpretato da Andrea Bosca, figura inizialmente distante e difficile da decifrare, che finirà per avere un ruolo importante nel suo percorso personale.

Il trailer del film

Non è la fine del mondo – Uno sguardo autentico sulla precarietà

Non è la fine del mondo si distingue per uno sguardo autentico sulla precarietà, trattata non come tragedia ma come condizione esistenziale diffusa. La regia di Zanella evita toni eccessivamente drammatici e punta su una narrazione fluida, fatta di piccoli momenti quotidiani e di un’ironia sottile che rende il racconto accessibile senza banalizzarlo.

L’interpretazione di Fotinì Peluso è centrale: riesce a restituire con naturalezza l’instabilità emotiva della protagonista, oscillando tra fragilità e determinazione. Il suo personaggio è credibile proprio perché imperfetto, spesso contraddittorio e in continua evoluzione.

Accanto a lei, Andrea Bosca costruisce un personaggio non stereotipato che contribuisce a dare profondità alla dinamica narrativa. Bosca lavora più per sottrazione che per eccesso, rendendo credibile un personaggio inizialmente rigido e distante, ma progressivamente più umano e leggibile. La sua recitazione riesce a suggerire complessità emotiva senza mai esplicitarla del tutto, contribuendo a mantenere un equilibrio efficace tra tensione e empatia.

Un contributo significativo arriva anche dai personaggi secondari: Paolo Rossi porta in scena una presenza carismatica e ironica, Paolo Ruffini introduce una nota più esplicitamente comica mentre Barbara Bouchet offre un’interpretazione elegante e misurata.

Il film mantiene un equilibrio costante tra leggerezza e profondità, sostenuto da una scrittura semplice ma efficace. Anche l’ambientazione romana contribuisce a rafforzare il senso di movimento e precarietà, diventando parte integrante del racconto.

Non è la fine del mondo riflette su una generazione abituata a vivere senza certezze, in cui il successo non è lineare e le aspettative si scontrano con una realtà instabile e suggerisce che la maturità non coincide con il raggiungimento di obiettivi definitivi, ma con la capacità di adattarsi e ridefinire continuamente se stessi.

Non è la fine del mondo è un esordio convincente che racconta con sensibilità una generazione abituata a ricominciare. Più che offrire risposte, il film invita a cambiare prospettiva: non tutto deve andare come previsto perché qualcosa abbia valore.

Non è la fine del mondo – Parlano i protagonisti

Nel video che segue la risposta alle mie domande sulla splendida location di Roma e sul senso di enorme positività che il film regala:

In questo video Valentina Zanella racconta come ha lavorato nella trasposizione dal romanzo di Alessia Gazzola al film, mentre Andrea Bosca e Fotinì Peluso danno la loro opinione sul precariato, situazione che non riguarda solo i giovani.

In questo ultimo video invece i tre protagonisti parlano della gentilezza, tema fondamentale che accompagna tutto il film:

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Le gallerie dei protagonisti del BIF&ST 2026

Ti Uccideranno è un film del 2026 di genere horror comedy, diretto da Kirill Sokolov, con protagonista Zazie Beetz. La pellicola uscirà solo in sala a partire dal 26 marzo, distribuita da Warner Bros.

-Articolo di Michele Scarperia

Ti Uccideranno

Il film racconta la storia di Asia (Zazie Beetz), un’aspirante domestica che si fa assumere in un prestigioso hotel di New York, fino a che si scoprirà che non è propriamente un normale hotel.

Il trailer del film

Sangue, videogiochi e satira: il caos perfetto

Ti Uccideranno è uno di quei film che non chiedono il permesso: entrano, alzano il volume e trasformano tutto in un gigantesco, delirante videogioco a livelli. E lo fanno con una consapevolezza tale da rendere ogni eccesso necessario.

La struttura è chiaramente quella di un videogioco: progressione, sfide sempre più assurde, dei veri e propri livelli e un combattimento finale che sembra uscito direttamente da Mortal Kombat, tra coreografie che riprendono i picchiaduro e colpi che sfidano ogni logica fisica. Le inquadrature stesse strizzano l’occhio al linguaggio videoludico, e no non è assolutamente un difetto. E’ parte del gioco, letteralmente.

Il film non si prende mai sul serio, ed è proprio questo il suo punto di forza. Sceglie di essere un gigantesco videogioco appunto, fatto di eccessi: sangue, sangue, sangue e ancora sangue, ma con effetti volutamente cartoon, quasi da fumetto. Il risultato è una comedy horror splatter che diverte mentre esagera, senza mai perdere però il controllo del tono.

Sotto la superficie iper-violenta però, c’è anche una satira sul classismo e il razzismo americano, e sull’involuzione progressiva della società statunitense, che emerge tra una scena e l’altra senza mai appesantire il ritmo. E’ un sotto testo didascalico si, ma che aggiunge spessore a un racconto che dimostra così di non essere solo caos visivo.

Un’ottima protagonista e il lato estetico

La protagonista, Zazie Beetz, regge benissimo il film: fisicamente credibile nelle scene d’azione, precisa nelle coreografie e capace di tenere il lato ironico e quel poco che ci sta di emotivo. Funziona soprattutto il rapporto con la sorella, che dà al film un minimo di radicamento emotivo per l’appunto, in mezzo alla follia generale.

Da sottolineare anche l’estetica: ambienti patinati, perfetti, quasi artificiali, che creano un contrasto fortissimo con il disastro e il sangue che li invadono. Ed è proprio in questo cortocircuito visivo che il film trova una delle sue idee più riuscite.

