Anna Faris y Regina Hall en Scary Movie (2026)

Tras una escena de apertura que parodia directamente el prólogo de Scream VI, con un cameo sorprendente, donde lo soez y lo cafre van de la mano del humor “muy negro” y escatológico, Scary Movie (2026) entra de lleno en la parodia más absurda, deudora de la saga Aterriza como puedas (guiño incluido), desmontado películas del terror actual como La sustancia, Weapons, Se lo que hicieseis el último verano (2025), Longlegs, Los pecadores… Usando como guía el guion de Scream (2022), esta Scary Movie (2026) se ríe de sí misma como saga y por supuesto de las decisiones creativas que tomaron o toman actualmente los estudios de cine. Es una crítica muy fina esa “falsa nostalgia” que tratan de vendernos actualmente. Ese final no es nada gratuito. 

Michael Tiddes (50 sombras muy oscuras), hombre de confianza de los Wayans, es el encargado de dirigir con gracia las gracietas de estos tipos que tienen muy mala leche. Parece que ha tomado como referente, mucho más que las anteriores entregas, a los hermanos Zucker (Jerry y David) y Jim Abrahams, maestros de la parodia cinematográfica y el absurdo. El momento donde se ríen de fondo de Destino final: Lazos de sangre así lo demuestra. También hay que apuntar la parodia directa a Las guerreras K-pop (momento de aplauso en la sala) y el momento retrasmisión de youtube que recupera la mejor esencia de la primera entrega. 

Cheri Oteri y Dave Sheridan en Scary Movie (2026)

Anna Faris sigue siendo una de las reinas de la comedia actual y aquí demuestra que es capaz de reírse de si misma y no morir en el intento. Reginal Hall y su parodia de El sótano de Ma, con peluca incluida, es imprescindible. Y Marlon Wayans (El mejor (2025)) resulta igual de cansino que en las anteriores entregas, pero hará las delicias del público más irreverente de la sala. 

En resumen, Scary Movie (2026) puede ser la mejor secuela desde el original. Sabe muy bien reírse del momento actual que vive el cine de terror (atentos al guiño al termino “elevado”) y por supuesto sabe reírse de sí misma, a la par que hacer crítica social (el chiste sobre Trump es magnífico). Si este es el camino, y el público responden, no tardaran en llegar más secuelas. 

Lo mejor: Su humor cafre, soez, y sin pelos en la lengua. 

Lo peor: El carisma de algunos personajes juveniles. 

Puntuación: 8/10

Chiwetel Ejiofor en Backrooms

Un vendedor de muebles, con algún trauma que otro, encuentra una extraña habitación en el sótano de la tienda en la que trabaja. Tras días de investigar esa extraña habitación, se lo contará a su terapeuta. Un par de días después el vendedor desaparece tras entrar en la habitación y la terapeuta decide ir en su rescate. Este es básicamente el argumento principal de Backrooms, un guión con muchísimas lecturas y muchísimos interrogantes. Este fenómeno nace de los propios vídeos que colgaba el director en youtube desde 2022, cuando tan solo tenía 16 años. Con ellos creo un universo que continúa en su película. Son de obligado visionado para aquellos que quieran saber más sobre este portento cinematográfico. Backrooms propone “un juego” que si se entra en él puede resultar muy agradable pero si no se hace partícipe puede resultar un soberano ladrillo.

Parsons usa un lenguaje cinematográfico muy de actual, muy cercano al del videojuego. La primera persona o plano subjetivo es su principal arma. Con ella hace partícipe al espectador en todo momento de la experiencia. Enmarcada dentro del género de terror por muchos, Backrooms puede resultar más cercana a la ciencia ficción en lo que a su esquema se refiere. Si es verdad, que tanto el diseño de sonido como sus inquietantes encuadres la enmarcan en el género del “susto”, aunque carezca de ellos. Lo que sí está claro es que Parsons tiene al director David Lynch (Corazón salvaje) con un gran referente.

