Cinedania

"Mi cielo tu infierno" ("Cel meu Infern teu") de Alberto Evangelio, historia de mujeres a las que no se les deja quererse

2026-06-02T08:00:00.000+01:00

El director Alberto Evangelio estrena esta semana "Cel meu Infern teu" ("Mi cielo tu infierno"), una película social que profundiza en la relación de dos mujeres a finales de los 60 y principios de los 70. Un recuerdo de lo que fue esta sociedad, que en algunos casos aún sigue siendo, para no volver a repetir esos mismo errores. Valiente aunque presentada de una forma excesivamente convencional.

En el cine español, por suerte, tenemos proyectos que abarcan desde el drama más social al entretenimiento sin pretensiones pasando por el thriller más trepidante. "Cel meu infern teu" ("mi cielo tu infierno") se engloba en esa primera opción. Un drama social que no esconde la hipocresía de una sociedad obsesionada con las apariencias y la tradición. En ese marco el acertado guion de Ana Piles y Noelia Martínez avanza con paso firme sin caer en el romanticismo barato o la crítica fácil.

Alberto Evangelio recoge este material y plantea una película muy respetuosa donde llega a integrar elementos de thriller psicológico, algo que ya veíamos en su anterior trabajo "Visitante". No nos engañemos, el drama recorre de punta a punta la película pero la Iglesia siempre permite apuntar un lado oscuro que asusta a los feligreses tanto como lo veneran. Para mí, esta representación del mal es lo mejor de la película.

Donde las formas me chirrían un poco más es en la historia de amor de estas dos mujeres (interpretadas por Sandra Cervera y Tania Fortea), un amor sufrido, "contra natura" para una sociedad anclada en la religión y el "qué dirán", que son incapaces de reprimir unos sentimientos que no pueden ni quieren combatir. Si bien es una relación creíble y bien estructurada, formalmente es tan convencional como la época que retrata. Puede que sea la mejor forma de llegar a un público maduro que no busque nueva expresiones cinematográficas, pero para quien escribe, la sensación es de haber evitado cualquier tipo de riesgo.

Además de esos tintes de cine de género, me quedo con el significado de esa casa donde habita Adela con su marido. Un lugar tan elegante como destructivo. La típica finca de la que se podrían contar mil y un secretos que se esconden tras sus paredes. En cierta forma recuerda a la casa de "El orfanato", no tanto por su fantasmagórica apariencia como por la desgracia que encierra.

Es una película que no pierde el ritmo en ningún momento, que ayuda a concienciar sobre la homosexualidad femenina (posiblemente mucho más escondida que la masculina aún hoy en día) y que encierra algunas críticas sociales muy valiosas y necesarias.

Solo por esto ya merece una oportunidad.

José Daniel Díaz

Reseña de "A la cara" y entrevista a su director Javier Marco, toxicidad en las redes sociales

2026-05-28T18:47:45.846+01:00

Javier Marco, nominado a mejor director novel por "Josefina", desarrolla en "A la cara" el cortometraje del mismo nombre que obtuvo el Goya en 2021. Con los mismos actores, Manolo Solo y Sonia Almarcha, el director profundiza en una relación donde ambos personajes viven su propio drama. Una digna continuación de esa idea que escribió Belén Sánchez-Arévalo.

Javier Marco consiguió tres nominaciones a los Goya con su anterior película "Josefina", una historia que en cierta forma guarda ciertas similitudes con "A la cara" tanto en su apartado técnico con Belén Sánchez-Arévalo firmando el guion como en el apartado artístico donde Manolo Solo y Roberto Álamo vuelven a coincidir con el director. Además la trama sigue apostando por los silencios, los escuetos diálogos y los personajes con claras carencias comunicativas.

En concreto "A la cara" enfrenta a una famosa presentadora con un hater de las redes sociales que traslada toda su amargura y frustración a la red. Verse cara a cara humaniza ambos estereotipos y permite afrontar que las acciones tienen sus consecuencias. Una propuesta muy interesante y que ya descubrimos en el cortometraje homónimo ganador del Goya.

Desarrollar esta premiada ideada con los mismos protagonistas es arriesgado y obliga a crear una estructura más profunda de su perfil y su entorno. La presencia del marido de ella y la hija de él permiten abrir la trama con personajes adicionales que ayudan al buen desarrollo de la película. Conflictos familiares de los que apenas se habla y que se trasladan de una manera más clara a través de detalles y silencios.

Lo mejor sigue siendo la pareja protagonista, dos actores que raramente flaquean. Manolo Solo y Sonia Almarcha conectan perfectamente con Pedro y Lina, sus personajes en la película. Lo único que echo de menos es un poco más de ritmo y un conflicto más directo.

Me gusta especialmente su apuesta por reflexionar sobre nuestras actitudes y vocabulario en las redes sociales, amparados en el anonimato. Esas intervenciones que obligan a cerrar cuentas. Es necesario que todos recapacitemos sobre nuestras reflexiones en la red y la ansiedad por conseguir likes y followers. No todo vale y "A la cara" es una buena demostración de todo ello.

Os invito a conocer mucho más de "A la cara" a través de la entrevista que le hicimos al director Javier Marco en nuestra sección de Youtube "La Silla del Director":

Redactor y entrevistador: Daniel Díaz

Edición y montaje: Mar Ríos

"Fleak" de Jens Møller, la discapacidad en la infancia desde el optimismo y la fantasía

2026-05-27T18:36:34.009+01:00

Este 29 de mayo se estrena "Fleak" de Jens Møller, cine de animación que focaliza buena parte de su éxito en el mensaje tan reconfortante de la película. Seleccionado en el prestigioso festival de Annecy, es una demostración clara de sensibilización y diversión para toda la familia.

Un terrible accidente deja a Thomas, un niño de 11 años, sin poder mover las piernas y los pies. De un día para otro, su vida cambia por completo y la alegría se vuelve desánimo y mal humor. Esa puesta en escena es la excusa perfecta para poder trasladar a los niños qué supone tener una discapacidad y cómo se puede ayudar a quien la sufre. Fleak, una criatura de otro universo paralelo, nos enseña lo importante que es la actitud y superar los miedos en este tipo de situaciones.

Con una cuidada animación, el grueso de la historia se focaliza en conocer el proceso de superación de Thomas. A través de un extraño amigo, Fleak, la película utiliza la imaginación y la metáfora para conocer la forma de vencer a la tristeza y la impotencia. También pone mucho valor en la familia, en la importancia de la empatía y en su apoyo para superar las dificultades.

"Fleak" es una película bonita, sensible y que pone "al mal tiempo, buena cara". Un mensaje de optimismo y concienciación hacia una terrible realidad que afecta a muchas familias y que a veces no recibe toda la atención y solidaridad que merece.