Ti uccideranno – Conclusioni

In conclusione, Ti Uccideranno è talmente assurdo da funzionare perfettamente. Nonostante (o grazie a) tutti i suoi eccessi, riesce a essere coerente con se stesso fino all’ultimo frame: un’esperienza sopra le righe che sa esattamente cosa vuole essere, e lo fa bene.

Con A War on Women, la regista Raha Shirazi porta sullo schermo un’opera intensa e urgente, capace di raccontare la condizione delle donne in un contesto, come quello dell’Iran, segnato da repressione, violenza e disuguaglianza. Il film è stato presentato in anteprima mondiale nella sezione Meridiana Concorso del BIF&ST 2026.

di Antonella Molinaro

A War on Women

Il film segue le storie di diverse donne Iraniane che hanno vissuto in contesti segnati da limitazioni dei diritti e da forme più o meno esplicite di violenza. Il documentario si sviluppa attraverso interviste, immagini di vita quotidiana e momenti di confronto, mettendo in luce le difficoltà, le paure ma anche la resistenza e la determinazione delle protagoniste.

Le loro esperienze si intrecciano in un racconto corale che attraversa temi come la libertà personale, il controllo sociale, la violenza di genere e la ricerca di autonomia. Il titolo stesso suggerisce una realtà in cui la discriminazione non è episodica, ma sistemica, una vera e propria “guerra” combattuta sul corpo e sulla vita delle donne.

Attraverso immagini forti e testimonianze autentiche, Shirazi costruisce un racconto che non si limita a denunciare, ma cerca di dare voce a chi troppo spesso resta invisibile. Il risultato è un’opera che colpisce per la sua forza emotiva e per la capacità di trasformare storie individuali in una riflessione universale.

Un film che colpisce al cuore

Il punto di forza del documentario risiede nella scelta di una regia essenziale, che evita ogni spettacolarizzazione del dolore. Raha Shirazi lascia spazio alle testimonianze, costruendo un racconto che si affida alla potenza delle parole e degli sguardi. Questa sobrietà rende il film ancora più incisivo, perché costringe lo spettatore a confrontarsi direttamente con ciò che vede e ascolta.

La narrazione procede senza retorica, alternando momenti di grande intensità emotiva a passaggi più riflessivi. A War on Women è un’opera che interroga e scuote, capace di generare consapevolezza senza offrire soluzioni semplici. La sua forza sta proprio in questa tensione: nel mostrare una realtà difficile, lasciando allo spettatore il compito di elaborarla e, forse, di trasformarla in azione o presa di coscienza.

A war on Women – Intervista a Raha Shirazi

Raha, il titolo del tuo lavoro è una dichiarazione di guerra al contrario: una denuncia. Qual è stata la scintilla che ti ha spinto a dire “non posso non raccontare questo”?

Quando ho appreso della morte di Mahsa Jina Amini e ho visto il mondo interrogarsi su come fosse possibile che la prima rivoluzione femminista nascesse in un Paese teocratico come l’Iran, ho capito che la storia del nostro movimento era in gran parte sconosciuta. È stato in quel momento che ho sentito l’urgenza di raccontarla: era necessario documentarla e restituirle visibilità.

Documentare la violenza e l’oppressione sulle donne richiede un equilibrio tra il mostrare la verità e proteggere la dignità delle protagoniste. Come hai lavorato sulla “distanza” della macchina da presa rispetto al dolore che stavi filmando?

Nel cinema, spesso ciò che resta fuori campo è la scelta più potente. Le inquadrature non mostrano solo, ma suggeriscono e costruiscono un’esperienza emotiva. Per me era fondamentale evitare qualsiasi forma di spettacolarizzazione del dolore. Allo stesso tempo, il rapporto di fiducia con le donne del film è nato dall’ascolto: volevo creare uno spazio in cui si sentissero al sicuro e rispettate. Questa intimità è diventata parte integrante del linguaggio del film.

In contesti dove la voce delle donne viene sistematicamente soffocata, il cinema diventa un’arma. Cosa speri che accada nello spettatore quando si riaccendono le luci in sala?

Spero che lo spettatore esca con una maggiore consapevolezza: della realtà delle donne iraniane, ma anche della loro forza e del loro coraggio. Vorrei che il film aprisse una riflessione sulla fragilità della libertà e su quanto facilmente possa essere sottratta. E, soprattutto, che emerga un senso di vicinanza: il dolore e la lotta per la libertà sono universali.

Qual è stata la sfida più grande nel dare una forma estetica a una realtà che spesso è esteticamente inaccettabile o brutale?

La sfida era non tradire la realtà. Non abbiamo mai cercato di rendere la brutalità “bella”. La bellezza, semmai, emerge dalla resistenza delle donne che la affrontano. Il lavoro è stato trovare un linguaggio visivo rigoroso e rispettoso, capace di restituire questa tensione senza edulcorarla.

Come regista donna che osserva questa “guerra”, quanto della tua esperienza personale e della tua identità è confluito nello sguardo della cinepresa?

Essendo una donna iraniana, la mia identità è inevitabilmente parte di questo sguardo. È un film personale, ma anche un percorso di conoscenza. Attraverso le protagoniste, ho potuto approfondire una storia che appartiene alla nostra identità collettiva e che troppo spesso resta invisibile.

C’è un’immagine di speranza o di forza che hai portato via con te dopo la fine delle riprese e che non è finita nel montaggio finale?

Abbiamo avuto il privilegio di intervistare Narges Mohammadi, attivista per i diritti umani, la cui testimonianza non è entrata nel montaggio finale. La sua forza e la sua determinazione a continuare a lottare dall’interno dell’Iran restano per me un’immagine potentissima di resistenza e speranza.

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