Renate Reinsve en Backrooms

Backrooms es una cinta de “caretos”. Ver cada una de los rostros de Ejiofor y Reinsve cuando se encuentran con ¿interrogantes? es pura poesía, pues representan estupendamente las caras de muchos espectadores durante la proyección. Al jugar con la primera persona en la planificación, los rostros de sus protagonistas también nos hacen partícipes de la experiencia. Y Duplass es pieza fundamental en la cinta, por lo que no apuntaremos nada más.

En resumen, Backrooms es una película arriesgada pues no es para todos los públicos a pesar de sus agresiva campaña publicitaria. Es una experiencia audiovisual casi en primera persona, que deja mucho al imaginario del espectador (algo que tampoco es agradable para gran parte del respetable). Generará miles de teorías a la salida del cine. Es el principio de “algo”, que obliga, si se quiere saber más, a ver los cortos de este joven director. Por supuesto ya se ha anunciado una secuela que no tardará mucho en llegar a nuestras pantallas.

Lo mejor: La inmersión audiovisual.

Lo peor: No es una cinta para todos los públicos.

Puntuación: 5/10

Camila Mendes y Nicholas Galitzine en He-Man y los Masters del Universo

Es fácil imaginar que en Mattel alguien pensó que su otra gran línea de juguetes (si Barbie estaba enfocada a las niñas, estos otros juguetes estaban enfocados a niños) tenía potencial para repetir la misma jugada. Tocaba revivir a los Masters del Universo, unos juguetes que en los años 80 alcanzaron cotas de popularidad inmensas entre los niños del momento gracias a la mezcla de lo que estaba de moda en ese entonces: bárbaros, héroes musculosos y ciencia ficción fantástica.

Lo que pasa es que He-Man es lo que es. A pesar del culto que despertó con el tiempo esa franquicia (con series de TV de animación para los más pequeños de la casa, una película maldita, figuras de colección, videojuegos… de todo, pero siempre para público minoritario después de los 80), los Masters del Universo no dejaban de ser juguetes para niños. Y dejadme que recalque esto de “para niños” una vez más. La popular serie de animación de Filmation no era para chavales de 8-12 años. Ni para preadolescentes. No. Esa serie era para niños de 3-7 años. Moralejas, cero violencia, los populares memes de la risa… Algo así como Peppa Pig hoy en día. Lo siento, pero es así.

Digamos que en eso se han enfocado Amazon MGM Studios, Mattel y su director, Travis Knight (Bumblebee), hijo y heredero del fundador de Nike por cierto, para revivir la franquicia y traer de vuelta a 2026 esta nueva visión de He-Man y los Masters del Universo. ¿El resultado? De manual en este tipo de producciones. Actores tipo B (conocidos pero sin caché, en papeles principales) arropados por actores tipo A (estrellas de cine de primer nivel en papeles secundarios o de villanos) para así amortizar el presupuesto (estimado en 170-200 millones de dólares) y que la producción luzca lo mejor posible. ¿Os suena lo que hicieron en 1977 con esa peli llamada… La Guerra de las Galaxias? Pues eso.

Idris Elba en He-Man y los Masters del Universo

¿Y lo logra? Sí. No podemos decir otra cosa. Cierto que peca de los pecados de todo cine de ahora (CGI brutal en un plano y al siguiente un CGI que parece inacabado), una duración excesiva (2 horas 20 minutos… ojo) y demasiada “frase” para el meme, el TikTok o el aplauso. Nada que no sepamos (pensad que Marvel ha creado su imperio usando todas estas herramientas y todos los que estáis leyendo esto habéis gritado como locos con Tony Stark y su pausa antes de decir eso de “I am Iron Man” y chasquear los dedos). Aciertos tiene muchos. Desde el reparto (no se puede molar más que Idris Elba (Zootrópolis 2) o que Alison Brie (Together) como Man-At-Arms o Evil-Lyn respectivamente) hasta el fanservice para los muy cafeteros. Si conocéis la franquicia lo vais a gozar con los detalles. Si no la conocéis, os vais a reír y disfrutar de esos mismos detalles. Amén de una BSO espectacular (con guitarras de Brian May, el guitarrista de Queen) y un diseño de producción excelente, como no podía ser menos. Y muchas, cuando digo muchas, son muchas, escenas de acción.