José Daniel Díaz

Reseña de "Dos días" y entrevista a su director Gonzaga Manso, la virtud de homenajear a nuestros mayores

2026-05-22T18:11:53.776+01:00

Se ha estrenado en cines "Dos días", opera prima del director Gonzaga Manso, que fue premio del público en el pasado Festival de Málaga tras presentarse en sección oficial fuera de concurso. Un homenaje a nuestros mayores que tiene el valor de tocar con mucha sensibilidad su manera de afrontar el paso de los años. Saturnino García, Aurora Maestre y el debutante Jesús Outes protagonizan una de las películas más bonitas de la cartelera.

En Cinedania.es tuvimos la oportunidad de entrevistar a su director Gonzaga Manso que nos dio todas las claves del rodaje de esta película.

Pocas películas afrontan con tal naturalidad las aptitudes y actitudes de nuestros mayores. Gonzaga Manso bucea en sus recuerdos y en la relación con su propio abuelo para escribir y dirigir una propuesta que tiene mucho de reto personal. "Dos días" es el retrato de tantos y tantos abuelos que siguen viviendo pero mirando más al pasado que al futuro.

Y es que "Dos días" es lo que podríamos definir como una película bonita, llena de sensibilidad, que habla de grandes cosas a través de pequeñas situaciones. Unos náufragos de la tercera edad brillantemente interpretados por Saturnino García (Goya revelación en 1994 por "Justino, un asesino de la tercera edad") y el debutante de 67 años y ex-percebeiro Jesús Outes, candidato sin duda a ese mismo Goya para este año.

Os invito a conocer mucho más de "Dos días" a través de la entrevista que le hicimos al director Gonzaga Manso en nuestra sección de Youtube "La Silla del Director":

Redactor y entrevistador: Daniel Díaz

Edición y montaje: Mar Ríos

Los Premios Fugaz anuncian las nominaciones a lo mejor del cortometraje español en su décima edición

2026-05-15T16:30:05.887+01:00

Los premios más importantes del cortometraje español, los Premios Fugaz, que se celebrarán en los cines Kinépolis de Madrid el 22 de junio de 2026 dieron a conocer sus nominaciones en un acto en la Academia de cine presentado por el organizador Samuel Rodríguez y anunciados por los artistas Javier Veiga, Alberto Amarilla, Vanesa Romero y Javier Pereira.

En esta décima edición ha reconocido el trabajo de "Montecarlo 67" de Rubén Guindo con 13 nominaciones seguido de "Ser un hombre" de Lucas Parra y "Cara de cona" de Guillermo de Oliveira con 10 nominaciones.

Os compartimos todas las categorías con sus respectivas nominaciones:

Mejor cortometraje:
“Cara de cona”, de Guillermo de Oliveira
“El fantasma de la quinta”, de James A. Castillo
“Epifanía”, de Chiqui Carabante
“Faustino”, de Germán Mairen
“In memoriam”, de Teresa Bellón y César F. Calvillo
“Lo que no se ve”, de María Algora y Mikel Bustamante
“Montecarlo 67”, de Ruben Guindo Nova
“Pordentro”, de Álvaro G. Company y Mario Hernández
“Ser un hombre”, de Lucas Parra
“Una vocal”, de Polo Menárguez

Mejor dirección:
Guillermo de Oliveira, por “Cara de cona”
Teresa Bellón y César F. Calvillo, por “In memoriam”
Rubén Guindo Nova, por “Montecarlo 67”
Lucas Parra, por “Ser un hombre”
Polo Menárguez, por “Una vocal”

Mejor dirección novel:
Joel Cánovas, por “21 de octubre”
Santi Alvarado Sagué, por “Buitres”
Bea Lema, por “El cuerpo de Cristo”
Martha García Ayerbe, por “Señuelo”
Marta Albert, por “Tú no”

Mejor guion:
Guillermo de Oliveira, por “Cara de cona”
Teresa Bellón y César F. Calvillo, por “In memoriam”
Rubén Guindo Nova, Miguel Monteagudo y Nuria Cabezas, por “Montecarlo 67”
Lucas Parra y Valèria Cuní, por “Ser un hombre”
Polo Menárguez, por “Una vocal”

Mejor dirección de producción:
Luisa Cowell, por “Cara de cona”
Josemari Martínez, por “Chicken Jazz”
Cecilia Rivas Barbi, por “In memoriam”
Alejandro Viyuela y Samantha Martín, por “Montecarlo 67”
Ferran Giol Gort, por “Ser un hombre”

Mejor dirección de fotografía:
Carlos de Miguel, por “Cara de cona”
Rafael Reparaz, por “Chicken Jazz”
Miguel Ezequiel, por “Montecarlo 67”
Dani Benejam, por “Ser un hombre”
José Martín Rosete, por “Una vocal”

Mejor montaje:
Enric Batalla, por “21 de octubre”
Guillermo de Oliveira, por “Cara de cona”
Irene Blecua, por “In memoriam”
Jerónimo Velasco, por “Montecarlo 67”
Oriol Domènech, por “Ser un hombre”

Mejor dirección de arte:
Verónica Dichy y Juanfa, por “Chicken Jazz”
Gonzalo Muratel, por “Montecarlo 67”
Nagore Galdós Burgoa, por “Ser un hombre”
Almudena Gotor, por “Último superviviente a bordo”
Carla Fuentes, por “Videoclub 2001”

Mejores efectos visuales:
Miguel Tejerina, por “Insondable”
Xus Pagan, por “M.A.T. (Molt Alta Tensió)”
Laura Pedro, por “Señuelo”
Miguel Costa, David Heras y Daniel López, por “The one minute problem”
Víctor Izquierdo, por “Último superviviente a bordo”

Mejor vestuario:
Beatriz Méndez, por “Cara de cona”
Oscar Guimarey, por “Chicken Jazz”
Victoria Nogales, por “La última canción”
María Gil de Bustamante, por “Montecarlo 67”
Sonia Pérez, por “Ser un hombre”

Mejor maquillaje y peluquería:
Aina Galisteo, por “Abril”
Sonia García, por “Cara de cona”
Pedro Hache, por “La última canción”
María Liaño, por “Macarena, una comedia espiritual”
Marta Cuadrado, por “Montecarlo 67”

Mejor sonido:
Gerard Fernández, por “21 de octubre”
Pablo Castillo, por “Chicken Jazz”
Pablo Castillo, por “Montecarlo 67”
Laia Casanovas, por “Señuelo”
Jordi Rossinyol, por “Ser un hombre”

Mejor banda sonora:
Zeltia Montes, por “Cara de cona”
Alberto Torres, por “Chicken Jazz”
Beatriz Bellón, por “In memoriam”
Jesús Calderón, por “Montecarlo 67”
Arnau Bataller, por “Ser un hombre”

Mejor interpretación masculina:
Milo Taboada, por “Cara de cona”
Tamar Novas, por “Chicken Jazz”
Carlos Manuel Díaz, por “Faustino”
Carlos Santos, por “Montecarlo 67”
Ramón Barea, por “Pordentro”

Mejor interpretación femenina:
Sofía Otero, por “Abril”
Cristina Soria, por “In memoriam”
Ángela Molina, por “La última canción”
María Algora, por “Lo que no se ve”
Veki Velilla, por “Montecarlo 67”

Mejor cortometraje de animación:
“Baile con la muerte”, de Carlota Massó
“El cuerpo de Cristo”, de Bea Lema
“El fantasma de la quinta”, de James A. Castillo
“Pinchu es así”, de Carmen Córdoba González
“Pobre Marciano”, de Álex Rey

Mejor cortometraje documental:
“Abril, hoy no es invierno”, de Mabel Lozano
“El ressò de la mirada”, de Carles Bover Martinez
“Estigma”, de Pilar García Elegido
“La fuerza del silencio”, de Samuel Vela Pérez
“Vencejos”, de Manu Arzá y Álvar Alonso

Mejor cortometraje breve:
“¿Tienes un minuto?”, de Yago Casariego
“Baile con la muerte”, de Carlota Massó
“Ma-ma”, de Isabel María Monge Guerrero

Mejor cortometraje hispanoamericano:
“Entretiempo” — Argentina
“La Barbarie” — México
“Real” — Panamá
“Todos mis caminos son la destrucción” — Perú
“Una vez en un cuerpo” — Colombia

Mejor cortometraje de escuela:
“El Puto Amo” — Linterna Producciones
“El Último Día” — Instituto del Cine de Canarias
“En reparto” — Instituto del Cine Madrid
“Los murciélagos han abandonado el campanario” — ECAM
“Orfeus” — The Core School
“Un caso peliagudo” — ECIB, Escola de Cinema de Barcelona
“Just for fun” — Escuela de Cine Un Perro Andaluz
“Sofoco” — LENS Escuela de Artes Visuales

Mejor largometraje:
“Ciudad sin sueño”
“Los domingos”
“Maspalomas”
“Sirât”
“Sorda”

José Daniel Díaz

"El amigo inesperado" de Fabienne Godet, ¿y si nos pudiéramos liberar del yugo del móvil?

2026-05-13T21:21:44.912+01:00

Entre los próximos estrenos nos encontramos con "El amigo inesperado" de Fabienne Godet, una entretenida comedia que, tras un formato distendido y simpático, encierra ciertos mensajes muy interesantes sobre la libertad individual, el ritmo de vida y las prioridades. Muy buen trabajo de los actores, especialmente del debutante Salif Cissé.

Fabienne Godet dirige "El amigo inesperado", una adaptación de la novela "Le repondèur" de Luc Blanvillain, que la directora destaca como una divertida e inverosímil historia que da pie a múltiples malentendidos y giros inesperados. Lo cierto es que trabaja un guion que parte de una premisa un tanto extravagante como es la suplantación de un famoso escritor por un imitador de escaso éxito.

A partir de aquí el espectador empatiza con esa dependencia del móvil y la sensación de liberación y felicidad que experimenta el protagonista cuando te libras del yugo de la tecnología. Si te lo cuentan con muy buen rollo y evitando la intensidad del drama, todo parece más real o al menos así queremos que sea.

Denis Podalydès interpreta a Pierre Chozène, un famoso escritor ansioso por disponer de tiempo y tranquilidad. Su trabajo es acorde al personaje y se maneja con suficiente destreza para dar la réplica al imitador, un convincente Salif Cissé. Independientemente de los mensajes que encierra la película, su función fundamental es entretener y arrancar una sonrisa al espectador. Con vocación de película taquillera, como así ha pasado en Francia, el cine galo se maneja bien en estas feel-good movies con mensaje pero sin la suficiente contundencia como para dramatizar.

"El amigo inesperado" cumple las expectativas y te ayuda a olvidar los problemas durante poco más de hora y media. No es una crítica social pero sí invita a la reflexión y el debate. Para acompañarla de buenas palomitas y una sonrisa.

José Daniel Díaz

Las nominaciones de la I edición de los Premios Anillos de Oro a las mejores series del año apuestan por "Anatomía de un instante" y "Querer" como grandes favoritas

2026-05-10T11:47:00.001+01:00

Los esperados Premios Anillos de Oro que se celebrarán en Santa Cruz de Tenerife el 20 de junio de 2026 dieron a conocer sus nominaciones en las 23 categorías a través de un acto presentado por las actrices Sara Sálamo y Beatriz Arjona.

Una primera edición que ha reconocido el trabajo de "Anatomía de un instante" de Alberto Rodríguez con 15 nominaciones y "Querer" de Alauda Ruíz de Azúa con 8 nominaciones, ambas de Movistar Plus. Le siguen otras series de éxito como "Yakarta" con 6 nominaciones y "La vida breve" y "Superestar" con 5 nominaciones.

Os compartimos todas las categorías con sus respectivas nominaciones:

Mejor serie de ficción de comedia:

Celeste
La vida breve
Poquita fe T2

Mejor serie de ficción de dramática:

Anatomía de un instante
Querer
Yakarta

Mejor serie de no ficción:

Alaska revelada
Esta ambición desmedida
Luz en la oscuridad

Mejor serie internacional:

Little disasters
Walking dead: Daryl Dixon
True love
What it feels like for a girl

Mejor serie latinoamericana:

50 segundos: El caso Fernando Báez Sosa
El dentista
Los mil días de Allende

Mejor actriz protagonista:

Carmen Machi por "Celeste"
Nagore Aramburu por "Querer"
Esperanza Pedreño por "Poquita fe T2"

Mejor actor protagonista:

Álvaro Morte por "Anatomía de un instante"
Pedro Casablanc por "Querer"
Javier Cámara por "Yakarta"

Mejor intérprete de reparto:

Eduard Fernández por "Anatomía de un instante"
Manolo Solo por "Anatomía de un instante"
David Lorente por "Yakarta"

Mejor intérprete revelación:

Manuela Calle por "Marbella"
Aína Martínez por "Pubertat"
Carla Quílez por "Yakarta"

Mejor dirección de arte:

Anatomía de un instante
La vida breve
Superestar

Mejor dirección de producción:

Anatomía de un instante
ENA, la reina Victoria Eugenia
Querer

Mejor casting:

Anatomía de un instante
Querer
Poquita fe T2

Mejor edición o montaje:

Anatomía de un instante
Los años nuevos
Querer

Mejor fotografía:

Anatomía de un instante
El marqués
Rapa T3

Mejor guion adaptado:

Anatomía de un instante
ENA, la reina Victoria Eugenia
Las hijas de la criada

Mejor guion original:

Poquita fe T2
Yakarta
Querer

Mejor maquillaje y peluquería:

Anatomía de un instante
La vida breve
Superestar

Mejor música:

Esta ambición desmedida
Los años nuevos
Superestar

Mejor postproducción y recursos digitales:

Anatomía de un instante
El inmortal T2
En fin

Mejor producción ejecutiva:

Anatomía de un instante
La vida breve
Superestar
Yakarta

Mejor sonido:

Anatomía de un instante
La vida breve
Marbella
Querer

Mejor vestuario:

Anatomía de un instante
La vida breve
Superestar

José Daniel Díaz

Te invitamos al preestreno de "El amigo inesperado" el 13 de mayo en Madrid

2026-05-09T11:05:00.000+01:00

¡Seguimos con nuestros concursos de cine! Gracias a Surtsey Films sorteamos 2 entradas dobles para el preestreno/evento de "El amigo inesperado", Una comedia de enredos protagonizada por el cuatro veces nominado al César Denis Podalydès ("De Nicolás a Sarkozy") y el actor emergente Salif Cissé en su primer papel protagonista.