¿Desaciertos? También. Para mí el principal es la duración. En algún momento en los últimos 20 o 25 años hemos normalizado que estas pelis duren 132 minutos. He-Man y los Masters del Universo no necesitaba más de 140. Esa es la realidad. ¿Y por qué? Repito que tú, José Luis, a lo mejor estás muy emocionado por ver la peli, pero lo siento, el público no eres tú. Es ese chaval de 6-7 años que va a ir con su padre y su madre, sus tíos, primos, abuelos, deseando ver qué es eso que los mayores le hablan tanto. Y la peli se puede hacer farragosa para los más pequeños. Y eso da pie a otro problema. Un chaval de 12-15 años puede percibir que la peli es demasiado infantil. Y quedarse en tierra de nadie en este tipo de producciones es un riesgo que puede condenar la película. Si los más peques no la aguantan y los más mayores la entienden
como demasiado infantil… tenemos un problema.

Travis Knight ya demostró como director que era capaz de hacer este tipo de cine. No obstante, es el director de la mejor entrega de Transformers hasta la fecha, Bumblebee de 2018. He-Man y los Masters del Universo no es tan redonda. Tiene virtudes, evidentemente. Pero tiene algún “fallo” (me niego a llamarlo fallo) que le puede salir caro. Ya veremos que pasa. Solo os digo que os quedéis hasta el final-final (todos los créditos, entera) porque tiene varias escenas post-créditos. Claramente la intención es hacer toda una franquicia alrededor de este nuevo universo. Y paga Amazon Prime, así que… por dinero no será (atentos a los product placement que nos cuelan durante todo el metraje). Ah… el puñetero tigre (fantasía infantil de mi generación y que en la peli de 1987 nos quedamos sin ver) sale poco, pero EL MOMENTO de la película es suyo. No os digo más.

Nicholas Galitzine en He-Man y los Masters del Universo

En resumen, He-Man y los Masters del Universo es una película bien contada, que no esconde ni se avergüenza de su origen (pensad que todo esto viene de una línea de juguetes de hace más de 40 años y de una serie de TV de animación enfocada al público más infantil de la casa), pero que curiosamente se puede hacer un poco espesa para los más pequeños. Es un bofetón de nostalgia para los que ya no cumplimos 45 en adelante. Si queréis que lo diga de otra manera, atended. Si tenéis un poco de alma, algo de nostalgia y os apetece revivir aquello un poco, id a verla. Sin duda. Disfrutadla. No busquéis tres pies al gato. Son juguetes. La peli es un episodio de la serie de Filmation mezclada con esas batallas que nos montábamos en nuestro cuarto con los muñecos. Punto.

Lo mejor: El reparto. En concreto Nicholas Galitzine (Las ovejas detectives) es toda una sorpresa. Pero están estupendos todos.

Lo peor: 20 o 25 minutos menos de metraje no le hubieran sentado nada mal a la peli.

Puntuación: 6/10

Robert Pattinson y Zendaya en El drama

Uno de los principales problemas de cine actual es que muchos intentar contar historias que no dan para más de hora y media. Se empeñan en querer contar todo con pelos y señales, alargar el metraje en exceso y hacer que lo que iba bien termine cayéndose por culpa de no saber donde cortar. El drama no se salva de esto. La cinta dura hora y cuarenta minutos, un metraje más que permisivo para disfrutar de una historia compacta y donde parece que nada se va a alargar en exceso. Pero nada más lejos de la realidad, una vez que la cinta ha mostrado todas sus cartas y donde, supuestamente, la acción de esta debería ir desencadenándose sin miramientos, la cinta cae en una serie de decisiones algo rocambolescas, predecibles y repetitivas para que el espectador entienda cual es el punto al que quiere llegar el director. Pero es una cinta donde no hace falta dar todo masticadito al espectador, pues es fácil de seguir. Sus primeros minutos consiguen enganchar por la química de los dos protagonistas, porque la trama es interesante y quieres ver hacía donde va todo, pero hay escenas que no vienen a cuento dentro de la propuesta.