El preestreno se celebrará el próximo 13 de mayo a las 19,30h en el cine Embajadores de Madrid. Además contaremos con la participación de Raúl Pérez, uno de los mejores imitadores españoles.

Para conseguir una de las entradas dobles que sorteamos es muy sencillo. Accede a la publicación del sorteo en Instagram (@cinedania.es) y sigue los pasos que ahí se indica. Tienes de plazo para participar hasta el día 11 de mayo a las 23:59.

¡Mucha suerte!

"Recreación de un asesinato" de Jim Sheridan, el juicio sobre el asesinato de Sophie Toscan du Plantier que pudo ser y no fue

2026-05-07T23:02:00.000+01:00

Tras diez años sin filmar un largometraje, el director irlandés Jim Sheridan regresa con un drama judicial inspirado en un crimen que siempre le ha interesado, el de la productora Sophie Toscan du Plantier. "Recreación de un asesinato" es un interesante ejercicio de lo que pudo ser y no fue con un supuesto jurado popular.

No vamos a descubrir ahora a Jim Sheridan, el legendario director de algunas de las películas más inolvidables de la cinematografía mundial como "Mi pie izquierdo", "En el nombre del padre" o "The boxer". Un excelente retratista de la realidad que ha inspirado a otros muchos directores. En "Recreación de un asesinato" regresa por partida doble (como director y como actor) para exponer desde el mundo de las suposiciones todas las claves del asesinato de la productora Sophie Toscan du Plantier en 1996.

Este enigmático caso ya lo exploró desde el género documental con la miniserie "Asesinato en Schull" pero por algún motivo es un tema que no puede olvidar. De hecho, en esta película utiliza la ficción para ser narrador y expositor de todas las pruebas incriminatorias y exculpatorias que afectan al sospechoso Ian Bailey. De esta forma, en un ejercicio al más puro estilo "JFK" de Oliver Stone, dirige al espectador hacia teorías acreditadas y también ciertamente conspiranoides.

Utiliza al jurado popular para transmitir toda la incertidumbre y contradicción que rodea al caso. Con el referente de "Doce hombres sin piedad" (que nos recuerda hasta en las transiciones), como en prácticamente todas las películas que se acercan a este género, el director plantea dudas razonables que invitan a debatir al espectador.

No estamos ante una película especialmente original ni pretende serlo pero sí consigue el objetivo de poner sobre la mesa un caso que le atormenta y que necesita revisar una y otra vez. Y lo hace con el talento que le caracteriza, con actores de alto nivel como Vicky Krieps y un ritmo constante que no permite que aceche el aburrimiento.

Se puede discutir si esta película es necesaria o no, si es suficientemente relevante el tema como para llegar a juicios ficionados, pero no se puede poner en tela de juicio la capacidad de Jim Sheridan para generar debate, enganchar al público y ofrecer un más que correcto producto judicial que reabre un caso rodeado de misterio.

José Daniel Díaz

Entrevista al director José Manuel Serrano Cueto, a punto de empezar el rodaje de "El sueño fantástico de Batillo"

2026-05-05T17:51:00.005+01:00

Un placer poder charlar con un compañero tan admirado como José Manuel Serrano Cueto, nominado al Goya por su documental "Contra el tiempo" que nos avanza su próximo proyecto "El sueño fantástico de Batillo", un cortometraje basado en la pieza teatral "El sueño" de Pepe Bablé, director de la Compañía La Tía Norica cuyas marionetas serán las protagonistas de la película.

Os invito a conocer mucho más de este nuevo proyecto a través de la entrevista que le hicimos en nuestra sección de Youtube "La Silla del Director":

Redactor y entrevistador: Daniel Díaz

Edición y montaje: Mar Ríos

Reseña de "¿Cómo hemos llegado a esto?" y entrevista a su director Gorka Mínguez, un triángulo amoroso que se salta el primer mandamiento de la amistad

2026-04-30T17:57:00.000+01:00

Las obras de teatro pueden ser una buena fuente de inspiración y así lo demuestra "¿Cómo hemos llegado a esto?", la opera prima de Gorka Mínguez que ya trabajó como director y actor en la obra y ahora se ha atrevido a llevarlo al medio audiovisual. Un entretenido retrato de las relaciones humanas donde destaca el trabajo de sus tres actores protagonistas, Macarena Gómez, Kira Miró y Yeyo Bayeyo. En Cinedania.es hemos tenido la oportunidad de charlar con el director Gorka Mínguez sobre esta película que se estrena hoy 30 de abril en 23 cines de toda España.

Se dice que el primer mandamiento de la amistad es no liarse con una expareja de tu mejor amigo/a y saltárselo puede ser motivo de ruptura total. Eso ocurre en "¿Cómo hemos llegado a esto?", una película que en menos de hora y media te presenta un encuentro muy incómodo entre dos amigas y la expareja de una de ellas que ahora es la pareja de la otra. Ese momento nos trae situaciones cómicas, dramáticas y en algún caso hasta trágicas.

Gracias a tres grandes interpretaciones y unos diálogos rápidos e ingeniosos, el espectador puede disfrutar de un guion que mantiene su esencia teatral y que evita moverse más allá de esa terraza de hotel.

Os invito a conocer mucho más de "¿Cómo hemos llegado a esto?" a través de la entrevista que le hicimos al director Gorka Mínguez en nuestra sección de Youtube "La Silla del Director":

Redactor y entrevistador: Daniel Díaz

Edición y montaje: Mar Ríos

"Los justos" de Jorge A. Lara y Fer Pérez, entre corruptos anda el juego

2026-04-29T19:06:00.001+01:00

Tras su paso por la Sección Oficial fuera de competición del Festival de Málaga, llega a la cartelera "Los justos" de Jorge A. Lara y Fer Pérez que nos plantea a través de un jurado popular si todos tenemos un precio y si el corrupto nace o se hace. Una apuesta por el dilema moral que abre un interesante debate sobre el propio ser humano y sus circunstancias.

Hay películas donde el casting se antoja fundamental por el peso específico que tienen los personajes en la trama. En "Los justos" este aspecto es clave. Sin grandes escenarios ni efectos, la comunicación verbal y no verbal es el mayor aliciente para el espectador. Y con Carmen Machi, Pilar Castro, Marcelo Subiotto, Bruna Cusí, Vito Sanz, Ane Gabarain, Marina Guerola, Hugo Welzel y Aimar Vega nos adentramos en el siempre controvertido mundo de la ética y la moral.

Y es que Jorge A. Lara y Fer Pérez que han desarrollado la mayor parte de su carrera profesional como guionistas, apuestan por abrir el debate a través del juicio a un presunto corrupto. Lo que inicia con un claro posicionamiento de corrección social, va derivando en algo más real y humano. Si miramos dentro de nosotros mismos encontraremos lados oscuros, comentarios influenciados por lo políticamente correcto y actitudes de clara falsa moral.

Apostando por la comedia pero sin olvidar el drama social, cada personaje busca justificarse para decir lo que realmente piensa, El miedo al juicio social, por encima del juicio legal, es una barrera que una vez derribada, muestra nuestra auténtica personalidad. Con "Doce hombres sin piedad" como claro referente, el sentido del voto que nació claro y rotundo, poco a poco va derivando hacia otros intereses. El problema es que todo lo vemos en la pantalla ni nos resulta ajeno ni nos resulta extraño.

Es inevitable debatir sobre la ética, la moral y la corrupción económica cuando finaliza la película. Y si somos sinceros, seguramente nos veamos reflejados en alguno de ellos porque estos nueve personajes representan a un amplio espectro de la sociedad. Y eso sí que nos tendría que dar miedo.

José Daniel Díaz

"Maracuda" de Viktor Glukhushin, acercando la Prehistoria a los más pequeños

2026-04-27T19:18:00.002+01:00

Se ha estrenado en los cines españoles la película "Maracuda", la aventura de un joven prehistórico que descubre el mundo a través de un viaje donde no falta la magia. Didáctica y sencilla, está muy dirigida a los más pequeños de la casa que disfrutan de series y películas de Clan TV.

"Maracuda" no es innovadora pero sí tiene un encanto especial. La aparición de un pájaro extraterrestre mágico que explica la evolución del ser humano, no deja de ser una original forma de despertar el interés de los niños por lo ocurrido hace millones de años en la Tierra. Con Maracuda, un joven que ansía merecer el respeto de su padre, aprendemos mucho de la Edad de Piedra e incluso descubrimos dinosaurios revividos.

El formato animado recuerda a esas películas que gustan a los más pequeños, muy vistosos, digitales y coloridos. Maracuda se gana al espectador desde el primer momento por su simpatía, generosidad y su carácter humilde. Unos valores que busca la aprobación de los niños, una forma más de transmitir aprendizaje.

"Maracuda" no tiene grandes pretensiones y no se puede analizar desde la crítica más sesuda. Es un producto para el entretenimiento de los niños menores de cinco años que podrán empezar a descubrir cómo eran nuestros antepasados y cómo era la Tierra.

José Daniel Díaz

"Aisha no puede volar" de Morad Mostafa, el drama de la inmigración entre lo real y lo onírico

2026-04-23T20:20:00.002+01:00

Tras su paso por el Festival de Cannes, el primer largometraje del egipcio Morad Mostafa titulado "Aisha no puede volar", se estrena en los cines españoles para poner énfasis en el drama de la inmigración. A través de un relato pausado y con especial atención al apartado visual, la protagonista se debate entre las mafias locales y los abusos laborales.

Muchos pensarán que la inmigración ilegal es un tema que afecta fundamentalmente a Europa o a nuestro país en particular pero es un drama que afecta a muchos más lugares del mundo. Uno de ellos es Egipto que acoge de manera irregular a sudanesas que buscan oportunidades e ingresos que poder mandar a su familia en Sudán. En ese contexto, son carne de cañón para que las bandas locales y africanas se aprovechen de la situación.

El director se aleja de la mirada tradicional para utilizar momentos oníricos y acercarse al subgénero del "body horror", una apuesta original para dar más fuerza al mensaje. Con una protagonista que apenas transmite sus emociones, encerrada en su propia supervivencia, las impactantes imágenes que afectan a su mente y cuerpo resultan realmente relevantes.

Se podría criticar su extensa duración y el ritmo excesivamente lento de la película aunque lo compensa con unas imágenes que se quedan en la retina y una ciudad como El Cairo que se muestra de una manera cruda y sucia. Morad Mostafa demuestra unas bases muy atractivas que será interesante descubrir cómo las desarrolla en próximas películas.

Drama social con tintes de horror porque si hay un género que define la situación de estas personas es el de horror social.

José Daniel Díaz

"Michael" de Antoine Fuqua, espectáculo cinematográfico para los seguidores del rey del pop

2026-04-22T21:23:00.002+01:00

"Michael" de Antoine Fuqua no se puede valorar desde la crítica cinematográfica más clásica. Estamos ante un evento que puede llevar al cine miles de espectadores con la única pretensión de disfrutar de la música y el baile de Michael Jackson. Defendido con mucha solvencia por su sobrino Jaafar Jackson estamos ante una película simple y llanamente para pasarlo bien.

Cuando acudo a la sala de cine a ver "Michael" no llego pensando en Oscars, premios o papeles estelares. Tan solo busco reactivar mi lado nostálgico y volver a disfrutar de una música que aún hoy sigue siendo una obra de arte. No se puede pedir que la película sea lo que el crítico más sesudo estaría encantado de ver. No podemos buscar drama social, desajustes mentales o adicciones.

Estamos hablando de una leyenda mundial, probablemente la más grande que nos ha regalado la música. Últimamente nos hemos acostumbrado a ver en las películas el lado oscuro de otros artistas como Freddy Mercury o Elton John como si eso fuera motivo de aplauso. Y podría serlo pero no debe convertirse en una obligación. No estamos ante un documental. Y "Michael" deja claro, al menos en esta primera parte, que su enfoque es muy distinto.

En este primer acto que comienza en los años 60 y finaliza en casi los años 90, el foco se concentra en la familia Jackson y en la archiconocida mano dura del padre de familia. Las dificultades del joven Michael por independizarse de las ataduras de su padre se convierte en una trama en sí misma. Pero también es el reflejo de cómo puedes llegar a ser una estrella con mensajes que me parecen especialmente interesantes como el de mantener el misterio reduciendo al mínimo sus apariciones públicas.

Lo mejor que se puede hacer es volver a disfrutar de "Billy Jean", "Thriller", "Bad" o "Beat it". Solo con eso ya vale la pena pagar una entrada. Y vamos a dejar los premios para otros.