Pero aún así, El drama es una cinta notable. Es una cinta que plantea cuestiones interesantes sobre el matrimonio, la pareja y los secretos que guardamos todos. Esta diseñada para crear estos diálogos al salir del cine, durante la cena o durante el paseo hasta casa para seguir conociendo a la persona que tenemos al lado. Al final El drama es una cinta divertida, con un humor negro completamente desatado en donde no sabremos si reírnos o no porque hay situaciones donde puedes soltar una risa tonta donde no procede. Y es que los dos protagonistas, Zendaya y Robert Pattinson, están pasándoselo en grande. Los dos consiguen llevar el peso de la historia sin despeinarse, saben medir perfectamente los tempos del drama y la comedia para ir de su mano. Ambos también saben muy bien cuando generar tensión y malestar en el espectador. Los secundarios que los acompañan cumplen bien, destacando, como siempre, a la inmensa Alana Haim, a la que pudimos ver en Licorice Pizza y en Una batalla tras otra. Haim es el punto necesario entre los dos protagonistas para que las cosas fluyan. Tiene momentos de aplauso.

Zendaya y Robert Pattinson en El drama

En definitiva, El drama funciona mejor cuando confía en la premisa y en el magnetismo de sus dos protagonistas que cuando insiste en subrayar una y otra vez sus ideas. No es una película redonda, pero sí tiene la suficiente personalidad, mala leche y encanto como para generar una conversación al finalizar la proyección. Puede que no todo lo que propone llegue con la misma precisión, pero cuando acierta lo hace de lleno, y eso basta para que merezca la pena pagar la entrada.

Nicolas Cage en Spider-Noir

Quizás me esté enarbolando sobre lo que estoy diciendo de la serie, pero es que desde hace tiempo el personaje a tomado un rumbo realmente interesante fuera de las entregas Vengadoras y más centradas en sus propias aventuras. Lo que llama la atención de Spider-Noir es que no abusa en ningún momento de mostrar al personaje, de tenerlo en pantalla, sino que es una serie que se va cociendo a fuego lento para rematar por todo lo alto. En ese sentido, quizás, muchos de los que esperen una serie con acción en todo momento van a llevarse una desilusión, pues Spider-Noir busca más ser una serie que sigue un misterio y ver como nuestro protagonista, Ben Reilly, va realizando su investigación de porque hay seres con superpoderes en la sociedad. En todo momento somos testigos de como se usan los elementos típicos del cine negro para crear la atmosfera del personaje. Todo esto viene con cliffhangers increíbles, planos cerrados de los personajes, mucho humo de tabaco y traiciones que no se esperan. En todo momento tienes la sensación de estar completamente dentro de una cinta clásica de los años cuarenta. A esta inmersión también ayuda que la serie está en dos formatos disponibles: Blanco/negro y en color. Aquí la he visto en blanco/negro para meterme más de lleno en la historia que me querían contar, por lo que he disfrutado muchísimo toda la estética, el como está rodada y la sensación que consigue trasmitir.