José Daniel Díaz

Reseña de "Landa" de Miguel Olid y Gracia Querejeta y entrevista a Miguel Olid, el documental más esperado sobre el actor Alfredo Landa

2026-04-18T15:39:00.002+01:00

Se ha estrenado en cines el documental "Landa" sobre el famoso actor Alfredo Landa fallecido en 2013. Un icono del cine español que tiene en esta película un justo reconocimiento y recuerdo a toda su filmografía. Desde el "landismo" hasta su reconocimiento en un Festival tan importante como Cannes, familiares, amigos, compañeros, directores y críticos analizan toda su carrera profesional. Os compartimos nuestra charla con Miguel Olid que codirige la película junto a Gracia Querejeta.

"Landa" tiene la virtud de no juzgar a la persona retratada. Alfredo Landa se muestra tal y como es, como sus familiares y amigos le recuerdan. Y aunque hay aspectos en los que no todos coinciden como su estado mental en la publicación de sus memorias o en cómo recordar al famoso "landismo" que triunfó tanto en los años 60 y 70, nadie es capaz de restar un mínimo de importancia a su relevancia como figura del cine español.

El trabajo de investigación y documentación es un regalo para los cinéfilos. Se muestran fragmentos impagables de sus películas más recordadas y entrevistas antiguas que nos ayudan a conocer el fuerte carácter que siempre caracterizó al actor. Pero personalmente lo que más valoro son las palabras que le dedican otras leyendas de nuestro cine como Pepe Sacristán o Miguel Rellán. El cariño que transmiten pese a todas las diferencias que hubieran podido tener, es oro puro para el documental.

Si tienes interés en Alfredo Landa o conoces poco de su carrera, "Landa" es una parada obligatoria. "Landismo", Cannes, Goya de Honor, memorias, desencuentros y amistades inquebrantables tienen cabida junto al estupendo repaso cinematográfico que muestra el documental.

Os invito a conocer mucho más de "Landa" a través de la entrevista que le hicimos al director Miguel Olid en nuestra sección de Youtube "La Silla del Director":

Redactor y entrevistador: Daniel Díaz

Edición y montaje: Mar Ríos

"Un poeta" de Simón Mesa Soto, el arte que no da de comer

2026-04-17T17:55:00.002+01:00

Se estrena en los cines españoles la tragicómica "Un poeta" de Simón Mesa Soto, una sarcástica mirada a la sociedad que estuvo nominada a los Goya a mejor película iberoamericana y que se alzó con el premio Horizontes latinos en el pasado Festival de San Sebastián. Una película que es aire fresco en la generalizada monotonía actual del cine, una rareza para reflexionar.

Cuando haces una película nunca sabes si triunfará, si será tal y como la concebiste o si simplemente le llegará al público. Estoy convencido de que Simón Mesa Soto se tuvo que hacer estas preguntas mientras terminaba la post-producción de "Un poeta" porque es una rareza tan extraordinaria que a nadie le habría sorprendido que no hubiera sido bien entendida.

Sin embargo es justo premiar al que arriesga, al que propone y al que encuentra nuevos lenguajes dentro del cine. "Un poeta" no es solo la mirada incomprendida de un artista que no se ubica en el mundo, que sigue con la esperanza de vivir de su arte. Es algo más. Es una reivindicación del "rarito", del que hace poesía en un mundo de tik toks e instagrams y que es incapaz de mantenerse a sí mismo. La sensación de vivir en una época que no te tocaba y buscar con avidez al que se parece a ti, a quien puedes ver como tu propio reflejo.

A día de hoy, ¿quién se interesa por un club de poesía?, ¿qué joven es idolatrado por tener el poder de la palabra y la metáfora? Ya no quedan Cyranos que enamoren con sus emociones trasnochadas. Ahora, todos aquellos que fueron idolatrados, se esconden tras la barra de un bar esperando que algún desdichado les escuche. Y así es Oscar Restrepo, el personaje que interpreta a las mil maravillas Ubeimar Ríos, un pobre hombre que aún cree en otros tiempos y en otras sociedades. Alguien a quien su propia frustración ha convertido en un cobarde y un rastrero pero que lucha por cambiar.

No es una película que utilice la moralina fácil pero sí refleja la sociedad en la que nos hemos convertido, ésa en que el éxito y el orgullo se mide en dinero. Un mundo en el que si hay un triunfador es porque hay un perdedor al que se ha estafado. Un lugar donde la poesía cada vez tiene menos cabida o se utiliza como un arma de descrédito. Oscar Restrepo habría sido idolatrado en la antigua Grecia o a primeros del siglo XX pero llegó tarde y no sabe adaptarse al mundo que le tocó.

"Un poeta" es de esas películas escondidas que hay que ver porque su mensaje es tan potente como el guion e interpretaciones. La evolución del protagonista es coherente y su final el que podíamos esperar. Lo triste es que, entre tanto ruido, la poesía nunca llega a sonar con fuerza. La poesía no da de comer.

José Daniel Díaz

Reseña de "Calcinación" y entrevista al director Luis Navarrete y al actor Javier Hernández, salud mental entre lo real y lo irreal

2026-04-15T09:00:00.029+01:00

Este fin de semana se estrena cine independiente español de los que hace pensar, se trata de "Calcinación" de Luis Navarrete. Una película interpretada por Javier Hernández, Vanessa Pámpano, Bernabé Fernández y Antonia San Juan que juega continuamente con lo real y lo irreal en una batalla constante interna del protagonista.

Luis Navarrete dirige su segundo largometraje tras "El fantasma de la sauna" con un enfoque muy distinto. "Calcinación" es una batalla del protagonista contra sí mismo, contra sus miedos, sus temores y su propia existencia. En ese estado de continua ensoñación, la melancolía y la tristeza se adueñan de él. Un estado en el que muchos podemos sentirnos identificados.

Al final se plantea un tema que cada vez gana más peso en nuestra sociedad como es la salud mental. Algo que hasta hace no mucho era una gran incomprendida, poco a poco ha ido generando una mayor concienciación social. Álvaro, interpretado por Javier Hernández, refleja esa depresión casi crónica en una sociedad que busca continuamente la alegría.

Con una puesta en escena y una ambientación que bien podría recordar a la mítica "Abre los ojos" de Amenábar, el protagonista lucha contra sus demonios en un continuo debate entre lo cierto y lo que imagina. Con una demoníaca Antonia San Juan dando la réplica, a veces ni sentimientos tan fuertes como el amor son capaces de sanar la mente.

Nos encontramos ante una apuesta arriesgada. El guion no es perfecto pero ayuda a reflexionar y los actores cumplen con unos personajes llenos de aristas. Se echa en falta algo más de desarrollo y de ritmo pero cumple el propósito y consigue generar debate a la salida del cine. Hay otro cine español que golpea fuerte a la puerta.

Os invito a conocer mucho más de "Calcinación" a través de la entrevista que le hicimos al director Luis Navarrete y al actor Javier Hernández en nuestra secciones de Youtube de "La Silla del Director" y de "El Rincón de la Interpretación" respectivamente:

Redactor y entrevistador: Daniel Díaz

Edición y montaje: Mar Ríos

"La habitación de Mariana" de Emmanuel Finkiel, para no olvidar lo que ocurrió en la ocupación nazi

2026-04-13T09:00:00.112+01:00

La Segunda Guerra Mundial sigue dejando duros y crueles relatos. Emmanuel Finkiel adapta la novela de Aharon Appelfeld para escribir y dirigir "La habitación de Mariana", una historia de supervivencia y necesidad. En un complejo papel la actriz Mélanie Thierry interpreta a una prostituta con la responsabilidad de salvar a un niño judío.

La Ucrania de 1942 poco se parece a la Ucrania actual pero sí convergen en algo, la guerra. La ocupación nazi fue una terrible condena que obligaba a sobrevivir de la mejor forma posible. En "La habitación de Mariana" nos encontramos con una de tantas historias que sucedieron en esas terribles fechas. Emmanuel Finkiel dirige la película desde el agujero del armario para tener la visión de ese pobre niño judío de 12 años que depende de una mujer prostituta para salvar la vida.

Con él descubrimos el miedo a los nazis y a cualquier persona que accede a la habitación porque todos pueden delatarle. En esas circunstancias solo puede confiar en esta amiga de la infancia de su madre a la que le cuesta mantener su propia supervivencia. Mélanie Thierry, nominada al César francés por este trabajo, interpreta con mucha fuerza y dedicación a esta joven superada por la vida que le ha tocado.

Con un guion que bien nos podría recordar a nuestra "La trinchera infinita" de los Moriarti, el director trabaja en la evolución de ese niño obligado a ser un adulto demasiado rápido. Porque aunque el protagonismo pertenece a Mélanie Thierry, todo está vinculado con Hugo, el joven judío al que esconde en un armario. Desde su mirada de niño observa los peores demonios del ser humano y descubre poco a poco que su inocencia se va perdiendo.

No estamos ante una historia original ni es una película que sorprenda en cada fotograma, pero es un recordatorio más de lo que pasó en la Segunda Guerra Mundial y que no queremos que se vuelva a repetir. Con unas excelentes interpretaciones, una ambientación perfecta y una puesta en escena directa y al grano, "La habitación de Mariana" nos deja un nudo en el estómago.

José Daniel Díaz

Reseña del documental "Black water" y entrevista a su director Natxo Leuza, la emergencia climática ya es una realidad

2026-04-12T18:04:00.003+01:00

El próximo 17 de abril se estrenará en la cartelera el documental "Black water" de Natxo Leuza. A través de la situación que se vive en determinadas zonas rurales de Bangladesh, asistimos asombrados a las consecuencias del cambio climático que obliga a miles de personas a abandonar sus hogares y desplazarse a las grandes ciudades. Muy interesante la charla que tuvimos con el director sobre esta situación y las condiciones en que filmó el documental.

Las consecuencias del cambio climático son evidentes. El documental pone el foco en la emergencia climática con la situación que se está viviendo el Bangladesh donde cada día miles de personas se tienen que desplazar para huir de las inundaciones, la subida del nivel del mar y los ciclones. A través de la mirada de una familia en situación extrema, descubrimos las graves consecuencias de esta situación que mañana nos podría afectar a nosotros.

Os invito a conocer mucho más de "Black water" a través de la entrevista que le hicimos al director Natxo Leuza en nuestra sección de Youtube "La Silla del Director":

Redactor y entrevistador: Daniel Díaz

Edición y montaje: Mar Ríos

"Auri" de Violeta Salama, un homenaje a todas las mujeres que sacrifican su vida y sus sueños por la familia

2026-04-08T10:00:00.022+01:00

Tras su paso por el Festival de Málaga, este 10 de abril se estrena "Auri" de Violeta Salama. Una película protagonizada por Cristina Marcos, Karra Elejalde, Marco Cáceres y Numa Paredes que nos cuenta la liberación de una mujer madura. Se agradece el reconocimiento que hace la película a todas esas mujeres que no han tenido la oportunidad de tener su espacio anteponiendo siempre la felicidad de los demás a la suya propia.

Basada en la madre del guionista Samuel Pinazo (aunque podría ser la de cualquiera de nosotros) , Auri es una mujer madura que nunca ha podido disfrutar de la vida. Su marido y su hijo han sido siempre la prioridad. Violeta Salama homenajea a través de este personaje a todas las mujeres que no han tenido oportunidades ni independencia. Sin dinero ni tiempo, es difícil salir del agujero que se ha ido cavando día tras día.

"Auri" plantea qué pasaría si de repente esta persona que bien podría representar a tantas mujeres, pudiera liberarse y vivir su vida. Un desarrollo que empieza mejor que acaba pero que tiene la gran suerte de contar con una Cristina Marcos a la que habíamos echado mucho de menos. Inspiradísima en su papel, demuestra su gran capacidad para cargarse toda la responsabilidad a los hombros y salir ilesa.

Karra Elejalde, Marco Cáceres y Numa Paredes se agarran a su condición de secundarios de lujo para dar categoría a sus personajes. Porque las historias transversales que orbitan sobre la principal tienen su propio recorrido. El hijo que se quedó anclado en sus sueños como deportista o el padre que no ha superado la pérdida de su mejor amigo y se siente solo son claros ejemplos del peso de estos perfiles. Nadie se libra de la infelicidad pese al tono desenfadado de la película.

No es una película perfecta y el ritmo no es constante pero es más que interesante vernos reflejados en rutinas y situaciones que nunca hemos valorado suficientemente. Es hora de la liberación, es la hora de "Auri".

José Daniel Díaz

Te invitamos al preestreno familiar de "Maracuda" en Madrid el próximo 18 de abril

2026-04-06T10:00:00.051+01:00

¡Estamos de enhorabuena! Gracias a VERCINE sorteamos 5 entradas cuádruples para el preestreno familiar de "Maracuda", una divertida película de animación llena de aventuras en la que la Prehistoria sirve de excusa para proponer una emotiva reflexión sobre la responsabilidad, la aceptación y los inevitables cambios que se dan durante el desarrollo a la madurez.

El preestreno se celebrará el próximo 18 de abril a las 12h en el MK2 Palacio de Hielo de Madrid.

Para conseguir una de las entradas cuádruples que sorteamos es muy sencillo. Accede a la publicación del sorteo en Instagram (@cinedania.es) o X (@cinedania) y sigue los pasos que ahí se indica.

¡Y disfruta de una mañana de cine familiar!

Reseña de "Uyariy (Escuchar)" y entrevista a su director Javier Corcuera, las represalias a indígenas en Perú que son un símbolo de la situación actual mundial

2026-04-04T08:57:00.000+01:00

El 9 de enero de 2023, ante el silencio internacional y de los medios informativos, se produjo una masacre en Perú que avergonzaría a cualquier democracia del mundo. Javier Corcuera con su documental "Uyariy (Escuchar)" ha dado voz y dignidad al pueblo indígena asesinado y despreciado desde hace 200 años. El 10 de abril se estrena en los cines españoles.