Pero lo que más llama la atención es ver a un personaje más maduro, más oscuro y que, con la edad que tiene, la vida de superhéroe ya no le interesa lo más mínimo. Y más teniendo en cuenta lo que le sucedió en el pasado. Pero es todo esto lo que hace que Spider-Noir algo más especial, pues estamos acostumbrados a ver un Spider Man juvenil, un Spider Man más joven que es capaz de hacer mil piruetas y derrotar a los malos. En Spider-Noir no es así, es cierto que sigue teniendo la fuerza, el sentido arácnido y sus telarañas, pero la edad no perdona y el personaje lo pasa mal cada vez que le dan, que le golpean entre muchos y que, su agilidad, está un poco oxidada. Ver a un Spider Man ya mayor, ya lejos de querer seguir siendo ese héroe es algo que realmente gusta ver. A todo esto, se le añade el buen hacer de Nicolas Cage que está disfrutando muchísimo llevado sus tics, sus dejes y su forma de actuar a un personaje que le viene ni que pintado por todo lo que he dicho anteriormente. También podría hablar de los villanos que aparecen, pero eso es mejor que lo vayan descubriendo los espectadores, pues hay un par de ellos que serán reconocidos incluso por quienes nos sean fans del personaje.

La Araña en Spider-Noir

En definitiva, Spider-Noir funciona como una reinterpretación de lo que conocíamos del personaje, sino también como una prueba de que todavía se pueden encontrar caminos nuevos dentro de un personaje tan explotado como Spider Man. Su apuesta por la contención, por la atmósfera y por un protagonista castigado por el tiempo y sus propios fantasmas la convierten en una propuesta interesante y mucho más efectiva del que algunos podrían esperar a simple vista. Si la serie mantiene este pulso y sigue profundizando en su misterio y en la decadencia de su mundo, estamos ante una de las versiones más sugerentes y especiales que se han hecho del personaje en muchísimo tiempo.

La canción que las desmelena en un karaoke, sus personajes, el vestuario o la hipotética segunda temporada son algunos de los temas que tratamos con este espectacular trío.

Se tiene que morir mucha gente es una serie creada por Victoria Martín, que también dirige un par de episodios, y dirigida por Sandra Romero (Por donde pasa el silencio) y Nacho Pardo (Válidas).

Anna Castillo, Macarena García y Laura Weissmahr en Se tiene que morir mucha gente

Tres amigas del colegio se reúnen para la fiesta de revelación del sexo del bebé que espera una de ellas. Esta es la premisa de Se tiene que morir mucha gente. Pero si añadimos que una de ellas está todo el día empastillada y tiene como alter ego a su yo de la infancia, otra es una actriz que trabaja de camarera y sale con una influencer, y la embarazada está casada con un señor que le triplica la edad y se fuga de casa, la locura está servida. Todo este cocktail ofrece momentos tremendamente divertidos, pero tras ellos, y si lo pensamos fríamente, se encuentra un relato generacional que desprende mucho drama (compartir piso, trabajos no reconfortantes, parejas tóxicas, sueños, soledad, ansiedad…).  

Se tiene que morir mucha gente está muy bien resulta. Sus episodios pasan volando y dejan con ganas de más. Tiene un ritmo impecable, y su dirección está a la altura. Pocos exteriores, una planificación al servicio de sus tres protagonistas, y un uso de la música y los sonidos muy precioso para no ocultar un discurso y una batería de chistes gamberros que dejarán ojipláticos a más de uno (atentos la comparativas de Bertín Osborne, la Reina Sofía o Malala). El recurso de “insertar” a Sofía Otero en grandes momentos es magnífico, hay que destacar aquel con la doctora, y todos aquellos donde insulta con desprecio (son muchos) al resto de personajes.

Sofía Otero y Anna Castillo en Se tiene que morir mucha gente

La química que han creado las tres protagonistas es magnífica. De todos es conocida la amistad entre Castillo y García, y eso se nota en cada minuto de pantalla. Y han hecho partícipe de ese juego a la imponente de Weissmahr. Castillo y sus remates son dignos de aplauso, García y sus tontunas, y sus “gordí”, retratan muy bien la parte pija de su personaje, y Weissmahr es quien representa a la más centrada dentro del grupo sin ser un claro ejemplo de ello. Pero sin lugar a dudas, quien se va a llevar la simpatía del público desde su primera escena es la joven Otero. Oírla decir recitar barbaridades es pura poesía. 