Javier Corcuera es un documentalista hispanoperuano con trabajos tan relevantes como "La espalda del mundo" que fue premiada en el Festival de San Sebastián, "Invierno en Bagdad" premiada en Málaga e "Invisibles" en la que compartía dirección con Isabel Coixet, Win Wenders, Fernando León de Aranoa y Mariano Barroso y que ganó el Goya a mejor película documental. Su último trabajo antes de "Uyariy (Escuchar)" ha sido "No somos nada" sobre el mítico cantante punk rock, líder de La Polla Records, Evaristo Páramos.

El Festival de Málaga fue testigo de la premiere española de "Uyariy (Escuchar)" de Javier Corcuera. Un documental que arranca con el asesinato de indígenas en Juliaca el 9 de enero de 2023 pero que se convierte en un alegato contra la represión histórica de este pueblo al que se le ha negado la voz y la dignidad. Con música y recuerdos, las víctimas tratan de convivir con la tristeza y el sufrimiento.

Un documental tremendamente necesario para abrir la mirada más allá de nuestras fronteras y entender la gravedad de la situación del mundo donde la violencia y la guerra copan los titulares.

Os invito a conocer mucho más de "Uyariy (Escuchar)" a través de la entrevista que le hicimos al director Javier Corcuera en nuestra sección de Youtube "La Silla del Director":

Redactor y entrevistador: Daniel Díaz

Edición y montaje: Mar Ríos

"Incontrolable (I swear)" de Kirk Jones, descubriendo el síndrome de Tourette

2026-04-02T08:39:00.000+01:00

A veces te sientes casi en la obligación de recomendar una película por su calidad, emotividad o mensaje. El año pasado algo así ocurrió con "La voz de Hind" y ahora, por motivos muy distintos, pasa lo mismo con "Incontrolable (I swear)" de Kirk Jones. Con un magnífico Robert Aramayo interpretando al protagonista, nos encontramos sin duda ante uno de los grandes títulos de la temporada que pone foco en el desconocido y poco entendido síndrome de Tourette.

Basada en una historia real, "Incontrolable" nos narra el duro camino de John Davidson para aprender a convivir con el Síndrome de Tourette. Dirigido y escrito por Kirk Jones, responsable de "La niñera mágica" o "Mi gran boda griega 2", nos encontramos ante una película que rebosa sufrimiento pero también una gran dosis de emoción y humanidad. Es imposible no empatizar con John en su duro camino al autoconocimiento y a la aceptación de su compleja y poco entendida enfermedad.

El síndrome de Tourette es un trastorno neurológico que puede provocar situaciones tremendamente incómodas o incluso conflictivas. Esta película es una muestra más de nuestro rechazo al distinto, del uso de la burla, el castigo o incluso la violencia para afrontar lo que no entendemos.

En la historia de John Davidson hay una gran cantidad de mensajes. Uno de ellos, y muy potente, es el de la familia. ¿Quiénes son tus padres o quiénes se pueden considerar como tu familia? A veces no son los padres biológicos los que ocupan ese rol, otras personas te pueden querer y entender mucho mejor. La relación de John con la madre de su mejor amigo es especialmente enternecedora y valiosa. Las escenas que comparte con ella son las más emotivas y verdaderas de toda la película.

Otro mensaje que cala mucho en la película es la necesidad de tener a alguien que te ayude y valore. Es imposible afrontar situaciones como la de John sin la generosidad y cariño de los que te rodean. A lo largo de la película vas detectando esas personas anónimas que son auténticos héroes y que lamentablemente no son mayoría.

Y no podemos olvidarnos del actor protagonista, Robert Aramayo. Impresionante. Cuando acaba la película entiendes perfectamente que ganara el BAFTA a mejor actor por encima de Chalamet o Di Caprio. Es simplemente excepcional su trabajo. Y mi recomendación es verla en versión original para valorar adecuadamente su actuación. Si no, os perderéis muchos detalles y buena parte del éxito de su interpretación.

En Cinedania.es tuvimos la suerte de asistir a la premiere de la película en Madrid con la presencia del director Kirk Jones y el actor Robert Aramayo. Os dejamos unas instantáneas de esa presentación:

Con estreno el próximo 10 de abril, es una película que no podéis perderos. "Incontrolable" reúne todos los requisitos que pedimos a una buena película: emoción, humor, drama y mensaje. Brillante.

Redactor: José Daniel Díaz

Fotos: Mar Ríos

"Mary Anning y la playa de los dinosaurios" de Marcel Borelli , la valentía de defender aquello en lo que crees

2026-03-27T11:47:09.509+00:00

Siempre nos gusta destacar algún estreno que merezca la pena pero que apenas tenga promoción o poco público conozca. Es el caso de "Mary Anning y la playa de los dinosaurios" de Marcel Barelli, una película de animación muy bonita y reveladora sobre la primera paleontóloga reconocida como tal. Un alegato por la igualdad y la lucha para defender la verdad.

Ya en 2020 el director Francis Lee escribía y dirigía "Ammonite" que contaba la supuesta relación sentimental entre la paleontóloga Mary Anning y Charlotte Munchinson, una mujer casada. Lo cierto es que nunca se demostró tal relación y la película, interpretada por Kate Winslet y Saoirse Ronan, se quedó en una imagen sesgada de una mujer clave para la ciencia.

Ahora "Mary Anning y la playa de los dinosaurios", en otro formato y con la mirada puesta en sus inicios como paleontóloga con apenas 12 años, curiosamente se permite menos licencias que el título anterior y resulta más creíble. Aunque su público objetivo sea infantil y juvenil, esta película da una valiosa lección a pequeños y grandes. La lucha de Mary Anning en el siglo XIX por demostrar la existencia de seres vivos millones de años atrás y, de paso, reforzar el peso de las mujeres en la sociedad, la ha convertido en un referente femenino en el ámbito científico y social.

Presentada en el prestigioso Festival de animación de Annecy y en la Seminci de Valladolid, con una animación aparentemente sencilla pero muy elegante, desarrolla una preciosa historia que muestra la valentía de una mujer sin apenas estudios y de una clase social humilde. Mary Anning es un referente para el feminismo y para la ciencia, una persona a la que admirar.

En poco más de una hora conocemos y admiramos a una niña dispuesta a enfrentarse a los mayores por sus creencias, aunque sea molesta para los estándares establecidos. Pero también demuestra que el apoyo de las personas más cercanas y de aquellas que confían en ella, son un impulso totalmente necesario para alcanzar los objetivos.

Ya podéis disfrutar en cines de una película directa, entretenida, biográfica, científica y, sobre todo, muy didáctica. Conocer a Mary Anning debería ser asignatura obligatoria en las escuelas para que muchas más Mary Annings se atrevan a romper con lo establecido y defiendan aquello en lo que creen.

José Daniel Díaz