En resumen, como todo lo que toca Victoria Martín, Se tiene que morir mucha gente va a ser un éxito, y merecido. Estamos ante una serie irreverente, mordaz, divertida, y con mucha crítica social de fondo. Es un retrato generacional muy divertido y duro. Esperemos que haya más entregas. 

La canción de karaoke que les hace desmelenarse, el origen del proyecto, los cameos del editor y del grupo musical Amaral, y la música en la serie son algunos de los temas que tratamos con este trío tan divertido.

Se tiene que morir mucha gente esta protagonizada por Laura Weissmahr (Yo no moriré de amor), Macarena García (Un hijo) y Anna Castillo (Mi querida señorita (2026)).

Aquella trastada de juventud, el origen del proyecto, el personaje de Saturnino, rodar en una barca o el formato de imagen, son alguno de los temas que tratamos con este longevo actor y esta joven promesa.

Dos días esta producida por Películas Pendelton, productora detrás de éxitos como El milagro de P. Tinto o Campeones.

John Krasinski en Jack Ryan, de Tom Clancy: Guerra encubierta

El director de la CIA requiere de los servicios de Jack Ryan, que ahora es un civil, para un favor personal. Este favor se convierte una nueva misión que llevará al personaje desde Nueva York a Dubái, pasando por Londres, a enfrentarse al pasado de quien le encomendó el favor. La historia de Jack Ryan, de Tom Clancy: Guerra encubierta, al igual que ocurría en la serie es una historia inspirada en otras aventuras del personaje de las novelas, pero totalmente nueva. Aun así, la aventura no resulta tan original como aparenta, y cuenta con innumerables momentos de verborrea donde parece que todo es sofisticado cuando es una historia muy sencilla de pasado, enemigos, y venganza. Lo más reseñable es la aparición de un personaje que no aparece en las novelas originales, interpretado por Sienna Miller (Horizon: An American Saga – Capítulo 1).

El televisivo director Andrew Bernstein (It: Bienvenidos a Derry), que ya dirigió tres episodios de la segunda temporada de la serie, ha sido el encargado de poner en imágenes Jack Ryan, de Tom Clancy: Guerra encubierta. Una puesta en escena correcta, muy en la línea de lo que ofrecía el serial con un par de escenas para destacar. La persecución y tiroteo por las calles de Londres y el clímax final en el edificio de Dubái. Se agradece un par de guiños a las películas originales de Harrison Ford (Juego de patriotas y Peligro inminente).

Sienna Miller, Wendell Pierce y John Krasinski en Jack Ryan, de Tom Clancy: Guerra encubierta

Al adaptar las novelas a la actualidad y elegir un nuevo Ryan, Krasinski hizo suyo el personaje y ahora es imposible imaginar a otro actor en el papel. Su carisma y su vis cómica son las herramientas que usa para convencernos de que es Jack de joven en el época actual. Imponente, como siempre, aparece el veterano Wendell Pierce (Superman (2025)). Capaz de demostrar de que todo lo que hace, lo hace por su patria. Y la sorpresa la cinta Sienna Miller, una agente de MI6 con bastante carácter y trasfondo, que la neoyorkina criada en Inglaterra borda a la perfección, y reclama su propia película.

En resumen, Jack Ryan, de Tom Clancy: Guerra encubierta recuerda a aquellos episodios dobles que hacían las serie de televisión en algún momento dado y que aquí nos colaban como “La película de la semana”. No es nada novedoso, es como una temporada resumida, pero al menos entretiene en sus ajustado 105 minutos. Del “product placement” del tercer acto hablamos otro día.

Lo mejor: El personaje de Sienna Miller.

Lo peor: No ofrece nada nuevo.

Puntuación: 5/10